Pilote n°2 | Journal des expositions d'automne 2021 au Frac Bretagne, Rennes

FR/EN

Pilote Frac Bretagne

Un journal pour planer dans les expositions

nº2

Pilote nº2 Automne Autumn 2021 exposition exhibition

Nathaniel Mellors Permanent presents p. 2 -> 9 exposition exhibition

Louise Mutrel Vent violet p. 10 -> 13 exposition de collection collection exhibition

Ces dernières années Iván Argote, Maja Bajevic, Estelle Hanania, Piero Gilardi, Guerrilla Girls, Anna López Luna, Vincent Malassis, Randa Maroufi, Anita Molinero, Delphine Reist, Lucy Skaer, Anna Solal, Lucie Stahl

p. 14 -> 19

Peter Friedl Untitled (Corrupting the absolute) p. 20 -> 21

En coulisses p. 22 -> 23

Politique d'accessibilité Policy of accessibility

p. 24 -> 29

À tou.te.s les passager.ère.s Practical informations

p. 30 -> 36

Automne Autumn 2021

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Exposition Exhibition

Nathaniel Mellors Permanent presents -> Galerie Sud

Nathaniel Mellors, The Sophiticated Neandertal Interview 2012-2013 (capture screenshot) © Nathaniel Mellors.

Avec le soutien de With the support of Fluxus Art Projects

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Pilote nº2

[FR]

[EN]

Le Frac Bretagne réunit pour la première fois l’intégralité de la série de films autour de la figure de l’Homme de Néandertal produite par l’artiste britannique Nathaniel Mellors depuis 2012.

Aux films, s’ajoutent des sculptures « animatronics » ainsi que des peintures et des photogrammes. L’ ensemble est conçu comme une installation immersive produisant d’étranges récits à partir de la préhistoire humaine et de l’art, creusant une grande faille dans le temps, ramenant au présent et au futur des êtres très anciens.

Nathaniel Mellors utilise le temps comme un matériau, emploie la période du Paléolithique et l’Homme de Néandertal, ce représentant disparu et énigmatique de la famille humaine, comme un miroir pour regarder le présent.

Frac Bretagne will be the first to present the complete series of Neanderthal man films that the British artist Nathaniel Mellors has produced since 2012. These films will be accompanied by “animatronic” sculptures as well as paintings and photograms. The whole is conceived as an immersive installation, producing atypical stories from human prehistory and art, carving a vast rift in time, transporting ancient beings to the present and the future. Nathaniel Mellors employs time as a material, using the Palaeolithic period and Neanderthal man to represent the disappeared and enigmatic elements of our human family, like a mirror to look at the present.

Ces films et objets absorbent de nombreux genres, dont la science-fiction, l’horreur, le burlesque, le sitcom, le théâtre, le cartoon.

Dans une démarche cannibale d’absorption, Nathaniel Mellors assimile des régimes d’images multiples – celles tremblantes d’un caméscope, celles du cinéma 35 mm, celles d’une esthétique YouTube, etc.

Les registres de langage aussi sont nombreux, les personnages parlent avec des accents de manière érudite, superficielle, crue voire obscène. La langue devient parfois fragmentée, faite d’associations libres et de jeux de mots.

Les êtres eux aussi mutent sans cesse : néandertaliens mélancoliques devenus sapiens, créatures post-humaines hors du temps, ils se retrouvent de films en films et sont joués par des actrices et acteurs connu.e.s du cinéma et de la télévision, relevant ainsi de la mémoire collective.

L’ humour noir est central dans cette exposition. L’artiste explique d’ailleurs à ce sujet : « Je suis très intéressé par le sérieux

These films and objects incorporate many genres, including science fiction, horror, burlesque, sitcom, theatre and cartoons. In a cannibalistic approach to this absorption, Nathaniel Mellors assimilates multiple imaging systems – the shaky film of a camcorder, 35 mm film, YouTube aesthetic, etc.

There are also innumerable language registers: characters speak with erudite, superficial, crude, even obscene accents.

The language is sometimes fragmented, built from free association and word games. The beings themselves are constantly mutating: melancholic Neanderthals who have become sapiens, post-human creatures outside time, they are found in each film, played by well-known actors from film and television, who are thus already part of the collective memory.

Black humour is central to this exhibition. As the artist explains: “I’m very interested in the seriousness of humour and a specific form of not-very-funny funny that can have a destabilising effect on the viewer.

Automne Autumn 2021

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de l’humour et par une forme d’humour située entre le drôle et le pas très drôle qui aurait un effet déstabilisant sur le spectateur. […] Ce sens de la maladresse et de l’humour m’attire vraiment »1.

Les films Le premier film qui apparaît dans l’exposition, intitulé The Sophisticated Neanderthal Interview (2012) met en scène une interview entre un homme contemporain naïf (Truson) et un artiste Néandertal.

Au fur et à mesure que l’entretien progresse, l’Homme de Néandertal se révèle plus intelligent que Truson. Il joue avec lui et ses aspirations au primitivisme, lui révèle les origines de l’art, le contrôle de ce dernier par une puissance ancestrale supérieure (Sporgo). La scène se déroule dans une version du mythique « Eden » à savoir les grottes historiques de Bronson à Los Angeles (lieu de tournage récurrent des westerns hollywoodiens et de la première série télévisée de Batman).

Dans Neanderthal Crucifixion (2021), dernier opus de la trilogie produit par le Frac Bretagne, notamment influencé par la pièce de Jean Cocteau La Voix Humaine (1930), on voit le Néandertalien complètement muté, seul dans sa caverne/ atelier devenue cerveau, matrice des origines du monde et de l’art. Le film est montré dans un monolithe en polystyrène enduit de plâtre, une forme qui semble chercher elle aussi – tout en s’en moquant – à atteindre les profondeurs du temps.

… This is really appealing to me, this sense of awkwardness and humour.” 1

The films The first film in the exhibition, The Sophisticated Neanderthal Interview (2012) features an interview between a naïve contemporary man (Truson) and a Neanderthal artist .

As the interview progresses, the latter reveals himself to be more intelligent than Truson. He trifles with him and his aspirations to primitivism, revealing to him the origins of art, and the latter’s control by an ancestral superior power (Sporgo).

The action takes place in a version of the mythical "Eden", in reality the historical Bronson Canyon in Los Angeles (a frequent location for Hollywood westerns and the original Batman TV series).

Neanderthal Crucifixion (2021), the final opus of the trilogy, produced by Frac Bretagne, is influenced by Jean Cocteau’s The Human Voice (1930): we see the Neanderthal completely mutated, alone in his cave/studio turned brain, matrix of the origins of the world and of art. The film is shown in a plastered polystyrene monolith, which seems to simultaneously mock and reach into the depths of time.

Au centre de l’exposition, comme une sorte d’introduction ou de préquel aux autres films, est projetée la série télévisée Ourhouse (2010 -) qui met en scène la vie de la famille excentrique Maddox-Wilson.

In the centre, like a kind of introduction or prequel to the other films, is the television series Ourhouse (2010– ), which recounts the lives of the eccentric Maddox-Wilson family. When their home is occupied by The Object (Brian Catling) – who they don’t recognize as human, each perceiving it in a different form – the family is thrown totally off balance.

1 Entretien de Nathaniel Mellors par Jacob Fabricius, ArtReview, 21 juillet 2014 : https://artreview.com/feature-nathaniel-mellors/

1 Interview of Nathaniel Mellors by Jacob Fabricius, ArtReview, 21 July 2014: https://artreview.com/feature-nathaniel-mellors/

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Pilote nº2

Une famille déstabilisée lorsque sa maison (« Ourhouse ») est occupée par L’Objet (Brian Catling), qu’elle ne reconnaît pas comme un être humain, chacun.e percevant une forme différente à sa place.

L’Objet commence à manger les livres de la famille et en digérer – littéralement – le contenu. Chaque épisode de la série est construit à partir des textes que L’Objet avale, semi-digère et régurgite. Dans Ourhouse épisode -1 (2015-2016), présenté ici, L’Objet avale The Eternal Present, un livre retraçant 35 000 ans d’art rupestre européen. Dans cette sitcom absurde, le père de famille invente une machine à remonter le temps fonctionnant à partir des déjections pré-historiques et d’une cuvette de toilettes.

Dans Neanderthal Container (2014), Nathaniel Mellors fait réapparaître le personnage du Néandertal sous la forme d’un mannequin en chute libre au-dessus de la vallée de San Joaquin en Californie. Ces séquences filmées en caméra embarquée sont rythmées par des fragments vidéo psychédéliques représentant l’intérieur du Néandertal – un décor de cinéma peuplé de quatre versions différentes du personnage lui-même qui réfléchissent sur leur condition et leur position à l’intérieur de ce corps humain devenu un véritable vaisseau spatial.

The Object begins eating their books, digesting – literally – the contents.

Each episode is constructed from the texts that The Object swallows, semi-digests and regurgitates. In Ourhouse episode -1 (2015–2016), presented here, The Object swallows The Eternal Present, a book tracing 35,000 years of European rock art.

In this absurdist sitcom, the father of the family invents a time machine powered by prehistoric faeces and a toilet.

In Neanderthal Container (2014), produced for the show, Nathaniel Mellors brings back the Neanderthal character as a mannequin in freefall over California’s San Joaquin Valley. On-board camera sequences are punctuated by psychedelic video fragments representing the Neanderthal’s insides – a cinematic set populated by four different versions of the character himself, who each reflect on their condition and position within this human body that has truly become a spaceship.

Ourhouse épisode - 1, 2015-2016 (capture screenshot) © Nathaniel Mellors.

Automne Autumn 2021

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Les objets

The objects

Animés, inanimés, têtes et bustes sont très souvent utilisés dans les œuvres et installations de Nathaniel Mellors.

Ils naviguent entre la sculpture, l’accessoire et l’objet récolté sur le tournage.

Ils semblent à la fois sortis d’un film d’horreur et d’un livre d’histoire.

Les Animatronics comme les photogrammes et les peintures émergent des scripts ; Nathaniel Mellors raconte d’ailleurs vouloir utiliser l'écriture comme un genre de formule secrète pour un développement visuel. Les têtes en plastiline animées hybrident hommes et machines. Ce sont des robots ou des post-humains qui semblent taraudés par un dialogue intérieur entre deux états possibles ou deux personnalités. Figurine de Vénus, buste de Shakespeare consommable à la paille, version « naturaliste » du personnage de Néandertal, prototype préhistoriquefuturiste monstrueux, peintures sorties de l’ombre : ces objets semblent s’inscrire dans des temporalités contraires.

Heads and bust, animated and inanimate, are often found in Nathaniel Mellors’ installations, moving between sculpture, prop and objects found on set.

They look like they could come from a horror film or a history book.

The Animatronics, like the photograms and the paintings, emerge from the scripts; the writing, Nathaniel Mellors says, is to be used as a kind of secret formula for visual development. The animated plasticine heads, human-machine hybridizations, seem to be engaged in an inner dialogue between two possible states or personalities.

A figurine of Venus, a bust of Shakespeare you can consume with a straw, the “naturalistic” character of the Neanderthal, the prehistoric-futurist prototype monster, paintings appearing from the shadows: all these objects seem inscribed in contradictory temporalities.

Neandertal Prelaps © Nathaniel Mellors - Crédit photo : Aaron Kovalchik.

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Pilote nº2

L'artiste The artist

Nathaniel Mellors (1974, Grande-Bretagne Great Britain) [EN]

Nathaniel Mellors graduated from the Royal College of Art in London in 2001. Among the most notable presentations of his work are the Hammer Museum, Los Angeles and Galerie art : concept, Paris (2014); for the Finnish Pavilion at the 57th Venice Biennale with Erkka Nissinen (2017); the New Museum New York (2018); The Box, Los Angeles and Matt’s Gallery, London (2019).

Crédit photo : Ricky Adam.

[FR]

Nathaniel Mellors est diplômé du Royal College of Art de Londres en 2001. Son travail a notamment été présenté au Hammer Museum de Los Angeles et à la Galerie art : concept, à Paris (2014) ; à la 57e Biennale de Venise avec Erkka Nissinen pour le Pavillon Finlandais (2017) ; au New Museum de New-York (2018) ; à The Box, Los Angeles et à la Matt’s Gallery de Londres (2019).

The scripts Nathaniel Mellors writes are the foundation for the production of immersive installations made up of films, sculptures, music, collages, paintings, photograms, performance and critical writing. His works combine the familiar and the absurd, incorporating grotesque and satirical elements, with influences from television, science-fiction series, the films of Pier Paolo Pasolini and the writings of Georges Bataille. They deal with morality, history and power, in a witty, incisive way.

Nathaniel Mellors écrit des scripts sur lesquels reposent une production d’installations immersives composées de films, de sculptures, de musique, de collages, de peintures, de photogrammes, de performances, d’écrits critiques. Ses œuvres associent le familier et l’absurde, incorporent des éléments grotesques et satiriques, trouvent des influences dans la culture télévisuelle, les séries de science-fiction ainsi que dans les films de Pier Paolo Pasolini ou les écrits de Georges Bataille. Elles abordent avec humour et de manière incisive la moralité, l’histoire et le pouvoir.

Automne Autumn 2021

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Nathaniel Mellors

La substance des images, pour une (h)erméneutique contemporaine.

The substance of the images, for a contemporary herm/it/eneutics par by Marie de Brugerolle [FR]

[EN]

« J’ai dit souvent que tout le malheur des hommes vient d’une seule chose, qui est de ne savoir pas demeurer en repos dans une chambre. »1

“I have discovered that all the unhappiness of men arises from one single fact, that they cannot stay quietly in their own chamber.”1

The Sophisticated Neanderthal Interview (2013) est suivi par Neanderthal Container (2014), Ourhouse -1 : ‘Time’ (2015–2016) et Neanderthal Crucifixion (2021) produits pour l’exposition monographique que le Fonds régional d’art contemporain Bretagne consacre à l’artiste.

The Sophisticated Neanderthal Interview (2013) is followed by Neanderthal Container (2014), Ourhouse -1: ‘Time’ (2015–2016), and Neanderthal Crucifixion (2021), produced for the artist’s solo exhibition at the Fonds régional d’art contemporain Bretagne.

Nathaniel Mellors déjoue la linéarité historique par son usage anachronique de figures de style appartenant à un imaginaire cinématographique et d’objets indiciels relevant d’une archéologie contemporaine. Il s’agit de la mise en perspective de la crise du système moderne, tant dans sa nature artistique que dans son économie. L’hybridation du contemporain et du Paléolithique en est le reflet.

De quelle crise s’agit-il ? Celle de la faillite des idéologies (progrès, communisme, universalisme), mises en place aux dix-neuvième et vingtième siècle, début de l’ère scientifique. La scission de l’homme et

Nathaniel Mellors throws historical linearity off course by using anachronistic stylistic devices belonging to an imaginarycinematic world and objects indexed to contemporary archaeology.

It is a matter of putting the crisis of the modern system into perspective, both in its artistic nature and its economy, which is reflected in Mellors’s hybridization of the contemporary and the Palaeolithic.

What crisis does Mellors refer to? To the failure of ideologies (progress, communism, universalism) established in the nineteenth and twentieth centuries, the beginning of the scientific era. The rupture between

1 Pascal (Blaise), Pensées, New York : E. P. Dutton & Co. Inc., 1958, p.39.

1 Pascal (Blaise), Pascal's Pensées, New York: E. P. Dutton & Co. Inc., 1958, p.39.

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Pilote nº2

de la nature, sortie de l’Eden que serait le Néolithique, avec le début de la production d’outils puis la domestication animale et enfin la maîtrise de l’agriculture, permit le stockage de biens, et le début du capitalisme.

Ou bien encore la réalisation du sujet moderne comme être « en crise », c’est-à-dire sans cesse sur la brèche, ou « trop tôt » ou « trop tard », dans le pli du temps, la fracture de l’image, la coalescence temporelle qui qualifie notre présent.

C’est une Histoire feuilletée et sous des aspects drolatiques, une traversée métahistorique, une quête originelle.

humanity and nature—‘leaving Eden’— during the Neolithic period with the advent of tool production, the domestication of animals and finally the mastery of agriculture that enabled the storage of goods and the beginning of capitalism.

Or the realization of the modern subject as being “in crisis”, that is, permanently on the brink, or “too early” or “too late” in the fold of time, the breaking of the image, the temporal coalescence that defines our present. Mellors creates a layered history, a meta-historical voyage with humorous facets, an original quest.

Texte extrait du catalogue de l'exposition : Text from the exhibition catalogue: Nathaniel Mellors Permanent Presents Textes Texts: Marie de Brugerolle, Clayton Eshleman, Nathaniel Mellors, Mattia Tosti Edition Publisher: Frac Bretagne, 2021 Avec le soutien de With the support of: Fluxus Art Projects Coproduction Coproduction: Leeds Beckett University, Matt's Gallery, Londres London et and Galerie Crèvecoeur, Paris Diffusion Distribution: Les Presses du réel Français/Anglais French/English 17x23,5 cm, 156 pages ISBN 978-2-906127-66-1 15 € Disponible à la boutique-librairie Available at the bookstore librairie@fracbretagne.fr

Automne Autumn 2021

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Exposition Exhibition

Louise Mutrel Vent violet -> En façade

Chrome, risographie, 2020 © Louise Mutrel.

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Pilote nº2

[FR]

[EN]

Ancré dans une esthétique photographique résolument saturée et pop, le travail de Louise Mutrel conjugue des icônes populaires et vernaculaires d’ici et d’ailleurs. Sa démarche photographique revendique l’image dans son utilisation contemporaine. Elle évacue toute notion de matérialité attribuée a priori. Ici plus de tirages, de passe-partout ou d’encadrements. L’artiste postule une image libre, toujours en mouvement et dont le nomadisme l’autorise à exister aussi bien dans le flot abyssal des réseaux sociaux ou sous des formes diverses comme des drapeaux imprimés ornant la galerie de la Villette ou aujourd’hui en façade du Frac Bretagne.

With a resolutely saturated and pop photographic aesthetic, Louise Mutrel's work combines popular and vernacular icons from here and elsewhere. Her photographic approach claims the image in its contemporary use. She evacuates any notion of materiality attributed a priori.

No more prints, mats or frames.

The artist postulates a free image, always in movement and whose nomadism allows it to exist in the abyssal flow of social networks or in various forms such as the printed flags adorning the gallery at La Villette or today on the façade of the Frac Bretagne.

Pour autant, si elle sait s’affranchir des codes classiques du médium photographique, Louise Mutrel choisit de ne pas tout confier au numérique pour préférer une approche analogique, mécanique et profondément plastique de la manipulation du visuel par le procédé risographique. Méthode de photocopie offset populaire née au Japon dans les années 1950 et largement utilisée dans le monde entier jusqu’aux années 2000, la risographie confère aux images une texture tramée et une palette chromatique acidulée immédiatement identifiable.

Si on peut voir dans le recours à cette technique d’impression un brin de nostalgie et un goût prononcé pour un certain look « vintage », l’approche de l’artiste est, au contraire, en parfaite cohérence avec une pratique située dans le présent. La risographie agit comme un filtre mais quand nombre de ses contemporains s’adonnent volontiers au « photoshopage » intensif, Louise Mutrel met les mains dans la matière pour jouer en orfèvre avec les couleurs et l’impression.

However, if she knows how to free herself from the classic codes of the photographic medium, Louise Mutrel chooses not to entrust everything to digital technology, preferring an analog, mechanical and profoundly plastic approach to the manipulation of the visual through the risographic process.

A popular offset photocopying method that originated in Japan in the 1950s and was widely used throughout the world until the 2000s, risography gives images a screened texture and an immediately identifiable acidic colour palette. While one might see in the use of this printing technique a touch of nostalgia and a pronounced taste for a certain "vintage" look, the artist's approach is, on the contrary, perfectly consistent with a practice situated in our time.

Risography acts as a filter, but when many of her contemporaries willingly indulge in intensive "photoshop", Louise Mutrel takes hold of the material to brillantly play with colours and printing.

Presented in large format, her images act as giant bumper stickers that corrupt the black façade of the very minimal Frac Bretagne.

Automne Autumn 2021

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Présentées en grand format, ses images agissent comme des bumper stickers géants qui viennent corrompre la façade noire du très minimal Frac Bretagne.

Ce mur de verre impénétrable s’illumine de ses photographies pour devenir un « wall » au sens numérique du terme sur lequel les images défilent, se déploient et construisent une aventure visuelle et rythmée. La supposée neutralité du bâti devient un champ de possibles, une page paradoxalement blanche qui s’anime des pérégrinations esthétiques de la jeune photographe.

Louise Mutrel nous invite à un « voyage routier éclaté », nous dit-elle.

Celui-ci se compose de camions, de paysages montagneux, de rochers, d’un parking (dont les pylônes font délicieusement écho aux alignements granitiques d’Aurelie Nemours) mais aussi de formes plus abstraites dans un collage poétique et onirique à l’échelle du bâtiment.

De ses sujets, elle ne dit pas grand-chose.

Les formes sont offertes à notre regard et charge à nous désormais d’en imaginer l’histoire. Tout juste nous dit-elle que ses cadrages sont inspirés de planches d’estampes japonaises ukiyo-e, « images du monde flottant » en français.

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This impenetrable glass wall is illuminated by her photographs to become a "wall" in the digital sense of the word on which the images scroll, unfold and construct a visual and rhythmic adventure. The supposed neutrality of the building becomes a field of possibilities, a paradoxically blank page that comes alive with the aesthetic peregrinations of the young photographer.

Louise Mutrel invites us on an "exploded road trip", she says. It is made of trucks, alpine landscapes, rocks, a car park (whose pylons delightfully echo the granite alignments of Aurelie Nemours) but also more abstract forms in a poetic and dreamlike collage on the scale of the building. She says little about her subjects.

They are offered to our gaze and it is now up to us to imagine their history. All she tells us is that her framing is inspired by Japanese ukiyo-e prints, "images of the floating world" in English.

Pilote nº2

L’artiste The artist

Louise Mutrel (1992, France)

[EN]

Born in 1992, Louise Mutrel works in Arles and Paris. She graduated from both the Haute École d’Art du Rhin in Strasbourg and the École Nationale Supérieure de Photographie in Arles.

In 2017, in Japan, she collaborated with local artisans by experimenting with Washi, a precious traditional Japanese paper. Since 2020, she has been building a plastic and photographic journey with rizography printing. Her work has been presented notably at La Villette, Paris in 2021, at the Rencontres Internationales de la Photographie d’Arles in 2019 or at the Institut Français de Kyoto in 2018.

Crédit photo : Julie Hrnčířová.

[FR]

Louise Mutrel travaille à Arles et Paris.

Elle est diplômée à la fois de la Haute École d’Art du Rhin de Strasbourg et de l’École Nationale Supérieure de Photographie d’Arles.

En 2017, au Japon, elle collabore avec des artisans locaux en réalisant des expérimentations autour du Washi, un précieux papier traditionnel japonais.

Depuis 2020, elle construit une histoire plastique et photographique avec l’impression en risographie. Son travail a été présenté notamment à la Villette, Paris en 2021, aux Rencontres Internationales de la Photographie d’Arles en 2019 ou à l’Institut Français de Kyoto en 2018.

Automne Autumn 2021

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Exposition de collection Collection exhibition

Ces dernières années Iván Argote, Maja Bajevic, Estelle Hanania, Piero Gilardi, Guerrilla Girls, Anna López Luna, Vincent Malassis, Randa Maroufi, Anita Molinero, Delphine Reist, Lucy Skaer, Anna Solal, Lucie Stahl -> Galerie Est

Anna Solal, Le déjeuner sur l’herbe, 2019 © Adagp, Paris, 2021.

Crédit photo : Aurélien Mole.

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Pilote nº2

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[FR]

[EN]

Automne 2021. Le monde semble sortir lentement de la léthargie imposée par la pandémie mondiale. Ce qui nous espérons toutes et tous comme un accident global de parcours aura agi comme un verre grossissant sur les inégalités sociales et sociétales.

Si la planète entière a souffert de ce virus, force est de constater que nous n’avons pas été logé.e.s à la même enseigne selon notre condition sociale, notre couleur de peau, notre genre ou notre pays.

Au-delà de la crise du Covid-19, les dernières années qui viennent de s’écouler ont aussi généré de réelles prises de conscience qu’e l'on espère durables.

Qu’elles se révèlent par des revendications violentes comme pacifistes, légitimes comme discutables, elles ont cependant permis de « problématiser » un monde trop peu enclin à remettre en question ses fondamentaux.

L’exposition Ces dernières années propose de regarder ensemble en quoi les œuvres entrées récemment dans la collection du Frac Bretagne se font les reflets des bruits de notre monde.

Elles évoquent avec poésie et engagement les questions féministes, écologiques, les notions de repli sur soi et d’enfermement, de luttes populaires ou de conditions sociales.

Autumn 2021. The world seems to be slowly emerging from the lethargy imposed by the global pandemic. What we all hope will be a global accident will have acted as a magnifying glass on social and societal inequalities. If the entire planet has suffered from this virus, it is clear that we have not been treated equally according to our social condition, our skin color, our gender or our country.

Beyond the Covid-19 crisis, the last few years have also generated real awareness that we hope will last. Whether they reveal themselves through violent or pacifist demands, legitimate or debatable, they have nevertheless allowed us to “problematize” a world too reluctant to question its fundamentals.

The exhibition Ces dernières années proposes to look together at how the artworks that have recently entered the collection of the Frac Bretagne reflect the sounds of our world. They evoke with poetry and commitment the feminist and ecological questions, the notions of withdrawal and confinement, popular struggles or social conditions.

Because a public collection of contemporary art is also, and perhaps even above all, a meeting of artistic expressions present and active in a here and now.

Parce que c’est aussi, et peut-être même avant tout, cela une collection publique d’art contemporain : une réunion d’expressions artistiques présentes et actives dans un ici et un maintenant.

Automne Autumn 2021

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Les artistes The artists

Iván Argote

Estelle Hanania

Né en 1983, vit et travaille à Paris.

Born in 1983, lives and works in Paris.

Née en 1980, vit et travaille à Versailles.

Born in 1980, lives and works in Versailles.

[FR]

[FR]

L’artiste réalise des actions dans l’espace public où il interpelle des passant.e.s.

La barre de métro, touchée, empoignée par de nombreuses personnes, représente l’autre malpropre, dont on veut se tenir à distance, particulièrement dans le contexte actuel de pandémie. Pourtant, l’artiste renverse la situation par un geste d’amour et de passion à la sensualité dérangeante.

Cassandro El Exotico, Love is a battlefield est une série réalisée dans les rues de la ville américaine El Paso à la frontière mexicaine où est né Saul Armendariz, alias Cassandro, lutteur de Lucha Libre flamboyant et ouvertement homosexuel.

La série présente une déambulation dans cette ville divisée en deux par le Rio Grande, comme un écho aux divisions intérieures de Cassandro.

[EN]

The artist carries out actions in the public space where he challenges passers-by.

The underground bar, touched and grabbed by many people, represents the dirty other, from whom we want to keep our distance, especially in the current context of pandemic.

However, the artist reverses the situation with a gesture of love and passion with a disturbing sensuality.

Maja Bajevic

[EN]

Cassandro El Exotico, Love is a battlefield is a series made in the streets of the American city of El Paso on the Mexican border, where Saul Armendariz aka Cassandro, a flamboyant and openly gay Lucha libre wrestler, was born.

The series presents a stroll through this city divided in two by the Rio Grande as an echo of Cassandro's inner divisions.

Piero Gilardi

Née en 1967, vit et travaille à Sarajevo et Paris. Born in 1967, lives and works in Sarajevo and Paris.

[FR]

[FR]

À la limite du supportable, la vidéo « How do you want to be governed? » présente l’artiste malmenée par des hommes en hors-champ qui lui posent sans relâche la question « comment veux-tu être gouvernée ? ».

Le gouvernement comme stade supérieur de la domination masculine.

[EN]

Almost unbearable, the video presents the artist being rushed by men off-screen who ask her repeatedly the question "How do you want to be governed?". Government as the highest stage of male domination.

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Né en 1942, vit et travaille à Turin.

Born in 1942, lives and works in Turin.

Œuvre à exposer autant que costume à porter dans une manifestation, O.G.M. Free illustre l’engagement de l’artiste sans concession en faveur du resserrement des liens entre l'art et la vie, sur le terrain de l'expérimentation collective et dans les combats politiques de ces trente dernières années.

[EN]

A work to be exhibited as much as a costume to be worn at an event, O.G.M. Free illustrates the artist's uncompromising commitment to strengthening the links between art and life, in the field of collective experimentation and in the political battles of the last thirty years.

Pilote nº2

Les artistes The artists

Guerrilla Girls

Vincent Malassis

Né en 1979, vit et travaille à Rennes.

Born in 1979, lives and works in Rennes.

[FR]

Les Guerrilla Girls sont un groupe d'artistes féministes anonymes fondé à New York en 1985. Elles sont connues pour avoir créé et diffusé des affiches afin de promouvoir la place des femmes et des personnes racisées dans les arts et la culture des années Reagan.

[EN]

The Guerrilla Girls are a group of anonymous feminist artists founded in New York in 1985. They are known for creating and distributing posters to promote the place of women and racialised people in the arts and culture during the Reagan years.

Anna López Luna

Née en 1983, vit et travaille à Paris.

Born in 1983, lives and works in Paris.

[FR]

Cette image d’un iceberg artificiel flanqué d’un haut-parleur a été prise lors d’un concert donné dans la manchotière d’Océanopolis à Brest. Intitulée The Noisy World (Le monde bruyant) en clin d’œil au célèbre « Monde du Silence » du commandant Cousteau, elle évoque poétiquement la dimension synthétique du monde dans lequel nous vivons.

[EN]

This image of an artificial iceberg flanked by a loudspeaker was taken during a concert given in the Océanopolis penguin pond in Brest. Entitled The Noisy World in reference to the famous "Silent World" of Captain Cousteau, it poetically evokes the synthetic dimension of the world we live in.

[FR]

Dans un contexte sociétal où les droits humains sont mis à rude épreuve, des corps, principalement nus, effrontés, se mêlent à des récits d’émancipation, de survivance et de justice sociale. Entre slogans et microhistoires, les textes, en plusieurs langues, viennent jouer avec le caractère enfantin des dessins de l’artiste.

[EN]

In a societal context where human rights are being put to the test, mostly naked, brazen bodies mingle with stories of emancipation, survival and social justice.

Between slogans and micro-stories, the texts, in several languages, play with the childlike style of the artist's drawings.

Randa Maroufi

Née en 1987, vit et travaille à Paris et Tanger. Born in 1987, lives and works in Paris and Tangier.

[FR]

Dans le quartier populaire de Barbès à Paris, des « intruses » investissent le temps de la mise en scène de tableaux vivants des lieux fréquentés majoritairement par des hommes. Elles leur empruntent gestes et attitudes en occupant l’espace public et social. En ressort un paysage urbain étrange, décalé, à la limite du grotesque.

[EN]

In the working-class Barbès district of Paris, female "intruders" take over places frequented mainly by men during the staging of tableaux vivants. They borrow gestures and attitudes from them by occupying the public and social space. What emerges is a strange, offbeat urban landscape, bordering on the grotesque.

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Les artistes The artists

Anita Molinero

Delphine Reist

Née en 1953, vit et travaille à Paris.

Born in 1953, lives and works in Paris.

Née en 1970, vit et travaille à Genève.

Born in 1970, lives and works in Geneva.

[FR]

[FR]

Il y a quelque chose à la fois de monstrueux et fascinant dans cette sculpture de plastique fondu flanquée d’un pot d’échappement comme une béquille rutilante.

Par l’emploi de matériaux et outils industriels, l’artiste va à rebours du fonctionnalisme pour parvenir à produire des formes aussi primitives qu’habitées.

Quoi de plus symbolique de notre société de consommation que des boîtes de fast-food en polystyrène ? L’artiste se livre ici avec ces objets banals, marqueurs de notre époque et certainement aussi de ses dérives, à un pur travail de sculpture où entrent en jeu logiques de tension, de forme mais ausi de fiction.

Les trois sacs de sport ondulent de temps en temps comme s’ils respiraient. Cela semble bizarre de voir des sacs bouger. Au lendemain des Jeux Olympiques de Tokyo, on pourrait y voir l’évocation de sportifs de l’équipe nationale au repos. Mais il pourrait tout aussi bien s’agir de colis piégés.

[EN]

The three sports bags wobble from time to time as if they were breathing. It looks like strange to see bags moving. In the aftermath of the Tokyo Olympics, it could be a reminder of resting national team athletes. But they could just as easily be parcel bombs.

Lucy Skaer

[EN]

There is something both monstrous and fascinating about this sculpture of molten plastic flanked by a muffler like a gleaming crutch. By using industrial materials and tools, the artist goes against functionalism to produce forms that are as primitive as they are inhabited.

What could be more symbolic of our consumer society than fast-food polystyrene boxes? With these banal objects, markers of our era and certainly also of its excesses, the artist engages in a purely sculptural work where the logic of tension, form and fiction come into play.

Née en 1975, vit et travaille à Glasgow et Londres. Born in 1975, lives and works in Glasgow and London.

[FR]

L’artiste est intervenue sur une œuvre du célèbre illustrateur naturaliste anglais Henry Bradbury. Elle combine les impressions du 19e siècle avec le tracé vectoriel contemporain pour faire apparaître le mythique « Homme vert », figure de l'imagerie païenne et chrétienne profondément irrationnelle, crachant des feuilles et des vignes en guise de langage.

[EN]

The artist worked on a work by the famous English naturalist illustrator Henry Bradbury.

She combines 19th century prints with contemporary vector tracing to conjure up the mythical "Green Man", a figure from deeply irrational pagan and Christian imagery, spitting out leaves and vines as a language.

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Pilote nº2

Les artistes The artists

Anna Solal

Née en 1988, vit et travaille à Pantin.

Born in 1988, lives and works in Pantin.

Lucie Stahl

Née en 1977, vit et travaille à Berlin.

Born in 1977, lives and works in Berlin.

[FR]

[FR]

L’artiste revisite le canon de l’Histoire de l’art qu’est Le Déjeuner sur l’herbe d'Edouard Manet mais en utilisant comme matière première des stéréotypes de la banlieue (réunion d’hommes racisés, vêtements de sport, sacs plastiques de kebab, écrans de smartphone cassés…).

Un renversement étrangement stigmatisant.

Des mains recouvertes d’une peinture rouge vif semblent vouloir ouvrir plus encore un coquillage exotique.

La photographie est une représentation à peine voilée et particulièrement puissante du sexe féminin. Une manière d'aborder l’histoire de l’émancipation des femmes et des mouvements féministes.

[EN]

The artist revisits the art-historical canon of Manet's Le Déjeuner sur l'herbe but uses suburban stereotypes as raw material (a meeting of racialised men, sportswear, plastic kebab bags, broken smartphone screens...).

A strangely stigmatising reversal.

[EN]

Hands covered in bright red paint seem to be willing to open an exotic shell even further.

The photograph is a thinly veiled and particularly powerful representation of the female sex. A way to address the history of women's emancipation and feminist movements.

Randa Maroufi, Barbès, de la série from the series: Les Intruses, 2019,(capture screenshot) © Adagp, Paris 2021.

Automne Autumn 2021

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Untitled (Corrupting the Absolute) -> Dans le hall Dépôt Deposit Centre national des arts plastiques

Peter Friedl

Né en 1960, vit et travaille à Berlin.

Born in 1960, lives and works in Berlin.

[FR]

[EN]

D’origine autrichienne et installé à Berlin, Peter Friedl est un artiste majeur de la scène artistique internationale. Ayant commencé au début des années 80 comme critique de théâtre avant de se consacrer aux arts plastiques, il conserve un attachement fort à cette discipline. En témoignent ses expositions construites comme de véritables décors, avec ou sans changement de plateaux selon l’envergure du contexte.

Berlin-based Austrian artist Peter Friedl is a major presence on the international art scene.

He started out as a theatre critic in the early 1980s, before devoting himself to the visual arts, and he retains a strong connection to the theatre. This is reflected in his exhibitions, which are made like actual sets, with and without set changes, according to the complexity of the project.

En quête de nouveaux modèles de narration, ses projets explorent la construction de l’histoire et des concepts dans une organisation contextuelle toujours spécifique, mais cependant alimentée par de grands sujets récurrents comme l’enfance, l’Histoire, la politique, la sociologie, les animaux. Avec humour et ironie, l’artiste pointe les impasses de la modernité, entre utopies d’hier et compromis d’aujourd’hui.

Les références foisonnantes contenues dans ses œuvres et les moyens divers dont l’artiste fait usage pour les exprimer (dessin, vidéo, photographie, installation, etc.) constituent un corpus dense, mêlant la suggestion d’une histoire personnelle à celle d’une histoire collective. Ainsi, son travail s’appréhende-t-il difficilement de façon instantanée, mais s’envisage de manière dynamique. L’artiste explique chercher l’ambigu, la confusion et en aucun cas la clarté d’une lecture immédiate. Il revendique d’ailleurs en 1998 que « le malentendu fait partie de la compréhension ».

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In a quest for new narrative forms, his projects explore, in specifically organized contexts, the construction of history and concepts, always informed by revisiting major themes, including childhood, history, sociology and the animal world. With wit and irony, the artist points out the dead ends of modernity, between the utopias of yesterday and today’s compromises.

The many references in his works, and the various methods he uses to express them (drawing, video, photography, installation, etc.) constitute a dense corpus, blending the suggestion of personal history with that of the collective. Friedl’s work is difficult to grasp in an instant; rather, it demands to be considered dynamically. The artist explains that he is looking for ambiguity and confusion, never the precision of an immediate reading. In 1998 he claimed “that misunderstanding is part of understanding”.

Pilote nº2

Untitled (Corrupting the Absolute), 2000, néon, FNAC 02-773 © Peter Friedl / Cnap - Crédit photo : Galerie Erna Hécey (Luxembourg).

Untitled (Corrupting the Absolute) est une œuvre composée de lettres manuscrites en néon rouge.

Elle retranscrit une référence, consignée par l’artiste dans un des nombreux carnets de notes qui l’accompagnent dans son quotidien d’observateur attentif, empruntée à l’essayiste et critique rock américain Greil Marcus1. Figure de la culture underground, Greil Marcus aime à souligner les oppositions et les forces contraires qui bâtissent le génie d’un artiste, tout comme Peter Friedl revendique les analogies autant que les écarts et les ruptures qui provoquent le vertige. « Corrompre l’absolu » s’impose comme une injonction abstraite pour rappeler, s’il en est, que l’art n’apporte pas de réponses, il nous pousse à nous interroger avant tout.

Présentée dans le hall d’accueil, cette pièce sonne ainsi comme une introduction à la philosophie défendue par le Frac Bretagne.

1 Corrupting the Absolute est le titre d’un chapitre de l’ouvrage non-traduit In the Fascist Bathroom: Punk in Pop Music, 1977-1992 écrit par Greil Marcus en 1993.

Untitled (Corrupting the Absolute) is composed of handwritten letters in red neon.

It transcribes a reference, jotted down in one of the many notebooks that the artist – an attentive observer – carries with him during the course of his daily life, borrowed from the American essayist and rock critic Greil Marcus.1 An underground cult figure, Marcus likes to underscore the oppositions and contrary forces that construct an artist’s genius, just as Peter Friedl emphasizes the analogies as much as the ruptures and gaps that provoke vertigo.

"Corrupting the Absolute" asserts itself as an abstract injunction to remind us that art, if it exists, does not deliver answers, that it first and foremost pushes us to question ourselves.

Installed in the lobby, this piece can be seen as an introduction to the philosophy of the Frac Bretagne.

1 Corrupting the Absolute is the title of a chapter In the Fascist Bathroom: Punk in Pop Music, 1977-1992, published by Greil Marcus in 1993.

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Crédit photo :Jérôme Sevrette.

Les œuvres requièrent un taux d'humidité et une température ambiante stables, voilà pourquoi l’espace n’est pas accessible librement.

Nous modifions en effet malgré nous l’atmosphère par notre simple présence.

The artworks require a stable humidity level and a stable ambient temperature. This is why the storage is not freely accessible.

Despite our best care, we - as human - modify the atmosphere by our mere presence.

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Pilote nº2

En coulisses -> Galerie Nord [FR]

[EN]

Oui ! Il y a des coulisses au Frac.

L’accrochage est surprenant, n’est-ce pas ?

Ces hauteurs, les échos visuels entre les tableaux, les photographies sont en effet étonnants. Peut-être le savez-vous déjà, mais cette collection est la vôtre, enfin, elle est un bien commun qu’une équipe de professionnel.le.s se charge de soigner et de diffuser afin que dans des décennies, on puisse encore la comprendre et l’apprécier.

La collection du Frac Bretagne rassemble des œuvres d’artistes de différentes générations, et de nombreuses scènes locales, régionales et internationales. L’abstraction forme l’un des socles historiques de la collection qui se déploie également autour d’axes thématiques : les œuvres en relation avec la nature, celles qui questionnent le statut de l’image contemporaine, celles qui témoignent de leur époque, ainsi que de grands ensembles monographiques.

Dans cette réserve, les œuvres reprennent leur souffle avant de repartir dans des expositions et des projets participatifs.

Les Frac sont en effet les collections publiques les plus diffusées de France. Ce principe de mobilité définit ces institutions comme d’indispensables acteurs d’une politique d’aménagement du territoire visant à réduire les disparités géographiques et sociales dans l’accès à la culture et ainsi à faciliter la découverte de l’art contemporain par les publics les plus diversifiés.

Pour vous, le Frac Bretagne a préparé des voix à écouter, celles d’une hôtesse de bord improbable, fine connaisseuse des problématiques de conservation, de témoins racontant leurs souvenirs des œuvres que vous pouvez apercevoir, de régisseurs connaissant la collection mieux que personne, d’œuvres qui se parlent entre-elles… et enfin, celles du public avec lequel le Frac monte de nombreux projets dans toute la région et qui les ont accueillies dans leur structure, établissement, entreprise.

Yes! There are backstage at the Frac.

The display is full of surprises, don’t you think?

These heights, the visual echoes between paintings and photographs are indeed astonishing. Maybe you already know it: this collection is yours. It is a common good that a team of professionals is taking care of so that in decades, we can still understand and appreciate it.

The Frac Bretagne collection brings together works of artists from different generations and art scenes whether local, regional and international. Abstraction is one of the historical bases of the collection which also unfolds around thematic axes: works in relation to nature, that question the status of the contemporary image, the artist as a witness to his/her time, as well as as large monographic bodies.

The works go in and out from this storage for exhibitions and participatory projects.

The Frac[s] are indeed the most widely distributed public collections in France. This principle of mobility defines these institutions as essential players in regional policies aiming to reduce geographical and social disparities in access to culture. Thus, Frac[s] are facilitating the discovery of contemporary art by the most diverse types of publics.

For you, the Frac Bretagne has recorded voices to listen to. You’ll her an improbable flight attendant, fine connoisseur of conservation issues, witnesses recounting their memories of the works that you can see, technicians who know the collection better than anyone, works that speak to each other… and also the public with whom the Frac sets up numerous projects throughout the region and who has bring art pieces into their venues.

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Politique d'accessibilité Policy of accessibility

Plus qu'une préoccupation More than a concern [FR]

[EN]

Développer une politique d’accessibilité, c’est avant tout mener une réflexion sensible et humaine pour favoriser l’inclusion de toutes les personnes souhaitant découvrir et expérimenter l’art d’aujourd’hui. Plus qu’une préoccupation, c’est un enjeu essentiel pensé tant pour les publics, que pour les membres de l’équipe et l’accueil de stagiaires en interne.

Depuis son ouverture à Rennes en 2012, le Frac Bretagne essaie, dans la mesure du possible, de rendre accessibles ses espaces, ses visites, ses ateliers mais également ses documents au plus grand nombre. Pour cela, le service des publics travaille à des dispositifs et des outils adaptés aux différentes situations de handicap : auditif, visuel, psychique, mental et moteur. Ainsi, sont proposé.e.s des visites accompagnées dont certaines sont traduites en langue des signes avec amplification sonore, des visites descriptives et tactiles, des visites-ateliers ou encore des parcours spécifiques en partenariat avec d’autres structures culturelles. L’approche du Frac s’oriente vers la mixité des échanges entre personnes valides et personnes en situation de handicap.

Chaque projet, qu’il soit mené à Rennes ou en région, implique la formation et la mise en place d’actions de médiation pensées en étroite relation avec les professionnel.le.s et les associations spécialisé.e.s. Soucieux de croiser les disciplines et de mettre en partage les ressources de chaque partenaire, le Frac s’attache souvent à créer des passerelles avec les arts vivants (danse, théâtre, etc.) au sein-même de ses projets (cf. double page suivante).

Developing a policy of accessibility is above all a sensitive and human reflection to promote the inclusion of all people wishing to discover and experience today's art. More than a concern, it is an essential issue for the public, for the members of the team and for the reception of interns.

Since its opening in Rennes in 2012, the Frac Bretagne has tried, as far as possible, to make its spaces, its visits, its workshops and also its documents accessible to as many people as possible. To do this, the public service works on devices and tools adapted to the different situations of disability: auditory, visual, psychic, mental and motor. Thus, accompanied tours are offered, some of which are translated into sign language with sound amplification, descriptive and tactile tours, workshop tours, and specific tours in partnership with other cultural structures.

The Frac's approach is oriented towards mixed exchanges between able-bodied people and people with disabilities.

Each project, whether carried out in Rennes or in the region, involves training and the implementation of mediation actions designed in close collaboration with specialized professionals and associations. Anxious to cross disciplines and to share the resources of each partner, the Frac often creates bridges with the performing arts (dance, theater, etc.) within its projects (see page 28).

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Pilote nº2

Visite du Frac Bretagne par un groupe de l'ADIMC 35. Visit of the Frac Bretagne by a group from ADIMC 35.

Crédit photo : Frac Bretagne.

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Pilote nº2

Politique d'accessibilité Policy of accessibility

Facile à Lire et à comprendre Easy to read and understand [FR]

[EN]

Dans le cadre de sa convention avec l’ADAPEI 35 – Les papillons blancs d’Illeet-Vilaine (association départementale de parents et d’amis des personnes handicapées mentales), le service des publics a travaillé aux côtés d’un groupe d’agents de l’ESAT Utopi L’Hermitage (établissement et service d’aide par le travail) pour concevoir le livret de présentation du Frac Bretagne en FALC (Facile à Lire et à Comprendre).

Au gré des relectures et des riches discussions, cette véritable aventure humaine a permis la création d’un livret de 20 pages. Dès lors, des livrets FALC des expositions (toujours relus et validés par un groupe de volontaires) viennent alimenter au fur et à mesure la palette documentaire du Frac.

As part of its agreement with ADAPEI 35 Les papillons blancs d'Ille-et-Vilaine (association of parents and friends of mentally handicapped people), the audiences department worked alongside a group of agents from ESAT Utopi L'Hermitage (service for assistance through work) to design the Frac Bretagne presentation booklet in FALC (Easy to Read and Understand). Through rereading and rich discussions, this real human adventure allowed the creation of a 20-page booklet. Since then, FALC booklets of the exhibitions (always reread and validated by a group of volunteers) have been added to the Frac's documentary palette.

Qu'est-ce que le FALC ?

Comme toute écriture, le FALC possède ses propres règles dont l’objectif est de rendre l’information facile à lire et à comprendre. Élaborée en premier lieu pour les personnes déficientes intellectuelles, cette méthode peut profiter à un public bien plus large (personnes allophones, ayant des difficultés à lire ou encore toute personne préférant accéder à des informations plus synthétiques).

What is FALC ?

Like all writing, FALC (Easy to Read and Understand) has its own set of rules designed to make information easy to read and understand. Developed primarily for people with intellectual disabilities, this method can benefit a much wider audience (allophones, people with reading difficulties or anyone who prefers to access more synthetic information).

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Politique d'accessibilité Policy of accessibility

Ces petits riens qui font tout These little things that make everything [FR]

[EN]

Projet culture-santé Clinique du Val Josselin, Yffiniac (22)

Culture and health project Val Josselin Clinic, Yffiniac (22)

En 2020, la Clinique du Val Josselin et le Frac Bretagne ont renouvelé leur partenariat pour élaborer un projet culture-santé autour d’une réflexion sur le quotidien et « les petits riens de la vie » avec des patient.es atteint.es de troubles psychiatriques.

Financé par la Drac Bretagne (Direction régionale des affaires culturelles) et l’ARS Bretagne (Agence Régionale de Santé), ce projet réunit différents partenaires et intervenant∙e∙s, issu.e.s de la Médiathèque d’Yffiniac, de La Passerelle - scène nationale de Saint-Brieuc et du Frac Bretagne.

Une sélection d’œuvres réalisée dans les réserves du Frac par un groupe de patient.e.s a été la matière première de ce projet pluridisciplinaire. Réunies dans l’exposition Extra(ordinaire) qui s’est tenue à la clinique du 7 mars au 30 juin 2020, les œuvres ont tout d’abord été la source d’inspiration des ateliers d’écriture menés par l’écrivaine Laurence Vilaine (Médiathèque d’Yffiniac) avec une cinquantaine de patient.e.s.

In 2020, Val Josselin Health Clinic and the Frac Bretagne renewed their partnership to develop a project based on a reflection on daily life and "the little things in life" with patients suffering from psychiatric disorders.

Financed by the ministry of Cultue and the Regional Health Agency, this project brings together different partners, from Yffiniac Library, La Passerelle - scène nationale de Saint-Brieuc and the Frac Bretagne.

A selection of works made in the Frac collection by a group of patients was the raw material for this multidisciplinary project.

Gathered in the Extra(ordinaire) exhibition held at the clinic from March 7 to June 30, 2020, the works were first of all the source of inspiration for the writing workshops conducted by writer Laurence Vilaine (Yffiniac Library) with about fifty patients.

A year later, due to the health crisis, the production of the writings was set to music by a group of patients accompanied by musician and singer Agata Krwawnik, then translated into dance by choreographer and dancer Simon Tanguy. Finally, drawing workshops were conducted last June by visual artist Pierre Budet with a dozen patients, starting from their texts produced during the writing workshops.

Un an plus tard, en raison de la crise sanitaire, la production des écrits a été mise en musique par un groupe de patient.e.s accompagné.e.s par Agata Krwawnik, musicienne et chanteuse, puis traduite en danse par Simon Tanguy, chorégraphe et danseur. Enfin, des ateliers de dessin ont été menés en juin dernier par l’artiste plasticien Pierre Budet avec une dizaine de patient.e.s, repartant de leurs textes produits lors des ateliers d’écriture.

28 Pilote nº2

Dessins réalisés avec l'artiste Pierre Budet dans le cadre du projet. Drawings made with the artist Pierre Budet as part of the project. - Crédit photo : Pierre Budet.

Les esquisses de leurs portraits réalisés à partir d'objets du quotidien qui évoquent leur histoire et « les petits riens de la vie », ont ensuite donné naissance à de grands formats colorés reproduits à l’aide de la technique de la vidéo projection. Installés dans le parc de la clinique, ces derniers ont servi de décor à la restitution du projet aboutissant à une véritable fusion des différents ateliers, sous le regard et les applaudissements d’une centaine de personnes.

Extra(ordinaire) Camille Girard et Paul Brunet, Aude Lavenant, André Mérian, Jean-Yves Pennec, Alain Rivière, David Shrigley Œuvres de la collection du Frac Bretagne et du Fonds départemental d’art contemporain d’Ille-et-Vilaine présentées à la Clinique du Val Josselin du 7 mars au 30 juin 2020.

Ateliers avec l’artiste Pierre Budet réalisés du 2 au 8 juin 2021.

The sketches of their portraits, made from everyday objects that evoke their history and "the little things in life", then gave birth to large colored formats reproduced using the video projection technique.

Presented in the clinic park, they were used as a backdrop for the restitution of the project, resulting in a real fusion of the different workshops, under the eyes and applause of a hundred people.

Extra(ordinaire) Camille Girard and Paul Brunet, Aude Lavenant, André Mérian, Jean-Yves Pennec, Alain Rivière, David Shrigley Works from the collection of the Frac Bretagne and the Fonds départemental d'art contemporain d'Ille-et-Vilaine presented at the Clinic du Val Josselin from March 7 to June 30, 2020.

Workshops with the artist Pierre Budet realized from June 2 to June 8 2021.

Automne Autumn 2021

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À tou.te.s les passager.ère.s For all passengers [FR]

[EN]

Nous demandons à chaque visiteur/visiteuse de respecter le protocole sanitaire en vigueur avec les mesures d’hygiène et de distanciation désormais habituelles.

We ask each visitor to respect the sanitary protocol in place with the usual measures of hygiene and distancing.

Discover the exhibitions Découvrir les expositions — Ce journal d'exposition gratuit est disponible à l’accueil, toutefois il est recommandé de privilégier le téléchargement en ligne de son support de visite.

— Un journal d‘exposition en gros caractères et des documents en FALC (Facile à Lire et à Comprendre) sont disponibles sur demande à l'accueil.

— Une visite accompagnée est proposée gratuitement chaque samedi et dimanche à 16h, chaque jour du mardi au dimanche pendant les vacances scolaires. ↳ Sans réservation, dans la limite de places disponibles, sur présentation du billet d'entrée.

Discuter et s'amuser pendant la visite — Identifiable par des badges multicolores, l’équipe du Frac sera heureuse de pouvoir engager une discussion avec vous autour de l’exposition. À tout moment, elle prend la parole spontanément pendant dix minutes et vous fait entrer dans le travail des artistes.

Décollage immédiat ! Sans horaires fixes, en fonction de l’affluence en salles.

— Ouvrez l'œil ! « Les feuilles sauvages » vous attendent aussi dans les salles.

— Le livret-jeux pour enfants est disponible à l'accueil et en ligne sur www.fracbretagne.fr

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— This free exhibition journal is available at reception, however, it is recommended that you download your visit document. Each document is for single use.

— Documents for people with disabilities are available at the reception desk.

— Public visit at 4 p.m. on Saturdays and Sundays, every day during school holidays. ↳ Without reservation, within the limits of available places, on presentation of the entrance ticket

Discuss ans having fun while visiting — Identifiable by multicolored badges, the Frac team will be happy to be able to initiate a discussion with you about the exhibition, to start a game with the children, in each space open to the public. At any time, the Audiences Service team speaks spontaneously for ten minutes and takes you into the work of the artists. Immediate take-off! No fixed schedule, depending on the number of people in the audience.

— Keep your eyes open! "Les feuilles sauvages" await you in the rooms.

— The children's playbook, also to be printed at home, is available online on the Frac Bretagne website.

Pilote nº2

Crédit photo : Jérôme Sevrette

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[FR]

[EN]

Le Canyon

The Canyon

Le Canyon du Frac Bretagne est le lieu où chacun.e est invité.e à chiller, lire, écouter, griffonner, se cacher, discuter… Au milieu des barricades/palissades et des tatamis, le Pédilove, installation de l'artiste Anaïs Touchot, vous propose un espace de flânerie, avec la complicité du service des publics, qui a imaginé des dispositifs interactifs pour petit.e.s et grand.e.s !

— Dans le Canyon, vous entendez des voix ?

C'est normal ! L’équipe du Frac Bretagne a sélectionné des extraits d’entretiens, de textes critiques qui permettent d’augmenter votre visite et de multiplier les points de vue sur les pratiques des artistes exposé.e.s.

The Canyon of the Frac Bretagne is the place where everyone is invited to chill out, read, listen, doodle, hide, discuss... In the middle of the barricades/palisades and the tatamis, the Pédilove, an installation by the artist Anaïs Touchot, offers you a space to stroll around, with the complicity of the audiences department, which has imagined interactive devices for children and adults!

— In the Canyon, do you hear voices? It's normal! The Frac Bretagne team has selected extracts from interviews and critical texts which will increase your visit and multiply the points of view on the practices of the artists exhibited.

Les ateliers des expériences

The experience workshops

La saison 2021-2022 des ateliers est lancée !

Un samedi par mois, l'artiste Fanny Gicquel propose un atelier en famille pour explorer sa relation à l'autre. La fabrication d'objets vient créer un lien poétique, ludique et décalé mais est aussi source d'expérimentations plastiques et gestuelles pour chaque participant.e. ↳ 1 adulte + 1 enfant (à partir de 6 ans) 3 € par participant.e et par atelier Inscription : accueil@fracbretagne.fr

The 2021-2022 season of workshops is launched!

One Saturday a month, the artist Fanny Gicquel proposes a workshop for families to explore their relationship with each other. The making of objects creates a poetic, playful and offbeat link but is also a source of plastic and gestural experimentation for each participant. ↳ 1 adult + 1 child (from 6 years old) 4 € per participant and per workshop Registration : accueil@fracbretagne.fr

Découvrez aussi les stages vacances pour 7-12 ans, projections, rencontres et tous les rendez-vous sur www.fracbretagne.fr Tous les dispositifs sont mis en place sous réserve et dans le respect des règles sanitaires.

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Discover also the vacation workshops for 7-12 years old, screenings, meetings and all the events on www.fracbretagne.fr All services are set up subject to and in compliance with health rules.

Pilote nº2

[FR]

Déjeunez avec une œuvre ! À quel art déjeunez-vous ? Venez trouver réponse à cette question chaque midi au Frac Bretagne ! Un éclairage de 10 minutes sur une œuvre de la collection vous est offert avant de profiter d’une formule du restaurant à 7,50 €*. ↳ Rendez-vous à 12h30 chaque jour du mardi au vendredi, dans l'espace restaurant du Frac Bretagne. Informations à l'accueil.

La visite Work work work Vous travaillez sur le quartier de VillejeanBeauregard ? Chaque premier mardi du mois, à l'heure de l'after-work, vous pouvez bénéficier d'une visite privilégiée des expositions : dites simplement « Work work work » à l'accueil ! ↳ Chaque premier mardi du mois à 18h.

Sur présentation du billet d'entrée.

Durée : 45 minutes.

*Formule = 1 plat du jour et 1 café

Tournez les pages Les visites spécifiques Une visite descriptive et tactile et une visite traduite en Langue des signes française sont proposées pour chaque exposition. ↳ Toutes les informations sur : www.fracbretagne.fr/fr/evenement

Chaque dernier mercredi du mois, le Frac Bretagne propose un rendez-vous ouvert à toutes et tous pour explorer les relations entre l’art et l’édition à partir de ses fonds et de son actualité. ↳ Gratuit. Chaque dernier mercredi du mois à 15h. Durée : 45 mn. Inscription conseillée : accueil@fracbretagne.fr

Vue du Canyon. View of the Canyon. Crédit photo : Jérôme Sevrette.

Automne Autumn 2021

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Crédit photo : Jérôme Sevrette.

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Pilote nº2

Pour les groupes For groups [FR]

Hors scolaires, un groupe est constitué de 10 à 25 personnes, accompagnat.eur.rice.s inclus. Toutes les visites en groupe (accompagnée ou libre) nécessitent une réservation préalable validée. Toute demande de réservation doit être faite au moins 15 jours à l’avance. Merci de votre compréhension.

Contact : reservationvisite@fracbretagne.fr Découvrir et pratiquer — Visite accompagnée adultes (hors publics spécifiques) ↳ Tarif : 70 €. Du mardi au dimanche, entre 12h et 18h. Durée : 1h à 1h30.

— Crèches et animations petite enfance Archiminilab. Eveil, verbalisation et manipulation à partir d’une œuvre ou d’un livre. ↳ Tarif : 3 € par enfant. Gratuit pour l’accompagnateur.trice. Du mardi au vendredi.

Durée : 1h30.

— Scolaires tous degrés Découverte de l'architecture. ↳ Tarif : 45 €. Du mardi au vendredi, entre 9h30 et 11h30 ou entre 14h et 18h. Durée : 1h30.

— Maternelles et élémentaires Visite manipulation. ↳ Tarif : 45 €. Du mardi au vendredi, entre 9h30 et 11h30 et entre 14h et 18h. Durée : 1h30.

— Collèges, lycées et enseignement supérieur Visite dialoguée. ↳ Tarif : 45 €. Du mardi au vendredi, entre 9h30 et 11h30 et entre 14h et 18h. Durée : 1h30.

— Champ social tous âges Parcours convivial dans les expositions. ↳ Tarif de 3 à 14 personnes : 2 € par personne.

Tarif de 15 à 25 personnes : 30 € par groupe.

NOUVEAU Visite Starter ! La 1ère visite est offerte pour toute structure du champ social !

Du mardi au vendredi. Durée : 1h à 1h30 — Champ médico-social ou handicap Découverte au rythme du groupe, dialogues autour des expositions. ↳ Tarif de 3 à 14 personnes : 2 € par personne.

Tarif de 15 à 25 personnes : 30 € par groupe.

Du mardi au vendredi. Durée : 1h à 1h30.

— Centres de loisirs, périscolaires et extra-scolaires Visite-atelier. Parcours et expérimentations ludiques. ↳ Tarif de 3 à 14 personnes : 2 € par personne.

Tarif de 15 à 25 personnes : 30 € par groupe.

Du mardi au vendredi. Durée : 1h à 1h30.

— Visite accompagnée publics en situation de handicap ↳ Tarif de 3 à 14 personnes : 2 € par personne.

Tarif de 15 à 25 personnes : 30 € par groupe.

Du mardi au vendredi. Durée : 1h à 1h30.

Contact : lorie.gilot@fracbretagne.fr — Visite libre Gratuit pour les scolaires (sans droit de parole). ↳ Tarif hors scolaires (sans droit de parole) : 25 € par groupe. Sur rendez-vous du mardi au dimanche, entre 12h et 19h.

[EN]

Visits for groups take place by reservation only: reservationvisite@fracbretagne.fr.

— Lycées et enseignement supérieur — Guided tour for adults (except for specific Visite Tournez les pages : découverte de livres audiences) et d’œuvres autour d'une thématique. ↳ Rate: 70 €. Tuesday to Sunday, between ↳ Tarif : 45 €. Du mardi au vendredi, entre 12h noon and 6 pm.

Automne Autumn 2021 35 et 18h. Durée : 1h30.

Informations pratiques Practical informations [FR]

[EN]

Horaires En période d’exposition, le Frac Bretagne, Rennes, est ouvert du mardi au dimanche, de 12h à 19h. Fermé le lundi, les 1er janvier, 1er mai et 25 décembre.

Schedules During the exhibition period, the Frac Bretagne, Rennes, is open Tuesday to Sunday, from 12 p.m. to 7 p.m. Closed Mondays, January 1st, May 1st and December 25.

Entrée des exposition Tarif plein 3 € / Tarif réduit 2 € Gratuit pour les moins de 26 ans.

Exhibitions rates Full price 3 € / Reduced price 2 € Free for children and people under 26.

Centre de Documentation Dédié aux artistes de la collection et à l’actualité de l’art contemporain, le centre de documentation constitue un catalogue de références riche de près de 60 000 documents dans le domaine des arts plastiques et visuels.

Il rassemble six grands secteurs : les livres, les revues, les archives papiers et numériques, la photothèque, le multimédia et les livres d’artistes. Véritable espace de travail, de recherche mais aussi de détente, la documentation est ouverte à toutes et tous en accès libre et gratuit.

Documentation Center Dedicated to the artists in the collection and to current events in contemporary art, the documentation center is a reference catalog of nearly 60,000 documents in the field of visual and plastic arts. It brings together six major sectors: books, magazines, paper and digital archives, photo library, multimedia and artists' books. A real space for work, research and relaxation, the documentation is open to all with free access.

Horaires : Du mardi au vendredi de 14h à 18h.

Sur rendez-vous le matin.

Boutique Situé à l’entrée du bâtiment, l’espace boutique propose les éditions du Frac Bretagne et une sélection d’ouvrages en écho à l’actualité des expositions. Un emplacement est réservé aux livres pour enfants. Cartes postales, affiches et produits dérivés sont également disponibles.

Opening hours : From Tuesday to Friday from 2 to 6 p.m.

By appointment in the morning.

Store Located at the entrance of the building, the store area offers the editions of the Frac Bretagne and a selection of books echoing the news of the exhibitions. A space is reserved for children's books. Postcards, posters and derived products are also available.

Contact : accueil@fracbretagne.fr