laTmagazine 2022 / 2023 - numero 01

la magazine 2022/2023 numero 01

COMMUNITY MUSIC

MISCHA MAISKY

La Toscanini per la Comunità

LA MUSICA È SEMPRE LA COSA PIÙ IMPORTANTE

FATO E DESTINO L’ineluttabilità nelle due “Quinte” di Beethoven e Čajkovskij

ENRICO

ONOFRI

“CREARE” UN’ORCHESTRA

INDICE

EDITORIALE pag. 3 TOSCANINI L’INESPRESSIBILE pag. 4 SOTTO I RIFLETTORI pag. 6 PROTAGONISTI “Creare” un’orchestra: Enrico Onofri pag. 10 PROTAGONISTI Mischa Maisky: la musica è sempre la cosa più importante

pag. 14

PROTAGONISTI Questionnaire de Proust pag. 18 MUSICA E SOCIETÀ Community Music: La Toscanini per la comunità

pag. 22

MUSICA E SOCIETÀ Emozioni collettive pag. 25 APPROFONDIMENTI Fato e Destino pag. 27 APPROFONDIMENTI Toscanini e Grubicy, tra suoni, colori e forme

pag. 30

APPROFONDIMENTI Dall’Oratorio al Musical pag. 34 MECENATI Dallara: 50 anni sulle ali del vento

pag. 40

NEWS pag. 42 ALMANACCO pag. 43 AUTORI pag. 44

Fondazione Arturo Toscanini Parco della Musica | Viale R. e P. Barilla, 27/A 43121 Parma T. 0521 391339 E. info@latoscanini.it www.latoscanini.it

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O S C A N I N I

In copertina Enrico Onofri © Chico De Luigi

LATMAGAZINE RIVISTA TRIMESTRALE DE LA TOSCANINI DIREZIONE EDITORIALE Alberto Triola Sovrintendente e Direttore Artistico PROGETTAZIONE E REDAZIONE Emanuele Genuizzi Responsabile Corporate Identity e Visual Design Alberto Castelli Responsabile Ufficio Comunicazione, Marketing e Fundraising Giulia Bassi Veronica Boldrin Ufficio Stampa GRAFICA Marea Management STAMPATO DA Graphital S.r.l. di Sodano E. & D. Parma, ottobre 2022 La Fondazione Toscanini ringrazia quanti hanno contribuito, a diverso titolo, alla realizzazione del magazine.

EDITORIALE

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ari lettori e Amici della Toscanini, mi fa particolarmente piacere introdurre il primo numero del nuovo laTmagazine, che dopo l’esperienza più che positiva della scorsa Stagione diventa trimestrale e si rinnova, per raccontare ancor meglio la vita della Filarmonica e della Fondazione Toscanini e raggiungere un pubblico ancora più vasto.

Ogni numero della rivista si aprirà con una foto di Arturo Toscanini, che troverà corrispondenza in chiusura in una immagine tratta dai concerti più recenti della nostra Orchestra: un cortocircuito visivo tra passato e presente che ci ricorda come il lascito artistico e umano del Maestro resti l’irrinunciabile punto di riferimento del nostro agire quotidiano, indirizzato, attraverso la musica, al miglioramento del nostro tempo. Ecco allora che in questo numero lo sguardo del Maestro, immortalato sul lago di Costanza nel 1939 – un anno denso di presagi funesti, che avrebbe cambiato per sempre la storia dell’Europa e del mondo – si riflette nella Sinfonia n. 9 di Beethoven, titolo toscaniniano per eccellenza, che col suo messaggio di speranza e fratellanza tra gli uomini ha chiuso il Festival Toscanini 2022 con la direzione del M° Fabio Luisi, in una gremita piazza del Duomo di Parma.

Tra le due immagini, una nutrita serie di contributi a firma di autorevoli studiosi e giornalisti e di giovani leve della musicologia italiana illustrano con un taglio trasversale le molteplici attività de La Toscanini: dalla Stagione della Filarmonica con i suoi protagonisti – direttori, solisti, professori d’orchestra – alla Human Rights Week, realizzata in collaborazione con Musicians For Human Rights nell’ambito del programma Community Music, dagli appuntamenti straordinari di Natale e Capodanno all’impegno sul territorio regionale, palcoscenico di riferimento per tutte le nostre attività produttive.

Il mio auspicio è che le storie e le prospettive condivise in queste pagine possano trasmettere la motivazione e l’entusiasmo che ci animano in questo nuovo avvio Stagione, la prima – finalmente – a segnare un pieno ritorno alla normalità dopo la pandemia.

Buona lettura!

© Masiar Pasquali

Alberto Triola

Sovrintendente e Direttore Artistico Fondazione Arturo Toscanini

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TOSCANINI L’INESPRESSIBILE

Toscanini: direttore, per forza del destino di Marco Capra

Toscanini a Kastanienbaum (Lucerna), estate 1939.

Da tre giorni sono qui… il sito è bello – quieto – in riva al lago – la casa comoda-grande ammobiliata bene…

Ma non è il mio Isolino… (dalla lettera ad Ada Mainardi del 6 giugno 1939) Archivio di Stato di Milano, Fondo Arturo Toscanini Numero di protocollo: 4219 del 21.09.2022

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Partecipando nello scorso mese di giugno al convegno internazionale che il Festival Toscanini ha dedicato agli esordi di Toscanini e Puccini, davo al mio intervento un titolo la cui seconda parte era «Certezze e presagi negli esordi toscaniniani». Adesso, quando nella stagione della Fondazione Toscanini figura la Quinta Sinfonia di Beethoven, con il celeberrimo motto iniziale di quattro note, che secondo tradizione lo stesso compositore definì «il destino che bussa alla porta», è impossibile sfuggire alla suggestione che crea la coincidenza tra il motto di Beethoven, che di Toscanini era, com’è risaputo, tra gli autori prediletti, e i primi passi del direttore in una carriera alla quale fin dall’inizio pareva sotto molti aspetti predestinato.

Come tutti sanno, dopo aver debuttato in Brasile nel 1886, appena diciannovenne, in un modo tanto occasionale e sui generis da divenire subito leggendario, Toscanini iniziò una carriera vera e propria in Italia. Fin da allora, i primi passi del nuovo direttore erano destinati a fissare per sempre alcuni tratti della sua immagine futura. Ce lo ricordano alcune righe che la Gazzetta musicale di Milano, la più longeva e prestigiosa rivista musicale italiana dell’800, gli dedicò dopo la rappresentazione dell’Edmea di Alfredo Catalani a Torino nel novembre 1886: «Il Toscanini, direttore d’orchestra, un giovinetto pensoso, studioso, intelligente, ha posta solida base di fama duratura. Dico giovinetto, perché non ha ancora 19 anni!... [20, in realtà] Ed ha diretto dalla prima all’ultima sera senza lo spartito!».

Era quella l’immagine del primo Toscanini che si sarebbe fissata per sempre nell’immaginario collettivo: quella del giovanissimo talento che alla ferma dedizione alla musica univa doti naturali non comuni. Un’immagine che, maturata così precocemente, avrebbe colpito la fantasia di tutti sino al momento della sua scomparsa più di settant’anni dopo, quando una rivista a fumetti stampata a Bruxelles, Tintin, uscì con l’«histoire complète» della sua vita. L’autore era il disegnatore italo-belga Dino Attanasio che in quattro pagine condensò tutto ciò che nel tempo aveva trasformato Toscanini in un personaggio conosciuto non solo dai cultori di musica di tutto il mondo, ma, inaspettatamente, anche dal pubblico di una rivista come Tintin: cioè i «jeunes de 7 a 77 ans», come si leggeva nel sottotitolo della testata.

Ma del Toscanini delle origini e dei presagi di ciò che sarebbe diventato – quei presagi che nel mio intervento al convegno trasformavo, col senno di poi, in certezze – ci parlano ancora le cronache del tempo, quando egli era solo una giovane promessa dalla spiccata individualità.

Torno allora a quel periodo, e alla prima parte del titolo che avevo dato al mio intervento al convegno – «Questo finalmente è un maestro» – che riprendeva la frase finale di un articolo del mensile Il teatro illustrato, dopo la rappresentazione della Francesca da Rimini di Antonio Cagnoni a Genova nel 1889. Il maestro era ovviamente Toscanini e quel «finalmente» non aveva il senso di una rivelazione messianica, ma era l’affermazione schietta di chi gli riconosceva una vera tempra di direttore d’orchestra: conclusione niente affatto ovvia, in un contesto storico in cui la figura del direttore in senso moderno era ancora in via di definizione. Di quella nuova figura – talmente capace e autorevole da essere in grado di assumere la piena responsabilità dell’esecuzione, in tutti i suoi aspetti – Toscanini, dopo quei chiari presagi giovanili, sarebbe diventato assai presto il modello per eccellenza.

Per forza del destino, verrebbe da dire, pensando al famoso filmato che lo avrebbe immortalato a New York molti anni dopo, settantaseienne, alla direzione della NBC nella sinfonia dell’omonima opera di Verdi.

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SOTTO I RIFLETTORI

LA FILARMONICA TOSCANINI AL FESTIVAL VERDI Al Festival Verdi 2022 la Filarmonica Toscanini, diretta rispettivamente da Riccardo Frizza e Sebastiano Rolli, è protagonista nel Simon Boccanegra al Teatro Regio di Parma con la regia di Elisabetta Courir e nel Trovatore al Teatro Magnani di Fidenza nel nuovo allestimento di Valentina Carrasco. Di particolare interesse il Boccanegra, eseguito nella prima versione del 1857, per il quale il maestro Frizza ha avuto a disposizione l’edizione critica che integra gli ultimi ritrovamenti autografi di Verdi. “Ho potuto lavorare su un testo dettagliato sul piano musicologico, con maggiori informazioni rispetto a quelle finora disponibili – ha dichiarato il direttore –. Ovviamente la prima cosa è stato confrontarle: cercando di individuare non tanto, o solo, le differenze musicali. Mi interessava capire com’era cambiata la mano di Verdi. Le sue intenzioni. Soprattutto nelle parti rimaste o identiche come testo, o abbastanza simili per idee musicali […]. Considero Simon Boccanegra come la sua opera più importante. Non per fare una classifica di valore assoluto ma per sottolineare quanto qui Verdi abbia saputo guardare avanti – per me è l’opera che musicalmente prepara di più Otello – con una mira di ricerca che ebbe il coraggio di deviare, di distaccarsi quasi, dal suo stesso modo di scrivere musica”.

© Festival Verdi/Teatro Regio di Parma

DELL’AMORE E DELLA GUERRA: RAMEAU ALLA MALATESTIANA Nel giorno della scoperta dell’ America, il 12 ottobre, al Teatro Galli di Rimini va in scena Les Incas du Pérou, ovvero la seconde entrée dal ballet-héroïque delle Indes galantes di Jean Philippe Rameau (1735). Con questa singolarissima opera in un prologo e quattro entrées, cia-

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scuna immaginata come episodio con cui presentare il tema dell’amore e della guerra (fra Turchia, Perù, Persia e Nord-America), la Filarmonica Toscanini con il Coro Universitario del Collegio Ghislieri di Pavia, direzione musicale di Giulio Prandi, è nel cartellone della Sagra Musicale

© Anagoor / Sagra Musicale Malatestiana

Malatestiana. Al gruppo teatrale Anagoor, Leone d’Argento alla Biennale di Venezia, è affidata la regia di una produzione dal forte carattere progettuale che fa incontrare musica e teatro di ricerca con il cinema: le riprese confluiranno infatti in una produzione video firmata Kublai Film.

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SOTTO I RIFLETTORI

LA “NEXT” DA OSCAR A CESENA

© Fondazione Toscanini / Luca Pezzani

La Toscanini Next inaugura la stagione del Teatro Bonci di Cesena il 28 ottobre con il coinvolgente programma Colonne Sonore da Oscar: musiche da film in cui convivono sonorità jazz, musica sinfonica, estratti di musical, elettronica e musica pop.

Sono 12 i musicisti dell’orchestra a salire sul palcoscenico del Bonci guidati da Roger Catino, uno dei suoi maestri storici e autore delle riletture che costellano i suoi programmi. Con sapienza, Catino sovrappone generi diversi e s’inventa nuovi arrangiamenti anche per i grandi classici. “Questo non sarebbe possibile senza l’oggettiva bravura dei giovani musicisti della Next, delle loro qualità solistiche e polistrumentistiche e in parte autentici talenti animati di un’energia speciale”, puntualizza con profonda modestia Catino, alludendo al fatto che alcuni dei componenti dell’orchestra come Andrea Coruzzi, Rosita Piritore e Alessandro Salaroli firmano oltre a lui gli arrangiamenti delle musiche in programma.

MUSICA E DANZA, TRA ANTICO E CONTEMPORANEO Musica e danza si combinano nella nuova produzione, frutto della collaborazione tra Fondazione Nazionale della Danza/Aterballetto e La Toscanini, comprendente Stabat Mater di Arvo Pärt, coreografia del cubano Norge Cedeño Raffo, per tre danzatori, tre musicisti e tre cantanti, e With drooping wings della canadese Danièle Desnoyers basata su An English Suite, con musiche di Henry Purcell “ricomposte” da Federico Gon. Ombra, atmosfera tetra legate a Pärt, si contrappongono alla dimensione estroversa e alla luce chiara delle nove cangianti arie di Purcell-Gon. In scena, insieme ai danzatori, anche il Quartetto Motus, selezionato da La Toscanini per lo spettacolo Double Side, al debutto in prima assoluta il 23 ottobre a Reggio Emilia, Festival Aperto, Teatro Municipale Valli.

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ph. Fondazione Nazionale della Danza / Aterballetto

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SOTTO I RIFLETTORI

VIRTUOSISMO PIANISTICO Doppia presenza in cartellone per Jae Hong Park, trionfatore al Concorso Pianistico Internazionale “Ferruccio Busoni” 2021. Il pianista ventitreenne interpreta con la Filarmonica Toscanini diretta da Kristjan Järvi il pezzo che gli ha dato la vittoria nella competizione di Bolzano: il Concerto n. 3 in re minore op. 30, famigerato e dalla difficoltà titanica, composto da Rachmaninov (1909) per sé stesso e le sue mani, grandissime ed agili. Di questo concerto, che richiede al pianista una presenza costante e quasi ininterrotta, Jae Hong Park si è dimostrato un interprete in grado di esibire una solida preparazione tecnica nutrita da una personalità interpretativa capace di dialogare con lineare fluidità con l’orchestra.

Park è anche un fine interprete cameristico, talento che è stato riconosciuto al “Busoni” dove, oltre al Primo premio, ha vinto il Premio speciale per la musica da camera. E a Parma, nel programma del Salotto Toscanini, è impegnato anche in due pagine beethoveniane di grande difficoltà: la Sonata op.

106 Hammerklavier e la Sonata op. 47 per violino e pianoforte A Kreutzer, con Michaela Costea, Primo violino della Filarmonica.

© Tiberio Sorvillo, Luca Guadagnini

LA TOSCANINI IN ALGERI Grazie all’invito e al sostegno dell’Istituto Italiano di Cultura di Algeri diretto dalla Dott.ssa Antonia Grande e del Ministero della Cultura e delle Arti di Algeri, la Filarmonica Toscanini e il suo Direttore principale Enrico Onofri sono ospiti del Festival Internazionale di Musica Sinfonica di Algeri (FCIMS), la cui 12a edizione accoglie all’Opéra d’Alger “Boualem Bessaih” orchestre provenienti da 13 Paesi diversi. La Filarmonica si esibisce in un programma dedicato all’opera italiana, comprendente l’Ouverture da Medea di Cherubini, la Sonata

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© Opera d’Algér

a quattro n. 1 e due Sinfonie (da La Cenerentola e Il barbiere di Siviglia) di Rossini, il Preludio da La Traviata di Verdi e le Variations sur La Traviata de Verdi per violino e archi di Dupin, interpretate da Mihaela Costea, Primo violino della Filarmonica.

Per l’occasione, l’Ambasciatore d’Italia ad Algeri, Sua Eccellenza Giovanni Pugliese, riceve una delegazione della Fondazione guidata dal Sovrintendente Alberto Triola e il Primo oboe, Gian Piero Fortini, è invitato a tenere una masterclass all’Institut National Supérieur de Musique.

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SOTTO I RIFLETTORI

LA MEGLIO GIOVENTÙ “Giovani per la Toscanini”. Potrebbe essere questo il titolo del terzo concerto del cartellone 2022/2023 della Filarmonica, in programma il 25 novembre, che vede protagonisti quattro artisti ospiti la cui età media è inferiore ai 30 anni: da Michele Spotti, classe 1993, una tra le più interessanti bacchette italiane della nuova generazione, fino al trio tutto al femminile composto da Clarissa Bevilacqua, violino, Miriam Prandi, violoncello, e Costanza Principe, pianoforte, tre soliste che a dispetto della giovanissima età hanno già guadagnato la ribalta internazionale. Nella prima parte del concerto, i quattro giovani musicisti affrontano insieme il “Triplo Concerto” per violino, violoncello, pianoforte e orchestra di Beethoven.

Nella seconda, il virtuosismo strumentale lascia spazio a quello orchestrale con la Sinfonia n. 5 di Čajkovskij nell’interpretazione di Michele Spotti.

Il concerto è replicato il 26 novembre al Teatro Municipale di Piacenza e il 27 novembre al Teatro Ebe Stignani di Imola.

© ROF Amati Bacciardi

L’ARCIPELAGO DEI SUONI Introdurre i più piccoli alla grande musica con uno sguardo leggero e intelligente: è l’obiettivo dell’Arcipelago dei Suoni, il progetto curato da Francesco Bianchi e Giulia Bassi e giunto alla terza edizione che La Toscanini e Fondazione TeatroDue dedicano alle famiglie. Dieci concerti-spettacolo da novembre 2022 a giugno 2023, rivolti ai bambini tra i 7 e i 10 anni, con l’Ensemble Attori TeatroDue e i Musicisti della Filarmonica Arturo Toscanini, per scoprire come nasce la musica e quali sono le caratteristiche e le “meraviglie” di ogni strumento musicale. Protagonista delle vicende è Arturo, un giovane ragazzo che intraprende un curioso viaggio per salvare la sua città dal mostro Rugmor, che mangia i suoni e produce rumori assordanti. Al centro dei primi due appuntamenti, domenica 27 novembre e sabato 10 dicembre, sono Valentina Violante (violino) e Behrang Rassekhi (viola) ne Il potere della musica, Fabio Gaddoni (violoncello) e Antonio Mercurio (contrabbasso) ne Alla corte dei Re.

© Fondazione Toscanini / Luca Pezzani

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© Chico De Luigi

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PROTAGONISTI

“CREARE” UN’ORCHESTRA

ENRICO NOFRI

Il Direttore Principale della Filarmonica Arturo Toscanini e il suo approccio al suono, per una modalità flessibile, eppure coerente, sui differenti repertori

di Nicola Cattò laTmagazine

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a figura del direttore d’orchestra, per l’ascoltatore medio, rimane spesso enigmatica. Eppure, è centrale non solo per garantire un corretto funzionamento della “macchina” orchestrale, ma soprattutto per conferire all’orchestra un’identità, una personalità riconoscibile e dare un approccio alle partiture che sia insieme estetico e – direi – filosofico.

Ecco quanto Enrico Onofri, Direttore principale della Filarmonica Toscanini, ci ha detto al riguardo.

Il ‘900 ha creato la figura del direttore demiurgo, sorta di tiranno onnipossente capace di imporre la propria personalità su quella dell’orchestra, spesso ridotta a mero esecutore: una visione oggi forse invecchiata che certamente lei condivide poco. È così?

Come si trova l’equilibrio fra necessità di sintesi e dialogo con i professori d’orchestra? È un equilibrio delicato, poiché parte del ruolo tradizionale del direttore, nonostante tutto, resta tale: sua è infatti la visione dell’opera, suo il lungo e minuzioso lavoro di studio della partitura e delle fonti, sua la responsabilità sul podio. Inoltre, dietro a un’interpretazione ci sono forze personali, legate al sentimento, al mettersi in gioco dal punto di vista umano, esistenziale, un andare oltre la conoscenza razionale della partitura e delle fonti. Tuttavia, l’obiettivo è condividere tutto ciò con altri musicisti: far sì che l’orchestra comprenda tale sintesi e vi partecipi attivamente è fondamentale, anche dal punto di vista umano, poiché la musica – se si vuole trasmetterne al pubblico i contenuti – dev’essere innanzitutto un percorso spirituale. Comune.

Il movimento “storicamente informato” e le orchestre “tradizionali” negli ultimi decenni hanno saputo fecondarsi reciprocamente, con vantaggio

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di entrambi: è quello che vuole fare, e che già ha iniziato a fare con la Filarmonica Toscanini?

Con la Filarmonica proseguo un lavoro già svolto negli anni all’estero con altre orchestre sinfoniche. È un gesto reciprocamente didattico, in cui si mette a disposizione la propria conoscenza delle fonti storiche; ogni orchestra reagisce però in modo diverso, e il direttore deve quindi trovare di volta in volta i mezzi appropriati per renderle suono concreto. Un compito affascinante che oggi ho il piacere e l’onore di svolgere con la Filarmonica Toscanini.

Il repertorio che proporrà quest’anno spazia da Vivaldi a Beethoven, ossia fino al periodo di transizione fra Classicismo e Romanticismo: è anche quello più difficile da individuare stilisticamente, per cui trovare una chiave esecutiva appropriata?

Sì, soprattutto Beethoven è una sfida. Nel leggerne le partiture, si è sempre divisi tra il desiderio di dare voce alla palese tensione verso il nuovo in esse contenute, e ciò che per ragioni di prassi esecutiva non poteva manifestarsi all’epoca come lo sentiamo oggi. Occorre ripulirsi da ciò che è sedimentato nella nostra memoria, dalle interpretazioni novecentesche, ma senza rinunciare a quelle tensioni verso il futuro che sembrano schizzare fuori dai pentagrammi. Si tratta talvolta di gestire impasse di una responsabilità enorme.

Nelle sue intenzioni c’è l’accostamento di autori noti e di compositori minori: perché?

Forse non minori, ma meno noti al pubblico italiano. Purtroppo, le situazioni generate dalla pandemia non hanno permesso di realizzare appieno tali accostamenti. Tuttavia, nella stagione scorsa, sono riuscito almeno in uno dei programmi a far incontrare Mozart e Josquin, due compositori le cui spalle stanno alla stessa altezza: semplicemente, il maggior numero di secoli ha affievolito la memoria del secondo.

Si parla spesso, per un direttore musicale, della necessità di dare una propria impronta all’orchestra: ma di che cosa si tratta?

Di un colore riconoscibile? Di un approccio ben identificabile su qualsiasi repertorio? Di una flessibilità musicale marcata? È un processo che implica una mediazione tra personalità del direttore e materiale sonoro disponibile. È l’interazione tra le personalità dei musicisti che forma il carattere di un’orchestra: credo che il ruolo del direttore musicale sia coglierlo e plasmarlo seguendo il proprio senso estetico a seconda dei repertori. La flessibilità è uno degli obiettivi: oggi le orchestre devono poter spaziare agilmente tra repertori.

Inoltre, nell’ottica “spirituale” di cui parlavo, essa diviene un elemento im-

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21 ottobre ore 20.30 |Filarmonica 23 ottobre ore 18.00 | La Toscanini per Tutti Parma | Auditorium Paganini 22 ottobre ore 20.30 Lugo |Teatro Rossini ENRICO ONOFRI Direttore FILARMONICA ARTURO TOSCANINI Händel Music for the Royal Fireworks in re maggiore HWV 351 Rossini Sinfonia da La Cenerentola Beethoven Sinfonia n. 5 in do minore op. 67 7 dicembre, ore 20.30 Parma | Auditorium Paganini ENRICO ONOFRI Direttore FILARMONICA ARTURO TOSCANINI SANDRINE PIAU Soprano SARA MINGARDO Contralto LEVY SEKGAPANE Tenore LUCA TITTOTO Basso CORO UNIVERSITARIO DEL COLLEGIO GHISLIERI LUCA COLOMBO Maestro del coro Händel Messiah Oratorio per soli, coro e orchestra HWV 56

© Fondazione Toscanini / Luca Pezzani

15 dicembre 2022, ore 20.30 Parma | CPM “Arturo Toscanini”, Sala Gavazzeni ENRICO ONOFRI Violino

prescindibile sia per l’orchestra che per il direttore stesso.

Nei suoi concerti, la Filarmonica Toscanini affronta da sempre un repertorio centrato marcatamente sul grande sinfonismo tardoromantico e primonovecentesco: musiche, insomma, in cui la figura del direttore è fondamentale. Un approdo naturale anche per lei, oppure non fa parte oggi dei suoi obiettivi?

Mi occupo del Novecento storico e del contemporaneo con le altre orchestre di cui sono direttore stabile in Germania e Francia – soprattutto a Monaco, dove il binomio classicismo-Novecento è il punto di forza. Mi sono particolarmente cari Stravinskij, Bartók, così come mi intriga esplorare nuove musiche. Con la Filarmo-

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nica Toscanini stiamo percorrendo un sentiero di approfondimento tra classicismo e romanticismo, ma già in questa stagione in un concerto di “Fenomeni” presentiamo due autori di oggi: Hendrik Hofmeyer e Moritz Eggert in cui è solista al flauto dolce Stefan Temmingh.

A dicembre sarà impegnato anche come violinista, insieme alle prime parti dell’Orchestra, per un programma cameristico: è da qui che parte la sua visione dell’orchestra e del ruolo del direttore?

Senza dubbio fa parte del percorso di cui parlavo: nei passati mesi altri direttori hanno infatti messo a disposizione le loro capacità di strumentisti per interagire ancor più profondamente con gli artisti dell’orchestra.

QUINTETTO D’ARCHI DELLA FILARMONICA ARTURO TOSCANINI Boccherini Quintetto in si bemolle maggiore op. 39 n. 1 Quintetto op. 30 n. 6 in do maggiore G 324 La musica notturna delle strade di Madrid Haydn Quartetto in re maggiore op. 64 n. 5, Hob:III:63 Lerchen (L’allodola) 10 febbraio 2023, ore 20.30 |Filarmonica 11 febbraio 2023, ore 18.00 | La Toscanini per Tutti Parma | Auditorium Paganini ENRICO ONOFRI Direttore STEFAN TEMMINGH Flauto dolce FILARMONICA ARTURO TOSCANINI Vivaldi Concerto per flauto traverso, archi e basso continuo op. 10 n. 3 RV 428 Il Gardellino Eggert Außer Atem (Senza respiro) per tre flauti dolci e un esecutore Hofmeyr Concerto per flauto dolce, clavicembalo e archi Beethoven Sinfonia n. 6 in fa maggiore op. 68 Pastorale

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© Hideki Shiozawa

MISCHA MAISKY 14

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Il grande violoncellista, protagonista di un progetto di residenza onoraria triennale, si racconta in un’intervista esclusiva di Luca Baccolini

LA MUSICA È SEMPRE LA COSA PIÙ IMPORTANTE

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on si può dire che a Mischa Maisky siano mancati i modelli cui ispirarsi:nei corridoi del Conservatorio di Mosca sbatteva letteralmente contro mostri sacri come David Oistrakh, Sviatoslav Richter, Leonid Kogan, Dmitrij Šostakovič. A mancargli, semmai, era la libertà. Per questo lasciò l’Unione Sovietica nel 1972, prima ancora del suo maestro Mstislav Rostropovič. A vederlo oggi, felice 74enne, padre di sei figli (con due di loro, Lily e Sascha, si è anche esibito con la Filarmonica Toscanini nell’ultimo concerto di Capodanno), si fatica a immaginare Maisky confinato in un campo di lavoro sovietico. Ma è esattamente quello che gli successe nel 1970. Un ricordo che il conflitto in Ucraina rende ancora più attuale, e che il violoncellista ha voluto raccontare prima di tornare all’Auditorium Paganini nel primo appuntamento della sua residenza onoraria triennale con La Toscanini, suggello di una lunga collaborazione artistica: il 7 aprile nel Concerto n. 1 per violoncello di Saint-Saëns ed Élégie di Fauré sotto la direzione di Kristjan Järvi e, nella prossima stagione, anche in un programma come solista e concertatore con gli archi della Toscanini.

Maestro, cosa accadde in quegli anni di fuoco?

Nel 1970 fui spedito a lavorare in un centro di detenzione mentale vicino a Gorky. In realtà mi posso considerare fortunato. La pena minima era tre anni, a me ne toccò la metà esatta.

Neanche il mio avvocato ci voleva credere. Mi è sempre piaciuto vedere i lati buoni anche nelle disgrazie, e in verità mi vedo incredibilmente fortunato. Certo, a quell’epoca in Unione Sovietica nessuno poteva stare tranquillo: anche Rostropovič, che pure aveva molta influenza, finì per avere seri problemi.

Cosa ricorda di Šostakovič?

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Mischa Maisky al Concerto di Capodanno 2021 de La Toscanini

PROTAGONISTI

© Fondazione Toscanini / Luca Pezzani

Ebbi modo di parlargli nel 1966 dopo aver ricevuto un premio al Concorso Čajkovskij, dove ero il più giovane a gareggiare. Ricordo la circostanza dell’incontro: il 25 settembre 1966, per il concerto del suo 60° compleanno. Dirigeva suo figlio Maxim. Era una persona talmente introversa da risultare inafferrabile. C’è un episodio che dice tutto...

Lo racconti.

Lui e Rostropovič vivevano nello stesso complesso residenziale. Un giorno Dmitrij gli telefona: ‘Vieni da me, ho bisogno di parlare’. Mstislav si precipita. Entra in casa e vede Šostakóvič al tavolo della cucina. Non dice una parola e resta così per un’ora.

Dopodiché, all’improvviso, esclama: ‘Grazie per essere passato’. Evidentemente non gli serviva parlare.

Che consigli le dava Rostropovič?

Mi diceva sempre: ‘Ricordati di mettere il cavallo davanti al carro’. In altre parole: non mischiare mai le priorità. La musica è sempre la cosa più importante. Lo strumento è il veicolo.

Non bisogna mai usare la musica per far vedere quanto si è bravi.

Lo dice anche ai suoi allievi?

Sì. Non sono di quelli che incitano a esercitarsi 25 ore su 24. E non mi piacciono quelli che suonano veloce tanto per mostrare i muscoli. Preferisco la chiarezza.

Altri suoi maestri?

Piatigorsky (mostra la foto sul telefono, ndr). Qualcuno ha scritto Casals, ma l’ho solo incontrato. In realtà ho imparato da tante personalità e non solo da violoncellisti. Considero mio maestro Leonard Bernstein, col quale ho suonato una ventina di volte. Ma anche Maria Callas e Toscanini, che

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pure non ho mai conosciuto.

Quarant’anni fa il suo primo disco con Deutsche Grammophon (il Doppio Concerto di Brahms con Gidon Kremer). Il tempo vola.

Dipende. Sono un tipo molto filosofico. E penso che tutto sia relativo.

Negli ultimi 40 anni ho avuto sei figli.

L’ultimo ha 7 anni. Mi sento più giovane oggi rispetto al 1982.

Anche se i tempi attuali non sono i più favorevoli.

Ci sono poche situazioni in cui rimango senza parole. La guerra ai danni dell’Ucraina è una di queste. Ora ci siamo svegliati. Nel 2014, quando Putin si prese la Crimea, non tutti erano in grado di vedere.

tre anni di fila. Partendo dal Primo concerto di Saint-Saëns il 7 aprile.

Sono legatissimo a questa composizione: fu quella che portai al Concorso Čajkovskij.

Cosa non ha mai eseguito tra le cose che vorrebbe suonare?

Lutosławski: l’ho conosciuto personalmente e mi piacerebbe eseguire il suo Concerto per violoncello. Di Britten ho interpretato la Sonata ma non la Cello Symphony.

7 aprile 2023 ore 20.30 Parma | Auditorium Paganini KRISTJAN JÄRVI Direttore MISCHA MAISKY Violoncello FILARMONICA ARTURO TOSCANINI Fauré Élégie Saint-Saëns Concerto n. 1 per violoncello e orchestra Sibelius Sinfonia n. 2

Chissà che il suo Montagnana del 1720 non le chieda di suonarla.

Mai dire mai. Devo molto al mio strumento: è il rapporto più longevo che ho mantenuto. Dura dal 1973, quando mi fu donato. Altra dimostrazione di quanto sono stato fortunato nella mia vita.

Meglio parlare al futuro: la residenza con la Toscanini la impegnerà

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Behrang Rassekhi © Fondazione Toscanini / Luca Pezzani

QUESTIONNAIRE DE PROUST 30 DOMANDE PER CONOSCERE MEGLIO I PROFESSORI DELLA FILARMONICA ARTURO TOSCANINI 18

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PROTAGONISTI

Chi vorresti essere?

BR Non poter stare con chi amo o non poter fare quello che amo.

PN Deludere chi mi stima.

Nappi: “Il mare” Il tuo passatempo preferito?

Rassekhi: “Fare quelle attività che mi danno l’impressione di imparare qualcosa”

9. Cosa vorresti essere?

BR Non saprei, non ho mai avuto il desiderio di essere qualcos’altro.

PN Il mare.

Dei professori della Filarmonica conosciamo i volti, apprezziamo le qualità musicali ma siamo all’oscuro sui loro gusti, desideri e opinioni.

Cerchiamo di saperne di più, invitandoli a rispondere al famoso questionnaire de Proust: trenta domande apparentemente semplici e dal tono leggero ma che nell’insieme arrivano a ben definire la personalità di chi risponde.

In questo primo numero del magazine della Stagione 2022/2023 sono coinvolti Behrang Rassekhi (BR) e Pietro Nappi (PN), Prima viola e Primo violoncello.

1. Il tratto principale del tuo carattere?

BR Forse l’idealismo.

PN Lento all’ira.

2. Qual è la qualità che apprezzi in un uomo?

BR L’onestà.

PN L’onestà.

3. Qual è la qualità che apprezzi in una donna?

BR Penso lo stesso che in un uomo.

PN La saggezza.

4. Cosa apprezzi di più dei tuoi amici?

BR L’essere come sono, magari diversi da me, così mi regalano esempi e

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punti di vista diversi dai miei.

PN Gli amici ci sono nel momento del bisogno.

5. Il tuo peggior difetto?

BR La rigidità o forse l’ipercorrettismo.

PN Voler controllare tutto.

6. Il tuo passatempo preferito?

BR Fare quelle attività che mi danno l’impressione di imparare qualcosa, anche se sono una scusa per divagare e perdere tempo. Cerco di fare sport con regolarità, anche se al momento è più difficile, avendo un bimbo piccolo. Per il resto, fin da ragazzino, sono sempre stato un divoratore di enciclopedie: aprivo una pagina a caso e leggevo gli articoli, per apprendere cose nuove. Ora, con Wikipedia, sono capace di avere 90 voci aperte sul telefono ripromettendomi di approfondirle in un secondo momento, quando i temi trattati mi catturano. Gli interessi spaziano dalla linguistica alla geografia passando per la storia...

PN Andare in mountain bike.

7. Cosa sogni per la tua felicità?

BR Poter, un giorno, essere libero dal giudizio mio e degli altri e poter vivere in un eterno presente.

PN Migliorare come uomo e musicista.

8. Quale sarebbe, per te, la più grande disgrazia?

10. In che paese vorresti vivere?

BR Non so. Ho vissuto in paesi diversi e, in ognuno, ho notato bellezze e brutture. Penso sia difficile trovare un equilibrio… forse il luogo ideale non esiste nella realtà. L’abbiamo solo nella nostra testa.

PN Dove vivo ora: l’Italia.

11. Il tuo colore preferito?

BR Il verde, fin da piccolo.

PN L’azzurro.

12. Il tuo fiore preferito?

BR Non sono uno da fiori… forse la margherita, per la sua semplicità.

PN Le orchidee.

13. Il tuo uccello preferito?

BR Non me ne vengono in mente... i gabbiani di Alla ricerca di Nemo… almeno fanno ridere.

PN I gabbiani.

14. I tuoi scrittori preferiti?

BR Durante la mia vita, ho attraversato delle fasi, come penso tutti.

Quand’ero più giovane, quale lettore molto eclettico, passavo da Tolkien a Fenoglio, da Nick Hornby a Bulgakov, con un po’ di Garcia Marquez e Vasco Pratolini. Il fatto che ultimamente sia appassionato ai romanzi di Wu Ming mi ha fatto “riconciliare” con mia madre che mi rimprovera di leggere soltanto della saggistica che, peraltro, è il mio genere preferito!

PN Grazia Deledda e Andrea Camilleri.

15. I tuoi poeti preferiti?

BR Altro tasto dolente! Da persiano, non riesco ad apprezzare la poesia, che penso sia il genere letterario più importante della mia terra d’origine! Ammetto che faccio fatica ad

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PROTAGONISTI

Cosa sogni per la tua felicità?

Rassekhi: Poter, un giorno, essere libero dal giudizio mio e degli altri e poter vivere in un eterno presente.

Nappi: Migliorare come uomo e musicista.

apprezzarla, in qualsiasi lingua. Ogni tanto provo a cimentarmi con Petrarca piuttosto che il poeta persiano Hafez, Lee Masters, Hikmet, Machado… ma di fatto non mi coinvolgono, non mi risuonano dentro.

PN Leopardi.

16. – 17. Chi sono i tuoi eroi?

BR Oddio che parolona! L’eroe musicale è stato il mio maestro Piero Farulli, mito indiscusso del mio pantheon personale. Un dio iroso da Vecchio Testamento; chi ha avuto modo di conoscerlo sa di cosa parlo! Inoltre, penso ai partigiani. Da ragazzino, mi emozionavo e tuttora mi viene la pelle d’oca quando leggo che, durante la guerra, dei giovani andavano in montagna a combattere per la libertà.

PN I miei genitori.

18. Il tuo musicista preferito?

BR Non saprei dare un’unica risposta! Ho sempre amato Mozart, Beethoven, Mahler… ma anche Stravinsky o Monteverdi. Col tempo - diventando meno impaziente - ho incluso Wagner e Bruckner. Essendo portato a scavare, a volte ascolto compulsivamente per mesi interi lo stesso brano o lo stesso autore. È successo con l’ultimo movimento della Nona di Mahler, con Kid A dei Radiohead, ma anche con il Quartetto n. 11 Serioso di

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Beethoven.

PN Dvořák.

19. Il tuo pittore preferito?

BR Gauguin. Da bambino ricevetti un libro su di lui e da allora ho impresso nella mente le sue tele ed i suoi viaggi in Polinesia. Attraverso quel libro ho iniziato ad interessarmi all’altro, ad avere la curiosità di scoprire culture diverse dalla mia.

PN Antonio Ligabue.

20 – 21. Un eroe nella tua vita reale?

BR Ne ho ben più di uno. Sono le tante persone che mi hanno dato la possibilità di fare quello che altrimenti non avrei potuto. Spero che ci saranno sempre eroi così, e spero un giorno di poter diventare io un eroe per qualcun altro.

PN Il mio maestro Marco Scano.

Le sue lezioni al Conservatorio “Verdi” di Milano e il suo esempio in generale mi hanno fatto crescere umanamente e musicalmente. Lo considero il mio mentore.

22. Il tuo nome preferito?

BR Non saprei! Scordo sempre i nomi delle persone! Bado più a come sono, piuttosto che a come si chiamano.

PN Angelo.

23. Cosa detesti?

BR Spesso me stesso… ma detesto ammetterlo pubblicamente.

PN L’arroganza.

24. Un personaggio della storia che odi più di tutti?

BR Hitler senza dubbio. Aggiungo i grigi burocrati del male: autentiche figure inquietanti, descritte alla perfezione da Hannah Arendt ne La banalità del male.

PN Nessuno.

25. L’impresa storica che ammiri di più?

BR Quanto è successo nel 1453 che può essere considerato in due modi: la Caduta di Costantinopoli per noi europei o la Conquista di Costantinopoli per i turchi! Perché, spesso, la vittoria e la felicità di uno può essere la sconfitta e la disperazione di un altro… Credo che sia questo uno degli insegnamenti della storia.

PN In generale le scoperte mediche. Per me sono imprese!

26. Un dono che vorresti avere?

BR Uno? Tutti!

PN La saggezza.

27. Come vorresti morire?

BR In modo dignitoso.

PN Nel sonno.

28. Come ti senti attualmente?

BR Bene, grazie. Un po’ stanco forse, con un bambino piccolo in casa!

PN Felice della mia vita.

29. Di cosa ti senti in colpa?

BR Mamma che domande! Di non apprezzare appieno quello di bello che ho nella mia vita.

PN Degli errori fatti in passato.

30. Lascia scritto il tuo motto!

BR Riciclo una frase di Roberto Benigni: “Ama e fatti amare e sii felice”.

PN Viva la musica!

A cura di Giulia Bassi

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Pietro Nappi © Fondazione Toscanini / Luca Pezzani

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COMMUNITY MUSIC: LA TOSCANINI PER LA COMUNITÀ

«Noi non siamo forse fatti, come le note musicali, / L’uno per l’altro, anche se diversi?». È un verso di Shelley, tratto del suo Epipsychidion, la citazione in esergo - anzi in homepage - del sito di Musicians For Human Rights, l’associazione internazionale di musicisti fondata nel 2009 dal cornista e direttore d’orchestra italiano Alessio Allegrini e presieduta da Julian Fifer, che La Toscanini ha scelto di incontrare in questa Stagione nel suo percorso, che è fatto di musica ma non solo di musica.

Così, dalla lingua poetica di Percy Bysshe Shelley datata 1821, facciamo un balzo di due secoli sino all’inglese contemporaneo e al termine Community Music scelto per definire questo progetto parallelo e complementare all’attività concertistica della Toscanini. Attenzione, perché il termine community qui è inteso nella sua ac-

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cezione meno social e più sociale, quello di comunità: musica di comunità, musica per la comunità.

All’interno del programma Community Music 2022/2023 trova spazio la Human Rights Week. Il che significa una tavola rotonda sui diritti umani a partire dal libro The Routledge Companion to Music and Human Rights e workshop, prove aperte, uno spettacolo per bambini sull’energia eolica (per strumenti a fiato ovviamente) intitolato Zeffironia e i concerti con Musicians For Human Rights, network di solisti, musicisti freelance e membri di grandi orchestre di città come Vienna, Berlino, Amsterdam, Londra, Milano e Roma che donano le proprie prestazioni per raccogliere fondi per progetti sociali e umanitari.

Può sembrare scontato, ma non lo è purtroppo e la guer-

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MUSICA E SOCIETÀ

Perché la musica, l’arte, la cultura, la bellezza sono un diritto da condividere di Paola Molfino

Bolero-Preludio © Kaiming Liu per Fondazione Toscanini

ra di nuovo alle nostre porte lo conferma: la musica, l’arte, la cultura, la bellezza non sono un privilegio ma un diritto da condividere. Diritto affermato proprio dalla Dichiarazione Universale dei Diritti Umani approvata e proclamata il 10 dicembre 1948 dall’Assemblea Generale delle Nazioni Unite. Basta leggere l’articolo 22 che parla dell’esistenza di “diritti culturali indispensabili”: Ogni individuo, in quanto membro della società, ha diritto alla sicurezza sociale, nonché alla realizzazione (…) dei diritti economici, sociali e culturali indispensabili alla sua dignità ed al libero sviluppo della sua personalità.

Proseguendo con i due comma dell’articolo 27 che sono ancora più espliciti. Il primo dice: Ogni individuo ha diritto di prendere parte liberamente alla vita culturale della comunità, di godere delle arti e di partecipare al

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progresso scientifico ed ai suoi benefici. E il secondo: Ogni individuo ha diritto alla protezione degli interessi morali e materiali derivanti da ogni produzione scientifica, letteraria e artistica di cui egli sia autore.

Diversità, pace, comunità, diritti umani, educazione: parole alle quali dai tempi di Shelley e dal 1948 a oggi se ne sono aggiunte molte altre e nuove, entrate ormai nella comunicazione, nel linguaggio comune e nel Dna di aziende e istituzioni culturali: inclusione, integrazione, disabilità, identità di genere, responsabilità sociale, protezione ambientale, sviluppo sostenibile…

Piccole grandi cose danno il senso di una nuova consapevolezza, parlare di accessibilità LIS, sovratitolazione o audiodescrizione rivolta ai casi di iposensorialità, per esempio, si unisce allo sviluppo di attività più frontali:

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MUSICA E SOCIETÀ

portare la musica fuori da teatri e sale da concerti, nelle scuole e negli ospedali certo, ma anche nei luoghi di detenzione o nei campi profughi.

La pandemia, l’isolamento, la paura, hanno reso ancor più evidente questa necessità e il potere della musica. A ricordarcelo sono - fra i molti - artisti di gran valore umano oltre che musicale come Yo Yo Ma (con il suo mantra anti-Covid “Make it personal, because it’s always personal. Pick a person, pick a person a day”) oppure Yannick Nézet-Séguin (“Oggi voglio usare la musica per costruire un futuro più inclusivo che onori la bella tradizione delle opere del passato, ma che allo stesso tempo dialoghi con l’epoca che viviamo”).

Cultura significa saper leggere i segnali del presente e avvertire la responsabilità di contribuire a formare le coscienze del domani, lo sostiene non da oggi anche il sovrintendente della Toscanini, Alberto Triola.

E fare musica è un atto sociale, lo è per la sua natura stessa. Arturo Toscanini a cui questa istituzione è intitolata ne è un caso esemplare, come Leonard Bernstein, pioniere delle battaglie per i diritti civili made in Usa.

Yannick Nézet-Séguin: “Oggi voglio usare la musica per costruire un futuro più inclusivo che onori la bella tradizione delle opere del passato, ma che allo stesso tempo dialoghi con l’epoca che viviamo” Nel 1987, trentacinque anni fa, dedicando alla moglie scomparsa il Fondo Felicia Montealegre Bernstein di Amnesty International Usa, il direttore d’orchestra americano rifletteva così, con parole che hanno il suono di un lascito da raccogliere: “In un mondo compassionevole, i diritti umani non dovrebbero essere conquistati grazie alle lobby o alle raccolte fondi […]. Ma prendersi cura degli altri è un’attività adulta e il mondo in cui abitiamo è lento nel maturare. La compassione è ancora una cosa da insegnare e da imparare, purtroppo, visto lo stato adolescenziale della nostra evoluzione. Ma quelli di noi che si sono evoluti abbastanza da comprendere la grazia e la semplicità del prendersi cura devono lavorare per insegnarla agli altri, incessantemente…”.

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All’interno della 47ª Stagione di Concerti e nell’ambito del programma Community Music, La Toscanini propone dal 24 al 29 ottobre la prima Human Rights Week, una settimana di concerti e attività formative realizzata in collaborazione con Musicians For Human Rights, nel comune obiettivo di utilizzare la musica e le arti per valorizzare la diversità, creare comunità, promuovere la dignità umana e incentivare il rispetto dei diritti umani.

Al centro della settimana, il concerto che vede protagonisti la Filarmonica Arturo Toscanini con il suo Primo violino solista Mihaela Costea, Musicians For Human Rights e il direttore Alessio Allegrini.

«Questo concerto ha un significato molto importante – commenta Allegrini –. Si tratta infatti di un programma dal forte valore simbolico, per i suoi contenuti e per il messaggio che intende portare. Le Ebridi di Mendelssohn rappresentano la natura e il suo rapporto con l’uomo, tema di grande attualità. Seguono due prime esecuzioni italiane: Dances in the Canebreaks di Florence Price, prima compositrice afroamericana ad essersi imposta sulla scena musicale statunitense del Novecento, si concentra sul tema della schiavitù e sull’esperienza nera americana, e introduce I Will Not Remain Silent, Concerto per violino e orchestra di Bruce Adolph dedicato a Joachim Prinz, un rabbino e attivista del 20° secolo che si è battuto contro l’ascesa dell’antisemitismo in Germania negli anni ‘20 e ‘30. Rabbino della città di Berlino, Prinz fu perseguitato dal regime nazista e fu costretto a trasferirsi in America, dove si schierò a fianco di Martin Luther King, diventando una voce di spicco del movimento per i diritti civili negli Stati Uniti. Chiude il programma la Settima di Beethoven, autore toscaniniano per eccellenza e simbolo della fratellanza universale contro ogni forma di tirannia».

Scopri il programma completo della Human Rights Week

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MUSICA E SOCIETÀ

EMOZIONI COLLETTIVE Il palcoscenico degli spettatori secondo il sociologo Massimo Cerulo eCity (2020) di Marco Borciani Il progetto eCity nasce con la pandemia e il primo isolamento forzato.

Dall’impossibilità di viaggiare e visitare altre città, Borciani avverte la necessità di assemblare un luogo virtuale utilizzando componenti elettronici e di immaginare di visitarlo e ritrarlo. Un’evasione verso un altro mondo che si rivela però altrettanto cupo e arido.

Tutto il mondo è un teatro e tutti gli uomini e le donne non sono che attori: essi hanno le loro uscite e le loro entrate; e una stessa persona, nella sua vita, rappresenta diverse parti… Shakespeare esprime al meglio il concetto della vita come palcoscenico, che è il cuore di un pensiero enunciato da tanti poeti e scrittori del passato (tra gli altri anche Pirandello). Nella nostra epoca natu-

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ralmente è stato assimilato e allargato ad altri contesti divenuti oggetto di studio anche da parte di psicologi e sociologi della “teoria delle emozioni”. A uno di loro, Massimo Cerulo, professore di sociologia all’Università di Perugia e alla Sorbonne di Parigi, abbiamo proposto una riflessione in occasione della ripartenza a pieno regime dei teatri, dopo due anni di chiusure forzate ed

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MUSICA E SOCIETÀ

In sala anche noi siamo attori. In occasione della ripartenza a pieno regime dei teatri, Cerulo illustra con un ritmo incalzante il nostro copione: dall’entrata in scena, all’ingresso in foyer, fino al ritorno a casa a concerto terminato. incertezze, e la voglia di assistere agli spettacoli dal vivo.

La richiesta gli viene rivolta nella consapevolezza che ciò avviene non solo perché spinti dal desiderio di assistere ad un evento musicale unico. Anche per Massimo Cerulo, c’è molto altro. «Diversamente come classificheremmo tutte le emozioni che scatena in noi la partecipazione all’evento? Sì, perché ai concerti oltre al palcoscenico dei musicisti, occorre considerare il palcoscenico degli spettatori, in quanto chi frequenta è chiamato ad un impegno di socialità che sottende regole legate al comportamento, in riferimento al luogo e al rapporto con gli altri. Altrimenti? Noi sociologi diremmo: “adesso cade il teatro” per dire: “cade la società”: subisce uno scossone il processo che determina lo svolgersi dell’evento in pace e serenità». (volendo si potrebbe citare “lo strappo nel cielo di carta” da Il fu Mattia Pascal). Varcando la soglia di un teatro, o di una sala da concerto, per Cerulo diventiamo attori; quindi, recitiamo una parte sul nostro palcoscenico e il fatto che il genere (concerto o opera) rientri in un contesto culturale elevato rende maggiore lo sforzo cognitivo per gestire le emozioni secondo quel copione. Entrando nel merito della nostra performance sociale ed emotiva, Cerulo inizia ad enunciare quelle regole. «Pensiamo ad una società di corte. Al concerto si deve andare con l’abito congruo: no di certo in costume da bagno e non perché si scoprono alcune parti del corpo, ma perché si è fuori contesto sociale; e occorre conoscere i momenti del concerto: come la scansione dei tempi, il silenzio assoluto durante l’esecuzione, il poter parlare durante le pause… ma sempre attenendosi alle regole della conversazione».

Il tutto, secondo Cerulo, comporta un lavoro emotivo che non concerne soltanto la fruizione dell’evento (lavoro emotivo in situ) ma comprende il lavoro emotivo cognitivo o preparatorio e il lavoro emotivo retrospettivo.

«La “preparazione” che riguarda i momenti di avvicinamento all’evento può avvenire anche ore prima: vivo l’attesa dell’evento anche al lavoro dove, per distrarmi, penso che tra poche ore godrò di un momento di svago, avrò il piacere di sentire quella musica con determinati interpreti, incontrerò quelle persone, indosserò un vestito particolare. L’appassionato, inoltre, ascolta dei pezzi, o s’informa leggendo testi inerenti al programma della serata per focalizzarsi sull’emozione ambientale. Invece, coloro che sono obbligati a partecipare, come le personalità politiche, dovranno fare più attenzione a mantenere l’abito istituzionale intatto, per non farsi trovare im-

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preparati, perché, se non lo mettesse in atto, potrebbe essere etichettato come “deviante emozionale”, colui che non sa come comportarsi… e considerato o cafone, o ignorante, snob, supponente… Queste sono “coltellate” da parte della società che inficiano la loro identità sociale». Secondo il sociologo Cerulo la nostra entrata in scena, nella sala da concerto o in teatro inizia dal foyer sotto gli occhi degli altri che osservano e giudicano. «Essendo àmbiti fortemente etichettati, si deve attuare un lavoro profondo di gestione delle emozioni anche in termini corporali ed espressivi. Esempio: se incontro una persona che detesto non posso urlare contro di lei, ma devo controllarmi in modo ferreo, cominciando a “gestire la respirazione”. In quel caso potremmo sostenerci con un “pensiero felice”: quella valigia mentale cui attingiamo per non affondare emotivamente (ricordare una bella poesia o la deliziosa nipotina che ci vuole bene…). Il lavoro riguarda le espressioni del corpo, a partire dal sorriso di circostanza, o il blocco delle mani per non esondare, il fuggire dagli abbracci impetuosi e dai baci (bisogna accennarli sforando appena la guancia). Una volta seduti - lavoro emotivo in situ - si salutano i vicini di posto in modo sobrio, senza pacche sulle spalle o “dammi il 5”, o soffermarsi a fissare a lungo una persona. A concerto finito, dopo i saluti, riprendiamo l’auto pensando a quanto è avvenuto - lavoro emotivo retrospettivo -: una sorta di autoanalisi che compiamo su di noi chiedendoci: mi sono comportato bene? Come è stata la mia performance? Ho utilizzato le parole giuste? Il lavoro cognitivo serve per correggersi e commentare eventuali comportamenti di altre persone, sempre per il bisogno di riconoscimento da parte della società e la conferma con un “ti accetto!”» La consapevolezza, dunque, di essere sotto i riflettori sembra anche legata a una sfida che finiamo per accettare con piacere. Nel recente passato, quando per il lockdown gli spettacoli e i concerti erano solo “da remoto”, le situazioni- sfida legate al “nostro” palcoscenico - non potendole affrontare - ci mancavano! Ribadiamo per questo, la nostra preferenza per i concerti dal vivo e, nonostante i limiti dettati dall’etichetta, sentiamo ora più che mai la necessità di esserci per godere dell’incontro con agli altri, condividere le esperienze e, perché no, rientrare nel gioco di quelle emozioni che, nonostante tutto, ci fanno sentire vivi. di Giulia Bassi

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APPROFONDIMENTI

Karl Wilhelm Diefenbach, Geige Spielender Knabe [Ragazzo che suona il violino], 1928 ca.

FATO E DESTINO

L’ ineluttabilità nelle due “Quinte” di Beethoven e Čajkovskij di Guido Barbieri

Fato e destino, nonostante le apparenze, non sono sinonimi. La radice etimologica della parola “fato” proviene dal latino fatum, derivato di fari, che significa “dire, parlare”. È insomma la parola, la sentenza definitiva pronunciata dalla divinità. Un principio irrevocabile al quale nessuno si può sottrarre, nei confronti del quale la volontà umana è rassegnata e impotente. Diverso il caso della parola “destino” che risale invece – secondo gli studiosi di etimologia – alla radice indoeuropea stadalla quale deriva il verbo greco istemi, ossia “io sto”.

Destino è dunque l’esito finale di un avvenimento che “sta”, che “si trova”, che è dunque prestabilito, determinato da una catena di cause ed effetti. La differenza, però, rispetto alla ineluttabilità della parola divina, è che il destino, al contrario del fato, è nelle mani dell’uomo e dunque lascia aperta la porta alla volontà e alla ragione, a due facoltà, cioè, in grado modificare più o meno sensibilmente il corso degli avvenimenti.

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Artur Paunzen, Phantasien uber Beethoven 5. Symphonie op. 67 1 Satz [Fantasia sopra il primo tempo della Sinfonia n. 5 di Beethoven], 1918 (Muggia, Trieste, Biblioteca Beethoveniana – Collezione Carrino)

GUIDA ALL’ASCOLTO (S)RAGIONATA E (IN)CONSAPEVOLE Non devi parlare di Operazione Beethoven per dire Lasciamo fare al destino! Le cose non stanno in questi termini. La vita senza una meta è un mero vagabondare… Ti assicuro che, se l’autore della Quinta era un po’ spigoloso, iracondo, avrà avuto i suoi motivi… tu invece devi ammorbidirti. In ogni caso: stai sereno: non puoi fare nulla per evitare il destino. Verrà a cercarti!

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APPROFONDIMENTI

La sinfonia di Beethoven è attraversata da una concezione “filosofica” dell’idea di “destino”, la sinfonia di Čajkovskij sembra al contrario ripiegata su una dimensione più angustamente individuale

Questa dicotomia semantica si rispecchia perfettamente nel dittico “virtuale” costituito da due sinfonie che nonostante appartengano al dominio della cosiddetta “musica assoluta” vengono tuttora associate, in modo più o meno legittimo, alla sfera extra musicale della “fatalità” e della “ineluttabilità”: la Sinfonia n. 5 in do minore op.

67 di Ludwig van Beethoven e la Sinfonia n. 5 in mi minore op. 64 di Pëtr Il’ič Čajkovskij. Le due “quinte parallele” nascono ovviamente in epoche e contesti radicalmente diversi: la Quinta par excellence, ossia quella beethoveniana, nella Vienna imperiale e illuminista tesa tra il declinare del diciottesimo secolo (i primi schizzi risalgono al 1795) e l’aurora del secolo romantico. La Quinta “rivale”, invece, ottant’anni più tardi, nel 1888, in un’altra città “imperiale”, San Pietroburgo, nemmeno sfiorata, però, dai bagliori dei Lumi.

Due cornici “esterne” che non possono non influire sulla luce dei rispettivi quadri. Anche se l’evidenza documentaria è fragilissima e si riduce ad una inverificabile affermazione orale dell’autore (“Così il destino bussa alla porta”) la Sinfonia di Beethoven è attraversata da una concezione “filosofica” dell’idea di “destino” che consegna comunque nelle mani dell’uomo, della sua ratio e della sua determinazione, il compito di segnare il cammino verso l’ineluttabile, assegnando dunque alla musica il compito, esplicitamente “umanistico”, di essere veicolo del pensiero. La Sinfonia di Čajkovskij sembra al contrario ripiegata su una dimensione più angustamente individuale e autobiografica, più scopertamente emotiva, priva, insomma, di ogni pretesa di “universalità”. Anche in questo caso i dati documentali non sono solidissimi e si riducono ad una affermazione affidata dall’autore ad un “foglio sparso”: “Introduzione: sottomissione totale di fronte al destino e alla predestinazione ineluttabile della provvidenza”. Ma per Čajkovskij la prigione del fato sembra davvero non possedere alcuna finestra di luce, alcuna feritoia aperta verso l’esterno. E acquista, al contrario, la gelida imperscrutabilità di un invincibile vaticinio.

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21 ottobre ore 20.30 |Filarmonica 23 ottobre ore 18.00 | La Toscanini per Tutti Parma | Auditorium Paganini 22 ottobre ore 20.30 Lugo |Teatro Rossini ENRICO ONOFRI Direttore FILARMONICA ARTURO TOSCANINI Händel Music for the Royal Fireworks in re maggiore HWV 351 Rossini Sinfonia da La Cenerentola Beethoven Sinfonia n. 5 in do minore op. 67 25 novembre ore 20.30 Parma | Auditorium Paganini Sabato 26 novembre, ore 20.30 Piacenza | Teatro Municipale Domenica 27 novembre, ore 21.00 Imola | Teatro Ebe Stignani MICHELE SPOTTI Direttore CLARISSA BEVILACQUA Violino MIRIAM PRANDI Violoncello COSTANZA PRINCIPE Pianoforte FILARMONICA ARTURO TOSCANINI Beethoven Triplo Concerto in do maggiore op.56 Čajkovskij Sinfonia n. 5 in mi minore op. 64

IN CUFFIA

I consigli di ascolto digitale degli artisti della Stagione Beethoven, Sinfonia n. 5 Ferenc Fricsay, Berliner Philharmoniker Deutsche Grammophon Carlos Kleiber, Wiener Philharmoniker Deutsche Grammophon Arturo Toscanini, NBC Symphony Orchestra Columbia di Enrico Onofri

Čajkovskij, Sinfonia n. 5 Leonard Bernstein, New York Philarmonic Sony Mariss Jansons, Oslo Philarmonic Orchestra Chandos Digital Gianandrea Noseda, London Symphony Orchestra LSO Live di Michele Spotti

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APPROFONDIMENTI

TOSCANINI E GRUBICY TRA SUONI, COLORI E FORME Fra il pittore e il direttore d’orchestra nacque un prezioso legame artistico-spirituale

di Alessandro Botta “Una fra le più deliziose giornate regalatemi dalla mia arte”. È con queste parole che Vittore Grubicy descrive, in un ricordo personale, il suo primo incontro con Arturo Toscanini, avvenuto a Milano nell’ottobre del 1911, prima della partenza del direttore per New York, dove avrebbe aperto la stagione concertistica del Metropolitan Opera House con l’esecuzione dell’Aida di Verdi. Quando i due si conoscono personalmente, Toscanini ha quarantaquattro anni ed è tra i direttori d’orchestra più apprezzati e affermati sia in Europa che negli Stati Uniti. Grubicy, più anziano di lui di sedici anni,

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Vittore Grubicy De Dragon, Brumettes d’octobre (collezione privata)

La lettura puntuale di quei valori emozionali – tanto ricercati da Grubicy nei suoi dipinti – appare come una vera rivelazione al pittore e costituisce la base per un rapporto reciproco di stima, non privo di importanti risvolti collezionistici. Toscanini sarebbe divenuto in breve tempo il maggiore collettore di pittura grubiciana.

è unanimemente considerato come un esempio di integrità artistica e critica, nonché figura centrale e fondante del gruppo divisionista italiano.

L’incontro tra i due non è certamente frutto del caso.

Lo scultore Leonardo Bistolfi, amico comune, crea l’occasione per far convenire nella casa-studio di Vittore il noto musicista. L’interpretazione arguta del direttore verso le sue opere – e in particolare del dipinto Un ad-

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dio penoso (entrato poi nelle collezioni del musicista), opera cruciale nel percorso artistico di Grubicy trattandosi di uno dei primi quadri realizzati durante il suo soggiorno ad Anversa – assume un significato nodale nello stesso rapporto col direttore d’orchestra, a tal punto da essere considerato dal pittore come “la causa” del loro “prezioso legame artistico-spirituale”. La lettura puntuale di quei valori emozionali – tanto ricercati da Gru-

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APPROFONDIMENTI

16 novembre 2022, ore 20.30 Parma | CPM “Arturo Toscanini”, Sala Gavazzeni MIHAELA COSTEA Violino JAE HONG PARK Pianofort< FILARMONICA ARTURO TOSCANINIe Beethoven Sonata n. 9 in la maggiore per pianoforte e violino op. 47 A Kreutzer Sonata n. 29 in si bemolle maggiore per pianoforte op. 106 Hammerklavier 15 dicembre 2022, ore 20.30 Parma | CPM “Arturo Toscanini”, Sala Gavazzeni ENRICO ONOFRI Violino QUINTETTO D’ARCHI DELLA FILARMONICA ARTURO TOSCANINI Boccherini Quintetto in si bemolle maggiore op. 39 n. 1 G337

Ritratto fotografico di Vittore Grubicy De Dragon, Courtesy Mart Rovereto, Fondo Grubicy

bicy nei suoi dipinti – appare come una vera rivelazione al pittore e costituisce la base per un rapporto reciproco di stima, non privo di importanti risvolti collezionistici.

Toscanini sarebbe divenuto in breve tempo il maggiore collettore di pittura grubiciana. Una spinta a raccogliere le opere dell’artista (anche dopo la morte di questi, avvenuta nel 1920) che l’avrebbe portato nel 1933 a possedere ben sessantacinque suoi lavori, tra dipinti e disegni.

L’immaginario figurativo e musicale, condiviso e interpretato in chiave sinestetica dai due, secondo quel principio di unitarietà delle arti ricorrente nella cultura di fine secolo, non manca di trapelare non soltanto nelle parole dell’artista (atte ad evocare metaforicamente quel processo di suggestione tra immagini ed emozioni che è alla base della sua pittura) ma dalle stesse dichiarazioni espresse in tempi diversi dal direttore d’orchestra. Un gioco di associazioni – tra suoni, colori e forme – che si rende evidente in alcuni passaggi che Toscanini indirizza nelle sue lettere al pittore, anche quelle inviate anni dopo il loro primo incontro, occasionate – come nel maggio del 1913 – dall’osservazione di un gruppo di sue opere raccolte nella propria abitazione milanese, ormai tappezzata di dipinti dell’amico artista: “Passo molte ore della giornata nel più delizioso angolo della mia casa reso così prezioso da te […] seduto davanti al tuo soave canto Brumette d’octobre vivo per il pensiero - per l’estasi del pensiero che l’anima - estasi vaga, indefinita, che s’innalza su, su in alto tra le nubi, lontano lontano… […] Che musica misteriosa va insinuandosi a poco a poco! Musica leggera, inafferrabile, eppur così calda d’armonie! Ma ci vuole l’anima non le orecchie per sentirla. Beato te, caro Vittore, che hai potuto e saputo

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Haydn Quartetto n. 63 in re maggiore op. 64 n. 5, Hob:III:63 Lerchen (L’allodola) Boccherini Quintetto in do maggiore op. 30 n. 1 G 324 La musica notturna delle strade di Madrid

“In arte non c’è una sola sensibilità che ci fa vibrare per un quadro o un accordo e viceversa…

E allora non rimpiango più di essere musicista...”, così scrive Arturo Toscanini all’amico Vittore Grubicy. Quando musica e arte visiva si incontrano possiamo godere delle Melodie pulviscolari, frutto di un connubio legato a una modalità di fruizione diversa che nel Salotto Toscanini 2022/2023 trova forma nella visione di un’opera della collezione d’arte del Maestro illustrata da Cristina Casero, docente di Storia dell’arte contemporanea all’Università degli Studi di Parma.

far cantare la voce della tua bell’anima!!”

Durante una giornata piovosa sulla Presolana, nell’estate del 1917, che costringe Toscanini a rimanere forzatamente recluso in casa (“Leggo moltissimo e passo lunghe ore al pianoforte”), l’arte di Grubicy viene invece associata ad un preciso immaginario sonoro, ricondotta alle predilezioni e alle esperienze musicali più intense vissute dal direttore: “E Debussy? Non è forse il Grubicy della musica? Quanta analogia tra la tua e l’arte sua! Come la tua, quella di Debussy è un’arte semplice, tenera, profonda che sembra sbocciata nel silenzio, e cresciuta nella pace nell’amore. L’essenza di quella musica come quella della tua pittura è di essere una rivelazione. Poche parole, mezzi limitati, bastano a voi per dire le cose più profonde. Dieci anni sono ormai scorsi dalle mie rappresentazioni di Pelléas alla Scala; eppure, quel miracolo d’arte e d’inspirazione mi appare ancor più sovrumano”.

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Vittore Grubicy De Dragon, Un addio penoso, 1885, Livorno, Courtesy Fondazione Livorno, Archivio Foto Arte

GUIDE ALL’ASCOLTO (S)RAGIONATE E (IN)CONSAPEVOLI Siate buoni con voi stessi, non continuate a torturarvi. Innamorarsi in maniera morbosa, durante l’ascolto della Sonata a Kreutzer, capita. E non importa se vi hanno sorpreso, se hanno portato in piazza la vostra passione! (Tolstoj approverebbe) Siete malinconici perché pensate di essere soli al mondo e di non piacere? Pensate che la vita non sia stata generosa con voi e vi sentite inutili? Volete tirarvi su il morale? Chiedetemi come, e vi rispondo. Recatevi alla fantastica notte spagnola per le strade di Madrid il 15 dicembre e vedrete che la musica, questa volta, farà miracoli. Ma non posso esimermi dal ricordarvi che, come sempre, il mattino ha l’oro in bocca!

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APPROFONDIMENTI

DALL’ORATORIO AL MUSICAL

Georg Friedrich Händel compone oratori nell’arco di quarant’anni, dal Trionfo del tempo e del disinganno (1707) sino a Jephta (1752), in italiano, in tedesco e soprattutto in inglese. È infatti a Londra che Händel riesce a fare dell’oratorio – eseguito senza rappresentazione scenica – un genere di forte impatto drammatico e di potente comunicativa al punto da rivaleggiare con

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l’opera, grazie alla narrazione di vicende nelle quali il pubblico inglese contemporaneo può facilmente immedesimarsi, alla caratterizzazione musicale di personaggi a tutto tondo e all’impiego spettacolare del coro.

Così gli oratori di Händel, dei quali il Messiah (1742) è certo il più famoso, si possono considerare teatro virtuale in musica dove l’assenza della dimensione scenica

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Paolo Simonazzi, Mantua, Cuba, 2015

favorisce la sperimentazione drammaturgica.

Sperimentazione che, sempre a Londra, nel 1728 induce John Gay e Johann Cristoph Pepusch a comporre The beggar’s opera, una commedia (ballad opera) di satira sociale e culturale in cui la recitazione è inframmezzata da pezzi musicali e che, rielaborata due secoli dopo da Bertolt Brecht e Kurt Weill nella Dreigroschenoper

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(1928) costituisce un antecedente della moderna commedia musicale. Quest’ultima, nel Novecento, conosce la sua stagione più entusiasmante nel musical classico di Broadway con autori come Jerome Kern, Irving Berlin, Cole Porter, George Gershwin e Leonard Bernstein, destinati a lasciare un segno incancellabile nel Great american songbook. Cesare Fertonani

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APPROFONDIMENTI

Argle-bargle in salsa Händel di Attilio Cantore Abbazia: Le commemorazioni händeliane nella Cattedrale di Westminster, 1784

«Perché non sei più venuto a sentire l’oratorio, James?», saetta il generale FitzPatrick raggiungendo a grandi falcate Mr. Hare e stringendogli la mano, massonicamente.

«Perché non posso certo essere dappertutto, Richard» (un po’ evasivo e un po’ salace).

Poi, irrigidendo il visetto smunto aggiunge con vago disappunto Whig: «La mia discrezione mal si accorda con queste pompose parate regali» (tira distrattamente del tabacco).

In effetti, quella mattina del 29 maggio 1784, His Majesty come da programma faceva il suo ingresso a Westminster Abbey, a mezzogiorno in punto, fra l’euforia generale. E l’evento non poteva essere dei più pomposi, appunto.

Sotto lo sguardo compiaciuto di Giorgio III e della sua

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Il Messiah è un autentico monumento nazionale e ancora oggi non c’è suddito che non ne fischietti almeno dieci cantilene o più.

Un trionfo scultoreo della fede ma anche una celebrazione della fratellanza universale corte, si eseguiva il famoso Messiah di Händel, terzo evento di una gloriosa Commemoration per i venticinque anni dalla morte del venerato compositore tedesco – a dirla tutta, la prima di una lunga serie nella storia britannica, ma i nostri due gentiluomini non potevano ancora saperlo, naturalmente.

«Che cosa ci troverai mai in questa musica antica, dio solo lo sa» (simula stupore).

«Vorrai scherzare! Mi tolgano pure il posto alla House of Commons se non è vero che questa musica è la quintessenza dello spirito inglese: nobiltà e dolcezza, maestosità e sentimento».

«Certo, Richard, il Messiah è un autentico monumento nazionale e ancora oggi non c’è suddito che non ne fischietti almeno dieci cantilene o più. Ero un ragazzino quando mia madre mi portava al Foundling Hospital a sentirlo, e all’epoca era ancora vivo quel parruccone di Händel».

«Gli affetti più sublimi e delicati, adattati alle più elevate e commoventi parole del testo di Charles Jennens, non possono che trascinare e affascinare il cuore e l’orecchio di ognuno».

«Eppure, te lo confesso, ho sempre preferito il melodramma».

«Ma è come se lo fosse. Anzi, proprio per l’assenza di scenografie e orpelli vari, trovo che gli oratorî siano ancor più sperimentali a livello drammaturgico».

«Oh, ti prego illuminami!»

«Mi limiterò giusto all’inizio, James. Dopo una sinfonia alla francese in tono minore, si passa al tono maggiore:

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bianco e nero, capisci che intendo, come camminando sul pavimento a scacchi di St. Paul’s Cathedral. Ed ecco subito un arioso idilliaco che si trasforma in un recitativo accompagnato e sfocia in un’aria pirotecnica incorniciata da festosi ritornelli orchestrali. E, infine, un coro sfolgorante che dissimula una scrittura mottettistica».

«Da come ne parli, sembra che ce ne sia proprio per tutti i gusti».

«Puoi ben dirlo, old bean».

«Ma quella Pifa, così lagnosa e manierata?»

«Al contrario, è un mirabile bozzetto pastorale. Immagina di guardare qualche Staffordshire porcelain a motivi campestri o le tue greggi nella campagna di Knaresborough. O forse, meglio, un presepio napoletano. Mi confrontavo poco fa su questo punto con Charles Burney, che a Napoli è stato per davvero, come Händel molti anni prima, ovviamente, quando…»

«D’accordo, ma vai avanti ora…» (gesto impaziente) «Ecco, sulle arie non avrai da obiettare, mi auguro».

«Persuadimi…»

«Sai, non è certo un caso se la statua di Händel scolpita da Roubiliac, quella che da una ventina d’anni si trova nel transetto sud di Westminster Abbey, regge proprio lo spartito del Messiah mettendo in bella mostra una pagina dell’aria I know that my Redeemer liveth».

«Non ci avevo mai fatto caso…» (occhi sgranati).

«Tu fammi il nome di una pagina più d’effetto di Rejoice greatly e The trumpet shall sound o più suggestiva di He was despised».

«Su due piedi ora non saprei…»

«Appunto, non ce ne sono. E i cori? Che magnificenza!»

«Ricalcano i fasti cerimoniali dei nostri amati anthems».

«Senz’altro, e l’Halleluja ne è l’apoteosi. Parti in contrappunto e in omofonia efficacemente intrecciate, in un crescendo potentissimo».

«Da togliere il fiato…»

«Mi piace considerarlo non solo un trionfo scultoreo della fede ma anche una celebrazione della fratellanza universale».

«In tal caso, non mi resta che andare ad ascoltarlo, ancora una volta».

William Blake, Albion Rose da “A large book of designs”, 1793-1796

7 dicembre ore 20.30 Parma | Auditorium Paganini ENRICO ONOFRI Direttore SANDRINE PIAU Soprano SARA MINGARDO Contralto LEVY SEKGAPANE Tenore LUCA TITTOTO Basso CORO UNIVERSITARIO DEL COLLEGIO GHISLIERI LUCA COLOMBO Maestro del coro FILARMONICA ARTURO TOSCANINI Händel Messiah Oratorio per soli, coro e orchestra HWV 56

GUIDA ALL’ASCOLTO (S)RAGIONATA E (IN)CONSAPEVOLE Sicuramente quella turbolenza inaspettata che sentirete il 7 dicembre non deriverà dai venti settentrionali che in quel periodo imperverseranno sul Lago di Garda; piuttosto, sarà dovuta al flusso di forti correnti emotive legate al Messiah di Händel e al loro potere di catturare le più sottili sfumature del sentimento. Parliamoci chiaro, sbalordisce, perché è musica immediata capace di appianare anche le situazioni più intricate ed irrisolte. Dunque, cogliete l’attimo, senza riserve!

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APPROFONDIMENTI

Con le jazz songs: dal musical di Broadway a Hollywood di Silvia Del Zoppo

Epitome dell’approccio cinetico che caratterizza il musical di Leonard Bernstein (1918-1990), le Symphonic Dances (1961) rappresentano un estratto di nove sezioni dalla versione cinematografica di West Side Story. Del musical di libera ispirazione shakespeariana che nel 1957 aveva portato sulle scene di Broadway la rivalità tra due bande di adolescenti, portoricani e bianchi, era infatti appena stata approntata una versione filmica, con orchestrazione curata da Sid Ramin e Irwin Kostal.

L’occasione per ricavarne delle danze sinfoniche si era presentata a Bernstein grazie all’organizzazione di un concerto per la raccolta fondi la Filarmonica di New York: la trascrizione celebrava così non soltanto il sodalizio che lo aveva legato all’orchestra fino a quel momento, ma anche il rinnovo del contratto che avrebbe garantito altri sette anni di collaborazione.

Grazie a un lavoro di editing condotto dallo stesso Bernstein, la sequenza delle danze era stata modificata in favore di una maggior coerenza musicale: i contrasti ritmici, dinamici, agogici e timbrici traspongono infatti la narrazione del conflitto tra gangs su di un piano autenticamente “sinfonico”, dove le vivaci combinazioni strumentali si alternano in una gamma quasi camaleontica di colori, e la pulsazione incessante, che si giova di un’amplissima sezione di percussioni, trascina il flusso del discorso musicale. L’azione scenica di ciascuno dei nove quadri, - Prologue (Allegro moderato), Somewhere

(Adagio), Scherzo (Vivace e leggiero), Mambo (Meno Presto), Cha-cha (Andantino con grazia), Meeting Scene (Meno mosso), Cool Fugue (Allegretto), Rumble (Molto allegro), Finale (Adagio) - può dunque rimanere il fil rouge sullo sfondo di questa esuberante suite orchestrale.

Le songs in programma sono tra le più celebri di George Gerswhin (1898-1937), su versi del fratello Ira. Si parte con Fashinating Rhythm (1924), prima collaborazione tra i due fratelli e Broadway impiegata nel musical Lady be Good, per proseguire con Let’s call the whole thing off, meglio nota attraverso il suo incipit: «You like tomay-to and I like to-mahto», gioco di allitterazioni che si fa burla della pronuncia, aperta o chiusa, del suono vocalico ‘a’: British English versus American English, certo, ma anche demarcazione dell’appartenenza a differenti ceti sociali. Dal ritmo incalzante di Nice Work If You Can Get It, su cui un ballerino, cantante e attore della caratura di Fred Astaire eseguiva un’esilarante sequenza di danza alla batteria, si passa attraverso le sfumature blues di The Man I Love, per chiudere con I Got Rhythm e le sue caratteristiche progressioni armoniche.

A contrappuntare questo excursus nel repertorio dei fratelli Gershwin, altri celebri jazz songs che si legano al musical di Broadway e alle esperienze hollywoodiane dei loro autori: così i successi di Cole Porter (18911964) Night and Day (dal musical Gay Divorce del 1932), I’ve Got You Under My Skin (da Born to Dance

Melodie orecchiabili e versi dal cinismo pungente caratterizzano gli standards più celebri del cosiddetto “GAS” [Great American Songbook].

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del 1936), What Is This Thing Called Love? (da Wake Up and Dream del 1929) e I Get a Kick out of You (per la commedia musicale Anything Goes del 1934).

Melodie orecchiabili e versi dal cinismo pungente caratterizzano quelli che sono oggi annoverati tra gli standards più celebri del cosiddetto “GAS” [Great American Songbook]. Tra questi, anche The Way You Look Tonight, scritta da Jerome Kern (1885-1945): il suo nome, insieme a quello di Irving Berlin (18881989), si aggiunge al parnaso dei compositori più rappresentativi del teatro e del cinema americano.

D’altronde, successi quali Puttin’ on the Ritz, prima

song ad essere cantata da un ensemble multietnico (il titolo, nello slang dell’epoca, allude al “vestire elegante”), o Blue Skies, che fa capolino nell’unica sequenza dialogata del primo film sonorizzato della storia del cinema, The Jazz Singer, del 1929, ma anche Heat Wave (1933), o ancora Let’s Face the Music and Dance, scritta nel 1936 per il film Follow the Fleet, testimoniano la divulgazione del jazz “classico” e delle sue caratteristiche idiomatiche - sincopi, sfumature ritmiche e inflessioni swing - attraverso il grande schermo e offrono un compendio ricco e articolato del variopinto patrimonio musicale collettivo statunitense.

1 gennaio ore 12.00 Parma | Auditorium Paganini TIMOTHY BROCK Direttore CELINDE SCHOENMAKER Soprano CHRISTINA ALLADO Soprano ROB HOUCHEN Tenore ADRIAN DER GREGORIAN Baritono FILARMONICA ARTURO TOSCANINI I più grandi successi del musical internazionale, da Londra a Broadway Leonard Bernstein Symphonic Dances from “West Side Story” George Gershwin Fascinating Rhythm, Let’s Call The Whole Thing Off, Nice Work If You Can Get It, The Man I Love, I Got Rhythm Jerome Kern The Way You Look Tonight Cole Porter Night and Day, I’ve Got You Under My Skin, What Is This Thing Called Love?, I Get A Kick Out Of You Irving Berlin Puttin’ On The Ritz, Blue Skies, Heat Wave, Let’s Face The Music And Dance

Shinn, Teatro di varietà londinese

GUIDA ALL’ASCOLTO (S)RAGIONATA E (IN)CONSAPEVOLE Un cambio di guardia stellare! Per Capodanno 2023 il direttore d’orchestra non regalerà il solito mazzo di melodie colorato e… profumato. S’interromperà così, dopo anni, la catena che va di padre in figlio (alias: di Strauss Johann, in Strauss Johann). Non possiamo affermare che il direttore non ami i valzer, ma i tempi cambiano e fa bene ad adeguarsi sfoderando quella musica, anzi… quei musical! Il direttore desidera soprattutto che le songs (canzoni) di uno diventino la gioia di tutti. Buon anno!

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© Dallara Group

Dallara 50 anni sulle ali del vento L’azienda leader nella progettazione e produzione di auto da corsa, sponsor della Stagione della Filarmonica e della serie “Fenomeni”, taglia il traguardo del mezzo secolo Dallara festeggia i primi 50 anni. Mezzo secolo di successi – dalla fondazione, nel 1972, all’affermazione negli U.S.A. con l’IndyCar e le vittorie alla “500 Miglia” di Indianapolis – che hanno portato l’azienda di Varano de’ Melegari ad essere leader mondiale nella progettazione e produzione di auto da corsa.

Ma Dallara è anche una comunità che investe in modo sostenibile per garantire un futuro migliore al territorio in cui opera, con riconoscenza e gratitudine. Ed è con questa visione di responsabilità sociale di impresa che da diversi anni l’azienda affianca la Fondazione Toscanini, sostenendo la realizzazione della Stagione della Filarmonica e della serie “Fenomeni”.

Ne abbiamo parlato con l’Ing. Giampaolo Dallara, fondatore e Presidente di Dallara Group, che insieme alla passione per le auto da corsa coltiva da sempre anche quella per la musica.

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Ing. Dallara, il 2022 è un anno di grandi festeggiamenti per la vostra azienda.

Abbiamo deciso di festeggiare durante tutto l’anno. Per questo è stato definito un palinsesto di eventi e di manifestazioni che ci permettessero di ripercorrere quello che abbiamo fatto in 50 anni di attività ma soprattutto di porre le basi per i prossimi 50 anni dell’azienda. Tra le varie iniziative abbiamo organizzato il primo “Family Day”, sia nella sede italiana che in quella americana, pubblicato un libro dedicato a 50 aneddoti sulla nostra azienda, prodotto uno spettacolo teatrale ad opera di Federico Buffa e promosso una serie di eventi tecnico-divulgativi nella nostra Dallara Academy.

Tra i protagonisti dello spettacolo teatrale c’è anche la “Next”, l’orchestra Under35 de La Toscanini.

Si tratta di una scelta in linea col nostro proposito di va-

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MECENATI

lorizzare i talenti giovanili, e di attingere ad una realtà musicale che rappresenta con successo il nostro territorio. Da sempre credo nei giovani. Nel nostro gruppo (che oggi conta più di 600 dipendenti, n.d.a.) l’età media è 35 anni, ed il 60% dei dipendenti ha meno di 35 anni di età.

Tra i progetti de La Toscanini, l’azienda ha sostenuto con particolare convinzione la serie “Fenomeni”: una partecipazione culminata nella performance del percussionista Simone Rubino che ha ‘suonato’ oggetti provenienti dalle fabbriche Dallara.

Nella serie “Fenomeni” abbiamo trovato una affinità con lo spirito del nostro staff, giovane, all’avanguardia, e portatore di un grande potenziale, a cui viene richiesta nel proprio lavoro la capacità di innovare e di uscire dagli schemi canonici per elaborare soluzioni nuove. Parecchi di loro si rivelano dei fenomeni nel proprio campo, così come gli artisti che si esibiscono nella rassegna, ed hanno sorpreso il pubblico con il loro estro nell’esprimere un modo diverso di fare musica. L’esibizione di Simone Rubino è stata veramente sorprendente! Non avrei mai

immaginato la possibilità di dare vita a tali sonorità tramite oggetti abituali nel nostro lavoro, né di renderle armoniche al punto da creare un’espressione artistica. È stato un cambio di prospettiva interessante, soprattutto per un ingegnere come me abituato ad un uso puramente tecnico di quegli oggetti.

“Radici e futuro crescono insieme”: il payoff Dallara potrebbe essere anche quello de La Toscanini!

La Dallara è, da sempre, un’azienda profondamente radicata nel suo territorio dal quale, negli anni, ha imparato tanto. Questo legame non è mai stato un vincolo alla crescita, anzi, è stata la sua forza per guardare sempre avanti con curiosità e voglia di imparare, senza perdere di vista le proprie radici. Pensando invece al legame col nostro passato, per noi indispensabile fare tesoro delle lezioni che provengono dalle nostre origini e dalle esperienze tecniche che ci hanno portato ad essere quel che siamo ora.

Pur essendo un’azienda proiettata in avanti per rimanere competitiva, uno dei nostri punti di forza è la reputazione che deriva dal nostro passato.

© Dallara Group

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NEWS

DAFFUNCHIO E MAURO SALUTANO LA FILARMONICA Dopo Sabrina Fontana, Julia Geller e Laurentiu Vatavu, altre due figure storiche dell’orchestra lasciano la Filarmonica per il raggiungimento della pensione: sono i violinisti Maurizio Daffunchio e Mario Mauro, che vinsero il concorso insieme nel 1988. Ad accomunarli la totale dedizione alla Filarmonica, la personalità forte per idee e convinzioni e nello stesso tempo una profonda riservatezza. La comune origine piemontese di Daffunchio e Mauro li ha resi amici.

“Una volta diplomati abbiamo capito subito che suonare in orchestra era la nostra strada” racconta Mauro. “Possiamo ritenerci fortunati perché, allora, ci fu data l’opportunità di fare quello che volevamo – puntualizza Daffunchio – purtroppo oggi non è così scontato”. I due violinisti, che hanno condiviso l’impegno quotidiano in orchestra per quasi 35 anni, ora ricordano con emozione (e un pizzico di nostalgia) le prime tournée nell’ex Germania est, Russia, Cina, Giappone… le grandi serate concertistiche all’Auditorium Paganini che negli anni si sono susseguite, i tour estivi e la lirica nei teatri della regione. © Fondazione Toscanini / Fabio Boschi

ALLA PARMA MARATHON A RITMO DI MUSICA (CLASSICA) La maratona di Parma si corre quest’anno a ritmo della musica de La Toscanini, grazie alla nuova partnership con Parma Marathon. Sabato 15 ottobre al Parco della Cittadella lo spettacolo Il libro più bello con l’attore Marco Fragnelli (Collettivo Lynus) e il clarinettista Alessandro Schiavetta (La Toscanini Next) accoglie i partecipanti della “corsa dei bambini” sui plaid azzurri della Biblioteca di Arturo. Domenica 16 ottobre La Toscanini dona a tutti i runner una playlist creata in esclusiva per Parma Marathon 2022 con le registrazioni “live” dagli archivi della Filarmonica Arturo Toscanini, aperti per la prima volta: un omaggio supportato dalla certezza che correre alla maratona a ritmo della più bella musica mai scritta sarà ancora più divertente. Ad accompagnare i podisti saranno le note di alcune tra le più celebri sinfonie di ogni tempo: la Jupiter di Mozart, la Sinfonia n. 7 di Beethoven e la Sinfonia Dal nuovo mondo di Dvořák.

KAIMING LIU VINCE LA OPEN CALL FOR ARTISTS UNDER35 L’artista ventitreenne Kaiming Liu sarà la Visual Artist per la Stagione 2022/2023 de La Toscanini. È stata scelta a seguito di un apposito bando “per la freschezza della proposta e l’ampio portfolio di immagini ricche di dettagli preziosi”. Nata in Cina nel 1999 e residente a Bologna, è diplomata all’Accademia di Belle Arti di Firenze. I suoi lavori – per i quali utilizza acquerelli, matite colorate, penne e pennarelli – sono stati selezionati in numerosi concorsi a livello nazionale ed internazionale, su tutti l’International Festival of Book Illustration and Visual Literature MOPC (Mosca, 2021). “Da piccola studiavo disegno e pianoforte – ha raccontato Kaiming Liu –, ma per vari motivi ho dovuto scegliere di proseguire lo studio di uno dei due, quindi sono molto felice di questa vittoria, perché mi dà la possibilità di lavorare con la musica e, dunque, di unire le mie due grandi passioni”.

© Fondazione Toscanini / Luca Pezzani

CONCORSO TOSCANINI, UN ANNO DOPO Per i tre premiati al Concorso Internazionale di Direzione d’Orchestra “Arturo Toscanini” 2021 si sta prospettando un’entusiasmante carriera fatta di prestigiosi incarichi. A partire dal vincitore, il bielorusso Vitali Alekseenok, che dopo il debutto al Teatro alla Scala nel Piccolo Principe, nuova opera di Pierangelo Valtinoni, commissione del Teatro milanese, è stato nominato Kapellmeister alla Deutsche Oper am Rhein, ruolo ricoperto in passato da nomi illustri quali Carlos Kleiber e Christian Thielemann.

Sasha Yankevych, Secondo Premio e Premio speciale dell’Orchestra, ha debuttato con successo di pubblico e critica all’Estate Musicale Trapanese con Elisir d’amore, al Festival MITO SettembreMusica e al Kungliga Hofvkapellet di Stoccolma, continuando a collaborare con la Filarmonica Arturo Toscanini al Festival Toscanini e al Festival Respighi di Bologna. Nel 2023 debutterà alla Staatsoper di Amburgo e al Teatro Comunale di Bologna.

L’austriaco Felix Hornbachner, Terzo Premio, è divenuto assistente della direttrice australiana Simone Young che lo ha scelto per produzioni all’Opéra de Paris (Salome), con l’Orchestre de la Suisse Romande e con i Berliner Philharmoniker. È Direttore Principale della Pannon Youth Orchestra con sede al Castello Esterhazy di Eisenstadt. Prossimamente dirigerà diversi concerti con l’Orchestra del Wiener Concert-Verein a Linz e al Musikverein di Vienna.

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© Fondazione Toscanini

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ALMANACCO

Dal capo al segno… zodiacale: Beethoven secondo gli astri Nasce a Bonn, Germania, domenica 16 dicembre 1770 alle ore 3:40 ed è Sagittario, segno dominato da Giove che simboleggia la giustizia. Le persone-Sagittario sono attive e oneste; a volte la loro franchezza ferisce gli altri, senza che ne siano consapevoli. Luna in Sagittario.

Per sentirsi appagati, hanno bisogno di credere in qualcosa con un obiettivo, una missione, una filosofia che dia un significato alla loro esistenza. La loro fede deve essere volontaria ma può capitare che, per estirpare i dogmi, ne abbraccino degli altri. Ascendente in Scorpione.

Devono combattere contro una forza oscura e distruttiva che, per alcuni, nasce dalla gelosia, dall’invidia o dalla brama di potere. Discendente in Toro. Mentre lo Scorpione lotta e cambia le cose, il Toro è paziente, ha i piedi saldi a terra e immagazzina tutto!

I nati il 16 dicembre hanno un’opinione chiara su ciò che è giusto o sbagliato.

Combattono l’intolleranza, hanno il senso dell’armonia, sono compassionevoli, bravi ascoltatori, ma anche ambiziosi. Dotati di una forte personalità, hanno un buon pensiero analitico ma a volte vivono di illusioni! (g.b.)

© Kaiming Liu per Fondazione Toscanini

Accordi vegetali

A cura di Villiam Morelli Immergendoci nella natura, sperimentiamo una conta- gio dei fiori, il papavero simboleggia l’orgoglio sopito, minazione tra musica ed etnobotanica che studia le rela- mentre il colore rosso è collegato alla passione. L’effetto zioni tra le piante – i lori ritmi e le loro proprietà – con medico del papavero comune fu sopravvalutato nel Medioevo, a causa della sua parentela e l’uomo. L’arte dei suoni è portatrice somiglianza con il papavero sonnifedi emozioni, e l’intreccio tra natura ro (Papaver somniferum) da cui viene e musica tiene conto del nostro stato estratto l’oppio. Descritto come cald’animo, spesso riflesso nei brani che mante, antidolorifico e antispastico, ascoltiamo. Villiam Morelli, membro i suoi fiori rossi vengono utilizzati della Società Italiana di Botanica, anche come colorante nei farmaci. esperto di etnobotanica e consulente di importanti chef e scuole di cucina, Abbiniamo il papavero a Händel e ha accettato il nostro invito ad abbiin particolar modo ai pezzi in pronare una pianta a un compositore e gramma nella Stagione 2022/2023: alla sua musica, regalandoci un’inteMusic for the Royal Fireworks e ressante descrizione della liaison e la l’Oratorio Messiah, ricchi di colori, ricetta per preparare un infuso per il leggeri ma anche delicati e soprattutdopo concerto. to gioiosi.

L’infuso di papavero rilassa, prepara Il papavero, pianta annuale (Papaver al sonno e scioglie le tensioni della rhoeas), non si cura di occupare spazi giornata. Per prepararlo fate seccare i per tanto tempo, muore ogni anno e affida a una moltitudine di semi la sua petali in un luogo ventilato e riparato successione. Cresce in spazi sgraditi dal sole. Portate a ebollizione un litro ad altre specie, con gioia e allegria che sprigiona anche di acqua e immergetevi i petali; lasciateli in infusione dalla copiosa fioritura rosso vivo. Da considerare come per 10 minuti e poi filtrate. Si può bere sia caldo che simbolo di spensieratezza e gioia di vivere. Nel linguag- freddo. (g.b.) © Kaiming Liu per Fondazione Toscanini

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AUTORI

LUCA BACCOLINI Giornalista, classe 1987, scrive dal 2010 per l’edizione bolognese de La Repubblica e dal 2016 è redattore del mensile Classic Voice. Autore di numerosi libri su storia e costumi di Bologna, ha condotto per sette anni programmi radiofonici di intrattenimento culturale. Nel 2019 ha scritto il soggetto teatrale per Opera Show Cooking, spettacolo andato in scena al Teatro Coccia di Novara con la partecipazione di Antonino Cannavacciuolo. Collabora con svariate istituzioni musicali ed enti lirici.

GUIDO BARBIERI Dopo aver praticato per trentacinque la critica musicale (negli ultimi due decenni per La Repubblica) collabora attualmente con le pagine culturali de Il Manifesto. Non ha mai scordato lo storico debito di gratitudine che lo lega a RAI Radio 3, per la quale conduce tuttora alcuni programmi. E continua a svolgere anche la nobile professione dell’insegnamento, occupando la cattedra di Storia ed estetica della musica presso il Conservatorio di Cesena. La sua attività prevalente è però, oggi, quella che lo lega alla drammaturgia musicale. Ha scritto testi, libretti e reading per alcuni dei maggiori compositori italiani, condividendo spesso il palcoscenico, come voce narrante, con musicisti di grande valore.

ALESSANDRO BOTTA Storico dell’arte, si è formato a Torino e ha svolto il dottorato di ricerca in Storia dell’arte presso l’Università degli Studi di Udine. Si è occupato di arte italiana tra Ottocento e Novecento, nonché di problemi legati alla critica d’arte a cavallo tra i due secoli. I suoi interessi di studio si concentrano, inoltre, sul rapporto tra arti figurative e letteratura. È coautore del catalogo generale della pittrice Nella Marchesini (Cinisello Balsamo, 2015). Nel 2017 ha pubblicato il volume Illustrazioni incredibili. Alberto Martini e I racconti di Edgar Allan Poe (Macerata, 2017).

ATTILIO CANTORE Nasce nel suo feudo pugliese sotto il segno del Cancro, trenta giri di zodiaco or sono. È musicologo e giornalista per passione. Vive a Milano, solitamente leggendo cose random e scrivendo, più che altro per sé stesso. Talvolta, suona e disegna, ma in realtà preferisce cucinare. Ama la musica (tutta) e gli uomini (quelli di buon cuore, che sono molto pochi).

Diplomato in pianoforte, è PhD Candidate presso l’Università di Milano, docente di storia della musica al Conservatorio di Piacenza, è redattore di Music Paper. Ha partecipato alla prima edizione di Scuola Pound e ha pubblicato il romanzo La Musica e la Grotta (Chimienti, 2013).

NICOLA CATTÒ Nato a Milano nel 1979, ha studiato musicologia a Milano con Emilio Sala e Francesco Degrada e ha proseguito gli studi con un Master (SDA Bocconi / Teatro alla Scala) in Management per lo spettacolo (MASP). Già responsabile marketing dell’Orchestra Verdi di Milano, è direttore della storica rivista MUSICA dal 2014. È inoltre attivo come conferenziere, traduttore (dall’inglese, francese e tedesco) e storico della musica; è autore di programmi di sala per diversi teatri italiani ed esteri e collabora regolarmente con la Rete Due della Svizzera italiana e con Radio MCA.

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AUTORI

SILVIA DEL ZOPPO Ha compiuto studi musicali e filosofici, conseguendo il Dottorato di ricerca in musicologia presso le Università di Milano e Heidelberg (cotutelle de thèse).

Il suo lavoro di ricerca, sostenuto dalla Fondazione Confalonieri (Milano) e dall’Exzellenzinitiative der Graduiertenakademie Heidelberg, è stato pubblicato da Peter Lang (Berlino, 2021).

Ha svolto un postdoc presso l’Università di Torino sul fantastico nel teatro musicale e collabora con diversi enti (Levi - Venezia, MEIS - Ferrara, Appiani - Monza). È attualmente docente di discipline musicologiche presso l’Università di Milano e i Conservatori di Pavia e Gallarate, e redattrice per la rivista Music Paper.

MARCO CAPRA È docente di Storia della musica all’Università di Parma.

Dal 1985 al 2016 è stato archivista e infine direttore del Centro Internazionale di Ricerca sui Periodici Musicali; dal 2005 al 2015 ha presieduto la Casa della Musica, istituzione del Comune di Parma; dal 2019 è membro del Comitato scientifico dell’Istituto Nazionale di Studi Verdiani. Tra le sue pubblicazioni si segnalano quelle dedicate alla critica e alla stampa musicale; a teatri, editori e associazioni musicali; alla storia del teatro musicale a Parma; ad Arrigo Boito, Luigi Cherubini, Giovanni Pacini, Giacomo Puccini, Arturo Toscanini, Giuseppe Verdi.

CESARE FERTONANI Insegna Storia della musica moderna e contemporanea e Metodologia della critica musicale all’Università di Milano. È direttore scientifico della collana di edizioni “Archivio della Sinfonia Milanese” (Ricordi), membro del Comitato editoriale dell’edizione delle opere di Vivaldi (Fondazione Cini) e membro del Comitato direttivo del “Saggiatore musicale”. Autore di volumi e saggi sulla musica dal Settecento al Novecento, si è occupato soprattutto degli aspetti semantici, rappresentativi e narrativi della musica strumentale.

Come critico musicale ha scritto per Il Corriere della Sera e per Amadeus.

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PAOLA MOLFINO Giornalista, da più di 30 anni fa informazione culturale e racconta la storia e le storie della “grande” musica. Le piace dire che non servono diplomi di Conservatorio o lauree per ascoltare e amare Bach, Mozart, Beethoven o Puccini. Bastano orecchie, mente e cuore aperti. Nel 1989 è stata tra i fondatori del mensile Amadeus, che ha anche diretto sino al 2021. Ora è direttrice responsabile di Music Paper, testata di informazione e cultura musicale, nuova avventura giornalistica nel mondo digitale. È sempre convinta che la bellezza ci salverà, che la divulgazione e la formazione del gusto siano fondamentali per la sostenibilità e il benessere di una società civile.

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La Filarmonica Arturo Toscanini diretta da Fabio Luisi esegue la Sinfonia n. 9 di Beethoven a conclusione della I edizione del Festival Toscanini Parma, Piazza del Duomo, 12 luglio 2022 © Fondazione Toscanini / Fabio Boschi

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