Issuu on Google+

(2) март 2010

Chest: The fauna of the earth by Josef Hoffmann painted by Franz Von Zülow, 1945; 79 x 60 x 41 cm Courtesy Bel Etage, Wolfgang Bauer, Vienna


La Pietra. Courtesy OTTO JAKOB www.tefaf.com


A rare and important Louis XV gilt and patinated bronze Pendule ‘À L’Éléphant’ Paris, dated 1752

найди время для искусства


Gallery.spb лицензия Зарегистрирован Управлением Федеральной службы по надзору в сфере связи, информационных технологий и массовых коммуникаций по Санкт-Петербургу и Ленинградской области Свидетельство о регистрации средства массовой информации ПИ № ТУ 78-00389, от 24 августа 2009 года учредитель ООО «Мойка, 24» издатели Елена Андреева, Анастасия Морозова тел./ факс: 315 02 51 стратегический партнер Артиндекс тел. 924 924 1 и.о. главного редактора Ксения Ланда обозреватель Елена Гаврилова корреспонденты Анастасия Желковская Виктория Моисеева Антонина Пучковская дизайн Николай Федотов верстка Ольга Дождёва перевод Дмитрий Брагилевский Виктория Моисеева    юрист Виктория Бадмаева адрес редакции и издателя 191186 Россия, Санкт-Петербург наб. р. Мойки, 24, лит. А, пом. 8Н тел.: (812) 315 02 51 типография Отпечатано в типографии «Премиум пресс» Санкт-Петербург, Оптиков ул., 4 Тел.: (812) 324 18 15 Тираж 5000 экз. Цена свободная Часть тиража распространяется бесплатно Приобрести журнал можно по адресу: наб.р. Мойки, 24 Подписано в печать 30.03.2010 Редакция не несет ответственности за содержание рекламных объявлений. Использование любых материалов из журнала возможно только после согласования с редакцией «Gallery.spb». Юридическую поддержку и защиту авторских прав осуществляет Приморская Коллегия Адвокатов Адвокатской Палаты СанктПетербурга.


галереи

ГАЛЕРЕИ СПБ 19 век

St.Art

Арт-Союз

СПб, Б. Конюшенная ул., 19 993-51-84 www.19vek.com antiq@19vek.com

СПб, ул. Ломоносова, д. 1 314-97-87, 314-26-27, 956-46-32 www.startacademy.ru art@startacademy.ru

СПб, Некрасова ул., 29 273-10-23 artsouz@inbox.ru

Al Gallery

АННА

СПб, наб. р. Фонтанки, 76 713-35-34; 938-88-44 www.album-gallery.ru nataly@album-gallery.org

СПб, Михайловская ул., 1/7 (Гранд отель Европа Мезонин) 329-65-46 belage@mail.ru

СПб, Лиговский пр., 50, к.12, оф. 94 (921) 941-71-53 www.artefacto.ru ethnodesign@infopro.spb.ru

Alchemist

Анна Нова

Вернисаж свободных художников СПб

СПб, Фурштатская ул., 10 579-41-53 artnow@artnow.es

СПб, Жуковского ул., 28 275-97-62; факс: 272-89-51 www.annanova-gallery.ru info@annanova-gallery.ru

СПб, Невский пр., 58 314-57-07 www.nevskiy.spb.ru vernisag.spb@mail.ru

Апрель

Галерея Академии художеств

СПб (921) 916-94-68 www.aprilgallery.ru as@aprilgallery.ru

СПб, Наличная ул., 21 355-12-74

Art re Flex СПб, пр. Бакунина, 5 332-33-43 www.artreflex.ru info@artreflex.ru

Bulthaup СПб, Б. Конюшенная ул., 2 336-30-03 www.design-gallery.ru pr@design-gallery.ru

KGALLERY СПб, наб. р. Фонтанки, 24 273-00-56 www.kgallery.ru gallery@kgallery.ru

Navicula Artis СПб, Пушкинская ул., 10 764-53-71 www.p-10.ru

N-prospect СПб, Невский пр., 78 719-67-60, 579-86-49 www.n-prospect.ru nevskiy78@mail.ru

4

galleryspb (2) 2010

Арка СПб, ул. Б. Морская, 6 312-40-12 www.arkartgallery.ru arkartgallery@rambler.ru

Арт Объект СПб, ул. Шамшева, 6А 490-62-15 www.artobject-gallery.ru ao@artobject-gallery.ru

Арт-город СПб, Большой пр. П.С., 47 320-62-12, 327-75-27 ooodeks@mail.ru

Арт-Лига СПб, Пушкинская ул., 10 764-53-71 www.p-10.ru

Артефакт

Галерея Вадима Зверева СПб, Сикейроса ул., 1 915-43-28, 327-64-90 www.zverev-gallery.ru zubakha@gmail.com

Галерея Ивана Славинского СПб, 6-я линия В.О., 5/5 328-22-22, 945-68-10 www.ivan-slavinsky.com info@ivan-slavinsky.com

Галерея кукол СПб, Б. Морская ул., 53/8 314-49-34 vava-skripkina@mail.ru

Галерея Марины Гисич СПб, наб. р. Фонтанки ,121, кв. 13 314-43-80 www.gisich.com gallery@gisich.com


На правах рекламы

© Василиса Балашова


галереи Галерея Сержио Бустаманте

Гостиная искусств

Контракт Рисовальщика

СПб, Невский пр., 44 571-50-03 www.sergiobustamante.ru sbustamante@rambler.ru

СПб, Невский пр., 47 703-53-71 www.palkin.ru info@palkin.ru, pr@palkin.ru

СПб, наб. р. Мойки, 24 315-02-51 www.cdspb.com info@cdspb.com

Галерея современного искусства фарфора

Грибоедова, 52

Лазурь да Глина

СПб, наб. кан. Грибоедова, 52 310-71-86, 310-29-95 centre@artacademy.ru

СПб, Чехова ул., 8 273-17-29, 976-27-89 www.artglina.ru arthomepiter@yandex.ru

СПб, пр. Обуховской обороны, 151 326-17-43 www.ipm.ru bul_av@ipm.ru gallery@ipm.ru

Галерея Тонино Гуэрры СПб, пр. Обуховской обороны, 105 (911) 213-14-53, (911) 213-14-54 www.guerragallery.ru tssergey58@mail.ru, petrograf@mail.ru

Галерея Третьякова СПб, Пионерская ул., 2 233-10-07 www.artgarden.spb.ru tvp@vestcall.net

Галерея-мастерская Вячеслава Чеботаря СПб, Апраксин двор, корп. 41, 3 эт. 310-16-54 www.sverhkartina.ru sverhkartina@bk.ru

Гильдия мастеров СПб, Невский пр., 82 579-09-79

Глобус СПб, Лиговский пр., 74 334-98-36 www.globegallery.ru info@globegallery.ru

Д-137 СПб, Невский пр., 90/92 275-60-11 www.d137.ru info@d137.ru

Ди Ди

Лофт Проект Этажи

До-галерея

Мансарда художников

СПб, Чайковского ул., 10/61 273-24-06, (921) 932-35-32 www.dogallery.spb.ru tulen153@yandex.ru artpod@dogallery.spb.ru

СПб, Б. Пушкарская ул., 7 230-91-50 www.sneg.su potapov@land.ru

Квадрат

СПб, Марата ул., 35 710-88-35 www.martgallery.ru martgallery@rambler.ru

СПб, Куйбышева ул., 28 232-12-38 www.kvadrat.russkialbum.ru info@russkialbum.ru

Квартал СПб, Казанская ул., 7 941-73-84 www.kvartal.in info@kvartal.in

Голубая гостиная СПб, Большая Морская ул., 38 315-74-14, 314-19-06 www.lyssak.com lysak@mail.ru

СПб, Казанская ул., 12 572-15-51, 572-15-52, 929-12-35 www.sergienko.info kvartira35@rambler.ru

galleryspb (2) 2010

СПб, Пестеля ул., 17/25 579-44-10, 579-22-14 www.sovietart.ru art-liberty@mail.ru

СПб, Большой пр. В.О., 62 320-73-57, 912-14-21 www.didigallery.com admin@didigallery.com

Квартира Александра Сергиенко

6

Либерти

СПб, Лиговский пр., 74 458-50-05 www.loftprojectagi.ru

Март

Матисс Клуб СПб, Никольская пл., 6 572-56-70, 904-35-84 www.matissclub.com gallery@matissclub.com

Меч и шлем СПб, Дмитровский пер., 5 571-64-79, 930-09-88 www.swordandhelmet.ru swordandhelmet@mail.ru


На правах рекламы


галереи Монмартр

Петербургский художник

Русская усадьба

СПб, наб. кан. Грибоедова, 59 571-71-37 www.monmartr.spb.ru monmartr-2007@mail.ru

СПб, наб. р. Мойки, 100 314-06-09 www.piter-art.com info@piter-art.com

СПб, Стремянная ул., 7 315-22-69 www.russian-usadba.ru rus_usadba@mail.ru

Мост через Стикс

Прошлый век

Русский портрет

СПб, Пушкинская ул., 10 764-53-71 www.p-10.ru

СПб, Волынский пер., 4 312-43-25 www.pv-gallery.ru info@pv-gallery.ru

СПб, Рылеева ул., 16 Песочная наб., 16 272-14-88, 272-59-31

Пушкин

СПб, наб. р. Мойки, 93 571-42-60 www.spasgal.ru spasgal@mail.wplus.net

Моховая, 18 СПб, Моховая ул., 18 275-33-83 www.gm18.ru galery-m18@mail.ru

Музей сновидений Фрейда СПб, Большой пр. П.С., 18а 456-22-90, (911) 784-21-17 www.freud.ru katya@freud.ru

на Кустодиева, 17 СПб, Кустодиева ул., 17 635-91-22, 949-36-21 www.gallerykustodieva17.ru kustodieva17@mail.ru

на Свечном СПб, Свечной пер., 5 710-89-59, 312-44-34 sarkis98@yandex.ru

Онегин СПб, Итальянская ул., 11 570-00-58 www.onegin-gallery.com onegin.spb@mail.ru

СПб, Якубовича ул., 5 325-97-08 www.pushkin-art.com pushkin-art@yandex.ru

Пушкинская, 10 СПб, Пушкинская ул., 10 764-53-71 www.p-10.ru info@p-10.ru

Рахманинов СПб, Казанская ул., 5 327-74-66, 327-74-67 www.hotelrachmaninov.com office@hotelrachmaninov.com

Рахманинов дворик СПб, Казанская ул., 5 312-95-58, (901) 305-68-81 www.fotorachmaninov.ru rachmaninov@list.ru

Ростра

Отражение

СПб, Думская ул., 4 (Перинные ряды) 449-56-45 www.rostra-arts.narod.ru rostra_gallery@mail.ru

СПб, наб. р. Карповки, 21 234-61-00

Русская икона СПб, Итальянская ул., 11 314-70-40 www.ruicon.com russian_icon@hotmail.com

8

galleryspb (2) 2010

С.П.А.С.

Сол-Арт СПб, Соляной пер., 15 327-30-82 www.solartgallery.com edward@solartgallery.com

Стекло-Росвуздизайн СПб, Ломоносовская ул., 1/28 312-22-14 www.glassdesign.ru gl_galerea@mail.ru

Туман Арт СПб, Льва Толстого ул., 9 961-96-19 www.tumanart.ru

Э СПб, наб. р. Фонтанки, 51 570-71-18 www.artessence.ru arvest7@yahoo.com


Наталья Гончарова. На правах рекламы


галереи

GALLERY SPB 19 vek

St.Art

Art-Soyuz

19, B. Konushennaya st., SPb 993-51-84 www.19vek.com antiq@19vek.com

1, Lomonosova st., SPb 314-97-87, 314-26-27, 956-46-32 www.startacademy.ru art@startacademy.ru

29, Nekrasova st., SPb 273-10-23 artsouz@inbox.ru

Al Gallery

ANNA

76, Fontanka emb., SPb 713-35-34; 938-88-44 www.album-gallery.ru nataly@album-gallery.org

1/7, Mikhailovskaya st., SPb (The Grand Hotel Europe Mezzanine) 329-65-46 belage@mail.ru

office 94, 50-12, Ligovsky pr., SPb (921) 941-71-53 www.artefacto.ru ethnodesign@infopro.spb.ru

Alchemist

Anna Nova

10, Furshtatskaya st., SPb 579-41-53 artnow@artnow.es

28, Zhukovskogo st., SPb 275-97-62, 272-89-51 www.annanova-gallery.ru info@annanova-gallery.ru

58, Nevsky pr., SPb, 314-57-07 www.nevskiy.spb.ru vernisag.spb@mail.ru

5, Bakunina pr., SPb 332-33-43 www.artreflex.ru info@artreflex.ru

April

21, Nalichnaya st., SPb 355-12-74

Bulthaup

Arka

2, B. Konushennaya st., SPb 336-30-03 www.design-gallery.ru pr@design-gallery.ru

6, B. Morskaya st., SPb 312-40-12 www.arkartgallery.ru arkartgallery@rambler.ru

KGALLERY

Art Object

24, Fontanka emb., SPb 273-00-56 www.kgallery.ru gallery@kgallery.ru

6A, Shamsheva st., SPb 490-62-15 www.artobject-gallery.ru ao@artobject-gallery.ru

Navicula Artis

Art-gorod

53/8, B. Morskaya st., SPb 314-49-34, vava-skripkina@mail.ru

10, Pushkinskaya st., SPb 764-53-71 www.p-10.ru

47, Bolshoy pr. P.S., SPb 320-62-12, 327-75-27 ooodeks@mail.ru

Marina’s Gisich Gallery

N-prospect

Art-League

78, Nevsky pr., SPb 719-67-60, 579-86-49 www.n-prospect.ru nevskiy78@mail.ru

10, Pushkinskaya st., SPb 764-53-71 www.p-10.ru

Art re Flex

10

SPb. (921) 916-94-68 www.aprilgallery.ru as@aprilgallery.ru,

galleryspb (2) 2010

Artefact

Independent Artist’s Vernisage, SPb

Academy of Arts gallery

Vadim Zverev’s gallery 1, Sikeroysa st., SPb 915-43-28, 327-64-90 www.zverev-gallery.ru zubakha@gmail.com

Ivan Slavinsky Art Gallery 5/5, 6 Liniya V.I., SPb 328-22-22, 945-68-10 www.ivan-slavinsky.com info@ivan-slavinsky.com

Dolls Gallery

13/121, Fontanka emb., SPb 314-43-80 www.gisich.com gallery@gisich.com


© Виктор Норкин. На правах рекламы


галереи Sergio Bustamante’s gallery

Art Drawing-Room

Draughtsman’s Contract

44, Nevsky pr., SPb 571-50-03 www.sergiobustamante.ru sbustamante@rambler.ru

47, Nevsky pr., SPb 703-53-71 www.palkin.ru, info@palkin.ru pr@palkin.ru

24, Moyka emb., SPb 315-02-51 www.cdspb.com info@cdspb.com

Gallery of contemporary porcelain art

Griboedova, 52

Lazur da Glina

52, Griboedova emb., SPb 310-71-86, 310-29-95 centre@artacademy.ru

8, Chekhova st., SPb 273-17-29, 976-27-89 www.artglina.ru arthomepiter@yandex.ru

151, Obukhovskoy oborony pr., SPb 326-17-43 www.ipm.ru bul_av@ipm.ru, gallery@ipm.ru

Tonino Guerra’s Art Gallery 105, Obukhovskoy Oborony pr., SPb (911) 213-14-53, (911) 213-14-54 www.guerragallery.ru tssergey58@mail.ru, petrograf@mail.ru

Tretiakov’s gallery 2, Pionerskaya st., SPb 233-10-07 www.artgarden.spb.ru tvp@vestcall.net

Vyacheslav’s Chebotar Galleryworkshop 3 fl., 41 bld., Apraksin yard, SPb 310-16-54 www.sverhkartina.ru sverhkartina@bk.ru

Master’s Guild 82, Nevsky pr., SPb 579-09-79

D-137 90/92, Nevsky pr., SPb 275-60-11 www.d137.ru info@d137.ru

Di Di

74, Ligovsky pr., SPb 334-98-36 www.globegallery.ru info@globegallery.ru

Loft Project Etagi

Do-gallery

Artist’s Attic

10/61, Chaikovskogo st., SPb 273-24-06, (921) 932-35-32 www.dogallery.spb.ru tulen153@yandex.ru artpod@dogallery.spb.ru

7, B. Pushkarskaya st., SPb 230-91-50 www.sneg.su potapov@land.ru

Kvadrat

35, Marata st., SPb 710-88-35 www.martgallery.ru martgallery@rambler.ru

28, Kujbysheva st., SPb 232-12-38 www.kvadrat.russkialbum.ru info@russkialbum.ru

7, Kazanskaya st., SPb 941-73-84 www.kvartal.in info@kvartal.in

Blue Hall

Alexander’s Sergienko Apartment

38, B. Morskaya st., SPb 315-74-14, 314-19-06 www.lyssak.com lysak@mail.ru

12, Kazanskaya st., SPb 572-15-51, 572-15-52, 929-12-35 www.sergienko.info kvartira35@rambler.ru

12

galleryspb (2) 2010

17/25, Pestelya st., SPb 579-44-10, 579-22-14 www.sovietart.ru art-liberty@mail.ru

62, Bolshoy pr. V.I., SPb 320-73-57, 912-14-21 www.didigallery.com admin@didigallery.com

Kvartal

Globe

Liberty

74, Ligovsky pr., SPb 458-50-05 www.loftprojectagi.ru

March

Matiss Club 6, Nikolskaya sq., SPb 572-56-70, 904-35-84 www.matissclub.com gallery@matissclub.com

Sword and helmet 5, Dmitrovsky ln., SPb 571-64-79, 930-09-88 www.swordandhelmet.ru swordandhelmet@mail.ru


галереи Monmartr

St Petersburg’s Artist

Russian Icon

59, Griboedova emb., SPb 571-71-37 www.monmartr.spb.ru monmartr-2007@mail.ru

100, Moyka emb., SPb 314-06-09 www.piter-art.com info@piter-art.com

11, Italjyankaya st., SPb 314-70-40 www.ruicon.com russian_icon@hotmail.com

The Bridge under Styx

Proshly Vek

Russkaya usadba

10, Pushkinskaya st., SPb 764-53-71 www.p-10.ru

4, Volynsky ln., SPb 312-43-25 www.pv-gallery.ru info@pv-gallery.ru

7, Stremyannaya st., SPb 315-22-69 www.russian-usadba.ru rus_usadba@mail.ru

Pushkin

Russian Portret

5, Yakubovicha st., SPb 325-97-08 www.pushkin-art.com pushkin-art@yandex.ru

16, Ryleeva st., 16, Pesochnaya emb., SPb 272-14-88, 272-59-31

Pushkinskaya, 10

93, Moyka emb., SPb 571-42-60 www.spasgal.ru spasgal@mail.wplus.net

Mokhovaya, 18 18, Mokhovaya st., SPb 275-33-83 www.gm18.ru galery-m18@mail.ru

Freud’s Dream Museum 18а, Bolshoy pr. P.S., SPb 456-22-90, (911) 784-21-17 www.freud.ru katya@freud.ru

on Kustodiev St., SPb 17, Kustodieva st., SPb 635-91-22, 949-36-21 www.gallerykustodieva17.ru kustodieva17@mail.ru

on Svechnoy Lane 5, Svechnoy ln., SPb 710-89-59, 312-44-34 sarkis98@yandex.ru

Onegin 11, Italjyankaya st., SPb 570-00-58 www.onegin-gallery.com onegin.spb@mail.ru

Otragenie 21, Karpovka emb., SPb 234-61-00

14

galleryspb (2) 2010

10, Pushkinskaya st., SPb 764-53-71 www.p-10.ru info@p-10.ru

Rachmaninov 5, Kazanskaya st., SPb 327-74-66, 327-74-67 www.hotelrachmaninov.com office@hotelrachmaninov.com

Pakhmaninov’s Garden 5, Kazanskaya st., SPb 312 95 58, +7901 305 68 81 www.fotorachmaninov.ru rachmaninov@list.ru

Rostra 4, Dumskaya st., SPb 449-56-45 www.rostra-arts.narod.ru rostra_gallery@mail.ru

S.P.A.S

Sol-Art 15, Solyanoy ln., SPb 327-30-82 www.solartgallery.com edward@solartgallery.com

Steklo-Rosvuzdesign 1/28, Lomonosovskaya st., SPb 312-22-14 www.glassdesign.ru gl_galerea@mail.ru

Tuman Art 9, Lva Tolstogo st., SPb 961-96-19 www.tumanart.ru

E 51, Fontanka emb., SPb 570-71-18 www.artessence.ru arvest7@yahoo.com


выставки | новости

выставки Копенгаген, Национальный музей Дании Бьорн Норгаард — одна из самых неоднозначных и ярких фигур в датском искусстве с 1960-х годов. Основав школу экспериментального искусства, он на протяжении многих лет не переставал удивлять публику своими эпатажными работами в области графики, скульптуры, кино, перфоманса, инсталляции. На выставке в Копенгагене будет представлено около 115 работ Норгаарда, созданных им с 1960 по 2010 годы.

Париж, Лувр 26 марта – 6 сентября

Меройская цивилизация, несмотря на близость к египетской, не так широко известна и прославлена. До сих пор о жизни Мероэ и других городов царства Куш было известно не многим больше, чем узнал о них Геродот от жрецов Элефантина 24 столетия назад, а узнал он очень мало. В Мероэ и прилегающих к нему районах высятся руины дворцов и храмов, представлявших собой порождение цивилизации, которая процветала более двух тысяч лет назад. Выставка «Мероэ, империя на Ниле» в Лувре попытается приоткрыть завесу тайны над этим уникальным древним городом.

Афины, Музей современного искусства 11 мая – 5 сентября

Ян Фудун является автором одних из самых красивых произведений независимого китайского кино. Изысканные, черно-белые, снятые на пленку 35 мм, работы Фудуна вызывают чувство анахронизма, сочетая лиризм китайской живописи с суровой картиной. На выставке будет представлен полный цикл его работ из серии «Семь мудрецов из бамбуковой рощи». История семи мудрецов занимала художника ещё во время обучения живописи в Академии изящных искусств в Ханчжоу. Фудун преобразовал историю о бегстве философов в рассказ об отчуждении и растерянности. Медитативный фильм, сделанный в эстетике нуара, рассказывает о путешествии группы современных молодых людей, не давая ответа об их будущем.

© фотограф: Вера Аристова

16 апреля – 24 октября

Тель-Авив, Музей Искусств С 25 марта

В музее искусств в Тель-Авиве впервые будут выставлены работы всемирно известного скульптора Эдгара Дега. Среди 74 бронзовых произведений будет экспонироваться и знаменитая «Маленькая четырнадцатилетняя танцовщица». Ни одну из своих скульптур, за исключением этой, Дега никогда не выставлял. После смерти мастера в его мастерской нашли около 70 сохранившихся работ в воске, и наследники художника перевели их в бронзу, — сам Дега никогда не работал с бронзой. Первые образцы этих скульптур появились в 1921 году. Много лет считалось, что сами восковые скульптуры, с которых делали отливки, не могли сохраниться, однако они были обнаружены в подвале в 1954 году; как выяснилось, для отливки были использованы специально сделанные дубликаты.

Стокгольм, Музей Современного Искусства 25 мая – 5 сентября

Эд Руша: 50 лет живописи – под таким названием появятся работы знаменитого американского художника в залах стокгольмского Музея Современного Искусства. На протяжении последних лет он играл с попкультурой, рекламным изображением, шрифтами и типографикой, оставаясь одним из самых влиятельных мастеров современности. Эта ретроспективная выставка представит картины Эда Руши, от его ранних словесных портретов, через слишком реалистические виды горных цепей и бензоколонок, к поздним, поистине монументальным и сложным работам. (2) 2010 galleryspb

15


новости | events

Вольф фон Ленкевич Wolfe von Lenkiewicz «Победа над суммой» 08.04.10 — 23.04.10

Персональная выставка английского художника Вольфа фон Ленкевича «Победа над суммой» откроется в галерее «Триумф» и в новом пространстве галереи в гостинице «Метрополь». Зашкаливающий, но необъяснимо правдоподобный карнавал образов фон Ленкевича следует за проектами Тима Нобла и Сью Вебстер, Джейка и Диноса Чепменов и Дамиана Херста. «Победа над суммой» — название, которое фон Ленкевич выбрал по аналогии с названием футуристической оперы 1913 года «Победа над солнцем». Отвечая на вопрос о значении мифа в его жизни, художник говорит, что миф для него — реальность и что он никогда не думал о героях мифов как о несуществующих персонажах.

16

galleryspb (2) 2010


events | новости

В своих картинах фон Ленкевич соединяет работы старых мастеров, современное искусство и медийные образы. На полотнах Вольфа Вавилонская башня Брейгеля превращается в известный замок с заставки Walt Disney (Babel — «Вавилон»); Бесы Шонгауэра атакуют Белоснежку (Lips red as the rose, Hair black as elbony, Skin white as Snow — «Губы алые как лепестки розы, волосы черные как смоль, кожа белая как снег»); Белоснежка с другого рисунка выступает прототипом Лолиты с картины Бальтуса (Four feet ten in one sock’— «145 сантиметров в одном носке»); «Аллилуйя» — синтез бронзовой скульптуры Боччони «Шагающая фигура» и фарфорового «Майкла Джексона и Бабблз» работы Кунса.

Wolf Lenkiewicz, But… but I am a Legend (Guernica), 2010 Charcoal and gouache on canvas, 335 x 640 cm © All Visual Arts Wolf Lenkiewicz, Who is the Fairest One of All (snow white), 2010 Charcoal, pastel, and gouache on canvas, 335 x 285 cm © All Visual Arts

В основе самой большой и основной работы выставки «Но я… легенда» лежит «Герника» Пабло Пикассо, населенная персонажами картины «Лицо Фюрера» — антинацистской пропаганды, снятой Джеком Кенни на студии Уолта Диснея в 1943 году. (2) 2010 galleryspb

17


новости | events

18

galleryspb (2) 2010


events | новости

Wolf Lenkiewicz, Over the Town/Autumn, 2009 Oil on canvas, 280 x 370 cm © All Visual Arts Wolf Lenkiewicz на фоне своих работ © All Visual Arts Wolf Lenkiewicz в своей мастерской © фотограф: Елена Андреева

В портрет Мари-Терез Вальтер, возлюбленной Пикассо, врывается изображение Доры Маар на фоне незаконченного полотна в комбинации с одним из портретов кисти Франсуа Буше (Dora — «Дора»). Эта работа задумана как иллюстрация идеи о значении изображения в ходе изменения истории. Всего на выставке будет представлено 80 работ, символизирующих непрекращающийся диалог высокого искусства с элементами культуры масс-медиа; мировой и частной истории; мифа и реальности. В галерее «Триумф» будет представлена бронзовая скульптура «Святой Эсташ», а также рисунки и наброски фон Ленкевича. Картины художника можно будет посмотреть в галерее «Триумф-Метрополь».

Первая выставка фон Ленкевича прошла в Лондоне в 1999 году. С тех пор он каждый год участвовал в групповых выставках и открывал персональные проекты в различных выставочных пространствах Европы. В Россию его работы приедут в первый раз. Композиционные элементы фон Ленкевич выбирает из огромного пула современной и новейшей истории искусств, «смешивая» Бальтуса, Пикассо, Шагала, Малевича, Уорхола, Херста или Кунса с легендарными полотнами Брейгеля, Шонгауэра, де Воса и многих других. Сопоставляя в своих работах несколько узнаваемых мотивов, он повествует об истории создания мифа.

(2) 2010 galleryspb

19


Grosvenor Chapel, London 14.03.10

© фотограф: Елена Андреева


© фотограф: Вера Аристова

Премьера нового английского перевода поэзии Пушкина в Соединенном Королевстве

Mariana Haseldine Projects: A Celebration of Pushkin Переводчик — международно признанный эксперт по русской литературе Джулиан Генри Лоуэнфельд. Музыка: Моцарт, Шопен, Шуберт и Пьяцолла. Пианистка: Мариана Хасельдайн Мариана Хасельдайн организовала, спродюсировала, приняла участие в множестве художественных проектов, особенный интерес проявляя к современному визуальному искусству и классической музыке. Этот блистательный вечер русской культуры в самом сердце Лондона вместил в себя удивительно живой театральный спектакль, чарующее музыкальное выступление, волшебство пушкинской поэзии и ни на что не похожую атмосферу старинной часовни, прихожанами которой являются члены королевской семьи. После головокружительного успеха Пушкинского вечера Mariana Haseldine Projects планируют продолжить эксперимент. В ближайших планах: Ханиф Куреиши, один из самых известных, любимых и успешных авторов, представит премьеру чтения своей новеллы бестселлера: Будда из Пригорода, с саундтрэком Давида Боуи и музыкой Лолы Перрен; выступление Вольфа фон Ленкиевича, одного из самых успешных современных британских художников, его философский рассказ о символике в искусстве.


новости | events

© фотограф: Елена Андреева

Георг Герстер George Gerster Аэрофотографии Персии Phillips de Pury & Company London 11.03.10

Ее Величество Императрица Фара Пахлеви (Farah Pahlavi)

11 марта в Лондоне на частном показе в главном офисе Аукционного Дома Phillips de Pury & Company было представлено десять потрясающих аэрофотографий Персии швейцарского фотографа Георга Герстера (George Gerster), сделанных в годы, предшествующие Иранской революции 1979 г. Выставка этих к��дров, включенных в книгу Потерянный Рай: Персия Сверху (Paradise Lost: Persia from Above), впервые проходила в Лондоне и была встречена овациями. В конце 1970-х гг. Герстер получил личное разрешение Ее Величества Императрицы Фара Пахлеви (Farah Pahlavi) заснять топографию Персии. Это была редчайшая возможность — яркие живые фотографии, запечатлевшие богатые пейзажи Персии и силуэты ее городов, до сих пор поражают воображение. Однако революция помешала Герстеру выпустить книгу фотографий. Только почти тридцать лет спустя эти снимки были обнаружены Мэриам Сакс (Maryam Sachs). Под ее великолепным руководством книга была наконец выпущена. Она зовет книгу «подарком для всех персов». Работы Георга Герстера, несмотря на всю свою документальность, носят абстрактный характер. Взаимоотношение детальности и несомненно художественного подхода делает эти фотографии совершенно уникальными. Георг Герстер как фотограф работает уже более сорока лет. Его аэрофотосъемка насчитывает более 111 стран и 6 континентов. Он родился в Винтертуре, Швейцария, в 1928 году получил докторскую степень в Университете Цюриха. С 1956 года он свободный журналист, его статьи можно встретить в таких изданиях, как Zurich Zeitung и отделение Вашингтона National Geographic. И, конечно, он постоянно путешествует.

1

2

Georg Gerster © 1. Crop and Range Lands in Azerbaijan, Iran 2. Harvesting Salt on Lake Maharlu 3. On the Shore of Lake Maharlu

3

22

galleryspb (2) 2010

4. Mashhad, Iran 5. The Tomb of Cyrus the Great, Iran Courtesy PHILLIPS de PURY & COMPANY


events | новости

4

5

(2) 2010 galleryspb

23


новости | events

T 1+2 Gallery | HIVE Projects in association with Mariana Haseldine Projects Macha Poynder «Беседы Лемон Гейши или Диалог с вечным»

Маша Пойндер (Macha Poynder) родилась в России, но уже с 1982 года живет и творит в Париже. В ее работах наблюдается влияние западно-европейской художественной традиции, осмысленное в собственный творческий стиль. Можно сказать, что творчество Маши находит свое выражение на пересечении абстрактной формы и абстрактной формы выражения. Сама Пойндер описывает творческий процесс как скользящую трансценденцию, где нужно увидеть, как искусство рождается само, и помочь ему в этом. Словно героиня книги Льюиса Кэрролла «Алиса в Зазеркалье», Пойндер осваивает новый мир, мир искусства, подчиняющийся совсем иным правилам логики. «Беседы Лемон Гейши» – это первая монографическая выставка Маши Пойндер – нарратив вне времени и пространства, нашедший свое отражение на холсте в стиле абстрактного экспрессионизма.

Venice Wedding ©Macha Poynder Courtesy Mariana Haseldine Projects Pearl River. Lucky Wave ©Macha Poynder Courtesy Mariana Haseldine Projects

Своего рода интерпретация романа Одри Ниффенеггер «Жена путешественника во времени» (Time Traveler’s Wife). Только путешественница во времени и пространствах здесь сама художница – Аризона, Нью-Мехико, Шотландия, Африка, Япония, Камбоджа, Нью-Йорк – именно эти места вдохновили Машу Пойндер на создание этих работ. Один из триптихов – «Белое путешествие» (White Journey) – как раз и рассказывает, как воспоминание о снежной Финляндии дали возможность по-новому взглянуть на пустыни в Африке. «Чем больше ты путешествуешь, тем яснее понимаешь, что Земля любит тебя. Эти триптихи – выражение пиетета к этой любви», – комментирует художница свою выставку в Лондоне.

276 Vauxhall Bridge Road Victoria London SW1V 1BB 5.03.10 — 18.04.10 24

galleryspb (2) 2010


artindex | эксклюзивный дизайн | каталоги по искусству

искусство для искусства заказать книгу +7 (812) 93 170 93 4-art.org info@4-art.org


новости | events

Вахакн Арсланян Vahakn Arslanian: «Mr. BIG BEN»

©Vahakn Arslanian

20 Hoxton Square Projects & Vito Schnabel, London. 12.03.10 — 10.04.10 26

galleryspb (2) 2010

20 Hoxton Square Projects & Vito Schnabel открыли любопытнейшую выставку новых работ Вахакна Арсланяна (Vahakn Arslanian) «Мистер Биг-Бен». Уникальное видение художника было представлено в арт-медиа объектах. Почти не имея художественного образования, Вахакн Арсланян, тем не менее, уже успел собрать вокруг себя множество преданных последователей его загадочного подхода к созданию произведений искусства. «Мистер Биг-Бен», олицетворяет новые тенденции в искусстве художника и, в то же время, прочно опирается на темы предыдущих лет. Очарованность Арсланяна отношению яркими образами — такими, как зажженные свечи, птицы, подземные поезда (поезда метро) или самолеты, — здесь запечатлены на почти дикарски красивых коллажах из слегка помятых листов бумаги, оформленных в выброшенные оконные рамы. Само изображение бывает часто немного подгоревшим, таким образом, показывая следы урона и разрушения. Этим интригующим визуальным языком повседневность трансформируется во что-то необычное. Воробей сидит на ветке. Свеча, сжигающая бумагу. Мы сразу узнаем эти кадры из своей обычной жизни, но понимание происходящего неожиданно растягивается вывернутой логикой Вахакна Арсланяна до сюрреалистических глубин. Глухой с рождения и истинный аутсайдер в своем творчестве, Арсланян дает нам этот невозможный взгляд в мир молчащих предметов. Еще в детстве Арсланян проявил расположенность к разрушению: разбитие стеклянных предметов и глиняных сосудов и т. д. Эти, как кажется, бессмысленные акты разрушение особенно ярко проявили себя в творческом самовыражении художника: он использует испорченные, сломанные предметы для создания шокирующе сильных, но бессловесных, образов. Они живут на границе между ценным и испорченным, созданным и разрушенным. Из разбившихся фрагментов возникает что-то новое и невинное, поднимая архетип к статусу священного. В контексте его творчества акт разрушения целиком и полностью приравнивается к катарсису. Вахакн Арсланян родился в Бельгии в 1975 году. В настоящее время он живет и работает в Нью-Йорке. Предыдущие выставки: Andrew Eldin Galley, NY; Maccarone Gallery, NY; также в групповые выставки и ярмарки по всему миру. Вито Шнабель, куратор и арт-дилер из Нью-Йорка (галерея в West Village, Manhattan, NY), представил публике свою первую выставку в 2003 году. Предыдущий проект — Happy Endings, проходивший в W Hotel во время Basel Miami Beach 2009, был создан совместно с Bruce High Quality Foundation. Выставка Вахакна Арсланяна – уже второй совместный проект Вито Шнабеля и 20 Hoxton Square Projects.


© фотограф: Елена Андреева


Untitled, 1989 mixed media on pape; 60 x 80 cm Š Sandro Chia www.sandrochia.com


искусство 80 Италия: Трансавангард | Trans-Avangarde Франция: Свободные Художники | Figuration Libre Германия: Нео-экспрессионизм | Neo-expressionism США: Граффити | Graffiti Россия: Новые художники | New Artists


главное

италия

Трансавангард Акилле Бонито Олива «Искусство без идеологии» манифест 1980

Заниматься искусством отныне означает контролировать уровень cortical matter искусства. После самобичевания этих последних лет художник заново открыл свою особую роль, а также удовольствие, заключающееся в творческой деятельности без необходимости изобретать что-то новое. Заново определить роль искусства для художника означает вновь завоевать свою территорию, перенести свою практику в пределы особых границ действия, которое не соразмеряет себя с миром, со своей историей и с историей своих проявлений. Художник этого поколения заново открывает для себя привилегию отгораживания (от мира) в

30

galleryspb (2) 2010

смысле ограничения, концентрации и фокальной точки биологии искусства. За этим опытом стоит великое смирение, которое состоит в том, чтобы вновь начать свой путь с узкой и тернистой тропы ручного производства, не ограничивая себя мышлением или отображением, но всецело отдавать себя процессу интеграции, видимой фактичности – какой она представляется на конечном этапе работы – и интеллектуальным индексом. Менталитет, оценивающий техники и материалы, заменен менталитетом, оценивающим осязаемость результата. Утраченная гордость концептуального художника, элитарное поведение художника, игравшего

Sandro Chia Most Ghost Post, 1987 oil on canvas, 228x254cm © Sandro Chia www.sandrochia.com Francesco Clemente, Water and wine,1993 tempera on twelve sheets of handmade paper mounted on cloth 242.9 x 248.0 cm, Mervyn Horton Bequest Fund, 1993 © Art Gallery of New South Wales www.artgallery.nsw.gov.au.


главное

Акилле Бонито Олива

«Итальянский трансавангард» Отрывок из: Ferrier, Jean-Louis, Director and Yann le Pichon, Walter D. Glanze [перевод на английский]. Art of Our Century, The Chronicle of Western Art, 1900 to the Present. New York: Prentice-Hall Editions. 1988, p. 757

Francesco Clemente, Scissors and Butterflies, 1999, Oil on linen, 233.7 x 233.7 cm Courtesy: Solomon R. © Guggenheim Museum, New York Mimmo Paladino, Untitled © bpk / Filippo Tritto Mimmo Paladino, Die Könige ermordet beim Verlust der Macht © bpk | Museumslandschaft Hessen Kassel

на удивлении толпы и на эффекте неожиданности, заменяются смирением креативного, открытого и реального труда. Искусство снова становится непосредственным выражением, оставляя позади чувство вины за свое постоянство, которое было симптомом контакта с миром. Художник снова становится маниакальным и маньеристом в своей мании. Оппозиция двигалась в направлении перспективы возможного примирения с миром. Диалектика была симптомом идеологии, которая полагала, что может продолжать использовать свои прежние приемы перед лицом отныне неуязвимой реальности. Молодые художники перестали применять эти приемы, поскольку больше не существует

направления, которому они могли бы следовать в своем творческом опыте… Трансавангард рождается именно из этого явления, он разворачивается подобно вееру, открываясь навстречу не только мифическому будущему, но и возрождению менее значительного прошлого, т. е., прошлого, лишенного риторики великих традиций. Это «меньшинство» – еще одна ценность, возрождаемая менталитетом нового искусства, которому присущи «женские» проявления и «женская» скрытая восприимчивость. Художники трансавангарда, практикующие это ощущение “отличное от искусства”, принадлежат к этому поколению и являются частью великой креативной экспансии. (2) 2010 galleryspb

31


главное

франция

Свободные Художники Антикультурный демарш

Понятие «Свободное фигуративное искусство» появляется в июне 1981 г. у искусствоведа Бернара Лямарш-Ваделя. Готовясь к переезду на новое место, он предоставляет свои стены в распоряжение разнородной группы очень молодых художников: Робэра Комба, Эрвэ Ди Роза, Реми Бланшара, Франсуа Буарона, Жан-Шарля Блэ и Жан-Мишеля Альберола – и называет эту экспозицию «Завершить в красоте». Участник группы Флюксус, Бен, переименовывает это направление в «свободное фигуративное искусство».   Художники «народного» свободного фигуративного искусства, выходцы из городов, Комба, Ди Роза, Бланшар, Буарон причисляют свое творчество к городской массовой культуре, народной культуре, которую они обогащают своим личным опытом. Их свободный антикультурный демарш, изображающий невежество, антиисторический и самоироничный, напоминает дадаистскую

32

galleryspb (2) 2010

манеру. «Народное» свободное фигуративное искусство отображается, за неимением средств, на случайных носителях: свободные холсты, афиши, упаковочный картон и старые канистры. Позднее эти молодые художники создадут монументальные произведения, композиции-окружения (разрисованные стены, потолки и полы) и полотна большого формата.   Художники черпают свои сюжеты из рекламы, средств массовой информации, панк- и рок- музыки. Начиная с совокупности иллюстраций комиксов, они описывают мир монстров архетипов (циклопы, огромные беззубые рты), апокалипсические образы, бандитов, сцены «буфф», драки, наркотики, всегда с сексуальным фоном. Они также изображают предметы общества потребления: стаканы, телевидение, самолеты и т.п. «Народные» сцены располагают одну рядом с другой, вставляя в рамки, в традиционной композиционной манере комиксов.

Robert Combas, La contemplation de Fannie, 1984 Acrylique sur toile, 184 x 235 cm Collection privée © ADAGP, Banque d’Images, Paris 2010 François Boisrond, Sans titre, 1982 Leemage / Marie VOILE © ADAGP, Banque d’Images, Paris 2010


главное

Повторение штриха, заливка не оставляют ни единого сантиметра свободного пространства. Ономатопеи и слова дополняют композиции. Грубые и наивные персонажи «народной» живописи очерчены широким черным контуром, наполненным живыми лубочными картинками, размещенными в Hervé Di Rosa, Le peuple des Renés au быстром, умышленно простом стиле. grand complet, 1984   Acrylique sur bâche, Фотограф фигуративного искусства Луи 300 x 300 cm Collection privée Джеймс и массовая пресса способствуют Pierre SCHWARTZ его распространению и внедрению в ре© ADAGP, Banque d’Images, Paris 2010 кламную среду и среду моды (они реализуют кампанию в виде расклеек для бакалейной сети Феликс Потэн, модельер Жан-Шарль Кастельбажак поручает им рисунки платьев, а Буссак – рисунки для набивных тканей). Другие художники, которые относятся к «ученому» фигуративному искусству, Блэ, Альберола, культивируют искусство прежних мастеров, менее популярное среди средств массовой информации. Чтобы придать динамизма франRobert Combas, Mickey, 1978 Acrylique sur bois, 140 x 80 cm Paris, MNAM, Centre Georges Pompidou © ADAGP, Banque d’Images, Paris 2010

цузской живописи, обогатить культурное наследие и распространить культуру на всех, Жак Ланг, министр культуры, в 1981 г. создает F.R.A.C. (Региональные фонды современного искусства) в каждом регионе Франции. Эта инициатива стимулирует рынок и способствует децентрализации.   В этом контексте свободное фигуративное искусство утверждается как социальный факт в виде противодействия концептуальному и минималистскому периоду семидесятых годов, который парализовал художников на многие годы и создал комплекс по отношению к американскому искусству. Искусство Граффити, возможно, стало американским подобием свободного фигуративного искусства, с той разницей, что французы не высказывают политических и социальных идей. В 1984 г. двойная выставка закрепляет эти два направления, французское и американское. (2) 2010 galleryspb

33


главное

германия

Anselm Kiefer, Urd Werdande Skuld (The Norns), 1983 Oil, shellac, emulsion and fibre on canvas © Сourtesy Tate Gallery, www.tate. org.uk Georg Baselitz 1. Projet pour un timbre des p & t, 1994 Gouache sur papie, 0.800 x 0.600 m 2. Die Mädchen von Olmo II, 1981 oil on canvas, 2.500 х 2.490 m

34

Нео-экспрессионизм Гибель богов

Paris, musée national d'Art moderne Centre Georges Pompidou ©Georg Baselitz, ©Collection Centre Pompidou, Dist. RMN / Adam Rzepka Sigmar Polke, Wachtum in der Eifel, 1987 Acril and varnish on cotton cloth, 130,8 x 151 cm Hamburger Kunsthalle Collection ©bpk | Hamburger Kunsthalle | Elke Walford

galleryspb (2) 2010

В Германии нео-экспрессионизм появился в поздние 70-е как реакция на неудовлетворенность минимализмом, концептуализмом и псевдореалистическим искусством нацистского периода. Холодный аналитический подход вместе с пристрастием к абстрактному, беспредметному искусству убедил многих действовать решительно в своем акте несогласия. Авторы возрождают т. н. умершее искусство живописи и обращаются к экспрессионизму, сюрреализму, абстрактному экспрессионизму и поп-арту. Для создания чувственного, сексуально наполненного искусства художники используют вибрацию цвета, подвижные, рельефные мазки кисти, символизм сюжетов, отражающих его впечатления о них. В противовес отказу от коммерческой вовлеченности Dada авторы приняли агрессивные методы продвижения их искусства через арт-галереи и медиа, что незаслуженно отвратило от них критиков по всему миру. Переоценка творчества художников этого направления произошла лишь позднее, в конце 80-х. Впервые оно ясно обозначилось как течение в немецком изобразительном искусстве на 39-й венецианской биеннале в 1980 году. Немецкий павильон представляли A. Kiefer и G. Baselitz. До этого они учавствовали в совместной выставке с A. Penck под менее удачным названием «Новые Дикие». Чуть позднее к ним присоединился «алхимик» из Дюссельдорфа S. Polke. Характерным для их творчества является типичный для немецкого искусства возвышенный романтизм. Художники отдают все приземленное обывателям, упиваясь неземными страстями масштаба вагнеровской «Гибели богов», даже тогда, когда на создание произведений их провоцируют бытовые мелочи – бар в Буэнос-Айресе или рождение очередного племянника.


главное

(2) 2010 galleryspb

35


главное

сша

Граффити Graffiti Освоение Маргинального

Jean-Michel Basquiat, Florence, 1983 Acrylique crayon gras sur toile, 212 x 390 cm Collection privée © The Estate of Jean-Michel Basquiat / ADAGP, BI, Paris 2010 Jean-Michel Basquiat, Cassius Clay, 1982 Acrylique et crayon gras sur toile, 122 x 101.5 cm, Collection privée © The Estate of Jean-Michel Basquiat / ADAGP, BI, Paris 2010

Миллионер из трущоб

автор Антонина

Пучковская

36

Нью-йоркцы называют свой город Большое Яблоко, потому что,  как говорили еще англичане: «Каждый здесь может обрести счастье и радоваться жизни, как человек, у которого в кармане припасено большое румяное яблоко».  У него вместо большого румяного яблока в кармане  всегда был припасен  баллончик  с краской. В городе, который никогда не спит, Жан-Мишель Баския был счастлив только тогда, когда мог рисовать свои креативные граффити.  Родившийся 22 декабря 1960 год, всю свою недолгую жизнь Баския бросал вызов городу, а тот в свою очередь переводил мяч на сторону соперника – в этом сублимированном диалоге и существовали два этих романтических героя. Свои настенные росписи Баския подписывал граффити-именем SAMO, расшифровывая свой никнейм как Same Old Shit («То же старое дерьмо»). Его нисколько не интересовали традиции прошлого, опыт поколений, он хотел рисовать здесь и сейчас, немедленно. Не так, как был должен, а так, как он действительно чувствовал эту реальность. Но до сказки пока еще было далеко, и  начинал он все же с  продажи футболок и открыток, которые приносили ему хоть какие-то деньги. В июне 1980 года Баския принял участие в The Times Square Show, коллективной выставке художников. Годом позже поэт и арт-критик Рене Ричард (Rene Ricard) опубликовал статью о Баския «The Radiant Child» в журнале «Артфорум» (Artforum). Как писал критик в своей статье: «Стиль граффити несомненно часть города Нью Йорка, и сейчас уже в нашей крови. Восхитительно, что что-то настолько старое может быть представлено так по-новому». galleryspb (2) 2010


главное Рене Ричарда очень привлекала одна особенность граффити –  его анонимность: «мы  можем знать все о  произведении, кроме имени ее автора». Но Баския это не устраивало. Он хотел быть именитым, во всех смыслах этого слова. Хотел быть художником. На протяжении нескольких  следующих лет Баския продолжал  выставлять свои работы в Нью-Йорке. С 1982 года Баския регулярно выставляется с Джулианом Шнабелем, Дэвидом Салле, Франческо Клементе и Энцо Куччи, группой художников, которую арт-критики, кураторы и коллекционеры вскоре назовут неоэкспрессионистами.  В 1982 году  в одном из модных кафе Жан-Мишель познакомился с завсегдатаем знаменитым американским художникомавангардистом Энди Уорхолом.  Творчество  ЖанаМишеля  – одновременно наивное, с  рвущейся наружу энергией,  ироничное,  а  порой откровенно страшное,  – понравилось Уорхолу.  А на  следующий день все газеты поместили в колонках светской хроники фотографию Баскии и Уорхола; не забывайте, что место действия – Нью Йорк.   Это было начало  настоящей  славы.  Жан-Мишель снял огромную квартиру, в которой собственноручно покрыл граффити стены. «Он ходил по дому босиком и в роскошном костюме от Армани. Под ногами

валялись ��прицы, а пиджак стоимостью в несколько тысяч долларов покрывали пятна краски». Во время пика своей художественной карьеры Баския подготовил несколько персональных выставок.  А  22 августа 1988 года художник  умер от передозировки героина. Ему не было и 28 лет. Такая одиозная фигура, конечно, не могла остаться незамеченной, и в 1996 году  Miramax  сняла художественный фильм «Basquiat». Роль Жана-Мишеля исполнил Бенисио Дель Торо, Энди Уорхола сыграл рок-идол Дэвид Боуи. 16 октября 2009 года аукционный дом Sotheby's проводил осенние торги, на них были представлены художники, проверенные временем: Энди Уорхол, Жан-Мишель Баския, Дэмиен Херст и другие. Третью позицию в списке самых дорогих лотов этого аукциона как раз и заняла работа без названия, выполненная Жаном-Мишелем Баския (Jean-Michel Basquiat) в 1981 году, которая ушла с молотка за 1,6 миллиона фунтов при эстимейте в 1,5–2 миллиона фунтов. Жизнь, оставшаяся в памяти людей, холстов, кинопленок, аукционов и,  конечно, стен небоскребов Нью-Йорка. Творивший пульверизатором с краской, он стал легендой из трущоб Бруклина, наверное, по-своему счастливой. 

Jean-Michel Basquiat, Sans titre, 1981 Acrylique et crayon gras sur toile, 198 x 173 cm, Collection privée © The Estate of Jean-Michel Basquiat / ADAGP, BI, Paris 2010

Jean-Michel Basquiat, Mona Lisa, 1983 Acrylique crayon gras sur toile, 169.5 x 154.5 cm, Collection privée © The Estate of Jean-Michel Basquiat / ADAGP, BI, Paris 2010 (2) 2010 galleryspb

37


главное

россия инвариант модернизма Эта выставка – не о времени, как многие это поняли, и тем более не ностальгия по 80-м. Предмет этой выставки – искусство. Это и есть инвариант модернизма. История этой выставки для меня началась 22 июня 2007 года. В тот день я впервые пришел к Ивану Сотникову с намерением посмотреть несколько картин Тимура Новикова. Ранние работы Новикова оказались слишком ранними, но среди многих холстов, висящих и стоящих здесь и там, я заметил работы, явно несущие в себе импульс кубофутуризма. Иван назвал мне несколько ключевых фамилий, но важнее всего было то, что для меня это искусство получило имя: Новые Художники. Через несколько

дней я был в запасниках Отдела новейших течений ГРМ, и мысль о большой выставке «Новых» не покидала меня с той самой минуты. Надо сказать, что коллекция «Новых» ГРМ является лучшей как в смысле качества работ, так и в смысле репрезентативности, просто потому, что это, собственно, выбор Тимура Новикова. Вообще для меня главная загадка Тимура состоит в том, что он, как мне кажется, всегда отчетливо видел свою роль в истории и знал, например, что искусство «Новых художников» станет музейным.

Текст: Владимир Добровольский

Энди Уорхолл Courtesy Русский Музей

38

galleryspb (2) 2010


главное Очень важно следующее. Мы видим, что искусство «Новых художников» как будто неотделимо от Ленинграда 1980-х. И при этом оно совершенно не является локальным, контекстно-зависимым. Если работы «Новых художников» переместить в другой контекст, в другую культуру, они будут говорить на своем – пластическом – языке, без необходимости перевода, литературных или исторических комментариев. Искусство «Новых» является инвариантным по отношению к контексту, то есть не меняет своей ценности при смене культуры, истории, страны. У коллекционеров есть такой прием. Представьте, что вы никак не можете понять, является ли предмет искусства, который попал к вам в руки, важным и стоящим или чем-то необязательным. Поместите его в свою коллекцию, среди лучших вещей, и посмотрите, что произойдет. Если новый предмет в эталонном окружении «держит стену», не проваливается, не блекнет – то вот стопроцентный признак качества. Для меня таким эталоном всегда был русский модернизм 1910-х – 1920-х годов. Работы «Новых» – совершенно подлинное искусство, как работы Ларионова, Кандинского, хотя они сделаны в разные эпохи, но это вещи одного порядка. Почему «Новые» были похожи на немецких экспрессионистов, группу «Кобра», Баскиа? Выставка дает материал для ответа на этот вопрос, открывая нам в творчестве «Новых» тот всемирный метаязык модернизма, который был и остается порождающей субстанцией для подлинного искусства. Творчество «Новых художников» и некрореалистов на выставке «Удар кисти» впервые показано в известной полноте, и с этого времени, как хотелось бы надеяться, в истории российского искусства 1980-х, в истории русского модернизма и авангарда, в истории искусства «Новой волны», «Новых диких» открывается новое пространство со своим ярким, уникальным языком и всечеловеческим потенциалом.

Тимур Новиков, Маленький красный дом, 1988 темпера на картоне, 60x70 Сourtesy Владимир Добровольский фрагмент выставки "Новые Художники и некрореализм" в Русском Музее © фотограф: Елена Андреева (2) 2010 galleryspb

39


слово куратора

Евгений Юфит, Танец с Морячками, 1989 холст, масло; 150х200, Courtesy Владимир Добровольский Олег Котельников, assa,1982-83 темпера на холсте, 150х129, Courtesy Русский Музей Новые Художники фотограф: Е. Козлов, раскраска: Г. Гурьянова, 1985 Courtesy Русский Музей

40

galleryspb (2) 2010


слово куратора

музеефикация современности Олеся Туркина ведущий научный сотрудник отдела новейших течений Русского музея, куратор раздела Некрореализм на выставке «Удар кисти»

© фотограф: Джудит Бенаму

– Олеся, Ваша статья в каталоге выставки «Удар кисти» называется «Некрореализм вчера, сегодня, завтра». В этом названии, конечно, есть ироническая отсылка к советскому периоду, напоминающая нам как о выставках «достижений народного хозяйства», так и о знаменитой триаде «Ленин жил, Ленин жив, Ленин будет жить». В то же время Вы подробно раскрываете историю возникновения движения, его настоящее и рисуете блестящие перспективы на будущее. Когда Вы начали заниматься некрореализмом и что Вас привлекло в этом движении? – С движением некрореализм я познакомилась в середине 1980-х годов на первых выставках нового искусства, которые проходили тогда в Ленинграде. Вообще это удивительная история, каким может быть путь к современному искусству. Я всю жизнь работаю в Русском музее, начав с отдела гравюры, где в это время работал выдающийся исследователь русского авангарда Евгений Федорович Ковтун, оказавший на меня огромное влияние. Благодаря Ковтуну я не только полюбила русский авангард, но и поняла, что мне хотелось бы заниматься современным авангардом, то есть, самыми радикальными художниками, которые являются моими современниками. Так я познакомилась с группой стерлиговцев, а затем с «Новыми художниками» и некрореалистами. В этом увлечении современным авангардом я была не одинока. Вместе с своими соучениками по ЛГУ им. Жданова Андреем Хлобыстиным, Аллой Мирофановой, Екатериной Андреевой мы организовали конференцию, посвященную современному искусству, а затем и огромную выставку «От неофициального искусства

к перестройке. 40 лет неофициального искусства Ленинграда», показанную в Выставочном павильоне Гавани на рубеже 1988/89 гг. Тогда мы могли только мечтать о том, чтобы в Русском музее открылась такая выставка, как «Удар кисти». Но делали все возможное, чтобы произведения оказались в музейной коллекции. Одним из таких событий стала Закупочная комиссия, на которую мы вместе с Алисой Любимовой и Екатериной Андреевой принесли в Русский музей в 1989 году работы современных художников, устроив своеобразную «закрытую» выставку, повесив картины на стены музея. В 2000 году я защитила кандидатскую диссертацию «Искусство переходного периода», посвященную новому искусству, возникшему в Ленинграде-Петербурге в 1980-90-х. Естественно, в числе моих главных героев оказались и «Новые художники» и некрореалисты».

– Название движения Некрореализм звучит довольно устрашающе. На чем основана идеология движения? Это современное Ars Morendi – искусство умирать, перенесенное из средневековой культуры в конец ХХ века, насмешка над социалистическим реализмом или что-то еще? – Некрореализм возник в самом конце советской эпохи в 1984 году. Бесконечные похороны генеральных секретарей ЦК КПСС, как их образно тогда назвали «гонки на лафетах», как и общая стагнация в конце советского периода, конечно, оказали свое влияние на возникновение движения. Уже первые критики некрореализма справедливо отмечали аллюзию на социалистический реализм. (2) 2010 galleryspb

41


слово куратора Только вместо «социалистического» – вечно живого, появилось определение «некро» – мертвый. Некрореализм возник как спонтанное движение, по силе отрицания, сродни панковскому. Первыми произведениями художников были спонтанные перформансы, организованные отцом-основателем некрореализма художником и кинорежиссером Евгением Юфитом, которые он снимал на кинокамеру. Начиная с середины 1980-х годов, участников движения охватила живописная лихорадка. Во многом она была спровоцирована тем, что художники открыли для себя справочники по судебной медицине. Фотографии из этих справочников послужили образцами для создания произведений на тему суицида, насильственной смерти… Вопреки распространенному мнению, некрореалисты никогда не работали с трупами, несмотря на такие говорящие псевдонимы, как Андрей Мертвый (Курмаярцев), Леонид Трупырь (Константинов), Сергей Серп (Бареков). Некрореализм работает с одной из важнейших тем, всегда волновавших художников, писателей и философов, – с темой смерти. Смерть невозможно себе представить, ибо, следуя известному высказыванию, когда мы есть, то нет смерти, когда приходит смерть, то нас нет. Именно искусство позволило художникам сформулировать свое представление об этом важнейшем событии в жизни че-

Владимир Кустов Электрики, 1990 холст, масло; 147х198 Courtesy Владимир Добровольский Олег Котельников Всадник (МеднЫй Всадник), 1982 темпера, масло, поликарбонат; 76х58 Courtesy Русский музей

42

galleryspb (2) 2010

ловека. Некрореализм создал свои художественные приемы, чтобы представить непредставимое. Так Евгений Юфит в серии работ «Позитивный регресс» и в кинофильмах утверждает обратную эволюцию человека, прямо противоположную нашей прогрессистской традиции. Владимир Кустов формулирует в своих картинах и инсталляциях понятие «некрометода», позволяющее ему избежать как натурализма, так и аллегоризации смерти. Сергей Серп соединяет народную традицию, столь любимую авангардистами, и тему смерти во время народных праздников урожая. Кстати, Юфит, Серп и Кустов продолжают активно развивать движение некрореализм сегодня.

– Если некрореализм жив сегодня, то почему мы не увидели последних работ на выставке «Удар кисти»? – Выставка «Удар кисти» посвящена определенному историческому периоду 1982–1991 гг., когда были заложены основы современного искусства в Ленинграде, двум самым значительным движениям: «Новым художникам» и «Некрореализму». Благодаря этой выставке удалось осуществить музеефикацию современности. За этой выставкой последуют другие, в которой линия жизни некрореализма будет доведена до настоящего момента.


слово куратора

Иван Сотников Портрет Кирилла Хазановича My Guest, 1983 коллаж (фотография, бумага), смешанная техника, орголит, 75.7 х 97 Courtesy Русский музей

Андрей Мертвый (Курмарцев), Glutton, холст, масло, 46 х 60 Courtesy Владимир Добровольский

Евгений Козлов, Портрет Тимура Новикова,1988 масло, гуашь, холст, 103 х 94 Courtesy Русский музей

(2) 2010 galleryspb

43


Cтатья была впервые опубликована в газете Фестиваля «Новые художники» (составители: Андреева Е., Добровольский В., Хлобыстин А., СПб., 25.02.2010) Андреева Е. © фотограф: Макаров С.

главное

44

galleryspb (2) 2010


слово куратора Олег Котельников, Удар Кисти, 1982 темпера, оргалит, 90 х 122 Courtesy Pусский музей

новые художники: удар кисти В языке самураев было понятие «асобасэ-котоба», «игровой язык», на котором изъяснялось японское рыцарство. Говорили не «вы приехали в столицу» или «вы умираете», а «вы играете свой приезд в столицу» или «вы играете свою смерть». Именно так, во всем играя, но играя всегда всерьез, Тимур Новиков (1958–2002) создал в Ленинграде группу «Новые художники». В нее вошли Иван Сотников (род. 1961), Олег Котельников (род. 1958), Кирилл Хазанович (1963–1990), Евгений Козлов (род. 1955), Георгий Гурьянов (род. 1961). В первой половине 1980-х к ним присоединились Вадим Овчинников (1951–1996), Сергей Бугаев-Африка (род. 1966), Владислав Гуцевич (род. 1949), Андрей Медведев (род.1957), Андрей Крисанов (род. 1966) и Инал Савченков (род. 1966). К концу 1980-х компания друзей, увлеченных живописью и рок-музыкой, превратилась в движение из более чем 70-ти участников. Отсчет истории НХ ведется с 12 октября 1982 года – от акции «Ноль объект», когда на выставке ТЭИИ, союза художников-нонконформистов, Новиков и Сотников приклеили этикетку с названием «Ноль объект» на экспозиционный щит с отверстием в форме небольшой картины. Они сфотографировались в «Ноль объекте» – молодые герои, резко выделяющиеся своим энергичным весельем на фоне камерных пейзажей. Авторы так описали свое произведение: «НОЛЬ ОБЪЕКТ – ничего в прямом смысле, но в то же время зрим, так же экспонирован в стене, как и его соседка  – традиционная живопись. …Он нов и неповто-

рим, но в то же время традиционен, укладывается в давно не существующие рамки авангарда. Он неприметен, но …вся эта выставка – лишь рамка для него». ТЭИИ потребовал убрать «Ноль объект», который как «неучтенное произведение» мог повлечь закрытие выставки. До конца месяца длилась абсурдная переписка с ТЭИИ, Новиков и Сотников создали «Комиссию по установлению истины в вопросе о Ноль объекте», волей-неволей вовлекая всех участников своего перформанса в осмысление того, что такое рамки авангарда, в чем актуальность искусства. НХ объединяло желание активного жизнетворчества, а не социальной борьбы или эстетического эскапизма, которым предавались в своем большинстве нонконформисты. Творчество НХ понимали как повышение яркости и силы жизни в результате «обнуления» всего неживого. Для расцвечивания карты будня годились хоть кричащий желтый милицейского уазика, хоть синева спичечных коробков. «Новых» воодушевляли две авангардные идеи: «ноль культура», то есть поиск сути за общепринятыми смыслами, и «всечество» Ларионова–Зданевича. Они стремились экологически реанимировать пространство жизни и культуры, превращая в искусство разнообразные, часто самые неожиданные и простые вещи. Интерес к авангардному «неискусству» у НХ не означал отрицания традиционных художественных техник, как живопись или графика. Они практиковали «дикую» манеру живописи, передающую погружение в свободную экспрессию и поэтому идеологически (2) 2010 galleryspb

45


слово куратора

враждебную нормативной советской эстетике. Главная сюжетная особенность искусства «Новых», как ее понимал Новиков, заключалась в демократизме. Они соединили «дикую живопись» – родственницу экспрессионизма, и фигуративного, и абстрактного, с современным городским фольклором: комиксами, анекдотами, «ужастиками», историями о пришельцах и персонажами компьютерных игр. Но демократическая простота языка НХ восходит к лаконичному аристократизму. Экспрессивный комикс у Котельникова выражает мощь и величие не хуже классической манеры Давида. Его Медный всадник, гигант на низкорослой лошади, напоминает иконографию входа в Иерусалим и обычно не связываемые с этим событием яростные слова «Не мир я принес, но меч». Северу советских запретных зон Новиков возвращает сияние полярного дня и неказистое солнцетатуировку поднимает светить во все стороны света с полотнищ своих «Горизонтов». В дружеском кругу «Новых» шло небывалое творческое состязание в том, чтобы «переписать» в картинах и даже фресках весь мир вокруг. В 1980-е они действуют как сказочники, преображающие бесконечные отбросы, с которыми сходен позднесоветский окружающий пейзаж. Общество, зажатое в тисках рационализма и политической идеологии, компенсирует пространство воображения. «Новые» были пионерами этого революционного процесса, если понимать революцию по анархисту Кропоткину как увеличение «суммы счастья, а потому и жизненности». Творчество не затихало в их галерее «АССА» (галереей служила комната Новикова в расселявшейся коммунальной квартире) ни на неделю: с 1981 по 1987 годы «Новые» показали в городе более 20-ти выставок. К середине 1980-х «Новые» представляли собой энергичное содружество, где каждый участник соединял в одном лице художника, музыканта, актера, поэта и писателя. С появлением в кругу НХ художника, музыканта и актера-травести Сергея Бугаева и в результате дружеского сближения Котельникова с театральным режиссером Эриком Горошевским расцвел «Новый театр». Первой постановкой в 1984 году стал «Балет трех неразлучников» Хармса, озвученный «Новыми композиторами» Игорем Веричевым и Валерием Ала-

46

galleryspb (2) 2010

ховым и исполненный Новиковым, Гурьяновым и Веричевым. В 1985 году последовали радикально краткие постановки русской классики – «Анна Каренина» и «Идиот», либретто которых с легкой руки Родиона Заверняева занимали не более полстраницы. Причем пафос постановок был антиидейным по отношению к оригиналам, потому что «Новым» не нравилось, что Толстой и Достоевский губят своих героев под воздействием «бесов социальных отношений». НХ интересовало и кино, которым занимались товарищ Котельникова и создатель студии «Мжалалафильм» (1984), лидер некрореализма Евгений Юфит, сам Котельников – мастер надрисовок на пленке, Евгений Кондратьев-Дебил, Вадим Овчинников, группа «Инженеры искусства» в составе Франца Ротвальда и Инала Савченкова, идеолог «ноль-культуры» Вилли Феоктистов и студия «Че-паев», автор женского направления в некрореализме Вета Померанцева, аниматоры Новиков и Сергей Шутов. В 1989 году к «Новым» присоединились первый видеохудожник Юрис Лесник и мастер боди-арта Владислав МамышевМонро. Новиков немедленно запустил с ними Пиратское телевидение. Популярными программами ПТВ были «Новости культуры» с Мамышевым-Монро, «Спартакус» с Гурьяновым и сериал «Смерть замечательных людей». В 1985-м «Новые» становятся художниками ленинградского рок-клуба. Виктор Цой – художник «Новых», Георгий Гурьянов и Андрей Крисанов – музыканты «Кино». НХ выступают с оркестром «Поп-механика» Сергея Курехина. Тогда же работы Новикова и Котельникова рок-певица Джоанна Стингрей отвозит в подарок Энди Уорхолу, и Уорхол проявляет к «Новым» интерес, посылая им свои произведения. Становится очевидным, что творчество «Новых», в первой половине 1980-х развивавшееся за железным занавесом, изначально было структурной единицей интернационального языка неоэкспрессионизма или «Новой волны», на котором писали Жан-Мишель Баския, Франческо Клементе, Робер Комба, Пенк и другие художники в Нью-Йорке, Париже, Дюссельдорфе, Западном Берлине или Мадрасе. Кодом этого языка была экспрессивная «дикость» граффитизма, покрывающего кожу города гиперкартиной-татуировкой.


слово куратора

Вадим Овчинников, Окно, 1988 холст,масло, 200 х 250 Сourtesy Pусский музей

НХ интонировали эту речь по-своему: в ключе Ларионова и ленинградского экспрессионизма (Малевича, Филонова, Арефьева). С 1987 года «Новые» выставляются в Европе и США. Магия НХ воодушевляет Сергея Соловьева на создание знакового фильма Перестройки «Асса» с Сергеем Бугаевым в главной роли. (Словом «асса», однокоренным с «ассасинами», любил помечать свои картины Котельников, фиксируя взрывы энергии.) Тогда же Новиков и Африка собирают коллекцию картин «Новых» и в 1991 году дарят ее Русскому музею, где был вновь открыт Отдел новейших течений, созданный в 1920-е годы Николаем Пуниным, идеологом русского авангарда. Этим символическим даром Новиков заканчивает историю НХ, так как для него уже достиг апогея революционный период бури и натиска. Главное в искусстве «Новых» можно воссоздать по стихотворению Хлебникова «Годы, люди и народы / Убегают навсегда, / Как текучая вода. / В гибком зеркале природы / Звезды – невод, рыбы – мы, / Боги – призраки у тьмы». Первое, что воспринимается в этих коротких шести строках 1915 года, – это футу-

ризм духа: годы, люди и народы убегают навсегда, но, кажется, не в прошлое, а в будущее. Активизм Хлебникова решительно меняет направление предсмертной державинской оды «Река времен в своем стремленьи / Уносит все дела людей / И топит в пропасти забвенья / Народы, царства и царей. /А если что и остается / Чрез звуки лиры и трубы, /То вечности жерлом пожрется / И общей не уйдет судьбы». Хлебников парадоксально усиливает в своем простом описании, почти комиксе, эпическую мощь державинской картины мироздания. Двенадцатью словами он легко рисует вечность, но не как пропасть забвения, а как волшебное зеркало, отражающее картины природного, человеческого и божественного мира. Он экологически обезоруживает губительную силу, разворачивает в землю жадное жерло судьбы. Актуальность искусства – живописи, «звуков лиры и трубы», – в том, чтобы дать формам жизни незабываемый образ. «Новые» понимали это изначально, и они встроили в вечность свой эпос, меняя энергию судьбы, побеждая безвременье в настоящем и будущем. (2) 2010 galleryspb

47


conversations

На фото: В. Цой, Б. Гребенщиков, Г. Гурьянов, С. Курехин, В. Задерный, К. Кинчев, Д. Стингрей, О. Котельников, Т. Новиков, 1985. Courtesy Галлерея Асса

а теперь дискотека

автор

Сергей Алексеев

48

Чёрным-чёрным вечером, в узких тёмных коридорах здания Лофт Проекта Этажи, освящённых непонятным электрическим светом, перед стеклянными дверьми галереи «Формула» толпились люди, чтобы…, правда со временем немного ошиблись, пришлось подождать, когда парень в шапочке и с голым задом откроет двери галереи… Но начнём по порядку…25 февраля, сего года в Мраморном дворце открылась выставка «Удар кисти. «Новые Художники» и некрореалисты. 1982-1991», в пандан к ней в галерее «Формула» была организована другая выставка «Новые Художники в фотографии и документах», которая открылась вечером 26 февраля в пятницу при большом стеgalleryspb (2) 2010

чении разного люда и прочая. За час до открытия выставки состоялось Торжественное заседание, посвященное обсуждению выставки «Удар Кисти», собственно, где и толпились люди… И так, за длинным столом сидели Катерина Андреева, в роскошном белом воротнике с брошью, Андрей Хлобыстин  – ведущие вечера, Ирена Куксенайте  – куратор выставки, Алла Митрофанова, Владимир Добровольский, Сергей Шутов – «московское крыло» и Ксения Новикова – архивариус… не явился только Олег Котельников, которого ждали. Зашли, уселись, стульев на всех не хватило, началось… Как было сказано одним из кураторов Иреной Куксенайте – «Наверное все видели вы-


conversations ставку в Мраморном, которая вдохновила нас на эту вот экспозицию… основная идея которой рассказать о среде произрастания этой плеяды новых художников…» ит.д. «…и – Эге-ге-гей! Ай-лю-лю! Асса!, передаю слово Екатерине Андреевой.» В первой короткой речи Катя Андреева, под лозунгом движения – «Не умничай!» рассказала про «гениальные шедевры... искусство которое, как и всякое великое искусство, оно понятно без слов…» и – «…что моё желание когда-нибудь исполнится и эти картины переедут в постоянную экспозицию Русского Музея, а делала я эту выставку не только затем чтобы показать всему миру, что у нас есть и издать каталог, но и потому что была уверена, что какой-нибудь совсем неизвестный мне мальчик лет пятнадцати, и какаянибудь также неизвестная мне девочка придут, посмотрят на эти картины и подумают – «Во! Класс! Мы можем также, а может даже и лучше» как Котельников, как Сотников, как Ирена Куксинайте, как Тимур Новиков, и тогда жизнь станет бодрее…и как говорил Тимур Новиков «на произведение Последний день Помпеи не зазорно посмотреть дважды, так и…»; «говоря словами князя Кропоткина цель революционера-анархиста повышать радостность жизни… художники-революционеры, авангард…» Андрей Хлобыстин представил новоприбывших, и про романтизм…в конце задал вопрос «меняется ли «физиономия» искусства…» Алле Митрофановой. Алла Митрофанова – «Я сейчас буду говорить как «Старая скво», поскольку я считаю себя принадлежащей четырём культурно-историческим эпохам…» ит.д., пересказала всю историю культуры, начиная с Брежневских времён, разделив всё на четыре эпохи. Насчёт четвёртой эпохи – «попытка поймать чужую идеологию…возникают идеи, что искусство существует для рынка, что искусство должно быть прекрасным, не верьте – это враждебное сотрудничество…», робкое замечание Андрея Хлобыстина «искусство должно быть прекрасным»… – «искусство должно быть живым, и жестковато автономным. Оно не должно принадлежать ни какой из этих структур…»... Сергей Шутов «взгляд из Москвы» про традиции и героев-художников… – «Спасибо вам, от москвичей ит.д.» Далее последовала попытка перевести заседание на интерактивный режим, вопросы… Собственно выставки в галерее, одна девушка спросила – «Чья была идея раскрасить фотографии под Энди Уорхола?» Помимо того, что творчество Энди

Уорхола действительно оказывало некоторое влияние на «Новых», о «присутствии» Уорхола, Катерина Андреева, вспомнила, что Тимур всегда радовался, пересказывая акцию по продаже душ устроенную некогда Комаром и Меламидом… Так вот, на этом аукционе была продана и душа Уорхола, одной московской художнице и что ей там жилось не очень уютно и когда возникли «Новые» она переселилась к ним…поэтому не удивительно, «явление Уорхола» в произведениях новых художников – резюмировала госпожа Андреева. У прибывшей публики возникло не так много вопросов, но вполне в рамках главного лозунга вечера «Можно вопрос а? А Цой жив?!» или «Что нового?» ответ от Андрея Хлобстина с анекдотом – «Котельникову некогда телевидение тоже задавало подобный вопрос…вот, говорит, понюхайте. Пахнет краской? Нет? Ну вот, а тогда оно было новым…» опять голос из задних рядов – «А чем пахнет сейчас?!» ответ: «Может, пахнет деньгами…, я не знаю, у каждого свой запах. Каждый видит и слышит своё…» от этого вопроса уважаемые заседатели завернули на общее состояние «Нового Искусства» откуда берутся художники... Катерина Андреева о «Новых» художниках – «…группа молодёжи, которая мгновенно вошла в искусство, совершенно не задумываясь и не задаваясь вопросами типа «как же нам туда попасть?»…в общем, о том, что творчество и художники есть вне грантов и союзов. Соответствующая история к ответу – «…картина «Удар кисти», которая дала название всей выставке… «нашёл нихуйёвый, придунайский кусок оргалита, и решил забабахать его соответствующей живописью…» – шедевр сразу и получился… Художник это человек, который свободен от обстоятельств…, чтобы сделать мир прекраснее…»; «…у них была любовь к миру, а любовь всегда свежа и надеюсь вы это почувствуете, когда придёте посмотреть эту выставку» – Катерине аплодировали… Вечер был приятный во всех отношениях, ведущие Катерина Андреева и Андрей Хлобыстин сверкали, всеми гранями какие есть, удовольствие, доставленное почтенной публике выступлениями, несмотря на лозунг, объявленный в краткой речи Екатерины современного искусства, куча прелестных анекдотов…, цитирование авторов, воспоминания о весёлом прошедшем – «капустник» счастливых участников. Конец официальной части возвестил радостный возглас «А теперь Дискотека!» и новые композиторы продолжили вечер… (2) 2010 galleryspb

49


слово художника

Genius loci

или свидетельство очевидца

Хор, 1979, цветная литография – Праздничное утро, 1979 цветная литография

50

galleryspb (2) 2010

текст Валерий Мишин Тамара Буковская

Произведение искусства – это свидетельство художника о времени, страстях и искушениях, о сопротивлении надвигающемуся хаосу и энтропии или о капитуляции перед ними. И, чем внимательней взгляд, сильнее переживание, точнее рука, тем острее это свидетельство. В сущности, все мы явились в мир свидетельствовать о таинстве жизни, но художник может свидетельствовать и о возможности творческого преображения отпущенного ему времени. Современным мас-медиа для обращения к творчеству художника нужен, как правило, информационный повод – юбилей или открытие большой выставки. Так случилось, что для разговора о творчестве Семена Белого совпали два повода  – юбилейная выставка, приуроченная к 35летию создания группы «Восьми», в которую он входит, и смерть, настигшая художника в день открытия выставки. Серьезность и необратимость повода к разговору сообщает и необходимость выбора точного угла зрения – мы уверены, что творчество Семена Белого надо рассматривать в ряду таких выдающихся художников-литографов, как Лебедев, Рудаков, Каплан, Ермолаев, Вильнер, Ведерников (последний был его непосредственным учителем). В то время, как в Москве сложилась знаменитая школа ксилографии и гравюры во главе с Фаворским, в Петербурге, в силу ряда причин, было отдано предпочтение литографии. Возможно, как ни парадоксально это звучит сейчас, в этом есть отзвук прежнего имперского величия Северной столицы. Литография – множительная техника. Прямое ее назначение – печатание книг и плакатов, карт, винных этикеток и прочей полиграфической продукции. В годы Отечественной войны удостоверения Героя Советского Союза печатались в литографских мастерских. Эта структура в Петербурге была более развита, чем в Москве. На базе литографских мастерских работал «Боевой карандаш». Именно в Петербурге появилась возможность кроме заказных работ делать неконтролируемые или, точнее, внепрограммные работы. Так сформировалось творчество Семена Белого, который формально использовал сюжеты из советского быта, но переиначивая, переворачивая, перелицовывая их. И, в результате, получались притчи, бытовые сценки и анекдоты, но в их фантасмагорийном, доведенном до гротеска качестве. То, что сейчас принято называть соцартом, в его работах было уже в 60–70-е годы. Московский со-


слово художника царт пришел на смену соцреализму, когда те же реалии стали использоваться в абсурдистском плане, работы же Семена Белого были созданы в годы бытования соцреализма, в них зафиксировано само время, и их интересно рассматривать именно как свидетельство нарастания этого абсурда. Так же интересно, как вспоминать старые анекдоты, до которых Семен Белый был большой охотник, знал их множество и рассказывал мастерски. Что анекдот – не пустяк, доказано количеством наших соотечественников, получивших сроки за не вовремя и не в той компании рассказанную байку. Что литографированные картинки Семена Белого – настоящие серьезные работы талантливого, искреннего и, одновременно, парадоксально мыслящего художника, доказывает сила их воздействия на современного зрителя. Петербург стал главной формообразующей силой его творчества. Сюжеты литографий разворачива-

ются на фоне узнаваемых петербургских пейзажей: стрелка Васильевского острова, триумфальные ворота, морской порт… Жанровое, бытовое – праздники, демонстрации, собрания, выборы, гуляния, торжества  – из сцен комических преобразуется, если не в трагические, то в трагикомические и мучительные для человека дни его жизни. Как в начале ХХ века Париж, его архитектура, свет, культурные мифологемы, создал из съехавшихся с окраинных земель Европы молодых художников великих Пикассо, Модильяни, Сутина и др., так русский европеец Петербург сформировал талант художника Семена Белого. Это влияние Genius loci или Гения места. Но понятие Гений места имеет и второе значение. И оно предполагает воздействие на место обитания высоких творческих интенций той личности, которую некогда этот гений вдохновил и подвиг на создание настоящего искусства.

Праздник на набережной, 1979 цветная литография – Док, 1979 Цветная литография – У триумфальных ворот, 1979 цветная литография

(2) 2010 galleryspb

51


академия

Никаких хирургических вмешательств не будет. Но изоляционную островную политику вести мы тоже не будем.

52

galleryspb (2) 2010


академия Редактор журнала Gallery.spb Ксения Ланда взяла интервью у Семена Ильича Михайловского – нового ректора государственного академического института живописи, скульптуры и архитектуры им. И. Е. Репина (подведомственного Российской академии художеств и расположенного в ее историческом здании на набережной Невы в Санкт-Петербурге).

Семен Михайловский

первый ректор теоретик Вы — первый ректор теоретик, искусствовед. Каждое ректорство — это целая эпоха в жизни Академии. Какой она будет при Вас? – Действительно, ректора историка искусства или историка архитектуры еще не было. В Академии сложилась любопытная формула, разделяющая сотрудников, педагогов на «творцов» и «не-творцов». До меня был глубокоуважаемый скульптор, до него — глубокоуважаемый художник. Какое-то время был даже глубокоуважаемый архитектор. И много-много других глубокоуважаемых художников. Как видно сейчас появилась потребность в человеке, не связанном цеховыми интересами, человеке, который мог бы руководить с некоторой дистанции. Теперь все факультеты — в равных условиях. Значение имеют лишь педагогические и творческие способности. – И каков же взгляд с дистанции? – Отсутствие ясности. То, что я застал является результатом длительной мимикрии, сплетения обстоятельств. У нас великая история, которой мы заслуженно гордимся. Но мы не должны игнорировать изменения, происходящие в обществе. Академия как определенная иерархичная система поддержи-

валась в императорское и советское время, а сейчас нет такой поддержки, нет такого могущественного патрона и заказчика. Арт-рынок существует в другой системе координат. Многие высказывают опасения, что академическая система может погибнуть, если вносить какие-то изменения. Но она уже сильно повреждена, многое утрачено. Надо, прежде всего разобраться с тем, что такое сегодняшняя академическая система художественного образования, придать ей новый импульс развития. – Вдохнуть новую жизнь, сохранив все самое прекрасное и достойное достаточно сложная задача. Каким Вы видите ее решение? Будет ли Академия переходить на Болонскую систему, которую вводит государство? – Никаких хирургических вмешательств не будет. Но изоляционную островную политику вести мы тоже не будем. Все нововведения должны быть продуманы, обоснованы, просчитаны последствия любых действий. – Будут ли введены новые дисциплины или сделается ли акцент сильнее на современных технологиях? (2) 2010 galleryspb

53


академия

– На самом деле все наши проблемы идут от нехватки гуманитарного образования. Надо научить смотреть и видеть, видеть и понимать. Наши студенты часто смотрят, но не видят, не думают, не размышляют. – Петербургская Академия Художеств, в отличие от большинства Академий в Европе, сохранила классическую школу. Планируется ли укрепление связей с остальным миром? Какие-то совместные проекты или обмен студентами? – Совместные программы обязательно будут. Все это обсуждается. Важно отметить, что еще со времен строительства здания двумя архитекторами (русским Кокориновым и французом Вален Деламотом), Академия являлась пространством интернациональным. Конечно, сейчас задачи изменились, но связь с миром необходима. Начиная с нашего собственного города. У Академии всегда были тесные связи с Эрмитажем и Русским музеем, но они носили несколько пассивный характер. Возможно сейчас настало время для совместных

54

galleryspb (2) 2010

программ, как на территории Эрмитажа и Русского Музея (кстати, изначально, так называемый корпус Бенуа создавался как выставочный зал Императорской Академии Художеств), так и на территории самой Академии. – Что Вы хотели бы добавить от себя? – Мы называем себя правопреемниками Императорской Академии художеств, переживаем сегодняшнее положение, жалуемся, что нас перестали поддерживать, ценить. Но, прежде, мы должны разобраться в себе, задуматься, что является традицией, что нужно хранить, продолжать, развивать. Мы должны осознать себя, свое место в культурном пространстве. Нужно придать больше осмысленности действиям. Надо сделать так, чтобы закончив Академию, человек смог найти свое место в мире и чувствовать себя в нем достойно. У нас прекрасное здание - мастерские, выставочные залы, музей, научная библиотека - прекрасное пространство для интересных проектов. И интересной жизни.


practicum.org

художественное образование on-line


©Фотограф: Елена Андреева

академия

Уважаемая редакция обратилась ко мне с просьбой сказать что-то о современном искусстве. Я впал в некоторое недоумение, потому что плохо в нем разбираюсь.

56

galleryspb (2) 2010


академия

Максим Атаянц

за что я ненавижу современное искусство Уважаемая редакция обратилась ко мне с просьбой сказать что-то о современном искусстве. Я впал в некоторое недоумение, потому что плохо в нем разбираюсь. Разбираюсь в нем я плохо не по причине некой невежественности, а по причине того, что бесконечно далек от того, что принято называть современным искусством, примерно как от футбола. Это тоже сфера очень специфическая, в которую вовлечено колоссальное количество людей: есть фанатики, есть большое количество профессионалов. Вообще, это колоссальная индустрия, как и футбол. Меня современное искусство интересует только тем, что если внимательно проанализировать то, что произошло с развитием современного искусства, начиная с 1900-х годов и по настоящий момент, то это служит удобным инструментом для понимания, что же произошло за это время с архитектурой, поскольку эти части системно и неразрывно друг с другом связаны. А вот то, что происходит с архитектурой, интересует меня сильно. Если современное искусство начать тупо и злобно ругать, то это, конечно, приятно, но не конструктивно, потому что такого рода ругани, более или менее аргументированной, много. – За что вы ненавидите современное искусство? – Мне кажется, что в области современного искусства открывается уж слишком большой простор для жульничества, это первое. И второе, это то, что в нем несколько совершенно табуированных понятий, которые всегда составляли основу искусства тради-

ционного. Например, понятие красота и красивый. Еще один интересный момент: люди, которые стараются делать искусство в старообразной манере, занимаясь воспроизведением трехмерного мира на плоскости, автоматически остаются вне контекста современного искусства, и, следовательно, не очень понятно, куда же отнести эту деятельность. Она маргинализирована и это означает, что ее качество неизбежно тоже снижается. Можно сказать следующее: когда к середине ХIX века классическое изобразительное искусство зашло в тупик, последовала довольно резкая реакция, когда художников уже тошнило от бесконечного потока картин.

Поэтому весь ХХ век прошел под знаменем борьбы художников за право делать свою работу плохо, и они этого добились. Здесь же и замечательное явление политкорректности присоединилось, согласно которому африканская народная статуэтка из ржавых гвоздей и дерева, с культурной точки зрения, равновелика микеланджеловскому Давиду. То есть со строгой, политкорректной точки зрения это явления одного порядка и одной значимости для человечества, а все остальное – это не политкорректно. Такие правила я признать для себя не могу. Это тот самый релятивизм, который в ХХ веке преобладает, это одно из его проявлений. Это плохо, в итоге мы получили полный распад профессии художника, потому что из нее (2) 2010 galleryspb

57


академия ушло понятие красоты, из нее ушло понятие искусства в смысле сноровки, навыка, умения что-то делать и т.д. Статус великого современного художника или плохого современного художника никакого отношения к его личному мастерству не имеет. Никакого! Он может быть замечательным рисовальщиком, может быть никаким. Он может быть замечательным колористом, он может быть никаким. Он – современный художник. – То есть для вас есть современный художник и простой художник? – Да, мы подходим к самому главному, это абсолютно разные профессии, одна из которых паразитически заместила собой другую. Теперь я, собственно, и перехожу к тому, ради чего я все это говорю, к каким потрясающим последствиям это привело в архитектуре. Потому что архитектура тоже к началу ХХ века зашла в тупик, не менее гнусный, чем салонная живопись. Потому что бесконечное воспроизведение, судорожное, старых кусочков в эклектической архитектуре, когда бидонная коробка намазывалась, разной толщины, декоративным слоем, в котором комочки капителей, какие-то цветочки и Амуры содержались. В общем, нужно было что-то с этим делать. Дальше, достаточно великие люди и подвижники пытались очиститься от этого и делали архитектуру совершенно другую. Все то же, что я говорил про изобразительное искусство, присутствует и здесь. Но при этом, прицепленная к архитектуре, как к искусству, материалистическая и материальная база в сотни раз превышает по своему удельному весу материальное содержание любой картины.

Потому что картина, в материальном смысле, состоит из холста, красок и рамы, в то время как здание имеет колоссальную стоимость, и оно, помимо всего прочего, очень сильно нагружено функционально. – Но порой цена здания и холста бывает идентична. – Себестоимость? – Чаще всего нет. Хотя некоторые инсталляции вполне могут. – А я про себестоимость. Давайте мы рыночную стоимость оставим сейчас в покое. И потом, это бывает гораздо реже, чем вы думаете. Все-таки зданий, которые стоят 10–15 миллионов долларов, в десятки ты-

58

galleryspb (2) 2010

сяч раз больше, чем произведений искусства, которые стоят 10–15 миллионов долларов. Вопрос не в этом. Вопрос в том, что здание может функционировать, может давать свет, тепло и некий минимальный комфорт людям, которые в нем находятся, не имея вообще никакого отношения к искусству. Это парадокс этой же эмансипации, так же как если мы будем считать пустой, не беленый холст, взятый в раму и повешенный в галерее, еще в начале XIX века, искусством никто бы не назвал, а сейчас такого рода вещи известны.

Вот и получается, что и из архитектуры искусство было начисто вытеснено, и произошла подмена архитектуры как искусства, натягиванием коммерческого дизайна на готовые строительные структуры. Так же, как в изобразительном искусстве, произошло натягивание смыслов и интерпретаций на совершенно пустое и герметичное ничто. – Я бы хотела защитить архитектуру: ХХ век, например, Франк Ллойд Райт. – Это ранняя достаточно стадия. И у Райта были разные произведения. Так вот, дело в том, что есть великие мастера, на которых потом идет колоссальное паразитирование. Потому что когда Мис ван дер Роэ, великий архитектор, создает, в качестве полемики со всем двухтысячелетним развитием предыдущей архитектуры, стеклянный параллелепипед, чистейший, это требует колоссальных творческих усилий от него. Там каждый шуруп продуман и т.д. Но как только это становится устоявшимся и признанным фактом современной архитектуры, то анонимные инженерные бюро, в которых архитектурный отдел работает наравне с теми, кто делает сантехническую систему, электрику, кондиционирование и прочее; где они сидят на разных этажах, где фасады рисуют одни, а планы делают совсем другие, не знакомые друг другу люди, – вот эти анонимные инженерные бюро начинают воспроизводить по всему миру не отличимые для дилетанта стеклянные параллелепипеды. Современная архитектура должна называться монументальным дизайном, ЭТО СЛОЖНО БУДЕТ СЕЙЧАС ОПРЕДЕЛИТЬ, поэтому оставим это высказывание на моей совести. Сейчас, я боюсь, при любой степени талантливости человек не может достичь другого, потому что эпоха, когда это могло быть возможно,


© фотограф: Максим Атаянц

академия

кончилась. Это так же, как никогда и ни при каких обстоятельствах в Европе IV века, никакой гений никакую скульптуру, сравнимую по качеству с римской I века до н.э., сделать не мог по определению, даже будь он семи пядей во лбу.

век. Я могу попросить вашего разрешения никак не относиться к футболу. Это огромная индустрия, там сотни миллиардов долларов. Энтузиазм по этому поводу как минимум миллиард человек испытывают, но ко мне это никакого отношения не имеет.

– И все же, как вы относитесь к современному искусству? – Если мы современное искусство будем понимать как искусство, сделанное сейчас, это одно, а если мы будем понимать современное искусство как некий жанр, то это другое. Произошла подмена понятий, результатом которой явилось смещение фокуса с художника на куратора. Полностью перестало быть важным качество самого произведения, потому что оно является ценностью только в момент интерпретации и помещения его в контекст. Помещение любой вещи в контекст меняет ее ценность, и в данном случае это привело к качественным изменениям. Я не хочу к этому иметь никакого отношения. Я ненавижу современное искусство. Я не современный человек, я – просто чело-

– Существует ли для Вас прогресс в искусстве? В смысле, изменится ли ситуация к лучшему? – Нет прогресса! Если мы верим в прогресс, это значит, что художник Исаак Бродский рисует автоматически лучше Рафаэля. Потому что он живет позже и при более развитом технически обществе и при более справедливом социальном строе, как он сам считал. А он не лучше. И, к сожалению, это очевидно и не требует никакой кураторской интерпретации. Однако, однажды, я увидел, что такое прогресс в искусстве. Первый раз я его встретил и был счастлив. В Ливии, в сторону Сахары, подальше от берега, в III веке была дикая и запущенная граница Римской империи. Туда селили ветеранов, ко(2) 2010 galleryspb

59


академия

© фотограф: Максим Атаянц

торых наделяли участками земли в обмен на вооруженную охрану от племен, которые подступающая Сахара гнала в плодородную Северную Африку. До наших дней дошли небольшие фермы и Некрополь, высеченный в камне. И видно, что это говно, именно потому, что откуда им было взять архитектора или скульптора? Видно было, что при движении от центров постепенно искусство теряет качество. Просто потому, что это жуткое захолустье. И вдруг я понимаю, что эти люди преодолели косность своего времени и сделали прорыв в светлое, раннее христианское, средневековое будущее. Так и мы сейчас находимся в самом начале пути, может, через сто лет и будет что-то изобретено. Но я не хочу есть отдельно непроросшее зерно, сахарный тростник и корицу и воображать себе, что ем прекрасный торт. Я понимаю, что я вытеснен с такими своими представлениями на обочину. Мне все равно, каков мировой культурный процесс – просто то, что я делаю, по сути, не востребовано или не нужно, вне всякой связи хорошо это или плохо.

© фотограф: Елена Андреева

Точка зрения редакции не совпадает с точкой зрения интервьюируемого. Редакция любит футбол и теннис, а в особенности, крикет, гольф и поло.

60

galleryspb (2) 2010


премии

[художник года] международная премия в области современного искусства 2010

(2) 2010 galleryspb

61


Концепция #1.Премия – международная независимая премия в области современного визуального искусства. #1.Премия не имеет границ, клише и штампов. Премия призвана отразить все многообразие жанров и стилистических направлений в современном искусстве. Номинантом может стать отдельный художник, объединение художников, арт-проект. Организаторы Информационно-выставочный центр ARTINDEX и журнал Gallery. При содействии Государственного Эрмитажа и Государственного Русского музея. О премии «#1. Премия» присуждается за достижения в области современного искусства. Проект премии «#1. Премия» – это долгосрочная программа, направленная на поддержку развития сферы современного визуального искусства. Главная задача проекта заключается в актуализации проблемы развития искусства, создании открытого информационного пространства для исследования тенденций развития современного визуального искусства. Цель Признание и оценка новейших тенденций в искусстве. Поощрение творческого продолжения и развития традиций изобразительного искусства. Формирование культуры восприятия современного искусства. Структура Для обеспечения должного качества премии и повышения объективности состав жюри разделен на две категории судей: G10 и Artlovers. В экспертный совет G10 войдут десять ведущих мировых экспертов в области искусства из России и Европы. К числу Artlovers причисляются ценители современного искусства, известные люди, непрофессионалы в области современного искусства.


Критерии Отличительной чертой данной премии является процедура выбора номинантов. Мы намеренно исключили возможность подачи заявок на участие в премии. Главным критерием является ЗНАЧИМОСТЬ того или иного произведения, мероприятия, инсталляции. На премию номинируются работы, вызвавшие наибольший интерес, значимость и актуальность в текущем году. Ограничений по географии, возрасту, количеству работ или времени их создания не существует. Номинанты выдвигаются экспертным советов G10 путем тайного голосования. Эксперты присылают свои «голоса» в запечатанных белых конвертах без знаков отличия. Премия и дипломы присуждаются путем закрытого тайного голосования Art-lovers, простым большинством голосов. Порядок проведения проекта • Презентация премии на выставке Russian Art Fair, London в рамках участия журнала Gallery.spb • Презентация премии и участников экспертного совета G10 на выставке Art Basel. • Оглашение списка номинантов в рамках выставки Frieze 14-17 октября, Лондон. Grosvenor Chapel. • Подведение итогов ежегодного конкурса и вручение премии в области современного визуального искусства «#1. Премия». • Вручение Международной независимой премии в области современного визуального искусства «#1.Премия». • Церемонию вручения премии планируется проводить в залах Михайловского замка (ГРМ). Сроки Время проведения: 18-19 Декабря 2010 года Официальное открытие: 18 Декабря, 16:00 Гала ужин по случаю вручения премии: 19 Декабря, 19:00


The vetting at TEFAF 2010, © фотограф: Loraine Bodewes, www.tefaf.com

artfair

а вы готовы обладать шедевром? автор Антонина

Пучковская

В канун открытия 23-й европейской ярмарки современного изобразительного искусства и антиквариата TEFAF Maastricht организаторы откровенно, без страха и упрека, объявили о последствиях экономического кризиса, по-разному повлиявшего на арт-рынок. Как тогда заявил председатель комитета TEFAF Бен Янссенс (Ben Janssens): «Быть всегда в курсе событий и идти в ногу со временем для более ясного понимания ситуации – такова наша задача. К тому же, если вы хотите быть честны перед покупателями, вы не можете игнорировать влияние экономики на арт-рынок». >> Kitagawa Utamaro (1753-1806), Mother and Child, Circa Kansei 12 (1800), Published by Iwatoya Cho, Woodblock print, 49.5 x 17.6 cm Courtesy GALERIE TANAKAYA © www.tefaf.com

64

galleryspb (2) 2010


artfair И, все-таки, благодаря или же вопреки: «Готовы ли вы обладать шедевром?» – девиз ярмарки искусства, проходившей в Маастрихте в этом году. На одной их самых значительных выставках международного уровня представлены коллекции предметов искусства — от современных до древних: картины, относящиеся к голландско-фламандской школе живописи; работы итальянских, испанских, французских, немецких и английских мастеров; средневековые рукописи, карты и монеты; итальянская, французская и английская мебель; классический антиквариат и египетские изделия; предметы искусства из Азии, Африки и Южной Америки; изделия из фарфора и серебра, ювелирные изделия. Своего рода культурный шок от масштаба выставки весьма затруднит ответ на поставленный вопрос. И все же: обладать шедевром, уже не важно, в виде капиталовложения или же ностальгического образа в сокровищнице сознания, значит, прежде всего, остановить выбор на произведении искусства, а лучший способ совместить приятное с полезным — приехать в Маастрихт, чтобы посетить ежегодную ярмарку TEFAF. В этом году на ярмарке искусств в Маастрихте (Нидерланды), проходившей с 12 по 21 марта, были выставлены на всеобщее обозрение произведения искусства от более 260 самых престижных галерей. Кстати, в этом году количество арт-дилеров значительно возросло, благодаря основанию новой секции TEFAF on Paper в декабре 2009 года. TEFAF on Paper представляет собой уникальную сборную, а лучше, наверное, сказать отборную «солянку» из произведений старых мастеров, старинных книг и манускриптов, раритетных фото и эстампов, а также акварели и даже японской живописи. Таким образом, данная секция будет представлять огромный интерес весьма широкому кругу любителей искусства, которые смогут найти там от работ Рудольфа Коппитца, Фрэнсиса Бэкона до Джованни Тьеполо и многих других. Говоря о ярмарке в целом, можно отметить, что в этом году было широко представлено современное искусство, двадцатый век и искусство эпохи модерн. Так, например, на ярмарке можно увидеть одну из интереснейших поздних работ Поля Гогена из таитянского цикла «Две женщины» (1902) по цене около 18 миллионов евро, произведения Модильяни, Пикассо, работу другого итальянского экспрессиониста Мариино Марини Il Teatro delle Maschere (1956), которая находилась в частной (2) 2010 galleryspb

65


artfair коллекции более 30-ти лет, а сейчас выставляется галереей Landau Fine Art of Montreal, также работы Мунка и даже Херста. Собственно произведений живописи, скульптуры, предметов интерьера и дизайна, фотографий, раритетных изданий и эстампов, как и положено, на ярмарке представлено в огромном количестве и на самый взыскательный вкус и бюджет. Кстати, давно ли Вы, art-lover’ы, перечитывали «Двенадцать стульев» И. Ильфа и Е. Петрова? «Постойте! – скажете Вы, – мы же о Нидерландах, о ярмарке искусства, о работах Гогена!». Да, да, именно об этом, и именно поэтому не смеем не упомянуть о весьма пикантном моменте, который и натолкнул нас на соответствующую аллюзию. «В последний час работы крупнейшей в мире ярмарки произведений искусства TEFAF в Маастрихте со стенда британского дилера исчезли ценности на сумму около 860 тысяч евро. Как сообщает Lenta. Ru со ссылкой на AFP, представитель администрации мероприятия подтвердил, что похищенными оказались кольцо с большим сапфиром и ожерелье. Ярмарка, которую в этом году посетили более 73 тысяч человек, открылась 12 марта. По словам хозяина драгоценностей, за час до ее закрытия в воскресенье, 21 марта, ювелирные изделия были на месте. К расследованию кражи приступила полиция, однако пока никакой информации о возможных версиях похищения не поступало. Подобное происшествие случилось на ярмарке в Маастрихте в 2008 году, когда было украдено ожерелье стоимостью 1,2 млн евро». Вот так вот, так что, читайте книжки и ходите на выставки, а лучше – на ярмарки, на них можно увидеть все: от украшений до краж!

Abraham van Beyeren, Pronk still life with Nautilus-cup and fruits, 1650/55 Oil on canvas, 80.4 x 63 cm Courtesy KUNSTHANDEL PETER MÜHLBAUER Wartski, Diamond and pearl brooch Courtesy HUMPHREY BUTLER Sitting woman by Fernando Botero, 1976 bronze, 104 cm hig Courtesy The Sladmore Gallery Renacle-Nicolas Sotiau, A Louis XVI table regulator of fourteen day duration, 1785 44.5 x 29 x 22.5 cm Courtesy RICHARD REDDING ANTIQUES LTD © www.tefaf.com

66

galleryspb (2) 2010


artfair The Talleyrand Bed, An important French Empire Giltwood, 1805 Courtesy PELHAM GALLERIES LTD Š www.tefaf.com

(2) 2010 galleryspb

67


artfair

TEFAF | maastricht 1. TEFAF 2009 - Modern Art sectio. Photo: Loraine Bodewes 2. Kruisherenhotel, Maastricht 3. TEFAF Maastricht 2010. Photo: Loraine Bodewes 4. The Bassin, Maastricht. Photo credit: VVV Maastricht/Studiopress 5. TEFAF 2009 - Antiques & Works of Art. Photo: Loraine Bodewes 6. TEFAF Maastricht 2010. Photo: Loraine Bodewes 7. TEFAF Maastricht 2010, Photo: Loraine Bodewes 8. The vetting at TEFAF 2010, Photo: Loraine Bodewes 9. The vetting at TEFAF 2010, Photo: Loraine Bodewes 10. The vetting at TEFAF 2010, Photo: Loraine Bodewes 11. TEFAF 2009, Photo: Loraine Bodewes 12. TEFAF Maastricht 2010, Photo: Loraine Bodewes 13. The vetting at TEFAF 2010, Photo: Loraine Bodewes Š www.tefaf.com

68

galleryspb (2) 2010


artfair 1

1 (2) 2010 galleryspb

69


artfair

2 – 3

70

galleryspb (2) 2010


artfair

4 – 5

(2) 2010 galleryspb

71


artfair 6 – 7

72

galleryspb (2) 2010


artfair

11 8 – 12 9

(2) 2010 galleryspb

73


artfair 10 — 11

13

74

galleryspb (2) 2010 (1) 2010 74 galleryspb


artfair

12 — 13

(2) 2010 galleryspb

75


Роберт Айерс, художник и арт-критик из Нью-Йорка

76

galleryspb (2) 2010

Беседы о художественных ярмарках или неделя современного искусства Armory Arts Week, 2010 © фотограф: Роберт Айерс

artfair


artfair © Клэйтон Прайс Unheeded Warning, 2001 галерея Verge

Armory Show западная

пристань

Это самая насыщенная – и по мнению многих – самая значимая неделя в календаре нью-йоркского мира искусства. Сама по себе выставка Armory Show, расположенная на западной пристани 92 и 94, является одной из самых авторитетных художественных ярмарок в мире. Она ежегодно собирает более 50 000 посетителей. Но кроме Armory Show город принимает целый ряд других ярмарок (из них не менее десяти крупных!), организаторы которых надеются воспользоваться огромным наплывом коллекционеров, дилеров, художников, музейных сотрудников и журналистов, которые стекаются сюда во время «недели современного искусства Armory Arts Week» К ним относятся: художественная ярмарка ADAA Art Fair, расположенная в Park Avenue Armory (которой исполнилось двадцать два года), SCOPE в Линкольн-Центре, PULSE , которая находится в новом помещении на West Street, Volta на 34-й Улице и целый ряд других, которые я постараюсь посетить за период с сегодняшнего дня и по следующий понедельник. Я не собираюсь составлять официальный отчет (вроде таких, которые пишут мои коллеги по ARTINFO), а попытаюсь сделать некий более

неформальный обзор: для меня ключевую роль во впечатлениях о художественной ярмарке играют беседы с художниками, галеристами, коллекционером и целым рядом посетителей ярмарки, с которыми я встречаюсь. Именно с помощью этих бесед я хочу передать атмосферу ярмарки. Я уже сознаю, что эти небольшие отрывки носят весьма неоднородный и импрессионистский характер, но позвольте вам предложить некоторые примеры бесед на художественных ярмарках этой недели. «Все было замечательно. Пришло много посетителей. Все происходило так, как это давно не происходило. Мы продали несколько вещей. И эти продажи имели для нас большое значение, поскольку вещи Алекса Хея не всегда активно продаются. Однако, так или иначе, на сей раз все получилось! И мы продали их по розничной цене, что само по себе является хорошей новостью, поскольку в Майами все хотели торговаться, и нас это не устраивало. В самом деле, мы только и говорили о том, что надо повесить на стенд новые работы (взамен проданных)» – Рэйчел Чернер из Peter Freeman, Inc. , стенд которой на ярмарке ADAA Art Show был полностью отдан работам Алекса Хея, рассказывает об открытии, состоявшемся вечером во вторник. Из семи вещей, которые были выставлены галереей для продажи, две были проданы и две – зарезервированы. (2) 2010 galleryspb

77


artfair «Мы очень благодарны этой ярмарке за то, что она делает для Нью-Йорка. Эти мероприятия не только объединяют тысячи людей и сотни галерей, они действительно позволяют воспринимать искусство – и особенно современное искусство – в максимально широком контексте. Это безусловно удивительное явление. Вы можете ощущать жизненную силу, присущую миру искусства. Кроме событий, происходящих здесь, на пристани, многое происходит в самом городе: если вам еще не представился случай посетить Whitney Biennial, надеюсь, что вы сходите туда; если вы еще не побывали на выставке Уильяма Кентридджа в Музее Современного искусства, надеюсь, что вы тоже ее посетите; если вам еще не удалось видеть работы Тино Сегала в Гугенхайме, я надеюсь, что вы их увидите, потому что все эти выставки – часть того, что делает НьюЙорк столь захватывающим», – на пресс-конференции при открытии выставки Armory Директор MoMA Гленн Лоури напоминает о проходящих в городе показах. © Алекс Хей, Anomaly Blue, 2006 работа зарезервирована у компании Peter Freeman, Inc. за $135 000 – © Джеймс Брукс, B, 1952 галерея Гринберг Ван Дорен

среда: «В последние несколько лет организаторы этой ярмарки отдают все большее предпочтение персональным стендам, полагаю, что именно это придает ярмарке подлинную самобытность. Полагаю, что люди в каком-то смысле приезжают сюда, в расчете на это. И я слышал, что многие говорили, как им это понравилось. Мы очень рады, что у нас есть вещи Джеймса Брукса, галерея L & M выставляет работы де Кунинга, таким образом, здесь есть работы по крайней мере двух художников AbEx, но есть и много работ молодых художников, и я полагаю, что посещение выставки оставляет приятное, солидное и цельное впечатление», – Джон Ван Дорен из галереи Гринберг Ван Дорен поделился размышлениями у своего стенда в галерее ADAA, который был посвящен творчеству самого недооцененного представителя абстрактного экспрессионизма, Джеймса Брукса. (Среда)

78

galleryspb (2) 2010


artfair ше внимания программе галереи, привлекая людей в галерею. Я в некотором смысле считаю, что работаю продуктивнее, когда могу перемещаться с места на место», – заявил галерист Павел Зубок, которого я встретил в PULSE, о причинах, по которым он отказался участвовать в любой из ярмарок этой недели.

© Дэвид Крамер, Greatest Moments, 2009 – © Пол Претцер, Wollen und nicht konnen, 2009

«У меня создалось впечатление очень уютной художественной ярмарки. Она очень маленькая. У Вас есть возможность осмотреть все галереи, а выставочные места, отведенные под каждую галерею, тоже небольшие. Людям нравится приходить сюда, потому что на осмотр ярмарки уходит только один день, а следующий день можно посвятить другим мероприятиям. Эта ярмарка резко отличается от Art Basel и ARCO», – сказал Роберто Ньевес Роблес, президент и директор Circa Puerto Rico (ярмарка, в которой участвует тридцать пять галерей), неожиданно одобривший масштаб выставки Armory. (Среда) «Первая мысль, пришедшая мне в голову: да, это не главное событие сезона. Но я полагаю, что более камерное мероприятие дает более сильный резонанс: работы Дэвида Крамера, экспонировавшиеся в Галерее Лоран Годэн, произвели потрясающее впечатление, как и the Armitage Gone! Отличный проект. Думаю, это было великолепно», – Мэри-Энн Монфортон из журнала BOMB Magazine поделилась своей оценкой выставки в галерее Armory.

«Думаю, всеобщая активность после такого трудного года – положительное явление. По-моему, атмосфера оптимистичная, и это замечательно. Но мне кажется, что люди стали принимать более взвешенные решения. Стало меньше этого ажиотажа, и это идет на пользу искусству и долгосрочным отношениям между галереями и их клиентами. Думаю, что (правда, довольно робко) коллекционеры, и даже коллекционеры-новички, пытаются обрести некую стабильность после прошедшего года, который оказался весьма проблемным», – снова высказался Павел Зубок, дав оценку текущим настроениям. (Четверг) «Положение в бизнесе неустойчивое! Если кто-то вам скажет, что это не так, это неправда», – сказала Магда Сэйвон, галерист из Postmasters, которая также обошла экспозицию PULSE и сделала менее оптимистичные выводы.

четверг: «Лично мое решение было связано с тем, что у меня есть галерея в Челси: я постоянно встречаюсь с большинством этой публики, просто в этом году не было такой настоятельной необходимости. За прошедшие несколько дней я встречался с людьми, которые живут вне города, и обедал с клиентами и коллегами. Это решение было продиктовано не столько финансовыми соображениями, сколько затратами времени и сил. Я просто уделял боль(2) 2010 galleryspb

79


artfair

«Мне нравится это место: меньшие площади, более интимная атмосфера, и, в плане кураторской работы – ярмарка более избирательная. Полагаю, это идет на пользу всем, кто выставляет здесь свои работы. Отзывы коллекционеров были просто замечательные. Люди специально приходили к нам, чтобы посмотреть на работы Эрика Тора Сэндберга. Некоторые даже пытались пробраться на ярмарку до ее открытия, которое состоялось вчера, чтобы устроить себе предварительный просмотр», – рассказал Ли Коннер из Conner Contemporary Art о своих впечатлениях о выставке PULSE этого года. (Четверг) «Это моя первая художественная ярмарка! Я хочу увидеть красивые вещи и творческие произведения, которые наполнят мое сознание новыми впечатлениями. Вот зачем я сюда пришла…, я действительно интересуюсь искусством инсталляций», – заявила еще одна посетительница PULSE , Дэвина Ривс, мисс Нью-Йорк 2010 (родилась в г. Остин, штат Техас). (Четверг)

80

galleryspb (2) 2010

«Это – перформанс-инсталляция и сотрудничество художника и зрителя. Реакция зрителей была просто изумительной. Порой люди оказывались слегка сбитыми с толку, они много смеялись, потому что это необычно, но это по-настоящему забавный проект, и люди действительно получают от него удовольствие. Нам уже приходилось устраивать выставки модной одежды, и, хотите – верьте, хотите – нет, но мир искусства принимает нас лучше, чем мир моды. Вчера у нас не было ни одной свободной минуты. Дела у нас идут прекрасно!» – сказали художники Кэрелл Леви (дизайнер) и Дариа Шапиро (куратор), которые предлагают Quickie Couture в галерее SCOPE и которые могут меньше чем за час изготовить вам одежду по специальному заказу по цене от $25 до $300 из собственных тканей ручной работы. (Полное раскрытие информации: они дали мне галстук ручной работы в обмен на обещание, что я включу в эту статью информацию о них!) (четверг)

© Магда Сэйвон © Эрик Тор Сандберг, Alterations, 2010 Сourtesy Conner Contemporary Art


artfair © Микки Смит, Collocation No. 17 (VOGUE), 2010 ра��ота экспонировалась в галерее Invisible Exports

Пятница: «Люди говорили нам, что это создает ощущение, что вернулись прежние времена, но на самом деле у меня это вызывает чувство дискомфорта. Мне не нравится ощущение ажиотажа. Мы действительно попытались все притормозить, но как только разнеслась весть о том, что крупные коллекционеры купили какие-то вещи, мы словно оказались в стае голодных акул», – Галерист Хэмиш Моррисон рассказал о своих впечатлениях, связанных с тем, что были полностью распроданы не только картины со стенда Пола Претцера на галерее Volta, но и все остальные работы этого художника – всего около сорока работ. «Конечно, участие в менее масштабной ярмарке имеет свои преимущества. Вчера я пошла на выставку в галерее Armory, где экспонируются работы моих друзей. Я бродила по выставке больше часа, и даже не смогла отыскать их стенды», – так Риза Нидлмэн

из галереи Invisible Exports, где она выставляет работы Микки Смита, высказалась об одном из преимуществ участия в показе Volta. (Пятница) «О, там не содержится никакой информации», – молодая женщина, сотрудница информационного центра Volta высказалась о каталоге ярмарки стоимостью $20. (Пятница) «Эта работа не была продана. Я был бы потрясен, если бы кто-то купил такую вещь. Это – абсолютно абсурдный жест. Это забавно. Некоторым эта вещь нравится, некоторых она раздражает. Я не могу контролировать это» – сказал Тодд Пэвлиско, художник Volta (работы которого экспонировались Samsøn) о своем three channel video piece видеоролике Centerpiece (2008-10), где он показан приколачивающим гвоздем к полу собственную ступню. (Пятница) «Когда я училась в международной школе в Японии, этот парень из Австралии приходил обучать нас рисованию. Он обычно рассказывал нам о своей работе с технологиями. Спустя несколько лет, учась в колледже, я просматривала книги в библиотеке и обнаружила, что нашим учителем рисования был Стеларк!» – так Нэнси Лоренц, художница из галереи Volta (работы которой экспонировались PDX Contemporary Art) рассказала о своем знакомстве с легендой перформанс-арта. (Пятница)

Суббота:

© Дэвина Ривс, мисс Нью-Йорк 2010

«Выходит за рамки привычного!» – этой одной фразой Клаус Бизенбах, куратор MoMA, охарактеризовал значение «The Artist is Present», ретроспективной работы Марины Абрамович. Предварительный закрытый осмотр этого произведения, предназначенный для прессы и VIP-персон Armory, состоялся в субботу. (Суббота) «Я полагаю, что это очень важно для MoMA», – Шон Келли, галерист мисс Абрамович, высказался почти столь же кратко. (Суббота) «За чистый кирпич каменщик платит 75 центов, а цена грязных кирпичей зависит от эстетической ценности, которую Вы им припишете. Поэтому мы продаем чистые кирпичи по рыночной цене 75 цен(2) 2010 galleryspb

81


artfair © Тодд Павлиско Centerpiece, 2008-10 (неподвижный кадр из трехканального видео клипа) в галерее Samson

тов, а если Вам нужен грязный кирпич, вы можете приписать ему эстетическую ценность, которая намного выше 75 центов – это и будет цена грязного кирпича. Сегодня я не продал чистых кирпичей, но продал около шести грязных. Некоторые я продал по $20 за штуку, а ктото из покупателей заплатил мне по $10 за два кирпича. Был определенный разброс цены. Кирпичи понравились тем, кто их приобрел. «Что делать с непроданными кирпичами, не знаю», – Дана Бишоп из transformazium.org, сотрудник журнала Fountain поясняет, что спустя более сорока лет после того, как Карл Андре создал «Equivalents» (композицию из кирпичей – прим. пер.), – коллекционеры произведений искусства все еще охотно покупают кирпичи промышленного изготовления. (Суббота) Консультант по китайскому искусству Кэрри Клайн, которого я встретил в Independent, окинул выставку Armory взглядом знатока: «Я ходил по выставке, и спрашивал себя, «Где китайское искусство?» Оно просто исчезло. Я не видел ни одной работы любимцев рынка, вроде Юэ Минцзюня или Чжан Сяогана, а я специально искал. Это отражает тот факт, что теперь самый дешевый способ приобрести работы китайских художников – купить их на аукционе; поскольку цены на них так сильно упали, вы можете просто прийти туда и скупить их». (Суббота) «Мы заработали $3700, но наша задача – заработать $5000», – заявил Клейтон Прайс, член American Society of Media Photographers (Американского Общества Фоторепортеров), Нью-Йорк, чьи меры по сбору средств в помощь жертвам землетрясения на Гаити (все фотографии продавались по цене $100 и 100% прибыли было перечислено организации «Врачи Без Границ»), стали одним из достижений Verge. (Воскресенье) «В этом помещении у нас экспонируются работы четырех художников. Мы выставляем фотографии Эмили Боливис, рукописные газеты Кариссы Кармэн, инсталляцию Кристэл Грегори, а также рисунки Элизы Стэмпс», – галеристки из «Chashama Gallery», которая оказалась автором перформанса Элизой Стэмпс, которая вместе со своими тремя коллегами-художницами исполняла роль собственного дилера в Verge». (Воскресенье)

82

galleryspb (2) 2010

Фотографии любезно предоставлены: Эрик Тор Сандберг, Alterations (2010) копирайт Эрик Тор Сандберг, авторский экземпляр Conner Contemporary Art. Статья печатается по: A Sky filled with Shooting Stars: http://www.askyfilledwithshootingstars.com URL to article: http://www. askyfilledwithshootingstars.com/?p=1181 © 2009 A Sky filled with Shooting Stars. Все права защищены.

© Инсталляция Нэнси Лоренц Закусочная для галереи PDX Contemporary Art – © Марина Абрамович исполняет перформанс: Губы Томаса, оригинал 1975, который является частью cерии перформансов Seven Easy Pieces, 2005


(2) 2010 galleryspb

83


Armory Show 2010, © фотограф: Carrie Villines

рынок

ИГРА В ИМЕНА Брендинг в мире искусства Нью-Йорка

10 марта 2010 г.

текст Сара Торнтон автор книги «Семь дней в мире искусства» © фотограф: Zeno Zotti

84

На прошлой неделе vip-персоны курсировали по Манхеттену, посещая музейные выставки, президиумы конференций, бранчи с шампанским, кураторские туры и стенды около 500 галерей, представленных на 11 ярмарках. Первая проблема состояла в наличии нелогичной ассоциации между названием и местом проведения. Ежегодно в марте в Нью-Йорке открывается выставка Armory. В этом году Американская Ассоциация арт-дилеров (ADAA) решила на той же неделе провести свою менее масштабную, но более престижную ярмарку. В то время как выставка ADAA проходила в историческом здании Armory на Парк Авеню, выставка Armory разместилась на двух

galleryspb (2) 2010

пристанях на реке Гудзон (см. приведенные ниже слайды). «Это должно сводить их с ума, как сводит нас,» признал Джованни Гарсия-Фенеч, директор по коммуникациям Armory. «Armory» – мощный бренд. Американцам он напоминает о выставке Armory 1913 г., на которой были представлены произведения современного европейского искусства, включая скандальную картину Марселя Дюшана «Обнаженная, спускающаяся по лестнице». В 1999 г. четыре дилера-организатора ежегодной ярмарки современного искусства возродили это название. Затем в 2007 г. они продали и название, и ярмарку Merchandise Mart Properties, Inc (MMPI). Когда компания MMPI утверж-


рынок дает (что она и делает на своем веб-сайте), что является «ведущим мировым собственником и оператором выставочных зданий и оборудования для специализированных выставок», это объясняет нам, почему Armory – одна из худших в мире художественных ярмарок.

© фотограф: Carrie Villines

На прошлой неделе в 13-й раз состоялась ярмарка Armory, в которой участвовало 289 галерей – на 50 больше, чем в прошлом году. Хотя в ярмарке участвовали и некоторые звездные галереи, и набралось около дюжины инсталляций, способных привлечь к себе внимание, уровень стендов был весьма неровным. Добавьте к этому бестолковое освещение, плохую акустику, неудобную планировку, отсутствие еды и питья, – и вы получите надежный рецепт «как обеспечить посетителям скверные впечатления от выставки». С произведениями искусства, особенно когда они впервые «выходят в свет», нельзя обращаться как с обычным товаром; они требуют наличия соответствующего контекста, который усиливает их ауру. То, что Armory, который на этой неделе являлся символическим центром интереса, так плохо оправдал свой легендарный бренд, – досадный факт для Нью-Йорка. Напротив, элегантная ярмарка, организованная ADAA, практически не имела бренда. Возможно, название «The Art Show» было бы вполне приемлемым 22 года назад, на момент учреждения ярмарки, однако в 2010 году, в условиях кипучей активности, царящей в мире искусства, оно звучало слишком типичным, чтобы быть значимым. Однако сама экспозиция радовала посетителей. Выставочное пространство было компактным и состояло из 70 галерей, оборудованных стендами среднего размера, что создавало благородно-строгую атмосферу; на ярмарке было немало экспозиций-соло и тематических экспозиций. К числу особенно ярких относились стенды с произведениями Виллема де Кунинга (L& M), Хироши Сугимото (Fraenkel Gallery), Фреда Уилсона (Pace Wildenstein) и Мэтта Джонсона (Blum & Poe). Наиболее обсуждаемой малоформатной молодой ярмаркой стала ярмарка «Independent», хотя это и не связано с ее названием. Многие спотыкались об это название и больше доверяли длинным объяснениям, как-то: «ярмарка в старом здании Dia Foundation (2) 2010 galleryspb

85


рынок на 22-й улице, вход свободный, выставка включает в себя ряд некоммерческих зон, например, White Columns» (не говоря уже о том, что выставка под названием «Independent» практически не гуглится). Ярмарка приятно радовала глаз отсутствием торговых киосков. Даррен Флук, совладелец Лондонской галереи Hotel, и содиректор «Independent» объяснил, что «разбить пространство – значит уничтожить его». И в самом деле, планировка ярмарки скорее воспроизводила небрежную топорную обстановку музеястудии, нежели молл. К тому же, накладные расходы были намного меньше, чем у «Armory». «Мы лучше избавимся от всего лишнего, вроде помещений для vip-персон и толстого каталога, который все равно никто не читает,» – добавил г-н Флук. Музеи обычно опережают дилеров в игре под названием брендинг. Музей Американского Искусства Whitney – одна из организаций, которая во время насыщенной культурными событиями недели сделала все, как надо. Этот музей заявляет, что организованная им биеннале – обзор всех примечательных произведений американского искусства – является его «фирменной выставкой». кураторы (биеннале) этого года понимали, что независимо от того, как они обозначат свой проект, ставший 75 по счету, люди будут именовать его «Биеннале Whitney», поэтому они оставили выставку безымянной, указав лишь год проведения – 2010. Странно, однако New Museum, напротив, все сделал неправильно, украсив свою выставку «Skin Fruit» произведениями из коллекции Дакиса Джоанну; куратором выставки был Джефф Кунс. Хотя корреспондент «Нью-Йорк Таймс» Роберта Смит охарактеризовала название выставки, как «отталкивающее», похоже, оно оказалось не настолько отталкивающим, чтобы его запомнили. Большинство посетителей окрестило выставку «Кунсовская штука», – намек на то, что эта знаменитость сделала рекламу выставке. (Одно из проверенных правил маркетинга состоит в том, что два несвязанных между собой существительных, вроде «skin» и «fruit», совершенно не откладываются в памяти, если только в совокупности они не образуют некое наделенное смыслом понятие, вроде «fruit salad».) Это странный прокол, поскольку г-н Кунс – мастер по работе с масс-медиа, а кураторы New Museum известны тем, что умеют давать выставкам памятные названия, вроде «моложе

86

galleryspb (2) 2010

Господа Бога» (так называлась их первая «выставка поколения» или триеннале молодых художников). Их названия должны быть особенными, потому что само по себе название «New Museum» слишком типичное. Нью-йоркские таксисты обязательно спросят: «Который это новый музей?» Художники давно знают, как важно сделать себе имя, а некоторые из них являются настоящими рыночными специалистами. Одна из работ, выставленных на Whitney Biennial, принадлежит Bruce High Quality Foundation, группе из пяти художников, которые держат свою личность в секрете – эта стратегия скандальной анонимности весьма эффективна в эпоху звезд искусства. В тот же вечер, когда произошло открытие Whitney Biennial, этот художественный квинтет, сотрудничающий с арт-дилером Вито Шнабелем (отец которого, Джулиан, продюсер и знаменитый художник), приобрел пустой розничный магазин в Сохо и организовал «Brucennial», групповую выставку «420 художников из 911 стран», которые сами установили цены (на свои произведения) «в диапазоне от нуля до нескольких миллиардов долларов». То, как они пародировали шумиху, искусственно раздуваемую вокруг мира искусства, иллюстрировало присущий им здравый смысл. Может быть? самым ярким и самым популярным показом в Нью-Йорке на прошлой неделе стала выставка соло Тино Сегала в музее Гуггенхайма. Эта экспозиция открылась в середине февраля, причем в музее не выставлялось никаких произведений искусства, за исключением шести перформеров, привлекавших всеобщее внимание. Г. Сегал не позволяет фотографировать ни себя, ни свои работы, подчеркивая таким образом эфемерность и интерактивность своего искусства. Это также сообщает его бренду отчетливую концептуальность и придает дополнительную таинственность его имени. Поговаривают, что в следующем году мэр Нью-Йорка Майкл Блумберг собирается превратить эту зону хаотичной художественной деятельности в официальный «Art Week». Давайте надеяться, что он поможет обитающим в этом городе профессионалам искусства завязать диалог друг с другом. Возможно, он даже станет призывать их проявлять большую открытость по отношению к приезжим коллегам, и яснее выражать свои идеи.


слово художника

Интервью с Владимиром Духовлиновым и Владимиром Козиным. Интервью провела Ирина Лебедева

– Как Вы оцениваете свои победы или поражения? Другими словами, чье мнение для Вас важно – свое собственное, мнение зрителя, мнение искусствоведа, мнение друга? Каким образом Вы осознаете то, что у Вас получилось или не получилось? ВК: Всегда есть внутреннее ощущение того, что получилось, или того, что не получилось. И, если это находит какую-то поддержку у каких-то авторитетных институциях или источников – это приятно. – Например? Чье именно мнение важно? ВК: Например, участие в выставке в Русском музее. Попадание на премию Кандинского. Это дает моральное удовлетворение.

– Признание? ВК: О признании говорить очень сложно, потому что, будучи некоммерческим художником, занимаясь заведомо некоммерческим искусством, трудно рассчитывать на какое-то понимание, допустим, со стороны коллекционеров или людей, которые ценят настоящее, красивое, возвышенное. Я в большей степени нахожусь в пограничном отрезке. – А что значит настоящее, возвышенное? ВК: В России культура очень традиционноконсервативная. Мы не переживали художественных открытий – все открытия были сделаны в 20-е годы. После этого были тишина и покой. Поэтому вся наша художественная публика воспитана на (2) 2010 galleryspb

87


слово художника консервативных традициях. Она сама по себе очень консервативна. Это не беда русского искусства. Это так случилось. Не мы изобрели поп-арт, не мы оп-арт, не мы изобрели гиперреализм, не мы изобрели сюрреализм и дадаизм. – Но мы следуем этому или мы наблюдаем и творим? ВК: Нет. Наша русская традиция находится на задворках, хотя так говорить не хочется. Она такая в силу исторически сложившихся обстоятельств. Поэтому, те художники, которые хотят что-то изменить в себе или вокруг, вынуждены предпринимать большие усилия, потому что существует Академия художеств, выпускающая невероятное количество молодых художников, которые, в принципе, никому не нужны. Они не востребованы, они могут выполнять только заказы по обслуживанию богатых людей в соответствии с их вкусами. Есть ли это современное искусство? Есть ли это ис-

88

galleryspb (2) 2010

тинное творчество? Я считаю, что нет. – Это противоречие или разное понимание цели искусства? ВК: Я считаю, что это дело совести художника. ВД: Я присоединяюсь. – Расскажите о Ваших планах. Что бы Вы себе пожелали воплотить в новом году? ВД: Сделать что-то хочется. Не обязательно что-то большое, что-то фундаментальное, чтобы поразить, чтобы картина была явлением – вовсе нет. Но хочется как-то выйти из того, что уже сделал, внести органику. Что это будет – неизвестно. Что будет с цветом, что будет с фактурой. Я не знаю, как краска себя поведет. Это, если говорить о картинах, об объектах. О пространстве. Хочется, конечно, пространства. Хочется пространства в этом городе. Тесно здесь. Несмотря на то, что я его не воспринимаю тесным, когда иду по городу, когда каждый день с ним об-


слово художника

щаюсь. Все развернутые мощные пространства – Нева, каналы – казалось бы, обладают таким потенциалом. Но, когда дело касается жизни искусства в этом городе, то ему здесь тесно. С чем это связано? Я это связываю с литературно-исторической инерцией города, когда доминирует мощная культура. Уже Эрмитаж обладает такой мощно гравитацией, что вокруг него трудно что-либо представить. Мало в Питере серьезных площадок, где бы делали свободные современные выставки, чтобы все это стало неожиданным явлением, лишенным всякого организационного мусора. – Что такое организационный мусор? Это менеджмент? ВД: Это наше организационное хозяйство, т.е. организация выставок. Выставки очень часто устраиваются непонятно как, по каким законам выбираются работы, строятся экспозиции. Но есть интересные выставки. Например, одна из последних – «Искусство про искусство», которую делал Отдел новейших течений Русского музея. Считаю, что она была организована очень хорошо – представительно и профессионально. Если говорить о выставках в Манеже – ситуация настолько замыливается, повторяется и затирается. Все как «…ночь, улица, фонарь, аптека, …, живи еще хоть четверть века, и все будет так – исхода нет…». Все то же самое – четверть века проходит – и все повторяется. Те же самые художники с

теми же самыми работами, то же отношение к художнику. Исторически сложился некий баланс сил, ни влево, ни вправо, ни вниз, ни вверх – никуда, все замерло. ВК: Нет удивления. Я не к тому, что нужно чему-то поразиться, нет. Но возникает, действительно, ситуация déjà vu. Все уже увиденное, знаешь, какой художник какую вещь принесет. Если не такую, то принесет другую, примерно такую же. Эта запрогнозированность удручает. И я бы пожелал себе удивления, чтобы все происходило не по накатанной дороге. ВД: Тут такая ситуация возникает? Возможно произведение никакое. Возможно, художник сделает чтото очень интересное. Но в контексте наших выставочных ситуаций оно может просто пропасть. – Разве это говорит о плохой организаторской работе? ВД: Да. Не хватает рекламы, информации. Журналистика реагирует позорно и жутко. Я помню, когда была выставка абстракции…. Это симптоматичный момент. Выставка была мощной. …Было собрано гигантское количество абстрактных работ. Вся наша пятидесятилетняя история абстракции была на ней представлена. Но реакция СМИ (телевидение, газеты) была чудовищно несостоятельна. Я помню первое впечатление – прихожу с выставки, включаю телевизор, и идет текст – Открылась выставка (2) 2010 galleryspb

89


слово художника

абстракционизма, которая может быть интересна нескольким художникам, и там не было народу. Это была совершенная ложь. Народу было более, чем достаточно. Открывал ее директор Третьяковской галереи, который сказал, что в Москве они такого масштаба и такой наполненности выставку открыть сейчас не могут. Это было лет шесть назад, называлась «Абстракция в России. XX век». – Это говорит о том, что зрители, их понимание искусства отдаляются от художника? ВД: Не отдаляется, а размывается. Критерии сохраняются, профессионалы, которые знают современное искусство, – они разбираются в ситуации. Но их очень мало. ВК: Как правило, выставки подают журналисты. Им все равно, о чем писать – об открытии станции метрополитена или о запуске искусственного спутника, или об открытии выставки – для них это просто некое событие. Они не могут осветить событие правильно. А люди, которые пишут об искусстве, не работают в журналистике. ВД: Но не всегда. Вот выставка Шагала. Я был несколько раз на этой выставке, и количество зрителей увеличивалось. В послед-

90

galleryspb (2) 2010

ний день перед закрытием выставки зал был просто забит людьми разных поколений. ВК: До Шагала народ уже дорос. – Ваше отношение к массовой культуре? ВД: Есть художники, которых можно отнести к разряду массовой культуры: Глазунов и Шилов, например. Кстати, выставки Глазунова собирали очереди, которые опоясывали Манеж. Если выставку Шилова устроить в Манеже, народу будет тоже много, но поменьше. У него другая публика. ВК: А я хотел бы вспомнить ситуацию, когда в Обществе поощрения художеств на Большой Морской была выставлена картина Архипа Ивановича Куинджи «Ночь на Днепре». Это была выставка одной картины. Народ с вечера занимал очередь и шел смотреть на картину, как на мумию Ленина. Народ, как в прежние времена, так и сейчас, не изменился. Ему нужно некое событие, некий момент удивления. – А что Вы можете сказать об акции Эрмитажа показывать копии картин на выездных выставках в «спальных» районах Санкт-Петербурга?


слово художника

ВК: Все картины Эрмитажа – это картины, известные художникам и специалистам по открыткам, по книгам, по монографиям. Я не слышал об этой акции. Наверное, это некий акт одухотворения этих спальных районов. Это хороший пиаровский и культурологический ход, когда приучают народ к настоящему искусству. И тем самым сказать: вот – это настоящее. ВД: Это просветительская и образовательная программа. В этом плане Эрмитажу конкуренции нет. – Что Вы скажете об идее организации выставки современного искусства в торговых залах гипермаркетов? ВК: Я участвовал в такой выставке. – Как это происходило? ВК: Во-первых, нам заплатили в качестве гонорара по триста долларов, и от художника нужно было только согласие, потому что работы его были привезены и отвезены. В магазине, в котором продают товары широкого потребления, были представлены уникальные художественные произведения.

ВД: …что-то «сталкеровское». ВК: И вещи, которые там висят, они по-другому звучат. Окажись эти вещи на какой-нибудь выставке, прошел бы мимо и не обратил бы на них внимание, они бы не остались в памяти. А здесь это необычное пространство работает. ВД: Происходит обновление события, работы звучат в других контекстах – это прекрасно и интересно. Потому что город настолько сконцентрированный и утрамбованный в музейном смысле. Если сравнить с Москвой, то количество музеев в Питере больше. Поэтому в Москве много открывается подобных площадок, промзон, пространств, а Питер – тесный музейный город, и поэтому пространство застывает. Мы становимся заложниками собственной культуры. Очень трудно найти новые ситуации, потому что инерция культуры колоссальна.

– Ваше отношение к такого рода мероприятию. ВК: По-моему – отлично. Чудно. Некоторые работы соседствовали с какими-то странными объектами, например, с душевыми кабинами, сантехническими качественными товарами, посудой, мебелью и т.д. – Как реагировал зритель? ВК: Народу было много. Ходили, смотрели. Сказать о какой-то реакции я не могу. Это хороший ход. Это рекламная кампания, потому что говорят – придите, посмотрите, здесь происходит что-то необычное. Действительно, люди идут. Другое дело, какой результат – я не знаю. И вот сейчас происходят открытия выставок на Лофт Проект Этажи, или выставки на фабриках или заводах, на Красном Треугольнике – это попытка создания некой новой ситуации, когда ты идешь на какойто завод, видишь цех, где кураторы рассказывают о русской красоте, то работают и стены, и пространство, и дорога вдоль Обводного канала, и ароматы, запахи. Это все становится большим путешествием. (2) 2010 galleryspb

91


юрфак

Portrair bust of a Roman soldier, Drusus «the Elder», Studio of the della Porta Courtesy LÓPEZ DE ARAGÓN © www.tefaf.com

Особенности воспроизведения музейных предметов в СМИ

Виктория Бадмаева юрист журнала «Gallery.spb» Катерина Ступицына юрист компании «LexAlliance»

92

В последнее время все чаще возникают споры о несанкционированном использовании и воспроизведении в средствах массовой информации культурных ценностей, хранящихся в музеях. Данные споры не являются беспочвенными и требуют глубокого и предметного анализа. Многие считают, что окончание срока действия авторского имущественного права и переход произведения в категорию «общественное достояние» подразумевает под собой свободное его использование, и никто, в том числе и музеи, не обладают исключительным правом разрешать или запрещать воспроизведение и распространение репродукций данной картины. В соответствии со статьей 1282 Гражданского кодекса Российской Федерации произведение, перешедшее в общественное состояние, может свободно использоваться любым лицом без чьего-либо соgalleryspb (2) 2010

гласия или разрешения и без выплаты авторского вознаграждения. При этом охраняется авторство, имя автора и неприкосновенность произведения. Основываясь на данном положении, многие печатные издания игнорируют претензии музеев и используют фотографические материалы коллекций последних для оформления собственных статей и материалов. Стоит отметить, что за произведениями, находящимися в музеях, законодателем закреплен особый статус. Действующий в РФ Федеральный Закон «О музейном фонде Российской Федерации и музеях в Российской Федерации» от 26 мая 1996 г. предусматривает, что хранящиеся в музеях произведения живописи и скульптуры являются музейными предметами и входят в состав музейной коллекции. Согласно ст. 36 вышеуказанного закона право первой публикации музейных предметов и


юрфак музейных коллекций, включенных в состав Музейного фонда Российской Федерации и находящихся в музеях в Российской Федерации, принадлежит музею, за которым закреплены данные музейные предметы и коллекции. В соответствии со статьей 3 того же закона под публикацией понимается «одна из основных форм деятельности музея, предполагающая все виды представления обществу музейных предметов и музейных коллекций путем публичного показа, воспроизведения в печатных изданиях, на электронных и других видах носителей». Музеи используют это право для возможности сделать находящиеся в их фонде экспонаты более доступными. Музейные предметы и музейные коллекции, включенные в состав Музейного фонда Российской Федерации и находящиеся в музеях в Российской Федерации, открыты для доступа граждан. Но музей является, прежде всего, собственником материального носителя произведения, в связи с чем согласно статье 35 Федерального Закона «О музейном фонде Российской Федерации и музеях в Российской Федерации» имеет право ограничить доступ к музейным предметам и музейным коллекциям по следующим основаниям: • неудовлетворительное состояние сохранности музейных предметов и музейных коллекций; • производство реставрационных работ; • нахождение музейного предмета в хранилище (депозитарии) музея. Порядок и условия доступа к музейным предметам и музейным коллекциям, находящимся в хранилище (депозитарии) музея, устанавливаются нормативными актами федерального органа исполнительной власти, на который возложено государственное регулирование в области культуры, и доводятся до сведения граждан. Главное ограничение, вводимое законом «О музейном фонде Российской Федерации и музеях в Российской Федерации», касается, прежде всего, производства изобразительной, печатной, сувенирной и другой тиражированной продукции и товаров народного потребления с использованием изображений музейных предметов и музейных коллекций, зданий музеев, объектов, расположенных на территориях музеев, а также с использованием их названий и символики, которое возможно лишь с разрешения дирекций музеев. В связи с чем любое использование музейных предметов, в том числе и

в печатных изданиях, должно иметь предварительное разрешение дирекций музеев, чьи экспонаты используются. Чаще всего сами музеи заинтересованы в публикации и освещении своих выставок и коллекций в средствах массовой информации, поэтому охотно идут на встречу журналистам и нередко сами предоставляют фотографии своих коллекций. Много вопросов возникает относительно свободного использования произведений, которые постоянно находятся в месте, открытом для свободного посещения. Музеи вполне справедливо можно отнести к таковым. Но следует отметить, что, помимо особого статуса музейных предметов и коллекций, такое использование не допускается в случаях, когда изображение произведения является основным объектом этого воспроизведения, либо когда изображение произведения используется в коммерческих целях. Однако законодатель различает использование произведения в коммерческих целях и использование произведения в информационных целях. В связи с чем свободное использование допускается для освещения текущих событий средствами фотографии, кинематографии, путем сообщения в эфир или по кабелю произведений, которые становятся увиденными или услышанными в ходе таких событий, в объеме, оправданном информационной целью. Используемое без согласия автора и без выплаты авторского вознаграждения произведение не должно быть основной целью такого воспроизведения. Оно может быть фоном или цитатой по отношению к другому, основному произведению. Так, в фоторепортажах художественных выставок недопустимо воспроизведение отдельных картин, но допустимы фотографии посетителей на фоне представленных работ. На основании всего вышесказанного можно сделать вывод о том, что музейные предметы и коллекции являются уникальными не только в культурном, но и в правовом плане. Их использование и воспроизведение в средствах массовой информации имеет множество ограничений. Главное ограничение заключается в том, что они могут быть использованы лишь при предварительном разрешении дирекций таких музеев. Но именно это позволяет музеям контролировать использование произведений, находящихся в их фонде, беречь их не только в материальном, но и в некотором смысле «моральном» плане, обеспечивая тем самым культурную «ценность» таких произведений. (2) 2010 galleryspb

93


юрфак

РАССУЖДЕНИЯ АДВОКАТА О ЖИВОПИСИ И ХУДОЖНИКАХ Искусство, безусловно, вечно. Но ветер перемен гуляет по жизни и изредка загоняет художников в судебные стены. И вот там-то мне, адвокату, приходится наблюдать, как, поддавшись эмоциональному порыву и оказавшись в роли истца или ответчика, ТВОРЕЦ совершает глупости, безумства, действует опрометчиво и, в конечном итоге, проигрывает дело. Конечно, мотивы судебных исков вечны, как вся мотивация человеческого поведения. Но, как сказала мне одна моя клиентка – художница: «Для меня картины – мои дети». Она и действовала как мать, защищавшая своих детей, которых хотели у нее отобрать. Сразу скажу, закончился тот процесс для нее полностью успешно. Мой опыт позволяет сделать вывод, что, по-видимому, живопись и юриспруденция связаны с совершенно различными участками мозга. Но это – сугубо личное мнение. Надеюсь, что мои рассуждения хоть кому-то чуть-чуть помогут в правовых спорах или предостерегут на будущее. Прежде всего, вспомним знаменитое пушкинское: не продается вдохновенье… Но вот продавать рукописи Александру Сергеевичу приходилось. В этом деле при жизни он не достиг коммерческого успеха. К сожалению, многие живописцы теряются, заключая авторские договоры, делают непоправимые ошибки. Если Вы - художник, то коммерческие навыки у Вас вряд ли имеются. Я говорю о стремлении надуть партнера, лукаво скрыть от него «скользкие» места, невыгодные условия договора. Вы не можете подсчитать затраты и издержки по договору и вынуждены полагаться на честность заказчика. И уж тем более Вы не собираетесь заведомо обмануть партнера, что частенько встречается в современном бизнесе.

Хочу дать несколько советов, которыми следует руководствоваться при заключении не только авторских, но и любых договоров. Прежде всего – не торопитесь подписывать договор. Обязательно внимательно прочтите его целиком, со всеми приложениями. А еще лучше, если Вы, уважаемый читатель, вежливо сославшись на творческую занятость, попросите копию договора для домашне-

94

galleryspb (2) 2010

А. Шестопалов адвокат

го прочтения. И еще лучше, если Вы с этим договором зайдете в любую юридическую консультацию. Причем подчеркиваю, что рекомендую общаться именно с адвокатами. Справедливости ради скажу, что удостоверение адвоката отнюдь не гарантия добросовестности и порядочности, но все-таки адвокат ограничен как законом «Об адвокатской деятельности и адвокатуре в Российской Федерации», так и профессиональными этическими нормами. А вот в многочисленных юрфирмах правит бал ничем не сдерживаемый порыв наживы. Тут же практические советы по поводу общения с нашим братом-адвокатом. Объяснив, что хотите обсудить договор, поинтересуйтесь, сколько будет стоить консультация. Если цена для Вас великовата (корыстолюбие является не только адвокатским грехом!), подойдите к телефону и обзвоните близлежащие юридические или адвокатские консультации, коллегии адвокатов или адвокатские кабинеты. Поскольку стоимость оказываемых юридических услуг определяется договором, то торговаться вполне допустимо. Узнайте, кто специализируется на вопросах авторского или договорного права. Такой маркетинговый подход обязательно приведет Вас ко мне или не менее достойному моему коллеге. Если же Вы увидите, что Вас пытаются торопливо «обслужить», не могут понятно разъяснить ответ на интересующий Вас вопрос, то Вы попали не туда, и рекомендую продолжить поиски добросовестного юриста. Теперь о правилах изучения договора Читайте его с карандашом в руках. Непонятные формулировки помечайте. Все неясности должны быть устранены. Помните, договор должен быть заключен только тогда, когда достигнуто соглашение по всем существенным, важным для Вас условиям! Прочесть надо как мелкий шрифт, так и приложения. Если какие-либо части договора отсутствуют – рекомендую их получить и начать работу по изучению договора заново. Вас обязательно должно насторожить стремление ускорить процесс подписания договора, желание уйти от обсуждения важных для Вас вопросов и обещания все «порешать» после.


юрфак Büste der Knieenden by Wilhelm Lehmbruck (1881-1919) Wilhelm Lehmbruck (1881-1919) Terracotta, height 43,5 cm.Paris, circa 1912-14 Courtesy Kunstzalen A. Vecht © www.tefaf.com

(2) 2010 galleryspb

95


юрфак Говоря прямо – не верь тому, кто мягко стелет! Будьте внимательны, если договор содержит ссылки на нормы права. Вам они, конечно, не знакомы. Вот тут-то обязательно попросите включить компьютер и распечатать текст указанной в договоре статьи закона. Если Вы увидите, что от Вас стараются скрыть смысл подобной отсылочной (к статье закона, инструкции и т.п.) формулировки, опять же – насторожитесь!

дублировать подпись собственноручно написанными фамилией, именем и отчеством, а также – сшивать текст договора или заверять его у нотариуса. Иногда предлагается заключить так называемый «стандартный», заранее подготовленный договор. Следует запомнить – нельзя подписывать договор с незаполненными графами. Кстати, это правило относится к любому документу.

Обсуждая договор, обязательно представьте, сможете ли Вы контролировать его выполнение. В моей практике был случай, когда издатель предусмотрел выплату автору вознаграждения в зависимости от поступления доходов по мере реализации произведения. Хоть известно, что синица в руках лучше, чем журавль в небе. Но уж больно заманчиво «войти в долю». А вот на практике получилось иначе. Издатель создал подконтрольную фирму, которой и продавал изданные тиражи. Конечно, официально декларируемый доход от такой продажи был минимальным, как и налоги, выплачиваемые издателем. Да и за полученный от издателя на реализацию товар платила эта фирма плоховато, хотя тиражи шли многотысячные и распродавались они хорошо. В конце концов пропала фирма, не расплатившись с издателем. Для далеких от современного бизнеса поясню, что все расчеты издателя с подконтрольной фирмой шли, как принято говорить, «черным налом». Или, проще, в карман недобросовестному издателю. А автора – обманывали. Правда, потратив массу времени и сил на подготовку к судебному процессу, в суде удалось доказать, что издатель ведет себя недобросовестно по отношению к автору. Авторский договор с непорядочным издателем был расторгнут. Но три с лишним года прошли в судебных спорах… Очень важна форма договора. К сожалению, редко кто подписывает каждую страницу или прошивает договор, состоящий из нескольких листов. А ведь недобросовестный человек может легко изменить условия договора на одном из несшитых вместе листов… В этом случае невозможно установить истинный текст договора. Скажу больше. В моей практике встречались случаи, когда от своей подписи люди отказывались, уверяя суд, что их подпись подделана. И если подпись, как у большинства из нас, содержит один лихой завиток, то заключение эксперта-почерковеда будет гласить, что «…подпись содержит недостаточно идентификационных признаков». То есть невозможно установить, кто же подписал документ. Выход прост –

Я помню случай, когда автор, получая гонорар, подписывал незаполненные корешки расходных ордеров. Каково же было его удивление, когда в суде он увидел, что его подпись стоит под весьма значительными суммами…

96

galleryspb (2) 2010

Боюсь, что подобными советами я утомил читателя. Но напоследок я просто обязан посоветовать – избегайте судебных споров. Если есть возможность урегулировать спор мирно, без сложной, длительной и недешевой судебной процедуры – соглашайтесь. Пусть Вам даже придется в чем-то уступить. Если Вы всетаки считаете, что без суда обойтись невозможно, подумайте, что один из основных принципов судопроизводства – необходимость доказать те обстоятельства, на которые Вы ссылаетесь. Иначе говоря, слово к делу не пришьешь! Придется вызывать в суд свидетелей, оплачивать при необходимости экспертизу. И то, что очевидно для Вас, совсем не обязательно будет очевидным и понятным для суда. Да и противная (иногда в прямом смысле!) процессуальная сторона будет делать все, чтобы помешать Вам представить доказательства или интерпретирует их в невыгодном Вам свете. Кроме того, суд может не разделить Ваше мнение по спорному вопросу. К примеру, часто непредсказуемы споры о соавторстве. Очень сложно отделить творческую работу от технической деятельности исполнителя. В теории права хорошо описан спор между наследниками художника Огюста Ренуара и его ученика Р. Гино. Французский суд , посчитав, что Ренуар явился автором эскизов и идеи скульптуры, все-таки признал, что Р. Гино привнес в скульптуру собственную индивидуальность, и признал обоих мастеров соавторами. Прошу представить, сколько мнений экспертовискусствоведов пришлось выслушать суду и насколько сложно объективно решить подобный спор. Надеюсь, что прочитавшие эти заметки вспомнят о моих советах и не сделают грубых ошибок, продавая картину или рукопись… Впрочем, до встречи.


• помощь в депонировании и охране произведений архитектуры, графики, дизайна и иных произведений • вопросы фиксации нарушений прав на результаты интеллектуальной деятельности • претензионная работа • представление интересов авторов и правообладателей • консультации • составление договоров

Лоцман Вашего Бизнеса тел. (812) 388-5568, 388-6217 тел. (812) 387-3429, 388-4654 факс (812) 647-0023 spb@uskov.ru, www.uskov.ru


Wolf Lenkiewicz Blue Thistle (thistles with dots)2010, Oil on canvas, 166 x 140 cm framed Š All Visual Arts


Gallery 03