Kitsune Magazine

CONTENIDO

1

PAGINA 2

PAGINA 3-4

PAGINA 5-7

PAGINA 8

PAGINA

9-10

PAGINA 11-12

PAGINA 13-16

PAGINA

CONTENIDO

Autor: Ricardo Monroy Reyes

Soporte: @bunnycidio

Liv de Luque Dias

Jose Luis Rivera

Institución: INCAP

EL CINE DE JAPÓN EL ANIME EN EL CINE JOYAS CINEASTAS DEL MANGA AL CINE LA GRAN PANTALLA MADE IN JAPAN INFOGRAFÍA

Redes: @gl1tchfox.exe

twitch.tv/gl1tchfox_exe

17-18

PAGINA 19-20

NEON GENESIS EVANGELION

PAGINA 21-22

PAGINA

J-HORROR

RECOMENDADOS ANIME

DATOS QUE NO SABIAS

El cine de Japón

tiene una historia que abarca más de 100 años. La importación desde Francia de un cinematógrafo de los hermanos Lumière en 1897 marcó los albores del cine en Japón.

DesDe sus INIcIos hAstA 1940

Con esta cámara se Filmó varias veces a geishas de Tokio, considerándose como la primera película de entretenimiento rodada en el país. Sin embargo, la pieza de kabuki M sa siendo rodada en 1899 por Tsunekichi Shibata, un ingeniero en fotografía.

La primera estrella del cine japonés fue Matsunosuke Onoe, un actor de kabuki que apareció en más de 1000 películas, sobre todo cortometrajes, entre 1909 y 1926. Él y el director Shozo Makino volvieron populares a las películas del género jidaigeki.

1950, lA “eDAD De oro”

Ladécada comienza con Rashomon (1950), de Akira Kurosawa, que obtuvo el Oscar honorífico a la Mejor Película Extranjera marcando la entrada del cine japonés en el resto del mundo. Fue además el rol que catapultó la carrera del legendario Toshiro Mifune.

El año 1954 produjo dos de los largometrajes más influyentes del cine japonés. El primero fue la épica Los siete samuráis, de Akira Kurosawa, acerca de un grupo de samuráis que son contratados para proteger una aldea de una pandilla de rapaces ladrones. Los siete samuráis ha tenido diversas adaptaciones, entre las que destaca la película Los siete magnificos, un western de John Sturges de 1960.

Ese mismo año, Ishiro Honda estrenó el filme de terror anti-nuclear Gojira, conocida en

Occidente como Godzilla. Aunque fue severamente editada para su estreno en Occidente, Godzilla se convirtió en un ícono internacional de Japón e inició la industria de las películas del género Kaiju.

En 1955, Hiroshi Inagaki ganó un Oscar a la mejor película extranjera por la primera parte de su trilogía sobre la vida de Miyamoto Musashi, Samurái I.

Kon Ichikawa dirigió dos dramas antibélicos: El arpa birmana (1956), y Fuego en la llanura (1959), junto con Conflagración (1958), una adaptación de la novela El pabellón de oro de Yukio Mishima.

Masaki Kobayashi realizó tres largometrajes, que colectivamente son conocidos como la Trilogía de la condición humana, entre 1958 y 1961.

Kenji Mizoguchi dirigió Vida de O-Haru, mujer galante (Saikaku Ichidai Onna) (1952), Cuentos de la luna pálida

(Ugetsu Monogatari) (1953), que ganó el León de Plata en el Festival de Cine de Venecia, y El intendente Sansho (Sansho Dayu) (1954).

Mikio Naruse hizo Meshi (1950), Bangiku (1954), La voz de la montaña (Yama no oto) (1954) y Nubes flotantes (Ukigumo) (1955).

Yasujiro Ozu dirigió Buenos días, (Ohayo) (1959) y Ukikusa (1958), que era una adaptación de su anterior filme mudo Ukigusa monogatari (1934), contando con Kazuo Miyakawa, director de fotografía de Rashomon y El intendente Sansho

La animación en Japón recibe el nombre de anime, aunque gran parte de su desarrollo está basado en series televisivas, en su historia ha contado con grandes exponentes que se han dedicado al cine animado.

El llamado padre del anime Osamu Tezuka junto al director Eiichi Yamamoto trabajaron en la trilogía llamada Animerama, tres películas consideradas precursoras de la animación para adultos: Senya Ichiya Monogatari (también conocida como Las mil y una noches)(1969), Kureopatora (también conocida como Cleopatra) (1970) y Kanashimi no Belladonna (también conocida como La tristeza de Belladonna) (1973). Despreciadas en su época, con el tiempo han llegado a ser consideradas de culto.

adaptó su serie manga Akira al anime / pelicula del mismo nombre.

Aparecieron otros directores de anime, trayendo nuevos conceptos, no solo como películas, sino también como ejemplos de arte moderno. Como Mamoru Oshii con su película de ciencia ficción Ghost in the Shell (1995) (Kôkaku kidôtai), basada en el manga de Masamune Shirow, de gran éxito internacional y de la cual el director haría una secuela, Ghost in the Shell 2: Innocence (2004).

Hayao Miyazaki realizó en 1984 el filme anime Nausicaä del Valle del Viento, adaptado de la serie manga del mismo nombre, creada por él. Luego realizó dos éxitos de taquilla nacionales e internacionales Porco Rosso (1992) y La princesa Mononoke (1997). En 2001 dirigió El viaje de Chihiro, la animación que se convirtió en la película más taquillera de la historía del cine japonés y ganadora del premio Oscar a la Mejor Película de Animación (2002) y del premio Oso de Oro del Festival Internacional de Cine de Berlín (compartido) entre otros.

Otro hábil director, socio de Miyazaki en el Studio Ghibli, fue Isao Takahata(1935-2018), conocido principalmente por su adaptación de 1988 de la novela Akiyuki Nosaka, La tumba de las luciérnagas que cuenta la historia de dos niños que intentan sobrevivir luego de perder a su madre durante un bombardeo sobre la ciudad de Kobe en la Segunda Guerra Mundial, también dirigió otras películas como Recuerdos del ayer (1991) y El cuento de la princesa Kaguya (2013). En 1988 Katsuhiro Otomo

Hideaki Anno alcanzó un notable reconocimiento después de la presentación de su exitosa y controversial serie de 26 episodios, Neon Genesis Evangelion (1995), serie finalizada con la película The End of Evangelion (1997), franquicia retomada diez años después, cuando realiza un reinicio de dicha historia en una tetralogía cinematográfica conocida como Rebuild of Evangelion (2007-2021), director que también ha trabajado en películas de imagen real como Shin Godzilla (2016).

El director de anime Satoshi Kon (1963-2010) realizó los exitosos filmes:

Perfect Blue (1997)

Otro director destacado es Rintaro, que trabajó en sus inicios junto a Osamu Tezuka en series televisivas como Astro Boy y en 2001 dirigió la película Metrópolis, que adaptaba el manga del mismo nombre de Tezuka,que a su vez estaba inspirada en la película homónima dirigida por Fritz Lang de 1927.

Millennium Actress (2001)

Tokyo Godfathers (2003)

En el cine de anime existen muchas películas asociadas a franquicias televisivas como Dragon Ball, Doraemon, One Piece, Pokémon, Naruto, Lupin III, My Hero Academia, entre otras, algunas de ellas son resúmenes de las temporadas televisivas, otras son historias derivadas y también hay las que son continuación de la historia transmitida en televisión. Este tipo de películas han resultado grandes éxitos en taquilla como ejemplo Kimetsu no Yaiba: Mugen Ressha-hen (2020), perteneciente a la franquicia Kimetsu no Yaiba.

Paprika (2006)

sus películas han sido fuente de inspiración para directores de Hollywood como Darren Aronofsky y Christopher Nolan.

JOYAS CINEASTAS

AkIrA kurosAwA 1910-1998

Shinagawa, Tokio, 23 de marzo de 1910-Set3 1998) fue uno de los más célebres directores de cine de Japón.

Sugata sanshirô (La leyenda del gran Judo) (1943), fue su ópera prima y su filmografía consta de 30 películas, rodadas a lo largo de cinco décadas, que incluyen influyentes títulos como Rashomon (1950), Shichinin no samurai (Los siete samuráis) (1954), Dersu Uzala (El cazador) (1975) o Ran (Caos) (1985).

tecNIcA cINemAtoGrAfÍcA

Kurosawa poseía una técnica cinematográfica propia, que desarrolló en la década de 1950, y que otorga a sus películas un aspecto único. Le gustaba emplear lentes de teleobjetivo, por el modo en que aplanaban el encuadre y porque creía que situando las cámaras lejos de los actores se lograban mejores interpretaciones. También utilizaba varias cámaras al mismo tiempo lo que le permitía filmar un mismo plano desde distintos ángulos. Otra peculiaridad del estilo de Kurosawa era su empleo habitual de los elementos meteorológicos en sus películas, como la fuerte lluvia en la escena inicial de Rashomon y en la batalla final de Shichinin no samurai (Los siete samuráis), el calor intenso en Nora Inu (El perro rabioso), el viento helado en Yojimbo (El mercenario), la lluvia y la nieve en Ikiru (Vivir) o la niebla en Kimonosu-jo (Trono de sangre).

cuANDo coNcIbo uNA IDeA orIGINAl que me GustArIA coNvertIr eN uN GuIoN, me eNcIerro eN uN hotel coN PAPel y lAPIz. eN ese PuNto, teNGo uNA IDeA GeNerAl De lA trAmA, y se mAs o meNos como vA A termINAr. sI yo No se coN que esceNA emPezAr, sIGo lA corrIeNte De lAs IDeAs que surGeN De formA NAturAl

cAlIfIcADo Por el DIrector steveN sPIelberG como "el shAkesPeAre Del cINe coNtemPorANeo"

durante su trayectoria fue premiado en festivales como Berlín, Venecia, Cannes o Moscú y reconocido en ceremonias como los BAFTA o los premios Óscar que, en 1990, le otorgaron el Óscar honorífico por su trayectoria.

Un aspecto notable de las películas de Kurosawa es la amplitud de sus influencias artísticas. Algunas de sus películas son adaptaciones de obras de William Shakespeare: Ran está basada en El rey Lear, y Kimonosu-jo (Trono de sangre) en Macbeth, mientras que Warui yatsu hodo yoku nemuru (Los canallas duermen en paz) ofrece ciertos paralelismos con Hamlet, aunque no está claro que se base en ella. "Soy japonés, y pienso en tanto que japonés, y realizo mis películas con este estado de ánimo. No he estado nunca influenciado por el extranjero. Cuando leí Macbeth, lo encontré muy interesante. Me hacía pensar en muchas cosas. El Japón de la guerra civil y la época de Shakespeare se parecen mucho. Los personajes también. Coger a Shakespeare y adaptarlo a un contexto japonés no fue demasiado difícil. El "no" es una forma de expresión única en el mundo. Tiene un impacto formidable. Luego si yo no hubiera tomado esta expresión, los personajes no habrían tenido el mismo impacto. Yo adoro el "no" y lo he mirado siempre, luego es normal que me inspire en él"

sAtoshI koN (1963-2010)

Intenso visualmente, el director nacido en Japón y orientado al anime logró una psicología vibrante en cada uno de sus personajes.

Una joven artista al borde de la locura, un trío de indigentes navegando por la cruda navidad tokiota, una mujer cazando en los sueños de otros. Personajes tributarios del thriller psicológico, creados a pincel y tinta, nacidos de la imaginación del maestro Satoshi Kon. Pero, ¿quién fue Satoshi Kon? Japonés. Primero mangaka y luego asistente de Katsuhiro Otomo, aprendió el oficio desempeñando diversos roles: dibujante, guionista, director de arte, y por último director. Construyó un universo propio sondeando el inasible mundo de los sueños, de los recuerdos, del cruce de caminos entre la realidad y la fantasía, aventurándose en narrativas complejas, dando rienda suelta a sus demonios.

De contextura delgada, bigote hirsuto y con el pelo largo amarrado en la nuca, Satoshi se aplicó a fondo para realizar cuatro largometrajes de animación y una serie de anime para televisión. Fue su colaboración en el guion de Magnetic Rose para Katsuhiro Otomo, donde mostró el inicio de sus obsesiones. El corto explora -a la manera de P.K. Dick o Bradburyo un escenario extraterrestre donde la civilización humana ha encallado y el fantasma de una diva operática sobrevive por encima de todo.

El espacio interestelar conquistado y luego perdido entre la locura y la irrealidad. Pero nada auguraba la obra superlativa por venir.

En 1998 se estrenó Perfect Blue, un cuento psicológico de reminiscencias hitchconianas. Una joven artista en tránsito a la adultez enfrentando crímenes, fanáticos hostiles y sobre todo sus propias inseguridades, perdiendo de a pocos el hilo de la realidad.

Tanto en Millennium Actress como en Paprika, vemos como las protagonistas atraviesan mundos ficticios -el cinema y los sueños inducidos- pagando el precio de penetrar en esas dimensiones. Es en Paprika donde el director corre mayores riesgos, con un entramado de personajes e historias que funcionan como las capas de una cebolla: no acaban nunca ni muestran su verdadero rostro, llevando al límite la solución del conflicto. Esta película aborda además los riesgos del desarrollo tecnológico y un cuestionamiento permanente de la identidad, como si el director no terminara de aceptar las máscaras que las personas presentan como su yo ante la sociedad.

Son marcas reconocibles de su obra la recurrencia de personajes femeninos, frágiles y a la vez poderosos; los encuadres y puntos de vista que subrayan la extrañeza de las historias; y un barroquismo en los escenarios que cambian y se reconstruyen una y otra vez, tal cual lo hacemos en el mundo de los sueños o en la reconstrucción de nuestros recuerdos.

El 24 de agosto de 2010, Satoshi Kon terminó su recorrido vital en este mundo, dejando inconclusa una última obra: Dreaming Machine (que aún espera su fase final de composición).

No fue una muerte repentina, tres meses antes supo que un cáncer corroía su ser, entonces decidió que no pasaría sus últimas semanas confinado en un hospital. Le plantó cara a la muerte. Dejó un testimonio escrito de esos meses, que es una de las cosas más sublimes y terribles que he leído. Unos párrafos desde el limbo de la existencia, como si Satoshi estuviera difuminándose con sus propios personajes. Un último tríbuto al cine que tanto amó.

NAomI kAwAse

Proveniente de la Escuela de Fotografía de Osaka refleja en su trabajo el impecable detalle y belleza en este ámbito. Además, uno de sus temas recurrentes es la búsqueda de identidad.

Nara (Japón), 30 de mayo de 1969, es una directora de cine y escritora. Su obra gira en torno a la vida íntima, la búsqueda de los orígenes y de la identidad. En 1997 fue la cineasta más joven premiada de la historia del Festival de Cannes cuando ganó el Premio Cámara de Oro por su película Moe no Suzaku.

Abandonada por sus padres creció con su tía abuela. Su familia adoptiva es protagonista de sus primeros trabajos. Se licenció en la Escuela de Fotografía de Osaka en 1989 donde trabajó posteriormente como docente durante 4 años. En 1993 su cortometraje documental Abrazando el aire fue premiado en el Festival Image Fórum de Japón con Katatsumori le valió el Premio a la Excelencia en el programa Nuevas Tendencias en Asia. En 1996 se estrenó su mediometraje documental Sol de atardecer y un año después escribió y dirigió Suzaku, su primer largometraje de ficción.

En el año 2000 Hotaru se estrenó en la sección competitiva del Festival de Locarno, donde obtuvo el Premio Fipresci y el Premio CICAE. En 2003 su tercer largometraje, Shara, fue seleccionado para la Sección Oficial de Cannes; en 2006 dirigió un documental sobre su propio embarazo y parto, Nacimiento y maternidad, y en 2007 compitió de nuevo en la Sección Oficial de la Semana con El bosque del luto.

Kawase proviene de la fotografía y retoma a menudo su método de trabajo. Sus producciones son mezcla de géneros (documental, diario, relato íntimo, video de artista, meditación, poética, autobiografía, ensayo).

Su obra gira en torno a la vida íntima, la búsqueda de los orígenes y de la identidad con sus ausencias, sus ciclos y rituales.

Sus primeras películas son documentales partiendo de su propia vida, la búsqueda de su padre, que la abandonó de pequeña (En sus brazos), su tía abuela que la cuidó de pequeña (Katatsumori) y su embarazo y parto (Tarachime).

En Tsuioku no dansu (La Danza de los recuerdos) a petición del fotógrafo y editor Nishii Kazuo enfermo de cáncer, filma sus últimos momentos.

En 2007 obtuvo el Gran Premio Especial del Jurado en el Festival d

En 2008 conoce a Isaki Lacuesta y a propuesta del Centro de Cultura Contemporánea de Barcelona entabló una relación epistolar de cartas filmadas que se presentó en 2009 en el Festival de Locarno titulada In between days.

En 2010 presentó el documental Genpin en el que reflexiona sobre el parto natural, el placer y la muerte con el que ganó el Premio de la FIPRESCI en el Festival Internacional de Cine de San Sebastián.

En 2015 su película Una pastelería en Tokio inauguró la sección Un certain regard del Festival de Cannes y fue presentada en el Festival Seminci de Valladolid.

DEL MANGA AL CINE

Siendo Japón un país de lectores el manga es más que una institución. Como pasa en un 95% de los casos, de la viñeta se pasa al tubo catódico, con series anime; el siguiente paso es al celuloide, donde la obra demuestra que tanta fama alcanzó. Para muchas obras el final está ahí. Sin embargo, hay casos de obras que suben un escalón mas, alcanzan la cima, la gloria máxima. Las mejores versiones cinematográficas basadas o inspiradas en manga, que señalan que la obra alcanzó el mayor medio masivo.

olDboy

GAroN tsuchIyA

La película dirigida por Park Chan-Wook es una adaptación coreana de este manga japonés escrito por Garon Tshuchiya y dibujado por Nobuaki Minegishi. Además, en 2013, Spike Lee hizo una adaptación americana, aunque no la recomiendo mucho. La historia se centra en un hombre al que, por un motivo desconocido, encierran en una habitación. 10 años después, sin ningún motivo aparente, se abre la puerta y consigue salir. El hombre dedica su nueva vida para vengarse y descubrir el motivo de su encarcelamiento.

AkIrA 01

kAtsuhIro otomo

Akira es una película de anime dirigida por Katsuhiro Otomo estrenada el 16 de julio de 1988 en Japón. Es una adaptación del manga homónimo creado por el mismo Otomo y co-escrita con ayuda de Izo Hashimoto. El diseño de personajes y la ambientación de la película fueron adaptados desde el manga original, mientras que la trama es una reestructuración de eventos que difiere de la versión impresa debido a que este todavía estaba en proceso de publicación.

lADy sNowblooD

kAzuo koIke

Quentin Tarantino se inspiró en este manga para la realización de su película "Kill Bill". Fue llevaba a la gran pantalla en dos ocasiones: Lady Snowblood y "Lady Snowblood 2: Love Song Of Vengeance"

IchI the kIller hIDeo yAmAmoto

Ichi the Killer (también conocido como Koroshiya Ichi o Koroshiya) es una película japonesa dirigida por Takashi Miike en 2001, adaptado del manga homónimo de Hideo Yamamoto. En España fue estrenada en los cines en 2004 y el manga fue publicado por ECC Ediciones en 2015.

NAusIcAA Del vAlle Del vIeNto hAyAo mIyAzAkI

Es un manga creado por Hayao Miyazaki en 1982, que sirvió de base para una película del mismo título, dirigida por el citado director, en 1984. Miyazaki escribió el manga Nausicaä a lo largo de 12 años, quedando parado a intervalos, mientras trabajaba en proyectos del Studio Ghibli.

tokyo zombIe yusAku hANAkumA

Es un manga escrito en 1999 por Yusaku Hanakuma. La publicación al castellano del mismo ha sido realizada por la editorial Autsaider Cómics en 2016. En 2005 se realiza la adaptación del mismo como película japonesa escrita y dirigida por Sakichi Sato y protagonizada por Tadanobu Asano, Show Aikawa, y Erika Okuda. La película fue estrenada en EE.UU., Reino Unido y Nueva Zelanda en 2009

Astro boy osAmu tezukA

AstroBoy es una película animada de superhéroes de acción y comedia estrenada en 2009 con gráficos generados por computadora basada libremente en la popular serie de manga y animé del mismo nombre del escritor e ilustrador japonés Osamu Tezuka. Fue producida por Imagi Animation Studios, y dirigida por David Bowers, quien coescribió el guión con Timothy Harris. Freddie Highmore ofrece la voz de Astro Boy en la película junto a las voces de Nicolas Cage, Bill Nighy, Eugene Levy, Nathan Lane, Kristen Bell, Matt Lucas, Charlize Theron, y Donald Sutherland.

Ghost IN the shell

shIrow mAsAmuNe

Ghost in the Shell es un manga de ciencia ficción creado por Masamune Shirow, que progresó en dos mangas más titulados: Ghost in the Shell 2: Man/ Machine Interface y Ghost in the Shell 1.5: HumanError Processor; se produjeron dos películas animadas dirigidas por Mamoru Oshii: Ghost in the Shell y Ghost in the Shell 2: Innocence. De igual manera en el 2017 se estrenó la película estadounidense protagonizada por Scarlett Johansson.

mAxImum GANtz hIroyA oku

Gantz es una película japonesa de acción, drama basada en el manga Gantz. Fue estrenada en Japón el 28 de enero de 2011 y en EE. UU. La película está dirigida por Shinsuke Sato. El manga está escrito por Hiroy a Oku y la adaptación al cine fue hecha por Yûsuke Watanabe. El argumento es parecido al manga y no al anime, ya que este último inventa los últimos episodios apartándose de la trama dibujada. La película tuvo una segunda parte debido a la dificultad de contar todos los acontecimientos en una sola película. Esta se estrenó en Japón en el 2011.

Cines mas visitados en japón

En Tokio y otras grandes ciudades japonesas abundan las salas de cine, desde enormes complejos hasta pequeños teatros de arte y ensayo. Las salas de cine japonesas no son tan diferentes a las de París o Nueva York. Pero ir al cine en Japón puede sentirse un poco más especial ...

En primer lugar, debes tener en cuenta que cuando compras una entrada (en el mostrador, en una máquina expendedora de billetes, o en línea), debes también elegir un asiento específico. Uno no puede sentarse en cualquier lugar, así que verifica el número de tu asiento antes de ponerte demasiado cómodo.

Si vas a ver una película popular, es una buena idea que reserves un asiento con antelación (en el teatro o en línea).

No cuentes con poder ver las películas extranjeras al mismo tiempo que salen en otros países: a menudo las películas llegan a Japón varios meses más tarde que en Europa o los EE.UU. En general, las películas extranjeras para adultos están subtituladas mientras que las de niños están dobladas.

En Japón, ver una película está necesariamente acompañado con una merienda o algo de comer y todos los grandes complejos venden bebidas, palomitas de maíz y otras golosinas. También venden mercancía relacionada con las películas en cartelera. Los cines a menudo tienen mantas disponibles para los espectadores (el aire acondicionado en el verano es muy frío).

Los japoneses Igualmente permanecen sentados y en silencio hasta el final de los créditos. Las luces se encienden solamente después de que la película ha terminado completamente. Se siente bastante cómico estar sentado en una habitación oscura con todo el mundo en solemne silencio, mirando una larga lista de nombres desconocidos (que a veces, cuando se trata de una película extranjera, ni siquiera pueden leer).

Antes de iniciarse la proyección de la película hay que someterse a inevitables anuncios publicitarios, trailers y a una larga lista de instrucciones y prohibiciones: no teléfonos celulares, no ruidos, no golpear el asiento delante de usted, no dejar desperdicios en el teatro (tirarlos en los botes de basura situados afuera), y así sucesivamente. Un anuncio sumamente interesante es el video antipiratería...¡trata de verlos pues es todo un espectáculo¡

No te dejes intimidar por el precio de las entradas (por lo general alrededor de 1800 yenes / $55.200 COP), pues hay muchas oportunidades para conseguirlas mucho más baratas.

NADIe se queDA Por fuerA

Los chicos desde la escuela primaria a la secundaria pagan a sólo 1.000 yenes, cualquier día de la semana. Los estudiantes (y por lo general incluye a los estudiantes extranjeros) sólo pagan 1.500 yenes, a menos que prefieran aprovechar alguna de las otras opciones mencionadas anteriormente.

Las entradas para la tercera edad (mayores de 60 años y más) cuestan 1.100 yenes.

Los madrugadores y los noctámbulos también pueden disfrutar de tarifas especiales para las proyecciones matutinas o las de después de las 8 de la noche (depende de la película).

Las entradas para películas en 3D cuestan alrededor de 400 yenes adicionales.

Los descuentos varían de un cine a otro, por lo que es recomendable consultar la página web de las diferentes salas. Las principales cadenas de cine en Japón son Cinema 109, Cineplex, Toho, Aeon, y Movix.

buNkAmurA

Barrio: Shibuya, Harajuku, Ebisu

Existen incontables oportunidades de comprar en los barrios de Shibuya y Harajuku, sobre todo, en las tiendas centradas en la cultura japonesa de lo kawaii. Las zonas más de moda se encuentran alrededor del distrito central de Shibuya, la calle Takeshita, en Harajuku, y Omotesando. Si necesitas recargar las pilas después de tanta compra, puedes tomarte un respiro visitando el santuario de Meiji Jingu o el parque Sasaki. En contraste, Ebisu cuenta con una atmósfera más adulta, tranquila y liviana. En el museo de la cerveza Yebisu aprenderás cosas sobre la cerveza que dio origen al nombre del barrio y, en la zona circundante, podrás disfrutar comiendo en los populares establecimientos de tallarines.

toho cINemAs shINjuku

Barrio: Shinjuku

Shinjuku es la estación de tren más bulliciosa de Japón ¡y puede que del mundo entero! Al oeste existe un distrito de oficinas en cuyo centro se encuentran las dependencias gubernamentales metropolitanas de Tokio. Al este, un barrio con centros comerciales de larga trayectoria, cines y teatros. El parque Shinjuku Gyoen, que fue en su origen jardín de la casa imperial, es muy célebre como lugar de contemplación de las flores del cerezo en marzo y abril. En Shinjuku, muchos restaurantes se mantienen abiertos toda la noche y, en distritos como Omoide Yokocho (o “callejón de los recuerdos“) o Shinjuku Golden Machi, las calles secundarias están llenas de diminutos restaurantes y bares que reflejan el estilo y la personalidad únicos de cada dueño.

toho cINemAs roPPoNGI hIlls

Barrio: Akasaka, Roppongi

No hace tanto tiempo, las zonas de Akasaka y Roppongi eran célebres por su vida nocturna y sus restaurantes, bares y clubes de primera calidad. Más recientemente, con la inauguración de Roppongi Hills, Tokyo Midtown y Akasaka Sacas, la zona se ha autoproclamado como el lugar más de moda a todas las horas del día y de la noche. El barrio alberga también el Centro Nacional de Arte, el Museo de Arte Mori y gran cantidad de galerías de arte de últimas tendencias.

En 1995 funda junto con Isao TahaTa el StudIo Ghibli con el que produjo 9 dE sus 11 pElículas

El director dE animación mas prestigioso dE todo Japón sE dEspide con 11 pEliculas a sus espaldas. admirado tanto en oriente como occidEnte, ha sido capaz d implantar la imagineria japonEsa en el rEsto dEl mundo.

EL CASTILLO DE CAGLIOSTRO 1979

n ladrón conocIdo como obo sE vE involucrado en el plan dE un conde que dEsea casarSe con una princEsa a la que mantiEne sEcueStrada.

EL CASTILLO EN EL CIELO 1986

34 añoS dEspués dE su primera pElícula sE rEtira el gEnio indiscutible dEl cIne animado en orienTe...

NAUSICAÄ DEL vALLE DEL VIENTO 1984

una princEsa dEscubre la vErdad acerca d un bosquE tóxIco y s enfrenta a los plane criminaleS dE un dIctador que intenTa dEstruirlo. dos huérfanoS, uno dE ellos con una pIedra dE lEvitación, buscan un tEsoro pErdido y la clave para su pasado en una lEgendaria cIudad flotante.

HAYAO MIYAZAKI STUDIO GHIBLI

al cumplIr los 13 añoS, la brujiTa Kiki dEbe, como manda la tradición, abandonar su casa y, aSí, llega a una cIudad donde un panadEro la contrata para rEparTir el pan con su eScoba.

En los añoS 50, una familIa japonEsa sE traslada al campo. las dos hIjas, Satsuki y Mei, entablan aMistad con Totoro, un eSpírItu dEl bosquE. un pIloto eS transformado en un puerco humanoide y dEja la iSla sólo para rEscaTar a vícTimaS dE los pIratas aérEos.

hihIro eS una nIña caprichosa que dEbe adentrarsE en un mundo dE fantaSía para poder salvar a sus padreS, convertidos en cErdoS.

durante una excurSión prohibida para vEr el mundo dE la superficiE, una princEsa pEz dE colorEs conocE a un nIño llamado SosuKe, quien lE pone el nombrE dE Ponyo.

un príncipe sE vE involucrado en un conflIcto entre una princEsa dEl bosquE y el abuso dE la mEcanIzacIón.

después dE que una bruja (laurEn bacall) la transforma en una anciana, una fabricantE (jean Simmons) dE sombrEros busca rEfugIo en la casa aMbulante dE un sIngular mago (chriStian bale).

un aMor dE toda la vIda por el vuelo inspira al ingenIero en aviacIón japonés jiro HoriKoshI, cuya ilustre carrera incluye la creacIón dEl avión dE combaTe a6M dE la Segunda Guerra MundIal. 12

NEON GENESIS EVANGELION

Neon Genesis Evangelion también conocida simplemente como Evangelion, o EVA, es una serie de anime creada por el estudio Gainax y animada por Tatsunoko Production, dirigida por Hideaki Anno. La historia de la obra se da lugar en un mundo futurista en el que una organización paramilitar llamada NERV protege a la humanidad de los ataques de seres de origen y naturaleza desconocidos, los «Ángeles», utilizando para ello bio mechas humanoides llamados Evangelion (acortado a EVA). A medida que avanza la trama, esta se vuelve paulatinamente más confusa y psicológica, en donde las personalidades de los personajes se hacen cada vez más inestables y su desarrollo se torna fundamental. Hideaki Anno, el director y guionista, ha expresado que el desarrollo de la serie estuvo inspirado en su propia experiencia, en virtud de la cual los personajes muestran una amplia gama de sus afecciones emocionales y de su personalidad.

El anime cuenta con veintiséis episodios que fueron transmitidos por primera vez entre octubre de 1995 y marzo de 1996. Debido a la fama obtenida, pronto se fueron creando diversos spin-offs, entre los que se incluyen series de manga, películas y videojuegos que complementan u ofrecen una realidad alternativa de la historia. A pesar de que el anime constituye la obra original, el manga creado por Yoshiyuki Sadamoto se comenzó a publicar anterior al estreno de la animación para aumentar el interés del público. Sadamoto afirma que el manga es su propia interpretación de Evangelion, mientras que el anime es la interpretación de Anno.

Esta serie ha sido clasificada en los géneros ciencia ficción, mecha y distopía, conteniendo diversos elementos de filosofía, psicología y religión, con marcadas influencias abrahámicas. Los miembros del equipo de la serie han afirmado que estos simbolismos religiosos han sido más por motivos estéticos que narrativos, ya que en Japón el simbolismo judeocristiano es visto como exótico. Además, sus características técnicas y temáticas, así como la complejidad y simbolismo de su historia, producción sea considerada de los mejores ejemplos del género del realismo épico.

También ha recibido algunos de los mayores premios de animación. Por todo ello, Evangelion es considerada por muchos como una de las producciones más grandes del anime.

Origen del título

El título japonés de la serie, Shin Seiki Evangerion, consta de dos partes: «Shin Seiki» ("Nueva era" o "Nuevo siglo") y«Evangelion», del griego clásico(buen mensajero, buena nueva), hispanizado como evangelio. Evangelion etimológicamente no tiene relación conla palabra hebrea eva (viviente). Con todo, el título Neon Genesis Evangelion significa «Mensajero del nuevo comienzo» Anno consideró su connotación cristiana de presunta bendición y eligió ese nombre porque le parecía «complicado».Un primer título pensado para la serie fue Alcion (Arushion en japonés), pero este fue rechazado por su falta de consonantes duras, por lo que Yoshiyuki Sadamoto y Anno acabaron confirmando Evangelion.

INsPIrAcIoN y sImbolIsmo

Evangelion está lleno de alusiones a la maternidad, a la biología, los conceptos militares, religiosos y psicológicos, así como numerosos homenajes y referencias a otras series de anime. Por ejemplo, la trama básica de esta obra se había visto en otras, como en Space Battleship Yamato,una tendencia que le valió el apodo de «anime remixado». Esta tendencia de Anno ha sido criticada como plagio.No obstante, Anno se ha defendido negando la posibilidad de crear una obra enteramente original sin referencias a otra. La interpretación de los símbolos y los conceptos varía de individuo a individuo,no está claro cuántos son intencionales o significativos, ni si se limita a elementos de diseño o de las coincidencias. El mismo Anno dijo «puede ser divertido si alguien con tiempo libre lo investiga»También se hacen referencias a acontecimientos históricos. El Primer Impacto, por ejemplo, está basado en el impacto de un meteorito que produjo la creación del satélite natural de la Tierra; por su parte, los ataques individuales de los ángeles se han interpretados como una referencia a la guerra del Pacífico, vista desde el punto de vista japonés.Muchos nombres de personajes provienen de buques de guerra japoneses de esta época, como el Soryo, el Akagi y el Katsuragi, aunque escritos con diferentes kanjis con la misma pronunciación. Nombres de otros personajes hacen referencia a obras de ficción, como los nombres de dos personajes de la novela de Ryu Murakami, Hay homenajes de varios clásicos de la ciencia ficción. El título del último episodio, «La bestia que pedía amor a gritos desde el centro del mundo», está tomado del cuento La bestia que gritaba amor en el corazón del universo de Harlan Ellison, mientras que el uniforme de Gendo Ikari es una referencia a Space Battleship.

Origen y producción

Los planes de producción en el estudio Gainax comenzaron en julio de 1993, prolongándose hasta 1996.Hideaki Anno trabajó como director, coprod uctor, codiseñador y coescritor de personajes con Yoshiyuki Sadamoto, así como codirector artístico con Hiroshi Kato. También participaron el subdirector Kazuya Tsurumaki, el guionista Akio Satsukawa y el diseñador artístico Ikuto Yamashita, que creó junto a Anno los diseños de los EVA, mientras que los productores fueron Noriko Kobayashi y Yutaka Sugiyama. Las animaciones fueron parte del estudio Production I.G y Studio Ghibli, así como Tokio TV y Tatsunoko. En marzo de 1992, Gainax había comenzado la planificación y la producción de una película de anime llamada Aoki Uru, que iba a ser una secuela de Royal Space Force: The Wings of Honneamise ambientada en un futuro situado 50 años después de los eventos de la primera película; al igual que la anterior, la secuela continuaría con el argumento de un grupo de pilotos de combate. Sin embargo, el presupuesto no era suficiente para el proyecto propuesto, y por ello el estudio se vio en dificultades financieras. Cuando el proyecto fue terminado en 1992 -en el mismo mes en que Neon Genesis Evangelion fue planeado-, el estudio comenzó a recortar gastos en la medida de lo posible. Entonces, en septiembre de 1994, el grupo de empleados de Takami Akai, que trabajaba en el videojuego Princess Maker 2, se separó de la empresa y fundó la firma AKAI.

Hideaki Anno había sufrido una grave depresión en el período anterior a la producción de la serie, lo que influyó notablemente en el contenido de esta.Con la idea de una nueva producción, Anno recuperó la vitalidad, y a partir del tema básico de Aoki Uru, el concepto de «no huir», se desarrolló Neon Genesis Evangelion.La serie fue originalmente concebida como una lejana secuela del anterior éxito de Gainax, Fushigi no Umi no Nadia, pero las conexiones entre ambas hubieron de ser cercenadas debido a que los derechos de autor de Nadia se encontraban en poder de NHK, volviendo a Evangelion una historia independiente.Inicialmente se propuso que, con las ideas de Anno, la producción debía ser lo suficientemente atrayente como para aumentar el número de otakus en la sociedad.Por ello, el argumento fue concebido como una batalla entre humanos y dioses

Ángeles

Los principales antagonistas de la serie son los ángeles, unos misteriosos seres cuyos nombres y atributos provienen de la angelología. Su tamaño va desde lo gigantesco hasta lo microscópico, y no existe una forma común para todos ellos. Se dice que están compuestos de una materia «con propiedad de partícula y onda a la vez», pero que su genoma es, en términos de arreglo y coordenadas, un 99.89% igual al humano. Su origen, sino hasta bien adentrada la serie, cuenta que son la progenie de Adán, el primer ángel, y que su objetivo es llegar hasta el segundo, Lilith, que se halla en lo más profundo del Geofront. La razón exacta de ese deseo nunca es revelada, aunque se deja entrever que si alguno llega hasta su objetivo ocurriría el fin de la humanidad.El nombre genérico de los ángeles es originalmente shito (apóstol), en lugar de la palabra para «ángel», que sería tenshi ( ángel).

PERSONAJES

El protagonista principal de la serie. Es un joven de catorce años de edad, hijo de Gendo Rokubungi y Yui Ikari. Su padre lo abandonó por motivos desconocidos a los cuatro años, pero una década después vuelve a reunirse con él para obligarle a pilotar la unidad Evangelion 01, brindándole el título de Tercer Niño. Shinji es un personaje cuyos tormentos hacen de él una persona física y moralmente débil, pasiva y extremadamente apocada. Su

Piloto de la unidad Evangelion 02.

De catorce años con nacionalidad estadounidense, con una cuarta parte de origen japonés y un cuarta parte de origen alemán, ambas por parte de su madre. A pesar de su nacionalidad, su lengua primaria es el alemán, ya que creció en Alemania país de fabricación de la unidad 02. Es definida como una chica enérgica, emocional y de temperamento opuesto a los de Shinji y Rei: en contraste con ellos, es independiente,

iniciativa de obedecer cuanto le dicen le llevará a pilotar el EVA-01 a pesar del odio que siente hacia su padre, pero gracias a los personajes que entrarán en su nueva vida, Shinji comenzará a aceptarse a sí mismo como persona y a tomar sus propias decisiones. En la adaptación japonesa su seiyu es Megumi Ogata, mientras que en el doblaje español es Albert Trifol Segarray en el hispanoamericano es Víctor Ugarte

competitiva y rebelde. Su sueño es impulsarse a sí misma hacia la adultez en un intento de huida de una dramática infancia, lo que a veces le hará parecer un personaje extraño y forzadamente infantil. Durante la serie, mantiene una complicada relación de amor/odio con Shinji. En la adaptación japonesa su seiyu es Yuko Miyamura,mientras que en doblaje español es Ana Pallejá, y en el hispanoamericano es Norma Echevarría.

La primera elegida, encargada de pilotar la unidad Evangelion 00 por orden de Gendo Ikari. Rei es una enigmática muchacha de catorce años de personalidad inexpresiva, hermética e introvertida, que oculta toda emoción y rara vez pronuncia palabra. Los datos sobre su infancia, familia y orígenes son desconocidos; en adición, posee un sorprendente parecido físico con

Yui, la madre de Shinji, lo que hace dudoso el origen de Rei. Durante la serie Shinji y ella atraerán lentamente la simpatía del otro, lo cual irá haciendo que Rei tome iniciativas y llegue a expresarse de forma insospechada. En la adaptación japonesa su seiyu es Megumi Hayashibara, mientras que en doblaje español es Joël Mulachs, y en el hispanoamericano es Circe Luna.

reI AyANAmIAyANAmI reI)

AsukA lANGley soryu (soryu AsukA rANGure)

shINjI IkArI (IkArI shINjI)

DeAth AND rebIrth

Death and Rebirth es la primera película de la franquicia y se estrenó en los cines de Japón el 19 de marzo de 1997. La película consiste en dos secciones: Death, que es una recapitulación de la serie que gira en torno a un concierto de cuerdas con Shinji, Asuka, Rei y Kaworu donde se van mostrando escenas de la serie relativas a cada personaje; y Rebirth, una animación totalmente nueva que conforma la primera parte de su nuevo final. Debido a falta de tiempo, esta parte no fue terminada completamente al momento del lanzamiento, y solo los primeros 27 minutos de un total de 40 fueron estrenados. The End of Evangelion, la segunda película, contiene los 40 minutos correspondientes a Rebirth. Esta película tuvo dos reediciones lanzadas más tarde llamadas Death (True) y Death (True)²-esta última incluida en Revival of Evangelion que contenían algunas escenas rediseñadas.

the eND of evANGelIoN

Es la segunda película de Evangelion, la cual se estrenó en cines el 19 de julio de 1997. Su nombre originalmente iba a ser Evangelion: Rebirth II, pero se decidió dejarlo finalmente en The End of Evangelion. Hay dos versiones de esta película, de cine y de vídeo.En el lanzamiento de la edición de vídeo se incluían dos compilaciones llamadas Genesis 0:13 y Genesis 0:14, en las que se venían incluidos los capítulos 25 y 25' y 26 y 26', respectivamente.

Las versiones de cine y vídeo tienen pequeñas diferencias en el final del episodio Air, tales como la inclusión de créditos o avance de la siguiente parte de la película.

revIvAl of evANGelIoN

Revival of Evangelion es la unificación de las dos primeras películas, con remasterización de video y sonido. Se lanzó únicamente en Japón en marzo de 1998 en formato video y es considerada como el final que Gainax quería para Evangelion y que por diferentes razones no pudieron conseguir.Revival of Evangelion está compuesta por Death (True)² y The End of Evangelion; la parte Rebirth de Death and Rebirth es removida y queda como parte definitiva de The End of Evangelion.

rebuIlD of evANGelIoN

El 1 de septiembre de 2007 se estrenó Evangelion: 1.0 You Are (Not) Alone, la primera película de la tetralogía llamada Rebuild of Evangelion, esta vez la producción corrió a cargo del Studio Khara en colaboración con Gainax. Khara es el nuevo estudio de Hideaki Anno, para el cual ha logrado reclutar gran parte de la plantilla original que produjo la serie en Gainax.

Rebuild of Evangelion, considerada originalmente un remake de la serie, utiliza los elementos de la historia narrados en el anime, pero deja un poco de lado los temas psicológicos para enfocarse más en la acción y así llamar la atención de los espectadores casuales. Consiste en las siguientes películas:

•Evangelion: 1.0 You Are (Not) Alone, adaptación relativamente fiel de los primeros seis episodios. No obstante, cuenta con escenas totalmente nuevas y aprovecha los recientes avances de la animación por computadora.

•Evangelion: 2.0 You Can (Not) Advance, se estrenó el 27 de junio de 2009 con nuevos EVA, Ángeles y personajes. Debido a esto, se ha dejado entrever que posiblemente Rebuild of Evangelion no sea un remake de la serie, sino una historia alternativa.

•Evangelion: 3.0 You Can (Not) Redo, llegó a los cines japoneses el 17 de noviembre de 2012. Transcurre 14 años después de los eventos de 2.0; contiene un guion totalmente nuevo con poco apego a la serie original.

• Evangelion: 3.0+1.0 Thrice Upon a Time, la cuarta y última película de la saga Rebuild. Se estrenó el 8 de marzo de 2021, después de varios años de retraso y especulación sobre su lanzamiento.140141 Generó 800 millones de yenes en su primer día de exhibición en Japón, según el estudio Khara, lo que equivale a 7 millones USD.Para mayo de ese año se había convertido en la película más remunerada de Anno, con 8.28 mil millones de yenes generados en taquilla, iguales a 75.72 USD.

SU SALTO A LA PANTALLA GRANDE 16

DE LOS MÁS BRUTALES

El J-horror ( las películas japonesas de terror)es uno de los más brutales, sangrientos, fantasmales e inquietantes que existen, sus historias suelen combinar leyendas del viejo folklore con toques de misterio, problemas sociales y elementos clásicos de la cultura pop (no es raro ver a estudiantes en sus uniformes siendo atacadas por entidades sobrenaturales o a detectives torturados que parecen sacados de los cómics) y aunque son sus adaptaciones las que suelen hacer más ruido (tal vez porque es más fácil entender el inglés que el japonés), es un género que nos ha dejado algunas de las historias más oscuras de todos los tiempos.

Director: Hideo Nakata

Ringu, 1998

Probablemente ya conoces la versión de Gore Verbinski con Naomi Watts, pero la versión de Hideo Nakata es mucho mejor. Esta fue una de las primeras películas de J-horror que explotaron y fueron muy populares en el resto del mundo, y hoy sigue siendo impactante.

La película sigue a una reportera y su exesposo, quienes investigan el caso de una cinta de video maldita que, según la leyenda urbana, mata al espectador siete días después de verla. Ringu tiene uno de los finales más inquietantes del género.

The Curse, 2005

Posesiones, fantasmas, espíritus furiosos, apariciones oscuras, el terror japonés no deja de ser sobrenatural, pero lo que lo hace funcionar es que siempre tiene un elemento psicológico que hace que la historia tenga un elemento de realismo que la hace más tensa, creíble y efectiva cuando se trata de asustar a quienes están observando desde la sala del cine (o del sillón).

Son precisamente los cineastas japoneses los que han estado haciendo desde hace años las cosas más creativas en temas de terror, y no necesitan jumpscares (esos sustos inesperados que llegan cuando algo salta en la pantalla), van aumentando la tensión poco a poco, crean una atmósfera completamente oscura y te mantienen con una dosis constante de miedo y paranoia de principio a fin.

Podríamos pasarnos la vida entera hablando sobre todas las películas japonesas de terror que existen (y que son de lo mejor que le ha pasado al terror en la historia del cine), pero eso toma demasiado tiempo así que hay que empezar por las mejores de todas (con remakes que parecen un juego de niños cuando los comparas con las películas originales).

Director: Kôji ShiraishiEsta película al estilo Found Footage está considerada como una de las más perturbadoras. La película comienza con una inquietante advertencia, Noroi se convierte en un documental creado por un periodista llamado Masafumi Kobayashi (Jin Muraki), quien se especializa en lo paranormal y está investigando una serie de casos inexplicables, el de una casa donde se escucha el llanto de bebés que no existen, una serie de muertes extrañas, el caso de una adolescente con habilidades psíquicas y una búsqueda de fantasmas que no termina nada bien.

Cold Fish, 2010

Ranker tiene a esta película en el número 1 de las historias japonesas más aterradoras. La historia comienza como una familia normal, cuya hija recibe la oportunidad de trabajar en la tienda de pescado de uno de sus vecinos. Al principio todo está bien, pero pronto descubre que el hombre tiene algunos hábitos extraños y perturbadores.

Pulse

Kiyoshi Kurosaw

¿Una predicción del futuro? Esta película trata temas de soledad y asilamiento gracias a la tecnología. Sin duda algo que puede verse hoy en día y que de verdad nos asusta por los efectos psicológicos y la adicción que causa la tecnología.

The Grudge

Takashi Shimizu

Este filme de terror esta basado en la creencia popular asiática (llamada Onryo en Japón). Sobre si una persona muere con asuntos sin resolver o una gran cantidad de ira, el lugar en donde se encontraba o el objeto que sostenía al momento de morir este absorbe una maldición y hace que se repitan los trágicos eventos una y otra vez.

Battle Royale

Kinji Fukasaku

Básicamente es la versión original de The Hunger Games, narra la historia de estudiantes de secundaria que son escogidos al azar para pelear hasta la muerte. Como dato extra, esta pelicula es una de las favoritas del director Quentin Tarantino.

Ichi the Killer, 2001

Otra de las favoritas de los fans en Ranker. La película fue dirigida por Takashi Miike y se basa en un famoso manga. La historia se enfoca en un hombre llamado Ichi, quien es descubierto por un Yakuza que descubre que es una especie de psicópata que puede cometer actor terribles sin culpa o remordimiento.

Director: Shinya Tsukamoto

Tetsuo 1989

El protagonista es un extraño hombre conocido como el fetichista de metales, que tiene la insana costumbre de clavarse trozos de metal en el cuerpo. Un buen día, sufre un accidente de coche y choca contra otro hombre quien, a partir de ese momento, empezará a sufrir extraños síntomas en su propio cuerpo. Extrañas protuberancias metálicas surgen de su cara y extremidades. Mientras, el hombre fetichista, sueña con un mundo de metal en el cual todos sufrieran una mutación hasta conseguir una transformación total y absoluta

Uzumaki

En Kurozu-Chou, un pequeño pueblo de Japón, Kirie se encuentra con el padre de su novio que graba en silencio un caracol. La obsesión del hombre con las espirales se vuelve cada vez más extraña, terminando en su suicidio en una lavadora que convierte su cuerpo en una espiral. Pronto otros habitantes se vuelven poseídos con diferentes formas de espirales.

Audition 1999

Un cuarentón viudo, a propuesta de un amigo, convoca un casting para una inexistente película con la intención de encontrar una nueva esposa.

películas anime que ya deberías haber visto

Te recomendamos los mejores animes para (re)descubrir, joyas animadas japonesas que no han recibido la atención que merecían o simplemente tienes que ver cuanto antes.

Las mejores películas anime de los últimos años, y también algunos de lo más desconocidos o infravalorados, están en esta lista, además de algunas de las mejores películas de animación de la historia del cine. Una selección de películas que te van a recordar por qué el anime es uno de los espacios más imaginativos, emocionantes, hermosos y también surrealistas

‘the Deer kING’, De ANDo mAsAhI y mAsAyukI mIyAjI (2021)

Estrenada en cines el pasado 9 de junio, 'The Deer King' es una de las joyas de anime recientes para tener bien puesta en el radar. Basada en la obra de Nahoko Uehashi, la historia sigue a un soldado que es tomado como esclavo tras defender sus tierras contra

‘GuArDIANes De lA Noche: treN INfINIto’, De hAruo sotozAkI (2020)

Secuela de la exitosa serie 'Guardianes de la noche' ('Demon Slayer'), una de las mejores series de anime actuales basada en el manga de Koyoharu Gotoge, esta película hizo aquello de saltar de la televisión a la gran pantalla para subir la apuesta de una serie de personajes ya conocidos por los espectadores.

Y el éxito fue rotundo: una de las películas más taquilleras de Japón en tiempos de pandemia y un fenómeno que confirma el furor por la historia. Aquí nos reencontramos con el protagonista Tanjiro Kamado y sus amigos del Demon Slayer Corps, que investigan una misteriosa serie de desapariciones.

‘el tIemPo coNtIGo’, De mAkoto shINkAI (2019)

Tras el éxito arrollador de 'Your name' (también presente en esta lista), el director Makoto Shinkai volvió a las pantallas con 'El tiempo contigo', una película con muchos puntos en común con su predecesora, principalmente por el estilo de animación y la banda sonora de

Radwimps. La historia sigue a Hotaka Morishima, un estudiante de secundaria que se muda a Tokio para dejar atrás su vida en una isla aislada del mundo, y conocerá a Akina Amano, una chica con el misterioso poder de manipular y controlar el clima.

un poderoso imperio, y acaba siendo enviado a las minas de sal, donde más adelante se propagará una misteriosa enfermedad. El protagonista y una niña pequeña serán los únicos supervivientes de esta peste e iniciarán un viaje juntos.

Si con este título no te dan ganas de darle al play...Quiero comerme tu páncreas es un genial drama romántico basado en la novela de Yoru Sumino, y que nos muestra cómo un estudiante descubre por casualidades de la vida que una de sus compañeras en el instituto está a escasos de meses de fallecer

(2018)

Si eres fan de la serie My Hero Academia, ya sabes que las películas son imprescindibles para seguir hilando todos los eventos de la historia y el desarrollo de sus geniales personajes. En esta segunda y reciente entrega cinematográfica, basada

al igual que la serie en el manga de Kôhei Horikoshi, volvemos a encontrarnos con los habituales personajes para perseguir a un nuevo villano llamado Nine, que está buscando a Tomura Shigaraki y por eso decide atacar la isla de Nabuto.

debido a una enfermedad en el páncreas. Este descubrimiento propicia una amistad entre ellos, y a través de la cual descubriremos que, además de la enfermedad, la chica también sufre otros factores que convierten su día a día en una pesadilla

Éxito rotundo en taquilla, Your name se convirtió en su estreno en una de las películas más taquilleras de la historia de Japón. Y no es para menos: Makoto Shinkai nos hace sentir en cada canción, cada revelación sorprendente

y cada mirada a través del tiempo y el espacio. La historia sigue a Taki y Mitsuha, dos estudiantes que descubren que, durante el sueño, sus cuerpos se intercambian, y comienzan a comunicarse por medio de notas

(2016)

Basada en el manga de Yoshitoki ima, esta aclamada película de Naoko Yamada aborda temas muy duros de una manera emotiva y emocionante, que acaba convirtiéndose en toda una lección de empatía y contra el bullying. La historia gira

en torno a una estudiante de primaria sorda que, al cambiarse de colegio, comienza a sufrir el acoso de sus nuevos compañeros. Uno de ellos la buscará años después para intentar enmendar sus errores del pasado.

quIero comerme tu PANcreAs, De shIN’IchIro ushIjImA

A sIleNt voIce’, De NAoko yAmADA

‘my hero AcADemIA: el DesPertAr De los heroes’, De keNjI NAGAsAkI (2019)

your NAme, De mAkoto shINkAI (2016)

Películas dE anime datos que tal vEz no sabíaS

El castillo en el cIelo

director: Hayao Miyazaki

•Esta película es la primera producida por Studio Ghibli tras su fundación.

•El mundo de Castillo en el cielo reúne los rasgos más característicos del cine de Miyazaki: una heroína protagonista, su amor y admiración por la naturaleza, su universo de fantasía y su pasión por la aviación y los aparatos voladores.

•Miyazaki encontró inspiración en uno de los episodios de Los Viajes de Gulliver, de Jonathan Swift, en el que Gulliver encuentra una isla flotante con base

de diamante llamada Laputa.

•Cuenta con dos bandas sonoras diferentes compuestas por Joe Hisaishi: una para la película distribuida en Japón y otra para la que llegaría a Estados Unidos. Esto debido a que, en la primera, el acompañamiento musical dura en total 30 minutos para una película de 2 horas y 4 minutos, y Disney (encargado de llevar El castillo en el cielo al mercado americano), consideró que esto podría aburrir a un público acostumbrado a que las películas tuvieran música todo el tiempo. Así Hisaishi hizo una nueva banda sonora.

El rEcuerdo dE MarnIe

director: HiroMasa yonebayaShi

•En el 2016 fue nominada a los Premios Oscar en la categoría de mejor película de animación, siendo la tercera película de Studio Ghibli en recibir esta nominación.

•Es la primera película de Studio Ghibli en tener una protagonista rubia.

•Está basada en la novela homónima de la escritora británica Joan G. Robinson, publicada por primera vez en 1967.

•Fue la segunda película dirigida por Hiromasa Yonebayashi, después de

arriEtty y el mundo dE los dIminutos (2010) la princEsa Kaguya director: Isao

TakaHata

•Es la quinta película dirigida por el señor Takahata dentro de Studio Ghibli (la productora que fundó junto a Hayao Miyazaki) y la octava en su filmografía.

•Estuvo nominada en 26 festivales y premios (entre ellos los Óscar de 2015). De todos ellos solo ganó 7..

•Está basada en un cuento de la cultura popular japonesa llamado El cortador de Bambú..

•La canción principal de la película se titula When I remember this life (Cuando recuerdo esta vida) y fue escrita y compuesta por Joe Hisaishi, autor de la banda sonora de varias películas de Ghibli como El viento se levanta, Nausicaä del Valle del Viento, El castillo en el cielo, Mi vecino Totoro, Kiki, la aprendiz de bruja; La princesa Mononoke, entre otras.

recuErdoS dEl ayer director: Isao TakaHata

•Está basada en el manga homónimo de Hotaru Okamoto (guión) y Yoko Tone (dibujo). Es una colección de historias cortas de la vida cotidiana de Taeko (su protagonista) y los recuerdos de su infancia.

•Esta película se aleja un poco del estilo de otras películas de Ghibli, pues la fantasía no hace parte de la historia y se concentra en la vida de Taeko.

•Para la producción de la película se dibujaron alrededor de 74.000 acetatos y su grabación duró seis meses.

•'The Rose', la canción del final, fue escrita por Isao Takahata y cantada por un popular cantante enka (estilo similar al country americano) Harumi Miyako.

Puedo eScucHar el mar director: TomoMi MochIzukI

•Esta es una historia de amistades y enemistades entre tres estudiantes de un colegio de Kochi, una ciudad costera alejada de Tokio.

•Es la primera película de Studio Ghibli que no fue dirigida por Hayao Miyazaki ni Isao Takahata (sus fundadores). Su director es Tomomi Mochizuki, conocido por la serie de televisión Ranma

•Es la única película de Studio Ghibli que fue hecha para televisión y no para cine. La realizaron después de Porco Rosso (1992) y antes de Pompoko (1994).

•Se estrenó en Japón en 1993 pero solo hasta 2008 llegó a Europa. En Estados Unidos se exhibió en 2011 durante el Festival Internacional de Cine de Animación de Nueva York.

la princEsa y el pIloto director: jun ShisHido

•Esta es la única película dirigida por Jun Shishido. Su carrera ha estado centrada en dirigir series de televisión animadas.

•El título original en japonés es Toaru Hikuushi e no Tsuioku y está basada en una novela del 2008 escrita por Kooku Inumura.

•Esta peli combina la tranquilidad de un viaje en avión de los dos protagonistas rodeados de cielo y mar, con la tensión de las batallas aéreas entre el piloto y las tropas que quieren secuestrar a la princesa.

En el cielo no importa quién eres, todos son libres, es una de las frases que el piloto Charles Karina le dice a la princesa Fana del Moral.

la tumba dE las luciérnagaS director: Isao TakaHata

•Está basada en el libro del mismo nombre escrito por el novelista japonés Akiyuki Nosaka en el que cuenta lo que él y su hermana vivieron durante de la Segunda Guerra Mundial, hecho que dejó a su país devastado.

•Para el director de esta película, Setsuko (la hermana menor) fue un personaje más difícil de animar que Seita (el hermano mayor), pues nunca había trabajado con una niña menor de cinco años.

•Esta película se estrenó en los cines de Japón al mismo tiempo que Mi vecino Totoro (el 16 de abril de 1988). En esa función se presentó una película después de la otra porque los creadores de Stugio Ghibli pensaban que Mi vecino Totoro iba a tener poco éxito. Con esto lograron presentar, en un mismo espacio, los dos lados de su trabajo: la alegría y el drama.