Es Madrid no Madriz Magazine

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NĂşmero 26 / Septiembre 2014

Editorial e acabaron las vacaciones de verano y llega la “vuelta al cole”, la vuelta a la rutina, los atascos, las prisas… Para hacer más llevadero este mes de septiembre hemos preparado un número repleto de temas, propuestas y personajes interesantes.

Comenzaremos nuestro viaje en el corazón de Madrid, visitando el viejo ayuntamiento y su famosa vidriera recién restaurada. Después iremos a la sierra para asomarnos a las atalayas musulmanas que desde hace más de mil años contemplan el horizonte madrileño. Después continuaremos nuestro viaje y cruzaremos el Atlántico hasta llegar a Guanajuato, la ciudad mexicana famosa por su cultura, su gastronomía y, sobre todo, por sus fascinantes momias.

S

Volveremos a Madrid y, una vez más, el biólogo Antón Pérez nos descubrirá el Madrid más salvaje en la sección Madrid Natural. Esta vez nos hablará de las palomas, esas aves incomprendidas que podemos ver todos los días por la ciudad, un excelente artículo que esperamos sirva para comprender y querer un poco más a estas vecinas emplumadas.

Como no podía ser de otra manera, este número viene repleto de arte y quién mejor para hablar de ello que nuestro artista y colaborador Marco Alom que en esta ocasión nos presentará a otro artista canario, Santiago Palenzuela. Continuando nuestro recorrido por el arte descubriremos los interesantes trabajos del artista chileno Pablo Maire y en la sección dedicada a la fotografía disfrutaremos de las maravillosas obras de Aurelio Monge que recientemente ha expuesto en Madrid.

Sin abandonar el mundo de la cultura, hablaremos con el director de cine Hugo Stuven que está rodando en estos momentos su primera película. En la sección de Escena hemos seleccionado las propuestas escénicas más interesantes de la cartelera.

Finalizaremos nuestro recorrido disfrutando de las recomendaciones gastronómicas de la especialista en gastronomía Carmen de Artola que este mes nos lleva a una de las mejores arrocerías de la ciudad.

Las mejores recomendaciones y propuestas de la cultura, el ocio y el espectáculo las podéis encontrar en este número que, además, cuenta con una banda sonora de lujo a cargo de Noa Lur, una de las voces más bellas de nuestro país.

Feliz vuelta al cole.

Ramón Rivas

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Sumario

NOTICIAS

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Reportaje. LA CASA DE LA VILLA

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Madrid Comunidad. ATALAYAS MADRILEÑAS

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Madrid Natural. LA VERBENA DE LAS PALOMAS

30

Viajar. LAS MOMIAS DE GUANAJUATO

40

Personajes. SANTIAGO PALENZUELA

46

Arte. PABLO MAIRE

58

Fotografía. AURELIO MONGE

70

Cine. HUGO STUVEN CASASNOVAS

84

Escena. OBRAS EN CARTEL

88

Música. NOA LUR

94

Libros

98

Tiendas. CUBO GALLERY & SHOP

100

Comer. QUE SI QUIERES ARROZ CATALINA

104

Salir. POLANA CABARET

112

AGENDA

114

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Reportaje. LA CASA DE LA VILLA

Madrid Comunidad. ATALAYAS MADRILEÑAS

Personajes. SANTIAGO PALENZUELA

Arte. PABLO MAIRE

Fotografía. AURELIO MONGE

Música. NOA LUR

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ES MADRID NO MADRIZ MAGAZINE La única revista online dedicada a Madrid y a la cultura Es Madrid no Madriz Magazine es una revista independiente, online y gratuita dedicada exclusivamente a la cultura, el ocio y el espectáculo. Reportajes, noticias, personajes, artistas, la mejor música, lo mejor del mundo de la escena y el entretenimiento. Los mejores bares, restaurantes y la mejor agenda cultural de la ciudad y la Comunidad de Madrid, es todo lo que vas a encontrar en este magazine.

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Número 26 / Septiembre 2014

COLABORADORES Antón Pérez

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Araceli Tzigane Carmen Martínez de Artola Carmen Voces Diana Garrido Marco Alom

IMAGEN DE PORTADA: Dibujo de Marco Alom para EMNMM

Pilar Sarro

MAQUETACIÓN Maite Rivas

FOTOGRAFÍA Archivo EMNMM Visita nuestra fanpage en Facebook o síguenos en Twitter

AGRADECIMIENTOS Aires news Javier Fernández Piera Ayuntamiento de Madrid Comunidad de Madrid Bar Villa de Verín Galería Dionis Bennassar

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Alexis W

Apertura 2014. La hora de las galerías

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Tres días. 44 exposiciones. Medio centenar de artistas y las instituciones culturales más importantes. Todos juntos celebrando una gran fiesta que abrirá la ciudad al arte contemporáneo. Apertura es una invitación a recorrer Madrid de una forma distinta y a descubrir lo último de la creación más actual, del 11 al 13 de septiembre.

Desde hace 5 años, Apertura es la cita que marca el inicio del curso en septiembre. Un fin de semana en el que más de 40 galerías de arte inauguran, a la vez, ampliando horarios y programando actividades especiales. Paralelamente, con la complicidad de instituciones (Museo Reina Sofía, Museo Thyssen, Museo ABC, Fundación Telefónica, Fundación Mapfre, Fundación Lázaro Galdiano, CentroCentro, Centro Dos de Mayo, Conde Duque…) y se desarrolla un amplio programa de actividades para acercar la creación más actual al gran público.

La ciudad se convierte en una gran sala de arte contemporáneo, en la que artistas de la nueva generación como Moisés Mahiques (Galería Fernando Pradilla), Abigail Lazkoz (Galería Bacelos) o Secundino Hernández (Galería Heinrich Erhardt), conviven con nombres consagrados como Dora García (Galería Juana de Aizpuru), Stephen Irwin (Galería Arnés y Röpke) o Miquel Navarro (Galería Fernández-Braso). www.artemadrid.com

Apertura 2014 será también un recorrido por todas las disciplinas como la instalación –Claudia Wieser (Galería Casado Santapau)–, la pintura –Jorge Galindo (Galería Helga de Alvear)–, la fotografía –Pablo Boneu (Blanca Berlín), la escultura –Milena Muzquiz (Travesía Cuatro). Apertura es la gran cita del arte que trae a nuestra ciudad a coleccionistas, expertos y profesionales de todo el mundo. Su objetivo: acercar al público a la creación contemporánea.

Entre las actividades que se desarrollan esos días destacan las rutas guiadas por las galerías en manos de expertos, la realización de talleres para familias – impartidos por educadores y artistas– o las visitas especiales a grandes museos a través de sus directores o comisarios.

La gran fiesta del arte contemporáneo está organizada por la asociación de galerías Arte_Madrid, que reúne actualmente a 44 miembros. Estas galerías participan habitualmente en las ferias internacionales de mayor prestigio como Art Basel, Frieze, The Armory Show, FIAC, Artissima, ArtBo, SP Arte… En ellas actúan como embajadoras del arte español en el panorama artístico internacional.

Damián Casado, Presidente de Arte_Madrid, explica el trabajo de las galerías de la asociación: «Programamos más de 250 exposiciones al año –individuales y colectivas–. En 12 meses podemos mostrar el trabajo de 50 artistas contemporáneos o del siglo XX. Por supuesto, estamos abiertos a todo tipo de público y somos una actividad cultural y de ocio sin coste alguno. Hay que recordar que la entrada a las galerías es libre y gratuita. Sin duda, somos un agente importante en la creación cultural».

Madrid es, de hecho, la capital del arte contemporáneo. El 50% de las galerías españolas que pertenecen al Consorcio de Galerías Españolas de Arte Contemporáneo –la asociación nacional gremial– tienen su sede en la ciudad.

44 locales abiertos al arte más actual.

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Noticias ¡Muerte a Godoy!

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www.aranjuez.es

¡Muerte a Godoy! Así empieza el motín de Aranjuez. Si vives en esta localidad o te apetece conocerla, este es el mejor momento, ya que no sólo podrás descubrir su belleza y riqueza monumental, sino que vivirás por unos días la España de 1808. Disfruta de esta gran fiesta el primer fin de semana de septiembre. ¡Muerte a Godoy! Favorito y primer ministro del rey Carlos IV. Un grito que estremece las cancillerías europeas en la primavera de marzo de 1808. Nos trasladamos al 17 de marzo de 1808 de la mano de 200 vecinos de Aranjuez vestidos con trajes de época para vivir desde dentro el Motín de Aranjuez que narró Benito Pérez Galdós en los Episodios Nacionales y asistir al asalto de la casa de Godoy en una fiesta declarada de Interés Turístico Nacional en 1990, y desde este año Interés Turístico Internacional.

Se trata de una celebración con identidad propia y de gran singularidad, reproduciéndose los hechos acaecidos en 1808 en el Patio de Armas del Palacio Real, donde se recrean las intrigas palaciegas de aquellos días, hasta que se acaba con el apresamiento del ministro afrancesado de Carlos IV, Manuel Godoy y se fuerza la abdicación de Carlos IV en su hijo, Fernando VII “El Deseado”.

El primer fin de semana de septiembre (del 5 al 7 de septiembre de 2014) las calles y plazas de Aranjuez son también protagonistas y parte activa de este histórico Motín: la Plaza de la Parada del Palacio Real, el Palacio de Godoy, el Río Tajo y la Plaza de Toros. Una oportunidad única para conocer la ciudad y sus raíces históricas.

Además de estas dramatizaciones, Aranjuez se llena de espectáculos: un mercado goyesco, teatro infantil, pasacalles, talleres de artesanía, la tradicional búsqueda del Tesoro de los Piratas del Tajo y la también tradicional Corrida Goyesca con algunas de las principales figuras del toreo.

La fiesta del Motín de Aranjuez es una de las mejores formas de conocer esta ciudad Patrimonio de la Humanidad de la Unesco.

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Restauración en el Museo Arqueológico Nacional

Restauradas las esculturas de la fachada y escalinatas del Museo Arqueológico Nacional- MAN El Ministerio de Educación, Cultura y Deporte (MECD), acaba de restaurar las nueve esculturas de la fachada y escalinatas del Museo Arqueológico Nacional (MAN), en Madrid. Los últimos trabajos se han llevado a cabo durante cuatro meses para tratar las dos esfinges de bronce de la escalera principal de acceso al Museo, una intervención con la que concluye el proyecto por el que se han aplicado tratamientos de conservación y restauración a un total de nueve esculturas: las dos esfinges de bronce, cinco esculturas de mármol en la escalinata interior y dos esculturas pétreas de la fachada que representan a los artistas Velázquez y Berruguete.

El proyecto de conservación y de restauración de la fachada y escalinatas del MAN, que se redactó y se ha dirigido desde el Instituto del Patrimonio Cultural de España (IPCE), tenía un presupuesto de 143.735,97 €.

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Las dos esfinges metálicas, con cuya restauración termina el proyecto, se encuentran ubicadas en la fachada principal del Museo Arqueológico Nacional, situadas a ambos lados de la escalera de acceso. Representan a dos esfinges aladas, tocadas con un gorro frigio. Se trata de bronces fundidos con la técnica de la cera perdida, y conservan una admirable pátina de carbonato básico de cobre generalizada, reposan sobre una pequeña peana del mismo metal. Son obra del escultor D. Felipe Moratilla y su cronología data de 1891 a 1895.

El tratamiento aplicado en los metales se basa en la limpieza de las superficies, la estabilización de los procesos corrosivos y la aplicación de películas de protección a fin de proteger las esculturas en el futuro. Cabe destacar que el programa iconográfico de las fachadas del edificio se determinó en 1891 por parte de la Junta de Obras y las Secciones de Escultura y Arquitectura de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando. Para este propósito se contó con los escultores más presti-

giosos y galardonados en aquel momento. La mayor parte de la decoración se sitúa en la fachada del paseo Recoletos y en la calle Serrano. En las dos esculturas situadas junto al paramento, a ambos lados de las puertas de acceso, están representados Alonso Berruguete, del escultor José Alcoverro i Amorós, y Diego Velázquez, obra de Celestino García Alonso.

Jornada Europea de cultura Judía: Kelebek

La intervención ha sido dirigida por las conservadorasrestauradoras Soledad Díaz Martínez (bronce) y Noelia Yanguas Jiménez, (pétreos), ambas restauradoras del Servicio de Conservación y Restauración de Obras de Arte y Patrimonio Arqueológico y Etnográfico (CROAPAE) del IPCE.

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Jornada Europea de la Cultura Judía: Kelebek, melodías turcas y sefardíes Centro Sefarad-Israel participa, en colaboración con Casa Turca, en la XV edición del Día Europeo de la Cultura Judía.

Ciudades de toda Europa que tienen en común su huella judía programan durante un domingo de septiembre actividades de corte académico, lúdico, artístico.

Kelebek (Mariposa en turco) es el nombre que recibe la formación de cuatro intérpretes, músicos e investigadores de las raíces de la música sefardí del Mediterráneo, que brindará un recital en los jardines del Palacio de Cañete. Las hermosas canciones Morenika o Los Bilbilicos propias del acervo sefardí se combinarán con otras como Naz Bari (folclore turco) y Kritiko Syrto (folclore griego). Asimismo, los asistentes podrán degustar té y dulces turcos.

14 de septiembre, 12:30h.

Jardín del Palacio de Cañete c/ Mayor 69 Entrada libre hasta completar aforo www.sefarad-israel.es

Kelebek está compuesto por Alexánder Pewló, Natalia Martín, Diego López y Fulya Ozlem (cantante, investigadora y musicóloga de Turquía).

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Mercedes-Benz Fashion Week Madrid

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Mercedes-Benz Fashion Week Madrid, el gran referente del diseño español en el mundo, celebra su 60º edición Mercedes-Benz Fashion Week Madrid (MBFWM), el mejor referente del diseño español en el mundo, organizado por IFEMA, celebra su 60º edición del 11 al 16de septiembre en Feria de Madrid. Una convocatoria emblemática para la gran pasarela española, que volverá a tener como grandes protagonistas a la moda y el talento creativo de nuestro país, e incorporará además interesantes novedades.

Durante seis días -uno más que en los últimos años- los 41 diseñadores más relevantes del momento presentarán sus colecciones para la Primavera-Verano 2015, dentro de un calendario de desfiles con 4 destacadas incorporaciones -Alvarno, Desigual, Ulises Mérida y Leyre Valiente- y 2 reincorporaciones –Maya Hansen y Rabaneda- que en conjunto aportarán valor y riqueza creativa a este plataforma.

En todos los casos son nombres imprescindibles en el actual panorama de la moda española, que junto a los creadores que habitualmente participan en MBFWM configuran la mejor panorámica del diseño español del momento y consolidan a esta pasarela como una de las grandes plataformas del universo de la moda y el diseño internacional.

Otra novedad también relevante de esta edición de MBFWM es la apertura de la pasarela a la ciudad, con la retransmisión de los desfiles en pantallas situadas en dos enclaves emblématicos de la Madrid. Concretamente en Platea Madrid, el nuevo multiespacio de ocio gastronómico, situado en la céntrica Plaza de Colón y en Conde Duque, uno de los lugares con mayor atractivo cultural de la ciudad, que del 10 al 20 de septiembre desarrollará una completa programación de actividades con la moda como especial protagonista.

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Además, esta edición de MBFWM coincide en fechas y lugar de celebración con Momad Metrópolis, Salón Internacional de Calzado, Textil y Complementos, y las ferias Intergift, Bisutex, MadridJoya. Estos cuatro salones, todos ellos organizados por IFEMA y referentes absolutos de las nuevas tendencias para los sectores de confección, calzado, bisutería, joyería, regalo y decoración, configurarán por unos días en Feria de Madrid el mayor escaparate global de moda y tendencias del sur de Europa. Se prevé que las nuevas propuestas mostradas por las 1.800 marcas presentes en estos salones, junto a las creaciones de los diseñadores participantes en la pasarela MBFWM reciban en conjunto la visita de más de 110.000 profesionales, procedentes de 70 países. Esta coincidencia permitirá crear sinergias importantes entre todos estos eventos y los principales agentes que operan en el ámbito de la moda, tanto en nuestro país, como internacionalmente, y reforzará la imagen de Madrid, como uno de los principales escenarios del sector de la Moda.

Un primer paso en este sentido se dio en febrero pasado con la celebración conjunta de la pasarela MERCEDES-BENZ FASHION WEEK MADRID (MBFWM) y de Momad Metrópolis. La celebración en paralelo de ambos eventos permitió desarrollar relevantes sinergias y reunir durante tres días en Feria de Madrid a más de 60.000 profesionales entre compradores, prensa e invitados de los diseñadores y firmas participantes.

MEMORIAS DE CONTRABANDO 19 DE SEPTIEMBRE - 2 DE NOVIEMBRE

CENTRO DE ARTE LA RECOVA Santa Cruz de Tenerife

Organiza: Colaboran:

Asociaci贸n para la Recuperaci贸n de la Memoria Hist贸rica de Tenerife

En la Plaza de la Villa se conservan algunas de las construcciones más antiguas de Madrid pues durante la Edad Media fue uno de los núcleos más importantes de aquel incipiente Madrid que, con el tiempo, llegaría a ser la capital de un imperio donde nunca se ponía el Sol. Texto y Fotos: Ramón Rivas

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Reportaje

a Casa de la Villa

no de los edificios más simbólicos de la ciudad de Madrid es la Casa de la Villa, o lo que fue hasta el año 2007 el Ayuntamiento de Madrid. Está situado en la Plaza de la Villa y debe su nombre al título que el rey Enrique IV otorgó a Madrid, Noble y Leal Villa de Madrid. Antiguamente esta plaza era conocida con el nombre de San Salvador, por encontrarse en sus inmediaciones la desaparecida iglesia del mismo nombre, donde se reunía el Concejo de Madrid antes de la construcción de la Casa Consistorial.

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La actual Casa de la Villa ocupa el solar donde antaño se encontraban las casas del que fue Presidente de los Consejos de Hacienda e Indias, Juan de Acuña.

A su muerte, en 1615, las casas son adquiridas por el concejo de Madrid junto a otras y, posteriormente, se solicita al rey una licencia para la construcción de un edificio para la creación del ayuntamiento, ya que hasta entonces Madrid carecía de un edificio propio destinado a tal fin.

En 1645 comienzan las obras, no exentas de problemas que no hicieron otra cosa que dilatar el tiempo del proceso de construcción. El trazado del edificio fue realizado por el arquitecto Juan Gómez de Mora, aunque también participaron en la construcción los arquitectos José del Olmo y Teodoro Ardemans.

Aunque el edificio estaba destinado para acoger los servicios municipales, se le dotó de doble función, ubicando en el mismo la Cárcel de la Villa.

Las obras finalizaron en 1693 y el edificio estuvo destinado a las funciones municipales hasta el año 2007, cuando el Palacio de Correos de Cibeles se convirtió en el nuevo ayuntamiento de Madrid.

A lo largo de los siglos tanto el interior como el exterior del edificio ha sufrido numerosas remodelaciones, la más importante es la realizada en la fachada que da a la calle Mayor y en la que el arquitecto Juan de Villanueva, introduce una loggia doble con capiteles dóricos que funciona a modo de galería, destinada en su origen para que los reyes pudiesen presenciar desde allí la procesión del Corpus. Otra de las remodelaciones importantes fue la realizada por Luis Bellido en 1915 que, además de restaurar el edificio, lo comunicó a través de un pasadizo elevado con la Casa de Cisneros.

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El aspecto exterior de la Casa de la Villa es sobrio y austero, no así su interior, que cuenta con importantes estancias que por su simbolismo y ornamentación, lo convierten en un pequeño tesoro. El interior del edificio está dividido en dos plantas que el público puede visitar con cita previa que ofrece un recorrido por las estancias más importantes y representativas.

Las visitas comienzan con el acceso al Salón de Recepciones, que destaca por su bóveda pintada con los escudos de Madrid. Otras piezas importantes de esta sala son un par de porcelanas de la desaparecida Real Fábrica de Porcelanas del Buen Retiro, además de una espectacular lámpara de cristal de roca procedente del Monasterio del Paular.

En una pequeña sala contigua se encuentra la custodia del Corpus, una impresionante obra renacentista de 161 kilos en plata, es de propiedad civil, no eclesiástica y es, además, la que todos los años sacan en procesión en la festividad del Corpus.

Otra de las salas que se pueden visitar es el Patio de Cristales, antiguo Patio del Concejo que en el pasado sufrió una importante reforma con la construcción de un suelo intermedio creando dos plantas independientes. El techo está acristalado con una llamativa vidriera de cristal emplomado con símbolos madrileños, como el escudo de la ciudad y las imágenes de la Puerta de Toledo o las figuras de San Isidro y Santa María de la Cabeza que se encuentran en piedra en el Puente de Toledo. Fue diseñada por la casa francesa Maumejean en sustitución a otra anterior que fue dañada por un proyectil durante la Guerra Civil. Además cuenta con otros elementos ornamentales, como son los bustos de literatos del Siglo de Oro como Quevedo o Lope de Vega, dispuestos encima de los dinteles de las puertas.

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El Salón de Plenos es la estancia más importante del edificio por el simbolismo que tiene. Es una sala relativamente pequeña decorada al estilo isabelino, con grandes y pesadas lámparas de bronce, paredes forradas en sedas bordadas a mano y los asientos y atriles en madera de caoba. El techo está decorado con frescos realizados por Antonio Palomino entre 1692 y 1696.

En la actualidad, la Casa de la Villa ha perdido gran parte de sus funciones por el traslado de la sede al Palacio de Cibeles, aunque se utiliza para determinados eventos institucionales. Se tiene pensado que, tras una reforma para la eliminación de barreras arquitectonicas y diversas obras de acondicionamiento, pueda acoger al Instituto de Formación Municipal.

UNA CÁRCEL Y UNOS HÉROES En la Casa de la Villa existía una de las cárceles de Madrid en la que se encontraban los presos de clases menos pudientes. El 2 de mayo de 1808, tras el levantamiento popular de los madrileños contra el ejército de Napoleón, un grupo de presos que se encontraban cumpliendo pena en aquella cárcel, se enteraron de los incidentes que estaban sucediendo por todo Madrid. Un grupo de presos, 56 en total, tuvieron un gesto noble y heroico, pidieron unirse a la lucha de los madrileños contra los franceses bajo el juramento de que después de la lucha volverían a la cárcel. Posiblemente, las autoridades no creyeron en la palabra de aquellos reclusos y pese a ello, abrieron las celdas y los dejaron libres.

La mañana del 3 de mayo, después de la sangrienta refriega y cuando nadie esperaba el retorno de los reclusos, cincuenta y uno de ellos volvieron a la cárcel, tal y como habían jurado, sólo cinco no regresaron, de ellos, cuatro murieron en la lucha y sólo uno se dio a la fuga.

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LA VIDRIERA Recientemente la vidriera de la Casa de la Villa, una de las más antiguas de Madrid, ha sido sometida a un laborioso proceso de restauración que se prolongó durante cinco meses y tuvo un coste de 400.000 euros.

Para poder restaurar la vidriera se tuvieron que desmontar una a una todas las piezas, numerarlas y proceder a su limpieza y restauración. Posteriormente se volvieron a colocar en su estructura de hierro original, también restaurada y que, según los técnicos, es una de las joyas desconocidas de Madrid. Para evitar daños en el futuro y problemas de corrosión, se han eliminado las masillas orgánicas originales que unían las piezas por siliconas de última generación, mucho más resistentes y seguras que las anteriores.

Desde el pasado mes de mayo la vidriera luce espectacular tras su restauración, filtrando y llenando de mil colores el interior del edificio con la intensa luz de los cielos de Madrid tan alabada por los artistas.

Fuentes consultadas: Palacios y edificaciones singulares de Madrid. Ediciones La Librería Las calles de Madrid. Pedro de Répide. Ediciones la Librería

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Madrid Comunidad

ATALAYAS MADRILEÑAS Más de mil años vigilando Madrid Texto y Fotos: Ramón Rivas

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La Comunidad de Madrid, como tierra castellana que es, cuenta con numerosos castillos, fortalezas y atalayas que en sus tiempos sirvieron como puestos defensivos y de vigilancia. Si bien es cierto que los castillos son las construcciones más llamativas y pintorescas, no son menos importantes otras construcciones, mucho más modestas y menos llamativas como son las atalayas.

En la región madrileña se mantienen en pie cinco de las doce torres vigía o atalayas que existían en la Edad Media. Estas estaban situadas en zonas altas, normalmente en cotas de alrededor de 1.000 metros de altura. Se construían en lugares estratégicos y servían para dar aviso en caso de peligro a otras atalayas o puestos defensivos mediante un ingenioso sistema de comunicación. Normalmente dos soldados se ocupaban de la vigilancia y si observaban algún peligro inminente daban la alarma con señales de humo o con destellos si el peligro se producía durante el día, y si se producía de noche, utilizaban el fuego.

Estas señales se propagaban de una atalaya a otra con gran rapidez, constituyendo así una inmediata y eficaz forma de comunicación a distancia.

LA TORRE DE EL VELLÓN En la Sierra Norte de Madrid, en el municipio de El Vellón, se encuentra una de las atalayas mejor conservadas del grupo de torres vigía de la región. La torre de El Vellón. Fue construida en el siglo X durante el emirato de Muhammad I de Córdoba. Estaba ligada a la estructura viaria y se utilizaba para dar protección a los caminantes y para dar aviso de las posibles incursiones cristianas del norte de la península, en lo que se denomina la Marca Media de Al-andalus que, durante el califato cordobés, constituyó una línea fronteriza entre los reinos

cristianos y los territorios hispanos ocupados por los árabes.

Sobre una suave colina que goza de excelentes vistas de la región, se levanta esta torre de forma cilíndrica que se enclava sobre la propia roca caliza del terreno. Está construida con hiladas de mampostería y argamasa mezclada con piedra y tiene un diámetro de 6 metros aproximadamente y una altura de 9 metros aunque, en su origen, pudo tener dos o tres metros más, ya que está desmochada y parcialmente en ruina. Se cree que, además, la parte superior donde se colocaba el vigía pudo estar almenada.

Como el resto de las torres vigía de su época, la atalaya de El Vellón contaba con tres plantas en su interior con suelo de madera a las que se accedía por una escalera de mano. Sólo cuenta con una puerta de acceso situada a cierta altura del suelo, en este caso, algo más de dos metros, cuyo objetivo era el de dificultar el acceso a posibles atacantes y dar así un tiempo extra de defensa a los soldados de la atalaya.

La atalaya se encuentra en un buen estado de conservación y ha sido objeto de una profunda restauración. En la actualidad es utilizada, una vez, más como puesto de vigilancia, esta vez por los servicios forestales de la región.

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Atalaya de Torrepe 28 - EMNMM

Muy cerca de la atalaya de El Vellón se encuentra la de Arrebatacapas, que es posiblemente la mejor conservada de todas las torres vigía de Madrid. Se desconoce el origen del curioso nombre de esta atalaya, aunque existen dos teorías y ambas podrían ser las que dieron nombre a esta torre. Una de ellas se refiere a su ubicación, en un promontorio expuesto a los cuatro vientos y que en alguna que otra ocasión, podría arrancar la capa por un golpe de viento a cualquiera que pasase por allí. Otra teoría podría ser que, como en otras localidades de España, el término “arrebatacapas” se da a los lugares donde se producen habitualmente actos de rapiña por bandoleros y asaltadores de caminos. Ambas definiciones pueden ser ciertas pues los vientos que soplan en este lugar, sobre todo en invierno, suelen ser bastante fuertes y en el pasado, hasta la creación del cuerpo de la Guardia Civil, los asaltantes de caminos proliferaban por estas comarcas de la sierra madrileña.

La atalaya de El Vellón cuenta con la declaración de Monumento Histórico Artístico desde 1983 y forma parte de la Ruta de los Castillos, Fortalezas y Atalayas de la Comunidad de Madrid. Su acceso es libre.

Las otras tres que se conservan en la región madrileña son las atalayas de Torrepedrera en el municipio de El Berrueco, Venturada y la reformadísima de Torrelodones.

Queda constancia de otras torres, hoy desaparecidas, en Alcobendas, Torremocha de Jarama, El Molar, Valdetorres de Jarama, Atalayuela de Algete, Atalayuela de El Pardo y Torrelaparada.

La atalaya de El Berrueco o Torrepedrera, es otra de las torres vigía que se conservan en buen estado, aunque ha sido restaurada casi en su totalidad. Se encuentra en una propiedad privada y, a diferencia del resto de las torres, la piedra utilizada para su construcción es muy diferente a las torres cercanas y es que esta zona cuenta con una sorprendente y curiosa variedad de suelos, pasando de las calizas a las pizarras y al granito en muy pocos kilómetros. Esta torre, al igual que la atalaya de El Vellón, cuenta con un puesto de vigilancia de los forestales.

Fuentes consultadas: Comunidad de Madrid Guía de los Castillos de Madrid Jorge Jiménez Esteban y Antonio Rollón Blas.

Castillos, fortificaciones y recintos amurallados de la Comunidad de Madrid VV.AA., Comunidad de Madrid, Consejería de Educación y Cultura, Dirección General de Patrimonio.

Madrid del siglo IX al XI VV.AA., Comunidad de Madrid, Consejería de Educación y Cultura, Dirección General de Patrimonio.

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Madrid Natural

La verbena de las palomas Por: Ant贸n P茅rez Fotos: Javier G贸mez Aoiz

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lega septiembre y se termina el verano oficial, pero en realidad la naturaleza lleva ya tiempo en modo otoñal: el campo está agostado, y los fru-

tos de árboles y arbustos comienzan a madurar. Los jovencitos de todas las especies andan ya aprendiendo a ser adultos, y mientras todos los bichejos hacen gala de una actividad frenética, apurando las pocas semanas de calor que les quedan, aves migradoras de todo tipo se ceban en ellos engordando para prepararse para partir; las que crían aquí y las que llegan de tora Europa occidental, camino del Estrecho. Y en medio de todo este guirigay, unas pocas especies, sedentarias, tranquilas e inmutables; continúan haciendo lo mismo que todos los días: sobrevivir hasta el día siguiente. Y entre ellas destacan principalmente las palomas.

Aunque por el mundo adelante hay especies de palomas que viven en todos los hábitats disponibles, muchas de ellas son los ejemplos más claros de aves urbanas, y en Madrid podemos encontrarnos con cuatro de ellas.

La más frecuente es la adecuadamente llamada paloma doméstica Columba livia. Esta especie fue domesticada ya por las civilizaciones mesopotámicas, y viajando de la mano del hombre se la encuentra ahora en ciudades de todo el mundo. Aunque hay palomas domésticas con todo tipo de diseños mezclando blanco, negro, gris y marrón, muchas de ellas presentan el colorido silvestre original: cuerpo gris plateado y cabeza y cuello mucho más oscuros y con irisaciones verdes y moradas. Posadas destacan dos bandas oscuras en las alas y el ojo rojizo y el pico negro, y en vuelo una banda en el extremo de la cola y la espalda blanca.

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Paloma Torcaz (Columba palumbus)

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La paloma torcaz Columba palumbus era una especie tradicionalmente forestal que en las últimas décadas se ha adaptado muy bien a vivir en parques urbanos y calles con arbolado. Es muy fácil distinguirla de la anterior: de tamaño bastante mayor, el cuerpo es gris parduzco por encima y vinoso por abajo, y en el cuello destaca una gran mancha blanca (que no tienen los jóvenes). El ojo es blanco y el pico rojo y amarillo. En vuelo destacan mucho dos granes bandas blancas en las alas, y una banda oscura en la cola.

La paloma zurita Columba oenas es la de aspecto y hábitos más discretos, apareciendo por regla general sólo en los parques mayores, con árboles grandes. Es menor que la doméstica, con cabeza y cuerpo del mismo tono de gris. El ojo es negro y el pico rojo y amarillo como el de la torcaz.

En vuelo carece de las marcas blancas y oscuras de las otras especies.

Finalmente la tórtola turca Streptopelia decaocto es muy distinta de las anteriores: toda ella de color ante claro, con el ojo rojizo y una estrecha banda negra en la nuca. En vuelo destacan las alas más oscuras y la cola blanca por debajo. Esta especie originaria del sureste europeo, colonizó a lo largo del S. XX de forma espontánea las zonas urbanas de todo el continente. Las primeras españolas criaron en Santander en 1974, y desde entonces ocuparon todo el país. En Madrid no entra en el casco urbano de la capital, pero es frecuente en jardines del extrarradio y las ciudades menores.

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Todas las especies de palomas son principalmente vegetarianas, y en la ciudad se alimentan de lo que les ofrecen las plantas urbanas. La paloma doméstica, mucho más adaptada al hombre, puede verse comiendo prácticamente de todo. Como nota curiosa, las palomas usan para beber sus picos a modo de pajitas, de forma que en vez de llenarlo y levantar la cabeza para tragar como todas las demás aves, ellas beben con la cabeza continuamente agachada.

Cuando toca criar, cosa que puede suceder en casi cualquier momento del año, las palomas realizan demostraciones aéreas con fuerte batir de alas y arrullan para conquistar a sus parejas; cada especie a su manera: la doméstica produce el típico ruuuhh… gutural que se oye en parques y patios de luces, ruido que la más escasa zurita repite en un continuo ruueh-ruueh-ruueh…

El arrullo de la tórtola turca tiene en cambio tres sílabas muy marcadas: uh-uuuuhhh uh, que son cinco en la torcaz uhhhuuuu-uh huh-huh. La paloma doméstica, originariamente un ave de acantilados, nidifica en aleros y huecos de todo tipo en edificios. También la zurita, que además ocupa también huecos de los

árboles. La paloma torcaz y la tórtola turca construyen

en cambio pequeños nidos de palitroques en los árboles, tan pequeños y endebles que a veces se ven huevos y pollos a través de ellos, y admira ver que no se deshagan. Todas las palomas alimentan al principio a sus pollos (comúnmente dos) únicamente con “leche de paloma”: una secreción grasa no muy distinta de la leche de los mamíferos que producen en el buche y que los pollos sorben introduciendo sus picos en el gaznate de sus padres.

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Paloma Zurita (Columba oenas)

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T贸rtola Turca (Streptopelia decaocto)

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“A nadie le gustan las palomas: son sucias y ensucian”… es una apreciación un tanto injusta, pues las pobres padecen los sinsabores de la vida urbana tanto como nosotros: la contaminación, una dieta a base de basura que nunca puede ser sana, los atropellos, los niños y los perros con ganas de juerga, los pelos largos que se les enredan en los dedos, cortándoles la circulación y finalmente el dedo… y sin embargo ahí están, sin marcharse, haciendo de la ciudad un entorno algo más entretenido, visual y sonoramente. Espero que el “a nadie” de antes sea, tras leer este artículo, todavía un poco menos general…

Para saber más: La Enciclopedia de las Aves de España, de SEO/BirdLife, proporciona información sobre todas las especies de nuestro país.

Puede consultarse por Internet www.seo.org/listado-aves o descargarse como aplicación.

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Las momias de Guana

ajuato

Viajar

a ciudad de Guanajuato se encuentra en el estado mexicano que lleva el mismo nombre y está situada en el centro de la república mexicana. Como todo el país, goza de un importantísimo patrimonio histórico y cultural aunque, quizás, la ciudad de Guanajuato es más conocida mundialmente por los fascinantes cuerpos momificados que se conservan en el Museo de las Momias de dicha ciudad.

L

El museo se encuentra ubicado en el Panteón Municipal de Santa Paula, un campo santo inaugurado en 1861. Ese mismo año fueron sepultados los primeros fallecidos y, como es habitual, los familiares o el propio difunto, debían pagar un importe extra si se quería que el fallecido reposase eternamente en este panteón, de no ser así, a los cinco años se exhumarían los restos mortales para llevarlos a una fosa común.

Uno de los primeros fallecidos, sepultado y exhumado en este panteón después de cinco años, fue un médico de origen francés llamado Remigio Leroy. Como este hombre que no contaba con nadie que reclamase su cuerpo, fue exhumado un 9 de junio de 1865 del nicho 214 del panteón y, para sorpresa de los allí presentes, el cuerpo del difunto se encontraba en un perfecto estado de conservación. El milagroso estado de conservación de este cuerpo no fue ni único ni casual, a medida que se iban exhumando cuerpos el resultado era el mismo.

La momificación es algo que va ligado al ser humano desde la noche de los tiempos, desde que el hombre toma conciencia de su propia existencia y de su miedo a la muerte, por ello se desarrollaron avanzadas técnicas de momificación como ya hicieron los egipcios. Hay otras formas de momificación en las que no interviene la mano del hombre y se produce por causas naturales.

En el caso de las momias de Guanajuato, la momificación es por un proceso natural pero con una particularidad, tanto en los cuerpos enterrados en la tierra como en los nichos, se produce este curioso fenómeno, siendo este uno de los misterios que guarda este lugar.

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Las momias de Guanajuato son un testimonio vivo del pasado, de la sociedad y de las personas que vivieron y murieron allí. Todas ellas cuentan una historia, las más conocidas y las que más llaman la atención de los visitantes son aquellas que cuentan una trágica historia, como es el caso de la momia de una mujer llamada Ignacia Aguilar y que tuvo la desgracia de ser enterrada viva por error.

La posición en la que fue descubierta da buena cuenta del sufrimiento y el horror que debió padecer en el último momento de su existencia que, como en el caso de los vaciados en yeso de Pompeya, la momia muestra con toda su crudeza, una última y dramática instantánea del horror. Hay otras momias con historias trágicas, como la mujer embarazada que también conserva el feto momificado, siendo esta la momia humana más pequeña del mundo o la momia de una mujer conocida como “La Bruja” que ya con este apelativo alimenta la imaginación generando todo tipo de historias truculentas.

Desde la aparición de la primera momia del médico Remigio Leroy a la actualidad, el número de momias fue en aumento. En el pasado eran expuestas al público en galerías subterráneas, donde cobraban un aire siniestro siendo, además, expuestas a todo tipo de vicisitudes, entre ellas la amputación de algunas partes de sus cuerpos que algunos visitantes desaprensivos se llevaban a modo de macabro recuerdo.

En la actualidad las cosas han cambiado mucho y el Panteón de Santa Paula cuenta con un moderno museo donde se muestran las momias. Cuentan con más de un centenar de ellas, aunque no todas están expuestas y es uno de los museos más visitados de México.

Fuentes: Modern Mummies: The Preservation of the Human Body in the Twentieth Century. Christine Quigley www.momiasdeguanajuato.gob.mx Fotos: Cortesía de Tomas Castelazo © www.tomascastelazo.com / Wikimedia Commons / CC-BY-SA-3.0

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Personajes

Santiago Palenzuela Por Marco Alom Fotos: Alexis W.

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Conocí la obra de Santiago Palenzuela, en la galería de arte Artizar (La Laguna, Tenerife) allá por 2005 cuando con otros estudiantes de Bellas Artes acudíamos a este local a ver las obras que allí se encontraban de autores canarios que habían hecho trayectoria y que nosotros veíamos como referentes de los que poder partir, experiencias valiosas de aquello que era ser artista.

Acudíamos allí a comprar catálogos a precios módicos para ojear y estudiar al detalle en los talleres de la facultad y en nuestros pisos, y de paso pasábamos el rato mirando y comentando obra. Cientos de imágenes se nos venían encima, sugerentes y atractivas impregnando en nuestra curiosidad y ganas de hacer. Allí pude contemplar algo que me impactó: un enorme ciempiés hecho a base de brochas y pinceletas de pintar bien impregnadas de óleo que un artista para mi desconocido había usado y que, a base de grumos y grumos de pintura, habían quedado pegadas formando aquella criatura que avanzaba inmóvil por el suelo de la galería entre cuadros diversos, aquello impactaba porque mostraba que su creador tenía una mente inquieta, un ojo tan acechante y analítico que todo cuanto hubiese en el mundo era digno de ser por él intervenido, mostraba que el espacio a trabajar no estaba acotado… El contenido desbordaba el elemento contenedor como una bacteria puede abandonar una probeta y convertirse en epidemia que amenazase al mundo… todo era susceptible de ser elemento de ese contagio artístico y de él nada se libraba como era el caso de aquellas herramientas de trabajo, aquellas brochas convertidas en horrenda criatura que con ojos hechos de tapas de tubos de óleo me miraba. El autor de aquella pieza y de otras más que allí se encontraba tenía un nombre que no se puede olvidar y menos aún desconocer: Santiago Palenzuela.

Cuando te encuentras ante una pieza de Santiago Palenzuela (Santa Cruz de Tenerife) lo que destaca es el óleo, la abundancia, la generosidad de óleo que todo lo devora y brota hacia ti… Cada pieza es una hipérbole de la materia, es su arma, su herramienta para enfrentarlo todo, para contaminar la atmósfera con su esencia, y es que toda la obra de este hombre es una pugna, su pugna contra el mundo en el que le ha tocado vivir, cada serie es un retazo de su vida, un diario pictórico de aquello que enfrenta y que él decide resolver mediante la imagen… desde las estancias cargadas con una atmósfera de eterno tránsito de todos aquellos estudios y pisos por los que peregrinó “de alquiler en alquiler”, de todos aquellos retratos

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Gorila (贸leo sobre lienzo)

de personas que lo miraron y que él atrapó, o de todas esas fieras que muestran cada una algo del carácter de su autor.

Masa y más masa, piezas tridimensionales hechas de pintura y restos, Palenzuela como el titán Epimeteo del mito griego encerrado en su taller forma a las nuevas criaturas, pude verlo sentado semanas enteras ante un lienzo de pequeño formato moldeando un elefante en óleo, que en un rato bramaba en estampida y al día siguiente corría en otra dirección, aquel paquidermo en cuestión de semanas se había movido como si de una stop-motion se tratara hasta lograr su postura definitiva… tanto se había movido que cuando al fin estuvo acabado no podrías creer que aquella criatura no tuviera vida. Todo allí en pigmento y aceite, materia orgánica que con el tiempo se retuerce y cambia, sabe envejecer como todo ser vivo.

Palenzuela mide el ritmo de su existencia mediante su obra, Él y Ella son uno, como hermanos siameses indispensables para poder seguir respirando. De mente inquieta lleva consigo una biblioteca en su cerebro de autores olvidados, de perdedores célebres y de héroes malditos (como pudieran ser el boxeador y poeta dadaísta Arthur Craven o el punk Johnny Rotten) que en él se agolpan formando un “todo”, alimentando la caldera de su ser combativo y heterodoxo que lo empuja a seguir dando su propia opinión de aquello que le gusta y no le gusta, haciendo un ejercicio constante de honestidad… porque estés de acuerdo con sus obras y discursos o no, no puedes dejar de presenciar que su obra es ante todo honesta. Esta amalgama de reflexiones le otorga aquella premisa de que “al final la disidencia nos trae el conocimiento”. He visto a Picasso renacer de un maniquí de taller de pintor con capas y capas de lienzo y óleo reivindicando y anunciando su renacer al mundo, con una colilla de cigarro en la boca como si celebrara el triunfo de la Resurrección, o también contemplar la cabeza del boxeador canario Sombrita hecho del amontonamiento de óleo acumulado en la paleta y vertido sobre un caldero que descansa boca abajo… Allí la cabeza que más que cercenada pareciese surgir de la Nada y retorcerse grumosa a modo de ectoplasma venido de un pasado que se niega a morir. “Los Ídolos no existen” dijo una vez, y a su modo es verdad, pues los ha hecho suyos, los ha recreado a su imagen y semejanza, como aquel Nietzsche compuesto de óleo, lienzo y restos de materiales que enlaza finalmente al filósofo con su tan clamado Nihilismo.

Este artista nacido en Canarias se proyecta ahora por el mundo, exponiéndose su obra, ha sido expuesta en el la Feria de Arte Contemporáneo A.R.C.O. (Madrid) de 2014, el aceite de su óleo ya ha logrado diluirse con el agua y pronto caminará por las cañerías de nuestros hogares… un artista cuya obra debe ser conocida y seguida, propuestas nuevas para tiempos nuevos… como en las series de televisión, en la pantalla aparece aquello de “continuará”.

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Lelong (贸leo sobre lienzo)

Falco tininculus (贸leo sobre lienzo)

Elephas maximus (贸leo sobre lienzo)

Arte

PABLO MAIRE Vida, muerte y resurrección

Pablo Maire (Talca - Chile en 1975) es un polifacético artista que utiliza todos los medios a su alcance para poder expresarse. La poesía, la pintura, la fotografía o la escultura son algunas de las herramientas con las que Pablo da rienda suelta a su creatividad que no se ciñe a lo puramente estético. Sus obras, además de tener una fortísima impronta personal, invitan al que las contempla a la reflexión. La vida, la muerte y el amor son posiblemente las constantes con las que se podría definir su obra.

Por EMNMM

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— EMNMM. Pablo, eres un artista polifacético imposible de clasificar en una determinada disciplina artística ¿cómo decidiste dedicar tu vida a la creación artística?

— P. Maire. Pienso que las motivaciones van mutando, un día puedo responderte que el malestar, otro el amor, el erotismo, la militancia. Son una confluencia de factores, se coluden. Por de pronto se me viene lo que he reiterado, por más presumido que parezca: crear una naturaleza distinta de las cosas, revertirlas, desestructurar un tipo de pensamiento para generar uno nuevo.

Si mal no recuerdo el poeta Pessoa decía que el arte existía para completar la vida, o algo así. Eso, para mí, es un hervidero, donde hay cuestiones por cocer, desintegrar. Siempre existe la posibilidad y oportunidad de elastizar nuestra realidad, esa que está dentro de nuestro cerebro. El territorio, como se dice, es mental.

Entonces, si hay ese tipo de inquietud específica, no veo el motivo de desentenderme, aún asumiendo riesgos, colocando el cuerpo.

— ¿Cuáles son las influencias que más han incidido en tu obra? No me refiero a unos determinados artistas o a unas corrientes artísticas determinadas, hablo en general.

— Por de pronto la dictadura de Pinochet, con su halo macabro que aún perdura en nuestra sociedad, familiares torturados, el Perú y su hermoso color latinoamericano, lleno de contradicciones por cierto, la muerte, César Vallejo, lo diverso y diferente, el cine de Tarkovsky, el obrero que camina enrabiado con su sueldo mínimo, Víctor Jara, la naturaleza, mi sexualidad.

El poeta Enrique Lihn, en su poema Porque Escribí, resume muy bien lo que te podría responder: …..Porque escribí no estuve en casa del verdugo ni me dejé llevar por el amor a Dios ni acepté que los hombres fueran dioses ni me hice desear como escribiente ni la pobreza me pareció atroz ni el poder una cosa deseable ni me lavé ni me ensucié las manos ni fueron vírgenes mis mejores amigas ni tuve como amigo a un fariseo ni a pesar de la cólera quise desbaratar a mi enemigo.

Pero escribí y me muero por mi cuenta, porque escribí porque escribí estoy vivo.

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— Pintura, escultura, fotografía, poesía... Utilizas todos los medios posibles para expresarte manteniendo una interesantísima impronta personal en cada uno de ellos. Cuando te planteas un proyecto ¿cómo lo gestionas? ¿Lo creas pensando en una técnica determinada?

— Depende. Es muy irregular. Luego, con el pasar del tiempo, me surgen dudas de lo obrado. Pero comprendo además que la obra no te pertenece del todo, sino que otros son los que la mejoran, la nutren infinitamente. Recuerda que en este quehacer se podría hablar de intersubjetividades múltiples que median. En lo plástico, escultórico, fotográfico, tiendo a pensar en el proceso, límites, qué me pregunto con la obra, qué identifico y cómo, los alcances, la función estética y ética, etc. Tras tener convicción en la idea a desarrollar, vienen los momentos más prácticos que vienen a ser la producción. Cuando también hay una precariedad de recursos hay que gestionar la incomodidad, la rabia pues. Ningún trazo ni obra es inocente, toda obra está cargada de testimonio, humillación, deseo, política en el fondo. Y ya pasado el tiempo el hacer un trabajo no implica más que deseo de gritar.

— Tus obras no dejan indiferente a nadie; pueden ser sorprendentes, incluso grotescas pero sobre todo tienen un poder brutal, están hechas con los componentes de la vida y en el fondo son una rebosante historia de amor. Si pudieses no ser el artista, sino un espectador de tus obras ¿cuál crees que sería tu opinión? ¿Qué crees que te harían sentir tus obras?

— Es difícil el desdoblamiento y estar a la vez muy “puro”. En ocasiones veo mi trabajo lejano, siempre existe la tentación de querer deshacerse de todo por pura insatisfacción. Ya Baudelaire decía “Oh vanidad, terrible vanidad”. De momento siempre siento admiración por aquellas propuestas que vienen o devienen en una puesta más intrincada, quizás de los trabajos más sucios y que te remiten a un co-relato con la historia personal y lo externo. Si hay un imaginario erótico, grotesco, manchado, con lo anarquitectónicamente posible en la escultura, con las fallas, lo frontal, con el frenesí de un mundo sin reconciliación, la resistencia, la fricción, el garabato poético, etc, pues por ahí me adscribo. Oda a Artaud.

— La muerte, que también forma parte de la vida, aparece representada en muchos de tus trabajos

Comunidad (fotografĂ­a)

como una visión mística en la que se vislumbra un viaje al más allá o la propia resurrección. ¿Cuál es tu relación con la muerte y por qué es un tema recurrente en tus obras?

— Siempre uno se plantea un eje articulador en su trabajo. Pensé en cómo un elemento arquetípico (los cráneos) podía formar parte de un imaginario que, teniendo vínculo con la muerte, pudiera resignificarla y darle un valor distinto, un simbolismo alterado que puede argumentar una obra remitiendo a una recreación factible y en lo posible mantuviera una pulsión que le diera vitalidad.

Mi trabajo tiene que ver con la alusión de la elución, del choque que aturde, del lado “siniestro” de las cosas. Evitamos que nos enrostren la muerte y más de manera tan grotesca.

Es paradójico que algo hueco pueda generar una sustancia discursiva y ella fuera transitando de distinto modo y en distintas expresiones. Cada una la considero una resurrección, una representación que se mueve en una nebulosa, en una formación continua. Pudiera ser presumido decir que me encuentro abocado en la construcción de mitos, pero sin duda algunos trabajos rozan esa construcción más primitiva del hombre, porque me perturba y me iré derechito al lecho con grandes incógnitas, no de mi trabajo, sino de nuestra conformación.

— Latinoamérica es una fuente de inspiración brutal por su fascinante legado histórico, por sus mitos, sus dioses, sus leyendas, en definitiva, una cultura milenaria injustamente eclipsada por la occidental. En relación a ello has sabido rescatar y reinterpretar parte de ese legado en tus obras ¿qué acogida tiene entre los propios latinoamericanos tu obra?

— Sí, hay una indiscutida carga en mi trabajo de “lo” latinoamericano. Hay una historia común, estrecha, que circula a diario y que a veces es muy incomprendida en Europa. Se ramifica en las danzas, en la música, en el canto, la vestimenta, el ritual, en lo pictórico, en la literatura y etc, etc, que surge desde acá con pensamiento propio, muchas veces ligado a las problemáticas sociales, a movimientos políticos, a la cuestión indígena, a quiebres institucionales, a las dictaduras, a la fiesta, al territorio, la migración. Todas esas y otras constituyen el imaginario, lo posible y lo inasible, el mito. Ahora bien, tengo amantes y detractores, pero en todos los sitios. Algunos reivindican el contenido, otros maldicen la forma, el cómo. Sé que mi propuesta no es fácil porque los modos de pensamiento son más difíciles de romper y desestabilizar. A muchos le gusta el confort material y simbólico. Pienso que muchos galeristas son muy conservadores y les aterra perder clientela pulcra y limpia, con cabeza de bodegón. Hasta el momento me beneficia su desprecio, yo les desprecio.

— La política, la libertad, la injusticia también está representada en algunas de tus obras ¿alguna vez te has autocensurado a la hora de representar un determinado tema?

— Jamás. Hoy te digo que nunca lo haré. El miedo no puede paralizarte, no puede la coerción someterte, los fácticos no pueden una vez más prevalecer.

La moneda EMNMM - 63

A pesar que lo diga en un contexto menos opresor, hay un sinnúmero de artistas que hicieron arte en situaciones completamente adversas.

Al Reina Sofía hace un tiempo llegó una gran muestra llamada “Perder la Forma Humana”, donde había una selección de artistas que hicieron trabajos en dictaduras latinoamericanas de los 70’s, 80’s y 90’s.

En mi país existieron las Yeguas del Apocalipsis, integradas por Francisco Casas y Pedro Lemebel, cuyas obras performáticas daban cuenta del horror por la que todo un país vivía bajo la tiranía de Pinochet y aún así, rodeados de milicos, tuvieron la valentía de hacer arte transgresor. Ellos pusieron el cuerpo. Es sólo un ejemplo y existen muchos, entonces por qué abstraerse de ese legado ético y estético?

— Has realizado diversas exposiciones, casi todas ellas en América ¿has pensado en la posibilidad de mostrar tus trabajos aquí en Europa?

— Hace poco expuse en una galería en Praga. Me han invitado de Ámsterdam y Londres recientemente, pero por tema de costos no participé este año con algunas muestras. Donde exista la posibilidad de encontrarme con otros, por medio de mi obra, será un honor, no hay duda de aquello. Sin embargo, debo decirte que con Internet la difusión es un medio muy eficiente, engañoso quizás, pero eficiente en la aproximación con el otro. Y ahí sí que las visitas a los sitios donde tengo desplegado mis trabajos provienen de los cinco continentes y van en aumento (las visitas, porque los continentes….).

— ¿En qué proyectos estás trabajando ahora y qué planes tienes para un futuro inmediato?

— Actualmente me encuentro desarrollando una pequeña serie fotográfica, donde la reiteración con la muerte es evidente. Utilizo mi entorno, o él me utiliza la verdad. Puede ser el hogar, un sitio eriazo, en un gran río como es el Maule, territorio que tuvo la presencia Inca en Chile y que no pudo traspasar por la resistencia de nuestros ascendientes Promaucaes, los padres, una amiga bella. Un par de voluntades unidas y el retrato, helo ahí. También pienso en una pintura, aún estoy delimitándola y conceptualizándola. Que también el impulso se apodere de mí y contribuya a la creación. Honestamente siempre tengo ideas dando vueltas y vueltas hasta que por el mareo caigo. Es muy posible una mudanza a Ciudad de México. Espero los astros estén alineados para mí. www.pablomaire.com

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Made in China

Oriente (fotografĂ­a)

Fado (escultura realizada con elementos traĂ­dos por las olas del mar)

Aurelio Monge Aurelio Monge es un artista jienense que desde su infancia ha sentido la imperiosa necesidad de crear. La pintura o la escritura son dos de las herramientas utilizadas para dar rienda suelta a su imaginación pero la fotografía es la disciplina con la que más reconocimientos ha tenido recientemente.

El estudio de las formas, la mística, la simbología y la luz son los principales elementos con los que juega en sus trabajos, creando impresionantes imágenes que parecen competir en un diálogo con los grandes maestros de la escultura y la pintura con el hombre de hoy. En definitiva, son una invitación al descubrimiento de un universo propio que hemos querido conocer en esta entrevista.

Por EMNMM

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Fotografía

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La revelaci贸n de San Juan (Serie Academics)

— EMNMM. Aurelio, háblanos de ti, ¿cuándo sentiste la necesidad de crear?

— A. Monge. Pues nací Cuevas de Ambrosio, una pequeña pedanía de 60 habitantes de Jaén en el corazón de la Sierra de Cazorla, Segura y Las Villas, en aquella época y en aquel ambiente el concepto Bellas Artes era algo así como “pinta y colorea”, y un gasto importante si se quería estudiar esta materia. No era una posibilidad que se podía contemplar en mi familia.

Desde muy pequeño tenía la habilidad de pintar, pintaba de forma autodidacta, por iniciativa propia. Recuerdo que mi prima tenía un caballo que a ella le encantaba cuidar y a mí, lo que más me gustaba, era pintar las características del perfil de la cabeza del caballo, la musculatura… Además, la casa en la que vivía estaba en un lugar privilegiado con unas espectaculares vistas de la sierra y lo que me llamaba la atención a lo largo del año era el colorido contraste, con una gama inmensa que los colores que los lápices que tenía no eran suficientes para poder dibujarlos, así fue cuando descubrí que no se trataba de tener un lápiz con cada uno de los colores correspondientes, sólo tenía que mezclarlos con diferentes trazados de líneas y, con diferentes matices, conseguía los verdes que yo quería. Todo lo aprendí de forma autodidacta. Después experimenté con la acuarela, témpera… La pintura se desarrolla con los pocos medios que tenía a mi alcance sólo por placer.

Además de la pintura me gusta escribir, ya en la adolescencia comencé a escribir pequeños relatos con una máquina de escribir que “heredé” de mi prima y con la que aprendí mecanografía de forma totalmente autodidacta.

— ¿Cómo llegaste a la fotografía?

— Fue por pura casualidad, cuando estaba haciendo el Servicio Militar, se organizó un concurso literario en el cuartel relacionado con el proyecto que se estaba organizando en Sevilla con la Expo y las Olimpiadas de Barcelona. Me apunté y escribí un relato que, curiosamente, gané. Con las 45.000 pesetas del premio pensé en comprar una buena máquina de escribir, que es lo que realmente me gustaba. Por casualidad, un amigo me

dijo que se iba hacer un curso de fotografía que me podría gustar. Al principio no me interesaba, me parecía que la fotografía carecía de creatividad, no era como la pintura o en la escritura en la que hay un proceso de creación. Finalmente me convenció y en vez de la máquina de escribir me compré una cámara réflex y en un equipo de revelado.

La fotografía ¡fue una sorpresa! el primer ejercicio que hice fue congelar una imagen de agua, jugando con el diafragma y con la velocidad de exposición. Al ver el resultado fue cuando me di cuenta de que se podía jugar con el tiempo, para mí aquello era magia.

Después me trasladé a Barcelona para trabajar y estudiar, también por casualidad, encontré trabajo como fotógrafo en una agencia de eventos de bodas. Al principio iba como observador, con un compañero de trabajo experimentado que hacía las típicas fotos de bodas, yo por el contrario hacía fotos a las personas tipo “robados”, me parecía que daban mucho más juego y quedaban más bonitas. Como en aquella época este tipo de fotos de bodas no era lo habitual, los clientes se sorprendían y compraban las fotos que les hacía. Finalmente la agencia me contrató y allí fue donde realmente comencé, ya de forma profesional, en la fotografía. Trabajar en esta agencia me permitió desarrollar unas habilidades que fueron muy buenas, como es la psicología, el trato con la gente, para así poder sacar lo mejor de cada una de las personas.

— El arte clásico y la arquitectura urbana son algunos de los temas principales de tus obras — Me gusta mucho la arquitectura urbana, entre los años 1995 y 1998 todavía no me había centrado mucho en la fotografía figurativa o a las personas, por aquel entonces me centré en la arquitectura urbana recorriendo varias ciudades de Europa. Me obsesionaba con encontrar el momento perfecto… me podía tirar todo un día, por ejemplo en la Plaza del Capitolio de Roma, esperando hasta que llegase el momento perfecto para poder hacer la fotografía con la luz perfecta y sin gente…

Unos años más tarde empecé a interesarme por el

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arte clásico, en realidad fue gracias a mi pareja, fue quien me inició en el mundo del arte, sobre todo en el pictórico y la escultura. Fue en aquel momento cuando nace en mí un especial interés por la escultura clásica. Descubrí que el estudio de las proporciones, que yo asimilaba a la arquitectura, también está patente el arte clásico, buscando ese ideal de proporciones que no está en el real, pero que te engaña para que creas que realmente esa figura humana, sobre todo las figuras masculinas, realizadas entre el siglo V y IV funciona y es así. Fue así como me introduje en el mundo de la escultura, de hecho, desde hace unos años estoy trabajando en un proyecto que todavía no ha visto la luz, muy relacionado con esto, he ido de museo en museo por toda Europa fotografiando y aún estoy en ello.

— ¿Partes de una idea o un proyecto concreto?

— Antes sí, antes dibujaba los bocetos, hablaba con el modelo… ahora ya no tanto, confío más en lo que llevo dentro de mí.

En la serie Beata anima hago honor al Greco, trabajo sobre una idea que continúa explorando las academias clásicas. En este caso, esos beatos, santos y mártires, cuya identidad me reservo, no entro en ella. En realidad son una exploración, son unas academias que se convierten en estudios.

Paso de lo que es el hecho de colocar una figura erguida, de pie, buscando sus capacidades expresivas con las manos y la mirada.

EnDei filosofi exploro la academia de la figura, esta vez sentado, busco un objeto, que en este caso es un arcón, una silla o un taburete y, a partir de ahí, exploro las posibilidades de la figura sentada que parte de la idea del pensador, entonces busco un concepto para transformar la academia en un estudio concreto.

— El uso que haces de la luz es fascinante, ¿cuáles son tus referentes? ¿Qué es lo que buscas?

— En arte pictórico estoy más cercano a Ribera, utilizo el claroscuro. La clave es la luz y el encuadre pero el protagonismo lo tienen las manos y la mirada. Desnudo al modelo para sacarlo del contexto histórico y utilizo telas al estilo barroco que

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me sirve para abstraerme y poder centrarme en lo que podía ser lo que siento ante un San Sebastián de Ribera en el Hermitage, por ejemplo... y una manera de sentir qué pudo pasar por la cabeza de ese pintor durante el proceso creativo cuando tenía entre manos esa obra.

El claroscuro es el concepto, es como si estuviese pintando, tengo una hora para poder colocar al modelo y corregir la pose la sombra la mirada… que sea de forma natural, que el modelo sea capaz de poder hacer esto y que fluya. al final, hay un momento que algo dentro de ti te dice. ¡lo tienes, ya está! No se trata de hacer mil fotos, quizás con ocho fotos ya basta.

— Además de las formas, el movimiento es otro de tus señas de identidad — Me fascina el movimiento, el fotodinamismo, por ejemplo, en la serie Anima obscura, se plantea la idea del ¿quién soy? ¿Qué hago aquí? esas preguntas que todo hombre en un momento de su vida, que se ha hecho o se hará. En este caso el modelo lo que hace es quitarse una máscara, para quitar su identidad física y de dentro le salen cabezas que salen de forma aleatoria, moviéndose como monstruos. Esta serie está un poco inspirada en las pinturas de Goya, es un trabajo que realicé paralelamente con Academics. Una serie de retratos en la que los modelos están gritando trabajando en las vanguardias y con lo clásico, está todo unido. Aquí la técnica es diferente y el movimiento es crucial.

— ¿Cuentas con equipo o trabajas en solitario?

— No, no tengo ayudantes, todo mi trabajo lo hago yo mismo, es algo muy íntimo. La experiencia real es del modelo y mía, por eso, al final, lo que más me gusta de mi trabajo es si al modelo le ha gustado.

— ¿Cómo los seleccionas a los modelos?

— Antes solía recurrir a las agencias de modelos pero me he dado cuenta de que hay un encanto especial en encontrar a “alguien” por la calle que, por alguna determinada característica física, me llama la atención. Así que cuando veo a alguien

Serie Beata anima

Serie Anima Obscura

que me impresiona por algún motivo voy y directamente se lo propongo. La gente reacciona con sorpresa cuando les hago esta propuesta. Lo complicado no es encontrar al modelo adecuado, lo difícil es encontrar modelos dispuestos a posar desnudos. Normalmente los extranjeros son más dispuestos que los españoles a desnudarse y los modelos profesionales son mucho más reacios.

— Todas tus obras están repletas de simbología difíciles de ver a simple vista ¿qué importancia le das a ello?

— Mucha, hay obras que tienen un trasfondo que sólo determinadas personas pueden descifrarlo. En algunas de mis fotografías aparecen elementos masónicos con los que la obra adquiere un trasfondo muy importante para el que reconoce esta simbología.

Por ejemplo, en la serie Beata anima aparecen mártires y santos, normalmente el mártir siempre lleva asociado la palmera aunque en este caso, yo juego más con las telas pero en Dei filosofi aparecen los pergaminos, los libros, las plumas… elementos que son producto del pensamiento que, después de haberlo debatido, lo que realmente se quiere hacer es transmitirlo a los demás y entrar en ese debate con otros filósofos. Si te fijas, verás que hay un elemento que está en todas las obras, es una vela con una llama muy larga inspirada en las obras de George Latour, que ilumina al modelo. Aunque hay una luz que cae de arriba, que es la del conocimiento, en realidad, la luz dorada viene de la vela. Utilizo también otros elementos, como calavera y juego mucho con las telas. La blanca simboliza la pureza que, como el agua, fluye... siempre aparece de forma vertical, podríamos decir que es un pilar fundamental. Las telas en el suelo de colores ocres, amarillos y anaranjados simbolizan la madurez del conocimiento, es la base.

También hay elementos de comunicación muy importantes, como los escorzos, son ya una firma propia que uso para “jugar”, es una forma de romper el hieratismo, tal como hacían los escultores de la antigüedad.

— Aurelio muchas gracias por tu tiempo, esperamos volver a verte pronto por Madrid.

— Muchas gracias a vosotros. www.aureliomonge.es

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Plat贸n (Serie Dei Filosofi)

Esperanza

Tartarus

Hug

Anomalous, un sue単o cumplido

Cine

go Stuven Casasnovas

Hugo Stuven Casasnovas, es un actor, guionista y director de cine que con sus 36 años recién cumplidos, está inmerso en pleno rodaje de Anomalous, un “thriller” policíaco que se rueda en las ciudades de Barcelona y Nueva York. Este sueño cumplido, que es así como él lo denomina, se estrenará en 2015.

En pleno rodaje de la película y a caballo entre Barcelona y Nueva York, Hugo nos ha regalado unos minutos de su tiempo para hablarnos de su primera película en esta entrevista.

Por EMNMM

— EMNMM. Hugo, eres escritor, actor, guionista, director... ¿En cuál de estas facetas te sientes más cómodo?

— H. Stuven. Bueno, fui actor de adolescente. Hace bastantes años que no actuo, así que ya no me considero actor. Estoy más centrado en la escritura y en la dirección. Con mi primera novela El Faro de las lágrimas perdidas disfruté mucho y me gustaría repetir y atreverme con una segunda. Pero en lo que siempre me he enfocado ha sido en la dirección.

— Aunque ya de bebé comenzó tu carrera como actor haciendo de Niño Jesús, pronto te pasaste al otro lado de la cámara para dirigir tus propios proyectos, entre ellos, algunos laureados cortos en los que recuperas el misterio y el terror más primigenio, utilizando, entre otras técnicas, la música como un potente recurso. ¿Qué importancia le das a este recurso en tus trabajos?

— Lo del Niño Jesús fue algo anecdótico. No se me podía considerar actor en esas edades (risas).

Para mí la música no es un recurso, es igual o más potente que la imagen para transmitir sensaciones. Y tiene que estar en sintonía con lo que estás contando.

Es cierto que le doy mucha importancia a la música en mis trabajos. Incluso en algunos de mis cortometrajes también he participado componiendo algún tema. Me encanta tocar el piano y he hecho mis pinitos, pero siempre estuve bajo la producción de José Negrete que es el músico que ha puesto la banda sonora a algunos de mis cortometrajes.

En Anomalous la música tiene que ser un personaje más al que presto mucha atención. Para la banda sonora de la película cuento con Sergio Jiménez Lacima con el que también he trabajo en algún cortometraje. Hablamos

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horas y horas sobre el tono que le queremos dar a la película. Es un proceso que me apasiona.

— En el mundo del cine, sobre todo en el mercado americano, el espectáculo es una parte fundamental en una película ¿Qué importancia le das a ello?

— A mí las películas “palomiteras” me encantan. Pero el espectáculo no tiene por qué ser explosiones o ciudades al borde de la extinción, también puede ser una buena trama, un buen nivel de suspense, una escena que te robe una lágrima, un final arrollador… Todo puede contener cierto espectáculo. Pienso que, en el nivel que sea, tiene que haber espectáculo.

— Recientemente también has colaborado como coguionista, con Víctor Matellano en la película Wax, de la que hemos hablado largo y tendido con algunos de sus personajes en números anteriores de EMNMM, ¿Fue tu primera incursión en un largometraje?

— Si nos referimos a un proyecto rodado, sí. Tengo varios proyectos en marcha y Wax fue el primero que salió a la luz. Y viendo como está el panorama actual, fue un subidón que se pudiera rodar.

— Repasando todos tus trabajos se podría decir que el género de terror y misterio son los que más te apasionan ¿no es así?

— La verdad es que el terror no es lo que más me apasiona. No soy muy fan de las películas de terror adolescente o del gore por ejemplo. Soy más de los thriller psicológicos, el suspense, la ciencia ficción, el drama…

— En estos momentos estás rodando Anomalous, tu primera película ¿cómo surgió la idea y cuándo se gestó este proyecto?

— El proyecto se gestó hace cuatro años. Lo escribí junto con David Zurdo y Fernando Acevedo. La idea era crear una historia potente, que te mantuviera en la butaca hasta el final, que jugara con el suspense. Básicamente escribimos una película que nos gustaría ir a ver al cine. Luego el productor Miguel Torrente (El Lobo, GAL…) leyó el guión y quiso darme la oportunidad de llevarlo a cabo.

— Anomalous es un thriller psicológico que se desarrolla en Barcelona y Nueva York, háblanos de esta película.

— Anomalous es un thriller psicológico que cuenta la historia de una joven policía de Nueva York (Christy Escobar) que está interrogando a un psiquiatra (Lluis Homar) por la muerte de su último paciente; un joven (Edgar Fox) que padecía esquizofrenia. El psiquiatra, como una terapia alternativa, le dio una cámara de vídeo para que se grabara una semana de su vida normal. Con eso pretendía demostrarle que esas presencias que decía ver y sentir a su alrededor no eran ciertas. Lo que ocurrió fue que, pasada esa semana, el joven apareció muerto en extrañas circunstancias en la bañera de su casa y todo está grabado con su cámara.

La policía y el psiquiatra intentan dar explicación a lo que el joven ha grabado durante esos días ya que ciertas cosas rozan lo paranormal.

Acabamos de rodar en Barcelona todo el interrogatorio entre la policía y el psiquiatra y ahora nos trasladamos a Nueva York para rodar en Manhattan y Brooklyn. Tras cuatro años trabajando en este proyecto es muy gratificante ver que sale adelante.

— En la actualidad, sacar adelante un proyecto cinematográfico en España no es fácil y mucho menos para los jóvenes directores ¿cómo ha sido la financiación de este trabajo? ¿Qué ha sido lo más difícil?

— ¿Lo más difícil? Sin duda esperar (risas). Las productoras Numérica Films y Visiona TV son las responsables de que pueda rodar Anomalous tal y como la tenía en la cabeza desde que la escribimos.

— El protagonista de Anomalous es nada más y nada menos que Lluis Homar, uno de los grandes actores españoles. ¿Fue un papel hecho a su medida? ¿Cómo fue la selección de los actores en esta película?

— Nunca pensé en otro actor español que no fuera él.

Mi sorpresa llegó cuando tras leer el guión me dijeron que le había fascinado y que quería hacerlo. Fue un gran chute de adrenalina para mí. Trabajar con él está siendo una de las mejores experiencias de mi vida. Es todo generosidad y confía mucho en mi visión y en mi intuición. Luego, él lo transforma de manera mágica en

algo mucho mejor de lo que había imaginado. Hablamos constantemente del personaje y nos escuchamos mucho para seguir mejorando plano a plano. Me parece muy enriquecedor escuchar todo lo que el actor puede aportar a lo que ya tienes previamente en la cabeza.

Siempre pensé en dar oportunidades igual que me las han dado a mí. Por eso quería juntar a un actor tan reconocido y potente como Lluis Homar con alguien desconocido. Tras ver a muchas actrices y hacer bastantes audiciones en Nueva York encontré a Christy Escobar. El papel fue para ella nada más entrar la sala. Y estoy muy muy contento con la elección. Es fantástica y tiene un talento increíble.

— Todo trabajo es, además, una experiencia didáctica, ¿cómo está siendo el rodaje? ¿Qué es lo que te está aportando a nivel profesional y personal?

— Tengo un equipo que ni podía imaginármelo para mi primera película; Pablo Rosso, el director de fotografía (saga Rec, Mientras Duermes…), mi primer ayudante Charlie Lázaro (Alatriste, El ultimátum de Bourne…), Llorenç Miquel (Darkness), el diseñador de producción que ha hecho unos decorados increíbles, el foquista, los maquinistas, los eléctricos, el departamento de efectos digitales, maquillaje, vestuario… Aprendo en cada toma de todos los profesionales que me rodean.

— Esta entrevista está realizándose en pleno rodaje de la película y, aunque todavía es un poco pronto para saberlo, ¿cuándo estará previsto su estreno en el cine?

— En principio para el primer trimestre del 2015.

— Recientemente has declarado en la prensa que Ano­ malous es “un sueño cumplido” ¿cuál será el siguiente sueño? ¿Qué proyectos tienes para un futuro próximo?

— Creo que la vida tiene que estar llena de sueños y hay que hacer lo posible por cumplirlos. Mi proyecto más inmediato, y el más importante de todos, es en lo personal ya que seré papá en octubre. Así que viene un año cargado de emociones. Y si todo va bien, tengo otro proyecto de largometraje para el año que viene. Un thriller de ciencia ficción.

— Hugo, te deseamos todo lo mejor en este proyecto que esperamos ansiosos poder verlo, por tu próxima paternidad y te damos las gracias por dedicarnos parte de tu tiempo en pleno rodaje.

— Un placer. Muchísimas gracias a vosotros. www.hugostuven.es

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Escena

Pedro y el Capitán Compañía Círculo Teatro Pedro y el Capitán es un tenso y largo diálogo entre víctima y verdugo que se desarrolla en una sala de interrogatorios. Según define el propio Benedetti, “es una indagación dramática en la psicología de un torturador. La distancia entre ellos es, sobre todo, ideológica y es quizá ahí donde reside la clave de otras diferencias, que abarcan la moral, el ánimo, la sensibilidad ante el dolor humano, el complejo trayecto que media entre el coraje y la cobardía, la poca o mucha capacidad de sacrificio, la brecha entre traición y libertad”. Pedro es un hombre que usa su silencio casi como un escudo y su negativa casi como un arma, un hombre que prefiere la muerte a la traición.

En nuestra versión de Pedro y el Capitán hemos mantenido el texto íntegro de Benedetti, un texto escrito con acento argentino, un texto duro y directo que ahonda en el profundo pozo de la psicología del ser humano.

La compañía Círculo Teatro nace en el 2010 con una clara idea de instalarse en su Córdoba natal e iniciar la búsqueda de su propio lenguaje. Se caracteriza por una voluntad creadora, el minimalismo, la investigación y una profunda reflexión sobre el trabajo del actor. Indagando en nuevas formas de comunicación, expresión, relaciones con el espacio y cercanía con el espectador. La intención minimalista es generar sentido a partir de lo mínimo, requiere simplificar los elementos utilizados, economía de medios, austeridad y síntesis. Círculo es un teatro de actores deseosos de encontrar una renovación total en ellos.

PEDRO Y EL CAPITÁN www.offdelalatina.com Sábado 13, 20 y 27 · 20h30

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Foto: Javier Naval

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EL LOCO DE LOS BALCONES De Mario Vargas Llosa Dirección: Gustavo Tambascio El loco de los balcones es una tragicomedia de Mario Vargas Llosa que aborda los conceptos de caída, soledad, melancolía, suicidio, libertad y autenticidad/inautenticidad.

José Sacristán interpreta a Aldo Brunelli, el protagonista de El loco de los balcones, un profesor italiano de historia del arte, viudo de avanzada edad, enraizado en el Perú y dedicado junto a su única hija Ileana, de veintisiete años a rescatar balcones coloniales. Ileana conoce a Diego, un joven arquitecto con el que se casa. Ileana informa a su padre de su decisión de irse con Diego y le revela que la tarea del rescate de los balcones le parece absurda y fracasada. Considera que esa actividad le ha hecho perder los mejores años de su vida. La revelación de Ileana afecta profundamente a Brunelli que experimenta una inmensa culpa al ver sufrir a su hija y en un arranque desesperado decide quemar los setenta y ocho balcones coloniales que protegía celosamente e intenta suicidarse.

Esta obra es la tercera producción del Teatro Español sobre un texto de Vargas Llosa.

Del 17 de septiembre al 19 de octubre de 2014 Teatro Español – Sala Principal www.teatroespanol.es

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KARAOKE (vac铆o de orquesta)

Foto: Gabriel Luz

Direcci贸n: Igor Calonge

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Dentro de la programación del Circuito de la Red de Teatros Alternativos la compañía Cielo Raso presenta Karaoke, persiguiendo un lenguaje proprio, coherente, y con una delicada poesía visual. La pieza destaca por su fuerza interpretativa y emocional, por su calidad técnica.

Dos hombres y una mujer comparten un espacio (un Karaoke) al que acuden de forma sistemática cada uno por motivos diferentes. Sus estados emocionales, anhelos, sus conquistas, sus frustraciones, miedos, alegrías, todo lo que en definitiva somos, se coloca sobre el escenario, enfrente de ese micrófono que servirá de catalizador para expresar quienes son o como quieren que se les vea.

La Compañía Cielo raso es una compañía joven surgida del encuentro de intereses artísticos, pedagógicos y sociales de dos compañías: Teatro de Açucar (Brasil) y Cía. Igor Calonge (España).

A través del intercambio de lenguajes, investigación y producción, surge un espacio común de creación. Esta fusión se ha materializado en obras teatrales, obras de danza, cursos y talleres en España y Brasil.

En 5 años de colaboración las compañías han producido juntas 8 espectáculos de distintos formatos y siempre con el interés de acercarse a todos los públicos. Durante los procesos creativos se han abierto cursos formativos gratuitos, tanto en el País Vasco como en Brasilia en colaboración con distintos organismos.

La línea de la Compañía se va definiendo y asentando a través de sus creaciones. La inversión en un lenguaje propio, coherente con propuestas escénicas, de una delicada poética visual. El equipo destaca por su fuerza interpretativa y emocional, por su calidad técnica y por la investigación exhaustiva de un cuerpo global.

27 y 28 de septiembre Sala Cuarta Pared www.cuartapared.es

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Música

NOA LUR La Voz

Hay voces que nunca se olvidan y que llegan directo al corazón, es el caso de la joven bilbaína Noa Lur, posiblemente la mejor vocalista de jazz del panorama nacional.

Badakit, es el título de su primer álbum, un impresionante trabajo grabado en los Estudios Infinity de Madrid y publicado por Youkali Music con el que llegó como finalista al Festival Internacional de Jóvenes Artistas de Jazz Nomme Jazz de Estonia. Un trabajo impecable en el que acompañada sólamente por tres de los pianistas de jazz más reconocidos de nuestro país, da buena cuenta de su portentosa voz que destaca, no sólo por su belleza y calidez, también por el perfecto uso que hace de ella, convirtiéndola en una herramienta especializada en tocar el corazón y el alma de quien la escucha.

Noa Lur estará este mes de septiembre en Madrid, de ello y de su trabajo hemos hablado en esta entrevista para EMNMM. Por EMNMM Fotos: Cortesía Noa Lur

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— EMNMM. Noa, no creo en absoluto que sea una exageración decir que eres una de las voces femeninas más importantes y hermosas del panorama nacional, tanto de ayer como de hoy. Eso, además de ser un fantástico don, es producto de mucho trabajo y el resultado se demuestra en cada una de tus interpretaciones. ¿Cómo fueron tus inicios en el mundo de la música?

— N. Lur. Muchas gracias por el halago… Para ser la cantante que soy hoy he tenido que trabajar mucho, pero también es fruto de una evolución personal-emocional.

Comencé con seis años a estudiar ballet y poco a poco fui decantándome por la interpretación vocal. Mi primera oportunidad profesional la tuve a los trece años, edad en la que comencé a colaborar en galas de la televisión vasca.

— También eres periodista ¿no es así? ¿Cómo fue la aventura de dedicarte exclusivamente al mudo de la música y más concretamente al jazz, un género todavía algo minoritario en España?

— No ha sido una aventura para mí, sino algo fruto de la inercia y de la fluidez de mi pasión. Estudié Comunicación Audiovisual, Marketing, soy master en organización de eventos… y siempre traté de combinarlo con la música, hasta que ambas disciplinas resultaron incompatibles y quise escuchar a mi corazón para dejarme caer en mi verdadera motivación: la música. Creo que la cuestión del estilo no es tanto una elección sino algo que deviene.

— ¿Te consideras una artista autodidacta?

— Sí, totalmente. He estudiado y recibido clases en épocas puntuales de mi vida pero esencialmente me he formado gracias a mi curiosidad, a la búsqueda de nuevos lenguajes en la música, a escuchar a los grandes, a los pequeños y a los medianos.

— ¿Cuáles han sido tus referentes musicales?

— He escuchado de todo, desde el hip-hop hasta el rock, pasando por el bolero, el musical… Siempre he estado abierta a la música en general y de ahí he ido absorbiendo recursos, procesándolos y creando nuevos hasta ser la comunicadora que soy.

— El jazz no es un género musical fácil aunque sí muy agradecido porque se adapta a todo y a todos los intérpretes que, en muchos casos, parecen conformarse con imitar a los grandes del jazz. En tu caso, tienes una voz tan personal que tus interpretaciones son

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únicas y todas suenan a Noa Lur. Tienes una voz única e inconfundible que, sin lugar a dudas, es producto de un profundo conocimiento y cuidado de la voz. ¿Cómo se llega a tener ese sello tan personal?

— Es lo que siempre he querido, ser yo misma y mostrarme a través de un ejercicio de sinceridad que consiste, entre otras cosas, en no imitar a nadie, en buscar dentro del baúl de las emociones personales y en trabajar la técnica de manera persistente para poder transmitir lo que quiero transmitir como lo quiero transmitir.

— Badakit es el nombre de tu primer álbum, un fantástico trabajo muy íntimo y muy cálido, háblanos de este trabajo y de cómo ha sido el criterio en la selección de los temas musicales.

— El proceso de elección de los temas ha sido muy sencillo, solo di respuesta a esta pregunta “¿qué quiero cantar?”. Badakit llegó como una herramienta para dejar un registro del trabajo que venía haciendo como artista y como una manera de apuntar hacia el futuro, de presentarme y decir: “esta es Noa Lur, y este es el comienzo de una historia”.

— En este álbum la mayoría de los temas estás acompañada sólo por un piano, sin ornamentación alguna, sólo con tu fantástica voz ¿ha sido complejo?

— No ha sido difícil para mí en cuanto a ejecución porque cantar a dúo es algo que llevo haciendo muchos años y que disfruto muchísimo, por los diálogos que se generan y por la complicidad que requiere este formato. Pero es un formato al que no se suelen atrever mucho los artistas por la desnudez que implica… No hay artificios.

— Además en este álbum hay una pieza a capela en la que cantas con tu hermano ¿Tu arte es algo que ya viene en los genes?

— A mis padres les encanta la música y es un elemento con el que hemos crecido tanto mi hermano Aitor Vidaurreta, como yo. Mis recuerdos junto a mi familia están repletos de música.

— El jazz es el género más “promiscuo” de todos, los músicos tocan en su propia banda, en la de los amigos, en la big band de los amigos de los amigos… ¿Cuentas con tu propia banda fija?

— Cuento con una serie de músicos que son aquellos con los que genero el sonido que me gusta, y la com-

binación de ellos es uno de los factores que más enriquecen el sonido de Noa Lur Quartet. Me encanta la idea de contar cosas distintas a través de las mismas canciones o contar las mismas cosas de otro modo y esto lo hace posible tener la gran suerte de trabajar con diversos músicos.

— ¿Hay algún proyecto a la vista con una big band?

— Actualmente soy la cantante solista de la Walter Sax Big Band con la que recorremos teatros y salas y con la que estamos cosechando grandes éxitos, como ser el espectáculo residente del Teatro Sanpol.

— ¿Cuáles son tus planes de futuro?

— Trabajar en mi nuevo disco que adelanto se grabará con una formación mayor. Grabar disco también con la Walter Sax Big Band y sobre todo: seguir subiéndome a los escenarios de Madrid y del mundo.

— Recientemente te hemos podido ver en un fantástico concierto en Madrid ¿cuánto de veremos otra vez por aquí?

— El 13 de septiembre estaré en Platea Madrid con la Walter Sax Big Band.

— Noa, muchas gracias por dedicarnos parte de tu tiempo, es todo un honor poder contar contigo en EMNMM. — Gracias a vosotros por esta agradable conversación y enhorabuena por apoyar y hacer eco de la música, que da alas. www.noalur.com

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Madrid modernista: guía de arquitectura

Castillos y fortalezas de la comunidad de Madrid

Esta guía de arquitectura pretende cubrir un vacío existente en el panorama editorial respecto al estudio e inventario de la arquitectura modernista. Para ello, se agrupan y presentan los edificios madrileños que de una forma u otra recibieron, desde patrones eclécticos, la influencia de las distintas corrientes del modernismo internacional. Se han seleccionado los edificios más destacados de Madrid en los que se aprecian aspectos decorativos modernistas, desde grandes creaciones del modernismo madrileño hasta simples ejemplos de detalles ornamentales. Reflejando el sentido integrador de todas las artes decorativas que caracterizan el modernismo, se mencionan no sólo los arquitectos, primeros responsables de los proyectos y del diseño de muchos elementos decorativos, sino también los diferentes artistas que colaboraron con ellos: rejeros vidrieros, ceramistas, escultores y pintores.

Un espléndido libro escrito por los profesores José Luis García de Paz y Antonio Herrera Casado. Uno es maestro de Química Física, y el otro de Otorrinolaringología, pero ambos han demostrado, a lo largo de los últimos años, que saben mirar el mundo y las cosas que le pueblan, con la mirada honda de los verdaderos humanistas. En esta ocasión, se han mancomunado para viajar por los valles de Madrid, junto a sus mínimos ríos, bajando todos hacia el Tajo, y han escalado los cerros en los que se alzan -casi siempre en ruinas venerables-, los castillos que fraguaron su historia. De ellos han reunido algunas noticias verdaderas, han buscado o realizado planos, y han sacado fotografías para con todo ello hacer un relato cierto y sencillo que ofrecen al lector adornado de imágenes. Planos, trazos, bibliografía e índices añaden a este libro la utilidad de una guía que se hace imprescindible para con ella en la mano viajar a lo ancho y a lo largo de la Tierra de Madrid.

Ricardo Muñoz 220 págs.

Editorial Tébar 9788473602549

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José Luis García de Paz y Antonio Herrera Casado 192 págs.

Aache Ediciones 9788496885745

Libros

Arquitectura de Madrid

Puebleando por Madrid. Sierra Norte

Madrid posee un patrimonio arquitectónico lo suficientemente numeroso, diverso y rico para que, por su entidad artística y por su variedad tipológica, puede ser contemplado como una historia viva de su gente y de su desarrollo urbano. Esta obra pretende ilustrar al lector en cómo ver los edificios para entender la complejidad de su creación y profundizar en su comprensión. Se sirve para ello de una selección de los elementos arquitectónicos y los edificios madrileños más representativos de cada época y cada estilo. Es una invitación a pasear por Madrid para leer su arquitectura (en sus formas y sus espacios) y comprender las claves por las que se configuraron y evolucionaron aquellas obras (antiguas o modernas, monumentales o convencionales, singulares o tradicionales) que hoy constituyen su patrimonio edificado.

La realización de esta publicación tiene la finalidad principal de dar a conocer la riqueza histórica y cultural de los municipios de la Comunidad Autónoma de Madrid, a través de un recorrido que inicia sus pasos en el pasado remoto, hasta culminar en el presente más actual. En este primer volumen, que se encuentra entre tus manos, nos hemos ocupado de la Sierra Norte madrileña y de los cuarenta y dos municipios que la conforman. Pensamos que la peculiaridad geográfica del entorno, hace muy atractivo el abordaje de su conocimiento.

Por lo tanto, querido lector, realizaremos juntos un viaje iniciático por los pueblos de nuestra Comunidad, puebleando por Madrid... Que el dios Hermes nos acompañe.

Ignacio García Casas 400 págs.

Ediciones La Librería 9788498732450

Francisco Ruiz Cortés y Francisco Sánchez Cobos 334 Págs.

Editorial Seleer 9788494259104

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Tiendas

CUBO Gallery & Shop El escaparate de los escaparates

CUBO es un concepto, una filosofía, en una tienda que ofrece una cuidada selección de productos originales y exclusivos de diseño español de gran calidad en pleno barrio de Malasaña.

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La filosofía de CUBO es ofrecer productos de calidad 100% españoles y ayudar a los diseñadores a promocionar sus obras, a los que empiezan o a los artistas ya consolidados y que quieren vender sus productos entre una cuidada selección para los que creen que el diseño y la calidad están por encima de cualquier otro requisito del mercado, poniendo a su disposición este interesante espacio multidisciplinar y multimarca para que los pequeños diseñadores puedan exponer y vender sus obras y sus colecciones. Además, los artistas cuentan con un beneficio extra, como es la posibilidad de que sus trabajos también sean promocionados en prensa, redes sociales, blogs o talleres.

CUBO es un concepto que triunfa en Europa entre diseñadores de todas las disciplinas y un público que busca un producto de calidad, con esta misma filosofía CUBO se presenta en Madrid y en uno de los barrios más vanguardistas de la ciudad.

CUBO también tiene tienda online a través de la cual también impulsará las ventas de los diseñadores.

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c/ Velarde 6 Madrid www.cubogalleryandshop.com

CUBO Gallery & Shop

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Comer

Que si quieres arroz Catalina Un soplo de Levante llega a Madrid

La pasión por Levante y su gastronomía llevaron a los empresarios Antonio Galán y Alfonso Lara a emprender esta aventura. Se trataba de traer a la capital esos grandes arroces valencianos tan difíciles de ver por estos lares. Y para hacerlo nada mejor que fichar a un enorme cocinero. Discípulo de Ferran Adrià y con una amplia y laureada trayectoria por distintos puntos de la geografía española, ahora Rafa Morales llega a Madrid para triunfar paella en mano.

Por Carmen Martínez de Artola

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UN ESPACIO CON ENCANTO Que si quieres arroz Catalina está situado en la Casa de Campo, en el Palacio de la Misión, un edificio con varios salones y un gran patio circular a modo de terraza cubierta que resulta de lo más agradable. La decoración, clásica con toques actuales, es elegante, cálida y convierte al local en un espacio acogedor e ideal tanto para ir con la familia como con amigos o en pareja. Un lugar que además ofrece multitud de posibilidades. Incluso en ocasiones acoge exposiciones como la que ha tenido lugar durante este verano del diseñador y escultor Juan Iranzo Soler sobre tauromaquia, cante y baile.

UNA CARTA CON EL ARROZ POR BANDERA En su carta sencillos pero bien tratados entrantes como las croquetas melosas de jamón ibérico, los buñuelos de bacalao, el cazón en adobo o la escalibada con bacalao, que ceden el mayor peso en la comanda a los protagonistas de esta casa: los arroces. Una fórmula de éxito que les concede llenos diarios a los pocos meses de su apertura. Secos como el Huertano sólo con verduras naturales como alcachofas, espárragos o setas; el Montanero, que acompaña las verduras de costilla de cerdo ibérico; el A banda, sin tropezones; o el negro, con calamares y gambas. Entre los melosos de perol están el Torero, con judías verdes, garrofón, ajetes y rabo de toro; el de bogavante americano; y el marinero, con rape, puntillitas y calamares. Y para los más previsores, sólo por encargo, su especialidad, una auténtica paella valenciana con ingredientes como conejo, pato, bachoqueta, garrofón, alcachofas y caracoles.

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MENÚS PARA TODOS LOS BOLSILLOS Como todo no puede ser arroz en la vida, también ofrecen una paella de fideos que durante el verano forma parte de un menú compuesto por platos como ajo aceite al azafrán, salmuera de merluza a la japonesa, cremoso de atún con caviar de trucha, fideuá con bacalao, langostinos y coliflor a la tinta de calamar y una crema de vainilla para terminar.

Además, dos menús que permanecen durante toda la temporada: el Catalina que por tan sólo 25 euros incluye aperitivos, varios primeros como boquerones en vinagre, ensaladilla rusa o fritura del día, luego un arroz a elegir y de postre varias opciones como la mouse de chocolate, naranjas y fresas al anís o la tarta de manzana con helado de vainilla; y el Menú Sorpresa, con entrantes que varían cada día y un arroz, al que en el caso de ser del mar, le añaden medio bogavante.

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LA PAELLA Y MUCHO MÁS Nos lanzamos a por el menú largo y para beber elegimos el Neno de Viña Somoza, un godello de Valdeorras fresco y floral que forma parte de una carta de vinos no muy larga pero con algunas referencias acertadas. El festín empieza con unas ricas brochetas de encurtidos y unas almendras tostadas. Buen abre boca junto a los correctos panes, unas ricas regañás y ali oli al azafrán. Y enseguida llega, en una cucharilla una esferificación de aceituna que nos recuerda el paso de Morales por el Bulli.

Entramos en materia con la merluza en salmuera con soja y jengibre. El pescado crudo, cortado a medio camino entre el sashimi y el carpaccio y con un aliño que le va de maravilla. Sorprendentemente gustoso. Llega a continuación un hummus de garbanzos con langostinos y huevas de salmón de agradable textura y adecuado sabor, y unos calamares fritos tiernos y sin nada de grasa. Y terminamos el picoteo con un delicioso bocado: el matrimonio en el que dos boquerones caseros abrazan la anchoa con armonía.

Momento para nuestra paella, una de las demandadas y con toda la razón, el arroz del Señorito Madrileño de gambas peladas, calamares, pulpitos y, en este caso, el bogavante troceado. Perfecto de punto, con un intenso sabor reflejo del uso de un fondo de altura y unos tropezones excelentes entre los que destacan unos pulpitos de gran calidad, tiernos y sabrosísimos. De postre probamos un cremoso de vainilla con mango y otro de yema con frambuesa. Caseros y deliciosos ambos.

Buena mano en la cocina, cuidado servicio, atractivo entorno y, sobre todo, extraordinarios arroces que hacen de Que si quieres arroz Catalina un obligado desahogo en la ciudad con aires de levante.

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QUE SI QUIERES ARROZ CATALINA c/ Principal de Provincias, 9 (Casa de Campo) Madrid Tlfo. 91 464 77 77 www.quesiquieresarrozcatalina.com

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La decadencia figura entre un ámbito de pulcro y seducción, una puerta entre lo mágico y real, hasta llegar a todo aquello que pueda envolver nuestros sentidos. Una ilusión que va más allá de lo que podríamos imaginar.

Tocar, reír, volar al ritmo de una buena música, desahogarse en tiempos perdidos de arte, abducidos por el verso y un poema, son parte de un entorno que buscamos para todo aquel que llegué a nuestras puertas… lo disfrute.

Polana Cabaret by La Curtidora, es un concepto nuevo y necesario para una ciudad cosmopolita y hedonista como lo es Madrid, pensado para poder cautivar no solo a nuestros madrileños, sino a todo aquel forastero que venga en busca de nuevas emociones.

Este gran equipo de artistas inaugura su segunda temporada en el mes de octubre, cada viernes podremos disfrutar de una diversidad musical, cargada de comedia y entretenimiento de primer nivel.

Generando un espacio de fantasía donde haga que lo decadente forme parte del show como en los antiguos cabarets parisinos, sin perder ese toque de

elegancia y calidad artística que los diferenciaba de las grandes óperas y espectáculos de marquesinas.

Quieren revolucionar y volver a aquel tiempo, donde por pocas monedas, la vida era más bohemia, sencilla y divertida, pero siempre guardando la elegancia y el placer del gran lujo, en fin… La Vie en Rose.

El champagne y los espirituosos serán personajes importantes dentro de esta catedral del vicio, aquí para alcanzar la decadencia hay que soñar, beber, reír, bailar y disfrutar.

En este CABARET, todos los personajes te llevarán de la mano, para que puedas integrarte y ser parte del espectáculo interactivo que tienen con el público.

Música en vivo, actuaciones y números especiales van a cargo de todo un equipo de grandes profesionales.

Nunca su CABARET será el mismo, siempre que vayas tendrás nuevas alegrías, emociones, música y arte.

POLANA CABARET C/ Barbieri 10 Madrid

Salir

“Porque somos como somos y ya no hay vuelta atrás, Porque somos ambiciosos y con vicio normal” La Curtidora

Agenda EXPOSICIONES _________________________________ – Alberto García-Alix. Autorretrato (Hasta el 28 de septiembre. Círculo de Bellas Artes) – Alma-Tadema y la pintura victoriana (Hasta el 5 de octubre. Museo Thyssen-Bornemisza) – Almayso (Hasta el 23 de septiembre. Manzana Mahou 330) – La Biblioteca Nacional de Israel: Depóstito de memoria (Hasta el 21 de septiembre. Casa del Lector) – Cerámica Italiana (Hasta el 28 de septiembre. Museo Artes Decorativas) – Le Corbusier (Hasta el 12 de octubre. CaixaForum Madrid) – Dibujos españoles en la Hamburger Kunsthalle (Hasta el 30 de octubre. Museo del prado) – Diseñar América (Hasta el 12 de octubre. Biblioteca Nacional) – Dominique Gonzalez-Foerster (Hasta el 19 de octubre.

Palacio de Cristal de El Retiro) – Evangelion y las katanas japonesas (Hasta el 28 de septiembre. Museo ABC) – Inventos. Ideas que cambian vidas (Hasta el 26 de octubre. CaixaForum Madrid) – Joan Vilatobà (Hasta el 21 de septiembre. Museo del Romanticismo) – Kerry James Marshall (Hasta el 26 de octubre. Palacio de Velázquez) – Máscaras de Alberto Schommer (Hasta el 21 de septiembre. Museo del Prado) – Mediterráneo. Del mito a la razón (Hasta el 5 de enero de 2015. CaixaForum Madrid) – Pilar Albarracín (Desde 11 de septiembre. Galería Javier López) – Richard Hamilton (Hasta el 13 de octubre. Museo Nacional Reina Sofía) – Sorolla y América (Desde el 23 de septiembre. Fundación Mapfre. Recoletos) – El último viaje de la fragata Mercedes (Hasta el 30 de noviembre. Museo Naval)

– Luz Casal + Los Secretos + DePedro (18 de septiembre.

Plaza de toros de Las Ventas) – The Mockers (26 de septiembre. Wurlitzer Ballroom) – Olé Swing (24 de septiembre. El Junco) – The Original Blues Brothers Band (3 de septiembre. La Riviera) – Richie Kotzen (5 de septiembre. Sala Penélope) – Rosendo (27 de septiembre. Plaza de toros de Las Ventas) – Sonny Knight & The Lakers (24 de septiembre. Moby Dick) – Spin Doctors (11 de septiembre. Arena) – The Trouper’s Swing Band (5 de septiembre. El Junco) ESCENA ________________________________________ – Calígula, de Albert Camus (Del 11 al 28 de septiembre.

Teatro Fernán Gómez) – Comment te dire adeu (Del 18 al 28 de septiembre. Sala Azarte) – Hay deshacer la casa (Hasta el 28 de septiembre. Teatro Muñoz Seca) – Los jugadores (Hasta el 5 de octubre. Teatros del Canal) – Largo viaje del día hacia la noche (Del 4 de septiembre al 30 de noviembre. Teatro Marquina) – Medida por medida (Del 18 al 21 de septiembre. Teatro María Guerrero) – Mi gran obra (Del 16 al 21 de septiembre. Teatro La Abadía) – Los nadadores nocturnos (del 18 al 28 de septiembre.

Naves del Español) – Le nozze di Figaro (15 y 27 de septiembre. Teatro Real) – Otelo (Hasta el 14 de septiembre. Teatro Bellas Artes) – La sangre de Antígona (Del 11 al 14 de septiembre. Teatro María Guerrero) – Sé de un lugar (Del 4 al 21 de septiembre. Sala Cuarta Pared) – Trampa para pájaros (2, 9, 16 y 23 de septiembre. Teatro Lara) – True West (El Auténtico Oeste) (Del 8 al 27 de septiembre. Teatros del Canal)

MÚSICA ________________________________________ FERIAS ________________________________________ – The Delta Saints (25 de septiembre. El Sol) – Extremoduro (12 y 13 de septiembre. Plaza de toros de Las Ventas) – Graham Parker (5 de septiembre. Shôko Madrid) – JazzEñe 2014 (7 y 8 del 25 al 27 de septiembre. La SGAE) – The Jim Jones Revue (16 de septiembre. Arena)

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– Arnold Classic Europe (Del 26 al 28 de septiembre. Pabellón multiusos Casa de Campo) – ESMO 2014 (Del 26 al 30 de septiembre. IFEMA) – MOMAD Metrópolis (Del 12 al 14 de septiembre.

IFEMA)

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2014. Es Madrid no Madriz