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ES Madrid NO MadriZ Magazine

NĂşmero 43 / Marzo 2016


| EDITORIAL |

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arzo es un mes con fama de ventoso y es el mes en el que, además, comienzan a sentirse los primeros signos de la esperada primavera. Uno de los lugares donde los

efectos de la primavera temprana se hacen más evidentes es el Parque de El Retiro, un trozo de naturaleza en pleno corazón de Madrid. El parque de El Retiro es, además, uno de los lugares preferidos por los madrileños y turistas para descansar, hacer deporte, relajarse y disfrutar de los innumerables monumentos repartidos por todo el parque. El más espectacular de todos ellos es, sin lugar a dudas, el monumento en honor al rey Alfonso XII, situado en el Estanque Grande. Este monumento es en realidad un espectacular conjunto escultórico en el que dejaron su huella artística arquitectos como José Grases Riera, el mismo que proyectó el modernista Palacio de Longoria y escultores como Miguel Blay y Fábregas, Aniceto Marinas, Ricardo Bellver, Mateo Inurria o Mariano Benlliure. Comenzamos este número haciendo una parada en este singular monumento para después continuar nuestro particular recorrido por la mejor selección de la cultura, el ocio y el espectáculo, con las mejores propuestas y los personajes más interesantes del panorama nacional e internacional.

Ramón Rivas

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NOTICIAS

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MADRID. Rincones de El Retiro

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MADRID COMUNIDAD. Madrid Help Horses / Rescate Equino

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MADRID NATURAL. Ranas Madrileñas

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LUGARES. Uceda

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PERSONAJES. Lucy Lummis

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ARTE. Manuel León

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FOTOGRAFÍA. Cannon Bernáldez

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CINE Y TV. Premios Goya 2016

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ESCENA. Obras en cartel

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MÚSICA. Festival Cultura Inquieta 2016

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LIBROS.

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HÉROES EN SILENCIO. Carolina Cobián

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EXTRAÑO Y CURIOSO. Los olivos milenarios de Ulldecona

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ESPACIOS. Stone Tissue

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COMER. Garbel

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AGENDA

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| CONTENIDOS – MARZO 2016 |

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EMNMM es una publicación online de carácter mensual web: www.esmadridnomadriz.com Blog: www.esmadridnomadriz.blogspot.com

EQUIPO DIRECCIÓN Y CONTENIDOS Ramón Rivas ramon@esmadridnomadriz.com

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Maite Rivas

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AGRADECIMIENTOS Cultura Inquieta Universal Pictures ANAA Madrid Help Horses Ministerio de Educación y Cultura Es Madrid no Madriz Magazine es una publicación independiente y mensual, editada en Madrid (España), orientada a la cultura, el ocio y el espectáculo.

Edita: Es Madrid no Madriz Magazine ISSN 225-5846 Apdo. Correos 14.544 28080 Madrid (España) Si deseas colaborar y formar parte de nuestro equipo o dar a conocer tu trabajo, visita www.esmadridnomadriz.com para más información. ADVERTENCIA El contenido de esta publicación está protegido por copyright. Todas las imágenes y textos publicados en Es Madrid no Madriz Magazine son propiedad de sus autores y están sujetos a copyright. Ninguna imagen o texto puede ser reproducido, editado, copiado o distribuido sin el expreso permiso de sus propietarios legales. Es Madrid no Madriz Magazine no se hace responsable de las opiniones vertidas y de los puntos de vista expresados por las personas que aparecen en este número.

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Proyectos para el IV Centenario de la muerte de Miguel de Cervantes

La Comisión Nacional del IV Centenario de la muerte de Miguel de Cervantes, ha aprobado el Programa Oficial de actividades y los incentivos fiscales aparejados a las mismas con los que se pretende celebrar al más insigne autor de las letras españolas. La conmemoración cuenta ya con 229 proyectos aprobados, si bien el Programa Oficial continuará abierto para que creadores, agentes e instituciones que lo deseen puedan participar presentando sus propuestas hasta el 23 de abril. El objetivo en este IV Centenario es ampliar el acceso del público general a la vida, la obra y la época cervantinas. Para ello, el Programa Oficial se articula en torno a tres ejes principales: en primer lugar, una extensa programación cultural a nivel nacional e internacional de exposiciones, conciertos, producciones y giras teatrales, danza, ciclos de cine, congresos, conferencias y un sinfín de actividades divulgativas y de fomento de la lectura. En segundo lugar, la investigación académica en torno a Cervantes, su obra y su legado, con criterios de estricto rigor científico. Por último, la divulgación de la vida y obra de Cervantes utilizando las herramientas del siglo XXI, tanto para la digitalización de fondos como para la comunicación social de los contenidos. La conmemoración pretende profundizar en la investigación y el conocimiento académicos de Cervantes y de su obra, apoyando proyectos como la Enciclopedia Cervantina o el portal Cervantes Digital. Destacan además experiencias virtuales y de digitalización como el micrositio web elaborado por la BNE en el que se facilita el acceso público de todos los fondos de El Quijote con8 - EMNMM

servados; la creación de un catálogo online de las colecciones en los museos estatales de la Dirección General de Bellas Artes relacionadas con la vida, obra y época del autor; o la exposición virtual organizada por la Subdirección General de Archivos Estatales del Ministerio de Educación, Cultura y Deporte. Se espera que todas estas acciones reviertan positivamente en el desarrollo del turismo cultural, especialmente de todas aquellas Comunidades Autónomas asociadas al periplo vital del autor y a los diversos itinerarios que trazan sus obras. Proyectos destacados Entre los proyectos aprobados, destaca la exposición organizada por la Biblioteca Nacional de España (BNE) y Acción Cultural Española (AC/E) Miguel de Cervantes: de la vida al mito. 1616-2016, que se inaugurará el 2 de marzo y a la que han sido invitados SS.MM. los Reyes. Además, son de especial relevancia las muestras 16 personajes que maravillan y Miguel de Cervantes de AC/E; Quijotes por el mundo, del Instituto Cervantes y AC/E; Forges y Cervantes, organizada por la Comunidad de Madrid; o Cervantes 2016: la poética de la libertad en la Catedral de Cuenca, con la colaboración de la Junta de Castilla La Mancha. El Ayuntamiento de Madrid y el Ayuntamiento de Alcalá de Henares también han organizado un buen número de actividades en los lugares cervantinos asociados al periplo vital de este autor. Por ejemplo, en Madrid, las bibliotecas públicas municipales exhibirán


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“Miguel de Cervantes en tu Biblioteca” y “La corte de las Letras; Cervantes y el Madrid de su época”, en la Imprenta Municipal Artes del Libro. Alcalá se han preparado un amplio programa de actividades basado en la participación ciudadana.

público de todos los fondos de El Quijote conservados; la creación de un catálogo online de las colecciones en los museos estatales de la Dirección General de Bellas Artes relacionadas con la vida, obra y época del autor o la exposición virtual organizada por la Subdirección General de Archivos Estatales del Ministerio de Educación, Cultura y Deporte.

Dentro del programa destacan también los proyectos de digitalización y experiencias virtuales. En muchas de ellas se contará con la colaboración de Google, a través del Google Cultural Institute, que ofrecerá apoyo a las instituciones que forman parte de la Comisión, tanto en la labor de digitalización de sus contenidos cervantinos, como en la difusión a través de su plataforma. Esto permitirá que muchas de las exposiciones programadas en España sean también accesibles desde cualquier lugar del mundo a través de Internet.

Hay una amplia variedad de propuestas musicales y escénicas organizadas por el Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música (INAEM) como los conciertos Miguel de Cervantes: viajes y utopías y Danzas y Andanzas cervantinas o el Ballet de Don Quijote, a cargo de la Compañía Nacional de Danza, que hará gira por España, México y finalizará en el Lincoln Center de Nueva York.

Otros proyectos digitales en marcha son el micrositio web elaborado por la BNE en el que se facilita el acceso

La iniciativa cultural privada se ha sumado también a la conmemoración. El Liceo de Barcelona estrenará

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vidades. También se ha cuidado de manera especial la colaboración con las autoridades británicas al coincidir la conmemoración con el cuarto centenario de la muerte de William Shakespeare. Se han programado conferencias, congresos, intercambios de residencias de profesores o la edición en inglés y español de textos inéditos sobre ambos autores organizadas en colaboración con Acción Cultural Española, la Embajada de España, la Universidad de Alcalá e instituciones británicas como el British Council, Hay Festival, British Spanish Society, la Universidad de Oxford o la Universidad Queen Mary of London.

bajo la dirección de Mario Gas el musical El hombre de la Mancha; y el teatro de la Abadía de Madrid itinerará Los Entremeses, de José Luis Gómez. Dimensión internacional La conmemoración tiene una marcada dimensión internacional que, a través de Acción Cultural Española, las Embajadas, los centros culturales de AECID y del Instituto Cervantes, permitirá que la celebración del año cervantino esté presente en prácticamente todos los países con presencia diplomática española. Los principales actos del IV Centenario recorrerán un amplio circuito internacional, desde Moscú hasta Shanghai, de Buenos Aires a Nakamura. En los casos en los que la itineraria física es imposible, como la exposición que se inaugurará en la Biblioteca Nacional de España, se han preparado versiones virtuales para su gira internacional. Dada la especial vinculación con Iberoamérica de la figura de Cervantes, la conmemoración tendrá en ese continente una especial resonancia. España será este año país invitado en el prestigioso Festival Cervantino de Guanajuato, en México, y en el Festival Cervantino de Uruguay, con una destacada participación de compañías españolas con espectáculos dedicados a Cervantes y varios proyectos de intercambio. Buenos Aires y Santiago de Chile acogerán también importantes acti10 - EMNMM

Pero no solo las grandes capitales occidentales tendrán programación del Centenario. El interés universal por Cervantes se reflejará gracias a las Embajadas de España en países como Guinea Conakry, Malí o Níger, donde por citar un proyecto se creará un cómic-ilustración con artistas locales bajo el lema “Quijotes en el Níger”. No podemos olvidar Argelia dónde se ha iniciado ya un amplio programa cultural en colaboración con las autoridades locales. El IV Centenario cuenta con la página web www.400cervantes.es que, además de ser una plataforma fundamental en la difusión y conocimiento de las actividades programadas en todo el mundo, constituye una herramienta pedagógica-educativa para ahondar en el momento histórico, la obra y la vida de Miguel de Cervantes. Ofrece un recorrido ameno que nos permite aprender mientras viajamos, con paradas en los elementos biográficos más significativos. La web que pone a disposición de todos los usuarios recursos digitales ya existentes, a los que se sumarán paulatinamente otros contenidos, algunos de ellos hasta ahora inaccesibles en red. Entre ellos, los fondos propios de la Biblioteca Nacional de España, la Biblioteca Virtual Miguel de Cervantes o a las obras completas del escritor de la Universidad de Alcalá. www.400cervantes.es


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Alberto García Alix. Un horizonte falso que García-Alix nos zambulle, distorsionando la realidad a través de abstracciones, deformaciones, metáforas visuales o potenciándola con emociones vitalistas, mórbidas, con presencias y ausencias.

Hasta el 10 de abril, en La Principal de Tabacalera, se mostrará la exposición: Alberto García Alix. Un horizonte falso, la nueva narración visual de este artista que deconstruye su realidad a través de la fotografía. La exposición, comisariada por Nicolás Combarro, ha sido organizada por la Subdirección General de Promoción de las Bellas Artes. Componen la exposición más de 80 fotografías. Una amplia selección de las mejores imágenes de su obra más reciente en diálogo con imágenes del pasado. Un horizonte falso se mostró en la Maison Européene de la Photographie de París y llega ahora a La Principal de Tabacalera actualizada por su autor, por lo que se podrán ver imágenes de su más reciente producción como parte de su serie fotográfica sobre la metáfora de la motocicleta. Se muestra además en la exposición una obra en vídeo de nueva producción que se convierte en el eje del proyecto, una narración en primera persona. Su voz nos conduce a través de microrrelatos que nos trasladan a “San Carlos”, una ciudad de luces y sombras; el “jardín perdido” y sus alegorías orgánicas; los “olvidados y mártires”, retrato de una generación de supervivientes y caídos; o a “Rocinante”, la motocicleta vista como una montura abstracta de velocidad y desequilibrio. Un tránsito emocional a través de un imaginario propio: paisajes urbanos, naturalezas abstractas, retratos, autorretratos… Un horizonte falso se construye alrededor de un relato fotográfico a través del cual el autor nos muestra los límites de su universo fotográfico. La fotografía es ese “horizonte falso” en el

Alberto García-Alix nace el 22 de marzo de 1956 en León. Sus primeros negativos datan del año 1976. A principios de los años 80 realiza sus primeras exposiciones individuales en galerías madrileñas como la Galería Buades o la Galería Moriarty, así como en galerías internacionales como la Portfolio Gallery de Londres. En 1986, se pasa al formato medio y empieza a realizar trabajos de encargo para diseñadores de moda españoles, además de trabajos editoriales para ediciones como El País o Vogue. En 1998, realiza una gran exposición retrospectiva durante la primera edición de Photoespaña, con un enorme éxito de público y crítica. El reconocimiento definitivo a su obra llega de manos del Premio Nacional concedido por el Ministerio de Cultura español en 1999. En esta época comienza a trabajar con la galería Juana de Aizpuru en España y con la Galería Kamel Mennour en Francia, realizando también exposiciones en galerías de Nueva York, Bruselas y Roma. Entre 2003 y 2006, traslada su domicilio en París donde realiza una trilogía en video alternando imagen fotográfica y filmada que representa la incursión del artista en el formato vídeo que continúa en la actualidad en paralelo a su labor de fotógrafo. En 2009 presenta una exposición retrospectiva en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía así como en el Ullens Center de Pekín y en la Maison de la Photographie de Moscú. Recientemente ha realizado muestras en la Maison Européene de la Photographie de París, en la Photographers’ Gallery de Londres y en el MUSAC de León. Su obra se encuentra en grandes colecciones internacionales como la del MNCARS, los Fonds Nationales d’Art Contemporain en Francia, o la colección de la Deutsche Börse en Alemania. www.albertogarciaalix.com

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Wyeth: Andrew y Jamie en el Estudio

Andrew Wyeth Lejanía, 1952

El Museo Thyssen-Bornemisza presenta, junto con el Denver Art Museum, la primera retrospectiva en Europa sobre Andrew Wyeth (1917-2009) y su hijo Jamie (1946), destacados representantes del realismo americano del siglo XX. Más de 60 obras procedentes de instituciones públicas y colecciones privadas, algunas de ellas nunca antes expuestas en público, ofrecen al visitante la oportunidad de conocer la obra de estos dos artistas, así como detalles de su vida y de su capacidad creativa. Wyeth: Andrew y Jamie en el estudio permite además descubrir cómo, en ocasiones, el trabajo de ambos discurría en paralelo, se complementaba o, incluso, servía para plantear desafíos entre ellos. El generoso acceso

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a las colecciones privadas de Andrew y Betsy Wyeth y de Jamie Wyeth ha permitido al comisario de la muestra, Timothy J. Standring, conservador de pintura y escultura de la Gates Foundation del Denver Art Museum, desarrollar un completo proyecto expositivo, con importantes obras de ambos que recorren todos los periodos de sus carreras. “Pinta lo que conoces y amas” Junto al gusto por lo teatral, el humor negro o la experimentación técnica, los Wyeth compartieron una misma sensibilidad. Los dos trabajaron en Pensilvania y Maine y en un relativo aislamiento del mundo artístico. Ambos fueron niños prodigio y se educaron en


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casa donde, además, aprendieron las técnicas artísticas de miembros de su familia y dedicaron miles de horas a dominar el oficio y a buscar, hasta encontrarlo, el universo que querían mostrar a los demás. También tienen en común la utilización de técnicas y materiales de una forma muy heterodoxa. Tal vez como reacción a su rigurosa formación académica, ninguno de ellos aplicó nunca a los dibujos ni a las obras acabadas ningún tipo de jerarquía formal. Todo empezaba cuando sentían una emoción profunda que, en palabras del comisario, se resumiría en: “pinta lo que te inspire en cada momento, pinta lo que conoces y amas”. La exposición está planteada como una conversación artística entre los dos pintores en torno a algunos de los temas que han marcado su producción, y que sirven para organizar el recorrido en los siguientes capítulos: Padre e hijo; Amigos y vecinos; Lugares compartidos; Animales; Desnudos; Control y exuberancia y Extraños prodigios.

Amigos y vecinos Los dos artistas buscaban inspiración en los objetos y personas que conocían bien. En los pocos retratos que hicieron por encargo, se empapaban del mundo de sus modelos: compartían con ellos historias, estudiaban sus movimientos y su entorno, observaban lo que hacían a diario. “Cuando decido pintar a alguien, no es por su fisonomía sino por lo que transmite” -dice Jamie-, “tienes que saberlo todo de tu modelo. Si no, te quedas en la piel”. Y lo mismo pensaba Andrew: “Me involucro con las personas a las que retrato. Me hago amigo de ellas. No las pinto y sanseacabó”. Para Andrew, hasta las habitaciones en las que no hay nadie reflejan la personalidad de los que viven en ellas; es el caso de Maíz para sembrar (1948), donde pinta el desván de la casa de sus amigos Alvaro y Christina Olson. “Creo que una persona impregna un sitio... En los cuadros que representan esa casa, las ventanas son casi unos ojos, o fragmentos del alma. Cada ventana es para mí una parte distinta de la vida de Christina”.

Andrew y Jamie se criaron en casas llenas de libros y de creatividad. El padre de Andrew, al que se conocía como N.C., adquirió notoriedad como ilustrador de clásicos del género de aventuras como Robin Hood o La isla del tesoro. N.C. alimentó las inquietudes artísticas de Andrew, y este transmitió a su vez ese espíritu a Jamie. En Lejanía (1952), una de sus primeras obras a pincel seco, Andrew pinta a su hijo tratando de captar los detalles con la máxima nitidez; “busco esos momentos, el instante fugaz pero no congelado”, comentó sobre este cuadro. Jamie recordaría después que, mientras posaba, se dio cuenta de que había perdido en la hierba un soldado de juguete, lo que explicaría su mirada perdida en la “lejanía”.

Lugares compartidos

En su juventud, Jamie aspiraba a hacerse un nombre como pintor de retratos. Con 23 años realizó uno de su padre, en el que el sencillo chaquetón típico de los amish, que apenas se distingue del fondo oscuro, le da al retrato un aire sombrío. Según él, su padre era una persona muy divertida que “se tomaba muy en serio su obra y la de los demás”.

Los animales domésticos de los Wyeth siempre fueron parte de la familia. Padre e hijo se identificaban mucho con ellos cuando los pintaban en obras como Racoon (1958), El isleño (1975) o Durmiente nocturno (1979), poniendo tanto esmero y concentración como cuando trataban otros temas.

Cada mes de mayo, losWyeth se trasladaban desde Pensilvania hasta las pequeñas localidades costeras e islas de Maine. Pocas veces se alejaron de esos sitios familiares. Se sentían libres cuando trabajaban en ambientes que conocían bien. En las colinas, bosques, paisajes rocosos y casas que tenían un significado personal para ellos, podemos comprobar lo distintas que eran sus visiones artísticas: a Andrew le obsesionaban los temas cotidianos -y por eso a menudo olvidados-, mientras que Jamie busca lo extraño, lo peculiar. Animales

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Control y exuberancia Durante su etapa de formación, ambos pintores aprendieron a ser rigurosamente disciplinados, a crear contornos y volúmenes dibujando una y otra vez formas geométricas a partir de modelos reales y vaciados de escayola, y a realizarlos después de memoria. Esa práctica constante les enseñó a ser muy observadores. Entendieron que, con esa preparación, podrían trabajar después de una manera más libre e intuitiva; muestra de ello son obras como Rompiente en el arrecife (1949), Estudio para castañas asadas (1956) o La buhardilla (1962), todos ellas de Andrew. Como él mismo dijo “para saltarse las normas, tienes que conocerlas”. Extraños prodigios

Andrew Wyeth El Roble, 1944

Desnudos En la obra de Andrew Wyeth escasean los desnudos hasta 1968, año en el que diversas circunstancias le llevaron a explorar la figura humana. La muerte de Christina Olson, su amiga y modelo durante mucho tiempo, dejó, como él mismo reconoció, un vacio en su creatividad. Poco después, movido quizás por los dibujos que Jamie estaba haciendo de su prima (Desnudo de Robin McCoy, 1968), Andrew empezó una serie de desnudos de una joven vecina, Siri Erickson (La Virgen, 1969 o Estudio para Amantes, 1981) y esas obras llevaron después a otras del mismo género.

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Representar pequeñas obras teatrales con vestuario, gastar bromas, crear mundos en miniatura y complicadas historias, o celebrar Halloween como la principal fiesta del año son tradiciones de la familia Wyeth que ejercieron una gran influencia sobre Andrew y Jamie. Su afinidad con lo fantástico está en el origen de obras como Danza de la muerte (1973) de Andrew o Lluvia de meteoros (1993), una de las creaciones más originales de Jamie, no solo por el contenido -un espantapájaros vestido con una casaca militar de 1812 que, tanto él como su padre, utilizaron en muchas de sus obras-, sino también por los valiosos materiales empleados: Jamie “tomó prestado” un collar del joyero de su mujer y molió sus perlas para fabricar el pigmento con el que pintó las estrellas que titilan en el cielo.

Wyeth: Andrew y Jamie en el estudio Del 1 de marzo al 19 de junio de 2016 Museto Thysen-Bornemisza, Madrid www.museothyssen.org


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Baselworld 2016 nuevas colecciones e innovaciones, junto con las tendencias que se impondrán en los próximos doce meses. Según Greg Simonian, presidente de Westime, EEUU: “Baselworld es una sucesión constante de novedades que despierta el interés de nuestros clientes. A menudo recibo mensajes de mis clientes desde el primer día de Baselworld para reservar novedades que se han dado a conocer a través de la prensa y los medios sociales. Baselworld es la cita mundial más importante para los diamantistas, los vendedores de perlas o piedras preciosas, los representantes del sector de las máquinas, así como para los proveedores más importantes. En total, más de 1500 representantes de 40 países exhiben puestos espectaculares repartidos en una superficie de 141.000 m2.

Este mes de marzo abre sus puertas el salón Baselworld 2016, evento que presenta las últimas tendencias del sector de la relojería y joyería y que acogerá a unos 150.000 asistentes y 4.000 periodistas. El objetivo del salón es el de presentar a los consumidores de todo el mundo las últimas creaciones e innovaciones que se exhibirán en esta importante cita anual. La edición de 2016 de Baselworld tendrá lugar del 17 al 24 de marzo. Evento clave para toda una profesión Baselworld es un acontecimiento único al que acuden las marcas de relojería y joyería más importantes y prestigiosas, así como los jóvenes talentos. Cada año, acuden a este evento los minoristas más representativos del sector y miles de representantes de prensa. Este salón es también el marco que eligen los representantes para lanzar multitud de novedades mundiales,

Para informar de la frenética actividad cotidiana que tiene lugar en Baselworld, más de 4000 periodistas transmiten en directo al mundo entero las primicias del sector y difunden de manera continua noticias sobre las novedades e innovaciones más sorprendentes. Como muestra de la importancia que tiene esta cita para Suiza y para todo el mundo, todos los años acude un miembro del Consejo Federal Suizo para realizar la inauguración de Baselworld. Este año, Baselworld contará con la presencia de la Consejera Federal Simonetta Sommaruga, Jefa del Departamento Federal de Justicia y Policía, el jueves 17 de marzo de 2016. Reconocido en el mundo entero como la cita mundial ineludible para el ámbito de la relojería y la joyería, Baselworld es “El lugar” en el que quedan plasmadas las nuevas tendencias del sector. Además de a los profesionales que asisten al evento, el eco de Baselworld se extiende ampliamente y llega a los consumidores de todo el mundo, conscientes de que las futuras tendencias se darán a conocer en Basilea y que las novedades presentadas serán las que marcarán el año en el sector de la relojería y la joyería.

Baselworld 2016 Del 17 - 24 de marzo de 2016 Messe Basel, Suiza baselworld.com

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TEFAF Maastricht, la principal feria de arte del mundo A través de los años TEFAF Maastricht ha forjado una reputación sin igual como la feria más importante del mundo para el arte, antigüedades y diseño. Su objetivo es fortalecer esta posición a través de tres valores fundamentales: la excelencia, competencia técnica y la elegancia. Estos proyectos y el reforzar el carácter de una feria que define la excelencia en el arte y atrae a coleccionistas, conocedores, curadores y otros amantes del arte de todo el mundo. TEFAF mejora continuamente la amplitud, la calidad y la presentación de los artículos a la venta, mientras que al mismo tiempo que presenta exposiciones memorables y tomando iniciativas innovadoras que han cambiado la forma en que el mundo del arte hace negocios. En esta edición de 2016, TEFAF Maastricht cuenta con la presencia de 275 de las principales galerías de 20 países. Es un gran escaparate en continua evolución donde se muestran las mejores obras de arte del mercado internacional.

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Junto a las áreas tradicionales de Pintura Antigua y obras de arte antiguas, en TEFAF Maastricht se puede ver y comprar una amplia variedad de clásicos modernos y el arte contemporáneo, fotografía, bisutería, diseño del siglo XX y obras sobre papel. Esta feria es inigualable tanto por su nivel de calidad como por los métodos que emplea para establecer la autenticidad de las piezas que se ofrecen. Los expositores participantes sólo son admitidos después de un riguroso proceso de selección. El sistema innovador de investigación de TEFAF Maastricht implica no menos de 175 expertos internacionales en 29 categorías diferentes, que examinan toda obra de arte en la feria, valorando la calidad, la autenticidad y el estado, asegurando así que se pueda comprar con la mayor confianza posible.

Del 11 al 20 de marzo www.tefaf.com


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| MADRID |

RINCONES DE EL RETIRO


El Monumento al rey Alfonso XII _______ TEXTO Y FOTOS: RAMÓN RIVAS

El Parque de El Retiro es uno de los parques más bellos de Madrid y uno de los pulmones verdes de la ciudad. Sus orígenes se remontan al siglo XVII, cuando este terreno, que se extendía hasta el lugar que ocupa el actual Ayuntamiento de Madrid, era utilizado para el recreo de la Corte. El Retiro nace oficialmente como parque municipal tras la revolución de 1868, la popularmente conocida como La Gloriosa, un levantamiento que supuso que la reina Isabel II fuera destronada. Desde entonces, El Retiro se convirtió en el parque más importante de Madrid y el lugar preferido de los madrileños para pasear y disfrutar de un trozo de naturaleza en el corazón de la ciudad. Pero este parque histórico no es sólo naturaleza, sus 118 hectáreas albergan algunas hermosas e históricas construcciones y una apabullante colección de monumentos, uno de ellos es el magnífico monumento al rey Alfonso XII que se encuentra en el Estanque Grande.

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EL PROYECTO En 1888, se ordena la construcción de un monumento al malogrado rey Alfonso XII, para ello, la Presidencia del Consejo de Ministros convocó un concurso de anteproyectos a iniciativa de la reina madre, Maria Cristina de Habsburgo, que en aquella época ejercía la regencia hasta que su hijo, Alfonso XIII, alcanzase la mayoría de edad. El concurso ganador fue el proyecto realizado por el arquitecto José Grases Riera, quien dirigió las obras hasta su fallecimiento en 1914, siendo sustituido por el arquitecto José López Salaberry. El monumento, fue financiado por suscripción popular y tuvo un coste de 2.718.152 pesetas, casi un millón de pesetas menos que el total presupuestado, algo bastante inusual tanto hoy como ayer. Esto fue debido en gran medida a que se redujo considerablemente la parte escultórica inicialmente proyectada. La primera piedra fue colocada en 1902, junto al estanque grande, en el lugar que antaño estaba ocupado por un embarcadero. Se eligió este lugar para evitar la tala de árboles, un dato especialmente llamativo en una época donde la conciencia ecológica no estaba tan arraigada como en la actualidad.

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DESCRIPCIÓN El monumento es en realidad un espectacular conjunto escultórico en el que trabajaron un total de 25 artistas, entre ellos, Miguel Blay y Fábregas, Aniceto Marinas, Ricardo Bellver, Mateo Inurria y Mariano Benlliure. La planta general se compone de un hemiciclo, cerrado por dos galerías compuestas por 19 pares de columnas de orden jónico con basamento de banco corrido de granito y con frisos decorados con los escudos de cada una de las provincias españolas. En el centro del hemiciclo, se alza una torre de planta cuadrada ricamente decorada con estatuas, bajorrelieves y lápidas. Esta torre cuenta con dobles columnas que sujetan el entablamento, un friso decorado con relieves de palomas que hacen alusión al título de Pacificador de Alfonso XII. También está decorado con una serie de esculturas femeninas que hacen referencia a las virtudes: la Prudencia, la Justicia, la Fortaleza y la Templanza. Otros elementos escultóricos que rodean la base de esta torre pedestal, hacen alusión a la Paz, el Progreso, la Libertad. En la parte trasera, que da al Paseo de Chile, hay un águila que corona el acceso a una cripta que está flanqueada por estípites con bustos de mujer. Inicialmente, este lugar estaba reservado para incluir un grupo escultórico dedicado a La Patria que, por paradojas del destino, nunca se llegó a colocar debido al fallecimiento del escultor a quien se le había encargado la obra, Cipriano Folgueras.

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La torre pedestal cuenta además, con una placa dedicada donde se lee “A.S.M. el Rey Don Alfonso XII, el Pacificador”. Está coronada con un mirador con cubierta de bronce donde se alza la figura ecuestre del rey Alfonso XII vestido de capitán general, representado en actitud de pasar revista a las tropas y portando un sable en su mano derecha. Esta magnífica obra fue realizada por el escultor Mariano Benlliure, uno de los artistas más cotizados de la época que cuenta con infinidad de obras repartidas por toda la ciudad de Madrid. El hemiciclo queda cerrado por el estanque con una balaustrada y una escalinata flanqueada por cuatro leones y bajo ellos, cuatro figuras de sirenas asentadas sobre delfines y tortugas marinas. Todas estas figuras, excepto las sirenas, son copias en bronce que fueron sustituidas durante la última restauración realizada en el año 2000. Los leones originales, tallados en roca caliza, estaban muy deteriorados y se hizo necesaria su sustitución por otros de bronce, más acordes con el proyecto inicial. El monumento ha sufrido a lo largo de los años algunas modificaciones, las más llamativas han sido la desaparición de elementos decorativos, entre ellos algunas figuras y jarrones que se perdieron durante la Guerra Civil. Tampoco se conservan las farolas de bronce que tuvo en su día la balaustrada que da al estanque y que estaban decoradas con amorcillos y elementos vegetales.

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CURIOSIDADES El monumento al rey Alfonso XII se inauguró el 3 de junio de 1922, veinte años después de la colocación de la primera piedra. Para la celebración de este solemne acto se exigió a todas las personas invitadas que portasen su invitación para poder acceder al recinto del monumento. Además, se reservaba el derecho de admisión, pues todo aquel que no fuese de uniforme de gala -en caso de que fueran militares- o traje de levita -para los civiles-, no se les permitiría el acceso. También se exigió una férrea puntualidad, pues aquellos que no estuviesen a las seis en punto de la tarde no podrían acceder al recinto ni participar en la inauguración. Otro dato curioso de aquel solemne acto inaugural es que no hay imágenes, esto es debido a la prohibición expresa de tomar fotografías a todos los medios de comunicación allí presentes. Este hecho provocó que algunos medios calificaran esta prohibición como insólita e inexplicable, haciendo pública su protesta en los periódicos, ante las autoridades y ante el propio rey.

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Conocida es la obsesión de los madrileños por cambiar de nombre y de ubicación todo tipo de monumentos, raro es el monumento madrileño que se mantiene en el tiempo y en su ubicación original desde el primer día de su inauguración. El monumento al rey Alfonso XII de El Retiro no es una excepción, aunque sí es un caso especial. Su monumental tamaño hace que sea inviable cualquier tipo de traslado, pero no por ello se ha librado de esta obsesión tan castiza. En octubre de 1931, se propuso en sesión municipal, la retirada de la estatua ecuestre del monarca para sustituirla por otra con los nombres de las personalidades que dieron su vida por la República. La propuesta no tuvo éxito, como era de esperar, y el monarca continuó tranquilo y sereno en lo alto de su pedestal hasta la actualidad… Aunque no se puede descartar que en un futuro no muy lejano, alguien vuelva a tener una nueva ocurrencia y decida sustituir al monarca por otro personaje, porque otra cosa no, pero ingenio no falta en el Ayuntamiento de Madrid. En la actualidad este lugar es uno de los más visitados y fotografiados del parque y el lugar ideal para pasar una tarde disfrutando de las vistas junto al estanque, bien en la escalinata o desde alguna de las barcas de remos tan populares en este lugar.

Fuentes: Ayuntamiento de Madrid La Libertad, octubre 1931 Mundo gráfico, junio 1922 La Esfera, abril 1914

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| MADRID COMUNIDAD |

MADRID HELP HORSES RESCATE EQUINO


_______ TEXTO Y FOTOS: RAMÓN RIVAS

Valiente es un precioso caballo que no tuvo una vida fácil, fue encontrado en Ciudad Real, en un estado lamentable; abandonado y desnutrido hasta tal punto que era incapaz de levantarse. A sus 20 años, Valiente ya había conocido lo peor de la especie humana. Durante toda su vida había sido tratado con absoluto desprecio. Uno de los peores días de su vida fue cuando sus dueños amenazaron con echarle a los perros para así darle una muerte horrible. La historia de Valiente podría ser la de Cronos, Capitán, Pegaso, Mágica, Garbosa, Kalin, Carlitos, Vulcano... Todos estos nombres son los de otros caballos que tuvieron la desgracia de pertenecer a personas que los consideraban objetos, meros instrumentos, herramientas que, al dejar de ser útiles, se vieron abocados a un futuro incierto con muy pocas opciones: el abandono o el matadero. Afortunadamente, la historia de Valiente y la de otros caballos tuvo un final feliz, fueron recompensados con un retiro digno y en libertad. Pudiendo así descubrir que en el ser humano también hay bondad, la de las personas que sin esperar nada a cambio, dedican su tiempo y sus esfuerzos a salvar y dar una vida digna a los caballos.

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Madrid Help Horses y Rescate Equino son unas asociaciones que surgieron como grupo de respuesta rápida de emergencia en rescate de caballos con el fin de darles una segunda oportunidad. El proyecto surgió en 2012 cuando dos preciosas yeguas: Impala y Bella, fueron condenadas al matadero por no ser útiles. Afortunadamente, las dos yeguas fueron entregadas en adopción gracias a la labor de un grupo de voluntarios y de la mano de la Asociación Nacional Amigos de los Animales (ANAA). Los voluntarios pronto se dieron cuenta de que crear un refugio para caballos era una necesidad urgente, la crisis económica que comenzaba a sacudir el país afectaba a todos, incluso a los caballos. Durante los tiempos de bonanza económica mucha gente quiso tener su propio caballo, pero la ruina económica obligó a muchos de sus propietarios a deshacerse de ellos y decenas de caballos acabaron en mataderos para la venta de su carne o abandonados a su suerte. Las protectoras de animales en Madrid pueden hacerse cargo, con muchas dificultades, de la ingente cantidad de perros y gatos que son

abandonados todos los años pero son materialmente incapaces de hacerse cargo de animales como los caballos. Por esta imperiosa necesidad nació Madrid Help Horses, miembro del Rescate Equino, grupo formado por voluntarios de asociaciones independientes con el objetivo común de dar una vida digna y en libertad a los caballos. La Asociación Madrid Help Horses es una entidad sin ánimo de lucro fundada en Madrid en el 2014, como respuesta al elevado número de caballos que sufren el abandono y maltrato, centrando sus rescates en la Comunidad de Madrid. El objetivo no es otro que el bienestar de los caballos, para ello cuentan con dos parcelas donde los equinos disfrutan de una libertad absoluta. Una de estas praderas se encuentra en Colmenar Viejo, donde viven los caballos que no necesitan atenciones especiales, allí viven en libertad en su propia manada. La otra parcela se encuentra a los pies de la Sierra del Guadarrama, un verdadero paraíso equino de 13 hectáreas divididas en tres praderas, creada en 2015, en lo que antaño fue un centro hípico.

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LA MANADA Vigilados constantemente pero en absoluta libertad, la manada está compuesta por 14 caballos, una burra y su hija Pepa, una burrilla de seis meses muy cariñosa y amistosa que ha nacido en este centro y que no duda en salir a recibir a todo aquel que visita la manada en busca de atenciones. Los caballos, todos ellos apadrinados, retozan, corren libremente por la finca y mantienen unas complejas relaciones sociales entre ellos, creando su propia organización jerárquica. Llama la atención que en la finca no hay boxes, si la manada siente la necesidad de cobijarse, lo hacen en los bosquecillos de robles que hay diseminados por la finca y que ellos utilizan como dormideros, tal y como harían los caballos en su estado natural. Otro elemento llamativo a los ojos del profano, puede ser ver a los caballos lucir largas colas y crines, esto lejos de ser un inconveniente para el caballo, es de suma utilidad para combatir a los mosquitos e insistentes moscas del verano. También llama la atención ver a estos magníficos ejemplares libres de ataduras físicas y psicológicas, dando rienda suelta, nunca mejor dicho, a la interacción de los caballos con el visitante, que en algunos momentos se ve intimidado por la presencia de algún equino que se acerca curioso para olisquear y saludar.

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LA ASOCIACIÓN Desde su fundación en 2014, Madrid Help Horses ha rescatado a decenas de caballos, desgraciadamente no todos los rescates han tenido un final feliz. Hay animales que han sufrido tanto que ha sido imposible salvarles la vida, como es el caso de Cronos, un caballo que falleció el año pasado tras haber pasado meses encerrado en un cubículo de una chatarrería sin recibir atención alguna. Cronos padecía una hepatitis que le provocaba anorexia, cuando llegó al centro de rescate se le administró atención veterinaria urgente pero el animal tenía el hígado destrozado, sufría hemorragias internas y se hizo necesario su sacrificio. Aunque la historia de Cronos es un caso extremo, no es lo habitual, el perfil típico de los equinos que llegan a la asociación es el de caballos procedentes de hípicas que han sido rechazados por padecer alguna lesión y que, al no ser rentables, acaban en mataderos o abandonados. Madrid Help Horses está compuesta por 5 socios principales y alrededor de 40 padrinos y madrinas, más los voluntarios. La asociación no recibe subvención alguna y se mantiene exclusivamente por las cuotas de los socios y padrinos, además de donaciones esporádicas, así como por la venta de productos, como camisetas y tazas. Con todo ello proveen de las atenciones necesarias como comida, asistencia veterinaria, dentista o tratamiento de los cascos a la manada de caballos, teniendo siempre en cuenta una prioridad, el bienestar de los mismos, acogiendo sólo a los animales de los que se pueden hacer cargo y siempre de uno en uno. Esta asociación, la única en la Comunidad de Madrid que mantiene a los caballos en absoluta libertad, ofrece la posibilidad a sus socios, padrinos y voluntarios la posibilidad de trabajar en la propia finca en labores de mantenimiento, así como en el cuidado de los caballos, una experiencia realmente gratificante, pues no siempre se tiene la oportunidad de poder compartir el tiempo libre en plena naturaleza y en la compañía de estos nobles animales.

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FORMAS DE COLABORACIÓN Madrid Help Horses y Rescate Equino no reciben subvención alguna y realizan un trabajo épico gracias a la colaboración de personas altruistas que deciden dedicar su tiempo y algo de su dinero en salvar del horror y la muerte a los equinos. estas son algunas opciones con las que cualquiera puede colaborar:

Apadrinar: http://madridhelphorses.org/colaboraapadrina Donativos: Madrid Help Horses IBAN: ES25 0182 0966 2102 0415 7714 Unirte al grupo de teaming de Rescate Equino, por sólo 1 euro al mes https://www.teaming.net/rescateequino

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RANAS MADRILEÑAS


| MADRID NATURAL |

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______ TEXTO: ANTÓN PÉREZ | FOTOS: VERÓNICA LÓPEZ

Hay inviernos más fríos e inviernos más cálidos, los hay más húmedos o más secos… pero al llegar marzo, ya cambien las condiciones meteorológicas con suavidad, ya lo hagan de golpe, se nota en el campo que “algo” ha pasado: animales y plantas salen de sus letargos, los pajaritos cantan y las nubes se levantan: love is in the air. Y las ranas se ponen a cantar. Y con el coro de anfibios resonando allá donde haya algo de agua limpia al caer la noche, puede darse por oficialmente inaugurada la primavera.

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Aunque al oír a palabra “rana” todo el mundo tenga la imagen de una en la cabeza (normalmente verde, y subida a una hoja de nenúfar), como término biológico es bastante vago, y anfibios que en un idioma se llaman ranas se conocen como sapos en otro, y viceversa. Podemos pues restringir el nombre de rana a las especies de la familia Ranidae, dividida en Europa en dos ramas: la de las ranas “verdes” (género Pelophylax), de color mayormente verdoso, con los ojos que se juntan en la nuca y que viven siempre en o cerca del agua; y las ranas pardas (género Rana), de color pardo con un antifaz oscuro, con los ojos bien separados en la nuca y que normalmente sólo se acercan al agua para reproducirse, viviendo el resto del año entre la hojarasca y el musgo húmedos de zonas boscosas. Y en Madrid tenemos una de cada: la rana verde ibérica Pelophylax perezi y la rana patilarga Rana ibérica.

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Como acabamos de ver, ambas son fáciles de distinguir, pero además se diferencian en varios aspectos de sus vidas. La rana verde, de coloración enormemente variable, no habiendo en una charca dos individuos iguales, ocupa masas de agua tranquilas de toda la Península y el sur de Francia, resistiendo incluso la contaminación moderada. Es más restrictiva en este aspecto su prima la rana patilarga, endemismo ibérico que frecuenta la cercanía de arroyos frescos y limpios, de forma que en Madrid aparece sólo en las zonas de Sierra, en lugares donde normalmente no vive la rara verde. Ambas se alimentan principalmente de todo tipo de invertebrados, que capturan sobre todo en tierra o incluso al vuelo, de un salto. Pero la rana verde, que llega a alcanzar un buen tamaño, no le hace ascos a los anfibios más pequeños, y el canibalismo no es raro en las charcas más masificadas.

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En esta época del año, como decíamos antes, se forman los coros nupciales de los anfibios, especialmente notables en el caso de las ranas verdes, que emiten sus sonoras llamadas gracias a los dos sacos de resonancia que los machos tienen a ambos lados de la boca. Las ranas macho poseen un repertorio de voces muy variado, que cambia según estén tratando de atraer a una hembra o enfrascados en una pelea con otros pretendientes. Conseguida una pareja, el macho se sube a su espada y, bien sujeto, fecunda externamente los huevos que ella va liberando, formando al final una pequeña masa entre la vegetación de la orilla, modesta, de unas cuantas decenas de huevos en la rana patilarga, y de hasta dos mil en la verde. Un par de semanas más tarde nacerán los renacuajos, a los que llevará algunos meses (en función de la temperatura del agua y de la abundancia de comida) completar la metamorfosis que todos conocemos por los libros de Naturales.

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Si no se las comen antes cualquiera de sus múltiples enemigos (casi cualquier depredador que frecuente zonas húmedas, desde cangrejos hasta nutrias, acaba comiendo ranas en mayor o menor medida), las ranas pueden llegar a vivir una decena larga de años, criando a partir del primero. Pero no son los depredadores la principal preocupación de las ranas madrileñas, sino las muchas modificaciones de los medios acuáticos causadas por la mano humana, ya sean relleno de charcas, eliminación de vegetación de ribera o contaminación del agua, a la que la rana patilarga es especialmente sensible. Y como a fin de cuentas a nosotros nos interesa disfrutar del agua limpia tanto como a ellas, a ver si, por nuestro bien, seguimos teniendo ranas en Madrid por muchos años más, cada vez en más sitios y cantando alegremente cada primavera… y que todos lo veamos.

Para saber más: La web de Vertebrados Ibéricos, del Museo de Ciencias Naturales, tiene disponibles fichas de ambas especies: Rana verde: www.vertebradosibericos.org/anfibios/pelper.html Rana patilarga: www.vertebradosibericos.org/anfibios/ranibe.html

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| LUGARES |

UCEDA La Iglesia de Santa MarĂ­a de la Varga


_______ TEXTO Y FOTOS: EMNMM

Uceda es un municipio de la provincia de Guadalajara que se encuentra a 40 kilómetros de la capital de España, casi en el límite de la provincia de Madrid. Sus alrededores cuentan con un rico patrimonio natural, sobre todo para los aficionados a la ornitología y un interesante y desconocido patrimonio histórico. Este municipio ha estado habitado desde la noche de los tiempos, pero fue durante la Edad Media cuando adquirió mayor relevancia; durante la ocupación musulmana y la posterior reconquista por los cristianos en 1085. De su patrimonio arquitectónico cabe destacar su iglesia parroquial, los restos de la muralla y del casi desaparecido castillo. Otra de las joyas arquitectónicas es la iglesia románica de Santa María de la Varga, en estado de ruina aunque bien consolidado, de la que sólo se conserva la estructura exterior. La iglesia de Santa María de la Varga se encuentra a las afueras de la población, esta antiquísima iglesia es hoy utilizada como cementerio y fue una de las tres iglesias con las que contaba este municipio. Se encuentra en el interior del casi desaparecido recinto amurallado cuyos restos son visibles en algunos tramos. La iglesia fue construida en piedra caliza a principios del siglo XIII tras la repoblación cristiana de estas tierras. Es de planta cuadrada y está dividida en tres naves casi simétricas, aunque la nave central fue la más alta de las tres. La cabecera de la iglesia, muy bien conservada, está compuesta por un ábside y tres absidiolos.

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La cubierta de la cabecera está enteramente restaurada, así como la mayoría de los elementos decorativos de la cornisa, como los canecillos que, como es habitual en este tipo de construcciones, estuvieron tallados. La mayoría de los canecillos de la iglesia de Santa María de la Varga han desaparecido y sustituidos por unos nuevos carentes de decoración, aunque todavía quedan algunos en los que se puede apreciar alguna figura humana. El templo cuenta, además, con dos accesos, el principal situado en el lateral meridional, con seis arcos sobre columnas sencillas y un segundo acceso al pie de la nave. Su interior prácticamente ha desaparecido, sólo quedan algunos restos de las columnas adosadas a los muros del templo y el suelo está ocupado por numerosas tumbas y panteones, pues este espacio es utilizado como cementerio. Otro de los elementos llamativos son las tradicionales marcas de cantería que se pueden ver talladas en las piedras, tanto en el interior como en el exterior, casi 200 marcas diferentes todas ellas catalogadas. Pese a su estado ruinoso, la iglesia de Santa María de la Varga es un monumento excepcional por su monumentalidad y por ser un escaso ejemplo del románico tardío de transición al gótico e influencia cisterciense, que bien merece la pena visitar. www.uceda.es

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LUCY LUMMIS Una diva del jazz _______ POR EMNMM | FOTOS: CORTESÍA LUCY LUMMIS

Lucy Lummis es una cantante barcelonesa cuya infancia ha estado marcada por la música por haber nacido en el seno de una familia de artistas. Su formación en el mundo de la interpretación, la danza y la música le llevaron a trabajar en grandes musicales como Chicago o Mamma mia y en algunas bandas y orquestas de jazz tanto en España como en el Reino Unido. Recientemente ha publicado su primer trabajo titulado With the best in town, un fantástico y glamuroso álbum en el que recopila algunos de los grandes éxitos del jazz. Su maravillosa voz y su elegante puesta en escena han cautivado al público, tanto es así que muchos la consideran una diva del jazz, motivos más que suficientes por los que hemos querido charlar con ella en esta entrevista.

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| PERSONAJES |


Lucy, naciste, en el seno de una familia de artistas; tu madre bailarina y tu padre músico, eso es algo que, sin lugar a dudas, imprime carácter. ¿Siempre tuviste claro que te querías dedicar a la música? Está claro que deja marca el estar escuchando música desde pequeña y siempre me salía de forma natural el memorizar melodías y me motivaba mucho la música, aunque tengo que confesar que de muy pequeña ¡quería ser azafata! Pero mientras más me adentraba en la música, más me daba cuenta de que no iba a poder dedicarme a otra cosa. Has trabajado en algunos de los mejores musicales, interpretando, bailando y cantando ¿cómo te defines profesionalmente? Como una cantante que le encanta meterse en personajes e interpretarlos, que sabe bailar y que disfruta haciendo todas esas cosas a la vez. Tienes una voz maravillosa, elegante y con un estilo muy definido, no es extraño que en algunos medios te califiquen como una “Diva del jazz” ¿Cómo se lleva eso de ser diva? ¿Qué pasa por tu cabeza cuando alguien te dice que eres una diva? ¡Gracias por los cumplidos! (risas). Pues no me lo tomo muy en serio... pero ¡me encanta! Entiendo que es por el producto que presento que implica arreglarme mucho y muchos brillos y entiendo que eso provoca llamarme una “Diva”. Hablando de divas, tu música tiene el aroma de grandes divas como Dinah Washington, Streisand o la mismísima Judy Garland, esta última en lo que se refiere a la puesta en escena de tus conciertos. No hace falta preguntar qué influencia han tenido estas estrellas, por eso me gustaría preguntarte ¿cuáles son

las influencias musicales actuales que te motivan? ¿Ya no es tiempo para las divas del jazz? Las influencias que me motivan actualmente, -las de antes ya las has nombrado y son exactamente esas y más- son de estilos bastante distintos a lo que hago, me encanta Jill Scott, Lizz Wright, Jamie Cullum (este se parece un poco más), India Arie. Pero me doy cuenta nombrándolos ahora que me inspiran más por dedicarse a esto y componer la buena música que hacen. Es cierto que ya no parece que es tiempo para las divas del jazz, mucha gente que me he cruzado en el camino de sacar este disco me ruegan que me dedique a la música pop si quiero sacar algo adelante hoy en día pero... ¡qué voy a hacer! hago la música que me conmueve, no la que creo que será más popular y ¡una diva de verdad se crea su propio tiempo! El pasado mes de diciembre presentante en Madrid: With the best in town, un precioso y cuidadísimo trabajo. Ha sido tu primer trabajo en solitario ¿cómo surgió la idea de publicar este álbum y cómo ha sido la experiencia? Sí, el concierto en Madrid fue muy bonito, se creó un ambiente muy especial y por lo que me contaron los asistentes, estuvieron muy a gusto, algo que procuré que ocurriera, así que me quedé contenta en ese sentido. Pues ahora que ya lo he “parido” me parece que ha sido una locura sacar este proyecto adelante, pero cuando surgió la idea pensé que era lo mejor que podía hacer. La idea y el poder hacerlo posible surgió gracias a la ayuda, colaboración y producción de mi padre, sin él yo nunca hubiera podido dar con estos músicos y arreglistas. Su experiencia en el sector me dio también el valor para llevarlo a cabo.

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Llama la atención el título de este álbum With the best in town ¿Por qué este título? Pues el título también es por mi padre, cuando el vivió en Nueva York le hacía mucha gracia los carteles reclamando que un restaurante tenía las mejores pizzas/hamburguesas/cervezas de la ciudad (The best in town) y como pudimos contar con los mejores músicos de este sector de Barcelona le pusimos: With The Best In Town, o sea, yo con lo mejor de la ciudad.

¿Qué le dirías a quién no ha escuchado With the best in town? ¿Qué van a encontrar en este trabajo? Les diría que lo escuchen (está en Spotify) y que si les gusta que se lo compren (está en iTunes y en la web de Youkali Music) y que esperen buena música, todo instrumentos reales grabados con mucho cariño y esmero. Música a lo grande con sonidos de Big Band y con orquesta de cuerda. Temas standards de jazz y algunos temazos de musicales.

Este trabajo tiene el elegante y glamuroso sabor de los años 50 y en él recopilas una selección de grandes temas del jazz. Uno de ellos es: What a difference a day makes que popularizó Dinah Washington, un tema que originalmente estaba escrito en español. Este tema aparece en tu álbum en inglés y en español ¿por qué elegiste este tema en las dos versiones? Pues me sabía mal no cantar nada en castellano, pero la verdad que la mayoría de canciones que me gustan han sido compuestas en inglés y ya que para mí es mi lengua materna, prefiero cantar en ese idioma, pero aquí me encontré que aunque yo conocía la canción como anglosajona, era originalmente un bolero en español y pensé... ¡ideal! La canto en los dos idiomas y así muestro un poco de mi lado latino.

¿Qué planes tienes para un futuro próximo? ¿Dejarás a un lado los musicales para dedicarte de lleno a la música? De momento no dejo nada de lado, seguiré intentando dedicarme a todo simultáneamente, los musicales no dependen de mí del todo, puede que no encaje en ninguno y me quedo sin trabajar en ellos durante un tiempo, no es que los deje a un lado a propósito. Así que siempre tengo un ojo puesto en mi carrera en solitario, me ilusiona mucho poder seguir cantando las canciones del disco. Estoy en ello.

Lleva muy poco tiempo en el mercado pero ¿qué acogida está teniendo por el público? No te voy a engañar... ¡no es un súper ventas! Pero la gente que se lo ha comprado le encanta y todavía no lo voy a enterrar... ahí queda, espero que todavía le quede una larga vida por delante!

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¿Has pensado en componer algún día? Lo he pensado mucho... ¡pero no me sale! ¡Ojalá algún día me inspire a hacerlo! ¿Cuándo podremos disfrutar de tu música en directo? De momento no hay ninguna fecha programada, lo mejor es seguir mi página de Facebook (Lucy Lummis Page) donde siempre aviso de cualquier posible concierto.


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Foto: Celia MacĂ­as


| ARTE |

MANUEL LEÓN _______ POR EMNMM

Manuel León (Villanueva del Ariscal, 1977) es un artista sevillano fuera de lo común. Ajeno a las etiquetas y a los protocolos propios del mundillo artístico, Manuel desarrolla sus fantásticos trabajos con sinceridad, humildad y una socarronería audaz que no sólo se materializa en sus obras, también en el carácter y en la personalidad de este gran artista. Torero, cantaor de flamenco o astronauta fueron algunas de las profesiones que quiso desarrollar, por suerte eligió la pintura para el disfrute de todos aquellos que admiramos su obra. De todo esto y más hemos hablado con él en esta entrevista, a caballo entre México y España.

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Manuel, ya desde pequeño pintabas, incluso tenías piques artísticos con tu propio padre ¿siempre quisiste dedicarte a la pintura? Más o menos lo tuve claro, aunque también pasé por querer ser torero, pero con lo de Paquirri se me quitaron todas las ganas. También quise ser campeón de ping pong, astronauta... Supongo que como todo el mundo. Y al final me quedé con lo que parecía que se me daba mejor, de lo cual me alegro porque, aunque es una profesión llena de angustia, también me produce muchos momentos de felicidad. También hiciste tus pinitos con el cante ¿qué pasó con el flamenco? No tengo recuerdos de vivir sin música a mi alrededor, ya sea por parte de mi padre y mi tío Rafael (cantante y compositor de Los Payos) de raíz más flamenca. Desde Antonio Mairena a Lole y Manuel, o por la rama de mi hermano: Rock, Pop y lo que fue un descubrimiento importantísimo de mi infancia, el mal llamado Flamenco Fusión y Camarón de la Isla. Todo eso, y que se me da una jartá de bien el compás, hizo que acabasen prohibiéndonos en el patio de Bellas Artes cantar flamenco, todo eso, unido a que sufrí una operación de garganta, hace que se me quite de la cabeza siquiera el intentar una cartagenera en la ducha. No pareces un artista al que le gusten las etiquetas, aunque una vez te endosaron la de “vitalista orgánico” ¿Qué significa eso de vitalista orgánico? Supongo que la crítica necesita de etiquetas para hacer más llamativa la explicación de la práctica artística. Todo comenzó recién salidos de la facultad, Celia (mi pareja) y yo, tuvimos una exposición en Rennes y un amigo, un crítico danés, preparando la llegada del alcalde a la inauguración me dijo que a él le parecía que mi pintura era “vitalista orgánica”. ¡Nos jartamos de reír al escucharlo! y desde aquello, con el “corta y pega” la definición de vitalista orgánico se quedó asignada por unos pocos años. Supongo que como hacía un uso exagerado del color y las formas orgánicas, no podía ser Fauvista, ya que iba retrasado un siglo, y para ser “neoalgo” no era lo suficientemente reconocido. Ser sevillano imprime carácter, eso se puede ver en varias de tus obras, en las que aparecen personajes atavia-

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dos con capirotes típicos de Semana Santa ¿por qué? Sevilla es importante en esto, todos alguna vez hemos representado un capirote. A mí me llegó de casualidad, estaba estudiando de un modo plenairista paisajes en la sierra de Huelva y me cosqué de que imprimiendo la punta del pincel se conseguía resolver un ciprés rápidamente, la repetición de este “acto” me llevó a darme cuenta que algunos skyline de los montes al atardecer parecían filas de nazarenos, ahí me contagié de ese veneno y después fui añadiendo nazarenos a los paisajes, hasta que acabé aislándolos en el papel y desahogándome por medio de una especie de sátira de todos los complejos propios y heredados de esta sociedad tan cerrada (aunque no lo parezca) que es la sevillana. Una cosa te lleva a la otra. A juzgar por tus últimas obras, los capirotes parece que van desapareciendo y muestras a los personajes a cara descubierta ¿por qué? ¿cansado de ellos? El mayor desarrollo de la serie de penitencias lo di de la mano de Fer Francés (ahora director de la Galería Javier López), él me comisarió una individual en la galería JM de Málaga, ahí se enriquecieron muchísimo debido al fusilamiento que hice de lo que más me interesaba en aquel entonces, el concepto de “lo barroco” en la pintura. Ya al final de la preparación de En el vicio y la virtud, sin darme cuenta, estaba perfilando muchísimo más los retratos de los penitentes, por una necesidad meramente estética y preparando con la gente de vestuario la pieza de danza Acostumbrismo fui consciente de la necesidad de la individualización de los retratos, hasta ese momento había construido una zona de confort en el anonimato de las composiciones, pero como de casi todo, uno se cansa de hacer siempre lo mismo. Velázquez es otro sevillano, grande entre los grandes, con el que parece que tienes alguna relación. ¿Cómo han influido artistas como Velázquez en tus obras? ¿Te molesta que se busquen paralelismos en tus obras con la pintura holandesa o barroca? Ojalá tuviese yo una mijita de la técnica y el saber de Velázquez; claro que me ha influido, y Zurbarán y mil pintores más, soy un enamorado de la historia del arte, pero también noto influencias de artistas sevillanos actuales como Pedro G, Patricio Cabrera Rafael Agredano o Gloria Martín. A mi pareja, Celia Macías, que es una


El mediocasado, me lo dijo un pajarito


El ni単o de oro


fotógrafa soberbia, siempre le estoy preguntándo en el estudio eso de: ¿qué te parece? A tu segunda pregunta, te diré que no, al revés, si alguien ve paralelismos entre la pintura holandesa y “lo barroco” es porque las hay, he fusilado más de un cuadro. Además del barroco, tu obra tiene pinceladas que parecen venir del cine, del cómic y una buena dosis de humor con algo de sarcasmo. ¿Dónde encuentras la inspiración? Supongo que la inspiración la encuentro en todo lo que vivo, acabo de bajarme del avión de México con la maleta cargada de referencias a Villalpando y el arte mesoamericano, quiero dedicarle mi próxima individual al concepto de “La Malinche”. También he tenido muchísima suerte y siempre he encontrado amigos que me pasaban auténticas minas de oro de cómic, cine, música, supongo que uno hace su criterio con referencias que te dan los que te rodean. A la hora de realizar una obra ¿partes de un montaje fotográfico previo? Sí, yo me lo guiso y yo me lo como, parto de sesiones fotográficas directas con los modelos, y después monto los bocetos con photoshop, ahí los trabajo hasta la neurosis, y después los paso al lienzo. ¿Pintas pensando en el público que va a contemplar tus trabajos? Sí, totalmente, soy de las personas que necesito la opinión de los demás para reafirmarme, y la comunicación con el público me parece totalmente imprescindible, otra cosa es que pinte para vender, eso, me temo se me da mucho peor, que más quisiera. ¿Te has autocensurado alguna vez pintando? La verdad es que no, hay mucha gente que me comenta que soy muy punk o bizarro, pienso que están muy equivocados, soy un puto clásico, no me gusta la provocación, y todo lo que pinto en mis cuadros cuando es crítica directa, es a mí mismo. Una vez en una entrevista dijeron de mí: “Manuel León es el primer penitente de su obra”, fue algo que me hizo mucha gracia, porque es verdad. Eres miembro del Colectivo Intervenciones en Jueves

¿qué es este colectivo y qué es lo que haces en él? Intervenciones en Jueves básicamente son Celia Macías y Alejandro Peña más un equipo que gravita en torno a ellos, intervienen en el mercadillo del jueves intentando acercar el arte al público de la calle Feria de Sevilla, pero sin interferir en un mercado de segunda mano que tiene más de 400 años de historia. Te recomiendo buscar información en Youtube, vas a flipar con las cosas que han liado, desde el Supereclipse al Supersol hasta las visitas guiadas por las azoteas del Jueves, allí se dio uno de los primeros conciertos de Pony Bravo. ¿Es cierto que toda tu obra está editada con una licencia Creative Commons? ¿Es rentable para un artista esta opción? Claro que sí, no se trata del “todo gratis”, hay muchas formas de registrar tu obra bajo CC. Si alguien está enamorado de una de mis piezas y no puede pagarla me parece totalmente injusto que no pueda disfrutarlas, ya que yo las he construido gracias al trabajo de los demás. En 2014 mostraste por primera vez tu obra en ARCO con la Galería Javier López, ¿qué supuso para ti llegar hasta ARCO, tanto a nivel profesional como personal? Bueno, yo ya había dado por perdido el tren del artista emergente, es un vicio de este país, y cuando tuve la oportunidad de mostrar mi obra en ARCO recuperé la ilusión. Para nada ARCO es todo, pero sí es verdad que me quité una espinita cuando tuve la credencial con mi nombre en la mano, encima, la pieza se vendió a los diez minutos de inaugurar, así que fue una especie de sueño plácido. Pero conozco mil artistas mejores que yo que no pueden o no quieren ir a la feria y eso te quita muchas neurosis y te salva de un tipo de vanidad estúpida. Muchas veces se dice, sobre todo en ferias como ARCO, que hay una barrera entre el público y el arte contemporáneo ¿crees que existe esa barrera? ¿Quién es el culpable de esa barrera y qué se puede hacer para que desaparezca? Creo que es culpa de todo el mundo, es difícil poner de acuerdo al españolito de a pie, somos o de Borja Villel (Reina Sofía) o de Fernando Francés (CAC Málaga), archivo o pintura, en mis tiempos de facultad foto, vídeo o pintura. Y se nos olvida que todavía no existe un tejido empresarial fuerte en torno a la cultura, y es verdad, a

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nuestros políticos o directores de colegio no les interesa. La cultura se mama desde la infancia y ahora parece mucho más importante que todo sea rentable, me temo que Buñuel o Murillo no serían rentables ahora mismo y a la larga. Por ejemplo, ¿cuánta gente se sube en el AVE para ir al Museo del Prado? Creo que no hay miras a largo plazo en este tema. Tengo entendido que en Rotterdam han planificado un plan de cultura integral a 50 años, y en Córdoba se está a la espera de inaugurar un centro de arte de última generación desde hace años, que costó una pasta. Aquí el dinero se lo han llevado los arquitectos y los productores, casi nunca revierte en los artistas, la situación sigue siendo tercermundista. Has decidido dedicarte a esto y como dijo una vez Curro González: “cuando te tiraste a la piscina, sabías que estaba vacía”. Recientemente has estado en México en Zona Maco ¿qué nos puedes contar de esta experiencia? México ¡es la hostia! Los ojos te duelen de ver arte por cada rincón, es una ciudad de 27 millones de personas, imposible de comprender para un blanco, antes de llegar nosotros ya era una cultura riquísima, vas a los museos de antropología o a el Mercado de la Merced y lo flipas. He conocido a muchísima gente buena y el tener la oportunidad de ver con tus propios ojos que la gente no para de hacerse fotos delante de tu cuadro es una pasada, no da de comer pero sacia. ¿Cómo valoras la percepción de tus obras fuera de España? Creo que funciona bien, incluso encajo alguna que otra pieza (risas). Supongo que cuando intentas hacer algo desde lo particular y lo haces con el corazón, acaba funcionando a nivel universal. Ya sólo tener la oportunidad de mostrar mis cuadros en Dallas o en Moscú es una auténtica pasada. ¿Qué proyectos tienes en un futuro cercano? Pues me echo a temblar porque me quedan 5 individuales por delante y unas pocas de ferias, así que lo veo con muy poco tiempo libre... La verdad, ¡Gloria bendita! ¿Cuándo podremos disfrutar de una exposición tuya en Madrid? Creo que repito con la Galería Javier Lopez & Fer Francés en 2017 y este año en ARCO fui muy ilusionado con un retrato de Niño de Elche. www.manueleon.com


La l贸gica del sentido


No se puede dar a Dios por sentado


Despertar de la raz贸n


多Democracia real ya?


The true Prophet


El secreto


Foto: Roberto Caballero


| FOTOGRAFÍA |

CANNON BERNÁLDEZ _______ POR EMNMM

Periodista de formación y fotógrafa por devoción, Cannon Bernáldez es una mexicana a la que se le podría aplicar la máxima de: “en el nombre lleva la penitencia” aunque, en su caso, más que una penitencia es un don con el que no sólo le sirve para dar rienda suelta a su imaginación, también le sirve para exorcizar los demonios que, como todos, lleva dentro. Cannon Bernáldez lleva más de veinte años dedicada al mundo de la fotografía, realizando fascinantes trabajos y propuestas donde la línea que separa la ficción y la realidad es casi imperceptible. Es especialista en bucear en lo más profundo del alma humana, en donde anida lo mejor y lo peor de cada uno de nosotros y donde también se encuentran los sentimientos más puros como el amor, el odio y, sobre todo el temor. De todos estos temas hemos hablado con ella en esta entrevista para EMNMM.

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Cannon, tu nombre guarda relación con la fotografía ¿es algo casual o es intencionado? Mi nombre fue idea de mi padre, él tenía un tío que era fotógrafo de estudio, de hecho, cuando se casó con mi madre, las fotos de boda las tomó su prima Cristina Bernal, así que de alguna manera conocía las cámaras Canon y tenía un acercamiento como aficionado a la fotografía. Antes de que yo naciera tenía su cuarto oscuro en un closet, no tenía ampliadora y se las arreglaba para ampliar e imprimir con un proyector viejo de diapositivas. Mi padre leía mucho en esa época y existía una revista que se llamaba Mecánica Popular, en alguna ocasión descubrió el nombre y la relación de la cámara y una diosa japonesa llamada Cannon. Cuando nací, ya fuera niño o niña ordenó que me llamaría Cannon. En aquella época existía un programa de televisión de un detective que vivía en Los Ángeles y que daba protección a los más desposeídos, era una serie de televisión de la BBC llamada Canon, así que esa historia de la diosa japonesa era poco creíble para mí. Ya con todo el acceso a Internet, pude conocer realmente la historia de la Diosa y de la compañía Canon. De niña siempre estaban las burlas y los comentarios por como me llamaba, me decían que si mis hermanas se llamaban Fuji o Nikkon, así que la fotografía siempre estuvo cerca de mí. Cuando tuve que decidir cuál iba a ser mi profesión, me di cuenta que me gustaban las Artes y que la fotografía podría ser un medio que me permitiría estar cerca, pero nunca me imaginé por todo lo que tuve que pasar para ser artista y fotógrafa. El nombre determinó mi profesión lo cual agradezco infinitamente a mi padre. Estudiaste periodismo pero te centraste en el mundo de las artes, concretamente en la fotografía ¿por qué decidiste trabajar en esta disciplina? Pensé en estudiar Artes, pero tuve miedo porque estaban estas creencias de que me iba a morir de hambre, así que tenía que hacer algo que fuera más redituable. En aquella época no existían escuelas de fotografía a nivel profesional, entonces se me ocurrió buscar algo que tuviera la materia de fotografía, así llegué a estudiar periodismo, además, podía hacer fotoperiodismo que en aquella época era muy popular. Fui fotoperiodista en una agencia que ofrecía servicios de fotonoticias a diarios del in-

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terior de la república mexicana sólo durante un año. Esto me enseñó a ser muy rápida e intuitiva. Después de una de nuestras grandes crisis financieras, la del año 1994, la agencia dejó de funcionar, yo seguí en la escuela y tenía que seguir estudiando, pero de alguna manera terminé, aunque no era lo que me apasionaba, yo quería tomar fotos, no sabía de qué, pero sólo quería tomar fotos y de una manera obsesiva y perseverante. Pude cursar algunos talleres especializados en el Centro de la Imagen. Fue una de mis mejores épocas, ahí aprendí, técnica, historia de la foto y la fotografía como recurso narrativo, creativo y artístico. Conocí a muchos de los grandes, como Cristina García Rodero o Joan Foncuberta. Mi visión cambió y mi panorama fue más grande, deseaba hacer fotografía más como obra de arte. El camino no fue fácil, pero siempre he sido muy terca, tuve que estudiar historia del arte y entender el arte contemporáneo, si quería estar dentro debía de conocer sus códigos y sus reglas. La misma vida me fue llevando al camino que era mi destino. Al ver tus trabajos casi se podría afirmar que el periodismo se mantiene latente, pues recreas historias muy cercanas al fotoperiodismo ¿crees que esto es así? Era muy joven cuando sólo quería hacer fotos, no tenía idea de lo que era la fotografía de autor, ni eso de contar historias. Un poco antes de terminar la escuela, mi padre falleció y mi historia cambió por completo. No tenía buena relación con él, pero la verdadera personalidad de mi madre se develó y era normal; después de vivir tantos años con una persona machista y violenta, no había otra opción. Mi relación con ella fue caótica y desastrosa. Tenía muchas preguntas y sin darme cuenta ya estaba en mi primer proyecto importante; fotodocumenté un albergue para madres adolescentes donde había caos y confusión. Siento que, de alguna manera, me identifiqué y que pude aplicar todo lo que sabía de mi profesión; ahí comencé entender lo que era una historia y cómo se relaciona conmigo mi experiencia personal. El punto clave fue cuando brinqué al siguiente proyecto, al que llamé Miedos, descubrí que podía usar a mi beneficio la falsa documentación y mi cuerpo. Inventar historias que no existían pero en las que había una cierta referencia de realidad, como en las noticias de accidentes y de violencia. Con teorías de comunicación hilé la información e


Serie Hermanas


Serie Miedos


hice diagramas para entender que la fotografía es un lenguaje, donde hay un emisor y receptor, con sus respectivos canales, los cuales podía controlar para que la información visual le llegara al espectador como yo deseaba. El 50% del trabajo lo realizo yo y el otro 50% lo realiza el espectador a partir de una interpretación dirigida, es así como puedo concretar un proyecto coherente. Todos mis recursos, que aprendí en la universidad, los pude concretar en mi obra y fue muy satisfactorio saber que no me había equivocado de carrera, a pesar de que siempre tuve esa fijación. Además del formato analógico utilizas otras técnicas, como plata sobre gelatina o colodión húmedo, con un resultado espectacular ¿Por qué recurres a estas técnicas? ¿Qué ventajas tienen respecto a la fotografía digital? Aprendí fotografía en el laboratorio, viví durante un tiempo de imprimir para fotógrafos, galerías y museos pero, con el cambio digital, los costos subieron y el trabajo bajó. Tuve que aprender a trabajar con formatos digitales. Sin pensar en dejar mi laboratorio y en paralelo a los proyectos, comprendí que cada uno requería una técnica y un acabado, necesitaba reforzar el mensaje que quería dar. No lo hacía por permanencia, ni por necedad, simplemente intuía que cada tema requería un acabado especial. En los proyectos en los que uso película e imprimo, uso hasta papeles viejos que me han regalado, la textura y la calidad es única y variada, me gusta mucho. Siento que cada proyecto se remonta a una época y ese es mi deseo. Para el proyecto de Botánica, el uso del colodión húmedo era necesario, es una técnica antigua del siglo XIX, y era ideal para este tema, le daba más verosimilitud y realidad. Ahora, en esta etapa de mi vida, me descubro libre de hacer lo que tal vez nunca haría. Mi último proyecto llamado Hermanas, consta de 57 fotografías impresas en distintos formatos y acabados. Plata sobre gelatina, albúmina e impresión digital. Me di permiso de manchar fotos e inclusive meter las pruebas, quedó una pieza única. Cada proyecto es una constante experimentación, de mucho tiempo, inclusive de años. Procuro siempre cambiar y hacer algo diferente, siento que son los límites que

yo misma me impongo. Hay una cosa que es muy cierta: soy muy manual, me gusta hacer cosas diferentes, siempre recorto y pego cosas en mi bitácora, hago anotaciones y bocetos con dibujos muy básicos. Es una forma de alimentar el lado derecho de mi cerebro, de alguna manera activo mi creatividad, es algo que no me lo da el ordenador. La vieja escuela de la fotografía enseña que hay que pone el acento en lo que no se ve, en tu caso, parece que llevas a rajatabla esta norma ¿te consideras una fotógrafa muy purista en este sentido? Si, a mí me enseñaron que lo que no se ve es lo más importante en una imagen, fotografío cosas que no son obvias y claras, me encanta hacer pensar al espectador y atraparlo en mis historias. No fue fácil, tuve que entender lo que es muy parecido a mí y para atraparlo, se tiene que reconocer en mi obra. Hay códigos universales en los cuales me he apoyado para transportarlo a mi mundo. Mi universo pareciera que es contradictorio y sin sentido, pero es todo lo contrario, es muy estable, lúdico y coherente. Sólo me gusta jugar y reflexionar en torno a mi condición de mujer y sobre todo, a la condición de vivir en México. No me gusta la obviedad, me gusta hacer pensar e imaginar. Es la manera de poder conectarme con el espectador. ¿Cuáles son las historias que te inspiran a la hora de realizar un proyecto fotográfico y cómo es el proceso creativo? Mi experiencia personal y el vivir el día a día en la Ciudad de México. La violencia, la muerte, el abandono y la desolación son el punto de partida de mis proyectos. Hay toda una combinación de todo lo que me rodea, soy una esponja a la hora de armar un proyecto y la inspiración no llega sino provocas al espíritu. Soy una recolectora de notas, apuntes, recortes y fotos. Todo me ayuda para armar una historia. La acción y el proceso creativo es lo más importante, aprender a mirarte como eres como individuo y como artista, en el camino te vas a enfrentar a tus demonios, yo digo que de vez en cuando hay que visitar el infierno para lograr salir después y reflexionar en torno a la condición humana y a tu experiencia.

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Una de tus series fotográficas más conocidas es Miedos, una serie inquietante donde la muerte y la violencia son los protagonistas. Háblanos de este trabajo. Paralelo al proyecto fotodocumental sobre madres adolescentes, comencé un ejercicio de fotografiarme y fotografiar mi vida, un diario visual donde comencé a trabajar con mi cuerpo. Con Miedos cambié de formato y de tema, pero faltaba algo. Usé la cámara Holga, que es una cámara de bajo costo y de plástico, era muy popular entre fotógrafos profesionales, pero parecía que todas las fotos que se producían eran de la misma persona. ¿Cómo me podía distinguir de entre tantos? Construí sin darme cuenta una metodología, robé como un artista y tomé de los grandes su estilo y su manera de mirar. Me vi cómo observaba asustada las noticias de accidentes y de muertes en los puestos de periódicos, había un morbo y una curiosidad latente. Al mismo tiempo era muy infantil, me encantaba la historia de Alicia en el País de las Maravillas y la película El Mago de Oz. Imagina en mi vida una gran licuadora con todas mis referencias, prende el motor y el resultado está en mi cabeza y en mi libreta. Anoté todo: dibujos, recortes de revistas y periódicos y todo lo que me encontraba en el camino. Mis ideas, obsesiones y mis miedos. En mi bitácora descubrí que tenía miedo de morir y lo único que hice fue exorcizar mis grandes temores. La protagonista de mi historia era una niña, yo de niña con una historia de violencia que contar. El falso documentalismo y la ficción estaban a mi alcance, para qué quería la realidad si podía fantasear con mi propio universo. Son historias que parecen ser lindas, pero si las miras con calma hay terror, confusión y miedo. Tu sobrina y tú sois las modelos de esta serie ¿por qué? En un principio me interesaba trabajar con mi propio cuerpo, comprendí el acto fotográfico en el sentido de provocarlo y vivir una ficción que al final se podía convertir en realidad. Era tan poderoso este pensamiento que tenía que vivir las fotos para comprender qué sucedía en el momento de hacer la toma fotográfica, mis sentimientos más inesperados salieron, sentí mucho miedo y sobre todo tristeza. Cuando cambio mi sujeto, mi pequeña sobrina se ajusta a mi mundo, con pocas preguntas y en mi propia fantasía la puedo dirigir con

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mucha libertad, con el permiso de su madre y de ella misma. Había una conexión que no podría describir. Era ella, pero podía ser yo... Además, para su corta edad, lo entendía todo, es muy inteligente, muy sensible a mi trabajo y me ha apoyado mucho. Alguna vez has dicho que intentas fotografiar historias de las cuales te gustaría escapar ¿crees que tu trabajo puede ser una forma de exorcizar los propios miedos? Por supuesto, en mi caso, no hay proyecto sin una historia detrás. Como todos, mi vida va cambiando al mismo tiempo que mis necesidades. Por ejemplo, en México la violencia ha crecido, cada día es más cruel lo que nos sucede como sociedad. Hay más de 27.000 personas desaparecidas y el gobierno no hace nada, está incapacitado para resolver esto. ¿Quién no quisiera escapar de esta historia? Tenemos que reflexionar y evidenciar lo que sucede, creo que me conecto con el espectador en la medida que le hablo de lo mismo que siente. Claro que hay miedo, por algo vivo en México y por algo tuve una infancia difícil, no podría hacer las imágenes que hago si no hubiera vivido todo esto. Es complicado llegar a esta conclusión, al final tuve que aceptar que no puedo cambiar mi pasado, ni al gobierno, pero ahora estoy lista para evidenciar nuestro miedo y la violencia. Dentro del variado y complejo imaginario que se materializa en tu trabajo, están los animales y, como en el caso de las personas que retratas, la tragedia y la muerte, en ocasiones muy dulce, está presente ¿por qué? Tengo una historia muy personal con los conejos. De niña tenía un par de ellos y un día, al regresar de la escuela, descubrí que los perros se los habían comido, no podía creer lo que veía, había tripas y sangre por todos lados. No me puedo imaginar lo que sucedió, pero me impactó tanto que todavía tengo esa imagen en mi cabeza. Después de leer Alicia en el país de las Maravillas, los conejos tuvieron una vida en mi universo, podían hablar, ser amigos y, sobre todo, estar conmigo, pero siempre sucedía que estaban dolientes y heridos, al final no lo pude evitar, esta soy yo. Los unicornios son muy recurrentes en tu trabajo ¿por qué el interés por este animal mitológico? En busca del unicornio perdido es un trabajo que nace


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Serie Hermanas


de un proyecto educativo, es un taller masivo de fotografía estenopeica, a las personas les enseño el principio de la cámara oscura y el uso de una cámara de cartón. Hace más de 40 años, el fotógrafo mexicano Carlos Jurado escribió un libro llamado El arte de la aprehensión de las imágenes y el unicornio, en este libro se cuenta la historia del invento de la fotografía y, con una ficción sorprendente, explica la extinción del los unicornios en el pasado, porque se necesitaba el cuerno de un unicornio para hacer el estenopo de las cámaras estenopeicas. Yo retomo esta historia y empiezo a andar por todos lados. El taller es gratuito así que empecé a usar las redes sociales para invitar a las personas. En 2009 fue el primero, llegaron alrededor de 150 personas. Los atendí con mis propios recursos y con mis alumnos; con aciertos y errores, pudimos llevar a cabo el taller. Así que empecé a jugar e invitar a buscar un unicornio y los seguidores del proyecto lo acogieron muy bien, fue entonces cuando se me ocurrió hacer un proyecto fotográfico. El Unicornio significa esperanza y amor, hay un remedio para todo lo que vivimos, no deja de ser doliente, pero hay una esperanza y es muy divertido andar con una máscara de unicornio y tomarte fotos. Busco al unicornio en un país de desaparecidos, tiene una contradicción, pero la verdad, yo siento que busco el amor e invito a la gente a buscarlo. No sé, es mi idea e imaginación. La última parte del proyecto el cual no he terminado, es un cuento infantil, la historia de aventuras de una niña fotógrafa y su conejo que van en busca de un unicornio. Este proyecto va lento, pero la idea es acercar al público infantil a la fotografía análogica. Botánica es el nombre de otra serie donde la inspiración nace de las viejas historias de los aventureros del siglo pasado ¿cómo surgió esta idea? Trabajé en Alquimia, una revista de historia de la fotografía mexicana, en este trabajo descubrí otro mundo fotográfico, la historia que existe detrás de la imagen: aquello que buscan los historiadores y críticos, un simple hecho que no contemplaban muchos de mis contemporáneos. La historia nació de crear maquetas, nuevamente cambié de formato y el tema. Acababa de realizar un proyecto de muerte y “nota roja” y necesitaba un respiro, volver a crear mis mundos. Usé una cámara de gran for-

mato e hice maquetas y técnicas antiguas como colodión húmedo. Empecé a inventar un personaje, me asumí como una fotógrafa viajera del siglo XIX, una artista, que dibujaba, recolectaba y fotografiaba plantas. El hilo conductor entre los demás trabajos fue que decidí reflexionar en torno a la soledad. Un aparente abandono sobre la historia, un ir y venir de nuevas experiencias y una eterna soledad, pero al mismo tiempo, una mujer poderosa, creativa y especial. Una visión autorreferencial donde nunca ves a la protagonista, pero te la imaginas. Cuando el Diablo anda suelto es el nombre de otro de tus trabajos, para este proyecto acompañaste a un fotógrafo de sucesos -nota roja-, un proyecto nada convencional y llamativo. ¿Cómo surgió la idea de este trabajo y qué significó para ti? Después de ganar la 12ª Bienal de Fotografía en México, uno de los concursos más importantes de fotografía en México, me quedé paralizada, no podía lograr comprender qué había sucedido, sabía que tenía que hacer algo nuevo, pero no tenía ni la menor idea por dónde empezar. Hago muchos proyectos como ejercicios, esto me permite ver hacia dónde ir y cómo va mi trabajo. También los cambios son importantes, son los que me permiten reflexionar y entender mi trabajo. Hace muchos años hice foto de prensa y tengo amigos fotoperiodistas, le pedí a uno de ellos que me permitiera acompañarle bajo sus órdenes de trabajo de “nota roja”. Mi amigo trabajaba en uno de estos periódicos más importantes sobre ese tema, así que fue fácil. Mi idea era evidenciar lo que había quedado del acto violento. En un principio fue difícil, no lograba comprender toda la adrenalina que estaba frente de mí. En este punto, comprendí quién era y cómo mis propios proyectos me van enseñando a entenderme. Además de la extrema adrenalina, había días que no pasaba nada y me descubrí deseando que sucediera algo, en este caso la muerte. Me asusté de mí y de lo que puedo llegar a desear. Sentí que era siniestra y me sentí fatal conmigo misma. Mil preguntas rondaron mi cabeza, tuve miedo y ansiedad. El título del proyecto es porque mi amigo me contó que dicen que el Diablo anda suelto cuando durante el día hay mucho trabajo. Es cuando el Diablo sale a matar.

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También realizas talleres de joyería fotográfica, que son verdaderas obras de arte, háblanos de ello. La idea comenzó hace muchos años, con mi incursión a la historia de la fotografía, descubrí que existían guardapelos y relicarios. Esto era porque no existía la fotografía o no era tan accesible y popular. Era una manera de traer contigo a tu ser querido o amado. Con esta idea deseaba traer mis fotografías en piezas, además de difundir y hacer más accesible mi obra. Pude asesorarme y aprender a trabajar con materiales como las resinas y los polímeros para hacer piezas de joyería en resina y transferencia de imágenes. Me interesaba la materialidad de la imagen, es decir, el poder tocarla y hacer objetos con ella. Con los talleres, me doy cuenta de que hay una necesidad por parte del público de ir más allá de la bidimensionalidad de la imagen. Mis próximos proyectos apuntan a lo que yo llamo la “materialidad de la fotografía”, ante este universo digital, me interesa reflexionar en torno a los objetos que puedo crear con mis fotografías o las fotografías de otros. Es cierto que cada pieza es como una pequeña obra de arte, es muy interesante lo que sucede y no lo había notado hasta hace poco, no cualquier imagen funciona para una pieza de joyería o un objeto. La dinámica de producción es primero tener el molde o el objeto y después pensar en la fotografía que vas a utilizar. Cada pieza responde a esta necesidad y a esa manera de trabajar. El hacer la joyería me ha servido para desarrollar otros proyectos enfocados más a la instalación fotográfica y a la tridimensionalidad de la imagen.

que pondré en la calle. Esta ambigüedad, el proceso, es lo que me fascina, nunca sabes qué puede pasar, pero siempre hay buenas sorpresas e imágenes y hay que estar abierta para todo. Sobre la segunda parte, quiero trabajar con el tema de los desaparecidos en México, es algo que le da vueltas a mi cabeza desde hace mucho tiempo y quiero evidenciar lo que esta pasando. En este caso habrá un trabajo de apropiación para poder desarrollar instalaciones. Es muy curioso, pero ante un mundo visual, las imágenes de estas personas desaparecidas son de muy mala calidad y algunas veces te las encuentras en anuncios en la calle. Sabemos que hay miles de desaparecidos, pero ni siquiera sabemos cómo son y quiénes son. Un dato que me llamó mucho la atención es que por cada mujer desaparecida, hay tres hombres desaparecidos. Para mi proyecto me enfocaré sólo en los hombres. Dentro de mi imaginario pienso que deseo ayudar a buscarlos, pero siento que me veré ridícula en los centros de atención a víctimas diciéndoles lo que quiero hacer, además de que es un asunto muy delicado y doloroso para las familias. Entonces se me ocurrió que a manera de homenaje, para no olvidar, quiero darles un nombre y un rostro. Como te comenté, apenas son bocetos, nada definitivo, espero pronto tener algo.

¿Qué proyectos tienes para un futuro próximo? Ahora estoy con los bocetos de mi próximo proyecto. Me interesa hacer retratos e instalaciones fotográficas, justo en donde se puedan combinar ambas ideas. La primera es hacer retratos nada convencionales de mi ideal de hombre, en este caso me interesa indagar sobre la masculinidad e identidad. Quiero saber qué me sucede a la hora de fotografiar a alguien que, por algún motivo, me llama la atención. Suelo tener los sentimientos a flor de piel y es muy evidente mi ansiedad o nerviosismo. Ante esto también quiero ver cómo el otro se representa y autorrepresenta, es un juego un poco tenebroso, pues habrá personas que conoceré y habrá otras que no. Contactaré con ellas por estos sitios de citas y por anuncios

www.cannonbernaldez.com

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¿Tienes prevista alguna exposición en España? Por ahora no, espero tener pronto alguna invitación. En Septiembre voy tener una exposición en la galería Pitzer College en Claremont, en California.


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| CINE Y TV |

PREMIOS GOYA 2016 La Noche de Truman


_______ POR PILAR SARRO

¡Luces, cámara, acción! Las luces del hotel Auditorium de Madrid se encendieron el pasado 6 de febrero para dar comienzo a la gala de la 30ª edición de los Premios Goya, en la que Truman fue la gran triunfadora de la noche con 5 “cabezones”, incluyendo mejor película, director, actor protagonista para Ricardo Darín, actor secundario para Javier Cámara y guión original. Atrás quedan algo más de tres horas de photocall en el que actores, actrices, modelos, escritores y políticos han posado y hablado para los medios, luciendo sus mejores galas. Algunos conocidos por su simpatía como Alaska, Silvia Abascal, Juana Acosta, Dani de La Torre (nominado a mejor director novel por El Desconocido), Unax Ugalde, Miguel Ángel Muñoz… y otros por todo lo contrario. Dos intérpretes de calibre internacional como los oscarizados Tim Robbins y Juliette Binoche se ganaron a los medios por su cercanía y elegancia. La Gala de la 30ª Edición de los Goya duró tres horas, convirtiéndose en una de las más breves de la historia de estos premios. Por segundo año consecutivo, estuvo presentada por Dani Rovira, mucho más cómodo y confiado que en la ceremonia del año pasado.

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El comienzo de la misma siguió el guión establecido de apertura con un número musical intentando homenajear las 29 ediciones anteriores de los Goya para, a continuación, mezclar los premios con diferentes interpretaciones de Serrat, la tamborrada inexplicable como recuerdo a Luis Buñuel y el breve discurso de Antonio Resines, esta vez sin rap, como Presidente de la Academia denunciando el porcentaje del IVA cultural y la piratería. También hubo tiempo para que Emma y Adriana Ozores entregaran el Goya Honorífico a su tío, Mariano Ozores, por su importante y larga trayectoria cinematográfica, que consta de 96 películas. El veterano realizador, actor y guionista pronunció un discurso breve, emotivo y largamente ovacionado dedicado a todos los actores que han trabajado con él, entre los cuales citó a Fernando Rey, José Luis López Vázquez, Alfredo Landa, Pilar Bardem, Juanito Navarro, Manolo Escobar, Concha Velasco, Manolo Zarzo, Pajares y Esteso y “a mis hermanos José Luis y Antonio”. También tuvo palabras para el público,” un ente misterioso al que se lo debo todo”.

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Truman, ganadora indiscutible Una gala en la que Truman fue la ganadora indiscutible y en la que La Novia se fue casi de vacío, logrando dos Goyas en Dirección de fotografía y en Actriz de Reparto (maravillosa Luisa Gavasa en esta adaptación de la obra lorquiana Bodas de Sangre), de las 12 nominaciones a las que aspiraba. Como Mejor Actriz recogió el premio Natalia de Molina, la gran favorita en todas las quinielas. Su interpretación de Rocío, una madre soltera desempleada que está a punto de ser desahuciada, le ha valido su 106 - EMNMM

segundo Goya tras Vivir es fácil con los ojos cerrados. Ella fue una de las protagonistas de la noche al dar uno de los agradecimientos más emotivos y espontáneos, un discurso interrumpido con música debido a los ajustados tiempos del guión. Ricardo Darín, con su sutileza e ironía características, fue breve, conciso y acertado al reivindicar la cultura y denunciar los cortes de los discursos, cuando por fin subió al escenario a recoger su primer Goya, tras haber estado nominado en cuatro ocasiones.


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Otro de los momentazos de la noche se vivió al principio de la ceremonia cuando Miguel Herranz escuchó su nombre como ganador del Goya al Mejor Actor Revelación por la ópera prima de Daniel Guzmán A cambio de nada. Su discurso emocionó a todos los presentes, incluido al mismo Guzmán, protagonista del agradecimiento de Herranz por “haberme dado una vida”. Irene Escolar tuvo el mérito de haber sido una de las grandes sorpresas, ganando el Goya a Mejor Actriz Revelación, contra todo pronóstico, por Un otoño sin

Cortesía de la Academia de Cine

Berlín, largometraje dirigido por Lara Izagirre. Con un agradecido Cesc Gay recogiendo el Premio a Mejor Película, la trigésima edición de los Goya llegó a su fin, una ceremonia menos reivindicativa que en años anteriores. Las butacas del salón de actos del Hotel Auditorium quedaron vacías y las luces se apagaron para despedir a la mayor fiesta del cine español.

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Foto: Sergio Parra

ARTE NUEVO (UN HOMENAJE) Teatro Espa単ol - (Sala Principal) Hasta el 27 de Marzo www.teatroespanol.es


| ESCENA |

ARTE NUEVO (UN HOMENAJE) Cargamento de sueños de Alfonso Sastre El hermano de Medardo Fraile Dirección: José Luis Garci

Arte Nuevo es un espectaculo que consta de dos obras de un acto. Una de ellas, Cargamento de sueños, podria encuadrarse dentro de un teatro experimental o de vanguardia, mientras que la otra, El hermano, es el mas puro ejemplo del teatro costumbrista. Si hubiera que buscar antecedentes para ambas piezas, estos serían Esperando a Godot e Historia de una escalera, las dos, curiosamente, posteriores a los textos de Sastre y Fraile. Con este programa, quiero rendir homenaje al movimiento Arte Nuevo, que a finales de los años 40 del pasado siglo, dieron el primer grito existencial del teatro espanol de posguerra. Jose Luis Garci Director

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“Y les sucedieron cosas que piden más luenga escritura”, escribió Cervantes en una de las últimas líneas de Rinconete y Cortadillo… Este final abierto, misterioso y provocador es el punto de partida de esta obra. ¿Qué ocurrió con Rinconete y Cortadillo después del éxito de esta novelita ejemplar? En esta puesta en escena, los verdaderos Pedro del Rincón y Diego Cortado quieren ajustar cuentas con Cervantes por haber publicado a sus espaldas un episodio fugaz de sus vidas pero que les ha condenado por siempre a responder a la imagen de pícaros. Un éxito de juventud del que nunca se pudieron recuperar. Como El Gordo y el Flaco o Los Pecos, Rinconete y Cortadillo están condenados a seguir juntos para sobrevivir. Pero quizá ahora ha llegado la ocasión de limpiar su nombre.

RINCONETE Y CORTADILLO Teatros del Canal Hasta el 13 de Marzo www.teatrosdelcanal.com

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Rinconete y Cortadillo es una comedia sobre la picaresca, los niños prodigio, la amistad, la lucha entre la realidad y la ficción y sobre los parias con los que Cervantes dio paso a la modernidad. COMPAÑÍA SEXPEARE Sexpeare o los punkis del humor; así nos califican. Hacemos caso a las voces que siempre nos animaron a enfrentamos a un texto clásico. Cuando leímos la novela de Cervantes descubrimos que hay humor, humor con mayúsculas, humor ácido, grotesco, y con ese aroma excesivo que nos define. Nuestro humor absurdo y delirante, y el universo enfermizo del director Salva Bolta, harán que nadie se quede indiferente en la butaca.


| ESCENA |

RINCONETE Y CORTADILLO Compañía Sexpeare


| MÚSICA |

ARA MALIKIAN Festival Cultura Inquieta 2016 La música clásica puede ser divertida, no tiene edad, ni es exclusiva de los grandes teatros. Bajo estas premisas, el virtuoso violinista Ara Malikian actuará en la nueva edición del Festival Cultura Inquieta. El músico libanés pondrá el Polideportivo de San Isidro de Getafe patas arriba con su clásica fusionada el jueves, 7 de julio de 2016, en el marco de un concierto acompañado por una gran banda que será, como acostumbra, vibrante, intenso, divertido y siempre emocionante. Su actuación se enmarca dentro de su Gira 15, con la que el artista celebra el décimo quinto aniversario de su primer concierto. Las entradas para este día ya están disponibles en Ticketea al precio de 18 euros la venta anticipada. Sobreviviente a los bombardeos beirutíes, Ara Malikian comenzó a tocar el violín desde niño, de la mano de su padre. Fueron años duros. Y ahora es un gran y aclamado violinista. Para él, sus giras y conciertos tienen un significado especial puesto que suponen el fin de un ciclo en su trayectoria. Con esta gira pretende, como él siempre dice, acercar la música clásica a todos los públicos, desde los más pequeños a los más mayores. El repertorio está compuesto tanto de obras clásicas como de adaptaciones para orquesta del amplio abanico de la música popular del siglo XX. Ara Malikian actuó en la pasada edición del festival y este año repite, por votación entre los asistentes, al ser el concierto más celebrado.

El Festival El Festival Cultura Inquieta amplía un día más su programa. Así, la séptima edición del certamen se celebrará del 30 de junio al 17 de julio y se clausurará con una gran fiesta. Los detalles de este broche de oro se anunciarán en las próximas semanas. Cultura Inquieta en 2016 será un festival de festivales. Cada noche será una jornada temática dedicada a un estilo musical y con varios grupos sobre el escenario: rock, pop, clásica, blues, funk, electrónica y hip hop. La nueva confirmación de Ara Malikian en el Festival Cultura Inquieta se suma a los nombres anunciados en las últimas semanas: Muchachito y Juanito Makandé (9 de julio) y Los Chikos del Maíz, Suite Soprano y Foyone (2 de julio). En 2016, el Festival Cultura Inquieta cuenta con el Polideportivo de San Isidro de Getafe como espacio principal y tendrá también un segundo escenario en el Espacio Mercado (plaza del Ayuntamiento de Getafe), donde se desarrollarán diferentes actividades multidisciplinares. Ambos recintos están conectados con Metro, Cercanías y autobuses. Las entradas tendrán precios asequibles y hay un número muy reducido de abonos a la venta.

www.culturainquieta.com

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Descubriendo el Retiro

Tierra de Carpetanos

Ciertos parques parecen concebidos exclusivamente para el disfrute de los niños más pequeños. En otros, en cambio, sólo se ve a jubilados sentados en sus bancos. Algunos más parecen jardines privados, donde el visitante se siente como un huésped molesto. El Retiro, sin embargo, es un parque paara todos, el parque de los parques, plagado de árboles y de historia, de praderas y monumentos, de flores y columpios, de jóvenes y ancianos, de nativos y foráneos. Para todos ellos se ha realizado este libro. Parq aquellos que lo visitan por primera vez y para los que llevan toda una vida paseando por sus senderos. Para quienes juegan al escondite entre sus árboles y para los que, sentados en un banco, comentan escépticos la próxima subida de las pensiones. Para quienes lo recorren en bicicleta y para quienes pasean a sus bebés. Para aquellos que acuden a alimentar a los cisnes, los gatos o las ardillas y para quienes comparten una dorada puesta de sol entre besos y caricias.

El pueblo carpetano se origina como etnia diferenciada a partir de una amalgama cultural resultante de influencias recibidas desde los cuatro puntos cardinales, unas más fuertes que otras, y cada una con sus peculiares matices. Desde las etapas historiográficas que abordan la cultura carpetana hasta el hábitat antes y durante la época romana, pasando por la economía, la etnogénesis, la romanización, la sociedad, las creencias, el solar que habitaron, las costumbres funerarias, el carpetovetonismo más exacerbado, este trabajo supone abarcar, resultado de una minuciosa tarea de compilación de datos dispersos, un campo de conocimientos generales sobre esta etnia en un mismo volumen, etnia, por otra parte, bastante desconocida y con escasa bibliografía dedicada. Vemos cómo los carpetanos irrumpen durante la II Edad del Hierro en la Historia de la mano de los primeros cronistas grecorromanos y púnicos, propagandistas de las dos grandes potencias que dirimen sus cuitas imperialistas en la Península Ibérica, utilizando como mercenarios a los feroces guerreros que la habitan. Y comprobamos por los restos arqueológicos que nos han dejado, que fueron una cultura bastante discreta en sus planteamientos y alcances.

Jesús Díez de Palma 158 Páginas 9788498730142

Diego Salvador Conejo 352 Páginas 9788498733037

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| LIBROS |

Explora lo misterioso de Madrid. Crímenes, amores y recetas de cocina Aunque no lo parezca, tienes en tus manos un libro de historia de Madrid. Contada de forma poco habitual; eso sí. Y es que son los crímenes, los amores y las recetas de cocina los que le dan forma. Con ayuda de ellos, os llevaremos a la estación de Atocha, al Museo de Antropología, al parque del Retiro o a la calle del Alcalde Sainz de Baranda, entre otros lugares. En ellos, os hablaremos del chispeante Madrid del siglo XIX y de principios del XX, cuando nuestra ciudad se encontraba en plena transformación. Por cierto; ¿sabías que… ...el Rayo Vallecano y la momia de Tutankamon tienen algo en común? ...a Isabel II se le permitía que fuese adúltera, con tal de evitar otra guerra carlista? ...hubo un gafe de los gordos en nuestra Familia Real? ...Jarabo tardó más de veinte minutos en morir, al ser ejecutado mediante garrote vil? ...Mick Jagger se arrodilló, ante Borges, en el Hotel Palace? ...una de las supervivientes del Titanic residía en Madrid? ..que un peligroso asesino en serie mató a una de sus víctimas en el Retiro?

Motivaciones. Directivos y RSC El autor pretende en esta investigación de ética empresarial descubrir las motivaciones y frenos que un directivo de empresa posee ante la Responsabilidad Social Corporativa (RSC). Para ello tratará de hacer un marco teórico con fundamentos filosóficos para hacernos ver cuál es el verdadero papel de la ética en la empresa, qué es la RSC y cuáles son sus limitaciones y ventajas. No siendo únicamente una investigación teórica, el autor ha entrevistado a 20 directivos de Pymes de diferentes lugares geográficos de España. Para ello, usará la herramienta sociológica de la “Entrevista cualitativa” para contrastar la información de los directivos de empresa y ofrecernos así algunas intuiciones y aclaraciones por las que camina la ética empresarial y qué papel relevante posee la RSC. Óscar Romén Bethencourt Pérez 253 Páginas 9788415061571 http://a.eoi.es/motivacionesrsc

F. de la Fuente del Moral y E. Fernández Envid 240 Páginas 9788498733082

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| HÉROES EN SILENCIO |

CAROLINA COBIÁN Psicología con encanto _______ POR ÓSCAR BETHENCOURT

En este mes de marzo, en el que parece que el invierno primaveral nos sigue dando algunas treguas de frio y sol, camino hacia el encuentro de nuestra “Heroína en Silencio” en un sitio que ella misma ha elegido. Sin tener conocimiento del lugar, abandono el mundanal ruido del Centro de Madrid para adentrarme en la calle Echegaray del popular barrio de Huertas y quedar en el Bar La Venencia. A simple vista no llama nada la atención este sitio, puesto que está rodeado de infinidad de bares de toda índole. Sin embargo, nada más entrar por la puerta te das cuenta que ingresas en un esfera que habla de otro Madrid. Su llamativo ambiente de bodega de

pueblo en medio de un envolvente aroma a vino, polvo, de aspecto añejo y envejecido hacen sin quererlo que las prisas, las arrogancias y las luchas efímeras ahí no tengan cabida. En ese ambiente me siento frente a Carolina ante un agradable vino de jerez para iniciar una fantástica conversación sobre su realidad como “Heroína en Silencio”. Carolina es una joven psicóloga que abrirá su espacio de silencio para dejarse hablar con su expresiva y llamativa mirada, su sonrisa sincera y su voz profunda. El ambiente del bar y su presencia me auguran una entrevista que no pasará desapercibida.

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Óscar: Carolina, como siempre hacemos, comencemos esta entrevista presentándote tú misma. Carolina: Me llamo Carolina Cobián y soy madrileña de nacimiento, de las pocas que todavía hay en esta Ciudad. Estudié psicología en la Universidad Autónoma de Madrid. También hice un año de Erasmus en Praga para profundizar en otros enfoques terapéuticos y más tarde hice un año en Barcelona para especializarme en las asignaturas de la rama de la psicología social. En cierto modo me vino muy bien, puesto que en la Autónoma tienen un corte mucho más cognitivo-conductual y quería ampliar miras. Después hice la formación de Gestalt –que fueron tres años- y más tarde un diplomado en salud mental y situaciones de violencia política, que consiste en la salud mental vinculada al ámbito de los derechos humanos. Y mi última formación es un master en psicología sistémica constructivista para trabajar con familias y parejas, también para individual, pero fundamentalmente está enfocado para trabajar con el contexto del paciente, entendiendo el sufrimiento del paciente como un síntoma del sistema en el que está inmerso. Eso a nivel de formación, pero en lo que respecta a la realidad profesional, ¿por dónde has caminado? Después de que acabara la Universidad comencé a trabajar en un colegio dando clases de apoyo para población inmigrante. Luego hice talleres para población sahariana. Siempre me ha llamado la atención el ámbito de la inmigración. Más tarde, trabajé en Cruz Roja como mediadora intercultural, también me formé en mediación. Trabajé en el aeropuerto de Barajas con solicitantes de asilo en la parte más humanitaria intentando informar sobre el proceso, acompañar y estar pendiente de la parte más emocional y psicológica de las personas que llegaban. Trabajar en este sector habrá sido una experiencia muy fuerte. Exacto. Debo de reconocer que ésta fue una experiencia fuerte porque es un contexto con mucha dificultad. Sin embargo, recuerdo aquella etapa como una experiencia muy bonita y de mucho aprendizaje. ¿Después de esa experiencia como mediadora en el aeropuerto? Más tarde, decidí dedicarme como psicóloga con mi

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propia consulta, porque no se me daba la oportunidad en ninguna entidad sobre todo al inicio de la crisis. Luego, monté una asociación (Asociación Psicópolis) con amigos, en la que trabajamos con temas de formación y atención psicológica. El tema de mi propia consulta fue una decisión que nació gracias al equipo con el que me junto para revisar casos que son compañeros con los que me he formado. La verdad que es un placer trabajar con ellos. Para mí la clave ha estado en juntarse con otros y pensar en colectivo, creo que es la mejor forma de sobrevivir y disfrutar y aprender con lo que hago. También estoy formando parte de otros proyectos colectivos relacionados con lo que he contado, pero que todavía están comenzando. ¿Por qué decidiste hacer psicología? Lo gracioso es que siempre me había gustado la psicología, pero cuando tuve que elegir también tenía la otra opción de publicidad. Mi hermano lo estaba haciendo y en cierto modo me gustaba por esa capacidad creativa que siempre he querido desarrollar en mi vida. De ahí, que viera en la publicidad un espacio para desarrollarla y también porque en aquella época creo que era una carrera nueva que estaba un poco de moda. Bueno, también tengo que decir que mi madre, que es psicóloga -a pesar de no haber ejercido-, propiciaba en casa “conversaciones psicológicas” que tenían que ver con la reflexión y el análisis de la realidad. Casualmente, en aquel momento no me escogieron para hacer publicidad y me decanté por la psicología, y debo de reconocer que no me he arrepentido en ningún momento. Sí creo elegí bien. Vaya, entonces en cierto modo te dedicas a la psicología como una segunda opción. Para mí es sin duda la primera, eso fue solo entonces. Tengo la sensación de que es algo que no me cansa, que me gusta y que no se me da mal. Es complicado, en ocasiones ponerse en el lugar del paciente intentando hacer bien mi trabajo para ser un poco el medio para ayudarlo a salir de su proceso personal. Sin embargo, debo de reconocer que es fascinante llegar a ese nivel de profundidad, de conocimiento y de contacto con el otro. Lo mejor que tiene esta forma de vida que he elegido es que nunca dejas de aprender. Esto hace que mi profesión la vea con pasión y de una manera muy maravillosa.


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Por tanto, la razón que te llevó a este lugar como profesional fue incierto y casual, pero también influenciado por el ambiente familiar en el que tu madre algo tuvo que ver. Efectivamente. Como te decía en casa se daba un tipo de conversación y de análisis que mi madre propiciaba. Por ejemplo, ese ambiente de reflexión me llevó a enamorarme por la filosofía y el arte. De hecho fueron mis mejores notas en selectividad. Con esto quiero decir que la parte analítica, reflexiva o más profunda ya estaba muy cercana a mí desde pequeña. Cuando comencé esta sección de “Héroes en Silencio” decía que era un alguien- existencial que sabe todo que está detrás de sí. Es decir, su contexto, su lenguaje y su historia de vida tiene que ver con lo que hay, pero el “Héroe en silencio” es el que mira hacia delante y se da cuenta de que hay un no-ser, una no existencia y ve un proyecto donde nadie ve nada. Y desde la nada va construyendo. 120 - EMNMM

Ese es justamente mi historia (risas), en cuanto a construir desde la nada. Aunque creo que es una cuestión casi generacional. Hay mucha gente ahora mismo tratando de hacer esto. Esa es la razón por la que estamos entrevistándote. (risas). Algo que me llama la atención de lo que vas comentando es cómo vas construyendo el camino desde la nada buscando un lugar de realización personal en la vulnerabilidad. De lo que has comentado tu formación y experiencia está muy cercana al perfil del inmigrante y del refugiado, es decir personas con dificultades. ¿Por qué en tu camino ha habido una cercanía hacia el paciente social vulnerable atravesado por una realidad política? No sé. Yo creo que en mi vida me he ido moviendo por lo que cada momento iba descubriendo. No es que yo desde muy joven hubiera visto con claridad lo que hoy soy. Simplemente me han ido interesando algunas cosas


¿Cómo aparece y llega ese sujeto atravesado por una historia de rechazo y de represión? Dicho de otra manera, ¿cómo llega ese alguien que se ha visto obligado a salir de su propio país por una cuestión de hambre, de guerra, de conflicto político o de falta de libertad? Desde mi experiencia en los distintos ámbitos en los que he estado depende mucho. O sea, ten en cuenta que muchos llegan muy desesperados, ya sea por haber tenido que salir de su país, o por tener que pasar por los controles burocráticos y policiales. Y cuando de pronto se le aparece una persona que le mira a los ojos, le toca la mano o le da una botella de agua y se le trata como un ser humano y no como un ficha, es frecuente que se produzca una explosión de toda la tensión acumulada y comience a hablar de su trágica experiencia desde la emocionalidad. Luego, también hay gente que se acercaba más desde la desconfianza lícita. Básicamente éstas serían las dos actitudes. Y claro, en general en ambos casos muy desorientados.

en medio de mi vida, y en función de eso fui forjando mi propio camino. Creo que una de las razones es porque para mí existe un lenguaje muy natural e integrado en valores como la justicia, la igualdad y la solidaridad. Creo que es un privilegio asistir a la supervivencia de esta gente y tratarlo desde su humanidad. ¿Cuál crees que sería la experiencia más bonita que te has encontrado en este espacio de ayuda? Hay una cosa que se genera verdaderamente bonita cuando estás con este perfil y es que ahí se genera un lenguaje más allá de lo cultural y de lo personal. Yo diría que se produce un lenguaje de transcendencia de lo humano. Esto ha sido algo que a mí me ha gustado encontrar y que creo que le da sentido de lo que hago. Para mí, poderme relacionar desde ahí es tener que hacer el ejercicio de dejar de lado los prejuicios y las ideologías para tener que centrarte en la historia de una persona que sufre.

Respecto a tu idea cuando te encomiendas ante la realidad íntima de un paciente que llega ante ti ,ante la angustia que no sabe por qué la tiene, ¿Cuál la es la sensación que tienes como profesional cuando te sientas delante de un paciente? Para mí es de privilegio. En realidad en la terapia se genera un espacio de magia, en el sentido de que en la terapia se es uno mismo. Diría que mucho más de lo que se puede ser en la calle. Esta es la realidad de la terapia: ser uno mismo para verte bien y tratarte. Mi trabajo consiste que ese espacio de confianza se pueda dar. Esto quiere decir: tratar de tener el contacto de manera cuidadosa, respetar los tiempos del paciente, siempre como un contacto verdadero. Para ello parto de la idea de que esta profesión me ofrece un espacio de privilegio, porque estoy recibiendo la intimidad de una persona en un lugar súper autentico. Qué forma más bonita de explicar tu experiencia sobre la terapia. Eso es lo más bello de observar, ya sea desde la angustia o el sufrimiento más horrible, como de la alegría más fuerte, lo importante es ver a la persona en todo su ser y después que va avanzado en cosas que se había propuesto. Vamos, ese camino de acompañar al otro en ese lugar tan íntimo y tan verdadero es un privilegio y desde

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ahí se aprende muchísimo. Bien es verdad que a veces te enfrentas con miedos cuando llega una persona nueva o en casos más difíciles, pero intento estar en el presente y estar con el otro. Y claro, hay que estar muy pendiente de tu propia emoción y de tu vida para no volcársela al otro, si bien no tengo todas las cosas de mi vida resuelta; por lo menos intento tenerlas localizadas para no volcárselas al otro e influenciar en su proceso. Esto también me obliga a estar muy pendiente de mí misma. ¿Cómo se protege y cuida un psicólogo ante tanto sufrimiento y vulnerabilidad de otro que se acerca? Para empezar yo creo que todo psicólogo tiene que hacer terapia personal. Si no lo hace, desde mi punto de vista, puede ser bastante irresponsable y peligroso. Cuando hice la especialidad en salud mental en Barcelona recuerdo que al inicio tuve un impacto emocional muy potente al tratar los pacientes ya que no había hecho mi proceso personal. Recuerdo que fue muy complicado, puesto que no tenía suficiente objetividad para poder tratar las situaciones y me identificaba demasiado con los pacientes, aparte de que es una situación muy fuerte el tener que tratar cada día con el sufrimiento de las personas, sin poder clasificar o separarlo de ti. Por tanto, creo que una de las primeras cosas que tendría que hacer un psicólogo: entrar en un proceso terapéutico con otro profesional y buscar un equipo con otros profesionales para poder revisar los casos y recibir una opinión que podría venir bien. Es bueno saber que el psicólogo es una persona que también carga con debilidades. Bueno, parece que hay un cliché social en el que se piensa que todos los psicólogos tenemos la vida resuelta. No es cierto (risas). En realidad viene bien sentirse imperfecta y un psicólogo tiene que permitirse el lujo de saberse débil con unas herramientas para poder ayudar a un paciente a ayudarse a sí mismo. En cierto modo un psicólogo es como un actor, es consciente de todas las experiencias que vive en la vida para poder impregnarse de ellas y delante de un paciente debe tener la máxima empatía para comenzar el camino de la terapia desde ahí. ¿Consideras que ir a terapia es para alguien que está loco? Para nada. De hecho yo no creo del todo en la locura.

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Creo que existe el sufrimiento, el cual genera síntomas, pero no creo en sí en la locura. Considero que lo que se llama locura en realidad está escondiendo mensajes que están diciendo otras cosas en otro nivel de lectura. Realmente es interesante cuando estás trabajando con pacientes con patologías severas. No sé, es difícil mantenerse en la idea de que es el sufrimiento el que lleva a las personas a estar de una forma u otra, pero no tiene nada que ver con que uno esté o no loco. No es algo intrínseco, sino que se genera con las circunstancias de la vida. Creo que todos tenemos un grado de locura y al mismo tiempo creo -desde ahí- que la locura no existe. Hacia fuera y desde el balcón de tu experiencia como profesional, ¿Cuáles son los síntomas comunes que más se hacen presente en consulta? Yo creo que ahora vienen muchas temáticas relacionadas con la soledad, con las crisis existenciales o de identidad, con rupturas sentimentales o problemas relacionales, con ansiedad generadas por otras circunstancias, o con procesos depresivos entendidos como crisis vitales o falta de sentido de la vida. Desde mi experiencia, creo que ahora no podemos hacer psicología sin tener una mirada sociológica y considero que están sucediendo una serie de cuestiones a nivel político, económico y social que influyen en las problemáticas que llegan a consulta. Y desde ahí, tenemos que ampliar la mirada para que el paciente entienda que no solo tiene un problema, sino que el contexto nos lleva a veces lugares que nos pueden restringir la libertad. Vamos creo que por ahí irían. ¿Cómo puede ser que haya tanta soledad o falta de interés por la vida o decaídas existenciales en un momento maravilloso de avance en el que las redes sociales nos abren a un mundo maravilloso de relaciones y de información para poder comprender mejor lo que debiéramos hacer? Bueno, una cosa es la herramienta de comunicación y otra es el contacto real y humano. Efectivamente, las nuevas tecnologías están y creo que hay que saber usarlas y manejarlas porque forman parte del escenario en el que vivimos ahora mismo. Sin embargo, el contacto es al final lo que hace que la gente establezca relaciones sanas y necesarias. El ser humano no puede vivir en soledad. Este es el lugar que nos lleva a la “locura”. Entonces, si bien es verdad que puedo tener miles de


amigos, al final si no se profundiza en el vínculo a todos los niveles, entonces no se tiene un contacto real. Vamos a ver. ¿Cómo una chica como tú con aparente normalidad, joven, con mucha vida de calle y de amistades lleva el típico tópico de ser psicóloga y que te digan: “oye no me mires así que me estás analizando”, “tú eres psicóloga tendrás todas las respuestas”,…? (risas) La verdad es que me lo tomo a coña. Siempre digo algo que en una ocasión dijo una profesora mía: “no te preocupes, yo por analizar cobro”. Entonces yo hago eso (risas). Sí vamos, la gente a veces es un poco pesada y yo lo quiero ver como mi trabajo. Bien es verdad que esta profesión te da unas habilidades para darte cuenta de cosas, pero vamos intento en la medida de lo posible de ser espontánea y fresca. Intento separar muchísimo mi profesión de mi vida personal.

pensado que tenía que hacer sin necesidad de pensar en cómo tenían que ser las cosas. Dicho esto, pues la consulta tiene sus meses: unos mejores y otros peores. Esto de tirar hacia delante por tu propia cuenta tiene sus inconvenientes, dificultades y falta de estabilidad, pero también te da la libertad de trabajar como quiera y ser coherente con eso. Pues, ¿qué va a ser de mi futuro? Pufff!! (risas) No tengo ni idea, supongo que como mucha gente ahora. Bueno, además de la consulta tengo otros proyectos y desde ahí compagino con otras actividades. Vamos, voy sacando mis truquitos para poder sobrevivir. En definitiva, me guio por lo que en ese momento tengo que estar, sin pensar como vaya a venir la tempestad (o eso intento). Carolina, ha sido un placer compartir contigo este ratito. Que tu sonrisa nunca desaparezca.

Y para terminar Carolina, ¿qué tal llevas tu camino como profesional llevando tu propia consulta? Tendrá que ser difícil. Sí, no es nada fácil. Pero vamos, intento hacer lo que he EMNMM - 123


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| EXTRAテ前 Y CURIOSO |

LOS OLIVOS MILENARIOS DE ULLDECONA


_______ POR EMNMM | FOTOS: CORTESÍA AYTO. DE ULLDECONA

El olivo (Olea europaea var. europaea) es un árbol de la familia de las oleáceas muy apreciado desde la antigüedad por sus frutos: las aceitunas, y sobre todo por el aceite de oliva, tan apreciado en la cultura mediterránea. El cultivo del olivo en España es ancestral, siendo el principal país productor de aceitunas del mundo y donde se produce el mejor aceite de oliva. Aunque hay constancia de la existencia en la Península Ibérica de acebuches, la variedad salvaje del olivo, siglos antes de su cultivo y producción por las culturas clásicas, se podría asegurar que el cultivo del olivo en España se remonta a la antigüedad. Posiblemente fueron los fenicios y los griegos los que trajeron su cultivo a la península y éstos, a su vez, lo trajeron de Oriente Medio. Desde entonces, el olivo ha formado parte de la cultura y de la vida de los españoles, así como la de todos los países de la cuenca mediterránea. El olivo es también un árbol que destaca por su longevidad, pudiendo superar la friolera de 3.000 años. Repartidos por 126 - EMNMM

toda España se pueden encontrar algunos ejemplares singulares, como los olivos milenarios del Territorio del Sénia, un pequeño territorio formado por más de una veintena de pueblos valencianos, catalanes y aragoneses, en donde se localiza la mayor concentración de olivos monumentales, muchos de ellos con una edad de más de 1.000 años. Uno de los municipios del Territorio del Sénia es Ulldecona, en la provincia de Tarragona. Este lugar, además de contar con un rico patrimonio cultural, como la importantísima concentración de arte rupestre repartida por toda la comarca, también cuenta con varios olivos monumentales, uno de ellos ha sido catalogado como uno de los más antiguos de la Península Ibérica y uno de los más viejos del mundo. Recientemente la Universidad Politécnica de Madrid (UPM), con el patrocinio de la Fundación del Banco de Santander a instancias de la Mancomunidad de la Taula del Sénia, ha realizado un estudio de datación con tecnología láser, de los olivos más viejos de la zona. El estudio


ha dado una valiosa y soprendente información que ha puesto de manifiesto que, uno de los olivos, el conocido como “La Farga de Arion” en Ulldecona, tiene una edad aproximada de 1.701 años, esto quiere decir que este olivo fue plantado en el año 314, durante el mandato del emperador Constantino I.

todas las culturas que han pasado por España durante casi 2.000 años. Este impresionante olivo milenario es, sin lugar a dudas, un monumento que bien merece una visita para disfrutar con todos los sentidos y un fantástico reclamo turístico para el precioso municipio de Ulldecona.

Este olivo, testigo mudo de la Historia, ha podido alimentar y resguardar bajo sus ramas del abrasador sol estival a casi

Fuentes: Turismo de Ulldecona Universidad Politécnica de Madrid (UPM)

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STONE TISSUE Mosaista y Antonio Alvarado


| ESPACIOS |


Mosaista, es la imagen más contemporánea de Espacio Hidráulico, empresa dedicada a la fabricación, diseño y restauración de mosaico hidráulico desde el año 2000. Centra su actividad en la recuperación del pavimento que formó parte de muchas viviendas de nuestros antepasados, usando la misma técnica de producción artesana e innovando al hacer uso de las amplias posibilidades de diseño que ofrece el mosaico hidráulico para la decoración de espacios con identidad propia. Antonio Alvarado es uno de los diseñadores de moda que cambió la imagen internacional de la moda española en los años 80. Pionero en la Pasarela Cibeles, donde ha desfilado durante más de veinte años. Representa la renovación de la moda española tras la transición, y sus diseños fueron fundamentales en la escena musical y en el cine de los años 80 y 90. Antonio Alvarado es un referente de la moda nacional, y desde hace más de quince años, se desempeña como docente en varias escuelas de diseño en toda la geografía española. Mosaista y Alvarado & Family han creado Stone Tissue, una colaboración en la que se han creado una fantástica colección de baldosas hidráulicas.

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STONE TISSUE El diseño de partida de esta colección se inspira en la geometría de las tramas textiles, con colores que nos remontan a piezas clásicas de vestir, a tejidos que, revisados, han adaptado a las baldosas hidráulicas. Las ocho propuestas sólo son el inicio de esta nueva línea, donde se intenta alejar el diseño clásico de la alfombra hidráulica que se remonta a principios del siglo XX. El uso de materiales como el cemento y el polvo de mármol revierten en su calidad, al igual que la lana, el algodón o la seda para el desarrollo de un buen tejido. Las posibilidades de adaptación a suelos y paredes son tan considerables por diseño y limpieza que los hacen únicos. La variedad de combinaciones y colorido, así como su adaptación a los espacios, hace de Stone Tissue la nueva forma de cubrir nuestras vidas con tejidos que no son.

dos. Mosaista desarrolla la producción basándose en la máxima pureza que los materiales requieren, donde la mano de obra es experta y paciente, el consumo energético es reducido, y sólo el tiempo es imprescindible para obtener los mejores resultados de calidad y duración. ALVARADO & FAMILY La identidad y finalidad de la marca no es más que un proceso natural, de la colaboración familiar entre dos profesionales, un diseñador de moda (Antonio Alvarado) y un diseñador de suelos hidráulicos (Iván Alvarado). Ambos aportan sus conocimientos para el mejor desarrollo del producto final, así como para la creación de una imagen que trasmita los dos mundos.

ALVARADO & FAMILY Disponible en bd Madrid, Villanueva 5 Madrid

Esta adaptación del diseño textil permite mejorar en claves ecológicas, algo que no siempre ocurre con las industrias de teji-

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www.mosaista.com www.antonioalvarado.es


| COMER |

GARBEL Modernidad castiza _______ POR CARMEN MARTÍNEZ DE ARTOLA

Corría el año 1940 cuando en el barrio de Chueca vivió la apertura de una nueva taberna. Pronto sus bocadillos de calamares y de tortilla se hicieron un hueco en la gastronomía madrileña. Clásicos que siempre han gustado, y mucho, en la capital. Poco a poco fueron ampliando su oferta con tradicionales tapas y raciones hasta convertirse en un referente en la zona que lo acoge. Tras seis décadas de vida llegó su triste cierre. Ahora reabre sus puertas con aires nuevos y los sabores de siempre.

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Belarmino García fue el primer propietario de Garbel. El que compró una antigua bodega y la transformó en un castizo bar donde comer cosas sencillas y ricas. Ahora, y sin desviarse de sus orígenes su nieta Carmen ha decidido ponerlo de nuevo en marcha. Para hacerlo ha reformado el local, situado en la calle Infantas, logrando una imagen moderna y cosmopolita. Lo primero que nos encontramos al entrar es un espacio con barra y mesas altas, presidida por un enorme graffiti obra del artista Nicolás Villamizar. Al fondo nos encontramos un salón más tranquilo ideal para tomar una copa o picar algo cómodamente. Por último cuenta con un comedor más serio, dentro de la informalidad que reina en el lugar. Un diseño de corte industrial con ladrillo visto, mucho color, cuidada iluminación y elementos rompedores como una moto vintage o un columpio.

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RICO PICOTEO PARA COMPARTIR En la carta platos clásicos y sencillos a los que se les ha dado una vuelta de tuerca para hacerlos más modernos. Dos de las recetas con más éxito son herederas del antiguo Garbel, que contaba con una cocinera filipina y que aportó unos tallarines con repollo, judías, apio, zanahoria, calabacín y gambas y una especie de pequeños rollitos primavera rellenos de carne picada, verduras y acompañados de salsa agridulce. Crujientes, sabrosos y nada grasientos. Probamos también unas cremosas croquetas de pulpo y una ensaladilla rusa tremendamente gustosa, con la patata muy picada y una deliciosa mayonesa. Bravas de picante salsa, patatas alioli, huevos rotos con sobrasada o berenjenas con miel de caña son otras de sus propuestas. Además, cada día ofrecen un plato de cuchara de esos a fuego lento que siempre se agradecen. Probamos una canónica fabada, con las legumbres bien tiernas y un compango de calidad. También una serie de platos fuertes como una milanesa ibérica de jamón y queso, los medallones de solomillo con salsa de setas, las albóndigas o el pollo de corral al ajillo.

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CLÁSICOS BOCADILLOS CON UN PUNTO ACTUAL Pero, por supuesto, los bocadillos son los protagonistas del lugar. El de calamares, con una fritura limpia y sin grasa, en un panecillo hecho con la tinta del cefalópodo. El de pollo con verduras se acompaña de un pan de curry, muy tradicional el de tortilla de patatas con pimiento verde y un auténtico vicio el de roastbeef con brie y berenjena. Y para los más atrevidos una hamburguesa gigante de nada menos que 400 gramos de peso. Y para poner un punto verde una serie de ensaladas como la de espinacas y queso manchego, la de atún con huevo y patata o la de tomate aliñado. Pero Garbel es más que una casa de comidas, porque su amplio horario lo convierte en un lugar de encuentro ideal para tomar un café o degustar sus buenos dulces. Bizcochos de chocolate con nueces o de manzana, tarta red velvet o de zanahoria. Y para completar la propuesta destilados de todo tipo para relajarse por la tarde o por la noche delante de un combinado.

GARBEL Infantas 28 Madrid Tlf. 91 601 52 66 www.garbelmadrid.com

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| AGENDA |

ARTE Y CULTURA

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– Bernardo de Gálvez (Hasta el 12 de marzo. Casa de América) – El Bosco en el Real Monasterio del Escorial (Hasta el 30 de noviembre. Monasterio de El Escorial) – Miguel de Cervantes (Hasta el 22 de mayo. Biblioteca Nacional) – Cine de misterio (Hasta el 14 de mayo. Fundación Juan March) – Cleopatra y la fascinación de Egipto (Hasta el 8 de mayo. Centro Arte Canal) – Colección Lázaro de Nueva York (Hasta el 20 de marzo. Museo Lázaro Galdiano) – Danh Vo (Hasta el 28 de marzo de 2016. Palacio de Cristal del Retiro) – Dominique Ingres (Hasta el 27 de marzo. Museo Nacional del Prado) – Joan de Fontcuberta (Hasta el 27 de marzo. Sala Canal de Isabel II) – Juan Muñoz (Hasta el 30 de marzo. Galería Elvira González) – Looking at the world around you (Hasta el 19 de junio. Fundación Banco de Santander) – Mujeres de vanguardia (Hasta el 27 de marzo. Residencia de Estudiantes) – Pacífico (Hasta el 13 de marzo. Museo de América) – Ramón Llull en la BN (del 16 de febrero al 30 de marzo. Biblioteca Nacional) – Superhéroes con Ñ (Del 10 de marzo al 12 de junio. Museo ABC) – Titanic (Hasta el 6 de marzo. C.C. de la Villa de Madrid) – Ulises Carrión (Del 15 de marzo al 10 de octubre. Museo Reina Sofía) – Wyeth. Andrew y Jaimie en el taller (Hasta el 19 de junio. Museo Thyssen-Bornemisza)

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Eagles of Death Metal (4 de marzo. Joy Eslava) Geri Allen (17 de marzo. Conce Duque) Idan Raichel (3 de marzo. Sala Caracol) Jesse Malin (10 de marzo. Wurlitzer Ballroom) Kodaline (5 de marzo. Joy Eslava) Mafalda (18 de marzo. Sala Lemon) Nora Norman (5 de marzo. Sala El Sol) Mr. Sipp (7 de marzo. Sala Boite) Sven Hammond (10 de marzo. Sala Boite) Tricky (16 de marzo. Joy Eslava) Will Hoge (1 de marzo. Sala El Sol)

ESCENA ________________________________________ – El amigo de mi hermana (Hasta el 30 de marzo. Teatro Lara) – Arte nuevo: un homenaje (Hasta el 27 de marzo. Teatro Español) – Cabaret (Hasta el 5 de junio. Teatro Rialto) – Cenizas (Hasta el 20 de marzo Teatro Fernán-Gómez) – El Coleccionista (Hasta el 26 de abril. Sala Off Teatro Lara) – La distancia (Hasta el 10 de abril. Teatros luchana) – Equus (Hasta el 19 de junio. Teatro Arte&Desmayo) – Hamlet (Hasta el 20 de marzo. Teatro de la Comedia) – Invernadero (Hasta el 20 de marzo. Teatro de la Abadía) – Luna, el Show (Hasta el 12 de marzo. Teatro Alfil) – Muñeca de porcelana (Hasta el 10 de abril. Matadero Madrid) – Nada que perder (Del 17 de marzo al 21 de mayo. Sala Cuarta Pared) – En el oscuro corazón del bosque (Del 10 de marzo al 17 abril. Matadero Madrid) – El Rey León (Hasta el 27 de marzo. Teatro Lope de Vega) – Salomé (Hasta el 3 abril. Teatro Fernán-Gómez) – El testamento de María (Hasta el 20 de marzo. Teatro Valle-Inclán)

MÚSICA ________________________________________ EVENTOS ESPECIALES ___________________________ – – – – – –

Bestial Mouths (19 de marzo. Sirocco) Black Mountain (31 de marzo. Sala Arena) Blues Pills (2 de marzo. Sala Caracol) Boni (11 de marzo. Gruta 77) Caravan Palace (4 de marzo. La Riviera) Coque Malla (4 de marzo. Auditorio Ciudad de Alcobendas) – David Feitov (8 de marzo. Galileo Galilei)

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– 7ª Carrera de la Esperanza (6 de marzo. Casa de Campo) – MAdrEAT (Del 19 al 20 de marzo. Recinto Ferial Casa de Campo) – Mercado del Diseño (5 y 6 de marzo. Matadero Madrid) – Semana Santa 2016 (Del 20 al 27 de Marzo. Madrid)


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2016. Es Madrid no Madriz

Es Madrid no Madriz Magazine  

Nº 43 Marzo 2016