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ERRR no. (10) | febrero-marzo 2011 | yellow tango this magazine is free.


ERRR no. (10) | febrero-marzo 2011 | yellow tango this magazine is free.

Your inside is out. Abel Ibáñez Galván Dirección | Edición | Diseño abel@errr-magazine.com

Andrea Belmont Edición | Fotografía andrea.belmont@errr-magazine.com

Publicidad | Distribución estoesmio@errr-magazine.com Fotografía de portada: Andrea Belmont

www.errr-magazine.com | facebook.com/the.errr.magazine No. de certificado de reserva de derechos al uso exclusivo del título 04-2008-091713151200-102. Todos los derechos de imágenes son propiedad de sus autores y no podrán ser reproducidas sin el permiso de éstos.


día CENTRO marzo 2011 Un día en el que vivirás la experiencia de ser parte de CENTRO. Información completa acerca de nuestras licenciaturas, costos, becas, intercambios, vinculación profesional y proyectos con la industria. Confirma tu asistencia: promocion@centro.edu.mx T. 27899000 Exts. 8809, 8815, 8878. Próximos exámenes de admisión Febrero 18 y 19 de 2011 Marzo 11 y 12 de 2011 Sierra Mojada 415 Lomas de Chapultepec México, D.F., 11000

centro.edu.mx @centro_news


Your outside is in. Uno de estos relatos oníricos, proveniente de China, cuenta la historia de un pintor que llegó a viejo después de dedicar toda su vida a un único cuadro. Una vez que lo hubo terminado, invitó a los amigos que aún le quedaban para mostrarles su obra: allí podía verse un parque, y entre los prados un estrecho camino que conducía a una casa situado en un alto. Cuando los amigos, listos para dar su opinión, se giraron hacia el pintor, este ya no se encontraba junto a ellos. Miraron de nuevo hacia el cuadro: allí estaba él, recorriendo la suave pendiente del camino; abrió la puerta de la casa, se paró un momento, se volvió, sonrió, les dio nuevamente la espalda y cuidadosamente cerró tras de sí la puerta dibujada. Rüdiger SAFRANSKI ¿Cuánta verdad necesita el hombre?


Come on. Todo gran arte se halla, por su esencia misma, en conflicto con la sociedad con la que coexiste. Expresa la verdad acerca de la realidad, a despecho de que esta verdad favorezca o impida los esfuerzos por sobrevivir de una sociedad dada. Todo gran arte es revolucionario porque se refiere a la realidad del hombre y pone en duda la realidad de las diversas formas transitorias de la sociedad humana. Erich FROMM La revoluci贸n de la esperanza


It’s such a joy. hoy me tomaré el día para escribir un poema. será un buen poema. un largo y caluroso poema y empezará así: un caballo atropella a una gallina y ésta fallece brutalmente. se le rompe la cabeza. Abel IBÁÑEZ GALVÁN Texas, MA


NOVIEMBRE DE 2010 A MARZO DE 2011 SAN CARlOS CENtRO CultuRAl pRESENtA lAS ExpOSICIONES: ÝÛ?@KFJÛ;<ÛLE8Û:@L;8;Û£8:<IMFÛM@MF ÝÛ8:<IMFJÛ;<ÛC8Û8:8;<D@8Û;<ÛJ8EÛ:8ICFJÛ£ÛDL<JKI8Û;<Û>I898;FÛ<LIFG<F ÝÛ8IK<Û<EÛJF=KN8I<

Academia de San Carlos. Academia 22, Planta Alta, Centro Histórico, Del. Cuauhtémoc, 06060, México, D.F. Tel. (55) 5522-3387 ?gjYjagk‘ÛCmf]kÛ~‘‡‡ÛYÛ~„‘‡‡Û`jkÛÝÛDYjl]kÛYÛMa]jf]kÛ~‡‘‡‡ÛYÛ~„‘‡‡Û`jkÛ<fljY\YÛ>jYlmalY


SOME GIRLS | Tamara Lichtenstein

santa cruz, bolivia, 1989 | nursing student | www.tamaralichtenstein.com | “true love will find you in the end / you’ll find out just who was your friend / don’t be sad, i know you will / but don’t give up until / true love finds you in the end / this is a promise with a catch / only if you’re looking will it find you / ‘cause true love is searching too / but how can it recognize you / unless you step out into the light? / but don’t give up until / true love finds you in the end” – true love will find you in the end, daniel johnston


LOVIVENIR | Leina Brown

palencia, españa, 1982 | guionista, dibujante | riosdearena@yahoo.es | “in manhattan if the ghouls were ever / let loose on an unsuspecting day / they’d run for cover / they’d look everywhere in every possible way / but just like in the 1984 smash hit film ghostbusters / well i would cross the streams for you / summon all the energy that i could muster / unless, of course, the laker game was on / ‘cause you’re my sweet thing... / and i think you’re keen... i do.”– unless the laker game was on, say hi


CARE DAILY | Carlos Enrique Herrera “Care”

monterrey, nuevo león, 1988 | estudiante de diseño | mac_papi@hotmail.com | care365.tumblr.com “i was born a unicorn i missed the ark but i could’ve sworn / you’d wait for me / i was born a unicorn / i could’ve sworn you believed in me / then how come all the other unicorns are dead? / we’re never gonna stop / i think i wanna stop / we want one us / i dont care i’ll do push-ups / i write the songs / i write the songs / you say i’m doing it wrong / your are doing it wrong... / when dreaming beasts are dying down, on out / they’re there, for we agree they’re there / they’re there alive and sure.” – i was born (a unicorn), the unicorns


UN DÍA SOÑÉ CON TAILANDIA | Natalia Ludmila

ciudad de méxico, 1979 | artista visual | contact@natalialudmila.net | natalialudmila.net | “way down yonder in the graveyard walk / i thank god i’m free at last / me and my jesus going to meet and talk / i thank god i’m free at last / on my knees when the light pass’d by / i thank god i’m free at last / tho’t my soul would rise and fly / i thank god i’m free at last / some of these mornings, bright and fair / i thank god i’m free at last / goin’ meet my jesus / in the middle of the air / i thank god i’m free at last” – free at last, antony and the johnsons


MOUSE + 4½ | Arian Behzadi

david, california, 1990 | student, radio show host | behzadi.arian@gmail.com | “up and down through what you thought would be your future / became the dark reminder of / what a rash and inconsistent faith you had / in loving your true self and your true love clowne towne no shelter / clowne towne no anything / clowne towne single angel / clowne towne no exit / your true father smashed his hands through the glass / and failed out of the priviledged life of his dream / your true love has drunk herself into not being able to pay her rent / or keeping her own word to her own self / your true brother has betrayed you over and over / and looked you in the eye / your true self has become weak and alone and annoying / and a true ridiculous dumb-ass.” – clowne town, xiu xiu


FOR SNOB MAGAZINE | Kirill Gluschenko

kaliningrad, russia, 1983 | contemporary artist, designer, illustrator | kq.skrju@gmail.com | kirillgluschenko.tumblr.com “all the streets are crammed with things / eager to be held / i know what hands are for / and i’d like to help myself / you ask me the time but i sense something more / and i would like to give you / what i think you’re asking for / you handsome devil / you handsome devil... / there’s more to life than books you know / but not much more / oh, you handsome devil.” – handsome devil, the smiths


.señores.y.señoras: .nosotros.tenemos. .más.influencia. .con.sus.hijos. .que.tú.tiene.

...pero.los.queremos.

.JANE’S.ADDICTION. Stop! Ritual de lo habitual.


SONIC YOUTH | Leo Tage-Hansen

osby, sweden, 1988 | student | pritheemydear.blogspot.com | “when, when will you come home? / watchin t.v. all alone / watchin kojak on my own / starin at the wall / and waitin for your call / when, when will you come home? / now, i’m crawlin on the floor makin noises like a dog / makin noises you can’t hear / starin at the wall / and waitin for your call when / when will you come home? .” – when will you come home, galaxie 500


EAST SHORE TRIBUTE | Jo Gtz

ciudad guzmán, jalicos, 1978 | guía, fotógrafo | feedbacksessions@gmail.com | www.flickr.com/jogtz “i said god / in the trees its lovely / but its lonely / with a bone / he will try to clone me / make a mother / there will be another me / your mom / when the bomb exploded / overloaded / eaten fruit birthday suit decoded / i decided / you would like another mom / bomb bomb bombmarry me lucky tree / you’re my tree / and you’re my three / when you burn / now i’m free / to find me... / number four and number four can marry me / bomb bomb bomb... / just like me / final tree / you’re lovely.” –apple bomb, deerhoof


DANE REYNOLDS


SONIDO ORGANIZADO | Kaki King

El primer instrumento que Kaki King tocó fue el tambor. Después aprendió a tocar la guitarra. Hace algunos años, la revista Rolling Stone la nombró la primera mujer “Guitar God”. Ha colaborado con los Foo Fighters, Echoes, Silence, y Patience and Grace. También trabajó junto a Eddie Vedder (vocalista de Pearl Jam) en la creación de la música para la película Into the wild, de Sean Penn, por la cual recibió un Globo de Oro a la mejor canción original. El 17 de febrero de 2011 se presentará por primera vez en la ciudad de México.

– Empecé con la guitarra a los cinco años, aunque realmente comencé mi carrera cuando tenía veinte años y tocaba en los metros de Nueva York. – Leo mucho e intento mantener un jardín en mi patio trasero. – Por ahora sólo me dedico a la música. He trabajado muy duro pero también he tenido mucha suerte. – Creo que los límites detonan la creatividad. En cualquier industria o tecnología, la innovación normalmente surge a partir de que se resuelve un problema usando un número limitado de recursos. Lo mismo ocurre en el arte: si tus límites son el tamaño del lienzo, el número de cuerdas en tu guitarra, es más probable que alcances tus objetivos artísticos de manera creativa. – Lo que sucede con la tecnología es que abre las puertas de par en par frente a algunos limitantes, que no es necesariamente lo ideal. Definitivamente creo que existen muchas ventajas en un sistema donde uno mismo se plantea límites. – Por otro lado, la tecnología es capaz de generar y mantener a una determinada audiencia o


público que reciba los frutos de tu creatividad. – Uno puede ser talentoso –tener una disposición natural– para cualquier cosa, incluyendo para la destrucción y la auto-destrucción. – Una vida en donde tienes que abandonar las cosas que amas para ganar algo de dinero es una bendición y una condena al mismo tiempo. – La técnica es una manera individual para expresar el talento. Normalmente los talentos no son únicos pero la técnica sí lo es. – La idea general detrás de cualquier tipo de creación es el hecho de que vamos a morir y que la vida es generalmente dolorosa. La creatividad hace esta situación más fácil de llevar, aunque no estoy exactamente segura de cómo. Tampoco quiero sonar fría: en realidad disfruto mucho la vida. Simplemente sé que crear –música en mi caso– hace que los tiempos duros sean mucho más fácil de llevar. – La guitarra como una idea. – Normalmente termino de leer un libro o salgo de algún teatro con ganas de crear algo. Las creaciones de los demás siempre resultan inspiradoras. – Para mí estas dos situaciones han llegado a un punto en donde se definen y se dan sentido mutuamente: no podría realmente apreciar lo que significa tocar sola en un escenario hasta después de pasar varios años tocando en una banda, y viceversa. – Saqué mi carro que se había atascado en la nieve. Se derramó un poco de café en el teclado de la computadora. Hice una sopa de verduras y arroz. Practiqué la guitarra.

Fotografía por Gregg Delman.


EN TODAS LAS CIUDADES | Emilio Said

Emilio nació en la ciudad de México en 1970. Ha expuesto su obra en Berlín, Frankfurt, Hamburgo, Bremen, New York, Chicago, Washington, Kansas, San Antonio, Dallas, Houston Ottawa, Basel, Viena, Bruselas, Budapest, Praga, Madrid, Barcelona, Oviedo, Bolzano, Varsovia, Kyoto, Kanawaga, Osaka, Singapur, Seúl, Hong Kong, Lima, Asunción y Santiago de Chile. Actualmente es miembro del Sistema Nacional de Creadores FONCA.

– El concepto rector en mi obra es la construcción de una arquitectura invisible sustentada en la representación y resignificación de diversos conceptos como: mapa, ciudad, espacio habitado, transito, contexto, nomadísmo, ciudad portable, publico vs. privado, flujo, zona, recorrido, simulación y ciudad contenida. – Aprender a leer las sutiles particularidades que permean a las ciudades con las que trabajo. Entender la ciudad como un espacio transitable, externo, público y al mismo tiempo como un campo íntimo, un microambiente que permita realizar una lectura personal hasta convertirla en la ciudad portátil. – La creatividad es el sustento de información e investigación que detona tu trabajo. – Si talento es discurso y técnica el dominio de los medios, su relación tendría que ser directamente proporcional a los alcances del objeto creado. – Uno trabaja a partir de los límites, esa liga que se estira tanto como la conciencia del propio contexto te permita. – La tecnología puede ser el uso de un buril de grabado, de una cámara de infrarrojo o la


combinación de ambas. – Actualmente trabajo en tres series paralelas, articuladas coaxialmente con variantes en sus planteamientos formales y conceptuales: “Arquitectónica”, “Arquitectura doméstica” y “Citizen”. Cada una constituye un discurso autónomo, una salida que alimenta a las otras y complejiza la propuesta dotándola de un sentido significativo al generar una polifonía. – Definitivamente el estudio del espacio en todas sus variantes: urbano, construido, ficticio, escrito, tomado, ausente, virtual. - Además de recurrir a textos teóricos relacionados con mi campo de trabajo, encuentro en la ficción psicogeografías alternas y ciudades irreales. A veces me descubro diseñando piezas para lugares que nunca existieron con la única premisa de que respondan a ese contexto tanto como al mío. – Francis Picabia, Derek Gregory, Gerhard Richter, César Aira, Esquivel, Duchamp, Kirsten Simonsen, Jørgen Olse Bærenholdt, Beuys, Cildo Meireles, John Cage, Burrougs, Bernardo Atxaga, David Harve, Messi, Pibe Valderrama... – De la música admiro el proceso de pensamiento abstracto que le da origen. – ...Jan De Cock, Fernando García Ponce, Bauhaus... – Desayuné fruta, café y cigarros, terminé una pieza sobre bastidor de aluminio con pintura automotriz horneada, recibí a un cliente en mi estudio que no compró nada pero se terminó todo el mezcal que tenía, cociné salmón con espárragos para una amiga –también al horno– y contesté esta estúpida pregunta. – Estoy trabajando para una exposición en Berlín este año.

Fotografía de detalle de Cuadro blanco Nº 1, 2003. Oleo y ensamble de maderas sobre lino. 120 x 200 cms. Actualmente se exhibe en Hitos de una ciudad en San Carlos Centro Cultural. Fotografía por cortesía de Emilio Said.


PROGRAMAR | Maximiliano Cruz / Roger Koza

Maximiliano Cruz es guionista. Estudió en el CCC en donde conoció a los principales gestores del FICCO, Paula Astorga y Michel Lipkes. En este festival estuvo programando durante cinco años. A finales de 2008 fundó el sello de distribución y producción Interior13, junto con Sandra Gómez. Es director de programación en el FICUNAM. Roger Koza escribe en La voz del interior, diario de Córdoba, y también hace televisión y radio. Es programador del Festival de Cine de Hamburgo, director de un festival nacional en Argentina, y programador invitado del FICUNAM. También es docente.

MAXIMILIANO CRUZ – Están programadas 130 películas de largo y corto metraje regadas en 10 secciones, 2 de las cuales ofrecen el Puma de Plata a Mejor Película y Mejor Director (Competencia Internacional de Largometraje y Aciertos). Habrán retrospectivas de autores específicos (Weerasethakul, Ossang, Peleshyan, Eustache), proyecciones al aire libre en colaboración con Ambulante para la película Benda Bilili! y proyección en un autocinema del documental When you’re strange: a film about The Doors. En la programación hay un lugar especial para el cine mexicano, el cual incluye 5 estrenos mundiales: Graniceros de Gustavo Gamou, Lecciones para Zafirah de Carolina Rivas y Daoud Sarhandi, Tres Rocas de Emiliano Fernández, Viaje a Tulum de Eduardo Villanueva y Cesado de Daniela Schneider. Este último hace parte de la Competencia Internacional de Largometraje junto a Paraísos Artificiales de Yulene Olaizola, cuya premier internacional tiene lugar en el marco del festival. – En general buscamos cine propositivo, radical en su forma y temática, donde el lenguaje cobra un justo valor, de diversas procedencias. Predomina el cine contemporáneo internacional de importante trayectoria en el circuito de festivales.


– Todo este brazo de exhibición estará complementado por una serie de actividades académicas, incluidas clases magistrales y un coloquio sobre cine contemporáneo para el análisis. La idea es que el festival funcione como catalizador lúdico y de aprendizaje, formativo del espíritu crítico del espectador. – El FICUNAM tiene un perfil muy claro y definido en torno al cine de autor, el cine experimental y el cine mexicano independiente. Posee una línea editorial que cuida la literatura que el festival genera en torno a las películas, desde el catálogo y demás impresos de promoción y página web, con sinopsis comentadas por los programadores, así como redes sociales que difunden contenido riguroso y atractivo para la comunidad académica, intelectual y artística. – Para ponerte un ejemplo programado en esta edición de FICUNAM: Jean Eustache. Admiro su trabajo porque sus películas y su vida misma, incluyendo la manera en que terminó, guardan total coherencia; su poder de influjo en generaciones posteriores dieron pie al cine como lo conocemos hoy día.

ROGER KOZA – Fui invitado a participar como programador del FICUNAM un tiempo después de que se conformó el festival. Desde afuera y como extranjero, veo que FICUNAM es una sustitución y transformación legítima de lo que fue el Ficco. El marco de la UNAM simplemente radicaliza el vínculo del cine con el conocimiento. Eva Sangiorgi ha sido muy perspicaz al retomar el gesto fundacional de ese festival insólito y necesario y, junto a Maximiliano Cruz, también programador del Ficco, conferirle al mismo tiempo un nuevo sentido en el que toma lo más vivaz de lo académico y lo combina a la libertad característica del mundo del cine. – Las secciones del FICUNAM sugieren el tipo de películas, pero todas confluyen en un mismo paradigma cinematográfico: son películas formalmente exigentes y conceptualmente pertinentes. – Un film como The Hunter, del cineasta iraní Raffi Pitts, es un ejemplo novedoso de cómo utilizar un género para eludir la censura de un país. Sus elecciones de puesta en escena son notables; su importancia temática resulta incuestionable. Exactamente lo mismo podría


decir de La vida útil, film que está en la competencia internacional. – Dos criterios han sido centrales: 1) una idea sobre el cine de autor, si por ello se entiende una política de autor, y aquí política significa una concepción consciente de las formas del cine. Quizás, en el cine de hoy, lo político pasa por la forma. En efecto, todas las películas en competencia ostentan un trabajo sobre el lenguaje cinematográfico; no son películas que ilustran una historia bonita o emocionante. De allí se predica, indirectamente, el otro criterio: 2) un cine que dialoga o se entrecruza con otras expresiones del arte contemporáneo: las instalaciones, el ensayo audiovisual, el videoarte. Aquí, una vez más, Apichatpong es un referente ineludible. – Es central aquí la participación de la Cátedra Bergman de la UNAM: las clases magistrales de Weerasethakul y Peleshian pertenecen a un grupo de actividades paralelas que esta cátedra y el festival organizan en conjunto, como sucede también con el “Taller sobre interpretación en el cine dictado” por Kelly Reichhardt. Habrá un encuentro con Sergei Dvortsevoy. También están los coloquios sobre cine: allí se discutirán tres películas centrales de la sección “Trazos” con distintos panelistas destacados, entre ellos el legendario crítico de cine Jonathan Rosenbaum. – FICUNAM cree en la diversidad, pero no cae en la trampa de confundir diversidad con un sincretismo difuso en el que todo vale, un mal que se puede verificar en diversos festivales del mundo. – Admiro el trabajo de Pedro Costa: creo que su obra completa se desmarca enteramente del complejo audiovisual que domina gran parte del cine contemporáneo, la publicidad, el videoclip y el narcisismo global que se filma a sí mismo y se cuelga en la web como si se tratara de un evento cósmico.

Still de la película Aita, (2010) de José María de Orbe (España).


Still de la película Aita, (2010) de José María de Orbe (España).


SIEMPRE ESTAR BUSCANDO | James Little

James Little nació en Memphis, Tenessee, obtuvo el Master en Bellas Artes de la Universidad de Syracusa, donde estudió teoría formalista moderna con el famoso crítico de arte Clement Greenbert. James es presentado en MINI Space, una inciativa de MINI para producir y difundir proyectos creativos, competiciones, eventos, pensamientos e ideas. Visita www. minispace.com para conocer otros artistas.

– Lo que a mí me gusta es crear relaciones y hacer que las cosas jueguen entre ellas. Mi energía nace de tomar todas estas situaciones distintas, juntarlas y formar una especie de unidad rítmica mezclándolo todo. Sé perfectamente cuando algo no está sincronizado con lo de al lado o cuando algo no casa con el resto de la pintura. Pero no sé exactamente hacia dónde se dirige la obra, porque todos mis cuadros están conectados de una forma extraña. – Yo improviso. Probablemente no sea lo que esperes de alguien que trabaja con geometría, pero yo lo hago. Improviso con los colores. Voy abriéndome caminos a través de ellos. Todo se mezcla. Invierto mucho tiempo en eso. Paso por cuatro o cinco procesos sólo para conseguir uno de esos colores. Una vez que pongo un color, intento deducir qué va a ir junto a él. Eso sí, necesito tener algo que decir, no se trata sólo de amontonar colores. – Siempre estoy buscando, veinticuatro horas al día sin parar. Es un movimiento perpetuo, de este modo puede pasar que vea algo por la calle, y ese algo luego aparezca en una de mis obras. – Ahora puedes ver cualquier cosa y llamarla arte. El otro día había un tipo en el Museo de Arte Moderno suspendido en el aire tocando el piano boca abajo. Estaba allí, boca abajo tocando Bach. Pero como es el Museo de Arte Moderno, lo llaman arte.


– Una vez escuché a un crítico decir que las cosas iban demasiado rápido. Pero las cosas no pueden ir demasiado rápido. De repente llega un tipo como Pollock que lleva su movida a un punto sin retorno y tú tienes que buscar la forma de ubicarte ahí. Ahí está lo difícil del asunto, pero no puedes decir que fue demasiado rápido por haber ocurrido. – Hoy en día hay demasiada información. Cada vez que haces algo, alguien intenta conectarlo con otra persona. Yo empleo formas universales. Así que si uso una raya alguien dirá: Gene Davis, si uso un círculo alguien dirá: (Kenneth) Noland y si es un óvalo, dirían cualquier otra persona. – Me presiono continuamente, si se me ocurre una idea y se queda conmigo, intentaré llevarla a cabo. Cuando buscas en la historia del arte, o incluso cuando crees que tu trabajo se acerca mucho al de otro, siempre va a haber algo que te va a diferenciar. Tienes que comprender cuáles son esas cualidades. Para mí es el color. Mi manera de juntar las cosas no es la manera tradicional de ver las cosas. – Mira, ha habido mujeres que después de ver mi trabajo me han dicho que se mareaban al ver mis cuadros. – Soy abstracto, sí, y soy expresionista, pero no soy un Expresionista Abstracto. – A veces lo único que quiero es que pienses o conseguir una reacción, y a menudo la pintura es más efectiva cuando logra esas reacciones sutiles o subliminales. – Tienes que encontrar tu estilo y desarrollarlo. No puedes calcar el estilo de otro. Tienes que tener claro lo qué es significativo para ti, ir con tu energía e intentar no distraerte. – A veces no se aprecia tu trabajo, tú sientes que lo mereces, pero el reconocimiento tarda en llegar y te tienes que arrastrar... Hay muchos momentos de oscuridad. Mi proceso particular es muy intenso desde el punto de vista del trabajo, pero mentalmente también lo es... Hay veces que cuando salgo de aquí te juro que tengo que buscar mis piernas para volver a sentirlas, tío. Es duro, pero tiene su recompensa.

Fotografía por Bryan Whitefield.


SKATE L.A. / SKATE D.F. | Mario Saenz

Algunos lo consideran como el mejor skater de México. A lo largo de los últimos diez años ha estado presente en varias competencias importantes tanto a nivel nacional como internacional: Snickers Urbania, X-Games México, Tampa Pro, entre otros.

SKATE L.A. – Si la noche no es muy fría, tratamos de salir a grabar algunos clips para el nuevo video de Sugar a los spots que normalmente no se pueden patinar de día y terminamos como a las tres de la mañana y después directo a dormir. – Como solamente estoy enfocado en patinar, generalmente me levanto al medio día. Para desayunar, lo más común es que vayamos a algún restaurante de comida rápida como El Pollo Loco o Taco Bell. – Para poder ir a patinar a alguno de mis skateparks favoritos, como el Stoner en Santa Monica, es indispensable tener un auto porque las distancias son muy largas. Llegando al parque casi siempre me encuentro con varios amigos y comienzo a calentar durante diez minutos aproximadamente para ponerme a practicar cualquier truco. Después de tres horas de sesión vamos a comer a otro de mis lugares favoritos, Panda Express –comida china– y después vamos a la skateshop de un amigo en Hawthorne. Nos relajamos y vemos partidos de la NBA mientras tomamos un par de cervezas. – Llego a la casa de mis amigos donde me quedo esos días, pedimos una pizza de pepperoni


para cenar, escuchamos un poco de Lil Wayne y Young Jeezy. Checo mi correo y el facebook –para estar en contacto con amigos y familia– y todos los días reviso una de mis páginas favoritas: transworldskateboarding.com

SKATE D.F. Llego a mi casa después de un largo día y ceno con mi familia, reviso algunos pendientes para el día siguiente y generalmente veo Mentes Criminales en la tv o cualquier película de acción. Me duermo a las doce o doce y media. – Me despierto a las diez de la mañana, preparo mi ropa y escojo una gorra de mi colección: nunca salgo de mi casa sin gorra. Me baño y casi nunca desayuno porque no me da hambre a esa hora. – Antes de patinar voy y trabajo dos o tres horas en Zarape Skateshop. Para comer voy por quesadillas o tacos y agua de melón del puesto de jugos. Cuando termino de trabajar me reuno con todo el equipo de Zarape cuando vamos ir a grabar. Cuando no grabamos voy a practicar a algún skatepark un par de horas y regreso a trabajar un rato más. – Llego a mi casa en la noche a comer porque a esa hora me da mucha hambre después de patinar y trabajar. Reviso algunos pendientes para el día siguiente y generalmente Mentes Criminales en la tv o cualquier película de acción. Me duermo a las doce o doce y media, más o menos...

Fotografía por Amir GT.


OBJETO Y TIEMPO | Edgar Orlaineta

Edgar vive y trabaja en la ciudad de México con la Galería de Arte Mexicano en México, con la Sara Meltzer Gallery en Nueva York y con Steve Turner Contemporary en Los Angeles. Es egresado de la Licenciatura en Pintura por la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado (La Esmeralda, INBA) en México. En 2002-2004 cursó la Maestría en Artes Visuales con especialidad en Escultura en Pratt Institute en Nueva York.

– Organicé mi primera exposición sin conocer a nadie. Tenía como 19 o 20 años. Luego estudié en la Esmeralda y durante esos años abrí un espacio, el Art Deposit, con Stefan Brüggemann. Ahí conocí a muchos artistas y no-artistas. Mariana Pérez Amor nos invito a la GAM a hacer una exposición. Así empezó. – Soy artista de tiempo completo y realizo trabajos domésticos no-remunerados. – Los límites son para romperlos o darles la vuelta y para eso se necesita creatividad. Los límites casi siempre son los que uno se auto-impone. – La tecnología crea herramientas. Amo las herramientas. Todo trabajo necesita herramientas adecuadas, si se tienen éstas se tiene un tramo avanzado, aunque luego está la cuestión de cómo usarlas. Hay que saber ser creativos con o sin la tecnología. – No es lo mismo ser un talento, que tener talento, decia Karl Kraus. Hay muchas formas de ser talentosos y creo que el talento es una aspiración: poder dominar un medio, ya sea la voz, el cuerpo, la forma, la palabra o el sazón. El talento es algo que parece innato, pero no es así, éste siempre viene de un gusto y una práctica. Tener talento es tener facilidad o ser hábil para algo. Ser un talento es haber desarrollado esa habilidad y dominarla.


– Mi hermano decía que casi todo es arte excepto algunas cosas que pretenden serlo. Aunque esta frase no es una definición, nos habla de dos aspectos del arte importantes: de su relación con la autenticidad/sinceridad y de su capacidad para transformarlo todo. – Definir qué es arte no tiene sentido. – Mantener la energía y la química adecuada, pero eso nunca depende de uno. – El talento es un aptitud, la técnica es una serie de métodos. Si se tiene talento el método se hace más fácil. – Un artista desarrolla una o dos ideas durante toda su vida. Yo parto de cosas y motivos que me interesan para comentar a través de ellos. Uso la historia del modernismo en el arte, la arquitectura y el diseño. Tomo fragmentos con los que trabajo y comento mis ideas y puntos de vista. – Hay un interés por investigar el pasado, por apropiarlo, por reconformarlo y replantearlo. Ahora trabajo en la reconstrucción de un objeto desaparecido en la década de los 50’s. – Muchas cosas influyen en mi trabajo: el diseño industrial, la arquitectura, el diseño gráfico las artesanías y la vida cotidiana y sus objetos en la ciudad de México. – El amor y el gusto por la literatura y la música hacen que uno las convoque e integre al trabajo aunque funcionen de otra manera... yo las integro en su forma plástica pues no soy ni músico ni escritor. – Amo la sinceridad y el amor al trabajo, lo artesanal y lo técnico, amo el color, el humor y admiro artistas tan distintos como Sonia Delaunay, Richard Kern, Marcel Duchamp, Georg Baselitz, Gaudi y Le Corbusier. Disfruto casi todo. Me gusta mucho la carpintería y la cocina.

Fotografía de detalle de Criollo, 2005. Acero cromado, silla Wassily (Marcel Breuer) y partes de bicicleta. 90 x 110 x 180 cms. Actualmente exhibido en Hitos de una ciudad en San Carlos Centro Cultural. Fotografía por Andrea Belmont.


FILOSOFÍA DEL ERROR: SEAN YOO | Abel Ibáñez Sean Yoo nació en Los Angeles, y se tituló como ariquitecto en la Universidad Politécnica de California. En 2001 fundó su despacho de diseño en Matera, Italia. Obtuvo el primer lugar en el concurso “Young and Design 2002” en el Salone Internazionale del Mobile en Milán siendo el único extranjero en haber ganado dicho premio. Ha realizado diseños para Steelcase, Design Within Reach, Casamania y Maruni. Desde 2009 vive en la ciudad de México en donde trabaja como Diseñador Creativo para Mobel Internacional y dando clases en CENTRO de Diseño, Cine y Televisión. Es chilango.

Sean termina de estudiar y quiere dedicarse a diseñar muebles. El primer mueble que diseña es una silla que tiene un atractivo estético pero algo le falta. O más bien, le sobra: el mueble es tan pesado que es difícil moverlo de un lugar a otro. Sean se da cuenta de que quien compre su silla en realidad no estará comprando un mueble sino una escultura. Primer error: Sean diseña un mueble inútil, nada práctico. Y Sean no quiere ser escultor. Sean diseña algunas camas con escritorios integrados, y gana un premio de diseño por un sillón que se convierte en cama y puede doblarse hasta parecer un portafolios enorme. Estos muebles funcionan, y son muy prácticos para quien los compre. El problema es que nadie podrá comprarlos porque nadie puede ni quiere fabricarlos: el mecanismo que Sean diseña es demasiado caro y complicado. Segundo error: Sean diseña un mueble imposible de construir. Sean logra diseñar muebles prácticos y fáciles de fabricar. Pero nadie los compra. A la gente no le gustan los muebles que Sean diseña. La gente no se identifica con ellos. Tercer error: Sean no ha tomado en cuenta los gustos y el deseo de la gente.


Sean termina encontrando un equilibrio entre el diseño inteligente, la viabilidad del diseño y lo deseable del producto. Un mueble tiene que servir para algo, tiene que poder construirse y la gente tiene que querer comprarlo. Sean convierte sus errores en lecciones y termina siendo uno de los diseñadores con más éxito a nivel internacional. Bajo esta filosofía, Sean dirige a sus alumnos para la realización de la colección FROM DF WITH LOVE, la cual será expuesta en la Feria de Salone Satellite 2011 en Milán. En un par de meses, trece alumnos de la carrera de Diseño Industrial en CENTRO de Diseño, Cine y Televisión, viajan a Italia para exponer su trabajo, el cual incluye mobiliario y objetos inspirados en formas e historia de la ciudad.

Fotografías de detalle de Vertikal, 2010, de Marité D’Hyver. Librero fabricado en enlistonado de okume, acabado en pintura acrílica. 180 x 64 x 90 cm. Marité es alumna de Sean Yoo en CENTRO y la pieza forma parte de la colección FROM DF WITH LOVE. Fotografía por Andrea Belmont.


N. | Diego Pérez

Diego comenzó como fotógrafo, y ha trabajado también esculturas, instalaciones y pinturas. Su trabajo ha sido expuesto de manera individual en la Galería del LMI, la Galería de Arte Mexicano, en el Centro Fotográfico Álvarez Bravo. Dentro de exposiciones colectivas ha participado recientemente en The Travelling Show (Fundación/Colección Jumex), Las Líneas de la Mano (MUAC), Elefante Negro (Museo Diego Rivera-Anahuacalli) e Hitos de una Ciudad (San Carlos Centro Cultural).

– En ese entonces estaba descubriendo lo que era la literatura: una posibilidad de cambiar mi realidad de forma. – Uno de los mayores logros es conseguir que aquello que más disfrutes hacer se vuelva al mismo tiempo en la fuente de tu sustento. Yo estoy lejos de ser una persona sabia, pero creo que deberíamos poder disfrutar todas las cosas que hacemos, o poder estar atentos para sacar el mayor provecho de todo, inclusive de las tareas más odiosas o sutiles, como esperar en la fila del banco. – Hoy, casi todas las actividades que realizo están relacionadas con mi trabajo. Nuestras vidas son como redes que unen muchos puntos distintos y uno puede ir tejiendo y empujando su red más hacia un lado que hacia otro. – Le pongo ahora mucho más atención y dedicación a mucho de lo que me rodea, a los espacios donde paso más tiempo, como el lugar donde vivo o trabajo, y a las actividades ineludibles de todos los días, como estar en la cocina o comer. – En la azotea de la casa donde vivo y trabajo he configurado dos jardines: he puesto ahí unas estructuras para proveernos de sombra. No sólo de este modo el espacio utilizable del


inmueble se multiplica sino que le devolvemos a la ciudad un poco del mucho verdor que le hemos robado. En estos lugares pasamos mucho tiempo. – Es tan importante que en las escuelas se enseñe tanto la historia del hombre como el cultivo de jitomates y papas, aprender cómo poder combinar en la cocina distintos sabores para hacer algo tan simple como unos sabrosos huevos por las mañanas. – El mundo actualmente está muy jodido. Si acaso el trabajo de uno sirviera para ponerle el dedo a ciertos renglones y provocar en el interlocutor –con ayuda del objeto artístico o eso que podemos llamar la plataforma estética– una reflexión o una consideración con respecto a esos problemas. Pero también está lo maravilloso y su exaltación, no olvidemos el regocijo ante la inteligencia, lo bello y la sorpresa que pueden desprender. – En Esquemas para una oda tropical realizo un comentario y una leve crítica a una condición muy particular de nuestras ciudades por medio de un ejercicio muy sutil: proponer que en vez de tambos con cemento para apartar lugares para los automóviles utilicemos tambos con plantas. El cambio en nuestras psiques promovido por el cambio estético de estos espacios públicos puede ser muy favorecedor para una mejor convivencia dentro de las ciudades. Es un gesto muy sencillo.


– Mesas negras son unas esculturas en las se puede leer un comentario de un “estado de las cosas” de nuestra particular realidad mexicana: el estado del eterno proceso, los proyectos incompletos, abandonados a un futuro incierto. Estas piezas nos remiten a las vistas de las miles de construcciones a lo largo de nuestro territorio: construcciones incompletas, autoconstruidas, nuevas pero ya ruinosas, siempre construidas sin planos. – Nuestro pensamiento y preocupación se proyecta y se refleja en nuestro trabajo, el cual puede ser muy variado y de distíntas índoles, abarcar distintos campos. Por consiguiente, las obras se manifiesten de formas variadas. – Todo puede ser alimento: hay que saber escoger y digerir. – La lectura es una de las maneras más sabrosas de estar solo y, al mismo tiempo, de tener una de las comunicaciones más ricas y vitales. La música y la literatura son comunión y pueden sacarnos los emociones más extraordinarias. Puedes conocer el mundo y muchos mundos más a través de ellas.

Página derecha: Mesa Negra 7, 2009-2010. Fotografía por cortesía de Diego Pérez. Página izquierda: Fotografía de Esbozo para una taxonomía del objeto callejero I,II, y III, 2009. Actualmente exhibido en Hitos de una ciudad en San Carlos Centro Cultural. Fotografía por Andrea Belmont.


LOOKING FOR P.D. Constantly talking isnâ&#x20AC;&#x2122;t necessarily communicating.


P.D. I want to know you.


P.D. I’m just a fucked-up girl who’s looking for my own peace of mind.


P.D. Come back and make up a good-bye at least. Letâ&#x20AC;&#x2122;s pretend we had one.


P.D. People have to share things. Thatâ&#x20AC;&#x2122;s what intimacy is.


P.D. I’m inside your head too. I’m you.


P.D. I tell you everything. Every damn embarrassing thing.


P.D. If only I could meet someone new.

Fotografías por Andrea Belmont Las P.D. son citas del guión de la película Eternal Sunshine of the Spotless Mind (2004) escrito por Charlie Kaufman.


ERRR No. 10  
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