Solos - A personal Diary in music

ÉRIC MONTALBETTI SOLOS A PERSONAL DIARY IN MUSIC

FRANÇOIS-FRÉDÉRIC GUY TEDI PAPAVRAMI MARC COPPEY NICOLAS BALDEYROU JEAN-LOUIS CAPEZZALI DAVID GUERRIER

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ÉRIC MONTALBETTI SOLOS

(*1968)

A PERSONAL DIARY IN MUSIC

TROIS ÉTUDES APRÈS KANDINSKY FOR SOLO PIANO

1

DEUX TRAITS NOIRS (1930)

2

DE L’OBSCURITÉ DES SPHÈRES À LEUR ÉCLAT

1’04

– AFTER ‘YELLOW-RED-BLUE’ (1925)

2’08

3

FURIEUSEMENT AMOUREUX – AFTER ‘LYRICAL’ (1911)

1’18

4

ESPRIT TENDRE

6’56

FOR SOLO OBOE

SONATA

FOR SOLO VIOLIN

5

FIRST MOVEMENT

2’02

SECOND MOVEMENT

2’14

7

THIRD MOVEMENT

5’25

8

FOURTH MOVEMENT

2’12

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4

› MENU UN HERBIER POUR LA VIE FOR SOLO CELLO

9

ÉLÉGIE

8’18

10 L’ABSENT

3’00

11 BICINIUM

8’49

CINQ FORMANTS FOR SOLO CLARINET

12 FORMANT I

1’03

13 FORMANT II

1’06

14 FORMANT III

1’20

15 FORMANT IV

4’24

16 FORMANT V

6’33

17 PRIÈRE DE L’ANGE GARDIEN

8’42

FOR SOLO HORN

TOTAL TIME: 66’42

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FRANÇOIS-FRÉDÉRIC GUY PIANO (TRACKS 1-3) FRANÇOIS-FRÉDÉRIC GUY APPEARS BY KIND PERMISSION OF EVIDENCE CLASSICS / LITTLE TRIBECA

JEAN-LOUIS CAPEZZALI OBOE (TRACK 4) TEDI PAPAVRAMI VIOLIN (TRACKS 5-8) MARC COPPEY CELLO (TRACKS 9-11) NICOLAS BALDEYROU CLARINET (TRACKS 12-16) DAVID GUERRIER HORN (TRACK 17)

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SOLOS PAR FRANCK MALLET

Si Éric Montalbetti n’a pas donné à entendre sa musique en public avant 2015, après avoir été pendant près de vingt ans le directeur artistique de l’Orchestre philharmonique de Radio France, il n’a jamais cessé de composer. Bouquet d’essences variées ou journal intime, son catalogue voudrait former « comme le recueil des émotions les plus diverses par lesquelles nous nous découvrons si merveilleusement vivants ».

Aussi, les Trois études après Kandinsky pour piano témoignent-elles d’un « premier travail sur l’abstraction comme forme d’expression de soi et de ses sentiments ». C’est bien la peinture du Russe qui guide, à rebours de la chronologie des tableaux, le geste du musicien. D’abord la réserve de Deux traits noirs de 1930, où le piano chavire d’une extrémité à l’autre du clavier, ceinturant des formes effilées. Cinq ans plus tôt, voilà Jaune-Rouge-Bleu (1925) et la courbe sinueuse de son dégradé de couleurs, mais aussi le drame de ses entrechocs et de ses oppositions. Là où la figuration s’envole peu à peu, dans ces maisons qui prennent la tangente alors que le ciel s’ouvre sur un nouvel espace, apparaît le cavalier, ou plutôt sa stylisation extrême, dans Lyrique (1911). À partir d’un matériau commun avec celui de la première étude Deux traits noirs, le compositeur donne un sens différent à l’épopée de Lyrique. Son piano rue dans les brancards et chevauche la couleur.

L’idée germe dans la confidence de ces œuvres solistes : quoi de plus naturel que ce dialogue entre le compositeur et son unique interprète ? L’élan primordial devient conscience de soi dans la Sonate, pour violon seul. Imaginée tout d’abord sans programme, la partition en quatre mouvements se lit aujourd’hui comme l’expression du passage de l’adolescence à l’âge adulte. Avec ses gestes amples et nerveux, « le premier mouvement peut être regardé comme l’affirmation du sujet ». Plus réflexif, le second énonce une certaine tendresse et la recherche d’un dialogue intérieur, cependant « contredit par l’exaspération du discours ou la trop grande 7

préoccupation de soi ». À l’opposé, la sonorité ténue et frêle du troisième mouvement est « une lente introspection presque élégiaque dans un désir d’éternité ». Ultime stade de cette évolution, « le retour à la vie » du quatrième mouvement, avec ses fusées enjouées. « Cela dit, ajoute le compositeur, l’ensemble de la partition est un travail sur la notion de variation, ainsi qu’une première tentative de synthèse ou conciliation entre sérialisme et modalité, qui nourrit les œuvres postérieures. » « L’impression superficielle de la couleur peut se développer jusqu’à devenir un événement », disait Kandinsky. Chez Éric Montalbetti, la couleur crée le sens. Par son réseau, elle irrigue la mémoire. D’une gravité incandescente, Un herbier pour la vie, pour violoncelle seul, rayonne du plus profond des sentiments, celui de la présence des chers disparus dans le souvenir.

Le compositeur précise : « La première pièce est une élégie à la mémoire de ma grand-mère maternelle, Masha, née Hélène Hourbette, par qui je suis venu à la musique. Je l’ai connue au piano, mais elle avait aussi étudié le violoncelle, et j’ai toujours bien compris que, sans un accident à l’index gauche, elle aurait gardé le violoncelle comme voix. C’est pour elle que j’ai choisi d’écrire pour violoncelle seul. L’évocation de Masha me ramène à la fois à la tendresse bienveillante et au secret d’une grande douleur intérieure dont elle a toujours retenu l’expression ; sans cette retenue comment respecter la vérité des sentiments les plus forts ? La deuxième pièce est inspirée d’un poème de René Char, L’Absent, extrait du recueil Seuls demeurent – écrit pendant les années de Résistance. La troisième pièce, Bicinium, est composée, comme son nom l’indique, à deux voix. Elle voudrait dire quelque chose de la tendresse paternelle et de la tendresse filiale retrouvées ; comme un parcours depuis la gravité du recueillement quand nous manque la tendresse des absents, jusqu’à la compréhension que l’absence n’a rien retiré à la force de la tendresse reçue en héritage. Ainsi, la pièce s’achève certes à une voix, mais riche de tout ce qui précède. » À la fois élégiaque et distinguée, liturgique et volubile, l’écriture pour vents perpétue à sa manière une spécificité française qui remonte au Moyen Âge, passe par la Renaissance, se diffuse dans le romantisme et continue à se répandre du haut du XXe siècle jusqu’à nos 8

jours. Des harmonies lascives du Prélude à l’après-midi d’un faune de Debussy au juvénile « bocage moderne » (Cocteau) de la Sonate pour deux clarinettes de Francis Poulenc et jusqu’au Dialogue de l’ombre double de Pierre Boulez, ces instruments résonnent tout particulièrement dans le cœur d’Éric Montalbetti. Exubérants et graves, les Cinq formants, pour clarinette seule – « dédiés à Antoine », fils aîné du compositeur – magnifient la richesse empanachée de l’instrument, en se déployant de plus en plus largement. Le premier comme « impulsion initiale », le second comme « expression poétique », le troisième comme « un versant plus volontaire ou affirmé du premier », le quatrième comme « une grande introspection », le cinquième comme un nouveau cycle de variations, reprenant le caractère des quatre premières pièces dans une écriture renouvelée, et « s’achevant par une variation à la puissance deux, mise en abyme de tout le cycle ».

Poignante et mélancolique, la Prière de l’Ange gardien, pour cor solo, s’élève sur les cimes de l’espoir. Son chant respire à pleins poumons dans son désir d’implorer la grâce, auréolé d’une tendresse infinie.

Au-delà des montagnes, avec l’Italien Bruno Maderna (1920-1973) et de l’océan, avec l’Américain Elliott Carter (1908-2012), la mélodie des vents se propage, fascine et imprègne durablement notre compositeur. Si le hautbois fut l’instrument de prédilection de Maderna, qui lui réserva une place de choix dans son œuvre, c’est qu’il percevait en lui l’instrument « aulodique » idéal, capable comme son ancêtre de la Grèce antique (aulos) de produire cet art mélodique immémorial. Esprit tendre se souvient de Maderna comme il est un hommage à Helen et Elliott Carter, « compositeur dont l’incroyable longévité a permis l’éclosion d’œuvres toujours plus belles et poétiques ».

Clin d’œil à Esprit rude/Esprit doux pour flûte et clarinette – l’une des plus célèbres partitions du compositeur qui vécut jusqu’à l’âge de 103 ans –, Esprit tendre est aussi dédié à la femme aimée « en signe de l’espoir d’une aussi belle longévité dans la relation amoureuse ». Dans sa forme « constituée de petites cellules cherchant à rendre des émotions multiples et contrastées, la pièce souhaite traduire le sentiment du bonheur ». Écoutons l’onctueuse volubilité du hautbois d’Esprit tendre, son expression à la fois claire et nue, surgissement pur de l’aulos où l’inconnu jubile.

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ÉRIC MONTALBETTI

Éric Montalbetti compose depuis l’âge de 11 ans, parallèlement à l’étude du piano et de l’orgue.

D’abord autodidacte, il suit les cours de Pierre Boulez, Robert Piencikowski et Andrew Gerszo à l’Ircam et au Collège de France. Lauréat de la Fondation Sacem et de la Fondation Yehudi Menuhin en 1990 pour sa Sonate pour violon seul, il complète sa formation avec Alain Bancquart, Paul Méfano et Michaël Levinas en auditeur libre au conservatoire national supérieur de musique de Paris de 1990 à 1993. Membre du Forum Ircam dès sa fondation en 1993, utilisateur des logiciels Patchwork puis OpenMusic, il a également travaillé dans le cadre du Centre Acanthes avec George Benjamin, Magnus Lindberg, Philippe Manoury et Tristan Murail.

De 1996 à 2014, Éric Montalbetti est aussi le directeur artistique de l’Orchestre philharmonique de Radio France. Durant cette période, il compose comme on écrit son journal intime, préférant garder sa musique secrète. Il compose au fur et à mesure des années un ensemble de pièces pour différents instruments solos, de musique de chambre, pour ensemble instrumental, pour chœur a capella et pour orchestre. Une première pièce pour orchestre, Vaste champ temporel à vivre joyeusement, a été créée en mars 2015 par l’Orchestre national des Pays de la Loire sous la direction de Pascal Rophé et reprise au Japon par le Tokyo Sinfonietta sous la direction de Yasuaki Itakura en juillet 2015. L’enregistrement de la création en est disponible sur les principales plateformes de streaming et de téléchargement. Composition suprématiste et Formes uniques de la continuité dans l’espace pour violon, violoncelle et piano ont été créés par la violoniste Hae-Sun Kang et les membres de l’ensemble DAI Contemporain au festival de Toroella de Montgri en Espagne en 2015. Sa prochaine œuvre pour orchestre, Éclair physionomique, commande du Festival du Printemps des Arts de Monte Carlo, sera créée en avril 2018. Éric Montalbetti est membre de la Sacem et sa musique est éditée par Durand (Universal Music Publishing).

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SOLOS

BY FRANCK MALLET Though Éric Montalbetti did not offer his music for public performance until 2015, after nearly twenty years as Artistic Director of the Philharmonic Orchestra of Radio France – nevertheless he has always been composing. Whether regarded as a varied bouquet of perfumes or an intimate diary, his catalogue of works aspires to be ‘a collection of the most diverse emotions that make us feel wonderfully alive’.

The Three Studies after Kandinsky for piano bear witness to ‘my first study of abstraction, as a form in which to express it and its feelings.’ The key to the composer’s musical language is in the oeuvre of the great Russian painter, viewed in reverse chronological order. First of all, the cool reserve of Kandinsky’s Two Black Lines (1930), where the piano seesaws from one extreme register of the keyboard to the other, enclosing faintly-delineated shapes. Five years earlier in the painter’s career we have Yellow-Red-Blue (1925) with the sinuous curves of its colour gradations, but also the drama of its clashes and conflicts. Where the figuration seems to vanish bit by bit, in those houses flying off at a tangent while the sky opens on an entirely new space, a horse rider appears – or rather, the extreme stylization of one – in Lyrical (1911).

Using material also found in the first study – Two Black Lines – the composer gives it a different meaning here in the epic narrative of Lyrical, with the piano lashing out rebelliously and colours bleeding into each other.

On immersing oneself in these solistic works, the thought occurs that nothing could be more natural than this dialogue between the composer and a single interpreter. In the Sonata for solo violin, the primordial impetus becomes self-aware. Initially conceived without a programme, this four movement work now seems to chart the development from adolescence to adulthood. With its broad, nervous gestures, the first movement, according to the composer, ‘can be regarded as an affirmation of the subject.’ The more reflective second movement expresses a kind of tenderness and the quest for an interior dialogue, but also ‘conflicts with 12

it, out of exasperation with the conversation, with so much self-preoccupation’. By contrast, the tenuous, fragile sound of the third movement is ‘a slow, quasi-elegiac introspection with a longing for eternity’. The final station of this revolution is the fourth movement’s ‘return to life’, with its cheerfully flaring fireworks. ‘Having said that,’ writes the composer, ‘the whole score is a study on the idea of variation, as well as a first attempt at a synthesis or reconciliation between serialism and modality, something that informs my later works.’

As Kandinsky said, ‘the superficial impression of colour may develop so as to become an event.’ In the work of Éric Montalbetti, the colour creates the meaning, its spectrum stimulating the memory. With its burning sense of solemnity, Un herbier pour la vie (A herbarium for life) for solo cello projects that most profound of feelings: the presence in the memory of the dear departed. As the composer explains: ‘The first piece is an elegy to the memory of my maternal grandmother, Masha, née Hélène Hourbette, through whom I discovered music. It is as a pianist that I remember her, but she had also studied the cello, and I was always aware that if she hadn’t had an accident to her left index finger, she would have kept the cello as her musical voice. It was for her that I chose to write for cello solo. The evocation of Masha makes me recall both her affectionate tenderness and her secret, heavy inner sadness that she refrained from expressing. Without such reticence, how can the truth of one’s strongest feelings win respect? The second piece is inspired by a poem of René Char, “L’Absent” (“The Absent One”), an extract from his collection Seuls demeurent, written during the period of the French Resistance. The third piece, Bicinium, as its name indicates, is written for two voices. It seeks to express a father’s affection and the affection of a son, and the rediscovery of both feelings. It is like a journey beginning with the profound contemplation we have when we miss the affection of those who are absent, eventually understanding that their absence has taken away nothing from the force of tenderness that we have received as an inheritance. Though the piece ends with just a single voice, it is enriched by all that has gone before.’

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Elegiac but refined, liturgical yet loquacious – music for the woodwinds still has a specifically French atmosphere that goes back to the Middle Ages, traversing the Renaissance, expanding in the Romantic era, continuing to spread its wings at the height of the twentieth century, and reaching as far as today. From the lascivious harmonies of Debussy’s Prélude à l’aprèsmidi d’un faune, to what Cocteau called the ‘modern wooded landscape’ of the Sonata for two clarinets by the young Francis Poulenc, right up to the Dialogue de l’ombre double of Pierre Boulez, wind instruments are particularly close to Éric Montalbetti’s heart. Exuberant but also solemn, the Five Formants for solo clarinet ‘dedicated to Antoine’ – the composer’s eldest son – magnify all the florid richness of the instrument, letting it range more and more widely. The first piece is ‘an initial impulse’, the second ‘a poetic expression’, the third ‘a more deliberate, emphatic aspect of the first’, while the fourth is ‘a great inner reflection’. The fifth piece is like a new set of variations, reviewing the characters of the previous four pieces in a new re-composition, ‘ending with a variation to the mathematical power of two, an image in miniature of the whole cycle of pieces.’

The poignant, melancholy Prayer to the Guardian Angel, for solo horn, soars to the summit of hope. Its song, crowned with a halo of infinite tenderness, breathes with all its might the fervent desire to beg for grace. Beyond the mountains, as with the Italian Bruno Maderna (1920-1973) and beyond the ocean of the American Elliot Carter (1908-2012) the melody of the winds has inspired and fascinated Montalbetti, and lastingly influenced his music.

The oboe was Maderna’s instrument of choice: he reserved a special place for it in his work.

For him, the oboe was the ideal type of the reeded aulos, as capable as its ancient Greek ancestor of producing this timeless melodic art. Esprit tendre (Tender Mind) recalls Maderna, as well as being a homage to Helen and Elliott Carter, ‘a composer whose incredible longevity has allowed his work to blossom ever more beautifully and poetically.’ The title alludes to Elliott Carter’s piece for flute and clarinet Esprit Rude/Esprit Doux (Harsh Mind/Gentle Mind), one of the best-known scores by Carter, who lived to the age of 103. Montalbetti’s Esprit tendre is dedicated also to the woman he loves ‘as a sign of hope that our relationship may 14

have the same wonderful longevity’. In its form ‘consisting of tiny cells that strive to present multiple and contrasting emotions, the piece attempts to translate into sound the feeling of happiness.’ As we listen to the oboe’s smoothly flowing outpouring of notes in Tender Mind, with its bright, naked expressiveness, we hear the ancient aulos welling up in a pure exaltation of the unknown.

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ÉRIC MONTALBETTI Éric Montalbetti started composition at the age of 11, while studying piano and organ.

He followed the courses by Pierre Boulez, Robert Piencikowski and Andrew Gerszo at Ircam and at the Collège de France. Laureate of the Sacem and Menuhin foundations in 1990 for his solo violin sonata, he completed his studies with Alain Bancquart, Paul Méfano and Michael Levinas as an auditor at the Conservatoire national supérieur de musique de Paris from 1990 to 1993. A member of Forum Ircam since its foundation in 1993, using the Patchwork and OpenMusic softwares, he also worked at Centre Acanthes with George Benjamin, Magnus Lindberg, Philippe Manoury and Tristan Murail.

From 1996 to 2014, Éric Montalbetti was the Artistic director of the Orchestre philharmonique de Radio France. During these years, he chose to keep his music secret, composing for himself like his personal diary. He composed over these years many works for various solo instruments, chamber music, music for instrumental ensemble, for choir a cappella as well as for orchestra.

A first orchestral piece Vaste champ temporel à vivre joyeusement has been premiered

by Pascal Rophé and Orchestre national des Pays de la Loire in March 2015, and in Japan with the Tokyo Sinfonietta under Yasuaki Ikatura in July 2015. Composition suprématiste and Formes uniques de la continuité dans l’espace for violin, cello and piano has also been premiered by violinist Hae-Sun Kang and the members of Ensemble DAI Contemporain in the festival of Toroella de Montgri in Spain in 2015. His next orchestral piece Éclair physionomique (Physiognomic lightning), a commission of Festival du Printemps des Arts in Monte Carlo, will be premiered in April 2018. Éric Montalbetti is a Sacem member, and his music is published

by Durand (Universal Music Publishing).

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SOLOS VON FRANCK MALLET

Auch wenn Éric Montalbetti fast zwanzig Jahre lang künstlerischer Leiter des philharmonischen Orchesters von Radio France war und man seine Musik vor 2015 nie öffentlich zu Ohren bekam, hörte er nie zu komponieren auf. Ob eine Kombination aus verschiedensten Essenzen oder ein Tagebuch, sein Werkkatalog möchte „gleichsam eine Sammlung der verschiedensten Emotionen“ bilden, „durch die wir entdecken, wie wunderbar lebendig wir sind.“ So zeugen die Trois études après Kandinsky für Klavier von einer „ersten Arbeit über die Abstraktion als Ausdrucksform des Selbst und der eigenen Gefühle“. Die Malerei des Russen leitet in umgekehrter Chronologie der Gemälde die Geste des Musikers, zuerst durch die Zurückhaltung von Zwei schwarze Strichen aus dem Jahr 1930, bei der das Klavier von einem Ende der Tastatur zum anderen kippt und dabei fein zugespitzte Formen umschließt. Fünf Jahre früher entstand Gelb-Rot-Blau (1925) und die gewundene Kurve seiner Farbabstufung, aber auch das Drama der Kontraste und Gegensätze. Dort, wo die Figuration nach und nach verschwindet, in diesen Häusern, die sich verflüchtigen, während sich der Himmel über einem neuen Raum öffnet, taucht in Lyrisches (1911) der Reiter auf, oder eher seine extreme Stilisierung. Ausgehend von einem Material, das dem der ersten Etüde Deux traits noirs gemeinsam ist, verleiht der Komponist dem Epos von Lyrisches einen anderen Sinn.

Sein Klavier wird rebellisch und überlappt sich mit der Farbe.

In der vertraulichen Mitteilung dieser solistischer Werke keimt eine Idee: Was ist natürlicher als dieser Dialog zwischen dem Komponisten und seinem einzigen Interpreten?

Der entscheidende Elan wird Bewusstsein des Selbst in der Sonate, pour violon seul.

Das viersätzige Werk, das ursprünglich ohne Programm konzipiert war, ist heute als Ausdruck des Übergangs von der Adoleszenz zum Erwachsenenalter zu verstehen. Mit seinen weit ausholenden, nervösen Gesten „kann der erste Satz als eine Bejahung des Subjekts 17

betrachtet werden“. Der reflexivere zweite Satz drückt eine gewisse Zärtlichkeit und die Suche nach einem inneren Dialog aus, der allerdings „durch den aufgebrachten Diskurs oder die zu intensive Sorge um sich selbst widersprochen“ wird. Dagegen ist der feine, zarte Klang des dritten Satzes „eine fast elegische langsame Introspektion mit einer Sehnsucht nach Ewigkeit“. Als letztes Stadium dieser Entwicklung kehrt der vierte Satz mit seinem fröhlichen Feuerwerk „ins Leben zurück“. „Abgesehen davon“, fügt der Komponist hinzu, „ist die ganze Komposition eine Arbeit über den Begriff der Variation sowie der erste Versuch einer Synthese oder eines Ausgleichs zwischen Serialismus und Modalität, die die späteren Werke nähren.“ „Der oberflächliche Eindruck der Farbe kann sich entwickeln, bis er zum Ereignis wird“, sagte Kandinsky. Bei Éric Montalbetti erschafft die Farbe den Sinn. Durch ihr Netz irrigiert sie das Gedächtnis. Von glühendem Ernst geht Un herbier pour la vie für Violoncello solo von tiefsten Gefühlen aus, d.h. von der Gegenwart der lieben Verstorbenen in der Erinnerung.

Der Komponist gibt an: „Das erste Stück ist eine Elegie in Erinnerung an meine Großmutter mütterlicherseits Masha, geborene Hélène Hourbette, durch die ich zur Musik gekommen bin. Ich habe sie klavierspielend gekannt, doch hatte sie auch Cello gelernt, und mir war immer klar, dass das Violoncello ihr Instrument geblieben wäre, hätte sie sich nicht am linken Zeigefinger verletzt.. Für sie habe ich beschlossen, für Violoncello solo zu schreiben. Die Erwähnung Mashas ruft mir gleichzeitig die wohlmeinende Zärtlichkeit und das Geheimnis eines großen inneren Schmerzes in Erinnerung, den auszudrücken sie sich immer zurückhielt; wie sollte man ohne diese Zurückhaltung die Wahrheit der stärksten Gefühle respektieren?

Der zweite Teil ist von einem in den Jahren der Resistance geschriebenen Gedicht René Chars inspiriert, L’Absent, aus dem Band Seuls demeurent. Das dritte Stück, Bicinium, ist, wie sein Name sagt, eine Komposition für zwei Stimmen. Sie möchte etwas über die väterliche und die wiedergefundene kindliche Zärtlichkeit aussagen; wie ein Weg vom Ernst der inneren Sammlung, wenn uns die Zärtlichkeit der Abwesenden fehlt, bis zum Verstehen, dass die Abwesenheit der Kraft der Zärtlichkeit, die wir als Erbe erhalten haben, keinen Abbruch tut.

So endet das Stück zwar einstimmig, doch reich an allem, was davor war.“ 18

Sowohl elegisch als auch vornehm, liturgisch und redselig, hat die Komposition für Blasinstrumente noch heute den Anhauch einer französischen Besonderheit, die aufs Mittelalter zurück-, über die Renaissance weitergeht, sich in der Romantik entfaltet und sich im 20. Jh. bis in unsere Zeit weiterverbreitet. Von den lasziven Harmonien des Prélude à l’après-midi d’un faune von Debussy über die jugendlich „moderne Bocage-Landschaft“ (Cocteau) der Sonate pour deux clarinettes Francis Poulencs bis zum Dialogue de l’ombre double von Pierre Boulez haben diese Instrumente im Herzen Éric Montalbettis einen ganz besonderen Widerhall. Überschwänglich und ernst rühmen die Antoine, dem ältesten Sohn des Komponisten gewidmeten Cinq formants für Klarinette solo den Ornamentationsreichtum des Instruments, indem sie sich immer weiter entfalten. Der erste als „Anfangsimpuls“, der zweite als „poetischer Ausdruck“, der dritte als „ein energischerer oder stärker betonter Aspekt des ersten“, der vierte als „eine große Introspektion“, der fünfte als ein neuer Zyklus von Variationen, der die Merkmale der ersten vier Stücke in einer erneuerten Kompositionsweise wieder aufnimmt und „mit einer Variation hoch zwei endet, einer Mise en abyme des gesamten Zyklus“.

Ergreifend und melancholisch erhebt sich Prière de l’Ange gardien für Horn solo über die Gipfel der Hoffnung. Mit unendlicher Zärtlichkeit schöpft sein Gesang im Verlangen, Gnade zu erflehen, tief Atem. Jenseits der Berge mit dem Italiener Bruno Maderna (1920-1973) und jenseits des Ozeans mit dem Amerikaner Elliott Carter (1908-2012) verbreitet sich die Melodie der Winde, fasziniert und prägt unseren Komponisten dauerhaft. Die Oboe war das Lieblingsinstrument Madernas, der ihr in seinem Schaffen einen besonderen Platz zuwies, weil er in ihr das ideale „aulodische“ Instrument sah, das wie sein Vorfahre der griechischen Antike (Aulos) fähig ist, eine unsterbliche melodische Kunst hervorzurufen. Esprit tendre ist eine Erinnerung an Maderna wie auch eine Hommage auf Helen und Elliott Carter, einem „Komponisten, dessen unglaublich langes Leben die Entstehung eines immer schöneren, poetischeren Werkes erlaubte“. Esprit tendre ist auch eine Anspielung auf Esprit rude/esprit doux für Flöte und Klarinette – eines der berühmtesten Werke des Komponisten, der 103 19

Jahre alt wurde. Außerdem ist das Stück „als Zeichen der Hoffnung auf ein so schönes langes Leben in der Liebesbeziehung“ der geliebten Frau gewidmet. In seiner Form „aus kleinen Zellen, die vielfältige, kontrastreiche Emotionen wiederzugeben versuchen, möchte das Stück das Gefühl des Glücks ausdrücken.“ Hören wir der einschmeichelnden Redseligkeit der Oboe von Esprit tendre zu, seiner hellen, nackten Ausdruckskraft, einem reinem Auftauchen des Aulos, bei dem das Unbekannte jubiliert.

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ÉRIC MONTALBETTI

Éric Montalbetti begann mit 11 Jahren zu komponieren und lernte gleichzeitig Klavier und Orgel. Zunächst Autodidakt, nahm er später Unterricht bei Pierre Boulez, Robert Piencikowski und Andrew Gerszo am Ircam und am Collège de France. Preisträger der Sacem- und der Yehudi-Menuhin-Stiftungen 1990 für seine Sonate pour violon seul, setzt er seine Ausbildung als freier Hörer am Pariser Konservatorium bei Alain Bancquart, Paul Méfano und Michaël Levinas fort (1990-1993). Mitglied des Forums Ircam seit dessen Gründung (1993), benutzte er die Programme Patchwork und OpenMusic und arbeitete im Centre Acanthes mit George Benjamin, Magnus Lindberg, Philippe Manoury und Tristan Murail.

Von 1996 bis 2014 war Éric Montalbetti künstlerischer Leiter des philharmonischen Orchesters von Radio France. Er komponierte zwar täglich, hielt aber seine Musik geheim. Im Laufe der Jahre entstanden Stücke für verschiedene Soloinstrumente, Instrumentalensembles, A-Cappella-Chor, Orchester oder Kammermusik. Ein erstes Orchesterstück Vaste champ temporel à vivre joyeusement wurde 2015 vom Orchestre national des Pays de la Loire (Leitung: Pascal Rophé) uraufgeführt und im Juli 2015 in Japan von Tokyo Sinfonietta (Leitung: Yasuaki Itakura) wieder gespielt. Die Aufnahme der Uraufführung ist auf den wichtigsten Streaming- oder Downloadplattformen erhältlich. Compositioin suprématiste und Formes uniques de la continuité dans l’espace für Violine, Cello und Klavier wurden von der Geigerin Hae-Sun Kang und Mitgliedern des Ensembles DAI Contemporain in Spanien beim Festival von Toroella de Montgri 2015 uraufgeführt. Die Solisten François-Frédéric Guy (Klavier), Marc Coppey (Cello), Tedi Papavrami (Geige), Nicolas Baldeyrou (Klarinette), Jean-Louis Capezzali (Oboe) und David Guerrier (Horn) nahmen eine Reihe von Solostücken in einem Album auf, das beim Label Alpha Classics erscheint.

Die Uraufführung seines nächsten Orchesterwerks, Physiognomischer Blitz, ist im April 2018 beim Festival du Printemps des Arts von Monte Carlogeplant. Éric Montalbetti ist Mitglied der Sacem, seine Musik erscheint bei Durand (Universal Music Publishing).

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FOR MORE INFORMATION: FRANÇOIS-FRÉDÉRIC GUY www.ffguy.net JEAN-LOUIS CAPEZZALI www.buffet-crampon.com TEDI PAPAVRAMI www.papavrami-tedi.com MARC COPPEY www.marccoppey.com NICOLAS BALDEYROU www.solea-management.com DAVID GUERRIER www.jacquesthelen.com ÉRIC MONTALBETTI www.ericmontalbetti.com RECORDED ON 9 NOVEMBER 2014 (TROIS ÉTUDES APRÈS KANDINSKY, ESPRIT TENDRE) & 12 NOVEMBER 2014 (PRIÈRE DE L’ANGE GARDIEN) AT THE PARIS CONSERVATOIRE, AND ON 24 APRIL 2008 (UN HERBIER POUR LA VIE), 23 NOVEMBER 2008 (SONATA) & 14 MARCH 2010 (CINQ FORMANTS) AT THE PARIS CONSERVATOIRE AS PART OF ITS HIGHER EDUCATION TRAINING PROGRAMME FOR SOUND ENGINEERS. THIBAUT MAILLARD (PORTAMENTO)

recording producer, editing & mastering

JOHN THORNLEY english translation SILVIA BERUTTI-RONELT german translation VALÉRIE LAGARDE & GAËLLE LÖCHNER graphic design PASSAGE, 1997 © WON SOU-YEOL cover image JEAN-BAPTISTE MILLOT photo (tedi papavrami p.3) SYLVAINE PIERRE photo (nicolas baldeyrou p.3) CAROLINE DOURTRE photo (françois-frédéric guy p.3) CHRISTOPHE ABRAMOWITZ photo (david guerrier p.3) JI PHOTOGRAPHIE photo (marc coppey p.3) D. GLIKSMAN photo (jean-louis capezzali p.3) VM photo (eric montalbetti p.12) ALPHA CLASSICS DIDIER MARTIN director LOUISE BUREL production AMÉLIE BOCCON-GIBOD editorial coordinator ALPHA 263 ALLEGRETTO 2016 © ALPHA CLASSICS / OUTHERE MUSIC FRANCE 2016

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