El Metropolità_20

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Consejo Editorial: Salvador Almenar, Eduardo Almiñana, Toni Martínez.

Colaboradores: Juan Facundo Veiga, Alberto Sanchís Costa, Adrián Hernán de Sales y Edgar Baño de Murcia.

Fotografía: Hugo Tarazona.

Composición de portada: Batuel Bayarri Pareja. batuom@hotmail.com http://www.flickr.com/photos/ batuel_bayarri/ Contacto: redaccion@elmetropolita.com Dirección: Calle Buenos Aires 31-5.

46006 (València) Móvil: 656 65 41 67 Edición digital y recursos web: www.elmetropolita.com Departamento comercial: publicidad@elmetropolita.com Edita: El Metropolità ediciones Imprime: Ulzama Depósito Legal: V-4620-2008 El Metropolità ediciones S.C.P no se hace responsable de las opiniones vertidas por sus colaboradores.

El Metropolità Maig-Juny 2011

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Pau Alabajos estrena disc a Torrent

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Alaquàs recuerda a Bob Marley

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M-Clan porta el ritme a Mislata

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Fotografia compromesa a La Nau

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Entrevista a Dominique Lapierre

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Una mirada a la España del siglo XX

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Los hippies toman el Olympia

40 El rap crític i en valencià de Rapsodes 44

Portal 2, el Tetris del siglo XXI

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El devorador de vidas

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Del Apocalipsis y otros finales

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La que se avecina

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Un café de fantasía con David Mateo

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A la calle, que ya es hora, A. Muñoz

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Rèquiem de campanya, Ignasi Muñoz

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El diario no hablaba de ti, J. Sahuquillo

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EDITORIAL Crear en tiempos revueltos La humanidad, en su acepción de naturaleza humana, es un parentesco con nuestros congéneres que puede llegar a doler. Todos hemos podido presenciar estas últimas semanas un preocupante elogio de la muerte y la tortura, una fiesta del despropósito más macabro, la exaltación de las pasiones más aberrantes como la venganza televisada en prime time.

Los medios de comunicación con más audiencia, emiten sin cesar miedo y alarma.

Aquí y allá alguien se ha tomado la justicia por su mano, durante una hora somos testigos de crímenes, persecuciones con accidente múltiple de tráfico como colofón en California; peleas entre estudiantes en un instituto de Wisconsin grabadas y colgadas en Youtube; nietos (que no niños) de antiguos aliados ahora enemigos, sacrificados sin compasión y carentes de nombre. De algún lugar remoto del mundo llega la noticia de una terrible inundación que ha dejado decenas de muertos.

“Presten atención a estas imágenes” ha sustituido a aquello de “las imágenes que verán a continuación pueden herir su sensibilidad”. ¿Sensibilidad? Ya no se nos presupone nada de eso. Lo que debía ser una pausa para el relax entre agotadores turnos de trabajo, se convierte en un acontecimiento rutinario y terrible. Tras una última noticia, acaso algún desfalco político, comienza el deporte, y suspiramos aliviados mientras intentamos tragar la comida que baja con dificultad por la garganta. Entonces viene a la memoria el memorable discurso de la película Network, traducida como Un mundo implacable, y súbitamente, un arrebato de cólera interfiere en el recuerdo de la última atrocidad presenciada, pugnando por hacernos exclamar, ¡soy un ser humano, maldita sea, mi vida tiene valor! ¡Estoy harto, y no quiero seguir soportándolo! ¿Dónde queda la creación entre tantas ilusiones rotas y maltrechas? ¿Dónde el afán de construir, en lugar de demoler? Aunque parezca imposible, el espíritu de la cultura apacible y pacífica permanece, taciturno y asustado, pero continua existiendo y esperando para ser hecho valer, para ser convertido en un estandarte de la calma y el entendimiento, de la no agresión, de la comunicación, pero de la de verdad, la que no será televisada.

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El cantant Pau Alabajos presenta el seu tercer disc a l’Auditori Pau Alabajos torna a Torrent, la seua casa i torna a l’Auditori, un espai on es troba especialment a gust.

En aquesta ocasió serà el dissabte 28 de maig a les 22:30 hores quan presentarà el que és el seu tercer disc de llarga durada, el cd Una amable, una trista, una petita pàtria. Com explica el mateix artista, el disc parla de “les persones anònimes que s’hi deixen la pell, que renuncien als discursos teòrics i prenen la determinació, conscient i sincera, de canviar el món que els envolta, ara i ací, posant les mans en farina, aferrant-se a l’esperança amb totes les seues forces”. Elles i ells són els protagonistes d’aquest nou treball discogràfic del cantautor Pau Alabajos amb onze cançons on es poden trobar a individus i situacions actuals i prou reconegudes, on la crítica deixa lloc a la defensa i la lloança als instigadors d’una revolta tàcita, d’aquells infatigables defensors de les causes nobles, aquelles que com diu el propi Pau “s’escriuen amb minúscula i lletra menuda”.

Després de la publicació de Futur en venda (2004) i Teoria del caos (2008), el cantautor torrentí torna a la càrrega amb Una amable, una trista, una petita pàtria, un títol que recorda el primer vers de Coral romput, un dels llibres més viscerals que va escriure el poeta Vicent Andrés Estellés. En aquesta tercera aventura discogràfica participa una orquestra simfònica, formada per més de huitanta músics, amb la qual s’han enregistrat tres dels onze temes que conformen el disc. Els arranjaments d’orquestra i de quartet de corda han anat a càrrec de la violinista Laura Navarro, mentre que la producció artística ha estat responsabilitat de Toni Xuclà.

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Arriba la primavera i la festa pren els carrers...

Ja ho diu El Corte Inglés i ja ho certifica el bon oratge: ha arribat la primavera. És per això que els carrers del nostre poble es plenen d’activitats a l’aire lliure. Bon eixemple d’aixó és la Música a l’Albereda, una cita tots els dissabtes de maig i juny, des de les 19 hores on, a la plaça de la Unió Musical de Torrent es podrà gauir de concerts dels alumnes de música de cambra del Conservatori Professional de Música de Torrent. Els diumenges del mes de maig serà el torn de l’activitat Art a l’Avinguda, de 9:30 a 13:30 hores a l’estació de metro Torrent-Avinguda es faran retrats en viu i en directe realizats per mestres de la pintura i tots els artistes que desitgen participar-hi. Aquesta activitat culminarà amb el VII Concurs de Pintura Ràpida el diumenge 12 de juny entre les 10 i les 18 hores. El lloc es determina el mateix dia. Finalment, cal destacar dos activitats més relacionades amb els balls al carrer, per una banda la Mostra de folklore amb l’actuació del Grup d’Albades els Llauradors de Torrent del Cercle Catòlic, el dissabte 11 de juny a les 20 hores a la plaça de les Corts Valencianes i, per una altra, l’actuació del Grup de Ball de Torrent, una setmana després al mateix lloc i a la mateixa hora. Aquestes actuacions es completaran amb les propostes de la setmana cultural de la Escola d’Adults que serà del 20 al 24 de juny.

... i es prepara el cinema a la fresca per a l’estiu Ja serà al mes de juliol quan arribarà les caluroses i festives Nits a la plaça, amb projeccions de pel·lícules a la plaça de l’esglesia des de les 22:30 hores. El film El discurso del rey serà l’encarregat d’inaugurar aquest cicle el dia 2, que continuarà el 9 de juliol amb la projecció de El cisne negro. Després d’un paró a la programació (és el moment de les festes patronals), el cinema continuarà els dissabtes del mes d’agost amb The Tourist (dia 13), Toy Story (dia 20) i Alicia en el país de las maravillas (dia 27).

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30 años sin el gran Bob Marley El 11 de mayo de 1981 fallecía Bob Marley. Este mes se cumplen 30 años sin el rey del reggae y por ese motivo desde Alaquàs se ha preparado una nueva edición del Marley’s Tribute.

Alaquàs Reggae Fest que tendrá lugar el sábado 28 de mayo en el polígono de El Bobalar. Ese día, a partir de las 23 horas el escenario acogerá las actuaciones en directo de Old School Band feat. Supa Bassie; el rap reggae valenciano de Flowrituras, los colombianos Lirikankiam y Mafia Naezky; junto a El Flako, venido de Cuba. La entrada al evento es gratis. Los encargados de realizar este homenaje son la Asociación Cultural Riddimwize que nació en Alaquàs hace diez años cuando un grupo de amigos inquietos, formado por músicos, diseñadores y cantantes, muchos años atrás escuchando reggae y tras formar una banda, programas de radio y fanzines, decidieron unirse en un colectivo, con la intención y la necesidad de dar salida a infinidad de proyectos relacionados con este estilo musical, como radio, grupos, conciertos, diseño, viajes, etc. Su objetivo es el de crear una escena establecida de sounds, donde selectores, Mc´s y cantantes vayan rodando y el público se vaya dando cuenta del verdadero “vibe” del reggae en su hábitat natural; el Sound System. Marley estaría orgulloso de ellos.

Amb Ananda es tanca la dansa Com a cloenda de la temporada 2010-11, el TAMA presenta a Ananda Dansa (València) amb una versió molt personal d’El mago de Oz, un espectacle que fou estrenat l’any 1999.

L’espectacle conta les aventures de Dorita, l’espantaocells que vol un cervell per a pensar, l’home de llauna que vol un cor per a estimar i el lleó que vol ser valent. Tots quatre junts seguixen el camí de rajoles grogues per arribar fins a Oz on és troba el mag que ha de dir a la protagonista com tornar a la seua casa. Què farà la bruixa i tots els entrebancs que es troben al camí?... Què pensarà Dorita quan es desperte? Tot haurà estat un somni?... Una versió molt lliure i espectacular a càrrec d’una de les millors companyies valencianes de dansa. La cita és el divendres 3 de juny, a les 20:15 hores. En acabar es servirà una copa de sorbet de llimona i orxata fresqueta per a festejar el fi de la tempoarada.

En busca de Bernarda Alba...

I el final de la Lliga d’Improvisació

El grup de Formació I de l’Escola Municipal de Teatre d’Aldaia presenta al Teatre TAMA, l’ obra, Tu també pots ser... Bernarda Alba! sota la direcció de Xema Palanca amb una escena prestada de Federico García Lorca. Es tracta d’un montatge que parla de personatges i circumstàncies que transformen l’escena en una passarel·la per la qual desfilen les dèries i somnis de la humanitat... La cita el divendres 27 de maig, a les 22:30 hores.

Finalmente, serà el proper divendres 10 de juny, a les 22.30 hores, quan serà el partit d’exhibició de la VI Lliga d’Improvisació’11Festival d’Improvisació Llis i Ras. Tindrem l’oportunitat de veure un encontre extraordinari al TAMA entre els equips participants en aquest festival de teatre de improvisació. Si has estat seguidor o seguidora de la Lliga no et pots perdre aquest encontre final ple d’emocions i moltes sorpreses.

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Dues formes de contar el que passa La realitat es pot contar de molts diferents maneres. I durant el mes de maig podrem veure, al menys, dues d’elles. La primera és mitjançant la fotografia, com fa José Segura.

A la sala d’exposicions de la Casa de Cultura fins al 26 de maig es pot visitar la mostra Las luces de los olvidos. A les fotografies de José Segura es poden veure emplaçaments on, temps abans, habitaven vivències. Rutines existencials plenes de bons i regulars moments. Els sons, juntament amb les existències, es barrejaren amb la llum i han donat fruit. Una sèrie d’imatges que donen bona mostra de llocs singulars on abans hi havia vida. Com diu el propi fotògraf, esta exposició ens “ofereix les llums dels oblits”.

Si hi ha que parla a través del seu objectiu, també hi ha qui ho fat mitjançant la seua paraula. És el cas de, per exemple, Pau Blanco. El que fa aquest actor al seu espectacle és senzillament les coses que passen. Aquelles que segurament ja les ha contades però que de tant contar-les sempre acaben canviant... Serà esta l’última vegada que les conta?... I és que són Coses de Pau on segur que vosté també té coses a dir. Però alerta! Que igual Pau et pregunta i recorda: Pau mai diu mentires a l’escenari.

Aquest espectacle de Purnateatre tindrà lloc el dia 26 de maig a les 22:15 també a la Casa de Cultura i el preu de l’entrada està fixat en 3,5 euros (inclou café de la casa).

Queers i el seu trepidant directe El dijous 12 de maig a les 22:15 visiten la Casa de Cultura el grup valencià Las Queers. Es tracta d’una formació integrada únicament per dones format a 2006.

El repertori de Las Queers està dissenyat amb temes propis i les millors versions de pop, funky, rock, etc. dels últims temps. Tot això enriquit per un joc vocal de quatre cordes que fan de l’espectacle una experiència musical carregada de ritme i agitació.

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El autor, el predicador y el mago de los sonidos javier sahuquillo / ¿Qué es Eufòria? Eufòria es una locura tecnológica elevada a la potencia de realidad esperpéntica que rompe la cotidianeidad abusiva en la que nos hallamos inmersos para proporcionarnos píldoras para soñar. “¿Rojo o azul?” Parece preguntarse el espectador en todo momento con la constante cascada de referencias culturales incluso freaks o geeks. El programa de mano anuncia dos intérpretes, pero sería injusto no señalar que existe un tercero, un robot, el primer robot en teatro, la maravilla tecnológica de Apple: un ipad. Xavo maneja este instrumento como si fuera uno más de sus apéndices corporales. Con él hacen chistes, generan tensión, sueño, magia. García hilvana de forma espléndida el instrumento de un modo tan preciso que lo convierte en un personaje más de la pieza. Tecnología y tradición se dan la mano en esta Eufòria colectiva que Giménez trata de provocar en el espectador y en su compañero de reparto. El texto tiene ritmo, humor, mensaje, en ocasiones un tanto explícito, efectos especiales, viajes a mundos imposibles, dolor, catarsis, participación, jolgorio, estupefacción y la London Simphony Orchestra y todo ello en un desnudo escenario.

Tal vez el texto desencante a los analfabetos funcionales que no se reciclaron cuando cayó en el olvido la última Olivetti, pero la arriesgada apuesta textual ha superado la prueba. Era difícil imaginar la introducción tan limpia de la tecnología en el teatro para potenciar aún más este mundo de sueños. Digo era porque Roberto García lo ha convertido en realidad aplastante. El texto podía perder fuerza por la introducción de los tecnogags pero no es así. Muchos se mostrarán escépticos ante la propuesta pero los jóvenes gozarán como chinos con un espectáculo destinado, tal vez no en la intención del autor, a convertirse en la delicia de ese gran público abandonado: los adolescentes. Para los amantes de la poeticidad chejoviana no será una de sus piezas favoritas pero cumple todas las funciones de la comedia: hacer reír, añadiéndole el hándicap de la introducción de estos elementos tan novedosos como presentes en nuestro día a día. Tal vez el texto, en ocasiones, adolece de algunos chistes excesivamente recurrentes y manidos, pero que en la dosis justa proporcionan efectividad al espectáculo.

Recomendamos encarecidamente que amigos lectores no se pierdan la obra de L’Horta Teatre dirigida por Roberto García. Una apuesta teatral arriesgada la de introducir la tecnología en un espectáculo de estas características, pero que sin duda ha dado un genial resultado en Eufòria.

El sábado 28 de mayo en el Teatre Auditori de Xirivella a las 22:30 horas. La entrada se puede adquirir por 4 euros.

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Las obras ganadoras de los Premios de Literatura Breve, reunidas en un libro La concejalía de Juventud ha celebrado un año más la entrega de los galardones de la XIX edición de los Premios de Literatura Breve, un certamen literario que pretende fomentar la creación literaria entre los más jóvenes. Además, en el acto se ha presentado también el libro Somriures blaus, editado junto con la editorial Bromera y que incluye las seis obras ganadoras del certamen, en cada una de sus distintas categorías.

El libro lo componen las seis obras de los jóvenes seleccionados por el jurado. A saber, Marcos Morales, premio narrativa en valenciano por Què passa quan els gossos s’atreveixen a somiar; Eva Crespo, premio narrativa en castellano por La dama y el poeta; Sara Yousfi, premio poesía en valenciano por Vesprades de blaus somriures; Álvaro Álamo, premio poesía en castellano por Los cinco sentidos; Isabel Martínez, premio autor local por El eterno invierno y Irene Pérez, premio autor jove con Vident.

El concejal de Juventud, Jaume Bronchud, que fue el encargado de presentar el libro, destacó “la labor de estos jóvenes que apuestan decididamente por la cultura como vehículo de comunicación y por la palabra como arma para reivindicar su lugar en la sociedad”.

M-Clan posa el ritme a la cita anual del Sona la Dipu El grup musical M-Clan tancarà el concert de la segona semifinal del concurs provincial ‘Sona la Dipu’ Pop-Rock 2011, que es celebra el proper dissabte 14 de maig en el Parc de La Canaleta de Mislata. Els grups novells Gipsy Casino, Ron Jinchico i Remache es disputaran en aquesta cita, que començarà a les 23 hores, el seu dret a estar a la final del certamen musical.

Un total de 18 grups novells opten a guanyar el premi en aquesta edició de 2011 que consisteix en l’enregistrament d’un disc per part de cadascun dels tres grups guanyadors i la realització de concerts, bé de manera conjunta o individualment, per a l’any 2011. A més, els 15 grups finalistes no guanyadors compondran el denominat “Circuit de la Tardor”, en el qual es realitzaran concerts en les millors sales de València i província.

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Lluís Roda al Maig Literari Després de tot un mes dedicat a la literatura, el Maig LIterari arriba al seu punt final amb el lliurament dels premis de poesia Camí de la Nòria que tindran lloc el proper dimecres 25 de maig, a partir de les 19 hores al Centre Cultural.

D’altra banda, eixe acte també servirà per tal de donar el reconeiximent merescut al poeta valencià Lluís Roda (una persona molt lligada al nostre poble).

Lluís Roda (València, 1961) és autor de poesia, novel·la, assaig i crítica literària. És llicenciat en filologia i té el Diploma d’Estudis Avançats en filosofia. Ha rebut premis destacats com són: el Premi Vicent Andrés Estellés de poesia per Sobre l’hamada, al 1989; el Premi de la Crítica dels Escriptors Valencians per Buirac d’amor, al 1998; el Premi Joan Maragall d’assaig per Sobreviure a la contemporaneïtat, al 2001 i el Premi Ibn Hazm-Ciutat de Xàtiva de poesia per De l’ànima, a l’any 2006. El 2010 va guanyar els Jocs Florals de Barcelona pel poemari, Nadir. Ha publicat també els poemaris El subratllat és meu (1987), La fi de l’hemicicle (1988) i Elogi de la llibertat (2001).

I Elvira Lindo va ser la premiada L’escriptora Elvira Lindo va visitar Picanya per rebre el quart Premi Llig Picanya. Maig literari 2011 per la seua novel·la Lo que me queda por vivir. Elvira Lindo és escriptora, columnista i guionista de ràdio, televisió i cine. Entre les seues obres destaquen Una palabra tuya, premi Biblioteca Breve, la sèrie ‘Manolito Gafotas’ i les recopilacions dels seus articles en El País. Junt a Elvira Lindo participà el mestre violinista Vicente Balaguer Doménech, i el jove pianista Antonio Galera López.

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La Rajoleria plena d’exposicions Al llarg del mesos de juny i juliol el Museu de la Rajoleria acollirà un grapat d’exposicions per a que tota la població gaudisca de diferentes propostes artístiques. La primera proposta arribarà amb la mostra de l’Escola d’Adults de Paiporta on es presentaran les creacions que es fan al llagr de l’any. Del 15 al 29 de juny serà el torn de la exposició L’Art de la seda: nuno matrimoni entre llana i seda amb els treballs realitzats per Eva Escamilla per mitjà de l’ancestral tècnica japonesa nuno, què unix la seda i la llana (imatges de dalt). Les propostes culminaran al mes de juliol amb la proposta de Diego Roldán i José Garcés, unes pintures vista a través dels ulls d’estos dos artistes autodidactes.

Arte, arte y más arte...

Los aguafuertes, colografías y las serigrafías de José Vicente Vergara serán los protagonistas de la muestra Estampaciones que se puede visitar en la Sala C o Cafetería Les Arts de la Casa de la Cultura. Paralelamente a la exposición de Vergara, del 16 al 27 de mayo, en la sala A de se expondrán los trabajos de los alumnos de los Tallers de Restauració de Mobles i Ceràmica de l´IMCJB. Del 30 de mayo al 10 de junio, en la sala A de la Casa de Cultura estarán las obras de los alumnos de los Tallers de Terrisseria i Dibuix i Pintura. Esos mismos días también se expondrán los trabajos de los alumnos del Taller de Fotografia del l´IMCJB. PREMIO JUVENIL VICENT ANDRÉS ESTELLÉS El I Concurso de Poesía Juvenil Vicent Andrés Estellés continúa su marcha hasta el próximo 30 de mayo. Esta es la fecha límite que ha marcado la organización para entregar los poemas que concurran al concurso y en el que los tres ganadores van a tener la oportunidad de asistir, en el mes de octubre en Valencia, a los XL Premis Octubre. Cabe recordar que, una vez recogidos los originales que participarán en el concurso, los interesados en votar los mejores poemas podrán hacerlo, del 3 al 17 de junio, a través del blog del Espai Jove http://lespaijoveburjassot.blogspot.com y el veredicto final se conocerá el 23 de junio en el mismo blog y en la web municipal.

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Els rostres de la guerrilla antifranquista Paterna acull al seu espai cultural de Les Coves del Batà l’exposició El legado de la guerrilla (1942-1952), del fotògraf documental Juan Plasencia. La mostra recull un total de 57 rostres d’aquelles persones que van patir la repressió franquista i lluitaren per les llibertats i la democràcia. Es tracta de la guerrilla antifranquista; els seus hòmens i les seues dones, són la més humana sal de la terra, de la llum i del temps, a pesar de la història, explica el propi autor.

Aquesta exposició, que estarà oberta fins al dia 27 de maig, està organitzada per l’Ateneu Republicà de Paterna, col·labora la Plataforma de Burjassot per la III República i patrocina el ministeri de Presidència.

La coreana Yedam Kim gana el Premio Internacional Pianístico La primera edición del Premio Internacional de Piano de Paterna ya tiene ganadores. La coreana Yedam Kim convenció a los siete miembros con su interpretación final de la Fantasía Cromática y Fuga en Re menor BWV 903, de J.S. Bach, La terrasse des audiences au claire de lune, de Debussy y Cuadros de una exposición, de Mussorgsky. Esta coreana de 22 años disfrutará de tres conciertos a cargo del Instituto Valenciano de la Música y una actuación en Kerkrade (Holanda) por la Fundación Euriade, así como de los 8.000 euros del primer premio. El segundo premio, elegido por unanimidad del jurado y dotado con 4.000 euros fue para Ilya Rashkovskiy, el más veterano de los cuatro, mientras que el tercero, con 2.000 euros de premio, recayó sobre Antonii Baryshevskyi. Por su parte, el español Enrique Lapaz Lombardo recibió el premio especial al mejor pianista nacional y Marina de Lucas el de mejor intérprete de compositores españoles.

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Castillo critica els grans eventos valensianos L’irreverent còmic Xavi Castillo torna a l’escenari del Molí de Vila amb un dels últims espectacles de la companyia Pot de Plom. Es tracta del monòleg Hamlet? Això ho pague jo!, que es podrà veure el divendres 20 de maig a les 22:30 hores a l’auditori municipal.

Aquest monòleg naix a partir d’una idea de Xavi Castillo que va anar creixent al llarg de diferents actuacions on l’actor, mitjançant les seves improvisacions, va anar arredonint una història que ja te entitat pròpia com a monòleg. A Hamlet?, Això ho pague jo!, Xavi ens explica l’última aventura del Capità Moro d’Alcoi que decideix pagar ell solament l’últim gran “Evento Valensiano“: la superproducció teatral Hamlet. El seu personatge aconsegueix el beneplàcit dels governants per tirar endavant aquest macroprojecte cultural, però veurem si se’n surt o les ombres de corrupció i els grans esdeveniments esportius que planen per les terres valencianes ho fan impossible.

Castillo basa els seus muntatges en la crítica política i cultural, per una banda, i en l’humor per l’altra. Aquest fet fa que els seus muntatges siguen un èxit perquè fan gaudir a l’espectador a l’hora que la reflexió acompanya les rialles. El dia 20 a l’Auditori Molí de Vila, Xavi Castillo presenta Hamlet? Això ho pague jo! amb entrades que es poden adquirir per 4 i 5 euros.

La música de Queen at Quart

I si guanya el teu curtmetratge?

Malgrat el temps que queda per a la data, ja cal quedar-se amb els dies. L’1 de juliol i el 2 a les 21 hores, el Cor Virelai de l’Orfeó Veus Juntes de Quart de Poblet porta a escena l’espectacle Queen at Quart. A aquest concert, les veus interpretaran obres de Freddie Mercury, Brian May, Roger Taylor i John Deacon amb els arranjaments de Javier Sanmartín, Víctor González i la direcció de Jordi Blanch. Entrada amb invitació.

Ja estan publicades les bases del XXVIII Concurs de Curtmetratges. Fins al dia 31 de maig tenen de temps els participants per a fer arribar les seus obres (un màxim de dos) a la Casa de Cultura. Les obres, que deuen ser posteriors a l’1 de gener de 2010 i que no poden excedir els 25 minuts de durada, podran competir en tres categories: ficció, animació i documental. Tota la informació, a la web de l’Ajuntament.

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Un fotoperiodisme combatiu El Centre Cultural La Nau de la Universitat de València ha acollit el I Festival Internacional de Fotoperiodisme a València PhotON Festival. Dins d’estes jornades s’han presentat dues exposicions en aquesta seu, Haití, les ferides del terratrèmol (2010).

Fotografies de Gorka Lejarcegi i Cristóbal Manuel i Violència de gènere. Fotografies de Walter Astrada que es poden visitar fins al pròxim 5 de juny.

La primera d’elles és un resum del treball que van dur a terme per al diari El País els fotògrafs Cristóbal Manuel i Gorka Lejarcegi.

Les imatges, realitzades els dies següents a la tragèdia, mostren les situacions d’angoixa i desesperació que es van viure després del terratrèmol d’Haití: el plor dels ferits als hospitals, els saquejos a les botigues, la violència que imperava als carrers, l’èxode dels haitians que es van amuntegar en vaixells amarrats al port... A poc a poc va començar a arribar-hi l’ajuda institucional, però el repartiment d’aliments es realitzava de forma tan caòtica que les imatges recorden més la repressió que una acció humanitària. S’hi exposen una vintena de fotografies.

El caos i la destrucció es van convertir en l’escenari quotidià. Cristóbal, que es va quedar més temps a Port-au-Prince, va aprofundir més el treball fins a trobar els més desafavorits: un grup de malalts mentals que continuaven tancats a les habitacions del manicomi municipal. Són les mirades tristes i desesperades d’aquells en qui ningú es fixa ni pels quals es fa res.

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violència de gènere A l’altra exposició, Walter Astrada analitza la violència de gèneres en imatges en tres països diferents: l’Índia, el Congo i Guatemala. “La idea és mostrar que la violència de gènere és un patró que es repeteix en tots els països, amb independència de la realitat social, política o geogràfica, per això he triat tres països ubicats en continents diferents i espere incorporar-ne un altre, d’Europa”, explica Astrada. “Malauradament, la violència de gènere és encara el denominador comú, un patró que es repeteix independentment que el país siga ric o pobre”, matisa.

A Guatemala, el fotoperiodista denuncia en imatges el flagell de la violència masclista, que provoca la mort de 700 dones cada any, amb l’agreujant de la impunitat, ja que moltes morts ni tan sols s’investiguen. Les imatges de la República Democràtica del Congo mostren que la dona s’utilitza com a moneda de canvi en situacions de guerra i conflicte. Desenes de milers de dones pateixen aquests abusos flagrants anualment.

De l’Índia, Astrada rescata l’anomenat avortament selectiu. La interrupció de l’embaràs es pot provocar al país asiàtic en qualsevol mes de gestació i sense causa mèdica justificada, el que provoca molts avortaments femenins. Es calcula que 40 milions de xiquetes han deixat de nàixer a l’Índia per aquesta pràctica. Aquesta circumstància ha provocat un desequilibri en el naixement entre el nombre d’homes i dones i ha comportat un tràfic de dones i altres abusos.

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A la imatge superior una instantània de Gorka Lejarcegi després del terratrèmol d’Haiti i baix, una fotografia de Walter Estrada, ambdues es podren visitar fins al 5 de juny a la Nau.

Observatori rinde tributo al error como motor artístico Hasta el 29 de mayo la Sala Atarazanas de Valencia acoge una nueva cita anual con el riesgo artístico y los sonidos experimentales como eje diferenciales: Observatori 2011.

Este festival, que cumple ya doce ediciones, se ha transformado en una plataforma de ámbito multidisciplinar que se nutre de artistas que desarrollan entornos audiovisuales asentados en las nuevas posibilidades tecnológicas y sonoras.

El grupo de artistas reunidos en Observatori 2011 [por error] pone en evidencia la posibilidad de la equivocación en su práctica y aprovecha los accidentes a su favor.

Hay, sin embargo, diferencias entre los que asumen los fallos humanos como una parte integrante de su proceso de trabajo y los que se han interesado por los resultados obtenidos a partir de los errores técnicos de ordenadores, impresoras u otras máquinas habituales en el ámbito artístico.

En [por error] se integran creadores preocupados por cuestiones como la distancia entre lo esperado y lo obtenido o el fracaso como elemento consustancial a la creación, con aquellos que utilizan los fallos técnicos e informáticos como materia prima para sus obras. Artistas como: Ignasi Aballí, Bonifacio Barrio Hijosa, Julien Bismuth, Arcángel Constantini, Arturo Fuentes, Fermín Jiménez Landa, Karl Klomp, Iñaqui Marín (imagen de la izquierda) y Ariadna Parreu entre otros.

También hay representantes del movimiento glitch art que desde mediados de los noventa viene aprovechando los contratiempos provocados por errores en el software y hardware informático para crear piezas de música y arte digital. Esta estética y su mucha teoría acompañante estarán representados a través de los trabajos de la joven artista holandesa Rosa Menkman (imagen inferior), entre otros.

El MuVIM recupera a Émile Savitry y homenajea al artista gráfico Max Dos nuevas propuestas de producción propia y con toque de nostalgia se asoman al MuVIM. Panóptica 1973-2000 es la primera retrospectiva de MAX (Francesc Capdevila), Premio Nacional de Cómic 2007.

Vertebrada en cuatro bloques temáticos, la Panóptica de la obra gráfica de MAX, producida por el MuVIM y comisariada por Marta Sierra Cussó, muestra la evolución de su trabajo, a través de 120 piezas originales, atendiendo a un riguroso orden cronológico: años 70, años 80, años 90 y 2000.

Su obra atraviesa esos cuarenta años para viajar desde la Barcelona underground y libertaria de los 70, que desembocó en la fundación de la mítica el Víbora, la revista que reinventaría el cómic en la España de los 80 hasta el nuevo siglo.

Max ha querido titular su exposición Panóptica y en ella se ven sus fuentes, sus estímulos, los códigos que nos ayudan a comprender el fondo de una obra que es algo más que dibujos bien hechos. Las marcas, las huellas que va dejando a través de sus dibujos, escarban en las emociones y construyen nuevas atmósferas. Las fuentes de inspiración: sabios, brujas, ninfas, o bien guerra y muerte, nos sumergen en algún lugar oscuro, que es también uno de los lugares del todo en la obra de Max. Max es autor de cómics e ilustrador, con una veintena de álbumes de cómics publicados. Es el creador del personaje, Bardín el Superrealista y actualmente realiza ilustraciones para el New York Times y de El Pais.

La otra propuesta es la primera gran exposición de fotografías de Émile Savitry. Las 82 imágenes expuestas, procedentes de la colección familiar y reproducidas para la ocasión, reavivan las llamadas «horas candentes» de Montparnasse, periodo de referencia entre las dos Guerras Mundiales cuando artistas e intelectuales de todo el mundo se reunían en los cafés de este barrio parisino.

La muestra permite descubrir el trabajo prolífico y poco conocido de este fotógrafo humanista francés, siguiéndolo paso a

paso en su recorrido. Con él nos dejamos atrapar por las noches de Pigalle, llevados por el swing de las primeras notas de jazz; nos introducimos en los estudios de los artistas para descubrir modelos de contornos armoniosos; recorremos las calles llenas de poesía; asistimos a los rodajes de cine en blanco y negro, y volamos con las palomas de las marionetas de Yves Joly al son de la guitarra de Django Reinhardt… con letra de Jacques Prévert.

La exposición Émile Savitry, un fotógrafo de Montparnasse contempla varios temas retratados por Savitry en el París de los años 30 y 40, destacando especialmente los cabarets y clubs nocturnos de los barrios de Pigalle, SaintGermain-des-Prés y Montparnasse. Junto a él encontramos el medio artístico, las academias y los estudios de los artistas; el mundo del espectáculo, actores, clowns, prestidigitadores y escenas de calle del París de esos años junto a rodajes de películas, retratos de sus amigos o conocidos, intelectuales y artistas del momento. Además hay un grupo de fotos sobre los refugiados españoles en Perpiñán tras la caída de Barcelona en 1939.

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© García Poveda. Cortesía de Fira del Llibre.

“Hace falta un organismo con dirigentes con cojones”

Dominique Lapierre es de aquellos escritores que llegan, que saben vender y que hacen un tipo de literatura que, como Gardel, cada día que pasa parece mejor. Ahora, presenta la Biblioteca Lapierre, una nueva edición de sus inmortales obras que publica Planeta. ¿Cuál es la clave de su éxito? Yo creo que la fuerza de mis libros es que pueden interesar a todos los públicos, es un mosaico de acontecimientos organizados para que interese a todos los tipos de gente. Un best seller no se escribe, se escribe el mejor libro que puedes, pero hay algunas reglas. Las básicas son que el tema sea internacional, que pueda interesar a un médico de México, a un industrial de Japón o a un obrero de Inglaterra. La segunda regla es que debe ser contemporáneo, mi fuerza de escritor es de hacer entrevistas, si yo escribo de Hernán Cortés, que

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es una gran historia, no puedo hablar de ese tiempo porque sólo puedo trabajar con archivos o con libros ya escritos, que sea contemporáneo es mi fuerza.

Ahora que ha salido la biblioteca Dominique Lapierre, ¿reescribiría algo? No, es muy interesante lo que planteas, porque a veces yo leo un libro de los míos y pienso cómo lo haría hoy y, aunque a veces hay cosas marginales que cambiaría, la esencia no, eso quiere decir que este libro está hecho para la eternidad.

Cuando pienso en Arde París, pienso en por qué no se liberó otras capitales del mismo modo como Bagdad… Porque yo creo que no era una ciudad importante como París, que era el símbolo de la civilización, es un símbolo de la cultura mundial y en aquel tiempo El Metropolità Maig-Juny 2011

era el símbolo de la libertad. Recuerdo que un los soldados norteamericanos, que no conocían nada de esa guerra, cuando llegaron a París y pudieron ver la torre Eiffel, era como si encontrasen la razón por la que luchaban en esa guerra, muchos soldados esa noche escribieron a sus familias para contarles que la guerra había terminado porque se había terminado en París.

La ciudad de la alegría fue algo más que un libro, ¿no? Fue un proyecto personal, descubrir que en un barrio de nuestro planeta se encuentra el infierno. Y allí se pueden descubrir y encontrar héroes, gente que no tiene nada, pero que parecen tenerlo todo, porque tenían la capacidad de sobrevivir a las adversidades, de quedarse de pie, de agradecer a Dios, en un sitio donde Dios ha dejado de lado a sus niños, de compartir con más pobres, esos héroes eran para mí los superhombres de nuestra humanidad. ¿Quedó muy tocado de esa visita? Sí, yo le dije a mi esposa, “yo tengo que ser la voz de esa gente sin voz, tengo que escribir su aventura de supervivencia”. Fue una investigación muy difícil, pasé dos años con las ratas, con las cucarachas, la mierda… en un barrio de chabola de Calcuta que se llama La Ciudad de la Alegría. Mis editores me dijeron que estaba loco por escribir una historia de leprosos que no iba a leer nadie y yo les conteste que no me importaba porque tenía que ser la voz de esa gente. Hoy, más de 50 millones de personas han leído la historia y yo he recibido 250.000 cartas, es un libro de culto que ha cambiado la vida de mucha gente.

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Y El Quinto Jinete fue un libro premonitorio. Sí, porque tomé a una persona que tiene todo el dinero del mundo, que es a la vez fanático y a un Occidente que le vende las tecnologías más peligrosas, algo que sigue sucediendo. Por ejemplo, hay ahora en Pakistan cinco centros donde hay más de 60 bombas atómicas en miniatura en manos del gobierno paquistaní. Si hay una revolución en ese país y caen en manos de AlQaeda, pueden usarla para estallarlas en el centro de una ciudad, es la cosa más fácil del mundo y eso es muy peligroso y tenemos que tener mucho cuidado.

Gadaffi es el mismo loco que hace treinta años cuando Chirac le visitó para venderle una central nuclear ¿Es el mismo Gadaffi el de ahora que el que usted habla? Sí, es el mismo, está loco, ¿qué puedes hacer con un loco? Este hombre realmente es una tragedia total y yo creo que las potencias occidentales deben bombardear a Gadaffi con todas las fuerzas que se pueda porque hay gente que es mala en este mundo, y debemos tener la fuerza para que desaparezcan esos vehículos del daño.

Quizás el problema es quién decide quiénes son los malos... La ONU o un organismo similar, pero con jefes que tengan cojones. El problema de la ONU es que muchas veces sus responsables no los tienen. Por ejemplo es lo que pasa en Costa de Márfil donde hay miles de muertos y no se interviene pese a que hay 10.000 soldados de la ONU allí.

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“He aplicado a la literatura mi cabeza de ingeniero” Tras el éxito de Cuarta Planta y su reconocimiento como guionista, Albert Espinosa se ha colado en la lista de los más vendidos con su nueva novela, Si tú me dices ven, lo dejo todo, pero dime ven, un libro sin artificios que, hasta el momento, está teniendo una gran aceptación entre todos los públicos, desde los más jóvenes a los octogenarios.

Menudo éxito en Sant Jordi, ¿no? La verdad es que sí, yo creo que he llegado a firmar unos 4.200 libros, porque eran las camisetas que teníamos y se agotaron, fue muy bonito, un día genial y muy intenso. ¿Te sorprendió algo que te dijesen de esta novela? Me sorprendió una señora de 102 años, que vino y me dijo que este libro le había marcado enormemente y me emocionó que le interese algo que pueda escribir yo.

Tú tienes una relación muy intensa con las personas mayores… Sí, me gustan mucho, de hecho el título del libro me lo dio una mujer mayor en la panadería. Creo que hay una sensación de admiración, en el hospital cuando yo estaba ingresado de pequeño solo estábamos los niños con enfermedades largas y la gente mayor y se terminan convirtiendo en tus amigos, desde los 13 o 14 años he tenido amigos de 80 y pico años. ¿Eran como tus abuelos? Más que nada era como tener amigos grandes, tenías la sensación de cercanía, noto que la gente mayor se acerca a mí, me cuentan muchas cosas, al igual que los niños.

Hablemos de esta historia… de Dani, ¿quién es? Es el gran prota, el que busca niños perdidos, al que deja la novia y el que al principio del libro dice, “cuando crees que conoces todas las respuestas, llega el universo y te cambia todas las preguntas” y creo que Dani se siente así.

La novela arranca con un día un poco extraño… Yo creo que es uno de sus peores días y aparte él se siente culpable por lo que ha pasado y tiene la paciencia de contarnos el porqué y por eso tiene un final feliz, porque ya la gente no tiene paciencia ni para contarte, hoy la gente no intenta entender porqué la gente hace lo que hace, a mí me gusta esa sensación de búsqueda y de intentar explicarte qué es lo que le marcó en la vida.

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Eres dramaturgo, guionista, novelista... ¿es todo un poco lo mismo? Yo creo que sí. A mí me gusta escribir, yo empecé cuando estudiaba Ingeniería, ahí me di cuenta de que me gustaba escribir y el poder de la literatura, he aplicado a la escritura mi cabeza de ingeniero por eso hago tantas cosas. Yo siempre digo que lo importante es tener un buen final, y por eso empiezo por el final, yo escribo finales que merecen una historia, siempre empiezo a escribir el último capítulo. Por ejemplo ayer una chica me contaba una cosa y pensé, aquí hay un final interesante, ahora tendría que encontrar la historia y algún día llegará y se juntarán. ¿Y ser ingeniero te da una visión más general de la novela? Durante siete años, en la facultad, me enseñaron a ser el centro entre mucha gente y a solucionar problemas, además el ingeniero industrial no tiene una vocación clara, y a mí me ha ayudado para llevar mi mundo a mundos que quizás me parecerían muy complicados, pero la ingeniería es tan complicada, que nada me parece más difícil.

Si tú me dices ven lo dejo todo, pero dime ven de Albert Espinosa Editorial Grijalbo. 176 páginas. 15,90 euros.

“La izquierda debe recuperar el espacio público junto al pueblo” Rafael Reig presentó su última obra, Todo está perdonado, ganadora del VI Premio Tusquets Editores de Novela 2010. La obra cuenta, con el fútbol como hilo conductor de los acontecimientos, la historia de España desde la Eurocopa de 1964 que gana España a la URSS, “con los 25 años de paz de Franco y cuando empezaba el movimiento obrero”; hasta la Eurocopa de 2008.

Para el escritor hay un paralelismo entre los dos acontecimientos, “me parecía tan evidente la forma de alienar a las personas, que no veía diferencias entre Zapatero diciendo que teníamos un derecho histórico a ganar y a Franco exaltando el patriotismo español tras vencer a Rusia, me parecía que no había cambiado nada”, señala.

Uno de los temas inevitables del libro es la Transición, a su juicio un proceso político que sirvió “para impedir una revolución, como pasó en Portugal y para descapitalizar a la izquierda, de hecho el PCE era el heredero de la lucha antifranquista, y esos dos objetivos se consiguieron”.

El libro se enmarca en ese proceso de Transición, pero también hay una transición política y vital, el paso de la infancia a la adolescencia y de ésta a la madurez y a la edad adulta o a la vejez, ya que “en toda transición se pierde algo y nos sentimos engañados, hay algo de ilusiones perdidas”.

Sobre la actualidad Reig afirma que “el papel de la izquierda debe ser el de crear conciencia y provocar una transformación radical de la sociedad, no se hace de un día a otro”. “Para ello –apunta– la izquierda debe recuperar la presencia en el espacio público del que fue expulsada al igual que lo fue el pueblo, Debemos movilizar a la gente, hay que tomar las calles, las universidades, la literatura, las novelas, los teatros… si tenemos una esperanza de alegría y de lograr un mundo justo, habrá que mojarse”.

Todo está perdonado de Rafael Reig. Tusquets ediciones. 376 páginas. 19 euros.

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Novedades Paul Preston documenta el holocausto español desde 1936 El historiador británico Paul Preston ha presentado su última obra, El holocausto español, un libro que va camino de convertirse en la publicación de referencia para entender las represiones y asesinatos durante la Guerra Civil y la larga posguerra. Se trata de un estenso ejemplar que sintetiza todo lo publicado hasta ahora sobre los “desmanes cometidos por el bando republicano y la represión franquista”. Con estas palabras define el propio Preston su último trabajo en el que plasma una década de investigación sobre las tropelías cometidas durante la Guerra Civil en los dos bandos y en los años de la dictadura franquista.

Sobre este trabajo, el historiador inglés destaca “el coste emocional” que le ha supuesto leer los horrores cometidos en los dos bandos donde mujeres y niños son las grandes víctimas, aunque deja claro que la represión franquista fue al menos tres veces superior “al querer eliminar a quienes no pensaran igual” como se deriva del “plan previo de exterminio” que expone el general Mola en un discurso previo al golpe militar del 36.

Preston quiere dejar claro durante la presentación de la obra en Valencia, que aquellos que se acerquen al libro no encontrarán una “visión sesgada” y quizás por eso esta obra moleste a ciertos historiadores negacionistas. En este sentido recordó que el negacionismo en países como Austria o Alemania es un delito y criticó que no hubiese habido un proceso de “desfranquización porque con 38 años de dictadura y el control de la educación y los medios de comunicación había un gran apoyo sociológico del franquismo y eso es parte del problema”.

Respecto a los motivos por los que la República perdió la guerra, el historiador señala directamente a la no intervención de Inglaterra y Francia y a que el bando nacional ayuda Italia y Alemania, lo que hizo que la República tuviese que aceptar la ayuda de la URSS, algo que motivó el recelo de las potencias europea. A su juicio, “la guerra se perdió en Londres, por la falta de apoyo y porque no se pudiese haber un uso libre de la riqueza soberana”.

Preston también se refirió a los “estudios modélicos” sobre las víctimas de la Guerra Civil en la Comunidad Valenciana destacando el libro de Vicente Gabarda que “dio la pista a investigadores de otras provincias y regiones de cómo habría que hacer el trabajo”.

El holocausto español de Paul Preston. Editorial Debate. 768 páginas. 29,90 euros.

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“Esta novela es más real que un zapato” salva almenar / Con la mordacidad que le caracteriza, Abelardo Muñoz nos cuenta los secretos de su último libro, Macabro. Se trata de una historia a medio camino entre el thriller y la novela negra donde un asesino en serie de ancianas se ve atrapado en su desesperación de pobre diablo solitario, reprimido y marcado a fuego por una infancia cruel, cuya pulsión enfermiza le conduce una y otra vez hasta el crimen en una espiral demente y vertiginosa. En otras palabras, Abelardo Muñoz en esencia.

Tu último libro titulado Macabro, ¿lo es tanto como el mundo y el momento que estamos viviendo? No hay que pasarse. El mundo que vivimos es injusto y violento, lo que por otra parte es consustancial a la historia. Macabro remite a la muerte, a lo cutre. Macabros eran Franco y Millán Astray, Videla y Himmler; macabro es también Guantánamo y por descontado, macabra es la Iglesia y sus secuaces. Una procesión sevillana de Pascua también es macabra.

El estilo muñociano si por algo se reconoce es porque en ocasiones el lector no sabe dónde está la barrera entre lo real y lo ficticio. ¿En qué lado se encuentra esta historia? Me ruboriza que mis lectores hablen de un estilo con mi apellido. Es un honor que me pone muy alto el listón y lo agradezco por el estímulo que supone. Toda mi vida literaria y profesional tiene ese objetivo: lograr un estilo. Esta novela camina a caballo entre las dos cosas, pero mayormente es más real que un zapato.

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Se trata de un libro que está a medio camino entre el thriller y la novela negra. No me cabe pensar otros géneros en los que Abelardo se encuentre más a gusto... Pues te equivocas. Para empezar no creo en las etiquetas de género. Para mi Chandler es tan importante como Faulkner, son escritores a secas. La novela, desde los tiempos de Cervantes y Shakespeare, es negra, todo es thriller. Madame Bovary es un thriller amoroso y al final hay una muerte. El gran Sade era un escritor de thrillers y algunos textos del gran Lenin son thriller políticos. Hay que desconfiar de los críticos y del mercado, amigos.

En el libro de relatos publicado con Editorial Cocó (Gas ciudad, 2010) veíamos a un Abelardo más próximo al que conocemos a través de la prensa. Ahora has traspasado esa frontera y te has enfrentas a una novela. ¿Era un reto escribir un libro así?

Desde luego. Componer un relato largo con personajes es arduo. Este lo escribí en tres meses en tierra de infieles. En Gzenaia, un pueblito campesino rodeado de bosques de carrascas a quince kilómetros de Tánger, una ciudad de novela negra. Entre enero y marzo de hace unos años, con un invierno atlántico de mil demonios. El caid (alcalde) del pueblo me llamó a capítulo un día para preguntarme por qué se me veía merodeando por el bosque al atardecer todos los días. “Escribo una historia, señor, y para escribir hay que pensar y el bosque me relaja”. Después de esta sencilla explicación, me dejó en paz.

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En una comparativa con el Doctor Jekyll y Mister Hyde, ¿qué tiene Abelardo Muñoz de periodista y qué de escritor? Hoy en día, ¿en qué perfil se encuentra más cómodo? Los considero indisolublemente ligados entre sí. Ahora bien, por el momento me considero periodista ante todo; me gusta ese trabajo, a él le debo que ahora pueda escribir novelas y cuentos y no por lo que he visto trabajando, que también, sino porque el periodismo te da una disciplina de trabajo con el lenguaje y la escritura que es impagable a la hora de redactar bien. Muchos periodistas cometen el error de creer que con tener una información basta, creo que redactarla bien y buscar la innovación en el castellano, o el idioma que sea, es tan importante como la información a secas.

García Márquez dejó sentado que el periodismo es un estilo literario más. Pero eso no se lo digas a un redactor jefe porque te despide.

Bueno, seamos claros. ¿Por qué debemos leer Macabro? Es entretenido, se lee de un tirón mientras te alivias en el WC, es mórbido, sexual y sobre todo, es corto.

Hace poco más de un mes que salió a la calle este libro y pese a su reciente publicación, creo que ya tienes alguna idea más para seguir engrosando tu bibliografía...

Sí. La crisis del mercado de los medios me ha puesto en alerta. De pronto me he dado cuenta de que tras 30 años en este bendito oficio tengo una válvula de escape: la literatura. Nunca me la tomé muy en serio (leerla El Metropolità Maig-Juny 2011

Macabro de Abelardo Muñoz.

Editorial Cocó. 154 páginas. 13,50 euros. por supuesto no, eso es vida) pero ahora, y siempre gracias a vosotros, mis queridos colegas y otros amigos que me achuchan, me he propuesto darle caña a los relatos de ficción. He encontrado una piedra filosofal en forma de editor marchoso. Eso, para un narrador, es como si se te apareciera la Virgen. Y el editor achucha, de manera que para final de año se podrá leer una nueva obra que, si sale bien, será algo así como como Las confesiones de un comedor de opio de Tomás de Quincey en versión ibérica. Deseadme suerte, amigos.

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“El escritor contemporáneo es creador” En 1960, Borges publicó El hacedor, un libro en el que se cruzan diferentes géneros. Hoy, medio siglo después, Agustín Fernánez Mallo ha realizado un remake de esta obra conservando el orden y títulos de los cuentos, poemas y falsas citas del original, pero transfomándolos en su visión personal.

Con este libro, ¿entederemos más a Borges? No diría tanto, al final es una visión muy personal de un libro muy concreto de él, no sé si ayuda comprender más a Borges o a mí. ¿Qué te atrajo de El hacedor? Muchas cosas. La primera vez que lo leí era muy joven y me atraía que pudiese hacer relatos que me emocionaban con temas o materiales que no eran muy de la literatura como las matemáticas o la metafísica, a mí me interesaba porque pensaba que en las ciencias había una poética, pero pensaba que era imposible llevarlo a un relato o a un poema y con 20 años descubro que alguien lo ha hecho. Entonces me dio alas para desarrollar todo mi mundo poético y de las novelas. ¿Cómo es este remake? Lo que hice fue coger cada cuento de Borges, conservar el título y escribir lo que a mí me sugería, entonces al final es una especie de espejo distorsionado o deformado del de Borges. Yo me quedaba con la idea que más me seducía y reescribía ese cuento.

Ahora con Internet han aparecido nuevos formatos, ¿la literatura sería como un ‘Aleph’ donde caben todos ellos? Sí, yo lo que veo es que el escritor contemporáneo es un creador que tiene a su disposición muchas herramientas con muchos lenguajes y va usando lo que ve que va necesitando y eso es algo que las artes visuales lo tienen muy claro, pero sin embargo la literatura no lo tiene tan claro, pero yo lo hago de forma natural por mis propios referentes, porque no vengo de la cultura literaria ni academicista, para mi ese tipo de mezclas son normales, he crecido con ellas y en mi cabeza se mezclan.

La aparición del ebook puede hacer que aparezcan nuevas formas de leer… Con el ebook normal no, porque es una especie de fotocopias, pero luego está el asunto de las tablets que sí que da más posibilidades, por ejemplo nosotros vamos a sacar una versión para iPad con unos vídeos caseros, eso ya el escritor tiene que manejar otras referencias u otras herramientas, yo prefiero hacerlo, tipo artesanía de la imagen.

El hacedor (de Borges), Remake de Agustín Fernández Mallo.

Alfaguara. 264 páginas. 18,50 euros.

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La ‘pasión’ de Cayetana, final feliz para la programación de danza La temporada de danza está llegando a su final y durante este mes de mayo, como si de una mascletà se tratase, llegará el momento de los espectáculos de más renombre con tres citas obligadas que ningún amante de la danza debe perderse.

Así, los días 20 y 22 de mayo llega al Teatro Principal la obra Cayetana, su pasión de la compañía de Cecilia Gómez. Se trata de un homenaje a la figura de la Duquesa de Alba y a su gran afición por el baile flamenco. En este proyecto, Cecilia Gómez está respaldada por un elenco extraordinario de bailarines y músicos y además, cuenta con el apoyo y la colaboración especial de Antonio Canales, Jesús Quintero poniendo voz a los poemas de Pascual González y Diego Carrasco, Antonio Gallardo y José Jiménez “El Viejín”, entre otros, en la música y letra, mientras que el vestuario corre a cargo de los prestigiosos diseñadores Victorio&Lucchino. Todo ello para configurar un espectáculo flamenco lleno de sensibilidad con un recorrido de siete actos que reflejan una vida llena de arte como es la de la Duquesa de Alba.

En el primero de los actos aparecen soleás y soleás por bulerías, es el primer encuentro de Cayetana con el baile flamenco. A continuación la zambra y los tangos dan paso a tres poemas que nos acercan a la figura de Cayetana como mecenas de las artes. El

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acto tercero es un homenaje de Cayetana por el mundo del caballo. A continuación llega el intermedio con un homenaje a la Semana Santa con la voz en off de Juan Manuel Martín Jiménez, capataz del Santísimo Cristo de la Salud de la hermandad de gitanos de Sevilla. El acto cuarto es el momento para la aparición de las alegrías, en el quinto (dedicado a los toros) las bulerías, en el sexto (dedicado a la pintura) el tanguillo que hace que sus cuadros favoritos cobren vida y la obra termina con una alabanza a la propia Cayetana con seguiriyas.

Por otro lado, el Teatro Rialto acogerá del 27 de mayo al 5 de junio el espectáculo Desalmados de Ananda Dansa. Esta última creación de la compañía valenciana arranca de unas palabras surgidas en la sala de ensayos y que se han convertido en el lema del espectáculo: “Expulsadme de mi patria de mantequilla y dadme un poco de ilusión”.

Y es que ninguna otra frase expresa mejor el espíritu de Desalmados, un espectáculo que busca contagiar paz, ilusión, valor y coraje a través del lenguaje de la danza.

Finalmente, la sala Carme Teatre presenta los días 28 y 29 de mayo la obra Disculpe caballero de la compañía Zigzag Danza, bajo la dirección escénica y con coreografía de Ramón Oller, una pieza que ahonda en la figura del hidalgo más célebre de la historia, Don Quijote de la Mancha.

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El musical Hair llega al Olympia para esparcir el dulce sabor de los 60 Tras su éxito reciente en Londres y Broadway (recibió el Premio Tony al mejor revival en el año 2009,) y con más de 70.000 espectadores desde su estreno en Barcelona, el musical Hair Love & Rock Musical dirigido por Daniel Anglès, ha iniciado sus funciones en el Teatro Olympia de Valencia el pasado 12 de mayo donde va a realizar una minitemporada estrictamente limitada de un mes, hasta el 12 de junio.

Julia Möller, Joan Vázquez y Jordi Coll, en los papeles de Sheila, Claude y Berger, encabezan la compañía de este musical que está compuesta por un elenco de 28 artistas, además de 8 músicos sobre el escenario.

Dirigida por Daniel Anglès y traducida al castellano por Roser Batalla y Roger Peña, el espectáculo narra la historia de un grupo de hippies, en el Nueva York de mediados de los 60, enfrentados a una realidad tan nefasta como la de la guerra de Vietnam. Con argumentos que abordan sin censura temas como las drogas, el pacifismo, la ecología, la igualdad racial y religiosa, la defensa del amor y la concordia, el musical incluye en su banda sonora clásicos como Aquarius, Good Morning Starshine o Let’s the Sunshine In. Un musical de los grandes años 60 que no se debe perder.

Del absurdo de Faemino y Cansado al humor andaluz de Los Morancos Decir Faemino y Cansado es hablar de un humor muy particular, de una forma de entender la comedia alejada del chiste fácil y la carcajada salida de la soez.

Con ellos, otra vez en el Olympia, vuelve (aunque nunca se ha ido) el humor absurdo, surrealista e inclasificable de esta genial pareja de cómicos. Si has leido a Kierkegaard, sabrás que tú también puedes negociar con tu médico la fecha de tu muerte. El espectáculo se llama Parecido no es lo mismo y se puede ver del 15 al 19 de junio en el Teatro Olympia, una obra polipondurrítica, absurdo y sin ningún fundamento durante el cual con toda seguridad no aprenderemos calceta ni otras artes marciales similares. En este caso, Carlos Faemino y Javier Cansado llegan con este sexto montaje de esta larga carrera profesional de 23 años con los mimbres de siempre: dos micros y una iluminación que resalte o amortigüe sus personalidades, una carta de presentación genuina que garantiza el éxito de siempre.

Tras el paso de estos cómicos será el turno de otros clásicos en esto del humor, los Morancos, que vuelven a los escenarios Más Morancos que nunca. El dúo, nacido en el genuino barrio de Triana en Sevilla, ofrecerá en el escenario el mejor humor andaluz, los gags más graciosos y un amplio repertorio que seguro hace las delicias de todo aquel que se acerque. La cita en el mismo Teatro Olympia, esta vez del 30 de junio al 10 de julio. Jorge y César seguro que recupean personajes que ya les han hecho famosos como Antonia u Omaita, el Grabié, Ronald Jeremy, Paco, Jossua y una lista interminable.

Todos ellos pasarán por su filtro de frescura, por su gracia personal en las interpretaciones, así como su profesionalidad. En definitiva, los Morancos, pero esta vez... más que nunca.

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“Aprendre a pensar per un mateix és algo que no es treballa a la nostra societat” Els del Camps del Túria han creat un disc sincer, proper i original. En el seu nou treball ens empenten a veure la vida des d’un prisma diferent gràcies al seu “electro hip hop orgànic”.

Fa ara poc més d’un mes que presentareu este nou treball d’estudi. Com va la cosa?

Bé, està tenint molt bona acollida i a la gent li agrada més que el primer, per ara són tot crítiques positives, la veritat és que hem evolucionat molt positivament en quant a música i especialment les lletres i l’estil per a cantar-les.

Segons els Rapsodes, Tot a la vida és rap.

Malgrat això, a OUIEA trobem també altres ritmes com el dance, el rock o, fins i tot, el reggae...

Sí, nosaltres mamem de molts estils diferents i escoltem molts tipus de música diferent. Un fet que ens enriqueix molt musicalment, i tenim la sort que el rap es presta

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molt a fer mescles de diferents estils i que quede bé, així que ho fem...

A una cançó parleu sobre l’adolescència però, en quin moment es troba Rapsodes com a formació musical?

Bé, adolescents nosaltres no som, ja estem tots o per dalt o prop dels 30. Però Rapsodes com a grup encara és quasi un xiquet al que li queda molt camí per fer i molts sons i sensacions per descobrir i transmetre...

Si bé es tracta d’una bona senyal, el vostre primer treball Contes per versos (Mésdemil, 2008) ha deixat el llistó ben alt. Quines diferències musicals i compositives hi ha entre els dos discos?

Al primer disc ens va ajudar en la producció Affkt i Malsum i aquest l’hem produït nosaltres solets amb un resultat molt satisfactori musicalment parlant, molt potent, coherent, i divers. Vam aprendre molt amb el primer treball, i això és reflecteix en aquest.

Hem aprés molt dalt dels escenaris en els vora 200 concerts que portem fets i això és tradueix en més soltura –flow que diguem els raperos– a l’hora de cantar. També hem viscut moltes coses i moltes aventures i hem madurat un poc i les lletres són més El Metropolità Maig-Juny 2011

foto: LA MARTª

OUIEA és el títol del vostre segon treball.

Llegit a l’inrevés sona quasi com la famosa tonaeta vocàlica “A, E, I, O, U”. Té algo a veure?

La veritat és que no, en realitat és una onomatopeia de algo que mola molt. Seria la valencianització del que empren els rappers americans: el famós “oh yeah!” I ens va fer gràcia perque son totes les vocals i el rap és paraula i totes les paraules tenen vocals, i el títol del nostre disc les té totes.

foto: LA MARTª

componiendo con...

Rapsodes consitents i millor treballades sempre mantenint el punt de vista positiu i vitalista que ens caracteritza.

I parlant de lletres, seguiu rapejant bona cosa sobre l’estat polític i social del País Valencià. Tal i com està el panorama, es tracta d’una bona font d’inspiració?

Bé, per idees no serà, perquè, malauradament, raons no falten al País Valencià per

fer critica politico-social. És l’entorn que ens envolta i el qual evidentment queda reflectit a les nostres lletres, encara que això sí, sempre li donem el nostre toc d’humor, tan típicament valencià.

Per ara que és temps electoral semblen molt apropiades els talls de veu de Camps, Ricardo Costa, Rita Barberá i Mònica Oltra amb els quals haveu fet el muntatge de Tot té un mig i dues vores. És la vostra forma particular de fer campanya?

No era la idea fer campanya, simplement ha eixit així, hi havia molt bon material, i massa cosses per a dir, i a voltes millor que les diguen els protagonistes i que cadascú traga les seues conclusions. Aprendre a pensar per un mateix és algo que no es treballa el suficient a la nostra societat ni a la nostra edució.

Altres veus que intervenen al disc són les dels companys de grups com Aspencat, In*Digna o els Orxata Sound System. Sembla que ‘el bon rollo’ és una realitat entre qui vos dediqueu a fer música en valencià...

Sí, ja que som pocs i estem apalejats per governs, institucions, i la majoria de mitjans de comunicació, que hem de fer? Al menys fer amics i gaudir fent la música que ens agrada i fer-la també, per què no, en la nostra llengua.

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“La figura del perdedor és molt recurrent a l’hora d’escriure i compondre cançons” Són la formació de moda a Catalunya. Guanyadors del Premi al grup revelació en 2010, Els Amics de les Arts barregen humor, ironia i sarcasme a unes lletres acompanyades de melodies pop, folk i electròniques que doten al seu disc d’un estil molt particular.

Són el grup revelació de 2010 dins del panorama musical català. Amb el seu àlbum Bed&Breakfast han aconseguit el resó mediàtic –més que justificat, doncs porten més de 25.000 còpies venudes–, però no es el seu primer treball. Els Amics de les Arts porten cinc anys ‘donant guerra’ sobre els escenaris amb les seues cançons a mig camí entre el pop, el folk i la música electrònica.

Fa pocs dies estigueren al Palau de la Música de València i El Metropolità aprofità per a parlar amb aquesta formació nascuda al barceloní carrer Muntaner.

Per a qui encara no vos conega, qui són Els Amics de les Arts?

Som un grup format per quatre amics que vam començar quan erem companys de pis. Ens agradava la música, començàrem a tocar junts i gravàrem dos maquetes; totes dos amb molt bon resultat. I en 2009 tinguérem l’oportunitat de fer el nostre primer disc que és el que ens ha permès donar-nos a conèixer. Hem tingut la sort de que ha coincidit el nostre millor moment musical amb el fet de que la gent ha tingut l’oportunitat d’accedir a la nostra música. I la veritat és que ha respost perfectament.

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El vostre disc Bed&Breakfast vos ha portat a convertir-vos actualment en un referent de la música en català. Què té aquest disc que tant agrada?

No sabem exactament quina és la clau que ha fet que aquest disc tinga l’èxit que afortunadament estem tenint… Són 13 cançons fetes de manera molt honesta, molt sincera; fetes sense cap mena de pretensió i, sobre tot, donant “rienda suelta a la imaginación”. Intentant explicar situacions que tothom haja pogut viure. Situacions com les relatives al món de la parella que, majoritàriament, copen la temàtica de les cançons d’aquest àlbum.

Els vostres temes tenen un caire costumista, parlen d’històries quotidianes, del dia a dia...

En certa mesura sí. Es tracta de posar una lupa en aquelles petites coses que ens poden passar dia a dia; potser siguen coses que amaguem o coses que pensem que som i no som… En definitiva, tractem d’amplificar aquestes contradiccions que tenim tots a la vida quotidiana fent cançons de petits moment o de situacions, a sovint, agredolces.

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componiendo con...

Els Amics de les Arts La ironia i el sarcasme hi són molt presents a les vostres lletres. Penseu que cal restar importància o dramatisme a la vida?

La nostra intenció no és la d’ensenyar res a ningú, més bé diria que les lletres són el reflex de la manera que tenim de pensar i veure les coses. L’humor i la ironia estan sempre presents a les nostres composicions ja que és el terreny on ens sentim còmodes; tractem de traure un somriure a qui ens escolta. Si ho aconseguim és perquè la cançó ha arribat a la gent; molts cops són somriures de complicitat pensant que allò que diguem també t’ha passat a tu.

Els personatges de les vostres cançons són un reflex dels anomenats ‘antiherois’. Sentiu predilecció per les històries que poden sorgir d’aquestes vides?

I tant! És molt més interessant. Si fem una cançó d’algú que viu perfectament, que té

tot allò que vol, que és feliç… seria molt aborrit. La majoria de la literatura es basa en un personatge i un conflicte que l’impedix ser feliç. En aquest sentit, la figura del ‘perdedor’ és molt recurrent a l’hora de jugar amb els temes i compondre’ls.

Les referències cinematogràfiques hi són una constant a l’àlbum. És el disc semblant a una ficció?

Nosaltres concebim la creació del disc com un collage. Per això ens agrada molt farcir les cançons de referències a altres coses: llibres, pel·lícules, sèries… I és que creguem molt en la potència que té el referent de la cultura popular per a explicar i fer arribar els sentiments que intentem transmitir.

D’aquesta forma, pensem que si encertes en el referent i la gent acaba per entendre’l, a nivell de significat, la cançó puja molts però que molts enters.

Portal 2, cruzando paredes Recientemente he tenido la ocasión de jugar a la secuela de uno de los juegos más importantes y únicos de los últimos años, Portal. En realidad, y pese a su glorioso precedente, no las tenía todas conmigo, pues convertirse en secuela de un juego de tales características es una empresa difícil y, por qué no decirlo, arriesgada.

Portal formaba parte de la compilación The Orange Box (Xbox360, PS3, PC, 2007) pero a diferencia de sus hermanos de disco, no era el

plato esperado por los usuarios. La segunda secuela de la secuela de Half-Life -sí, es verdad-, el llamado Half-Life 2: Episode Two se erigía como la razón de ser de tal pack. Entre otros también se encontraba otra novedad, Team Fortress 2 dedicado al multijugador online.

Como un pequeño ratón que se esconde tras los escobazos de una mujer entrada en años, Por-

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tal pasaba desapercibido a los ojos de la gente.

Ni siquiera Valve, la empresa madre del pack de juegos le había dado mucha importancia de cara a promocionarlo con los usuarios, esa batalla ya la tenían ganada con el Episode Two. Nos la habían metido doblada.

No hay otra explicación del conscientemente desapercibido y casi experimental Portal en tal revuelto de juegos que la confianza suprema de Valve con su nuevo producto. Sabían que de ese modo el impacto sería mayor, y vaya si lo fue. Portal se convirtió en ese juego del que todos hablaban, relegando a los demás a, atentos a la consideración, simples juegos excelentes. Portal y su mecánica de “portales” que se abrían paso entre las paredes de los escenarios demostró a una industria encorsetada que hacer algo diferente era posible. Había nacido un mito, al nivel de los iconos de los videojuegos creados en los ochenta.

Fiel a la tradición de Valve de seguir y contratar a cada muchacho que demuestre unas capacidades de programación, escritura o imaginación exorbitantes, contrató a unos estudiantes del DigiPen Institute of Technology, que habían creado una aplicación basada en la utilización de portales interdimensionales.

Para la segunda entrega, Valve se ha topado con el mayor de los peligros: superar el inconmensurable Portal. Ante las dilaciones de usuarios

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y otras empresas del medio, lo han vuelto a conseguir.

Portal 2 reutiliza la fórmula de portales con tales avances en materia de guionaje y desarrollo jugable que lo convierten en un producto casi perfecto. La duración se amplía de manera significativa, pues esta vez se trata de un juego retail (lanzado físicamente y en solitario), el apartado técnico está a la altura del 2011, etc. Pero tales especificaciones no son más que meros apuntes accesorios a la brillantez que posee Portal 2 en cada poro. Esta vez el guion te hará estremecer y reír, los nuevos elementos jugables introducidos -los pigmentos de colores- dan a Portal 2 una profundidad imposible de alcanzar por otros juegos.

Pero, ¿cuál es exactamente la mecánica de los dos Portal? -Diréis. Pues, aunque pueda parecer un recurso aprendido con la experiencia, tendréis que jugar para saberlo, pues cada línea que acompaña este texto queda empequeñecida por la grandiosidad de Portal, así como las puntuaciones y adjetivos de Juego del Año o del Siglo, todo esto resulta accesorio ante Portal 2.

Aún así diré que el juego nos introduce en la piel de la muda Chell, una chica que despierta en un gigantesco laboratorio de pruebas de la empresa Aperture Science -que se utilizará para enlazar a los dos mejores juegos de Valve en el mismo universo, el de Half-Life y Portal-. Gracias a una pistola de “portales” deberemos abrirnos paso por las estancias que a modo de inteligentes puzles se nos van apareciendo. El puzle del Siglo XXI lo llaman, y así es.

Pero no todo Portal 2 es su glorioso sistema de

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juego, tanto la enemiga principal del juego, la maligna e irónica Inteligencia Artificial GLaDOS como la constante base sonora que acompaña el juego dotan a Portal 2 de una personalidad innata, algo increíble tras comprobar que no nos topamos con un ser humano en todo el juego -más allá del propio rostro de Chell-. Portal 2 es GLaDOS, es rompecabezas y un guión perfecta-

Portal y su secuela se han convertido desde ya en el Tetris del siglo XXI mente ensamblado, pero, sobretodo, es “Still Alive” y “Want you Gone” las canciones interpretadas por la misma GLaDOS prestando su voz Ellen McLain. Estas notas musicales cambian la percepción que el usuario tiene del juego al finalizarlo, restando importancia su propio desarrollo, mostrando notas cómicas a la gravedad de los hechos narrados durante su transcurso. Convierten a Portal y su enemiga principal en iconos tecnológicos y nerd. En definitiva, un juego que no creará escuela por que es imposible copiar sus sensaciones y una ya saga que retumbará por los siglos de los siglos en el corazón de la industria del ocio electrónico.

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El E3, ese gran circo americano Fieles a sus principios, eso no se les puede negar. Los estadounidenses, con la lección bien aprendida, ofrecen grandes espectáculos a sus masas, en deporte, en cine y en otros medios. La lógica pregunta es ¿por qué no en videojuegos?

Así fue con la creación del Electronic Enterteinment Expo -E3 para los amigos- en el año 1995, una empresa que cubría las novedades de una industria que por aquel entonces ya poseía un poder notable entre todas las formas de ocio mundiales.

Con la contrapartida del CES y el ECTS en Europa, el E3 se nutrió del buen hacer de los estadounidenses a la hora de programar espectáculos.

Chicas ligeras de ropa, pantallas de trillones de pulgadas y mucho ruido ambiental. Era la marca del E3, ante todo una feria, un espectáculo donde paseaban los desarrolladores más famosos del mundo junto a sus últimas creaciones.

Como los Oscar, pero a lo grande. En la última década, y asentado como la mayor feria del juego a nivel mundial, el E3 se ha caracterizado por presentar de la mano de las compañías las más grandes sus títulos o consolas más punteras. Ha sido el caso de la Nintendo DS en el 2004, por ejemplo.

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La edición del 2011 tiene buen aura, la posible presentación al público de la sucesora de Wii así como la de PSP y otras sorpresas a nivel jugable, como un nuevo Mario canónico, otro Assassin’s Creed o la confirmación jugable de Tomb Raider como candidato a juego del año. Puestos a soñar

El Electronic Entertainment Expo de Los Ángeles es la feria del videojuego más importante del mundo yo quiero un Condemned 3, algo imposible, pero ¿quién sabe? Para los lectores que tengan unos miles de euros sueltos, les emplazo del siete al nueve de junio en el Convention Center de Los Ángeles. Yo podré estar, ya os contaré qué tal en el próximo número.

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¡EL MOTIVO POR EL QUE VALVE ES UNA GRAN COMPAÑÍA! Comentando los pros de una obra del calado de Portal, esperamos haber picado la curiosidad del lector que no conozca a la compañía para que investigue y sepa qué juegos conforman el particular universo Valve. Sin más dilación, y ahorrando tiempo en Wikipedia vamos con los mejores juegos de la compañía al margen del mencionado Portal: •HALF-LIFE Y HALF-LIFE 2 (PC y consolas): Con este hit Valve y Gabe Newell -uno de sus fundadoresse estrenaron como compañía mil millonaria. Las aventuras de Gordon Freeman por Black Mesa enseñaron hasta qué punto puede llegar un videojuego en materia de narrativa activa. Una obra maestra de la historia de los videojuegos. Su secuela, a la manera de Portal 2 superó el inconmensurable original para convertirse en uno de los mejores juegos de la Historia. Y no hablo en broma, señores.

•COUNTER STRIKE (PC, XBOX): No fue el primero, ahí estaba Id Software para mostrar sus juegos en terreno online, pero “el Counter” como se conoce aquí se convirtió en un éxito sin precedentes en el terreno multijugador competitivo online. Creador de clanes, odios y posteriores éxitos que recogían lo mejor de él -hola Call of Duty- Counter Strike supuso un espaldarazo súbito al juego en Internet. Y todo nacido de una modificación de Half-Life.

•TEAM FORTRESS Y TEAM FORTRESS 2(PC, consolas): El primero, como experimento y antecesor de Counter Strike y el segundo como una de las experiencias más ricas en el juego online que existe en la actualidad, son dos juegos que marcan la hoja de ruta de Valve como compañía: Cuidado de sus productos hasta límites insanos y dedicación total y cercanía hacia los usuarios de sus productos.

•LEFT 4 DEAD Y LEFT 4 DEAD 2 (PC, consolas): Con la aparición de la primera y segunda parte de Left 4 Dead, Valve se introdujo de lleno en el submundo de los zombis. Los dos juegos representan la culminación del género zombi en los videojuegos.

Resident Evil pensaréis muchos ¿verdad? Pues para hacer un pequeño símil diremos que los primeros Resident Evil son “La noche de los muertos vivientes” mientras que éstos son las aventuras pajoleras y excesivas de Lucio Fulci. Desmembraciones y frases soeces por doquier.

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Bienvenido Mr. Dangerous El autor de Madre, vuelve a casa, nos ofrece una historia con entidad y estilo propio dado por ser Hornschemeier tanto guionista de la obra como dibujante.

Amy Breis se encuentra en un punto de inflexión en su vida. Su trabajo le resulta odioso, acaba de dejar a un novio desagradable, y para más inri, una amiga con la que es incapaz de contactar. Como colofón, su madre le regala por su vigesimoséptimo cumpleaños una sudadera adornada con un unicornio rosa, nada más y nada menos. Este clima altamente corrosivo para el cerebro de cualquiera, le impulsa a encender el televisor y disponerse a ver su obsesión animada, con nombre Mr. Dangerous. Este refugio tan poco ortodoxo va arrastrándola progresivamente a un mundo de callejones sin salida y citas desastrosas, hasta que el propio Mr Dangerous se presenta en su puerta y las cosas se hunden irremediablemente en la realidad.

Es inevitable establecer un parentesco entre P. Hornschemeier y Daniel Clowes, y aunque las comparaciones son odiosas, en este caso se hacen sin malicia y sin ánimo de sugerir nada negativo. La atmósfera a caballo entre lo real y lo imaginario, en un contexto pesimista y de capa caída, sugieren un vínculo que a todo el mundo dejará buen sabor de boca. La portada, además, excelente.

Sobre el autor. Paul Hornschemeier nació en 1977 y se crió en Ohio. Después de trasladarse a Chicago, inició la serie Forlorn Funnies, que fue el origen de Madre, vuelve a casa (Astiberri, 2005) y Let Us Be Perfectly Clear. Su siguiente obra fue Las tres paradojas (Astiberri, 2008). Ha trabajado para diversas publicaciones y producciones, incluido Life Magazine, Penguin Books, This American Life, Marvel Comics, y la CNN. Actualmente reside en Evanston, Illinois, con su esposa.

La vida con Mr. Dangerous Paul Hornschemeier PVP: 21€ Astiberri

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Páginas amarillas Una sección dedicada a esas magníficas ediciones de hace años

Vidas ajenas como alimento El tándem Alberto Breccia-Carlos Trillo siempre es garantía de calidad, y Buscavidas es sin duda un ejemplo perfecto de esta unión capaz de contar cualquier historia.

Comienza la década de 1980, Carlos Trillo, director de la revista SuperHumor, le propone a Alberto Breccia ilustrar una serie de episodios de un personaje misterioso y deforme, un tipo obeso, sin facciones, sin nombre conocido, sin pasado. Una suerte de Moby Dick que se alimenta de historias de desconocidos. Tan intrigante como el Juez de la epopeya Meridiano de Sangre de Cormac McCarthy, majestuoso y sobrenatural como Kurtz en El corazón de las Tinieblas, de Conrad.

El Buscavidas aguarda en bares, bancos de parques y lugares de reunión de personajes tristes y decandentes, traidores, taciturnos. Se deleita con las anécdotas de personajes canallescos, que por un par de whiskys le narran sus venturas, y especialmente, desventuras.

Este personaje albino, paciente, recolecta como bayas silvestres episodios dramáticos y oscuros de la vida de quienes caen en sus redes, para posteriormente desaparecer sin dar detalle alguno que permita conocer de dónde procede y cuál es su objetivo.

No es una coincidencia que esta obra macabra e intrigante tuviese como contexto los últimos años de la dictadura de Videla en Argentina. Dicen que es en los periodos más convulsos cuando el arte encuentra el escalón para ascender a otro nivel. Sin duda, esta obra de Breccia y Trillo es probablemente de lo más potente de sus carreras. Tanto a nivel narrativo como en lo que concierne al dibujo. El juego entre el negro más absoluto y la palidez nívea del protagonista genera una atmósfera irreal y perturbadora, un ambiente tenebroso en el que la ballena blanca encarnada en hombre-montaña campa a sus anchas. ¿Quién es? ¿Es humano? Su obesidad no puede ser algo casual, nadie sabe cuántas vidas ha podido consumir con placer de depredador de sabana, de sombra al acecho del débil y desprevenido guarecido en la barra de un bar nocturno. La edición que aparece en la fotografía es de Doedytores, sello argentino responsable de poblar de preguntas sin respuesta la mente del lector que tenga la fortuna de hacerse con un ejemplar de esta magnífica serie, publicada en dos tomos.

Buscavidas 1981 Breccia y Trillo PVP: 8$ Doedytores

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Páginas amarillas Una sección dedicada a esas magníficas ediciones de hace años

Encontrar El Dorado Flenniken, Rick Griffin, J. Lynch, Kim Deitch, Skip Williamson, Evert Geradts, P. Serniuk, Justin Green, James Osborne, y por supuesto, el magnífico Robert Crumb. Todo este talento concentrado en un tomo amarillento y raído, encontrado en un mercadillo a un precio irrisorio. Si algo supone un éxito para un cazatesoros de rastro, es vislumbrar una joya entre montones de objetos inservibles. Cuando esto ocurre, horas de observación, odio familiar y domingos de madrugón quedan relegados a los confines del olvido, y una sonrisa eclipsa cualquier tipo de arrepentimiento.

-¿Cuánto cuesta esto? -Dice el desconocido, huraño y con cara de indiferencia.

-Cincuenta céntimos.

-Mmm, está bien, me lo llevo.

Por dentro, se siente excitado y nervioso, todavía pueden darse cuenta de su treta y su cara de póquer. Ha pagado con un euro y sólo desea que le den el cambio y salir corriendo antes de que algo pueda salir mal.

-Toma chaval.

Extiende la mano y coge la moneda y el tesoro. Está envuelto en un plástico translúcido por el polvo de años de abandono. En la portada, un hippie con moscas alrededor del pelo hipnotiza a una jovencita con su mirada terrible y lasciva.

El underground se ha manifestado en su hábitat natural, como era de esperar. Aguardaba entre piezas oxidadas de electrodomésticos estropeados, camisas de propaganda y libros de Corín Tellado deshechos. ¿Quién ha podido dar por muerto este volumen? ¿Quién lo adquirió y luego prescindió de él? El Sol castiga duramente mi nuca mientras ojeo otro puesto. Remuevo algunos libros y revistas de National Geographic de hace décadas. Nada, ya no queda nada más para mí. En la mochila descansa una recopilación del humor más destructivo y corrosivo que ha dado el mundo del cómic estadounidense. Un tomo de una editorial española con fecha de 1976. Muchos de los autores ya no está en activo, Robert Crumb es una eminencia que reedita su trabajo una y otra vez, y se permite excentricidades como ilustrar el Génesis. Los tiempos han cambiado, pero el Dorado impreso que guardo con celo, me transportará como un DeLorean a una época que no viví.

Comix Underground 1976 Varios autores PVP: Desconocido Editorial Fundamentos

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• Más sobre el autor de estas páginas en: http://edureptil.wordpress.com

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El sentido de un final Una mirada a la energía nuclear a través del cine Cualquier historia, sea en el formato y la duración que sea, debe tener una introducción, un nudo y un desenlace. Al menos eso es lo que se ha dicho en las primeras clases de narrativa.

Tres elementos que conforman un todo y de carecer de uno de ellos, no tendremos historia.

El crítico literario, Frank Kermode, hace un muy interesante traslado de esta estructura a la historia del individuo en su ensayo ‘The Sense of an Endintg : Studies in the theory of fiction’, publicado en 1967. Nuestra existencia se basa en los mismos principios, ya que nosotros, como individuos, nacemos in media res y morimos in mediis rebus. Es decir, como si de una película o una novela se tratase, nacemos y pasamos a formar parte de una trama que se inició antes de nuestra existencia y que cuando muramos no se detendrá. Tanto si pensamos que el mundo será eterno, como si creemos que el tiempo se detendrá en algún momento, estamos obligados a organizar nuestra existencia dentro de los conceptos de principio y final, es decir, nos es más fácil amoldar nuestra existencia a la estructura narrativa de un cuento.

Como el mismo Kermode sostiene, cuando nosotros afirmamos que un reloj hace tic tac estamos otorgándole al sonido una estructura ficcional que en realidad no tiene. Estamos hablando de un principio (tic) y un final (tac), cuando todos sabemos que los relojes hacen un único sonido. En el ensayo de Kermode, se

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hace un especial hincapié en la necesidad de un final y sobre el sentido que este tiene: sin final, la historia no tiene sentido.

Nate Fisher, de la serie de HBO ‘Six Feet Under’, cuando le preguntan por qué tenemos que morir, responde: “Para hacer que la vida sea importante”. Del mismo modo que todas las religiones aluden a un apocalipsis, existen millones de predicciones que hablan de un final. Por lo general, el tiempo termina desacreditando estas predicciones que deben ser revisadas y actualizadas para seguir ahí, en el futuro próximo. Sin un final inminente todo pierde cierto sentido.

El cine, particularmente, ha fantaseado desde sus inicios con diversas visiones de un fin.

Todo tipo de catástrofes se han visto en la pantalla, desde meteoritos que destruyen la tierra a invasiones extraterrestres. Sin embargo, aquellos finales vinculados a la energía nuclear suelen ser especialmente interesantes, ya que aluden a un apocalipsis creado por y para el hombre. Tras los acontecimientos recientes de Fukoshima y el 25º aniversario de la catástrofe de Chernobil, resulta de sumo interés revisar que hizo el cine cuando se habló de la energía nuclear.

De Guerras Frías Tras la alianza temporal contra la Alemania nazi, las fuerzas aliadas de occidente y la

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URSS se vieron como profundos enemigos de sus respectivos modos de vida. Esto generó una escalada de violencia silenciosa dónde las amenazas de recurrir a armamento nuclear amagaban con materializarse. Habiendo visto el mundo entero el poder destructor de las bombas de Nagasaki e Hiroshima, la histeria creció hasta el pánico. Muchas películas hicieron de esta paranoia el núcleo sobre el que acentar las bases de una trama; a veces con sentido del humor.

Blast from the Past (Hugh Wilson, 1999) es, quizás, de las que mejor pudieron captar el clima de histería con una sonrisa. En 1962, Calvin (Christopher Walken) es un padre de familia obesionado con la posibilidad de un holocausto nuclear y construye un búnker para su familia. La noche que el presidente Kennedy anuncia la presencia de misiles en Cuba, Calvin decide encerrarse con su mujer, interpretada por Sissy Spacek, y su bebé. Esa misma noche cae accidentalmente un avión sobre la casa y Calvin, temiendo que se trate de misiles núcleares, decide cerrar el búnker con un temporizador que no permitirá su apertura hasta treinta y cinco anyos después. Transcurrido ese periodo, el hijo Adam, es un adulto y sale a la superficie creyendo encontrarse con un mundo postapocalíptico. A pesar de tratarse de una comedia que más adelante se centra en la diferencia generacional y la búsqueda del amor, el primer tercio no deja de ser el excelente testimonio de una sociedad que vivió bajo la paranoía de un ataque inminente. El filme se inicia, además, con el tema ‘Political Scien-

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ce’ de Randy Newman, cuya letra, escrita en 1972, parece describir la política exterior actual de los EEUU. Otra comedia que se acercó de modo caricaturezco a estos acontecimientos fue Dr. Strangelove or: How I learned to Stop Worrying and Love the Bomb (1964). Aquí Kubrick toma la novela de Peter George Red Alert y le agrega el personaje de Dr. Strangelove interpretado por un genial Peter Sellers.

En los últimos quince años el género del thriller político ha vuelto a aquel escenario para ubicar sus tramas.

Como resultado surgieron obras que plantean la existencia de las armas nucleares como un arma de doble filo y de naturaleza igualmente destructiva como voluble. Un ejemplo reciente es K-19: The Widowmaker (2002, Kathryn Bigelow), en la que el famoso submarino soviético sufre una avería y sus tripulantes deben evitar un desastre nuclear. Otras obras no han retratado sucesos del pasado, sino que han intentado actualizar la temática de la guerra fría y arrastrarla al presente; a veces creando historias tan inverosímiles como patéticas. Crimson Tide (Tony Scott, 1995) narra la historia de un motín que se genera en un submarino nuclear estadounidense cuando sus tripulantes quieren evitar que su capitán haga uso del armamento que llevan a bordo. Más ridícula es The Sum of All Fears (Phil Alden Robin, 2002), basada en una novela de Tom Clancy, en la que un comando terrorista, de ideología aparentemente nazi, hace detonar una bomba nuclear de fabricación rusa en Baltimore para provocar una guerra nuclear.

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Finalmente, un caso más que destacable es Hiroshima Mon Amour (Alain Resnais, 1959).

El film, catalizador de la francesa Nouvelle Vague, se aleja de los planteamientos anteriores. ¿Es todavía posible el amor en un mundo que vió caer las bombas de Hiroshima y Nagasaki?. Las charlas entre una actriz francesa (Emmanuelle Riva) y un arquitecto japonés (Eiji Okada) se centran en el perdón y el olvido, comparando las relaciones afectivas frustradas con el bombardeo atómico. Actualmente, la sobrina de Marguerite Duras, guionista del film, está trabajando en una secuela titulada Fukushima Mon Amour.

Las fantasías apocalípticas fueron el pasto de cultivo para las películas de ciencia ficción La Caja de Pandora Un error humano o una catástrofe natural pueden hacer de la energía nuclear un poder devastador. Desastres como el de Chernóbil, Fukushima y Three Mile Island sucedieron en tiempos de paz e hicieron que se pierda la fe en una fuerza tan potente como impredescible.

Estas catástrofes han dado lugar a obras con acercamientos y voluntades muy dispares.

The China Syndrome (James Bridges, 1979) narra la historia de una reportera (James Fonda) que se encuentra con su camarógrafo (Michael Douglas) en una planta nuclear realizando un reportaje cuando el núcleo se funde. El film no sólo plantea la falta de seguridad de las plantas, sino también la limitada información que se le ofrece a la población.

La repercusión del film aumentó cuando doce días después de su estreno una planta nuclear de Pensilvania sufrió una fusión de su núcleo en la Unidad II. El caso de V Subbotu (Aleksandr Mindadze, 2011) es a la inversa. Veinticinco años después,

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el veterano director ruso decide hacer una revisión de las horas siguientes a la madrugada del 26 de Abril de 1986 en las que explotó el reactor 4 de Chernóbil. El film está muy lejos de ser un documental o un intento de reconstruir clara y cronológicamente los hechos de lo sucedido; sino que sigue a los personajes en ese mar de desinformación que 25 años después asola Fukoshima, se trata de evocar las emociones de aquellas horas. Clave en el rodaje fue el director de fotografía Oleg Mutu, un experto en la escenificación de espacios y situaciones hiperrealistas, como ya lo había demostrado en la obra maestra rumana 4 meses, 3 semanas y 2 días (Cristian Mungiu, 2007). Al igual que esta última describe perfectamente la Rumanía en los tiempos de Ceausescu, el director ruso intentó captar, también, la esencia de la mentalidad rusa. “En Rusia la vida cotidiana es así, la muerte ronda, pero no por eso se deja de beber, de bailar, de amar“.

El Día Después Las fantasías apocalípticas que, según Kermode, dan sentido a una historia/existencia fueron el pasto de cultivo para la ciencia ficción; y en muchos casos la energía nuclear fue, en distintas obras, la culpable de acabar con la civilización como nosotros la conocemos. ¿Que hay después de la catástrofe?

Mad Max (George Miller, 1979) fue una de las películas más exitosas del cine australiano.

Como consecuencia le siguieron dos secuelas Mad Max 2: The Road Warrior (George Miller, 1981) y Mad Max Beyond Thunderdome (Gerorge Miller & George Ogilvie, 1985). Las tres historias se ubican en un futuro distópico, probablemente provocado por una crisis nuclear, en el que ya no existe la ley y escasean los alimentos y fuentes de energía. Esta trilogía ha pasado a ser de culto con los años y un referente a la hora de pensar en mundos distópicos o postapocalípticos. Actualmente

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se habla de una cuarta entrega titulada Mad Max 4: Fury Road sin Mel Gibson en el papel principal.

La jetée (Chris Marker, 1962) es uno de los primeros trabajos y, probablemente, uno de los mejores del multifacético artista francés.

Se trata de un cortometraje de veintiocho minutos y está construído casi enteramente por fotografías estáticas en blanco y negro. En un mundo destrozado tras la Tercera Guerra Mundial, el personaje principal vive, como muchos otros sobrevivientes, bajo tierra, en las galerías del Palais de Chaillor en París. Unos científicos han estado experimentando con los viajes en el tiempo y desean enviarlo para cambiar el curso de la historia. Entiendo que a muchos les resulte familiar, porque efectivamente está historia es en la que se basó Terry Gilliam para realizar 12 Monkeys (1995). La obra de Marker funciona tan bien que, no sólo no irritan las fotografías estáticas, sino que al final se tiene la sensación de haber visto una pelicula con imágenes en movimiento.

Fail Safe (1964) es una de las obras más famosas del recientemente fallecido Sidney Lumet y cuenta un episodio ficticio durante la Guerra Fría que termina en un conflicto nuclear con la destrucción de Nueva York.

En el 2000, Stephen Frears fue el encargado de realizar un remake para la CBS. En el Festival de Londres de 1985, el prestigioso director ruso, Andrei Tarkovsky, tuvo la oportunidad de ver The Terminator (James Cameron, 1984), probablemente obra cumbre del género distópico. Tarkovsky quedó impresionado por la película y un año después estrenaría justo antes de su muerte Offret. Aquí, el holocausto

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nuclear vuelve a ser el centro de atención, pero con un enfoque más filosófico propio de Ingmar Bergman. Un escritor casado con una jóven actriz y padre de un hijo está celebrando su cumpleanyos el día que se desata la Tercera Guerra Mundial. El protagonista, quién se cuestiona constantemente la existencia humana, tiene una revelación y se ofrece para cambiar el destino del hombre.

Encender las consciencias Existen muchos documentales centrados en la energía atómica, su funcionamiento y sus posibles consecuencias. Me gustaría destacar particularmente uno que tuve la oportunidad de ver hace poco. The Atomic Cafe (Jane Loader, 1982) esta compuesto en su totalidad por imagenes de archivo de la época de la guerra fría. Cuenta también con videos destinados a la televisión estadounidense para advertir a la población sobre qué hacer en caso de ataque nuclear. En definitiva, una gran cantidad de material propagandístico para generar histeria. La crítica funciona perfectamente sola al descontextualizar el mensaje y lo convierten en uno de los mejores documentales sobre el tema.

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Se avecina la quinta Parece que fue ayer cuando una plaga de termitas asoló a los vecinos de la céntrica calle Desengaño, 21 obligándoles a tener que abandonar aquella su comunidad (y la de más de 4 millones de fervientes seguidores) y mudarse a la urbanización Mirador de Montepinar, y donde desde el pasado primero de mayo han regresado para entregarnos la quinta de temporada de su serie de catastróficas desdichas.

Cabe destacar que esta temporada recién estrenada de La que se avecina por parte Telecinco coincide justamente en número con el total de temporadas grabadas por parte de su antecesora, Aquí no hay quien viva.

Sin duda, se trata de todo un éxito, sobre todo para los tiempos que corren hoy en día en la televisión, el cual no ha dejado de resultar sorprendente, a pesar de llevar la firma de los mismos creadores que consiguieron alcanzar aquellos históricos shares de más de un 30% de cuota de share, hasta entonces inaudito dentro de la ficción nacional, y de incluso llegar a incluir dentro del acervo popular algunas de célebres sus muletillas como el ya clásico “un poquito de por favor”, y que ya por siempre perseguirá a Fernando Tejero. Y es que, precisamente, la alargada sombra que se cernía sobre esta secuela hizo que, además de que muchos de los fans de la anterior no aceptasen el nuevo rol desempeñado por los nuevos personajes, dentro de las propias tramas de la serie se vislumbrase un cierto “complejo” que impedía explotar todo el potencial creativo que finalmente, sobre todo a partir de la tercera temporada con la llegada de la histriónica Estela Reynolds (Antonia San Juan), ha aflorado. En todo caso, y aunque resulte contraproducente, no les voy a recomendar que sigan esta nueva entrega de las aventuras de esta célebre comunidad ya que seguramente no entenderán la inmensa mayoría de los gags, y es que si por algo destaca esta ficción es por haberse convertido en una obra ‘de culto’ que se sobrepone a las idas y venidas de sus personajes principales, a los constantes cambios de horario impuestos por la cadena e incluso a mantenernos cerca de un año sin más que la emisión de millones de reposiciones de sus anteriores episodios… y que ha conseguido, de nuevo, que sus embelesados millones de fans, hayamos ampliado nuestro vocabulario con nuevas acepciones para expresiones como ‘echar un pinchito’, y que van más allá de irse de tapas.

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“Pasear por la Valencia nocturna despierta muchos instintos, entre ellos, el del miedo” David Mateo es de Valencia y defiende que ésta, su ciudad, tiene un aspecto gótico que hay que explotar. Él es un escritor que, pese a su timidez, sabe que está a punto de dar el salto al gran público. Maneja la creación de atmósferas como nadie y ha triunfado en la reciente Feria del Libro donde tuvo que repetir la presentación de su Noches de sal hasta en tres ocasiones. En su encuentro con El Metropolità hace un repaso a su trayectoria y repasa el panorama de la literatura de fantasía.

¿Desde cuándo escribes? Toda la vida, recuerdo que era un chaval y que cogía una libreta y empezaba a escribir historias de fantasía, todo lo que se me pasaba por la cabeza, lo escribía. Tengo un taller de literatura para nanos y siempre les digo que escribir es un divertimento, pero luego está la otra parte y es que mientras escribes sufres, porque para escribir hay que sufrir. Recuerdo que cuando era nano cogía comics y libros, les cambiaba el final, hacía que ganase el malo, que la chica se fuera con él… lo cambiaba todo, me encantaba coger un libro y reescribirlo a mi manera. ¿Por qué dices que escribir es sufrir? Mis libros son tochos de 500 páginas, y yo creo que a la hora de crear, cada vez que te pones a esbozar un argumento, sobre todo cuando llevas sobre la espalda 200 ó 300 páginas, eso conlleva un desgaste, primero trabajar la forma, el estilo, el argumento y luego estar pendiente de los personajes, es divertido, pero conlleva cierto desgaste y sufrimiento.

Volvamos a tu infancia…

Sí, cogía un comic, por ejemplo de Robert

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Howard y los recortaba y los pegaba en las portadas de las libretas y en función a eso me inventaba la historia, y eran historias de masacres. Yo cogía la máquina de escribir Olivetti de mi casa y ahí me ponía a escribir páginas y páginas siguiendo las historias. ¿Y cómo das el paso del simple divertimento a que sea una profesión? Bueno, llega un momento en el que tú piensas tus propias historias y es cuando las empiezas a plasmar.

Mira, nunca dejé de leer, empecé a trabajar y desconecté de la literatura como escritor, pero te empiezas a aburrir y recuperas el gusto por la escritura, ahí decidí escribir una historia de fantasía, que se convirtió en el primer libro que publiqué, Nicho de Reyes con el pseudónimo de Tobías Grumm. ¿Y cómo vas a una editorial y le presentas un libro, sin que nadie te conozca, con tantas páginas? Lo que sí es verdad es que la fantasía épica tiende a la extensión, tienden a ser tochos y a ser sagas. Ahí sí tenía una idea preconcebida de lo que quería hacer, pero requería de volumetría para contar los personajes, aunque sí que es cierto que me El Metropolità Maig-Juny 2011

David Mateo

Escritor

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pasé porque 1.500 páginas era desmesurado, además me di cuenta de que mi estilo había cambiado, así que cogí el archivo, lo tiré a la papelera de reciclaje y empecé de nuevo, y nació el libro que más tarde se publicó.

tendencia es George R. R. Martin dentro de la literatura, no hay más que ver el estreno descomunal de Juego de tronos, pero otra vez hablamos de producto audiovisual que es quien atrae a la gente.

La fantasía épica, ¿está mal vista? No lo sé.

Para mí, a quien le gusta, le gusta mucho, lo que pasa es que no llega a las masas, no entiendo porqué, quizás porque son editoriales pequeñas que no pueden publicar grandes tiradas, fíjate que las tiradas de fantasía en España no pasan de los 3.000 ejemplares, excepto honrosas excepciones.

Hemos dejado a Tobías Grumm con su saga, ¿cómo fue el siguiente paso? Entonces ya tenía 33 ó 34 años y empecé a publicar un compendio de cuentos, porque mientras escribes fantasía necesitas desatascar y la mejor manera es escribiendo un cuento. Yo tenía muchos cuentos hechos, de fantasía, de ciencia ficción, de terror y entonces hice una recopilación y la publiqué con la revista Scifiworld bajo el nombre de Perversa.

El miedo me fascina porque, de alguna manera, pone en movimiento ¿Y después? Después llegó El susurro del resortes que no puedes controlar Pero sí es un género que gusta, porque lo ves en series, en películas… Pero todo es audiovisual, es igual que la ciencia-ficción que gusta verla en una gran pantalla, con efectos especiales, les gusta ver monstruos, asesinos en serie… pero el lector es reacio a comprarla, quizás porque nuestra cultura es cada vez más audiovisual, se están perdiendo los valores literarios y yo creo que los que más acusan ese déficit de lectura son los géneros menores.

Tú eres escritor de fantasía, ¿qué engloba ese género? Es un subgénero que recoge lo que es el terror, lo que es la ciencia-ficción y la fantasía épica de Howard o de El señor de los anillos. Al final eres lo que lees, y eso te predetermina tu estructura a la hora de crear una novela, la búsqueda de un objeto de poder, el viaje, la guerra, el bien y el mal, los grupos de héroes que se forman durante el viaje; todo forma parte de la fantasía épica. Ahora mismo el que está marcando una

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bosque, era una novela cortita, de 40 ó 50 mil palabras y estaba dirigida al público juvenil, una historia de terror ambientada en un pueblecito de Latinoamérica, aunque no tiene que ver con la leyenda de ‘Sleppy Hollow’ sí me sirvió para crear esta novela de alguna forma.

Y ya llegamos a Heredero de la alquimia…

Sí, para mi es el principio de una saga escrita ya por un David Mateo maduro, ya empiezas a conocer las estructuras a la hora de escribir, aunque en este oficio estás continuamente aprendiendo. Es una historia que recoge el inicio de todas las civilizaciones, es un planteamiento pseudohistórico y cuenta la historia de dos egipcios que son requeridos en Sodoma y Gomorra porque han aparecido dos criaturas que han realizado una escabechina y contratan a estos dos médicos egipcios especializados en criaturas extrañas.

Y este año Carne muerta. Publicada con Dolmen, es una novela de zombies, un género que ahora está de moda, es una historia que El Metropolità Maig-Juny 2011

cuenta que todos los hombres se mueren y ellas empiezan a crear una sociedad diferente, pero con un obstáculo, los zombies.

Pero es que además también has publicado lo que para mí ha sido toda una sorpresa, Noches de sal, ¿no pasaste miedo al escribirla? Puedes pasar unos momentos inquietos, sobre todo cuando los personajes se sienten mal, porque ellos pululan por tu mente, lo que pasa es que tengo una vena sádica que hace que no tenga miedo cuando soy yo el que escribe. A mí el miedo me fascina porque de alguna manera pone en movimiento resortes interiores que tú no puedes controlar, que te sobrepasan y te pueden hacer querer salir de una sala de cine. Para que algo le de miedo al lector, debes crear una atmósfera, esta es una novela gótica trasladada a una época contemporanéa…

Y trasladada a Valencia... Es que esta es una ciudad gótica por mucho que nos digan que es una ciudad de luz o de colores, tú métete en el casco antiguo a las 12 de la noche y verás que Valencia está compuesta de casonas antiguas, de palacios, de mansiones… cuando te plantas delante de la Lonja y ves esa imaginería que la rodea, da mucho yuyu, yo creo que pasear por Valencia por la noche puede despertar en ti muchos instintos, entre ellos el del miedo. En ese sentido, Noches de sal es una historia de atmósferas.

‘Casitas rosas’. Siempre que vuelves a casa un sábado por la noche, a las 3 de la mañana dices, “este es un escenario perfecto para un asesino en serie”, tal y como ves en novelas o en películas. La primera escena de la novela está situada en las inmediaciones del puerto en una fiesta rave, yo eso lo he visto, pasabas por ahí, veías a la gente en la calle, es decir, vas viendo pequeñas facetas de la ciudad y todas unidas pueden trazar una historia muy poderosa. La gente que lee Noches de sal se da cuenta de que en cierta forma estás denunciando esa situación hacia esos grandes edificios, tenemos que proteger el casco antiguo de la ciudad. ¿Por qué decides ambientar la trama de Noches de sal en la calle de los Nocturnos? Yo quería trasladar la acción a la parte histórica de la ciudad y me di de bruces con el Palacio Catalá de Valeriola, en la plaza Nules. Allí a finales del siglo XVI se reunía la clase bohemia de Valencia y todos se refugiaban bajo un pseudónimo relativo a la noche como Silencio u Oscuridad, y hay uno que era Secreto que es la clave de la novela y era Guillem de Castro. En el Palacio se componía el registro artístico de la época y se fundó una de las primeras academias de España y se denominó la Academia de los Nocturnos que regustraba las reuniones que tenían. La calle es un homenaje a todo esto.

¿Por qué piensas en Valencia, son vivencias tuyas? Yo los domingos por la tarde voy con la novia por el casco antiguo y empiezo a pasear y voy pensando, imaginando historias y ves esas casonas y te das cuenta de que puedes crear una historia de terror ahí. ¿Tú de dónde eres? Yo soy de la Malvarrosa, y allí se convive con una realidad que son las El Metropolità Maig-Juny 2011

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A la calle, que ya es hora “La izquierda, ya sea radical o reformista, no ha sacado provecho de la crisis financiera y del cuestionamiento del liberalismo económico que parecía iniciarse”, escribe el profesor Rèmi Lefebvre en Le Monde Diplomatique. Abracadabrante, por indiscutible, afirmación para todo observador de la historia de la lucha de clases y que parece dar alas a los voceros del capitalismo moderno cuando regurgitan y escupen sus tesis negacionistas del socialismo.

Este mes tenemos el combo de las elecciones autonómicas y municipales y las comadres demoscópicas anuncian ‘El Apocalipsis’: la derecha (léase la burguesía) se va a llevar el gato al agua. La izquierda (léase, las clases trabajadoras) no ha sacado provecho del esparramo económico del capitalismo en su última fase. Y si gana la derecha, cosa que está por ver, será porque la clase obrera le votará en masa, transgrediendo todos los instintos de clase. La ecuación es surrealista: los trabajadores y clases medias, victimas del saqueo financiero capitalista, culpan de la crisis a los partidos de izquierda –virtuales representantes de sus intereses de clase– y votan alegremente a sus verdugos: el PP, partido que representa a la oligarquía financiera depredadora e inmovilista y en España, como en Italia, ¡gasp!, neofascista.

Las sediciosas encuestas dan por hecho lo que está por ver y agitan las conciencias de los votantes en un mar de confusión. La histeria electoral ya reina entre nosotros y con ella se activa la cortina de humo que oculta a la ciudadanía (antes, el pueblo) la trampa del bipartidismo consuetudinario que domina el escenario ibérico desde los tiempos del cuplé.

Las malas noticias para el progresismo caen en cascada. Los jueces han intentado borrar del mapa a decenas de miles de ciudadanos de Euskadi, intentándole negar el pan y la sal a Bildu; Bin Laden es sumariamente ejecutado, a lo far west, hurtando a la inteligencia militar la posibilidad de interrogatorio que aclare la tela de araña islamista; racistas confesos como Berlusconi y Sarkozy sacan pecho al alimón; la monarquía inglesa sube a los altares y el pasado 1 de mayo, aquí en la terreta, dieron más bulla los campanarios vicentinos que el aullido mudo de los currantes y sus sindicatos en manifestación. Un desastre. Los yanquis prefieren un final de película, nosotros, en cambio, no nos ponemos al día desde los tiempos de don Alejandro Lerroux y como votantes nos vemos abocados a repetir los errores del asno de Buridán*. O blanco o negro, o se vota al PP o al PSOE. Que no cunda el pánico; este texto es un llamado a votar a la izquierda. Porque como termina su artículo el citado profesor Lefebvre: “La derrota se acepta más fácilmente cuando se renuncia a presentar batalla”. Que no se diga, peña. ¡A la calle, que ya es hora de pasearnos a cuerpo…! (*) Desdichado jumento de fábula que, incapaz de elegir entre los dos montones de alfalfa de su merienda, se murió de hambre.

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Rèquiem de campanya Els inventors de l’artefacte que encara anomenem política van pensar que el debat públic i la deliberació podrien resultar una bona manera de resoldre els conflictes de la tribu convertida en polis gràcies al sortilegi de la paraula en acció. Les votacions s’hi introduïren com a mecanisme per a dirimir desacords en els casos en què la força dels raonaments no foren suficients per a arribar al consens.

Esta és l’essència del parlamentarisme, siga entés com a un club de notables o com a expressió de la voluntat general als moderns règims democràtics; l’artifici institucional que conjuga els diversos interessos de les faccions de la casta dominant o que apaivaga el conflicte inherent a una societat de classes. Tot adreçat a l’evitació de la violència en la lluita pel poder en forma de revolucions, colps d’estat o guerres civils mitjançant la conformació d’assemblees representatives.

Però als inicis del segle XXI ens trobem amb un sistema de partits especialitzats a anar a la contra fins i tot en les qüestions en què estan d’acord. La confusió conceptual amb el buidatge del significat de les paraules ha produït dos efectes devastadors. Per un costat, hi ha els falsos conflictes produïts per diferents formulacions d’un problema, de vegades per un matís, per un accent. Mentrestant, els vertaders conflictes queden soterrats, precisament perquè darrere d’una mateixa formulació s’amaguen dos postures oposades que mai s’expliciten.

Això dificulta molt la comunicació i acaba ocultant que darrere dels presumptes debats només hi ha una descarnada voluntat de poder. Les grans decisions s’acaben prenent en secret i amb la participació directa d’actors en qui ningú ha delegat, a qui ningú ha elegit i, fins i tot, a qui ningú coneix.

El parlament i els seus succedanis als mitjans de comunicació es converteixen en l’escenari d’una comèdia, de vegades bufa i d’altres tràgica, on maldestres secundaris sobreactuen per a compensar la manca de tensió dramàtica. I així s’accepta com a debat electoral un seguit de monòlegs precuinats en què un dels interlocutors ni tan sols es digna a mirar els altres. Ni els dirigeix la paraula ni respon a les seues invectives. Com si no hi estigueren, amb la mirada fixa a càmera, l’orador es dirigeix a un públic llunyà que assisteix perplex a un representació del pitjor teatre de l’absurd. Els altres personatges reclamen en va la seua atenció i accepten mansament el paper de comparses en comptes de fer estelles l’escenari i cremar el teatre.

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El diario no hablaba de ti Hace unos días el mundo mojó el croissant en el café con leche mientras se sentía partícipe del final de una película de Scorsese. El planeta lo hacía en vivo y en directo, como dicen los reporteros vespertinos del programa de La1, sin descargas penadas por Sinde, de forma gratuita y en todos los canales de información y desinformación: Bin Laden ha muerto. Fue el colofón a un fin de semana de mitos plurinacionales. Estoy seguro, y así lo certifican tres de cada cuatro hospitales prometidos pero no construidos, que más de un anciano/a murió frente al televisior ante su café sacarinado fruto del exceso de colesterol auspiciado por la televisión.

Primero fueron Kate y William, William y Kate, vestidos con la gran mentira de la antigüedad del ceremonial británico. Tras ellos, domingo de expiación masiva, glorias a cargo de voces polacas rasgadas más por la fe que por el vodka para los piadosos, a la inversa para los incrédulos. Y para no defraudar a la audiencia, tras la plantà llega la cremà. Un comando de la US Army prendió fuego a un chalet ¿de lujo? cerca de Islamabad en un más que valenciano fin de fiesta con cadáveres arrojados a mares de nombre impronunciable.

Pero como hay gente para todo, García Gasco expiraba, la palmaba, estiraba la pata, moría, fallecía, abandonaba el mundo terrenal, la diñaba o se iba a criar malvas –a gusto del consumidor– el mismo día que beatificaban a su exjefe. Y es que hay gente que tiene mal gusto hasta en el morir.

Un diario local, ante tamaño acontecimiento, titulaba junto a la foto inexistente de Bin Laden que el cardenal valenciano “empaña la beatificación de Juan Pablo II”. Es cierto que ser cardenal no es algo baladí pero tampoco dotemos a la valencianía del prelado como de algo tan relevante como para echar un telón de acero sobre la momia de JP. Situación tan inverosímil como las declaraciones de las vecinas del líder de Al Qaeda “nunca dio problemas cuando iba a comprar el pan”, o de aquella otra más avispada “siempre sospeché de él, no recibía muchas visitas”.

El mismo fin de semana también murieron un árbol en el Amazonas, un niño desnutrido en el corazón de África (no se asusten, no fue en el bioparc) y una anciana llamada Soledad en el 3ºB de alguna ciudad cosmopolita. La cotidianidad no es noticia: God Save the spanish television!

Absurdo bimestral: El ejército de los EEUU está en quiebra. Los elevados sueldos de todos sus imanes castrenses han llevado a Obama a renunciar a los fusiles; a partir de ahora los marines lucharán con lanza de caballería.

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