OCT. - NOV. XIII / .03
Precio de venta US$ 5.00
bio / ixquiac Xicara el artista / max leiva pluma invitada / el mercado del arte 01
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historiadelarte La Escultura
bio
Rolando Ixquiac Xicará
Museo de Arte de El Salvador, Marte
personajes Ingrid Klussmann
elartista Max Leiva
laexpo
El Túnel - Exposición de Aniversario Woods Arte Galería abre sus puertas
plumainvitada
El Mercado del Arte en Guatemala
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editorial
El entusiasmo con el que preparamos el tercer número de El Artista magazine estuvo reforzado por la respuesta que hemos tenido de la comunidad de artistas, de las galerías, personas e instituciones que promueven el arte, de los anunciantes y sobre todo de los lectores. Nos agrada saber que esta publicación está satisfaciendo una necesidad realmente sentida no sólo en Guatemala sino en toda la región centroamericana. De allí la gran alegría de que a partir de esta edición El Artista magazine también circulará en El Salvador, y en un futuro próximo en Honduras, Nicaragua, Costa Rica y Panamá. Pero no es sólo el entusiasmo el que nos ha crecido con las muestras de apoyo que hemos tenido. También hemos sentido la gran responsabilidad que implica servir de modelo a seguir, dentro de los comunicadores del quehacer artístico regional a un público diverso y exigente. Y asumimos esa responsabilidad con una actitud profesional que se funda en las raíces éticas que tiene en el contexto de nuestros países toda manifestación artística e intelectual legítima. Agradecemos a Rolando Ixquiac Xicará y a Max Leiva la apertura de sus respectivos universos artísticos, una experiencia enriquecedora que compartimos con nuestros lectores, a quienes finalmente nos debemos. GCH
Director editorial Gustavo Adolfo Chacón Concepto gráfico Andrea Villagrán Luttmann
Consejo Editorial Gustavo Chacón Juan B. Juárez Estuardo López Coronado 05
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/ Rolando Ixquiac Xicara 07
historia delarte
la escultura
Más antigua que la arquitectura, cabe pensar que la primitiva escultura era de hecho el centro físico y simbólico de un asentamiento humano, en torno al cual se realizaban los rituales que propiciaban buenos resultados en la caza, la guerra y, posteriormente, también en la agricultura. Los antiguos griegos decían que los poetas le dieron nombre y llamaron a sus dioses pero que fueron los escultores los que les dieron presencia con la forma que los identificaba. Se confirma, entonces, que las artes y la religión tuvieron un mismo origen en el inicio de los tiempos. Las primeras esculturas eran sin duda toscas tallas en madera de las que no quedó ningún vestigio. Con el aparecimiento de la agricultura y el desarrollo de la cerámica, surgió el modelado en barro. De este estadio cultural quedan innumerables vestigios en todos los continentes. En Europa, la Venus de Dusseldorf y las innumerables figuras femeninas con esteatopigia relacionadas con la fertilidad, y en América, pequeñas figuras solares que nuestros antepasados presumiblemente enterraban en los campos de cultivo para propiciar a los dioses de la agricultura. Luego, la gran escultura en piedra que cultivaron los egipcios y los sumerios, dedicadas a los dioses, a los muertos y a los gobernantes. Antes que ellos, en Stonehenge, las grandes piedras parecían poner orden en las estrellas y el tiempo, y después, los delicados escultores de la Grecia clásica que tallaron en mármol la figura humanizada de sus dioses y sus héroes, de la misma manera que los artistas precolombinos tallaron a los suyos con la forma terrible de sus atributos sagrados. El cristianismo no dejó de lado el poder representativo de la escultura y durante la edad media abundaron las imágenes en relieve y en bulto del Crucificado y los apóstoles, a las que se fueron sumando las de la Virgen María y las de los santos y mártires. Estas imágenes puestas en el interior de las iglesias eran tan veneradas por los creyentes que las autoridades eclesiásticas tuvieron que normar su culto y definir el papel que jugaban en el dogma y en el ritual cristiano, pues encontraron que tal veneración tenía visos de idolatría y se convirtió en un argumento de la Reforma Protestante. La escultura de Auguste Rodin inaugura a finales del siglo XIX la escultura moderna, desligada de los valores religiosos y cívicos y de los retratos de gobernantes y notables. Su importante monumento a Balzac, por ejemplo, no reproduce los rasgos físicos del escritor sino que recrea la fortaleza de su carácter y la enormidad de su obra. A partir de su ejemplo y ya en el siglo XX escultores como Henry Moore, Constantin Brancusi, Amadeo Modigliani, Jean Arp, etc., desarrollaron su escultura bajo otras concepciones del proceso formativo, del tiempo, de lo esencial y de lo trascendente. Por allí entronca el trabajo de los escultores guatemaltecos a los que se les puede llamar modernos: Roberto González Goyri, Dagoberto Vásquez, Guillermo Grajeda Mena, Luis Carlos y Max Leiva. 08
/Max Leiva
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bio
ROLANDO
Ixquiac Xicara
/L A OT R A PE RS PE C T I VA Desde los años 70 del siglo pasado la presencia de la obra y la persona de Rolando Ixquiac Xicará no ha dejado de crear inquietudes no sólo en el ambiente artístico sino también entre los intelectuales — sociólogos e historiadores, sobre todo— que ven en su pintura el reflejo elocuente de una sociedad escindida y en su actitud de artista, una decidida, consecuente y lúcida toma de partido por lo indígena-maya como fundamento de una cultura, una identidad y una nacionalidad guatemalteca aún en proceso de construcción.
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Para comprender plenamente su pintura y penetrar en el sentido profundo de su estética sutil y descarnada (que tiene el tacto para tratar con delicadeza los temas más escabrosos en los que se debate la sociedad guatemalteca), es necesario partir de su postura de artista, de maya contemporáneo y de ser humano. Salta, entonces, a la vista que las imágenes poéticas de sus cuadros dicen algo más allá de su significado aparente y que la evolución de su obra, desde su etapa de paisajista y grabador y la que pintó en Francia y Senegal hasta la que realiza actualmente, introduce en el arte guatemalteco otra perspectiva desde la cual los hechos y las circunstancias que modelan en cada momento la vida de las comunidades y los individuos aparecen interpretados de otra manera, articulados con otra lógica y otro sentido histórico y existencial.
De hecho, su obra es al mismo tiempo la recuperación y la construcción de esa perspectiva, tarea en torno a la cual Rolando Ixquiac Xicará también ha constituido su personalidad artística y su coherente pensamiento indígena. Así, en su pintura no se habla de indios ni de culturas indígenas contemporáneas o pasadas sino que es un artista maya contemporáneo el que se pronuncia con toda propiedad y amplitud sobre su experiencia existencial concreta en el mundo contemporáneo (no sólo guatemalteco) en el que le tocó vivir, con un lenguaje poético que transparenta su verdad. De allí, de esa autenticidad, el reconocimiento del valor estético de su pintura y del coherente discurso pictórico que se expresa a través de sus cuadros.
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No es el realismo mágico lo que define la figuración y las imágenes intensas y delicadas con las que Rolando Ixquiac Xicará describe paisajes inhóspitos y narra historias atroces y brutales. Su lenguaje pictórico se fundamenta en un dibujo cuya deliberada torpeza incorpora cierta inocencia infantil a toda la composición y le da a la descripción de escenarios simples y personajes esquemáticos el carácter tierno e intenso de una narración poética ingenua y primigenia. Sobre esa elemental estructura formal y semántica, el pintor despliega los primores de su oficio: transparencias pudorosas que muestran y esconden tras la vestimenta exótica el sexo y el deseo, fulgores intensos de colores nuevos en flores, aves y diademas, más fulgurantes aún contra la piel negra y el cabello oscuro, y contra el suelo estéril y pedregoso en el que la vegetación exhibe sus espinas. O bien, huesos y calaveras que abonan la tierra negra donde florece el frijol bajo un cielo surcado de aves, repitiendo el ciclo sin tiempo del que han surgido los mitos. Y es que el lenguaje pictórico de Ixquiac Xicará es al mismo tiempo simbólico y poético. Y por ese componente simbólico es que sus metáforas relacionan más de dos términos, por ejemplo, los personajes negros que aparecen en sus cuadros aluden a los indígenas de Guatemala, equiparados por el exotismo y la lejanía, pero también por la discriminación de la que son objeto. Así mismo, sus imágenes más delicadas aluden a realidades conflictivas: los nopales que resisten en el paisaje hostil producen muchas espinas y pocas y apetecidas tunas. Así, ricos en color, en alusiones poéticas, simbólicas y críticas, los cuadros de Rolando Ixquiac son también documentos en los que se registra la vida profunda de la sociedad guatemalteca. 12
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MUSEO DE ARTE DE EL SALVADOR
El Museo de Arte de El Salvador (MARTE) fue inaugurado el 22 de mayo de 2003, siendo una institución privada, sin fines de lucro, cuyo funcionamiento es responsabilidad de la Asociación Museo de Arte de El Salvador. MARTE exhibe su muestra permanente de arte salvadoreño “Al Compás Del Tiempo. Procesos e Influencias en el Arte Salvadoreño” con obras de su colección, de colecciones privadas y de la colección nacional. Esta exposición brinda un amplio panorama del arte salvadoreño de mediados del siglo XIX hasta la época contemporánea. Así mismo, MARTE mantiene un programa de exhibiciones temporales, que han permitido que, por primera vez en El Salvador, se presenten obras de los grandes maestros del arte universal. Sus exhibiciones se complementan con un programa educativo que incluye visitas guiadas dirigidas principalmente a los estudiantes de las escuelas públicas del país, un programa de capacitación docente y un variado programa de actividades complementarias vinculadas directamente a las exhibiciones.
MARTE
Por otra parte los programas especiales Artista del Mes y De nuestra Colección ya concluidos, han permitido, aparte de documentar la vida y obra de nuestros artistas, ofrecer lecturas diferentes de las obras pictóricas que han impactado de manera positiva en el público que nos visita y aportado nuevos conocimientos y criterios para valorar su aporte. Igual importancia y repercusión han tenido los programas dedicados a los artistas jóvenes y emergentes a través de Marte Contemporáneo. Este programa, patrocinado por Mario Cáder Frech, se ha convertido en una excelente plataforma para validar a nivel nacional y regional la propuesta de nuestros creadores y para conocer el trabajo de artistas internacionales de gran importancia, así como para proyectar a los nuestros. El apoyo a los diseñadores de muebles y superficies por medio de Contempo ha logrado, en el corto tiempo, proyectarse a nivel internacional gracias al interés de sus 3 patrocinadores y de los profesionales de gran renombre internacional que han colaborado como jurados y que se han identificado plenamente con este esfuerzo. La convocatoria de este año la compartimos con la Asociación de Diseñadores Salvadoreños, CROMA. Por otra parte hemos incursionado en el mundo de la moda al estimular por medio de Kaleidoscopio a nuestros jóvenes creadores. Estas iniciativas, inéditas en nuestro medio, han ido creciendo gracias a la respuesta positiva de los interesados, quienes han sido beneficiados por nuestro respaldo institucional, han tenido una mayor visibilidad gracias al apoyo de los medios de comunicación y gozan hoy de la aceptación del público y del apoyo de los patrocinadores. Pero, sobre todo, estas actividades les han ayudado a creer en ellos mismos.
Texto por:
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personajes
INGRID KLUSSMANN
PROMOCIÓN CONTRA MA RKE TI NG
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Pintora de mérito, Ingrid Klussmann es por excelencia la promotora del arte y los artistas de Guatemala. A ella le fue confiado en 1971 el proyecto de la galería El Túnel por las autoridades de la facultad de Humanidades de la Universidad Rafael Landívar. Ese experimento universitario le dejó muy claro que en nuestro país una galería de arte debe cumplir también una función formativa, dirigida no sólo a los estudiantes sino a la sociedad en su conjunto. “En aquellos años la tarea principal era que la gente aceptara que entre nosotros hay artistas talentosos y que sus obras constituyen un patrimonio de gran valor artístico, histórico y cultural” —dice Ingrid—; de otra manera, sin esa fe en nuestros artistas, no hubieran podido salir adelante iniciativas como Juannio y la subasta del Club Rotario, en las que también colaboré; no serían lo que son hoy, ni tampoco hubieran prosperado las que vinieron después sin esa labor educativa que realicé en El Túnel y que tiene que ver con la formación de un público para el arte y los artistas de Guatemala”. Y es muy enfática en lo que trata de explicarnos: “Lo que hice en aquellos años era más una necedad y una necesidad de artista que una iniciativa de promotora o empresaria. Se trataba de que las personas superaran los prejuicios que no las dejaban apreciar el trabajo de los artistas nacionales; y también de que los artistas se convencieran de que no eran seres marginales, bohemios incomprendidos, sino que podían vivir dignamente de su trabajo creativo”. Hoy, gracias en parte a la determinación de Ingrid Klussmann y a la labor que realizó desde la galería El Túnel y otras instituciones de promoción del arte, ya existe ese público formado que ama a sus artistas y son muchos los artistas profesionales cuidadosos de su trabajo y de su prestigio. Sin embargo, según Ingrid Klussmann, las cosas han cambiado, y no necesariamente para bien: “hoy no se busca formar un público sino un mercado. Lo que se hace hoy en las galerías, las subastas y otras actividades artísticas como labor de promoción es marketing, publicidad que se dirige ya no a unas personas sensibles sino al sector socioeconómico que conforma el mercado de productos artísticos, pues ya ni siquiera les llaman obras de arte. Sé que resulta cruel, y como artista me duele mucho decir que las personas que aman el arte pero que no tienen dinero para comprar obras ya no están dentro de los intereses de estos empresarios; y que los artistas, por seguir la moda de Nueva York, pierden el contacto con su país y su cultura. Por eso, El Artista magazine me parece admirable, porque se ha propuesto llevar el arte a todos”.
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elartista
Max Leiva
Por Juan B. Juรกrez
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cuya concreción material implica en su caso un proceso técnico bastante complejo.A diferencia de un poema, una escultura de Max Leiva no evoca sentimientos o emociones sino que los hace presentes, eternamente presentes. El problema que debe resolver no es el de ocupar un espacio sino el de alterar el tiempo: que esa concepción del ser entrevista por él y concretada en esa forma material con tanto trabajo y tanta concentración espiritual se instale en el presente y se inserte en lo intemporal, que es finalmente lo que le da sentido a su trabajo y lo que hace memorable a su obra.De allí que el espectador perciba en sus obras un hálito vital intemporal, que resulta mucho más conmovedor y convincente que la mera distribución de la materia y los volúmenes en el espacio. Es más, el análisis de la forma que pueda hacer un crítico o un estudioso de la obra de Leiva no debe limitarse a determinar en abstracto el equilibrio tenso o reposado de las composiciones sino que debe conducir a descubrir la apertura de la forma al ser que reside y se expresa en cada escultura.
A lo que un escultor aspira a dar forma material no es nunca una figura que surja caprichosamente de su fantasía creativa. En los grandes escultores se trata siempre de una concepción del ser propia de su cultura y de su tiempo la que se abre camino en su espíritu y se instala y afirma en cada una de sus obras. Así lo ha entendido Max Leiva, y su trabajo ha sido precisamente el de buscar—y encontrar y expresar— la forma esencial que tiene el ser guatemalteco, la que lo define y lo afirma entre la diversidad caótica y conflictiva en la que parece dispersarse el ser humano en la actualidad. Situado en pleno siglo XXI, obviamente para Max ya no se trata del héroe indígena y del guerrero español de la conquista, del clérigo y el santo milagroso de la colonia, ni del obrero, el campesino y el soldado de la época revolucionaria. Sus personajes han sido modelados por otras ideas y otras vivencias, bajo otra atmósfera y otro clima, sin duda menos heroicas y espectaculares, pero no por ello menos decisivas a la hora de marcar un modo de ser, íntimo y entrañablemente profundo. De allí que su búsqueda de formas esenciales no se detenga en los tipos físicos y culturales, ni en los hechos históricos y anecdóticos que caracterizan la exterioridad de nuestra realidad visible sino que vaya hasta los sentimientos y pensamientos que palpitan en el interior de las personas y que hacen eco en su propia interioridad de artista.
Gracias a ese hálito, las esculturas de Max no son estáticas. Recortan con precisión el espacio donde surgen, espacio al que sus formas delicadas, rítmicas y elocuentes han destinado para una presencia esencial. La luz y el aire que las penetran y rodean cobran una cierta consistencia que define una atmósfera e instaura un ámbito en el que la materia reposa en la levedad de la forma, y la forma transparenta el significado de una vida. El momento que capturan no se detiene, y el movimiento, casi siempre lento y a veces solemne que las anima, se prolonga en el espíritu del espectador que las contempla. Es el momento de la comunicación, de la comunión. En el ámbito que abre su obra, tampoco la contemplación es estática o pasiva y más bien significa participación activa en lo que la obra propone. Y esto que propone y muestra la obra desde el espacio que ha ganado su forma, ocupa ahora el espíritu y la atención concentrada del espectador: es la reflexión que contiene e impone cada escultura de Max Leiva.
Así, no tiene nada de extraño que inicie su trabajo frente a una hoja en blanco, persiguiendo una imagen vaga con una línea desnuda y austera cuyos acentos leves o intensos, así como la amplitud y el ritmo de los trazos, están dictados por un estado de ánimo que subyace sobre la emotividad espontánea y cotidiana. Es decir que su obra en tercera dimensión se origina en una especie de indagación interior, en una introspección que es al mismo tiempo una iluminación que lo hace consciente no sólo de un estado espiritual muy particular sino también de la forma tangible que lo puede expresar y comunicar con todo su poder de conmoción. Es como un impulso lírico, como una poesía 21
¿Y TU MAYOR DECEPCIÓN? Tal vez sea el hecho de haber aprendido a “ver” con un ojo mas critico las cosas que me rodean, entender la forma, o el comprender que la belleza y la proporción no representan solamente un lujo en la vida de los hombres, etc.. Y notar como esto importa tan poco en la sociedad que vivimos. Cosas como esas pueden ser decepcionantes.
¿EN QUÉ AÑO TE INICIAS EN EL ARTE? En 1988, cuando cumplía 22 años me inscribí en la escuela de artes plásticas de Guatemala. ¿CÓMO TE DISTE CUENTA QUE QUERÍAS SER ARTISTA? ML. Es una decisión que se va madurando con los años. Hubo varios eventos aislados que fueron fijando la idea del arte en mi cabeza. Al principio no la tomé en cuenta, a pesar de tener la certeza que algunas técnicas artísticas se me daban con facilidad. Con el tiempo, y gracias a algunos eventos aislados puede tomar finalmente la decisión de inscribirme en la escuela nacional de artes plásticas en 1988.
¿QUÉ TE INSPIRA CADA OBRA? Las obras concluidas guardan los momentos y sentimientos del instante en que fueron creadas. Con el paso del tiempo esos mismos trabajos pueden ser una guía importante para seguir “estando inspirado”, digamos. En otras palabras, las obras que produces van dejando un camino en el que se puede volver atrás y también donde se van agregando nuevas formas de pensar, etc.
¿CUÁLES SON TUS MEJORES RECUERDOS DE ESTA ÉPOCA? Si se te refieres a la época de estudiante, creo que fue en parte la emoción de aprender apasionadamente algo. Mi experiencia en el colegio, o mejor dicho en los colegios por los que pasé, fue, digamos, bastante triste desde el punto de vista académico. De alguna forma llegué a creer que cualquier sistema de enseñanza podría ser similar o igual de tortuoso y desagradable.
¿A QUÉ ARTISTA NACIONAL O INTERNACIONAL ADMIRAS? Admiro mucho a Dagoberto Vásquez, Roberto Gonzáles Goyri, María Dolores Castellanos, Ramón Ávila, Elmar Rojas, Moisés Barrios, Arnoldo Ramírez Amaya, Julio Zadic. Me gusta también la pintura del colombiano Rafael Dussan y los escultores Nag Arnoldi, Max Bill, Javier Marín, entre otros. Todos ellos porque han logrado encontrar su propio lenguaje. Y aunque pueda sonar “gastada” esta frase, es realmente lo más importante para la trayectoria de un artista.
¿CUÁL FUE TU PRIMERA EXPOSICIÓN INDIVIDUAL Y EN QUÉ AÑO? Fue una exposición de dibujo en la galería El Áttico en 1996. ¿SI NO FUERAS ARTISTA, QUE SERÍAS? Creo que son cosas que se piensan a veces. Y aunque sea inútil contestar, intentaré tirar unas palabras al aire. De no haber descubierto el arte probablemente sería… observador de aves graduado de Harvard.
¿ CUÁLES SON TUS SUEÑOS? Poder seguir haciendo lo que hago con la misma energía, y extenderlo lo más que pueda. Sueño también con un país mas consciente de su cultura y el importantísimo concepto que esto implica.
¿CUÁL HA SIDO TU MAYOR SATISFACCIÓN? Poder vivir haciendo lo que me gusta.
¿CUÁL ES TU OBRA MÁS SIGNIFICATIVA? Miguel Ángel Asturias, avenida la Reforma… O al menos la mas conocida por los que me conocen.
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"...busquemos o escojamos objetos con significado, donde ha existido un cuidado en su elaboracion..."
¿QUÉ NOS PUEDES CONTAR DE TU INCURSIÓN EN EL GRABADO? Ha sido una experiencia muy agradable el ampliar los conocimientos en esta técnica; contando con un equipo de trabajo muy profesional como lo es el Taller Experimental de Gráfica TEG. Tuve la oportunidad de realizar con ellos un proyecto privado. Encuentro mucha similitud con la escultura en los procesos y herramientas de trabajo, considero que es un medio expresivo excepcional y muy importante en la agenda de todo artista. ¿QUÉ PIENSAS DE LA ESCULTURA PRODUCIDA ACTUALMENTE EN NUESTRO PAÍS? La verdad es que no puedo decir gran cosa, la crítica artística no es lo mío. Si bien es cierto que Guatemala aún no cuenta con una cultura escultórica, sí hay algunos talleres y personas que se dedican de forma profesional a la escultura. Pero dedicarse a esta labor, puede ser, para alguien que se inicia en esto, muy decepcionante, pues no es fácil encontrar personas con experiencia, o alguna escuela donde se enseñe la escultura como debe ser. Existen , eso sí, algunos escultores que han producido y siguen produciendo trabajos importantes y muy profesionales. Entre ellos puedo mencionar a Luis Carlos, Denis Leder, María Dolores Castellanos, Diana Fernández, Elmar Rojas, que es pintor, sin embargo ha ocupado importante parte de su tiempo y esfuerzo en perfeccionar algunas técnicas y procesos. Manolo Gallardo, más pintor, pero no por ello menos escultor, que en los últimos años se ha dedicado a exhibir esculturas de gran formato. La arquitecta Claudia Cirici que trabaja la cerámica escultórica en el único taller profesional del medio, produciendo excelente trabajo y al mismo tiempo ofreciendo cursos con profesionales de otros países. Existen otros ar-
tistas, algunos que han incursionado recientemente en la escultura, y existen excelentes trabajos realizados por pintores o artistas visuales que pueden ser calificadas como esculturas. Pero en muchos casos estos trabajos se producen en otros talleres, ya que los autores no se dedican de lleno a trabajar la escultura, o bien no conocen los materiales y procesos. Como repito, entrar de lleno a una producción de escultura en un medio donde no existen las facilidades, puede ser complicado para los que se inician, y esto de alguna forma ha frenado a muchos jóvenes que ya habían dado sus primeros pasos. El resultado es, menos escultura, menos escultores y más artistas escogiendo otros medios más “sencillos” o viables.
¿CÓMO ES UN DÍA EN TU VIDA? Suelo levantarme temprano, hago ejercicio, intento trabajar regularmente en la mañana y parte de la tarde, estoy en mi taller la mayor parte del tiempo, trabajando o haciendo algo que involucre la producción o administración de mi escultura .Mi casa está a la par de mi estudio por ello se me facilita llegar al taller en cualquier momento del día o la noche. ¿QUÉ MENSAJE LE DARIAS A TODOS LOS QUE SEGUIMOS TU TRABAJO? Tal vez que seamos más observadores y responsables con los objetos que escogemos o adquirimos para acompañar nuestras vidas. Comprender que en nuestros días existe una sobre producción de cosas. Muchas de ellas con poco o ningún significado. No es difícil alzar la vista y notar las miles de campañas publicitarias que invaden diariamente nuestro camino. Todas ellas dirigidas con el fin de consumir objetos y cosas que muchas veces no necesitamos. Si existe la posibilidad, busquemos o escojamos objetos con significado, donde ha existido un cuidado en su elaboración.
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Alexey Marroquin ArtiSpectrum,
THE CHELSEA PERSPECTIVE, New York
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Alexey Marroquin’s longtime interest in working with metals and architectural materials has led him to his current work, which brings universal forms of nature together with skilled and sensitive metalwork in stunning and beautiful ways. His mixed-media pieces highlight a dialogue between intimately organic forms and the beautifully pliant metal of aluminum. Nodules and bumps dot his surfaces in arrangements that resemble microscopic shapes, with a symmetry that brings to the forefront the idea of an order that might be buried within nature and which has been revealed here. Spherical shapes and loops of filaments connect tiny starbursts, and it is this mix of tendrils and stationary nodes that gives Alexey’s work its sublime tension. The subtle tones of his colors suggest the surface of pale, imperfect skin, here elevated to the level of the symbolic. Alexey has always been interested in the hidden logic of the universe and believes that it is through art that this logic can be revealed. Alexey Marroquin’s work bypasses issues of abstraction or representation and addresses the physicality of life just as it presents symbolic projections of physical reality. His artwork embraces both material truth and a transcendent view of the universe. ArtiSpectrum, NY 25
laexpo
42 AÑOS DE ARTE EN GUATEMALA
EXPOSICIÓN DE ANIVERSARIO EN
EL TUNEL
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El 7 de agosto a las 19:00 horas fue inaugrada la exposición colectiva que celebra el XLII Aniversario de la galería El Túnel. La muestra reunió significativas pinturas y esculturas de los artistas guatemaltecos de mayor trascendencia, en cuya selección, según Juan B. Juárez, predomina un criterio artístico - intelectual muy experimentado y maduro, interesado en mostrar, más que el colorido superficial de la tradición, las agitadas interioridades de la historia del arte guatemalteco desde una perspectiva que busca actualizar valores estéticos relacionados con la interpretación de la realidad individual y colectiva en el contexto de la sociedad guatemalteca de los últimos 50 años. Así, como el Trópico de diablesas de Efraín Recinos de 1966, con el universo de personajes y situaciones a las que alude su obra, pareciera abrir el abanico de reflexiones y documentos que reúne la muestra y que incluye a Elmar Rojas, Rolando Ixquiac Xicará, Moisés Barrios, Rolando Pisquiy, Francisco José García, Mariadolores Castellanos, Max Leiva, Ramón Ávila, Valenz, Lucia Rohrmann, Magda Eunice Sánchez, por mencionar algunos; cuya obra muestra la profunda vida interior que se ha formado a la sombra de una historia agitada y convulsa, y que se expresa con las formas estéticas más legítimas y auténticas.
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laexpo
Galería El Túnel:
16 calle 1-01, zona 10, Plaza Obelisco.
Teléfonos: 2367 3266 y 23673284
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pluma invitada
EL MERCADO
DEL ARTE E N G UAT E M A L A Por Luis Escobar
Desde hace algunos años, en nuestro país existe un desfase, a mi criterio, en el precio de los trabajos artísticos. Cierto es que la oferta y la demanda son las que determinan el valor de mercado de todos los productos que se comercian pero el producto artístico queda a discreción, pues es tan relativo como el gusto particular de quien lo escoge y adquiere.Entran en juego muchos factores para determinar cuánto puede costar una obra de arte, entre otros el nombre del autor, la importancia de la pieza de la que se trate, el período de realización y la escases de la misma en el medio. Cuando se trata este tema, es común recordar la frase “algo vale, lo que el interesado esté dispuesto a pagar”. Pocos negarían que por satisfacer un capricho y gozando de un alto poder adquisitivo se puede llegar a pagar conscientemente más de lo que se deba por una obra, con el fin último de adquirirla. Este caso en especial se convierte en un reto, una aspiración y por qué no decirlo, una necesidad para el coleccionista. En la cotidianeidad, deberían de existir parámetros para tasar el trabajo de un creador, aunque intangiblemente no lo tenga. Sería razonable pensar que el primer trabajo de un estudiante o iniciado en el mercado, no debería alcanzar el mismo precio que el de su mentor, sin embargo, al día de hoy, en algunas ocasiones se le acerca. En más de alguna oportunidad se ha dado el caso de que alguien guste de una pieza y la compre en esos rangos; lamentablemente su autor queda creído de que si pasó una vez, así ocurrirá siempre, cuando tal vez ello fue fruto de un gusto particular, de un impulso o quizás de una forma de apoyo al novato. Cada vez se ven más altos los precios de todas las creaciones plásticas y sobre todo las de autores que no tienen una sólida trayectoria, ni reconocimientos. Si tuviera que hacerse una proyección numérica, el trabajo de los maestros sería impagable. Lo irónico es que en más de una ocasión un interesado pague más por algo sin gran mérito o aporte, que por lo que tiene calidad, peso y propuesta seria. El hecho de que obras de autores nacionales que han tenido relevancia o no en el ámbito local estén a igual o cercano precio de creaciones de artistas extranjeros que han triunfado a nivel internacional, es difícil de aceptar. En determinadas circunstancias, resulta más conveniente viajar a otro país, adquirir la pieza y retornar a Guatemala, que comprar algo local que no lo justifica.El valor económico del producto artístico debería estar ligado a una extensa lista de parámetros que lamentablemente en el medio guatemalteco no son tomados en cuenta. Por lo tanto seguiremos viviendo ese desfase el cuál no sólo afecta a un sector de coleccionistas sino también al mercado en general. Un buen conocimiento, criterio y un sondeo en el ámbito de exposiciones y subastas le ayudarán a todo interesado a forjar una idea más concreta de cómo invertir de mejor forma sus recursos.
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laexpo
WOODS
AR T E G A L E RÍ A ABRE SUS PUERTAS Por Miguel Flores Castellanos
Cervecería Centroamericana y su marca Monte Carlo Premium invitaron a la inauguración de un nuevo espacio profesional de exhibición y adquisición de obras de arte. La inauguración de esta Galería fue el 10 de septiembre del presente año en Deco City, km 22.5 Carretera a El Salvador. Esta acción combina el interés de una empresa líder con más de 125 años de tradición empresarial y de servicio a la comunidad con la de un programa cultural que cuenta con la experiencia de tres generaciones de amantes del arte. La apertura contó con más de 50 artistas y 200 obras en exposición haciendo un diálogo entre épocas, técnicas y estilos, lo que la convierte en el sector,en galería pionera de estas diferentes disciplinas. Woods Arte Galería es un espacio equipado en forma profesional, en el cual se hizo un estudio específico de iluminación, se sectorizo en dos salas, la sala principal albergara exposiciones colectivas con diálogos entre antiguedades Guatemaltecas y orientales, Diseño de interior, arte moderno y contemporáneo demostrando así un diferentre estilo de Diseño; la segunda sala se convierte en la parte mágica de la galería llamada más allá del espejo una idea en conjunto con el artista Daniel Hérnandez inspirado sobre Lewis Caroll, mas allá del espejo es el espacio para las exposiciones individuales que cuenta con un Master Room, Para que el artista pueda expresarse con su maxima creación, convirtiendolo en un lugar íntimo para que el espectador puedar disfrutar la obra sin el ruido visual de la exposición colectiva. 32
Woods Arte Galería ofrece en forma paralela los servicios de asesoría en adquisición de obras a coleccionistas, creación de ambientes y servicio de restauración, con facilidades de estacionamiento y seguridad. Este es el inicio de una alianza a favor del arte que continuará con exposiciones nacionales e internacionales así como también propuestas colectivas, actividades artististicas y culturales a escuelas, colegios y universidades de manera virtual y con las más grandes expectativas de apoyar el arte en cualquiera de sus disciplinas. Contó con la colaboración especial de Xian, A&B Estudio, House in the Box, De Deur Naart Europa, Tapiz Genial y Muebles Legacy.
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Edwin Lone
ANTES DE LAS PALABRAS
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En la lenta evolución del ser humano, dice Herbert Read, las palabras aparecieron después de las imágenes, y el hombre primitivo, antes de que pudiera expresarse en un incipiente lenguaje verbal, graficaba sus pensamientos y emociones para comunicarlas a los miembros de su comunidad. Relacionar la breve y afilada gráfica de Edwin Lone con esa concepción antropogenética del dibujo, aparentemente se sale de toda proporción. Pero si se repara que los pequeños, agraciados e intrascendentes personajes que él traza con irónica y cordial habilidad, capturan, en vez de bisontes y antílopes, las rutinas que conforman nuestro modo de vida, previsible y civilizado, salta a la vista el parentesco de estos dibujos mínimos con los de los artistas de Lascaux y Altamira. Desempeñan la misma función, no tanto de representación y conocimiento de la realidad cuanto de anticipación y propiciación de sucesos en sus respectivos contextos: la caza, en la selva impredecible y aterradora, y el deambular, en la ciudad rutinaria y abrumadora; y en ambos contextos vitales, los dibujos son elementos clave para la sobrevivencia y para la formación de una conciencia primaria, de un puro darse cuenta que no llega todavía a discernir las causas de los efectos. Los dibujos de Lone también se anticipan a las palabras: son retratos amables de nuestra época. Los personajes han sido (de) formados más por el ambiente citadino que por la intención crítica del artista. De allí que no sean caricaturas, a pesar del humor festivo que los anima, pues les falta la actitud de burla o escarnio que provienen del enjuiciamiento moral. Tampoco son expresión de tormentos interiores que se originarían en una subjetividad crítica, facultad de la cual evidentemente carecen. Su deformación simplemente les viene de su acomodo inconsciente al ambiente saturado de publicidad y violencia. Acomodo automático que les permite sobrevivir y hasta medrar en el escenario previsible y rutinario de nuestra época. Para el espectador, sin embargo, los dibujos de Lone ponen una luz en la mirada y despiertan una sonrisa leve, señales inequívocas de la simpatía y del entendimiento. 37
S US C RÍB E TE EN US AN D O EL CÓD IGO:
CÓDIGO DE PROMOCIÓN POR TIEMPO LIMITADO
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bio / ramon avila el artista / doniel espinoza foto / alan benchoam
/ elartistamagazine
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OCT. - NOV. XIII / .03
Precio de venta US$ 5.00
AGOSTO - SEPT. XIII / .02
Y R ECIBE GR ATIS NUES TR AS E D ICIONE S EN FORMA FÍSIC A O DESC AR GA LA EDIC IÓN D IGITAL
bio / ixquiac Xicara el artista / max leiva pluma invitada / el mercado del arte
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