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MAYO XIII / .01

el artista / marlov barrios la galerĂ­a / MoMA, Ny bio / carlos merida 01


historiadelarte El arte rupestre

bio Carlos Mérida

noticias Goya se queda sin comprador en subasta de NY La Primera Subasta de Andy Warhol Platos Fuertes en las subastas londinenses 2013 MoMA, Ny

elartista Marlov Barrios

laexpo Mujer y Café Diana de Solares - en tránsito

plumainvitada El coleccionista

librodel mes La Loca de la Casa / Rosa Montero

social Rozas Botrán / La primera Galería con objetivo social

sangrenueva Jonathan Ardón 02


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editorial MAGAZINE EL ARTISTA Magazine, un sueño hecho realidad, un proyecto que nace en el corazón de sus creadores con el único fin de expresarse, y con ello llevar a las demás personas la belleza y las emociones sublimes que el arte conlleva. En esta edición de EL ARTISTA Magazine nos complace de sobremanera presentar la vida y obra de Marlov Barrios, quien desde muy joven ha logrado conquistarnos con formas y colores casi inimaginables. El es un artista consolidado, en ascenso, que nos hará viajar por un mundo nuevo de emociones, formas y color. Al hablar de la obra de Marlov Barrios no podemos dejar por un lado la evolución, disciplina y constancia de su trabajo, donde en cada obra nos asombra con la imaginación y color característicos del escultor, pintor y dibujante prodigio. “Porque todo el que hace algo con amor, es un artista.” GCH

gracias a... En la primera de muchas ediciones, queremos agradecer principalmente a Dios, por darnos la oportunidad de cumplir nuestros sueños; a nuestros colaboradores pues ellos son la columna donde descansa esta revista: gracias por sus ideas y ganas de trabajar. Agradecemos particularmente a nuestros anunciantes, por creer en nosotros y dejar que sus marcas y productos luzcan en estas páginas; a nuestros artistas, por ser creadores de emociones, vínculos e identidades; y muy especialmente a nuestros lectores, la razón de ser de EL ARTISTA Magazine.

Director editorial Gustavo Adolfo Chacón Concepto gráfico Andrea Villagrán Luttmann 04

Edición y Redacción Juan B. Juárez Traducciones Stephanie Alvarado

contacto revista@elartista.org mercadeo y ventas ventas@elartista.org +502 2331.2986 +502 5553.1593

www.elartista.org


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"retablo"/ Carlos Merida


historia delarte

pintura

rupestre

Una pintura rupestre es todo dibujo o boceto prehistórico existente en algunas rocas y cavernas. El término «rupestre» deriva del latín rupestris, y éste de rupes (roca). De modo que, en un sentido estricto, rupestre haría referencia a cualquier actividad humana sobre las paredes de cavernas, covachas, abrigos rocosos e, incluso, farallones o barrancos, entre otros. Desde este aspecto es prácticamente imposible aislar las manifestaciones pictóricas de otras representaciones del arte prehistórico como los grabados, las esculturas y los petroglifos, grabados sobre piedra mediante percusión o erosión. Al estar protegidas de la erosión por la naturaleza del soporte, las pinturas rupestres han resistido el pasar de los siglos. Se trata de una de las manifestaciones artísticas más antiguas de las que se tiene constancia, ya que, al menos, existen testimonios datados hasta los 40.000 años de antigüedad, es decir, durante la última glaciación. Por otra parte, aunque la pintura rupestre es esencialmente una expresión espiritual primitiva, ésta se puede ubicar en casi todas las épocas de la historia del ser humano y en todos los continentes exceptuando la Antártida. Las más antiguas manifestaciones y las de mayor relevancia se encuentran en España y Francia. Se corresponden con el periodo de transición del Paleolítico al Neolítico. Del primero de los periodos citados son las extraordinarias pinturas de la Cueva de Altamira, situadas en Santillana del Mar, Cantabria (España). Estas pinturas y las otras manifestaciones asociadas revelan que el ser humano, desde tiempos prehistóricos, organizó un sistema de representación artística, se cree, en general, que está relacionado con prácticas de carácter mágico-religiosas para propiciar la caza. Dado el alcance cronológico y geográfico de este fenómeno, es difícil, por no decir, imposible, proponer generalizaciones. Por ejemplo, en ciertos casos las obras rupestres se dan en zonas recónditas de la cueva o en lugares difícilmente accesibles; hay otros, en cambio, en los que éstas están a la vista y en zonas expeditas y despejadas. Cuando la decoración está apartada de los sitios ocupados por el asentamiento se plantea el concepto de santuario, cuyo carácter latente subraya su significado religioso o fuera de lo cotidiano. En los casos en los que la pintura aparece en contextos domésticos es necesario replantear esta noción y considerar la completa integración del arte, la religión y la vida cotidiana del ser humano.

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Bisonte de Altamira, la Capilla Sixtina del arte rupestre (Cantabria), España.

Anna Alonso Tejada y Alexandre Grimal Navarro: L´Art Rupestre del Cogul. Primeres Imatges Humanes a Catalunya, Pagès Editors, Lleida, 2007 (ISBN 978-84-9779-593-7).primitivo.


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bio

LA G E O MET R Í A DANZANTE DE

carlos mérida Por Juan B. Juárez

cia europea caló tan hondo en la sensibilidad del joven artista guatemalteco que a su regreso al país propuso a sus amigos, el poeta Rafael Arévalo Martínez, el músico Jesús Castillo, el escultor Rafael Yela Gunther y a otros artistas, el proyecto común de trabajar por un arte plenamente americano. Luego de su segunda experiencia europea que inició en 1927 y que lo llevó también a otros países del viejo continente, Carlos Mérida se estableció definitivamente en la ciudad de México en 1929. Allí, ya absolutamente consciente y seguro del origen y del destino americano de su arte, desarrolló la mayor parte de su obra, que comprende no sólo la pintura (que expuso en las más prestigiosas galerías de Nueva York, México y Latinoamérica) y el muralismo sino también el grabado (son famosos sus álbumes de trajes y costumbres), la ilustración de libros, la investigación de las artes populares, la escenografía y el diseño de vestuario para el ballet moderno, la crítica de arte y la reflexión teórica sobre la creación artística, campos desde los cuales ejerció una notable y benéfica influencia que se extendió por todo el continente y que continúa vigente hasta nuestros días.

Carlos Mérida (Guatemala, 1891- México, 1884), junto con el uruguayo Joaquín Torres García y el mexicano Rufino Tamayo, es uno de los pioneros del arte latinoamericano. Su trabajo de investigador, artista y teórico del arte siempre estuvo orientado a descubrir y expresar las raíces más profundas de la cultura local y asumirlas como la base de un arte de pretensiones universales que sirviera para que la gente de esta parte del mundo se diera cuenta de la singularidad y la riqueza de su origen y se sintiera orgullosa de su identidad americana.

En Guatemala, Mérida participó en la realización del Centro Cívico, importante proyecto que señala la modernidad del urbanismo, la arquitectura, la pintura y la escultura de la ciudad capital. Los murales que realizó en los edificios de la Municipalidad, el Instituto Guatemalteco de Seguridad Social, el Crédito Hipotecario Nacional y el Banco de Guatemala son, en efecto, algo más que obras decorativas: contribuyen decisivamente a que tal conjunto arquitectónico evoque a una moderna ciudad maya e incorpore en la atmósfera que lo envuelve valores culturales, históricos, cívicos y nacionalistas expresados en un lenguaje que no obstante la geometría de sus formas es inten-

Tan temprano como 1912, motivado por Jaime Sabartés, un catalán radicado en Guatemala, amigo de Picasso y posteriormente su secretario privado, Carlos Mérida viajó a París con Carlos Valenti. Era el momento, previo a la Primera Guerra Mundial, en el que la tradición artística europea entraba en crisis, sacudida por una nueva generación que buscaba expresar inquietudes vitales que no cabían en la estética del realismo académico ni siquiera en las formas más abiertas del impresionismo y neoimpresionismo. Frecuenta a Modigliani, Picasso, Paul Klee y a Piet Mondrian; estudia con Van Dongen y Anglada Camarasa y se hace amigo de Diego Rivera y otros artistas latinoamericanos que vivían en París. Esta primera experien-

samente poético.

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noticias

Goya se queda sin comprador

Primera subasta online de la fundación

NUEVA YORK, ESTADOS UNIDOS La obra “Retrato de Mariano Goya” del pintor José Francisco de Goya, en el que aparece el nieto del artista, no encontró ningún comprador durante una subasta de arte organizada por la casa Sotheby’s de Nueva York.

LONDRES, INGALTERRA La Fundación Andy Warhol subastará “online” por primera vez 125 obras pertenecientes a su gran colección del padre del Pop Art a través de la casa Christie’s.

La obra tenía un precio estimado de venta entre 6 y 8 millones de dólares pero la puja más alta durante la subasta fue de en torno a los 5,5 millones, por lo que la obra finalmente no se vendió al no alcanzarse el precio mínimo de venta, cifra que no fue divulgada por Sotheby’s por ser información confidencial.

Andy Warhol

La venta de los cuadros, dibujos, fotografías y grabados, cuyos precios estimados van desde los 600 hasta los 70 mil dólares durará una semana, desde el 26 de febrero hasta el 5 de marzo, y solo se podrá pujar a través de internet.

en las subastas londinenses del 2013 LONDRES, INGLATERRA (31/ENE/2013) Las casas de subastas Sotheby’s y Bonhams presentaron hoy a la prensa en Londres las obras más importantes que sacarán a la venta durante 2013, que incluyen millonarias obras de Picasso, Miró, Monet y Dalí, entre otros. Las principales casas de subastas, incluida Christie’s, abren la próxima semana sus temporadas, centradas en el impresionismo y el arte moderno, con un Picasso de 1932 en el punto de mira.

FUENTE EFE / ACF

en una subasta de Nueva York

Platos Fuertes

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El Museo se fundó como entidad privada y se benefició de numerosas donaciones de sus miembros y de diversas corporaciones, constituyéndose en un ejemplo para otros museos de su clase y ampliando las fronteras del arte a disciplinas no admitidas en otras galerías. Es considerado uno de los santuarios del arte moderno y contemporáneo del mundo y posee (a juicio de muchos) una de las mejores colecciones de obras maestras. Hospeda piezas tales como La noche estrellada de Van Gogh, Broadway Boogie Wogie de Piet Mondrian, Las señoritas de Avignon (1906) de Pablo Picasso, La persistencia de la memoria de Salvador Dalí y obras de artistas norteamericanos de primera fila como Jackson Pollock, Andy Warhol y Edward Hopper. El MoMA posee además importantes colecciones de diseño gráfico, diseño industrial, fotografía, arquitectura, cine e impresos. Cuando el Museo de Arte Moderno comenzó a exponer sus obras, gran parte del público de aquella época despreciaba el cubismo y el arte abstracto, porque chocaban con las líneas directrices que hasta ese momento marcaban la pauta del “verdadero arte” De las primeras vanguardias del siglo XX, el MoMA conserva obras clave de Pablo Picasso, Marc Chagall, Kandinsky, Mondrian, Henri Matisse, etc. Tiene un jardín de esculturas, con obras Auguste Rodin, Alexander Calder, Louise Nevelson, Pablo Serrano y Aristide Maillol, además de una sala de cine.

Research Reports Online (en inglés).

FUENTE Rockefeller Support for Projects on the Use of Motion Pictures for Educational and Public Purposes, 1935-1954 Rockefeller Archive Center

El Museo de Arte Moderno de Nueva York (llamado también MoMA, siglas en inglés de Museum of Modern Art) está situado en Manhattan en el 11 West con la calle 53 de Nueva York. Abrió sus puertas al público el 7 de noviembre de 1929, y fue fundado por los filántropos estadounidenses Lillie P. Bliss, Mary Quinn Sullivan y Abby Aldrich Rockefeller para “ayudar a la gente a entender, utilizar y disfrutar de las artes visuales de nuestro tiempo”. Es una de las mejores exhibiciones de arte moderno del mundo.

Después de cuatro años de reformas, en 2004 fue inaugurado el nuevo MoMA, con casi el doble de espacio. El museo tiene dos restaurantes y una cafetería. Por lo que en su próximo viaje, le recomendamos ir a conocer y disfrutar de el MoMA 14


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elartista

marlov barrios Por Juan B. Juรกrez

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Arquitecto, pintor, dibujante, escultor y grabador, Marlov Barrios es uno de los principales protagonistas de la escena artística guatemalteca de la última década. Estudioso, investigador y experimentador del lenguaje visual, su obra, en permanente metamorfosis, se extiende desde lo histórico y tradicional a lo contemporáneo y conceptual, desde lo lúdico y celebratorio hasta lo crítico y lo irónico, desde lo real a lo imaginativo y desde lo local y popular hasta lo culto y universal. De allí que, comprometido seriamente con su labor de artista, confíe más en el trabajo y la disciplina que en la inspiración y que, pese a las limitaciones que impone el medio a las profesiones artísticas, predomine en su obra y en su trayectoria una visión positiva de la realidad, no exenta de crítica reflexiva que, a veces, puede también ser mordaz. Teniendo en la mente esa actitud y esa dedicación disciplina al trabajo, a la investigación y la experimentación (que no ha sido exclusivamente formal, técnica y expresiva, sino que incluye aspectos materiales), al estudio y la lectura, se comprende fácilmente que la trayectoria de Marlov Barrios sea una sucesión de logros conseguidos con mucho esfuerzo que le han dado la convicción de que el mundo puede cambiarse. Desde su carrera de arquitecto, la fundación del grupo La Torana, los diferentes premios, sus estudios en México y sus exposiciones locales e internacionales, las realizaciones de este artista tienen algo de constructivo y de ejemplar que va más allá de los beneficios personales. Esta entrevista nos permite adentrarnos un poco más en esa actitud positiva y otros aspectos de su intimidad que han sido tan determinantes en el éxito de este artista joven.

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elartista Entrevistador: ¿Cuántos años tienes en el arte? Marlov Barrios: Inicié en 1999, en la facultad de arquitectura en la USAC, quiere decir que llevo ya más de 13 años de dedicarme a las artes visuales en Guatemala.

E.: ¿Cuál fue tu primera exposición? M.B.: Mi primera exposición fue en el año 2000, en una pequeña sala del edificio de correos. La exposición se llamaba “Alegorías de la apariencia” y ha sido la exposición más feliz que he tenido, ya que conté con la presencia de mi familia y amigos más cercanos. Aunque no contaba con fondos para comprar un coctel, los amigos y familiares realizaron una colecta y de esa manera hubo coctel. Aparte de eso, yo mismo me encargué de enmarcar la obra, montar la exposición e imprimir las invitaciones. Son momentos interesantes que uno tiene que pasar para poder forjar una carrera seria y honesta en el arte.

E.: ¿Cuándo te diste cuenta que querías ser artista? M.B: Yo tenía un impulso desde niño de darle respuestas a todo lo que el mundo me daba a partir de la imagen; y todo lo predisponía, desde el dibujo, el color y el manejo del espacio, desde mis primeros años creo que siempre mi búsqueda ha sido a partir del color, la imagen y los símbolos, cuando llegué a la USAC, me di cuenta que quería ahondar más en el trabajo de las artes plásticas.

E.: ¿Cuál fue el primer cuadro que te pareció bien hecho? M.B.: Más que un cuadro fue el encuentro con el dibujo, fue una serie de trabajos donde empecé a desprenderme de esa escuela rígida del dibujo arquitectónico para hacer algo más espontáneo. Siento que fue el momento que me expresé con propiedad.

E.: ¿Qué es lo que más recuerdas de esa época? M.B.: Vale la pena hablar de la patria de los recuerdos. Lo que uno vive en la niñez es lo que uno es en el futuro. Yo estuve muy expuesto a la tradición musical guatemalteca, inicialmente estudié marimba; mi inicio en el arte no fue en las artes plásticas, fue con la música, eso es lo que más recuerdo de esa época, la música con las artes plásticas.

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“...admiro a todo artista que pueda ver en su obra toda la libertad de expresarse...”

E.: ¿Si no fueras artista, qué hubieras preferido ser? M.B.: Trataría de vincularme siempre con la creatividad… si no fuera artista plástico, posiblemente sería músico.

no tengo un momento de decepción, creo que todos los momentos han sido memorables, y me siento una persona afortunada en el camino del arte.

E.: ¿Cuál ha sido tu mayor satisfacción en el arte? M.B.: Mi mayor satisfacción en el arte es cada día que tengo la oportunidad de poder vivir y dedicarme enteramente a producir mi obra, aquí en Guatemala, que es un país con tanta efervescencia y tantos problemas. No todos los artistas en un país como el nuestro tienen esta oportunidad, pero no lo considero como suerte, es para mi una vocación que yo asumí con todo el precio que uno puede pagar por ello, porque es como nadar contra la corriente.

E.: ¿Qué piensas antes de iniciar una obra? M.B.: Yo pienso muchas cosas, muchas de esas no tienen nada que ver con el arte: la vida familiar, el amor, la vida cotidiana, la frustración social que hay en Guatemala; pero siempre trato de hacer una obra a partir de la improvisación, de la sorpresa, de esa posibilidad energética que tienen los materiales. Más que tener un norte trazado, me interesa la oportunidad de explorar en un territorio que tiene tanta tradición, como la pintura.

E.: ¿Cuál ha sido tu mayor decepción? M.B.: Yo me siento afortunado, siento que yo he podido hacer arte en Guatemala a pesar de la lucha que todos tenemos que hacer; he tenido un gran respaldo, me ha apoyado mi familia, los coleccionistas. Así que, al contrario, creo que

E.: ¿Tienes algún ritual antes de iniciar una obra? M.B.: No tengo ninguno, pero siento que sí necesito mucho silencio, mucha observación, para estar en un momento de afinidad de los sentidos.

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elartista E.: ¿A qué artista admiras? M.B.: De diferentes generaciones admiro a varios, pero admiro a todo artista en cuya obra pueda ver toda la libertad de expresarse sin ni siquiera ninguna autocensura; supongo que decir un nombre no sería justo.

estridentes, son intensos; es más, nunca suprimo los colores que van surgiendo en el proceso, los voy utilizando como una posibilidad más.

E.: ¿Qué tendencia crees que es más determinante en ti, la de pintor, dibujante, escultor o grabador?: M.B.: Me defino como un explorador de la imagen, donde en determinado momento, he tenido una afinidad con el dibujo constante, pero he tenido contacto con obras de carácter escultórico, pictórico, etc. Pero eso viene de cómo voy evolucionando como ser humano, pero mi trabajo es multidisciplinario.

E.: ¿Qué te inspira? M.B.: Más de inspirarme, trato de ponerme una rutina de trabajo. No creo precisamente en mi inspiración, creo más en una capacidad de exploración y ahondar sobre diferentes temas. E.: ¿Qué sueños tienes con respecto al arte? M.B.: Tener la posibilidad de seguir explorando. Más que producir, me interesa entender ciertos temas sociales que me apasionan. Me gustaría tener más vida, salud, tiempo, para dedicárselo a mi familia y a mi ocupación que son las artes visuales.

E.: ¿Cuál fue tu última exposición?: M.B.: Se llamó “Futurama”, fue en la Galería El Carmen, en Antigua Guatemala. E.: ¿Qué podemos esperar de Marlov Barrios en un futuro cercano? M.B.: Principalmente tengo una exposición en marzo en México, en la Galería Anomalía en el DF.

E.: ¿Qué obra es la que más recuerdas? M.B.: Una serie de dibujos que se llaman “micro fe”; fueron una paradoja interesante, porque la fe en teoría debería de ser algo inmenso, pero “micro fe”, es hacerla finita, hacerla pequeña, para hacer al ser humano más vulnerable.

E.: ¿Qué mensaje les darías a todas las personas que hemos seguido tu trabajo?: M.B.: Básicamente sería un mensaje de gratitud, porque siento que es un reconocimiento el hecho de que las personas se emocionen al ver mi obra. Les diría que todo lo que haga en el futuro será con la misma pasión con la que lo he hecho hasta el día de hoy.

E.: ¿Cuál es tu color favorito? M.B.: Me gusta mucho el rojo, el negro y el turquesa. E.: ¿Qué color no te gusta usar? M.B.: Trato la manera de pensar que todos los colores son 20


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/ elartistamagazine

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ARTURO MONROY

laexpo

mujer y cafe

la calidad proviene de su O RI GE N Mujer y café son palabras que -más allá de su significado propio- expresan trabajo, esfuerzo y dedicación en el ámbito del agro guatemalteco. En La Galería Rozas Botrán estos conceptos se unen con el arte para la exposición a la que han sido convocados más de 60 artistas visuales. Por medio de ellos, el arte ha elegido deslizarse en ese espacio agrario para interpretarlo, con sus logros, dificultades y grandes retos. Las obras que se exhibieron en La Galería de la zona 14 despliegan una gran riqueza de expresiones, así como los cafés arábigos lavados que se producen en Guatemala presentan diferentes características. Éstas se deben a la altitud, el tipo de suelo, la temperatura, la nubosidad y el régimen de la región en donde se cultivan, dando como resultado producciones con cualidades únicas. Esas cualidades se incrementan por medio del cuidado, responsabilidad y amor aportado por las manos de mujeres y hombres que intervienen en el cultivo, cosecha y procesamiento del grano. De igual forma sucede con la creación de obras de arte, representadas a través de pinturas, esculturas, fotografías y medios audiovisuales.

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En este caso, la ejecución plástica dependió en gran medida del tema. Por ello se puede hablar de resultados temperamentales y expresivos, dentro de una muestra muy ecléctica en cuanto a recursos pictóricos, volumétricos y audiovisuales. Puede decirse que la mayoría de artistas invitados presenta retratos, bodegones y paisajes figurativos particulares y contemporáneos, cada uno a su manera. Evidentemente, las obras revelan la identidad nacional que el café inspira. Después de analizar el conjunto de propuestas consideramos que se hace notoria la presencia de la figuración, aunque en la actualidad existan grandes revoluciones artísticas que han alterado las estructuras del arte. Como bien dice la historiadora española Ana María Preckler, “como un tesoro preciado, en silencio, sin triunfalismos, sin rupturas, casi escondido, ha estado el arte figurativo de siempre, motivado por una vocación irrenunciable a la figura, a la realidad, al ser”. En esta exhibición apreciamos un arte figurativo innovado y transfigurado en y desde su esencia. El conjunto constituye una cosmovisión que ve y comprende el agro y nos lo enseña a través de las cosas creadas, las visibles y las invisibles. La trans-figuración en el arte, como todos los cafés de altura de Guatemala, presenta una combinación balanceada, definida y elegante. No cabe duda que la calidad, tanto de la muestra que presentamos como la del café de las distintas regiones proviene de su origen.

Jose Rozas Botrán

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ELMAR ROJAS

laexpo

MAYRA KLEE

TACHE AYALA / PATRICIA VALLADARES

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AMALIA PADILLA


JUAN CARLOS LEMUS

ILNA DE MOLLER

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pluma invitada

el coleccionista Por Juan B. Juárez

En el mundo contemporáneo el coleccionista juega una función clave en el desarrollo del arte, ya sea que éste se considere como una elevada expresión de cultura o como objeto de apetencias individuales que se resuelven en transacciones comerciales. De hecho, en el mercado de arte que define a la producción artística de nuestros días, el coleccionista es protagonista al mismo nivel que los propios artistas, los críticos y las galerías, pues sus acciones y opiniones, sus gustos y sus intereses —y sobre todo sus adquisiciones—, sean cuales fueren, constituyen la demanda real que en muchos casos determina no sólo los precios de las obras sino también las tendencias que siguen los artistas. En Guatemala la figura y la influencia de los coleccionistas en el desarrollo del arte del siglo XX no ha sido estudiada suficientemente, ya sea porque se trata de un fenómeno relativamente reciente que vino aparejado con el surgimiento del mercado de arte en los años 70, principalmente a través de subastas de beneficencia y las primeras galerías privadas, o bien por un puritanismo conceptual que evita aplicar al arte los términos que se aplican para estudiar otros fenómenos económicos. Así, arte y mercado siguen siendo términos y actividades que deben mantenerse separados pues, según esa concepción puritana, se corre el peligro de que el segundo degrade al primero. Y dentro de ese contexto, el coleccionista aparece o bien como el despistado benefactor de las causas nobles o como encarnación de todos los males que trae aparejado el dinero y el mercado. Las cosas afortunadamente han empezado a cambiar y los propios coleccionistas, a falta de instituciones del Estado que velen por los bienes artísticos, consideran a sus colecciones como un tesoro que pertenece a toda la sociedad, y a ellos mismos como los responsables de su conservación y de la motivación para su aprecio público y su incorporación al acervo cultural del país. Ese es precisamente el sentido que el Banco de Guatemala le ha dado a su valiosa colección de arte nacional, y a la publicación en 2002 del libro Joyas artísticas del Banco de Guatemala que incluye valiosos estudios críticos. Y ese ejemplo fue el que motivo a José María Palacios Porta a publicar en 2010 el voluminoso libro “Arte de Guatemala” que reúne las obras de su colección como una manera de devolverlas a su destinatario original: la sociedad guatemalteca en su conjunto.

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libro delmes

la loca de la casa /R O S A M O NT E R O Por Lester Oliveros Ramírez

Rosa Montero es una revelación interesante. Me dicen algunos lectores que lo que cuenta es sugestivo, como el libro Pasiones, un recuento de amores tormentosos. Yo leo La loca de la casa, un libro que a primera mano podría parecer un manual para escritores debutantes, o para periodistas en ciernes, sin embargo es una novela, en la que Rosa Montero va narrando parte de su adolescencia, sus amores y los libros que llevaba siempre bajo el brazo. Por eso está lleno de citas de autores, como Italo Calvino o Mario Vargas Llosa, entre muchos otros. Me gusta porque habla con una honestidad, que como todas, roza la insolencia y uno se ríe con ella de su ingenuidad adolescente. Cuenta sobre todo de cómo logró encontrar un sentido para su vida en el periodismo; de cómo entendió sus ataques de ansiedad, como los superó con el juego serio de escribir novelas, en las que inventaba mundos y dejaba libres sus miedos. Las ansiedades se fueron volviendo personas que caminaban por sus novelas. Éste en particular, La loca de la casa, hace referencia a esa parte de uno que no tiene nada que ver con la razón, sino con algo mucho más sentimental parecido preciso al amor. Recomiendo su lectura, porque me agrada sobre manera que se puede leer el libro con facilidad, uno se encariña con los sueños de la autora y la lectura fluye encantadora, en una mañana en la oficina, en un café ó en la banca de un parque.

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(Alfaguara, 2003) Rosa Montero es una periodista y escritora española.

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laexpo

diana

de solares

/EN T RÁ NS I T O OBRA RECIENTE

Las construcciones abstractas de la artista Diana de Solares comienzan en su estudio y son completadas dentro del espacio de exhibición. En los últimos años la artista ha utilizado materiales modestos como el MDF, alambre de amarre, hilo o cuerda y jirones, varillas de hierro y objetos encontrados descartados así como pintura acrílica. Pero el componente esencial de su obra es el espacio, el vacío en el cual se desenvuelven e interactúan las construcciones en la sala de exhibición. Así, establece una conexión orgánica entre la obra y el muro, el suelo, el techo, el vano.

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Las piezas que se despliegan, a partir de económicas líneas rectas y alguna curva: tiras de MDF de una pulgada, que dibujan el espacio saliendo de la pared, del suelo o del techo, todas en precario equilibrio. Las esbeltas estructuras ocupan un espacio reducido, lo cual contribuye a su carácter vulnerable y frágil. En la muestra En Tránsito en Sol del Río Arte Contemporánea, el uso generoso del color intensifica el movimiento de las líneas y la fragmentación de las partes. A lo largo de un corredor central que atraviesa la galería desde la puerta de la entrada hasta el patio trasero, la artista ha colocado una fila de mínimas estructuras lineales, a la manera de pórticos estrechos, los cuales no podría atravesar un adulto. La interacción visual y conceptual de las 4 o 5 estructuras activa el espacio de la exhibición. Otras construcciones lineales se acomodan en los demás ambientes entablando una complicidad con las piezas bidimensionales. En general, ninguna pieza alcanza la altura de un cuerpo humano.

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En tránsito propone un espacio intermedio entre el objeto y el no-objeto, la no-cosa. Los materiales encontrados han sido cuidadosamente intervenidos pero apenas son objetos aunque tengan una naturaleza material y a veces una historia. Su razón de ser no es convertirse en obra sino participar en el proceso de revelar el espacio interior y exterior. Son entes provisionales, admiten configuraciones alternativas, y al terminar la exhibición, serán desarticulados y pasaran a formar parte de nuevos procesos.

SOL DEL RÍO ARTE CONTEMPORÁNEA

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social

Rozas Botran la primera galería con OBJET IVO SO CI A L

Las modernísimas instalaciones de la Galería no sólo proveen el lugar donde apreciar es una experiencia significativa sino también el punto donde se originan las actividades y proyectos que realiza la Fundación Rozas Botrán en beneficio de la niñez guatemalteca. En ese sentido, la galería de la Fundación Rozas Botrán es el punto en que el apoyo de las personas al trabajo de los artistas y al desarrollo del arte nacional se transforma en ayuda directa a los más necesitados. En efecto, la Galería de la Fundación Rozas Botrán es la fuente de ingresos que permite el funcionamiento del Hospicio San José, la institución más grande de Guatemala dedicada a la atención integral de niños, y del Campus Médico San José, que brinda cuidados especializados a niños y adultos con VIH/sida, una iniciativa del presidente de la Fundación, el señor José Rozas Botrán. Con fondos generados por las actividades de la Galería, la Fundación Rozas Botrán construyó en el Campus Médico San José la sede del primer Instituto de Investigación Genética, INVEGEM, con el cual se convierte en la primera institución del país con proyección integral en el área de salud. El Instituto para la Investigación Científica y la Educación Acerca de las Enfermedades Genéticas y Metabólicas Humanas —INVIGEM— es una institución concebida para la

atención de las personas y familias afectadas por enfermedades hereditarias de origen genético de mayor prevalencia en la población guatemalteca y el continente americano, y para cooperar en la formación del personal calificado en esta área de la salud. Para ello el INVEGEM cuenta con recurso humano altamente calificado que le permite asumir el compromiso de participar efectivamente en la formulación y desarrollo de acciones de promoción, prevención, diagnóstico, tratamiento, rehabilitación y educación en salud, orientadas a los familiares y pacientes y todo aquellas personas involucradas en este campo de la atención médica. También dentro del Campus Médico San José la Fundación Rozas Botrán actualmente está construyendo el Centro de Servicio Integral de Rehabilitación Física, ASIS, un centro especializado en servicios de rehabilitación física, con carácter social, que cubrirá las necesidades terapéuticas de la población con requerimientos especiales. De esta manera, la Galería de la Fundación Rozas Botrán ha logrado establecer una estrecha relación entre la ciencia y el arte, vinculándolos en un proyecto de desarrollo social que beneficia a los más necesitados.

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sangre nueva

jonathan ardon un dibujante con garra Por Juan B. Juรกrez

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Si la línea más simple y elemental es el rastro visible del acto mental que consiste en apropiarse de la forma de los objetos que constituyen el mundo del ser humano, un dibujo más o menos complejo es simultáneamente un acto de conocimiento, una forma auténtica de creación y una manera legítima de afirmación y de expresión individual. No importa que el tema sea un desnudo, un rostro, una casa, una máquina, una montaña o unos seres fantásticos y que se resuelva con realismo o fantasía, con poco o mucho detalle, como diseño o como esquema, el dibujo será siempre un producto del intelecto y la imaginación, las facultades más altas del entendimiento. Y si además está hecho con cierto genio y a partir de cierta sensibilidad, como es el caso de Jonathan Ardón, el dibujo resultante será, además, una auténtica obra de arte.

El dibujo y la línea en manos de Jonathan —en la mente, en el corazón de Jonathan—, en efecto, alcanzan niveles conceptuales e imaginativos bastante complejos que lo definen con propiedad como lenguaje y como un agudo instrumento de indagación y expresión de su contexto y de su interioridad. De allí, esas aves dibujadas con un realismo delicado y preciso a las que, sin embargo, la garra afilada y el ojo abismal delatan como simbólicas. O esos rostros imaginarios cuyas líneas casi esquemáticas sedimentadas de desencanto y tristeza nos devuelven un reflejo irónico de nosotros mismos. Atrás de Jonathan se adivina y se siente a Abularach, a Ramírez Amaya, a Erwin Guillermo, a Alejandro Urrutia, a Juan Francisco Yoc; quizás a Goya y a Cuevas: la palpitante tradición que templa su mano joven de dibujante, alada y con garras.

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agenda

agenda 2-30/mayo

Arte en Mayo 2013. Museo de Arte Moderno Carlos Mテゥrida, salテウn 6 Finca Nacional La Aurora Zona 13.

4-25/mayo

Consuelo Secaira / Mundo Resplandeciente Galerテュa El テ》ico 4ta avenida 15-45 zona 14.

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EL ARTISTA MG #1