Trayecto de identidad(es). Autorretratos con cita visual (III).

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El presente catálogo, alojado en la página web Educar la mirada. Puntos focales de la historia audiovisual (www.um.es/educarlamirada) es uno de los resultados del proyecto “Prácticas de innovación docente para el aprendizaje creativo de la teoría e historia de los medios audiovisuales”, coordinado por la profesora Rebeca Romero Escrivá, dentro de las acciones llevadas a cabo por el grupo #IDECoA (Innovación Docente en Estudios de Comunicación Audiovisual, educación participativa y cambio social: http://idecoaum.es) de la Universidad de Murcia, durante los cursos académicos 2018/2019 y 2019/20. Quedan rigurosamente prohibidas, sin la autorización expresa de los titulares del copyright, bajo las sanciones establecidas en las leyes, la reproducción parcial o total de esta obra, por cualquier medio o procedimiento. Edita: Grupo #IDECoA, Facultad de Comunicación y Documentación. Universidad de Murcia. Rebeca Romero Escrivá (ed.) Maquetación y diseño de cubierta: José Gomariz Martínez Revisión de textos: Ana Bravo Imagen de portada: Psyché Kai Tekné, de Irene Martínez Piñero ©de las fotografías: sus respectivos los autores ©de las textos: la editora ISBN: 978-84-09-25043-1 Murcia, octubre de 2020


Trayecto de identidad(es) Autorretratos con cita visual (III)



Índice PRÓLOGO.................................................................................................................................................................................................p. 7 AUTORRETRATOS...............................................................................................................................................................................p. 15 Beach Ryder, de Claudia León Martínez [p. 16] Parálisis permanente, de Isabel Sarrión Carrillo [p 18] Mi trono es un sillón de Ikea, de Samuel Ballester García [p. 20] Peculiaridades de la mirada, de Iban López Fernández [p. 22] A través del objetivo, de José Ángel Gómez López [p. 24] Better Days, de Vladislava Saliy [p. 26] Nightmare, de Laura Almela Martínez [p. 28] Mute, de Ni Zhenyuan [p. 30] Mirada, de Cristina Castillejo Ruiz [p. 32] Espejito, espejito, de Salma Nassib [p. 34] Psyché Kai Tekné, de Irene Martínez Piñero [p. 36] Batalla, de Raúl Bravo Meseguer [p. 38] Los 400 golpes, de David Zambudio González [p. 40] One thing I can tell you is you got to be free, de Andrea Flores Saura [p. 42]

Doble cara, de Pedro José Órenes Villaescusa [p. 44] Through the lens, de Irene Miñarro Martínez [p. 46] The origin, de Paula Martínez Navarro [p. 48] Cuando algo se rompe, de Javier Pérez Pérez [p. 50] Frida Kahlo, de Celia Pedreño Reverte [p. 52] Hecho (a) trozos, de Francisco García Raigal [p. 54] Ohana, de Daniel Rivera Galiano [p. 56] El lenguaje de la libertad, de María Escámez Moreno [p. 58] Un domingo por la mañana, de José Antonio Costa Muñoz [p. 60] Mi vicio, de Clara Rubio Hernández [p. 62] Eclipse, de Joaquín Medina Rubio [p. 64] Blue no kagami, de Bryan David Marín Velásquez [p. 66] Un viaje de cine, de Alfonso y Manuel Bernal Asensio [p. 68] En directo, de Guillermo Sánchez Santiago [p. 70]

REFERENCIAS VISUALES...................................................................................................................................................................p. 73



Prรณlogo Rebeca Romero Escrivรก



«Un autorretrato es la exposición de la obsesión por ser siempre otro, por hallarse en un lugar imposible de localizar cuando tanto desearíamos determinar su posición. Huida hacia delante, el autorretrato es la experiencia de la travesía de los espacios, los tiempos, los estratos que recorren los mundos en los que creemos habitar, cuando son ellos los que nos habitan». MARIE-FRANÇOISE GRANGE

«La imagen es puesta en evidencia como “fábrica de identidad”, como el espacio en el que el sujeto se constituye en el recorrido de “sus” representaciones, en la absorción de la sucesión de “sus” fantasmagorías». JOSÉ LUIS BREA «El acto de decidir mirar… El mundo no está definido por cómo me miran, sino por cómo yo miro». AGNÈS VARDA

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l viaje hasta nuestra identidad dura toda la vida y entraña no solo un desafío ético —el de la confianza en sí mismo—, sino un experimento estético que no deja de influir sobre la persona que somos. Lo que parece una obra lograda es solo una parada en un cruce de caminos. La historia del arte, desde la pintura hasta el cine, ha proporcionado lecciones inolvidables sobre ese trayecto, marcado por un individualismo acérrimo que se resiste, sin embargo, a marchitarse en el desierto de la soledad creativa. Toda creación, desde los primeros días, involucra un mundo entero. -9 -


Incluso el artista que se mira fijamente a sí mismo tiene algo que enseñarnos, la búsqueda de un lenguaje o estilo que puede suponer un beneficio colateral para el espectador o la sociedad en su conjunto. Estos trabajos son una ilustración de esa inalcanzada, pero alcanzable fraternidad a la que aspira la imaginación visual. Más allá de las palabras, tan eficaces en el ámbito de la comunicación, los autorretratos pretenden explorar y reforzar vínculos en el plano de una memoria compartida que aún responde al principio de que «la cualidad más profunda de una obra de arte es la cualidad de la mente de su productor». Las fotografías que conforman este tercer catálogo de la serie, que hemos titulado Trayecto de identidad(es) , tal como ocurría en los anteriores, La percepción del yo (2017) y Reflejos (de)formados (2018), mantienen como presupuesto las premisas de la creatividad y la cita visual, en el marco del subgénero del autorretrato. Realizadas por estudiantes en periodo de formación de la asignatura “Teoría e historia de los medios audiovisuales”, de primero y segundo curso del Grado en Comunicación Audiovisual de la Universidad de Murcia, comparten el común denominador de su sentido autorreferencial: pensar al otro para pensarse a sí mismo. Todas tienen como punto de partida una forma de mirar inspirada en la pintura, la fotografía, el cine o la música. Su deuda es el hilo conductor que nos permite apearnos en este trayecto de identidades. En ocasiones no muestran tanto la existencia como la total evanescencia del autor. «En el espacio de la representación uno es siempre otro», diría la gran autorretratista del siglo XX Cindy Sherman. A través de la exageración, la tergiversación y el surrealismo, Sherman siempre actúa de sujeto de su obra representando diversos papeles en los que provoca la reflexión tanto del espectador como de sí misma en calidad de personaje y artista. Autorretratos que trazan un itinerario desde la ausencia hasta la multipresencia, de la identidad a la alteridad, de la ficción a la autobiografía, del espacio artístico al íntimo, de la presencia literaria a la plástica o fílmica. En su serie Untitled Film Stills (1977-80) trabajaba el lenguaje visual del cine de los años 40 y 50, inspirándose en directores como Hitchcock. Lo que se ve en sus obras es el rastro de su continuo desaparecer. En la época del selfie y la self-expresion, el espacio del autorretrato se abre, por tanto, como territorio de la otredad, del yo fabricado, homologado a la cita visual, en un ejercicio histórico que implica la autorreflexión - 10 -


crítica, al modo en que también lo ha hecho el fotógrafo Sandro Miller en su proyecto Malkovich, Malkovich, Malkovich. Homage to Photographic Masters (2013). Miller recrea con gran habilidad las fotografías icónicas de la historia del medio que le han ayudado a dar forma a su carrera. En nuestro proyecto no disponemos de un actor camaleónico como John Malkovich para emular a los protagonistas de las imágenes homenajeadas, sino que son los propios alumnos quienes además de convertirse en fotógrafos hacen también de modelos a la manera de Sherman o de cineastas como Agnés Varda, puesto que exploran el género del autorretrato. De este modo, la imitación o remake fotográfico crea nuevos significados y perspectivas de interpretación en la medida en que su autor ha de habitar el espacio de representación del otro, actualizarlo y hacerlo propio Desde el punto de vista de la visual literacy o alfabetización audiovisual, con este ejercicio se profundiza, en términos visuales, en la figura retórica del préstamo, sobre cuyo autor y contexto de creación el alumno se ha documentado previamente. La retórica visual maneja múltiples tropos y figuras del mismo modo que lo hace el lenguaje oral y escrito. En el campo del audiovisual, entendemos que un autor recurre a un préstamo cuando imita otra imagen, el estilo de otro autor o un tema que no es el de la propia representación para enfocar su discurso. Cuando el préstamo se realiza en composiciones artísticas, empleando obras de autores célebres, tal y como hizo Marcel Duchamp en su famoso ready made de la Mona Lisa con bigote (1919), pasa a denominarse “apropiación”. La apropiación es uno de los recursos retóricos más empleados en el arte contemporáneo. El cine constantemente recurre a ella con alusiones directas a películas y a fotografías recreadas en elaboradas puestas en escena.1 En este sentido, los autorretratos que presentamos no solo recrean fotografías y pinturas clave de la historia del medio, sino también fotogramas de películas o videoclips musicales. Puesto que el autorretrato se inclina más del lado de lo metafórico y lo poético que de lo narrativo, viene acompañado de un breve texto o comentario ideado por su autor. Cada estudiante hace de guía o intérprete de su propia imagen, en ocasiones en términos más personales que históricos. 1

Respecto a este último, basta con citar la intertextualidad que Scorsese propone en muchas de sus películas, al trasladar a la pantalla calcos cinematográficos de conocidas fotografías de la historia del medio gracias al trabajo elaborado por Dante Ferretti, su asiduo diseñador de producción, que ha logrado imitar deliberadamente fotografías icónicas del Nueva York de Jacob Riis o el París de Brassaï, Kertész y Cartier-Bresson en películas como Gangs of New York (2002) o Hugo (2011), respectivamente. Véase ROMERO ESCRIVÁ (2008).

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En esta tercera serie, a diferencia de las dos anteriores, hemos preferido no reproducir en página enfrentada la obra en la que se inspira cada autorretrato, con el fin de no condicionar su lectura. Como alternativa, recopilamos todos los referentes en un mosaico o collage hipertextual que cierra el catálogo e invita al espectador a localizar su homólogo clicando sobre cada pieza del puzzle. Partimos de la idea de Bergala de que «la creación no es el reverso del análisis». De acuerdo con la premisa que sostiene el proyecto web Educar la mirada (www.um.es/educarlamirada), en el que se aloja este catálogo, para acercarnos con propiedad al universo de los grandes creadores es preferible tener una experiencia artística íntima, directa y personal, aunque sea modesta, que implique asumir riesgos, sentir el miedo y el júbilo que supone el gesto creativo en sí mismo. Si toda imagen incorpora un modo de ver, como dijo John Berger, ese gesto nos invita a habitar la piel del otro mientras entrenamos el ojo y el alma del estudiante. Ellos deciden dónde poner el foco de atención, dónde apearse en este trayecto de identidades que jalonan la historia de los medios audiovisuales; un trayecto que en la exposición colectiva que reaviva este catálogo, titulada Pedagogías de la imagen (inaugurada el 13 de junio de 2018 por el artista Isidoro Valcárcel Medina) [véase la fig.1], adoptó la forma de una línea temporal amarilla de 14 metros de longitud que atravesaba la sala que conecta la Facultad de Comunicación y Documentación con la Biblioteca General de la UMU de extremo a extremo [fig. 2]. El infograma trazaba una secuencia expositiva que incluía veinte “puntos focales”, paradas o altos en el camino, que aquí se ven ampliados con los trabajos del curso académico 2019-20. Aquella exposición y este catálogo buscan subrayar así el concepto de identidad entendido como un viaje que dura toda la vida, un diario visual que entraña y despliega, desde los referentes clásicos de Rembrandt o Van Gogh hasta los contemporáneos de Sherman y Miller, el desafío ético y estético de la autoexpresión artística.

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Figs. 1 y 2. Exposición colectiva Pedagogías de la imagen en la que participó el equipo de Educar la mirada. Puntos focales de la historia audiovisual. Arriba, croquis de la instalación donde se aprecia la línea temporal que atraviesa de extremo a extremo la Sala Isidoro Válcarcel de la Facultad de Comunicación y Documentación. La infografía traza una secuencia expositiva que incluye veinte “puntos focales”, paradas o altos en el camino en la historia de los medios audiovisuales.

Referencias: BERGALA, Alain (2007). La hipótesis del cine. Barcelona: Laertes. BERGER, John (2018). Modos de ver. Barcelona: Gustavo Gili. BREA, José Luis (2003, junio/agosto). Fábricas de identidad (retóricas del autorretrato). Exit. Imagen y cultura, 10, 82-91. GRANGE, Marie-Françoise (2015). L’autoportrait en cinéma. Rennes: PressesUniversitaires de Rennes. MILLER, Sandro (2013). Malkovich, Malkovich, Malkovich. Homage to Photographic Masters. Recuperado de <http://www.sandrofilm.com/story/malkovich-malkovich-malkovich-homage-to-photographic-masters>. [Fecha de consulta: 12/10/2020]. ROMERO ESCRIVÁ, Rebeca (2009). Riis, Capa, Rosenthal. Traducciones cinematográficas de la fotografía. L’Atalante.

Revista de estudios cinematográficos, 8, 124-133 SHERMAN, Cindy (1977-80). Untitled Film Stills. Nueva York: MoMa.

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Autorretratos


Beach Ryder

Claudia León Martínez En mi recreación he querido establecer un paralelismo mostrando mi pasión por el kitesurf como deportista de alta competición; mi tabla, al igual que el maletín del médico, es esencial para el ejercicio de mi profesión. Aquí el gesto de preocupación se torna en una expresión de dicha, a pesar del frío invernal y del viento borrascoso. Yo también además he retocado el cielo, aunque con métodos digitales menos rudimentarios, para conseguir la sensación de frío y de apariencia tormentosa. Como dijo Eugene Smith a propósito de su fotografía “no tengo reparos en orquestar una imagen si siento que intensifica algo que es totalmente auténtico”.

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ara realizar esta fotografía me basé en uno de los primeros fotoensayos modernos que se conocen, Country Doctor. En concreto, me inspiré en la fotografía de apertura de Eugene Smith. Su imagen, a pesar de la aparente espontaneidad que transmite, como el propio autor admite, fue planeada y retocada en el cuarto oscuro para aumentar el dramatismo de las nubes y que estas se vieran más amenazantes. El médico, retratado con cara de preocupación, se dirige a atender a su próximo paciente: un niño gravemente herido. - 16 -



Parálisis permanente Isabel Sarrión Carrillo

Al fin llega el sueño, la tranquilidad, el alivio. Ahora mi ser no es más que el polvo suspendido que se manifiesta con los primeros rayos de luz, una catarsis, anestesia, un ambiente de tranquilidad racional después de un aterrador y revelador encuentro con lo más macabro del ser humano: el subconsciente.

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o macabro. Un conjunto de simples elementos que conviven en paz, pero que unidos conforman un perverso escenario que muestra una imagen totalmente irreal de la existencia. Es el momento en el cual tenemos un pie en el mundo real y el otro en un espacio surrealista. Una pesadilla lúcida, un viaje astral, parálisis. Hablo de esa transición entre la realidad y el sueño, el REM y el no REM. El cuerpo se adentra en un pasillo oscuro donde una masa de seres inimaginables rodean tu cuerpo, susurran, gritan, corren, saltan, producen angustia, ansiedad, impotencia... Una cadena rodea tu cuello, tratas de huir sin éxito, hasta que te das cuenta de que estás solo, tú contigo, con tus pensamientos, las entrañas de tu subconsciente. Todo se convierte en una danza macabra.

En mi autorretrato he tratado de manifestar el respeto que Witkin muestra hacia lo extraño o terrorífico reinterpretando la naturaleza anómala, perversa y transgresora de su arte, materializada en obras como The Harvest (1984).

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Mi trono es un sillón de Ikea Samuel Ballester García Al haber roto con las cadenas del género es de esperar que me convierta en una persona fuerte, segura y empoderada, algo que aparentemente he conseguido debido a mi actitud en la fotografía, pero esta idea contrasta con el mensaje que aparece en mi camiseta: “I need attention, please kiss me”.

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as personas agénero tenemos representación artística desde principios del siglo XX, lo que considero un hecho completamente fascinante y digno de ser homenajeado. Para Cahun, cuya fotografía I’m training, don’t kiss me (1927) reinterpreto en mi autorretrato, la sexualidad y la identidad no son inamovibles: se asumen y son tan intercambiables como la ropa. La provocativa forma de vestir que muestra en su serie de autorretratos podría considerarse una expresión de rebelde conciencia que rechaza identidades asignadas en favor de una constante reinvención del ser.

Incluyo una referencia a la novela Crepúsculo no solo para intentar replicar el aspecto desconcertante latente en las obra de Cahun, sino también como símbolo de los elementos que puedan denigrar la imagen varonil de un hombre cisgénero, ya que una novela tan asociada al género femenino, a ojos de la sociedad es inconcebible que sea disfrutada por un hombre.

He decidido honrar su obra (mezcla de fantasía, sublevación, parodia, transgresión y metáfora) aun cuando propongo cambios importantes respecto al significado de la imagen original: la idea principal de mi autorretrato es crear una falsa sensación de empoderamiento. - 20 -



Peculiaridades de la mirada Ibán López Fernández Para mí, el elemento más significativo es la mirada. Como dice el refrán, “los ojos son el espejo del alma”. Estos son capaces de reflejar nuestros estados de ánimo, pensamientos y hasta las emociones más íntimas. Además, a través de nuestra mirada vemos el mundo, lo captamos y lo interpretamos, pero también lo reflejamos. Por eso, para mí, una mirada es la forma (metafotográfica y cinematográfica) más bonita y pura de comunicación no verbal. De ahí que haya decidido elaborar una tabla como las de Bertillon con mis diferentes miradas. ¿Podéis leer mi retrato hablado? Dicen que una mirada vale más que mil palabras.

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¿ utorretrato? ¿Es posible reflejar toda nuestra persona en una sola foto? Alphonse Bertillon, un fotógrafo y policía francés, llevó a cabo un estudio morfológico de los caracteres peculiares del rostro para facilitar la identificación de delincuentes. Bertillon decía que los rostros hablan, comunican información. Por este motivo denominaba a sus fotografías de delincuentes “retratos hablados”. Defendía que la información que nos transmiten los retratos puede codificarse en un lenguaje y darle usos sociales. Para realizar sus identificaciones, Bertillon elaboró tablas en las que mostraba posibles variaciones de partes del rostro, como la oreja. - 22 -



a través del objetivo José Ángel Gómez López Con A través del objetivo pretendo plasmar esos momentos en los que el ojo actúa como cámara y compone imágenes que quedan registradas en la memoria. La metáfora del ojo como objetivo. Me he inspirado en un autorretrato del fotógrafo Elliot Erwitt, aunque no he querido reproducir su obra de una manera literal, sino más bien ofrecer mi propia visión del cine ojo marcando al ojo como la cámara. Con esto también pretendo reflejar mi pasión hacia el mundo visual como una parte inherente a mí.

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iempre he tenido la percepción de que el ojo es la mejor cámara que existe. Una ilimitable fuente de imágenes que observa más allá de lo palpable, capaz de enredarse en el detalle. Recuerdo los largos viajes en coche mirando por la ventana, o en autobús del pueblo a la ciudad para ir a clase por las mañanas. Aquellos amaneceres disimulados por las montañas y los primeros rayos reflejándose la ventana. También recuerdo los paseos por la ciudad en el anochecer navideño, y las luces de la Gran Vía prendidas, creando un aura sin igual. El ojo graba en nuestra retina miles de millones de imágenes desde el minuto uno de nuestro nacimiento hasta que dejamos este mundo. - 24 -



Bet ter Day s Vladislava Saliy

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Paradójicamente fue el dibujo, mediante mis personajes, quien me ayudaba a alcanzar los sueños que anhelaba. Con él soy capaz de crear historias, historias que recrean partes de mi ser, del pequeño gran mundo que reside en mi interior.

esde pequeña yo quería ser de todo. Me interesó la criminología, me enamoré de la música, la ciencia siempre ocupará gran parte de mi corazón —desde la astrofísica hasta la medicina—, y la psicología, así como las letras, me maravillan, entre otras pasiones.

En el momento en el que vi la obra de Sébastien Del Grosso noté cómo me atacó. El reflejo de mi batalla en su obra puso en evidencia el desastre en el que me estaba convirtiendo, y decidí finalmente enmendarme haciendo las paces. A veces necesitamos vernos reflejados en otras personas para reafirmarnos en quienes somos.

Hace poco me enfrenté a una guerra, pero no de las bélicas, sino una en la que mi enemigo era el dibujo, faceta que consiguió eclipsar gran parte de las demás inquietudes. Lo odié. Odié al dibujo por arrebatarme el tiempo y la vida que podría haber dedicado a otras aspiraciones. Sentía que me estaba frenando como persona, que contenía todo mi potencial. Odié a todos los personajes creados por el camino, los culpé del nudo que sentía. Porque, aunque amaba a todos y cada uno de los que había dibujado, no quería implicarme. Sentía que exigían de mí una atención que no tenía el valor de darles. El odio era recíproco. - 26 -



Nightmare Laura Almela Martínez

I tried to scream, But my head was underwater, They called me weak, Like I’m not just somebody’s daughter. It could’ve been a nightmare, But it felt like they were right there, And it feels like yesterday was a year ago, But I don’t wanna let anybody know, ‘Cause everybody wants something from me now And I don’t wanna let ‘em down. [Everything I wanted, de Billie Eilish]

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MUTE Ni Zhenyuan Cuando vine a España no sabía español: en el colegio, no poder compartir y dialogar con los compañeros, hacer amigos y socializar era un sufrimiento constante. Esto me hizo cada vez menos expresivo y participativo, y fomentó mi mundo interior. De ahí que haya reinterpretado las manos de la fotógrafa servia Jovana Rikalo, cuya obra Not Yourself Concept manejo de referente en mi autorretrato. Además, mi brief fotográfico es uno de los motivos por el que he elegido esta carrera de Comunicación Audiovisual, ya que me ofrece la oportunidad de aprender a expresarme ante el mundo.

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ivimos en un mundo de sobreinformación, tenemos un acceso muy fácil y rápido a todo lo que ocurre, por lo que cada vez resulta más sencillo ser influido, silenciado, por la opinión pública y perder o encadenar nuestra capacidad crítica a la de otros. Es un problema grave, ya que las manos que nos silencian no solo vienen de fuera, sino de nosotros mismos cuando nos conformamos con aceptar opiniones ajenas para encajar en un grupo de iguales. Cedemos el poder a la voz de la mayoría por miedo a ser considerados outsiders y con ello perdemos nuestra capacidad de expresión. - 30 -



Mirada Cristina Castillejo Ruiz Por otra parte, los ojos abstraídos, perdidos, sutiles, miran fuera de campo. En consonancia con el surrealismo, la idea era producir sensaciones y no tanto representar la realidad, con el fin de que el espectador se recree en la mirada. Los ojos son una de las partes más íntimas del ser humano. En ellos se concentra la esencia de uno mismo, porque, como dice Gustavo Adolfo Bécquer, el alma también puede hablar por los ojos. Y es que una mirada vale siempre más que mil palabras.

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ara realizar este autorretrato me he inspirado en Les Larmes, del fotógrafo dadaísta y surrealista Man Ray. A primera vista, me pareció un retrato sencillo de imitar. Sin embargo, una vez que me detuve a analizarlo, fui consciente de la dificultad de recrear el sentimiento que expresa el rostro. Me di cuenta de la infinidad de matices que presenta una mirada y que hacen que esta sea única. Así pues, en este autorretrato existen varios elementos clave con los que trato de captar la atención del espectador. Por una parte, las lágrimas, que en este caso he querido representar mediante diamantes por dos motivos: el primero, porque cada lágrima es única e irrepetible en la medida en que encierra una historia, un recuerdo, una emoción o un sentimiento; el segundo, por su cualidad surrealista y expresiva (lágrimas estáticas, que no resbalan por el rostro). - 32 -



Espejito, espejito Salma Nassib De ahí que eligiese como referente para imitar la fotografía de Richard Avedon. Su imagen representa bien las distintas percepciones de belleza, ya que nosotros vemos a una mujer hermosa reflejada en el espejo y ahora sabemos que posiblemente ella no se veía del mismo modo. Audrey Hepburn decía que era una buena mezcla de pequeños defectos; yo creo que esto es aplicable a todos nosotros, pues son precisamente esos “defectos” lo que nos identifica y diferencia de los demás.

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ace un tiempo me encontraba buscando información sobre Audrey Hepburn para la realización de un trabajo académico y di con el típico artículo titulado “10 cosas que no sabías de Audrey Hepburn”. Entre otros datos interesantes, me llamó mucho la atención saber que Audrey Hepburn no se consideraba guapa; directores que trabajaron con ella afirmaron que a menudo se quejaba de la forma de su nariz o de sus ojos. Esto me hizo reflexionar. Me llevó a pensar cuántas personas que consideramos hermosas no se creen así, y, más importante, ¿por qué yo no me considero guapa? Cada vez que me miro en el espejo veo cosas de mí que no me gustan: tengo la cara demasiado ancha, mis ojos son ligeramente asimétricos… - 34 -



PSYCHÉ KAI TEKNÉ (Ψυχή και τέχνη) Irene Martínez Piñero Escogí la imagen de Halsman para componer mi autorretrato por su modelo, Peter Ustinov, un polifacético de las artes. Descubrí que compartimos nuestras dos principales pasiones: la interpretación y la escritura. El título de mi autorretrato está directamente relacionado con esta perspectiva. En griego antiguo, Psyché kai Tekné significa ‘arte y alma’. Siempre he sido una persona muy inquieta, incapaz de enfocarme en una sola cosa, de modo que pensé que sería adecuado que el título estuviese formado por dos palabras, en lugar de una sola. La dualidad es otro tema importante en el autorretrato. Todo parece estar sostenido en dos partes: blanco y negro, arte y alma, interpretación y escritura.

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ara este autorretrato decidí inspirarme en la fotografía tomada por Philippe Halsman al actor y guionista Peter Ustinov en 1950. Halsman era especialmente conocido por sus jumping photos, retratos a artistas y famosos de todo tipo captados en medio de un gran salto, para, según el autor, mostrar su verdadero rostro, ya que en movimiento es difícil controlar la expresión de la cara. Mi jumping photo está realizada en un interior, a diferencia del retrato de Ustinov, porque prefería un fondo neutro que eliminase distracciones y que aportase profundidad a mi figura. He conservado el blanco y negro originales, pues proporciona intimidad y dramatismo, junto con un granulado que imita el grano de la fotografía analógica, dándole así el efecto vintage que quería mantener respecto a su referente.

Con esta fotografía me reafirmo en mi creencia de que no todo tiene por qué ser de un solo tono, sino que la coexistencia puede darse hasta en los asuntos más profundos, como la vocación.

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Batalla Raúl Bravo Meseguer

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iento que a veces soy mi peor enemigo, que arruino mis metas. Por ello escogí de referente para la elaboración de mi autorretrato la fotografía de Ben Zank “Untitled 331”, que pertenece a su serie Suits y en la que retrata a personas a las que, aun no viéndoseles el rostro, son capaces de transmitir emociones. El autor defiende que estos autorretratos le definen a él y a sus modelos mejor que un selfie, que desnaturaliza a las personas. Como en “Untitled 331”, en “Batalla” me observo a mí mismo como si fuese un cuerpo inconsciente y sin vida. Me observo desde arriba, me juzgo y me culpo de mis errores. A la vez soy capaz de dejar atrás una versión con la que no me siento cómodo. Por este motivo, aparece una pistola al lado de mi alter ego inconsciente, pues la ha usado para transformarse en una persona más sabia. Esta última mira a su versión pasada para aprender de los errores. - 38 -

No es un suicidio lo que represento, sino una liberación. Una liberación que deja atrás las malas experiencias y los sentimientos de culpa para archivarlos como algo de lo que sacar provecho y seguir adelante. Muere la versión afectada por mis problemas, que actúa víctima de mis impulsos más fugaces y que no piensa con claridad. Cada persona es un mundo y, como en este, cada uno libra sus propias batallas. Mis batallas han sido duras, pero he conseguido pasar página y asumir que todo lo ocurrido me ha construido como persona.



LOs 400 golpes David Zambudio González Por eso he elegido esta referencia fílmica, porque Antoine también está cansado, triste y solo. Y a pesar de todo, tengo ganas de seguir adelante porque, al igual que el niño de Truffaut, tarde o temprano veré el mar, alcanzaré mis metas, aunque aún no tenga muy claro cuáles son. Además, a diferencia de Truffaut, quien creció en un entorno hostil y precario, y de su personaje Antoine, no me he escapado de casa y tengo una familia de 14 sobre 10.

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“ ruffaut creó a Antoine Doinel y le hizo correr en busca del mar en esta película mágica que es tanto un grito de rebeldía como un soplo de vida”. Esta cita de un crítico de El País resume el motivo por el que decidí recrear en mi autorretrato la escena de Les 400 coups en que el niño espera preso en el calabozo a ser juzgado. Con esta imagen he intentado transmitir la tristeza, la soledad y el cansancio que me invaden cada vez que abro los ojos por las mañanas, pero también la rebeldía que despiertan. - 40 -



One thing I can tell you is you got to be free Andrea Flores Saura

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ste autorretrato es una recreación de la portada del tercer albúm de The Beatles titulado A hard day’s night, realizado por Robert Freeman, mítico fotógrafo de esta famosa banda (1964). Desde muy pequeña, mi familia me ha enseñado a apreciar la buena música. Hablo de los clásicos y de los grandes éxitos radiofónicos de cualquier año o década, como este famosísimo cuarteto conocido por todo el mundo. Da igual la edad que tengas, seguro que has escuchado alguna de sus canciones. Sin embargo, no he venido a escribir de música, he venido a escribir de fotografía. Robert Freeman para esta portada sugirió la idea de una composición de cuatro filas con diferentes fotografías como si de una serie de fotogramas de película se tratase. Se pueden observar diversas expresiones faciales, algunos sentimientos y emociones.

Para mí representa el lado humano de la fama. Cuando veo la televisión o, para qué engañarme, las redes sociales de algunos actores y actrices, cantantes, influencers, etc, siempre me sorprendo por la vida aparentemente tan maravillosa y llena de alegría que tienen. A veces me pregunto si dichas personas lloran, están tristes, menstrúan o aunque sea un tema tabú, van al baño. Estas fotografías representan ese lado humano, enfadado, triste, asqueado, con manías… y más viniendo de este gran fenómeno de masas que fue The Beatles. Por otro lado, ya que se trata de un autorretrato, mi recreación representa todas las expresiones que puedo tener a lo largo del día, como si la vida fuera una película y yo una de las actrices del reparto: alegría, miedo, asco, ira, desánimo, decepción, serenidad, vergüenza... Algunas veces, en relación con lo mencionado anteriormente, somos nosotros mismos los que escondemos nuestras emociones y sentimientos debido al qué dirán. Por esta razón he decidido también emplear una de las frases de su canción Come Together como título de la composición para reivindicar la libertad de ser uno mismo y asegurar a nuestra mente un buen estado de salud alejándola de preocupaciones. - 42 -



Doble cara Pedro José Órenes Villaescusa

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a imagen que recreo en mi autorretrato es un fotograma de The Suicide Squad (David Ayer, 2016) en el que vemos al personaje del Joker, quien —tras una situación dolorosa— está cerca del suicidio (según indican las armas mortales que lo rodean y la pistola que sostiene en su mano). Aun así, nunca pierde la sonrisa. En mi caso he querido recrear esta imagen por mi gusto por el personaje y el sentimiento que podía transmitir al referenciarlo. Los elementos más destacados de mi retrato son la media cara sin maquillaje que parte mi rostro en dos, y la pistola que remite al suicidio: he querido emular al joker con ese “bang” tan característico suyo. El humo, como elemento ambivalente, puede representar tanto la muerte como el resurgir de un fénix. - 44 -



Through the lens Irene Miñarro Martínez

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a imagen aquí presente es una recreación de la película de culto La ventana indiscreta (Rear Window, Alfred Hitchcock, 1954). James Stewart interpreta a L. B. Jefferies, un fotorreportero profesional con una pierna escayolada que pasa largas horas husmeando vidas ajenas a través de la ventana de su apartamento, un espectáculo de lo más curioso y peligroso, puesto que, como es sabido, acabará destapando un caso de asesinato. El film pone de manifiesto que el acto de mirar no es inocente. Acaba teniendo consecuencias en la vida de quien observa. Susan Sontag decía que las imágenes “amplían nuestras nociones de qué vale la pena mirar y qué tenemos derecho a observar”. Mi autorretrato pretende poner de manifiesto las implicaciones éticas que conlleva el acto de mirar, lo voyeur entendido como introspección psicológica del propio individuo, que mira hacia afuera antes que a sí mismo.

He elegido homenajear esta película en mi autorretrato porque el estudio de la relación entre la fotografía y el cine me fascina. Disfruto mucho con el cine clásico y admiro profundamente el trabajo de Alfred Hitchcock, en particular, me encanta el modo que tiene tanto de abordar el suspense en sus películas como de construir la psicología de sus personajes y sobre todo el cuidado que pone en cada detalle de la puesta en escena. Asimismo, empatizo con Jefferies en muchos aspectos. Se muestra como un hombre al que no le entusiasma la idea de estar atado a lugares ni personas. Es alguien sencillo que no necesita mucho, valora sobre todo su libertad y seguir haciendo su trabajo, aunque su salario sea lo justo para vivir. No le gusta la perfección porque, como la cotidianidad, la considera aburrida. Me identifico igualmente con la imaginación de los personajes y sus emociones contradictorias. Como fanática del misterio y el terror, comparto los pensamientos que rondan en sus cabezas. Desde pequeña leo a Poe y a King, entre otros autores del género. Por todas estas razones, cuando miro esta imagen, me veo enormemente representada. - 46 -



The origin

Paula Martínez Navarro

Guardarse las cosas ahoga, de ahí la bolsa, símbolo de aquellas situaciones que agobian, estresan o hacen que te frustres contigo mismo. El ojo, instrumento para mostrar las realidades invisibles, es la clave de mi inspiración, de mi referencia, de ahí que sean mis manos las que lo sostienen. Para cambiar la vida, los surrealistas descubrieron que era necesario cambiar primero la mirada, reinventar la forma de ver, el punto desde el que se observa. En la película en la que me inspiro hay una frase que se me quedó grabada: «Cada persona que vive en este planeta tiene un par de ojos únicos, cada uno con su propio universo», y es precisamente lo que he pretendido representar con mi autorretrato. Se parte del iris de una persona para generar una concepción mucho más compleja: la del ser humano y su relación con otros.

L

a imagen que he concebido como autorretrato contiene una referencia a la película I Origins, escrita, dirigida y producida por el director estadounidense Mike Cahill. Este film, de 2014, trata sobre un biólogo molecular que estudia la evolución humana a través de los ojos. En mi fotografía aparezco como figura central, mirando a cámara y sosteniendo una fotografía de mi propio ojo, con una bolsa de plástico en el cuello y rodeada por diferentes manos que, a modo de anáfora o repetición visual, tratan de ahogarme o socorrerme. Todas ellas pertenecen a personas de vital relevancia en mi vida. El primer grupo de manos de la parte superior corresponde a mi familia; me cuidan, arropan y sostienen, pero también en ocasiones ejercen presión sobre mí. El segundo grupo de manos, ubicado en la parte inferior, son las de los amigos, libres de censuras, por ello aparecen intentando quitarme esa bolsa que aprieta mi cuello. - 48 -



Cuando algo se rompe Javier Pérez Pérez

La baja autoestima y las inseguridades me han limitado en muchos aspectos de mi vida hasta el punto de llorar ante un espejo. De ahí la sábana húmeda que me cubre el rostro. La tela representa dos aislamientos: uno, físico o externo, el no poder verme ni oírme (verme en espejos, fotografías, videos me produce sensación de asfixia); otro, interno o emocional, que he querido cosificar incluyendo mi alter ego reflejado en el espejo. La sábana no solo está usada como elemento de retraimiento, también es una coraza para protegerme de comentarios externos. Por su parte, el espejo representa el primer escalón en la represión de mis complejos: si no soy capaz de verme bien, ¿cómo voy a aceptarme? También es un elemento ambivalente: constituye el divorcio o escisión de ambos “yoes”, que, sin embargo, tratan de fusionarse por medio de un beso, un acto de reconciliación conmigo mismo.

M

i autorretrato recrea la obra pictórica de René Magritte Los amantes (1928). De carácter surrealista, es la primera de una serie de dos cuadros al óleo titulados de igual manera. En ambos se muestra a dos personajes que, con los rostros tapados por unos velos húmedos y ubicados en escenarios neutros, juegan con la idea de interior-exterior. Su significado suscita controversia: amor secreto, prohibido, ciego, dos desconocidos que se enamoran sin conocerse o que nunca llegan a intimar del todo… ”La realidad es tan equívoca, incoherente y abstracta como cualquier pintura”, decía Magritte a propósito de las interpretaciones. He querido extrapolar esa supuesta relación de dos amantes al amor más importante que existe y el que más cuesta alcanzar, el propio. - 50 -



Frida Kahlo Celia Pedreño Reverte

M

e he inspirado en un autorretrato de Frida Kahlo, una artista y mujer trascendente, admirada por muchos no solo por su pintura sino por su fuerte personalidad. Pese a que su obra es considerada surrealista por algunos críticos, Kahlo no estaba de acuerdo con esta catalogación, ya que decía que ella no pintaba sueños sino su propia vida. La fotografia a color que rememoro en mi autorretrato, única en la vida de la pintora, forma parte de una serie tomada por Nickolas Muray, quien mantuvo una relación romántico-amistosa entre 1937 y 1946 con Frida. Esta obra la he escogido principalmente porque para mí Frida es un referente tanto humano, porque consiguió sobrellevar sus desgracias con una gran serenidad y fortaleza, como artístico. - 52 -



Hecho (a) trozos Francisco García Raigal

H

echo (a) trozos está basada en el trabajo de David Hockney con los Joiners. Se trata de una serie de fotografías, tomadas primero con Polaroids y después con estampados de 35mm, que consisten en la unión de varias imágenes para formar un todo; estas, en palabras del autor, “producen una gran sensación espacial y nos recuerdan a obras cubistas”. En un principio, consistían en la unión de imágenes consecutivas en las que Hockney trabajaba sobre dos elementos: el foco (punto de vista que adoptamos) y la velocidad (capacidad de la cámara para congelar instantes). Más tarde descubre un tercero: el tiempo (al ser fotografías hechas a partir de un conjunto de tomas, se genera una narrativa en la que el espectador se mueve a través del cuadro). Hecho (a) trozos imita la estética Polaroid mediante un montaje digital. Sin embargo, no escogí como referencia los Joiners para trabajar los elementos de tiempo, velocidad o foco, sino porque Hockney no había aprovechado - 54 -

el potencial de usar distintas imágenes para alterar la realidad, un nuevo aspecto que introduzco en mi proyecto al incluir mis defectos físicos (referenciados en las casillas más claras): tengo la espalda encorvada, vitíligo en los párpados, venas abultadas y estoy muy delgado. La casilla vacía en el centro de la composición representa todo lo que soy que no está reflejado en la imagen. De este modo, el tema fotográfico presenta una comparación entre mi forma de ser hacia los demás y lo que realmente pasa dentro de mi cabeza. Las zonas no encerradas por la cuadrícula simbolizan la visión que doy al mundo: un abrigo limpio y liso, que resulta agradable a la vista, acompañado de las líneas horizontales del muro, que otorgan estabilidad. Una vez que nos adentramos en la cuadrícula todo se vuelve una maraña confusa y abrupta. El desequilibrio busca generar incomodidad y tensión, de modo que el espectador no pueda descansar la vista en un punto concreto. La cuadrícula de Hermann genera cierto “caos visual” que invita al espectador a ver la foto de forma aleatoria y desordenada.



OHANA Daniel Rivera Galiano Puesto que el género fotográfico implica mostrar algo que nos defina como personas y para mí la familia es su lugar natural de crecimiento, me pareció que la imagen de Custic se prestaba a ser adaptada y convertida en un retrato familiar bastante original.

“Ohana means family and family means no one gets left behind or forgotten”.

H

Lilo & Stich (Dean DeBlois y Chris Sanders, 2002)

e elegido como referencia audiovisual de mi autorretrato una imagen del fotógrafo hispano-serbio Filip Custic. Este fotógrafo que pertenece al movimiento Objetivismo, es conocido sin embargo por su proyecto El mal querer, en el que ilustra cada una de las canciones del disco del mismo nombre de la cantante española Rosalía. Filip Custic se ha encargado de ilustrar con imágenes cada una de las canciones del disco. Si bien la mayoría de sus obras están editadas de una manera característica (con esos objetos y colores recurrentes), no todas son así. De entre sus series, me llamó la atención la colaboración que hizo con la marca de ropa francesa Balmain. La imagen en la que me inspiro para componer mi autorretrato es una fotografía que pertenece a esa serie.

Uno de los aspectos que más me gusta de la composición de Custic es que todas los rostros están inclinados y de frente. Su repetición produce una cadencia, que en mi imagen subraya el concepto de unión, lo cerca que estamos los unos de los otros, a pesar de que la convivencia no siempre sea fácil.

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El lenguaje de la libertad María Escámez Moreno

L

a música existió antes de la llegada del ser humano. Para mí es algo tan antiguo como la tierra, siempre ha estado ahí. Mi pasión por la música surgió la primera vez que vi a una persona tocar un instrumento. Yo era pequeña y no es de extrañar que quedase fascinada: el sonido melodioso que salía de ese piano, la forma en que se movían los dedos del intérprete, cómo trasmitía lo que sentía sin decir ni una sola palabra. En ese momento decidí que quería tocar un instrumento y elegí la flauta travesera.La música me ha ayudado a superar mis peores momentos, expreso con ella lo que siento sin palabras. Cuando toco, mi flauta habla por mí, desnudo mi alma en las notas, cierro los ojos y me siento libre; aunque esté frente a un auditorio, no tengo miedo ni vergüenza. - 58 -

En su fotografía —que, a su vez, está basada en La bañista de Valpinçon (1808), de Ingres—, Man Ray logra cosificar el violín en Kiki de Montparnasse. Me inspiró tantas sensaciones que recordé al verla la libertad que siento al tocar la flauta, el modo en que me desnuda por dentro. En mi opinión, dos de las dimensiones más importantes de mi vida, música y libertad, están reflejadas en esta fotografía.



Un domingo por la mañana José Antonio Costa Muñoz Recordé una conversación mantenida con un amigo sobre la falta de tolerancia que existe en Twitter y pensé en plasmar en mi fotografía el modo en que las redes sociales atentan contra la capacidad crítica del individuo. Para representar la idea, sustituí el revólver de la imagen original por un teléfono móvil que muestra en grande el logo de Twitter.

E

ste autorretrato lo he realizado a partir de una de las primeras ideas que se me ocurrieron, aunque hay otras que dejé en el tintero. Decidí recrear la fotografía Un domingo por la mañana, pintada con acuarela por Ouka Leele. La obra aquí recreada es la portada del primer disco, que data de 1982, que he escuchado hasta la saciedad y que incluye una canción que da nombre a mi versión. Como ignoraba el significado de la fotografía original, en la que un hombre aparentemente desesperado se apunta a la sien con un revólver, decidí actualizar su sentido. - 60 -



Mi vicio

Clara Rubio Hernández

Cuando te infecta la sangre, se convierte en la hormona más importante; controla las enzimas, dirige la glándula pineal, domina la psique. Igual que con la heroína, el antídoto contra el cine es más cine». Lo mismo podría decirse de la fotografía. Por esta razón he sustituido el cenicero que aparece en la imagen que rememoro de Man Ray por mi cámara. En la fotografía que manejo de referente de mi autorretrato, Man Ray retrata a Lee Miller, musa del surrealismo y del propio fotógrafo. Ella es un ejemplo a seguir para mí. Empezó como modelo y acabó convirtiéndose en una gran fotógrafa. Su figura, como la de otros muchos fotógrafos y fotógrafas, me anima para seguir practicando y mejorando mi formación. Asimismo, he aprovechado esta oportunidad para mostrar otra de mis aficiones, actuar. La foto está tomada en el teatro de La Merced, donde ensayo tres veces por semana. Paso allí gran parte de mi tiempo. Es como mi segunda casa, por eso quería que apareciera reflejado de una forma u otra en mi autorretrato.

L

a afición al tabaco es uno de los fenómenos distintivos del siglo XX. Durante décadas fumar tenía glamour. El cine se convirtió en una escuela de fumadores, pues varias generaciones aprendieron a fumar imitando el estilo de actrices y actores. Aunque hoy los hábitos y gustos sociales han cambiado, fumar sigue siendo una necesidad para muchos. El tabaco es para ellos lo que para mí una cámara. Ese es mi vicio. Esa sensación al hacer “click”. Me atrevo a decir que se asemeja a dar una calada. Pensadlo. Encender la cámara es como sacar el tabaco, mirar por el visor prender el cigarrillo, y hacer la foto es como dar una calada. En ambas acciones debes respirar profundamente, y ambas te hacen sentir mejor, pero solo una de ellas te concede algo único. La fotografía es mi nicotina, como para Frank Capra lo era el cine: «El cine es una enfermedad —decía. - 62 -



Eclipse Joaquín Medina Rubio

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uanto menos he actuado, más me han aplaudido, y aun así, me cuesta salirme del personaje. Al público solo le mostramos nuestro perfil más brillante, por eso elegí al Hitchcock de Sacha Gervasi como referente para mi autorretrato: un Hitchcock al que le gusta orquestar las reacciones del público, mientras los entretiene con cameos y Mac Guffins. Nos adornamos con nuestras mejores galas y la luz de los focos nos ciega, pero tenemos que mantener las zapatillas sobre el escenario, ya que en muchas ocasiones la grada está vacía y aun así el espectáculo debe continuar. El contraste es lo mejor de mí, siempre que esté equilibrado. Y por ello, este es mi autorretrato: mi eclipse, mi mejor perfil. - 64 -



Blue No Kagami Bryan David Marín Velásquez El autorretrato que propongo, Blue No Kagami, conserva el carácter surrealista del referente, si bien se aprecia un leve grano que acerca al espectador al mundo real. También se pueden identificar los puntos de interés. En este caso, el primer punto estaría situado en el espejo roto; la mirada, luego, nos va guiando hacia el rostro del individuo que protagoniza la imagen y, por último, acabaríamos en el tercer punto, ubicado en la cinta de video. Este recorrido visual dota de dinamismo a la imagen y aporta cierta tensión a la composición. La secuencialidad describe a un personaje principal con un rostro desafiante y misterioso que experimenta cómo su mundo interior se rompe en pedazos, mientras que su alter ego (el individuo con rostro inexpresivo que está dentro del espejo) lo observa. Esta línea temporal viene reforzada por la cinta VHS, que recoge las experiencias de la vida que se quedan grabadas en la mente del protagonista. De ahí que parte del VHS se situé en la cabeza del individuo que la sostiene. De este modo se establece una relación entre el transitar de su vida y el deterioro interior que se ha ido produciendo con el paso del tiempo.

E

l autorretrato que he realizado no está basado en ninguna fotografía icónica ni fotograma de película, sino en el videoclip Bad Ideas, de Tessa Violet, producido por Jade Ehlers con ayuda de los demás integrantes de su equipo. El hecho de extraer una idea de un video musical se debe a que considero que en la actualidad los videoclips son una extensión más del arte visual. En el fotograma que he empleado de referente se observa a la cantante en un plano medio largo abierto de formato horizontal, junto con dos elementos, ella y el espejo en el que se refleja. El aislamiento que transmite está acentuado por el contraste del amarillo y el azul sobre un fondo neutro que destaca la figura del individuo y su reflejo. He querido desarrollar mi autorretrato imitando este estilo cromático y la estructura visual que plantea. - 66 -



Un viaje de cine Alfonso y Manuel Bernal Asensio

E

respetamos la frontalidad y simetría. Compusimos nuestra foto para mostrar a los personajes de modo similar: un plano medio corto y mirada a cámara. Respecto al casting, queríamos que cada personaje se parecieran lo máximo posible a cada uno de nosotros y no tuvimos mucha dificultad, puesto que más allá de la caracterización, la mirada y la nariz de Manuel tienen un aire a Jason Schwartzman, y la nariz de mi hermana Irene es parecida a la de Adrien Brody, uno de los aspectos objeto de burla con el que más hemos bromeado en lo sucesivo. Como ejercicio introspectivo, decidimos imitar el momento en que se miran al espejo para subrayar nuestro parecido físico, sobre todo nosotros dos que somos gemelos. Como dice Jakob Bohemia, los espejos se utilizan como símbolo del conocimiento de uno mismo, y para nosotros mirarnos a la cara es como mirarnos en un espejo. Por eso este autorretrato dice mucho de nuestra relación, porque cuando los tres estamos juntos somos más nosotros que con cualquier otra persona.

l referente de nuestro autorretrato es el cineasta Wes Anderson. Nos hemos basado en un fotograma de su película Viaje a Darjeeling para representar la relación que tenemos como hermanos los autorretratados. La película trata sobre tres hermanos que viajan juntos para reencontrarse después de mucho tiempo, al igual que un viaje que hicimos mi hermano y yo para visitar a mi hermana, que estaba de Erasmus en Inglaterra. En aquel viaje decidimos ver esta película, y además de gustarnos por la originalidad del guion y la dirección de Wes Anderson, nos marcó mucho, pues la vimos en una situación con la que empatizábamos y en la que estábamos felices por estar juntos de nuevo después de mucho tiempo. En cuanto a los detalles de la fotografía, queríamos imitar la estética de las películas de Wes Anderson. Por eso destacamos los colores del vestuario y del escenario —que además saturamos en edición para que se asemejara a la paleta cromática que emplea el director— y - 68 -



En directo Guillermo Sánchez Santiago

Todos dirigimos, en mayor o menor medida, nuestro propio show. Uno que emitimos casi ininterrumpidamente: con actores que realmente no son tan protagonistas, escenas que son de todo menos recurrentes en nuestro día a día, escenarios que apenas pisamos, vestuarios que no salen del armario más que para presumirlos, incluso interpretamos papeles para los que no tenemos por qué estar hechos.

E

l propósito de este proyecto era tratar de representarnos a nosotros mismos, o una parte de nosotros, lo que cada uno pudiera plasmar dignamente en un lienzo blanco de 40x30. Y fue ahí mismo cuando me di cuenta de que no hay nada más mío que la incomodidad que me supondría buscar y diseccionar ante el objetivo de una cámara algún sentimiento u aspecto reprimido con tal de hacer algo “personal”. Siempre he sido de guardarme los problemas para casa —más que para clase—, por lo que decidí enfocar mi retrato del “lado visible de la luna”, el que todo el mundo ve, el menos auténtico, aquél que mostramos de cara a la galería.

-¿Nada de esto fue real? -Tú eras real. Por eso valía la pena verte. Este intercambio de palabras entre Truman y Christof fue lo que me decidió a versionar la famosa escena final de El show de Truman (Peter Weir, 1998), en la que el protagonista toma conciencia del circo orquestado en torno a su vida. Si en nuestra propia película omitiéramos las partes dramatizadas, ¿cuántos conocerían al director, y cuántos solo al protagonista? - 70 -



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Referencias visuales En las páginas siguientes, de izquierda a derecha y de arriba abajo, Ernst Ceriani en Country Doctor (1948), de Eugene Smith; The

Harvest (1984), de Joel-Peter Witkin; I’m training, don’t kiss me (1927), de Claude Cahun; Tableau synoptique d’oreilles (1893), de Alphonse Bertillon; Sin título (1998), autorretrato de Eliot Erwitt; Sketch of life (2014), de Sebastien Del Grosso; fotograma de Psy-

cho (1960), de Alfred Hitchcock; Not Yourself Concept, de Jovana Rikalo (2017); Les Larmes (1932), de Man Ray; Audrey Hepburn (1956), de Richard Avedon; Peter Ustinov (1950), de Philippe Halsman; Untitled 331 (2013), de Ben Zank; Les 400 coups (1959), de François Truffaut; composición de Robert Freeman para la portada del álbum A hard day’s night (1964), de The Beatles; fotograma de The Suicide Squad (David Ayer, 2016); fotograma de Rear Window (1954), de Alfred Hitchcock; fotograma de I Origins (2014), de Mike Cahill; Les amants (1928), de René Magritte; Frida Kahlo (1939), de Nickolas Muray; David Graves (1982), de David Hockney; Balmain (2015), de Filip Custic; Le violon d’Ingres (1924), de Man Ray; Un domingo por la mañana (1982), de Ouka Leele; Lee Miller (1930), de Man Ray; fotograma de Hitchcock (2012), de Sacha Gervasi; fotograma de Bad Ideas (2019), de Tessa Violet; fotograma de The Darjeeling Limited (2007), de Wes Anderson; fotograma de The Truman Show (1998), de Peter Weir.





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