Muestra Educación Plástica 3

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3 Enseñanza Básica

De acuerdo al Currículum Nacional Base


Quinta Edición Copyright © 2020 Colección: Educación Plástica Autor: Arquitecto Eduardo Campo Marsicovetere Ilustración y diseño: Grupo Técnico Editorial Kamar S.A. Revisión de texto: Grupo Técnico Editorial Kamar S.A. La presentación y disposición en conjunto de la colección es propiedad del Editor. Ninguna parte de esta obra puede ser reproducida o transmitida, mediante ningún sistema o método electrónico o mecánico sin consentimiento por escrito de la Editorial.

Editorial Kamar Publicaciones Educativas

4a. avenida 8-63, zona 1. Tels: (502) 2232-5827 / 2464-9514 Guatemala, C.A. www.editorialkamar.com e-mail: ventaseditorialgt@gmail.com


Introducción Los libros de Educación Plástica, que presentamos, no son una simple exposición de temas de las Artes Plásticas, sino que son una obra didáctica que se a realizado con el objeto de orientar el curso dentro de la libre expresión, propiciando una formación integral del estudiante; es por ello que, empleamos en ella el título de Educación Plástica, pues con ello abarcamos todas las actividades que el alumno realiza dentro del curso escolar como lo son: dibujo, pintura, modelado, plegado, recorte, pegado, etc. No lo titulamos como oficialmente se denomina el curso: Artes Plásticas, pues pareciera que el alumno toma este curso como si se pretendiera formar artistas con él, que es un curso de enseñanza de los temas artísticos reservados a los mejores dotados; y es por eso que sustituimos la palabra Artes por Artística, pues con ello completamos el sentido y las competencias del curso: 1. Desarrolla la sensibilidad y la capacidad de apreciar la belleza, para que al asumir la responsabilidad que como ciudadano tendrá en el futuro dentro de la sociedad, contribuya como medio y signo de la más alta calidad de vida. 2. Revela y suscita las vocaciones de aquellos que serán los más capaces como especialistas de la creación de formas y diseños, para que conociendo su vocación, busquen los medios de aprendizaje donde desarrollen todo su potencial artístico. Para lograr estas competencias es necesario profundizar en los contenidos del Currículum Nacional Base y establecer procedimientos y objetivos particulares de la enseñanza de la materia, estableciendo tres direcciones pedagógicas fundamentales: 1. Desarrollar la sensibilidad para ser capaces de comprender la significación de formas, valores tonales, colores, materiales, etc. 2. Practicar de los medios de expresión, como el dibujo, la pintura, el modelado, etc. 3. Ejercitarse en el desarrollo de las facultades creadoras, mediante el juego plástico de manejo de las técnicas. Los temas considerados en los bloques son: a) Introducción a las unidades para que el alumno tenga una idea de lo que comprende su estudio y a la vez, conozca el concepto de la unidad de que se trate.

b) Competencias de cada bloque, inscritos en tres dominios: • Dominio Cognoscitivo, para la adquisición de conocimientos y juicio critico. • Dominio Afectivo, para lograr cambios en las actitudes, intereses y valores. • Dominio Psicomotriz, para el aprendizaje de habilidades y destrezas. c) Los Principios Básicos de cada tema, han sido expuestos al nivel que curso el estudiante, como corresponde a su edad, para que adquiera la confianza necesaria en sus propios medios de expresión; y que el maestro o maestra ampliará si lo considera conveniente. d) Interpretación de ejemplos, el estudiante debe de leer los principios básicos y examinar los ejemplos que se le presentan con la profusión necesaria para que fije las ideas y principios; como preparación a realizar los ejercicios correspondientes y todo lo que el profesor le indique. e) Aprestamiento, bajo este título presentamos el desarrollo de ejemplos guías para que el alumno se prepare y pueda realizar sin dificultad los ejercicios requeridos en cada tema. f) Desarrollo de Ejercicios, en le presentamos al alumno el espacio correspondiente al desarrollo de cada ejercicio, en una hoja desprendible, marginada y con las casillas correspondientes para la identificación personal. g) Lo que debo recordar, encontrará el alumno una síntesis de las ideas y definiciones esenciales que deberá fijar bajo su propio criterio. Además, en los libros de Educación Plástica, creemos importante ofrecer: 1. El perfil terminal del alumno egresado de Primaria en la asignatura de Artes Plásticas. 2. Una exposición de los instrumentos y materiales, en forma general, para que el alumno conozca y forme su equipo de trabajo. El Autor


Tabla de Contenidos Bloque I

Bloque II

Bloque III

Bloque IV

El Punto y la línea

El Área

La Perspectiva

El Claroscuro

21-44

45-76

77-96

97-116

El Punto y la línea Artista: Joan Miró i Ferrà El ritmo en el punto y la línea Clases de ritmos

La dirección en el punto El punto generador de dirección Dirección de la línea El Diseño Enredos o garabateos con puntos y líneas Desarrollo de ejercicios

El Área Artista Guatemalteco: Marco Augusto Quiroa Configuración de la forma La forma y su entorno Figura fondo

Aplicación de figuras geométricas Dibujo de Rosetones Redes modulares La rotulación La proporción Escalas numéricas Desarrollo de ejercicios

La Perspectiva Artista Guatemalteco: José Alfredo García Gil Los espacios en perspectiva Procedimiento de división de espacios Perspectiva oblicua o de tres puntos de fuga Recuerda algunas ideas básicas Todo cabe dentro de un cubo Desarrollo de ejercicios

El Claroscuro Artista Guatemalteco: Jorge A. Morales ¿Qué es el claroscuro? ¿Cómo surgió el claroscuro? Escala de valores El dibujo a lápiz Sombras proyectadas Perspectiva de las sombras El claroscuro con colores Escala de valores con colores Desarrollo de ejercicios


Tabla de Contenidos Bloque V

Bloque VI

Bloque VII

El Color

La Textura

El Volumen

117-134

135-144

145-162

El Color Artista Guatemalteco: Sergio Alvarado Luz blanca y los colores Propiedades del color El matiz Valor o luminosidad Saturación e intensidad

Colores complementarios Los colores complementarios en el arte El Armonicolor Desarrollo de ejercicios

La Textura Artista Guatemalteco: Elmar René Rojas Azurdia Otra clasificación de textura Textura orgánica Textura geométrica

Desarrollo de ejercicios

El Volumen Artista Guatemalteco: Efraín Recinos Esculturas en papel Bajo relieve en papel Desarrollo de ejercicios


Perfil Terminal del Alumno Conocimientos Al finalizar el curso, el estudiante desarrollará los procesos intelectuales que le permitan: 1. Emplear la terminología básica relacionada con las Artes Plásticas. 2. Practicar la teoría básica sobre el punto, la línea, el área, la perspectiva, el claroscuro, el color, la textura y el volumen. 3. Distinguir la teoría básica de algunas técnicas propias de las Artes Plásticas. 4. Representar algunas artesanías y artes populares de su país.

Habilidades y destrezas Al finalizar el curso, el estudiante adquiere las siguientes destrezas desarrollando los procesos corporales que le permitan: 1. Manejar eficazmente sus habilidades y destrezas en el manejo de instrumentos y materiales del equipo artístico. 2. Adopte destrezas de la expresión plástica, mediante la realización de ejercicios de aprestamiento.

Autoevaluación Es el proceso donde el alumno valoriza su propia actuación. El alumno (evaluado) es quien se evalúa. Participa de una manera crítica en la construcción de su propio aprendizaje. Coevaluación Identifica los logros personales y grupales. Emite juicios valorativos acerca de otros en un ambiente de libertad, compromiso y responsabilidad. Parámetros Son los rasgos o caracterizadores cualitativos de una conducta en el proceso de un trabajo específico. Ponderación Ayuda a evaluar los trabajos teniendo como referencia los diferentes parámetros indicados en la escala; asignándoles un valor a criterio del maestro.

Actitudes y valores Al finalizar el curso, el estudiante interiorizará los valores que le permitan: 1. Utilizar su libertad creadora responsablemente. 2. Aplicar creativamente las diferentes técnicas artísticas aprendidas. 3. Respetar y apreciar las manifestaciones artístico-culturales de su comunidad. 4. Manifestar una actitud creativa individual y de grupo. 5. Ejercer una expresión artístico creadora para canalizar sus emociones.

Criterio*

Indicadores X

6. Producir satisfacción en el desenvolvimiento de sus ideas creativas.

Coevaluación

Necesita mejorar

Satisfactorio

Excelente

0.5

1

2

1

Manejo de instrumentos/Técnica X

Limpieza

Es de vital importancia innovar el proceso de enseñanza paralela de la evaluación.

X

Composición

2 0.5

Armonía de color X

Presentación

1

Exactitud

Criterios Heteroevaluación Permite al alumno y al docente, identificar carencias que es necesario reforzar antes de seguir adelante con el programa. Trabaja en el diseño de actividades remediales, destinadas a los alumnos que lo necesitan.

Autoevaluación

Creatividad

Evaluación

¿Que beneficios obtenemos de una Escala de Apreciación?

Heteroevaluación

X

puntualidad

2

Nota final

6.5/10


Competencias temáticas • Conoce las diferentes expresiones artísticas en las imágenes que te rodean. • Comprende que toda obra artística lleva un mensaje con significado para la sociedad en la que fue creado. • Comprende que el estilo artístico es la manera de manifestarse de un grupo de artistas. • Adquiere sensibilidad estética a través del conocimiento del desarrollo de la historia de la pintura. Desarrollo Conocimientos generales aporta las bases indispensables, para que comprendas que, sólo los hombres somos capaces de establecer racionalmente lo que es estético o no; por lo tanto, el arte es algo que pertenece al razonamiento lógico del hombre y a los principios fundamentales de la humanidad; y por lo tanto, la evolución del arte está influenciada básicamente por los cambios sociales, culturales, políticos y religiosos, y estos siempre se reflejan en el arte, a través de la cual ha quedado un registro histórico de la evolución de la sociedad. Viajarás de forma breve y gráfica sobre una línea del tiempo que, describirá momentos relevantes en la historia del arte, a través de la pintura, presentada en una cronología histórica de los principales estilos artísticos haciendo hincapié en la presentación gráfica de las obras correspondientes a cada período artístico y no en los aspectos puramente históricos, para una comprensión visual de la evolución de los estilos a través del tiempo.


En la actualidad, nuestro entorno está lleno de cientos de imágenes, algunas de ellas con fines comerciales y otras con fines expresivos como las artísticas. En la antigüedad, la imagen artística era considerada con una finalidad sublime, utilizada con propósitos míticos, sagrados y religiosos. Este concepto con el paso del tiempo se ha ido modificando, pues la sociedad ha evolucionado constantemente, al grado de presentar actualmente de forma directa los procesos a los que su creador se enfrenta dentro de su entorno al realizar una obra artística. En un lapso de tiempo relativamente corto, que comprende de la segunda mitad del siglo XIX a los primeros tres cuartos del siglo XX, se originaron los cambios más apreciables en las manifestaciones artísticas

como resultado de los grandes sucesos sociales, políticos y culturales que cambiaron el entorno en que vivían los artistas y los llevó a manifestarse de diferentes formas a las establecidas por mucho tiempo, convirtiéndose la imagen artística en el medio de expresión, de las nuevas inquietudes y retos que presentaba una cambiante sociedad; la imagen artística no sólo como obra expresiva, sino una crítica hacía la sociedad y la política de su momento. Muchas de las obras producidas por los movimientos expresionistas fueron creadas con un inmenso deseo de poder hacer reflexionar al espectador acerca de lo visto en su entorno. Pero antes de continuar realicemos unas consideraciones de lo que se entiende por entorno o medio ambiente, ya que éste afecta y condiciona especialmente las circunstancias de vida de las personas ó la sociedad en

su conjunto. Pues comprende el conjunto de valores naturales, sociales y culturales existentes en un lugar, y además en un momento determinado, que influyen en la vida del ser humano y en las generaciones venideras. Es decir, no se trata sólo del espacio en el que se desarrolla la vida sino que también abarca seres vivos, objetos, agua, suelo, aire y las relaciones entre ellos, así como elementos tan intangibles como la cultura. Por lo anterior, el arte se puede considerar como una consecuencia de esa búsqueda incesante por expresar sentimientos, los que influidos por el entorno, se eternizan al momento de materializar las imágenes de lo vivido y percibido y de ahí la importancia del arte como comunicador de la realidad a partir de la experiencia de cada artista.

La batalla de Guatemala. Marco Augusto Quiroa, Maestro de la pintura Guatemalteca. Nuestro entorno está lleno de cientos de imágenes, algunas de ellas con fines comerciales.

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Estilos Artísticos

Otras imágenes surgen espontáneamente dentro de un ámbito decorativo o artístico en las calles como expresión popular.

Las imágenes son comunicadoras de la realidad, a partir de la influencia del medio ambiente y de la experiencia personal de cada artista.

Educación Plástica 3

Educación Plástica 3 © Editorial Kamar, S.A.

Decoradoras místicas. Elmar René Rojas, Maestro de la pintura Guatemalteca.


El lenguaje visual, es un lenguaje que utiliza como medio de comunicación las imágenes; es directo, preciso y universal, porque no utiliza los límites del idioma, del vocabulario y de la gramática. Además se caracteriza porque los mensajes son globales y rápidos de captar. Pero es necesario saber que el lenguaje visual por el hecho mismo de tratarse de un proceso creado y elaborado por el ser humano, generalmente posee elementos que comunican algo. Esto quiere decir que el lenguaje visual, siempre busca la comunicación, ya que las imágenes se producen para que otras personas las miren. Y para lograr esto se desarrolla un proceso de elaboración, una difusión y una recepción de los mensajes visuales, de manera que los elementos que intervienen en la comunicación visual son:

Elementos que intervienen en la comunicación Emisor

Mensaje Código

Receptor

Canal

Los elementos que intervienen en la comunicación visual son: emisor, mensaje, código, canal y receptor.

Mensaje: Claut Monet pintor impresionista perseguía como objetivo una representación del mundo de manera espontánea y directa, plasmando en sus lienzos la vibración cromático-lumínica, no importando el objeto pintado, del que elimina los detalles minuciosos sugiriendo las formas con el color que es el medio para representar la luz, la que sufre variaciones a lo largo del día.

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Emisor - Mensaje (medio o canal) - Receptor • El emisor emite el mensaje (imágenes) para informar, expresar o agradar. • El medio o canal, que es el medio utilizado para que circule el mensaje, canal visual. • El código es el conjunto de reglas y recursos que permite dar forma al mensaje. • El mensaje es el conjunto de signos visuales puestos en juego en todo acto de comunicación. • El receptor recibe el mensaje, lo percibe e interpreta para extraer sus significados. Educación Plástica 3

Estilos Artísticos

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¿Por qué las imágenes artísticas cambian? Algo que debemos tener bien claro, es que el arte sólo puede ser apreciada por los seres humanos. Sólo los hombres somos capaces de establecer racionalmente lo que es estético o no; por lo tanto, el arte es algo que pertenece al razonamiento lógico del hombre y a los principios fundamentales de la humanidad; y por lo tanto, la evolución del arte está influenciada básicamente por los cambios sociales, culturales, políticos y religiosos y estos siempre se reflejan en el arte, a través de la cual ha quedado un registro histórico de la evolución de la sociedad. Así mismo, es interesante conocer los modos de concebir y representar los objetos en diversos períodos, épocas y estilos de la historia.

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Las imágenes artísticas cambian según las épocas y la influencia de los cambios sociales, culturales, políticos y religiosos.

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Estilos Artísticos

Educación Plástica 3


La escala de iconicidad básicamente se puede reducir a tres grandes grupos o estilos que engloban las diversas tendencias estilísticas: el realismo, la figuración y la abstracción. Realismo, cuando una imagen representa objetos o escenas cotidianas con una perfección casi fotográfica, decimos que tiene un estilo realista.

reales, siempre inferiores a los del estilo realista, decimos que tiene un estilo figurativo. Abstracción,cuando las formas de una obra de arte no guardan ninguna relación con las que vemos cotidianamente nos encontramos ante una obra de estilo abstracto. El arte abstracto, por tanto, no pretende representar seres u objetos concretos, sino formas y colores, a los que se les pueden dar diferentes significados.

Abstrac c ió n

Figuración, cuando una imagen representa objetos o escenas con diferentes grados de iconicidad, es decir, de semejanza con las formas

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Realism o

Es impensable, quizás hoy más que nunca, un mundo sin imágenes. Todo es imágenes: las noticias de los periódicos y televisión, la video-vigilancia urbana, la credencial con fotografía, los juegos electrónicos interactivos, los héroes en murales, estatuas y libros de texto, los rayos X y las tomografías, los logotipos, los iconos del software, las top models, las huellas dactilares, las celebridades y la doble hélice del ADN. En ese gigantesco mundo de imágenes, vamos formando diariamente nuestra idea de realidad, la construimos por medio de imágenes. Siempre ha sido así, desde principios de la humanidad. Las

imágenes artísticas influidas por las tendencias estéticas de su época, crean estilos o maneras propias de representar las formas.

Figurac ió n

Estilos artísticos

Educación Plástica 3

Estilos Artísticos

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Estilo Gótico. La pintura gótica se desarrolló en la primera etapa del estilo gótico, sobre

El estilo artístico

Función estética de la pintura a través del tiempo

todo en las vidrieras de las catedrales. Si bien el vitral se utilizó también durante parte de la Edad Media, en el estilo románico, fue en el gótico que tuvo su esplendor, debido a los avances tecnológicos en la construcción, que posibilitaron que las ventanas fuesen más grandes y por extensión, los vitrales.

Vitral románico, de tamaño pequeño comparado al gótico.

Lo que hace peculiar a una obra de arte, es su función estética, y ésta es lo más alejado del sentido práctico y materialista. La estética es la capacidad para producir sentimientos y provocar placer. Incluso algunas tendencias modernas han defendido la concepción del arte por el arte.

Prieto Cavallini 1240-1308.

Iluminación lineal.

El Giotto 1267-1337.

Vitrales de La Catedral de Notre Dame 1163-1345.

La estética de una obra de arte va ligada a lo que se denomina estilo artístico y éste es la forma de manifestarse de un artista o una colectividad mediante unas características comunes que se repiten durante una determinada época. El estilo, se trata pues, de un concepto fundamental, sin él, lo característico que unifica los elementos distintivos de las creaciones de una misma época y el sentido de la evolución de las formas, seria imposible de clasificar. Se considera que el Estilo Gótico inicia como tal, en el 6

Estilos Artísticos

Vitrales góticos, La Santa Capilla 1242-1248.

Vitrales de La Catedral de Colonia 1248-1880.

1200

Vitrales Góticos

Códices ilustrados 400-1300.

Retablo pintado por Duccio di Buoninsegna, italiano, 1255-1319.

La iluminación alcanzó perfección con la especialización. Ilustración de libros Góticos

Retablo pintado por Martini Simone, italiano, 1284-1344. Retablos Góticos

1250

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A lo largo de la historia ha variado lo que se considera lo más importante a la hora de valorar una obra de arte, la Estética.


También la pintura gótica encuentra su desarrollo en su primera etapa, en la ilustración de libros, los que durante el románico están ilustrados de diferentes maneras, pero en el gótico es desarrollada por artistas llamados “iluminadores”, que se dedicaban a decorar los libros con sus pinturas. Pero donde alcanzó la pintura gótica su mayor importancia y esplendor fue en la pintura en tabla y más concretamente con los retablos.

Andra Mantengna, italiano 1431-1506.

El Masaccio, italiano, 1401-1428.

Taddeo de Bartoli, italiano, 1362-1422.

Fra Angelico 1387-1455.

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Estilo Gótico

La fusión de las tradiciones artísticas del norte de Europa y de Italia que tuvo lugar a principios del siglo XV, se conoce como estilo gótico internacional. Entre las muchas características que definen la pintura de este período se encuentra la exquisita atención a los detalles, que denota una perspicaz observación de los seres humanos y de la naturaleza por parte del pintor.

Jan van Eyck 1386-1441.

Rogier van der Weyden, belga, 1399-1464.

1300

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Hugo van der Goes, belga, 1440-1482.

Petrus christus, holandés, 1415-1473.

Domenico Grirlandaio, italiano 1449-1494.

Jean Fouquet, francés 1420-1481.

1400

Hanas Memling, alemán 1430-1494.

1475

Sandro Boticelli, italiano 1445-1510.

Termina Estilo Gótico

1500

Estilos Artísticos

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Estilo del Renacimiento

Esta revolución cultural de los siglos XV y XVI se origina en Italia y uno de los primeros pasos de este período lo realizó, hacia 1427, Masaccio -uno de los grandes innovadores del período- en la iglesia de Santa María del Carmine, en Florencia, una notable serie de frescos que revelan su atenta observación del comportamiento humano, al tiempo que demuestran su conocimiento del arte antiguo. Los maestros más destacados por sus obras en renacimiento italiano, fueron Leonardo da Vinci, Rafael, Miguel Ángel, Tiziano, Tintoreto, El Caravaggio, Rubens, Boticelli y otros muchos.

Miguel Ángel Bounarroti, italiano 1475-1564.

Giovanni di Mone Cassai, Masaccio, italiano 1401-1428.

Sandro Boticelli, italiano 1445-1510. Matthias Grünewald, aleman 1470-1528.

Jan van Eyck, belga 1390-1441.

Alberto Durero, alemán 1471-1528.

Giovanni Bellini, italiano 1430-1516

Estilo Renacentista se concidera que inicia en el 8

Estilos Artísticos

El Perugino, italiano 1450-1523.

1500

Leonardo da Vinci, italiano 1452-1519.

Piero Somone, italiano, 1475-1554.

1525

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Se le llama Renacimiento al período de la historia europea, caracterizada por un renovado interés por el pasado grecorromano clásico y especialmente por su arte. Con el Renacimiento, el hombre centra toda su actividad, en el hombre como tal, es decir, después del aletargamiento medieval el hombre piensa ahora con una libertad de espíritu, que le conducirá a la libertad de pensamiento, el culto a la vida y el amor a la naturaleza son otros aspectos importantes, además el Renacimiento estableció como fuentes de inspiración el equilibrio y la serenidad. Pero lo más característico de esta época es la separación entre lo cívico y lo religioso.


Competencias temáticas • Comprende la importancia del punto como el elemento más sencillo de la comunicación visual. • Reconoce que el punto y la línea son elementos estructurales, configurativos y constructores de formas e imágenes. • Utiliza el punto y la línea como elementos primarios de la forma y como elementos c o n s t r u c t o re s d e e fe c t o s v i s u a l e s relacionados con la expresión artística. • Aplica con habilidad la construcción de agrupaciones de puntos y líneas en diseños abstractos o representación de objetos reales. • Aprecia el uso que los artistas hacen del punto y la línea en sus obras, para aplicarlos a tus propias composiciones.

Desarrollo

Educación plástica 1 © Editorial Kamar S.A.

El aprendizaje en esta primera unidad temática, desarrolla los primeros elementos de lo que constituye el alfabeto de la plástica. Es decir, las imágenes pueden descomponerse en pequeñas unidades de significación, en función de algunos de sus componentes básicos, pues cada elemento tiene características propias que le permite desempeñar una función específica dentro de un diseño de la plástica. Desarrollaremos pues, las funciones de los elementos creadores primarios de la forma como lo son el punto y la línea.


también experimentó con otros medios artísticos, como grabados y litografías, a los que se dedicó en la década de 1950. También realizó acuarelas, pasteles, collages, pintura sobre cobre, escultura, escenografías teatrales y cartones para tapices. Sin embargo, las creaciones que han tenido una mayor trascendencia, junto con su obra pictórica, son sus esculturas cerámicas, entre las que destacan los grandes murales cerámicos La pared de la Luna y La pared del Sol (1957-1959) para el edificio de la UNESCO en París y el mural del Palacio de Congresos y Exposiciones de Madrid.

Obras del Artista

Joan Miró i Ferrà Joan Miró i Ferrà (1893-1983).

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Nació en Barcelona en 1893 y murió en Palma de Mallorca en 1983. Fue un pintor, escultor, grabador y ceramista español, considerado uno de los máximos representantes del surrealismo. Sus obras recogen motivos extraídos del reino de la memoria y el subconsciente con gran fantasía e imaginación, y que se hallan entre las más originales del siglo XX. Las composiciones de sus obras se organizan sobre neutros fondos planos y están pintadas con una gama limitada de colores brillantes, especialmente azul, rojo, amarillo, verde y negro. En ellas se disponen sobre el lienzo, como de modo arbitrario, siluetas de amebas amorfas alternando con líneas bastante acentuadas, puntos, rizos o plumas. Miró 22

El Punto y La Línea

Educación Plástica 3


El punto y la línea son los elementos creadores de la forma, son los primeros elementos de lo que constituye el “alfabeto” de la plástica. Si consideramos los puntos como las letras del “alfabeto” de la plástica, comprenderemos que en tanto más próximos se encuentren los puntos formando una línea, mayor es la definición de ésta. El punto y la linea con anterioridad los estudiamos cada uno por separado, en esta unidad temática los trabajaremos en conjunto

pues son elementos idóneos para realizar nuestros trabajos y ejercicios debido a sus infinitas posibilidades de expresión. Punto y línea puede dividirse como: punto y línea geométrica; y punto y línea gráfico plástica. Además puede utilizarse de distintas maneras, adaptándose siempre a la función que se necesite.

Te los presentamos...

Punto y Línea 1. Definición

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El punto es el más elemental de los signos gráficos, es la unidad más simple, irreductiblemente mínima de comunicación visual. Y la línea es una sucesión ininterrumpida de puntos. En tanto más unidos se hallen más concreción proporcionan a la línea, la que es el elemento plástico más versátil y, por consiguiente, el que puede satisfacer un mayor número de funciones de representación.

3. Funciones

2. Tipos

Punto y Línea geométrica

Punto y Línea gráfico plástica

Señalar

Construir

El punto y la línea son conceptos abstractos, Así el punto es un sitio en el espacio como resultado del cruce de dos líneas y la línea la distancia más corta en el espacio entre dos puntos, siendo invisible, teniendo longitud, pero careciendo de grosor.

El punto y la línea no son entes inmateriales, sino que al necesitar una cierta superficie sobre el plano para su representación, se materializa mediante la huella de un instrumento o de formas cerradas.

El punto y la línea, señalan sentidos direccionales y trazados básicos en los diseños. La línea separara planos y organizar el espacio en geometría; forma cruces de rectas o líneas convergentes, líneas de fuga en trazados perspectivos, la intersección de planos, ejes y diagonales de la composición.

El punto y la línea permiten desarrollar ideas, concretan pensamientos y proyectos, a través de bosquejos, bocetos, o dibujos formales donde se plasma la forma, la composición y las tonalidades. El punto y la línea son los elementos generadores de la estructura del diseño, que provee un ordenamiento al conjunto de la composición.

Dibujo a linea de Pablo Picasso

Educación Plástica 3

La Línea de Kandinsky

El Punto y La Línea

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El ritmo en el punto y la línea El ritmo aparece de forma natural en casi todas las creaciones de la naturaleza, especialmente en los seres vivos. Un buen ejemplo de ello es el crecimiento ordenado de las hojas de una planta, (figura 1); o el desenvolvimiento de la concha de un caracol, con su curva en espiral la que es esencialmente rítmica(figura 2). , las franjas del pelo de una cebra(figura 3), Los pétalos de una margarita con su centro en forma de curvas espirales en direcciones encontradas(figura 4), etc. 1. Las hojas de las plantas y árboles crecen en orden rítmico.

2. La concha de los caracoles se desarrollan en un ritmo de espiral perfecto, matemático.

¿Qué es el ritmo?

El espacio vacío, no ocupado, es esencial para marcar la velocidad del ritmo, de manera que si el espacio libre es amplio, el movimiento es lento; cuando disminuye ese espacio, se produce una sensación de mayor rapidez.

4. Los pétalos de las flores crecen rítmicamente al rededor de un centro, el cual en el caso de las margaritas y girasoles tienen un diseño rítmico que se desarrolla en espirales encontradas, como se puede apreciar en el esquema.

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El Punto y La Línea

Educación Plástica 3

Educación Plástica 3 © Editorial Kamar, S.A.

3. El diseño de las rayas del pelaje de las cebras tienen un ritmo alterno entre blanco y negro que guardan una armonía natural.

En Educación Plásticas, cuando las formas se organizan de tal manera que existe una repetición ordenada de las mismas, de manera constante o variable, se produce un ritmo y, por lo tanto, la idea de movimiento. El ritmo es una sucesión regular y armónica de formas visuales y representa un elemento activo y dinámico, en el dibujo y el diseño, convirtiéndose en un elemento expresivo o estético.


Clases de ritmos

Ritmo uniforme lento

Ritmo uniforme medio

Ritmo uniforme rápido

Existen infinidad de ritmos, según sean las combinaciones de los espacios ocupados y los espacios vacios. Por ejemplo: en la música la repetición d e u n a s o l a n o ta i n st r u m e n ta l dejando siempre un mismo tiempo de silencio, forma un ritmo monocorde, compuesto por un espacio ocupado de sonido alternado con otro de silencio. En la dibujo o diseño, la nota sería la forma y el silencio, el espacio vacío. Cuando el espacio es amplio, el movimiento es lento; si disminuye, se produce una sensación de mayor rapidez; si la sucesión combina distintos vacíos, el ritmo se percibe menos monótono. Y dependiendo de la distribución que realicemos de los espacios podemos clasificarlos los ritmos en grupos básicos como:

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Ritmo uniforme. Se origina una forma al repetirse de manera regular, y puede ser más o menos lento o rápido dependiendo de la frecuencia de la repetición.

Ritmo Alterno por diferente color

Ritmo alterno. Es más complejo que el anterior y se produce al combinar alternativamente dos o más formas. Para la creación de estos ritmos se pueden alternar formas diferentes o iguales con distinto tamaño, posición o color.

Ritmo alterno por forma diferente y color

Educación Plástica 3

El Punto y La Línea

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Ritmo creciente y decreciente. Las formas crecen o disminuyen de manera constante y progresiva, así como los espacios que dejan entre ellas. Este tipo de ritmos puede crecer o decrecer por una sucesión de tamaños, grosores o colores. La combinación de ambos, es decir, la sucesión periódica de aumento de intensidad seguida de su disminución, provoca un movimiento de oscilación ondulada.

1. Ritmo de movimiento creciente

2. Ritmo de movimiento creciente y decreciente

3. Ritmo de movimiento ondulado

Ritmo por simetrías. Es otra forma de generar alternancias, se puede realizar con una sola o distintas formas en unidades en repetición. La simetría se puede combinar, a su vez, con los diferentes tipos de ritmos.

2. Forma en repetición de espejo con respecto a un eje de simetría

3. Forma en repetición de espejo con respecto a dos eje de simetría formando un modulo. Educación Plástica 3 © Editorial Kamar, S.A.

1. Unidad de forma

4. M o d u l o s e n re p e t i c i ó n simétrica formando un ritmo uniforme de repetición rápida.

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El Punto y La Línea

Educación Plástica 3


El punto generador de dirección El punto es capaz de expresar su gran potencial ordenador dentro del plano, a través posiciones que marcan direcciones que generan estructuras gráficas con las que se logran diseños que despiertan la imaginación y ponen a prueba nuestro sentido creativo.

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1. Cuando los puntos se repiten uno a continuación de otro en el mismo sentido generan una dirección.

3. La variabilidad de tamaño y el ordenamiento ascendente provoca la sensación de profundidad, acentuada por el punto de dimensiones agrandadas incompleto en la esquina superior derecha.

Educación Plástica 3

2. Puntos en dirección serpenteante con tamaño variable de pequeño a grande, induce una impresión de profundidad.

4. La diferencia de tamaño y el ordenamiento de mayor a menor de la sensación de profundidad, acentuada por la forma circular en la colocación de los puntos que le imprime sensación de rotación.

Se te presentan en esta página varios diseños, desde el más simple, al más elaborado, para que visualices como con un ordenamiento estudiado con anticipación a la realización, se pueden lograr diseños con el punto, el que aparentemente es muy elemental, pero que con una realización sistemática y meticulosa se logran resultados altamente satisfactorios. La variación de tamaño del punto permite lograr e infundir gran dinamismo en el diseño pues sugiere, movimiento, distancia y profundidad.

5. La variabilidad de tamaño y el ordenamiento de mayor a menor, da en este caso, la sensación de profundidad, acentuada por la forma en espiral doble descendente en la que se colocaron los puntos, dando una impresión de enroscamiento.

El Punto y La Línea

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Dirección de la línea

1. Dirección de la línea en el plano

Hemos vistos como el punto de acuerdo a su posición es generador de dirección. Ahora vamos a descubrir un nuevo elemento de relación que aparece con la línea: el sentido.

¿Es lo mismo dirección que sentido? Es muy común confundir continuamente la dirección con el sentido. En matemáticas un vector es, "una flecha". Y todo vector esta definido por tres características: módulo, dirección y sentido. El módulo es la longitud del vector, la dirección es la recta, en la que se mueve un objeto; y el sentido es cada una de las dos posibilidades que podemos tomar para cada dirección, de izquierda a derecha o de derecha a izquierda; de arriba hacia abajo o de abajo hacia arriba. Aunque la dirección se usa para denotar la recta sobre la que descansa un vector, se puede extender el uso del término a una línea curva, a pesar de que no es del todo real. Como puedes visualizar claramente, toda línea recta tiene una dirección y dos sentidos.

1. Horizontal, pasiva.

6. Vertical, activa.

2. Dinámica, sentido hacia la derecha.

7. Vertical ascendente, potencia.

3. Dinámica sentido hacia la izquierda.

4. Inclinada ascendente, sentido positivo.

8. Vertical descendente, 9. Inclinada ascendente caída. a la izquierda, sentido positivo de poco uso.

2. Generación de la línea en el plano

5. Inclinada descendente, sentido negativo.

10. Inclinada descendente a la izquierda, sentido negativo de poco uso.

Módulo

Sentido

1. Siempre que se traza una línea comienza y termina con un punto.

2. La distancia entre dos puntos es determinada por una línea recta.

3. Siempre se pueden unir dos puntos con una línea recta.

4. Los mismos puntos anteriores unidos por rectas en todas sus alternativas.

5. La línea curva está compuesta por pequeñas rectas; cambian constantemente de dirección.

3. Disposición de la línea en el plano

Disposición de la línea en el plano

La línea en artes plásticas, nunca es estática; es infatigable y es el instrumento esencial de visualización, el medio de presentar en forma palpable aquello que todavía existe solamente en la imaginación. Por eso, es enormemente útil para el proceso visual. Es precisa; tiene una dirección y un propósito, va a algún sitio cumple algo definido dentro de un diseño. 34

El Punto y La Línea

1. Una disposición de puntos en dispersión en los que se unieron cada dos con una recta.

2. Al eliminar los puntos se obtiene una disposición lineal más direccional que sólo con la de puntos.

3. Una disposición de puntos en exclusión de base para la unión cada dos con una recta.

4. Obtención de un juego de líneas en disposición direccional al eliminar los puntos de base.

5. La misma disposición de líneas anteriores sólo cambiando el grosor de trazo, produce un efecto visual distinto.

Educación Plástica 3

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Dirección


En la parte posterior de la hoja encontrarás unas tarjetas con puntos y líneas. Elige las que más te gustan y elabora un diseño abstracto. Recuerda tus conceptos de disposición de punto y la línea en el plano. Luego pinta tu diseño.

Educación Plástica 3

El Punto y La Línea

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El Punto y La Línea

Educación Plástica 3


Competencias temáticas • Comprende como se configuran las formas y las maneras de interpretarlas. • Reconoce la relación entre las cualidades visuales de un objeto y las demás que lo rodean, diferenciando la "relación figurafondo". • Aplica la figura fondo en una misma superficie formado redes modulares simples. Desarrollo Como te recordarás, el área es la medida de una superficie limitada por líneas que han sido realizadas con instrumentos o a mano alzada. Todos los dibujos que se realizan metódicamente con una exactitud matemática y con la ayuda de tus instrumentos de trabajo entran en lo que se llama el área geométrica. Y todos aquellos dibujos los cuales puedes realizar a mano alzada o si lo prefieres con ayuda de tus instrumentos entran en el área artística. Durante este tema realizaremos ejercicios del área geométrica utilizando la figura fondo para crear diseños con redes modulares.


Durante su administración impulsó la creación de la Coordinadora de Estudiantes de Artes Plásticas.

acuarela, lápiz, monocopias, grabado, constructivismo, fundición y talla directa .

Su pintura de rasgos personales es sumamente distintiva y manifiesta, entre otras cosas, el rico colorido de algunos diseños textiles populares. Su estilo era figurativo, con tendencia al sintetismo. Entre sus técnicas están el óleo,

Además de pintor contemporáneo, también fue escritor y en la década de los años ochenta surge con vigor inusitado la faceta literaria del artista, siendo algunas de sus obras galardonadas.

Obras del Artista

Marco Augusto Quiroa

Marco Augusto Quiroa (1937-2004). Nació en Chicacao, municipio del departamento de Suchitepéquez. Viviendo toda su adolescencia en plena época revolucionaria, bajo los gobiernos de Juan José Arévalo y Jacobo Arbenz Guzmán. Vivencia que lo formó a él y a su obra, que siempre estuvo impregnada por una conciencia política de denuncia, a la cual guardó fidelidad absoluta hasta su muerte. Fue, un figurativista que va del expresionismo de recreación latinoamericana a un tipo de realismo social que se nutre de las culturas populares guatemaltecas.

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El artista estudió en la Escuela Nacional de Artes Plásticas -ENAP- a mediados de la década de 1950. Destacó como pintor desde 1958 cuando realizó una exposición en la Escuela Nacional de Artes Plásticas, y a ella le siguieron más de 40 muestras personales y más de 200 colectivas tanto en Guatemala como en el extranjero. Durante la década de los 60 fundó el Grupo Vértebra con otro pintor guatemalteco, Elmar René Rojas, y en 1984 fue miembro fundador del colectivo literario “La Real Academia”. En 1983, tomó posesión como director de la Escuela Nacional de Artes Plásticas y dejó el cargo en 1986. 46

El Área

Educación Plástica 3


El área se utiliza para representar las formas en ella. Para poder trabajar sobre el área, debemos limitar una porción de superficie con un contorno cerrado, el que se convierte en el soporte sobre el cual desarrollaremos nuestros diseños.

Según su forma, se pueden distinguir dos tipos de áreas, las geométricas, de formas regulares (triángulos, cuadrados, círculos, etc.) y las áreas artísticas o sea formas libres o también llamadas irregulares.

Las áreas se pueden llamar también figuras y dependen de la forma originada por el contorno cerrado. Existen muchos tipos de áreas, pero su tamaño siempre será lo suficientemente grande como para no ser un punto.

Te la presentamos...

El área

Área geométrica

Área Artistica

Configurar la forma

Figura fondo

La área, líneaes es concepto El unaunsucesión de abstracto, se describe líneas yuxtapuestas, escomo decir,la sucesiónparalelas continua etrazadas indefinida líneas de puntos en una sola dirección, una junto a la otra que es invisible, longitud, dan origen a posee una superficie carece bpero idim e n s i de o ngrosor. al llamada plano.

Lalalínea es la visual Es medida defuerza una superficie más simple que puede limitadas por líneas cuyos utilizarse para realizados representar trazos has sido con bordes límites de los lalosayuda de oinstrumentos oa objetos, definiendo la figura o mano alzada, como elemento contorno ooel volumen. decorativo estetico, utilizando diferentes técnicas de puntos, líneas, colores y texturas.

El área configura, es el aspecto externo de las formas y lo que hace que distingamos una de otra, informándonos de la naturaleza de las cosas, a través de su forma exterior nos muestra su configuración, tamaño y posición.

La figura y el fondo son porciones de superficie en constante interrelación, de tal manera, que uno no existe sin el otro. La figura se destaca de otros elementos y el fondo sostiene o enmarca a la figura y por su contraste menor, tiende a pasar desapercibido o ser omitido visualmente.

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El área es una porción de superficie plana limitada por un contorno cerrado.

3. Funciones

2. Tipos

1. Definición

Educación Plástica 3

El Área

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Por medio de la configuración se aprecian los contornos y la línea, cuando una línea es continúa las dimensiones del objeto; es decir, las líneas que limitan empezando y acabando en un mismo punto. La superficie interior que encierra La Configuración se refiere a la forma lógica como están sus formas y su longitud o extensión. dispuestas las partes que componen un objeto en su Las formas pueden ser interpretadas y por consiguiente el contorno se conoce con el nombre aspecto externo y que le dan su forma peculiar y la nos representadas de diferentes modos. La forma más de dintorno. Tanto la superficie que hace distinguir una forma de otra. Es lo que distingue un simple de representar una forma es utilizando su encierra la línea de la forma (dintorno) reloj de una manzana o una vaca de un pato. Esto es el contorno. El contorno o borde es el límite visible entre como la exterior a la misma (fondo) son “que” de las formas. la forma y el fondo, suele representarse por medio de planas y pueden tener colores variados. El conjunto de ambos conforman la silueta.

Configuración de la forma

Generalmente cuando se dibuja una silueta se realiza el contorno y el dintorno de la figura en color negro.

La superficie interior que encierra el contorno se conoce con el nombre de dintorno. La figura es concebida como el aspecto externo del objeto, es decir, su configuración.

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El Área

El contorno delimita dos zonas, una inscrita en su interior (dintorno) y otra en el exterior que se convierte en fondo.

Educación Plástica 3

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El contorno es el trazo lineal continuo que empieza y acaba en un mismo punto.


En la ilustración que encuentras, aplica los conceptos de configuración de la forma; y con marcador color rojo, traza sobre ella su contorno y con témpera negra, su dintorno. Observa como obtienes una silueta del ave representada.

Educación Plástica 3

El Área

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Criterio*

Heteroevaluación

Indicadores

Autoevaluación Necesita mejorar

Coevaluación

Satisfactorio

Creatividad Manejo de instrumentos/Técnica Limpieza Composición Armonía de color Presentación Exactitud

Nota final

Excelente


Competencias Temáticas • Reafirma los conocimientos de perspectiva frontal y oblicua de dos puntos de fuga. • Conoce los tipos de perspectiva oblicua con tres puntos de fuga. (vista de pájaro y ojo de hormiga). • Practicar la perspectiva de tres puntos de fuga. • Conoce la perspectiva del color y realizar trabajos creativos con ella.

Desarrollo La perspectiva, es la técnica de la cual el hombre se vale para representar en un plano que sólo tiene tres dimensiones, cualquier modelo tridimensional. A través de la perspectiva, podemos observar sobre el plano los objetos como los vemos en la realidad creando la ilusión óptica de la tridimensionalidad.

Pintura de José Alfredo Garcia Gil, Artista Guatemalteco


Único, opción realista de la VI edición del mismo evento. También el Premio Único en el concurso para el afiche de la V Bienal de Arte Paiz. En el certamen Arturo Martínez, obtuvo el Premio Único en los años 1978, 1980 y 1983. Reciente mente ha sido jurado calificador en esta justa. Se suman también, las menciones honoríficas de la IV, V y VIII Bienal de Arte Paiz, así como la obtenida en el III Certamen Nacional de Pintura “Shell” en 1988. Entre 1989 y 1992, tuvo a su cargo la cátedra de Dibujo Artístico en la Escuela Regional de Quetzaltenango “Humberto Garavito”. En su labor docente hay que incluir los talleres de generalidades de dibujo y pintura que impartió a miembros de diferentes instituciones y centros educativos.

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La Perspectiva

Obras del Artista

José Alfredo Garcia Gil

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José Alfredo García Jil (1951-). Nació en Quetzaltenango, Guatemala; como artista, comienza su formación en la Escuela de Artes Plásticas de Quetzaltenango. Realiza viajes de estudio y observación a museos y galerías de México, España, Holanda, Estados Unidos de América, Inglaterra y Francia. Formó parte del colectivo “Itzul” dirigido por Elmar René Roja en 1990, junto con artistas como: Francisco Auyón, Adán Aguilar, Arturo Monroy y María Elena de Lamport(+), entre otros. Ha participado en múltiples exhibiciones internacionales que lo han llevado a México, Estados Unidos de América, Alemania, Japón, Inglaterra, España, el Salvador, Honduras, Italia, República Dominicana y China. Individualmente ha expuesto en importantes galerías en la ciudad de Guatemala. Su trabajo ha sido reconocido en repetidas ocasiones: Tercer Premio en el Certamen del Siglo, promovido por la Cervecería Nacional de Quetzaltenango, en 1995. Segundo premio, opción Libre creatividad de la VII Bienal de Arte Paiz, así como el Premio

Educación Plástica 3


Ya sabes que la realidad es tridimensional, es decir, cualquier objeto de tu alrededor, una silla por ejemplo, tiene tres dimensiones, esto es, tiene una altura, un ancho y una profundidad. La perspectiva como posibilidad expresiva del dibujo y la pintura, visualmente rompe la superficie de trabajo y representando una profundidad inexistente y

consigue que los cuerpos destaquen con relieve visual, en la superficie plana del cuadro, dando la impresión de formas reales en nuestra representación, sean imágenes reproducidas de formas reales (figuras humanas, edificios, o cualquier objeto), o invención de formas imaginarias.

Te la presentamos...

La perspectiva 1. Definición

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Perspectiva es el método que nos enseña a representar sobre un plano de dos dimensiones, las tres dimensiones de un modelo, con la ilusión óptica de la realidad misma del objeto en el espacio.

3. Funciones

2. Tipos Perspectiva Lineal

Pespectiva artística

Construir modelos

Servir de soporte

Es la perspectiva basada en esquemas, es una abstracción de la realidad, una elaboración lineal, que busca la veracidad en la relación entre el dibujo y el modelo y no es la forma natural de ver las cosas.

La perspectiva artística no se basa en números y medidas precisas, el artista no se conforma con la apariencia abstracta y esquemática de la perspectiva técnica, sino que su objetivo es que lo representado se asemeje a la realidad.

La función primordial de la perspec tiva lineal es construir un modelo a escala de la realidad, de manera que se pueda deducir las medidas reales del modelo a partir de las medidas del dibujo.

La función de la perspectiva artística, es ser el esqueleto de otros valores artísticos, como la forma, el color, el sombreado, etc. que se le superponen.

Pintura de la Calle de San Antonio de Antigua Guatemala, del Maestro Jorge Antoni Zolorzano Gramajo. Calle de Salamá, pintura del Maestro Ernesto Boesche.

Educación Plástica 3

La Pespectiva

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Recordemos que en la perspectiva frontal: - Todas las líneas horizontales que son paralelas a la línea de tierra y del horizonte; permanecen así no importando su localización. - Todas las líneas verticales que son perpendiculares a las líneas del horizonte y de tierra, permanecen perpediculares a las mismas sin importar donde están localizadas. - Todas las líneas oblicuas a la línea de tierra y de horizonte se convierten en líneas de profundidad y convergen en los puntos de fuga. - Que el cuadrado es el elemento fundamental en todas las perspectivas y lo puedes convertir en un cubo o en un paralilepípedo y encajar dentro las figuras que realices.

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Dependiendo de la posición del modelo con respecto al observador así será el tipo o clase de perspectiva en la cual debes representar tu dibujo. De manera que se puede dibujar en perspectiva frontal y perspectiva oblicua.

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La Perspectiva

Educación Plástica 3


Si el modelo está de frente a ti, lo debes realizar en perspectiva frontal o de un punto de fuga; donde todas las líneas horizontales y verticales permanecen paralelas entre sí respectivamente y las líneas de profundidad convergen hacia un punto principal sin importar que éste cambie de posición. (Ejemplos de la página anterior).

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Pero si tu modelo gira, y frente a ti queda un ángulo de éste, entonces debes utilizar la perspectiva oblicua de dos puntos de fuga; en donde las líneas horizontales ya no son paralelas a las línea de horizonte ni a la línea de tierra sino que convergen hacia los puntos de fuga convirtiéndose en líneas de profundidad, no así las líneas verticales que se mantienen en su posición perpendicular a la línea del horizonte.

LÍNEA DE HORIZONTE

Educación Plástica 3

La Pespectiva

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Los espacios en perspectiva

LÍNEA DE HORIZONTE

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Como haz visto anteriormente, las cosas en perspectiva conforme se alejan hacia el horizonte, parecen irse juntando y achicando. Para crear este efecto visual sobre tu plano debes aprender un procedimiento que te servirá para espaciar medidas iguales en perspectiva en planos horizontales y verticales. Esto es muy importante, si se quieren dibujar espacios a intervalos iguales que se alejen hacia el horizonte; y por consiguiente, nos permitirá espaciar correctamente el diseño de un piso, ladrillos de una pared, postes de cercas y alumbrado publico, la vía del ferrocarril, las ventanas de un edificio y muchos usos más de gran utilidad que encontraremos para este método.

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La Perspectiva

Educación Plástica 3


Competencias temáticas • Recuerda los conocimientos aprendidos sobre claroscuro en los cursos anteriores. • Aplica el claroscuro con colores, a figuras básicas y simples. • Realiza diseños aplicando el claroscuro en diferentes técnicas de color como crayón, lapicero y marcador. • Utiliza la creatividad personal con la aplicación de diferentes técnicas del claroscuro.

Desarrollo Por considerarlo de importancia, para el estudio de El Claroscuro, haremos una revisión de los conceptos más importantes estudiados en los cursos anteriores, de manera que diremos que: El Claroscuro es la representación gráfica del fenómeno de gradaciones tonales de luz y sombra que se producen en los objetos iluminados. La luz es un ente físico que se irradia sobre los objetos y que la percibimos por el sentido de la vista, que es el sentido por el cual el ser humano recibe la mayor cantidad de información del espacio circundante. La luz directa es aquella que percibimos directamente de la fuente que la produce, sin la intervención de algún otro elemento. La luz indirecta es aquélla que percibimos como reflejo producido por la superficie de los objetos, que reciben la luz de otra fuente distinta.

Pintura de Jorge A. Morales, Artista Guatemalteco


deseo de plasmar un momento preciso, como la humedad y melancolía de un día lluvioso. Ha expuesto sus obras en Guatemala, los Estados Unidos, Suiza, Dinamarca y Alemania y sus pinturas se encuentran en colecciones privadas en todo el mundo.

Jorge A. Morales (1973-)

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Nació en la ciudad de Guatemala y es autodidacta. Tras encontrar la inspiración en unas pinturas que vio en un calendario de una farmacia, en 1995 tomó por primera vez un pincel en sus manos y en 1999 abrió junto a un amigo su propia galería en Antigua Guatemala. Desde 1996 está desarollando su inconfundible técnica y estilo. Hoy en día está conocida ante de todo por sus "Sepias". Sus cuadros muestran calles, pueblos, ciudades, paisajes y personas de Guatemala y otros países del mundo. En sus obras se puede apreciar no solamente una técnica bien desarrollada, sino que ante todo el

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El Claroscuro

Educación Plástica 3


En un dibujo el contorno del objeto es lo que facilita su identificación. La línea es lo que le separa del fondo y delimita su forma, pero para que un objeto no aparezca plano es necesario modelarlo para que adquiera volumen y por tanto el efecto óptico de la tridimensionalidad que es lo que finalmente hará creíble al objeto dibujado. El volumen de un objeto

dibujado viene dado por las sombras que la iluminación produce en el objeto y en su entorno real, por eso es imprescindible tener una idea básica del efecto de luces y sombras conocido comúnmente como claroscuro, esta técnica permite crear efectos de relieve y modelado de las formas, a través de la representación de gradación de tonos de luz y sombra.

Te lo presentamos...

El claroscuro 1. Definición

Claroscuro en blanco y negro

Claroscuro a color

Claroscuro en blanco y negro

Claroscuro a color

Cuando los valores de color están dados por el empleo del blanco y del negro, la claridad significará el blanco y la oscuridad significará el negro, las variaciones entre el blanco y el negro serán los grises.

El valor es una propiedad de los colores y se refiere a los contrastes entre estos, al someterlos un proceso de degradación, que no es más que someter un color a la combinación progresiva del blanco hasta aclararlo totalmente, o a la combinación también progresiva del negro hasta oscurecerlo totalmente.

Su función es representar por medio de alguna técnica gráfica las zonas de luz y sombra que se definen al iluminar un modelo y sustituir los valores de los colores, de tal manera, que a cada tono de color le corresponde un gris dentro de una gama de grises que va del blanco al negro.

En la naturaleza todo es color y nada se nos presenta en blanco y negro; la función del claroscuro a color es plasmar los diferentes colores y sus tonos en un proceso de degradación que no es más que someter un color a la combinación progresiva del blanco hasta aclararlo totalmente, o a la combinación también progresiva del negro hasta oscurecerlo totalmente.

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El claroscuro es la representación de la luz y de la sombra, por medio de gradaciones tonales, que nos permite tener una percepción tridimensional de un cuerpo a través del dibujo o la pintura.

3. Funciones

2. Tipos

Educación Plástica 3

El Claroscuro

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¿Qué es claroscuro? Recordemos que todos los objetos al ser iluminados producen una serie de luces, sombras y gradaciones tonales que les dan volumen y profundidad. A la representación gráfica de este fenómeno se le llama claroscuro. En el claroscuro intervienen dos factores que son: la luz y la sombra.

Los objetos pueden ser iluminados con luz directa, creando en éste sombras muy oscuras y pocos grises; o bien, pueden ser iluminados con luz indirecta creando tonos tenues sin contraste. La sombra, es la ausencia de luz, en el objeto, y puede ser de bordes cortados o de bordes esfumados. En las figuras que producen sombras de bordes esfumados, existen varias zonas de claroscuro que te ayudan a crear un mejor volumen de ésta.

100 El Claroscuro

La iluminación con luz suave crea una gama amplia de sombras de bordes esfumados.

La iluminación con luz fuerte crea sombras más oscuras y elimina las sombras claras.

La iluminación con luz suave crea una gama amplia de sombras de bordes cortados.

La iluminación con luz fuerte crea sombras más oscuras y elimina las sombras claras.

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La luz es un ente físico que tiene como característica principal iluminar a los objetos y hacerlos visibles. Ésta puede ser natural cuando proviene del sol o la luna; y artificial, si proviene de una lámpara o una vela.


Figura 1

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Figura 2

Al dibujar los objetos nos interesa dar a éstos una sensación de volumen, a pesar de que la superficie del papel es completamente plana. Para conseguir este efecto de volumen o profundidad, dibujamos los objetos, como puedes observar en el ejemplo No. 1, el cual da la sensación de volumen debido a la perspectiva; pero observa el ejemplo No. 2, en el que la sensación de volumen es mucho más pronunciada: las sombras de las casas han sido remarcadas con lo que se ha logrado acentuar la sensación tridimensional que tienen en la realidad. El claroscuro nos ofrece dos posibilidades: identificar la forma de los cuerpos y valernos de un medio de expresión; en efecto, la luz que el modelo recibe nos dice si éste es plano, curvo, esférico, etc. Entre la luz y la sombra existe infinidad de grises o tonos que son los que dan profundidad y dimensión al objeto; el mantener la fidelidad de los distintos tonos con la realidad, y la relación entre ellos es lo más importante del

Educación Plástica 3

El Claroscuro 101


¿Cómo surgió el claroscuro? Los dibujos y pinturas planas, sin efecto de volumen y en forma de siluetas, predominaron en la pintura prehistórica, en el arte egipcio y en los comienzos del griego, aunque en este período y en el arte del Imperio romano hubo un interés por modelar las formas con efectos de luz y sombra, tal como demuestran los frescos de Pompeya. Tras este período clásico, el arte medieval adoptó un estilo más lineal. Durante el Renacimiento, se retoma el arte clásico y, por tanto, se empiezan a utilizar los efectos de luz y sombra. En este período, la pintura era considerada como el arte supremo, puesto que a través de ella se podía describir y analizar la naturaleza, estudiar las formas, los colores, la perspectiva y los efectos de la luz sobre los cuerpos para crear un efecto de tridimensionalidad, de volumen, de espacio y de profundidad. Se interesaba totalmente por los efectos de la luz y la sensación de profundidad y atmósfera, utilizó el sfumato, técnica de su invención gracias a la cual Leonardo ha sido considerado el padre del claroscuro.

un efecto dramático y teatral muy expresivo. Caravaggio trata la luz como un elemento añadido para destacar lo que le interesa, pero su claroscuro no construye el espacio de la obra. El pintor conocido como El Greco (1541-1614), utilizó el claroscuro no como elemento accesorio, sino como algo propio del efecto dramático y que, combinado con los colores y las líneas, proporcionaba a la representación un carácter místico y dinámico, como en su obra Resurrección de Cristo (1577-1579).

ellos y transforma el dibujo, que deja de ser nítido. Rembrandt ya no perfila los contornos con exactitud. En La cena de Emaús de 1648 trató de describir los estados de ánimo, por lo que la luz es más sutil y parece surgir de la figura de Cristo a modo de aureola que, además, ilumina suavemente a los otros personajes.

Más tarde, Rembrandt también utilizó el claroscuro de una manera muy diferente. En sus obras, las luces no proceden del exterior, sino que forman parte de la obra misma; en lugar de destacar formas y colores, que existirían sin el contraste, el claroscuro se integra en

A finales del s. XVI, Durante el Estilo Barroco, el claroscuro empieza a utilizarse para conseguir efectos dramáticos, con fuertes contrastes entre las zonas iluminadas y los fondos tenebrosos. Estos efectos de dramatismo intenso dan nombre a la tendencia pictórica del tenebrismo, cuyo iniciador fue el pintor italiano conocido como il Caravaggio (1573-1610). Sus obras manifiestan la clara voluntad del artista de representar la realidad tal como es, aunque ésta resulte fea e innoble, y para ello utilizó como modelos a gente rústica del pueblo, joven o anciana, o frutas estropeadas. Además de dar a sus pinturas un tratamiento naturalista, empleaba violentos contrastes de luz: los personajes están parcialmente iluminados por un luz artificial, que surge de fondos oscuros y produce 102 El Claroscuro

En La vocación de san Mateo, la luz entra por la derecha, por una ventana imaginaria que se supone fuera del cuadro, e ilumina los contornos de los personajes. El gesto de Cristo señalando a san Mateo es muy efectivo a causa del haz de luz que le acompaña y que indica el lugar donde está el santo. Este tratamiento plástico de una escena religiosa supuso una gran novedad.

El Greco. Resurrección de Cristo (1577-1579).

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En La Última Cena empleó por primera vez la luz y la sombra como elementos de composición, aunque la base de su obra continúa siendo la línea.


En el dibujo de la derecha, dentro del rectรกngulo usando lรกpiz, traza los valores correspondiente a los tonos contenidos en el cubo.

Educaciรณn Plรกstica 3

El Claroscuro 107


En el dibujo de la izquierda, dentro del rectรกngulo usando lรกpiz, traza los valores correspondiente a los tonos contenidos en la esfera.

108 El Claroscuro

Educaciรณn Plรกstica 3


Competencias temáticas • Conoce la forma en que los artistas guatemaltecos aplican el color. • Aplica los cono­ci­mien­tos adquiridos sobre el color, en traba­jos de expresión creativa. • Desarrolla habilidades y destrezas para elaborar trabajos a color, utili­zando las diferentes técnicas. • Analizar y apreciar el uso expresivo del color en la obras artísticas de los pintores expresionistas, como parte sensibilización personal.

Desarollo La luz producida o emi­ti­da por el sol o por una fuente lumínica, es el agente que posibilita el acto de ver y apreciar los colores. La luz se propaga en ondas lumínicas de dis­t in­t as lon­g i­t u­d es que se desplazan a diferentes velocidades (como el so­ni­do que se pro­paga en ondas sonoras) que per­cibidas por nuestros ojos, producen en nues­tro cerebro, la sensa­ción que llamamos Color. Entonces, para poder ver un objeto y su color, es nece­sario que haya luz, la que puede provenir, en forma directa o indirecta, de una fuente natural o artificial.


Premios obtenidos: 2000 Primer lugar de pintura organizado por el G&T y centro cultural el Sitio, Antigua Guatemala 2004 – ,005 Mejor artista Quetzalteco, Helvetas. 2006 – 2007 – 2011 Primer Lugar Concurso Nacional de pintura Arturo Martínez, en la rama de paisaje. 2011 Primer lugar en el III certamen de pintura al aire libre, en Antigua Guatemala. Exposiciones colectivas internacionales. 2006 Gallery Wisconsin, USA. 2011 Holguín, Cuba. 2012 Viaje de estudio a París, Francia. 2014 Isla de Roatán, Honduras. Su obra se encuentra en colecciones privadas en Guatemala, y del mundo.

Nació en Salcajá, Quetzaltenango. Realizó su formación artística con los maestros Rafael Mora, Cesar Pinto y en la Escuela regional de Arte Humberto Garavito. Aunque ha recibido cursos libres de arte se considera un pintor autodidáctico, lo que le ha llevado a alcanzar un estilo propio. Ha expuesto a nivel personal y colectivo: 1999 hasta 2007 Salón de matrimonios en Salcajá, Quetgo. 2002 Proyecto cultural el Sitio, Antigua Guatemala 2002 Galería las Calas, Quetzaltenango. 2003 Palacio Nacional de La Cultura, Ciudad de Guatemala. 2007 Galería de arte de Salamá, Baja Verapaz. 2008 Museo de Salcajá. 2011 Paraíso Terrenal, La Antigua Galería de Arte, Antigua Guatemala. 2013 Experiencias Vívidas, La Antigua Galería de Arte, Antigua Guatemala. 2014 Campiña Revestida, El Attíco, Ciudad de Guatemala 118 El Color

Obras de Artista

Sergio Alvarado

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Sergio Alvarado (1976-).

Educación Plástica 3


El color se percibe de manera precisa por el sentido de la vista, debido a componentes químicos y físicos que poseen los elementos que componen los cuerpos de los objetos inertes y vivos. Gracias a ésta propiedad vemos los colores, los que aparte de aportar información visual, expresan estados anímicos y emociones de muy concreta significación psíquica que afectan nuestros sentimientos y emociones.

También nos producen sensaciones térmicas y así decimos “colores cálidos” y “colores fríos”. De la misma manera los colores siempre se han asociado con un significado simbólico cultural, así como con un simbolismo patriótico y practico en la sociedad.

Te los presentamos...

El color 1. Naturaleza

3. Funciones

2. Propiedades

Color luz

Color pigmento

Tono

Valor

Es un fenómeno físico producido por la descomposición de la luz, la que, al incidir en la retina de los ojos como rayos luminosos reflejados por los cuerpos producen la impresión de color.

Son sustancias coloreadas, que poseen diferentes composiciones químicas y físicas, que hacen que éstas sean capaces de absorber determinadas longitudes de onda lumínica y de reflejar otras.

El matiz es la propia cualidad que distingue un color de otro color.

Es la variación de luminosidad hacia el blanco o el negro de un color.

Saturación La saturación de un color radica en su pureza de pigmentación.

Atraer la atención

Valor Expresivo

Las imágenes con color suscitan siempre interés. El color elemento muy eficaz para llamar la atención.

Los colores afectan sentimientos, emociones, y tienen una significación psíquica.

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El color produce impresiones.

Descomposición de la luz a travéz de un prisma.

Absorción de la luz y reflexión de los colores que vemos.

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Colores primarios saturados por sus complementarios.

Primarios

Secundarios

Cálidos

Fríos

El color transmite estados de ánimo y sentimientos.

El Color 119


Luz blanca y los colores Apreciamos los colores gracias a una de las “máquinas” más perfectas y fascinantes de nuestro organismo: los ojos. La retina, comprende una capa de células foto receptivas, las cuales forman una especie de mosaico. Estas células, cuando se estimulan con la luz, dan una respuesta eléctrica que son las encargadas de transmitir al cerebro el color por un lado y la forma por otro. Hay dos tipos de células foto receptiva, conos y bastoncillos: Los conos – mandan la sensación de color al cerebro. Trabajan con luz intensa y son los encargados de la visión en detalle.

Los conos posibilitan la separación cromática. Son de tres tipos: A: sensibles a las radiaciones cortas, es decir a los azules. V: sensibles a las radiaciones medias, es decir, a los verdes. R: sensibles a las radiaciones largas, es decir, a los rojos.

Ultravioleta

Infrarrojo

Espectro visible

4 0 0

4 3 5

5 0 0

4 7 0

6 0 0

4 2 5

7 0 0

Espectro donde se aprecia la longitud de onda de la descomposición de la luz y diagrama de longitud de los colores donde se aprecia el rango de longitud de cada uno.

Dato curioso El sistema de definición de colores aditivos RGB (del inglés Red, Green, Blue; “rojo, verde, azul”), es el usado en las pantallas de TV. de computadoras y en general en diseño gráfico digital y en diseño Web, y parte de tres colores primarios, rojo, verde y azul, a partir de los cuales es posible obtener todos los demás colores del espectro. En cualquier pantalla electrónica, la sensación de color se produce por la mezcla aditiva de rojo, verde y azul. Hay una serie de puntos minúsculos llamados píxeles. Cada punto de la pantalla es un píxel y cada píxel es, en realidad, un conjunto de tres subpíxeles; uno rojo, uno verde y uno azul, cada uno de los cuales brilla con una determinada intensidad.

120 El Color

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Los bastoncillos – cubren toda la retina, excepto la fóvea, que está nutrida de conos. Trabajan con luz baja y son insensibles a los colores. Son los encargados de ver las formas, los contornos. Nos dan una visión muy poco detallada.


Propiedades del color Matiz

La gama de combinaciones de los diferentes colores entre sí, es inmensa y si a esto le sumamos que se pueden combinar además con el blanco y con el negro, es casi infinita. Por este motivo se diseño un sistema de clasificación para poder organizar todas las variaciones que podemos obtener mezclando los colores primarios, el negro y el blanco. La clasificación se fundamenta en las propiedades del color, que son, matiz, valor y saturación. Basándose en estas tres cualidades se pueden confeccionar las tres escalas básicas de colores: la escala de matiz (círculo cromático), la escala de valor o claro-oscuro y la escala de saturación o escala de grises.

Valor o Luminosidad

Saturación

El matiz

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AMARILLO

AZUL

ROJO

Educación Plástica 3

3 1

32

1 1

23

1 3

AM-VD

VD-AM

VERDE

VD-AZ

AZ-VD

3 1

32

1 1

AZ-VIO

VIO-AZ

VIOLETA

VIO-RJ

RJ-VIO

3 1

32

1 1

23

1 3

NJ-AM

AM-NJ

RJ-NJ

NJ-RJ

NARANJA

23

AZUL

1 3

ROJO

AMARILLO

El matiz es la propia cualidad que tiene un color como color, es lo que permite clasificar los colores como amarillo, verde, azul, violeta, rojo, etc. es decir, el rojo es rojo porque su matiz es rojo, el matiz del azul es azul y el matiz del amarillo es amarillo. Matiz son todos los colores del círculo cromático, primarios, secundarios e intermedios. Podemos decir que cuando nos movemos de un color a otro en el círculo cromático, se produce un cambio de matiz al modificar un color puro hacia uno de los dos sentidos del círculo de los colores, sin perder pureza cromática. Así, un determinado verde puede ser denominado, con más precisión, verde azulado, o un rojo inclinado hacia el naranja, rojo anaranjado. El Color 121


La luminosidad se consigue mezclando a cada uno de los colores o tonos del círculo cromático con pigmentos blancos para ganar luminosidad o con el negro para oscurecerlo, en proporciones variadas. Para realizar la escala de claro-oscuro, es decir, los diferentes valores de un color tenemos que tener en cuenta que no todos tienen la misma luminosidad. Si se tuviese una escala graduada del 1 a 10, el amarillo estaría en el número 9, el naranja en el 8, el rojo y el verde en el 6, el azul en el 4 y el violeta en el 3.

Adición de negro

La variación de valor o luminosidad se consigue mezclando un color con pigmentos blancos o negros en proporciones variadas. Añadiendo blanco se obtiene más luz o brillo, añadiendo negro se obtienen valores más oscuros.

Adición de blanco

Valor o luminosidad

Rojo

Anaranjado

Amarillo

Verde

Azul

Violeta

Saturación o intensidad

Rojo

Verde

Ammarillo

Violeta

Azul

Naranja

122 El Color

Para recordar Cuando decimos color abarcamos Tinte, Saturación y Matiz y no basta una de estas cualidades por sí solas para definirlo con exactitud. Si uno modifica el Valor se modifica también la saturación. Al modificar la Saturación, si se hace con blanco o negro, se modifica también su valor. Al modificar el Matiz, modificamos también su valor. No se puede alterar una de las características del color sin hacer variar las otras dos. Educación Plástica 3

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Cuando un color pertenece al círculo cromático se dice que está saturado, que tiene el máximo de intensidad. Los colores muy saturados o de fuerte intensidad, son los más brillantes y vivos que pueden obtenerse, son los pigmentos puros. Pero no siempre nos encontramos los colores puros, sino que suelen estar compuestos por mezclas complejas, con cantidades desiguales de colores primarios. Para cambiar la saturación de un color hay que mezclarlo con su complementario, y así se obtiene la escala de saturación o de grises.


Pinta con colores tempera el cuadro de doble entrada que se encuentra en la parte inferior, en el que obtendrรกs diferentes valores de luminosidad al mezclar el color verde con blanco y negro en las proporciones indicadas grรกficamente por las gotas. 1

1 1

1

1 2

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2

1 3

1 2

1 3

1 3

1

1

1 1

2

1

1 1

1

1

1 3

1

El Color 123


Criterio*

Heteroevaluación

Indicadores

Autoevaluación Necesita mejorar

Coevaluación

Satisfactorio

Creatividad Manejo de instrumentos/Técnica Limpieza Composición Armonía de color Presentación Exactitud

Nota final

Excelente


Competencias temáticas • Amplia el conocimiento sobre la teoría básica de la textura. • Reafirma el cono­c imien­t o sobre la terminología usada en la textura. • Adquiere la capacidad para di­fe­ren­ciar la textura orgánica de la geo­mé­trica. • Utiliza diferentes técnicas, apli­c an­d o textura a diseños creativos. • Adquiere la habilidad para distinguir las diferentes clases de textura or­g á­ nica: infertextura, textura normal y supertextura.

Desarrollo Cuando observas las cosas puedes re­ conocerlas y describirlas por tres aspectos inseparables: masa, color y textura. Los pétalos de una rosa tienen una su­ perficie muy distinta a la de una roca, y esta diferencia en la superficie es lo que llamamos textura. Muchas veces las cosas, pueden te­ ner el mismo color y la misma masa pero ser dos cosas muy diferentes y sólo las podrás diferenciar gracias a la textura.


Premios Internacionales: Premio MAAA (Mid America Arts Alliance): uno de los 15 mejores artistas en el munod 1991 Premio CAMILO MORI IX Bienal de Arte, Valparaíso en 1989

Obras del Artista

Elmar René Rojas Azurdia

Elmar Rojas Azurdia (1942-).

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Nació en Sumpango Guatemala. Reconocido artista Guatemalteco, practicaba arquitectura antes de estudiar arte en Guatemala, España, Francia e Italia. Fundador del Ministerio de Cultura de Guatemala (Guatemala Centro América) en 1986; es protagonista de cientos de exposiciones en las principales ciudades del mundo. Su arte es conocido por expresar el "Realismo Mágico" ó "Realidad Maravillosa". Sus premios internacionales incluyen el Gran Premio Iberoamericano "Cristóbal Colón", presentado en Madrid, España, entregado por el Rey Juan Carlos de Borbón de España. Es uno de los de los artistas más importantes de América Latina, es reconocido como gran promotor de cultura y uno de los más internacionales de Guatemala. 136 La Textura

Educación Plástica 3


La textura es una cualidad o característica propia de los objetos, podríamos decir que es como la piel de los cuerpos, es su límite exterior, lo que los separa del entorno. El término textura se refiere a la sensación que percibimos al tacto con el roce de un determinado material; siendo

en esta acción el sentido del tacto, el principal vehículo o encargado de percibir la sensación que identifica la textura, y que conjuntamente con la forma, el tamaño y el color, nos completa la información que recibimos por los sentidos del tacto y la vista, con la que identificamos plenamente los objetos.

Te la presentamos...

La Textura 1. Definición

3. Por su persepción

Textura natural

Textura artificial

Textura táctil (tridimensional)

Textura visual (bidimensional)

Las texturas naturales son todas aquellas en las que el hombre no ha intervenido en su elaboración y las observamos en los seres vivos y formas de la naturaleza, los animales, las rocas y los vegetales.

L a tex t u ra a r t i f i c i a l s e encuentra en los productos fabricados por el ser h u m a n o c u a n d o u t i l i za materiales naturales o artificiales en su elaboración.

La textura táctil es aquella perceptible a través del tacto, tienen tres dimensiones, es decir, son corpóreas, se pueden tocar.

La textura visual se refiere a las texturas que imitan la realidad y no se pueden tocar, aunque sí nos evocan sensaciones al verlas.

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La textura es la sensación que produce la superficie de un objeto al ser percibido por el sentido del tacto y de la vista.

2. Por su origen

Educación Plástica 3

La Textura 137


La Textura La textura es sinónimo de apariencia y la definimos como la calidad o aspecto externo de los objetos que se puede percibir por medio de los sentidos del tacto y de la vista. Las diferentes clases de texturas, las podemos hallar en la naturaleza y en las obras de arte; por lo que podemos clasificarlas como textura natural y artística. Textura natural es aquella que es propia de los cuerpos. Como, la textura de una manzana que es lisa; la textura de un zapote que es áspera.

Textura natural, corteza de árbol.

138 La Textura

Textura artística, dibujo de árbol.

Textura artística, dibujo de oso.

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Textura artística es aquella en la que interviene la mano del hombre para representarla; se da en el campo artístico, especialmente en dibujo y pintura, en donde se le da al material un trata­miento apropiado para representar la textura que se necesita. Se pinta dando la idea de piedra, de madera, de tela, etc.

Textura natural, superficie de una roca.

Educación Plástica 3


Textura orgánica

Textura geométrica

Otra clasificación de Textura Otra clasificación que se hace de la textura es en orgánica y geométrica. Los objetos naturales, nos presentan elementos componentes de la textura que son semejantes unos con otros y rara vez iguales, por estar sus moléculas componentes colocadas de distinta manera. A primera vista, pode­mos engañarnos y creer que vemos una repetición igual de los elementos orgá­nicos; pero, no es así, porque dichos elementos son semejantes; es decir, iguales en forma, pero diferentes en tamaño; cuando esto sucede, decimos que la textura es orgánica.

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Ahora bien, cuando la textura de un cuerpo es uniforme y con elementos iguales, decimos que es una textura geométrica; la cual se consigue si se traza con instrumentos de precisión, para lograr una repetición exacta de dichos elementos y lograr así, una absoluta uniformidad.

Educación Plástica 3

La Textura 139


Si nos adentramos un poco más en la textura y basados en los conceptos de textura orgánica y geométrica, podemos estudiar nuevas formas de textura; así, si observamos un cuerpo con una lupa o con un microscopio, encontramos un mun­do de texturas orgánicas que, sólo con estos instrumentos somos capaces de observar, para después reproducirlas. A este tipo de textura lo podemos llamar infertextura o sea que está en forma inferior a lo visible. Pero, si los elementos que observamos son mucho más grandes que los componentes de una textura normal, entonces, decimos que se trata de una supertextura.

Vista de un grano de polen través del microscopio electrónico aumentado 300 veces.

Textura normal de una espiga de trigo.

Textura normal se pierde como unidad para dar paso a la textura de conjunto o supertextura.

Ejemplo: Si la espiga de trigo la vemos con una lupa, tendríamos una infertextura; si simplemente la vemos al tamaño, tenemos una textura normal; pero, si vemos el campo completo, tendremos una supertextura.

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Estos conceptos, anteriormente planteados, nos demuestran que la textura es un problema relativo del tamaño de la forma comparada con la estatura del hombre; por lo que para comparar su relatividad escalar, se han establecido tres órdenes de textura: infertextura, simple textura y supertextura.

Al observar un campo de trigo estaremos viendo una supertextura compuesta de miles de texturas individuales.

140 La Textura

Educación Plástica 3


Bajo el concepto de textura orgรกnica desarrolla en el espacio de la derecha una textura similar a la que se te da en el ejemplo inferior, la que representa un tronco de รกrbol inspirado del natural.

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La Textura 141


Bajo el concepto de textura orgรกnica desarrolla en el espacio de la izquierda una textura similar a la que se te da en el ejemplo inferior, la que representa un tronco de รกrbol inspirado del natural.

142 La Textura

Educaciรณn Plรกstica 3


Competencias temáticas • Desarrolla destrezas y habilidades en trabajos creativos, por medio del vo­lu­men. • Realiza prácticas de construcción con cartón, cartulina y papel. • Conoce y aplica las técnicas de recorte y pegado de papel para la realización de bajorrelieves. • Aplica toda su experiencia plástica en la elaboración de maquetas.

Desarrollo El hombre primitivo, al principio, se expresó con la línea y el color; pero, más tarde evolucionó y entonces lo hizo con la forma y el volu­men, cuando esculpe figu­ras de animales en la cacha de sus cuchillos de hueso y formas escultóricas, además modela el barro para fa­bri­car sus recipientes y los adorna, con la doble fi­na­li­dad de la función y de crear la estética; esculpe estatuillas para expre­sar sus sentimientos religiosos; y con está actividad crea el vo­lu­men. La escultura o sea el arte de representar figuras de bulto, se ha manifestado en todas las civilizaciones, con la imagen que el hombre hizo de sus héroes, reyes y dioses por medio del modelado y el esculpido; por consiguiente, ha ma­ne­ja­do el concepto de vo­lu­men. Definimos la escultura como el arte de representar de bulto la figura de los ob­je­ tos, por medio del modelado con materias blandas (ba­rro, cera, plasticina, etc.) o del tallado con materias duras (piedra, mármol, madera, etc.)

Teatro Nacional Miguel Ángel Asturias. Arquitectura del maestro guatemalteco Efraín Recinos.


Se destaca entre sus obras: El Mural Poniente, del Crédito Hipotecario; la restauración y remodelación del Conservatorio Nacional de Música, los murales interiores y exteriores de la Terminal Aérea, parque y fuente del Parque de la Industria, Parque Infantil Zona 10 y el mural de la Biblioteca Nacional, En el Centro Cultural Miguel Ángel Asturias, Efraín Recinos erige el más grandioso de sus monumentos.

Escultura de la serie Sirna en las Nubes.

Efraín Recinos Valenzuela (1928-2011).

Vista del vestibulo de Ingreso al gran Teatro Nacional.

Obras de Artista

Efraín Recinos

Murales en el ingreso de la Biblioteca Nacional.

Murales de la fachada del Crédito Hipotecario Nacional.

146 El Volumen

Mural en el interior del hotel Intercontinental.

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Efraín Enrique Recinos Valenzuela. Es originario de Quetzaltenango. Su inclinación al arte ha dado diversos frutos en distintas disciplinas. Se graduó como Ingeniero Civil en la Universidad de San Carlos de Guatemala, donde inició sus estudios profesionales. Estudió escultura y dibujo en la Escuela Nacional de Artes Plásticas, así como en el Instituto de Leicester de Inglaterra. Estudió acústica en Dinamarca y, a través de los años, se ha destacado en la pintura y escultura. Falleció a los 83 años el 2 de octubre del 2011 en la Ciudad de Guatemala. Su personalidad siempre se manifestó amable, alegre, original y abierta. Despierta hasta la fecha admiración por el legado de su actitud tranquila y apacible pese a la enorme trayectoria, dentro de la cual destaca como Ingeniero Civil, urbanista, pintor, escultor, muralista, escenógrafo y conocedor de música, cine y letras.


Ya sabes que la realidad es tridimensional, es decir, cualquier objeto de tu alrededor, una silla por ejemplo, tiene tres dimensiones, esto es, tiene una altura, una anchura y una profundidad. ¿Pero cómo percibimos esto? Nuestra vista distingue las formas y el color porque la luz reflejándose sobre ellos y nos permite identificarlos. Las sombras, causa contraria de la luz, dan efecto de relieve a los cuerpos y ayudan a comprender la forma y el volumen.

En el lenguaje visual con la palabra volumen se pueden entender dos aspectos o manifestaciones: un volumen representado sobre papel o lienzo por medio del claroscuro, el dibujo en perspectiva o las proyecciones ortogonales. Y un volumen real (como el de una escultura, un edificio, un mueble, etc.).

Te lo presentamos...

El Volumen 1. Definición

Volumen geométrico

Volumen artístico

Representado (bidimensional)

Real (tridimensional)

El volumen es una magnitud definida como el espacio ocupado por un cuerpo. Es una función derivada ya que se halla multiplicando las tres dimensiones.

El artista para representar el volumen aplica técnicas que sugieran la tridimensionalidad de los cuerpos y las distancias entre ellos, estas son: claroscuro, superposición y perspectiva.

La posibilidad expresiva a través del claroscuro, la pintura, la perspectiva y la fotografía, produce la impresión visual de tridimensionalidad, representando valores volumétricos que son propios de la escultura.

La escultura representa cualquier cosa real o abstracta en tres dimensiones (alto, largo y ancho o profundidad). Y es el arte de modelar, tallar o esculpir en barro, piedra, madera u otro material.

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El volumen es la medida que ocupa un cuerpo en el espacio, de manera que, dos cuerpos no pueden ocupar a la vez un mismo lugar.

3. Formas de volumen

2. Tipos

Educación Plástica 3

El Volumen 147


El volumen Cuando el hombre de errante se convierte en sedentario; construye sus casas, templos y palacios; empieza, entonces, a manejar los espacios (arquitectura) y, por consiguiente, a aplicar el concepto de vo­lu­men. Definimos la arquitectura, como el arte de proyectar y construir los edificios y que se expresa por medio del manejo de los es­pa­cios. Desde el Renacimiento, el hombre aplica en sus dibujos y pinturas, perspectiva y claroscuro; sus obras expresan profun­di­dad y, por consiguiente, está aplicando el concepto de volumen. Definimos la pintura como el arte que usa la línea y el color para representar personas, objetos, paisajes, etc., sobre una superficie plana, por lo general; pero manifestando profundidad por medio de la perspectiva y el claroscuro.

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Finalmente, definimos el volumen de un cuerpo como la medida de la extensión espacial, limitada por dicho cuerpo; consi­derando en la extensión espacial, las tres dimensiones: largo, ancho y altura o profundidad.

148 El Volumen

Educación Plástica 3


Esculturas en papel La escultura en papel es una técnica empleada desde la antigüedad en la China y para los trabajos escolares se presta por su facilidad en los materiales y por los instrumentos usados en su realización. Debes de comenzar con ejercicios sencillos de figuras básicas como figuras cónicas concéntricas. Estos ejercicios te servirán para familiarizarte con la técnica la que consiste en sisar o marcar el papel, sin llegar a cortarlo, por donde se realizaron los dobleces; las marcas se realizan en el anverso o el reverso del papel dependiendo hacia dónde se necesite el doblez, si es hacia arriba o hacia abajo; además de los dobleces se realizan cortes con tijera o cuchilla como se te indica en los patrones e instrucciones.

Carlos Meira, Rio de Janeiro.

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Con esta técnica se pueden realizar diseños de gran belleza sencillos o muy elaborados, como puedes apreciar en las ilustraciones de esta página.

Carlos Meira, Rio de Janeiro.

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Carlos Meira, Rio de Janeiro.

El Volumen 149


En las ilustraciones encuentras algunas de las figuras básicas que deberás ejercitar para conocer la técnica y llegar a desarrollar tu propia creatividad en el uso de dobleces de papel. Observa detenidamente los esquemas que se te muestran en la ilustración y encontraras que existen dos tipos de líneas marcados en ellos. Estas te indican sobre que lado del papel deberás sisarlo o marcarlo, de manera que las líneas ( ) se marca sobre la cara frontal del papel y las líneas ) se marcan en ( el reverso del papel.

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Una vez realizado el marcado de las líneas, se procederá a realizar los dobleces los que seguirán en una forma natural el marcado del papel.

150 El Volumen

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