Muestra Educación Plástica 2

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2 Enseñanza Básica

De acuerdo al Currículum Nacional Base


Quinta Edición Copyright © 2020 Colección: Educación Plástica Autor: Arquitecto Eduardo Campo Marsicovetere Ilustración y diseño: Grupo Técnico Editorial Kamar S.A. Revisión de texto: Grupo Técnico Editorial Kamar S.A. La presentación y disposición en conjunto de la colección es propiedad del Editor. Ninguna parte de esta obra puede ser reproducida o transmitida, mediante ningún sistema o método electrónico o mecánico sin consentimiento por escrito de la Editorial.

Editorial Kamar Publicaciones Educativas

4a. avenida 8-63, zona 1. Tels: (502) 2232-5827 / 2464-9514 Guatemala, C.A. www.editorialkamar.com e-mail: ventaseditorialgt@gmail.com


Introducción Los libros de Educación Plástica, que presentamos, no son una simple exposición de temas de las Artes Plásticas, sino que son una obra didáctica que se a realizado con el objeto de orientar el curso dentro de la libre expresión, propiciando una formación integral del estudiante; es por ello que, empleamos en ella el título de Educación Plástica, pues con ello abarcamos todas las actividades que el alumno realiza dentro del curso escolar como lo son: dibujo, pintura, modelado, plegado, recorte, pegado, etc. No lo titulamos como oficialmente se denomina el curso: Artes Plásticas, pues pareciera que el alumno toma este curso como si se pretendiera formar artistas con él, que es un curso de enseñanza de los temas artísticos reservados a los mejores dotados; y es por eso que sustituimos la palabra Artes por Artística, pues con ello completamos el sentido y las competencias del curso: 1. Desarrolla la sensibilidad y la capacidad de apreciar la belleza, para que al asumir la responsabilidad que como ciudadano tendrá en el futuro dentro de la sociedad, contribuya como medio y signo de la más alta calidad de vida. 2. Revela y suscita las vocaciones de aquellos que serán los más capaces como especialistas de la creación de formas y diseños, para que conociendo su vocación, busquen los medios de aprendizaje donde desarrollen todo su potencial artístico. Para lograr estas competencias es necesario profundizar en los contenidos del Currículum Nacional Base y establecer procedimientos y objetivos particulares de la enseñanza de la materia, estableciendo tres direcciones pedagógicas fundamentales: 1. Desarrollar la sensibilidad para ser capaces de comprender la significación de formas, valores tonales, colores, materiales, etc. 2. Practicar de los medios de expresión, como el dibujo, la pintura, el modelado, etc. 3. Ejercitarse en el desarrollo de las facultades creadoras, mediante el juego plástico de manejo de las técnicas. Los temas considerados en los bloques son: a) Introducción a las unidades para que el alumno tenga una idea de lo que comprende su estudio y a la vez, conozca el concepto de la unidad de que se trate.

b) Competencias de cada bloque, inscritos en tres dominios: • Dominio Cognoscitivo, para la adquisición de conocimientos y juicio critico. • Dominio Afectivo, para lograr cambios en las actitudes, intereses y valores. • Dominio Psicomotriz, para el aprendizaje de habilidades y destrezas. c) Los Principios Básicos de cada tema, han sido expuestos al nivel que curso el estudiante, como corresponde a su edad, para que adquiera la confianza necesaria en sus propios medios de expresión; y que el maestro o maestra ampliará si lo considera conveniente. d) Interpretación de ejemplos, el estudiante debe de leer los principios básicos y examinar los ejemplos que se le presentan con la profusión necesaria para que fije las ideas y principios; como preparación a realizar los ejercicios correspondientes y todo lo que el profesor le indique. e) Aprestamiento, bajo este título presentamos el desarrollo de ejemplos guías para que el alumno se prepare y pueda realizar sin dificultad los ejercicios requeridos en cada tema. f) Desarrollo de Ejercicios, en le presentamos al alumno el espacio correspondiente al desarrollo de cada ejercicio, en una hoja desprendible, marginada y con las casillas correspondientes para la identificación personal. g) Lo que debo recordar, encontrará el alumno una síntesis de las ideas y definiciones esenciales que deberá fijar bajo su propio criterio. Además, en los libros de Educación Plástica, creemos importante ofrecer: 1. El perfil terminal del alumno egresado de Primaria en la asignatura de Artes Plásticas. 2. Una exposición de los instrumentos y materiales, en forma general, para que el alumno conozca y forme su equipo de trabajo. El Autor


Tabla de Contenidos Bloque I

Bloque II

Bloque III

Bloque IV

El Punto

La Línea

El Área

La Perspectiva

21-36

37-66

67-104

105-122

El Punto Artista: Georges Seurat El punto gráfico Expresividad del punto El punto construye imágenes El punto colorea

El punto en el arte El puntillismo en las Artes Gráficas Lo que puede hacer un punto...tras otro Desarrollo de ejercicios

La Línea

Artista guatemalteco: Arnoldo Ramírez Amaya ¿Pero, qué es la línea? Expresividad de la línea

La línea en el espacio La línea, estructura el espacio La línea construye formas La línea crea sombras La línea colorea La línea crea texturas

Agrupamiento de las funciones de la línea Aspecto expresivo Aspecto formal o constructivo Aspecto representativo

El ritmo lineal

El ritmo rectangular El ritmo rectocurvado El ritmo curvo La asociación rítmica

Diseño formal Equilibrio

La línea en el arte

El uso de la línea en el arte óptico Arte óptico, imágenes en 3D Desarrollo de ejercicios

El área Artista guatemalteco: Pablo Tobar Henry El área El área como soporte de formato Valor expresivo del área

El área geométrica

Trazos geométricos básicos Dividir la circunferencia en partes iguales Trazo de un óvalo Trazo de un espiral Trazo de un triángulo equilátero Trazo de un hexágono regular Trazo del cuadrado Trazo del pentágono regular

El área artística

Polígonos estrellados

Figuras generatrices La silueta La mancha El monotipo Húmedo sobre húmedo Estampado por huella Dibujo de la figura humana Desarrollo de ejercicios

La Perspectiva Artista guatemalteco: Jorge Mazariegos Rodríguez En busca de las tres dimensiones La perspectiva Perspectiva oblicua o de dos puntos de fuga Construcción de un arco Construcción de un cilindro Construcción de un cono Construcción de objetos

Desarrollo de ejercicios


Tabla de Contenidos Bloque V

Bloque VI

Bloque VII

Bloque VIII

El Claroscuro

El Color

La Textura

El Volumen

123-134

135-146

147-160

161-173

Claroscuro Artista guatemalteco: Fabián Hernández El Claroscuro ¿Pero, qué es el claroscuro?

Zonas de claroscuro Sombras de borde cortado Sombras de borde esfumado

Desarrollo de ejercicios

El Color Artista guatemalteco: Félix Vidal Chacón Luz y color Los colores El color y su clasificación

El lenguaje del color

Efectos psicológicos del color El significado de los colores en la cosmovisión de los Pueblos Simbología del color Efecto térmico del color

Desarrollo de ejercicios

Origen de la textura Artista guatemalteco: Efraín Recinos La textura La textura visual La textura táctil

Técnica del mosaico Imitación de mosaicos Realización de texturas Técnica de cera Técnica de esgrafiado Técnica de crayón derretido Técnica de crayón húmedo

Desarrollo de ejercicios

El Volumen Artista guatemalteco: Max Leiva Buhler Volumen Modelado en papel maché Paso a paso, cómo hacer figuras en papel maché. Elaboración de globo de papel Elaboración de marco de papel Elaboración de caja de papel

Desarrollo de ejercicios


Perfil Terminal del Alumno Conocimientos Al finalizar el curso, el estudiante desarrollará los procesos intelectuales que le permitan: 1. Emplear la terminología básica relacionada con las Artes Plásticas. 2. Practicar la teoría básica sobre el punto, la línea, el área, la perspectiva, el claroscuro, el color, la textura y el volumen. 3. Distinguir la teoría básica de algunas técnicas propias de las Artes Plásticas. 4. Representar algunas artesanías y artes populares de su país.

Habilidades y destrezas Al finalizar el curso, el estudiante adquiere las siguientes destrezas desarrollando los procesos corporales que le permitan: 1. Manejar eficazmente sus habilidades y destrezas en el manejo de instrumentos y materiales del equipo artístico. 2. Adopte destrezas de la expresión plástica, mediante la realización de ejercicios de aprestamiento.

Autoevaluación Es el proceso donde el alumno valoriza su propia actuación. El alumno (evaluado) es quien se evalúa. Participa de una manera crítica en la construcción de su propio aprendizaje. Coevaluación Identifica los logros personales y grupales. Emite juicios valorativos acerca de otros en un ambiente de libertad, compromiso y responsabilidad. Parámetros Son los rasgos o caracterizadores cualitativos de una conducta en el proceso de un trabajo específico. Ponderación Ayuda a evaluar los trabajos teniendo como referencia los diferentes parámetros indicados en la escala; asignándoles un valor a criterio del maestro.

Actitudes y valores Al finalizar el curso, el estudiante interiorizará los valores que le permitan: 1. Utilizar su libertad creadora responsablemente. 2. Aplicar creativamente las diferentes técnicas artísticas aprendidas. 3. Respetar y apreciar las manifestaciones artístico-culturales de su comunidad. 4. Manifestar una actitud creativa individual y de grupo. 5. Ejercer una expresión artístico creadora para canalizar sus emociones.

Criterio*

Indicadores X

6. Producir satisfacción en el desenvolvimiento de sus ideas creativas.

Coevaluación

Necesita mejorar

Satisfactorio

Excelente

0.5

1

2

1

Manejo de instrumentos/Técnica X

Limpieza

Es de vital importancia innovar el proceso de enseñanza paralela de la evaluación.

X

Composición

2 0.5

Armonía de color X

Presentación

1

Exactitud

Criterios Heteroevaluación Permite al alumno y al docente, identificar carencias que es necesario reforzar antes de seguir adelante con el programa. Trabaja en el diseño de actividades remediales, destinadas a los alumnos que lo necesitan.

Autoevaluación

Creatividad

Evaluación

¿Que beneficios obtenemos de una Escala de Apreciación?

Heteroevaluación

X

puntualidad

2

Nota final

6.5/10


Competencias temáticas • Reconoce las distintas expresiones artísticas que la humanidad ha hecho a través del tiempo. • Interpreta críticamente las obras de arte como manifestación de la expresión artística, y valora la trascendencia e influencia de las culturas antiguas en la actualidad • Aprecia las diferentes creaciones artísticas en el contexto inmediato, en otros lugares y en otros tiempos.

Desarrollo El aprendizaje en esta primera unidad, es principalmente conceptual y apreciativo, como preparación a los temas subsiguientes. Además viajarás sobre una línea del tiempo breve y gráfica, describiendo los momentos más importantes que suscitaron durante un ciclo de la humanidad. Para acercarte más a las Artes Plásticas te presentamos una descripción teórico-visual de conceptos, ejemplificados con muestras de artistas nacionales. Con esto tendrás una disposición para compartir y experimentar con tus compañeros de clase la percepción generada por las posiciones básicas de tu persona.


En Grecia nació la democracia (gobierno del pueblo); los go­bernantes y poderosos eran respetuosos de la liber­tad; el rey no era un dios, como en otros pueblos, sino que era un ser inteligente y justo; estas creencias influyeron grande­men­te en la manifestación de su arte.

Arte Griego

700 años a. de C. / 31 años a. de C.

Escultura

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Conocimientos Generales

Escultura Arcaica

700 años a. de C. / 475 años a. de C.

Todos los pueblos que habitaron en las costas del mar Egeo adoraban muchos dioses y, a diferencia de Persia que representa a sus dioses con formas de bestias enormes y terroríficas, los griegos introducen en su religión y en su arte un espíritu nuevo en el que el hombre se siente al mismo nivel que la naturaleza. Las esculturas de principios del siglo V A. de C. eran aún tensas y rígidas; el cuerpo humano aparecía cubierto con amplios ropajes. La diosa Core de Eutidico, escultura realizada en mármol, hacia el 505 a. de C.

Atenea, diosa griega de la Sabiduria, de las Artes, de las Ciencias y de de la Industria, hija de Zeus.

Educación Plástica 2

Educación Plástica 2 © Editorial Kamar, S.A.

La tendencia cultural occidental hacia el realismo en el arte, el natu­ralismo, se originó en Grecia. Las esculturas de principios del siglo V a. de C. eran aún tensas y rígidas mostrando muchas semejanza con el arte egipcio y mesopo­támico; sus dioses representados con cuerpo humano, eran cubiertos con amplios ropajes; pero con el tiempo artistas innovadores y audaces empezaron a apartarse de las antiguas fórmulas y a modelar las figuras en posturas más naturales y espontáneas cuando los artistas, empleados ya no sólo por los sacerdotes que les exigían objetos para el culto, empezaron a participar en la gran aventura intelectual que se iniciaba en Atenas, dedi­cándose a buscar las normas absolutas de la belleza. Los maestros griegos estudiaron seguramente anatomía, física y óptica, así como la de la época técnica de la escultura, de la pintura, Escultura arcaica. Rigidez y de la arquitectura, de la cerámica y h i e r a t i s m o . M u y parecida a la escultura de la orfebrería. egipcia en su posición.


Durante el período clásico griego, el culto a la naturaleza cedió su puesto al de los dioses con forma humana que, según la mitología, habitaban la cumbre del Monte Olimpo. Cuando los griegos representaron estos dioses, lo hicieron con las formas humanas más perfectas que pudieron imaginar y crear: flexibles y dominadores como atletas y, sin embargo, solemnes y dignos como dioses.

esculpen las figuras del Partenón, donde el estilo griego "clásico" brilla con todo su esplendor y pureza inigualada. El Doríforo, representa a un joven atleta que portaba una lanza desaparecida. El tema es una excusa para plasmar el ideal de belleza masculina según el escultor Policleto basado en la proporción armónica entre todas las partes del cuerpo y una altura total de la figura igual a siete veces la medida de la cabeza. También es característico de Policleto, representar las distintas partes del cuerpo usando volúmenes contundentes y aristas bien definidas como podemos observar en el tratamiento de los pectorales, la cintura, las caderas o la curva inguinal. El volumen de la cabeza se aproxima a la forma esférica y el modelado del cabello, carente de volumen, tiene reminiscencias arcaicas.

El pueblo griego ­­desarrolló el amor a la libertad y a la belleza; las cuales sentía, nece­sitaba y proyec­taba en todas sus manifestaciones de arte.

Escultura Clásica

475 años a. de C. / 323 años a. C.

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Los griegos buscaban la belle­za por sí misma, no en función de la religión, como en Egipto y otros pueblos; aun así, en un principio el arte griego recibe mucha influencia del arte egipcio. Después de tres siglos de ensayos, los escultores griegos dominaron al fin la anatomía humana y las reglas de las proporciones, entonces se dedican a crear formas perfectas, de cuerpos flexibles, de piel suave y líneas onduladas; de esa cuenta cuando en el año 483 a. de C. Grecia derrota a los invasores persas, se Educación Plástica 2

Las estatuas, que mani­fes­taban gracia y serenidad, adornaban las plazas, los frentes de los templos, el interior de los edificios; se esculpían en már­mol o se realizaban en bronce, aunque también utilizaban el barro cocido y entonces le llama­ban terracota. El Doríforo, escultura griega del periodo clásico, realizada por Policleto en el siglo V a. de C. Policleto, junto con Mirón y sobre todo con Fidias se consideran los escultores más importantes del arte clásico griego. Discóbolo. Hacia 450 a. de C. Copia romana del original de Mirón, artista que recoge la experiencia de sus antecesores y se apartó de las reglas convencionales de la escultura llegando a perfeccionar el nuevo estilo, como nos lo muestra en esta obra que aparece en una actitud de máxima tensión, de energía contenida, a punto de ponerse en acción.

Conocimientos Generales

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Arquitectura Griega

700 años a. de C. / 31 años a. de C.

Arquitectura El mismo espíritu de solemnidad, señorío y naturalidad de la escultura, inspiró toda la arquitectura griega. Los arquitectos clásicos, usaron las formas más simples de la arqui­tectura: la columna

y el arquitrabe, que si bien nacieron en Egipto, fueron perfeccionados en Grecia, hasta alcanzar su más bella forma. En arquitectura, los griegos se desta­caron en la construcción de templos, los cuales fueron de moderadas y armoniosas proporcio­nes; no eran tan monumen­tales como los de los egipcios. El templo griego era la resi­de­ncia de la divinidad, la cual era repre­sen­tada por una estatua, como el Parte­nón en honor a la diosa Atenea Palias; como el templo de Zeus, dedicado este dios, en Ate­nas.

Arquitectura Clásica

El Partenón es la obra maestra de la arquitectura griega, construido en la Acrópolis de Atenas (siglo V A. de C.), de forma rectangular, con 8 columnas en la fachada y 15 columnas de cada lado, dedicado a la diosa Atenea Palias, obra de los arquitectos Ictinos y Calícra­tes, bajo la direc­ción de Fidias que decoró toda la construc­ción.

La Acrópolis (Ciudad Alta) es el conjunto arquitectónico más grandioso e importante de la Grecia clásica. Es también un gran ejemplo de la elaboración de un proyecto cuidadosamente estudiado, donde, para resaltar cada uno de sus templos erigidos en la cumbre, se trazó un paseo o "caminamiento" que conducía al visitante de manera que pudiera admirar sucesivamente los varios edificios desde ángulos diferentes: desde el más pequeño al inicio hasta terminar frente al mismo Partenón.

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Conocimientos Generales

Detalle de la Tribuna de las Cariátides o columnas con forma de mujer, que pertenece a la fachada occidental del templo del Erecteón en la Acrópolis de Atenas.

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500 años a. de C./ 301 años a. de C.


Competencias temáticas • Aprecia el uso que los artistas hacen del punto con sus obras. • Comprende que el punto es un elemento conceptual que indica posición, que no tienen largo ni ancho y no ocupa una zona en el espacio. • Experimenta cómo el punto genera un campo de atención perceptiva. • Aplica con habilidad el punto en diseños abstractos o representaciones reales.

Desarrollo Durante el desarrollo de este tema podremos apreciar como utilizan el punto en sus obras, los diferentes artistas tanto nacionales y extranjeros. Aprenderemos que el punto puede no solo formar imágenes si no también colores y texturas. Apreciaremos la expresividad del punto el cual genera un campo de atención visual; el cual se fortalece cuando se concentran los puntos y se debilita cuando se dispersan. También veremos que los puntos con diferentes dimensiones producen centros de gravedad tensional en el plano; produciendo sensaciones de movimiento u profundidad. Aplicaremos con habilidad en diferentes ejercicios el punto, creando efectos visuales relacionados con la expresión artística.

"Un baño en Asnieres". Pintura del artista francés Georges Seurat


años en acabar; es esta obra la que se considera iniciadora del puntillismo, en ella podemos ver una escena que representa a los paseantes del domingo de una isla del Sena. Su técnica encontró numerosos seguidores y también imitadores.

el lienzo de gran tamaño “Un baño en Asnieres” se trata de una escena donde unos jóvenes se bañan en el río Sena; éste fue el primero de seis grandes lienzos que conformaron la mayor parte de su trabajo artístico.

En 1884 Seurat acabó una de sus grandes obras,

Obras del Artista “Un baño en Asnieres”

Georges Seurat

Georges Pierre Seurat (1859-1891). Nació y murió en París a los 31 años, el 29 de marzo de 1891. Fue uno de los máximos representantes del neoimpresionismo; rechazó el efecto borroso de la pintura impresionista, que se realizaba con pinceladas irregulares, e inventó la técnica más científica del puntillismo, en el que las formas solidas se construyen a partir de la aplicación de muchos pequeños puntos de colores puros sobre un fondo blanco.

En 1884 comenzó la que sería su obra maestra e icono de la pintura, “Tarde de domingo en la isla de la Grande Jatte”, óleo que tardaría dos 22

El Punto

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En 1884, junto a otros artistas, fundó la Société des Artistes Indépendants, donde conoció a otro de los que serían sus grandes amigos, Paul Signac; con este compartió sus ideas sobre el puntillismo que así mismo practicaría.

"Tarde de domingo en la isla de la Grande Jatte”, 1888. Educación Plástica 2


El punto es el primero de los elementos del lenguaje visual, que estudiaremos y comenzamos con él por ser la mínima expresión que se puede realizar en la comunicación visual, y de él parten todo trazo o composición que se puede realizar en el diseño y dibujo sea este artístico o no. Así tenemos que el punto lo podemos diferenciar en dos tipos: el punto geométrico que es un concepto abstracto por definición y el punto gráfico plástico que es el menor de los elementos del lenguaje plástico capaz de

producir formas, además puede ser de diferente tamaño, así como variar su color y tener textura. Pero el punto es un elemento que nos dice algo según su disposición de concentración en el plano y así se expresa con pesadez, uniformidad, concentración o dispersión. Pero además el punto es capaz de componer según sea su disposición en el plano o dentro de una imagen; es capaz de centrar la atención, desequilibrar o sugerir un orden de lectura visual, guiando la vista por todo el diseño.

Te lo presentamos...

El punto

Punto gráfico plástico

Punto geométrico

Expresar

Componer

Es el menor de los elementos del lenguaje plástico capaz de producir formas. Puede tener forma, color, tamaño y textura.

Es el resultado del corte o i n te rc e s i ó n d e d o s líneas o el centro de una circunferencia.

Según la disposición de puntos en el plano, estos pueden expresar: pesadez, uniformidad, concentración o dispersión.

Según la posición del punto en una imagen, la composición puede estar: centrada, desequilibrada o sugerir un orden de lectura (la vista va de un punto a otro).

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El punto es la unidad mínima de la comunicación visual.

3. Funciones

2. Tipos

1. Definición

Educación Plástica 2

El Punto

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El punto gráfico En sentido de diseño gráfico, el punto es reconocible por el ojo humano y la consideramos como la unidad gráfica más pequeña. Como expresión gráfica, es el resultado del encuentro de un instrumento que deja una marca (lápiz, punzón, aguja, o cualquier otro), en una base que queda afectada (papel, madera, metal, u otro) y es entonces cuando el punto se materializa, se vuelve visible, puede ser una marca muy pequeña. (Ejemplo 1). El punto que todos conocemos y que tenemos en mente, es un circulo pequeñísimo, perfecto, pero al ampliarlo y examinarlo de cerca con una lupa, normalmente tiene irregularidades generadas por el instrumento que lo provoco o el materia sobre el que fue realizado; o bien formas diferentes (Ejemplo 2).

1. El punto es la mínima expresión gráfica.

2. Al ampliar los puntos de un diseño, se puede observar las irregularidades que tienen éstos, en cuanto a forma y color.

El punto gráfico, en la realidad puede ser irregular tanto en su forma como en sus dimensiones, así como en su color, pero la característica que lo define es que siempre debe de ser pequeño en relación con el área donde se representa. Así pues, el punto es un elemento de expresión a través del cual se consiguen diferentes efectos visuales.

3. El punto es medio grafico creativo de gran utilidad y cualidades estéticas, que posee condiciones de tamaño y saturación que determinan una variedad de efectos visuales.

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El Punto

Educación Plástica 2

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Es creativo de gran utilidad y cualidades estéticas, su variedad determina diferentes efectos visuales, que se pueden lograr en los trabajos gráficos con magníficos resultados (Ejemplo 3).


Competencias temáticas • Comprende que la linea es un elemento conceptual que se genera a partir de un punto en movimiento. • Aprecia el uso que los artistas hacen de la línea en diseños abstractos y representaciones reales. • Reconoce la importancia de la línea en diversos campos de expresión, tanto prácticos como artísticos. • Comprende la importancia de la línea como elemento estructural y constructora de formas e imágenes. • Aplica con habilidad la construcción de agrupaciones de lineas en diseños abstractos o representación de objetos reales.

Desarrollo Desde pequeños dibujamos espontáneamente rayas sin que nadie nos enseñe. Es una manera de expresar pensamientos e ideas mediante el dibujo. En el arte, las rayas adquieren el nombre de líneas, y son la base de todo dibujo. Es el elemento fundamental en cualquier composición o manifestación gráfica. En el tema anterior aprendiste a utilizar dos elementos muy importantes en el diseño: el punto y el plano. Ahora desarrollarás tu conocimiento y habilidad para trabajar con la línea ya que esta estructura un espacio, construye formas, crea sombras, colorea y genera texturas.

"La Pereza" de la serie Los siete pecados capitales. Dibujo a tinta del artista guatemalteco Arnoldo Ramírez Amaya.


Obtuvo el primer lugar en la Bienal de Arte Paiz, en la opción de libre categoría. Participó en numerosas exposiciones en América y Europa, sobresaliendo su presencia en la III y IV Bienales de grabado en Lieja, Bélgica; en el XXX Salón de Mayo, y en el Museo de Arte Moderno de La Ville de París.

Obras del Artista

Arnoldo Ramírez Amaya

Arnoldo Ramírez Amaya (1944-). Pintor, grabador, escultor y escritor guatemalteco. Conocido en el medio artístico como “El Tecolote”, su obra tiene un contenido crítico de los momentos políticos de la época que le toca vivir en su juventud. En su obra pictórica hace gala de su destreza como dibujante y de una imaginación prolifera. Educación Plástica 1 © Editorial Kamar, S.A.

Estudió en la Escuela Nacional de Artes Plásticas a mediados de los años sesenta, ingresando posteriormente a la facultad de Arquitectura. En 1970 fue maestro de diseño gráfico en la Universidad Autónoma de México. En Guatemala destacó como muralista, realizando diferentes obras en 1973, en la Ciudad Universitaria de San Carlos de Guatemala.

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La Línea

Educación Plástica 2


La línea se define como la marca que deja un punto al deslizarse sobre una superficie, es decir, es una sucesión de puntos. La línea es el elemento idóneo para realizar croquis, bocetos, trazados geométricos y científicos. Muchos artistas plásticos y diseñadores realizan a línea sus dibujos originales, debido a sus infinitas posibilidades de expresión.

Al igual que el punto, la línea puede definirse o dividirse de dos maneras: la línea geométrica y la línea gráfico plástica. Además puede utilizarse de distintas maneras, adaptándose siempre a la función que se necesite.

Te la presentamos...

Línea 2. Tipos

1. Definición La línea es una sucesión ininterrumpida de puntos. En tanto más unidos se hallen más concreción proporcionan a la línea, la que es el elemento plástico más versátil y, por consiguiente, el que puede satisfacer un mayor número de funciones de representación.

3. Funciones

Línea geométrica

Línea gráfico plástica

Señalar

Construir

La línea es un concepto abstracto, se describe como la sucesión continua e indefinida de puntos en una dirección, de puntos ensolauna sola es invisible, longitud, dirección, es posee invisible, posee pero carece decarece grosor.de grosor. longitud, pero Es la distancia entra dos puntos.

La línea línea es visual La es la el fuerza trazo visual más simple que puede más simple que puede utilizarse para para representar representar utilizarse los bordes o límites de los los los bordes o límites de objetos, definiendo la figura objetos, definiendo la figura,o contorno o el volumen. el contorno o el volumen.

La línea, señalan sentidos direccionales y trazados básicos en los diseños. La línea separara planos y organizar el espacio en geometría; forma cruces de rectas o líneas convergentes, líneas de fuga en trazados perspectivos, la intersección de planos, ejes y diagonales de la composición.

La línea permite desarrollar ideas, concreta pensamientos y proyectos, a través de bosquejos, bocetos, o dibujos formales donde se plasma la forma, la composición y las tonalidades. La línea es el elemento constructor de la estructura del diseño, que provee un ordenamiento al conjunto de la composición.

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A

B

Dibujo a linea de La Línea de

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La Línea

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¿Pero qué es la línea? Desde edad temprana trazamos rayas, fruto de la creación espontánea, sin que nadie nos enseñe. Es una manera de expresar pensamientos e ideas mediante el dibujo. En el arte, las rayas adquieren el nombre de líneas. Y ésta es la base de todo dibujo y la definimos como un punto en movimiento o la sucesión de puntos unidos entre sí. La realidad no tiene líneas; la separación entre las montañas y el cielo, por ejemplo, se produce por cambio de color y luminosidad, no por ninguna línea que contornee a uno u otro. Sin embargo, el ser humano ha hecho uso de las líneas como elemento de expresión gráfica para representar las imágenes.

Desde edad temprana trazamos rayas, fruto de la creación espontánea.

Las rayas es una de las primeras manifestaciones o maneras de expresar pensamientos e ideas mediante el dibujo.

De los tres elementos básicos del dibujo (punto, plano y línea), la línea, es la que tiene mayor capacidad de expresión, posee longitud, pero carece de grosor y no la podemos tocar, aunque la podemos ver, trazar e imaginar.

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La realidad no tiene líneas; la separación entre las montañas y el cielo, se produce por cambio de color y luminosidad, no por ninguna línea que contornee las formas.

La línea se encarga de “escribir las formas”, lo que significa que por medio de ella podemos visualizarlas.

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La Línea

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Competencias temáticas • Amplía las posibilidades de expresión a través de la realización de imágenes de tipo geométrico. • Aprecia las obras en que los artistas guatemaltecos han trabajado la abstracción geométrica. • Desarrollar la habilidad en el manejo de instrumentos de dibujo como el compas y las escuadras. • Desarrollar la habilidad de construir las figuras geométricas básicas. • Desarrollar la creatividad personal con el desarrollo de los polígonos estrellados.

Desarrollo Anteriormente, aprendiste a utilizar los elementos que generan la longitud: punto y línea. Ahora veremos una nueva dimensión, el área, que es una superficie plana limitada por línea rectas o curvas que forman el perímetro. Consideraremos el área como un soporte donde realizamos nuestros dibujos llamado plano. Además aprenderemos a utilizar el área para construir imágenes convirtiéndose en un elemento expresivo ue varía de acuerdo a la forma, tamaño y posición del mismo, influyendo en el efecto final del trabajo.


En Guatemala, continúa exponiendo en diferentes galerías de Arte de la ciudad, por ejemplo en el Hotel Camino Real con Rosita de Botrán, Hotel las Américas con César Izquierdo, etc. Domina las técnicas de acrílico, acuarela y crayón pastel; y es un excelente retratista.

“Vendedores de flores”

Obras del Artista

Pablo Tobar Henry Pablo Tobar Henry (1940-). Nació en la ciudad de Guatemala. Su inclinación y dedicación al arte se inicia con las enseñanzas de su señor padre, quien como profesor en educación y autodidacta en el dibujo y la pintura, encuentra en él a los 7 años, un natural talento en dibujar con facilidad. Inicia sus estudios a los 14 años, en la Escuela de Artes Plásticas de Guatemala y dedica toda su juventud a perfeccionarse y profesionalizarse en todas las técnicas del dibujo y la pintura.

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Posteriormente ingresa a trabajar como dibujante e ilustrador de libros de texto educativos, para el Servicio Cooperativo Interamericano de Educación. Después trabajó en el Servicio Cooperativo de Salud Pública, como editor e ilustrador de libros de texto altamente especializados en Educación Sanitaria Rural. Luego pasa a trabajar en al Oficina Regional para Centro América y Panamá "ROCAP" como maestro especializado en preparación e ilustración de libros de texto educativos para las escuelas primarias de la región centroamericana. 68

El Área

Educación Plástica 2


El área es el tercer elemento básico de las Artes Plásticas, y se utiliza para representar las formas en él. Para poder trabajar sobre el área, debemos limitar una porción de superficie con un contorno cerrado, el que se convierte en el soporte sobre el cual desarrollaremos nuestros diseños. Las áreas se pueden llamar también figuras y dependen de la forma originada por el contorno cerrado. Existen muchos tipos de áreas, pero su tamaño siempre será lo suficientemente grande como para no ser un punto.

Según su forma, se pueden distinguir dos tipos de áreas, las geométricas, de formas regulares (triángulos, cuadrados, círculos, etc.) y las áreas artísticas o sea formas libres o también llamadas irregulares.

Te la presentamos...

El área

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El área es una porción de superficie plana limitada por un contorno cerrado.

3. Funciones

2. Tipos

1. Definición

Área geométrica

Área Artistica

Soporte

Estructura el diseño

La líneaeses concepto El área, unaunsucesión de abstracto, se describe líneas yuxtapuestas, escomo decir,la sucesión continua etrazadas indefinida líneas paralelas de puntos en una dirección, una junto a lasola otra que es longitud, daninvisible, origen aposee una superficie pero carece bidim e n s ide o ngrosor. al llamada plano.

La lalínea es la visual Es medida de fuerza una superficie más simple quecuyos puede limitadas por líneas utilizarse pararealizados representar trazos has sido a los bordes límites de los mano alzada oo con la ayuda de objetos, definiendo la figura o instrumentos, como elemento decorativo utilizando contorno ooelestético, volumen. diferentes técnicas de puntos, líneas, colores y texturas.

Es la superficie sobre la que dibujamos y se denomina soporte o plano, y puede tener diferente forma y variar desde las medidas de una simple hoja de papel hasta las dimensiones grandiosas de un mural, pudiendo ser cuadrado, rectangular, redondo, etc. y se le puede colocar en diferente posición: horizontal, vertical o inclinada.

La forma del área o soporte condicionan el diseño en cuanto a la colocación de las formas dentro de él. Así antes de iniciar un trabajo, debemos pensar en las formas naturales o artificiales que vamos a trabajar, y después diseñar la colocación de todos los elementos en el soporte.

Retrato de Monalisa de Leonardo da Vinci, en diferentes formatos.

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El Área

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El área Desde el punto de vista geométrico el área, es una superficie plana limitada por líneas rectas o curvas que forman el perímetro; es bidimensional y el espacio así construido puede adoptar diferentes formas geométricas que pueden disponerse en diferentes posiciones en el espacio. Cuando consideramos el área como soporte donde realizamos nuestros dibujos le llamamos plano, y empezamos dándole unos límites determinados, creando así el espacio cuyas medidas y formas influyen en el efecto final de nuestro trabajo.

1. Formato de papel para dibujo lápiz, tinta o pintura a la acuarela.

2. Formato de tela tipo bastidor, para pintar con óleo y pinceles.

Plano de forma circular, Miguel Ángel Buonarroti (1475–1564). Pintor del Renacimiento italiano.

Además la representamos mediante una forma con color pero sin línea de contorno (mancha), o mediante una forma o superficie con textura.

Plano rectangular en posición horizontal. Maestro Elmar Rene Rojas, pintor guatemalteco.

En pintura y dibujo, el soporte o formato es la superficie sobre la que está la representación bidimensional, es decir, la tela sobre la que se pinta un cuadro o el papel en el que se dibuja. Puede tener múltiples medidas, desde el tamaño de un pequeño sello postal, por ejemplo, hasta el de un gran mural. Tiene como función separar la imagen de lo que la rodea, es decir, la “encuadra” y limita. El formato rectangular es el más común, ya sea vertical u horizontal, a éste último es el formato horizontal que mejor se adapta para pintar paisajes. Pero se puede hacer arte sobre soportes de cualquier forma: cuadrados, circulares, ovalados y poligonales.

Formato rectangular vertical. Maestro Dagoberto Vázquez pintor y escultor guatemalteco.

El Área

Plano de forma triangular curvilíneo que forman el anillo de una cúpula.

Formato cuadrado. Hugo Gonzalez Ayala, pintor guatemalteco.

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Formato de forma irregular ovalada. Giovanni Battista Tiepolo, (1696–1770). Pintor del Barroco italiano.

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El área como soporte o formato

Formato de forma irregular, cuadrado globulado. Paolo Cagliari “EL VERONÉS” (15281588), pintor italiano, veneciano.

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Competencias temáticas • Utiliza el tamaño como cualidad constructora de efectos visuales relacionados con la expresión artística. • Conoce la aplicación de la perspectiva y su aplicación en el dibujo. • Realizar figuras geométricas de objetos en perspectiva oblicua. • Aplicar los conocimientos adquiridos para realizar la proyección de un cubo en las diferentes perspectivas.

Desarrollo En este tema surge un nuevo concepto de dimensión, la profundidad, y con ella se completa la extensión espacial, pues la asociación de longitud, ancho y profundidad determinan el volumen real de un cuerpo. La perspectiva se basa en esquemas y busca representar la realidad, es una abstracción, que ha pasado a lo largo de la historia por diversas etapas de desarrollo antes de adoptar la forma actual.


Guatemala, Bienales de Arte Paiz, Juegos florales San Marcos. Sus obras se encuentran en Bancos Privados de Guatemala, Museo de Arte de Uruguay, Museo Nacional de Singapur, Varias Empresas importantes de Guatemala y en el extranjero, Embajadas de Guatemala en el exterior, Residencia Real de la Infanta Elena en España, Colección de su Santidad Juan Pablo II, y en colecciones privadas de familias distinguidas.

Obras del Artista

Jorge Mazariegos Rodríguez

Jorge Mazariegos Rodríguez Este pintor, originario de San Marcos, se gradúo en la Escuela Nacional de Artes Plásticas”, obtiene el Profesorado de “Artes Plásticas” y de “Folklore de Guatemala y Conservación de Monumentos”, en las Universidades Mariano Galvez y San Carlos de Guatemala respectivamente. En Madrid, acude a la Escuela Superior de Bellas Artes de San Fernando.

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Continúa sus estudios, y posteriormente da a conocer su obra por los continentes de América, Europa y parte de Asia; quedando muchas de sus creaciones en Museos, Embajadas. Domina en su temática realista de costumbrismo y retrato, las técnicas de crayón, óleo, lápiz, acrílico, mixta, tinta y acuarela. Con las que ya ha pintado unos cuatro mil cuadros, incluidos algunos de 6 x 10 metros y miniaturas de un centímetro. Ha recibido premios y distinciones en: Certamen Arturo Martínez, Cervecería Nacional, Premio Shell de 106 La Perspectiva

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Ya sabes que la realidad es tridimensional, es decir, cualquier objeto de tu alrededor, una silla por ejemplo, tiene tres dimensiones, esto es, tiene una altura, un ancho y una profundidad. La perspectiva como posibilidad expresiva del dibujo y la pintura, visualmente rompe la superficie de trabajo y representando una profundidad inexistente y

consigue que los cuerpos destaquen con relieve visual, en la superficie plana del cuadro, dando la impresión de formas reales en nuestra representación, sean imágenes reproducidas de formas reales (figuras humanas, edificios, o cualquier objeto), o invención de formas imaginarias.

Te la presentamos...

La perspectiva 1. Definición

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Perspectiva es el método que nos enseña a representar sobre un plano de dos dimensiones, las tres dimensiones de un modelo, con la ilusión óptica de la realidad misma del objeto en el espacio.

3. Funciones

2. Tipos Perspectiva Lineal

Perspectiva artística

Construir modelos

Servir de soporte

Es la perspectiva basada en esquemas, es una abstracción de la realidad, una elaboración lineal, que busca la veracidad en la relación entre el dibujo y el modelo y no es la forma natural de ver las cosas.

La perspectiva artística no se basa en números y medidas precisas, el artista no se conforma con la apariencia abstracta y esquemática de la perspectiva técnica, sino que su objetivo es que lo representado se asemeje a la realidad.

La función primordial de la perspectiva lineal es construir un modelo a escala de la realidad, de manera que se pueda deducir las medidas reales del modelo a partir de las medidas del dibujo.

La función de la perspectiva artística, es ser el esqueleto de otros valores artísticos, como la forma, el color, el sombreado, etc. que se le superponen.

Pintura convento de Capuchinas Antigua, del Maestro Henry Tobar.

F1

Línea de horizonte

F2

Línea de tierra

Calle de Salama, pintura del Maestro Ernesto Boesche.

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La Perspectiva 107


En busca de las tres dimensiones En dibujo y pintura la representación ilusoria y ficticia del espacio se simula mediante la perspectiva. Por medio de ella en la superficie material del cuadro, que es plana con sus dimensiones de altura y anchura, se disponen las formas representadas y son transformadas visualmente como tridimensionales, convirtiendo el área en un espacio figurado en el que se sitúan los objetos; de este modo el cuadro es como una "ventana" a través de la cual nos parece estar viendo el espacio.

La perspectiva Durante el Renacimiento en Italia, se empieza a aplicar las reglas de la perspectiva, y es a Leonardo da’ Vinci que se le atribuye la sistematización que resolvió el problema de la profundidad en el dibujo y la pintura, ya que se le ocurrió dibujar sobre un vidrio todo lo que veía a través de él.

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Al terminar observó la ilusión óptica tridimensional; notó cómo las cosas con forme se alejan parecen ser más pequeñas y cómo todas las líneas convergen hacia un mismo punto. Más adelante fue profundizando en sus observaciones hasta que, utilizando la ciencia y la geometría, creó las bases de la perspectiva que conocemos hasta hoy.

108 La Perspectiva

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Competencias temáticas • Comprende que la luz y la sombra son los factores que determinan la forma en que vemos el volumen. • Comprende que el volumen se puede representar por métodos artísticos. • Reconoce la importancia del claroscuro en diversos campos de expresión, tanto práctico como artístico. • Reconoce el valor estético y cultural de diversas representaciones de claroscuro en obras de artistas guatemaltecos. • Utiliza la creatividad personal para aplicar las diferentes técnicas del claroscuro.

Desarrollo A través de este tema comprenderás que todos los objetos tienen un relieve que hace que podamos distinguirlos del fondo cuando son iluminados, debido al contraste entre las superficies en luz y las superficies en sombra; o entre superficies con diferente iluminación, produciendo diferentes grados de luz y sombra. A este fenómeno de gradaciones tonales que se produce en un cuerpo, se le llama claroscuro.

Pintura de Fabián Hernández, Artista Guatemalteco


completo en las diferentes calles empedradas de la Antigua Guatemala, algo que ya no se ve por aquí y sus pinturas son compradas por nacionales y extranjeros.

Obras del Artista

Fabián Hernández

Fabián Hernández (1973-).

124 El Claroscuro

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Nació en La Antigua Guatemala. Desde pequeño le ha gustado pintar. En 1995 sale a las calles a practicar con poco conocimiento en dibujo y color, vende sus primeros ensayos los cuales le proporcionaron los medios para comprar sus primeros libros revelándole los secretos de la perspectiva y el color. "Desde entonces trato de ambientar mis temas al color maravilloso del cielo reflejado en las banquetas de Antigua Guatemala como el pavimento mojado de el Centro Histórico de Guatemala. Esa luz me a llevado a descubrir nuevos temas iluminados con un toque de belleza brillando en el interior de una ventana, portón o farol". A participado en importantes eventos de arte a nivel nacional y recibido reconocimientos. En la actualidad Fabián se dedica a pintar de tiempo Educación Plástica 2


En un dibujo el contorno del objeto es lo que facilita su identificación. La línea es lo que le separa del fondo y delimita su forma, pero para que un objeto no aparezca plano es necesario modelarlo para que adquiera volumen y por tanto el efecto óptico de la tridimensionalidad que es lo que finalmente hará creíble al objeto dibujado. El volumen de un

objeto dibujado viene dado por las sombras que la iluminación produce en el objeto y en su entorno real, por eso es imprescindible tener una idea básica del efecto de luces y sombras conocido comúnmente como claroscuro, esta técnica permite crear efectos de relieve y modelado de las formas, a través de la representación de gradación de tonos de luz y sombra.

Te lo presentamos...

El claroscuro 1. Definición

Claroscuro en blanco y negro

Claroscuro a color

Claroscuro en blanco y negro

Claroscuro a color

Cuando los valores de color están dados por el empleo del blanco y del negro, la claridad significará el blanco y la oscuridad significará el negro, las variaciones entre el blanco y el negro serán los grises.

El valor es una propiedad de los colores y se refiere a los contrastes entre estos, al someterlos un proceso de degradación, que no es más que someter un color a la combinación progresiva del blanco hasta aclararlo totalmente, o a la combinación también progresiva del negro hasta oscurecerlo totalmente.

Su función es representar por medio de alguna técnica gráfica las zonas de luz y sombra que se definen al iluminar un modelo y sustituir los valores de los colores, de tal manera, que a cada tono de color le corresponde un gris dentro de una gama de grises que va del blanco al negro.

En la naturaleza todo es color y nada se nos presenta en blanco y negro; la función del claroscuro a color es plasmar los diferentes colores y sus tonos en un proceso de degradación que no es más que someter un color a la combinación progresiva del blanco hasta aclararlo totalmente, o a la combinación también progresiva del negro hasta oscurecerlo totalmente.

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El claroscuro es la representación de la luz y de la sombra, por medio de gradaciones tonales, que nos permite tener una percepción tridimensional de un cuerpo a través del dibujo o la pintura.

3. Funciones

2. Tipos

Educación Plástica 2

El Claroscuro 125


El Claroscuro Los objetos tienen un relieve que hace que podamos distinguirlos del fondo cuando son iluminados, debido al contraste entre las superficies en luz y las superficies en sombra, o entre superficies con diferente iluminación, produciendo diferentes grados de luz y sombra. Y a este fenómeno de gradaciones tonales que se produce en un cuerpo, se le llama claroscuro.

¿Pero, qué es el claroscuro? EL claroscuro es una técnica de dibujo que busca la representación de los objetos a partir del desarrollo del juego de luz y sombra sobre los objetos. Recuerda que en un dibujo el contorno del objeto dibujado es lo que facilita su identificación. La línea es lo que le separa del fondo y delimita su forma, pero para que un objeto no aparezca plano es necesario modelarlo mediante el claroscuro para que adquiera volumen y por tanto el efecto óptico de la tridimensionalidad que es lo que finalmente hará creíble al objeto dibujado.

La valoración permite establecer en el papel a través de la monocromía, las zonas de volumen de los cuerpos a partir de la luz. El trabajo de valoración consiste en situar las diferentes gamas de grises de manera que se modelen las formas a partir de su representación plana, creando un efecto tridimensional.

Para lograr esto se requiere aprender a realizar los diferentes tonos de gris que se distinguen en el claroscuro a los que llamamos valores. Si ordenamos los valores pasando de uno a otro de forma escalonada, obtenemos una escala de grises. Si ordenamos los valores pasando de uno a otro de forma muy gradual, obtenemos un degradado.

Si ordenamos los valores pasando de uno a otro de forma escalonada, obtenemos una escala de grises.

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Antes de comenzar a realizar dibujos de claroscuro, es muy importante aprender a realizar ejercicios de escalas de grises y degradados para familiarizarnos con el instrumento que utilizaremos, (lápiz blando o carboncillo)- y para conocer los valores más claros y más oscuros que podemos obtener con él.

Si ordenamos los valores pasando de uno a otro de forma muy gradual, obtenemos un degradado.

126 El Claroscuro

Educación Plástica 2


En los espacios en blanco realiza cinco diferentes escalas de grises, como se te muestra en el ejemplos a la izquierda; utilizando para ello un lรกpiz blando tipo B.

Educaciรณn Plรกstica 2

El Claroscuro 127


En los espacios en blanco realiza cuatro diferentes degradados de grises, como se te muestra en el ejemplos a la derecha; utilizando para ello un lรกpiz blando tipo B.

128 El Claroscuro

Educaciรณn Plรกstica 2


Competencias temáticas • Conoce la representación práctica de todos los colores por medio del círculo cromático y como en él vienen expresadas las combinaciones para formar nuevos colores a partir de los tres primarios. • Reconoce cómo el color puede influir en el comportamiento humano. • Descubre usos y significados de los colores en el entorno cotidiano y en la sociedad actual. • Explorar y comprender las posibilidades expresivas de los colores en relación con las emociones subjetivas que denotan.

Desarrollo En el aprendizaje de ésta unidad didáctica, se estudia la luz como elemento generador del color, diferenciando entre color-luz y colormateria, su clasificación y cómo se obtienen sus mezclas. También se exponen y analizan las cualidades térmicas del color. Así como el color como elemento visual de configuración, centrando la atención en la riqueza cromática de la naturaleza y en las obras de los pintores guatemaltecos.


Obras de Artista

Felix Vidal Chacón Felix Vidal Chacón (1957-).

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Nació en Salamá Baja Verapaz.Realizó estudios de Artes plásticas en la Universidad popular, bajo la dirección de los maestros Rodolfo Galiotti Torres, Enrique Anleu Díaz e Isabel Ruiz, con especialización en dibujo, pintura y grabado (xilografía), y en el año 2009 recibió un taller intensivo de Escultura con el maestro Sebastián Barrientos. Desde 1988 ha preparado más de 20 exposiciones personales en galerías del país y participado en numerosas exposiciones colectivas en el país y en el extranjero. Su Obra se encuentra en colecciones privadas nacionales e Internacionales. A recibido diferentes distinciones como acuarelista en los certámenes que a participado, desde menciones honoríficas hasta primeros premios.

136 El Color

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El color es el tercer elemento tangible del lenguaje visual, ya que se percibe de manera precisa por el sentido de la vista, debido a componentes químicos y físicos que poseen los elementos que componen los cuerpos de los objetos inertes y vivos. Gracias a ésta propiedad vemos los colores, los que aparte de aportar información

visual, expresan estados anímicos y emociones de muy concreta significación psíquica que afectan nuestros sentimientos y emociones. También nos producen sensaciones térmicas y así decimos “colores cálidos” y “colores fríos”. De la misma manera los colores siempre se han asociado con un significado simbólico cultural, así como con un simbolismo patriótico y practico en la sociedad.

Te los presentamos...

El color 1. Naturaleza

3. Funciones

2. Propiedades

Color luz

Color pigmento

Tono

Valor

Es un fenómeno físico producido por la descomposición de la luz, la que, al incidir en la retina de los ojos como rayos luminosos reflejados por los cuerpos producen la impresión de color.

Son sustancias coloreadas, que poseen diferentes composiciones químicas y físicas, que hacen que éstas sean capaces de absorber determinadas longitudes de onda lumínica y de reflejar otras.

El matiz es la propia cualidad que distingue un color de otro color.

Es la variación de luminosidad hacia el blanco o el negro de un color.

Saturación La saturación de un color radica en su pureza de pigmentación.

Atraer la atención

Valor Expresivo

Las imágenes con color sucitan siempre interés. El color elemento muy eficaz para llamar la atención.

Los colores afectan sentimientos, emociones, y tienen una significación psíquica.

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El color produce impresiones.

Descomposición de la luz a travéz de un prisma.

Absorción de la luz y reflexión de los colores que vemos.

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Colores primarios saturados por sus complementarios.

Primarios

Secundarios

Cálidos

Fríos

El color transmite estados de ánimo y sentimientos.

El Color 137


Luz y color Sin luz, no hay color; este hecho éste que es de muy fácil de comprobar, pues, durante la noche habrás podido observar la poca visibilidad que tienen los colores de los objetos, cuando la luz es tenue y al no existir luz alguna, se provoca la oscuridad completa. La luz producida por el sol o por un foco, se propaga en ondas luminosas que son percibidas por nuestros ojos, y se convierten en la sensación de color en nuestro cerebro. La luz blanca esta compuesta por una serie de ondas o colores que son visibles al reflejarse sobre los objetos. Entonces en base a lo anterior, el color puede ser definido como la propiedad que tienen los cuerpos de absorber o reflejar las ondas luminosas en donde las ondas reflejadas producen la sensación de color.

Los colores No debes confundir el color, con los colores, ya que el color es un fenómeno físico producido por la descomposición de la luz. Pero, claro está, nosotros no podemos “pintar” con luz.

Pigmento de origen mineral y vegetal utilizados como base para hacer pinturas.

Por otra parte, cuando manejamos colores de forma habitual no utilizamos luces, sino tintas, lápices, rotuladores... en este caso lo que estamos hablando es del color pigmento.

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Los pigmentos o sustancias coloreadas, poseen diferentes composiciones químicas y físicas que hacen que sean capaces de absorber determinadas longitudes de onda luminosa y de reflejar otras. Estos pigmentos son de origen mineral o vegetal en la mayoría de los casos, así desde que se inventó la pintura se han utilizado como base para obtener colores, tierras que contienen minerales que son los que producen el color, las que mezcladas con aceites se convirtieron en colores firmes y resistente al paso del tiempo y a los elementos naturales. La mezcla de los colores pigmento produce una resta de luz, por lo que se le denomina mezcla sustractiva. Pinturas que la industria ha desarrollado para que podamos colorear.

138 El Color

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Competencias temáticas • Adquiere la capacidad para diferenciar las diferentes clases de texturas. • Reconoce las diferencias entre textura visual y textura táctil. • Utiliza diferentes técnicas aplicando textura a diseños creativos. • Descubre el uso y significado de las texturas en el entorno cotidiano y en la sociedad actual. • Comprende la naturaleza de las texturas del entorno y en objetos de la vida diaria.

Desarrollo Ampliando lo que hemos dicho sobre la textura, en cursos an­te­rio­res, dire­mos ahora, que la textura de un cuerpo es sinónimo de aspecto, estructura, conformación superficial y que la tex­tura es independiente de la forma, el color y el vo­lu­men; por lo tanto, la po­de­mos definir como la distinta cali­dad visual y táctil que nos produce el aspecto exterior de cual­quier materia. Dos o más objetos pue­d en ser iguales, en cuan­to a forma y color; pero, pueden diferenciarse por su textura. Al observar a distancia estos objetos, los di­fe­ren­cia­mos unos de otros, sin necesidad de tocarlos, con sólo la infor­mación que recoge nues­tra vista, de las cualida­des del objeto observado; y a esta impre­sión visual de la superficie de un objeto es a lo que llama­mos textura vi­sual.


Dentro de sus distinciones también está el Primer Premio Centroamericano de Escultura -1968 y 1970-. También fue condecorado con el Premio Arquitectura Diseño Stand Guatemala en la Feria de la Industria de Berlín -Alemania- en 1964. Contó con docenas de exposiciones colectivas y personales, tanto a nivel nacional como internacional, así como otros premios.

Obras del Artista

Pintura sobre lienzo

Efraín Recinos Valenzuela

Efraín Recinos Valenzuela (1928-2011). Nació en Quetzaltenango, segunda ciudad en importancia del país. Pintura sobre lienzo

Pinturas realizadas en el Conservatorio de Música

Hombre multifacético, recibió muchas distinciones en su amplia carrera, destacando la Orden del Quetzal y la Orden Doctor Mariano Galvez. Ganando el Premio Nacional de Pintura en varias ocasiones, además del Segundo Premio Centroamericano de Pintura, en El Salvador en 1964. Pintura sobre lienzo

148 La Textura

Mural de mosaicos, exterior del Teatro Nacional de Guatemala

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Estudió escultura y dibujo en la Escuela Nacional de Artes Plásticas, así como en el Instituto de Leicester de Inglaterra. Además estudió acústica en Dinamarca y, a través de los años, se destacó como Ingeniero Civil, urbanista, pintor, escultor, muralista, escenógrafo y conocedor de música, cine y letras.


La textura es una cualidad o característica propia de los objetos, podríamos decir que es como la piel de los cuerpos, es su límite exterior, lo que los separa del entorno. El término textura se refiere a la sensación que percibimos al tacto con el roce de un determinado material; siendo en esta acción el sentido del tacto, el principal vehículo o encargado

de percibir la sensación que identifica la textura, y que conjuntamente con la forma, el tamaño y el color, nos completa la información que recibimos por los sentidos del tacto y la vista, con la que identificamos plenamente los objetos.

Te la presentamos...

La Textura 1. Definición

3. Por su percepción

Textura natural

Textura artificial

Textura táctil (tridimensional)

Textura visual (bidimensional)

Las texturas naturales son todas aquellas en las que el hombre no ha intervenido en su elaboración y las observamos en los seres vivos y formas de la naturaleza, los animales, las rocas y los vegetales.

L a tex t u ra a r t i f i c i a l s e encuentra en los productos fabricados por el ser h u m a n o c u a n d o u t i l i za materiales naturales o artificiales en su elaboración.

La textura táctil es aquella perceptible a través del tacto, tienen tres dimensiones, es decir, son corpóreas, se pueden tocar.

La textura visual se refiere a las texturas que imitan la realidad y no se pueden tocar, aunque sí nos evocan sensaciones al verlas.

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La textura es la sensación que produce la superficie de un objeto al ser percibido por el sentido del tacto y de la vista.

2. Por su origen

Educación Plástica 2

La Textura 149


Textura Los objetos tienen cualidades que los diferencian a cada uno de los demás; así, por ejemplo, una piedra, una hoja o la corteza de un árbol, tienen una superficie distinta a la de un vidrio y éste a su vez, distinta a la de una prenda de vestir. Todo objeto natural o artificial se define por cualidades inherentes a el y por tres aspectos diferentes, prácticamente inseparables. • Masa • Color • Textura La textura es sinónimo de aspecto y la definimos como la calidad o aspecto externo de los objetos y se puede percibir por medio los sentidos del tacto y la vista. La textura la podemos dividir en textura visual y textura táctil, aunque en general se conjugan de tal modo que resulta difícil separarlas. La textura visual Es la que se aprecia básicamente por medio del sentido de la vista, es una impresión óptica que depende de la luz y la forma como ésta se refleja en la superficie, y que nos hace percibirla como brillante, opaca, transparente… La textura táctil

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Es la que percibimos por medio del sentido del tacto, el que nos informa de las propiedades corpóreas de la superficie de los objetos, dándonos información si esta es áspera, blanda, rugosa, dura, lisa…

150 La Textura

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Competencias temáticas • Aplica la expresión creativa del volumen en formas tridimensionales. • Conoce las diferentes formas de representar el volumen desde los mayas hasta nuestros días. • Utiliza técnicas de modelaje con papel molido, en trabajos representativos y creativos. • Conocer y aplicar las técnicas de plegado en papel.

Desarrollo Desde la época primitiva, el hombre ha sentido la necesidad de expresar, comunicar y manifestar su sentido estético en tres dimensiones; esta necesidad es tan fuerte que, desde el principio, se manifestó en todos los pueblos y razas del mundo, en unos con mayor perfección que en otros, hasta culminar con el pueblo griego, el romano y su evolución posterior en otros pueblos, durante la Edad Media y el Renacimiento. Tanto los artistas primitivos como tú cuando fuiste niño, manifestaron su interés por el volumen, pues, desde el primer momento, tus manos comenzaron a manipular los materiales, como la arcilla y la plasticina, manifestando tu creatividad en trabajos de tres dimensiones; el volumen unido al color y la textura completa las características naturales de cualquier objeto.

Monumento a Miguel Ángel Asturias, colocado en la Avenida de La Reforma y 14 calle de las zonas 9 y 10 de la ciudad de Guatemala, del artista guatemalteco Max Leiva Buhler.


Es un artista que se dedica enteramente a la técnica escultórica, ha logrado colocar piezas en diferentes espacios públicos entre las que destacan el Monumento al Jugador de Pelota, Academia Olímpica, Grecia -1996-, Monumento a Miguel Ángel Asturias, Avenida de la Reforma, Guatemala -1999-, Monumento al Hermano Pedro, Plaza Tenerife, Calzada Juan Pablo II -2003-, el Monumento a la Señora Graciela Andrade de Paiz, Fundación Paiz -2007-, Monumento a Juan Corz, la Ermita del Cerro del Carmen, Guatemala -2010-, Monumento Obelisco de La República, Guatemala -2011-, Pegaso, Plaza de la Defensa de la Constitución, Corte de Constitucionalidad, Guatemala -2011-.

Obras de Artista

Max Leiva Buhler

162 El Volumen

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Max Leiva Buhle (1966 -). Nació en la Ciudad de Guatemala. realizó sus estudios en la Escuela Nacional de Artes Plasticas -ENAP-, de 1988 a 1993 obteniendo su bachillerato en arte, con especialización en escultura. El estilo de su trabajo es realista y surrealista. Domina técnicas como lápiz, modelado, talla directa, resina, madera, bronce. Desde 1990 realizó estudios de escultura con el maestro Dagoberto Vásquez con quien después colaboró entre 1998 y 1999. De 1991 a 1993 realizó estudios de escultura y fundición en Bronce becado por la UNESCO en la Universidad de Silpakorn, Bangkok, Tailandia. En el 2005 recibe un curso de pátinas en metal con el maestro Ron Young en Nueva York (Juannio). Educación Plástica 2


Ya sabes que la realidad es tridimensional, es decir, cualquier objeto de tu alrededor, una silla por ejemplo, tiene tres dimensiones, esto es, tiene una altura, una anchura y una profundidad. ¿Pero cómo percibimos esto? Nuestra vista distingue las formas y el color porque la luz reflejándose sobre ellos y nos permite identificarlos. Las sombras, causa contraria de la luz, dan efecto de relieve a los cuerpos y ayudan a comprender la forma y el volumen.

En el lenguaje visual con la palabra volumen se pueden entender dos aspectos o manifestaciones: un volumen representado sobre papel o lienzo por medio del claroscuro, el dibujo en perspectiva o las proyecciones ortogonales. Y un volumen real (como el de una escultura, un edificio, un mueble, etc.).

Te lo presentamos...

El Volumen 1. Definición

Volumen geométrico

Volumen artístico

Representado (bidimensional)

Real (tridimensional)

El volumen es una magnitud definida como el espacio ocupado por un cuerpo. Es una función derivada ya que se halla multiplicando las tres dimensiones.

El artista para representar el volumen aplica técnicas que sugieran la tridimensionalidad de los cuerpos y las distancias entre ellos, estas son: claroscuro, superposición y perspectiva.

La posibilidad expresiva a través del claroscuro, la pintura, la perspectiva y la fotografía, produce la impresión visual de tridimensionalidad, representando valores volumétricos que son propios de la escultura.

La escultura representa cualquier cosa real o abstracta en tres dimensiones (alto, largo y ancho o profundidad). Y es el arte de modelar, tallar o esculpir en barro, piedra, madera u otro material.

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El volumen es la medida que ocupa un cuerpo en el espacio, de manera que, dos cuerpos no pueden ocupar a la vez un mismo lugar.

3. Formas de volumen

2. Tipos

Educación Plástica 2

El Volumen 163


Volumen Llamamos volumen de un cuerpo a la medida de la extensión espacial, limitada por dicho cuerpo. En toda extensión espacial se consideran tres dimensiones: largo, ancho y altura o profundidad. Al hablar de volumen, luego pensamos en la escultura, en sus dos aspectos: el modelado, con sus materiales blandos (arcilla o barro, plasticina, cera, papel molido), en donde hay que “quitar y poner” el material para trabajar y el tallado o cortado, con sus materiales duros (piedra, mármol, madera), en donde sólo hay que “quitar” material. Definimos la escultura como el arte de reproducir las imágenes y formas de la realidad o “vistas” en la mente, con relieve o bulto, o sea en sus tres dimensiones.

Estatuilla maya

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Al hablar de volumen, también, nos referimos a la arquitectura, ya que ésta maneja los espacios al construir edificios en donde se manifiestan más claramente las tres dimensiones: largo, ancho y altura o profundidad.

Recipiente de la cultura maya

Calendario maya

164 El Volumen

Educación Plástica 2


Relacionado con el volumen están las técnicas para crearlo: el modelado, el tallado, el doblado y el armado. Modelado y tallado son las técnicas que emplea la escultura, la que se define como el arte de representar formas reales o abstractas de bulto, o sea en sus tres dimensiones. El modelado consiste en formar figuras con pastas o materiales blandos como el barro, la plasticina, la cera, el papel molido, etc. “quitando y poniendo” el material.

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Escultura moderna, tallada en madera. Henry Moore: figura reclinada. 1945-1946.

Modelado en papel maché.

Elefante de origami a tamaño natural, con una altura aproximada de 15 metros, realizado por el artista de origami profesional Sipho Mabon. Modelado en barro.

Educación Plástica 2

El Volumen 165


Esta es un técnica muy fácil de realizar con la que puedes hacer cualquier figura que te guste, sólo debes pintarla. Lo primero que debes hacer es juntar todos los materiales: periódicos, un colador, dos recipientes, una jarra con medidas, una licuadora y pegamento. 1. Debes cortar el papel periódico en pedazos pequeños, llenando por lo menos la mitad del recipiente; entre más pequeños sean, más fácil será trabajar con ellos. 2. Cuando ya tengas todos los pedazos cortados, llena la jarra con agua y viertela en el recipiente. 3. Con la licuadora, muele el papel todo lo que puedas hasta obtener una mezcla aguada. 4. Luego con el colador y otro recipiente, comienza a colar la mezcla. Con la cuchara, debes ir sacando toda el agua que tenga. Hasta dejar una masa de papel. 5. Vierte el pegamento cuidando que la mezcla no quede muy líquida. 6. Comienza a amasar tu mezcla dando la forma que tu quieras: una tortuga, una mariposa, un niño, un barco.

166 El Volumen

Paso 1

Paso 2

Paso 3

Paso 4

Paso 5

Paso 6

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Modelado en papel maché

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