Muestra Educación Plástica 1

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1 Enseñanza Básica

De acuerdo al Currículum Nacional Base


Quinta Edición Copyright © 2020 Colección: Educación Plástica Autor: Arquitecto Eduardo Campo Marsicovetere Ilustración y diseño: Grupo Técnico Editorial Kamar S.A. Revisión de texto: Grupo Técnico Editorial Kamar S.A. La presentación y disposición en conjunto de la colección es propiedad del Editor. Ninguna parte de esta obra puede ser reproducida o transmitida, mediante ningún sistema o método electrónico o mecánico sin consentimiento por escrito de la Editorial.

Editorial Kamar Publicaciones Educativas

4a. avenida 8-63, zona 1. Tels: (502) 2232-5827 / 2464-9514 Guatemala, C.A. www.editorialkamar.com e-mail: ventaseditorialgt@gmail.com


Introducción Los libros de Educación Plástica, que presentamos, no son una simple exposición de temas de las Artes Plásticas, sino que son una obra didáctica que se a realizado con el objeto de orientar el curso dentro de la libre expresión, propiciando una formación integral del estudiante; es por ello que, empleamos en ella el título de Educación Plástica, pues con ello abarcamos todas las actividades que el alumno realiza dentro del curso escolar como lo son: dibujo, pintura, modelado, plegado, recorte, pegado, etc. No lo titulamos como oficialmente se denomina el curso: Artes Plásticas, pues pareciera que el alumno toma este curso como si se pretendiera formar artistas con él, que es un curso de enseñanza de los temas artísticos reservados a los mejores dotados; y es por eso que sustituimos la palabra Artes por Artística, pues con ello completamos el sentido y las competencias del curso: 1. Desarrolla la sensibilidad y la capacidad de apreciar la belleza, para que al asumir la responsabilidad que como ciudadano tendrá en el futuro dentro de la sociedad, contribuya como medio y signo de la más alta calidad de vida. 2. Revela y suscita las vocaciones de aquellos que serán los más capaces como especialistas de la creación de formas y diseños, para que conociendo su vocación, busquen los medios de aprendizaje donde desarrollen todo su potencial artístico. Para lograr estas competencias es necesario profundizar en los contenidos del Currículum Nacional Base y establecer procedimientos y objetivos particulares de la enseñanza de la materia, estableciendo tres direcciones pedagógicas fundamentales: 1. Desarrollar la sensibilidad para ser capaces de comprender la significación de formas, valores tonales, colores, materiales, etc. 2. Practicar de los medios de expresión, como el dibujo, la pintura, el modelado, etc. 3. Ejercitarse en el desarrollo de las facultades creadoras, mediante el juego plástico de manejo de las técnicas. Los temas considerados en los bloques son: a) Introducción a las unidades para que el alumno tenga una idea de lo que comprende su estudio y a la vez, conozca el concepto de la unidad de que se trate.

b) Competencias de cada bloque, inscritos en tres dominios: • Dominio Cognoscitivo, para la adquisición de conocimientos y juicio critico. • Dominio Afectivo, para lograr cambios en las actitudes, intereses y valores. • Dominio Psicomotriz, para el aprendizaje de habilidades y destrezas. c) Los Principios Básicos de cada tema, han sido expuestos al nivel que curso el estudiante, como corresponde a su edad, para que adquiera la confianza necesaria en sus propios medios de expresión; y que el maestro o maestra ampliará si lo considera conveniente. d) Interpretación de ejemplos, el estudiante debe de leer los principios básicos y examinar los ejemplos que se le presentan con la profusión necesaria para que fije las ideas y principios; como preparación a realizar los ejercicios correspondientes y todo lo que el profesor le indique. e) Aprestamiento, bajo este título presentamos el desarrollo de ejemplos guías para que el alumno se prepare y pueda realizar sin dificultad los ejercicios requeridos en cada tema. f) Desarrollo de Ejercicios, en le presentamos al alumno el espacio correspondiente al desarrollo de cada ejercicio, en una hoja desprendible, marginada y con las casillas correspondientes para la identificación personal. g) Lo que debo recordar, encontrará el alumno una síntesis de las ideas y definiciones esenciales que deberá fijar bajo su propio criterio. Además, en los libros de Educación Plástica, creemos importante ofrecer: 1. El perfil terminal del alumno egresado de Primaria en la asignatura de Artes Plásticas. 2. Una exposición de los instrumentos y materiales, en forma general, para que el alumno conozca y forme su equipo de trabajo. El Autor


Tabla de Contenidos Bloque I

Bloque II

Bloque III

Bloque IV

El Punto

La Línea

El Área

La Perspectiva

23-46

47-84

85-116

117-138

El Punto Artista Guatemalteco: César Izquierdo Tipos de Punto Sombreado con puntos Colorear con puntos

Calco por transparencia Estarcido con patrones naturales Estarcido con patrones recortados Desarrollo de ejercicios

La Línea Artista Guatemalteco: Guillermo Grajeda Mena Clasificación de la línea Forma estructural de la línea Línea recta Línea curva

La línea recta por su posición en el espacio Valor expresivo de la línea recta Valor expresivo de la línea curva

División de la línea por su calidad de trazo La línea técnica La línea plástica Funciones de la línea plástica

La línea en la artesanía guatemalteca Desarrollo de ejercicios

El Área

Artista Guatemalteco: Carlos Mérida ¿Sabes que es el área? El área geométrica

División de una línea en partes iguales Trazo de perpendiculares Trazo de figuras geométricas planas

El área artística Orla Festón Grecas Rosetones

La Perspectiva Artista Guatemalteco: Hugo Godínez Solórzano El horizonte Proyecciones hacia un punto Elementos de la perspectiva Clases de perspectiva Perspectiva frontal

Construcción de figuras geométricas

Figuras generatrices Historia de la escritura

Construcción del cuadrado en perspectiva Construcción de piso de ladrillos Construcción del cubo en perspectiva

Simetría

Construcción de un círculo en

El área en el Arte

Construcción de un cilindro Desarrollo de ejercicios

La rotulación Estudio de las letras Simetría real Simetría aparente

Estampación por pliegue Desarrollo de ejercicios

frontal

perspectiva


Tabla de Contenidos Bloque V

Bloque VI

Bloque VII

Bloque VIII

El Claroscuro

El Color

La Textura

El Volumen

139-152

153-172

173-190

191-206

Claroscuro Artista Guatemalteco: Ernesto Boesche Rizo Luz y sombra Luz directa e indirecta Posición y dirección de la luz

Sombra Sombra de borde cortado Sombra de borde esfumado Escala de valores

Desarrollo de ejercicios

¿Qué es el color? Artista Guatemalteco: Hugo González Ayala ¿Qué es el color? ¿Porqué vemos diferentes colores? ¿Cómo hacer un disco de Newton? Los Colores Círculo cromático Colores primarios Colores secundarios Colores intermedios Colores complementarios

Sensación térmica del color Sensación térmica en el arte Desarrollo de ejercicios

Origen de la textura Artista Guatemalteco: Roberto Cabrera Padilla Origen de la Textura Percepción de la textura Textura con puntos

Textura con lineas

Textura táctil o tridimencional Textura visual o bidimensional Textura gráfica Textura gráfica orgánica Textura gráfica geométrica Desarrollo de ejercicios

El Volumen Artista Guatemalteco: Rodolfo Galeotti Torres El volumen La escultura Modelado con plastilina Elaboración de estrella en 3D Técnica de Iris plegado

Desarrollo de sólidos geométricos Desarrollo de ejercicios


Perfil Terminal del Alumno Conocimientos Al finalizar el curso, el estudiante desarrollará los procesos intelectuales que le permitan: 1. Emplear la terminología básica relacionada con las Artes Plásticas. 2. Practicar la teoría básica sobre el punto, la línea, el área, la perspectiva, el claroscuro, el color, la textura y el volumen. 3. Distinguir la teoría básica de algunas técnicas propias de las Artes Plásticas. 4. Representar algunas artesanías y artes populares de su país.

Habilidades y destrezas Al finalizar el curso, el estudiante adquiere las siguientes destrezas desarrollando los procesos corporales que le permitan: 1. Manejar eficazmente sus habilidades y destrezas en el manejo de instrumentos y materiales del equipo artístico. 2. Adopte destrezas de la expresión plástica, mediante la realización de ejercicios de aprestamiento.

Autoevaluación Es el proceso donde el alumno valoriza su propia actuación. El alumno (evaluado) es quien se evalúa. Participa de una manera crítica en la construcción de su propio aprendizaje. Coevaluación Identifica los logros personales y grupales. Emite juicios valorativos acerca de otros en un ambiente de libertad, compromiso y responsabilidad. Indicadores Son los rasgos o caracterizadores cualitativos de una conducta en el proceso de un trabajo específico. Ponderación Ayuda a evaluar los trabajos teniendo como referencia los diferentes parámetros indicados en la escala; asignándoles un valor a criterio del maestro.

Actitudes y valores Al finalizar el curso, el estudiante interiorizará los valores que le permitan: 1. Utilizar su libertad creadora responsablemente. 2. Aplicar creativamente las diferentes técnicas artísticas aprendidas. 3. Respetar y apreciar las manifestaciones artístico-culturales de su comunidad. 4. Manifestar una actitud creativa individual y de grupo. 5. Ejercer una expresión artístico creadora para canalizar sus emociones.

Criterio*

Indicadores

Autoevaluación Necesita mejorar 0.5

X

6. Producir satisfacción en el desenvolvimiento de sus ideas creativas.

Creatividad

Coevaluación

Satisfactorio

Excelente

1

2

1

Manejo de instrumentos/Técnica

Evaluación

X

Limpieza

Es de vital importancia innovar el proceso de enseñanza paralela de la evaluación.

X

Composición

¿Que beneficios obtenemos de una Escala de Apreciación?

X

Heteroevaluación Permite al alumno y al docente, identificar carencias que es necesario reforzar antes de seguir adelante con el programa. Trabaja en el diseño de actividades remediales, destinadas a los alumnos que lo necesitan.

Heteroevaluación

2 0.5

Armonía de color Presentación

1

Exactitud X

puntualidad

2

Nota final

6.5/10


Competencias temáticas • Conoce las distintas expresiones artísticas en las imágenes de tu entorno aprendiendo a diferenciar unas de otras. • Observa, percibe, comprende e interpreta de una manera crítica, la historia del arte como manifestación de la expresión artística, para valorar la trascendencia e influencia de las culturas antiguas en el arte actual. • Analiza los diferentes conceptos del lenguaje del arte, los significados y valores que se le dan a creaciones artísticas en el contexto inmediato, en otros lugares y en otros tiempos. • Aprecia de forma estética, sensibilizándote frente a obras significativas del patrimonio artístico nacional y las distintas manifestaciones de la producción artesanal del país. Desarrollo El aprendizaje en esta primera unidad, es principalmente conceptual, como preparación a las subsiguientes, en las que se desarrollaran las habilidades gráfico-plásticas. Aporta las bases teóricas indispensables, para que comprendas el significado de términos frecuentemente utilizados en la Educación Plástica. Describe, de manera breve los materiales e instrumentos comúnmente utilizados en el desarrollo de las distintas técnicas plásticas. Además viajarás sobre una línea del tiempo que, de forma breve y gráfica, describirá momentos relevantes en la historia del arte, para acercarte a culturas milenarias que representan los pilares de la expresión artística y así, valorar la trascendencia e influencia de las culturas antiguas en el arte actual. Para acercarte más a las Artes Plásticas te presentamos una descripción teórico-visual de conceptos, ejemplificados con muestras de artistas nacionales.


Bellas Artes Que se les nombra como artes liberales, porque en ellas tienen primordial importancia el intelecto y la imaginación, y son las que se orientan hacia la realización de lo bello. Examinadas a su vez las bellas artes, podríamos subdividirlas en:

Expresiones Artísticas

1. Las Artes del Movimiento. 2. Las Artes Fonéticas. 3. Las Artes Plásticas.

Artes del Movimiento

El mundo que te rodea está lleno d e o b j eto s d i st i nto s e impresionantes que quizás nunca te has detenido a observar, en ellos puedes descubrir como éramos hace muchos años atrás, como son otras culturas y países. El arte es un componente propio de la cultura, en el cual se refleja la concepción de mundo de una persona o grupo social. A través del arte se transmiten ideas, historias y valores, los cuales permiten permear a las generaciones siguientes de la identidad del grupo.

La danza suaviza ese tránsito de las artes plásticas a las fonéticas. Las expresiones de belleza en el espacio son unidas, en su rítmico movimiento, a las expresiones de belleza en el tiempo (música).

¿Qué es pues el Arte?

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Conocimientos Generales

Artes Fonéticas Las artes fonéticas emplean, como medio de expresión, el sonido musical y articulado. Música, canto, elocuencia y poesía; hablan al oído y se desenvuelven en el tiempo, sin ocupar espacio.

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El arte se entiende como cualquier actividad o producto realizado por el ser humano con una finalidad estética o comunicativa, a través de la cual se expresan ideas, emociones o una visión del mundo, valiéndose de la materia, de la imagen o del sonido, imita o expresa lo material o lo inmaterial, y crea, copiando o fantaseando. El arte se materializa mediante diversos recursos, como los plásticos, lingüísticos, sonoros o bien mixtos. Así los cuadros los hacen los pintores, las esculturas los escultores, las canciones las componen y tocan los músicos y los poemas o libros los escritores. Conforme a éstas, las varias manifestaciones del arte, que forman el conjunto de las artes, pueden clasificarse en dos categorías básicas: Bellas Artes y Artes Aplicadas.

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Artes Plásticas Pintura, escultura y arquitectura constituyen las tres artes plásticas que se desarrollan en el espacio. La primera, bajo dos dimensiones, y las dos últimas bajo tres. Son características esenciales de las artes plásticas, la objetividad y la extensión. La pintura representa las formas o imágenes reales, irreales o abstractas, sobre alguna superficie plana (tela, papel, cartón, metales, etcétera), mediante el dibujo y el color. La pintura está basada en el uso de pigmentos colorantes.

Mujeres. Oleo de Rafael Pereyra (1935 -1966), Guatemala.

Las formas de pintura varían de acuerdo con la forma de aplicar, extender y fijar el color. Desde el punto de vista técnico, se dice que es al fresco cuando se aplica utilizando colores

Pintura

Acuarela

Óleo Hilanderas de Atitlán. Témpera de Alfredo Gálvez Suárez. (1899-1946). Museo Nacional de Arte Moderno, Guatemala.

Crayón Acrílico

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disueltos en agua y cal. Al óleo, cuando ha sido elaborada con colores disueltos en aceite secante, por lo general, sobre una tela. La pintura al pastel se realiza con lápices blandos y pastosos. La acuarela emplea colores transparentes diluidos en agua. En Guatemala contamos con pintores de renombre artístico a nivel nacional e internacional. Observa los ejemplos.

Fragmento de Coqueta. Crayón del Maestro Manolo Gallardo. Guatemala.

Pintura en acrílico del Maestro Efraín Recinos. Guatemala.

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Conocimientos Generales

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Santa Gertrudis. Escultura tallada en madera policromada. Siglo XVIII, Guatemala.

Detalle de San Sebastián. Escultura tallada en madera policromada, de Alonso de la Paz. Siglo XVIII, Guatemala.

Escultura

La escultura, es el arte y técnica de crear formas originales de tipo figurativas (reales) o abstractas, de tres dimensiones o volúmenes. El escultor tradicional crea formas volumétricas modelando sustancias dotadas de plasticidad (cera, arcilla húmeda), tallando materias duras (piedra, granito, madera, marfil) o diseñando moldes que le permiten reproducir el relieve.

Tonatiuh.Escultura en bronce del Maestro Roberto Gonzalez Goyri. Guatemala.

En Guatemala, durante la época colonial, se desarrolló el arte escultórico, llegando a ser la máxima expresión artística. Con la llegada de la vida independiente, en el siglo XIX, la producción de esculturas menguó. Hasta que en la década de 1920, se comienza a observar una escultura con tendencias modernistas, que preparó el camino y la sensibilidad de las generaciones posteriores, para que respondieran a una expresión guatemalteca, artísticamente independiente.

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Conocimientos Generales

Actividad sugerida:

Música grande. Escultura en madera, del Maestro Efraín Recinos. Museo Nacional de Arte Moderno, Guatemala.

-- Investiga datos acerca de la vida y obra de: Roberto González Goyri, Rodolfo Galeotti Torres. -- Busca el significado de la palabra policromía.

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Actualmente el escultor moderno crea formas utilizando materiales de desecho: hierro fundido, láminas de cinc y aluminio, alambre, cintas de acero y materiales plásticos variados.


La arquitectura, es el arte y técnica de proyectar y construir de acuerdo con un programa, tiene fundamentos científicos y obedece a técnicas complejas. Se convierte en arte, cuando la construcción representa el espíritu de una época. La Arquitectura transforma el espacio. Logra unir la belleza y la utilidad, una depende de la otra, una obra no es hermosa si no se adapta al fin para el cual se destina. Durante la época colonial, la arquitectura guatemalteca estuvo influenciada por un estilo arquitectónico de características especiales, que fue variando debido a los constantes sismos propios de la zona. En el siglo XIX y la primera mitad del siglo XX, la arquitectura se vio influenciada por corrientes estilísticas europeas. Arquitectura Maya, templo del Gran Jaguar.

Arquitectura Colonial, Universidad de San Carlos de Borromeo.

Arquitectura

Educación Plástica 1© Editorial1 Kamar, S.A. Kamar, S.A. Educación plástica y Visual © Editorial

Sin embargo, fue hasta 1944 que se establece en el país un estilo más internacional. Se comienza a utilizar el concreto visto y busca integrar el arte de la época con elementos precolombinos, creando murales, volúmenes y texturas ornamentales. La arquitectura se transforma por la constante influencia de las variadas corrientes y estilos de la globalización internacional. La cantidad de edificios y la altura de los mismos aumentan a pesar de que las condiciones geológicas del país no han variado y Guatemala sigue siendo un país con actividad sísmica. Educación Plástica 1

Arquitectura contemporánea, edificio de ANACAFÉ.

Actividad sugerida: -- Identifica los edificios más altos del país. (Altura, niveles). Diseñador, fecha de edificación y tiempo de ejecución. Estilo. -- Comparte el trabajo con el grupo. Arquitectura Contemporánea, Edificio Tikal Futura.

Conocimientos Generales

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Artes Aplicadas Reciben también el nombre de artes mecánicas, y tienen por propósito la preparación de objetos útiles, y que genéricamente se llaman oficios o artesanías.

Actualmente, las artesanías se conservan y forman parte de la cultura material de los guatemaltecos, gracias a la particularidad que tienen de permanecer de generación en generación, por medio de la transmisión del aprendizaje a través de la cohesión familiar y cultural que predomina, particularmente, en el interior de nuestro país. El arte popular, o artesanía, se caracteriza exactamente porque, las técnicas empleadas son transmitidas directamente, pues existe una tendencia imitativa

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Conocimientos Generales

de generación en generación. Se aprende sin más guía que el ejemplo, por comunicación directa en el trato familiar. Los niños ven hacer el objeto y adquieren la noción de un arte útil a la colectividad. La artesanía es ante todo, manualidad, prevalecen en ella la libertad y la iniciativa personal; lo que hace que cada pieza sea un objeto único, ya que, al repetirlo nunca será igual al anterior, a pesar de que al realizar la actividad de una manera periódica y constante, elabore su producto en serie. El arte popular es anónimo. El artesano ignora la trascendencia de su obra; el sólo elabora, repitiendo, nociones estéticas tradicionales a las cuales ha llegado a través de la práctica reiterada y la observación constante, dentro de un marco personal y doméstico.

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La producción artesanal de Guatemala se remonta muchos siglos en la historia. Los mayas elaboraban herramientas, recipientes tallados en piedra y madera, así como, diferentes tejidos.

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En Guatemala existe gran cantidad de artesanías como producto de la variedad multicultural, de manera que en los talleres domésticos y en los mercados regionales podemos observar textiles, cerámica, platería, jícaras, jarcia, cestería, cerería y otras artesanías menores que forman el patrimonio cultural guatemalteco. Los textiles son la producción artesanal más grande con que cuenta el país. Su elaboración es muy variada en cuanto a diseño y colorido de acuerdo con la región donde se produzcan. Para su elaboración se utilizan los telares de cintura o de palitos, que son de origen prehispánico y el telar de pedales o palancas:

introducido por los españoles durante la Colonia.

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Textiles

A partir de 1980 la venta artesanías tuvo un crecimiento comercial con la elaboración de nuevos productos. Los diseños tradicionales de las artesanías se enriquecieron con nuevos diseños, con las mismas técnicas de elaboración, pero acordes con las exigencias del mercado moderno occidental. Dichos trabajos no dejan la peculiaridad como artesanía local, aunque se utilizan máquinas industriales para la confección de las prendas, la materia prima, el diseño y el trabajo manual predominan, por lo que no dejan de ser productos artesanales.

Actividad sugerida: -- Observa los diseños textiles de la página. -- Identifica los colores más utilizados. -- Investiga acerca del significado de los diseños zoomórficos, fitomorfos y geométricos en los textiles.

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Conocimientos Generales

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Cerámica

Hay dos clases de cerámica en Guatemala unas de origen maya y otras de origen español, y estas se pueden distinguir por su colorido o por su diseño.

Cerámica de origen maya Esta cerámica es elaborada a mano, con instrumentos sencillos. Hay una gran variedad de utensilios como comales (piezas planas y circulares donde se hacen las tortillas de maíz), ollas, cántaros, jarrones, floreros, escudillas, pichachas (olla con agujeros para colar maíz cocido), silbatos, alcancías con formas de animales y frutas e incensarios que se utilizan para las procesiones o para las misas, también para los rituales.

Cerámica de origen español

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La cerámica española se distingue por tres tipos: la vidriada, la mayólica y la pintada. Para la elaboración de la vidriada y de la mayólica se utilizan tornos y se pintan con esmaltes, por ejemplo, tazas, escudillas, fruteros, cafeteras, etc. Se realizan en talleres con varios artesanos. La cerámica pintada es más decorativa y se utilizan más en la elaboración de alcancías. Sus formas son pájaros, verduras y frutas, este tipo de cerámica se hornea una vez y se pinta. El torno y el horno son los pilares para la fabricación de la cerámica se necesitan además pinceles y varillas para la decoración. 8

Conocimientos Generales

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Uso de la cerámica La cerámica desde el principio de su invención, tuvo como uso fundamental, el de recipiente para alimentos; más adelante se utilizó para hacer figuras supuestamente de carácter mágico, religioso o funerario. También se empleó como material de construcción en forma de ladrillo, teja, baldosa o azulejo, tanto para parámentos como para pavimentos. La técnica del vidriado le proporcionó gran atractivo, se utilizó también para la escultura. Actualmente también se emplea como aislante eléctrico. La cerámica es el producto que más se comercializa del departamento. En la actualidad se exporta a Centroamérica y Europa. En los municipios de Cubulco, Rabinal, El Chol, San Jerónimo, Salamá y San Miguel Chicaj se fabrican tinajas, ollas y platos; con decoraciones creativas y coloridas que se venden los días del mercado.

Materiales cerámicos porosos No han sufrido vitrificación, es decir, no se llega a fundir el cuarzo con la arena. Su fractura (al romperse) es terrosa, siendo totalmente permeables a los gases, líquidos y grasas.

Uso de la cerámica

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Materiales cerámicos impermeables Se los ha sometido a temperaturas bastante altas en las que se vitrifica completamente la arena de cuarzo. De esta manera se obtienen productos impermeables y más duros. Cuando la cerámica se produce con arcillas o barros poco depurados en la elaboración de vasijas, tinajas, macetas, incensarios y cualquier forma decorativa se le denomina alfarería, Los ejemplos más conocidos son: los candeleros de Rabinal, incensarios de Totonicapán, los “patos” de San Luis Jilotepeque, los pajaritos de Antigua Guatemala y las tinajas y adornos de Chinautla. Educación Plástica 1

Actividad sugerida: -- Investiga la diferencia entre cerámica y alfarería. -- Observa dos piezas de cerámica e identifica las similitudes y las diferencias. -- Comparte tus hallazgos con el grupo.

Conocimientos Generales

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Rapidógrafos Los rapidógrafos se utilizan en la elaboración de trabajos a tinta. Se clasifican de acuerdo con el grosor del trazo, desde el 0.1 mm que es el más fino, hasta 2.0 mm, el más grueso. Se cargan con tinta china especial en variedad de colores. En el mercado encontramos marcadores clasificados de acuerdo con el grosor de su trazo que sustituyen a los rapidógrafos y con un precio accesible. Papel y cartulina Existe una gran variedad de tipos de papel, por lo que es necesario elegir el más adecuado al trabajo que se va a realizar, de ello depende, en gran parte, el resultado final. El papel es una hoja delgada hecha de sustancias vegetales que se utiliza, principalmente, para dibujar. La cartulina, es papel más grueso y resistente. Tablero

Colores

El tablero es una plancha de madera o plywood que permite fijar y mantener firme el formato u hoja de papel, para realizar los trabajos con precisión.

El color es un elemento expresivo y emotivo que está presente en nuestro entorno y es un elemento esencial en el arte. Existen diversas formas para aplicar color a los diseños, entre las más comunes están: las tintas, las témperas y las acuarelas. Educación Plástica 1 © Editorial Kamar, S.A.

Las tintas son soluciones coloreadas y entre las más conocidas está la tinta china, que es utilizada en dibujos, es fluida, indeleble y de secado rápido. Las témperas son solubles en agua, espesas y opacas. En el mercado las puedes encontrar en pastillas, tubos o en frascos. Las acuarelas son pigmentos colorantes de origen vegetal, animal o mineral, aglutinados con agua y goma arábiga. Se pueden encontrar en tubos o pastillas. Son solubles en agua y al pintar sobre el papel sus colores son transparentes. 10

Conocimientos Generales

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Competencias temáticas

• Reconoce el punto como elemento

estructural, configurativo y constructor de formas e imágenes. • Examina la importancia del punto en diversos campos de expresión, tanto práctico como artístico. • Analiza el punto como un elemento primario de la forma y como elemento constructor de efectos visuales relacionados con la expresión artística. • Describe el proceso y experimenta con la técnica del estarcido. • Organiza de forma flexible el proceso de realización de una obra con intención plástica, valorando los distintos pasos y los resultados conseguidos para adecuarlos al propósito que se pretende.

Desarrollo El punto es la unidad mínima de comunicación visual, es un elemento gráfico fundamental. Los trazos o formas que realizamos en la expresión gráfica, sobre cualquier superficie plana, parten de un punto.

Pintura del Maestro guatemalteco, César Izquierdo.


Obras del Artista

César Izquierdo

César Antonio Izquierdo Echeverría (1937-2015). Nació en Santa Cruz del Quiché, Guatemala. En 1957 presentó su primera exposición en la Escuela Nacional de Artes Plásticas, ENAP, compuesta por 32 obras. Tan sólo un año después, el Palacio de Bellas Artes de México lo invitó a exhibir tres de sus obras. Posteriormente realizó más de cuarenta exposiciones, en Estados Unidos de América, México, Centroamérica, España y Panamá. Durante su carrera, fue profesor de dibujo, pintura, anatomía y diseño y ocupó el cargo de “Director de Arte”, en varias agencias publicitarias.

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El Punto

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Su obra se encuentra en galerías, museos y forma parte de colecciones privadas en varias partes del mundo.

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El punto es el primero de los elementos del lenguaje visual, que estudiaremos y comenzamos con él por ser la mínima expresión que se puede realizar en la comunicación visual, y de él parten todo trazo o composición que se puede realizar en el diseño y dibujo sea este artístico o no. Así tenemos que el punto lo podemos diferenciar en dos tipos: el punto geométrico que es un concepto abstracto por definición y el punto gráfico

plástico que es el menor de los elementos del lenguaje plástico capaz de producir formas, además puede ser de diferente tamaño, así como variar su color y tener textura. Pero el punto es un elemento que nos dice algo según su disposición de concentración en el plano y así se expresa con pesadez, uniformidad, concentración o dispersión. Pero además el punto es capaz de componer según sea su disposición en el plano o dentro de una imagen; puede centrar la atención, desequilibrar o sugerir un orden de lectura visual, guiando la vista por todo el diseño.

Te lo presentamos...

El punto 1. Definición

El punto es la unidad mínima de la comunicación visual

Punto gráfico plástico

Punto geométrico

Expresar

Componer

Es el menor de los elementos del lenguaje plástico capaz de producir formas. Puede tener forma, color, tamaño y textura.

Es el resultado del corte o intersección de dos líneas o el centro de una circunferencia.

Según la disposición de puntos en el plano, estos pueden expresar: pesadez, uniformidad, concentración o dispersión.

Según la posición del punto en una imagen, la composición puede estar: centrada, desequilibrada o sugerir un orden de lectura (la vista va de un punto a otro).

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3. Funciones

2. Tipos

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El Punto

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Tipos de Punto Geométricamente, el punto es invisible y se puede definir como el cruce de dos líneas en el espacio. El punto, expresado gráficamente, es el resultado del encuentro de un instrumento (lápiz, punzón, aguja, etcétera), con una base (papel, madera, metal, u otro). El instrumento al encontrarse con la base, deja una marca y la base queda afectada. Entonces, el punto se materializa, se vuelve visible, puede ser una marca muy pequeña o llegar a ser hasta círculos los que pueden ser de distintos tamaños, con colores variados, en negativo (llenos) o en positivo (vacíos). Ejemplo 1.

1. Cuando los puntos llegan a una magnitud visual dentro del plano y por su tamaño dejan de ser puntos, los consideramos círculos.

Esto nos ayuda a representar el espacio, forma, volumen y textura, dependiendo de la posición, dispersión, alineación y repetición; así como de su interrelación con otros puntos o elementos como la línea y el plano. Ejemplo 2.

2. Los puntos se pueden concentra o dispersar.

Cuando se varía el tamaño y la distancia entre los puntos en la forma a representar, podemos producir gradaciones de luz y sombra (claroscuro). Ejemplo 4.

3. El punto puede representarse con distintos colores en el diseño.

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El Punto

4. Los grupos de puntos producen diferentes tonos de gris.

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Los puntos en un diseño se pueden representar con distintos colores y combinarlos con líneas, para definir las formas. Ejemplo 3.


Observa los ejemplos en esta página sobre el punto en dispersión y el punto en concentración. Elige dos ejemplos y elabora tus propios diseños en los siguientes espacios.

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El Punto

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Con el ordenamiento de los puntos sobre un diseño, lograrás magníficos resultados. Desarrolla cuatro diseños en los que el punto se desarrolle ordenadamente, en los espacios de la izquierda.

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El Punto

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Competencias temáticas • Identifica la línea como elemento estructural, configurativo de formas e imágenes, explicando su función expresiva. • Reconoce la importancia de la línea en diversos campos de expresión, tanto prácticos como artísticos. • Describe gráficamente lo esencial de una forma natural sencilla, utilizando líneas y trazos como elementos de expresión. • Reconoce y comprende características y conceptos que identifican distintos elementos del entendimiento geométrico: clases de líneas, perpendicularidad, paralelismo, entre otros. • Diseña secuencias rítmicas sobre una retícula cuadrangular en el plano, a partir de un módulo base sencillo, utilizando conceptos de orden (repetición, alternancia, cambio de dirección y simetría).

Desarrollo Desde edad temprana trazamos rayas, fruto de la creación espontánea, sin que nadie nos enseñe. Es una manera de expresar pensamientos e ideas mediante el dibujo. En el arte, las rayas adquieren el nombre de líneas. La línea es la base de todo dibujo y la definimos como un punto en movimiento o la sucesión de puntos unidos entre sí. En la unidad anterior aprendiste a utilizar dos elementos muy importantes en el diseño: el punto y el plano. En esta unidad desarrollarás tu conocimiento y habilidad para trabajar con otro elemento: la línea.

Hombre a caballo. Tinta del maestro guatemalteco Guillermo Grajeda Mena.

De los tres elementos básicos del dibujo (punto, la línea y el plano), la línea, es la que tiene mayor capacidad de expresión, posee longitud, pero carece de grosor y no la podemos tocar, aunque la podemos ver, trazar e imaginar.


Con una facilidad y seguridad sorprendente, emergían cientos de dibujos diariamente de sus manos. En la simplicidad de unos pocos trazos captaba la majestuosidad de un concepto, de una obra magistralmente concluida. Entre sus obras muralistas, están: “La Conquista” en el Palacio Municipal de la ciudad capital, y “La Cultura Olmeca” en el Museo de Arqueología de la Democracia, en Escuintla. Discípulo y colaborador de Julio Urruela, trabajó con él, los vitrales del Palacio Nacional. Su obra fue reconocida con premios significativos.

Obras del Artísta

Guillermo Grajeda Mena Guillermo Grajeda Mena (1918-1995). Nació en Guatemala el 1 de octubre de 1918 y muere en la misma ciudad el 5 de junio de 1995.

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Escultor, pintor, dibujante, grabador y caricaturista. Estudió, a partir de 1936, en la Academia Nacional de Bellas Artes, donde posteriormente impartió la cátedra de escultura. Fue discípulo de Rafael Yela Günther y del vitralista Julio Urruela Vásquez. Cofundador, junto a Dagoberto Vásquez y Manuel Alvarado Rubio, de la Asociación de Profesores y Estudiantes de Bellas Artes (APEBA) en 1941. Entre 1945 y 1948 viajó a Chile, gracias a una beca otorgada por el gobierno de Guatemala para estudiar fundición de bronce y talla directa. Cronológicamente se le ubica dentro de la generación del cuarenta, conocidos como artistas revolucionarios, que aglutinaba a los más representativos artistas de la plástica, músicos e intelectuales de la época. Durante este lapso realizó su obra pública más conocida, el relieve en concreto "La Conquista" en el muro occidental del Palacio Municipal, en el Centro Cívico de la ciudad de Guatemala. 48

La Línea

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La línea se define como la marca que deja un punto al deslizarse sobre una superficie, es decir, es una sucesión de puntos. La línea es el elemento idóneo para realizar croquis, bocetos, trazados geométricos y científicos. Muchos artistas plásticos y diseñadores realizan a línea sus dibujos originales, debido a sus infinitas posibilidades de expresión.

Al igual que el punto, la línea puede definirse o dividirse de dos maneras: la línea geométrica y la línea gráfico plástica. Además puede utilizarse de distintas maneras, adaptándose siempre a la función que se necesite.

Te la presentamos...

La línea 1. Definición

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La línea es punto en movimiento o la sucesión de puntos unidos entre sí.

3. Funciones

2. Tipos Línea geométrica La línea es un concepto abstracto, se describe como la sucesión continua e indefinida de puntos en una sola dirección, es invisible, posee longitud, pero carece de grosor.

Línea gráfico plástica La línea es la fuerza visual más simple que puede utilizarse para representar los bordes o límites de los objetos, definiendo la figura o contorno o el volumen.

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Dibujo a linea de Pablo Picasso

Expresar La línea comunica, expresa ideas y transmite sensaciones de quietud, calma, serenidad y reposo siendo horizontal; firmeza, elegancia, altivez y esbeltez siendo vertical; inestabilidad, dramatismo o caída siendo inclinada; gracia, belleza, movimiento, acción, ritmo e ingravidez cuando es curva.

Componer La línea permite desarrollar ideas, concreta pensamientos y proyectos, a través de bosquejos, bocetos, o dibujos formales donde se plasma la forma, la composición y las tonalidades. La línea es el elemento generador de la estructura compositiva, que provee un ordenamiento al conjunto.

La Línea de Kandinsky

La Línea

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Clasificación de la línea La

lín

ea recta p or

s

Línea curva Línea vertical

Líneas convergentes

P or

Líneas oblicuas

Línea ondulada

Línea perpendicular

Línea técnica Líneas paralelas

Línea espiral

La Línea

Línea mixta

P or s u c al id

Líneas divergentes

trazo de

Línea quebrada

50

io ac

ne

re sí t n se

Clasificación de la línea

ad

sus rela ci o

Línea inclinada

La línea de los tres elementos básicos del dibujo (punto, plano y línea) es la que tiene mayor capacidad de expresión; posee longitud, pero carece de grosor y no la podemos tocar, aunque la podemos ver, trazar e imaginar. Trazamos la línea como creación espontánea, en forma natural y sin que nadie nos la enseñe, nos acompaña desde nuestra más temprana edad. Podemos decir que es la base de todo dibujo y la podemos definir como un punto en movimiento o la sucesión de puntos muy unidos entre sí.

n en e l sició es po p

Línea horizontal

La Línea

L a l í n e a l a p o d e m o s c l a s i f i c a r principalmente por su forma estructural (recta y curva). A su vez la línea recta se puede clasificar por su posición en el espacio, (vertical, horizontal e inclinada); por sus relaciones entre sí y por su calidad de trazo.

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Línea recta

u

P or s u f o rm a

ctural u r t es

Línea plástica

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Forma estructural de la línea Siempre que trazas líneas en tus dibujos, no importando la forma o el instrumento con que la realices, lo haces en forma automática y sin detenerte a pensar que la línea tiene una forma de ser construida propia de ella, a esta forma la llamaremos forma estructural de la línea. Y sólo puede ser de dos maneras: recta y curva.

a. Línea recta La línea recta, geométricamente se puede definir como: "un conjunto de puntos alineados o un punto en movimiento que mantiene la misma dirección y sentido".

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Observa detenidamente los ejemplos que se te presentan en esta página, los primeros cuatro ejemplos fueron elaborados a mano alzada y los últimos dos se trazaron con escuadras.

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La Línea

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b. Línea curva Podemos considerar la línea curva como un punto en movimiento que constantemente se desplaza en un mismo sentido, pero cambiando de dirección.

1. Líneas curvas concéntricas que se asemejan a remolinos o tornados.

2. Líneas curvas concéntricas que parecen tornados a partir de un mismo punto.

Este tipo de ejercicios, a simple vista te parecerán complicados de realizar, pero todos se basan en el mismo principio: desarrollo de líneas siguiendo un juego de paralelismo, que varía según el trazo de cada nueva línea que se realice, siguiendo el ritmo natural que va tomando cada evolución. Es necesario que el trazo de cada línea sea independiente y que, de ser posible, no se toque con el anterior. El acercamiento de las líneas crea un efecto visual de zonas oscuras y el distanciamiento, crea zonas de claridad, que es el recurso del que nos valemos para lograr el efecto deseado en el diseño.

4. Líneas curvas parten de puntos previamente establecidos en el formato.

5. El mismo ejercicio que el anterior, resuelto por otro alumno con las variantes que cada uno le imprime, según su destreza y cuidado en la realización.

6. El mismo ejercicio que los anteriores, resuelto en forma de bandas que van de un punto a otro en diferente color, finalmente se realizaron las líneas del fondo.

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La Línea

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3. Líneas curvas ondulantes con dirección diagonal al formato de dibujo.

En esta página encuentras varios ejemplos realizados por alumnos de tu misma edad, quienes resolvieron los ejercicios de diferentes maneras.

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Con la línea recta podemos desarrollar ejercicios muy sencillos donde se trata de llenar el espacio valiéndose de la línea y sus relaciones entre sí. Como el trazo de líneas rectas paralelas, líneas convergentes, divergentes y quebradas. Realiza cada uno de los ejercicios de esta página utilizando lápiz. Cuida la limpieza y el trazo de la línea en la ejecución y traza líneas que en forma gradual llenen el espacio en blanco, a partir de la línea dada.

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La Línea

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Para realizar los ejercicios 3 y 4, traza líneas onduladas que atraviesen el área de trabajo horizontalmente, acomodando sus evoluciones a los obstáculos que presentan las formas dadas.

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La Línea

Educación Plástica 1


Competencias temáticas • Reconoce y comprender claramente las características que identifican los elementos geométricos. • Saber identifica las diferentes figuras geométricas planas. • Conocer la realización de los trazos geométricos elementales. • Desarrollar la habilidad de construir las figuras geométricas básicas. • Reconocer la importancia de la aplicación de los diferentes tipos de simetría. • Desarrollar la creatividad personal con la aplicación de las técnicas de la mancha.

Desarrollo En las unidades anteriores aprendiste a utilizar los elementos que generan la longitud: punto y línea. En esta unidad surge una nueva dimensión, el ancho, y con ella un nuevo concepto de extensión más aproximado a la realidad natural, pues la asociación de longitud y profundidad determinan la superficie o área de un cuerpo. En general, el área es la medida de una superficie comprendida dentro de un perímetro, o sea una superficie limitada por líneas que constituyen su contorno o perímetro.

"Corrida". Pintura del Maestro Picasso.


Obras del Artista

Carlos Mérida

Carlos Mérida (1891- 1984). Nació el 2 de diciembre en Ciudad de Quetzaltenango, Guatemala. Sus orígenes son maya-quiché.

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Pintor, escultor y artista plástico. A través de su vida profesional entre Guatemala y México, desarrolló su arte en un estilo europeo, y más tarde en un estilo precolombino. En 1927 viajó a París, donde estuvo más de dos años y tuvo contacto con Paúl Klee, Miró y las nuevas corrientes artísticas; como resultado de ello desarrolló una etapa marcada por la abstracción en la forma y sus raíces mayas en los temas. Mérida siempre estuvo orgulloso de su ascendencia maya-quiché y española. Alternó la realización de murales para México y Guatemala, en los que dominaban motivos abstractos y constructivos, en un estilo que llamó materialismo geometrizante. Observa como utiliza figuras geométricas para la construcción de sus obras en las que logra una armonía de formas y colores que las hacen obras maestras de la plástica Guatemalteca. Carlos Mérida falleció en Ciudad de México el 21 de diciembre de 1984. Carlos Merida. El mural "Seguridad Social" Ubicado en el edificio central del IGSS, Guatemala.

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El Área

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El área es el tercer elemento básico de las Artes Plásticas, y se utiliza para representar las formas en él. Para poder trabajar sobre el área, debemos limitar una porción de superficie con un contorno cerrado, el que se convierte en el soporte sobre el cual desarrollaremos nuestros diseños. Las áreas se pueden llamar también figuras y dependen de la forma originada

por el contorno cerrado. Existen muchos tipos de áreas, pero su tamaño siempre será lo suficientemente grande como para no ser un punto. Según su forma, se pueden distinguir dos tipos de áreas, las geométricas, de formas regulares (triángulos, cuadrados, círculos, etc.) y las áreas artísticas o sea formas libres o también llamadas irregulares.

Te la presentamos...

El área

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El área es una porción de superficie limitada por un contorno cerrado.

3. Funciones

2. Tipos

1. Definición

Área geométrica

Área gráfico-plastica

Soporte

El área, es una sujeción de líneas yuxtapuestas, es decir, líneas paralelas trazadas una junto a la otra que dan origen a una superficie bidimensional e infinita en todas sus direcciones.

El área es la porción de soporte limitada por un contorno cerrado de dos dimensiones, que se utiliza para representar las formas artísticas, con diferentes técnicas de puntos, líneas colores y texturas.

E s l a s u p e r f i c i e s o b re la que dibujamos y se denomina soporte. El área como soporte puede tener diferente forma: cuadrado, rectangular, redondo, etc. y se le puede colocar en diferente posición: horizontal, vertical o inclinada.

Estructura el diseño La forma del área o soporte condicionan el diseño en cuanto a la colocación de las formas dentro de él. Así antes de iniciar un trabajo, debemos pensar en las formas naturales o artificiales que vamos a trabajar, y después diseñar la colocación de todos los elementos en el soporte.

La Línea de Kandinsky

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El Área

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¿Sabes que es el área? Desde el punto de vista geométrico, es una sucesión de líneas yuxtapuestas, es decir que, al colocar líneas paralelas trazadas una junto a la otra originan el plano, el cual es una superficie bidimensional (dos dimensiones alto y largo) infinita en todas sus direcciones. Y para poder trabajar sobre ella como área, limitamos su forma con un contorno. De manera que resumiendo podemos decir que, área es una porción de superficie limitada por un contorno cerrado. Y además según sea su forma, se pueden diferenciar dos tipos de áreas, las geométricas, de formas regulares (triángulos, cuadrados, círculos, etc.) y las área artísticas, de formas libres e irregulares.

1. El trazo de líneas paralelas unidas entre sí generan una superficie bidimensional.

2. A la superficie generada por las líneas paralelas yuxtapuestas, es a lo que denominamos como área.

3. Al trazar un contorno cerrado tomamos una porción de superficie con una forma definida y de manera que creamos una figura o área.

Al igual que el compás, las escuadras son parte de los instrumentos de dibujo de precisión, y son muy útiles para trazos y figuras geométricas. Son de dos clases pues sus ángulos son diferentes: una es de dos ángulos iguales de 45°y un ángulo de 90°, la otra tiene sus ángulos diferentes uno de 30°, uno de 60° y el otro de 90°.

Para trazar rectas horizontales se debe hacer coincidir la hipotenusa de la escuadra de 45°, con la línea de referencia horizontal de la hoja y apoyar en ella el otro cateto de la escuadra 30°/60°, se sujeta con las yemas de los dedos fuertemente la escuadra base para que la escuadra de trazado pueda desplazarse fácilmente.

Para trazar rectas verticales, colocar la escuadra

Apoyar la escuadra de trazado sobre uno de los bordes de la otra, se sujeta con las yemas de los dedos fuertemente para que la escuadra de trazado pueda desplazarse fácilmente.

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El Área

de trazo coincidiendo con la dirección de línea que se necesita y con el cateto de la escuadra de apoyo, se sujeta fuerte la escuadra de apoyo y desliza la escuadra de trajo hasta donde se requiere el trazado de las rectas verticales.

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Manejo de escuadras


El área geométrica Las superficies limitadas por líneas, son bidimensionales y se llaman figuras planas. Algunas de estas figuras ya las has estudiado con anterioridad en otros cursos, por lo que sólo realizaremos un repaso breve sobre las que te servirán en el desarrollo del área gráfico-plástico. Pero antes, es importante que aprendas tres procedimientos muy útiles para la realización con exactitud de las mismas, como son:

a. División de una línea recta en partes iguales Sobre el extremo A de la recta dada AB, traza una recta auxiliar AA’; la cual debes dividir con tu regla graduada, en el número de partes que desees (en este caso nueve). Luego se une 9 con B y trazas lineas paralelas a este segmento, por los demás puntos (8,7,6,5,4,3,2,1), consiguiendo así la división exacta buscada.

División de una línea recta en partes iguales

Paso 1

Paso 2

a’

a

b

a’

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Paso 3

a’

1

a

2

b

Las rectas perpendiculares, las puedes trazar con las escuadras; pero suelen darse ocasiones en las cuales es necesario realizarlas con instrumentos.

Paso 4

1

a

Trazo de rectas perpendiculares

Educación Plástica 1

2

b

a’

b. Trazo de rectas perpendiculares

1

a

2

b

Debes prolongar la recta dada AB, hacia el lado izquierdo hasta A’, a partir de A. (paso 1). Luego haciendo centro en el punto A y utilizando el compás con una abertura menor a AB, describe un arco para obtener los puntos 1 y 2. (paso 2). Desde estos puntos y con un radio mayor que A2, traza dos curvas formando la intersección 3. (paso 3). Uniendo 3 con A, obtienes la recta perpendicular a AB. El Área

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Trazo de figuras geométricas planas a. Trazo del triángulo equilátero Si tienes un segmento de recta AB que es la base del triángulo y el radio de longitud AB, debes hacer centro en los puntos A y B respectivamente, y trazar dos arcos que se intersecten en el punto C. Seguidamente, por los puntos AC y BC, traza dos lineas rectas obteniendo así el triángulo equilátero.

b. Trazo de triángulo isósceles Si tienes la recta AB como la base del triángulo y un radio de longitud mayor o menor que AB, haz centro en los puntos A y B, respectivamente, y traza dos arcos que se intersecten en el punto C.

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Por los puntos AC y BC, traza dos lineas rectas, obteniendo así el triángulo isósceles.

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El Área

Educación Plástica 1


Competencias temáticas • Reconoce la importancia de la perspectiva y su aplicación en el dibujo. • Realizar figuras geométricas, pisos y objetos en perspectiva frontal. • Aplicar los conocimientos adquiridos para realizar la proyección de un arco en perspectiva frontal.

Desarrollo En el aprendizaje de la unidad temática anterior, se desarrolló la comprensión de la forma en el espacio de dos dimensiones, que denominamos como área. En esta nueva unidad, surge un nuevo concepto de dimensión, la profundidad, y con ella se completa la extensión espacial, pues la asociación de longitud, ancho y profundidad determinan el volumen real de un cuerpo. La perspectiva lineal es un tipo de dibujo basado en esquemas, que busca de alguna manera representar la forma natural de ver las cosas; la perspectiva lineal es una abstracción, una elaboración cultural que ha pasado a lo largo de la historia por diversas etapas de desarrollo antes de adoptar la forma actual.


Obras del Artista

Hugo Godínez Solórzano

Hugo Lizandro Godínez Solórzano (1975-).

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Nació en la Antigua Guatemala, y a los 22 años, se introdujo al grupo de paisajistas de Antigua. Estaba sobre todo fascinado a la técnica de la acuarela y en 1998, junto su amigo Jorge Morales abrieron la galería “Coky y Cuko” en su ciudad de origen. La galería se estableció con éxito y es un componente importante de la sociedad de arte de Antigua. Se especializó en paisajes y botánica, teniendo una formación continua de dibujo de plantas en la Schule für Gestaltung en Berna. Sus pinturas se han expuesto en los Estados Unidos, Guatemala y en Suiza. El artista vive actualmente en Berna, Suiza.

112 La Perspectiva

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Ya sabes que la realidad es tridimensional, es decir, cualquier objeto de tu alrededor, una silla por ejemplo, tiene tres dimensiones, esto es, tiene una altura, un ancho y una profundidad. La perspectiva como posibilidad expresiva del dibujo y la pintura, visualmente rompe la superficie de trabajo y representando una profundidad inexistente y

consigue que los cuerpos destaquen con relieve visual, en la superficie plana del cuadro, dando la impresión de formas reales en nuestra representación, sean imágenes reproducidas de formas reales (figuras humanas, edificios, o cualquier objeto), o invención de formas imaginarias.

Te la presentamos...

La perspectiva 1. Definición

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Perspectiva es el método que nos enseña a representar sobre un plano de dos dimensiones, las tres dimensiones de un modelo, con la ilusión óptica de la realidad misma del objeto en el espacio.

3. Funciones

2. Tipos Perspectiva lineal

Pespectiva artística

Perspectiva lineal

Pespectiva artística

Es la perspectiva basada en esquemas, es una abstracción de la realidad, una elaboración lineal, que busca la veracidad en la relación entre el dibujo y el modelo y no es la forma natural de ver las cosas.

La perspectiva artística no se basa en números y medidas precisas, el artista no se conforma con la apariencia abstracta y esquemática de la perspectiva técnica, sino que su objetivo es que lo representado se asemeje a la realidad.

La función primordial de la perspectiva lineal es construir un modelo a escala de la realidad, de manera que se pueda deducir las medidas reales del modelo a partir de las medidas del dibujo.

La función de la perspectiva artística, es ser el esqueleto de otros valores artísticos, como la forma, el color, el sombreado, etc. que se le superponen.

Vista parcial de la pintura de la Calle de las Campanas Antigua, del Maestro Hugo Godínez Solórzano.

Educación Plástica 1

Calle de Salama, pintura del Maestro Ernesto Boesche.

La Perspectiva 119


La perspectiva Cuando te detienes en la calle y observas a todo lo largo las casas de uno y otro lado, parecen juntarse, pero estas en la realidad guardan una distancia similar y que por lo general son paralelas. Analiza con detenimiento la fotografía de la izquierda y observa que las paredes de las edificaciones a uno y otro lado de la calle, que en la realidad son paralelas, en la imagen se presentan con formas convergentes, o sea que se dirigen a un mismo punto. Lo mismo ocurre con los bordillos de las banquetas, las hiladas de piedra de la calle, los postes de la luz eléctrica, las cornisas y los voladizos de los techos de las casa. Las puertas y ventanas se ven cada vez más pequeñas, cuanto más se alejan de nosotros, siendo en la realidad de un mismo tamaño. Este hecho no es casual, sino que está relacionado con una serie de reglas óptico-lineales que se denomina perspectiva cónica, porque las líneas de profundidad forman la forma de un cono.

Fotografía de la 4a. Av. Norte de Antigua Guatemala, en donde se aprecia como a lo largo de la calle y con la distancia ésta parece irse estrechando cada vez más, las casas de un lado y de otro parecen ir juntándose y empequeñeciendo con la distancia hasta desaparecer en la lejanía.

Esquema de la fotografía superior, en la que se han eliminado los colores dejando solo las líneas principales, para que se aprecie como a lo largo de la calle y con la distancia ésta parece irse estrechando cada vez más, las casas de un lado y de otro parecen ir juntándose y empequeñeciendo con la distancia hasta desaparecer en la lejanía.

120 La Perspectiva

Educación Plástica 1

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En esta unidad de estudio conocerás las nociones intuitivas y las reglas básicas que te ayudarán a dibujar en un plano la realidad tridimensional que observas.


El horizonte La línea del horizonte es una línea imaginaria que siempre deberá tenerse en cuenta al dibujar, y que estará siempre a la altura de nuestros ojos; de tal manera que si te recuestas en la playa, la línea de horizonte baja con tus ojos, y notarás como la visión que tienes del mar se convierte en una franja estrecha, figura 1. Si te pones de pie en la playa, todo seguiría igual ante ti, pero la diferencia será que la línea del horizonte “subirá” y seguirá estando a la altura de tus ojos, teniendo una vista más amplia del mar, figura 2.

Figura 1

Pero cuando te colocas en las rocas cercanas al mar en una posición mucho más elevada, la visión que obtienes de éste, es sumamente más amplia, pues la línea del horizonte ha ascendido a la altura de tus ojos, proporcionándote una vista más panorámica, figura 3. Debes de comprender este fenómeno que no es tan complicado como pareciera, porque es la base de la representación de todo dibujo en perspectiva.

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Así que, una vez tenemos claro lo que es la línea de horizonte, y para qué sirve ésta a la hora de dibujar; ya que todas las cosas (casas, árboles, personas, etc), deberán dibujarse siempre teniendo en cuenta esta línea imaginaria.

Figura 2

Educación Plástica 1

Figura 3

La Perspectiva 121


Proyecciones hacia un punto

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El proyectar letras o figuras hacia un punto, es un ejercicio de preparación previo a entrar en el conocimiento de la perspectiva, ya que con él te empezarás a ejercitar en las proyecciones hacia un punto, de manera muy libre y sin la rigurosidad de las reglas de la perspectiva, siendo de mucha utilidad y con resultados muy satisfactorios. Observa los ejemplos de la parte inferior y comprenderás el proceso de la proyección hacia un punto.

Figuras proyectadas hacia un punto de fuga

122 La Perspectiva

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En el espacio a tu derecha desarrolla las letras o figuras en proyección hacia un punto de fuga. Puedes realzar un grupo de cuatro o cinco figuras, o bien escribe tu nombre con letras tipo block como las que se presentan en el ejemplo y píntalas a tu gusto.

Educación Plástica 1

La Perspectiva 123


Criterio*

Heteroevaluación

Indicadores

Autoevaluación Necesita mejorar

Coevaluación

Satisfactorio

Creatividad Manejo de instrumentos/Técnica Limpieza Composición Armonía de color Presentación Exactitud

Nota final

Excelente


Competencias temáticas • Comprende y reconoce claramente las características que identifican claroscuro. • Reconocer la diferencia entre lo que es un volumen representado y un volumen real. • Reconoce la importancia del claroscuro en diversos campos de expresión, tanto práctico como artístico. • A n a l i z a Cl a ro sc u ro c o m o e l em en t o constructor de efectos visuales relacionados con la expresión artística. • Utiliza la creatividad personal con la aplicación de diferentes técnicas del claroscuro.

Desarollo Existen dos factores que intervienen en el claroscuro: la luz y la sombra. Y el objetivo de esta unidad didáctica, es el estudio de la luz y la sombra para poder reproducir, en nuestros dibujos, aquellos efectos que observamos en la superficie de los objetos como consecuencia de la incidencia de la luz, para que tal representación adquiera una mayor naturalidad y produzca el efecto visual de lo tridimensional.


Obras del Artista

Ernesto Boesche Rizo

Ernesto Boesche Rizo (1936-).

Por su labor docente durante el tiempo que fungió como Director de la Escuela Plásticas de Guatemala de 1986 a 1994, se le otorgó, por parte de la Dirección General de Bellas Artes, el título de Maestro de Arte. Es consultor y colaborador del Taller Experimental de Pintura y Escultura de Baja Verapaz. La Escuela Regional de Arte de Cobán lo homenajeó poniéndole su nombre. Así mismo, ha hecho dibujos para medallas y monedas, como las de la Fundación del Centavo (temas de la fundación de Santiago de los Caballeros, el Hermano Pedro, la primera visita del Papa) y la conmemoración de la Paz, para Misiones, S.A. 136 El Claroscuro

"Calle de Salamá, 1954" es su primer óleo al natural

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Nació en Salamá, Baja Verapaz. Realizó estudios en la Escuela de Artes Plásticas de Guatemala, en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando y el Círculo de Bellas Artes de Madrid España. Es presidente honorario vitalicio de la Asociación Sábados Culturales.


En un dibujo el contorno del objeto es lo que facilita su identificación. La línea es lo que le separa del fondo y delimita su forma, pero para que un objeto no aparezca plano es necesario modelarlo para que adquiera volumen y por tanto el efecto óptico de la tridimensionalidad que es lo que finalmente hará creíble al objeto dibujado. El volumen de un objeto

dibujado viene dado por las sombras que la iluminación produce en el objeto y en su entorno real, por eso es imprescindible tener una idea básica del efecto de luces y sombras conocido comúnmente como claroscuro, esta técnica permite crear efectos de relieve y modelado de las formas, a través de la representación de gradación de tonos de luz y sombra.

Te lo presentamos...

El claroscuro 1. Definición

Claroscuro en blanco y negro

Claroscuro a color

Claroscuro en blanco y negro

Claroscuro a color

Cuando los valores de color están dados por el empleo del blanco y del negro, la claridad significará el blanco y la oscuridad significará el negro, las variaciones entre el blanco y el negro serán los grises.

El valor es una propiedad de los colores y se refiere a los contrastes entre estos, al someterlos un proceso de degradación, que no es más que someter un color a la combinación progresiva del blanco hasta aclararlo totalmente, o a la combinación también progresiva del negro hasta oscurecerlo totalmente.

Su función es representar por medio de alguna técnica gráfica las zonas de luz y sombra que se definen al iluminar un modelo y sustituir los valores de los colores, de tal manera, que a cada tono de color le corresponde un gris dentro de una gama de grises que va del blanco al negro.

En la naturaleza todo es color y nada se nos presenta en blanco y negro; la función del claroscuro a color es plasmar los diferentes colores y sus tonos en un proceso de degradación que no es más que someter un color a la combinación progresiva del blanco hasta aclararlo totalmente, o a la combinación también progresiva del negro hasta oscurecerlo totalmente.

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El claroscuro es la representación de la luz y de la sombra, por medio de gradaciones tonales, que nos permite tener una percepción tridimensional de un cuerpo a través del dibujo o la pintura.

3. Funciones

2. Tipos

Educación Plástica 1

El Claroscuro 141


Luz y sombra Los objetos tienen un relieve que hace que podamos distinguirlos del fondo cuando son iluminados, debido al contraste entre las superficies en luz y las superficies en sombra, o entre superficies con diferente iluminación. La modificación de las condiciones de la luz que cae sobre el objeto, junto con los diferentes ángulos de incidencia de la luz, produce las diferencias de iluminación y el debido contraste que nos permite ver claramente el objeto. La energía luminosa reflejada por la superficie en la que incide es modulada según las características de esa superficie: el color y la textura. Un cuerpo en oposición al foco luminoso produce sombra, o sea que al ser éste opaco no deja pasar la luz través de él, proyectando su imagen sobre la superficie que lo sustenta.

Al iluminar un modelo se produce la sombra en el lado opuesto al que recibe la luz. Al mismo tiempo, el cuerpo iluminado proyecta sombra sobre la superficie en que se halla.

Luz directa e indirecta La luz, ya sea natural o artificial se puede utilizar en forma directa o indirecta. La luz directa es la que ilumina al objeto en una forma plena dando como resultado luces muy brillantes y sombras muy oscuras; las sombra intermedia o grises son de un desarrollo corto y pasan de la luz intensa a la sombra rápidamente. Este tipo de luz directa regularmente es artificial y va dirigido directamente al objeto (ejemplo 1), o bien, puede ser natural, cuando proviene del sol. La luz indirecta es la que ilumina al objeto de una manera difusa, suave y con muy poca diferencia entre las luces y las sombras (ejemplo 2); en general, el objeto se presenta en una gama de grises de un desarrollo largo y de contrastes atenuados. Luz indirecta: el objeto se presenta en una gama de grises con muy poco contraste.

142 El Claroscuro

Luz directa: luces muy brillantes y sombras oscuras.

Educación Plástica 1

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A este fenómeno de gradaciones tonales, de luz y sombra, que se produce en un cuerpo, se le llama claroscuro.


Posición y dirección de la luz La dirección de la luz en que un cuerpo la recibe, determinan la visibilidad con que percibimos su forma, su textura y su color. Dependiendo del ángulo en que reciba la luz podemos establecer varias formas básicas de iluminación: Luz frontal Al iluminar tu objeto con una luz frontal, éste pierde volumen y profundidad ya que la luz queda de frente y todas las sombras detrás.

Luz Frontal

Luz Frontal-Lateral

Luz frontal-lateral Esta es una de las mejores soluciones para iluminar tu objeto ya que la luz llega desde un ángulo más o menos de 45°, creando luces y sombras suficientes para apreciar el volumen y la profundidad de éste.

Luz lateral Bajo esta posición de la luz, el objeto queda iluminado desde uno de los lados creando una zona de sombra mayor o similar que la de luz. Cuando el ángulo de incidencia de luz es de aproximadamente 45º, se obtienen resultados muy satisfactorios, creando luces y sombras suficientes para apreciar el volumen y la profundidad de éste.

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Luz desde arriba

Luz lateral

Educación Plástica 1

Luz desde arriba

La iluminación desde arriba permite contrastes entre luz y sombra, así como matizaciones entre diferentes partes de la sombra, pero dependiendo de la forma del objeto, puede producir sombras alargadas que se proyecten hacia abajo deformando la percepción del mismo.

El Claroscuro 143


Luz desde abajo Esta forma da un volumen irreal, ya que altera la apariencia del objeto y produce grandes contrastes entre las zonas de luz y sombra, produciendo una sensación fantasmal, debido a que se crean sombras muy alargadas hacia arriba.

Contra luz Si utilizas esta forma de iluminación, el volumen de tu objeto se ve afectado, tendremos dificultad de apreciar sus detalles, el color y las texturas de las superficies, pues éste queda iluminado sólo por atrás, quedando en sombra o poco iluminados, todos los planos visibles. Luz desde abajo

La sombra

Contra luz

La sombra es la oscuridad producida por la ausencia de luz. Existen dos tipos: las som­bras de borde cortado y las sombras de borde esfumado.

Sombras de borde cortado En este tipo de sombra, los objetos tienen cambios bruscos de la luz a la sombra y se pueden observar en los cuerpos con superficies planas que forman aristas, como las figuras del cubo, a pirámide el hexaedro, el prisma, etc.

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Sombras de borde esfumado Se obtienen cuando el cambio de la luz a la sombra se produce gradualmente, dando lugar a una variedad de grises intermedios. Las sombras de borde esfumado, las puedes observar en objetos de superficie curva, como la esfera, el cono, el cilindro, etc. Sombras de borde cortado

144 El Claroscuro

Sombras de borde esfumado

Educación Plástica 1


En las figuras de la derecha deberรกs localizar el punto de donde proviene la luz, marcรกndolo como se te indica en el ejemplo inferior y anotando el nombre que recibe.

Luz lateral

Educaciรณn Plรกstica 1

El Claroscuro 145


En las figuras de la izquierda deberรกs localizar el punto de donde proviene la luz, marcรกndolo como se te indica en el ejemplo inferior y anotando el nombre del tipo de sombra que recibe.

Sombra de borde esfumado

146 El Claroscuro

Educaciรณn Plรกstica 1


Competencias • Comprender el modo en que percibimos los colores y la descomposición de la luz solar en espectro. • Comprender y diferenciar el comportamiento del color-luz y del color-materia y de sus respectivas mezclas aditivas y sustractivas. • Descubrir usos y significados de los colores en el entorno cotidiano y en la sociedad actual. • Explorar y comprender las posibilidades expresivas de los colores en relación con las emociones subjetivas que denotan. • Analizar y apreciar el uso expresivo del color en la obra artística nacional, como parte sensibilización personal.

Desarollo En el aprendizaje de ésta unidad didáctica, se estudia la luz como elemento generador del color, diferenciando entre color-luz y colormateria, su clasificación y cómo se obtienen sus mezclas. También se exponen y analizan las cualidades térmicas del color. Así como el color como elemento visual de configuración, centrando la atención en la riqueza cromática de la naturaleza y en las obras de los pintores guatemaltecos.


Obras de Artista

Hugo González Ayala de la Acuarela, Premio Único, Certamen “Arturo Martínez”; Glifo de Oro, Bienal de Arte Paiz –Opción Realista. Desde 1987 imparte cátedras de pintura en la Escuela Nacional de Artes Plásticas “Rafael Rodríguez Padilla”.

Hugo González Ayala (1954-). Nació en la Ciudad de Guatemala y realizó estudios en la Escuela Nacional de Artes Plásticas “Rafael Rodríguez Padilla” y en la Liga de Estudiantes de Arte en New York, Estados Unidos. Luego de una larga y brillante trayectoria como paisajista realista, Hugo González Ayala crea un estilo propio.

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Ha participado en numerosas exposiciones colectivas a nivel nacional e internacional, entre ellas: Club Rotario, Juanio, Arte por la Vida, Comité del Lago de Amatitlán, etc. También representó a Guatemala en Cagnes-Sur-Mer, Francia (1989); Centro de Convenciones de San Cristóbal de las Casas y Galería Rodal de Occidente, Guadalajara, México; Plástica Contemporánea Guatemala, Houston, Texas (1984); Galería O.E.A. Washington, Estados Unidos (1997); Encuentro Centroamericano, Galería Nacional, San Salvador. Ha obtenido numerosos premios a nivel nacional, entre ellos; Primer y Segundo Premios en el Salón Nacional 156 El Color

Educación Plástica 1


El color es el tercer elemento tangible del lenguaje visual, ya que se percibe de manera precisa por el sentido de la vista, debido a componentes químicos y físicos que poseen los elementos que componen los cuerpos de los objetos inertes y vivos. Gracias a ésta propiedad vemos los colores, los que aparte de aportar información visual, expresan estados anímicos y emociones de muy concreta significación

psíquica que afectan nuestros sentimientos y emociones. También nos producen sensaciones térmicas y así decimos “colores cálidos” y “colores fríos”. De la misma manera los colores siempre se han asociado con un significado simbólico cultural, así como con un simbolismo patriótico y practico en la sociedad. Te los presentamos...

El color 1. Naturaleza

3. Funciones

2. Propiedades

Color luz

Color pigmento

Tono

Valor

Es un fenómeno físico producido por la descomposición de la luz, la que, al incidir en la retina de los ojos como rayos luminosos reflejados por los cuerpos producen la impresión de color.

Son sustancias coloreadas, que poseen diferentes composiciones químicas y físicas, que hacen que éstas sean capaces de absorber determinadas longitudes de onda lumínica y de reflejar otras.

El matiz es la propia cualidad que distingue un color de otro color.

Es la variación de luminosidad hacia el blanco o el negro de un color.

Saturación La saturación de un color radica en su pureza de pigmentación.

Atraer la atención

Valor Expresivo

Las imágenes con color suscitan siempre interés. El color elemento muy eficaz para llamar la atención.

Los colores afectan sentimientos, emociones, y tienen una significación psíquica.

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El color produce impresiones.

Descomposición de la luz a través de un prisma.

Absorción de la luz y reflexión de los colores que vemos.

Educación Plástica 1

Colores primarios saturados por sus complementarios.

Primarios

Secundarios

Cálidos

Fríos

El color transmite estados de ánimo y sentimientos.

El Color 155


¿Qué es el color?

Violeta

Muchas veces habrás observado que luego de la lluvia se forma un arco iris en el cielo en dirección opuesta al Sol. Lo que ocurre entonces es que la luz del Sol penetra en cada gota de lluvia descomponiéndose en luz de diferentes colores, formando lo que se llama espectro de colores, que es lo que percibe nuestro ojo. Isaac Newton en 1665, fue el que por primera vez realizó el experimento de descomponer la luz, haciendo pasar un rayo de luz solar a través de un prisma (que es una pequeña pirámide hecha de cristal) y demostró que, la luz blanca cuando es descompuesta produce diferentes radiaciones, y éstas son lo que llamamos colores. El conjunto de estas radiaciones es lo que constituye el espectro que consistente en siete colores: rojo, naranja, amarillo, verde, azul, índigo y el violeta (el índigo no se toma en cuenta en nuestro estudio, por considerarse una variante del azul).

Indigo

Azul

Fotografía donde se observa el arco iris, que se forma por la descomposición de la luz solar, cuando atraviesa las gotas de lluvia.

Verde

Amarillo

Rojo

Esquema de un prisma refractor de cristal donde se representa la descomposición de la luz (blanca) en el espectro luminico compuesto por siete colores.

156 El Color

Colores que forman el arco iris que son los siete colores que el ojo humano es capaz de ver cuando se produce la descomposición de la luz. Se puede observar el orden en que se producen los colores que van desde el color rojo al violeta pasando por todos los demás.

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Naranja


¿Porqué vemos diferentes colores? Esto se debe a que los objetos tienen la propiedad de absorber determinadas ondas lumínicas y rechazar otras, el color que percibimos de un objeto es la onda lumínica que rechaza. Así, un objeto es rojo porque absorbe las ondas azules y amarillos y rechaza las rojas y por tanto para nuestros ojos es de color rojo. Si este absorbe las ondas rojas, y rechaza las azules y amarillas, será de color verde. Las superficies de objetos de color negro absorben todos los colores, y las superficies de los objetos blancos, reflejan todas las andas de colores. Manzana roja Zapato rojo

Tomates rojos

Color rojo, al nombre del objeto le agregamos el distintivo del color

Entonces podemos decir que, el color es la impresión producida al incidir en la retina del ojo las ondas electromagnéticas o rayos luminosos, difundidos o reflejados por los cuerpos y que nuestro cerebro diferencia e interpreta como colores. A estos “colores” los llamamos de diferente manera para diferenciarlos y algunos toman el nombre de los objetos o sustancias que los producen o bien que los representan naturalmente; así decimos color naranja, mandarina, crema, salmón, aguacate, etc. o bien al nombre del objeto le agregamos el distintivo del color para diferenciarlo de otros como: manzana roja, manzana verde, manzana amarilla; tomate rojo tomate verde; zapato café, zapato negro, etc.

Naranja Vehículo naranja

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Pez naranja

El color enriquece nuestra vida. Éste está presente en prácticamente todo lo que hacemos y lo que nos rodea.

Color naranja, el color toma el nombre de un objeto y otros objetos toman el nombre del color El esplendor de la Naturaleza se manifiesta permanentemente en un sinfín de colores que lucen por doquier, multiplicándose sin cesar.

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El Color 157


El experimento de Newton de fácil elaboración para experimentar la recomposición de los colores. Con este experimento no obtendrás el color blanco, pero si una mezcla óptica de colores, obteniendo como resultado un color visual diferente a los colores pigmento usados al pintar el disco.

El “Disco de Newton” con una disposición de tonos de colores y a una velocidad adecuada logra acercarse a la recomposición de la luz, o sea que genera lo más parecido al color blanco, que es lo más cercano a la luz en su representación.

Para comprobar su experi­mento, Isaac Newton realizó lo que él llamó «El disco de Newton», el que consiste en un círculo con los colores del arco iris, el cual se hace girar a una gran velocidad sobre su centro logrando la recomposición de la luz blanca. Con esto Newton comprobó que la unión de los colores da el color blanco, pero solo cuando se hacen girar a gran velocidad y los colores quedan dispuestos en un orden específico, pues normalmente se produce un gris oscura. Este es un experimento muy interesante y fácil de realizar, te recomendamos hacerlo y te divertirás con los compañeros de clase haciendo girar el círculo. Es recomendable que coda estudiante o grupo de alumnos realice el círculo con diferentes colores para obtener resultados diferentes.

¿Cómo hacer un disco de Newton?

Una vez que tengamos listo el disco de Newton lo pegamos al CD o DVD con ayuda de pegamento, evitando que quede aire atrapado dentro del papel donde hemos hecho el disco de Newton, la idea es tener una superficie completamente lisa con los colores hacia un lado del disco. Con la estructura hecha, es momento de hacer girar el disco para observar el efecto óptico. Para ello, colocamos una canica en el centro del CD hasta que ajuste y lo hacemos girar rápidamente, veremos que los colores formarán un solo color blanco que podemos ver mientras gira el disco de Newton. 158 El Color

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Lo primero que vamos a hacer, es dibujar el disco de Newton sobre el papel, adecuándolo al tamaño de nuestro CD o DVD, luego lo recortamos y con ayuda de una regla, dividimos el disco en 7 partes que pintaremos con los siguientes colores: rojo, anaranjado, amarillo, negro, azul claro, azul marino y marrón.


En una cartulina blanca, dibuja tres circunferencias según la muestra que se te presenta en esta página; después pégalas en un cartón grueso, de los que se usan en las cajas de empaque, recórtalas y píntalas según la muestra con los colores primarios; colocando un lápiz o una aguja capotera en su centro; luego los puedes hacer girar logrando una mezcla óptica de dos colores primarios, y como resultado obtendrás el color secundario correspondiente a la mezcla de dichos colores.

Educación Plástica 1

El Color 159


160 El Color Educación Plástica 1 Educación Plástica 1 © Editorial Kamar, S.A.


Competencias temáticas • Descubrir usos y significados de las texturas en el entorno cotidiano y en la sociedad actual. • Comprender y saber explicar el concepto de textura en el lenguaje visual. • Comprender la naturaleza de las texturas del entorno y en objetos de la vida diaria. • Ampliar las posibilidades de expresión a través del uso de texturas en realización de trabajos propios. • Utilizar la expresividad de las texturas en la creación de trabajos propios. • Apreciar el uso que los artistas hacen de la textura en sus obras.

Desarrollo En el aprendizaje de éste bloque se desarrollan la descripción conceptual y los aspectos perceptivos de la textura, así como las clasificaciones que se hacen de ésta, las que facilita su comprensión. Se expone también ampliamente las cualidades expresivas y simbólicas que se utilizan en artes plásticas de la textura. Se ejemplifica a todo lo largo del bloque con trabajos realizados por alumnos así como con fotografías e ilustraciones para estimular el hallazgo de la textura con fines expresivos, tanto en pintura, como en escultura y arquitectura. Por último, se indican técnicas apropiadas para la experimentación y realización de los trabajos propuestos.


Obras del Artista

Roberto Cabrera Padilla Fundó el estudio-taller Cabrera, donde realizó una labor de impulso y desarrollo de las artes plásticas en el país. Fue uno de los más destacados artistas de la Generación de 1960. Representó a Guatemala en diferentes eventos internacionales. Roberto Cabrera, conjuntamente con Marco Augusto Quiroa y Elmar Rojas, fundadaron el Grupo Vértebra (1969), de influencia decisiva en el arte guatemalteco de las siguientes tres generaciones. Ha recibido reconocimientos en Guatemala, Costa Rica, Brasil, Chile y España.

Roberto Cabrera Padilla (1939-2014). Pintor, escultor, grabador, crítico de arte e investigador, estudió en la Escuela Nacional de Artes Plásticas a mediados de la década de los cincuenta.

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El Maestro Cabrera es uno de los más polifacéticos artistas del medio guatemalteco, pues cuenta con una extensa obra pictórica, escultórica y de grabado; de igual manera, se dedica a la crítica y al diseño, entre otras muchas habilidades, ya que también ha trabajado en la investigación histórica y en la antropología, tanto en Guatemala como en Costa Rica. Experimentó con la técnica matérica, el collage y otros tipos de innovaciones plásticas. Su estilo era figurativo abstracto y sus técnicas se centraban en el óleo, tinta, matérico, grabado, xilografía, aguatinta, aguafuerte y litografía. En cuanto a sus temas, se incluían la figura humana, bodegón, temas sociales, históricos y de libre creatividad. 176 La Textura

Educación Plástica 1


La textura es una cualidad o característica propia de los objetos, podríamos decir que es como la piel de los cuerpos, es su límite exterior, lo que los separa del entorno. El término textura se refiere a la sensación que percibimos al tacto con el roce de un determinado material; siendo en esta acción el sentido del tacto, el principal vehículo o encargado de percibir la sensación

que identifica la textura, y que conjuntamente con la forma, el tamaño y el color, nos completa la información que recibimos por los sentidos del tacto y la vista, con la que identificamos plenamente los objetos.

Te la presentamos...

La textura 1. Definición

3. Por su persepción

Textura natural

Textura artificial

Textura táctil (tridimensional)

Textura visual (bidimensional)

Las texturas naturales son todas aquellas en las que el hombre no ha intervenido en su elaboración y las observamos en los seres vivos y formas de la naturaleza, los animales, las rocas y los vegetales.

L a tex t u ra a r t i f i c i a l s e encuentra en los productos fabricados por el ser h u m a n o c u a n d o u t i l i za materiales naturales o artificiales en su elaboración.

La textura táctil es aquella perceptible a través del tacto, tienen tres dimensiones, es decir, son corpóreas, se pueden tocar.

La textura visual se refiere a las texturas que imitan la realidad y no se pueden tocar, aunque sí nos evocan sensaciones al verlas.

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La textura es la sensación que produce la superficie de un objeto al ser percibido por el sentido del tacto y de la vista.

2. Por su origen

Educación Plástica 1

La Textura 175


Origen de la textura

La textura es el aspecto que presenta la superficie de un objeto que puede ser percibido por el sentido del tacto y de la vista. Las texturas por su naturaleza u origen podemos llamarlas como texturas naturales y texturas artificiales. Las texturas naturales son todas aquellas en las que el hombre no ha intervenido y las observamos en los seres vivos y formas de la naturaleza; así puedes observar el intrincado filigrana que forman la textura en la cascara de los melones (figura 1), o en la piel de un reptil como la iguana (figura 2).

Textura artificial

Las texturas artificiales las contienen todo producto fabricados por el ser humano, por la combinación de los materiales naturales o artificiales que utiliza en su elaboración y normalmente tiene un acabado exterior funcional y agradable al tacto y a la vista, como por ejemplo unos guantes de lana que además de ser agradables sirven para proteger del frío. Las tejas, por ejemplo, tienen su textura natural propia, pero al disponerlas ordenadamente siguiendo un diseño, forman una textura artificial como conjunto al convertirse en un techo. Textura blanda, sube, esponjosa. Las texturas las nombramos por las cualidades que presenta el objeto al sentido del tacto.

Percepción de la textura

La táctil es aquella perceptible a través del tacto y la visual se refiere a las texturas impresas que imitan la realidad.

Textura áspera, granulosa, dura, rocosa, agrietada. Al definir una textura se puede emplear más de un calificativo para tener una mejor visión del objeto. Textura pegajosa, viscosa, melosa. La característica de la sustancia define su textura.

176 La Textura

La superficie de todo objeto, no importando su procedencia, tiene una textura aunque muchas veces no la apreciemos a simple vista

Existen infinidad de texturas, tantas como seres y objetos existen en la naturaleza. Para poder identificarlas por lo general las nombramos por la sensación táctil que producen; así, hablamos de superficies suaves, ásperas, rugosas, lisas, aterciopeladas, granuladas, viscosas, sedosas, etc. Educación Plástica 1

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Toda superficie dispone de una textura que es identificada por nuestros sentidos a través de dos modos de percepción: el táctil y el visual.


Técnicas de Representación Como hemos visto, todas las cosas tienen algún tipo de textura y el hombre siempre trata de imitarlas en sus obras para que estas parezcan más reales. Puedes crear texturas en tus trabajos observando a tu alrededor y representándolas con diferentes técnicas; ya sea lápiz, pluma, hisopo, estarcido, etc.

Texturas con puntos Para crear textura de puntos puedes utilizar la técnica del estarcido, la pluma o los marcadores.

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Si observas en esta página, en dos de los ejemplos los artistas lograron con la técnica del estarcido, efectos de texturas muy interesantes y en el otro ejemplo, el artista logró captar la textura de piedra caliza de las esculturas precolombinas con puntos a tinta, utilizando rapidógrafo.

Educación Plástica 1

La Textura 177


Texturas con líneas En el dibujo, la utilización de la línea para crear texturas es un recurso del que constantemente tendrás que hacer uso.

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Para lograr un efecto de textura empleando líneas, éstas deben ser horizontales y verticales entrecruzadas, o bien líneas quebradas, onduladas, mixtas, hasta ritmos lineales siguiendo la forma del objeto.

178 La Textura

Educación Plástica 1


Competencias temáticas • Comprende y reconoce claramente las características que identifican la forma tridimensional o volumen. • Reconocer la diferencia entre lo que es un volumen representado y un volumen real. • Utiliza la creatividad personal con la aplicación de diferentes técnicas del volumen real. • Reconocer el valor estético y cultural de diversas representaciones escultóricas de Guatemala y de otros países. Desarrollo En éste bloque surge una nueva dimensión, la profundidad, y con ella se completa el concepto de extensión espacial, pues la asociación de longitud, ancho y profundidad determinan el volumen real de un cuerpo. Se desarrollarán los distintos métodos de representación del volumen como el claroscuro, el dibujo en perspectiva y el dibujo en proyecciones ortogonales. Y el volumen real, al realizar pequeñas esculturas en el que se utilizará los materiales que se tengan al alcance como medio de expresión.

"Bernal Díaz del Castillo". Escultura en bronce del Maestro guatemalteco, Rodolfo Galeotti Torres.


Juego de pelota maya, plaza Banco Industrial

Obras de Artista

Rodolfo Galeotti Torres su estilo artístico con la ideología política de los gobiernos de Arévalo y Arbenz, y de donde surge buena parte de su obra más representativa. A través de su carrera artística trata con su trabajo de plasmar figuras de personajes guatemaltecos destacados en diferentes partes del país. Su estilo es: realismo socialista (Escuela Mexicana), figurativo. Usando técnicas como: Talla directa y Fundición. El tema de su obra: figura humana.

Rodolfo Galeotti Torres (1912-1988). Escultor nacido en Quetzaltenango, uno de los más importantes exponentes de la escultura guatemalteca de siglo XX. Compenetrado de la necesidad de forjar nuestra identidad nacional, durante toda su carrera artística trabajó en temas que enaltecen a Guatemala: el héroe mítico, el hombre autóctono y una galería de personajes de nuestra historia.

Algunas de sus obras: Jugador Maya de pelota (bronce), Centro Financiero, zona 4, Guatemala; Tecún Umán y Monumento a la Marimba, Quetzaltenango; Manuel Tot, Cobán; Atanasio Tzul, Totonicapán.

Manuel Tot, Cobán

Monumento al Trabajo, Zona 5 Guatemala.

Fue Director de la "Academia de Bellas Artes", de 1947 a 1954 y, durante su gestión, se cambió el nombre a Escuela de Artes Plásticas. Introduce reformas y se instituyeron nuevas clases como la de Grabado y Talla, además se otorgaron becas internacionales, para contribuir a la formación de alumnos destacados. Con el triunfo de la Revolución, en 1945, trabajó en la Dirección General de Obras Públicas, en donde afianza 192 El Volumen

Tríptico de la revolución, escuela tipo Federación Guatemala

Atanacio Tzul, Totonicapán.

Tecún Humán, Quetzaltenango.

Educación Plástica 1

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De joven realizó estudios de escultura en Italia. Al regresar trabajó en el taller del escultor Rafael Yela Günther, como asistente, en obras que incluyen el Monumento al Trabajo, conocido popularmente como El Muñecón.


Ya sabes que la realidad es tridimensional, es decir, cualquier objeto de tu alrededor, una silla por ejemplo, tiene tres dimensiones, esto es, tiene una altura, una anchura y una profundidad. ¿Pero cómo percibimos esto? Nuestra vista distingue las formas y el color porque la luz reflejándose sobre ellos y nos permite identificarlos.

Las sombras, causa contraria de la luz, dan efecto de relieve a los cuerpos y ayudan a comprender la forma y el volumen. En el lenguaje visual con la palabra volumen se pueden entender dos aspectos o manifestaciones: un volumen representado sobre papel o lienzo por medio del claroscuro, el dibujo en perspectiva o las proyecciones ortogonales. Y un volumen real (como el de una escultura, un edificio, un mueble, etc.).

Te lo presentamos...

El Volumen 1. Definición

Volumen geométrico

Volumen artístico

Representado (bidimensional)

Real (tridimensional)

El volumen es una magnitud definida como el espacio ocupado por un cuerpo. Es una función derivada ya que se halla multiplicando las tres dimensiones.

El artista para representar el volumen aplica técnicas que sugieran la tridimensionalidad de los cuerpos y las distancias entre ellos, estas son: claroscuro, superposición y perspectiva.

La posibilidad expresiva a través del claroscuro, la pintura, la perspectiva y la fotografía, produce la impresión visual de tridimensionalidad, representando valores volumétricos que son propios de la escultura.

La escultura representa cualquier cosa real o abstracta en tres dimensiones (alto, largo y ancho o profundidad). Y es el arte de modelar, tallar o esculpir en barro, piedra, madera u otro material.

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El volumen es la medida que ocupa un cuerpo en el espacio, de manera que, dos cuerpos no pueden ocupar a la vez un mismo lugar.

3. Formas de volumen

2. Tipos

Educación Plástica 1

El Volumen 193


El Volumen A la medida espacial ocupada por los cuerpos es a lo que se llama volumen, de manera que cada cuerpo ocupa una porción de espacio y de ahí que dos cuerpos no pueden ocupar a la vez un mismo lugar. La realidad es tridimensional, vivimos en un mundo tridimensional. El espacio y todas las formas de la realidad tienen tres dimensiones: 1. La altura o longitud 2. La anchura 3. La profundidad Podemos además caminar por este espacio, cambiando el punto de vista y por lo tanto, transformando la forma aparente de los objetos. Los objetos cambiarán (en apariencia) su tamaño, si nos acercamos o nos alejamos.

El volumen lo podemos apreciar, como volumen real, cuando nos encontramos frente a una escultura, un edificio, una pelota, un libro o simplemente ante una pequeña roca o cualquier objeto de tres dimensiones. Y como volumen representado, cuando nos encontramos frente a un dibujo, una pintura, una fotografía o cualquier imagen de dos dimensiones.

194 El Volumen

Todos los objetos vegetales y minerales tienen volumen.

Los objetos del reino animal tienen volumen.

Los objetos creados por el hombre para uso utilitario o placer tienen volumen.

Educación Plástica 1

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También, los objetos se pierden tras otros y van apareciendo otros nuevos cuando nos movemos o giramos alrededor de ellos. Todo esto debido a que, la forma de los objetos que llega hasta nosotros es la resultante directa de la percepción de todos y cada uno de sus contornos que, combinados, nos proporcionan la sensación de volumen.


La escultura En el arte, la escultura es la que mejor representa el volumen, ya que muestra los objetos en bulto. La escultura representa cualquier cosa real o abstracta en tres dimensiones (alto, largo y ancho o profundidad). Y es el arte de modelar, tallar o esculpir en barro, piedra, madera u otro material. Existen diferentes técnicas para realizar la escultura, pero básicamente se pueden resumir en dos: El tallado, que consiste en quitar con instrumentos fragmentos de los materiales duros usados como base para tallar; piedra, madera, marfil o mármol, hasta obtener la forma definitiva.

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El modelado se realiza en forma inversa al tallado, su técnica consiste en agregar material a la base sobre la que se trabaja hasta alcanzar la forma deseada. Para trabajar el modelado se utilizan materiales blandos como el barro, la plastilina, pastas de papel y otros, que son trabajados con instrumentos de madera, con formas de paletas y paletillas, telas húmedas y fundamentalmente, la mano, que otorga una dimensión creativa directa a la tarea.

Realizando talla directa sobre marfil

Escultura en piedra

Educación Plástica 1

Escultura en mármol

Modelado en barro de un rostro

Escultura en madera

El Volumen 195


Modelado con plastilina Seguramente en más de algún grado de tus estudios de nivel primario, tuviste experiencia de trabajos con plastilina y puedas inclinarte a pensar que es un material para uso de trabajos infantiles. Nada más lejano de la realidad, pues la plastilina es usada para todo tipo de trabajos a nivel escolar y a nivel profesional, pues de ella se valen artistas escultores y profesionales del cine, como habrás notado en las películas animadas más recientes, las que se valen de las figuras en plastilina para crear sus historietas de largo metraje. El modelar plastilina consiste en manipular la pasta y darle la forma deseada con los dedos o utilizando pequeñas paletas y palillos. Puedes comenzar haciendo una forma básica de la que partirás, agregando o quitando plastilina según sea la forma deseada.

196 El Volumen

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Observa las ilustraciones de esta página y podrás darte cuenta que para realizar todos los personajes se usó la misma figura base: una forma de huevo o papa a la cual se le añadieron cara, brazos y piernas. El ejercicio consistió, precisamente en eso, con una misma forma lograr diferentes personajes que has visto en el cine y lograr fijar en ellas las características principales que le dan su personalidad.

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