Plastica #04 -Hello Cuca- by Eduardo Lindes Burnao

PLÁSTICA #04

Mayo 2009 Año 01 Nº 04

Hello Cuca **** Antonna, Pumuky, Meneo, Manos de Topo, Pictoplasma, Suite Festival 1

PLÁSTICA #04

editorial

independientemente de las alternativas…

Cuando genéricamente no te limitas a un estilo, es muy difícil explicar, en pocas palabras, a qué tipo de música te debes como oyente, como espectador, como redactor y no digamos ya como músico. Los artistas acaban hartos de que se les etiquete porque una etiqueta, incluso medio bien puesta –que no suele ser el caso-, sólo aprovecha al periodista que la planta; porque nos permite quedarnos en la superficie y hacer el vago. Y, si acaso, puede aprovechar al que va de artista creador sin serlo, porque con meterse bajo una etiqueta siempre estará más resguardado de una sincera valoración de su obra, sin que por ello le dejen de caer esas migajillas del trabajo ajeno que tanto le aprovechan.

confirma, pues deja de serlo. Independiente por el contrario se puede ser siempre. Claro que el tema de la discográfica cuenta: es legítimo y bueno tener más cariño a una pequeña compañía, cercana al artista y al fan, que a una depersonalizada multinacional. Lo que no impide que unos pocos genios hayan transitado durante años el mercadeo de las “multis” sin perder su integridad, su independencia artística. Stephin Merrit sigue haciendo lo que le viene en gana, aunque ahora los Magnetic Fields graben para una filial de Warner. Otra cuestión es lo del sonido. Si doso que haya un sonido “indie”, lo aún que exista algo así como un independiente. Indie ya ha ganado, uso, entidad propia.

En esta revista, se podría decir que somos independientes –esto sí lo podemos proclamar con orgullo: ¡y tanto!- y que lo nuestro es la música independiente. Queriendo decir con ello… ¿qué narices quiere decir “música independiente”?

Independiente es algo que suena como nuestras queridas Hello Cuca, virtuosas del garaje; como Anntona, genio pop de andar por casa; como Pumuky, constructor de delicadas murallas de sonido. O como las estrellas de la primera fiesta

Difícil pregunta, casi imposible de contestar. Además de ser una de las etiquetas más indefinidas del mundo, se presta a equívoco con otra, que estuvo especialmente de moda respecto al pop-rock de principios y mediados de los 90: lo alternativo. “Alternativo”, en España –según la academia que reparte los Premios de la Música- equivale al grupo Sidecars, ganadores del galardón de este año. Suponemos que Sidecars son una alternativa a Pereza, porque puedes hacerte fan de uno y otro grupo, con la ventaja de que suenan exactamente igual y hasta cuenta cada uno con un hermano Conejo Torres cantando. En fin…

que organizamos los de Plástica, el pasado día 24 de abril en Ochoymedio Club, los músicos: MeNeO y su personalisma juerga 8-bit, el ritmo contagioso que Cof Cof urden en su casa, con su portátil; o el buen gusto pop que demostró Algora, para la ocasión trasladado a la cabina de DJ. En fin, creemos que independiente es aquel que hace lo que quiere e invita a compartirlo, sin más reglas que la de transmitir sin condiciones lo que a uno le emociona, le divierte, le hace feliz. A eso aspiramos en Plástica.

Alternativo se definía por contraposición a lo establecido. Y cuando la alternativa se

es dues más sonido por el

¡Muchas gracias por ayudarnos! ¡Muchas gracias por haber venido el viernes 24!

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¡Oh, todopoderoso anunciante! Que en los nuevos medios confía Confíe sobre todo en mi Que yo le haré llenar su alcancía.

info@plandefuga.org

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SUITE FESTIVAL 2009 un lujo cercano TEXTO RAÚL QUERIDO

El año pasado, en que los festivales se reproducían como si sus esporas las transportase el viento y en cualquier lugar pudiesen fructificar –muchas veces sin contar con las expectativas del público, que son la parte fundamental de cualquier evento-, todo parecía venir de cara. Sin embargo, el rostro de la crisis y el abuso del mercado de la música en vivo ha asustado a promotores y ayuntamientos y ha supuesto la repentina desaparición de no pocos de esos carteles que llegaban a abrumar al espectador.

pero que todavía están en ese proceso de crecimiento y asentamiento en la escena en el cual cada paso es fundamental. Además, las actuaciones de algunos artistas, más conocidos, de entre lo mejor y más fresco de la música hecha aquí, como es el caso de los buscadores de la melodía perfecta Tachenko; de The Secret Society, el aplaudido proyecto de Pepo Márquez (Garzón, Grande-Marlaska); o de Half Foot Outside o Zoo, que han dado definitivamente el salto desde el underground a congregar multitudes deseosas de indie-rock. Con una doble presentación –fiesta en Elástico Club el 25 de abril y concierto el 12 de mayo-, más una noche pre-festivalera en otra sala, el cartel completo de Suite Festival es el siguiente:

En Madrid, de la manera más modesta, en 2008 tuvo lugar el festival Suite 28004, en referencia al código postal del barrio que acogió esa primera edición, Malasaña. Con una apuesta híbrida entre la música en directo, como parte principal, y actividades artísticas complementarias, su éxito fue apabullante, con llenazos para ver los conciertos de Delorean, Hidrogenesse, L-Kan o Cooper, cabezas de cartel que estuvieron estupendamente secundados por grupos emergentes que fue un placer descubrir sobre el escenario.

12 mayo, Círculo de Bellas Artes: The Secret Society + His Majesty The King + Miss-X + Pumuky 21 mayo, Sala La Boite: Idealipstick + Nine Stories + Buena Esperanza 22 mayo, Círculo de Bellas Artes: Half Foot Outside + Notes To My Self + Autumn Comets + Zoo + Allfits 23 mayo, Círculo de Bellas Artes: Tachenko + The Hildegards + Autonautas + The Red Crayon Aristocrat Club + Galáctica

Ahora, por segundo año consecutivo, gracias al éxito de público de la primera edición, Suite Festival persevera en su empeño de que oigamos a grupos más o menos maqueteros –algunos “viejos” conocidos que regresan, como Galáctica; otros que son la ultimísima sensación del panorama independiente, como His Majesty The King, por destacar un par de ellos-,

Más información y enlaces con las páginas de los artistas (para darles una escucha y terminar de convencerse) en el myspace del festival. ¡Allí nos vemos!

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pumuky candela sotos raúl querido

FOTOGRAFÍA TEXTO

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PUMUKY

emociones que abrasan FOTOGRAFÍA CANDELA SOTOS TEXTO RAÚL QUERIDO claro qué es lo que significa y por qué lo vimos apropiado como título del disco. Supongo que nuestro subconsciente vio lógico que así fuera. Un bosque en llamas me trae a la mente lo fugaz, breve y frágil que es la vida, las emociones, los sentimientos, los proyectos que uno comienza… También se puede razonar que un incendio, que acaba con todo lo que quema, que puede destruir completamente, puede ser el principio de todo lo que crezca después.

‘El bosque en llamas’ es el segundo álbum de Pumuky. Continuando con la línea apuntada en su EP de debut, y asentada en el LP ‘Viaje al país de las tormentas’, el nuevo lanzamiento del proyecto de Jaír Ramírez ha logrado, por un lado, sorprender e ilusionar a los enamorados del mejor pop de sentimientos y texturas con una calidad y calidez en el sonido que muy contadas veces se alcanza; y por otro, abrirse aún más a la participación de otras voces, de otros miembros del grupo, que sin desdibujar el mensaje de belleza y melancolía que ha caracterizado a Pumuky desde sus inicios, dotan al conjunto de una casi infinita gama de matices y de una versatilidad que lo prepara para, por fin, deslumbrar también en vivo. Jaír y David Giménez nos dan las claves de este cambio que se ha producido para permitir que todo siga igual de bien… pero mejor.

David: Podría decirse también que el bosque es un lugar confortable donde refugiarse, al menos hasta que descubres que en los parajes, o estados emocionales idílicos puede haber cabida para sorpresas desagradables y dolorosas.

Este segundo álbum es el primero con Jabalina. ¿Qué supone para Pumuky ese paso? J: Estamos contentos de estar en Jabalina, un sello donde pervive la ilusión en el trabajo que realiza, y que cuida con cariño a sus grupos, además de darles plena libertad creativa. Para una banda es importante estar arropado de esta manera, ya que te permite estar más tranquilo y poder centrarte en el aspecto creativo.

‘El bosque en llamas’ es un título a la vez visual y sonoro ¿hay una metáfora detrás? ¿Qué significado tiene para su autor? Jaír: ‘El bosque en llamas’ es un título lo suficientemente ambiguo, aunque a la vez explícito, como para avivar variadas y contradictorias interpretaciones. Me gusta que sea así, y que cada persona lo pueda entender a su manera, como apropiándoselo. Y para no frustrar posibles significados distintos prefiero no dar muchas explicaciones al respecto; aunque lo cierto es que yo tampoco tengo del todo

Aunque nunca pasó de moda, la música con elementos “shoegazer” -presentes también en Pumuky- parece estar viviendo un nuevo momento de auge ¿crees que puede esto beneficiar al disco y al proyecto de alguna manera?

PLÁSTICA #04 J: Cuando trabajo en una canción nueva no estoy pendiente de qué estilos musicales están en auge en ese momento, o si nos podemos aprovechar de tales circunstancias para salir beneficiados. Los muros de guitarras, el ruidismo, son elementos que de una u otra manera siempre han estado presentes en la música de Pumuky y que, sin inventar nada, utilizamos para expresar o reforzar ciertas emociones o situaciones, y no para formar parte de ningún movimiento musical, en auge o no. El hecho de que ahora esos sonidos estén de moda y que ese factor pueda ir a nuestro favor, es algo que se nos escapa de las manos. Preferiría que el disco funcionara simplemente porque a la gente le gusten nuestras canciones y se vean identificadas con ellas, independientemente de todo lo demás.

mos, películas y discos que escuchemos, que todo mezclado, “sin orden ni concierto”, son estímulos que de alguna u otra manera puede influir en nuestra forma de entender la vida, y por lo tanto, en nuestra música. Es posible que haya alguna referencia literaria en las canciones, pero como también lo puede haber de un pensamiento absurdo que surgiera viendo el futbol con los amigos.

Y, además de ti, Jair, como motor del proyecto ¿qué aportan a Pumuky los otros miembros del grupo? J: Como bien cita alguna nota promocional que se ha escrito para nosotros, aunque Pumuky surgió como un proyecto personal mío, pronto me vi en la necesidad de buscar aliados, y reclutarlos en esta aventura. Empezaré hablando de mi hermano Noé, que es el que más tiempo lleva soportándome. Es uno de los pilares de ese sonido de guitarras contundente, experimental y desquiciado que con frecuencia aparece en las canciones, sobre todo en directo. También es coautor junto conmigo de algunas de las músicas; del último disco podría citar ‘Si desaparezco’ o ‘Lobo estepario contra caballos desbocados’. Luego está David Giménez, que también es pieza clave en Pumuky. Es una especie de “Jefe de Ceremonias” que vigila que todo tenga un cierto orden, dentro del caos. Ha participado en la producción de los últimos discos de Pumuky y sus textos me han inspirado algunas letras, como ‘El Hombre Bosque en llamas’, del último disco. Recientemente se nos han unido muchas incorporaciones nuevas a la banda: Tomás García, Nacho Yoldi, Vicente Rosati, Edu Martínez. En parte son responsables de la variedad de matices de nuestro sonido actual, aparte de darle estabilidad y fuerza a nuestro directo, que durante mucho tiempo era nuestro talón de Aquiles.

Las canciones suelen transmitir sensaciones cinemáticas, tanto la música como los textos parecen querer hacernos ver historias y recuerdos ¿es algo buscado? Y ¿cómo se logra algo así? J: Al escribir las letras intento contar algo, y evitar soltar mensajes abstractos que con frecuencia están vacios y no llevan a ningún sitio. Mientras preparo los textos rebusco en recuerdos o vivencias pasadas, realmente en esos momentos estás viendo imágenes en tu cabeza, y escribes sobre ello. Quizás es por este proceso que nuestras canciones te transmiten esas sensaciones, aunque la verdad es que no es algo que me proponga hacer, digamos que sale así, sin más.

¿Cuáles son las principales fuentes de inspiración de un proyecto que siempre suena tan personal? J: No hay que salir muy lejos; no creo que haya mejor fuente de inspiración que la propia vida de uno y de los de su entorno, con sus éxitos y fracasos, sus virtudes y miserias. Sus pasiones, deseos, sus miedos y fantasmas… Luego pueden estar los libros que lea-

Parece imposible trasladar las complejas texturas y matices (y hasta collages sonoros) del disco a un escenario... ¿cómo

PLÁSTICA #04 pasa la euforia del acto “creativo”, entonces la estima hacia la misma baja considerablemente, incluso a mínimos. Luego con el tiempo les empiezo a coger cariño de nuevo, a unas más que otras. Mi favoritismo hacia las canciones suele ir variando; del último trabajo la canción que más me gusta actualmente es ‘La Metamorfosis’, que casualmente fue la última canción que escribí para el disco. Fue muy emocionante y dolorosa escribirla, porque justo al terminarla me di cuenta de que de alguna manera, y sin pretenderlo, resumía a la perfección gran parte de lo que se transmitía en ‘El bosque en llamas’, y que marcaba el final, el desenlace de la obra. Algunas de las canciones antiguas que más me siguen gustando pueden ser ‘La hoguera más grande del mundo’ o ‘El farero de Ushuaia’.

encaráis este reto? J: Es un reto, sin duda. Intentaremos ser fieles a las canciones tal y como quedaron registradas, siempre y cuando sea posible hacerlo porque a veces será imposible (a menos que nos salgan nuevos pares de manos ;) Sin embargo tampoco nos preocupa que en directo las canciones no suenen exactamente igual que en el disco, no tienen por qué hacerlo. Entiendo el disco y el directo como dos formatos diferentes, cada uno con sus propias peculiaridades y necesidades.

Otra de las sensaciones presentes durante la escucha del álbum es que, más que nunca, a uno le embarga cierta ingravidez ¿no temeis que las canciones se disuelvan en sí mismas? ¿Cómo se hace para combinar ingravidez mientras se mantiene la carnalidad en las canciones?

Por último, tras lanzar ‘El Bosque en Llamas’, prepara su presentación en directo y recibir las críticas por tu obra ¿qué preocupaciones e ilusiones afloran? ¿Qué le pide Pumuky al futuro?

J: Me gusta tu observación, me resulta curiosa, aunque quizás no entienda del todo a qué te refieres jeje. A veces cuando un disco me gusta mucho me ocurre que parece que por unos instantes pierdo el contacto con la realidad, y es como si te disolvieras -te robo el término- en la música, y nada del exterior importara ¿Te refieres a eso? ¿Te ha pasado con nuestra música? Si así fuera me haría ilusión saberlo.

J: Me ilusionaría saber que hay otras personas a las que nuestras canciones les emocionan, y que les acompañan en algún momento de sus vidas. Preocuparme, no hay mucho que me preocupe. Siempre se tiene miedo al rechazo, pero poco puede hacer uno al respecto, entonces que venga lo que tenga que venir. A nuestra carrera musical le pido más bien poco, o mucho, según se mire. Solo que en nosotros perviva la ilusión por lo que hacemos, y que lo sigamos pasando bien. Si se cumple lo anterior probablemente habrá más discos de Pumuky.

D: La gente, en sus primeras escuchas, nos habla de la contundencia de algunas canciones, pero también de las atmósferas que se crean, y de la fragilidad de algunas de éstas. Entiendo que todas esas sensaciones, y otras muchas, pueden complementarse y convivir en ‘El bosque en llamas’.

Jaír, ¿hay alguna composición tuya a la que tengas especial cariño, más que al resto?

PUMUKY EL BOSQUE EN LLAMAS Jabalina Música 2009

J: No especialmente. Cada nueva canción que escribo me suele parecer lo mejor que he hecho en mi vida, hasta que se me

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ANNTONA

lo ha vuelto a hacer; y lo ha hecho mejor FOTOGRAFÍA EDUARDO LINDES TEXTO RAÚL QUERIDO El título se le ocurrió a Ariadna, dentro de los juegos florales favoritos de mi grupo de amigos, que consisten en hacer rimas y juegos de palabras con “Anntona”. Ariadna ganó la última edición, y veremos quién se hace con la siguiente. Temeos lo peor.

Anntona –Manu, guitarrista de Los Punsetes- no se conforma con ser uno de los letristas más lúcidos de todo el poprock en castellano. Ni con hacer las delicias con sus directos guitarrazos, cruzados con los de Jorge mientras Ariadna canta las composiciones “punsetiles”. Anntona ha nacido para ser estrella de la canción, y lo sabe. Así que mientras alimenta de palabras y sonidos a su banda, saca tiempo y ganas para ir desarrollando su propio estilo y ampliando, en profundidad, forma y número, su cancionero. Con la ayuda de sus amigos, eso sí –La Bien Querida, la propia Ariadna, Jorge (Punsetes,) Luís (Espanto) y Cristina (Clovis)-. El resultado final: ‘En la cama con Anntona’, un disco grandioso. Modesto en lo sonoro, pero muy cuidado; y desbordante en lo melódico y también por la profundidad de sus canciones. Anntona es puro sentimiento, siempre lúcidamente expuesto. Y que entra a la primera, a través del mejor gusto pop. No sabemos si él lo sabe, pero lo ha vuelto a hacer, y esta vez mejor: un discazo, un disco muy muy grande. ¡Bravo!

En todo caso, sí que hay un buen número de composiciones que suenan a música hecha en el dormitorio, para ser escuchada en cualquier parte. ¿Cómo es el proceso compositivo de Anntona? Estoy continuamente haciendo canciones. Las que entiendo que tienen connotaciones Anntoniles las voy trabajando en casa yo solo, con un ocho pistas Zoom. Luego me van dejando cacharros y los añado sin sonrojo, como por ejemplo un MicroKorg que me prestó Cris Clovis y suena en todas las canciones del disco. Tras un disco maquetero y otro casero –pero con un sonido mucho más cuidado- ¿cuál es el siguiente paso? ¿Para cuándo el álbum sinfónico? De hecho para éste mi idea inicial era grabar baterías y tirar mucho más de Los Punsetes para que sonara más orgánico, pero al final me dio pereza o, en algunos casos, no lo vi necesario. Lo siguiente que haga será en esa línea, supongo, pero queda bastante para eso. Una de las cosas más bonitas de la no-escena más independiente y actual es la proliferación de colaboraciones entre talentosos amigos: háblanos de tus compinches en este disco...

‘En la Cama con Anntona’ es un disco en el que hay romanticismo y groserías, temas de guitarreo a conciencia, juegos vocales y reggaeton reverberante ¿estamos a punto de entrevistar a eso que se llama “un artista poliédrico” o simplemente a un cantautor desorientado?

Mis compinches son gente a la que admiro y quiero, y tengo la suerte de que sean mis amigos: de La Bien Querida poco os voy a contar, al igual que de Cris Clovis o de Ariadna Punsetes. Todas ellas se hacen con canciones que a mi me hubiera sido muy difícil defender, y creo que aportan una riqueza al disco que no tiene precio. Con Jorge es con quien estoy todo el día cambiando mails y canciones. Y Luis tiene ese corazoncito de DJ rompepistas que me

Probablemente a un desorientadísimo cantautor poliédrico octogonal, y además, del Barça. El título del disco, además del juego de palabras cicconesco, ¿es una invitación a que las fans pongan fin a tus juegos solipsistas?

encanta que haya sacado en ‘Dos paquetes cien’.

¿cuáles son acertadas? ¿Qué otras reconoces y nadie te las encuentra nunca?

Mención aparte merecen dneu y RIMIDIREDUX, autores de la portada y las fotos respectivamente. En fin, soy un tío afortunado.

La verdad es que no sé muy bien cuáles se me adjudican... a mi me gustan The Cure, el ‘The hurting’ de Tears for Fears, East River Pipe, Señor Chinarro, el ‘69’ de Magnetic Fields, Smog, los Beach Boys... y mil cosas más, que intento plagiar sin que se note demasiado.

La prensa tiende a decir, de TODOS los artistas underground que sois minimalistas, cantáis de cualquier manera, sois gafapastas posmodernos y sonáis a los ochenta. ¿Son verdades o cosa de críticos sordos?

Cuando te conviertes en un personaje público suelen escribirse cosas sobre ti que no han salido de tu boca... ¿alguna experiencia rara en este sentido?

Bueno, yo canto muy bien, no uso gafas y sueno como puedo con los cacharros que tengo. En cualquier caso la gente debe escuchar los discos como le de la gana, para eso están.

Hombre, yo no me considero ni mucho menos un personaje público. La gente que escribe de Anntona o de Los Punsetes generalmente nos trata bien. Somos muy pequeños y de momento nadie siente la necesidad de ponernos a caldo.

Parece negarse el triunfo masivo a canciones tan pop como son las tuyas o de Los Punsetes, cuano hubo un momento (Los Fresones Rebeldes) en que el pop independiente español sonaba hasta en los baretos playeros... ¿ estamos involucionando musicalmente?

Y, por si todavía queda alguien que no sepa quién es Anntona y que por casualidad esté leyendo estas líneas ¿por qué debería lanzarse a descargar y escuchar tu nuevo álbum?

Con respecto nuestras cnciones no puedo decir nada, a mi ya me sorprende la repercusión que tienen. Pero sí que creo que hay una brecha cada vez más acusada entre la música que suena en (casi todas) las radios y la música que me interesa y me gusta, y me da mucha rabia. Internet va un par de pasos por delante en ese sentido a través de publicaciones digitales que empieza a seguir mucha gente, lo cual, por lo menos, ya es algo.

¡Es gratis! Y para terminar: ¿algo que se quede en el tintero, una declaración explosiva, un consejo final? ¡Tomad mucha fruta! Jejé, ¡muchas gracias!

ANNTONA EN LA CAMA CON ANNTONA 2009

De todas las influencias que se te adjudican

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hello cuca albert “darude” raúl querido

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HELLO CUCA son todo esplendor FOTOGRAFÍA ALBERT DARUDE TEXTO RAÚL QUERIDO

Hello Cuca llevan una larga carrera como el (más que probable) mejor grupo de rock en castellano de los últimos años. El trío formado por las hermanas Lidia y Mabel Damunt y Alfonso Melero ha venido siendo un secreto que los entendidos –entre ellos, seguidores rendidos y anónimos, así como numerosos compañeros de profesión, músicos y artistas- no se cansaban de gritar.

pusiese en manos de otro sello para lanzar su nuevo disco? Mabel: El disco fue idea de Austrohúngaro. Cuando Lidia estuvo tocando en Barcelona, en noviembre de año pasado, Carlos y Genís le comentaron que les gustaría sacar un CD que recopilara todo lo que teníamos en 7”s o suelto por ahí en recopilatorios, y luego nos lo comentaron a Alfonso y a mi. ¡Nosotros encantados! Teníamos algunas canciones nuevas que queríamos grabar e incluso habíamos pensado en sacar algún nuevo 7”, pero la oportunidad de meterlas ahí y grabarlas en el estudio Austrohúngaro era todo comodidad.

Ahora llega ‘Esplendor en la arena’, compendio de todo el material que, desde sus orígines, el grupo había ido publicando en referencias difíciles de reunir, singles, Eps, recopilatorios y un álbum compartido. De la mano de Austrohungaro, casa de ilustres fans del grupo como son Hidrogenesse o Astrud, Hello Cuca parece que por fin gozará de la distribución y promoción que merece. Esperemos que les ayude a seguir grabando y dando conciertazos de los suyos y que cada vez congreguen a mayores multitudes para escucharles. Porque, el que va a un concierto del trío fabuloso, repite, y se vuelve fanático para siempre. Para celebrar el lanzamiento de semejante artefacto de felicidad guitarrera y percusiva, como es ‘Esplendor en la arena’, hemos querido conversar con Alfonso, con Mabel y con Lidia. ¡Vamos con la entrevista!

¿Qué os ha aportado el trabajar con ellos? M: Nos lo hemos pasado muy bien, y ha sido todo rapidísimo. Vamos ,todo lo contrario a cuando lo hacemos por nuestra cuenta, que las cosas tardan y tardan... jeje. Parece increíble que desde que surgió la idea hasta que se ha publicado el disco apenas han pasado cuatro o cinco meses. Lidia: Sí, ha sido muy divertido. ¡Yo estoy deseando volver al Austrohungaro Brill Building! Alfonso: Yo también. Cuando grabé las baterias de ‘Animalitos’ ya vi que se está muy bien, y sobre todo para nosotros, que nos ponemos nerviosos en los estudios. ¡Aquí todo ha ido rodado!

¿Cómo surgió la idea de que Hello Cuca –grupo autogestionado por principio- se

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Respecto a la distribución del nuevo disco ¡ya estáis presentes en un montón de tiendas en las que antes raro es que llegase un disco de Hello Cuca! Hasta en Rough Trade londinense…

los B-52’s y Buddy Holly, creo que igual se lo pasa bien con nuestras canciones…

M: La verdad es que en Rough Trade ya habían vendido discos anteriores nuestros. Es más raro vernos en tiendas de aquí, principalmente porque nunca hemos

L: ¡También a quien sea fan de los Wipers le gustará ‘Gran Sur’!

A: ¡Si, pero Hairspray del 88! Y también Cry-Baby.

¿Qué artistas consideráis influencia decisiva en vosotras? ¿Y a cuáles recomendáis no perderse en vivo?

tenido distribución propiamente dicha. Desde luego, si no hubieran sacado el disco ellos, nosotros seguiríamos igual que antes.

M: Antes de empezar con Hello Cuca, conocer a grupos como Bratmobile, Heavens 2 Betsy o Bikini Kill fue decisivo. ¡Fueron nuestros Ramones! Es como cuando en la película ‘Quiero ser libre’, sobre Loretta Lynn, ella se pregunta ¿cómo se hace una canción? Pues con esos grupos quedaba todo más claro. Después, poder tocar con Make-Up en su gira por España, fue genial. ¡Qué presencia! ¡Qué conciertos! Eso se te queda grabado para siempre. Eso me recuerda que estoy deseando ver en directo al nuevo grupo de Ian Svenonius, Chain and The Gang, qué tiene muy buena pinta. ¿Otro concierto? No se, dentro de poco creo que toca El Vez y espero no perdérmelo.

El vuestro siempre ha sido un grupo de culto acérrimo, pero bastante desconocido por el gran público. ¿Esa situación ha sido casual o conscientemente propiciada por vosotras? M: No, nosotros siempre hemos querido que nos conozca la máxima gente posible. Otra cosa es si lo conseguimos o no, porque al no estar en un sello típico o habitual de los que salen en todos lados, pues no te hacen mucho caso.

Por el contrario, fuera de España habéis tocado con grandes y más conocidas artistas y gozado quizá de más amplio reconocimiento que aquí…

A: Si, El Vez va a tocar pronto, ¡que bien! Y también iria a ver a Big Sandy. Ah, me gustan mucho las Lava Lamps, pero no tocan en directo...

M: La ventaja que es que para tocar fuera encontramos hueco en los Ladyfest. Estuvimos en Glasgow, cuando se hizo el primero en Europa, y más tarde en otros. Pero siempre nos hemos movido por el entorno del DIY y de gente o sellos con los que nos hemos sentido afines. Así surgió la posibilidad de tocar en el Yeah! Fest que montaron en Olympia hace unos años.

Los conciertos de Hello Cuca son muy especiales: infrecuentes, intensos, divertidos y convincentes. ¿Por qué tocáis tan poco en directo, si además lo hacéis tan increíblemente bien?

¿Cómo definiríais vuestro estilo? ¿Quién debe lanzarse ya a escuchar vuestras canciones, porque le van a gustar seguro?

M: Desde hace unos años vivimos en ciudades diferentes y es difícil encontrar fechas que nos vengan bien a los tres. Lidia también tiene ahora muchos conciertos por su cuenta. Pero vamos, todos es cuestión de planificarse.

M: Quien sea fan de Hairspray, el twist,

Otra faceta ligada al grupo a lo largo de

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su historia ha sido la vertiente fanzinera ¿fue antes escribir sobre música que tocarla? ¿Qué huella ha dejado en vuestra música y actitud?

De todas las personas que se habéis conocido y se os han acercado para decir <<soy fan vuestro>> en estos años de carrera, ¿a quién destacaríais y por qué?

M: Creo que ha ido un poco a la vez una cosa y otra. Aunque hicimos un fanzine, que se llamaba ‘Miau!’ y salió antes de que hiciéramos el grupo -y antes de eso, Lidia hizo un fanzine de comics, en el

M: Tampoco es que nos hayan dicho “soy fan vuestro” pero a mi hay cosas que me han hecho mucha ilusión como cuando conocimos a Ana Da Silva (de The Raincoats) y nos invitó (en el Ladyfest

que yo colaboré con alguna cosa suelta-. Lo chulo del fanzine es que era una man-

Madrid y luego en Leeds, donde además estaba Gina) a hacer coros en ‘Fairytale

era de ponerse en contacto con grupos u otros fanzines que tenían cosas que nos interesaban (sobre todo relacionado con el “riot grrrl”). Por entonces había mucha actividad de esto en U.K. y aunque no tuviéramos mucha soltura con el inglés, a través de sellos como Slampt y su ‘zine ‘Fast Connection’, era fácil conocer muchos grupos, como todos los que había por Escocia entonces que nos gustaban mucho: Yummy Fur, Lung Leg...

in the supermarket’. ¡The Raincoats es uno de mis grupos favoritos! De hecho, una de nuestras primeras canciones se titula ‘Aventuras recién levantada’, totalmente inspirado en ‘Adventures close to home’, jaja, aunque la letra no tendrá nada que ver porque con mi inglés escaso de entonces lo único que entendía era el título y poco más. O cuando Tobi Vail nos invitó a tocar a un festival en Olympia y fue un viaje genial.

L: Mi aportación al ‘Miau!’ consistía principalmente en historietas, recuerdo con mucho cariño por ejemplo el ‘Informe Pirineis’ que realicé después de asistir a un festival masivo. Nos invitaron a ir porque hacíamos un fanzine (que seguramente no leyeron, porque de ser así no nos habrían

L: A mi me gustó un artículo que escribió Manolo de Astrud sobre Hello Cuca. Siempre me acuerdo de unas frases que dijo sobre la realidad y un helado derritiendose en el suelo de una urbanización de La Manga.

invitado). Un vez allí, aquello era un delirio. Había que cambiar el dinero por monedas de pastico, colas interminables hasta para respirar, temperaturas extremas… Me salió una historieta que casi parecía ‘El caso del bacalao’ de Mortadelo y Filemon, pero todo real. De música casi no escribía porque se me da muy mal, es algo que no sé hacer.

Hello Cuca siempre ha dado la impresión de ser un proyecto que se iba desarrollando dentro de un universo propio. Probablemente ahora, con la carrera paralela en solitario de Lidia, el grupo entra en contacto con un público que no venía siendo el suyo. ¿Lo habéis notado? M: Está muy bien que se interese por el grupo o venga a vernos gente que antes no nos conocía. Nos rejuvenece, jeje.

M: ¡El ‘Informe Pirineis’ era buenisimo! Mi parte favorita de los Miau! eran las historietas de Lidia o sus dibujos ilustrando los artículos-reportajes. Qué risas; que tiemble Bruguera. No me canso de verlos y desde luego, ¡es lo que releería de ellos!

A: Me gusta mucho que venga gente nueva, se les ve cara de sorpresa, y eso es lo mejor que te puede pasar… es muy agradecido.

A: ¡Yo también soy fan de los comics de Lidia! ¡Me mondo!

‘Esplendor en la Arena’, como repaso

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que es a una trayectoria completa, presenta variedad de temas con unidad de tono... ¿qué os inspira al ir a hacer una canción y cómo enfocáis esas fuentes de inspiración?

M: Las nuevas creo que son un poco una continuación de las que venían en el “split” con Incrucificables. Pero sí, obviamente, es que ha pasado tanto tiempo desde los primero 7”s a las últimas canciones que se va notando ese cambio. Ahora tocamos mejor, o intentamos no repetir cosas que hemos hecho antes.

M: ¡Discos Rompepistas! Como en Motown, queremos hacer nuestra particular Hitsville.

A: Yo creo que todo sigue una linea... Es la evolución de un grupo de rock’n’roll en una realidad paralela... ¡por eso el recopilatorio va al revés!

Respecto a las letras, tienden a la brevedad y a la expresividad, con imágenes familiares pero lejos del tópico. ¿Cómo se aprende a escribir así? Y ¿por qué no se escribe así más a menudo en el rock hecho en España?

Nosotros aconsejamos comprar ‘Esplendor en la Arena’, escucharlo del tirón o poco a poco, como cada uno prefiera. Disfrutar comprobando cómo ha ido evolucionando Hello Cuca a lo largo de los años, siempre fieles a si mismas. Aprovechar cuando el grupo dé un concierto y no perdérselo. Y ya hacerse fan para siempre... Y vosotras ¿qué consejo o mensaje final nos dais?

M: No se, a mi me sale así; supongo que no tengo mucha soltura al escribir, así que me quedo con frases cortas. Intento no decir las cosas de la forma que ya se han dicho muchas veces porque no le veo la gracia. También es que me gusta mucho el r&b del principio, el Doo Wop, The 5 Royales...

La brevedad también había sido una seña de identidad al grabar y publicar: singles, Eps, LPs compartidos y tan sólo un álbum en solitario. ‘Esplendor en la arena’ en cambio dura más de hora y cuarto…

Mabel: Dream baby dream! Lidia: ¡Busca el dragón! Alfonso: Gabba gabba hey!

¡¡¡Muchas gracias!!!

M: A mi me resula larguísimo, jeje. Pero como es eso, un recopilatorio, es normal. Si alguien se cansa, lo puede escuchar a trozos.

HELLO CUCA ESPLENDOR EN LA ARENA Autrohúngaro 2009

¿Qué diferencias notáis entre vuestro cuatro canciones más recientes –las que abren el disco nuevo- y el resto de vuestra producción?

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EUROVISIÓN ¿SÍ O NO?

PLÁSTICA #04

pues sí, las semifinales sí TEXTO PEDRO LUIS MARTÍNEZ

sigues desde el principio -o si no coméntale a tu hermano, que vea sólo la final de liga y no los partidos previos-. En las selecciones nacionales y en las semifinales está la verdadera chicha, de hecho las mejores propuestas casi siempre se quedarán fuera. No pretendo que todo el mundo lo vea como yo lo veo; ni siquiera me considero “eurofan”, aunque me parece muy divertido el comprobar que cada año se repiten los mismos esquemas: este año en España, con Soraya, llevamos todo un ejercicio de estilo perfectamente tópico y creo que funcionará a la perfección para conseguir un puesto digno. Aparte, váis a poder ver cosas interesantes en las semifinales, y que seguramente no pasarán (ni de coña) a la final; por ejemplo, la canción de Armenia, que participa con dos hermanas que son una mezcla muy bizarra entre MIA y Shakira. Por último está la que, si por mi fuera, directamente pasaría a la final, la representación de Noruega, que participa con un jovenzuelo con violín y una canción que es a la par épica, ñoña y antigua, y entra a la primera. Yo ya lo digo, ganará Noruega. Aunque casi nunca acierto: el año pasado apostaba por Francia con Sebastián Tellier y, claro, al final nada de nada. La chicha está en las semifinales, sí, sí y sí.

¿Acaso alquien puede decir que nunca ha caido en las garras de Eurovisión, que nunca se tragó las votaciones hasta pronunciado el último “douze points”? Claro, que la cosa ha ido perdiendo color con los años, perdiendo definitivamente su posibilidad de enmendarse con la no-clasificación de La Casa Azul en 2008, a favor de la broma de Buenafuente. ‘El chiqui-chiqui’ no consiguió acabar con el certamen, pero ¿de verdad merece la pena tomarse la molestia de seguirlo este año? PedroL, del grupo Megaafonía, nos da las claves de porqué sí… pero sólo las semi-finales. ¿Acaso tu hermano o tu padre se han preguntado por qué es tan adictivo el fútbol? Pues imaginemos que eliminamos el fútbol y solo lo dejamos existir durante unos meses, de enero a mayo, al principio cada equipo se prepara para jugar un único partido, el vencedor de ese campeonato representará a su país en un torneo que se celebraría a mediados de mayo y en el que participarían países de toda Europa… aunque ahora que lo pienso, creo que no hace falta imaginárselo, porque ya existe: es la fase final de la Champions League, vaya. Creo que el ejemplo de obvio, me ha quedado demasiado hiperrealista. Tengo que reconocer que me dan mucha envidia los apasionados del fútbol, ellos pueden disfrutar durante más tiempo de los procesos de selección, de las semifinales y de las finalísimas.

Y, sí, ya que no lo dice PedroL, lo apuntamos desde Plástica: Megaafonía presenta nuevo trabajo, a punto de salir, con Les Très Bien Ensemble nada menos, en la sala Siroco de Madrid. El sábado 16 de mayo, o sea, el día de la final de Eurovision. Vamos, que habiendo visto ya lo bueno, en semifinales, infinitamente mejor plan ir a celebrar que somos “eurofans” (o todo lo contrario) a Siroco, ver dos conciertazos y disfrutar de que nadie pinchará allí ‘La noche es para mi’, de “Poyeya”. Lo sabemos porque, entre otras cosas, seremos los de Plástica los que pongamos la música y sí, sonaran hits eurovisivos, pero de los buenos.

El caso del festival de Eurovisión es exactamente el mismo que una eurocopa. De hecho en los países nórdicos, el festival y sus selecciones nacionales levantan a las masas de un modo que en España sólo puede hacer el fútbol. Este año, por ejemplo, en Suecia participaba una adorable señorita llamada Caroline Af Ugglas, que parecía una extraña mezcla entre Björk, Alanis Morrisette, y Janette con un aspecto de loquita. Lo que quiero decir con esto es que Eurovisión es mucho más adictiva si la

PLÁSTICA #04

HELLO CUCA & LE PIANC rock arenoso, soleado punk FOTOGRAFÍA MERCEDES HAUSMANN TEXTO RAÚL QUERIDO

Invitados por Sones, tuvimos la oportunidad de acercarnos al Neu! Club la noche del pasado 14 de marzo a disfrutar, por un lado, de uno de los escasos –y, como siempre, grandiosos- conciertos del, para mi indiscutible, mejor grupo de rock desértico y surfero que tenemos en España. Además, ibamos a poder descubrir por fin en directo a una de las sorpresas musicales más y mejor anticipadas del 2009. Un plan redondo que, aunque no congregó a la multitud que merecía, nos dejó tan contentos a los asistentes que, sin duda, correremos la voz y traeremos a amigos y amantes con nosotros la próxima ocasión.

lo las extremidades –como ‘Ponte en la pista’- o aullidos comiqueros llenos de sentimiento –‘Oh, Luba’, también de estreno-, Hello Cuca fueron todo esplendor y simpatía, y su recital de levantó una finísima polvareda de blues y rock, y también refrescantes olas de surf y bocanadas de punk. Son las mejores. Después, Le Pianc www.myspace.com/ lepianc , que venían a presentar su debur discográfico en formato LP, se encontraron con un público ya puesto en situación. Desenfadados, como la aproximación pop al punk, o quizá viceversa, que realizan en sus canciones, en el escenario lo dan todo y contagian su efervescente alegría por estar tocando para amigos, fans y desconocidos a los que llevan a su terreno: instrumentación básica pero completa, voces cruzadas, cambios de ritmo por sorpresa, amistosas coreografías, sonido cuidado y amateurismo adorable. Entrelazando melodías y arreglos, sus canciones sonaron distintas al disco, más desbocadas, en ocasiones terminando de forma algo abrupta y, en todos los casos, mostrando que este colectivo de músicos y amigos no están dispuestos a sonar como los demás. Para ello, se fijan en los grupos más saltarines de la No-Wave, fusionan estilos y sonidos sin prejuicios y ¡hasta se marcan una versión de Las Ketchup! Pasadas por la lente colorista de B-52 y arregladas con los saxos nerviosos de Kleenex/Lilliput. Le Pianc son un ave rara y de plumaje kaleidoscópico. Ignorarles es como perderse un día de sol en medio del crudo invierno.

La noche musical la abrió Hello Cuca http://www.myspace.com/rompepistas , que presentaba su álbum retrospectivo ‘Esplendor en la Arena’, un repaso a una trayectoria tan brillante y coherente como, hasta ahora, disjunta. Si destacan en álbum la banda de las hermanas Damunt –Mabel al bajo hipnótico y los sutiles coros, Lidia con la afilada guitarra y su voz cantante- y Alfonso Melero –y su batería absolutamente rítmica, e irresistiblemente prehistórica-, en directo lo suyo es ya digno de verse, porque si no uno no se hace idea: suenan extraordinariamente bien, prenden la mecha de su propio estallido, con Lidia desmelenada ya a partir de la segunda canción, clavan cada canción y hacen que el conjunto suene tan perfectamente ensamblado como variado. Con un setlist que incluyó himnos con los que desgañitarse –‘Mala caligrafía’ o la reciente ‘Juanita Lágrima’- temas sincopados que agitan sin poder evitar-

PLÁSTICA #04

LES TRÈS BIEN ENSEMBLE & SPEEDMARKET AVENUE la lengua azul del elefante FOTOGRAFÍA MARÍA YSASI & EDUARDO LINDES TEXTO MARÍA YSASI

La fiesta aniversario del sello Elefant que tuvo lugar el pasado 27 de marzo en la sala Ochoymedio de Madrid -patrocinada por una marca de brebajes alcohólicos que posteriormente fueron la delicia de la cantante (y del resto) de Speedmarket Avenue-, comenzó con el concierto de la banda barcelonesa Les Très Bien Ensemble. Una banda madura, tras una carrera de fondo de casi veinte años según nos contaron esa misma noche, que sonó tierna y rockera al mismo tiempo. Sus letras en francés y la presencia en escena de la vocalista Suzette de la Grace Fabergé, mostraban un contraste férreo de dulzura y contundencia. Música sobre sentimientos, nacida del pop-rock de siempre, repleta de matices melancólicos. El grupo deleitó a su público fiel con canciones de su nuevo disco ‘Rougeole’ como la evocadora ‘Sahara’ o la bailable ‘Nos Jeux’. Yo no entiendo francés, pero desde luego oírles es un gustazo, y las canciones te llegan directas, sin necesidad de traducir lo que dicen. Suzette cantó e interpretó con entrega y el grupo demostró que sabe perfectamente lo que se hace y que merecen todo el éxito que su reciente disco les siga trayendo.

Tras las lenguas francesas, llegaron las nórdicas y anglófilas de Speedmarket Avenue, con los que me reafirmé como fan de la música sueca. Sibille Attar, rodeada del resto de componentes (todos tan suecos, sí, tan correctos y tan estáticos y, sin embargo, repartiendo leña junto a ella, que llegó, estuvo y se fue completamente desmelenada), nos dejaron a todos hipnotizados. Su voz y la de Isak Klasson se complementaron a la perfección en unas canciones que van desde lo más bailable a lo más íntimo, y siempre con un tono de himno levantacorazones. Pop independiente con matices del rock más firme, con una interpretación sincronizada y conmovedora. Comenzaron tal y como empieza su disco, con ‘Sirens’, un inicio perfecto que ya anunciaba el poderío que seguiría en su repertorio. Luego, entre otras, ‘Don’t Fall In Love’, con ritmillos sesenteros, iba abriendo boca hasta que llegó (casi para terminar) la canción que ha conquistado a la crítica, ‘Way Better Now’, temazo pegadizo donde los haya que hizo bailar hasta al más tímido. Suecia nos trajo buen rollo y Barcelona ganas de soñar. A seguir así, Elefant.

PLÁSTICA #04

NAGASAQUI & HIROSHIMA ATOMIC GARDEN & BLEACH & THE LEZBIANS exiliados pero irreductibles FOTOGRAFÍA MARÍA YSASI TEXTO RAÚL QUERIDO

Que en Madrid cada vez hay que aguzar más el ingenio, y mantener la decisión y el ánimo firmes, para no sucumbir a las dificultades municipales para tocar o promover espectáculos de pop y rock, sobre todo de perfil modesto, ya no es un secreto para nadie. En la capital de España la situación parece caminar hacia un estado comatoso del que nos despiertan el ahinco de unos cuantos inquietos promotores, de algunos irreductibles propietarios de salas, y sobre todo la cantidad de grupos magníficos que, en un clima así, diríase que surgen por generación espontánea. Y luego, con suerte y el apoyo de un público fiel (y también admirable), se encuentran y tocan juntos en pequeños eventos y festivales como el Exiliados ’09 que tuvo lugar el 28 de marzo en la modesta –pero llena de encanto garajero- sala Chill Bill, lejos del centro de la ciudad. La primera parte de esta fiesta musical consistió en cuatro conciertos en los que hubo lugar y momento para degustar desde los más atinados juegos de voces pop hasta el punk ramoniano más sabrosamente mugriento.

Abrieron juego The Lezbians http://www. myspace.com/wearethelezbians una más que notable banda de power pop capaz de combinar la herencia del rock alternativo más noise con la sutileza distorsionada de Guided by Voices. A seguirles la pista, que pueden llegar lejos. Les sucedió en escena otro aguerrido trío, Bleach http://www.myspace.com/ bleachspain, que luciendo actitud y carisma, aprovecharon el entorno –como de club underground neoyorquino- para convertirse en el grupo británico más salvaje recién aterrizado en la Gran Manzana. En realidad son de Orcasitas pero, si siguen dando conciertazos como el del Exiliados –el mejor que he tenido la fortuna de verles- nada debería impedirles lucirse en la liga “indie” nacional y, con un poco de suerte, internacional. A continuación aparecieron en escena la apuesta más pop de la noche. Nagasaqui http://www.myspace.com/nagasaqui es un grupo madrileño –con denominación de origen conquense- que están empezando a cosechar los frutos de un primer álbum, del 2008, que injustamente fue olvidado en las listas de lo mejor del

año. Ahora, con presencias sucesivas en cadena SER, Radio 3, grabación de un concierto para la televisión castellano manchega, y una prometedora temporada de actuaciones y festivales, temas tan emotivos como ‘A los que tienen el dinero’ o ‘Copas rojas’, bombas bailables como el single ‘Vivir al pormayor’ o delicias de pop cotidiano y hondo como ‘Jefetiempo’, están siendo más y más escuchados. Pedro (bajo) y Álvaro (guitarra) alternando y combinando su voces cantantes, Ramón sosteniendo los ritmos con sus baquetas y Antonio enriqueciendo las composiciones desde el teclado ofrecieron una actuación impecable que culminó en el estallido eléctrico de ‘Gilipollas’. Impresionante. Después de ellos, los andaluces Hirosima Atomic Garden http://www.myspace. com/hiroshimasatomicgarden pusieron

el fin de fiesta noclear al escenario –luego la fiesta quedó en manos de los Djs-. Lo suyo es la abrasión sin contemplaciones. Composiciones que sobre los ritmos básicos y salvajes de Rosa en la batería, crean una maraña de guitarras y bajo –del que, de emplearse con tanta entrega, Alberto, también vocalista del cuarteto, consiguié hacer saltar una cuerda-, en la que es mucho más fácil entrar que salir. Completada la formación por Alfonso y Cristian, las guitarras cruzadas y distorsionadas de ambos se clavan en el oído y, también, en el corazón. Estos sevillanos transmiten, y mucho, con su propuesta ruidista, compleja y a la vez inmediata. Son punk y también postrock, y en sus temas se suceden pequeñas estructuras simples hasta conformar un todo complejo. Fue un lujo terminar la velada conciertil crujiendo con ellos.

PLÁSTICA #04

LAS BAGUETTES & THE NEW RAEMON

MENEO

a propósito de ramón

push start button TEXTO JOSUÉ GARCÍA

FOTOGRAFÍA Y TEXTO SARA ASENSI

La sorpresa de la noche la protagonizó… Sean Penn –en realidad, un chico de gran parecido al actor, Oscar de plástico en mano- que entre actuaciones nos hizo reír con un pequeño monólogo y la presentación del hombre de la noche.

El proyecto en solitario de Ramón Rodríguez (Madee, Ghouls’n’Ghosts) nos llevó el viernes 27 de marzo hasta el Círculo de Bellas Artes de la calle Alcalá. Ramón no abandona sus otros proyectos, que nadie se preocupe; pero ahora mismo aprovecha el tirón de su trabajo como The New Raemon, con nuevo disco a la vista antes de que finalice 2009. El prolífico compositor nos volvió a mostrar su lado más personal e introspectivo con temas de su primer LP, ‘A propósito de Garfunkel’, de su segundo y más breve trabajo, ‘La invasión de los Ultracuerpos’, y añadió una nueva canción y un cover.

Ramón salió raudo al encuentro con sus seguidores, a deleitarnos con sus canciones y su particular sentido del humor. Flanqueado por su banda, no hubo prácticamente ningún tema sin tocar en un setlist de dieciséis. Arrancó con ‘La Cafetera’, repasando casi todo ‘A propósito de Garfunkel’ y, tras el bis, nos ofreció su versión de ‘The Needle and The Damage Done’. Neil Young aprobaría seguro su forma de abordar la canción, de tan oscura temática.

Las Baguettes, grupo formado por Anita, María (Charades) y Malela (Le Mot, Grande Marlaska), tomaron antes el escenario. No pudieron evitar mostrarse tremendamente nerviosas al ver la cantidad de público allí reunido: “¡Perdonad! Es que es nuestro segundo concierto, y sois tantos, ¡qué nervios!”. Una vez templados éstos, pudimos disfrutar de un repertorio de canciones tendentes al folk, sumamente simples en su construcción pero de hondo calado en el público, encantado con estas tres chicas.

Aún quedaba más: ‘Tiembla Dublín’, es estreno de ‘La Siesta’ y el colofón de la noche, ‘Tú, Garfunkel’, favorita de tantos y que presta un poco su historia al título del álbum. Ramón nos demostró de nuevo que su paso del disco al directo no defrauda y que esa expectación levantada tiene su razón de ser: la experiencia –que dejó un inmejorable sabor de boca en todos- se puede resumir en una palabra: ¡tremendo!

En un lluvioso martes 7 de abril, Meneo convirtió La Cova de les Cultures (Barcelona) en un escenario tropical. Por primera vez en esta asociación cultural del barrio de Gracia abierta a todo tipo de expresión artística, pero por enésima ocasión en sus conciertos, el guatemalteco Rigo Pex y el santanderino Raúl Berrueco se desnudaron –literalmente, aunque no completamente aquella nocheretorciéndose al ritmo de los sonidos y las imágenes que dirigían desde sus consolas y videojuegos (algunos de ellos con tantos años de vida como los asistentes entregados a la causa del 8bit).

una fiesta que fue frenética. Las melodías (de)construidas a base de los sonidos de las maquinitas se unieron a los ritmos -duros, sucios, de tiempo infernal- en temas como “Atún y pan”, “L’Mar”o “Basic“. Rigo, Raúl y algún colaborador espontáneo se alternaron en las voces vocoderizadas mientras lanzaban mensajes cachondos y absurdos a temas como la especulación inmobiliaria o el cambio climático y la desfachatez de tipos como Al Gore. Como por desgracia suele suceder, Meneo no han sido profetas en su tierra -en un caso que recuerda al de Pinker Tones-, pero ha acabado haciéndose un nombre, girando por media Europa y parte del resto del mundo, y hoy son habituales en la programación barcelonesa. Los adictos a Meneo saben que su performance –esto no es sólo un concierto- contagia fiesta y risas a base de guiños a Street Fighter, nalgas omnipresentes y el striptease de los dos componentes de este combo. No es de extrañar que a la tercera canción los chicos de Meneo ya estuvieran en ropa interior.

Parecían chicos normales cuando salieron a escena, pero en cuanto se escuchó el sonido de inicio de la GameBoy, Meneo hizo explotar una bomba experimental y caliente, no apta para no iniciados. Rigo se encargó de lanzar sonidos retroelectrónicos y reguetón, mientras Raúl creaba visuales que remitían a la época del arcade, de Mario Bros y de la Guerra Fría. Invitaron al público a rodearles desde el primer momento y atacaron sin tregua a los temas de su reciente álbum “Santa Nalga”, así como canciones nuevas en

PLÁSTICA #04

LOS PUNSETES & MANOS DE TOPO reválida y estreno TEXTO MARÍA YSASI

grupo. Luego con el tiempo y perseverancia le pierdes el miedo a las desentonaciones y gallos del cantante… e incluso te acaban gustando. Como poco es original y, además, Miguel Ángel se desgañita en concierto mucho más allá de lo que lo hace en estudio, y nos contagia a todos de sus sentimientos. Nos cuenta que en este disco han querido colar la palabra corazón en cada una de las canciones. Se comparan con Camela en cuanto a temática y se arrancan con una versión acústica de ‘Cuando zarpa el amor’. Presentando su segundo disco -titulado ‘El primero era mejor’, quizá para curarse en salud o quizá siendo mucho más realistas que cualquier otro grupo-, Manos de Topo llenó la sala hasta el punto donde hay muchos empujones. Y es que a estas alturas ya mueven masas, de las que se lo (y los) toman en serio. Repasando los hits del primer trabajo e introduciendo lo nuevo, yo destacaría cualquiera de ellas, ya que esa noche me sumé a la fiebre topera y me sentí en total sintonía con el xilófono y demás aparatos de Rafa sobre la tabla de planchar, el violín de la fantástica Sara, la batería enérgica de Alejandro, los coros agudísimos de Pau al bajo y por supuesto, la voz de gato pisoteado de Miguel Ángel, en su canto amable y amargo al mismo tiempo, siempre al desamor. La colaboración espontánea de Ariadna, de Los Punsetes como corista, puso un broche de oro al directo. Al salir, me compré los dos discos y aplaudo desde casa, aún, el concierto de aquel sábado.

Sábado 4 de abril, pocos minutos después de abrir las puertas y el Neu! Club ya está repleto de público atento… Puntuales, Los Punsetes empezaron serios, decididos y concentrados. Dejaron que Ariadna fuese la última en salir al escenario, con un modelito creado por ella, como acostumbra. Algo así como una marinera patchwork, con borla roja en el gorrito incluida. Curiosa forma de interpretar la de esta chica. O quizá debería decir de no interpretar. Sin apenas una pausa entre canción y canción, sin chascarrillo alguno, la cantante se mantuvo firme y quieta, sin siquiera amagos de beber agua o atusarse el pelo. La voz y las maneras de Ariadna le dan unidad a todo lo que hace el grupo. La batería marcial de Chema, los solos y punteos de Jorge, el apoyo rítmico con cierta distorsión de Anntona y un bajo contundente de Gonzalo. Críticas ácidas, humor negro y un sonido definitivo. Revalidaron su LP y estrenaron canciones inéditas; sonaron frases encantadoras como “quiero morir en una discoteca llena de maricas”, alargando mucho la última vocal, como es ya marca de la casa; o “Fondo de armario”, con una de las letras más simpáticas del disco y unos arreglos guerreros la mar de bailables. Tras unos minutos de espera, aparecieron los componentes de Manos de Topo, cabezas de cartel de la noche y de todo el inde español –un tipo de indie, al menos-. Siempre se me había hecho difícil escuchar a este

PLÁSTICA #04

LOS TIKI PHANTOMS

PLUSHGUN

divinas olas eléctricas

más vivos, más rápidos

TEXTO MARTA VERRIER

TEXTO SARA ASENSI

Cuando al Gran Dios Tiki se le antoja algo, no tiene más que enviar a sus fieles y obedientes servidores para que ejecuten con total profesionalidad cualquier misión, por descabellada que ésta pueda resultar. Viernes, 3 de abril del 2009, en la [2] del Apolo (Barcelona): toda la congregación de tikifanáticos ha acudido a la cita; los predicadores, con la elegancia que les caracteriza (sí, sí, me refiero a esas envidiables chaquetas con banda de leopardo que sientan como un guante…), han tomado posición y se disponen a presentar su nuevo plan de ataque: Los Tiki Phantoms y el ejército de las calaveras. Sin grandes cambios en la estrategia desde que “regresaran de la tumba”, El Bravo, El Beat, El Kahuna y El Caníbal, ofrecieron un aclamado espectáculo con su ya de sobra conocido e impactante, surf‘n’roll instrumental. La ceremonia requería algún que otro sacrificio: tres fueron los valientes que se ofrecieron sin saber muy bien a qué atenerse. Sobre el escenario, una lluvia de colchonetas y balones hinchables. El objetivo: que los tres osados surfearan por toda la sala, volviendo al

punto de partida de una sola pieza. Agitación, algarabía, desenfreno, golpes, porrazos ¡y mucho rock’n’roll! La sala entera se convirtió en una auténtica carrera de galgos. La recompensa merecería la pena. Por la gran diversión de sus directos, por su interacción con el público, por sus melodías guitarreras y su rítmica apabullante, por sus tenebrosos discursos entre canción y canción, por sus máscaras y esa atrayente identidad desconocida, por las calaveras y por el Gran Dios Tiki… por todo ello, esta banda catalana ha sabido cómo ganarse buenas críticas, y lograr que el surfrock en España esté merecidamente representado. Si tuviera que valorar negativamente algo a lo largo de la velada, no sería tanto la agresión que sufrí por encontrarme en primera fila, en medio del gentío descontrolado, pues como diría mi sabio padre: “sarna con gusto, no pica”; sino más bien, lo poco acorde que resultó ser el grupo invitado, Naked Under Leather, con las “calaveras” de cartel. Una puesta tan arriesgada no hizo más que impacientar a un público que sabía muy bien a qué iba y lo que quería ver.

Plushgun, banda de origen neoyorquino liderada por el joven Dan Ingala, se pasó por el Café La Palma y la sala Moby Dick los días 27 y 28 de marzo, como parte de una pequeña gira española organizada por Bohemia Music. Hace poco más de dos meses sacaron su álbum debut, ‘Pins & Panzers’, repleto de pop electrónico pegadizo.

a veces algo atmosférica en comparación con la potencia de su actuación en vivo. Comenzaron con muy buen pie; las primeras notas de ‘Dancing in a Minefield’ ya nos auguraban una hora de bailoteo imparable. El público se entregó desde el principio, con una complicidad absoluta entre banda y asistentes. A partir de la segunda canción Taylor lanzó unos glow sticks morados, verdes y naranjas para que todos en la sala los agitásemos al ritmo de la música. El ambiente que se respiraba era especial, enérgico y, si cabe, mejoraba por momentos. Hacia el final, y pensando en despedirse, Dan, Taylor y Matt preguntaron a sus fans qué canción que ya hubiesen tocado querían escuchar de nuevo. El veredicto fue unánime: no uno, sino ¡dos temas! Los Plushgun aceptaron encantados y pidieron que subiese gente a cantar y bailar con ellos. Ni cortos ni perezosos, en el escenario se congregaron una decena de personas botando y coreando los estribillos de ‘Dancing in a Minefield’ y ‘Just Impolite’.

La idea de formar un grupo fue de Dan en un primer momento, que desde su pequeña habitación alquilada en la Gran Manzana pensó en añadir algún que otro sinte a lo que iba componiendo con su guitarra acústica. El resultado: el hit ‘Just Impolite’. Luego decidió añadir un guitarrista y un batería al proyecto para hacerlo redondo y fue entonces cuando grabaron un primer EP, en junio del pasado año. Quién les iba a decir que gracias a la utilización de sus canciones en una serie online, ‘We Need Girlfriends’, basada también en la Nueva York, su popularidad se dispararía de tal manera que para febrero de 2009 tendrían un LP de diez temas en el mercado y darían tanta guerra.

Al día siguiente marchaban hacia su ciudad, aunque llevarían consigo un recuerdo imborrable de su estancia en nuestro país. Estos tres chicos prometen, de eso no hay duda alguna.

Acudimos expectantes a la cita en Moby Dick, sabiendo que la experiencia del directo sorprendería a más de uno. La grabación resulta tenue y

PLÁSTICA #04

RUBY SUNS viaje más allá del sol... FOTOGRAFÍA ALEXA TEXTO MARTA VERRIER

acostumbrados a contemplar. Tan pronto estábamos ahí, en un entrañable local de la Ciudad Condal, como cerrábamos los ojos y nos veíamos disfrutando de un entorno tropical, con un Daiquiri en la mano, haciendo tiempo a que lleguen las mejores olas del día, para coger la tabla y salir a surfear. Seguidamente, otra imagen: ahora estamos en plena selva africana, veo cebras, leones… ¡Toda una experiencia sin movernos del sitio! La explícita herencia de los Beach Boys ya quedó atrás: “Sea Lion”, su nuevo álbum se acerca más al sonido de bandas tan actuales como Vampire Weekend, con quienes han sido recientemente comparados.

...en el Heliogàbal. 6 de abril de 2009. La espectante visita a Barcelona de los Ruby Suns, se vio de pronto truncada por la inesperada cancelación del evento en la sala Apolo. Sin embargo, un rescate a tiempo por parte de la gente de Discos Compulsivos / LUV LUV, devolvió la sonrisa a más de uno. El Heliogàbal sería el lugar encargado de recibir a este dúo neozelandés liderado por el californiano Ryan McPhun. El sitio, acogedor; el ambiente, extraordinario; en cuanto a la comodidad, ¡ya son palabras mayores! Un sold out en toda regla, gran noticia para ellos, pero el Helio, la noche del 6 de abril, se quedaba por momentos excesivamente pequeño.

Su técnica recurre a sonidos africanos y caribeños, percusiones a dos bandas, un auténtico despliegue de efectos, melodías “demasiado” largas, presentadas por ellos mismos como si de una tortura se tratase… risas entre canción y canción y caras de admiración entre los asistentes, el resultado final es…¿pop? Un pop muy elaborado y ambicioso, en todo caso, que hace que Ruby Suns sea uno de esos grupos que toman una nueva dimensión en directo.

Una auténtica lástima, pues de no mediar la cancelación de la otra sala, mucha más gente habría podido disfrutar del peculiar sonido “psicod-étnico” de esta banda. McPhun, trotamundos de los pies a la cabeza, utiliza la música como medio de expresión de sus vivencias e intenta por medio de ella, teletransportar a su público a una realidad lejana, muy diferente de la que comúnmente estamos

PLÁSTICA #04

MENEO & COF COF ALGORA DJ & 2PIAS DJ´S fiesta plástica FOTOGRAFÍA CANDELA SOTOS Y MERCEDES HAUSMANN TEXTO RAÚL QUERIDO

La noche del 24 de abril de 2009 quedará para el recuerdo de los que hacemos esta revista como la primera vez que nos las vimos con todo el trabajo extra que supone organizar una fiesta y llenar un local de música y de gente dispuesta a disfrutarla. Fue en el Ochoymedio Club y tuvimos el inmenso honor de recibir a más de doscientos lectores y amigos que se lo pasaron de lo lindo electrizándose con el baile desenfadazo de Cof Cof, la locura pixelada de MeNeO, que arrasaron con todo, y los temazos que estuvo

poniendo Algora DJ. Luego la fiesta continuó con Two Pias DJs y el residente Scream, con la sala hasta los topes. Fue cansado, fue bonito, fue un éxito. ¡Muchas gracias a todas y a todos! ¡Ah! Y esperamos veros en la siguiente, en Siroco el próximo día 16 de mayo. Noche pop-rockera con Les Très Bien Ensemble, Megaafonía y en la cabina Plástica DJs (Raúl Querido vs. Algora DJ). ¡No faltéis!

PLÁSTICA #04

WHITE LIES el lado oscuro de la música FOTOGRAFÍA Y TEXTO JESSICA LÓPEZ

Desde que White Lies tocó en marzo en la conocida sala Lido en el barrio turco de Berlín, no dudo en la posible reencarnación de Ian Curtis en el cantante del grupo, Harry McVeigh. Su oscuridad y dramátismo, el corte y color de pelo, pero sobre todo ese tono de voz que en directo hacía recordar al líder de Joy División era lo que estremecía tanto a la propia sala y por supuesto al público. McVeigh, junto Charles Cave y Jack Lawrence-Brown forman la banda inglesa White Lies, un grupo que lleva poco tiempo en la escena musical, pero desde que empezaron hace casi cuatro años no han parado de crear, componer y moverse para salir y seguir en la superficie; hace escasos tres meses editaron con Fiction Records su nuevo álbum,‘To lose my life’ un título que adelanta ya la temática de sus letras. El concierto fue comedido, 40 minutos de duración, nada de canciones regaladas al final, ni exceso de palabras (por no decir ninguna) por parte del cantante... eso sí, musicalmente lo dieron todo: el batería Lawrence-Brown como pilar del éxito del concierto, sumado a la voz de McVeigh que tras cada canción quedaba exhausto. Sus letras son oscuras, ofrecen puntos de vista interesantes y se presentan envueltas en capas de post punk e indie rock. Cada una de las canciones del concierto fueron importantes para el

conjunto, pero sobre todo destacó ‘Farewell to the fairground’ que además de ser uno de sus hits, en directo se convirtió en una canción de garra y profunda energía, especialmente por la fuerte presencia de la percusión. Con la canción que da título al álbum, ‘To lose my life’, (siempre con la batería un un rol imprescindible) se añadía el sonido melancólico del teclado de Charles Cave, que bailaba a sacudidas y sumido en una especie de trance. White Lies tiene un estilo marcado, no pueden evitar ser clasificados en la música “dark” o “moody”: al fin y al cabo son etiquetas que ellos mismos han acabado por aprobar. ‘Death’ y ‘Rebirth’ sonaron de forma admirable porque en el directo el teclista se permitía la libertad de jugar con los sonidos, libertad con las distorsiones acústicas e incluso introducir sonidos más electrónicos, como hizo en ‘Rebirth’. Querían convertirse en una banda internacional y es algo que están consiguiendo gracias a la fuerte promoción que se les está dando, actualmente con una gira por Estados Unidos que seguirá hasta julio. Su directo es de un disfrute exquisito, pero por lo pronto no estarán en España hasta verano, en el Festival Benicàssim. Si adoras a Joy Division o, por ejemplo, a Interpol, este grupo te turbará.

PLÁSTICA #04

PLÁSTICOS Y ETÉREOS lines junto a las cuerdas de siempre y las tonadillas xilofónicas que tanto nos gustan. Especial mención a la canción homenaje a Russian Red, con quien tienen una relación muy especial, titulada ‘Ejército Ruso’. Juegos de un minuto como ‘Tortilla’ al ritmo de un ukelele, o cánticos celestiales a modo de balada en ‘No un francés cualquiera’, y mi favorita, ‘Pollo Frito’, canción desgarrada donde las haya, cantada con rabia felina. No será mejor, pero no está nada mal. MARÍA YSASI

álbum maquetero, ‘Anntona es buena persona’ empezó a correr de disco duro en disco duro. Ahora, su dedicación a la canción y la mayor definición de Anntona como proyecto diferenciado y con señas de identidad propias, muestra unos frutos que, pasando por un sonido más cuidado, más colaboraciones de relumbrón –La Bien Querida, Cristina de Clovis, Luís de Espanto y Jorge y Ariadna de Los Punsetes- y unas canciones que van del gamberrismo de ‘Dos paquetes cien’ a la belleza melancólica de ‘Podía volar’ o ‘Ausencia de miedo, logran que ‘En la cama con Anntona’ sea no sólo un pequeño gran disco, sino un disco inmenso. RAÚL QUERIDO

ANNTONA – En la cama con Anntona

BONNIE ‘PRINCE’ BILLY – Beware

Manu Sánchez es uno de los compositores más brillantes que se han dado a conocer en la última hornada del pop en castellano. Ya había deslumbrado con sus melodías de sencillez pop, inmediatez punk, nervio noise-rock y lucidez infinita en las letras, con Los Punsetes, cuando su

Country-folk que llega desde Kentucky con piano, guitarra, batería y violines; nuevo kit para ‘Beware’, el álbum que Bonnie ‘Prince’ Billy ha editado con Domino. Termina un disco y ya prepara otro, y vuelta a empezar, sin descanso -desde 1993 son catorce referencias discográficas-.

música en vinilo, CD, musicassete y MP3 caracteriza en ‘Allí donde solíamos gritar’, ‘Incendios de nieve’ o ‘Segundo asalto’, de ese otro lado más macarra y sarcástico en temas como ‘Miau’, ‘El electroplasta’ o ‘Te hiero mucho (Historia del amante guisante)’. MARTA VERRIER

LOVE OF LESBIAN - 1999 Si los chicos de LOL se habían propuesto hacer felices a sus fans, está claro que lo han conseguido: poder saborear algunos de los temas de su nuevo disco, 1999, en exclusiva por Myspace… ¡todo un lujo! Y el pasado 24 de marzo ya se podía adquirir de manera física esta nueva prueba de que para ellos, un nuevo trabajo es un nuevo éxito y no queda sitio para las decepciones. ‘Maniobras de escapismo’ impactó, sorprendió, encantó hasta la más absoluta idealización; ¡Quién iba a pensar que sería superable! Lo fue cuando aparecieron de pronto, contándonos ‘Cuentos chinos para niños del Japón’. Y ahora han querido viajar en el tiempo, concretamente hasta 1999, de donde se han traído lo mejor que podían ofrecernos: catorce temas en su línea habitual , sabiendo separar ese lado íntimo que les

MANOS DE TOPO – primero era mejor

De lo que no peca Manos de Topo es de prepotencia, y es comprensible: después del exitazo de ‘Ortopedias Bonitas’, que nos dejó a todos afectados, éste álbum podría ser una extensión. Quizá no tenga la fuerza para enganchar a nuevos adeptos pero desde luego sí para afianzar al regimiento ortopédico. Manos de Topo siguen cantando al desamor (incluyendo en todas las canciones la palabra corazón), el abandono y la injusticia emocional, con la peculiar voz de Miguel Ángel y el respaldo mágico de una banda que sabe lo que hace. Vientos y vio-

“Dentro” de Bonnie ‘Prince’ Billy http://www.myspace. com/princebonniebilly está Will Oldham, actor, compositor y cantante, un hombre tres-en-uno, multifacético e imparable. Su voz particular y melancólica mece los sentidos; cuando escucho ‘Beware’ me imagino recorriendo la seca Arizona con un viejo coche y unos amigos… tal vez he visto muchas películas, pero es cierto que la música teletransporta; así lo consigue ‘Prince’ Billy en este álbum, que emplea muy de vez en cuando hasta coros celestiales. De entre las trec canciones, destacan ‘Heart´s arms’, ‘I don´t belong to anyone’ y ‘You can´t heart me now’, por su giro musical, su lírica y el sello simbólico de los instrumentos. JESSICA LÓPEZ

amalgama de las melodías del Bob Dylan más accesible con el malrollismo paranoide de Love y el permacabreo del joven Lou Reed. ¿A que, así sobre el papel, la cosa promete? Pues les juro que, girando en su tocadiscos particular, eso ya es un no parar, porque aquí hay de todo, y rico, y variado: cantos lisérgicos, rock proto-heavy cargadito de fuzz, folk urbano, coros infantiles siniestros pre‘The Wall’, blues de andar por casa, melodías tiernas casadas con letras chungas… Todo ello, en media horita escasa de duración. La monda, oigan. Pregunta del joven abuelo que estoy hecho: ¿por qué ya no se hacen discos así? EL HOMBRE SENTIMENTAL

FLOW – ‘Echo en Mexico’ RODRIGUEZ - Cold fact Reedición de esta joyita perdida publicada originariamente en 1970, y devuelta a la luz e interés públicos gracias al fino olfato de David Holmes -que coló la grandiosa Sugar Man en su magnífico DJ-set ‘Come Get It I Got It’-. Imagínense algo así como una

Fernando Vacas ha viajado a México para crear unos nuevos Flow. Músico inquieto, creador de su propia discográfica y reinventor constante de sí mismo a través de proyectos con cuerpo para dar albergar las ideas musicales que no tienen cabida en el espíritu de Flow –Prin’ La Lá, Leire...-, el año pasado

PLÁSTICA #04 fue suyo como productor del álbum de Russian Red, hito que trascendió por su repercusión las fronteras del indie. Ahora, con este álbum esos límites vuelven a quedar desdibujados, como también ocurre entre las fronteras mexicana y estadounidense. El sonido y las letras del nuevo disco de Flow mezclan elementos del rock americano, la lírica popular española, un pop directo e intemporal y el enfoque de la peculiar lente del smog sobre México D.F. Con la participación de Tito Fuentes (Molotov), estamos ante una obra llena de luz, accesible y clásica pero también mestiza, en un sentido atípico. Prueba de ello es que el propio Vacas ha puesto a disposición de sus oyentes cada una de las pistas del álbum para que cada cual las remezcle a su gusto. Habrá que probar ¿no? RAÚL QUERIDO

PLÁSTICA #04

aquellos interludios tribales que entrecortaban sus evocadoras cascadas de acordes -tan propios del acid house de principios de los noventa- jamás han sido de mi agrado. Me fascinaba, eso si, la capacidad que tenían para las melodías, y esa forma de hacer de una canción pura mantequilla, suave y luminosa. Pero luego, de repente, en medio de uno de esos mágicos estribillos, pegaban esos loops de biblioteca de editor de música, y me echaban mucho para atrás. Tampoco me coinciden mucho por edad, así que para mi este ‘Yes’ es algo así como el disco que me descubre definitivamente a los chicos de la tienda de animales. Y además, creo que lo será también para muchos otros compañeros de generación, por la redondez de sus temas, directos, fascinantes y accesibles (‘Love etc’, ‘Pandemonium’ o ‘The Way It Used To Be’ son tres clásicos instantáneos). Da la sensación de que se han vuelto a reinventar, han depurado su sonido, se han rejuvenecido… y sin embargo, suenan igual que hace veinte años. Algo por otra parte, no al alcance de todos los grandes. VÍCTOR ALGORA

La discográfica Nettwerk ha sido la encargada de sacar el nuevo single de Ladytron, ‘Tomorrow’. Una canción electrónica menos agresiva, con épicos sintetizadores poco distorsionados y un sonido más suave que el resto del álbum. ‘Tomorrow’ cuenta con una efectiva postproducción y una letra maravillosa, “I don’t hate you or want you enough to wake you…”. Perteneciente a su reciente cuarto álbum, ‘Velocifero’ -siempre con unos sonidos retro y futuristas algo oscuros-, el sencillo ha quedado muy ambiental, con un giro que hace a la canción más experimental y chill-out que el resto del LP, synth-pop. Además de la versión del álbum, el single incluye nada menos que seis remezclas –desde el mero retoque hasta la deconstrucción- con las que Ladytron http:// www.myspace.com/ladytron resurge otra vez de las profundidades de la naturaleza inglesa, envueltos con mucha más energía y un futuro de triunfos, teloneando a The Faint y Depeche Mode en fechas próximas. JESSICA LÓPEZ

Róyksopp han sido hasta ahora el más claro ejemplo de cómo salvar el culo con un disco donde los singles no brillan por su presencia y, normalmente, el resto de canciones, tampoco son muy radiables. La fórmula sigue siendo la misma desde el principio: dedicarse a hacer bonita música electrónica, llena de coros luminosos, sintetizadores azulados, preciosistas teclados de alma pop, y entre canción y canción, meter dos o tres singelazos de esos que te quedas muerta en el sitio y pedir que te las canten unas cuantas estrellas del firmamento sueco. Debo decir, que en este último, hay más de tres impactos como los fueron en su día “Remind me” o “What else Is There?, y que sinceramente, no creo que haya una fórmula a la hora de hacer pop.Lo que está claro es que Röyksopp son ya inconfundibles (me río yo de los que decían que eran una copia de Air) y si no escucha el primer sencillo de este ‘Junior’, ‘Happy Up Here’, y dime si no suena a Röyksopp hasta la médula. ¡Y hay más!: ‘The Girl And The Robot’ es desde ya una de las canciones del año, y me atrevería a decir que de la década. VÍCTOR ALGORA

LADYTRON – Tomorrow

RÖYKSOPP – JUNIOR

TRIGGER – ‘Black panther’

Trigger, el proyecto musical creado por dos Robertos Paramio y Roberto Castán, ha debido atravesar unos años de cierta incertidumbre discográfica, aunque siempre sin dejar de producir canciones o alternar este con quehaceres más experimentales (Heartbeaters). Ahora, de la mano de la inquiera Algoenblanco Records, presentan su primer larga duración, con la incorporación del vocalista Rodrígo Fernández. ‘Black panther’ es un disco lleno de sonidos de electrónica analógica y pensado para la pista de baile. Si bien el guitarreo sobre cajas de ritmo disparadas, con toques incluso EBM, no resulta novedoso, el resultado está cuidado –como se espera del buen hacer de dos músicos tan enamorados del punk como del krautrock- y el disco es 100% disfrutable. Eso sí, ojalá su próxima entrega venza cualquier timidez y se lance a las letras en castellano, que por su pasado musical común –en Galáctica y Lofi, con los que dejaron interesentísimas muestras de talento para el technopop- sabemos que no se les resisten y, casi siempre, nos cuentan algo más, a la vez que nos hacen bailar. RAÚL QUERIDO

PET SHOP BOYS – Yes Quizás no sea yo el más indicado para hablar de Pet Shop Boys, ni de esta, su última entrega. Nunca los he seguido en exceso y a enas conozco de ellos más que sus éxitos más sonados. Es más, si tengo que ser sincero, nunca me atrajo mucho su forma de hacer música;

PAL – Error de Fábrica 45

Desde Toledo y en carne viva, aterriza el tercer y muy esperado trabajo de PAL: ‘Error de Fábrica’. Lejos de lo que este nombre indica, PAL ha acertado dando un giro estratégico a su oscuro sonido de cámara para volver a los orígenes del rock. Después de un encierro mesetario, los de Toledo presentan once temas grabados en rabioso directo que danzan cercanos al punk, mezclados con sonidos básicos y repetitivos, casi tribales. Carlos Toronado, esta vez algo más atrevido con su voz, con un tono menos grave y más desnudo, disecciona la sociedad junto a sus compañeros con su arma más potente: las letras, que siguen siendo un ataque cargado con bombas de filosofía de altos vuelos, en la línea de su aclamado trabajo ‘Canciones hacia el fin de una especie’ (2006). Así, la televisión, los gobiernos y los discursos de ciencia ficción vuelven a ser protagonistas en canciones explosivas como ‘Libre mercado’, ‘No los quiero conocer’, ‘Intertoto’ o el contagioso single ‘La última letra del alfabeto’; canciones que se mueven entre el rock clásico de Bo Diddley y el punk rockabillero de The Clash y que, tal y como ellos dicen, “invitan a bailar a la pata coja”. Con todo, ‘Error de Fábrica’ podrá suponer un shock para sus antiguos adeptos, un riesgo que acarrea todo cambio, pero sin duda es también un ejercicio de estilo que marcará un antes y un después en su historia. ESTHER LOPERA

PLÁSTICA #04 que hoy sea el día’), para demostrar que La Buena Vida sigue, y eso hay que celebrarlo. RAÚL QUERIDO

LA BUENA VIDA – Viaje por paises pequeños Cambio de compañía discográfica y, sobre todo, cambio de formación. El grupo abanderado del “sonido Donosti”, y uno de los más exitosos y admirados del panorama independiente español se ha quedado sin la voz de Irantzu Valencia, que ha dejado el grupo para dedicarse a la vida más reposada. Pero claro, además de admirar a Irantzu por poder permitirse tan dulce retirada, hay que decir que aquí no estamos hablando de “orejasdevangogh” ni de castings de cantantesimitadoras. La Buena Vida ha demostrado a lo largo de cerca de dos décadas ser un grupo lleno de talento y capacidad de reinvención manteniendo sus señas de identidad. La solución: Mikel Aguirre asumirá la voz principal; y las voces femeninas quedarán para los coros. Así es en la canción principal del EP con el que los guipuzkoanos han mostrado su buen estado de forma. Versión preciosista del mítico tema de Derribos Arias más un par de inspiradas composiciones nuevas (‘Año bisiesto’ y ‘Puede

THE WET SECRETS - Rock fantasy Se me ocurren muchas cosas que decir sobre este grupo maravilloso y tengo poco espacio, de modo que hala, para ir abreviando: así, exactamente así sonarían Arcade Fire si en lugar de ser almas sensibles con tendencia a la épica fueran gamberros borrachuzos con muchas ganas de follar. Discazo al canto, y sensación de que un concierto de estas malas bestias debe ser una juerga monumental. ¿Para cuándo gira europea con parada cerca de mi casa? Puños en alto y venas gordas en el cuello: ‘Everybody loves a parade now, don´t they?’. EL HOMBRE SENTIMENTAL

PLÁSTICA #04

FRANÇOIS & THE ATLAS MOUNTAINS – Brother EP Editado por el pequeño sello Lejos Discos, este EP es una joya, en realidad un doble single en vinilo. Dos discos de 7” que incluyen cinco canciones a cada cual más bonita. Y, además, hay de todo, desde el cadencioso ritmo de ‘The way to the forest’, los colchones de voces y acústica de ‘Night lights’, el guateque de ‘Tracey Emin’, la instrumentación ambiental de ‘Hiver’, hasta esa maravilla que es ‘Woman weating coats’, que te puede hacer llorar de felicidad. Cualquiera de las canciones puede hacerlo. Editado en diciembre de 2008, ‘Brother EP’ debería convertirse en uno secreto difundido bocaoreja (y blog-blog) a lo largo del 2009. Desde luego, ya es uno de mis lanzamientos preferidos del año, y una colección de canciones que me acompañará muchos, muchos meses en adelante. Exquisita mezcla de estilos, pop inglés y elegancia francesa: ¡no te resistas! ¡Pon este (doble) vinilo en tu vida! RAÚL QUERIDO

BOAT BEAM shapes

–

Puzzle

Boat Beam son Josephine, Alisha y Aurora, australi-

ana, americana y española respectivamente que, unidas en Madrid y por la música, demuestran su capacidad para viajar y transportanos con su música. Dotadas de un talento vocal e instrumental, y de una creatividad desbordantes, se valen con igual acierto de la guitarra, el violonchelo, el piano o la viela, para componer paisajes sonoros. Esto puede sonar a propuesta demasiado evanescente, incluso cursi. Pero nada de eso: ‘Puzzle shapes’ es, al contrario, un álbum sólido y que enfatiza mucho más en el ritmo y la melodía que en la atmósfera. Lo que ocurre es que esta aparece, producto del refinamiento artístico de las autoras. Con una propuesta cercana a Tori Amos, pero pasada por la ardiente mirada rock de PJ Harvey, el espíritu un punto circense de los Dresen Doll insufla juego y colorete a un conjunto de canciones que palpita y bombea sangre ardiente. En los cuarenta minutos que dura el álbum a uno le da tiempo tanto a soñar como a proclamar la revolución. ¡Y en directo dicen que son aún mejores! RAÚL QUERIDO

DISCO DEL MES: LA BIEN QUERIDA Romancero

Foto: Laura Encursiva

Ya lo anticipábamos en el número anterior: el debut discográfico de Ana Fernández-Villaverde iba a ser de lo más sonado del año. Y no sólo eso: también iba a ser de lo mejor de 2009. Porque, sin desmerecer a los discazos que, sin duda, están por llegar, es poco probable que muchos se sitúen a la altura creativa de este romancero moderno pintado con trazo firme por La Bien Querida. Y va a ser difícil por muchas razones: porque ni es fácil componer canciones hermosas y profundas con la sencillez que lo hace Ana, ni es probable que nadie que no sea el propio David Rodríguez (Beef, La Estrella de David), productor del disco, sepa indagar con tanto acierto en los sonidos más originales y, no obstante, supeditarlos con semejante limpieza a la canción y a la voz; la voz de Ana que, ninguno como él sabría tratar con tan preciso amor. Además, el primer LP de La Bien Querida cuenta con un sello como Elefant detrás, que ha mimado a su artista y le ha

facilitado lo que ha ido necesitando para que, en cuestión de músicos, haya contado con una nómina de artistas tan completa como talentosa. Y además, la posibilidad de madurar este debut lo suficiente como para dejar pasamados a los que ya estábamos enviciados con la maqueta y, ahora -sin perder el vicio-, estamos sorprendidos. Se podría citar la lista de temas, el “tracklist” completo, uno por uno –con parada y fonda en esa colaboración con el Joe Crepúsculo más tierno, en ‘ADN’ y la producción discotequera a medias entre Crepus y David en la hermosísima ‘9.6’- y constatar que todos son aciertos. Ahora es el momento de pasmarse con el primer single, ‘De momento abril’, de que los fans de Chinarro y Los Planetas ratifiquen que lo son también de La Bien Querida; y de que los oyentes asentados y los nuevos sigan escuchando y entrando en el mundo al que nos invita Ana, su ‘Romancero’, renovador y universal. Precioso. RAÚL QUERIDO

PLÁSTICA #04

vídeo

1- La Buena Vida – ‘Viaje por paises pequeños’ La voz cantante del grupo donostiarra ahora es la de Mikel, que en este nuevo EP del grupo hace suyo un tema mítico del desaparecido Poch (Derribos Arias). El videoclip, con la participación de buena parte del entorno de la nueva compañía del grupo -El Volcan Música- trasmite humor, viveza, melancolía, precisión y preciosismo. O sea, la perfecta mezcla de lo que fue Derribos Arias con lo que ha sido, es y será La Buena Vida.

PLAYLIST TEXTO RAÚL QUERIDO

¡Oh, todopoderoso anunciante! Que en los nuevos medios confía Confíe sobre todo en mi Que yo le haré llenar su alcancía.

info@plandefuga.org

2- PJ Harvey & John Parish – ‘Black hearted love’ Los autores del clip han dicho que ellos hacen vídeos “para provocar que la gente salga a la calle y quemen sus coches”. Como yo no tengo auto, prefiero quedarme en casa y ver a PJ arriba y abajo, una y otra vez, embobado.

3- Los Punsetes – ‘Fondo de armario’ Con unos medios limitados aprovechados al máximo a base de talento, el segundo clip de la banda más lúcida con la cantante más estática ha captado, en dos minutos, la esencia de su propuesta: directa, sobria, aguerrida, muy adictiva.

4- François and the Atlas Mountains – ‘Hold on twice‘ Creador de desbordante talento, François no sólo es capaz de estremecer con su música –su último EP es un prodigio de emoción y alegría-, sino que además es un excelente acuarelista. A partir de sus pinturas se hizo este vídeo.

5- Bloc Party – ‘One month off’ Una inyección de techno les hizo recobrar en parte el pulso y el nervio exhibido en ‘Silent alarm’. Sus últimos singles, además, han contado con vídeos impactantes: este lleva el horror de la guerra al mundo animado de los cuentos infantiles.

6- Oblique – ‘My medicine’ Dibujos en 2-D para un tema lleno de volumen. Contundencia y detallismo para ¡bailarrr!

7- Dead or Alive – ‘You spin me round (like a record)’ Con Pete Burns en el hospital y Flo Rida destrozando mundialmente su hit, es el momento de acudir al original. ¡Irresistible!

8- Jack Peñate – ‘Tonight’s today’ Tipo (más bien) soso –o sea, Peñate-, más extrañas situaciones, más música pegadiza = un hit

9- Ray Rumours – ‘Mr Bear’ El festival Abril no tan Cruel la trajo a Madrid.

10- Lily Allen – ‘Not fair’ Más sexy que nunca, que bien le sienta a inglesita más dulcemente terrible el aire de oeste americano. BONUS- La Bien Querida – ‘De momento abril’ Por fin podemos ver a Ana, David y el resto del grupo en acción, en un clip original y sorprendente , realizado por Marc Lozano. ‘Romancero’ es intimidad, representación, cercanía, alegría por ser capaz de emocionarse. Y todo eso, está aquí.

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aparcados pendientes de estreno. Así, películas como ‘Los cronocrímenes’ de Nacho Vigalondo, o ‘Aparecidos’ de Paco Cabezas tardan un año entero en ver la luz, y cuando se estrenan lo hacen con una promoción mínima y una presencia en salas tan justita que impide que el espectador medio se entere siquiera de su existencia. ‘Mentiras y gordas’ es una película con carácter claramente comercial. Su principal reclamo es su planteamiento atrevido -escenas picantes; sexo, drogas y más drogas- y un reparto de grandes éxitos (actores y actrices con tirón adolescente) proveniente las series televisivas con más audiencia. Puede que no sea una gran película -o sí; a día de hoy aún no lo he comprobado- pero es un producto bien empaquetado y bien vendido para atraer a la gente al cine. Y, oh sorpresa, la gente ha querido ir a verla.

A menudo oímos desde la prensa voces alarmantes proclamando la pérdida de cuota de mercado del cine español frente al todopoderoso invasor yanki, con cifras que rondan casi siempre el 15%, a pesar de que en ocasiones se traten de maquillar –o engordar- dichas cifras considerando películas como por ejemplo ‘El reino de los cielos’ como “cine español”: si bien es cierto que hay una mínima participación española en la producción de la película, uno no suele pensar en Ridley Scott ni en Orlando Bloom como grandes valores de la cinematografía española. Lo curioso es que la película más vista del 2007 sí que fue española -‘El orfanato’ de J.A. Bayona-.

TAQUILLA, INDUSTRIA Y CINE ESPAÑOL mentiras que engordan TEXTO MARIO PARRA

El fin de semana del 27 de marzo la película española ‘Mentiras y gordas’ de Alfonso Albacete y David Menkes –y con guión de la nueva Ministra de Cultura, Ángeles González-Sinde- se situó en el número 1 de la taquilla en

España con unas más que respetables cifras de asistencia. La vez anterior que una película española ocupó semejante lugar fue en enero del 2008, con el estreno de “Los crímenes de Oxford” de Alex de la Iglesia. 50

La “industria” (importantes comillas) del cine español sufre desde hace años un mal endémico: está “dirigida” (comillas de órdago) por gente que no sólo no tiene ni idea de cine, sino que tampoco siente un atisbo de amor por él. Cada año se producen más de cien películas españolas, de las cuales apenas diez consiguen una recaudación mínimamente presentable en la taquilla. Cada año se repiten las mismas estadísticas y, sin embargo, todo sigue igual. Desde la academia de cine, y en cada entrega de los Goya oímos a los profesionales quejarse amargamente de la piratería y de internet, porque suponemos que es un hecho conocido y comprobado que ‘Los girasoles ciegos’ se descargó más veces desde el emule que ‘El caballero oscuro’ o ‘Kung fu panda’... errr, sí… claro… La triste verdad es que se producen de forma sistemática películas de calidad más que discutible que no hacen más que empobrecer año tras año el panorama del cine nacional, mientras que productos algo más arriesgados, o simplemente diferentes, se quedan

La gente está dispuesta a ver propuestas nuevas si se las vendes de forma correcta. La televisión es una prueba de ello. Los resquemores y prejuicios contra el cine español se han ido superando y uno diría que casi son cosa del pasado. Más si tenemos en cuenta que semana tras semana, las series de televisión más seguidas son las de producción propia de las cadenas generalistas. Ahora a los que les toca evolucionar es a los señores que poseen el poder de aprobar y vender proyectos, superar de una vez las películas sobre el niño descubriendo el mundo adulto, la guerra civil y sus alrededores, y las adaptaciones de Galdós de cartón piedra. Y empezar a pensar en el espectador que busca que le entretengan, diviertan, emocionen y sorprendan durante 90 minutos. Ya viene siendo hora…

PLÁSTICA #04

GALERÍA EL COLUMPIO a lápiz TEXTO EDUARDO LINDES

ización no se convierta en rutina para el visitante?

Columpio practica sobretodo “el amor por el dibujo a lápiz” ¿un genero olvidado por el mercado y por el propio artista?

Creo que dentro del campo del dibujo y la obra sobre papel, las propuestas estéticas son muy diversas. En estos casi dos años, en el programa de exposiciones, han estado presentes el hilo y las perforaciones, el collage, el origami, la joyería, el objeto de papel, la autoedión de libros o fanzines… y otros proyectos que veréis.

No sólo por el dibujo a lápiz… El dibujo ha estado presente desde el comienzo del hombre y hasta la actualidad. Sin embargo en las exposiciónes que se hacen en museos y galerías no ha estado tan presente el dibujo como la pintura o la escultura, la fotografía, etc. Esto está cambiando y cada vez es más común ver, no sólo los bocetos de pintores y escultores consagrados, sino también exposiciones de artístas cuya producción es mayoritariamente el dibujo.

Ser la fundadora de una galería es algo totalmente enriquecedor por el continuo trabajo de investigación que hay que llevar a cabo. ¿Qué te movió a crear tu propio espacio para la difusión de otros artistas?

Un dibujo cotidiano… Me atrae la obra en diferentes soportes pero tengo especial debilidad por el dibujo y el papel. Es un campo que me interesa y pensé que podía ampliar y profundizar en él. Columpio pretende, por un lado, ser un espacio para el diálogo visual y educar la sensibilidad hacia el dibujo y, por otro, acercar el dibujo actual a nuestra cotidianidad. La gente no está habituada a adquirir obra original, no tanto por el precio de la misma, como por la falta de costumbre.

Para mi, el dibujo tiene algo muy sincero en el trazo y la manera de ejecución. No suele haber capas que tapen acciones anteriores. En la mayoría de las veces el soporte es papel, lo que trasmite una sensación de fragilidad que me parece muy humana.

Sabemos de tu faceta artística pero nos asalta una duda totalmente opuesta a tu obra. ¿De dónde saca la inspiración una galerista?

¿Tal vez las ganas de conocer la obra de otros y así enriquecer la tuya?

Yo no hablaría de inspiración. Columpio es un proyecto en curso independiente de mi labor artística. Son cosas diferentes y no opuestas. Potencio los puntos que tienen en común y las diferencias, algunas, no las tengo en cuenta.

Conocer la obra de otros autores es siempre interesante aunque considero que la obra de un artista es la exteriorización de algo interior y por lo tanto es un proceso personal.

Columpio está muy limitado o muy especializado –según la óptica con la que se mire-. ¿Cómo consigues que tal especial-

Espacio de Dibujo Contemporáneo. C/Torrecilla del Leal nº 7 Madrid

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PICTOPLASMA lenguaje gráfico independiente TEXTO JESSICA LÓPEZ

Pictoplasma es una nueva enfermedad con importantes efectos visuales de arte y diseño contemporáneo a través de medios digitales, pinturas, peluches, fotografía e ilustraciones. Una enfermedad que durará hasta el 3 de mayo.

del diseño y arte de personajes. Junto a esta inauguración y como cada año, el festival Pictoplasma cuenta también, de forma paralela, con actividades y exposiciones por treinta galerías de Mitte, Prenzlauer Berg y Kreuzberg, incluyendo trabajos de artistas como AJ Fosik, Akinori Oishi, Ben Frost, Borris Hoppek, Doma Collective, Doudouboy, Edwina Ashton, Friends With You, Gary Baseman, Golan Levin, Hideaki Kawashima, Ian Stevenson, James Marshall, Jeremy Dower, Juan Pablo Cambariere, Mark Ryden, Motomichi Nakamura, Nagi Noda, Olaf

El festival comenzó a finales de marzo en Berlín con la exposición Pictopia en la Haus der Kulturen der Welt, que se convierte este año en el núcleo de Pictoplasma y la primera presentación y celebración a nivel mundial del fenómeno

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Breuning, Sam Gibbons, Shoboshobo y Tim Biskup entre otros.

do va girando sobre sí mismo, todo bajo varias luces de neón. Y lo que no hay que perderse en ningún caso son los divertidos y provocadores dibujos de , en los que crea un mundo rosa de mujeres y pequeños seres difícil de describir. Por otro lado y de forma parelela está el Character Walk un tour por las diferentes galerías y espacios de Berlín, mostrando desde diferentes posiciones del trabajo de los artistas. Destacan los robots de madera del artista plástico argentino Cambariere, o la instalación de la diseñadora suiza , que presenta figuras geométricas animadas en un TV show proyectado en la fachada del Colegio Húngaro de Berlín. Nadie repite estilo ni temática... los artistas London Police y Flying Fortress transforman una gasolinera en un graffiti espacial y los diseñadores ingleses dibujan una tienda erótica para pandas. Pictoplasma divierte, abre la mente, despeja, llama la atención, fomenta las ideas, cambia la visión, hace reír y experimentar nuevas sensaciones. Todo lo que hay expuesto es curioso e ingenioso. La pequeña galería-librería Neurotitan -donde hace poco expuso la cantante de Stereo Total, Françoise Cactus-, muestra hasta mayo las obras del grupo artístico “I am 8-bit” cuya temática es el píxel, mientras que la instalación de los rusos Protey Temen enfoca su arte en una combinación de constructivismo y pop.

En 1999 fue el año en que comenzó este más que interesante festival que se ha convertido en la primera plataforma importante para la distribución y promoción del arte contemporáneo. La calidad de la programación es espectacular, workshops, proyecciones, conferencias, simposios, exposiciones y performances. Como la de Jared Gradinger y Angela Schubot ; o la performance Gob Squad donde un grupo de personas toman las calles, dando vueltas por la ciudad y filmando con cámaras sincronizadas el happening. En cuanto a la exposición Pictopia… “pintaba” mucho más grande de lo que en realidad es: las obras están expuestas en un espacio más o menos pequeño, pero la diversidad, creatividad y calidad de los trabajos presentados es infinita. Obras que juegan con el folclore, los códigos visuales del pop, dibujos de cómic y logos de marcas, una mezcla hecha en una buena coctelera. Viene a ser una exploración de la gran diversidad de personajes del universo, donde los artistas han mezclado, símbolos, rituales bizarros, condensando lo surreal y plasmándolo a veces en grandes proporciones para introducir sus personajes en la cultura contemporánea. Trabajos interesantes a destacar, por ejemplo, los de con ilustraciones muy elaboradas y fotocollages creativos llenos de color y con elementos y estética tribual. También llama la atención la obra del ilustrador francés que tiene una instalación llena de espejos con un peluche Koala de proporciones gigantes y que de vez en cuan-

El festival se abre a todas las formas del arte ilustrativo posible. ¿Desde cuándo pintar y dibujar es sólo para niños?

PLÁSTICA #04

Equipo yPLÁSTICA amigos de#04 PLÁSTICA

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plástica

Mayo 2009 Año 01 Nº 04

Si te ha gustado, por favor, extiende la voz.Y si tienes cualquier comentario o sugerencia, nos puedes encontrar en: info@revistaplastica.es

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