Plastica #02 -Cola Jet Set-

Cola Jet Set

Ricardo, Pelle Carlberg, Espanto-Crepus-Damunt, T. Murakami **** Febrero 2009 Año 01 Nº 02

PLÁSTICA #02 - Bienvenidos

ed i tor i al el pop es lo que dura ¿Qué es el pop?

Intentar definir un término tan amplio en poco más de cinco párrafos es imposible. Suerte entonces que no es, para nada, la intención de este editorial delimitar el significado de una palabra felizmente polisémica y que se aplica tantas veces a conceptos casi antagónicos y, no obstante, no necesariamente desacertados. Porque pop puede ser casi cualquier cosa, incluso lo que en un principio es anti-pop, luego se asimila, se integra en la cultura popular -de ahí viene el término- y lo que era subversión de rompe y rasga acaba siendo dulce mercancía con la que traficar, como quien vende y compra sueños.

Oh, todopoderoso anunciante que a sus clientes quiere llegar únase a nosotros sin duda que juntos lo podemos lograr.

info@plandefuga.org

Pero ¿de verdad pop y comercial son sinónimos? Esperemos que no. Es más: neguémoslo desde ya mismo. Comercial es sinónimo de “vendible”, y el pop, aunque se le ponga precio, sin embargo no es popular porque se comercie con él, sino porque el contacto, la exposición al mismo, lleva a que lo hagamos nuestro, lo atesoremos y lo difundamos casi sin poder evitarlo.

En la música, es como ir grabando nuestras canciones favoritas en una cinta mental, abierta, que de pronto hacemos sonar un día, compartimos, y nos damos cuenta de que su sonido ha quedado grabado en la cabeza y el corazón también de otra persona que nos escuchaba. Así se extiende, sí. El pop es pop no porque cueste, sino por lo que vale; no porque sea comprado o vendido, sino porque es compartido.

Es conciso, directo, eficaz, puede ser suave sin dejar de ser contundente.

La música pop pervive, porque se comparte y se difunde. Nada más lejos de pop por tanto que esas canciones comerciales, multimillonarias en ventas a fuerza de marketing, que no se comparten sino que se imitan, y que se olvidan pasado el eco de su machaconeo, terminada su temporada en el candelero, para dejar paso a otras nuevas. Mientras, a los Beatles y

a Family, los seguiremos escuchando.

También a muchos de los artistas que aparecen en nuestras páginas y que prueban que si una obra, fiel a unos planteamientos asentados, no deja de renovarse, la carrera de su autor puede extenderse en el tiempo tanto como su público quiera. Y su público se irá renovando también, comunicando su predilección por el autor y su obra, aproximándolo a la única inmortalidad que puede alcanzarse en la tierra.

Así, es gozoso contemplar como los cercanos Cola Jet Set no reniegan de su conexión con los Fresones Rebeldes, pero son honestos y no viven de ella; como Kiki D’aki volvió veinte años después y se ha quedado, desde entonces, haciendo discos sabios y frescos; y como Nick Garrie -su vida es una epopeya- fue reclamado por generaciones de nuevos fans y eso le hizo volver a la música, volver al pop. De igual manera, es un placer contar uno a uno los veinte años de Elefant. O los treinta años que cumple Juán de Pablos al frente de Flor de Pasión, un espacio que nació clásico y que, a base de su interés por lo más nuevo, nunca ha dejado de renovarse.

Es una alegría comprobar que quien con sinceridad se dirige a los demás, en este caso compartiendo su música, la que hace, la que le apasiona, consigue permanecer sonando y que ese eco cristalino no se apague, sino que se difunda y permanezca.

Porque que el pop es lo que dura.

PLÁSTICA #02 - Comenzamos

OCHENTAS

la década que nunca se acaba TEXTO RAÚL QUERIDO Nada mejor para empezar un nuevo número de esta revista que un titular inquietante y un subtítulo que complete el susto. Porque lo de “la década que no se acaba nunca”… ¿no se referirá a la infame Década Prodigiosa, que se resiste a extinguirse y, de vez en cuando, reparece? En 2008, cual bestia bicéfala, por partida doble se presentó a Eurovisión.

De acuerdo, mucho se puede criticar de los ochenta. Pero conviene recordar que también fue una época de grandes logros musicales, tanto dentro de la música de baile, los sonidos sintetizados y el pop pegadizo, como de la mezcla de música anglosajona con ritmos exóticos, y por supuesto de la crudeza desolada del after-punk y músicas siniestras.

Y lo de ‘Ochentas’, ¿acaso no es el título del ese ciclo de discos con los que Soraya ha tratado de destrozar algunos de los hits bailables de entonces? Sí, pero no hablaremos aquí del bilingüismo discotequero retro de “Poyeya”, sino de formas bastante más dignas de revival.

De la reciente partida del regreso ochentero actual y cantado en inglés, encontramos grupos y artistas más o menos recomendables dentro de todas las categorías posibles. Destaca desde luego la inmediatez pop Ladyhawke, el barroquismo de Empire of the Sun, el bronceado de Iglu & Hartly, la herencia italodisco de Heartbreak y los grupos de Italians do it Better, el ritmo electrónico con toques graves de The Presets o Midnight Juggernauts, la densidad oscura de las gitarras de White Lies o incluso Glasvegas, el desenfado de The Tough Alliance o Robyn, la actitud hedonista de MGMT, la inquieta fusión de Vampire Weekend, o incluso el parecido tan directo que existe en algún caso –por ejemplo, The Rumble Strips con Dexy’s Midnight Runners-.

Ejemplos de la vigencia de una década que merecería un repaso aparte sobre lo mucho y muy bueno que también nos dejó en España… además de Naranjito.

Porque los ochenta no se acaban, queridos lectores. Pasaron la típica época de desprecio, justo al terminar la década. Pero si el fuego gélido de los noventa los mantuvo congelados, al comienzo del nuevo siglo ya empezaron a tomar calor y color y, hasta hace nada, sonar “a ochentas” era lo más. Ahora parece que empieza de nuevo a dejar de ser cool reivindicar su herencia, pero es una retirada muy paulatina y no definitiva: esto de las modas es cíclico, casi pendular. De hecho, hace unas semanas nos visitó la dama ochentera por antonomiasia de la actualidad, Ladyhawke, y aunque ella –y algunos fans- vistan sin problema camisas de leñador, sus canciones reivindican los ochenta, sí: parecen salidas de una película protadonizada por el joven Matthew Broderick o por la pelirroja Molly Ringwald, probablemente vestida de rosa.

Ropas rosas, de tonos chillones y en superposiciones imposibles; grandes hombreras. Éxitos radiofónicos empalagosos, sobreproducidos; baterías electrónicas fofas. Hair metal…

Volviendo a la música, y al idioma de Shakespeare, yo tengo claro que del 80’s revival, hay que quedar con dos que ya estaban hace más de veinte años: la divina Grace Jones– discazo el suyo reciente- y los glamrockeros The Wolfmen –con dos ex-Adam and the Ants-.

Los maestros, mezclados con sus alumnos, predicando con el ejemplo.

PLÁSTICA #02 - Entrevista

COLA JET SET este grupo está muy bien FOTOGRAFÍA DARUDE TEXTO RAÚL QUERIDO

Cuando nos enteramos de que Cola Jet Set, tras un tramo complicado en su brillante pero discontínua carrera, habían fichado por Elefant Records saltamos de alegría. Fue en una fiesta del sello, un concierto en donde bailamos de lo lindo con su single ‘Suena el teléfono’, que ahora se une a otros doce temas para completar un disco imprescindible, ‘Guitarras y tambores’. El 16 de febrero es su fecha de lanzamiento y, confiamos, el punto de partida para una segunda edad en la vida del grupo, la de la juventud más rabiosamente asentada y duradera, que esté llena de alegrías para ellos y para sus fans.

Para celebrar el estreno del nuevo LP de Cola Jet Set, nos hemos ido a sacarles bien guapos –aunque, desgraciadamente, Joan no pudo estar en la sesión fotográfica- y hacerles un montón de preguntas. ¡Ahí van!

Con una sólida trayectoria detrás, pero también con un periodo incierto reciente, llegasteis a Elefant ¿qué supuso para el grupo encontrar la acogida del sello?

FELIPE: Tuvimos mucha suerte. A causa de la caída de las ventas, la industria discográfica ha tenido que cambiar sus planteamientos y a la vista de las condiciones en que hubiéramos continuado en Subterfuge, preferimos ser libres y autoeditarnos.

Pero por si acaso llamamos a la puerta de Elefant, que eran amigos personales desde hacía tiempo, y les interesó contratarnos con mejores condiciones, aunque hubiera entendido lo contrario.

CRISTINA: Tranquilidad e ilusión. Elefant es sin duda la discográfica más afín al estilo de música de Cola Jet Set, y Luis y Montse son muy profesionales. El entusiasmo creo que es recíproco.

ALÍCIA: Para mí Elefant es el lugar perfecto para un grupo tan “punky” como nosotros. Te digo “punky” porque hoy en día subir a un escenario a aporrear una guitarra eléctrica cantando odas al suicidio o a la sobredosis está más visto que la sopa de ajo y es una señal más del aborregamiento en el que se ha convertido la música moderna (¡basta ya de clónicos de Franz Ferdinand o Los Planetas!).

Lo realmente provocador es cantar canciones de amor y tocar melodías bonitas. ¿Se te ocurre algo más punky o provocador, ante el mainstream o determinados “indies”, que nosotros u otros grupos de Elefant?

Ahora editáis álbum, ‘Guitarras y tambores’, dos palabras a la vez contundentes y evocadoras. ¿Qué vamos a encontrar en este nuevo disco?

FELIPE: Una colección variada de canciones de pop clásico elaboradas con guitarras y tambores, además de teclados “orgánicos”. No estoy en contra de la electrónica o de híbridos para quien así lo quiera, pero yo escogí este camino para dedicarme a la música, y no creo que lo cambie jamás.

ALÍCIA: Un gran disco hecho con mucho amor e ilusión que no sólo gustará a fans.

CRISTINA: Como novedad, al tocar un poquitititín mejor, nos atrevemos con lineas mas soull, incluso funky, disco, ji, ji. El sonido al estilo Byrds de la guitarra de 12 cuerdas, la combinación de voces de Alicia y Ana que dan calidez a las canciones, ¡y los ritmos beat de Joan!

En las letras predominan la vitalidad y la alegría… ¿qué asuntos os ilusionan u os indignan, y cómo los enfocáis a la hora de escribir?

FELIPE: En lo que respecta a mis letras, normalmente tiro de mi realidad más cercana y como de amor voy bien servido, cada vez es más difícil hacer canciones de amor triunfante sin repetirse, pero el ingenio se aguza y se encuentran otros motivos. Nos indigna lo que a todos: la mala gente y las situaciones injustas, aunque eso es muy subjetivo y nunca querríamos esclavizarnos a hacer letras políticas panfletarias.

CRISTINA: Me ilusionan cosas que se pueden compartir con los amigos, el sentir que te quieren, los proyectos, la emoción hacia pequeñas cosas, una canción un gesto… me indigna sobre todo la mentira, la envidia, la avaricia y el trepismo, algún día puede que lo haga, de momento dedicarle una can-

PLÁSTICA #02 - Entrevista Cola Jet Set ción a lo que me indigna es emplear un tiempo que no lo merece.

ALÍCIA: Creo que en general vemos el vaso medio lleno. Pero eso no quita que de vez en cuando tengamos algunas quejas o algunas desilusiones que queramos contar en nuestras historias, ¡siempre desde esa óptica tan colajet!

Os referís en un tema a que “ese grupo está bien”.

Vosotros lo estáis, pero qué muy bien. ¿Qué otros grupos os gustan y sirven de inspiración?

FELIPE: Gracias por la parte que nos toca. Me sería muy difícil decirte uno por encima de los demás, cada mes tiene sus preferencias, aparte de los Beatles, que son mi tótem inamovible. A veces vas a ver un concierto y el artista te llega tan adentro que quieres empezar de cero y montar un grupo “como ése” en cuanto vuelvas a casa, eso es lo que quise plasmar en la canción. Me ha pasado así a bote pronto con Belle & Sebastián, los Auteurs, Airbag, Jonathan Richman, las Donnas… bueno, es que voy a muchos conciertos y me lo suelo pasar muy bien.

CRISTINA: Del panorama nacional hace poco escuché a Los Reservas, me encantó. Cooper siempre, y especialmente Travolta, me inspiran por su perseverancia y ser tan fieles a hacer lo que simplemente les gusta. Siempre que les veo, llego a casa con ganas de escribir y contar cosas, y acabo lamentándome por no tener más talento, ji, ji.

ALÍCIA: Pues de aquí (y de hecho de todo el universo) para mí el número uno es La Casa Azul. De fuera me quedo con dos grupos de Brookyn, The Ballet y las Au Revoir Simone. Inspiración, The Divine Comedy.

FELIPE: Ostras sí, con Divine Comedy también me ha pasado.

El album gusta a la primera, pero también gana con cada escucha. ¿Vosotros tenéis alguna canción claramente favorita de entre las del disco?

FELIPE: Pues tuvimos que dejar fuera algunas canciones, y fue doloroso tener que escoger, aunque tarde o temprano se publicarán todas.

CRISTINA: ‘La pista’. Me lo paso genial tocando y bailando esta canción.

ALÍCIA: Yo encuentro que todas tienen su gracia por una cosa u otra. Pero la que más me gusta es ‘Prometiste volver’. No te sabría decir por qué.

Pero la encuentro perfecta, con ese primer riff de

bajo machacón que te taladra el cerebro. También encuentro muy graciosa le de ‘Cola Jazz Vals’.

Fue como hacer un puzzle de voces. ¡Pero de mil piezas, no de cien!

FELIPE: Si una canción no me gusta, no suele ni llegar al local de ensayo. Dicho esto, entre que piensas la canción, la ensayas con todos y la grabas, el resultado final puede ser superior, igual, o sabes que se ha perdido algo por el camino pero no consigues localizarlo. Coincido con Alicia en que ‘Prometiste volver’ ha sido la más redonda en su plasmación final, la hemos tocado, cantado y grabado en total estado de gracia. La música es impecable, las voces me estremecen, y todo junto es más que la suma de sus partes. El resultado final del vals también me entusiasma, pero fue más industrioso. También me gusta ‘Tonto corazón’, que sin tener estribillo definido, se engancha como un chicle playero

PLÁSTICA #02 - Entrevista Cola Jet Set no adornarse al tocar. No obstante, no puedes negar que desde hace tiempo aunas vistuosismo y sencillez…

FELIPE: Ejem, ¿qué puedo contestar a eso? Bueno, yo siempre intento ser más melódico que de escalas blueseras, aunque con el tiempo también he lle gado a pisotear un poco ese camino. Mis maestros involuntarios han sido George Harrison, Edwyn Collins y Roger McGuinn. Roberto de Los Negativos y Alberto de Brighton 64 me enseñaron cuatro cosas básicas hace 20 años, que me siguen siendo muy útiles.

ALÍCIA: Sí sí sí, estoy totalmente a favor de que Joan cante, ¡siempre que se ponga falda como nosotras!

ANA: Frankenstein da mejor en las películas, a mí ya me está bien que sean dos cosas tan diferentes, mejor no mezclar.

JOAN: Je je, vaya me has pillado. Si es verdad que en este disco no tengo ninguna canción compuesta por mi, para la próxima prometo uno de los hits.

En cuanto a cantar, en directo siempre participo de manera entusiasta en los coros y demás sonidos ¡let’s pop!_

Cristina, en tu canción te muestras tímida, a pesar de tu papel, tan contundente, como bajista. ¿A veces el instrumento musical sirve de escudo?

FELIPE: Que sea sincero, que por chorra o cursi que pueda parecer a otros, nos toque algo dentro.

CRISTINA: Es mucho más fácil para mí estar sobre un escenario, interpretando canciones con el bajo que abrir mi corazón a una persona especial, uff, no debería ser así, a no ser que te venza la timidez, ji, ji. Pese a lo que pueda parecer, “Chocolate y té” no es una canción de amor, propiamente dicho. En mi canción reflejo ese no saber encontrar el momento de expresar tus sentimientos hacia una persona muy especial que está lejos. Parece que los te quiero estén reservados para los novios, o para los padres (sobre todo en las películas americanas). El reencuentro sabe a chocolate y té. Dulce porque ese tiempo es mágico y lo quieres aprovechar al máximo, y amargo porque de nuevo llegará la despedida.

Y dando una vuelta tuerca más a la pregunta: ¿qué es el pop?

CRISTINA: Un estilo, en todos los ámbitos -arte, musica, moda-, que denota alegría, elegancia y buen gusto, aunque claro eso cada uno lo creerá para lo suyo. Para mí es más fácil saber qué no es pop. Cuando un tiroriro de guitarra te taladra el oído, o una letra te hace sentir repelús, o una persona es rancia y amargada…eso sabes que no es pop. Dónde acaba el Pop, no lo sé, pero me encanta cuando está en el límite. Los Who. ¿son pop?

FELIPE: Tres minutos de masaje mental con cosquillitas.

ALÍCIA: Se estará más o menos de acuerdo, pero creo que la mejor definición se la escuché a Miqui Puig cuando dijo: “El pop son historias tristes con melodías bonitas, y en un minuto y medio tiene que estar todo el pescado vendido”.

FELIPE: Pues estoy más de acuerdo, anda que no sabe el Miqui éste.

Ahora una pregunta para cada uno de los miembros del grupo: Felipe, siempre has sido defensor de

Joan, inevitable pregunta: ¿cuándo te incorporas a la nómina de talentosos compositores del grupo y, además, cantas un tema?

Ana, ¿no te gustaría propiciar una unión de proyectos musicales, llamar a Juan y formar todos una “Monja Jet Set”? ¡Los fans estaríamos encantados!

Sobre la idea de ‘Durará’… este mes nuestro editoria dice que “el pop es lo que dura”. ¿Cuál es la receta para que el buen pop nos acompañe siempre?

ALÍCIA: Que resistamos a las embestidas del mainstream o del “indie políticamente correcto”.

dables. Por esto valoramos tanto los momentos felices. ¡Y por eso nos gusta cantar “a la felicidad”!

Aunque en los dos casos la historia acaba bien a su manera! En el ‘Subidubi’ ella (la amante), una chica de demolición que escoge ser ñoña cuando quiere y mala cuando se enfada, contraataca a su manera (en realidad el hombre, un ca-bro-na-zo, ¡se lo merecía!); y en ‘Dulce despertar’, finalmente, se despertará junto al hombre de sus sueños.

Alicia, tus canciones, son de las que suenan más dulces y poperas de todo el repertorio reciente, aunque hablan de despertarse a solas o de espiar a un antiguo novio. ¿Cómo haces compatible ambas cosas?

ALÍCIA: Peor aún. A quien espío no es al antiguo novio, ¡sino al amante adúltero! Ha sido divertido escribir estas dos canciones agridulces, en las que puede que a primera lectura se de la sensación de “vie en rose”, pero que si te fijas un poco más llegas a la segunda lectura. Puede que en el marco de las canciones de la Cola sea como si de golpe te despertaras de ese sueño tan genial y te dieras cuenta de que estás viviendo una realidad que no te gusta tanto. La vida tiene momentos de todo, momentos más felices y momentos más desagra-

Volviendo con el grupo al completo… Vuestros directos son una fiesta, y en Madrid os tendremos pronto, precisamente en la fiesta aniversario de Flor de Pasión ¿qué ha supuesto para el grupo el apoyo de Juán de Pablos?

FELIPE: Yo a Juan, a Luis Calvo (aparte de ahora, por su apoyo cuando “Viaje a los sueños polares”) y a Carlos y Gema de Subterfuge les debo una carrera y haber hecho realidad mis sueños de rock and roll, y me siento en deuda perpetua con ellos “p’a lo que sea”. Y mucha más gente, compañeros de grupo, de otros grupos, algunos promotores, etc.

Pero Juan de Pablos fue decisivo, y sigue dándome una hora de placer cada tarde a las 7.

Por último, siempre nos gusta pedir un consejo a nuestro grupo de portada… ¿qué nos decís?

FELIPE: No renuncies a tus sueños y los harás realidad algún día. Te lo prometo.

ALÍCIA: ¿Un consejo? Cuando estés mal y no tengas ganas de nada, junta a todos tus grupos favoritos en una lista de reproducción y piensa para tus adentros: “Esta noche sólo cantan para mí.”

Cola Jet Set “Guitarras y tambores”

PLÁSTICA #02 - De celebración

FLOR DE PASIÓN

elefantes, pasiones, guitarras y tambores TEXTO RAÚL QUERIDO El nuevo álbum de Cola Jet Set, un compendio del mejor pop en castellano, clásico pero alejado de calcos revivalistas, es un estupendo lanzamiento, uno de entre el aluvión de buena música que nos tienen preparados en Elefant Records para 2009, en el que la discográfica celebra sus primeros 20 años de existencia. Tras un 2008 fantástico, aupado por el definitivo despegar de La Casa Azul y su merecido triunfo como una de las propuestas del pop independiente nacional capaces de llegar a más personas y, además, a oyentes de los gustos más diversos, para el año en curso los planes del sello son seguir con el imparable ritmo de lanzamientos con el que han comenzado -en poco más de un mes, el propio ‘Guitarras y tambores’, los álbumes de Nick Garrie, Fitness Forever, Giorgio Tuma, el inminente nuevo LP de Cooper, más los singles de BMX Bandits y Helen Love y, próximamente, un nuevo sencillo de TV Personalities-, además de tenernos preparadas más de una sorpresa a lo largo del año. Desde Plástica les estaremos siguiendo la pista y compartiendo el saludable espíritu Elefant con nuestros lectores.

Ese espíritu inundará precisamente uno de los eventos que no hay que perderse, otro aniversario importante: se cumplen nada menos que 30 años desde la primera emisión del mítico programa Flor de Pasión, y la celebración promete ser sonada. Con el propio Juan De Pablos compartiendo los platos con Luís Polar -Luís Calvo, de Elefant-, por la madrileña sala Siroco van a pasar, a lo largo de dos noches -27 y 28 de febrero-, grupos como Souvenir, Airbag, L-Kan, La Monja Enana o Cola Jet Set. Sin duda los grupos pondrán su talento y su repertorio al servicio de la fiesta, sirviendo versiones de los clásicos del programa como celebración de que el entrañable Juan De Pablos lleva ya tres décadas, nada menos, ilustrándonos con su conocimiento musical y compartiendo su pasión con nosotros, que lo hemos seguido por todos los horarios posibles desde el otro lado del transistor. Degustador de buena música con solera, Juan De Pablos ha sido también siempre un sincero entusiasta de los nuevos talentos del pop en español, que lo veneran como referente que es y lo han querido y quieren como a un buen amigo.

Desde Plástica nos unimos a la celebración desde ya mismo y deseamos que sea un guateque ¡de los que hacen época!

PLÁSTICA #02 - Entrevista

PELLE CARLBERG el gruñón encantador

PLÁSTICA CON MNSC

* Excesiva presencia y presión de los cuerpos de seguridad de la Comunidad y Ayuntamiento de Madrid en nuestros locales. * ¿Aforo legal de 1 persona por cada 1,5m2? Eso significa dejar de programar djs y bandas ante la imposibilidad de afrontar el gasto. * Dejar de programar grupos y djs es destruir la música alternativa en Madrid; despidos de trabajadores (técnicos, camareros…) y acabar con una cultura musical que es la envidia de muchas ciudades de España y Europa.

Pedimos al Ayuntamiento de Madrid: * Información clara y tiempo para que los locales legalicen su situación (y sin poner trabas como hasta ahora). * NO al larguísimo silencio administrativo a la hora de conceder o actualizar licencias. * Revisión razonable de los aforos de las salas para que podamos cumplirlos sin tener que cerrar o sin que afecte a nuestra programación (¿qué pasa con el aforo en el transporte público o los centros comerciales?) * No somos enemigos del orden público sino un colectivo cultural importantísimo y con muchos seguidores.

NO PEDIMOS EL APOYO QUE SE DA A CLUBS COMO LOS NUESTROS EN TODA EUROPA...

NOS CONFORMAMOS CON QUE NOS DEJEN VIVIR.

FOTOGRAFÍA MARÍA YSASI TEXTO SOL FAUQUIER

Pelle Carlberg ha recorrido varios puntos de la geografía española durante el mes de enero presentando su último álbum ‘The Lilac Time’. Pudimos charlar con él justo antes de su concierto en Madrid junto a Evripidis and his Tragedies. Le asaltamos entre unas cañas rápidas con tortilla de patatas y calamares. Aunque interrumpimos su cena, el encantador de Pelle respondió sin perder la sonrisa (y nunca habló con la boca llena). ¿Qué tal está resultando tu visita por España hasta el momento?

Genial. Ayer toqué en acústico en una pequeña librería llamada La Buena Vida. Prefiero tocar en sitios pequeños en acústico, sólo guitarra y voz. Es totalmente diferente a cuando tocas con altavoces y el sonido a todo volumen.

Prefiero la música orgánica. Me conmueve mucho más escuchar una voz sin micrófono. ¿Es más fácil llegar a tu público de esta manera?

Conecto mucho mejor no sólo con el público sino también conmigo mismo y mi propia actuación. Si fuera por mi, sólo ofrecería conciertos como el de anoche. Pero claro, también hay que hacer el esfuerzo de tocar para más de 50 personas y hacerlo en acústico es imposible. ¿Como el concierto que darás esta noche en la sala Moby Dick?

Exacto. Ojalá pudiera hacer algo acústico también, pero cada sala pide su tipo de concierto.

Cada actuación es diferente, hasta el repertorio es diferente. Normalmente tenemos unas canciones fijas de los 3 anteriores álbumes al principio del concierto y otras al final. En medio, hacemos un poco lo que nos apetece.

No tenemos un setlist. Elegimos las canciones según las reacciones del público. El repertorio varía incluso si es jueves o sábado. Los fines de semana la gente bebe más y son más ruidosos así que tocamos canciones más moviditas. Las que requieren silencio las dejamos para conciertos pequeños en días de diario.

Tenéis canciones que suponen éxito seguro de los anteriores álbumes. Del nuevo, ‘The lilac time’, ¿hay alguna canción que sobresalga entre las demás durante los directos?

Bueno, la verdad es que a la gente no le ha dado tiempo de escuchar mucho el nuevo álbum y siguen viniendo por los anteriores así que no sé decirte cual es la canción favorita del público, todavía no tengo el feedback suficiente como para elegir una de ellas.

Pues démosle la vuelta: ¿cuál es la canción del último álbum que más disfrutas tú en un concierto?

Esto sí lo puedo contestar –risas-. Tengo varias. Una de ellas es ‘Because I’m worth it’, adoro cantar esa canción, aunque es de las más complicadas porque es tranquila y no toco la guitarra a lo bestia sino que hago punteos suaves. ‘Clever girls like clever boys much more than clever boys like clever girls’ -vaya título largo- es otra de mis favoritas.

Probablemente las toque esta noche. ¿Eres de esos artistas que se cansan de tocar siempre las mismas canciones y está deseando sacar nuevo álbum para no volver a cantarlas?

Para nada, me encanta tocar canciones antiguas aunque las haya tocado millones de veces. Hay una canción del primer álbum que siempre tocamos, ‘Musikbryan makes me wanna smoke crack’. Habré tocado esa canción cientos de veces y sigo divirtiéndome con ella. ¿Te consideras más bien nostálgico entonces?

No demasiado. Cuando escribo canciones suelo dejar de lado lo que significaban en un principio y así siempre disfruto de ellas. Digamos que cada canción tiene su propia vida cada noche que la toco. Además todavía encuentro placer al retarme a mi mismo a hacer una buena versión de un tema propio.

Entonces hablemos del presente, ‘The lilac time’, el tiempo de las lilas. ¿Eres fan del grupo que tiene el mismo nombre o más bien eres un botánico frus-

PLÁSTICA #02 - Entrevista Pelle Carlberg

PLÁSTICA #02 - Entrevista Pelle Carlberg banda sonora de Grease!

Sí (risas) es un álbum magnífico ¿no crees?.

Fue uno de mis primeros vinilos. Recuerdo que era doble y dentro tenía fotos de Olivia Newton John y todos los demás. Sandy me gustaba mucho más al principio de la película que al final cuando iba enfundada en cuero y pintada como una puerta. Cuando veía la película siempre me preguntaba “¿por qué ha hecho eso? Estaba mucho más guapa al principio de la película con sus lacitos”. La banda sonora es magnífica en cualquier caso.

Recomiéndanos algún grupo que probablemente no conozcamos.

Bueno, últimamente he escuchado mucho a Fleet Foxes, creo que es uno de los mejores álbumes del 2008, pero seguro que les conocéis, así que si queréis un the next big thing os recomendaré The Kabeedies. Sólo han sacado un EP, creo, pero tocamos con ellos en Gales y son buenísimos. Son veinteañeros y ya son grandes músicos. Varios de ellos cantan y se turnan durante la misma canción de manera que cada frase la dice uno. Están llenos de energía y tienen buenas melodías y letras.

Son bastante frescos, tengo la sensación de que serán the next big thing.

Hablando de letras, Pelle. Por ahí te llaman “el gruñón del indie” por los contenidos de tus canciones.

Como por ejemplo ‘51.3’.

trado?

(Risas) Bueno no soy un botánico frustrado la verdad (más risas), pero sí soy fan de las lilas y del grupo.

Creo que Stephen Duffy, cantante de la banda, es un músico al que no se le ha prestado la atención que merecía. No mucha gente le conoce. ¡Me sorprende la pregunta y que tú sí le conozcas! Para mi fueron una gran banda de finales de los ochenta y

principio de los noventa. De hecho, la música que ellos hacían puede tener similitudes con el folk-pop que yo hago. Muy acústicos también.

Ya que hablamos de grupos que te han marcado, necesito preguntarte algo que me ha llamado especialmente la atención de ti. Entre tus influencias podemos encontrar grupos muy coherentes con tu sonido que van desde Cat Stevens, a Belle & Sebastian, pero también encontramos ¡la

Bueno, hice un test de edad en Facebook y resultó que según el test, tenía 51.3 años de edad. Esto me resultó muy sorprendente. No soy joven pero tampoco un cincuentón así que me asusté con la idea. Algunos de mis amigos resultaron tener 12 años según el test (risas).

A lo mejor soy más maduro de lo que debería ser o a lo mejor el test es simplemente una mierda. Además, ¿cómo alguien puede tener 51.3 años? Cuando estaba pensando en letras para mi nuevo álbum, pensé que podría escribir algo acerca de ese test. Siempre busco diferentes temas sobre los que escribir. He escrito canciones durante tantos años que me he cansado de escribir canciones sobre los temas de siempre. Me motiva más escribir sobre la vida cotidiana pero con una vuelta de tuerca. Quiero contar cosas más interesantes que simplemente “I love you, I love you”. Aún así, siento envidia por la gente que es capaz de escribir buenas canciones de amor porque son las más difíciles. Yo le tengo mucho respeto a las canciones de amor. Duelen demasiado. Imagino que en mi caso es mejor ser “el gruñón”. De todas formas, no deberíais

tomaros las cosas que digo en mis canciones demasiado en serio.

Y por último ¿qué está pasando en Suecia que hay bandas tan increíblemente buenas? ¿Los padres les dan a sus hijos una pócima especial para que se conviertan en estrellas del pop indie?

Hay muchas razones. El éxito crea más éxito.

Creo que todo empezó con The Cardigans. Ahí fue cuando la gente vio que podían triunfar en otros países y llenar salas de conciertos en Japón siendo chavales normales y corrientes de un pueblo de Suecia. Ese momento abrió los ojos a mucha gente y les hizo pensar que ellos también podían. Pasó lo mismo con el tenis en los 70 y 80, con este tipo llamado Björn Borg que triunfó con su pelo largo y su vieja raqueta de madera. Ganó Wimbledon 5 veces seguidas. Después de él, tuvimos otros 10 o 15 jugadores de tenis realmente buenos en Suecia. Esa sólo es una de las razones. La otra puede ser que en mi país hay mucha tradición de tocar instrumentos.

Hay una escuela de música para cada tipo de persona. No hace falta ser rico para tocar un instrumento y tener acceso a la música.

Todo el mundo puede apuntar a sus hijos a la escuela. Por 15 euros al año puedes alquilar un instrumento desde un chelo o un violín a una guitarra eléctrica. Las clases son también muy baratas. Recibir educación musical no está al alcance sólo de la clase social más alta, es para todo el mundo. Suecia es la meca de la clase social media. Solía ser un país muy rico que no se involucraba en ninguna guerra y con una economía saneada.

Pero está cambiando ahora, las desigualdades se están pronunciando cada vez más con el nuevo gobierno. Si se quedan 10 años más, vamos a ver un cambio radical en nuestro país y cosas tan accesibles como alquilar un instrumento dejarán de serlo. Pero bueno, estas son teorías mías. Si las juntamos con la sensación de la que hablaba antes de “si mis amigos del pueblo de al lado pueden hacerlo, yo también “, ahí tienes la receta secreta de la pócima.

Pelle Carlberg “The Lilac Time”

PLÁSTICA #02 - Entrevista

PLÁSTICA #01 #02 - Crónicas de conciertos

RICARDO

RICARDO & SR. CHINARRO

que suene es lo más importante TEXTO MARÍA YSASI

Ricardo no es el nombre de ninguno de vosotros, ¿se trata de alguna persona a la que admiréis o algo así?

Realmente, aunque lo pueda parecer, no se trata de nadie en concreto. El nombre rondaba, pero podría haber sido perfectamente Juan Ramón… ¿De dónde sale el grupo? ¿Cuánto tiempo lleváis en esto de la música?

Los tres tocamos juntos desde hace 8 años, primero con Malahora, y luego, por no dejar de tocar, seguimos sin parar con Ricardo.

Si tuvieras que explicarle a un sordo qué tipo de música hacéis, ¿cómo lo harías? ¿dentro de qué estilo o mezcla de estilos podría encuadrarse Ricardo?

A un sordo pues, seguramente, por escrito (risas), el lenguaje de signos no se me da muy bien para estilos musicales. Pero supongo que podríamos meternos en pop, folk o algo así. ¿Eres el compositor de todas las canciones? ¿Dónde encuentra su inspiración Julio López?

Generalmente llevo alguna idea y la desarrollamos juntos en el local, un clásico. ¿Cuál es tu canción favorita? De las de Ricardo, se entiende?

Bueno me gusta mucho ‘El Autómata’, que al fin y al cabo fue la primera que hice así para cantar yo. Llegué al tope. ¿Qué escuchas últimamente? Y la pregunta obligada: ¿cuáles son tus influencias?

Así como más nuevo me gusta mucho el de Fleet Foxes, pero desde que descubrí a M. Ward estoy muy pesado. Son constantes Neil Young y Dylan, claro. Algo más pop y psicodélico… Elephant Six me ha calado hondo. ¿Qué opinión te merece Sr. Chinarro, compañerismos aparte?

descubrimientos y confirmaciones TEXTO MARÍA YSASI

Me ha gustado Sr. Chinarro de siempre. Me gustaba cuando era raro, raro. Y en estos tres últimos discos que ya no son tan raros, que más da, el salto en cada uno de ellos es espectacular. Soy fan.

Ricardo es un grupo sevillano que lleva dos años en activo. Tres maquetas de apenas cinco canciones cada una y una última grabación recopilatoria de la que se hicieron eco el pasado sábado 10 de enero sobre el escenario madrileño de Joy Eslava.

Habíais compartido escenario nada menos que en la sala Joy Eslava… ¿cómo lleváis los directos?

Cuando su cantante, Julio López salió a escena, con la guitarra y la armónica, el público calló expectante. “Esta canción se llama ‘Muere capullo’”, fue lo único que dijo antes de empezar con el tema, inédito y de tono algo melancólico. A su fin, salieron Pablo Cabra (batería que también forma parte de Sr. Chinarro) y Daniel González (bajista). Los tres formaron parte durante muchos años del grupo Malahora, con el que grabaron dos discos y se dieron a conocer en territorio andaluz. Los años les avalan, porque con poco que oigas de este grupo en directo, se pone en evidencia la experiencia y talento de los tres músicos.

Pues con Ricardo la verdad que es la primera vez que tocamos fuera de Sevilla, donde hacemos bolos provinciales a ver si nos dan una subvención o algo. Pero tenemos previsto ir a Madrid otra vez y a Jaén. Una gira en condiciones vaya… ¿Cómo ves al grupo dentro de un año?

Supongo que el año que viene estaremos tocando en giras autonómicas, para dar un salto no muy brusco. Para el siguiente, una gira nacional estaría bien. Para la gira por Polonia, tres años mínimo. Que suene es lo importante.

Que sueñe mucho. Que suene en las radios de los coches, por eso regalamos maquetas a cascoporro. ¿Cómo ves el panorama en la música sevillana?

Como nunca desde que hace años. Hay muchos grupos, pero es que además hay muchos grupos buenos y muy buenos. Se ha montado una plataforma ‘Sevilla Sound’, un recopilatorio con 23 grupos, la mayoría sin disco editado como Midipuro, Mañana, Zico o Los Sentíos. También otros como Salieri o The Baltic Sea que ya tienen su disco editado.

Con Midipuro hemos grabado un par de temas, colgados en un myspace aparte [http://www. myspace.com/ricardomidipuro] y han quedado muy chulos. Pronto empezaremos a preparar más canciones y haremos algún concierto juntos. Además Dani y Pablo están tocando en un cuarteto de jazz. Y son muy buenos.

cha. Tras dar las buenas noches, el concierto empezó con una de mis canciones favoritas de toda su trayectoria ‘El cabo de Trafalgar’, que para empezar, sume a quien lo escucha en ese todo taciturno y arrastrado, en el mejor de los sentidos, que subyace en sus letras. Antonio Luque un compositor que con poco dice muchísimo y cuyas estrofas dejan huecos que el que las escucha puede rellenar y de este modo hacerlas suyas.

Los espectadores, entregados, se emocionaron desde el principio con los temas del último disco ‘Ronroneando’, que centró el concierto. Fue más breve el paso por ‘El mundo según’ y casi anecdótico por los álbumes anteriores.

Luque se mostró simpático y elocuente, quitándose un poco la fama de tímido que le acompaña. Entre canción y canción nos sorprendió con comentarios burlescos y presentaciones como “por la abolición de la navidad” o “por la custodia compartida”, acompañadas de un apretar de dientes en según qué frases. El sevillano puso sobre el escenario la piel y el corazón, aunque sin abandonar nunca del todo el pasotismo que acompaña a su imagen.

Desde baladas playeras como ‘Si nunca has visto el mar’ hasta composiciones más psicodélicas como ‘Dentro fuera’, la música de Ricardo podría definirse como pop-folk guitarrero, en español y de buen rollo, sin caer en ñoñerías. Música que hace que tus pies se muevan y tus manos den golpes en la superficie más cercana, con letras terrenales plagadas de alusiones cotidianas (unas más andaluzas que otras). Julio, el principal compositor y cabeza visible del grupo, mostraba una actitud llana y sin complejos, como invitando a quien le escuche a seguir haciéndolo. Al fin y al cabo, -como dice en la entrevista- “lo importante es que suene, que suene mucho”. De hecho, se pudo ver a la banda, tras el concierto, repartieron un puñado de maquetas a quien las quisiera, completamente gratis.

La batería furiosa de Pablo Cabra, así como la fuerza de la guitarra de Jordi Gil y el bajo impecable de Javi Vegas, hicieron del concierto una experiencia de lo más satisfactoria, que culminó cuando en el último bis colaron entre dos nuevas canciones -‘Alfabeto morse’ y ‘Gitana’, con la que pusieron un broche inmejorable al evento-, un ‘Quiromántico¡ (siempre hay algún gracioso que la pide entre el público para posteriores risas del grupo) que nos transportó a todos a años atrás, cuando Sr. Chinarro era mucho más minoritario en cuanto a escuchas y entendederas.

La gente había venido a ver a Sr. Chinarro, y tras este telonero que ni siquiera había sido anunciado, los ánimos estaban en ra-

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PLÁSTICA #02 - Crónicas de conciertos

ESPANTO, CREPUS Y DAMUNT la noche de nuestra vida TEXTO RAÚL QUERIDO FOTOGRAFÍA EDUARDO LINDES

Cuando se anunció el cartel de aquella noche, alucinamos. Yo, por lo menos, estuve como en otro mundo, donde los deseos musicales se hacen siempre realidad, durante unos cuantos días. En concreto, hasta que el concierto se anuló... temporalmente. Programado para el diciembre, el conciertazo que serviría de celebración del excelente balance musical en castellano de 2008, reuniendo a tres de sus activos más importantes se aplazó. Y tuvo lugar, finalmente, en la misma sala y un mes después, el 16 de enero.

Reuniones de artistas así demuestran que la crisis que nos azota no es, en absoluto, de talento. Si acaso, en Madrid, ese talento se encuentra con trabas añadidas –por el Ayuntamiento- para relucir en vivo. No obstante, la noche del concierto parecía que el público no se había dejado amilanar por los impedimentos arbitrarios con los que Gallardón pretende alejarnos de la música en directo. Así, minutos antes de que comenzase la primera actuación, el Ochoymedio ya estaba lleno a rebosar, y el público estaba animado y expectante.

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PLÁSTICA #02 - Crónicas de conciertos Los primeros en salir a escena fueron los logroñeses Espanto. Con su discazo ‘Ísimos’ aún recentísimo, su propuesta, modesta por convicción, iba a pasar una auténtica reválida frente a una multitud que, probablemente, ha oído hablar de ellos pero aún no los conoce.

Y, a pesar de la mala costumbre de algunos de hablar durante las actuaciones, especialmente de los “teloneros” –que, por cierto, lo sobrellevaron con una simpatía radiante-, sus canciones más intimistas sonaron afinadas y emocionantes, y las más vigorosas ya lo hicieron imparables. Comenzaron con una versión de Antonna, ‘Amor’, toda una joya de pequeñas pero perfectas dimensiones; luego repasaron algunas joyas maqueteras y de su split-CD con el antes citado, y bordaron por supuesto sus más recientes composiciones.

Fueron especialmente celebradas ‘El último día de las vacaciones’ y una impagable versión con excusa fonética de los Magnetic Fields, ‘Young and insane’ tansfigurada en ‘Yo ya ni sé’ y llevada a La Rioja rural.

Espanto son grandísimos y su ritmo de crecimiento pasito a pasito, elegido por ellos, todo un acierto. Esperamos no perdernos ninguno de esos pasos, porque todos y cada uno dejan huella, siempre para bien.

A continuación salió la mejor cantautora folk que tenemos ahora mismo en España, en una época en la que no andamos escasos de chicas con acústica y talento. Pero, sin desmerecer a Russian Red o Annie B. Sweet, lo de Lidia Damunt es otra cosa. Lo suyo es el quebranto del blues clásico, la esencia del folk dylaniano más sustancioso, y el punk de raíz que no le abandona. Armada solamente con su guitarra, con una pandereta asida al tobillo derecho, y un tacón con el que percutir en el suelo, nos brindó un concierto para quedarse con la boca abierta. Así es como nos quedamos, con los temas de su increíble debut en solitario, que arrasaron absolutamente, pasando por encima incluso de algún problemilla técnico. El mundo fantástico de su Isla de las Bufandas cuenta con tantos adeptos como agallas muestra Damunt en escena –y son muchas muchas muchas sus agallas-. Así, cuando llegó el momento de los ‘Aloes de 50 metros’, la sala casi se viene abajo. Esperemos que este sea, más aún que el anterior, su año, y también el de su banda matriz, Hello Cuca.

El fin de fiesta corrió a cargo del hombre del año en la música independiente española. El extraordinario Joe Crepúsculo. Que, para la ocasión –como para buena parte de su gira de 2009- vino acompañado por Sergio/Thelemático Rosa, a darnos una buena ración de sus canciones reinventadas en clave rave-pop. Encargado Sergio de los ritmos y de dar empaque y graves al sonido con su sintetizador monofónico, a Joe le quedaba el papel de trovador y teclista, así como el de verdadero hombre del momento, condición que él enfrentó recubriendo su palpable timidez de una actitud punk que no a todos encantó, es cierto.

Pero más que cierto, innegable es que el carisma escénico de Joe es gigante e innato, le permite permanecer a los controles de su teclado y no por ello dejar de centrar miradas. El público parecía abalanzarse cada vez más cerca del escenario, mientras él seguía a lo suyo: repartir dosis de talento, enlazar temas de ‘Escuela de Zebras’ con los hits de ‘Supercrepus’.

Sonaron las canciones más festivas de su inmenso –para un solista debutante- repertorio.

Un repertorio creciente, además. Pero que ya atesora piezas suficientes para amenizar dos o tres conciertos seguidos. ‘Amor congelado’ –rebautizado como “congelatix” para la ocasión-, ‘Fiesta mayor’, ‘Los faunos’ –con todo el público haciendo los coros a petición de Sergio- o la catártica ‘El día de las medudsas’ dieron mayor profundidad aún a un concierto que se podría haber sustentado eficazmente sólo en éxitos contagiosos como ‘La cación de tu vida’, ‘Gabriela’ –en contundente versión bailable-, ‘Baraja de cuchillos’ o la insuperable alquimia de ‘Suena brillante’.

Cierto que el espectáculo no fue para puristas, pero fue algo mejor: una comunión laica y colectiva, descreida de muchas cosas, pero sincera en cuanto a lo importante, en torno a las canciones de un creador único y original que, a medida que vaya afinando su propuesta en vivo, puede crecer hasta un punto que, ahora mismo, no es posible calcular.

Porque alquien que es capaz de terminar su show con una canción basada en textos de San Agustín de Hipona –‘Ama y haz lo que quieras’- y tener al público emocionado, volcado con sus palabras y al ritmo de sus sonidos, es un genio, eso es lo que es.

PLÁSTICA #02 - Crónicas de conciertos

PLÁSTICA #02 - Crónicas de conciertos

EVRIPIDIS AND HIS TRAGEDIES & PELLE CARLBERG

POLOCK & NUDOZURDO

crónica de un amor instantaneo

efervescencia y densidad TEXTO RAÚL QUERIDO

TEXTO MARÍA YSASI

La noche del Dick iba a ser musical, claro sorpresas que

14 de enero en la sala Moby distinguida, apetitosa, elegante, está. E iba a dar una de esas da el corazón.

Elegantes y apetitosos, Evripides and His Tragedies son un grupo de Barcelona que, en directo, rezuma ternura. No sé si es por las coristas, con ese rollo tan rama-lama-dingdong y tan sesentas (la pelirroja llevaba un flequillazo y un vestidito que lo decían todo); o si se debe quizá a la dulzura sin pretensiones del cantante de origen griego, que con castellano perfecto pero manteniendo un acento marcadísimo, nos explicaba los temas que iba a cantar como si fueran cuentos.

Canciones sobre cuando te tratan como a un kleenex pero potenciando su lado bueno, o sobre un compañero de piso que deja una nota pidiendo que le rieguen las plantas en su ausencia y desaparece para siempre. Temática amorosa y surrealista con sarcasmo y buen humor, de la mano del sonido de un teclado tan alegre como grave, y la presencia amable de las chicas, las palmas y la melódica.

Y luego elegante, apetitoso, y distinguido como pocos, salió Pelle… ¡ay Pelle! Y es ahora cuando la crónica se transforma en carta de amor: Si ni te conocía hasta el día del concierto.

Antes te vi en un bar tomando tapas. El verde de las paredes te sentaba de miedo. Te fotografié: todo un gentleman y, definitivamente, encantador, con tu mirada sabia y tu eterna sonrisa. Luego diciendo entre canción y canción, siempre y sin falta, que somos “wonderful”, “fantastic” y todo tipo de elogios. Se te

veía realmente agradecido, y al público muy participativo -me incluyo, que tarareé todo lo posible en plan nananá naná-. Tu amigo Thomason tocaba el bajo y le daba a la armónica y a un par de bombos de batería completando perfectamente el espectáculo.

Pero, ¿qué era eso Pelle? ¿Una maleta, con su etiqueta de facturación y todo, a modo de percusión? Ay, qué cosas tienes. Que le dedicas canciones a los pésimos servicios de Rayanair y me haces reír.

Quería decirte también que me encanta cómo cuentas las cosas. “Esta canción va sobre cómo mi amigo Sebastian y yo nos hicimos mayores en Suecia”, dijiste antes de cantar ‘1983 (Pelle and Sebastian)’. Título que hace guiño a quienes todos sabemos y... De pronto, casi puedo verte entrar en un bar a pedir tu primera cerveza. Me gusta tu sentido del humor. Pelle, ay, Pelle, con qué arte tocas la guitarra y das saltos sobre las tablas. Titulas a tus canciones como el eslogan de L’oreal. Y te marcas un último bis, tú solo, forzando un falsete que me deja de piedra, con una versión de ‘I believe in a thing called love’ de The Darkness, antes de decir adiós y que los discos vuelen en la mesa de merchandising. Al menos conseguí llevarme una de las 7 bolsas que quedaban con el título de canción más largo de la historia del pop, según tú: ‘Clever girls like clever boys much more than clever boys like clever girls’, y que, ahora mismo, luce colgada de mi tabla de planchar. Pelle, ¡ay, Pelle! Vuelve pronto a España, a ver si la próxima vez puedo decirte “I love you, imbecile”.

Musicazul es un proyecto lleno de devoción por la música y que, desde su departamento de promociones, consigue organizar eventos con cartéles de lo más interesantes, tanto como el que reunió en la sala Boite de Madrid el pasado 21 de enero, por un lado, como teloneros, a Polock, efervescente combo guitarrero y pop, llamado a aglutinar a fans muy jóvenes, que quieran pasarlo bien sin excesivas complicaciones estilísticas, pero sin caer tampoco dentro del erial de talento que suena en las radiofórmulas.

Y por otro lado, como estrellas que brillan con luz propia, Nudozurdo. Elegidos en publicaciones y blogs de lo más variados como auotres de uno de los mejores álbumes del 2008 –‘Sintética’, todo un discazo-, sus actuaciones en vivo son cada vez más numerosas.

Polock empezaron como mejor saben, invitando al baile y haciendo sonar canción tras canción sin tregua, casi todas ellas concebidas como si de un hit de los Strokes se tratara, con el interesante complemento de los teclados. La solidez del grupo y su desparpajo tocando deberían ser suficientes para, una vez cumplido este primer período de crecimiento –darse a conocer, sonar y sonar, primero en su versión maquetera, ahora con el EP que tanto reconocimiento les está otorgando-, encuentren un sonido cada vez más único, más personal, que es lo que garantiza la duración a un proyecto. De momento, temas más reposados y experimentales los

tienen, aunque para el directo se decanten más sus trallazos más infalibles.

Los que aunan contundencia, infalibilidad, capacidad de experimentar y sorprender tanto en disco como en escena, son Nudozurdo. Intensos, capaces de sonar bailables y también oscuros, lo suyo es la espesura eléctrica, las descargas de guitarras, ritmo y peligro, y las letras lacerantes, certeras.

En la preciosa sala Boite su directo se vio en parte lastrado por un sonido no todo lo bueno que debiera, sobre todo conociendo el volúmen con el que les gusta tocar a Leo y los suyos. Sacan en directo otra cara a las canciones, que suenan con las notas como dientes más apretados si cabe que en el disco, y provocan la adhesión del público, cuando este no viene ya convencidísimo de casa –que es como viene en realidad la mayoría, fans de la banda y de ‘Sintética’ y, probablemente, en cuanto se reedite, también de su debut discográfio-.

Matices sonoros aparte, lo que hace que la propuesta de Nudozurdo se sostenga ante cualquier situación y en cualquier entorno, son las canciones. Tan bien construidas en todos los casos que permiten a la banda alterarlas en vivo, enriquecerlas envenenándolas, sin que pierdan la inmediatez de ‘Negativo’, la hermosura fragil de ‘Mil espejos’ o el desgarro de ‘El hijo de Dios’, con la que, como acostumbran, pusieron broche final a la actuación. Hay que volver a verles y escucharles ¡pero ya!

PLÁSTICA #02 - Crónicas de conciertos

HIDROGENESSE ¡feliz 1909!

FOTOGRAFÍA MERCEDES HAUSMANN TEXTO RAÚL QUERIDO

El 24 de enero, en la sala Neu! de Madrid recibimos una visita musical que es siempre extremadamente grata: Hidrogenesse.

Era sábado por la noche. Un momento festivo de por sí. Y con pocos grupos se puede pasar un mejor rato de fiesta que con este duo que, tras su definitiva consagración discográfica en 2007 con ‘Animalitos’, revalidó inspiración y excelente acabado con las canciones sin pausa de ‘Bestiola’ a principios de 2008 para emprender un año de –en palabras del propio Carlos Ballesteros- “tocar muchísimo”, al menos para sus hábitos, saludablemente caseros –componer y tocar en pareja debe de figurar en alguna lista de secretos para la felicidad, sin duda; salir y dar conciertos, para sembrar esa felicidad en los demás-.

El caso es que esa práctica sobre los escenarios ha tenido sin duda su parte que ver en que cada concierto de Hidrogenesse sea mejor que el anterior. Para este, la sala estaba llenísima, hasta los topes –sorprendiendo incluso la afluencia a los músicos barceloneses-, y todo el público deseoso de un nuevo concierto de este par de geniales hombres espectáculo, y de descubrir qué nuevas sorpresas nos brindarían.

Sorpresas hubo, desde los atuendas siempre impactantes, hasta la mandolina eléctrica de Genis, pasando por su frecuente presencia a los coros, con la voz pasada por un vocoder.

También la versión, aún poco escuchada, que han hecho de ‘Quién maneja mi barca’, o algún verso inesperado en las canciones que mejor nos sabemos los fans –así, en ‘Eres PC eres Mac’, Carlos repentizó: “soy Penélope

Cruz… soy Matthew McConaughey’”-.

Su repertorio, cada vez más asentado, nunca suena exactamente igual y sí, cada vez, suena más afinado, mejor. Siguen recuperando temas antiguos, como el citado, o clásicos del primer disco como ‘A-68’ o ‘No hay nada más triste que lo tuyo’. Los mezclan con hits de ‘Animalitos’ –el inevitable y adictivo ‘Disfraz de tigre’, la efervescente rebeldía de ‘El poder de mis tejanos’, los paisajes románticos de ‘Schloss’ o ‘Fuig llop fuig llop fuig’, así como ‘El árbol’, una de las más hermosas canciones en castellanos de la presente década, entre otras joyas musicales-.Añaden un poco de ‘Bestiola’, tanto en el sonido del conjunto como con la imparable nueva versión de ‘Vuelve conmigo a Italia’. Y, con todo lo señalado, más el recuerdo Remedios Amaya en clave electrónica y la recuperación de ‘Estafa’ -locura festiva austrohungara para concluir el concierto y agotar los singles a la venta en la tienda de campañana minutos después-, completan un conciertazo de los de volverse feliz a casa. Así fue.

Esperemos que el 2009 –1909 según el conteo anual austrohungaro- sea para Genis y Carlos, como mínimo, tan bueno como fue el pasado año. Porque ellos se lo merecen y porque, si les va bien, y pueden viajar mucho, tocar mucho por toda la geografía española durante estos doce meses, a todos nos irá mucho mejor. Hidrogenesse son únicos, necesarios, irrepetibles y, además ¡buenísimos!

PLÁSTICA #02 - Crónicas de conciertos

PUMUKY, POLAR Y KLAUS & KINSKI y quince años más TEXTO RAÚL QUERIDO

PLÁSTICA #02 - Crónicas de conciertos Este 2009, para celebrar la efeméride, Tanis Abellán, alma de este proyecto discográfico, reunió en la sala Neu! de Madrid, la noche del 10 enero, a tres de los grupos señeros de su sello y que, uno a uno, fueron dedicándoles unas palabras de agradecimiento y brindando metafóricamente con el público por la continuidad y el éxito de Jabalina. Éxito que, a lo largo del concierto, mostró al menos tantas caras como grupos tuvimos el gusto de ver sobre las tablas.

Primero fue el éxtio de Pumuky. Grupo basado en el talento e imaginería de Jaír, un autor canario capaz de crear canciones personales y redondas, sin salir de su habitación. Su condición de recién llegado a la discográfica es perfectamente compatible con la sensación de ser un entrañable conocido, alguien que venía haciendo canciones que en ninguna otra compañía hubiesen encontrado mejor acomodo.

De momento, con dos referencias en su haber –el EP ‘Los exploradores perdidos’ y el LP ‘De viaje al país de las tormentas’- prepara en estos momentos el que será su segundo álbum.

Y con que contenga temas tan neblinosamente hermosos como ‘La hoguera más grande del mundo’, ‘Pequeño’ o el homónimo del LP, será el nuevo otro gran disco.

En vivo, con una banda casi por completo nueva, no se notaron mayores problemas de ensamblaje, si acaso cierto enmarañamiento entre las descargas eléctricas de una propuesta más guitarrera en vivo; algo que, sin duda, se irá afinando en próximos conciertos.

El futuro de Jabalina, uno de los sellos más queridos y admirables del panorama independiente español, está más que asegurado. De momento, son quince años de buenas referencias musicales los que tiene a sus espaldas. Pero otros tantos, como mínimo, son los que sin duda le deben quedar por delante. Otros tres lustros hasta el trigésimo aniversario y que entonces podamos celebrar por anticipado los quince siguientes, y así…

En segundo lugar, asistimos al éxito de Polar.

Un grupo tan dotado como discreto, y que ha sabido mantenerse en la brecha, con el apoyo de un sello de los que hay pocos –en el que los artistas pueden confiar-, los valencianos dieron un recital de buen hacer instrumental, apoyados en su rodaje como banda y en unas bonitas canciones que se aproximan por igual a la herencia de Galaxie 500 como a la del pop inglés de la época de los Who, con toques de experimentación en la línea de la Velvet o de Yo La Tengo; mezcla casi mágica y, además, llevada a un terreno siempre cercano.

Sacaron el mejor partido al buen sonido de la

sala, y presentaron su actual disco, Feedack –de versiones-, sin olvidarse de lanzamientos anteriores de su dilatada carrera, comenzada hace más de una década.

El éxito final, y probablemente el más destacable de la noche –vista la reacción del público que abarrotaba la sala- fue el de los murcianos prodigiosos, Klaus & Kinski. Formando en directo como cuarteto –Alejandro y Marina, acompañados de Paco al bajo y Leandro a los teclados, para dar entidad al sonido en concierto-, no sorprendieron por la calidad de sus canciones, porque esa ya es de sobre conocida. Pero sí que lo hicieron por una madurez en escena y una perfección sonora muy pocas veces igualada por un grupo casi novel, que acaba de publicar su primer álbum y que se apoya tanto en la tecnología.

En vivo, Klaus & Kinski no muestran fisuras.

La voz de Marina suena incluso mejor que en el disco, la claridad le sienta bien. Alejandro se aferra a su guitarra eléctrica Rickenbacker y a su completísima pedalera, y vence una visible timidez a base de soltura de músico total y enamorado de sus composiciones. Leandro lanza las bases y complementa el conjunto con sonidos analógicos y digitales, con arreglos ricos y oportunos. Y el bajo eléctrico de Paco, contundente, redondo, otorga presencia a las atmósferas y cuerpo a las melodías. En conjunto, un cuarteto perfecto.

Tocaron, como es lógico las canciones de su disco de debut, un LP completo y variado.

Entre canción y canción Marina bromeaba y, llegado el momento de cantar, lo hacía con tanto encanto y tan bien acompañada, que el conciertazo se nos pasó en un suspiro.

Hay quien se fue a casa tarareando el ritmo de ‘Flash-back al revés’, otros silbando ‘Cruzifixión la solución’, o repitiendo la pregunta “¿o es que tú nunca te desdices?”. Yo me fui entusiasmado con ‘Mengele y el amor’, y eso que cuando estrené el disco no me acabó de convencer el bolero. Pero en eso me desdigo, claro que sí. Y en que Klaus & Kinski son grandísimos y lo van a ser aún más, en eso me reafirmo.

PLÁSTICA #02 - Crónicas de conciertos

LADYHAWKE

halcón de día, lady de noche TEXTO Y FOTOGRAFÍA MERCEDES HAUSMANN Ladyhawke, para aquellos que no lo conozcan (en su traducción castellana, ‘Lady Halcón’) es el título de un filme de los ochenta en el que la bella y frágil Michelle Pfeiffer es hechizada y convertida en este pájaro durante el día, para que no pueda consumar su amor con un elegante caballero. No es coincidencia seguramente que Pip Brown, líder de una de las bandas indie más populares del 2008, haya tomado el nombre de la mítica película medieval, y menos si tenemos en cuenta los títulos de su homónimo álbum debut: ‘Manipulating woman’, ‘Love don´t live here’, ‘Crazy World’, ‘My delirium’… parece que esta rubia australiana ha sufrido el desamor, la tragedia y el drama propios de una joven de su edad, como si de una protagonista de romance cinematográfico se tratara.

La sala Ochoymedio, llena hasta los topes, acogió el 30 de febrero a Pip y sus compañeros; el público se agolpaba hacia la primera fila, todos querían saber el porqué de su éxito, si la energía de sus vídeos era una realidad incluso en el escenario.

Tema tras tema, acorde tras acorde, el estatismo de Lady y sus músicos confundieron a unos, mosquearon a otros. Adornando cada descanso con una breve pero intensa sonrisa, Ladyhawke miraba al frente con sus ojos azules, ausente, ligera, lívida; su voz no erró una sola nota, los instrumentos dieron lo mejor de sí, al igual que en su disco; sin embargo, había algo que no encajaba: resultaba muy extraño que una música con tanta garra fuera interpretada con tal impasibilidad, como si de un concierto de música lenta se tratara.

Ya en casa, tecleo “Ladyhawke” en el ordenador y leo en la pantalla: “síndrome de Asperger”. Línea tras línea, desvelo el misterio: Pip Brown padece una enfermedad que le impide expresar sus emociones como el resto de las personas.

Tras esta revelación, todas las críticas previas de mi cabeza se evaporaron, dando paso a una gran admiración por la joven, que a sus veintipocos años ha logrado llegar a lo más alto a pesar de las (más que probables) dificultades. Del concierto me quedo con el arrojo de Pip, su impecable voz, su mirada azul y su amplia y preciosa sonrisa, la que tras el concierto compartió generosamente con los fans que se agolparon a esperarla en la puerta. Un diez para el valiente halcón.

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ABRAHAM BOBA & NACHO VEGAS no es cosa de broma TEXTO Y FOTOGRAFÍA MARÍA YSASI Al escenario de la sala Joy Eslava, el pasado 30 de enero, salió primero el que sería más tarde teclista de la banda de Nacho vegas.

David Cobas, más conocido como Abraham Boba, con un peinado casi idéntico al del mimo de la calle Preciados, próxima a la sala -el que simula estar combatiendo el viento-, nos brindó un concierto de voz suave y potente al mismo tiempo, y letras agridulces, del tipo que te provocan curiosidad y ganas de más. Acompañado de viola y batería, tocando indistintamente teclados o guitarra, Abraham demostró tener una soltura y un dominio total de los elementos. Luego sin apenas descanso ocupó de nuevo las teclas para acompañar a Nacho haciendo unos coros imprescindibles.

Cuando Nacho y el resto de la banda aparecieron en el escenario el público ya estaba febril. Desde luego el asturiano mueve masas, además de todo tipo de fanatismos. En el público se oyeron grandes elogios, desde un incrédulo “pero bueno Nacho, ¿de dónde sale todo eso?” refiriéndose a su talento, hasta un devoto “¡casi dios!”, elevándolo a los cielos. Ante esto, Nacho sonrió escondido bajo su melena y no nos dirigió la palabra hasta pasadas unas diez canciones. Cuando por fin habló se mostró simpático, hizo algún chiste e incluso alguna coreografía menor con sus compañeros. Pero lo cierto es que un concierto de Nacho Vegas no es cosa de broma. Sus palabras están cargadas de pasión, odio, resentimiento, sufrimiento y humor negro. Mucho humor negro. Cuando la canción lo permitía el rock se volvía desgarrador y violento. Una mezcla atronadora y contundente de instrumentos, palabras y público entregado. Fueron coreados sus grandes hits, sobre todo los del último disco, con el que el efecto Vegas se ha expandido como una gota de aceite.

El ‘Manifiesto Desastre’ fue representado casi al completo (siete temas de once que tiene el disco). Cantadísimo el single ‘Dry Martini S.A.’, como el resto de canciones, entre las que podrían destacar ‘El tercer día’ y “’Morir o matar’ por estar cargados de ese ambiente ya de sobra conocido de amores dolorosos y vidas truncadas. Nacho canta casi sin moverse pero sus ojos arañan. El torrente que sale de su garganta hace estremecer a todo el que lo oiga. Los músicos que le acompañan le dan una fuerza espectacular: el portentoso Xel Pereda a la guitarra, Luis Rodríguez (fumando una cigarrillo detrás de otro sin perderse una nota) dándole caña al bajo, el vibrante Abraham Boba a los teclados y un dedicadísimo Manu Molina en la batería.

Nos regaló los tres pilares, en mi opinión, del ‘Desaparezca aquí’: ‘Ocho y medio’, que empezó él solo con la acústica y nos llenó de tristeza de la buena; ‘El hombre que casi conoció a Michi Panero’, ampliamente vitoreada y con unos “shalalá-lalá” muy bien coordinados en el público; y mi favorita, ‘Nuevos planes, idénticas estrategias’; además de ‘Perdimos el control’, con las que la sala entera se desmelenó.

No faltaron temas míticos como ‘Que te vaya bien Miss Carrusel’ y la versión preciosísima de Leonard Cohen de ‘La canción del extranjero’. Pero lo más escalofriante llegó con la canción que eligió para terminar y dejarnos a todos temblando: ‘El ángel Simón’, uno de sus temas más controvertidos y trágicos, en el que se dirige, desde el más profundo dolor, a su padre. La canción fue creciendo hasta alcanzar un sonido abrumador, y al terminar, nos dejó esa sensación de haber participado de algo muy grande.

PLÁSTICA #02 - Crónicas de conciertos

YANI COMO, OVNI & LORI MEYERS vino y buena música FOTOGRAFÍA DARUDE TEXTO MARTA VERRIER

Desde los remotos 70 nos hemos más que acostumbrado al rotundo lema “sexo, drogas y rock and roll”, defendido hasta la saciedad por los mismísimos Rolling Stones, entre muchos otros… Pues bien, la velada del 23 de enero, en la sala Apolo de Barcelona, cual caja de sorpresas, nos dio la oportunidad de descubrir cómo los tiempos están cambiando (o cómo algunos pretenden hacerlos cambiar…). “El vino es cultura” decía el cartel, bajo un título claro y conciso: Wine & Music Experience. Testigos de este feliz y reciente matrimonio fuimos todos los allí presentes; los que se encargaron de amenizar el cotarro, tres grupos que supieron adaptarse con creces a las circunstancias: Yani Como, Ovni y Lori Meyers.

número muy representativo de fieles. Abrieron el set con ‘Diablo big bang’, tema nuevo, de esos que muy pronto formarán parte de su próximo y prometedor trabajo. Aunque breve, en su paso por el escenario dio tiempo para disfrutar de canciones pertenecientes a su álbum debut ‘1984’ o su actual ‘Aterrizaje’.

Temas como ‘On line’, ‘Flores secas’, o ‘Tu necesidad’, impactaron por su agresividad rítmica y es que estos chicos, cada vez le meten más tralla al asunto…Están creciendo a pasos agigantados y lo mejor de todo es… ¡que estamos ahí para verlo! Sin duda el plato fuerte vino acompañado por la colaboración en escena de Guasón (líder de Guasón y sus amigos caros), con una versión apoteósica de ‘Ana no duerme’, de la banda argentina Almendra.

Desde tierras castellanas, concretamente, desde las viñas de Aranda de Duero y cargados hasta los topes de ese mágico jarabe rojo, Yani Como hicieron honor a sus orígenes y defendieron la causa del festival hasta límites insospechados (yo, como buena castellana, apoyo igualmente su esfuerzo). Entre sus miembros encontramos los rostros responsables de uno de los mejores fesivales de verano de nuestro país, el incombustible Sonorama. Faltos de público que les arropara, su indie pop sirvió únicamente para ir calentando la sala.

Más afortunados fueron los cátalo-argentinos Ovni, quienes ya cuentan en Barcelona con un

Lo de Lori Meyers son palabras mayores… Ya en su ‘Viaje de estudios’ estos jóvenes granadinos descubrieron la fórmula para deleitar a su público; seis años después, sacando provecho de su gira de ‘Cronolánea’, pueden contemplar orgullosos que esta fórmula es infalible. Indiscutiblemente, Lori Meyers se ha convertido en un grupo clave en el panorama español con hits de la talla de ‘Tokio ya no nos quiere’, ‘La mujer esponja’, ‘Alta fidelidad’, ‘Luces de neón’ o ‘Luciérnagas y mariposas’.

Papara papapa… si esto no es un regalo para los oídos…

PLÁSTICA #02 - Berlín

ANGIE REED dibujos y electropop ILUSTRACIÓN CARLOS ARROYO GALAXIA TEXTO JESSICA LÓPEZ

Entre fotografías eróticas en blanco y negro y copas de vino se dio cita en la galería Hof96 de Berlín el concierto-performance de Angie Reed, una cantante italiana de gran bagaje artístico y conocida en la escena underground de la ciudad por su irónico electropop y animaciones de crítica social.

La noche del concierto subió al escenario vestida con una túnica turquesa y un recogido que recordaba a los antiguos peinados de las griegas, puesta en ese punto y vestida así, comenzaron a sonar los primeros beats de electro y con cada canción se proyectaban unos visuales animados dibujados por ella misma –mediante ordenador-, todos reflejaban mediante repeticiones o imágenes congeladas la historia de las letras que iba cantando, como ‘Bend the truth in the confession booth’ sobre una monja, la hermana Louise, que creció en un convento en el Berlín de los años 30 o la canción con bases de hip hop ‘Dingsbums bumst dingsda’ que cuenta la vida de un punk adolescente que critica el decadente estilo de la vida de los famosos.

Y aunque su estilo musical puede recordar vagamente al electro hip-hop de Peaches, su línea de electropop está clara, como se pudo escuchar en una de las últimas canciones del concierto ‘Ugo a go go’ en la que colabora el cantante y performer alemán Namosh.

Desde la producción de sus dos únicos albumes, ‘The Best of Barbara Brockhays’ en 2003 –homenaje a la imagen del trabajo de una secretaria de oficina- y ‘XYZ Frequency’ en 2005, con canciones escritas y producidas en su mayoría por ella y grabados bajo el sello de Chicks on Speed Records, Reed no ha vuelto a sacar un nuevo disco. Pero en los últimos años ha seguido centrándose en la música, los visuales, la video performance y en exposiciones que ha llevado a ciudades como Barcelona, Londres y Berlín. Siempre vinculada a lo multidisciplinar continúa creando animaciones y haciendo colaboraciones. Y es que no le queda casi ámbitos artísticos sin explorar: ha producido bandas sonoras para teatro y películas, ha hecho papeles de actriz principal en el teatro y con 21 años tocaba en el grupo Stereolab. ¿Creen que miento? Por suerte hay muchas pruebas materiales de sus trabajos para disfrutarlo y comprobarlo.

Su performance dio sin duda aquella noche un toque diferente a la galería de arte, que por 50 minutos se convirtió en un show íntimo de electro animado.

PLÁSTICA #02 - Berlín

DESDE BERLÍN mimo al vinilo berlinés FOTOGRAFÍA Y TEXTO JESSICA LÓPEZ

PLÁSTICA #02 - Berlín En los años 80 escuchábamos este estribillo dedicado al vinilo y cantado por los valencianos BettyTroupe, pero no eran los primeros que hacían tributo al famoso disco negro y es que el vinilo ha dejado huella profunda en la historia de la música desde que se grabara eléctricamente el primero, hace ya 84 años.

Aún en estos tiempos en los que vivimos, el vinilo sigue siendo tendencia y la venta no aprecia crisis. Aquí se respira veneración, culto y coleccionismo al Schallplatte. No hay más que darse una vuelta por los barrios de Kreuzberg, Prenzlauer Berg o Mitte para descubrir mundos más allá del compact disc, a pesar de que también algunas tiendas combinan la venta de los dos formatos, por adaptarse a los tiempos y abarcar más campo de venta.

Al este, en Prenzlauer Berg se encuentra Da Capo, una tienda donde sólo venden vinilos de segunda mano, es buen lugar para nostálgicos sin dinero: discos desde 3 € de avantgarde, electrónica, clásica, rock de Europa del Este, krautrock o american folk. En una de las salas tienen una mini biblioteca con libros de segunda mano sobre historia alemana, música y libros especializados sobre jazz, todo a la venta.

En el barrio de Mitte está Franz & Josef, la tienda perfecta para encontrar esa rareza que le falta a tu colección, la tienda es pequeña pero la diversidad de estilos amplia: synthpop, grunge, indie, avant-garde, electro, techno… la lista no es para quejarse. Un simple paseo puede descubrirte muchas de estas tiendas, incluso algunas no están muy lejos entre sí, como Melting Points, justo en la acera de enfrente, este sitio es otra dedicación al amante del vinilo usado, para comprar hay grupos como Dexy´s Midnight Runners, Aztec Camera y más new wave y post punk, y para ver la exposiciones que realizan porque trabajan también como galería de arte.

“Hey, ¿no es extraño este vinilo? Te vas a dar cuenta de que es peligroso... ¿Te ríes no es cierto, te crees que miento?...”.

Para tener las últimas novedades en formato vinilo hay que volver a Prenzlauer Berg, donde está Oye Records, la tienda perfecta si buscas a Kitty, Daisy & Lewis, MGMT o Modeselektor. Los dueños son simpáticos y llevan en el barrio seis años y medio, su estilo musical es puro freestyle: euro crunck, dubstep,

tech-house, jazz, funk & soul, mashups, indie, new boggie, bootlegs y algo de pop; venden también vinilos de segunda mano y si el “vinilero” está agotado con tanta búsqueda entre las cajas de frutas, hay justo al lado un sofá que no llama dos veces al descanso. Aquí organizan también eventos, el primer sábado de cada mes celebran la Oye-Allstars Party con djs y bandas en directo.

Otra tienda de interés es The Record Store, la más clásica. Está en Mitte y llama la atención tanto por la estética country del dueño como por los vinilos. Especializada en clásicos de rockabilly, blues, rock, swing, indie y jazz, cada estilo está dividido incluso por autores como Junior Parker, Carl Perkins, Little Richard, Gene Vincent, Lena Horne... Pero el rockabilly y el indie son los sellos identificativos de The Record store, que también venden fancines centrados en la línea musical de la tienda.

Berlín es sobre todo la ciudad europea del electro y del techno, la gran mayoría de los DJ´s pinchan con vinilo y muchos de ellos acuden a Hard Wax, para tener las últimas novedades e importanciones. Hard Wax está en el barrio turco, venden discos de música mainstream de labels europeos y americanos como Pure Plastic, Planet E, Sonar Kollektiv, Bpitch Control, Num, Spectral Sound, etc. Los estilos que hay son minimal, tech-house, reggae, Detroit house, dubstep, electro… cuenta con una interesante estética industrial, con una pequeña reja en la entrada y, dentro, hay más de cuatro tocadiscos para escuchar los vinilos y siempre suelen esta ocupados. Es el lugar perfecto para comprar techno a buen precio.

Por el mismo barrio está Piatto Forte, la tienda del DJ italiano Baroxmix que ha combinado moda -los bolsos suizos de la marca Freitag- y heterogeneidad musical, desde rock, folk a electro o indie en formato vinilo y CD. Pero no todos los vinilos de Berlín se pueden comprar en tiendas como las que hasta ahora hemos visto: también está la venta al aire libre y aquí se hace en el mercadillo de toda la vida, en Mauerpark, donde los puestos de vinilo se mezclan con los de porcelana y objetos reciclados. Eso sí, incluso en la calle, vendidos con mimo.

PLÁSTICA #02 - Buenos Aires

PLÁSTICA #01 - Crónicas de conciertos

Y SIN HERENCIA... pasen y vean FOTOGRAFÍA ME DARÁS MIL HIJOS TEXTO GABRIELA PASCANER Se dijo y se dice que Buenos Aires es la ciudad más europea de toda Latinoamérica. Y mientras generaciones de bohemios y literatos lloraron por Génova y se masturbaron pensando en París, comenzó a darse la espalda a nuestra herencia tradicional. Así, hoy por hoy, Buenos Aires es la ciudad menos latinoamericana de toda Latinoamérica.

Ante esta escena, presentamos en este número dos grupos que rescatan y reinventan el folklore rioplatense: La Chicana y Me Darás Mil Hijos. Pasen y vean.

La Chicana La lista de mis pecados no la pienso confesar / cuando me interroguen sólo sacarán / que nací en un bondi rumbo a Catedral / y un pibe me cortó el cable con la tijera escolar / y el fercho me bautizaba con su whisky nacional…

Es muy fácil ponerse por un momento en papel de extranjero y hacer asociación libre.

Ante la mención de Buenos Aires, la respuesta es obvia: Tango. Claro que es innegable como parte constitutiva de su identidad cultural, y así se dio a conocer en un principio. Pero nos llegó el 2001, la crisis económica y ¡zas! el mundo entero, y España en particular, se llenó de argentinos. Argentinos exiliados, errantes que necesitaban demostrar quiénes eran y de dónde venían. Me acuerdo siempre de mi abuelo diciendo: Acá nadie escucha tango, pero cuando se van, lo primero que piden es dulce de leche y tango.

Primero fue, entonces, la nostalgia. Después apareció el negocio. ¿Quién mejor que un argentino para enseñar tango? Además, la Señora Devaluación hizo que año a año recibamos cada vez más turismo primermundista porque, claro, el cambio es muy favorable. Por supuesto que se desarrolló todo un mercado de consumo destinado al turista en el que el

tango no podía quedarse atrás. Hoy por hoy es imposible caminar por Florida sin encontrar un show callejero de tango a la gorra, o perderse por las calles de San Telmo y la Boca sin toparse con uno de los tantos restaurantes cena-show. El tango se volvió “for export”.

Pero afortunadamente, para los amantes del género no todo está perdido. Además de revolver las cintas del Polaco, Julio Sosa y Gardel en la casa de la abuela, aún hay más por hacer. Todavía surgen nuevas propuestas que evitan el estancamiento y la extinción del género, hoy vamos a hablar de La Chicana.

La agrupación fue creada a mediados de los ’90 con la idea de recuperar las raíces del tango reivindicando su esencia de arrabal. Instrumentalmente, cada uno de sus integrantes se desempeña impecablemente; las composiciones abundan en estilo y sutileza; Dolores canta el tango como ninguna. Pero no es esto en lo que me quiero centrar.

Lo particular de La Chicana es que revive la cultura de calle. Las letras –picarescas, sucias, atrevidas– remiten a relatos de héroes anónimos, anécdotas de bar que sólo un viejo cantinero recuerda, los personajes del barrio, el arte del chamuyo en las milongas. Todas temáticas perdidas entre el tango comercial / experimental / electrónico de hoy, temáticas sin las que el tango no es el tango.

Paradójicamente, La Chicana logra transgredir retomando el origen primigenio del género. Lo que en su momento supo ser fiel retrato de una época, hoy nos llega a modo ilustrativo.

La década del ’30 ya pasó, pero no todo quedó en el camino. El barrio todavía tiene cosas que decir y los músicos de La Chicana lo saben.

Los invito ahora a escucharlos y recorrer las calles de Buenos Aires de unas décadas atrás.

Después de todo, it takes two to tango.

Me Darás Mil Hijos Al frente de la banda encontramos a Mariano Fernández, cantante y compositor de sus canciones, acompañado por dos guitarras, un violín, batería, percusión, acordeón, tres o cuatro vientos, un contrabajo y eventuales arreglos de piano, banjo, cavaquinho o serrucho. Pero lo original de este grupo no es su numerosa y variada instrumentación sino que cuenta con eso que a los críticos literarios les gusta llamar color local.

Desde la aparición de Aire, los shows de Me Darás Mil Hijos cobraron un nuevo matiz: la heterogeneidad. La siempre impecable selección de temas para tocar en vivo nos pasea por sus tres discos, aportando una variedad de climas que trasladan –de un momento a otro– un ambiente festivo y de baile a un momento íntimo, de melancolía y reflexión.

Partiendo de un primer disco con raíces balcánicas, fueron desarrollando un estilo personal e inundado de perfumes y paisajes: tardes de mate, meneos de carnaval, amaneceres en el campo, unos ojos grises sobre el mar.

Aire, su último trabajo, está plasmado de ritmos latinoamericanos que coquetean entre la milonga, la cumbia y el bolero. Las melodías festivas, la percusión bien marcada, los rítmicos vientos invitan a bailar a la luz del sol y dejar atrás las nostalgias de viejos amores.

El recital del pasado 16 de enero en Niceto no fue la excepción. El repertorio nos llevó por lugares conocidos como Sueños de autostop, Fusil, Nadie duerme, Aire, la retirada y el regreso al escenario con la desgarradora Virgen de acero, y el ya clásico cierre con Kaya. Pero también hubo gratas sorpresas como Canción de otro, que hace mucho que no se dejaba oír en vivo, y la increíble versión de Qué pena de Alfredo Zitarrosa (Uruguay). Incapaz de creer lo que pasaba, se me estremecieron hasta las pestañas cuando comenzó a escucharse: Qué pena que no me duela tu nombre ahora, qué pena que no me duela el dolor… Es uno de esos momentos que elijo guardar para siempre en el baúl de los recuerdos.

Es notable la manera en que se jugaron y se metieron de lleno en la música popular, a riesgo de ser erróneamente tildados de vulgares u ordinarios por un público quizás demasiado pretencioso. Pero no: demostrando que todo prejuicio es equivocado, arremeten con una bachata orquestada, con una lírica que propone una relación lúdica entre lo sensorial y el espíritu popular.

La belleza de la banda reside en la libertad de cada integrante para ser uno mismo en el escenario, sin dejar –claro– de sonar perfectamente en conjunción. Esa libertad contagia, esa energía se siente y se respira. En cada show de Mil Hijos la entrega por parte de los músicos es tal que el oyente no tiene más remedio que dejarse llevar y permitir a sus emociones aflorar y permanecer.

PLÁSTICA #02 - Manual de cabecera

PLÁSTICA #02 - Manual de cabecera

PLÁSTICOS Y ETÉREOS

de asentar las propias señas de identidad. Si lo hacen, además de aplaudidos y escuchados ahora, Templeton podrán ser recordados y vueltos a escuchar. RAÚL QUERIDO

música en vinilo, CD, musicassete y MP3

FRANZ FERDINAND ‘Tonight’ Estos chicos de Glasgow siempre estuvieron un paso por delante de sus compañeros de remesa “alternativa” en una cuestión que en el pop –como en todo- es fundamental: ser listos. Eso les permitió que, tras un debut deslumbrante, lúdico y enjundioso, perfecto en la selección y orden de las canciones, producido en su justa medida y acompañado de videoclips inolvidables, su mediocre segundo álbum no les lastrase. Al contrario, accedieron mientras al estatus de estrellas mayúsculas de la música. Y eso sin perder del todo su inquietud artística, como han demostrado en este notable tercer LP. En él, a lo que ya conocíamos –canciones bailables, coros contagiosos, la voz cadenciosa de Kapranos hablándonos con sutileza de escenas de cierta vida urbana- se

le suman nuevos sonidos, sintetizadores setenteros, que recuerdan (mucho) a Roxy Music y, a mi, particularmente se me hacen irresistibles. En conjunto, un disco bien acabado, que gana con las escuchas y que propone una interesante narración de una noche en la ciudad –como el primer álbum de los Arctic Monkeys-, que no traiciona al público de querencia indie –no son los Killers- y cuyo primer single, ‘Ulysses’ es posiblemente la canción más olvidable del conjunto.

Hay mucho más que descubrir y, sólo ‘Lucid dreams’ ya justifica que prestemos atención, de nuevo, a Franz Ferdinand. RAÚL QUERIDO

SCHOOL OF SEVEN BELLS ‘Alpinisms’ Normalmente, lo que te lleva hasta un disco, viene precedido por el interés que suscita un single o al-

guna reseña en una revista, o porque el vídeo es una pasada. Otras veces, lo que te lleva hasta un disco es algo inesperado , algo que tiene que ver con la casualidad y que te deja marcado para siempre.

A mi me ha ocurrido esto ultimo con ‘Alpinisms’, el disco debut de este trío neoyorquino.

De repente llegó a mis manos y casi sin darme cuenta me encontraba envuelto en una de las más emocionantes experiencias musicales de los últimos años. De los frenéticos túneles del metro de Nueva York a las montañas nevadas del Tíbet en apenas unos minutos. Un viaje excepcional lleno de colores, extraños teclados y ritmos entre el folklore asiático y el trip hop de los 90. A las voces, las gemelas Claudia y Alejandra Deheza, celestiales y evocadoras,que dobladas a si mismas en un río de tonalidades ensoñadoras y junto a las teclas y cuerdas plateadas de su otro compañero en el trayecto, Benjamin Curtis de ‘Secret Machines’, nos regalan un combinado de magia visionaria y transportadora, perfecta para bailar a solas, viajar, mirar por la ventana, pero sobretodo, perfecta para imaginar.

VÍCTOR ALGORA

rollos melódicos largos, sin decaer nunca, y joyas como ‘My Girls’ o ‘Sumertime clothes’ o ‘Brother sport’, que hacen que salga el sol. RAÚL QUERIDO

TEMPLETON ‘Exposición universal’ Estrenado en la Red, el álbum de debut de Templeton no parece haber agotado su interés con esas primeras escuchas regaladas.

Al contrario: el disco que cristaliza la experiencia de la banda desde su formación, hace siete años, hasta el momento actual, está teniendo una acogida excelente y estos chicos de Torrelavega parecen destinados a tomar el testigo del indie de estela planetaria –J y los suyos siguen siendo la referencia-, al alimón con unos Lori Meyers ya asentados y que triunfan a lo grande. En el caso de Templeton –como le pasaba a los Lori en sus comienzosla virtud de sonar “parecidos a”, puede ser también su peor defecto, y viceversa. Por el momento, tienen es su haber temas de efecto instantáneo –el primer single ‘La casas de verano e invierno’ es uno de ellos-, y un disco con otros nueve cortes que revelan referencias bien asimiladas y trabajadas con gusto, pero también la necesidad

coteca, pincharla y poner a danzar a los bailones y, a los que no bailan, dejarlos encantados. Y todo esto sin concesiones a lo evidente, dando una vuelta de tuerca –más tropicalista: ¿influencia de El Guincho?- a los lógros ya conocidos. Desar-

ANIMAL COLLECTIVE ‘Merriweather post pavillion’ La primera maravilla musical y global del 2009, a decir de tantas webs y revistas especializadas. Su álbum anterior era grandisoso pero ¿es de verdad mejor este? ¿No es exagerar? En absoluto.

Deakin, Geologist, Avey Tare y Panda Bear han logrado un LP perfecto. ‘Merriweather post pavillion’ se puede escuchar de un tirón, dejarlo en “repeat” y que que el disco entero funcione como un mantra infinito. O también se puede picotear en sus canciones, desordenarlas, reubicarlas en nuestras mezclas y selecciones personales, sorprenderse (para bien) con ellas en el “shuffle” de nuestro reproductor o incluso llevar alguna que otra a la dis-

LEDA 3 ‘Mis operaciones habituales’ Con

un

estallido

melódi-

co empieza este disco, el tema que da título al album da la pista de por donde van a ir los tiros. Leda 3 sigue haciendo lo que ya les conocíamos, pero cada vez mejor y mejor. Además, ahora cantan en castellano, lo que se agradece porque tienen

cosas

sencillas

e

interesantes que decir.

Los gaditanos extienden su catálogo

de

influencias

y

las aúnan en canciones que coquetean con acierto con la

experimentación

y

la

PLÁSTICA #02 - Manual de cabecera

PLÁSTICA #02 - Manual de cabecera psicodelia y la búsqueda de sonidos sorprendentes, pero siempre poniendo en primer lugar la melodía. Pedro, despojado de la coraza de cantar en ingles, aún se desenvuelve con cierta timidez pero, precisamente, esas voces huidizas no le van nada mal a las canciones que, sostenidas por el buen hacer de Esteban, Chuchi y Patricio, son sobre todo power-pop de guitarras, bien hecho, con ecos de The Thrills o Flaming Lips, un uso inteligente de la electrónica y hasta pinceladas de bossa nova. Un compendio de virtudes de una banda que merece atención y a la que apetece escuchar, también en directo –‘Tabitas’, ‘Soy un forzudo…’, ‘Unidos’ o ‘Pasaporte a otra dimensión’ tienen mordiente para revolucionar al público-.

Un álbum más que notable.

RÁUL QUERIDO

en el sonido de una antigua máquina de monedas.

Ahora Busy Gangnes y Melissa Livaudis han empezado el año sacando su segundo disco ‘Dance Mother’ con la discográfica V2, la misma que Mercury Rev. ‘Dance Mother’ tiene nueve canciones con innovadoras incursiones de sonido y una actitud diferente al anterior álbum, ahora hay más drum loops, más guitarra experimental y voces etéreas. Su nuevo single ‘So fine’ es un hit que sobrepasa las barreras de sus otros singles, vuelve la fuerza del tambor electrónico de Busy Gangnes con un sonido ahora mucho más dance, pero sin perderse de su líneas musicales, beats urbanos mientras que ‘In your line’ vuelve a la fuerza destructora del tambor, trae más letra y sonidos sintéticos ambientales. Para verlas en España habrá que aguantar hasta nuevas fechas, de momento están de gira en Nueva York con el nuevo álbum. Influenciadas por el hip-hop, por los sonidos urbanos y el dubstep, ‘Dance Mother’ se convierte en un disco a tener en cuenta para los melómanos del avant-garde.

JESSICA LÓPEZ

TELEPATHE ‘Dance mother’ Telepathe se formó hace cinco años en Brooklyn y en 2006 sacaron su primer álbum ‘Farewell Forest’ y en el 2008 llegó su gran hit ‘Chrome´s on it’, un EP que sacaron con I am Sound Records y que según dicen hicieron la música inspiradas

M. WARD ‘Hold Time’

La primera vez que oí a M. Ward iba en una avión, mirando las nubes desde el otro lado y fue amor a primera escucha. El recién sacado del horno ‘Hold Time’ mantiene mis expectativas e incluso las eleva. La voz de Matt, siempre sonando como desde dentro de un árbol, proporciona al espíritu una calma playera y ociosa.

Con colaboración de Zooey Deschanel (la otra parte contratante de She & Him), y gente como Devotchka, a los que tengo especial devoción, ‘Hold Time’ es un disco lleno de energía acústica, perfecto para viajes, ya sean en avión o al interior de uno mismo. Desde una primera canción ‘For Beginners’ que engancha del tirón y gira a tu alrededor cual hula-hop; hasta la versión de la sesentera ‘Rave On’, gran acierto, con esa atmósfera medio country, de patear el suelo con las botas; pasando por canciones que quitan el hipo por bonitas y tristes (‘Oh Lonesome Me’ es maravillosa) y otras que bien podrían ser un himno a la alegría y al alboroto, como ‘To save me’, que mantiene ese ritmo de décadas anteriores que tan bien queda con cualquier estado de ánimo. Por otro lado, ‘Star of Leo’ es una canción potente, llena de palmadas, que te permitirá andar con soltura si la llevas en tu reproductor mp3. En definitiva, Folk con tendencia a mirar atrás que deja muy buen sabor de boca. MARÍA YSASI

del punk como una forma de hacer y algo que va más allá de clichés, y del pop como forma de comunicación, ‘Centella’ es su disco y, además, Padi nos lo regala. ¡Gracias! RAÚL QUERIDO

CENTELLA ‘Centella’ Padi Fuster hace honor a su apodo, Padi Nerviosa. Así que, tras la disolución de Sibyl Vane, y como la nostalgia estática no parece que sea lo suyo, coge su guitarra y empieza a grabar canciones nuevas bajo el nombre de Centella. Puro dinamismo, son temas que suenan como deben, se desarrollan en un brevísimo espacio de tiempo –el disco completo, de once cortes, dura poco más de un cuarto de hora-, se sostienen con una guitarra y algo de percusión, más lo arreglos justos, justísimos. Incluso hay canciones que parecen dejar flecos o cables sueltos a los que, si uno se agarra, seguro que recibe una sacudida eléctrica. Las letras son frescas, la voz canta convencida de que esto es lo que hay que hacer: adornarse lo justo, tocar como uno sabe, hablar de lo que a uno le interesa, con imaginación y sin rodeos. Para todos los entusiastas del buen sonido lo-fi –que no es nada fácil de bordar, como aquí-,

venta en España, volver a desaparecer y volver a regresar, Nick Garrie por fin encuentra acogida en Elefant Records y puede grabar la obra arrebatadoramente lírica y preciosista en su sencillez, que corresponde a un talento así. Se podría repasar canción a canción el disco, sus colaboraciones, los detalles y matices de cada tema. Pero sería necesario extenderse mucho, para llegar a una sola conclusión: este es el disco que todo enamorado de la música necesita tener.

Absoluta y completamente hermoso. RAÚL QUERIDO

NICK GARRIE ’49 Arlington Gardens’ La peripecia vital de Nick Garrie es digna de llenar las páginas de una novela.

Sus canciones, dignas de ser grabadas y escuchadas lo que, por fin, tenemos a nuestro alcance, como parte de una historia extraordinaria. Que comienza en 1969, cuando el joven Garrie andaba por Francia, siguiendo las huellas del surrealismo a ritmo de Dylan, y acabó grabando un disco con una orquesta de 56 músicos, álbum que después –tras el suicidio del patrón del sello discográficoacabaría casi oculto y como objeto de culto. Una odisea que llega hasta 2009 cuando, tras abandonar la música y volver a ella, colaborar con el gran Francis Lai, girar con Leonard Cohen, ser nº 1 de

BEIRUT ‘March Of The Zapotec / Holland’ Salen a la luz dos nuevos EPs de Beirut, juntos, pero sin rozarse mucho. La banda de Zach Condon sigue explotando el Folk balcánico con ‘March Of The Zapotec’, llevado quizá a un extremo más lejano aún que en discos anteriores. La tremenda orquestación de tubas y trompetas, siguiendo ritmos casi marciales, recuerdan a música de barraca y car-

PLÁSTICA #02 - Manual de cabecera rusel. “La Llorona” parece un cántico fúnebre casi de cofradía. No faltan las canciones instrumentales a modo de quizá descansos de lo que no me deja de sorprender: esa forma de cantar de Zach, siempre como un lamento lleno de amargura. Pero lo que realmente me ha dejado boquiabierta es ‘Holland’. Señoras y señores, ¡Beirut se ha vuelto electrónico! Y no sólo eso, sino que además este Ep se desbanca del anterior, con un rollo alegre no, lo siguiente, y unas melodías casi de videojuego. Zach no puede evitar (ni falta que le hace) ese torrente de voz oscura, pero en esta parte parece que la cosa tiene un color distinto. Especial mención a ‘My Night With The Prostitute From Marseille’, que sólo por su título llama la atención y que es increíblemente bailable. ‘The Concubine’ es la mezcla perfecta entre el folk de siempre y esta nueva vertiente, y sin duda uno de los mejores temas de esta recopilación. Beirut a las discotecas, por favor. Oír para creer. MARÍA YSASI

RAINBOW ARABIA – ‘The basta’

El sello Manimal Vynil fundado hace 3 años es ya bien conocido por sacar al mercado a grupos de la esfera independiente como Alexandra Hope, Rio en Medio o Corridor; normalmente centrado en la música folk, ha editado el primer CD de una banda que de sonidos tiene poco de ese sonido; me refiero a Rainbow Arabia, un dúo de Los Ángeles que crea música con percusión, flauta egipcia, electrónica y guitarras eléctricas. Sus ritmos trasladan el cuerpo y la mente a esos lugares en los que se inspiran los sentidos de Rainbow Arabia, de los sonidos tribales de África del Este. El matrimonio Danny y Tiffany Preston mezcla xilófonos, tambores eléctricos y ritmos zouk con los gritos sincopados de Tiffany que rozan el extremo de la angustia. ‘The basta’ es su primer álbum, una edición de cinco canciones rítmicas y salvajes para los cinco sentidos del cuerpo. ‘Omar K’ suena a psicodelia tribal con golpes de huesos y sonidos provenientes de el laúd, tiene ritmos más locos que ‘I know I see I love I go’ de giros más lentos pero igual de absorbente, como los minutos finales. Tal vez ‘Let them dance’ es la canción con más toque dance, aunque sigue presente esa base rítmica que recuerda muchas veces al instrumento de percusión africano, bougarabou. Los californianos han sabido adaptar la música árabe con sus sellos de

PLÁSTICA #02 - Manual de cabecera identificación: aullidos, tambores y sintetizadores.

JESSICA LÓPEZ

to de la Velvet – , a los primeros minutos del amor de una noche, de esos que nunca se olvidan, y cómo no, irresistiblemente, a Nueva York. VÍCTOR ALGORA

LITTLE JOY – ‘Little Joy’

O’DEATH - ‘Broken Hymns, Limbs and Skin’ Frenético, maníaco, enérgico; a todo esto suena el segundo larga duración de O’Death, ‘Broken Hymns, Limbs and Skin’, un disco tan loco y original como el de su debut ‘Head Home’, aunque más sustancial y estudiado. ‘Legs to Sin’, segundo corte del álbum, resume todo lo que es O’Death, una revisión atrevida y enfurecida del folk más tradicional, a velocidad punk, con la lira Bob Pycior marcando el ritmo y la voz de Greg Jamie desgranando letanías incomprensibles e hipnóticas.

Si te gusta la americana, el folk, el punk menos edulcorado y lo que quieres es pasarlo bien escuchando algo diferente, ‘Broken Hymns, Limbs and Skin’ es tu disco.

Y si, el arte gráfico del álbum es simplemente perfecto. CRETINA

Me imagino a The Velvet Underground de vacaciones,quizás en Sao Paulo. En una hamaca estapampada en flores, Lou Reed, tomando el sol al ritmo de un ventilador antiguo y una radio, de la que emerge el ultimo éxito de los Strokes, y Nico, que se pasea en fantasma por el característico complejo tropical, dejando caer de vez en cuando, entre las interferencias del aparato, algunos de sus hermosos cánticos. A propósito de los Strokes, este disco es el nuevo proyecto de Fabrizio Moretti, su batería, y por supuesto , se deja notar de dónde viene, pero lo hace de una forma tan brillante y en una mezcla tan genial de otras muchas cosas, que no exageraría al decir, que estamos ante el mejor trabajo que un miembro de los Strokes ha firmado fuera del grupo. Moretti, Binki Shapiro – ahí esa Nico fantasmal - y Rodrigo Amaranto de Los Hermanos, se marcan un album luminoso, adictivo y fascinante, tremendamente sencillo , pero redondo.

Con una producción analógica, que suena a vinilo y a arena de playa, a siestas de verano y noches de fiesta frente al mar, pero también a galería de arte – ‘How To Hang A Warhol’, a propósi-

DISCO DEL MES: KIKI D’AKI – ‘No mires atrás’ Lo de las fechas es tan caprichoso… ya reseñado como uno de los grandes discos de 2008, ‘No mires atrás’ es mucho más uno de los grandes discos del 2009, que es el año a partir del cual tendremos tiempo de escucharlo una y otra vez. Enviciado totalmente con sus canciones, en febrero ya me sé de memoria todas sus letras y –con permiso- lo traigo aquí.

El nuevo álbum de María José Serrano, Kiki d’Aki es, como los dos anteriores, una estación más del viaje de placer (para ella, para nosotros) que se está dando, con decisión y a relajado ritmo de paseo, por el mundo de la música nueva y grabada. Porque está claro que la Música, con mayúscula, nunca ha abandonado a Kiki, ni ella a las canciones.

Como una alquimista, alea letras y melodías, y otra colección personal de temas, asuntos, ritmos y acordes, llena de emoción y

de detalles. Con el sonido y con esos detalles le ayuda uno de los más grandes músicos que hay en España, Antonio Galvañ, Parade, que imprime su sello al conjunto respetando la obra de ella. El sello de Parade es quizá sobre todo ese: maestría total y ningún afán de protagonismo.

Escuchando las canciones de ‘No mires atrás’, he pensado en la obra anterior de su autora y también en otras voces del pop en castellano e internacional, algunas sorprendentes. Creo que este disco puede recomendarse a los fans de propuestas tan dispares como Vainica Doble, Elvis Cotello, Ana D, Santogold o Marianne Fatihfull y, en general, a todos los que disfruten del pop dulce y firme. No hay peligro de empalago ni de escuchar una sola alegría fingida, ni tampoco una letra mala. Escuchando las canciones, uno nota que Kiki puede echando un sencillo vistazo a un habitación, mil veces vista antes, encontrar cosas nuevas y, de cada cosa, tener una historia que contar, que cantar.

Desde el comienzo vigorizante con ‘El otro día’, hasta el final reflexivo de ‘La música’, pasando por el ritmo trotón de ‘Cumpleaños feliz’, el tiempo detenido en ‘El domingo’, el clasicismo de ‘Las flechas’ o el afrancesamiento de ‘Lejos’, el baile moderno de ‘Sola’ y la catarsis en ‘No mires atrás’, todo el álbum es perfecto. Y, por eso, más que el disco de un año pasado, o de un mes presente, es un disco para toda la vida, que nos deja pensando en Kiki d’Aki, deseando que llegue el momento de recibir el regalo de su próxima obra. RÁÚL QUERIDO

PLÁSTICA #02 - Manual de cabecera

vídeo

PLAYLIST TEXTO RAÚL QUERIDO

1- Manel – ‘Dona strangera’ ‘Els millors professors europeus’, el tremendo álbum de Manel, salió cuando Plástica aún no existía. Ahora queremos celebrar el éxito del disco, que ha conseguido no sólo reconocimiento y mantener a la banda de gira permanente, de momento por Cataluña, sino incluso colarse en la tristísima lista de ventas española, y darle un poco de brillo. Además, el nº1 de nuestra video-playlist es del todo merecido; en cuanto veáis el clip estaréis de acuerdo, sin duda.

2- Animal Collective – ‘My girls’ Primer discazo global del año, para apuntar ya en las listas de los mejores de 2009. Y este vídeo, a todo color, también.

Además, es de uno de los temas más irresistibles de todo el álbum.

3- The New Raemon – ‘Elena-na’ Una miniatura perfecta de Ramón Rodríguez, esta canción de un poeta sencillo que ha decidido buscar su voz más allá de los márgenes (amplios) de sus otros proyectos musicales, se encuentra con las imágenes bonitas y eficaces de Lyona.

4- No Age – ‘Go vegan’ Esto no es un videoclip , sino un testimonio del dúo más excitante del punk actual.

Experimentales y arriesgados con la guitarra y la batería, con otras cosas prefieren ir sobre seguro: dejar vivir a los animales y sacar energías de las verduras. Así sí.

5- La Excepción – ‘A tientas’ Nos felicitamos porque la entereza y espontaneidad del Langui haya dado algo de lustre a los siempre entristecidos premios Goya. En este vídeo también actúa con convicción, y además le sale un tema característico de su estilo y bastante bastante redondo.

6- The Cramps – ‘Tear it up’ Lux Interior se apagó. Momento es de recuperar su incandescencia: así quedó grabada.

7- Iggy & the Stooges – ‘Documentary’ Otro R.I.P. muy sentido: Ron Asheton. En este minidocumental se le ve en todo su apogeo.

8- Metallica – ‘All nightmare long’ Experimentos, “carne nueva”, zombies... Imágenes poderosas para nueve minutos de rock.

9- Iglu & Hartly – ‘Violent & young’ Manga distópico, sonido 80’s, rap blanco y bronceado… ganas de bailar ¿quién da más?

Oh, todopoderoso anunciante salúdole con emoción confíeme aquí su imagen que yo le haré promoción.

10- Calle 13 – ‘Electro movimiento’ El ritmo de Residente y Visitante trasciendelímites estilíticos. ¡Los Hot Chip latinos!

Bonus track- Les Très Bien Ensemble – ‘Sahara’ La notoriedad que da la música en publicidad puede ser buena. Aunque se habla de ellos por una canción de su álbum anterior es en el presente, ‘Rougeole’, donde han alcanzado la perfeción pop. Como muestra, este tema para calentarnos en el invierno que aún dura.

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PLÁSTICA #02 - Cine Mario Parra es un joven director y guonista que va a ver estrenado su primer largometraje, titulado ‘Desde entonces’, el día 24 de febrero en el Círculo de Bellas Artes de Madrid. Este merecido premio a su esfuerzo no es, sin embargo, apenas una brevísima parada en el camino. Aún le queda por delante la difícil busqueda de distribución para su ópera prima; así como encontrar a los artistas españoles –quiere que el lanzamiento de la película vaya unido al de artistas emergentes de nuestro panorama al que su filme sirva también de plataforma- que pongan la banda sonora definitiva a las imágenes creadas por él y su equipo.

Como estamos con los autores noveles y esta iniciativa nos parece digna de apoyo, le hemos pedido que nos hable de ella. Y como así hemos descubierto en él a un escritor ameno y a un conocedor absoluto del séptimo arte, le vamos a invitar a que siga aportando su visión cinematográfica a Plástica mes a mes. De momento, que nos ilustre: ¿qué hay que hacer para estrenar una película?

Cuando no tienes amigos, ni contactos, ni amigos con contactos que puedan facilitarte un poco las cosas, y encima tampoco tienes dinero, tus posibilidades de asomar la cabeza en la industria del cine español son, como poco, complicadas.

La primera opción, y ésta es común para los que tienen amigos, contactos, y dinero, es hacer un cortometraje. Con un corto puedes darte a conocer y, con suerte y si la calidad te acompaña, ganar un montón de premios y llamar la atención de productoras con ganas de invertir en nuevos valores. De nuevo, entran en juego los contactos y el dinero. Buscar financiación para un cortometraje es casi igual de complicado que buscar para un largo, sólo que con un largo hay posibilidades de recuperar la inversión y con un corto ninguna... a no ser que reciba premios en festivales.

TEXTO MARIO PARRA

DESDE ENTONCES el cine no se estrena solo

Si organizas un festival que depende de subvenciones y ese tipo de cosas para sobrevivir, necesitas que la gente oiga hablar de tu festival. Que salga en publicaciones especializadas y que atraiga a mucha gente. La mejor forma de hacer eso es conseguir que tu festival se llene de actores famosos. La mejor forma de lograr eso es seleccionar cortos de gente con contactos o amigos que tengan actores famosos en ellos, que generosamente trabajan gratis. De ésta forma, los festivales de cortos están llenos de cortometrajes malísimos protagonizados por actores famosos, mientras que otros tantos cortometrajes de gente sin contactos ni amigos

-y la mayoría de ellos malísimos también- se pierden en la inmensidad del espacio.

Ante la perspectiva de participar en esa especie de pasarela, de concurso de belleza en el que se han convertido los festivales de cortometrajes, a mi, vuestro humilde nuevo articulista, se me ocurrió concebir un argumento que hiciera posible el rodaje de un largometraje con los medios técnicos y humanos mínimos imprescindibles. Todo el mundo hace cortometrajes de presupuestos ajustados. Poca gente hace largos. Y menos aún los hacen con una factura presentable.

De forma que tiré a la basura mis pretensiones de autor y concebí una modesta historia sobre un grupo de amigos que se reúnen en la antigua casa de uno de ellos y sacan a relucir sus pequeñas miserias humanas. Sí, yo también he visto ‘Reencuentro’ y ‘Los amigos de Peter’ ¿qué os creéis? El rodaje duró diez días, usamos los medios que mi modesta productora, Loser Films, pudo proporcionar y un presupuesto total con el que he calculado que, más o menos, podríamos haber financiado doce minutos de una jornada de trabajo del Episodio III de ‘Star Wars’ (¡doce minutos completos!).

Como es lógico, traté de contar con algún actor famosete, pero fracasé. En lugar de eso conté con una serie de actores con los que llevo años trabajando y para los que escribí específicamente sus papeles, y que no pudieron hacerme sentir más orgulloso del resultado final. Dicho resultado es el de una peliculita que creo que tiene los suficientes elementos para proporcionar hora y media escasa de entretenimiento a todo aquel que se acerque a verla. Pero ahora toca la parte difícil, que la gente se entere de que existe.

Y aún más, que la gente con amigos, contactos o dinero, se entere de que existe y pueda comprobar si merece la pena invertir dinero en un loser como yo, y en el equipo técnico y artístico que me acompañó en esta pequeña locura.

Mi película, por cierto, se llama ‘Desde entonces’, y si hay suerte puede que algún día no demasiado lejano, podáis verla en algún formato -cine, tele o DVD-. Mientras tanto seguiré escribiendo en esta humilde revista acerca de todo aquello que nos pueda interesar sobre el mundo del cine. Que no es poco. ¡Hasta el mes que viene!

PLÁSTICA #02 - Arte y diseño

TAKESHI SUPERFLAT el nuevo warhol japonés TEXTO EDUARDO LINDES

Retrospectiva de Takashi Murakami en Guggenheim Bilbao del 17 de febrero al 31 de mayo.

Será que no debo tener el conocimiento suficiente... No sé donde enmarcar a Takeshi Murakami (1962 Tokio, Japón). ¿Artista? ¿Icono? Bueno, icono al menos en Japón. Hablamos del paso de artista a icono cuando normalmente su negocio funciona a las mil maravillas, sus obras alcazan precios desorbitados y sus reproducciones resultan asequibles a cualquier bolsillo interesado en este tipo de compras. ¿Que me explique mejor? La demanda que produce su obra es similar a la que propició Basquiat o la que hace que Kanye West le reclame para colaborar en su videoclip Good Morning o que colabore con Marc Jacobs en el rediseño del logo de Louis Vuitton. Sus obras, entre el cómic y la pintura japonesa, han revolucionado un mercado ansioso de novedades.

Como los grandes del arte, dió sus primeros pasos sobre sus propias raices con el arte Nihonga, un estilo pictórico tradicional japonés. Es el fundador del movimiento artístico Superflat que tiene como objetivo representar lo que se ha denominado Poku (Pop+otaku) y cuyas características formales son: imagen animada, tintas planas y fetichismo sexual.

Murakami llega ahora al Guggenheim de Bilbao con 90 obras entre esculturas, pinturas, dibujos y diseños.

entre olas damiana, montevideo

FOTOGRAFÍA CANDELA SOTOS MAQUILLAJE FÁTIMA RUIZ DIRECCIÓN BURNAO

Gabardina Zip KLING

Vestido KLING Abrigo BRAY STEVE ALAN Abriendo editorial: Bailarinas KLING Gabardina azul de ALICIA RUEDA + info: The Gallery Room

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PLÁSTICA #02 - Colofón

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