Ilustradores
Top 20
E
bne como o e ti o r b li ste n l público u a le r a tr s o arjetivo m que hacen p l s je a n o s r e igua top de p mundo sin La l e u q a : te de importante s o n ee y no m ra ello nos r a P . diferentes il u s t r a c ió n a s comont amo mundo re l quizás que partes de rte del repe pilando los odores del m a tr s hacen paru il 0 2 mejores torio de los mento. bia, hasta la m lo o C e d na s dad más leja ontempla la Desde la ciu de Francia, este libro c arnte ontinuan m más importa que hasta el omento c d por mea s id ta c s li ti b r u a p e d ng y la obras del marketi a n e c s e la cando an trabajo. dio de su gr lo, Carbian Cirao lbert, aAntonie He F , o ta m o c s Artista un person, o s r lu e c u in H us men Garcia sente, con s e r p e tá s , s e r e m nMark Sum el “movimie te n o e n g e u q iente aje que aun rt, una corr A p iU v e n s e ecada de lo obras manti Pin d la e d del to” artístico veniente del arte pro 50’s.
2
Ilustradores
1 - Fabian Ciraolo.......................... 6 2 - Gabriel Moreno........................ 10 3 - Gary Baseman.......................... 14 4 - David Despau........................... 18 5 - Eboy........................................... 22 6 - Carmen Gracia Huerta............. 26 7 - Thomas Kuriatko...................... 30 8 - Jeremyville................................ 34 9 - Tim Biskup............................... 38 10 - Ricardo Salamanca................. 42 11 - Dave Calver............................. 46 12 - Matthew Dunn........................ 50 13 - AndrĂŠs Ariza........................... 54 14 - Jared Nickerson....................... 58 15 - Antonie Helbert...................... 62 16 - Pablo Morales de Los Rios...... 66 17 - Istvan Banyai........................... 70 18 - Mark Summers........................ 74 19 - Patrick Hruby.......................... 78 20 - Harry Ekman.......................... 82
Top 20
1 C
on dibujos a lápiz de color y acuarela que retoca digitalmente, el diseñador Fabian Ciraolo descontextualiza la vestimenta de íconos pop imaginando cómo se verían en estos tiempos. El chileno, Fabian Ciraolo, se apropia del imaginario colectivo para mostrarlo, convertirlo y reinterpretarlo hasta construir una obra única a base de la pintura, la ilustración y el diseño. Utilizando una mezcla de temáticas y estilos que están de moda, consigue ilustraciones de colores vibrantes. Destacan en las que reinterpreta la forma de ver a algunas de las figuras y estereotipos como: Frida Kahlo, Dorothy, del Mago de Oz; El Che Guevara, Cleopatra o Salvador Dalí y los transforma en personajes a la moda; como lo hizo en la serie Old School Heroes, en la que realiza la misma operación, pero con héroes de dibujos animados y cómics de la infancia.
4
Ilustradores
http:// h t t p : / / w w w. f a b c i www.fabciraolo.com/ ra
olo.com/
5
Top 20
L
o mío siempre fue el dibujo, desde muy chico, pero cuando vendí mi primer cuadro, a los 12 años, me di cuenta que esto funcionaba, de ahí en adelante todo giró en torno al dibujo, la ilustración y la pintura. Estudiando diseño, inconscientemente, me expresaba dibujando. No me costó darme cuenta de que esto es lo mío y que mi futuro laboral, por decirlo, iba por acá. Mi carrera como ilustrador empezó simplemente diciendo: no hago diseño, sólo ilustración, costó, pero resultó”. “
6
L
Ilustradores
a inspiración de Ciraolo proviene de una conversación, una fotografía, una buena canción; incluso, un buen día… eso puede ser la motivación más grande y fuerte para el artista. La función de su trabajo es la transmisión de ideas de libertad, cambio, reinvención. No pretende transmitir un mensaje en particular, no tiene nada que decirle a nadie, puede sonar pesado, pero es la verdad; su intención es sólo visual: transmitir sensaciones diferentes, provocar algún tipo de emoción. Le gusta que la gente genere propias conclusiones de su obra, que construya sus historias y que sus diseños provoquen algo en quien los ve. Classic Taste Better es la colección de ilustraciones que catapultaron la carrera del artista nacional gracias a la descontextualización de grandes personajes de la historia como el de Frida Kahlo fumando un cigarrillo y usando una polera de Daft Punk. Es baterista de la banda Oh Margot, pero por sobre todo es un ilustrador que cada día se hace más conocido en Chile y Latinoamérica. Sus trabajos son considerados por muchos jóvenes como una inspiración y representación de lo que se vive hoy en este mundo invadido de hipster, pero según comentó Ciraolo a El Dínamo; su idea era estampar “rockeros y la gente los bautizó como hipster, y quedaron como hipster. Yo ni sé lo que es ser hipster…”.
7
Top 20
2 8
Ilustradores
9
Top 20
A
lo largo de la historia, las mujeres han sido musas de grandes pintores como Da Vinci, Dalí o Goya. La sensualidad de la mujer es un arma poderosa que puede desatar guerras, pero también servir como motor para producir arte; esto le sucedió a Gabriel Moreno, un artista visual español que ve en las mujeres la motivación para desarrollar sus ilustraciones.
y pintor que en 2007 fue seleccionado entre los 20 nuevos talentos de la ilustración por la revista londinense Computer Arts y desde entonces su carrera ha ido en ascenso. A Moreno lo inspiran las mujeres: su cuerpo, su rostro. La figura femenina despierta en él su vena artística y es una constante en su obra. En sus ilustraciones prevalece el uso del blanco y negro (como colores base en los que están dibujadas las mujeres) y la inserción de colores que resaltan detalles específicos de la ilustración, como el rostro, la vestimenta o la expresión.
A lo largo de la historia, las mujeres han sido musas de grandes pintores como Da Vinci, Dalí o Goya. La sensualidad de la mujer es un arma poderosa que puede desatar guerras, pero también servir como motor para producir arte; esto le sucedió a Gabriel Moreno, un artista visual español que ve Moreno ha colaborado con numerosas publicaen las mujeres la motivación para desarrollar sus ciones nacionales e internacionales como la editoilustraciones. rial norteamericana Los Angeles Times Magazine, para la que elaboró la portada de alguna de sus Con técnicas como el rotulador, la tinta y la ac- publicaciones. uarela, Gabriel Moreno es un ilustrador, grabador 10
“Me gusta mirar a una mujer y me gusta pintarla. Puede parecer todo lo superficial o profundo que uno quiera y según las vueltas que se le quieran dar. […] hay dos cosas que me llegan al estómago, ver imágenes del tipo de las que abren los telediarios en las últimas semanas y ver el cuello de una mujer, una boca, no tengo capacidad para reflejar en mi trabajo la primera parte, pero sí la segunda. Es así de sencillo”.
11
3
12
Top 20
G
Ilustradores
ary Baseman nació en California por la década de los sesentas, es un artista contemporáneo que le gusta plasmar su visión en diversos campos creativos, como la ilustración, el arte y el diseño de toys, entre otros. Durante su infancia como millones de habitantes fue educado por la sociedad teledirigida, quizás como parte positiva de este hecho, fue crear universos en su mente que más tarde se volverían personajes que definen su idiosincrasia artística. Ventilando ciertos aspectos ridículos del ser humano y su estupidez, Baseman representa en sus obras criaturas surrealistas. Estas criaturas extraordinarias provienen de su inspiración, además del pop art japonés, los juguetes vintage, pinturas, esculturas e incluso El Bosco. Gary Baseman define sus obras como “arte penetrante”. El humor ácido forma parte de su identidad, misma que expone la perversión pero en su faceta más adorable. Baseman se ha convertido en una marca en sí mismo. Su “arte penetrante” ha sido exhibido internacionalmente en: Nueva York, Tokio, Roma, Los Angels y Berlín; y aparece regularmente en publicaciones como “The New Yorker”, “Time Magazine”, “The New York Times”, “Rolling Stone”, “Forbes”, “Blab!” y “The Atlantic Monthly. También es creador del término Pervasive Art, que es aquel donde se ha agrupado a artistas como Mark Ryden, Tara McPherson y Gary Panther entre otros gracias a su negativa de ser vistos como artistas lowbrow pues lo consideran un tanto peyorativo. Gary Baseman es un autodidacta que rápidamente se convirtió en un icono de la ilustración comercial, esta fama lo llevo a crear como una máquina según los pedidos que diariamente tenía para importantes revistas y grandes marcas: esto eran el motor de su trabajo pero su vocación por el arte le dio vuelta a donde él se sentía más cómodo. Base-
13
Top 20
En 2009, base añadió el arte performance en su obra con “La Noche de la Fusión”, un festival mítico vacaciones. Más de dos mil asistentes celebraron una fusión de las prácticas culturales y las ideas. Junto con juegos, música en vivo y bailarines, el evento contó con modelos en vivo en traje jugando personajes femeninos de Baseman chicas esqueleto, Hickey Bat Girl, Burbuja de chicas y chicas de la mariposa. Se muestra en la exposición fue el Iluminado Chou, un nuevo personaje Estos diminutos personajes feminizados sin penes, inspirado en los viajes internacionales de Baseman. rostros con grandes ojos y media sonrisa, babeantes y empapados en fluidos, son la imagen de niño y sus En junio de 2010, base presenta “Risita y Pop!” en el deseos puestos de manifiesto. Sin malicia y viviendo Museo de Arte del Condado de Los Angeles. Traje de en bosques de posibilidades sexuales estos personajes acción en vivo chouchous jugó en el La Brea Tar Pits, se apropian de la situación, donde se anula la imagen junto con modelos vestidas como de Baseman Wild masculina de personaje penetrador agresivo y se da Girls, que pasaron a denominarse “Tar Pit Girls” para paso a seres extremadamente naif. Es en esos escenar- la ocasión. Los personajes realizan una danza coreograios donde se producen cándidas relaciones encuentros fiada por Sarah Elgart, y el público se unieron a la cande descubrimiento, que dan paso a preguntas sobre las tante y compositora Carina Round, quien interpretó manifestaciones primarias de la sexualidad y la cues- una canción que compuso para el evento. tionada perversidad del sexo. man actualmente genera discursos desde su imaginario personal, donde existen pequeños seres perturbadores, tiernos y generalmente eróticos, que se vinculan cariñosamente e inofensivamente con ninfas igualmente inocentes. Parece ser la mentalidad infantil encontrándose con los primeros momentos de placer sexual, donde la inocencia es la principal fuente de lujuria.
w w w. g a r y b a s e m a n . c o m
14
Ilustradores
M
ientras que el do-
minicano es una figura del mundo del arte de Los Ángeles, que también se encuentra dentro de un movimiento cultural internacional que incluye a artistas tanto mainstream y el underground. Base cita Yoshitomo Nara, Takashi Murakami, y el ilustrador William Joyce como contemporáneos. Base acuñó el término generalizado de arte como una alternativa a la etiqueta de arte lowbrow. Base se utiliza el término didáctica para describir un gran cambio en su trabajo y “otros caminos más visibles de la creación artística. Él ha declarado que su objetivo es “borrar las líneas entre las bellas artes y arte comercial.” De acuerdo con el dominicano, el
arte dominante puede tomar cualquier medio, y no tiene que ser “limitado a un mundo, ya [que] es el mundo de las galerías, mundo editorial, o el mundo del juguete de arte. “Hoy en día, los artistas que Baseman podríamos llamar generalizada son parte de un movimiento más grande con un reconocible” pop “el sentido, pero no necesariamente una misión artística compartida. Sin embargo, en virtud de que estos artistas se presentan y de qué manera atraer la atención pública, se puede decir que todos los artistas generalizada en algunos juegos de manera con los límites entre arte alto y bajo. Entre sus compañeros artísticos, críticos y seguidores Baseman, el arte dominante se refiere a una estética que era, hasta hace poco, se limita a los medios de la carátula del álbum, libros de historietas, dibujos animados, graffiti, y las galerías de la especialidad. Ahora, el arte dominante en gran parte realizado en múltiples medios y en una amplia gama de industrias, desde el diseño de moda, publicidad y diseño gráfico, de diseño de juguetes, películas, colaboraciones musicales, y vídeos musicales. Un estatus de culto, artistas callejeros como Banksy, new wave ilustradores comics como Gary Panter, japonés artistas pop, post-punk y artistas de hip hop, artistas gráficos e icónicos como Shepard Fairey, todo contribuye a una estética muy visible que es prácticamente omnipresente en la cultura contemporánea. Base a sí mismo un ejemplo de arte dominante en el mercado que funciona y sigue siendo un artista independiente. Mientras crea productos que se venden a un mercado masivo, sino que también muestra en museos y galerías, la venta de obras de arte originales a los coleccionistas.
15
4
16
Top 20
Ilustradores
D
avid Despau es un ilustrador español nacido hecho, es el clavo. Para un arranque de inspiración en el 72 y residente actualmente en su ciudad natal, a su día echa un vistazo a la página web de David Madrid. Ha trabajado para clientes famosos como Despau y déjese impresionado. son Renault y Telefónica, entre otros. Inicialmente un estudiante de arquitectura, David David Despau es un ilustrador español que trabajó decidió estudiar Bellas Artes en su lugar. Después diez años como director creativo y director de arte de graduarse con un título en diseño, continuó traen varias agencias interactivas. Después de que bajando en el diseño, la publicidad y la ilustración. decidió empezar a dibujar. Muchas de sus obras Ha sido un ilustrador freelance, director de arte y cuentan con rostros famosos dibujados en blanco director creativo en agencias de publicidad digital. y negro y salpicadas de color, la generación de imLas luces en las ilustraciones David Despau produágenes cautivadoras y expresivas. jo una serie de retratos y belleza asociados con un Hay muchas formas de ilustrar retratos y David toque de drama al crear un resultado llamativo de Despau definitivamente sabe cómo agregar algu- emociones. Favorito especialmente para sus ilusnos toques dramáticos y hacerlas propias. David traciones para DC Comics honrando a nuestros Despau es un director creativo de Orbital BBDO superhéroes favoritos. en España y me sorprendió ver no hay créditos ilustración o información teniendo en cuenta que David Despau atrajo 19 retratos de las 100 pertiene una impresionante colección de retratos e il- sonas más influyentes del mundo según Time. Se ustraciones. Pero lo hice recoger algunas muestras publicaron en su más reciente número especial. de su trabajo, así como su gran carrete para que Con los Juegos Olímpicos de Sochi en mente, Dausted compruebe a continuación. vid Despau se le pidió para crear los retratos de 6 David Despau uno de los artistas con más talento atletas olímpicos de esperanza para un artículo soen los últimos años , y su trabajo está más allá de bre ellos en épica Life Magazine, la publicación de Vail Resorts. inspiración. Sus tomas originales en Batman, Superman y Wonderwoman son algunas de las pizas más destacadas, ya que se trata de grabados y pueden ser puestos en cualquier pared de la galería. Su obra celebridad no es exactamente malo tampoco. Como cuestión de
David consta de una amplia trayectoria laboral, y su obra llama la atención porque no son las típicas ilustraciones, sino que mediante tinta, logra mezclar las acuarelas con colores vivos además de los típicos tramados y líneas que crean bonitos juegos de luces y sombras.
17
Top 20
Las luces en las ilustraciones David Despau produjo una serie de retratos y belleza asociados con un toque de drama al crear un resultado llamativo de emociones
18
Ilustradores
19
Top 20
5 e
Boy (“Los Padrinos del píxel”) es un grupo de pixel art fundado en 1997 por Steffen Sauerteig, Svend Smital y Kai Vermehr. “Empezamos a trabajar con píxeles porque nos encantó la idea de hacer imágenes sólo para la pantalla. Es la mejor forma de obtener buenos resultados”. Con sede en Berlín, los fundadores de eBoy colaboran con Peter Stemmler en Nueva York produciendo trabajos de diseño gráfico para empresas. Expresan su arte como una extensión de su infancia. Sus influencias provienen de: “...la cultura pop de compras, supermercados, televisión, anuncios de juguetes, Lego juegos de ordenador, las noticias, revistas...” eBoy ha trabajado con el nombre de marcas y empresas como Coca-Cola, MTV, VH1, Adidas, y Honda.
20
htt p:/ /he llo .eb
o y.
com
/eb
oy/
Ilustradores
21
C
Top 20
omo profesionales, los “Eboys” parecen haber encontrado el santo grial del diseño gráfico. Su trabajo es reconocible al instante y constantemente relevante. Se dio sus frutos, también; lista de clientes del grupo se lee como un manual en el consumismo del siglo 21: Coca-Cola, el New York Times, Paul Smith, MTV. Cuando los conocí por primera vez en Berlín el pasado otoño, que estaban trabajando en una campaña para Xbox. En el mundo del diseño digital, su huella ha sido indeleble. “eBoy son los originales”, dice Jürgen Siebert, director general de FontShop, una empresa de la tipografía con sede en Berlín que los fundadores eBoy colaboraron con a principios de 1990. “Por supuesto que hay algunos más magos píxel, y había habido antes eBoy. Pero eBoy desarrollado que la disciplina a la perfección.” Sin embargo, para la mayoría, los hombres detrás de los píxeles permanecen en el anonimato. Han hecho sólo una pocas entrevistas en los últimos años, prefiriendo centrar la atención en su trabajo en lugar de su vida personal. Sus caminos se han sido tortuoso ya veces tumultuosas, pero se encontraron con un único equilibrio como eBoy, creando un universo de 8 bits donde linealidad ordenada convive con la alegría y la imaginación. Fuera de su estudio, las cosas son de color gris e incierto. Dentro de su mundo, son bastante cercanos a la perfección. Sus productos estrella en la red, que se pueden adquirir en su web, son los póster. Tienen unos cuantos guapísimos sobre representaciones futuristas con un toque retro de varias de las principales ciudades del mundo. Famoso por sus ilustración, diseño de páginas web, las fuentes y los juguetes, eBoy tiene un culto internacional después. Crean objetos de píxeles re-utilizables y las usan para construir obras de arte complejo y extensible.
22
El mundo eBoy es único, poblado por robots, coches, armas y niñas, todo construido de miles de píxeles. Inspirado por la cultura popular - de compras, supermercados, televisores, LEGO, juegos de ordenador - imágenes de eBoy es colorido, divertido, subversivo y sorprendentemente original. eCities marcas de eBoy están inspirados en un amor de los edificios y la arquitectura y el reto de cesar recombinar diferentes elementos urbanos, estos son minuciosamente detallada y abundan los monstruos, bares de mala muerte y cines. Compuesto por miembros Steffen Sauerteig, Svend Smital y Kai Vermehr, el colectivo eBoy fue fundada en 1998 como un canal para explorar el interés compartido de los tres hombres en el floreciente movimiento pixel art. Para empezar eBoy sólo quería trabajo para la pantalla. Ellos no estaban usando el internet todavía y todas sus cosas, se distribuía en disquetes. Tan pronto como llegaron conectar se hizo evidente que su trabajo para la pantalla era perfecto para el patio de recreo internet. Así que a partir de ahí se centraron en él como su medio principal. eBoy ha trabajado con las mejores marcas, The New York Times, Nike, Coca-Cola, y Honda son sólo algunos de los cientos de empresas más eBoy ha creado arte del pixel para.
“
“Empezamos a trabajar con píxeles porque nos encantó la idea de hacer imágenes sólo para la pantalla. Es la mejor forma de obtener buenos resultados”.
Ilustradores
23
6
24
Top 20
Ilustradores
E
s una ilustradora que hace diseño gráfico y trabaja para diversas empresas de comunicación y publicidad. Licenciada en publicidad y RRPP por la Universidad Complutense de Madrid empieza pronto a trabajar en diseño gráfico para diversas empresas de comunicación. En 2001 inicia su carrera como ilustradora de moda, trabajando para El País, Woman, Elle, Vanidad y otras revistas españolas e internacionales. En la actualidad colabora mensualmente con Vogue España y Glamour Alemania. Ha expuesto sus obras en distintas galerías y participa en un colectivo de ilustradores de moda Paper Chic. También es reclamada por diferentes firmas españolas como Custo Barcelona o Loewe.
25
Top 20
E
n 2001 inicia su carrera como ilustradora de moda, trabajando para Woman, Elle, Marie Claire, Vanidad, Cosmopolitan Paris, YoDona, y otras revistas españolas e internacionales. En la actualidad colabora mensualmente con Vogue España y Glamour Alemania. También colabora en periódicos como El País, o L’Officiel Rusia, Ha expuesto sus obras en distintas galerías y participa en un colectivo de ilustradores de moda Paper Chic. También es reclamada por diferentes firmas españolas como Custo Barcelona o Loewe. En el 2010 ilustra la cubierta de la novela de humor: Goma de borrar. Aventuras y desventuras del chico perfecto. Se licenció en publicidad y RRPP por la Complutense de Madrid y tras trabajar en diseño gráfico para varias empresas de comunicación, el 2001 fue su año de vuelo libre iniciando su carrera como ilustradora de moda. Encuentra trabajos suyos en Vogue España y Glamour Alemania, revistas para las que trabaja actualmente, puede que ya hayáis recortado alguna de sus ilustraciones sin saber que eran de Carmen García Huerta. Para ser una joven profesional tiene un currículum impresionante, ha trabajado y sigue colaborando con Custo Barcelona, Loewe, Eric Bompard; revistas de moda obligatorioas para tener éxito como Woman o Elle. En la actualidad colabora mensualmente con Vogue España y Glamour Alemania. Ha expuesto sus obras en distintas galerías y participa en un colectivo de ilustradores de moda Paper Chic. También es reclamada por diferentes firmas españolas como Custo
26
Ilustradores
Barcelona o Loewe.Además de su carrera comercial se ha desarrollado recientemente un estilo artístico personal de trabajo que se ha mostrado en diferentes exposiciones y publicaciones. Es una de las ilustradoras de moda más reconocidas a nivel mundial. Su estilo es impecable, sus texturas definidas y sus figuras tanto femeninas como masculinas son muy bien logradas. Otra de sus caracteristicas distintivas es que vemos, tanto en sus trabajos para diseñadores, como en sus diseños propios, el grado de detalle del ambiente que recrea para sus figurines de moda.
27
Top 20
7
28
Ilustradores
T
homas Kuriatko es un ilustrador alemán, entre sus portafolio se ve cierto toque de la cultura mexicana, es interesante como hasta aquellos lugares se conoce el santo o las máscaras de lucha libre. Thomas Kuriatko es un ilustrador radicado y con sede en Munich, que trabaja en el ámbito digital y Graffiti. Se inició en el arte cuando comenzó a pintar a la edad de 16. Es un artista destacado por ser parte del diseño de muchas portada de discos los cuales han legado estar entre los más escuchados.
https:
ehance / / w w w. b
.net/dut
ch
29
Top 20
M
e ha sido bastante difícil poder clasificar sus ilustraciones en alguna categoría pues no soy ningún experto en la materia. Lo único que sé es que su obra se vería súper bien en pósters o volantes de eventos extravagantes. Thomas Kuriatko ha creado algunas muy bonitas ilustraciones del storyboard, mi favorito era la pieza Las Vegas. Todas sus piezas tienen grandes combinaciones de color y un excelente uso de la composición, cada uno de sus diseños se vería muy bien en nuestra pared de la oficina. Echa un vistazo a más de la obra de Thomas encima en la ilustración de habitaciones Thomas Kuriatko rinde homenaje a la clásica de 1960 sexploitation película con este conjunto de exuberantes ilustraciones en blanco y negro. El artista con sede en Munich ha canalizado realmente el espíritu de la época de la película original y traducida en estas fotos. Es caracterizado por su estilo hipster y psicoledico, pues en sus obras se destacan dibujos que rompen los esquemas comunes y figuras que se denominarían anormarles en el mundo en el que estamos. Generalmente en sus obras puede apreciear la utilización de colores exóticos, generando la sensacion psicodelica de la que tantos mencionan. Tiene sede también en New York, donde sus obras han sido fuente de inspiración para la realización de otros productos como billeteras, camisetas, entre otros. 30
Ilustradores
T
odas sus piezas tienen grandes combinaciones de color y un excelente uso de la composici贸n,
31
8
32
Top 20
Ilustradores
h
/ ttp:/
yv j erem
ille.m
y
i f y. shop
com
33
/
J
Top 20
eremy Andrew, más conocido como Jeremyville, es uno de los artistas más importantes del momento; tiene un concepto iconoclasta respecto al arte y diseño para un nuevo siglo. Se encarga de diseñar, producir y hacer exhibiciones de arte; toda su creatividad se puede observar en zapatillas, cientos de miles de polos, skates, gorras y libros. Sus comics son mudos para que cualquier persona pueda entender la narrativa, lo símbolos de las viñetas cuentan una historia universal que tiene un final lo suficientemente abierto para que otros añadan su propia interpretación, el objetivo general que tiene cualquier proyecto de Jeremyville: conectar con la gente en un nivel muy personal pero también alcanzar a muchas personas, de manera universal. Estudió Arquitectura en Sidney, ciudad de origen de este extraordinario artista, era editor de un periódico escribiendo columnas y entrevistando a personas, después tuvo la necesidad de llenar los huecos de algunos artículos con dibujos y así empezó su carrera de artista. A los 19 años convenció al periódico más grande de Australia, el Sydney Morning Herald, de darle un trabajo regular haciendo dibujos de editorial e ilustraciones. El nombre de Jeremyville, decidió crearlo ya que vive un mundo moderno y este nombre es como una etiqueta inspirada en la web. “La revolución y el cambio son todo para mí. Mi propio ejército interno sufrió un golpe de Estado y estableció el nuevo estado mental Jeremyville”, menciona Jeremy Andrew en una entrevista realizada por la revista Dedo Medio. Le inspira la música ya que es crucial para su trabajo, también el ejercicio, el aire libre, los buenos amigos y la buena comida. Las pesadillas y sueños como la realidad son parte de la vida y el arte de este artista, puesto que pueden ser una herramienta poderosa si se sabe como entrar en ellos y utilizarlos. El estilo de sus comics es un poco denso, muy vacíos, pero complejos y ricos en lo narrativo, 34
tienen una naturaleza cíclica aludiendo al hecho de que no importa cuán grandioso o malo sea algo, existe ese equilibrio universal que encuentra un balance y lo nivela. Tras navegar un poco por el mundo de este espectacular artista, nos damos cuenta que le emociona la condición humana, su fuerza y su fragilidad, su eternidad y fugacidad. Pare él todo es magnífico y hermoso. Jeremyville es un polivalente diseñador gráfico que lleva bastantes años en la cresta de la ola. Como buen australiano su trabajo no conoce fronteras. Artista multidisciplinar, es capaz de plasmar sus personajes en cualquier soporte: zapatillas de deporte, muñecos de vinilo, murales, bolsos, tablas de snow y, por supuesto, camisetas. Podemos considerarlo uno de los abanderados del nuevo Surrealismo Pop y su amplísima obra es de las que marcan tendencia. Ha trabajado además para marcas como Converse, Rossignol, Coca Cola, MTV, Adidas, Red Bull, etc. Jeremyville es un concepto basado en proyectos; es un lugar donde los proyectos y colaboraciones sucedan. Como Vinyl Will Kill, el primer libro en el mundo de los juguetes de diseñador, que escribí, o una bolsa de SketchEl de Beck, o un cómic collab ‘con Geoff McFetridge, o un diseño de zapatos de Converse. Puede ser cualquier cosa interesante y emocionante para mí, no me limito a solo un medio, como acaba de ropa. Me siento cómodo haciendo un montón de cosas, a veces a la vez! También me gusta probar cosas nuevas, nuevos medios, esto me mantiene excitado. Por ejemplo ahora mismo estoy haciendo un poco de animación con una empresa en Argentina, un diseño de snowboard para Rossignol en Utah, un juguete con los juguetes de Super Rad en LA, la preparación para una exposición individual de arte en París, una animación para una compañía del Reino Unido, un grupo muestra de arte en Roma, diseños de camisetas para Graniph en Japón, un cómic de una editorial francesa.
Ilustradores
J
eremyville es un artista, diseñador de productos, animador y humano. Ha escrito y producido dos libros de diseño de primer nivel, ‘Vinyl Will Kill!’ (el primer libro en el mundo de los juguetes de diseño) y el último título, ‘Jeremyville Sesiones’, publicado por IdN, se han convertido en best sellers internacionales, y codiciados títulos de todo el mundo. Su arte ha sido publicado en los libros de diseño de IdN, Die Gestalten Verlag, Todos los derechos reservados, Victionary, MTV, Magma Books, Kidrobot, Faesthetic, Laurence King, Pictoplasma y la reciente edición de Illustration Now 2 por Taschen. Jeremyville ha trabajado con una amplia gama de clientes en todo el mundo. Los ejemplos incluyen; ilustraciones y diseños de productos para Converse 100, Rossignol EE.UU. y
Europa, Kidrobot y Colette de París. Animación y diseños de personajes para MTV Latinoamérica. Ropa y productos diseños para Graniph Japón. Empaque y diseño ilustración para Nestlé y Nokia. Murales y obras de arte en vivo para MTV Italia, 55 DSL & Tiger Beer Asia, por lo que fue trasladado en avión a Beijing para participar en el Tigre Traducir exposición en 2007, y se entrevistó en la única estación de televisión nacional china visto por 40 millones de personas. Sus obras han aparecido en revistas como estafa, vapores, xlr8r, Wallpaper, Dazed and Confused, Nylon, Computer Arts Reino Unido, Reino Unido con fusible, Yen, IdN, Territorio, Juxtapoz, El Drama, Hermosa Decay, 119, Xfuns, T World Diario y Faesthetic. Jeremyville divide su tiempo entre los estudios en Sydney Australia y Nueva York.
35
9
36
Top 20
Ilustradores
37
T
Top 20
im Biskup es un con el que se conTim gneró un nuevo movartista en constante camvertiría en su único bio, pero su obra siempre imiento, el que no sólo camino. Continuó su presenta su sello particular. formación técnica dulanzó su carrera como Actualmente ha producido trarante años de trabajo en inartista, sino la carbajos con un estilo pictórico que dustrias de diseño, ilustración, rera de muchos tienen referencia a grandes artistas del animación y diseño gráfico. Su siglo XX. A pesar de que el Modernismo primer acercamiento al arte no fue otros pintores parece una fase pasajera en su trabajo, ha por medio de una galería, sino por mantenido esta esencia en cada uno de estos. una subasta de arte en vivo, The Burning Actualmente la galería Martha Otero, con sede Brush Art Auctions, realizada entre 1999 y en Los Angeles, presenta Charge, exposición indi2002. vidual del artista californiano. Gracias a esto, Tim generó un nuevo movComenzó como artista de animación, pero día a imiento, el que no sólo lanzó su carrera como día lo fue ganando la pintura, la escultura, el arte. artista, sino la carrera de muchos otros pintores Hoy, expone en las galerías más trendies de las que hasta el momento eran desconocidos. Su principales capitales y tiene seguidores en todos trabajo es reconocido desde hace tiempo por lados. ¿El secreto de su éxito? Su arte cuestiona lo las complejas mezclas de color, así como las establecido, hace pensar, apunta directamente a los teorías de diseño impresas en las obras de essentidos. Se trata de Tim Biskup, el artista que no tética pop. Actualmente se ha involucrado en se conforma y que siempre busca más. la escritura de textos teóricos y performances. Tim Biskup es un artista en constante cambio, Sus teorías y proyectos son a alegres y divertipero su obra siempre presenta su sello particular. dos, pero también pueden ser de índole nihilisActualmente ha producido trabajos con un estilo ta, anárquica y de idealismo revolucionario, lo pictórico que tienen referencia a grandes artistas que iguala la intensidad visual de sus pinturas, del siglo XX. A pesar de que el Modernismo parece esculturas y grabados. una fase pasajera en su trabajo, ha mantenido esta Con el paso del tiempo, su trabajo fue tomanesencia en cada uno de estos. Actualmente la galedo un tono más serio, adentrándose en nuevos ría Martha Otero, con sede en Los Angeles, preterritorios. Muestra de ello es su última prosenta Charge, exposición individual del artista puesta, titulada O/S Operating System (en escaliforniano. pañol, sistema operativo), inaugurada en octuCada una de las pinturas que conforman Charge la bre de este año, en la galería Addict de describe como si el espectador entrara a un “mosh París, Francia. Operating System muestra una pit” durante un concierto de punk, después de nueva faceta de Biskup, quizá, una nueva etapa haber ingerido algunas drogas. Personajes de diferen su estilo de arte. “Mi objetivo en este punto entes proporciones estallan en colores como la luz de mi carrera es encontrar caminos que unan refractada en un prisma. La obra juega con múltimis ideas conceptuales y visuales para que se ples capas que ocultan dibujos detallados dentro vuelvan una misma cosa”, explica Biskup. de patrones de colores. O/S combina escultura y pintura en doce piezas, En 1988 empezó sus estudios formales en Otis cada una dispuesta sobre un pedestal que, a su College of Art and Design, vez, tiene por misión como un compromiso convertirse en elpack
38
Ilustradores Ilustradores del Mundo
de la obra, en su propio embalaje. Para Biskup, “O/S es un proyecto mucho más centrado. Luego del desafío intelectual de mi obra anterior, El artista en vos, me sentí muy inspirado para usar algo de ese conocimiento y hacer un trabajo que comunique esas ideas de manera visual, más que por escrito”. Estos sistemas, tal como los define el artista, fueron pensados para representar la conexión entre el arte en sí mismo y los elementos periféricos que permiten que exista. Con Operating System, Biskup pretende cuestionar, de manera metafórica, si los elementos periféricos a las obras suman o, en realidad, distraen al observador frente a la obra presentada. “El show se basa en la conexión entre las pinturas y los elementos que los acompañan. Es la representación de la conexión entre los artistas y el mundo del arte. El sistema permite al artista ser visto, vendido, discutido, transportado, etc., y al mismo tiempo, puede ser una distracción. Ése es el mensaje clave”, concluye Tim.
¿Qué buscan comunicar tus obras? - La parte más importante de mi trabajo es la visual, hacer que las personas se interesen, que vean más allá, los elementos más conceptuales, emocionales. En los últimos años, he llevado mi trabajo hacia un nivel más conceptual, tratando de mantener el interés, pero dándoles más contenido. Es mucho más desafiante para mí. ¿Cuando presentás un nuevo trabajo, ¿qué esperás del público, de su respuesta? - Este año inauguré una muestra en Nueva York y surgieron muchas preguntas de cómo la gente participa de mi trabajo y del arte en general. Me preguntaron sobre mi responsabilidad con el público… Realmente, una pregunta difícil. Para mí, lo más importante es estar cómodo con lo que soy como artista, hacer cosas que desafíen a las personas y llegar a sus emociones.
http://timbiskup.com/ 39
10
40
Top 20
Ilustradores
41
R
Top 20
icardo Salamanca es un diseñador gráfico e ilustrador Publicitario chileno. Comenzó su carrera en Leo Burnett. Ha realizado campañas para agencias de Chile, México, España, Inglaterra, Brasil y Dubai entre otras. En 2006 recibió el reconocimiento de Achap por su aporte profesional a la publicidad chilena. Pueden ver todos sus trabajos en su página web, Salamágica. su enorme talento sale a flote con estas magníficas piezas dignas de inspiración para PLAYSTATION. Ricardo Salamanca es considerado uno de los reyes del arte del fotomontaje, la ilustración y la fotografía. Este chileno nos transporta con sus montajes realizados a partir de fotografía e ilustración a mundos imaginarios de un realismo escalofriante. Comenzó su carrera en Leo Burnett. Ha realizado campañas para agencias de Chile, México, España, Inglaterra, Brasil y Dubái entre otras y ha trabajado para marcas como Citröen o Playstation, entre otras.
42
En 2005 fundó Salamagica. Su maestría en el fotomontaje y la ilustración digital se puede apreciar en sus trabajos, ganadores de numerosos premios en los festivales más importantes: Cannes, Épica, Clio, New York, Achap y el Ojo de Iberoamérica. En 2006 recibió el reconocimiento de Achap por su aporte profesional a la publicidad chilena. Uno de los mejores retocadores gráficos del mercado latino y mundial, el chileno Ricardo Salamanca, ganador de varios premios Cannes a publicidad gráfica entre otros. Con una extendida trayectoria en la publicidad, Ricardo Salamanca se ha distinguido en Chile y en el extranjero, gracias a su notable capacidad inventiva en el retoque digital y la ilustración. Con su estudio, Salamágica, suma premios y trabajos, con la premisa de que arte y publicidad van de la mano. El líder de Salamágica es humilde. Pese a todos sus reconocimientos, que incluyen varias veces el bronce en Cannes, el Grand Prix de San Sebastián, de New York, de Londres, entre otros, y con casi 20
Ilustradores años de trayectoria, no se olvida de quien lo ayudó mundo visual cargado de saturación. a comenzar en este largo proceso; cuenta que aún ¿Cuándo fue tu primera aproximación a la ilusno aprende a cobrar y muestra sin tapujos todos los tración? procesos a través de los cuales llega a sus impresio- Yo creo que de pequeño, en el colegio. Si tú ves mis cuadernos de cuando era nantes resultados. chico, están todos rayados, no En su estudio trabaja junhay materia, sólo hay dibujos. to a siete personas que lo En esa época me di cuenta de ayudan a desenvolver todo Uno de los mejores reque me gustaba interpretar colo que tiene guardado en tocadores gráficos del sas. Yo creo que a la gente que su cabeza y, a su vez, ormercado latino y mundidibuja le gusta interpretar. En ganizar la gran cantidad de el colegio me enojaba con un requerimientos que tienen al, el chileno Ricardo Salaal año: la publicidad de un compañero y yo no pensaba en manca, ganador de varios hacerle una broma o una malwhisky internacional, una premios Cannes a publicidad, sino que me desquitaba consola de videojuegos, un haciéndole una caricatura bien zoológico en Estados Unidad gráfica entre otros. fea. Esa era mi venganza y yo dos o algún producto en me quedaba calladito no más. el Medio Oriente. Porque En un colegio me dijeron que Salamanca tiene permasi dibujaba una vez más a mi nentes solicitudes de todo el mundo, gracias a un estilo muy particular que compañero me echaban, porque el tipo ya estaba revitaliza el uso del efecto de la luz natural en un traumado (ríe).
43
11
44
Top 20
Ilustradores
ht
t
// p:
ww
d w.
av
a ec
lv
e
o r. c
m/
45
D
Top 20
avid Calver es graduado vive en Palm Springs. Su trabajo ha incluido ilusde la Escuela de Diseño de Rhode. Los neoyorqui- traciones para el Lincoln Center y los tres carteles nos están bien familiarizados con distintas ilustra- de Nueva York de la MTA. ciones de Dave: Sus icónica snow-people ha sido utilizado durante años para promover el evento de -¿Qué haces para ganarte la vida? El Centro del BID Lincoln anual de invierno. Por He sido un ilustrador freelance desde hace 33 otro lado, también se encuentra la Strap-perchas años. En los últimos años he estado haciendo tra‘han sido animada por Dave y MTA Art Postbajo para galerías también, sobre todo en Los ers. Uno de ellos, “NYC Bling” pasó a recibir Ángeles y Palm Springs. la Medalla de Plata de la Sociedad de Il-Cuál es la diferencia entre las bellas ustradores. Viajeros pueden comprar artes y la ilustración? estos carteles de tránsito para colEl trabajo de Ilustración tiene gar en su casa. demandas específicas. Las Recientemente se mudó a bellas artes no lo hacen. Palm Springs desde Rochecientemente se mudó a ester, NY, Dave con-¿De dónde Palm Springs desde Rochtinúa produciendo saca la innuevas obras spiración ester, NY, Dave continúa de ilustración, para su arte? produciendo nuevas obras así como piezas de He recibido la inde ilustración, así como museo. spiración para mi trabaSus obras se pueden ver piezas de museo. jo de docenas de cosas: los en Taschen, que es un libro dibujos animados, el cubismo, recién publicado “100 Ilustrael arte deco, Joan Miró, Paul Klee, dores” donde ha ofrecido junto a Phillipe Guston, Jeff Koons. En la otros 99 ilustradores favoritos de los universidad, que era Richard Lindner, editores de todo el mundo. Metropolis, Hugh Ferris, y El gabinete del Dr. Caligari. Dave Calver estudió en la escuela de diseño de Rhode Island y desde entonces, sus ilustraciones - Usted vive en Palm Springs, usted alquila o es han invadido Nueva York en editoriales, revistas dueño de su casa? y anuncios publicitarios. Su estilo es muy identifi- Actualmente mi pareja y yo somos dueños de nuescable: figuras estilizadas de ojos grandes, nariz afi- tra casa. lada y labios gruesos; manos delgadas, expresiones inescrutables. Hay veces en que su estilo también -¿Se ha visto seriamente afectado por la caída de nos recuerda a las caricaturas antiguas, con esos la economía? ¿Cómo? girasoles con cara, monos que conviven en un bar. ¡Sí! Compramos aquí en California a la altura del Su obra, entonces, parece una combinación entre mercado. Estamos en posición invertida sobre caricatura y art decó, que es lo que la vuelve origi- nuestra hipoteca. Ahora le debemos más que lo nal y atractiva. que la casa vale. -¿Cuál es el trabajo perfecto ejemplo o situación David Calver es un ilustrador y artista plástico que de carrera para usted?
R
46
Ilustradores Ilustradores del Mundo
Me encanta trabajar en blanco y negro, aunque el 99% de mis trabajos son de color. Por lo tanto, hago un poco de blanco y negro para mi trabajo de galería. También me encantan los personajes en desarrollo, sobre todo no humano!
todas las papeleras y cortar el césped que a decir verdad fui un poco incisivo para eso! Me gustaría comprar 45’s en Woolworth. [¡Caramba! Eso realmente me encanta.]
-¿Qué articulo personal que no le puede faltar? -Cuando era un niño, ¿usted recibe un subsidio? Varias fragancias oscuras que son (afortunada¿Qué le gustaría comprar? mente) difíciles de encontrar. Ah ... y camarones Obtuve 50 centavos a la semana. Tuve que vaciar congelados en Costco!
47
12
48
Top 20
M
Ilustradores
atthew Dunn es un artista con sede en Australia que trabajan en una variedad de campos y medios. Su trabajo ha sido publicado en revistas literarias y de arte, así como los cómics en solitario, antologías de historietas y exposiciones. Matthew ha trabajado en varias producciones cinematográficas, centrándose en la pre-producción de obras de arte y storyboards. A través de los años también ha creado una amplia colección de diseños de camisetas, muchos de ellos con su personaje de marca comercial “Leroy”, un individuo de gas enmascarado que apareció originalmente en los gráficos nuevos monstruos solitarios. Con sede en Brunswick, Australia, Matt ha comenzado a reunir un culto de fanáticos de todo el mundo (incluido yo mismo) y creo que esa base va a crecer y crecer. Con numerosos proyectos siempre sobre la marcha, a veces dormir sólo unas pocas horas en la noche, este tenaz, incansable artista pasa tanto tiempo en la creación que él ha construido un gran catálogo de vuelta del trabajo. Sólo este año, que ha de crear más de 200 diseños de camisetas, muchos (pero no todos) se pueden encontrar en su perfil Redbubble. Sentí que era importante entrevistar a Matthew ahora porque creo firmemente que llegará a ser demasiado ocupado para responder a mis preguntas en un futuro muy próximo. Espero que esta entrevista va de alguna manera a hacer lo que. -¿Qué fue lo que primero atrajo a elegir una carrera en el arte? ¿Es usted uno de esos tipos que siempre fueron vistos dibujar y crear al mismo tiempo que debería haber estado haciendo otras cosas o son ese algo que realmente te ha capturado en los últimos años? ¿Cómo y cuándo llega a la decisión de dar el paso e ir a tiempo completo como profesional creativo? Matthew Dunn: He estado dibujando toda mi vida, a menudo cuando debería haber estado haciendo otras cosas. Yo estaba siempre metiéndose en problemas en la escuela porque mis libros de trabajo eran prácticamente cuadernos con el ejercicio de la clase de vez en cuando apretó en una buena medida. A medida que aumentaba mi carga de trabajo de arte me pareció más y más difícil de equilibrar mi anterior trabajo de tiempo completo con mi arte, así que un día (con un fuerte codazo de mi encantadora esposa) me tiró en el trabajo del día a centrarse en mi arte y nunca mirado atrás. Supongo que Photoshop tiene un papel importante 49
Top 20
en la forma de crear algo de su trabajo, sobre todo cuando se trabaja en sus cómics, pero ¿qué otros métodos se emplean para crear imágenes? ¿Con qué frecuencia usted experimentar con pinturas, tintas y otros medios tradicionales y si usted era sólo un maestro, lo que usted probablemente elija y por qué?
portante en mi trabajo donde me hice más de 100 piezas sepia / tinta usando sólo cepillos. Después de trabajar en un detalle de estilo altamente pluma durante tanto tiempo fue bastante liberador para abrazar la soltura abstracta de la brocha. Ahora estoy trabajando con una mezcla de los dos. -Vamos a hablar un poco más sobre su arte cómico. Usted ha creado varias tiras pequeñas antes de que se haya impreso en una antología en los EE.UU., una novela gráfica llamada “Lonely Monsters” y está a punto de empezar a trabajar en otra. ¿Qué hay en el proceso de creación de un cómic o una tira que te parece tan gratificante? ¿Cómo superar los desafíos de la labor realizada y cómo usted se cerciora de que usted se quede enamorado de lo que está reconstruyendo lentamente juntos?
Cuando empecé a usar Photoshop estaba atrapado en la emoción de los diversos filtros a la mano. Pero con el tiempo se cayeron la mayoría de ellos (espero por medios tonos, AMO los tonos medios) y ahora sobre todo lo uso para la coloración básica y aplicar acuarela y tinta capas que yo produzco y luego escaneo. Experimentar con diferentes medios es siempre una maravilla, y es algo que he estado tratando de hacer más y más. Durante mucho tiempo sólo he trabajado con los lápices y bolígrafos, con algunas acuarelas. Entonces empecé a incorporar acrílicos Comics contienen todo lo que me encanta de en mi trabajo. Este año se produjo un cambio im- arte, y son un medio constantemente desafiante y emocionante para trabajar en. Cuando estoy trabajando en un cómic por lo general a tener un par de escenas en particular que estoy más emocionado de trabajar en, y con el fin de mantener mi entusiasmo y centrarse siempre les deje hacer pasado. Me da algo para trabajar. Para mí no hay nada más gratificante que creativamente clavar una buena página de comic. La constante experimentación y la educación que ofrecen los cómics son una fuente inagotable de estimulación artística y la inspiración. Cuando no estoy dibujando cómics generalmente estoy leyendo cómics. Es un medio que no puedo verme a mí mismo perder el interés, me encanta demasiado maldita sea, mucho!
50
Ilustradores -¿Ha Pensado alguna vez hacer aventuras de Leroy más interactivo? Decir, hacer un juego de él? Estoy seguro de que siempre hay lugar en los corazones de la gente para otro zombie smash-fest de un juego.
co http m :// ma
tth
ew
du
nn
ar
Si se presentara la oportunidad sin duda me interesaría que esto ocurra. Soy un fanático del control total cuando se trata de mi propiedad del personaje, aunque por lo que sería probablemente tome unos años sólo para trabajar en los contratos jeje. -Por último, ¿qué puedes compartir acerca de su colaboración con Matt Jackson (Kid Akira) y el proyecto Monkeys Súper violento? Colaboraciones pueden ser cosas difíciles, un camino a veces lleno de baches donde los egos y las personalidades chocan. Ninguna de esas cosas existen en el mundo de M + M (co-creado y operado por Matt y yo). Desde el principio nuestras ideas han ocurridos casi simultáneamente, en realidad es bastante extraño a veces. Constantemente nos inspiramos mutuamente para empujar el sobre en todas las formas posibles y el proyecto se vuelve más y más emocionante con cada día que pasa. Tenemos grandes planes locos para Super Violent Monkey Time y otros planes locos ya en los trabajos que requieren diferentes caracteres no-Mono. Tengo un par de otras colaboraciones que suceden que afortunadamente funciona de manera similar, lo que los hace muy emocionante. Incluyendo una versión oficial juguete Leroy (sólo 1 existe hasta el momento, y está en mi colección privada).
Leroy, By Matthew Dunn
51
t
3 1
52
Top 20
Ilustradores
B
ajo el seudonimo de MAQUINITA, Andrés Ariza es un diseñador e Ilustrador Colombiano basado en Barranquilla a quien le interesa la Ilustración como si fuese su primer amor, pero también los temas relacionados con el Branding y el diseño en general. Su trabajo se ha convertido en una forma de expresión, una manera distinta de sentir la vida. Sus obras se caracterizan por colores vivos asociados con un sencillo y efectivo estilo vector, que en muchos casos tiene grandes referencias y elementos del mundo Geek como gameboy, Super Mario o las tortugas ninja, elementos o personajes que te harán recordar un mundo mejor. En su portafolio puedes ver además algunos de los clientes con los que ha trabajado.
Este colombiano se describe como un tipo especial y así lo es su obra. Con un estilo muy especial y unas ilustraciones muy trabajadas echas por ordenador ha conseguido no dejar indiferente a nadie. En cada trabajo se refleja parte de él, de sus gustos y de su vida, como el gusto por la comida japonesa. Es un ilustrador que merece la pena tener en tu lista de favoritos para no perderte nada de lo que hace. Os recomiendo un pasito por sus trabajos. Andrés Ariza se graduó de la Universidad Autónoma del Caribe como diseñador gráfico profesional. Su objetivo principal era llegar a ser un gran exponente del arte digital bajo el seudónimo de Maquinita, con la mayor parte del tiempo empleado diseñar personajes e inventando nueva y única de estilo para ilustrar. Su arte ha viajado a puntos distintos del mundo.
53
Moscú. Todo lo que podemos decir por el momento es que su objetivo lastest es crear nuevos personajes con personalidades extremas, enormes ilustraciones y más. Andrés Ariza es un tipo tranquilo. Él es un fan de las artes, los videojuegos y las películas. Le encanta la comida japonesa y la salsa tártara. Él piensa que es un tipo especial, pero es sólo una persona promedio. Él siempre está tratando de escapar del mundo normal, porque en vano cree que pertenece a algo más allá de lo normal, pero en realidad él simplemente hace las cosas de rutina, como todos los demás. “Maquinita” o como otros me dicen, El Masheen, es otro asunto. Él es dedicado y responsable con sus proyectos. Él siempre está abierto a nuevas ideas y trata de mejorar todo el tiempo. Le gusta pasar tiempo con sus amigos y sus pasiones son la calle y el arte digital. Cuando el tiempo no es un problema de asunto, garabatos e historias imagina sin sentido o tiempo. La “máquina” tiene mucho que ver y aprender. Cada día es una nueva oportunidad para ser algo diferente. y algunos de sus pasiones son la calle y el arte digital. “Creo que he logrado muchas cosas, algunas personas me conocen, me gustan durante más tiempo las imágenes que hago y todo eso, pero creo que aún no son nada comparadas con todas las que quiero. Mis sueños son tal vez muy ambiciosos, quisiera ser “hokage”, pero falta un camino bastante divertido para eso. realmente no sé qué rayos estoy haciendo, o pueda hacer. Mi estilo es una combinación de todas las cosas que me gustan; creo que eso es un estilo, no es algo que construyes, es algo que sin querer haces muy bien”.
54
Ilustradores
E
“ l arte en Colombia en como una nalga, hay que trabajar muy duro para que salga bien, o meterle mucha plata para que salga como sea”.
-¿Algún consejo para los futuros artistas? Amigos, la lucha contra la procrastinación es muy difícil, yo muchas veces la he pierdido, lo importante es pelear, pensar de cuanto más podrías lograr. -¿Crees que en Colombia apoyan el arte? Creo que Pirry una vez dijo o repetía que: “en Colombia las cosas se venden con las nalgas”. Yo creo que en este caso, el arte en Colombia en como una nalga, hay que trabajar muy duro para que salga bien, o meterle mucha plata para que salga como sea. La lucha es un poco dura, Los pagos no son proporcionales a los del exterior y demás inconvenientes; pero en mi caso personal con la ilustración, tengo el alivio de sentir que esta es mi verdadera pasión.
h t t p s : / / w w w. b e h a n c e . n e t / M a q u i n i t a
55
14
56
Top 20
Ilustradores
57
J
Top 20
ared Nickerson es un ilustrador digital profesional procedente de Halifax, Nueva Escocia y con sede en Seattle, WA. Jared es cofundador de la reconocida comunidad de vectores Blood Sweat Vector. Desde principios de 2008 hasta finales de 2010 Jared fue director artístico de la marca de ropa con sede en Berlín, laFraise. Jared enfoca sus diseños a la creación de personajes, logotipos, los videojuegos, diseño editorial, y el diseño textil. También se especializa en dirección de arte, branding y consultoría. Su lista de clientes incluye a Nike, Adidas, Coca-Cola, Activision, K2 Snowboards, y CultureClub por nombrar algunos.
calista. Sus hobbies incluyen viajar, la fotografía, la recogida de los robots del anime clásico, y jugando con sus dos barros amasados de raza pura ‘Perséfone’ y ‘Apollonia’ (también conocido como “The Children Fur” o “Hermanas de la Destrucción”). El lema de Jared es “Crear arte por sí mismo y con el tiempo todo el mundo va a seguir.” -¿Podría hablarnos de su diseño y el fondo que ilustra y qué te hizo convertirse en un diseñador e ilustrador?
Yo en realidad nunca fui a la escuela de ilustración, de hecho, nunca fui a la escuela (después de la secundaria). Me dieron el arranque a una edad temprana por lo que nunca tuvo el dinero Jared es un ilustrador “ Yo e n r e a l i d a d n u n - para la escuela. De todos modigital profesional dos, sollozar historia a un c a f u i a l a e s c u e l a originario de Halilado, que había tenido un fax, Nueva Escofondo de arte desde una de ilustración, de cia. Con varios edad muy temprana hecho, nunca f ui a movimientos como la mayoría de l a e s c u e l a m e i m hacia el oeste a los niños y mantuve aginé el futuro del través de América con él a lo largo de la del Norte que se escuela secundaria, etc arte iba en la direcbasa ahora en Seatme imaginé el futuro ción digital y decidí tle, WA. Jared es codel arte iba en la direcs u b i r e l t r e n” . fundador de la renomción digital y decidí subir brada vector Sweat Blood el tren. Recogí una copia de comunidad Vector, (BSV, CorelDraw camino de regreso en para abreviar). Desde principios el día y me fui de allí. Finalmente he de 2008 hasta finales de 2010 Jared era diconseguido aprender Adobe Illustrator y que rector de arte para la marca de ropa con sede en hasta la fecha se ha mantenido mi herramienta de Berlín, laFraise. Su enfoque principal es el carácter, elección. logotipo, videojuegos, editoriales y diseño textil. También se especializa en la dirección de arte, Esencialmente, la motivación era el dinero en el branding y consultoría. Su lista de clientes incluye principio, y en este punto todavía en cierta medida a Nike, Adidas, Coca-cola, Activision, K2 Snow- es el dinero, pero hay mucho más a él ahora. Realboards, y CultureClub para nombrar unos pocos. mente disfruto el diseño y el medio que trabajo, lo que pasa es que hacer algo de dinero en lo que me Además de ser un ilustrador, Jared es también un gusta. productor aficionado de música, compositor y vo58
Ilustradores
-¿Cuál es su pasatiempo favorito y menos favorito sobre el diseño y la industria que ilustra? La mayoría favorito siempre ha sido conseguir una opinión positiva de artistas que respeto y admiro a. Ese siempre ha sido un grande para mí. Otra cosa es ver su duro trabajo en un producto físico como un juguete de vinilo o una camiseta, etc
rollado, el proceso suele ser el mismo. Nada demasiado complicado.
Cuando se trata de trabajo comercial real, sin embargo, por lo general requiere una gran cantidad de pesca por mi parte. La pesca de las ideas del cliente o en algunos casos simplemente materializar una idea. Encuentro sitios navegando Por lo menos favorita sería “disciplina”. No soy una como www.behance.net y www.ffffound.com persona extremadamente disciplinada, y me en- son siempre una gran fuente de inspiración si cuentro trabajando como ilustrador freelance que estás seco de ideas. tienes que ser muy organizado y disciplinado. Así que es algo que yo lucho con sobre una base diaria. En cuanto a la propia industria real, yo no soy un gran fan de una gran cantidad de “artistas wannabe” que esperan para recoger una copia pirata de Adobe Illustrator y en 10 minutos produzco una pieza pulida de obras de arte. Una gran cantidad de este tipo de personas no se dan cuenta que se tarda meses-años para desarrollar su propio estilo, fanbase, y la reputación. Estos mismos artistas suelen ser el artista que se sienten frustrados y terminan rasga obra de otras personas para su propio beneficio en lugar de hacer el trabajo ellos mismos. Honestamente, sin embargo eso es algo que la mayoría de los artistas “reales” tienen que hacer frente; todo el mundo que se hacen llamar “diseñadores”. -¿Podría describir su forma de trabajo típico para una ilustración? Antes de nada, yo siempre configurar una lista de reproducción, por lo general consiste en la música de Bloc Party, Cut Copy, Chromeo, y El imperio del sol, entre otros. Al hacer trabajo personal por lo general sólo vengo con una idea al azar, por lo general uno que he tenido durante unos días, y lo mejor de mí para ejecutar esa idea. Ya se trate de una foto o de un estilo más antiguo que he desar-
. pts e c n eco e r th w.j w w :// p t ht /#/ com 59
5 1
60
Top 20
Ilustradores
A
ntoine Helbert es un ecléctico artista de Estrasburgo, Francia, cuyos trabajos podemos encontrar en pintura, ilustración o escultura, los cuales realiza con una gran variedad de herramientas que van del lápiz al bolígrafo, pasando por el óleo, lona, madera o Photoshop. Igual de variadas son sus fuentes de inspiración y así, podemos ver a través de su obra como desarrolla temas históricos o se introduce en el mundo de la moda y la publicidad, tratando igualmente la ilustración más estilo cómic. Antoine ha creado numerosos carteles de exposiciones, festivales de
música y eventos culturales, entre los que destaca la creación de los decorados para l’Opéra National du Rhin de Estrasburgo, donde contribuye en las escenas más prestigiosas como “La flauta mágica de Mozart”, “La clemencia de Titus de Gluck” o “La Coronación de Poppea” donde realiza unas creaciones a escala monumentales de más de 8 metros de altura. Helbert siente verdadera pasión por la Edad Media y más recientemente por la civilización bizantina, lo que le lleva a una profunda exploración de ambas culturas a través de sus pinturas. Pero este artista 61
Top 20
no se limita a un estilo clásico, sino que evoluciona a través de las más profundas reflexiones de la vida moderna y así, involucrado también en el mundo de la moda, crea un universo de híbridos personajes mitad humanos mitad animales que nos dejan sorprendidos por el detalle y el colorido con que los envuelve, en una simbiosis barroca y delirante. Su web es de visita obligada e igual de bien cuidada que toda su obra. Solo la presentación ya es una gozada. (Clic en imágenes para ampliar) Ilustrador francés, pintor y diseñador gráfico Antoine Helbert ha creado animales / mutantes y el resultado es una especie de realismo mágico que está justo fuera de los sueños. (Sueños de queso.) Sus talentos no se limitan sólo a la pintura, sin embargo. Una breve mirada a su sitio web es un tesoro de diferentes estilos, temas y técnicas. De hecho, algunos podrían ir tan lejos como para decir que es un poco avaro con los talentos. Al igual que muchos ilustradores, Antonie está catalogado como uno de los mejores ilustradores de los últimos tiempos, prueba de ello es su aparición en la publicación en 100 ILLUSTRATORS, la cual menciona los mejores ilustradores de los últimos años. Su portafolio está compuesto por diferentes tematicas: Esculturas, animaciones y, finalmente, las ilustraciones. Dentro de sus ilustraciones se puede apreciar una categorización bastante peculiar. Por un lado están las mujeres japonesas, los súper héroes, y partenón, y por otro lado, los famosos hibridos , súper modelos y unas muestras de su libro de dibujos.
62
Ilustradores
Helbert siente verdadera pasión por la
Edad Media y más recientemente por la civilización bizantina, lo que le lleva a una profunda exploración de ambas culturas a través de sus pinturas.
63
16
64
Top 20
Ilustradores
Adem谩s de ilustrador, Pablo
Morales de los Rios compone m煤sica, hace cortos de animaci贸n y de cine, cre贸 su propia webserie (reconocida recientemente con cinco premios en el festival Los Angeles Web Fest 2014)
67
N
Top 20
acido el 3 de Noviembre de 1979 en Las Palmas de gran canaria, españa, pablo ruiz morales de los rios no tarda en demostrar talento para el dibujo. a los 8 años hace sus primeras historietas, a la vez que en el colegio pinta algunos murales y gana durante años seguidos los concursos de dibujo escolar. además, también empieza a dedicarse al modelismo. con 14 años comienza a trabajar en la que será su mayor obra como historietista, brotam musculamen: el sandwich de jamón y queso, y que finaliza 5 años después, en 1999. pablo morales de los ríos es una rara avis en esta actualidad hiperespecializada: es un tipo de artista “renacentista”, que gusta de tocar todos los palos y estilos. sólo en ilustración, utiliza cualquier tipo de técnicas: óleos, acuarelas, pintura digital, grabados, carboncillo, y un largo etcétera. pero no queda ahí: compone música, hace cortos de animación y de cine, creó su propia webserie (reconocida recientemente con cinco premios en el festival los angeles web fest 2014), y un sinfín de proyectos más. su triunfo es el del talento, pero sobre todo el del trabajo: siempre tiene varios proyectos entre manos. y a diferencia de la mayoría de la gente, los acaba. mientras tanto, trabaja como decorador y muralista en hoteles, discotecas y restaurantes, y en 1995 gana el concurso para la elección de una mascota para el instituto de maspalomas, donde estudiaba. es más o menos en estas fechas cuando empieza a trabajar con óleo, de nuevo de manera autodidacta. aunque empieza a estudiar en las palmas en la escuela de artes y oficios, la necesidad de un cambio de aires le llevan finalmente a madrid en 1997, donde ingresa en bachillerato artístico. tras dos años piensa en hacer lo que parecía era su destino: estudiar bellas artes. sin embargo, algo decepcionado por la enseñanza en general, se plantea la posibilidad de estudiar arquitectura o cinematografía, dos de sus pasiones. se decanta por la segunda, y hace dos cursos de cine y televisión, en los cuales conocerá a juan antonio castro, con quien llegará
66
Ilustradores a hacer cuatro cortometrajes años después: snaaagh movie, rec, el error lumière y sobre los orígenes del sexo. Para entonces pinta el cuadro que definirá su estilo personal: éxodo 1999 d. c., con el entonces actual conflicto de kosovo como telón de fondo. con 21 años realiza su primera exposición individual, de título desvariaciones, en la que presenta versiones políticamente incorrectas de obras de grandes maestros como rembrandt, goya o picasso. mientras tanto no deja de luchar por publicar sus cómics y poemas, comenzar a dirigir sus primeros cortometrajes y buscar un productor para su nuevo proyecto, un largometraje sobre la vida de cristo en clave de comedia ácida, el evangelio según san judas, creado 5 años antes de su verdadero y reciente descubrimiento. para ello no sólo escribe el guión, en el que colabora juan antonio castro, sino que selecciona la música para la banda sonora y realiza el storyboard completo. sin embargo, tras conocer en la galería a Javier Capitán, presentador de televisión y periodista, y venderle varios cuadros, comienza a trabajar como guionista y creativo en el programa televisivo El Informal, para Globomedia, descubriendo el medio. En estas fechas escribe su primer compendio de cuentos, los
relatos de mal acabar. a éste le seguirán pronto los libros de poesía pequeño réquiem por 21 hombres grandes y nacerán flores amargas, la novela introducción a un mundo sin arte y la obra de teatro en el séptimo día. finalizado el programa de televisión, agotado por la búsqueda sin éxito de más galeristas, productores y editores, se abre para el artista canario una época difícil, pero que aún así no le impedirá seguir trabajando: comienza sus cuadernos de viaje, escribe el libro de poesía autorretrato sin óleo, autocrítica tanto exterior como interior, la novela autobiográfica cuentos para mantener alejado al diablo, y el guión de un nuevo largometraje, de cómo cervantes fue a publicar su don quijote y otras adversidades, crítica al mundo editorial con el escritor alcalaíno como protagonista. además, la nueva serie de lienzos en la que trabaja, picteratura, sobre clásicos de la literatura, y el libro caricaturas de grandes creadores a través de la historia, de 300 ilustraciones, demuestran una infatigable ansia de crear. en el 2006, tras haber vivido también en londres, realiza el guión de otro largometraje, vanitas, grotesca visión de los tiempos de la guerra civil española, y un libro de saetas satíricas, las sateas. también, junto a jaime carracedo, escribe y dirige la obra teatral sobre el compositor claude debussy preludio a la obra de un genio, estrenada en las palmas de gran canaria el 16 de septiembre del 2006. actualmente trabaja en una novela gráfica, historias de la tercera edad, formada por relatos cortos con la vejez como telón de fondo, y hace sus primeros intentos con la que es su gran pasión frustrada: la música.
p: t t h
//
w ww
.m
le ora
sd
s elo
rio
o s.c
m/
67
17
I
Top 20
lustrador húngaro. Nació y creció en Budapest, Hungría. Se instaló en los EE.UU. en 1981. Ha publicado ilustraciones en revistas, ha diseñado cubiertas de discos, ha trabajado en dibujos animados. Zoom fue su primer álbum ilustrado. Vive y trabaja en Nueva York.
68
Ilustradores
t ht
p:
w //
w
w
.
t is
-o
. ne
c
om
/
69
Top 20
I
stvan Banyai (nacido en Budapest, Hungría, 27 de febrero de 1949) recibió su BFA de Moholy-Nagy Universidad de Arte y Diseño, Budapest y ganó prominencia como ilustrador comercial y animador a mediados de la década de 1980 cuando emigró a los Estados Unidos. En 1995 Istvan Banyai produjo sus primeros libros sin palabras de los niños, la magistral “Zoom”. Honrado como uno de los mejores libros infantiles del año por el New York Times y Publishers Weekly, “Zoom”, fue publicado en breve en 18 idiomas. Con el aumento de la complejidad y originalidad conceptual, se fue al autor de cuatro libros más e ilustrar muchos más en la colaboración con otros escritores y poetas. “Es refrescante encontrar un grupo de libros casi sin palabras que invitan a los niños a considerar su mundo desde un punto de vista que no pueden haber considerado de otra manera El más impresionante es.” Zoom “, escrita, o, más bien, imaginaron y luego ilustrado - por Istvan Banyai “.
70
Mientras Istvan sigue produciendo la ilustración comercial para su publicación como The New Yorker, Playboy, Rolling Stone, Tiempo y Atlantic Monthly; arte de la cubierta para Sony y Verve Records; y cortometrajes de animación de Nickelodeon y MTV Europa, que es respetado internacionalmente por su visión filosófica e iconoclasta único, trascendiendo así el estado de ilustrador comercial al talentoso artista. Banyai describe su arte como “una combinación orgánica de vuelta-de-siglo retro vienés, intervino con el pop americano, algunos absurdo añadido europeo para el sabor, que se presentan en una paleta de colores de estilo de dibujos animados ... no realismo social añadido.” Desde Budapest a París, Los Angeles a Manhattan (“No ilustrador supera Istvan Banyai retratar la vida de ensueño de Nueva York y Los Angeles cadera estilo-setters urbanos de hoy en día.”) Que ahora vive con su esposa en el bosque de Connecticut entre ciervos y flores.
Ilustradores
Gracias a sus sorprendentes e innovadoras ilustraciones que aparecieron en publicaciones como Atlantic Monthly, Time,The New Yorker, Playboy y Rolling Stone. Istvan ha trabajado realizando portadas para Verve, Sony y Capital Records, y ha creado pequeños cortos de animación para los canales Nickelodeon, MTV Europe, y el músico Jean Michel Jarre.
la
magistral “Zoom”. Honrado como uno de los mejores libros infantiles del año por el New York Times y Publishers Weekly, “Zoom”, fue publicado en breve en 18 idiomas.
71
18
72
Top 20
Ilustradores
C
omo estudiante en el Ontario College of Art en 1976, Mark Summers fue introducido en scratchboard por el caricaturista político venerado Duncan Macpherson. Poco después de su graduación, comenzó a circular su cartera de retratos. Su gran oportunidad llegó con un retrato de Douglas McArthur del New York Times Book Review, y no ha parado de trabajar desde entonces. Grabados de Mark en scratchboard han cosechado numerosos premios, exposiciones, y una lista de clientes en continua expansión que todavía incluye funciones regulares en el Book Review.
73
Top 20
U
n maestro de la técnica scratchboard, ha compartido su portafolio de trabajo increíble tanto en su sitio personal y Behance. A continuación es una pequeña muestra de su brillante talento artístico, disfrutar! Summers fue perfilado recientemente en Walt Reed de “El Ilustrador en América, 1860-2000”, una guía completa de las personas prominentes en la historia de la ilustración americana. El autor escribe “Summers toma el arte del ilustrador de un siglo alistando el oficio de grabador en madera para el medio scratchboard. Él le da un sabor completamente contemporáneo, sin embargo, en el poder de su imaginación. “ LA TÉNICA DEL SCRATCHBOARD Paso 1: Un boceto rápido para bloquear la composición final. Paso 2: El bosquejo preliminar. No siempre voy a este extremo para un bosquejos áspera sólo si la pieza es bastante complejo, o si el cliente necesita ver alguna indicación de donde la luz y la obscuridad exacta caerán. No estoy seguro de cómo terminé haciendo bocetos de tal manera bizantina, pero es una manera rápida de determinar el tono general. Este es un dibujo de línea simple, hecho con un rotulador. El rastreo de papeleo que luego rocíe montarlo sobre un papel, tonos de luz. Los aspectos más destacados son la pintura acrílica. Incluso después de este paso yo todavía tienden a “violín.” Si
74
http://marksumme
me siento una mano es demasiado pequeño, o una figura demasiado grande Puedo fotocopiar al tamaño adecuado y justo en la pasta. Paso 3: El acabado blanco y negro. Cada dibujo comienza como un cuadrado negro. Después de esto, usar un cuchillo, rascar las líneas blancas en la superficie. Trato de desalentar a los clientes que preguntan por ver “el trabajo en progreso”, como en cualquier momento habrá una cabeza totalmente terminada, aquí, una mano allí, flotando en un mar de negro. Tiendo a trabajar tamaño (este dibujo es de 12 “resaltar cada cara es aproximadamente de 2” de alto.) En un dibujo como este, me parece que se necesita un día completo para terminar cada figura. Entonces tengo el trabajo terminado escanea y se imprime en papel fotográfico.
Ilustradores
HISTORIA DEL SCRATCHBOARD Scratchboard moderna se originó en el siglo 19 en Gran Bretaña y Francia. Como métodos de impresión desarrollados, scratchboard se convirtió en un medio popular para la reproducción, ya que sustituye la madera, el metal y linóleo grabado. Permitió una apariencia delgada línea que se podría producir fotográficamente para la reproducción sin perder calidad. Fue de lo más eficaz y rápida para su uso en el libro de un solo color y la impresión de periódicos. rs.prosite.com/
75
p
76
i at r
ckd
s raw
tin
c gs.
om
19
Top 20
Ilustradores
I
lustrador de Los Angeles Patrick Hruby creció en una cabaña de madera en un bosque en Idaho. Cuando era niño soñaba con salir corriendo para unirse al circo y convertirse en un artista del trapecio. Eventualmente, sin embargo, creció a estudiar matemáticas y física antes de asistir a la famosa Art Center College of Design y seguir una carrera como ilustrador. Su interés por la geometría de la naturaleza es fundamental para su trabajo. Influenciado por artistas y diseñadores como Charley Harper, Paul Rand, y Mary Blair, Hruby ha pasa-
do a desarrollar su propio impresionante y moderna estética. Los clientes de Hruby incluyen The New York Times Magazine, Todd Oldham Studios, AMMO Books, Festival de Jazz de Playboy, Varsity imágenes y Brand New School. CMYK revista lo nombró recientemente como una de sus mejores 100 Nuevas creaciones. Education: I graduated from Art Center College of Design with a BA in illustration design in the summer of 2010. 77
Top 20
C
ultural Influences: I draw influences from great mid-century artists and designers like Paul Rand, Alexander Girard, and Charlie Harper, but also sources like 8 bit Nintendo games and botanical gardens. I have always been obsessed with beauty and utopian ideas. I think this is why I am drawn to geometry. Environment: I’ve just moved into an awesome studio in Eagle Rock. It is a shared space with some great people like Aaron Smith, and Brian Rea. The studio used to be a pharmacy in the 1920s and has beautiful brick walls. I try to keep my studio tidy, but it tends to go between extremely neat and messy.
Filosofia: Mi Hacer her-
78
filosofia es simple: o fabricar cosas mosas.
Ilustradores
“
Soy un ilustrador freelance y diseñador en la soleada ciudad de Los Ángeles, California. Tengo una licenciatura en la ilustración del Art Center College of Design, y un apetito insaciable de color.
patrick hruby graduado del art center college of design en 2010, desde entonces, su obra ha llamó la atención de clientes como New York Times y libros AMMO. Hruby es versátil su estética ha llevado a los marcos de estilo diseño para clientes como AT & T, Coca-Cola, Honda, Toyota y en nueva escuela. Ademas de trabajo comercial, que también exposiciones en galerías varias, incluyendo una exposición a solas con Sloan Fine Art at Culturefix Nueva York, y exposiciones colectivas en Los Angeles en Robot gigante, galeria R&Rr, y galería de núcleo.
79
20
80
Ilustradores
81
H
Top 20
arry Ekman (nacido en Chicago Il. En 1923) fue un importante artista gráfico estadounidense. Sus primeras influencias fueron Gil Elvgren, Haddon Sundblom, Ballantyne Joyce. Ekman inicialmente comenzó como aprendiz con Sundblom que era un amigo cercano de la familia y de 1951 para Elvgren. Murió en Medford, Nueva Jersey en 1999. Harry Ekman estudió en la Academia Americana de las Artes y el Instituto de Arte de Chicago. Él es el más recordado por su pin-up y el trabajo publicitario. Trabajar con Gil Elvgren, que se cree que han escrito algunas de las imágenes icónicas atribuidos a Elvgren. En 1960, Ekman estaba haciendo una transición de la ilustración comercial y el arte pin-up al retrato. El resto de su carrera se dedicó a las obras de galería y retratos. Es reconocido por sus Ilustraciones de pin-ups de arte, chicas de calendario de arte, arte glamour del artista Harry Ekman. Galería de arte Virtuales pin-ups, Harry Ekman, ilustraciones, pin-ups de arte, arte glamour, arte chicas del calendario. Un artista de Chicago, Harry Ekman trabajó codo a codo con su compañero el veterano tienda Sundblom Gil Elvgren, desarrollando un estilo exuberante en aceites misteriosamente como la de su mentor. Sus niñas tienen el mismo fresco, brillo saludable como Elvgren del, y se ven en este tipo de situaciones Elvgren típicos como el ciclismo, el vadear, y pasear al perro. Ayudar a su colega en la década de 1960, Ekman puede incluso tener “fantasma” cierta Elvgren firmado pinturas. Su propia obra apareció bajo la impronta tanto Brown & Bigelow y Shaw-Barton. Como Elvgren, Ekman se especializó en calendarios, pero también trabajó en la publicidad. La obra de arte más antigua jamás registrada en el sitio web de este artista es una pintura vendida en 2004, en Sotheby y la obra más reciente es un dibujoacuarela de 2013. Bajo distintos niveles de precios de Artprice.com de este artista se continúan vendiendo alrededor de 23 obras de arte en subastas en especial: la pintura, dibujo-acuarela, todas de ellas ilustra-
82
Ilustradores
ciones.
Es reconocido por sus Ilustraciones de pin-ups de arte, chicas de calendario de arte, arte glamour del artista Harry Ekman.
83