Top 20 by Camila Pardo by enfasis

TOP 20 CANTANTES de todos los tiempos

ARTISTAS DE TODOS LOS TIEMPOS

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CONTENIDO

Septiembre 2014

I n t r o d u c c i 贸 n 4 1 A r e t h a F r a n k l i n 6 2 R a y C h a r l e s 1 0 3 E l v i s P r e s l e y 1 4 4 S a m C o o k e 1 8 5 J o h n L e n n o n 2 2 6 P a u l M c C a r t n e y 2 6 7 M i c k J a g g e r 3 0 8 T i n a T u r n e r 3 4 9 F r e d d i e M e r c u r y 3 8 1 0 F r a n k S i n a t r a 4 2 1 1 m i c h a e l J a c k s o n 4 6 1 2 W h i t n e y H o u s t o n 5 0 1 3 B o b M a r l e y 5 4 1 4 K u r t C o b a i n 5 8 1 5 E l t o n J o h n 6 2 1 6 B O N O 6 6 1 7 L i o n e l R i c h i e 7 0 1 8 J a m e s B r o w n 7 4 1 9 A m y W i n e h o u s e 7 8 2 0 L a u r y n H i l l 8 2

ARTISTAS DE TODOS LOS TIEMPOS

20 CANTANTES

de todos los tiempos

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legir al mejor cantante del mundo es algo bastante difícil y, sobre todo, subjetivo. Nuestras pasiones y gustos personales nos hacen perder la cabeza por distintos artistas, así que tocar el tema con amigos o familiares es susceptible a terminar en conflictos. Pero, ¿habrá una forma “objetiva” de elegir a la mejor voz de todos los tiempos? Al parecer sí. El sitio web de entradas de conciertos ConcertHotels usó el rango vocal como parámetro para elegir a los mejores artistas. Para dar con el top 100 la revista consultó con 179 personas entre músicos, productores, editores de la publicación, y otros de la industria musical. Un dato interesante es que la lista encierra el espacio temporal que básicamente comprende todo lo que se ha podido grabar desde el cilindro de fonógrafo en adelante, aunque seleccionando casi únicamente artistas de los Estados Unidos. Al igual que la mayoría de las listas de este tipo publicadas por la revista Rolling Stone, ha sido motivo de controversia tanto por críticos como por fans, controversias incluidas la ausencia de grandes voces (Paul Simon o Louis Armstrong) o las posiciones dadas a los que si entran en el conteo.

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Aretha Franklin Cantante de soul, R&B y gospel. Apodada como «Lady Soul» o «Queen of soul» («La Dama del Soul» o «La Reina del Soul»), es para algunos una de las artistas más influyentes en la música contemporánea. A mediados de la década de 1960 se consolidó como estrella femenina del soul, algo que usó en favor de los derechos raciales en Estados Unidos, siendo un elemento influyente dentro del movimiento racial y de la liberación femenina.

La Revolución del Soul

ació el 25 de marzo de 1942 en Memphis (Tennessee), y creció en Detroit. Es hija del predicador Clarence LeVaughn Franklin y la cantante de gospel Barbara Franklin. Su madre abandonó a su familia cuando Aretha era una niña, y poco tiempo después, murió. Su padre vio pronto el talento de Aretha, por lo que quiso que tomara clases de piano, pero ella lo rechazó y prefirió aprender por sí sola con la ayuda de grabaciones. En este tiempo, permanecía en un tour itinerante de gospel, donde uno de los primeros temas que interpretó fue «Precious Lord». Los genios del gospel Clara Ward, James Cleveland y Mahalia Jackson eran íntimos de su familia, por lo que Aretha creció rodeada de ellos. Con quince años tuvo a su primer hijo, y dos años después tuvo el segundo.

l primer single que grabó para Atlantic Records fue «I never loved a man the way I love you», para lo que contaron con el acompañamiento de la Muscle Shoals Rhythm Section, en Alabama. Este tema ha sido avalado por muchos críticos como una de las grandes canciones del soul, y la revista Rolling Stone escribió: «Franklin ha grabado su versión de la maravilla soul, un lamento sobre qué-mal-me-has-tratado, con la Muscle Shoals Rhythm Section, unos chicos blancos de Alabama». El single irrumpió en todas las radios, pero aún lo harían con mucha más fuerza «Respect» -versión de la canción que Otis Redding había grabado en 1965con el cual Aretha se consagraba definitivamente. La canción se grabó en los estudios de Atlantic, en Nueva York, el 14 de febrero de 1967. A la versión original de Re-

dding se le añadió un puente y un solo de saxo, de la mano de King Curtis; también se le añadieron los cambios de acordes del tema “When something is wrong with my baby”, de Sam & Dave. El 10 de marzo de 1967 se editaba el álbum I never loved a man the way I love you, que contenía los dos singles anteriores, además de temas como la versión de la canción de Ray Charles “Drown in my own tears” o las canciones de Sam Cooke “Good times” y “A change is gonna come”. Pero Aretha también contribuyó a este álbum como compositora, con los temas “Don’t Let Me Lose This Dream”, “Baby, Baby, Baby”, “Save Me” y “Dr. Feelgood (Love Is a Serious Business)”. Ese mismo año, consiguió dos premios Grammy, siendo la segunda mujer en hacerlo. También en 1967 (4 de agosto)

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Nacimiento: 25 de marzo de 1942. Canciones claves: ‘(You Make Me Feel Like) A Natural Woman’, ‘Respect’, ‘I Never Loved a Man (The Way I Love You)’, ‘Think’, ‘Chain of Fools’. Ha influido a: Whitney Houston, Alicia Keys, Aaron Neville, Annie Lennox.

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La reina del Soul E

n 1968 lanzó Lady soul, con el que volvería a conocer el éxito masivo. El disco contenía éxitos de la música soul como “Chain of fools”, “A natural woman” o “Ain’t no way”. También había colaboraciones de Eric Clapton en el tema “Good to me as I am to you”, temas de Ray Charles “Come back baby”, James Brown “Money won’t change you” y el clásico de Curtis Mayfield “People get ready”.

Ray Charles y Aretha en grabaciones

Reconocimiento de “Disco de Oro” a su album Respect

En el álbum, colaboraban en los coros de The Sweet Inspirations, compuesto por Doris Troy, Dionne Warwick, su hermana Dee Dee Warwick y la prima de ambas Cissy Houston (madre de Whitney Houston). Seis meses después, se lanzó Aretha now, que continuaba una cadena de éxitos con “Think” y el popular tema de Burt Bacharach “I say a little prayer”, y que con anterioridad había interpretado Dionne Warwick. En 1969, el álbum Soul’69 cerraba la década con el éxito de los singles “River’s invitation” y “Bring it on home to me”.

Año Título Máx. Posición 1967 “I Never Loved A Man (The Way I Lo ve You)” 9 1967 “Respect” 1 1967 “Baby I Love You” 4 1967 “(You Make Me Feel Like) A Natural Woman” 2 1967 “Chain Of Fools” 2 1968 “(Sweet Sweet Baby) Since You’ve Been Gone” 5 1968 “Think” 7 1968 “The House That Jack Built” 6 1968 “I Say a Little Prayer” 10 1971 “Bridge Over Troubled Water” / “Brand New Me” 6 1971 “Spanish Harlem” 2 1971 “Rock Steady” 9 1972 “Day Dreaming” 5 1973 “Until You Come Back to Me “ 3 1985 “Who’s Zoomin Who?” 7 1985 “Freeway of Love” 3 1987 “I Knew You Were Waiting (For Me)” 1

En 1968 lanzó Lady soul, con el que volvería a conocer el éxito masivo. El disco contenía éxitos de la música soul como “Chain of fools”, “A natural woman” o “Ain’t no way”. También había colaboraciones de Eric Clapton en el tema “Good to me as I am to you”, temas de Ray Charles “Come back baby”, James Brown “Money won’t change you” y el clásico de Curtis Mayfield “People get ready”.

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Opiniones

“

Sabes reconocer una fuerza celestial. Sabes reconocer algo que Dios ha creado. Y Aretha Franklin es un regalo de Dios. Cuando se trata de expresarse a través de una canción, no hay nadie que pueda llegar a su altura. Ella es la razón por la que las mujeres quieren cantar. Aretha lo tiene todo: el poder, la técnica. Es honesta en todo lo que dice. Todo lo que está pensando o le está pasando está en su música, desde Chain of Fools a Respect y sus actuaciones en directo. Y tiene una confianza total; no titubea jamás. Creo que su base gospel le proporciona esa confianza, porque en el gospel no se andan con bobadas; cada uno sabe cuándo es su turno y el momento justo en que debe lucirse. Para ella, esto no es un juego.

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De niña, solía escuchar la música de Aretha porque mi madre ponía Do Right Woman y Ain’t No Way todos los días. Veía a mi madre llorar cuando escuchaba esas canciones, y yo lloraba también. Luego la descubrí por mi cuenta con la banda sonora de Sparkle. He debido de poner Giving Him Something He Can Feel como 30 veces seguidas; finalmente, hice las conexiones con la voz que solía escuchar mi madre. Incluso la manera en que pronuncia las palabras es asombrosa: en Giving Him Something He Can Feel, cuando canta “Many say that I’m too young” (Muchos dicen que soy demasiado joven), por la manera en que dice “I’m” casi parece que esté diciéndolo en tus narices, pero aun así te sientes cómoda a su lado. Puedes visualizar sus manos

cuando canta “You’re trying both of my hands” (Estás probando mis dos manos) en Ain’t No Way; de qué manera tan poderosa pronuncia la palabra “both”. Cuando la observas trabajar, te das cuenta de por qué Aretha es quien es. Cuando grabamos la canción Don’t Waste Your Time en mi disco Mary, simplemente llegó allí y se devoró el disco como si ella fuera un comecocos. Podía estar haciendo una entonación vocal como de iglesia, y de repente eso se convertía en una cosa tipo jazz espacial, algo que no había presenciado antes. Te decías “¿De dónde ha salido eso? ¿Dónde ha encontrado esa nota?”.

Nacimiento: el 23 de septiembre de 1930 (murió el 10 de junio de 2004). Canciones claves: ‘What I’d Say, ‘I Got A Woman’, ‘You Don’t Know Me’, ‘Georgia on My Mind’. Ha influido a: Van Morrison, Otis Redding.

Ray Charles Fue un cantante, saxofonista1 y pianista de soul, R&B y jazz, ciego desde la infancia. Charles nació en Albany, Georgia. Comenzó a perder la vista entre los 5 y 7 años de edad, cuando quedó ciego completamente, aparentemente a causa de un glaucoma, de acuerdo a la evaluación de los oftalmólogos de la época. Desde 1937 y hasta 1945 tomó clases en la Escuela de Sordos y Ciegos de la Florida, donde desarrolló sus habilidades musicales.

espués de 1970, Charles realizó lo que sería un éxito o su pérdida, con algunos éxitos populares y trabajos aclamados por la crítica y alguna música que fue desechada.

chica llamada Georgia, fue un éxito y pronto fue proclamada como la canción por excelencia de Georgia en 24 de abril, de 1979, con la aparición de Charles en el piso de la legislatura del estado.

Se concentró en espectáculos en vivo, aunque su versión de «Georgia on My Mind», una canción originalmente escrita para una

Incluso tuvo éxito con su única versión de «América the Beautiful». En 1980 Charles hizo una breve aparición en The Blues

Brothers y años más tarde en su secuela Blues Brothers 2000. También hizo repetidas apariciones en Plaza Sésamo y en el Show de los Muppet .

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Su Canción más Popular Después de una aparición en el Newport Jazz Festival logró un éxito importante con « The Right Time» y su canción más popular de 1959«What’d I Say». La esencia de esta fase de su carrera se puede escuchar en su álbum en vivo Ray Charles en Persona, grabado ante una gran audiencia afroamericana en Atlanta en 1959.

Ray Charles integró a su banda a las Raelettes (Chicas de Ray), un grupo de 3 chicas que ya antes se llamaban las Cookies. Así mismo una cantante soprano extra llamada Mary Ann Fisher. Charles comenzó a ir más allá de los límites de su síntesis Blues Gospel mientras seguía con

Atlantic, que ahora lo llamaba El Genio. Grabó con muchas orquestas y muchos artistas de jazz como Milt Jackson e incluso hizo su primer cover de música country con el «I’m Movin’ On» de Hank Snow.

“You know the night time, darling (night and day) Is the right time (night and day) To be (night and day) With the one you love, now (night and day) Say now oh baby (night and day) When I come home baby, now”

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Legado

n 1979, Ray Charles fue de los primeros músicos dentro del Salón de la fama de la Música en Georgia en ser reconocidos como originarios del Estado; además, su versión de “Georgia On My Mind” fue declarada la canción oficial del estado. En 1981, se le otorgó una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood, además de ser uno de los primeros artistas en ser incluidos en Salón de la Fama del Rock en la ceremonia de inauguración (1986). En 1987 le fue otorgado el Premio Grammy a la carrera artística. En 1991, fue incluido en la Rhythm

1957: Ray Charles 1957: The Great Ray Charles 1957: Yes Indeed! 1958: Soul Brothers (con Milt Jackson) 1959: What’d I Say 1959: The Genius of Ray Charles 1960: In Person 1960: Genius Hits the Road 1961: Genius + Soul = Jazz 1966: Crying Time 1966: Ray’s Moods 1967: Invites You to Listen 1968: Portrait of Ray 1968: I’m All Yours Baby! 1969: Doing His Thing 1970: Love Country Style 1970: My Kind of Jazz

and Blues Foundation, además que se le otorgó un premio por su trayectoria por parte de la misma. En 1998 se le otorgó el Premio de Música Polar, y en el 2005 los Premios Grammy fueron dedicados a su persona.

En el 2007, fue inaugurada la Plaza Ray Charles en Albany, Georgia, misma que tiene una estatua de bronce de Ray Charles con su piano.

La película Biográfica Ray, la cual cuenta la vida de Charles entre 1930 y 1979 fue estrenada en 2004, con Jamie Foxx interpretando el papel protagónico; actuación uego, se cambió a ABC Reque le bastó a Foxx para ganar cords. En ABC, Charles tuvo el Oscar Premio de la Academia mucho control sobre su música y en 2005 en la categoría de Mejor extendió su enfoque no en proActor. yectos laterales experimentales sino con música pop, dando como resultado la canción «Unchain My Heart» y el número uno en los listados de Billboard, «Hit the Road, Jack».

Primeros Número Uno en Billboard

En 1962, Charles sorprendió a su nueva audiencia externa con su importante álbum Modern Sounds in Country and Western Music, que incluye los temas «I Can’t Stop Loving You» y «You Don’t Know Me». Esto fue seguido por una serie de éxitos, incluyendo «You Are My Sunshine», «Crying Time», «Busted» y «Unchain My Heart». En 1961, Charles canceló un concierto programado en el Bell Auditorium en Augusta (Georgia) para protestar por las ubicaciones segregadas. Contrario a lo que la película biográfica de Ray dice, Charles no fue vetado en Georgia, aunque tuvo que pagar la compensación del promotor. [1] Ese mismo año él hizo un dueto en un álbum con la vocalista de jazz Betty Carter.

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Ray Charles junto a su amigo y socio Tony Gumina

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ay Charles tenía una voz única en la música popular. Hacía estas improvisaciones, como una pequeña carcajada o un “Huh-hey!”. Era como si algo le golpeara mientras estaba cantando y no pudiera evitar reaccionar. Le encantaba lo que hacía. Y su alegría era contagiosa. Pero había algo más en lo que no reparé hasta que cantamos juntos en los ochenta, en mi canción Baby Grand. Cuando canta, no sólo está cantando soul. Está compartiendo su alma. Escuchas algo profundo dentro de ese hombre. Pensé que me dejaría como un pequeño idiota de Levittown, Nueva York. Pero no. Me envalentonó. Fue como un acontecimiento evangélico. Él era el ministro y yo la congregación. Me excité. Ray empezó queriendo ser Nat King Cole. Cuando Nat daba las notas bajas en una canción como Mona Lisa, le salía un gruñido sexy. Ray llevó eso a otro nivel.

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Cogió el gruñido y lo convirtió en manera de cantar. Cogió el aullido, el grito, el quejido, el gemido, y los hizo música. Además, era un gran pianista. El piano es un instrumento de percusión, pones tu cuerpo a su servicio. Ray tenía un montón de movimientos corporales únicos que desconocía hasta que le vi. Antes de haberle visto, yo escuchaba esos movimientos mientras él cantaba. Escuchaba su hombro alzarse un poco hacia su izquierda, tal y como luego él se levantaba del taburete. Entonces me daba cuenta de que la voz que estaba escuchando también estaba tocando el piano. Lo primero que escuché de Ray Charles fue Modern Sounds in Country and Western Music. Ya había tenido éxitos antes de eso, las cosas R&B como What I’d Say. Pero lo que tenemos aquí es un hombre negro dándote la música más blanca posible en la manera

más negra que puedas imaginar, mientras el infierno se desataba con el movimiento de los derechos civiles. Cuando cantaba You Don’t Know Me yo pensaba: “No está simplemente cantando la letra. Está diciendo: ‘No me conoces. Conóceme”. Podía ser muy sutil con una canción. Su versión de 1972 de America the Beautiful es una grabación icónica. Había tanto sentimiento en su interpretación… Era su manera de decir “este es mi país también. Nosotros os dimos vuestra música popular. Era nuestra antes que vuestra”. Pero Ray sintetizó el blues en un lenguaje con el que todo el mundo se pudiera relacionar. No puedes escuchar a Ray Charles y no decir “éste es un hombre que sintió profundamente, que ha vivido esta música”. Te muestra su humanidad. La espontaneidad es evidente. Otro tipo podría decir “eso ha sido un error, no lo podemos dejar así”.

Elvis Presley Elvis Aaron Presleynota (Tupelo, Misisipi, 8 de enero de 1935 - Memphis, Tennessee, 16 de agosto de 1977) fue un cantante y actor estadounidense y de los más populares del siglo XX, considerado como un icono cultural y conocido ampliamente bajo su nombre de pila, Elvis. Se hace referencia a él frecuentemente como «el Rey del rock and roll» o simplemente «el Rey».Nació en Tupelo, Mississipi, pero cuando tenía 13 años se mudó junto a su familia a Memphis, Tennessee donde, En 1954, comenzó su carrera artística cuando Sam Phillips, el dueño de Sun Records, vio en él la manera de expandir la música afroamericana.

El debut del REY

compañado por el guitarrista Scotty Moore y el contrabajista Bill Black, fue uno de los creadores del rockabilly, un estilo de tempo rápido impulsado por un constante ritmo que consiste en una fusión de música country y rhythm and blues. Tras llegar a un acuerdo con el que fue su apoderado durante casi dos décadas, el coronel Tom Parker, la compañía discográfica RCA Records consiguió un contrato para difundir su música. El primer sencillo con esta empresa, «Heartbreak Hotel», publicado en enero de 1956, se convirtió en un éxito número uno. Pronto, tras sus apariciones en los medios, se convirtió en la figura principal del popular sonido del rock and roll, con una serie de presentaciones televisivas y éxitos que llegaron a la cima de las listas de ventas. Sus interpretaciones llenas de energía, sobre todo de canciones afroame-

ricanas y su estilo desinhibido lo hicieron enormemente popular y controvertido. Meses después, en noviembre de ese mismo año, llevó a cabo su debut cinematográfico con la película Love Me Tender. Reclutado para el servicio militar en 1958, reanudó su carrera artística dos años más tarde, llegando parte de su material a alcanzar mayor éxito comercial desde entonces. Dio pocos conciertos, sin embargo, en la década de los 60, guiado por Parker, procedió a dedicarse a filmar películas para Hollywood y bandas sonoras. En 1968, tras siete años alejado de los escenarios, volvió a realizar presentaciones en directo en un especial de televisión que dio lugar a una amplia serie de conciertos en Las Vegas y también a varias giras musicales.

l 10 de enero de 1956, Presley hizo sus primeras grabaciones para RCA en Nashville.86 Con la finalidad de extender el grupo de los músicos de apoyo de Presley (Moore, Black y Fontana), RCA contrató al pianista Floyd Cramer, al guitarrista Chet Atkins y a tres cantantes de fondo, incluyendo a Gordon Stoker del cuarteto Jordanaires, para llenar el sonido.87 Esta sesión produjo la cambiante e inusual «Heartbreak Hotel», lanzada como sencillo el 27 de enero. Parker finalmente hizo que Presley figurara en la televisión nacional y para esto programó seis presentaciones en dos meses en el programa Stage Show de CBS. En el programa, filmado en Nueva York, los líderes de big bands y los hermanos Tommy y Jimmy Dorsey eran los presentadores. Tras su primera aparición, el 28 de enero, Presley se quedó en la localidad para grabar en el nuevo estudio

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Nacimiento: el 8 de enero de 1935 (murió el 16 de agosto de 1977). Canciones clave: ‘Mistery Train’, ‘Hound Dog’, ‘Suspicious Minds’. Ha influido a: Bono, Bruce Springsteen. ARTISTAS DE TODOS LOS TIEMPOS

neoyorquino de RCA. Las sesiones produjeron ocho canciones, incluyendo una versión del himno de rockabilly de Carl Perkins «Blue Suede Shoes». En febrero, el tema de Presley «I Forgot to Remember to Forget», una grabación de Sun lanzada el agosto anterior, llegó a la cima de la lista de música country de Billboard.88 El contrato de Neal expiró y el 2 de marzo, Parker se convirtió en el mánager del cantante.89 RCA Victor lanzó su álbum, Elvis Presley el 23 de marzo. Compuesto por cinco pistas no lanzadas previamente en su paso por Sun, sus otras siete pistas eran de gran variedad. Había entre ellas dos temas de country y una alegre canción pop. Las otras definirían centralmente el sonido emergente del rock and roll: «Blue Suede Shoes» —«Un progreso con respecto a la de Perkins en casi todos los aspectos» según el crítico Robert Hilburn— y tres números de

R&B que fueron temas del repertorio en directo de Presley por un tiempo, versiones de canciones de Little Richard, Ray Charles y The Drifters. Como Hilburn describe, estas «eran las más reveladoras de todas. A diferencia de muchos artistas blancos [...] que resbalaron en los arenosos bordes de las versiones originales de R&B de las canciones de la década de 1950, Presley les dio otra forma. No sólo aportó a las melodías su propia personalidad [en lo] vocal sino que hizo que la guitarra, no el piano, sea el instrumento principal en los tres casos».90 Se convirtió el primer álbum de rock and roll en alcanzar la cima de la lista de Billboard, posición en la que permaneció diez semanas.86 Aunque Presley no fue un instrumentista innovador como Moore o los intérpretes afroamericanos contemporáneos Bo Diddley y Chuck Berry, el historiador cultural Gilbert B. Rodman argumenta

Año Álbum 1956 Elvis Presley 1957 Elvis’ Christmas Album 1960 His Hand in Mine 1961 Something for Everybody 1962 Pot Luck 1967 How Great Thou Art 1971 Elvis Country (I’m 10,000 Years Old) 1972 Elvis Now He Touched Me 1973 Elvis (“Fool” album) Raised on Rock/For Ol’ Times Sake 1974 Good Times 1975 Promised Land Today 1976 From Elvis Presley Boulevard, Memphis, Tennessee 1977 Moody Blue

que la portada del álbum, «de Elvis pasando un buen momento en el escenario con una guitarra en sus manos tuvo un papel crucial en transformar la guitarra [...] en el instrumento que capturaba mejor el estilo y espíritu de esta nueva música».

Estilo musical

as primeras influencias musicales de Presley procedían de la música gospel. Su madre recordó que a la edad de dos años, en la iglesia de la Asamblea de Dios en Tupelo, a donde regularmente asistía la familia, «él se deslizó fuera de mi regazo, corrió al pasillo y se subió a la plataforma. Ahí se quedó parado mirando hacia el coro e intentando cantar con ellos.»275 En Memphis, Presley asistía con frecuencia a las noches de gospel en el Auditorio Ellis, donde grupos como The Statesmen Quartet interpretaban su música en un estilo tal que, Guralnick sugiere, sembró las semillas de las futuras presentaciones de Presley: The Statesmen eran una combinación eléctrica... incluían algunos de los cantos más emocionantes y una teatralidad osada nunca antes vista en el mundo del entretenimiento... vestidos en trajes que podrían haber salido de la ventana de Lansky... El cantante Jim Wetherington, conocido universalmente como «el Gran Jefe», mantenía su trasero firme, moviendo incesantemente primero su pierna izquierda y, a continuación, su derecha, mientras la tela de la pierna de los pantalones danzaba y brillaba. «Llegó tan lejos como se puede llegar en la música gospel,»

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un ave de rapiña. Yo asimilé todo eso, y puede escucharse en Led Zeppelin.

La primera canción que escuché de Elvis fue Hound Dog. No tenía el conocimiento que tengo ahora, ni sobre la versión de Big Mama Thornton ni de dónde venía todo ese swing. Sólo escuché su voz, totalmente centrada en el sitio exacto. Sonaba confiada, insinuante, tenía esos gritos geniales y luego esas bajadas, esas notas sostenidas que descienden en picado como

Cuando los Zeppelin conocimos a Elvis, después de uno de sus conciertos a principios de los setenta, me di cuenta de que no era tan alto como yo. Pero tenía complexión de cantante. Tenía buen pecho, resonante. Y estaba iluminado. Anyway You Want Me es una de las interpretaciones vocales más emocionantes que he escuchado en mi vida. Ni Jailhouse Rock ni las sesiones de King Creole alcanzan ese nivel de intensidad. Puedo estudiar las Sun Sessions como un hombre de mediana edad que mira atrás a la carrera de un tipo y dice “Guau,

xiste una diferencia entre la gente que canta y aquella que lleva esa voz a un lugar de otro mundo, los que crean una euforia dentro de sí mismos. Es transfiguración. Sé de lo que hablo. Y, habiendo conocido a Elvis, puedo decir que él era de los que consiguen eso.

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vaya manera de empezar”. Pero entonces me gustaba lo moderno de sus grabaciones para RCA. I Need Your Love Tonight y A Big Hunk O’Love eran tan potentes… Esas sesiones sonaban como el mejor lugar en el que podías estar en el mundo. En aquel encuentro, Jimmy Page se rió con Elvis contándole que nosotros nunca hacíamos pruebas de sonido, pero que si las hiciéramos cantaríamos canciones suyas. A Elvis le pareció divertido, y me preguntó: “¿Qué tipo de canciones cantas?”. Yo le dije que prefería las que contenían todos los estados de ánimo, como ese gran tema country, Love Me:

Sam Cooke Samuel Cook, conocido por su nombre artístico como Sam Cooke fue un cantante estadounidense de música gospel, rhythm and blues, soul y pop; compositor y empresario musical. Es uno de los pioneros de la música soul y una de las grandes influencias en la música pop, el R&B y la neo soul. Fue el primer cantante afroamericano en fundar su propia empresa discográfica, SAR Records, siendo también un gran activista dentro del Movimiento por los Derechos Civiles. A su vez fue uno de los cantantes de su época con mayor audiencia no afroamericana.

ue uno de los ocho hijos de Annie Mae y el Reverendo Charles Cook, el cual era ministro de la iglesia evangélica. En 1933 toda la familia se trasladó a Chicago. En su infancia comenzó su carrera musical dentro de un cuarteto junto a sus hermanos, llamado The Singing Children, pasando más tarde, ya en su juventud, a formar parte del grupo de gospel

Highway QCs. En 1950, con tan sólo 19 años, entró como miembro de The Soul Stirrers, ganando gran fama dentro de las audiencias del gospel. Su primer éxito dentro de la música popular llegó con Lovable en 1956, editado bajo el alias de Dale Cooke, para no perder así audiencia gospel, pues este público era reticente a que los cantantes interpretasen música profana. Pero el

alias no logró esconder su distintiva voz. Art Rupe, uno de los máximos dirigentes de Specialty Records, discográfica con la que grababan The Soul Stirrers, le incitó para que comenzara a grabar música secular bajó su nombre. En un principio Art Rupe quería hacer para Sam un sonido similar al de otros artistas del sello, como Little Richard. Pero esta idea cambió cuando un día Rupe entró a los estudios y escuchó a Cooke

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Empresario haciendo una versión propia de un tema de Gershwin. Rupe no estaba en sintonía con la música que Sam y su productor Bumps Blackwell querían hacer, por lo que se marcharon de la discográfica; firmando contrato en 1957 con Keen Records. Su primera grabación fue You send me, que se mantuvo durante seis semanas en el número uno de Billboard de R&B, y durante tres en el de pop.

reó una empresa de managers, y abandonó su discográfica para firmar contrato con RCA Victor. Uno de sus primeros éxitos dentro de este sello fue Chain Gang, el cual rozó el segundo puesto de las listas de pop. A este le siguieron hits como Sad Mood, Bring it on Home to Me (con Lou Rawls en los coros), Another Saturday Night y Twistin the Night Away. En 1963 grabó el

álbum Night beat con tendencia hacia el blues. En este tiempo ya había dado a la música muchos temas indispensables dentro del género. Sam Cooke murió asesinado en situaciones extrañas, por la encargada de un hotel, cuando aparentemente lo confundió con un asaltante. Otra versión que es quizá la más cercana a la realidad, por ser negro y haber entrado a ese hotel, cuando todavía los derechos humanos no eran aplicados en Estados Unidos.

Nacimiento: el 22 de enero de 1931 (murió el 11 de diciembre de 1964). Canciones clave: ‘A Change Is Gonna Come’, ‘Bring It on Home to Me’, ‘You Send Me’. Ha influido a: Otis Redding, Garfunkel, Rod Stewart.

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Tras su muerte surgieron grabaciones como A change is gonna come, una de las primeras canciones protesta, y la cual está considerada como una de sus mejores composiciones. Tras la muerte de Cooke, su viuda Barbara Cooke, se casó con Bobby Womack, y más tarde su hijastra Linda lo haría con el hermano de este, Cecil Womack. En 1986 pasó a ser miembro del Salón de la Fama del Rock, siendo así ratificado como uno de los músicos más influyentes de la música moderna.

Sam junto a su esposa Barbara D i s Cooke cografía

Año Título 1957 Sam Cooke 1962 Twistin’ the Night Away 1962 The Best of Sam Cooke 1963 Mr. Soul 1963 Night Beat 1964 Ain’t That Good News 1964 Sam Cooke at the Copa 1965 Shake 1965 Try a Little Love 1965 The Best of Sam Cooke, Volume II

Rod Stewart siempre afirmó que Cooke influyó muchísimo en su música y en su persona, es más, lo homenajeó en 1995 con la canción “Sam, Muddy & Ottis” ; grabó “You Send Me” , “Bring it on Home to me” , “Twistin’ the Night Away” , “Having a Party” y el 27 de octubre de 2009 editó el disco Soulbook con una moderna versión del tema “Wonderful World”. Rod Stewart siempre afirmó que Cooke influyó muchísimo en su música y en su persona, es más, lo homenajeó en 1995 con la canción “Sam, Muddy & Ottis” ; grabó “You Send Me” , “Bring it on Home to me” , “Twistin’ the Night Away” , “Having a Party” y el 27 de octubre de 2009 editó el disco Soulbook con una moderna versión del tema “Wonderful World”. Está enterrado en el Forest Lawn Memorial Park Cemetery en Glendale, California. Tiene una estrella en el lado norte, 7051 de Hollywood Boulevard.

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i un cantante no canta desde lo más profundo de su alma, ni siquiera quiero escucharlo, no es para mí. Sam Cooke me caló muy hondo con su soul puro. Tenía la rara habilidad de conseguir hacer gospel de la manera en que se supone que debe ser: real, limpio, directo. El gospel condujo a Sam Cooke a través de sus mayores éxitos, de la misma manera en que lo hizo antes con Ray Charles y luego con Otis Redding. Tenía una voz incomparable. Sam

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Cooke podía cantar cualquier cosa y hacer que funcionara. Pero si se trata de hablar de su fortaleza como cantante, lo relevante no es el registro. Lo que era relevante era su capacidad de ofrecer resultados, su fraseo,su manera de cantar en su totalidad. Hizo un montón de buenas canciones, pero Bring It On Home To Me es mi favorita: una simple canción bien pulida, con una gran letra y una gran melodía. Es un tema que está escrito para que

puedas ir con él adonde quieras. A Change Is Gonna Come es otra canción que he versionado; tiene también unos increíbles arreglos. No hay mucha gente que pueda ya hacer este tipo de música, no de la manera en que Sam Cooke la hizo, directamente desde el alma. ¿Qué podemos aprender de un cantante como él, de escuchar canciones como A Change Is Gonna Come? Sam Cooke habìa nacido para cantar.

John Lennon John Winston Ono Lennon fue un músico multiinstrumentista y compositor que saltó a la fama como uno de los miembros fundadores de The Beatles, una banda de rock británica activa durante la década de 1960, y reconocida como la más comercialmente exitosa y críticamente aclamada en la historia de la música popular. Junto con Paul McCartney, formó una de las parejas de compositores más exitosas del siglo xx.

Activista Político

ació y creció en Liverpool, donde siendo adolescente se familiarizó con el género musical skiffle, formando la banda The Quarrymen, que posteriormente se convertiría en 1960 en The Beatles. Cuando el grupo comenzó a desintegrarse hasta su disolución a finales de esa década, Lennon inició una carrera como solista, marcada por varios álbumes aclamados por la crítica, incluyendo John Lennon/Plastic Ono Band e Imagine, y canciones icónicas como «Give Peace a Chance» e «Imagine». Demostró un carácter rebelde y un ingenio mordaz en la música, el cine, la literatura y el dibujo, así como en sus declaraciones en conferencias de prensa y entrevistas. Además, la polémica le persiguió debido a su constante activismo por la paz, junto con su esposa Yōko Ono. En 1971 se mudó a Nueva York, donde su oposición a la guerra de Vietnam

dio lugar a numerosos intentos por parte del gobierno de Richard Nixon de expulsarlo del país; mientras, sus canciones fueron adoptadas como himnos por el movimiento contra la guerra. Después de su autoimpuesto retiro de la industria musical en 1975 para dedicar tiempo a su familia, Lennon volvió en 1980 con Double Fantasy. Lennon fue asesinado tres semanas después de ese lanzamiento. En los Estados Unidos, las ventas de Lennon como solista se acercan a los catorce millones de unidades,y ya sea como intérprete, autor o coautor, es responsable de veintisiete sencillos número uno en el Billboard Hot 100. En 2002, fue colocado en el octavo puesto en una encuesta de la BBC de los «100 británicos más importantes», mientras que en 2008 fue calificado por la revista Rolling Stone como el quinto mejor cantante de todos los tiempos.

Grabación de «Give Peace a Chance» durante la Encamada por la paz en el Hotel Queen Elizabeth, Montreal. Lennon y Ono usaron su luna de miel como una Encamada por la paz en el hotel Hilton de Ámsterdam. El evento, que se llevó a cabo en marzo de 1969, atrajo la cobertura de los medios de comunicación de todo el mundo, al igual que una segunda encamada por la paz llevada a cabo tres meses más tarde en el Hotel Queen Elizabeth en Montreal.156 Grabada durante la segunda encamada, y rápidamente tomada como un himno contra la guerra, «Give Peace a Chance» fue cantada por un cuarto de millón de manifestantes contra la Guerra de Vietnam en Washington, DC el 15 de octubre, el segundo día de protesta contra la guerra. Cuando Lennon y Ono se mudaron a Nueva York en agosto de 1971, se hicieron amigos de dos

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Nacimiento: el 9 de octubre de 1940 (murió el 8 de diciembre de 1980). Canciones clave: ‘I Feel Fine’, ‘Strawberry Fields Forever’, ‘Imagine’, ‘Instant Karma’. Ha influido a: Bono, Neil Young, Liam Gallagher.

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de los integrantes de los Chicago Seven, los activistas contra la guerra Jerry Rubin y Abbie Hoffman.158 Otro activista contra la guerra, John Sinclair, poeta y cofundador del partido de las Panteras Blancas, cumplía diez años en la prisión estatal por la venta de dos porros de marihuana después de una serie de condenas anteriores por posesión de droga.159 En el concierto «Free John Sinclair» en Ann Arbor, Míchigan el 10 de diciembre 1971, Lennon y Ono aparecieron en el escenario con David Peel, Phil Ochs, Stevie Wonder, Bob Seger y otros músicos, así como Rubin y Bobby Seale del Partido Pantera Negra.160 A través de su nueva canción «John Sinclair», pidió a las auto-

el servicio de seguridad nacional británico MI5 dijo que Lennon había dado dinero al IRA.162 El biógrafo Bill Harry cuenta que tras el Domingo Sangriento, Lennon y Ono apoyaron económicamente la producción de la película The Irish Tapes, un documental político que apoyaba al IRA.163 De acuerdo con informes del FBI, Lennon simpatizaba con Después de la masacre del DoTariq Ali del Grupo Internacional mingo Sangriento en 1972, en la Marxista; Ali, escribiendo para que 27 manifestantes fueron ase- The Guardian en 2006, llamó a sinados por el ejército británico esto «cierto».164 Lennon y Ono durante una marcha de la Asomostraron su solidaridad con los ciación por los derechos civiles trabajadores del Grupo de Astillede Irlanda del Norte, Lennon dijo ros de Clydeside (UCS) durante que, dada la posibilidad de elegir su work-in en 1971 mediante el entre el ejército y el IRA, él estaría envío de un ramo de rosas rojas y del lado de este último, y en 2000, un cheque por £5.000.

ridades «déjenlo ser, pónganlo en libertad, que sea como tú y yo». Alrededor de unas 20,000 personas estuvieron presentes en la manifestación, y tres días después, el Estado de Míchigan dejó libre a Sinclair.161 La actuación fue grabada, y más tarde apareció en John Lennon Anthology (1998) y Acoustic (2004).

Año Albúm 1970 John Lennon/Plastic Ono Band 1971 Imagine 1972 Some Time in New York City 1973 Mind Games 1974 Walls and Bridges 1975 Rock ‘n’ Roll 1980 Double Fantasy 1984 Milk and Honey

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Portada de la revista Rolling Stones junto a su esposa Yoko Ono

Opiniones

abía una tremenda intimidad en todo lo que hacía John Lennon, combinada con un formidable intelecto. Eso es lo que lo convertía en un gran cantante. En Girl, de Rubber Soul, arranca con esa voz férrea, alta: “Is there anybody going to listen to my story…” (¿Hay alguien que vaya a escuchar mi historia?). Es tan apasionado… Es como alguien surgiendo de las sombras de una habitación. Pero cuando llega al estribillo, te das cuenta: le está hablando directamente a ella. Cuando escuché esta canción, de adolescente, dio en el clavo. Encarnaba los sentimientos por los que estaba pasando cada día, ardiendo completamente de deseo sexual. La confianza y la certeza que tenía sobre lo que sentía las

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trasladaba a cualquier cosa que cantara. Una de las cosas sobre John Lennon y los Beatles que atraía de ellos era lo inusual que era para gente de su clase, de Liverpool, ser catapultados a las más altas cumbres del entretenimiento y la sociedad sin disfrazar sus acentos ni sus raíces obreras. Que no cambiaran era algo muy audaz. Y ese era el corazón de la voz de John Lennon: decir siempre quién era y de dónde venía. No cantaba muy alto. Me dio esa sensación cuando me estaba aprendiendo Oh My Love, de Imagine. Esa canción hay que afrontarla con calma, lo que termina por convertirse en un desafío de fuerza. Es irónico: para cantar alto y tranquilo, tienes

que estar físicamente en forma. En I’m Only Sleeping, de Revolver, suena adormilado, como si tuviera la mitad del cuerpo en la cama mientras canta. O en I’m So Tired, del ‘Álbum blanco’; ahí hay algo terriblemente irritable. Estas canciones viven en ti por la extraordinaria capacidad del cantante para dotar de sentido esos momentos y describirlos. Imagine es una interpretación magistral. Él personifica nuestros más íntimos deseos de un mundo en paz cuando canta. Y lo hace sin miedo, sin pecar de polémico o ñoño. Es maravilloso tener una idea y expresarla tan bien que todo el mundo la pueda cantar. Es una canción que te hacía querer cantar.

Paul McCartney James Paul McCartney es un músico multi instrumentista, empresario, cantante, compositor, productor musical, pintor y activista pro-derechos de los animales. Exintegrante de The Quarrymen (1957-1959), The Beatles (19601970) y Wings (1971-1981).

cCartney ganó fama mundial como miembro de The Beatles, junto a John Lennon, George Harrison y Ringo Starr. McCartney y Lennon formaron una de las parejas de compositores más influyentes y exitosas, y escribieron algunas de las canciones más populares en la historia de la música rock.2 Después de dejar The Beatles, McCartney emprendió una exitosa carrera en solitario y formó el grupo Wings con su primera esposa, Linda.

Record Guinness 26

cCartney figura en el Libro Guinness de los récords como el «músico y compositor más exitoso en la historia de la música popular», con 60 discos de oro y ventas de 100 millones de sencillos en el Reino Unido. El medio británico BBC News nombró a McCartney el «mayor compositor del milenio» y citó la canción de los Beatles «Yesterday» como la canción más versionada en la historia de la música, grabada por más de 2200 artistas5 y repetida, desde su publicación en 1965, más de 7 millones de veces

en la televisión y la radio estadounidense.6 Además, la canción de Wings «Mull of Kintyre» se convirtió en el primer sencillo en vender más de dos millones de copias en el Reino Unido.7 Como intérprete o compositor, McCartney fue el responsable de 31 sencillos número uno en la lista estadounidense Billboard Hot 100,8 9 10 11 y ha vendido hasta la fecha en torno a 15,5 millones de discos en Estados Unidos según la RIAA.

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McCartney ha compuesto bandas sonoras para películas, música clásica y electrónica, dio a conocer un amplio catálogo de canciones como artista en solitario, y ha participado en proyectos para ayudar a organizaciones benéficas internacionales. Es un defensor de los derechos de los animales, el vegetarianismo, y para la educación musical, además, participa activamente en campañas contra las minas terrestres, la caza de

focas, y la deuda del Tercer Mundo. Es un entusiasta aficionado al fútbol, apoya a los clubes Everton FC y Liverpool FC. Su compañía MPL Communications posee los derechos sobre más de 3000 canciones,14 incluyendo todas las canciones escritas por Buddy Holly, junto con los derechos de publicación de musicales como Guys and Dolls, A Chorus Line, y Grease. McCartney es una de las personas más ricas del Reino Unido, con una fortuna estimada

de 475 millones de libras esterlinas en 2010.15 Asimismo, fue el encargado de cerrar la Ceremonia de apertura de los Juegos Olímpicos de Londres 2012, interpretando su canción «Hey Jude».

Nacimiento: 18 de junio de 1942 Canciones clave: ‘Yesterday’, ‘Hey Jude’, ‘Maybe I’m Amazed’. Ha influido a: Elton John, Rod Stewart, Elvis Costello.

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The Beatles

he Beatles tocaron como grupo residente en el club Indra, y posteriormente en el Kaiserkeller, antes de regresar a Liverpool y tocar en el Cavern Club.42 En 1961, Sutcliffe abandonó el grupo y McCartney pasó a tocar el bajo.43 El grupo grabó su primer trabajo discográfico como grupo de respaldo de Tony Sheridan en el sencillo «My Bonnie». El sencillo atrajo la atención de Brian Epstein, una figura clave en el posterior éxito comercial del grupo, que acabó por convertirse en mánager en 1962.

Portada del albúm On Air- Live At The BBC V 2

Tras conseguir un contrato con Parlophone en 1962, Ringo Starr reemplazó a Pete Best como batería, y The Beatles grabó su primer sencillo, «Love Me Do».

comenzaron a ganar popularidad en el Reino Unido en 1963 y en los EE.UU. a partir de 1964. En 1963, el grupo publicó dos álbumes de estudio, Please Please Me y With the Beatles, seguidos en 1964 por otros dos trabajos, Año Album 1970 McCartney A Hard Day’s Night y Beatles for 1971 Ram (Paul y Linda McCartney) Sale. 1971 Wild Life (Wings) 1973 Red Rose Speedway (Paul McCartney y Wings) Durante el primer periodo del 1973 Band on the Run (Paul McCartney y Wings) grupo, McCartney y Lennon com1975 Venus and Mars (Wings) pusieron en tándem canciones 1976 Wings at the Speed of Sound (Wings) como «I Saw Her Standing The1978 London Town (Wings) re», «She Loves You» e «I Want to 1979 Back to the Egg (Wings) Hold Your Hand», firmadas como McCartney II 1980 Lennon/McCartney. Tug of War 1982 Pipes of Peace 1983 Sin embargo, con el paso de los 1984 Give My Regards to Broad Street años, y a pesar de mantener la Press to Play 1986 misma firma, ambos comenzaron Снова в СССР 1988 a componer por separado, aunque Flowers in the Dirt 1989 manteniendo un apoyo mutuo en Off the Ground 1993 Flaming Pie el estudio. 1997 Run Devil Run 1999 Un ejemplo de composición de Driving Rain 2001 McCartney sin Lennon fue «Yes 2005 Chaos and Creation in the Backyard terday»: publicada en el álbum Memory Almost Full 2007 Kisses on the Bottom de 1965 Help!, fue la primera 2012 2013 New canción de The Beatles en incluir

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McCartney en concierto Bogotá 2013

Opiniones elementos de música clásica y se convirtió con los años en la canción más versionada de la historia musical contemporánea. A finales de 1965, durante la grabación de Rubber Soul, McCartney comenzó a suplantar a Lennon como fuerza musical dominante en The Beatles. Según el musicólogo Ian MacDonald: «Desde 1965, McCartney creció no solo como compositor, sino también como instrumentista, productor y director musical de facto».

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“

Paul es como un pintor impresionista”, dice James Taylor, que tuvo el privilegio de ver a los Beatles grabando el ‘Álbum Blanco’ en 1968. “Los pedazos de su música son elementales, pero el resultado general es muy sofisticado. Es un cantante preciso y controlado”. En canciones como la frenética I’m Down, de los Beatles, o su propia Maybe I’m Amazed, McCartney se reveló como uno de los más ágiles y melódicos ‘gritadores’ del rock.

Pero Paul, que aprendió armonías vocales de su padre músico, está igualmente dotado como baladista, usando tanto sonidos del music-hall británico como de Elvis Presley y los Everly Brothers en interpretaciones como Yesterday o Michelle. “La gente prefiere a Lennon sobre McCartney”, cuenta Taylor. “Pero yo estaba del lado del segundo. Consigue sonidos maravillosos”.

Mick Jagger Sir Michael Philip “Mick” Jagger, Kt es un músico de rock británico conocido, sobre todo, por ser el vocalista, compositor y cofundador del grupo The Rolling Stones. También ha trabajado como productor musical y cinematográfico, actor y empresario. Además, el grupo ha ganado dos Grammy y él, en solitario, un Globo de Oro, además es uno de los grandes iconos de la música de los últimos años.

ick es hijo del profesor de Educación física Basil Joseph Jagger —conocido, además, por ser quien introdujo el baloncesto en la isla[cita requerida] y el cual tuvo un programa de televisión en el que Chris, el hermano pequeño de Mick, fue uno de sus modelos— y de la ama de casa australiana Eva Scutt. Desde pequeño siempre se interesó por la música —inclinándose hacia el R&B— y con 18 años comenzó con la armónica. Estudió en la Maypole Primary y en la Wentworth Country Primary School, donde uno de sus compañeros fue Keith Richards. La secundaria la estudió en el Dartford Grammar School y gracias a las buenas notas que sacó obtuvo una beca para estudiar en

la London School of Economics, donde cambió el Mike por Mick. Nunca terminó la universidad.

Carlos Alomar, y los productores Bill Laswell y Nile Rodgers para grabar She’s the boss (1985).

A mediados de los 80, Jagger decidió apartarse de The Rolling Stones e iniciar una carrera cómo solista. En 1984 participó, cómo artista invitado, en el sencillo “State of shock”, de The Jacksons (banda de Michael Jackson y sus hermanos, posterior a The Jackson Five), y un año más tarde actuó, junto a Tina Turner, en Live Aid y participó en el videoclip de “Dancing in the Street” de David Bowie.

“Just another night” fue el sencillo más exitoso de su carrera en solitario —llegó al número 12 del Billboard Hot 100[cita requerida] y del que ha acabado renegando: «Tiene ese arrastre de las técnicas de grabación que se usaban entonces.

Tras el disco Undercover, de The Rolling Stones, Mick decidió debutar en solitario. Reclutó a músicos cómo Pete Townshend, Herbie Hancock, Jeff Beck y

Ese gran eco de fondo... Eran los primeros tiempos de los samples y las máquinas de ritmo, que ahora se consideran tan malos», le dijo el cantante a la revista Rolling Stone.

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Nacimiento: 26 de julio de 1943 Canciones clave: ‘Gimme Shelter’, ‘Sympathy for the Devil’, ‘Satisfaction’. Ha influido a: Jack White, Steven Tyler, Iggy Pop.

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l segundo álbum fue Primitive Cool (1987), producido por Jimmy Rip. Un año más tarde presentó a The Beatles en su ingreso en el Salón de la Fama del Rock and Roll y actuó junto a Bruce Springsteen y George Harrison. Para escuchar las canciones del tercer disco, Wandering Spirit, hubo que esperar hasta 1993, donde el artista invitado fue Lenny Kravitz y producido, de nuevo, por Rip. En 2001 llegó Goddess in the Doorway, destacando el tema que graba a dúo junto a Bono, de U2. Jagger viajó a Alemania para grabar las voces del tema titulado “Joy”.1 Bono venía de dar un

concierto en Colonia la noche anterior y prácticamente no podía cantar.2 La canción trata sobre la búsqueda espiritual —y el encuentro— de un estado interior de gracia.3 En 2007 sale el quinto, y hasta el momento, último disco en solitario: The Very Best of Mick Jagger, cuyo sencillo fue “Charmed life”. En 2011 ha grabado un sencillo con Will.I.Am, llamado “T.H.E (The Hardest Ever)”, también con Jennifer Lopez.[cita requerida]

y A.R. Rahman, siendo una banda de estilo que va desde el rock al reggae, agregando también tendencias indias, famosa por su single Miracle Worker. En julio del 2011 la banda Maroon 5 y Christina Aguilera hicieron homenaje a los bailes y gestos habituales de Mick en sus actuaciones, con la canción “Moves Like Jagger” (“Se mueve como Jagger”), que alcanzó notable éxito.

En 2011 formó una banda (Superheavy) junto con el cantante Damian Marley (hijo de Bob Marley), Joss Stone, Dave Stewart

Año Albúm 1972 Jamming with Edward! Cooder, Nicky Hopkins, Charlie Watts, y Bill Wyman 1985 She’s The Boss 1987 Primitive Cool 1993 Wandering Spirit 2001 Goddess In The Doorway 2007 The Very Best of Mick Jagger SuperHeavy (2011) (con SuperHeavy)

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Mick Jagger junto a Keith Richards

Opiniones

veces hablo con gente, que canta de manera perfecta en el sentido técnico, que no entienden a Mick Jagger. Pero es que lo que hace es muy complicado, su sentido de la afinación y la melodía son realmente sofisticados. Sus partes vocales son bellísimas, sin error en su propio tipo de perfección. Hay canciones en las que se convierte en otra persona. Angie, por ejemplo; nunca he escuchado esa entonación viniendo de él desde entonces, ni antes tampoco. Y me alucina cuando canta en falsete, como en Emotional Rescue o Fool to Cry. Pero lo prefiero en las ocasiones que canta súper-crudo. Cuan-

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do co-produje God Gave Me Everything [para Goddess in the Doorway], apenas se sabía la letra: la estaba leyendo de un trozo de papel. No hubo paradas, sólo una toma. ¡Bam! Acabó siendo la línea vocal que usamos en el disco. Mick es un artista disciplinado, completamente dedicado a su arte. Su voz ha cambiado y tiene una textura diferente, pero es más fuerte ahora. Una vez que los Stones tuvieron un descanso de dos semanas en su gira Mick y yo nos fuimos de vacaciones a las Bahamas. De día íbamos a la playa, hacíamos la compra en el mercado, preparábamos la cena, bebíamos vino… Por la noche, él se bajaba

al sótano del lugar donde nos alojábamos y ponía una cinta con una prueba de sonido de los Rolling Stones: sólo la banda tocando, sin él cantando. Y él se dedicaba a cantar y bailar para mantenerse en forma. La voz es como un músculo. Si estás en la carretera, paras durante dos semanas y vuelves a actuar te vas a quedar afónico. Así que él ensayaba cada noche allí abajo. El resultado es que, a los 65 años, está más fuerte que nunca. La belleza de esa experiencia fue estar sentado en el salón escuchando Brown Sugar y Satisfaction en directo a través del suelo.

Tina Turner Anna Mae Bullock conocida artísticamente como Tina Turner es una cantante, compositora, bailarina, actriz, escritora y coreógrafa suiza de origen estadounidense, cuya carrera se desarrolló durante más de cincuenta años, además de ser una de las principales y mayores componentes de rock siendo considerada como «La Reina del Rock».

omenzó su carrera musical a mediados de los años 50 como cantante de funciones con Ike Turner en Kings of Rhythm, llegando a su primera grabación en 1958 bajo el nombre de Little Ann. Su introducción al mundo de la musica como Tina Turner comenzó en 1960 como una de los dos integrantes de la banda musical

Ike & Tina Turner. El éxito siguió con una serie de éxitos notables entre la pareja como «River Deep - Mountain High» (1966), «Proud Mary» (1971) y «Nutbush City Limits» (1973), una canción que ella escribió. En su autobiografía llamada «I, Tina», reveló que ha tenido varios casos de grave violencia doméstica con Ike Turner antes de su divorcio. Criada como baptista, comenzó su fe en el

budismo en 1974, confirmándose a esta religión y sus espirituales cantos para ayudar a soportar los momentos difíciles Tina Turner es conocida por sus energéticas actuaciones en vivo, sus estrafalarios atuendos, su poderosa voz y su longeva trayectoria.2 Ha vendido más de 200 millones de álbumes en todo el

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Éxitos comerciales mundo.3 4 En 2008 abandonó su semiretiro para recorrer el mundo con su gira Tina!: 50th Anniversary Tour, la cual se llevó a cabo también en 2009. La gira se convirtió en una de las más rentables de la historia del espectáculo. En 2013 adquirió la nacionalidad suiza, a la vez que renunció a su nacionalidad estadounidense.6 Además confirmó ese año que se retiraba para siempre de la música.

n 1960, publicaron su primer sencillo, “A Fool In Love”, que fue un éxito de ventas en el mercado estadounidense y europeo. Se posicionó en los primeros puestos de las listas de géneros R&B y pop. Ike le cambió el nombre por el de Tina Turner y al de su banda por el de Ike & Tina Turner.9 En 1962, se casaron en Tijuana, México.1 En la década de 1960, el dúo publicó varios sencillos que resultaron ser éxitos comerciales, entre ellos “It’s Gonna Work Out Fine”, “I Idolize You” y por último “River Deep, Mountain High”, con producción de Phil Spector.

Posteriormente incorporaron a su repertorio una serie de canciones orientadas al rock, como “Come Together”, “Honky Tonk Woman” y “I Want to Take You Higher”. En 1971, cosecharon su mayor éxito, al versionar el tema “Proud Mary”, tema originalmente grabado por la banda Creedence Clearwater Revival. El sencillo fue el mayor logro comercial del dúo y alcanzó la posición número cuatro de la lista estadounidense Billboard Hot 100 en marzo de ese año.11 Por esta nueva versión de la canción ganaron un premio Grammy a la “Mejor interpretación de un dúo o grupo de R&B”.

Nacimiento: 26 de noviembre de 1939. Canciones clave: ‘Proud Mary’, ‘River Deep Mountain High’, ‘What’s Love Got to Do With It’. Ha influido a: Beyoncé, Mick Jagger, Mary J. Blige.

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Retiro y Regreso En 1986 se lanzó al mercado su siguiente álbum de estudio: Break every rule (1986), un álbum en el que estaban presentes invitados de la talla de Phil Collins o Steve Winwood y al que siguió una gira de catorce meses alrededor del mundo. En 1988 vio la luz Live in Europe, con colaboradores también importantes como Eric Clapton, David Bowie, Bryan Adams y el cantante de blues Robert Cray. En 1989 volvió a arrasar en las listas de medio mundo con el álbum Foreign affair, que contenía sencillos como “The best” (“El mejor”), “I don´t wanna lose You” (“No quiero perderte”, tema compuesto

por Albert Hammond), y entró en los noventa con nuevas ventas millonarias.18 En 1991 publicó un álbum recopilatorio, Simply The Best (Simplemente Lo Mejor), y dos años más tarde se embarcó en una gira mundial llamada What’s Love. Ya en esta etapa, convertida en uno de los principales iconos del rock, famosa por su enérgica voz y no menos por sus poderosas y bien torneadas piernas, Tina dedicó la gran parte de la década de los 90 a hacer innumerables y exitosas giras por todo el mundo logrando recaudar dinero.

ina en un concierto perteneciente a su gira Tina!: 50th Anniversary Tour. En el año 2000 Tina Turner, a la edad de 61 años, decidió retirarse de los escenarios. Por fortuna no fue una medida definitiva, tal y como se demostró años después. En 2004 Tina publicó un nuevo álbum recopilatorio titulado All the Best, que contenía, entre otros, el sencillo “Open Arms”. Esta canción tuvo un gran éxito en Europa pero no en Estados Unidos, si bien All the Best fue su primer álbum en once años en conseguir un “disco de platino” en su país. Tina Turner recibe una mención de honor del presidente George W. Bush junto a otros grandes artistas. Tras una larga etapa de relativo silencio, participó en el álbum River: The Joni Letters de Herbie Hancock y en febrero de 2008 reapareció en una gala de los Premios Grammy ofreciendo un enérgico dueto en directo con Beyoncé. En dicha gala, el álbum de Hancock ganó el galardón más preciado, el Grammy al Mejor Álbum del Año. Con el cual Tina recibe su octavo Grammy.

En mayo de 2008, Tina apareció en el programa de Oprah Winfrey, The Oprah Winfrey Show, junto con su gran amiga Cher. La Año Álbum Ventas y certificaciones aparición de Tina en este show 1974 Tina Turns the Country On Ventas mundiales: 500,000 marcó el inicio de una nueva gira 1975 Acid Queen Ventas mundiales: 1,500,000 de conciertos en Estados Unidos 1978 Rough Ventas mundiales: 600,000 y Europa, que podría extenderse a 1979 Love Explosion Ventas mundiales: 1,500,000 otros continentes. 1984 Private Dancer Ventas mundiales: 25,000,000 1986 Break Every Rule Ventas mundiales: 16,000,000 Aprovechando la ocasión, se pu1989 Foreign Affair Ventas mundiales: 12,000,000 blicó otro recopilatorio que reunía 1996 Wildest Dreams Ventas mundiales: 6,000,000 sus éxitos y las dos nuevas cancio1999 Twenty Four Seven nes “It Would Be a Crime” (“Sería

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Tina Turner junto a su esposo Erwin Bach

Opiniones un crimen”) y “I’m ready” (“Estoy preparada”), la cual fue lanzada como primer sencillo. Tina Turner se embarcó así en su primera gira en 8 años, a punto de cumplir los 69 años, demostrando de nuevo una gran forma física y desbordando energía en los escenarios. Tina Turner ostenta un Record Guinness por ser la única solista en llenar por completo el Estadio Maracaná de Río de Janeiro, más de 180.000 personas en una sola noche, cifra similar a la conseguida por Paul McCartney en 1990.

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“

Nunca olvidaré la primera vez que vi a Tina actuando”, revela Beyoncé: “Nunca en mi vida vi a una mujer tan poderosa, tan valiente”. Turner comenzó a girar con la Ike and Tina Turner Revue hace casi medio siglo; su salto al vacío fue la ardiente versión del Proud Mary de Creedence Clearwater Revival, que incluía la aclaración de que ella nunca hacía las cosas “bonitas y fáciles”.

aullidos y lamentos durante su larga carrera como artista en solitario. Melissa Etheridge comentó que la voz de Turner desafía una clasificación: “No puedes decir que sea soul, R&B, rock & roll… ¡Lo es todo! Puede exprimir pasión de prácticamente cualquier letra”.

“Era tan directa, tan cruda”, dice John Fogerty, que escribió la canción. La edad simplemente ha profundizado el dolor y las agallas de sus

Freddie Mercury Fue un cantante, compositor y músico británico de origen parsi e indio, conocido por haber sido el fundador y vocalista de la banda de rock Queen, cuyo nombre de nacimiento era Farrokh Bulsara. Como intérprete, ha sido reconocido por su poderosa voz y extravagantes puestas en escena. Como compositor, escribió muchos éxitos, tales como «Bohemian Rhapsody», «Killer Queen», «Somebody to Love», «Don’t Stop Me Now», «Crazy Little Thing Called Love», «Barcelona» y «We Are the Champions».

demás de la actividad con Queen, en los años ochenta lanzó su carrera como solista, que lo llevó a publicar dos álbumes, Mr. Bad Guy en 1985 y Barcelona en 1988, el último en colaboración con la soprano española Montserrat Caballé. El sencillo homónimo, una colaboración entre ambos, fue la canción oficial de los Juegos Olímpicos de Barcelona 1992

Murió de una bronconeumonía complicada por el sida el 24 de noviembre de 1991, solo un día después de comunicar oficialmente que padecía esta última enfermedad. En 2006, la revista Time Asia lo nombró como uno de los héroes asiáticos más influyentes de los últimos sesenta años8 y continúa siendo votado por la gente como uno de los mejores cantantes en la historia de la música popular.

El primer single de Smile, Earth/ Step On Me, grabado en los Trident Studios y publicado en mayo de 1969 por Mercury Records, fue lanzado en los Estados Unidos sin obtener todavía el éxito esperado; por esta razón, Staffell decidió dejar los dos compañeros. Con la disolución de esta banda y el fallo simultáneo de los proyectos muEn 2008, la revista estadounisicales de la cantante, May, Taylor dense Rolling Stone lo colocó en y Bulsara decidieron formar el puesto 18 en su lista de los 100 juntos una nueva banda, en abril mejores cantantes de todos los de 1970, a propuesta de Freddie, tiempos, reflejando la opinión de optaron por “Queen” como el la editorial de la revista.5 mientras nombre de banda y empezando a que Classic Rock, al año siguiente, buscar un bajista. lo consideró el mejor cantante de Al mismo tiempo, Farrokh Bulrock de la historia.Por su parte, Allmusic definió a Mercury como sara comenzó a hacerse llamar Freddie Mercury, decisión toma“uno de los líderes más carismáda a raíz de la composición de la ticos y dinámicos en la historia del rock”. Una encuesta hecha por canción My Fairy King. The Sun, que pretendía encontrar al «Máximo dios del rock», situó a Mercury en el puesto número 1. En 2005, en una encuesta organizada por Blender y MTV2, fue nombrado el mejor cantante masculino de todos los tiempos.9 En 2009 una encuesta de la revista Classic Rock lo colocó en el primer puesto entre los mejores cantantes de rock de todos los tiempos.

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Nacimiento: 5 de septiembre de 1946 Canciones clave: ‘We Are the Champions’, ‘Bohemian Rhapsody’, ‘You’re My Best Friend’. Ha influido a: Axl Rose, Joe Elliott (de Def Leppard), George Michael.

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Queen

ue una banda británica de rock formada en 1970 en Londres por el cantante Freddie Mercury, el guitarrista Brian May, el baterista Roger Taylor y el bajista John Deacon. Si bien presentan las bajas de dos de sus miembros —Mercury, fallecido en 1991, y Deacon, retirado de la industria musical—, lo cierto es que la sociedad artística nunca se disolvió.

Queen. Freddie Mercury, Brian May, John Deacon y Roger Taylor

El grupo gozó de un gran éxito en Gran Bretaña a mediados de los años 1970 con álbumes como Sheer Heart Attack en 1974 y A Night at the Opera del año siguiente. Este último álbum llamó la atención internacionalmente, colocando a Queen en un primer plano de la escena musical. Tuvieron una significativa repercusión en los Estados Unidos a mediados de los años 1980, ya con un numeroso repertorio de éxitos. Se destacaron por su diversidad musical, arreglos en múltiples capas y armonías vocales. Es considerada una banda de gran influencia en el desarrollo del hard rock y el heavy metal, incorporando elementos del glam rock, rock progresivo, folk, blues y pop.

solista 1985: Mr. Bad Guy 1988: Barcelona (con Montserrat Caballé) Compilados y remixes 1992: The Freddie Mercury Album 1992: The Great Pretender 1993: Remixes 2000: The Solo Collection 2006: Lover of Life, Singer of Songs “The Very Best of Freddie Mercury”

Fue la primera agrupación musical en hacer de sus conciertos espectáculos muy vistosos mediante el uso bombas de humo, flashpots, luces móviles y el principal componente, el carisma de Freddie Mercury, además de hacer participar al público del recital. Precisamente, se han reconocido actuaciones como en el Live Aid en 1985 o el célebre concierto de estadio de Wembley de 19866 como los mejores recitales de rock de la historia.

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Opiniones Aunque el cuarteto siempre se encontró con una grandísima aceptación, popularidad y éxito comercial, en su momento, la crítica no tomó en serio al conjunto, como por ejemplo, cuando la publicación Rolling Stone criticó el álbum Jazz llamándolo “fascista”. Queen fue nombrado el decimotercer mejor artista de hard rock de todos los tiempos en una lista elaborada por VH1 (VH1’s 100 Greatest Artists of Hard Rock list).El mejor grupobritánico de todos los tiempos».

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s “el ‘frontman’ más inspirador de todos los tiempos”, dice Gerard Way, de My Chemical Romance. Un martillo de rock duro, una bola de discoteca, un chaval fan del rockabilly. Freddie Mercury era dinamita con un rayo láser, su voz de cuatro octavas repetida en un brillante muro de sonido en grabaciones como Bohemian Rhapsody o Killer Queen.

May, recuerda que Freddie casi no podía ni andar cuando grabaron The Show Must Go On en 1990. “Le dije: ‘Fred, no sé si vas a poder cantar esto’, y me contestó: ‘Joder si lo haré, querido’, se echó un trago de vodka, empezó y entró a matar, desgarró completamente esa línea vocal”.

Incluso cuando se estaba muriendo, Mercury continuaba con su canto operístico, majestuoso. El guitarrista de Queen, Brian

Frank Sinatra Francis Albert Sinatra, más conocido como Frank Sinatra, fue un cantante y actor estadounidense. Apodado «La Voz», fue una de las figuras más importantes de la música popular del siglo XX y dejó, a través de sus discos y actuaciones en directo, un legado canónico en lo que respecta a la interpretación vocal masculina de esa música.

u popularidad llegó a ser inmensa y prácticamente constante a lo largo de toda su vida, aunque fueron especialmente exitosos los años cuarenta y cincuenta, siendo esta última década, con su producción discográfica para la compañía Capitol, la considerada como su etapa de mayor calidad artística como cantante. Su repertorio se basó en la obra de los más importantes compositores populares estadounidenses, como Jimmy Van Heusen, Cole

Porter, Sammy Cahn o George Gershwin, y su estilo sintetizó, ya en sus orígenes, quince años de influencias mutuas entre la música de inspiración jazzística y la música pop que empezaba a difundirse a través de la radio.3 Sinatra construyó su estilo sobre la base de una comprensión natural de la música popular, tal como la habían entendido Bing Crosby, Fred Astaire, Benny Goodman y Louis Armstrong, explotando la idea de que esta, en todas sus vertientes, debería ser una extensión.

Técnicamente, se caracterizó por su cuidada precisión en el fraseo y su dominio del control de la respiración; el rango de su voz estaba próximo al de Bajo-barítono.5 En cuanto a su categoría artística, esta radica en su capacidad interpretativa para transmitir las emociones y sentimientos implícitos en las letras de las canciones.6 En Sinatra, cualquier tipo de consideración vocal e, incluso, musical, resulta secundaria respecto de la que es su misión principal:

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Polémica contar una historia de la forma más expresiva posible. A Sinatra se le reconoce el haber sido el primer cantante que hace un uso consciente de los medios de amplificación del sonido con el objeto de situar su voz por encima del sonido de la orquesta. Como actor, Sinatra fue un artista de tipo intuitivo, reacio a someterse a los ensayos y repeticiones habituales en una grabación, por lo que sus interpretaciones fueron emocionalmente intensas al tiempo que irregulares. La importancia en su vida de su trabajo actoral fue capital; por ejemplo fue precisamente a través de su papel en De aquí a la eternidad como

logró salir de un bache personal y artístico en el tránsito de los años cuarenta a los cincuenta para encumbrarse en lo más alto de la popularidad, además de ganar por su interpretación el Óscar al mejor actor secundario. A lo largo de su carrera profesional, Sinatra grabó más de 1.300 canciones y participó en más de cincuenta películas. Recibió multitud de premios y homenajes, entre los que se cuentan diez Grammys, el Premio de la Academia de Artes y Ciencias de la Grabación y la Medalla de la Libertad del gobierno estadounidense.

La inmensa popularidad de Sinatra, ya desde los mismos inicios de su carrera artística durante los años 40, condicionaron por completo su vida, tanto en el ámbito privado como en el ámbito público. En primer lugar, trastornó su vida familiar. Sinatra se había casado en 1939 con Nancy Barbato. Los continuos viajes del cantante posibilitaron su infidelidad casi desde el comienzo del matrimonio, aun cuando llegaron a tener tres hijos (Nancy, Frank y Tina). Aunque Sinatra intentó mantener una imagen pública a través de los medio de hombre familiar, la situación se

(Hoboken, 12 de diciembre de 1915 - Los Ángeles, 14 de mayo de 1998) Canciones: My way, New York, When i was 17, I’m Gonna Live Till I Die, You Make Me Feel So Young Influyó en artistas como Michael Bubble

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hizo tan insostenible para ella que en San Valentín de 1950 Nancy anuncia su decisión de separarse definitivamente de él, debido a que sale a la luz la relación que mantenían su marido y Ava Gardner. La anulación del matrimonio llegaría el 31 de octubre de 1951, y poco después La Voz y El animal más bello se casaron. Su luna de miel la hicieron en Cuba, hospedándose en el Hotel Nacional de La Habana. A pesar de esta ruptura y de las razones para la misma, a lo largo de los años ella jamás le hizo el más mínimo reproche público a Sinatra. A su vez, Sinatra jamás le dio la espalda a ella.

Frank siempre la llamó su “sweetheart” (mi vida) y confió en ella totalmente. “Ella es la única mujer que me comprende”, decía a sus amigos. Nunca dejó de quererla, pero nunca volvió con ella. Su relación con Ava Gardner, la que mejor materializa sus relaciones sentimentales públicas, fue extraordinariamente problemática. Profundamente enamorados uno del otro, con una carga erótica muy palpable, el choque de caracteres destruyó la relación. Sinatra sufrió en sus propias carnes lo mismo que había sufrido su mujer Nancy por sus infidelidades: Ava Gardner no solo era una actriz inmensamente popular sino

que su belleza y deseo sexual eran harto conocidos: plagada de celos, peleas violentas, borracheras de uno y del otro, e incluso intentos de suicidio por parte de Sinatra, la relación se fue al traste con dos abortos de ella por el medio.

Relaciones con la mafia Uno de los aspectos de la vida de Sinatra más polémicos y criticados y que más problemas le dio en vida fue el de sus relaciones con la mafia, llegando al punto de verse obligado a declarar al respecto en una comisión de la Cámara de Representantes el 18 de julio de 1972. Aunque estas relaciones fueron ciertas (fue amigo, por ejemplo, del mafioso Sam Giancana) nunca se pudo presentar ninguna prueba de que hubiese estado involucrado en ninguna actividad ilegal, sino que más bien fueron una consecuencia de su proyección como cantante, lo que le habría llevado a contactar con quienes dominaban las grandes salas de conciertos de Estados Unidos y a valerse de su apoyo, llegando por ejemplo a trabajar para Giancana en numerosos clubes nocturnos.

Año Albúm 1946: The Voice Of Frank Sinatra, con arreglos de Alex Stordahl. 1947: Songs By Sinatra, Volume 1, con arreglos de Alex Stordahl. 1949: Frankly Sentimental, con arreglos de Alex Stordahl. 1950: Dedicated To You, con arreglos de Alex Stordahl. 1950: Swing And Dance With Frank Sinatra. 1968: Cycles. 1969: My Way. Con arreglos de Don Costa. 1969: A Man Alone. Con arreglos de Don Costa. 1970: Watertown. Con arreglos de Joe Scott y Charles Callelo. 1971: Sinatra And Company. 1973: Ol’ Blue Eyes Is Back. 1980: Trilogy. 1981: She Shot Me Down. 1984: L.A. Is My Lady. 1993: Duets. 1994: Duets II

No obstante, su relación con la Cosa Nostra fue muy íntima desde el principio. Uno de sus tíos, Babe Gavarante, era miembro de una banda que tenía su área de actuación en el Condado de Bergen, al norte de Nueva Jersey, y que estaba controlada por el entonces capo de la “Oficina” (nombre que recibe la mafia en Nueva Jersey) Guarino “Willie” Moretti. Asimismo, la primera mujer de Sinatra, Nancy Barbato, era prima de una de los “soldados” de Moretti y Sinatra fue invitado a cantar en la boda de la hija de éste.

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En este hecho se basaría Mario Puzo para una de las escenas de El padrino, en la cual, el cantante “Johnny Fontane” acude a cantar al matrimonio de Connie Corleone, hija de Vito Corleone, padrino de Fontane a quien luego le pide ayuda para ser seleccionado en una película que alzaría su fama.

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n 1952 su voz y su gusto artístico eran infinitamente malos, pero, según sus amigos, la causa principal de su ocaso fue la persecución de Ava Gardner. Ella era entonces la gran reina del cine, una de las mujeres más guapas del mundo. Nancy, la hija de Sinatra, recuerda haber visto a Ava nadar un día en la piscina del padre, salir luego del agua con ese cuerpo fabuloso, acercarse lentamente al fuego, inclinarse un momento hacia él, y de pronto tener la impresión de que su oscuro pelo largo se había secado y que milagrosamente y sin esfuerzo estaba perfectamente arreglado.

Mientras que a Sinatra no le importa bromear en el estudio cinematográfico, es enormemente serio en las sesiones de grabación. Como explicó una vez al escritor británico Robin Douglas-Hume: “Cuando grabas un disco, estás completamente solo. Si es malo y a la gente no le gusta, la responsabilidad es tuya y de nadie más. Si es bueno, dígase lo mismo. Con las películas no es así: están los productores, los autores del guión y cientos de hombres en las oficinas. La responsabilidad no está sólo en tus manos. Con un disco lo eres todo..

Michael Jackson Fue un cantante, compositor y bailarín estadounidense de música pop y sus variantes. Conocido como el «Rey del Pop», logró cerca de 80 récords por diferentes motivos y fue incluido en el Libro Guinness de los récords en numerosas ocasiones. Su contribución a la música, al baile y a la moda, además de su publicitada vida personal le convirtieron en una figura de la cultura popular.

omenzó su carrera artística con sus hermanos en la banda The Jackson 5 a mediados de los años 1960, en el cual publicó junto a ellos diez álbumes hasta 1975. En 1971 inició su carrera en solitario, aunque siguió perteneciendo a la banda de sus hermanos. Debido al extraordinario impacto de su álbum Thriller (1982), el disco más vendido de la historia de la música (aún en 2013), se convirtió en la mayor estrella de la música pop en ese momento. Algunos de sus álbumes publicados, como Off the Wall (1979), Bad (1987), Dangerous (1991) o HIStory: Past, Present and Future, Book I (1995), figuran entre los álbumes más vendidos de todos los tiempos, lo que le sirvió para entrar en el Rock and Roll Hall of Fame. Por otra parte, trece de los 98 sencillos de Jackson

alcanzaron el primer lugar de la lista Billboard 100. Se estima que Michael Jackson ha vendido entre 350 a más de 400 millones de sus producciones musicales, lo que lo convierte en uno de los músicos con mayores ventas de los últimos tiempos. Fue reconocido durante su carrera con el apodo del «Rey del Pop», siendo la superestrella de la música pop19 más exitosa a nivel mundial, sin embargo también su música incluyó una amplia acepción de subgéneros como el rhythm & blues (soul y funk), disco y dance.19 También durante su vida sirvió de influencia musical para decenas de artistas. Michael Jackson a lo largo de su trayectoria ha cosechado múltiples premios, ha sido incluido dos veces en el Salón de la Fama del Rock, ha batido múltiples récords

en el Guinness World Records y ha recibido veintiséis American Music Awards y quince premios Grammy en diversas categorías musicales, de los cuales dos son póstumos. Posee el récord del artista más galardonado de la historia de la música, con más de 400 premios. Además, ha sido reconocido por sus actos de filantropía, ostentando el récord al artista que más dinero ha donado a obras benéficas, con cientos de millones de dólares donados a 39 instituciones de este tipo.20 Posteriormente, se vio envuelto en dos capítulos polémicos: el primero en 1993 y más tarde en 2003. En ambos casos el cantante fue acusado de pederastia, a través de acusaciones de abuso sexual hacia dos niños de trece años.

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Nacimiento: 29 de agosto de 1958. Canciones clave: ‘I Want You Back’ (Jackson 5), ‘Bille Jean’, ‘Man in the Mirror’ (en solitario). Ha influido a: Justin Timberlake, Chris Brown, Usher.

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El Rey del Pop M

ichael Jackson es popularmente conocido por haber sido un dotado bailarín,180 así como por sus innovadoras coreografías: tal sería el caso del llamado moonwalk (en español, paso lunar), uno de sus pasos más conocidos; de origen dudoso, fue popularizado por él cuando el 25 de marzo de 1983 lo puso en escena Motown : Yesterday, Today, Forever durante la interpretación de “Billie Jean”.181 182 Desde entonces el paso lo seguiría acompañando en su carrera y sus presentaciones, llegando al punto de ser reconocido como uno de sus pasos de baile más populares y uno de los más populares en el mundo del baile. Otra de sus coreografías famosas se dio a conocer en el vídeo musical Thriller, el cual se convirtió en un vídeo totalmente revolucionario, puesto que era el primer vídeo musical de horror;183 esta particularidad, entre muchas cosas más, lo llevó a ser considerado el mejor vídeo musical de todos los tiempos. Fue considerado por Fred Astaire como el mejor bailarín del siglo XX,185 y recibió la admiración de leyendas del baile como James Brown y el citado Fred Astaire. Voz

Álbum Año Got to Be There (1972) Ben (1972) Music and Me (1973) Forever, Michael (1975) Off the Wall (1979) Thriller (1982) Bad (1987) Dangerous (1991) History: Book I (1995) Blood on the Dance Floor (1997) Invincible (2001)

Timbre vocal: contratenor, tenor, barítono. A este respecto Frank Sinatra comentó: The only male singer who I’ve seen besides myself and who’s better than me - that is Michael Jackson. El único cantante masculino que he visto además de mí mismo, y quien es mejor que yo Ese es Michael Jackson

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ichael jackson es la tormenta perfecta, producto del talento innato y también del aprendizaje. Su canto de niño es asombroso, clavó I Want You Back. Puede que sólo haya una nota mal dada, lo que es una locura teniendo en cuenta que tenía 11 años. Una de las claves de su estilo es el uso de la voz como instrumento. Sus característicos gruñidos –“ugh” y “ah”– y todo eso son elementos rítmicos como los que guitarristas y baterías a veces usan. Es uno de los cantantes más rítmicos de la his-

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toria. Prince emulaba a James Brown, pero Michael Jackson se aproximó más, naturalmente. Y tiene un alcance demente. Yo puedo cantar bastante agudo, pero tuve que bajar Beat It medio tono cuando la canté. Jackson llega en Beat It a esta increíble nota alta (creo que es un Do de soprano, o incluso un Do de soprano sostenido, al que nadie llega), y también lo hace en Billie Jean y Thriller. Pero de lo que la gente no se da cuenta es que puede bajar a los graves también. Eso se escucha en Burn This Disco Out, de Off the Wall,

en la que profundiza en su alcance vocal, y eso me vuelve loco. Cuando alguien llega a ser tan grande como él, se pierde la perspectiva de lo vanguardista y revolucionario que ha sido, pero Michael Jackson exploró más allá de las fronteras del pop y el R&B. Piensa en esto: en Beat It tienes a un cantante de R&B haciendo una canción de rock con Eddie Van Halen. O la intro de Man in the Mirror, tenía reverb en la voz, y cada vez que hace “¡uh!” recorre kilómetros. Para mí, eso es tan bueno como alguna de la mejor ‘mierda’ [experimental] de Brian Eno. Así de espectacular es.

Whitney Houston Fue una cantante estadounidense de R&B, soul, pop, blues y góspel, aunque también destacó como actriz, compositora, productora, empresaria y modelo. Según Guinness World Records es, hasta la fecha, la artista más galardonada de todos los tiempos,1 con dos premios Emmy, seis premios Grammy,2 treinta premios Billboard Music Awards y veintidós American Music Awards, para un total de 415 premios en su carrera.

esde sus inicios se vio influenciada por destacadas cantantes de soul como su madre Cissy Houston, sus primas Dionne Warwick y Dee Dee Warwick y su madrina Aretha Franklin.4 A los once años empezó su formación musical en un coro infantil de una iglesia en Nueva Jersey, pero su talento fue descubierto tiempo después por Clive Davis, presidente de Arista Records, en

la época en que cantaba junto a su madre en clubes nocturnos de Nueva York. Conocida como «The Voice» («La Voz») debido a su calidad vocal, Whitney llegó a la fama en 1985 con su álbum Whitney Houston, que vendió 30 millones de copias y se convirtió en el álbum de debut con mayores ventas de una intérprete femenina en la historia. En 1987 lanzó su segundo álbum

de estudio, que se convirtió en el primero de una artista femenina en debutar en el número uno en la lista de ventas Billboard 200. Houston consiguió ser la intérprete femenina con más semanas en la primera posición de las listas de éxitos, con sus álbumes Whitney Houston, Whitney, Waiting to Exhale y la banda sonora de El guardaespaldas, durante cincuenta semanas. En total lanzó siete

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álbumes de estudio, tres bandas sonoras, varias compilaciones y cincuenta y tres sencillos, de los cuales once fueron número uno en la lista Billboard Hot 100. El más notable es «I Will Always Love You» publicado en noviembre de 1992 y que se convirtió en el sencillo más vendido por una artista femenina en la historia de la música. Consiguió ser número uno en treinta y dos países y ganó dos premios Grammy y seis Billboard Music Awards. Su carrera ha influenciado en la de muchos otros artistas como Christina Aguilera, Céline Dion, Jessica Simpson, Alicia Keys, Nick Carter, Britney Spears, Nelly Furtado y otros artistas de música

R&B. En 2001 firmó el contrato con el salario más alto de la historia, por 100 millones de dólares con la discográfica Arista. Inició su carrera cinematográfica en el año 1992 con la película El guardaespaldas, cuya banda sonora es la más vendida de todos los tiempos con más de 45 millones de copias vendidas en 2012.7 Continuaría en 1995 con la película Waiting to Exhale,8 y por último en The Preacher’s Wife (1996). A la edad de once años, comenzó a formarse como vocalista en el coro góspel infantil de la iglesia “New Hope Baptist” de Newark, New Jersey, y, más tarde, acompa-

ñaría a su madre en los conciertos. Aunque de religión bautista, estudió en un instituto de secundaria católico. Después de aparecer en el álbum de 1978 de su madre, Think It Over, empezó a hacerle los coros a otros intérpretes reconocidos, tales como Chaka Khan, Jermaine Jackson, y Lou Rawls. A los 16 años, le ofrecieron ser la voz principal en el sencillo de la banda de Michael Zager, «Life’s a Party» en 1978. A principios de los ochenta, empezó a aparecer en varias revistas como modelo (saliendo, incluso, en alguna portada). En 1982, hizo su primera grabación como cantante con el conjunto de Jazz-Funk Material. La canción se titulaba «Memories» y fue incluida en el álbum del grupo One Down.

NACIMIENTO: 9 de agosto de 1963. CANCIONES clave: ‘The Greatest Love of All’, ‘I Wanna Dance With Somebody’, ‘Saving All My Love for You’, ‘I Will Always Love You’. HA INFLUIDO A: Beyoncé, Mariah Carey, Faith Evans, Mary J. Blige.

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Los primeros años de carrera musical y salto al estrellato Le ofrecieron muchos contratos por ejemplo un contrato de grabación con Arista Records en 1983, poco después de que el fundador de la compañía, Clive Davis, escuchara su actuación en el club neoyorquino Mikell’s con su madre. Inmediatamente el proceso de realización de su primer álbum se puso en marcha. En 1984, tuvo su primer éxito comercial con «Hold Me», un dueto con Teddy Pendergrass). El sencillo, alcanzó el puesto 50 en la lista de éxitos pop de Estados Unidos y el top 5 en la lista de éxitos de R&B. Caso idéntico fue el de «Take Good Care of My Heart», balada R&B, también de 1984, dueto que apareció en el L.P. Jermaine de Jermaine Jackson y, en 1985, en su álbum debut. Durante ese tiempo, decidió presentarse a una prueba para el papel de Sondra Huxtable

en The Cosby Show (el cual perdió frente a Sabrina Le Beauf) y apareció como estrella invitada en programas como Gimme a Break y Silver Spoons. Debutó en 1985 con Whitney Houston, a los 22 años. Su subida en las listas de ventas, fue promovida por el éxito de sus sencillos; como «You Give Good Love» con el que consiguió la posición número 3, mientras que «Saving All My Love For You», «How Will I Know» y «Greatest Love Of All» fueron todos ellos números uno. En marzo de 1986, Whitney Houston alcanzó el primer lugar de las listas de ventas de discos. El álbum vendió cerca de 28 millones de copias en todo el mundo (13 millones de copias vendidas sólo en Estados Unidos). El resto del año 1986 se embarcó en la gira The Greatest Love, Tour. Lanzado en junio de 1987, Whit-

Año Álbum 1985: Whitney Houston 1987: Whitney 1990: I’m Your Baby Tonight 1998: My Love Is Your Love 2002: Just Whitney... 2003: One Wish: The Holiday Album 2009: I Look to You

ney llegó a ser el primer álbum de una artista femenina en debutar en el puesto número uno en Estados Unidos. El primer sencillo, «I Wanna Dance with Somebody» (originalmente titulado «I’m Gonna Dance With Somebody» en su gira de 1986) subió directo al número uno, junto con los sencillos «Didn’t We Almost Have It All», «So Emotional» y «Where Do Broken Hearts Go». Con ello, logró un total de siete números uno consecutivos en los Estados Unidos, superando la marca previa de seis números uno consecutivos compartido por Los Beatles y los Bee Gees. Con el sencillo «One Moment In Time», consiguió el número uno en Inglaterra en 1988, además de un nuevo top 5 en su país natal y un clásico internacional. El tercer disco de su carrera, I’m Your Baby Tonight, fue lanzado en noviembre de 1990, consiguiendo llegar al puesto número 3 en la lista de ventas de la revista estadounidense Billboard. Los primeros dos sencillos; «I’m Your Baby Tonight» y «All The Man That I Need» fueron números 1 en los Estados Unidos, proporcionándole un total de nueve números 1 en este punto de su carrera. Dos canciones más se añadieron a su colección de sencillos, «Miracle» y «My Name Is Not Susan», logrando el número 9 y el número 20 respectivamente. Otra canción del álbum, «I Belong To You» también alcanzó repercusión en emisoras urbanas a lo largo del país y subió al número 10 en las listas de R&B. El álbum vendió 14 millones de copias mundialmente, 4 millones de ellas en los Estados Unidos. Como siempre después de un lanzamiento de disco, puso en marcha la gira mundial I’m Your Baby Tonight. El álbum consiguió cuatro Premios de la Música Billboard en la ceremonia de 1991.

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Opiniones En enero de 1991, cantó el himno nacional de Estados Unidos, «The Star Spangled Banner», en la Super Bowl nº XXV (la final de fútbol americano) celebrada en Tampa (Florida). Esta interpretación fue posteriormente grabada como sencillo debido a la demanda popular, alcanzando el número 20 en los Estados Unidos, siendo la única versión del himno americano que consigue ser un éxito de ventas, obteniendo el disco de platino. El sencillo también ayudó a recaudar fondos para la Cruz Roja Americana en beneficio de los Veteranos de la Guerra del Golfo y sus familias.

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ija de Cissy Houston, la legendaria y fundamental cantante de gospel y r&b, Whitney creció rodeada de amigas de la familia como Aretha Franklin o Gladys Knight. Dionne Warwick es prima suya. “Aprender a cantar”, dijo una vez, “fue como aprender a hablar”.

peante grito: pocas cantantes pueden comenzar una canción con 45 segundos cantando a capella, sin ningún acompañamiento. La electrizante versión de Houston del I Will Always Love You es una verdadera proeza.

A los 22 años Whitney se consagró como la voz femenina más importante de su generación. En 1985, su primer álbum incluía éxitos monumentales como Saving All My Love for You, How Will I Know y The Greatest Love of All. Su voz es un gigantesco y chis-

Bob Marley fue un músico, guitarrista y compositor jamaicano. Durante su carrera musical fue el líder, compositor y guitarrista de las bandas de ska, rocksteady y reggae The Wailers (1964–1974) y Bob Marley & The Wailers (1974–1981). Marley sigue siendo el más conocido y respetado intérprete de la música reggae y es acreditado por ayudar a difundir tanto la música de Jamaica como el movimiento rastafari (del que era un miembro comprometido) a una audiencia mundial.

ntre sus mayores éxitos se encuentran los sencillos “I Shot the Sheriff ”, “No Woman, No Cry”, “Jamming”, “Redemption Song” y, junto a The Wailers, “Three Little Birds”, así como el lanzamiento póstumo “Buffalo Soldier”. El álbum recopilatorio Legend, lanzado en 1984, tres años después de su muerte, es el álbum de reggae más vendido de la historia con 10 discos de platino en los Estados Unidos3 y 20 millones de copias en todo el mundo. Nació el 6 de febrero de 1945 en Nine Mile (Rhoden Hall, Saint Ann Parish), una pequeña localidad al norte de la isla de Jamaica, en el Mar Caribe. Era hijo de Cedella Booker, una afro-jamaiquina que tenía 18 años6 (cuando nació Bob) y de Norval Marley, un jamaiquino blanco de ascenden-

cia inglesa (su familia provenía de Essex), capitán de los Marines Reales (infantería de marina británica), quien se consideraba inglés, debido a que al ingresar a las Fuerzas Armadas Británicas para la Primera Guerra Mundial, en el formulario dijo ser inglés, para que no se le cuestionara mayor cosa (y porque en esa época Jamaica era una colonia del Reino Unido y su población blanca tenía la nacionalidad británica). La fecha de nacimiento de Norval es motivo de controversia ya que según muchas fuentes nació en 1895 (por lo que tendría 50 años cuando nació su hijo Bob Marley) pero según otras fuentes nació mucho antes, en 1881. Aunque Norval ayudaba económicamente a su mujer y a su hijo, rara vez veía a su hijo por pasar el tiempo viajando; además, según algunas

fuentes su madre (la abuela de Bob) lo presionaba para que se alejara del niño por prejuicios racistas. El padre de Bob murió cuando este tenía 10 años, en 1955. Bob Marley tuvo que soportar burlas y desprecios por parte de negros jamaiquinos por su condición de mulato (mestizo producto de la mezcla de blanco y negro), sobre todo en su niñez, adolescencia y temprana juventud (se dice que el hermano de su primera novia le dijo que «no queremos blancos en esta casa»). Pero después Bob se demostró indiferente a esos desaires y decía no avergonzarse de su mezcla racial; aunque él se identificaba simplemente como negro y esa fue la única parte de su herencia racial por la que demostró interés.

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Nacimiento: 6 de febrero de 1945 (murió el 11 de mayo de 1981). Canciones clave: ‘No Woman No Cry’, ‘Redemption Song’, ‘I Shot the Sheriff’. Ha influido a: Bono, Lauryn Hill, Buju Banton.

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Éxito profesional

Bob Marley, Mick Jagger y Peter Tosh

Álbum Año The Wailing Wailers 1965 Soul Rebels 1970 Soul Revolution 1971 Soul Revolution Part II 1971 Best of the Wailers 1972 African Herbsman 1973 Catch a Fire 1973 Burnin’ 1973 Rasta Revolution 1974 Natty Dread 1974 Live! 1975 Rastaman Vibration 1976 Exodus 1977 Kaya 1978 Survival 1979 Uprising 1980 Confrontation 1983 Legend 1984

n los años 70 Jamaica vivía un empeoramiento de su ya típica violencia política; la situación degeneró en una guerra civil callejera entre pandillas de pistoleros militantes de los dos grandes partidos políticos tradicionales, el Partido Nacional del Pueblo (socialista democrático) y el Partido Laborista de Jamaica (centro-derecha conservador). El Ejército y la Policía de Jamaica tomaron las calles, pero no pudieron contener la violencia entre los dos bandos enfrentados. Bob Marley era entonces un pacifista apolítico en Jamaica, un músico ya consagrado y un auténtico propulsor de la fe rastafari. Bob Marley decidió participar en un concierto gratuito en el Parque de los Héroes Nacionales de Kingston, el 5 de diciembre de 1976 para promover la paz y la reconciliación nacional, y así ayudar a frenar la violencia. Pero sectores del entonces opositor Partido Laborista de Jamaica criticaron el concierto porque pensaban que estaba parcializado y en realidad era un acto de apoyo al Primer Ministro y líder del Partido Nacional del Pueblo, Michael Manley (señalado como amigo de Bob Marley); de hecho Michael Manley era el organizador detrás del evento. Después del anuncio del concierto, el gobierno de Manley convocó elecciones para el día 15 de diciembre (en un claro intento de sacar provecho político del mismo en plena campaña electoral). El 3 de diciembre de 1976, dos días antes de “Smile Jamaica”, Bob, su esposa Rita, Lewis Griffith y el mánager Don Taylor fueron heridos en un atentado por pistoleros desconocidos dentro de su casa en 56 Hope Road, Jamaica; se piensa

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Opiniones que el atentado fue una represalia de los sectores políticos que rechazaban el concierto por su supuesto carácter de apoyo al gobierno de Manley aunque algunos creyentes en teorías conspirativas barajan la posibilidad de que estuviese la CIA involucrada (ya que Michael Manley se había acercado mucho a la Cuba de Fidel Castro). Bob fue herido por disparos de arma de fuego en el pecho (muy cerca del corazón) y un brazo, su esposa Rita en la cabeza, Lewis Griffith en el estómago y el mánager Don Taylor también fue hospitalizado por cruzarse en la línea de fuego.

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ablar sólo de las virtudes de Bob Marley como cantante sería negar lo que le convirtió en una de las grandes voces de nuestro tiempo, por qué su voz dejó huella en nuestra historia. Cantaba sobre ideas profundas, y lo hacía de manera delicada y ligera, con un sentimiento generoso y una voz generosa. No cantaba correctamente; no tenía formación, pero sí una voz preciosa, como otro de mis cantantes favoritos de todos los tiempos, Marvin Gaye. Si tuvieran acentos más parecidos y cantaran en estilos más similares te darías cuenta. Es complicado separar su voz de los temas sobre los que can-

taba. Bob Marley cantaba con mucha fuerza, suficiente para hacer tambalear los cimientos del gobierno de su país. Una vara de medir a un gran cantante es cómo consigue transmitir su mensaje, diciendo cosas que de otra manera no serían escuchadas. Y en un mundo que sabe cómo parar a la gente que habla de paz y amor, Bob Marley pudo transmitir ese mensaje e inspirarnos. No es normal que algo tan serio y tan bello como su música pudiera elevarse tan claramente hacia la cima como él lo hizo. Su voz es una de las inspiraciones más importantes de nuestro tiempo, es la voz de los oprimidos del mundo.

Kurt Cobain fue un músico y artista estadounidense, mejor conocido como el cantante, guitarrista y principal compositor de la banda grunge Nirvana. Cobain formó Nirvana con Krist Novoselic en Aberdeen, Washington, en 1985 y la estableció como parte de la escena musical de Seattle, con su álbum Bleach lanzado por el sello discográfico independiente Sub Pop en 1989.

espués de firmar con el sello DGC Records, la banda logró el éxito con «Smells Like Teen Spirit» de su segundo álbum Nevermind (1991). Tras el éxito de Nevermind, Nirvana fue etiquetado como «la banda principal» de la Generación X, y Cobain fue aclamado como «el portavoz de una generación». Cobain, sin embargo, estaba a menudo incómodo y frustrado, creyendo que su mensaje y

su visión artística habían sido malinterpretadas por el público, siendo sus problemas personales a menudo objeto de atención de los medios. Él desafió a la audiencia de Nirvana con su álbum de estudio final, In Utero (1993). El álbum no coincidió con las cifras de ventas de Nevermind pero aún fue un éxito crítico y comercial. Durante los últimos años de su vida, Cobain luchó con depre-

sión, enfermedad y adicción a la heroína. Él también tenía dificultad para sobrellevar su fama e imagen pública y las presiones profesionales y personales de toda su vida y de su esposa, la cantautora Courtney Love. El 8 de abril de 1994, Cobain fue encontrado muerto en su casa en Seattle, la víctima de lo que oficialmente fue afirmado un suicidio por una herida autoinfligida en la cabeza. Las circunstancias de su muerte a los 27 años se han convertido en

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Nirvana un tema de fascinación pública y debate. Desde su debut, Nirvana, con Cobain como compositor, ha vendido más de 30 millones de álbumes en los Estados Unidos y más de 95 millones en todo el mundo. Él escuchaba artistas como Ramones2 y también cantaba canciones como “Motorcycle Song,” de Arlo Guthrie, The Beatles’ “Hey Jude”, Terry Jacks’ “Seasons in the Sun” y el tema musical de la Serie de televisión The Monkees a una temprana edad.

Cobain recibió su primera guitarra a la edad de 14 años. Su tío la consiguió en el Centro Musical Rosevear, en Aberdeen, escogiendo el instrumento en vez de una bicicleta. Desde ese momento Cobain intentó formar bandas con amigos, interpretando canciones de AC/DC y Led Zeppelin. En la secundaria, sin embargo, Cobain tuvo problemas frecuentes para encontrar a alguien con quien tocar, debido a que ninguno de sus amigos poseía ningún talento musical particular. Posteriormente, Cobain encontró

a Krist Novoselic, un fiel devoto del punk rock, que vivía al otro lado del puente de la calle Young. La madre de Novoselic era propietaria de un salón de belleza (Maria’s Hair Design), así que ellos pudieron practicar en el segundo piso del edificio ocasionalmente. Pocos años después Cobain intentó convencer a Novoselic para formar una banda con él, y le cedió una copia de una demo casera (titulada «Illiteracy Will Prevail») grabada por una de las primeras bandas que formó Cobain en 1985, Fecal Matter. Después de meses pensándolo, Novoselic aceptó unirse a Cobain,

Nacimiento: 20 de febrero de 1967 (murió alrededor del 5 de abril de 1994). canciones clave: ‘Smells Like Teen Spirit’, ‘Lithium’, ‘All Apologies’. Ha influido a: Dave Grohl, Gavin Rossdale, Rivers Cuomo.

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lo cual sentó las bases de Nirvana. En los primeros años como grupo, a Novoselic y a Cobain les tocó rotar frecuentemente de bateristas, como Dale Crover, Aaron Buckhard, entre otros. Finalmente, Chad Channing se unió a la banda, con el cual grabaron Bleach, lanzado en Sub Pop Records en 1989 con Jack Endino como productor, y a Jason Everman como dinanciador, pero aunque este no toco en ningún tema del álbum, estuvo presente como segundo guitarrista en la contraportada, pero durante la gira de Bleach, este renuncio, y volvieron a ser el trío que frecuentaban ser pero Cobain, sin embargo, no estaba satisfecho con el estilo de

Channing, y la banda lo reemplazó por Dave Grohl a finales de 1990, no sin antes grabar Sliver con el baterista Dan Peters de la banda Mudhoney. Junto a Grohl, la banda encontró el éxito con su disco debut en una gran discográfica, Nevermind (1991). Inicialmente, la expectativa de ventas para Nevermind no superaba las 500.000 copias. Sin embargo, el álbum recibió certificación de triple platino en los Estados Unidos en menos de seis meses. “Smells Like Teen Spirit” recibió alta rotación en MTV y llegó al lugar número 6 en el Top 100 de la revista Billboard, inspirando a un puñado de imitadores y llevando al sonido grunge y

Álbum Año Bleach (1989) Nevermind (1991) Incesticide (1992) In Utero (1993) MTV Unplugged In New York (1994) Live! Tonight! Sold Out!! (1994)

alternativo a los listados. La popularidad del rock alternativo, así como el fin de la era del hair metal, son atribuidos a Nevermind. El 11 de enero de 1992, con 12 millones de copias vendidas, el álbum alcanzó la cima del listado de álbumes de Billboard, quitando del primer lugar a Dangerous de Michael Jackson y superando también a Use Your Illusion de Guns N’ Roses, un hecho considerado símbolo de la subida de la música alternativa sobre el pop. Además, la llegada de Nevermind ayudó a la entrada en las listas de varios álbumes de grunge como Ten de Pearl Jam y Badmotorfinger de Soundgarden. Posteriormente, en 1993, salió el disco In Utero.Con In Utero, la banda también se enfrentó a la censura. Grandes cadenas de almacenes como Kmart y Wal-Mart se negaron a tener el álbum en sus estanterías, alegando que títulos de canciones como “Rape Me” y el collage de fetos plásticos en la contraportada del álbum eran muy “controvertidos” para cadenas “orientadas a la familia”. Entonces la banda aceptó cambiar el arte del álbum, lanzando una versión “limpia”, que también cambiaba el nombre de “Rape Me” por “Waif Me”. Sin embargo, con la excepción de la mezcla de Litt de “Pennyroyal Tea”, la música incluida era idéntica al lanzamiento común. Cuando le preguntaron sobre la versión editada, Cobain dijo que muchos residentes de pequeños pueblos (especialmente en el centro de los Estados Unidos) no tenían tiendas locales de música, y tenían que comprar sus álbumes en grandes cadenas de almacenes como Kmart. Aunque “Heart-Shaped Box” tuvo buena aceptación por parte de las emisoras alternativas y mains-

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tream, e In Utero debutó en el número 1 en la lista de álbumes de Billboard, el álbum no gozó del mismo éxito de Nevermind. Cuando la banda se embarcó en la gira estadounidense de In Utero, la primera desde el éxito de “Smells Like Teen Spirit”, regularmente tocó en auditorios a medio llenar, principalmente por la falta de gira para la promoción de Nevermind y por el nuevo y “retador” lanzamiento.

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l feroz chirrido de Kurt Cobain se abrió paso a través del underground del rock & roll en 1991, transformando la furia y la angustia del punk rock en líneas vocales pop como nadie lo había hecho antes. Podía gritar en carne viva (escucha, por ejemplo, sus aullidos eléctricos en Stay Away). Jonathan Poneman, fundador del legendario sello Sub Pop –la cantera del grunge–, dijo que lo que le cautivó de la voz de Cobain fue que “era emocionalmente versátil”.

Bajo su encarnizada potencia al cantar había una dureza más sutil que venía del blues y el folk. Su interpretación de Where Did You Sleep Last Night, del cantante de blues Leadbelly, es, en palabras de Patti Smith, “simplemente espléndida. Cuando canta I Will Shiver (Tiritaré), puedes sentir que está tiritando, hasta las venas”.

Elton John Es un cantante, compositor y pianista británico de rock, glam rock y piano rock. Es uno de los músicos con mayores ventas de todos los tiempos. Sus múltiples reconocimientos incluyen el título de Sir luego de ser nombrado miembro de la Orden del Imperio Británico por la reina Isabel II. De acuerdo con la revista Billboard, es el tercer artista más grande de todos los tiempos en los Estados Unidos.

acido como Reginald Dwight el 25 de marzo de 1947, en la localidad inglesa de Pinner (Gran Londres). Sus padres fueron Stanley Dwight (15/Ene/1925 - 12/Dic/1991 a los 66) y Sheila Eileen Dwight (1926 - viva). Cierto día la madre encontró al pequeño Elton interpretando en el piano de la casa, una melodía que acababa de escuchar en la radio. Desde entonces fue incentivado por su abuela para que tocara el piano y fuera músico; con cuatro años ya podía interpretar melodías simples, y a los siete tocaba música en fiestas familiares. Por aquellos años admiraba a Elvis Presley, Bill Haley & His Comets, Little Richard, Jerry Lee Lewis, entre otros. Fue educado en la Royal Academy of Music,

gracias a una beca que consiguió en 1958, a la edad de 11 años. A partir de entonces comenzó a concurrir a dicho establecimiento a tomar clase los sábados y a integrar el coro. Con el tiempo comenzó a darse cuenta de que lo suyo no era la música clásica, por lo que seis años después, en 1964, decidió abandonar esta institución para dedicarse a la música rock. A los 15 años trabajaba como pianista en un pub cercano donde le llamaban “Reggie”. Allí interpretaba a menudo canciones de Ray Charles y Jim Reeves. En 1964 Reggie y unos amigos formaron la banda Bluesology, la cual prosperó como banda soporte de otros artistas de la época durante tres años. Allí conoció al

cantante Long John Baldry. Como homenaje a él y al saxofonista Elton Dean adoptó el nombre artístico de Elton John. En 1969 formo parte de la banda Argosy, formada por Roger Hodgson, Caleb Quaye y Nigel Olsson. La única grabación del grupo fueron dos canciones, «Mr. Boyd» y «Imagine», compuestas por Hodgson y publicadas como sencillo en 1969 por dos sellos independientes, DJM en el Reino Unido y Congress en Estados Unidos.

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NACIMIENTO: 25 de marzo de 1947. CANCIONES clave: ‘Your Song’, ‘Goodbye Yellow Brick Road’, ‘Tiny Dancer’. HA INFLUIDO A: Rivers Cuomo, George Michael, Axl Rose

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Consagración

n 1973 llegó a la cúspide de su carrera con el lanzamiento de su trabajo más importante y valorado: Goodbye Yellow Brick Road. Un álbum doble de una calidad musical sorprendente, con canciones que escalaron los primeros lugares de las listas de la época. Las más notables son “Bennie and the Jets”, n°1 en Estados Unidos, “Candle in the Wind”, dedicada a Marilyn Monroe, “Goodbye Yellow Brick Road”, “Saturday Night’s Alright (For fighting)” y “Funeral for a Friend / Love Lies Bleeding”.

Elton Jhon junto lady Gaga en el after party de los oscar 2014

Año Álbum 1969 Empty Sky 1970 Elton John 1971 Tumbleweed Connection 1971 Madman Across the Water 1972 Honky Château 1976 Blue Moves 1978 A Single Man 1979 Victim of Love 1980 21 at 33 1981 The Fox 1982 Jump Up! 1983 Too Low for Zero 1984 Breaking Hearts 1985 Ice on Fire 1986 Leather Jackets 1988 Reg Strikes Back 1989 Sleeping with the Past 1992 The One 1995 Made in England 1997 The Big Picture 2001 Songs from the West Coast 2004 Peachtree Road 2006 The Captain & the Kid 2013 The Diving Board

El álbum ha vendido más de 30 millones de copias a la fecha y ha sido considerado como uno de los 100 mejores discos de la historia de la música pop por varias fuentes. A partir de este momento Elton John comenzó a ser reconocido en todo el mundo, y entre 1972 y 1975 logró colocar 7 álbumes en el primer lugar en los charts de los Estados Unidos. En 1974 colaboró con el legendario John Lennon en el tema “Whatever Gets You Thru The Night”, del álbum en solitario Walls and Bridges de Lennon, suponiendo todo un éxito con este tema en los Estados Unidos. En ese mismo año Elton John y Bernie Taupin escribieron y lanzaron Captain Fantastic and the Brown Dirt Cowboy, un álbum autobiográfico, musicalmente distinto a los demás, con mucha participación del piano y la percusión, además de las asombrosas puestas vocales de Elton. Fue el primer disco en debutar n°1 en la historia. Su sencillo principal, “Someone Saved My Life Tonight”, cuenta de manera poética un episodio vivido por Elton antes de volverse famoso. 1975 fue probablemen-

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Opiniones te el año de mayor incidencia mundial de Elton John; logró colocar dos álbumes en la cima de las listas y tres sencillos. Además, colaboró con otros artistas en exitosos trabajos, como por ejemplo con Neil Sedaka en “Bad Blood”. También por esas épocas trabajó en la película Tommy, dirigida por Ken Russell y escrita por Pete Townshend, guitarrista de The Who. Otros álbumes notables de la época son Caribou y Rock of the Westies, ambos n°1.

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ohn Lennon dijo en cierta ocasión a Rolling Stone que cuando escuchó a Elton John cantando Your Song, la rompedora balada de 1970 que consagró la mezcla de grandeza roquera y profundo sentimiento soul del pianista inglés, pensó: “Genial, es lo primero nuevo que ha salido desde que salimos nosotros”. Sólo unos pocos años antes, Elton había declarado “No sé

cantar”. Pero en cuanto encontró su voz, descubrió enseguida un sorprendente rango estilístico, liberando su falsete cantarín y su feroz bramido roquero. “Mezclaba su falsete y su voz más áspera consiguiendo un efecto realmente fantástico en los 70”, analiza Ben Folds. “En Goodbye Yellow Brick Road, cuando canta “…on the grooound”, su voz está comple

BONO Sir Paul David Hewson, KBE, Bono y/o Bono Vox, es un músico irlandés, conocido por ser el líder y vocalista del grupo de rock U2 y activista político, especialmente comprometido con el combate a la pobreza en África y a favor de la cancelación de la deuda externa de los países del tercer mundo, labor reconocida entre otros por sus nominaciones consecutivas al Premio Nobel de la Paz en 2005 y 2006.

n 1976, Bono respondió a un anuncio puesto por Larry Mullen Jr., compañero de escuela, en el que buscaba gente para formar una banda de rock. También respondieron David Evans (The Edge), su hermano Dick Evans (quien se salió poco después) y Adam Clayton.

cambió a ‘The Hype’, para después quedarse con U2. Inicialmente Bono cantaba, tocaba la guitarra y escribía las canciones de la banda. Conforme la técnica de The Edge fue mejorando, Bono fue asumiendo su papel de vocalista, aunque frecuentemente toca la guitarra rítmica y la armónica.

Los cuatro miembros restantes formaron una banda llamada ‘Feedback’, nombre que luego se

A lo largo de su carrera, Bono se ha caracterizado por sus diversos cambios de apariencia, desde

su cabello alborotado y teñido a principios de los años 1980, hasta sus alter egos durante las giras Zoo TV Tour y Zooropa a mediados de los 1990. Durante la gira Zoo TV Tour, Bono se creó dos alter egos: uno, llamado The Fly (La Mosca), representaba los excesos del estrellato; mientras que Mirrorball Man, era una caricatura de un tele evangelizador que representaba la

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Colaboraciones avaricia. Durante la gira europea, renombrada Zooropa, Mirrorball Man se transformó en Mr. MacPhisto, una extravagante figura demoníaca que cada noche hacía una llamada desde el escenario. El mensaje contenido en éstos personajes metafóricos tenía por destino satirizar a una gran variedad de personas públicas e instituciones, desde el entonces presidente de Estados Unidos, George Bush padre, hasta una pizzería local, a la que se encargaron 10.000 pizzas para los asistentes al concierto.

Además de su trabajo con U2, Bono ha colaborado con Frank Sinatra, Johnny Cash,Willie Nelson, Luciano Pavarotti, Sinéad O’Connor, Green Day, Roy Orbison, Bob Dylan, Tina Turner, B.B. King y Zucchero. Ha grabado con Ray Charles, Quincy Jones, Kirk Franklin, Bruce Springsteen, Tony Bennett, Clannad, The Corrs, Wyclef Jean, Kylie Minogue, Carl Perkins, Jay-Z y Rihanna, ha grabado un dueto con Jennifer Lopez, aún inédito. En el álbum inédito de 1987 de Robbie Robertson, Bono toca el bajo y canta. En el álbum póstumo de Michael Hutchence, de 1999, Bono completó la graba-

ción del tema “Slide Away” a dúo con Hutchence. En enero del 2009, colabora al proyecto musical Playing for change cantando la canción War, en paralelo con músicos de distintos países del mundo. Bono y The Edge también escribieron la música para el musical de Broadway Spider-Man: Turn Off the Dark. El 25 de mayo de 2011, un sencillo titulado “Rise Above 1” por Reeve Carney conjunto con Bono y Edge fue lanzado digitalmente. El video musical fue lanzado el 28 de julio de 2011.

NACIMIENTO: 10 de mayo de 1960. CANCIONES clave: ‘One’, ‘With or Without You’, ‘Where the Streets Have No Name’, ‘Beautiful Day’. HA INFLUIDO A: Chris Martin, Thom Yorke.

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Desde 1999 se ha involucrado cada vez más en campañas a favor de la condonación de la deuda externa del tercer mundo. En mayo de 2002, guió al Secretario de la Tesorería de los Estados Unidos Paul O’Neill en un tour a través de cuatro países africanos. Ese mismo año, Bono fundó, junto a Bobby Shriver y otros activistas del movimiento Jubilee 2000 “Drop the Debt”, la organización DATA cuyo objetivo es alertar sobre las deudas impagables que mantiene el continente, la transmisión descontrolada del Sida y las injustas reglas de comercio que dañan a sus ciudadanos empobrecidos. Bono ha apoyado o colaborado con organizaciones como Amnis-

tía Internacional, Free Burma, The Chernobyl Children’s Project, The One Campaign y Greenpeace, así como la fundación (RED), también hecha para la ayuda contra el sida en África, dicha fundación está asociada con marcas de prestigio muy importantes como DELL, Microsoft, Apple, Gap y Nike. También se comprometió con los conciertos masivos de Live Aid de 1985 y el Live 8 de 2005 organizados por Bob Geldof en demanda al grupo de países del G-8 de mayor ayuda a la población africana. Bono ha recibido numerosos reconocimientos a nivel mundial dentro de los cuales destacan sus nominaciones consecutivas al Premio Nobel de la Paz en 2006.

Ha sido declarado «Europeo del año» por la revista European Voice en 2001, caballero de la Legión de Honor francesa en 2003, premio «Musicares» al «Personaje del año» de la Academia de los Grammy en 2003,39 la elección por parte de la revista Time como el hombre del año en 2005,40 la obtención de la medalla Centenario Pablo Neruda de Chile en el 2004, el premio de los medios alemanes por su labor social en 2005 o su nombramiento como caballero honorario de la Orden del Imperio Británico, anunciado el 23 de diciembre de 2006 por la embajada del Reino Unido en Dublín.

Three EP (1979) Boy (1980) October (1981) War (1983) The Unforgettable Fire (1984) The Joshua Tree (1987) Rattle and Hum (1988) Achtung Baby (1991) Zooropa (1993) Pop (1997) All That You Can’t Leave Behind (2000) How to Dismantle an Atomic Bomb (2004) No Line on the Horizon (2009) Songs of Innocence (2014)

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Opiniones

Bono junto al académico ghanés George Ayittey, en el TEDGlobal 2007 en Tanzania. El documental de la televisión francesa “Paraísos Fiscales, La Gran Evasión” realizado por Frédéric Brunnquell para TF2 en el año 2008 mostraría las supuestas contradicciones en las que incurriría su banda al canalizar sus ingresos a través de paraísos fiscales. Bono, no obstante, ha desestimado estas acusaciones

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o describiría la forma de cantar de Bono como un 50 por ciento Guinness, un 10 por ciento cigarrillos y el resto religión. Es un cantante carnoso como el solista de un coro de gospel, y se deja llevar por el momento melódico. Cantando se va a algún lugar fuera de sí mismo, especialmente cuando da esas notas agudas sobre el escenario. De ahí proviene su poderío, el Bono auténtico y sin adulterar. Bono habla de las cosas en las que cree, sean los problemas económicos del mundo o la ayuda contra el SIDA en África,

pero su voz es siempre lo primero. Con ella expresa sus convicciones. Tiene muchas influencias. Oyéndole a él escuchas también a Joe Strummer, Bob Marley, Otis Redding e incluso a John Lennon. Las notas que tiene que cantar en los primeros versos de Sunday Bloody Sunday resultan de lo más impresionante. Sin embargo, parece que se deslizan a través de nuestro monaguillo irlandés. The Joshua Tree demuestra el dominio que posee Bono sobre su voz y lo que aprendió del punk, de la New Wave y de artistas americanos como Bob Dylan.

Lionel Richie Es un“facético”cantante y actor estadounidense. Sus canciones de letras sentimentales y su voz modulada, hicieron que Richie estuviese en la lista Billboard en los años 1980, su época dorada. Además, junto con Michael Jackson, fue el impulsor de la campaña Usa for Africa, con la famosa canción We are the World que ambos compusieron en 1985.

Solista

n los años 1970 formó parte de la banda musical The Commodores, propiedad del famoso sello musical Motown de Detroit (Míchigan). A partir de 1981 inició su carrera como solista, logrando un gran éxito al permanecer dos semanas en el Billboard con el tema Hello para consolidarse posteriormente con el tema Say you, say me, el cual ganó un premio Óscar de la Academia a la mejor canción en una película. Posteriormente, se volvió a utilizar la canción en la campaña para recaudar fondos para ayudar al terremoto de Haití de 2010. En 2002 grabó a dúo la canción To love a woman con el cantante Enrique Iglesias.

En 1980, Richie triunfa en solitario con “Lady”, que interpretada por Kenny Rogers alcanza un gran éxito; también con la balada “Endless Love”, cantada a dúo con Diana Ross. En el año 1982 lanza su primer álbum Lionel Richie. El primer single “Truly” se convierte en un gran éxito. La siguiente grabación fue Can’t Slow Down, en 1983. Su primer single “All Night Long” será número uno en listas americanas. En 1985, junto a Quincy Jones y Michael Jackson, componen “We Are The World”, un tema que cantarán las más grandes estrellas del rock del momento y que se incluirá en el álbum benéfico USA For Africa. Ese mismo año compone “Say You, Say Me”, para la

película Noches de Sol, que llegará al numero 1 y que conseguirá el Oscar a la mejor canción en 1986. Su tercer álbum fue Dancing On The Ceiling. En 1992 reaparece con Back To Front, una recopilación en la que se incluyen temas como “Do It To Me” y “My Destiny”. Después lanza Louder Than Words (1996) y Time (1998). En el 2002 cantó la canción “To love a woman” con Enrique Iglesias. Lionel Richie es además el padre adoptivo de la actriz y cantante, Nicole Richie. Además de escribir y componer la canción “All night long”, probablemente uno de los temas más sabrosos que escucharon los oídos occidentales a finales del siglo XX y en adelante.

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Naci贸 (Tuskegee, 20 de junio de 1949) Canciones : love will find a way, Rhe only one, Hello

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Sólo Éxito

n 1980, Lionel Richie dejó a los Commodores para convertirse en un acto solitario. Al año siguiente, su dúo con Diana Ross en “Endless Love” alcanzó la cima de las listas. En 1982, lanzó su álbum debut como solista, Lionel Richie , que rápidamente se convirtió en un éxito en las listas de Billboard de Estados Unidos. Una balada de ese álbum, “En verdad,” subió a la cima de las listas, también obteniendo Richie un premio Grammy por mejor artista masculino pop interpretación vocal.

Lionel Richie junto a Michael Jackson en la entrega de los Grammy de 1984

1982 - Lionel Richie 1983 - Can’t Slow Down 1985 - Composer Series 1986 - Dancing On The Ceiling 1996 - Louder Than Words 1998 - Time 2000 - Renaissance 2004 - Just for You 2006 - Coming Home 2008 - Symphonica In Rosso 2009 - Just Go 2012 – Tuskegee

Siguiente esfuerzo de Richie, de 1984 , no puede retrasar , contó con el éxito pop enérgico “All Night Long”, así como la balada de ensueño “Hola.” El éxito de este proyecto, que ganó un Richie Grammy al mejor álbum del año, ayudó a cimentar su estatus como una de las más grandes estrellas de la época. Actuó “All Night Long” en la ceremonia de clausura de los Juegos Olímpicos de 1984, celebrados en Los Ángeles, California. Al año siguiente, Richie se centró en ayudar a los necesitados, co-escribiendo el alivio de la hambruna canción “We Are The World” (1985) con Michael Jackson. Su popularidad siguió creciendo con el lanzamiento de su próximo álbum, de 1986 Dancing on the Ceiling , que vendió cerca de 4 millones de copias.Durante varios años después de la liberación de Dancing on the Ceiling , Richie sufrió una serie de retos personales, y desapareció de la escena musical como resultado.

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Opiniones Su padre murió en 1990, y él y la primera esposa Brenda Harvey tenía un feo, ruptura de unos años más tarde públicos. Su hija adoptiva, Nicole, se quedó con Brenda después del divorcio. Richie volvió a la música en 1996, la liberación de los álbumes más fuerte que las palabras . Ese mismo año, se casó con su segunda esposa, Diane (. M 1996-2004). La pareja tiene dos hijos, Miles y Sofía.

n una semana, cuando Lionel Richie se entera de que va a ser incluido en Legends Salón de la Fama del Teatro Apollo, y se anuncia como una estrella de la competencia de canto de verano de ABC, ‘’ Dúos, ‘’ Esperábamos su emoción tendría él bailando en el techo o fiesta toda la noche. Pero este ex Commodores frontman convertido en solista cantautor lugar se refirió a un nuevo título en su-suave que suave fondo de catálogo. “Esto es’ No se puede reducir la velocidad, ‘dijo el Sr. Richie el viernes, describiendo la actual

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fase de su carrera. ‘’ Sólo hay una manera en que veo el negocio: usted está bien va a estar en ella o usted va a estar fuera de él. Empecé a pensar que será mejor que hacer grandes cambios cuando empiezan llamando ‘un icono viviente.’ Eso no es bueno. Se me hace sonar como una pieza de museo. ‘ Hablando por teléfono desde Copenhague, donde había viajado desde Estocolmo ”Si quieren que me meta con esa lista de nombres, ‘dijo el Sr. Richie,’ ‘la respuesta es, absolutamente. Quiero decir, vamos”

James Brown Fue un cantante de soul, funk y rock estadounidense, conocido también como “Soul Brother Number One”, “Mr. Dynamite”, “The Hardest-Working Man in Show Business”, “Minister of The New Super-Heavy Funk”, “Universal James”, pero quizá su sobrenombre más famoso sea “The Godfather of Soul” (El Padrino del Soul).

Carrera musical

ació el 3 de mayo de 1933 en una granja en Barnwell, Carolina del Sur, en el seno de una familia pobre de un barrio marginal. Esto le obligó a desempeñar desde la adolescencia (15 años) todo tipo de trabajos. Abandonado por su madre, Brown creció con su padre, un trabajador itinerante, hasta que terminó en Augusta (Georgia), donde una tía regentaba una fonda que también funcionaba como timba y prostíbulo. Sin

apenas educación, el niño Brown procuró ganarse la vida limpiando zapatos, recogiendo algodón y robando piezas de coches. Antes de cumplir los veinte años ya había sido detenido por robo a mano armada y fue condenado por ello a cumplir entre 8 y 16 años de cárcel (según él, todavía era un menor, pero le encerraron y le juzgaron cuando llegó a la edad penal). Fue un buen preso y, tras tres años y un día, fue puesto en libertad y estuvo más de tres años en un reformatorio.

n 1953 ingresó en el grupo de gospel The Starlighters. Con él en el grupo fueron transformándose desde el gospel al R&B. Tiempo después el nombre del grupo pasó a ser The Famous Flames. En 1955 publicaron el single “Please, Please, Please”, mientras que en 1958 se lanza el primer número uno de James Brown, “Try Me”. El 24 de octubre de 1962 ofrecieron un concierto en el teatro Apollo de Nueva York, editado al año siguiente en el LP “Live at the Apollo” en el que par-

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ticipó el baterista Clayton Fillyau, quien adelantó en temas como “I’ve Got Money” los contrarritmos percusivos (influenciado del estilo de los bateristas del R&B de Nueva Orleans) que serían marca distintiva de Brown. A partir de ese momento, los éxitos comenzaron a acumularse en su carrera, con títulos como “I’ll Go Crazy”, “Think” (un tema ideal para bailar ‘Monkey’ y ‘Shake’), “Shout and Shimmy” y “Prisoner of Love”. Ya consolidado como una de las más brillantes y explosivas estrellas de la música soul, no fue sino hasta 1965 cuando con “Papa’s Got a Brand New

Bag” hace algo realmente original. La resaltación del ritmo sobre la melodía, una musculosa línea de bajo de Bernard Odum, compases en síncopa y el rasgueo de guitarra de Jimmy Nolan (ex guitarra del grande blanco del R&B de los 40s y 50s, Johnny Otis) haciendo de puente se hicieron notar en esta composición y también en “Cold Sweat” de 1967; dando a conocer masivamente el concepto del funk, ya premonizado por los trabajos sincopados de bateristas oriundos de Nueva Orleans tales como Cornelius ‘Tenoo’ Coleman (para Fats Domino), Earl Palmer (que tocó para uno de sus ídolos

y máximas influencias, Little Richard y Joseph ‘Smokey’ Johnson quien tocó en el más claro antecedente funky pre-Brown, el tema “Trick Bag” de 1961. El funk fue una verdadera bocanada de aire fresco frente a la dulzona música para gente de color de entonces (doo wop y el estilo Motown), y además de un rescate de la herencia de la acidez urbana del jazz y la poliritmia de los ritmos afrocubanos como la rumba y el mambo. De hecho como dice el músico de James Brown, Pee Wee Ellis, en el documental “Soul Deep”, la línea de vientos de Cold

Nacimiento 3 de mayo de 1933 (murió el 25 de diciembre de 2006). Canciones clave ‘I Got You (I Feel Good)’, ‘Papa’s Got a Brand New Bag’, ‘The Payback’. Ha influido a Michael Jackson, Sly Stone, Prince, George Clinton.

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Sweat “fue basada en una línea de un tema de cool jazz llamado ‘So What?’ de Miles Davis”. También relevante fue el efecto energizante en su música de los movimientos por los derechos civiles de los años 60; como muy bien lo representó en su hit de 1968 “Say It Loud, I’m Black and I’m Proud”, toda una declaración del orgullo negro que, no obstante, le valió su censura por parte de muchas estaciones radiales racistas. Tras separarse del grupo con el que se dio a conocer, The Famous Flames, por razones monetarias y de convivencia; James Brown comenzó en 1969 a actuar con una banda más joven originalmente llamada The Pacemakers, y que él mismo de ahí

en adelante los rebautizaría como The J.B.’s, con quienes ahondó más en las exploraciones rítmicas y sonoras, poniendo aún más acento en el primero de 4 compases (la fórmula funky por excelencia denominada The One) con la ayuda de los músicos Phelps y Bootsy Collins, el trombonista Fred Wesley, el saxofonista Maceo Parker y su hermano en la batería: Mel Parker. Bootsy, Fred y Maceo se unieron posteriormente a la cofradía espacial de George Clinton conocida como P-Funk. Con esta nueva alineación Brown siguió consiguiendo nuevos éxitos: “Sex Machine” que fue nº1 R&B en 1970, “The Payback”, álbum certificado multiplatino en 1974, “My Thang”, “Gravity”, “Papa Don’t

Take No Mess” y “Body Heat” entre otros. En sus escarceos con el cine, participó en 1980 en la película “The Blues Brothers”, junto a John Belushi y Dan Aykroyd, trabajando después en 1998 en la secuela del film “Blues Brothers 2000”. En ambas, representó al Reverendo Cleophus James. En 1986 graba “Living in America”, el tema compuesto para la película “Rocky IV”. En 1988 fue arrestado por exceso de velocidad y por consumo de drogas, período que fue aprovechado por productores de Hip Hop para samplear trozos de su música. Fue condenado a seis años de prisión, aunque salió de la cárcel en 1991.

Live at the Apollo (1963) In the Jungle Groove (1986) Star Time (1991) 20 All-Time Greatest Hits! (1991) Get on the Good Foot (1972) The Payback (1974) Hell (1974)

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ara mí, con James Brown nunca se trató sólo de la voz. Era todo el conjunto. Sin embargo, el impacto de su voz me dio confianza, era muy básica y no se apoyaba en una gran variedad de registros. Y luego estaba aquel grito. Era como una voz interior. Sonaba como la declaración de derechos de un hombre primitivo: “Estoy vivo y puedo hacer cosas”. Él mismo solía definir su forma de bailar como “control del nervio africano”. Algo de razón llevaba. Escuchando sus primeras grabaciones, se ve que intentaba cantar estándares. No tenía lo que hacía falta para ese estilo. La primera vez que le escuché fue en Live at the Apollo, un álbum un poco posterior a aquella época. Yo trabajaba en una tienda de dis-

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cos. Apollo contiene todavía un montón de canciones formales como Try Me o Lost Someone. Pero lo que realmente me sorprendió y marcó fue la continuidad que confería a su actuación. Hay una introducción larga y con una instrumentación increíblemente detallada. Cuando James entra, echa la canción para atrás, consiguiendo cambio de dinámica, contundente y suave a la vez. En Lost Someone hay una parte casi opiácea en la que la banda se queda repitiendo dos acordes mientras él canta “I’ll love you tomorrow” (Te amaré mañana) una y otra vez. Entonces, de repente suelta un “¡Uh!”. Te golpea y la banda responde. Nada es casual, y aún así no suena forzado ni encorsetado.

Era un líder sensacional. Aún recuerdo quedarme flipado escuchando en el coche I Can´t Stand It. Le importa una mierda el estribillo, la melodía. Apenas hay nada más que riff. Pero empuja al grupo como si marcara el ritmo de una galera romana: “rema, hijo de puta, ¡uh!”. Siempre deja un resquicio en sus baladas para que sepas que te está hablando de algo real. Tiene una canción que no es realmente muy conocida, titulada Mama´s Dead, de Black Caesar (1973). Me deja destrozado. Al final, después de haber cantado un montón de salvajadas, dice: “Everybody got a mother, and you know what I´m talkin’ about” (Todos tenemos una madre, y sabéis de lo hablo.

Amy Winehouse Fue una cantante y compositora británica de familia judía, destacada por sus mezclas de diversos géneros musicales, incluidos entre ellos el jazz, R&B, soul y ska. Fue reconocida por su contralto, registro vocal que fue descrito como «acústicamente poderoso» y capaz de expresar «profundamente sus emociones».

n 2003 Winehouse lanzó su álbum debut, Frank, que obtuvo críticas positivas y fue comercialmente exitoso en su país natal, el Reino Unido, y fue nominado por los premios Mercury Prize. Su segundo álbum de estudio, Back to black, fue publicado en 2006. Por este disco la cantante consiguió seis nominaciones a los Premios Grammy, de las cuales ganó cinco, entre ellas, Canción del año, Grabación del año y Mejor artista nuevo. Este hecho condujo a Winehouse a obtener el récord de ser la primera mujer en ganar la mayor cantidad de reconocimientos en una sola noche y ser la primera artista británica ganadora de cinco Grammys. A su vez esto provocó que estuviera en la mira

de los medios, involucrándose con su agitada vida personal. En febrero de 2007, ganó el BRIT Award a Mejor Artista Británica. También ganó un World Music Award y tres Premios Ivor Novello, entre otros prestigiosos reconocimientos. Winehouse fue acreditada como una influencia detonadora en el ascenso de la popularidad de mujeres dedicadas a la música y de la propia música soul, y por fortalecer a la música británica, siendo una de las pocas cantantes de soul actuales que han influido fuertemente en la industria musical. También recibió atención de los medios por causas ajenas a su voz. Su estilo distintivo, sus tatuajes y su peinado beehive, la convirtieron en motivo de inspiración para

algunos diseñadores de modas como Karl Lagerfeld. Sus constantes problemas legales, su adicción a las drogas y al alcohol y sus complicaciones médicas derivadas de su comportamiento autodestructivo fueron fuente de titulares desde el año 2007. Fue encontrada muerta en su apartamento el 23 de julio de 2011 a los 27 años de edad, tras sufrir un colapso ante el síndrome de abstinencia. Esto se reveló meses después de su muerte, que en un principio fue asociada a sus múltiples adicciones. Su álbum Back to Black posteriormente se convirtió en el álbum más vendido del siglo xxi del Reino Unido.11 En 2012, Winehouse fue incluida en el número 26 en el listado de las «100 mejores mujeres en la música».

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Amy Jade Winehouse (Londres, 14 de septiembre de 1983 – ibídem, 23 de julio de 2011) Canciones: Rehab, Back to black, You know I’m no good, Tears dry on their own, Stronger than me. Influyó en Latasha Lee

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El Jazz en las venas

Winehouse cantando en el festival Eurockéennes en 2007

Su álbum debut, Frank, salió a la venta el 20 de octubre de 2003. El disco, producido principalmente por Salaam Remi, contenía influencias de jazz y, a excepción de dos covers, todas las canciones estaban coescritas por Winehouse. El álbum fue bien recibido por los críticos, quienes compararon su voz con las de Sarah Vaughan y Macy Gray,5 18 y logró alcanzar el disco de platino en el Reino Unido y fue nominado a los Premios Mercury Music y a los BRIT Awards. En 2004, ganó un Premio Ivor Novello a la Mejor Canción Contemporánea por su single “Stronger Than Me”.19 El mismo año, la cantante se presentó en el Festival de Glastonbury y en el IV Festival. El 30 de octubre de 2006, Amy sacó su segundo álbum, Back to black, que tuvo buena recepción tanto comercial como de la crítica, alcanzando el número uno en el Reino Unido. El álbum ganó un Brit award en la categoría de Mejor Artista Británica. En junio de 2007, Winehouse fue nuevamente nominada a los Mercury Prize por ese disco, y su venta alcanzó el platino en Estados Unidos. Como broche de oro, consiguió tres nominaciones a los MTV Video Music Awards de 2007.

2003: Frank 2006: Back to Black 2011: Lioness: Hidden Treasures

En enero de 2008 lanzó Back To Black: B-Side, saga del exitoso Back to Black, y su primer DVD titulado I Told You I Was Trouble: Live in Londres. Back to Black tuvo un éxito rotundo, y una crítica favorable que ganó numerosas comparaciones con la «era Motown de R&B». La revista Rolling Stone dijo que

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Opiniones en este álbum, Amy Winehouse desprendía la fuerza de los intérpretes de indie y de hip hop. La revista anglosajona People afirmó que «Back to Black es un disco mejor cada vez que lo escuchamos». The New Statesmen remarcó que este segundo trabajo era mejor que el primero, refiriéndose a él como «un impresionante trabajo de soul».

a Chica mala del pop-rock. Alcohol, drogas, escándalos, un padre parlanchín encantado de haber conocido a los medios de comunicación... Un cóctel bien cargado que nos presenta al personaje Amy Winehouse. Pero, ¿y la persona que se oculta detrás? Amy Wineh ouse nacióel 14 de septiembre de 1983 a Enfield, en el suburbio de Londres (Inglaterra). Su familia, apasionada por la música, descubre muy rápidamente un determinado talento en la joven muchacha. Para que pueda abrirse plenamente,se inscribe a Amy a “Brit School for the Per-

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forming Arts”. Compartiendo su tiempo entre estudio y escena local, Amy termina por señalarse y firma un contrato con una casa de disco en 1999. Amy Winehouse pule su estilo (que determinado compara a Sara Vaughan o Macy Gray) ysus canciones para suministrar en 2003 su primer álbum: “Frank”. Es un cartón además de manga y Amy adquiere numerosas recompensas con títulos como “Stronger Than Me”.

Lauryn Hill Es una Rapera, cantante, actriz y productora discografica estadounidense galardonada 8 veces con el premio Grammy. Fue miembro de The Fugees antes de empezar una carrera en solitario.

sistió al instituto de Columbia en Nueva Jersey. De niña, actuó una vez en el Apollo Theater, donde recibió una gran ovación al terminar. Comenzó a actuar de adolescente en series de televisión como As the World Turns y en la película Sister Act 2: de vuelta al convento. Ya en el instituto pasó a formar parte de The Fugees, pero no actuó asiduamente con ellos hasta

que acabó en la Columbia University. Al primer álbum de The Fugees, Blunted on Reality le siguió el disco The Score, que obtuvo numerosos premios y cuantiosas ventas y que presentaron con la canción de Roberta Flack', "Killing Me Softly". The Miseducation of Lauryn Hill Fue el álbum debut de Lauryn Hill. Lanzado el 25 de agosto de 1998, sacudió a los premios

Grammy, después de haber sido nominada en 11 categorías y ganar 5 de ellas (incluyendo "Álbum del Año). El álbum incluye colaboraciones con el artista de soul D'Angelo ("Nothing even matters") y con John Legend en el piano en "Everything is Everything". El primer sencillo del álbum fue "Doo Woop (That Thing)", canción que ganó 2 premios Grammy: "Mejor canción R&B" y "Mejor Presentación Vocal Feme-

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Exilio autoimpuesto y MTV Unplugged nina de R&B" y llegó al 1º lugar en la lista de "US Billboard Hot 100". Fue colocado en el puesto 37 en la lista Vh1 de los mejores álbumes de la historia. Situado en el 312 en la lista de "Los 500 Mejores Álbumes de todos los tiempos". El título hace referencia al libro de Carter G. Woodson "The Mis-Education of the Negro" y la portada del álbum a "Burnin" de The Wailers.

Después de 3 años, Hill regresó con un directo de la MTV con un look algo distinto y hacía más hincapié en el mensaje de sus letras. Interpretó casi todas sus canciones sólo con una guitarra acústica y su voz y explicó por qué no había sacado nada en tres años. A pesar de que muchos críticos no lo vieron con muy buenos ojos, el álbum fue disco de platino. Desde entonces ha sido bastante crítica con la industria de la música y lo que una mujer joven negra representaba en ella. En 1996, recibió un Essence

Award por su ayuda a refugiados con el Proyecto Refugiado, que sufragó un campamento en Kenia y Uganda y un concierto en Harlem. En 1999, Hill recibió tres galardones NAACP Image Awards y la revista Ebony la colocó entre los 100 afroamericanos más influyentes. Es cristiana protestante comprometida, en 2003 fue invitada a dar una actuación de navidad en el Vaticano en la que aprovechó para hacer declaraciones contra los abusos de niños por parte del clero católico y para declarar que no creía en ningún Papa como representante de Dios en la tierra

Nació: en South Orange el 25 de mayo de 1975

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y esto tuvo una gran repercusión. Vuelta de The Fugees El 18 de septiembre de 2004, tocaron en Brooklyn y aparecieron en los BET’ 2005 Music Awards. Sacaron un nuevo single, “Take It Easy”, difundido por internet e hicieron una gira europea a finales de 2005. En febrero de 2006, ofrecieron un concierto en Hollywood, que difundieron también por internet, sacando poco después dos nuevas canciones “Foxy” y “Wannabe”. Hill está preparando además un álbum a petición de sus fans. Desde 1996 mantuvo una relación afectiva con el jugador de fútbol americano Rohan Marley (hijo

de Bob Marley), aunque algunas publicaciones dicen que no se han llegado a casar y que él sigue casado con su primera esposa. La pareja tiene 6 hijos: Zion, Selah, Joshua, John y Sarah, a quienes ha dedicado varias canciones; el sexto hijo nació en julio de 2011, aún se desconoce su nombre y hay rumores de que Rohan Marley no es el padre. Lauryn Hill se separó definitivamente de Rohan Marley, y éste no reconoce a su último hijo. Actualmente, Rohan Marley tiene una relación con la modelo brasileña Isabeli Fontana, con la que se casará en Etiopía. El 6 de mayo de 2013 fue condenada a tres meses de cárcel, más

otros tres de arresto domiciliario, y un año de libertad condicional por evasión fiscal. Fue amiga de la infancia del actor Zach Braff. Desde 1996 mantuvo una relación afectiva con el jugador de fútbol americano Rohan Marley (hijo de Bob Marley), aunque algunas publicaciones dicen que no se han llegado a casar y que él sigue casado con su primera esposa. La pareja tiene 6 hijos: Zion, Selah, Joshua, John y Sarah, a quienes ha dedicado varias canciones; el sexto hijo nació en julio de 2011, aún se desconoce su nombre y hay rumores de que Rohan Marley no es el padre. Lauryn Hill se separó

The Miseducation of Lauryn Hill (1998) MTV Unplugged No. 2.0 (2002)

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Opiniones definitivamente de Rohan Marley, y éste no reconoce a su último hijo. Actualmente, Rohan Marley tiene una relación con la modelo brasileña Isabeli Fontana, con la que se casará en Etiopía. El 6 de mayo de 2013 fue condenada a tres meses de cárcel, más otros tres de arresto domiciliario, y un año de libertad condicional por evasión fiscal. Fue amiga de la infancia del actor Zach Braff.

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Una voz siempre dispuesta y combativa como es la de Ms. Lauryn Hill vuelve a dar la cara ante los disturbios raciales y revueltas de Ferguson provocadas por el trágico asesinato a manos de la policía del joven Michael Brown. La cantante siempre ha tenido muy en cuenta el acento político y activismo racial como punto esencial de su discurso y “Black Rage” llega en un momento realmente delicado: Hill lo presenta como “an old sketch of Black Rage, done in my living room”, convirtiendo el esquema básico del estándar “My Favourite Things” de John Coltra-

ne en una cruda, viva interpretación en contra de las injusticias que aún siguen cayendo sobre la comunidad afroamericana. “Con los acordes de Soul rebel de Bob Marley y sin la diva aún en el escenario arrancaba el concierto de clausura de la 21º edición del Rototom Sunspalsh, festival de reggae que tiene lugar durante una semana en Benicàssim y que en 2014 ha registrado 240.000 entradas, 30.000 de media por noche, siendo la más concurrida esta de clausura, con 35.000 asistentes”.

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Se elabora en un pequeña destilería alsaciana, una aldea entre las fronteras de Alemania, Francia y Suiza, utilizando la misma técnica que hace un siglo.

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