Libro de los 20 mejores fotógrafos de la historia- María Camila Herrera by enfasis

1. Henri Cartier-Bresso

11. Irving Penn

2. Steve McCurry

12. Diane Arbus

3. Annie Leibovitz

13. Alberto Korda

4. Steve McCurry

14. Mario Testino

5. Ansel Adams

15. Arnold Newman

6. Richard Avedon

16. Josef Koudelka

7. Robert Capa

17. Sally Mann

8. Helmut Newton

18. W. Eugene Smith

9. Robert Doisneau

19. Vivian Maier

10. Firmus Walter

20. Patrick Demarchelier

He decidido cambiar esa luz por palabras para obtener imágenes duraderas y fijarlas en la imaginación del lector. Cada poesía o narrativa es como una fotografía tomada a través de la percepción del escritor, desnudando, así, su alma, desglosando sus ideas, revelando sus gustos y deseos, descubriendo sus ideologías, sus temores, sus debilidades y sus fuerzas. El lector toma esa creación literaria y la enfoca desde su lectura, desde otra óptica, quizás similar, quizás diferente, ajustando el zoom, dándole sus propios tonos, unas veces en blanco y negro, otras en color, y encuadrándolo desde donde él lo cree necesario, empleando diferentes distancias focales, formando una imagen a su medida, un daguerrotipo personal.

Es imposible elegir sólo algunos nombres para componer un artículo cuyo título tiene tanta importancia. Entre los cientos de fotógrafos con su nombre grabado en la historia del mundo de la fotografía, compartimos contigo una selección de 20 de ellos.

“Tus primeras 10.000 fotos serán tus peores fotos”

enri Cartier-Bresson Nacido en Chanteloup (Francia) el año 1908 en una familia de clase media. Siendo todavía un niño ya se siente atraído por la fotografía. Estudia pintura y literatura en Cambridge, pero hasta 1931 no empieza como fotógrafo. Sus primeras experiencias con la fotografía empezaron con una cámara Kodak Box Brownie. En 1932 adquiere su “maravillosa” Leica: el formato de 35 mm llega a sorprenderle y fascinarle. Henri llegó a cubrir de negro las partes niqueladas de su cámara para pasar inadvertido. Se encontraba muy atraído por imágenes de fotografía de carácter deportivo, publicadas en aquel entonces por revistas francesas y alemanas de los años 30. Fue uno de los padres del fotorreportaje y junto a Robert Capa fue también el cofundador de la agencia Magnum Photos.

Poseía una gran capacidad única para capturar el momento efímero en que la importancia del tema se da a conocer en la forma, el contenido y la expresión. Lo llamó el instante decisivo. Referente a su técnica jamás recortó los negativos, se positivaban completos, sin encuadrar ni cortar nada. Realizó fotografías en prácticamente todo el mundo y fue el primer fotógrafo en exhibir en el museo del Louvre, en París. Publicó numerosos libros, es de destacar el publicado en los años 50 titulado “Images a la sauvette” que es todo un legado y compendio del significado, técnica y utilidad fotográfica. En el año 1974, decide dar un cambio a su carrera como fotógrafo para volver a la pintura, su verdadera vocación desde la infancia. En sus últimos años de vida, crea junto a su mujer la Fundación Henri Cartier-Bresson, en la que recopila toda la obra que realizó en vida.

El padre de la fotografía, Joseph Niépce la bautizó inicialmente con el nombre de “heliografía”.

â&#x20AC;&#x153;No es fotografo el que hace la foto, sino la persona que es fotografiadaâ&#x20AC;?

ebastião Salgado es un fotógrafo sociodocumental y fotorreportero brasileño nacido el 8 de febrero de 19441 2 en Aymorés (Minas Gerais). Salgado ha viajado a más de 100 países por sus proyectos fotográficos. La mayor parte de éstos han aparecido en numerosas publicaciones y libros. Exhibiciones itinerantes de su trabajo han sido mostradas en todo el mundo. El galerista Hal Gould considera a Salgado el mejor fotógrafo de los comienzos del siglo XXI. Ha recibido numerosos premios internacionales, entre otros en 1998 el Premio Príncipe de Asturias Estudió economía en la Universidad de São Paulo y en la Universidad de Venderbit (EUA). En 1968 logró el máster en economía. Entre los años 1969 y 1971 viajó a París en donde obtuvo el doctorado en la Escuela Nacional de Estadística Económi-

ca.Trabajó en la administración de la OIC (Organización Internacional del Café) hasta 1973, cuando decide dedicarse a la fotografía, terreno al que llega relativamente tarde y de modo autodidacta. En su carrera como fotógrafo comenzó trabajando para la agencia Gamma con sede en París para, luego, en 1979 unirse a Magnum Photos. En 1994 dejó Magnum para formar su propia agencia Amazonas Images en París y representar así su obra.

mana. Más allá de las diferencias de color, de lenguaje, de cultura y posibilidades, los sentimientos y reacciones de cada individuo son idénticos.” En 2001 llegó a ser nominado representante especial de UNICEF por su labor. Trabaja en proyectos propios de larga duración, algunos de los cuales han sido publicados en libros como Otras Américas o Éxodos. Sus fotografías más conocidas podrían ser las realizadas en las minas de oro de Serra Pelada en Brasil. Suele fotografiar en blanco y negro con Leica

Salgado pertenece a la tradición de la fotografía sociodocumental. Destaca en su obra la documentación del trabajo de personas en países menos desarrollados o en situación de pobreza. En la introducción La primera fotografía conservada hasta a Éxodos dice: “Más el momento se trata de una toma reaque nunca, siento que lizada en 1827 con una cámara oscura solo hay una raza hu- realizada por Joseph Niépce, inventor

francés que vivió entre los años 1765 y 1833.

“Estoy más interesada en ser buena que ser famosa”

ació el 2 de octubre de 1949 en Waterbury, Connecticut. Tercera hija del matrimonio judío compuesto por Samuel Leibovitz, Teniente Coronel de las Fuerzas Armadas, y Marilyn Heit Leibovitz, maestra de danza. Considerada como la fotógrafa viva más importante del momento y la mejor pagada, a lo largo de su carrera retrató a mitos como Mick Jagger, Michael Jackson o Bob Dylan, con los que realizó algunas de sus portadas para revistas emblemáticas, convenció a Demi Moore para que posara desnuda y embarazada de siete meses y metió a Whoopi Goldberg en una bañera llena de leche, dejando ver sólo su rostro y sus extremidades. Cuando estudiaba en secundaria comenzó a escribir y a tocar música. En 1967 entró en el Instituto de Arte de San Francisco. Se interesó por la fotografía practicando en un cuarto oscuro de la base aérea Clark, en Filipinas, donde su padre estuvo destinado durante la Guerra de Vietnam. En 1969

pasó una temporada en un kibutz israelí. En 1971 recibió la licenciatura en Bellas Artes por el Instituto de Arte de San Francisco. Trabaja con el fotógrafo estadounidense Ralph Gibson y se presenta para trabajar en la revista Rolling Stone siendo contratada por Jann Wenner. Dos años después es ascendida a fotógrafa jefe, cargo que ocupó durante diez años en los que realizó ciento cuarenta y dos portadas para la revista. En 1975 documenta la gira musical Rolling Stones Tour of the Americas ‘75 que la banda británica realizó por Estados Unidos y Canadá.

El primer daguerrotipo fue tomado por Louis-JacquesMandé Daguerre, 1837

“Si sabes esperar la gente se olvidará de tu cámara y entonces su alma saldrá a la luz”

teve McCurry, reconocido universalmente como uno de los mejores creadores de imágenes de hoy en día, ha ganado muchos de los premios más importantes de fotografía. Conocido principalmente por su evocadora fotografía en color, McCurry, inserto en la mejor tradición documental, captura en sus imágenes la esencia de la lucha humana y la alegría. Miembro de Magnum Photos desde 1986, McCurry ha buscado y ha encontrado lo inolvidable, muchas de sus imágenes se han convertido en iconos modernos. Nacido en Filadelfia, McCurry se graduó cum laude en la Facultad de Artes y Arquitectura de la Universidad Estatal de Pensilvania. Después de trabajar en un periódico durante dos años, se fue a la India como trabajador independiente. Fue allí donde McCurry aprendió a mirar y a esperar en la vida. “Si se espera,” se dio cuenta, “la gente se olvida de mi cámara y su alma sale a relucir a la vista.” La carrera de McCurry se inició cuando, disfrazado con ropas nativas, cruzó la frontera entre Pa-

kistán y Afganistán, controladas por los rebeldes poco antes de la invasión rusa. Cuando regresó, lo hizo con rollos de película cosidos en sus ropas; las imágenes que se publicaron en todo el mundo fueron las primeras en mostrar el conflicto. Su cobertura obtuvo la “Medalla de Oro Robert Capa” al mejor reportaje fotográfico en el extranjero, un premio dedicado a fotógrafos que han mostrado su excepcional coraje y entereza. Ha sido también ganador de numerosos premios, entre ellos “Fotógrafo de Revista del Año”, otorgado por la Asociación de Fotógrafos de Prensa Nacional, o cuatro primeros premios en el Concurso World Press Photo. Ha ganado también, en dos ocasiones, el Premio “Memorial Olivier Rebbot”. Su trabajo ha aparecido en la mayoría de las revistas más importantes del mundo y con frecuencia aparece en la revista National Geographic con artículos recientes sobre el Tíbet, Afganistán, Irak, Yemen y los templos de Angkor Wat,

Camboya. McCurry se siente impulsado por una curiosidad innata y por un sentido de la maravilla del mundo y de todos sus ocupantes. Tiene una extraña habilidad para cruzar las fronteras de la lengua y la cultura y capturar historias de la experiencia humana. “La mayoría de mis imágenes se basan en las personas. Busco el momento de descuido, cuando el alma aflora, cuando sale a relucir la experiencia grabada en el rostro de una persona. Busco el momento de descuido, cuando el alma aflora, cuando sale a relucir la experiencia grabada en el rostro de una persona. Trato de transmitir lo que supone ser esa persona, una persona atrapada en un paisaje más amplio, que podríamos llamar la condición humana”.

La primera fotografía submarina fue tomada por William Thompson en 1856

“No tomas una fotografía, tú la haces.”

onocido por sus fotografías en blanco y negro de paisajes del parque nacional Yosemite en Estados Unidos (entre otros paisajes) y como autor de numerosos libros sobre fotografía como su trilogía de manuales de instrucción técnica (La Cámara, El Negativo y La Copia). Fundó la asociación fotográfica Grupo f/64 junto con otros maestros como Edward Weston, Willard Van Dyke, Imogen Cunningham y otros. Su sistema de zonas es una demostración de cómo la cámara o el fotómetro (o exposímetro) de la misma mide el gris medio de 18% de reflectancia como zona media. El fotógrafo debe aumentar la exposición (o disminuirla) dependiendo de cuántos pasos de gris quiera fijar como punto de medición. El fotómetro de cualquier cámara, incluso digital, siempre “quiere” ver la zona medida como un gris medio. Ansel Easton Adams nació el 20 de febrero de 1902 en San Francisco,

California. Fue considerado fotógrafo y ecologista.Captó el blanco y negro en la majestuosidad de la naturaleza En los años 30s desarrollo el Sistema de Zonas, Cuando Adams tan solo tenía 4 años, estuvo presente en el terremoto de San Francisco de 1906, donde sufrió una rotura de tabique nasal. Hijo único de Charles Hitchcock Adams y Olive Bray, creció en un ambiente Victoriano (social y conservador). Pese a ser inteligente, era muy tímido, lo que, unido a la dislexia que padecía, le causó ciertos problemas al intentar integrarse en la escuela. Ansel Adams luchó durante toda su vida por defender y proteger la naturaleza. Estudió piano durante varios años, lo que le dio disciplina y estructura. Se inició en la fotografía utilizando una cámara Kodak #1 Box Brownie que le dieron sus padres. Se unió a un club donde conoció a su esposa, Virginia Best, y se casaron en 1928, engendrando a 2 hijos.

El primer libro ilustrado con fotografías se tituló “Pencil of Nature” Fue publicado en Londres entre 1844 y 1846

“A través de mis fotografía puedo hablar de manera más intrincada y profunda que a través de las palabra.”

ablar de Richard Avedon podría significar, irremediablemente, hablar de la fotografía de moda actual. Y es que, la fotografía de moda actual es algo que le debe mucho a este hombre neoyorkino que, un día decidió poner a las modelos, y a la moda, “patas arriba”. Richard Avedon nació en Nueva York en 1923. Es uno de los fotógrafos de moda más influyentes del siglo, que trabajó para publicaciones de tanto prestigio y éxito como Vogue, Life o Harper’s Bazaar. Su fotografía hizo cambiar gran parte del panorama fotográfico e incluso influyó de gran forma en la creación de nuevas colecciones de moda al poder fotografiarse y verse a las personas de una manera muy “distinta”. Todo ello, unido a ser un gran retratista, fueron facetas que le

encumbrarían como un grandísimo fotógrafo y mito en la fotografía. Los primeros acercamientos de Avedon al mundo de la moda, y la fotografía, datan de cuando aún era niño. Su madre era aficionada a la fotografía; la prácticaba como hobbie al igual que la coleccionaba. Mientras, su padre trabajaba como dueño de una tienda de ropa.

de Photographer’s Mate Second Class realizando cerca de mil retratos. A su vuelta, en 1944 estuvo estudiando en el laboratorio del New School con Alexey Brodovitch. Tras su paso por el laboratorio, en el que Brodovitch daba clases, este joven Avedon pasó a engrosar las filas de la revista Harper’s Bazaar. Magazine en el que Brodovitch era director de arte. En poco tiempo pasó a ser director de fotografía de la revista y un peso pesado de la misma. Y es entonces cuando llegó la revolución.

Con doce años pasó a formar parte del YMHA Camera Club con su una mítica Kodak Box Brownie. Años después su padre le regaló una Rolleiflex como despedida cuando decidió unirse a la marina. Fue admitido y se le comisionó para hacer las fotoLa primera fotografía con color grafías de identificación de todo el perpermanente fue tomada en 1861 sonal en su carácter

por el físico escocés James Clerk Maxwell

““Cuando las palabras se vuelven claras, me centraré en las fotografías. Cuando las imágenes se vuelven inadecuadas, me contentaré con el silencio.”

obert Capa es el seudónimo de Endré Frieddman. Nació en Budapest, Hungría, en 1913. Pronto emigró a Berlín por sus ideas de izquierdas. Allí comenzó a trabajar en la agencia de noticias Dephot. En 1933 emigra a París, huyendo de Hitler. Es allí donde conoce a sus futuros socios de la agencia Magnum, Henri Cartier-Bresson y David Saymour “Chim”. Con ellos comienza a fotografiar las revueltas provocadas por el Frente Popular. En París conoce también a la fotógrafa Gertha Pohorylle, que era una joven refugiada de la Alemania nazi. Pronto se convirtió en su pareja y lo acompañó a multitud de viajes. Adoptó el seudónimo de Gerda Taro y se cree que fue ella quien bautizó a Endré con el nombre de Robert Capa. Gerda murió en Brunete en 1937 atropellada por un tanque. Robert Capa es mundialmente

conocido por sus fotografías de guerra. Una de sus imágenes más famosas la tomó en Córdoba durante la Guerra Civil Española y se llama “Muerte de un miliciano”. También acompañó al ejército aliado de EEUU en la II Guerra Mundial. Esto le dio oportunidad de sacar fotografías tan impactantes como las del Desembarco de Normandía en 1944. Viajó por todo el mundo buscando las mejores instantáneas para su cámara. Esto le llevó a México, Italia, Francia, Japón, Indochina, Vietnam, Inglaterra o al norte de África. Cuando Capa no estaba fotografiando alguna guerra le gustaba codearse con la alta sociedad y los artistas del momento. Así conoció y retrató a personajes como Pablo Picasso, Ernest Hemingway, Ingrid Bergman, o Gary Cooper. Irwin Shaw afirmaba con ironía que el código de conducta de Capa era “ser jovial”,.

Allan Pinkerton, tras mudarse a Estados Unidos se convirtiĂł en el primer detective de Chicago, puso en prĂĄctica la fotografĂa criminal para reconocer a los delincuentes

“La fotografía de moda perfecta es aquella que no se parece a una fotografía de moda. Se parece más a una película, a un retrato editorial o quizás a las fotos de los paparazzi.”

l exilio dio a Helmut Newton la primera oportunidad profesional de trabajar como fotógrafo. De aquellos últimos años del 30 huyendo del exterminio de los judíos por parte de los nazi al 23 de enero de 2004, día en el que muere en un trágico accidente de tráfico. Aquel desconocido fotógrafo joven entremedias llegó a convertirse en una auténtica leyenda. Una leyenda tanto del mundo de la moda como de la fotografía en general. Helmut Newton comenzó en la fotografía siendo un niño, por entonces Helmut Neustädter. A sus 12 años compró su primera cámara gracia a sus ahorros. Cuatro años más tarde su cámara AGFA Tengor Box y él se convertirían en los aprendices de la fotógrafa Yva, de quien aprendería el dominio del retrato y de los desnudos en blanco y negro. La obra de Yva, conocida como Else Ernestien Neuländer-Simon, es fundamental para en-

tender el rumbo que toma el hijo de un fabricante de botones que no entendía la visión artística de su hijo, intentando mediante su educación en el colegio estadounidense de Berlín que este viese que lo más saludable sería continuar su negocio de botones, el cual perdió debido a los nazis.

25 años (1925). Ni siquiera el matrimonio con Alfred Simon logró que su origen judío no le causase la muerte años más tarde. En 1938 tuvo que cerrar definitivamente su estudio para convertirse en técnica en radiología. En ese mismo año Helmut Newton cogía sus dos cámaras y partía a Singapur para huir de los nazis. Sus padres lo habían hecho poco antes hacia Suramérica.

Con Yva, quien no correría tanta suerte como parte de la familia En 1948 Helmut Newton seguía de Newton que huyó mientras dando tumbos. Tras su paso poco ella murió después en el camexitoso por el periódico de Sinpo de exterminio de Sobibor en gapur, en el cual solo estuvo dos 1942, el joven fotógrafo disfrutó meses antes de que le despidiedurante dos años de abundantes sen, llegó a Australia donde tras trabajos con la mujer como cenun tiempo en un campo de intro de las miradas. Ya había una ternamiento por su nacionalidad gran carga de sensualidad por aquel entonces. Hablamos de los años 30 y de fotografías en las que dos piernas podían atraer más que cinco Playboys de hoy. Por no hablar de esas “El valle de la sombra de la Muerte”, manos que vemos. 1920. 1855. Roger Fenton. Foto del campo Yva fue una avanzada a su época, hija de un modista y comerciante. Con estudio propio a los

de batalla una vez que la lucha hubo terminado, en la guerra de Crimea y es considerada la primera fotografía de fotoperiodismo

“Describir es destruir, sugerir es crear”

a escuela de la calle le enseñó a Robert Doisneau que París es un gran teatro que fotografiar lleno de historias y personajes. Contemporáneo y amigo de Picasso, Kertész, Cartier-Bresson o del poeta Jacques Prevert entre otros muchos, compartió con todos ellos la inquietud y la fascinación en buscar historias en los suburbios de la ciudad del amor.

continúo esperando”. Esta es una de las citas célebres del fotógrafo, un profesional de la imagen que esperaba al momento adecuado paseando por su París natal con una Rolleiflex. Con un planteamiento muy acorde a Cartier-Bresson y su ‘momento decisivo’, ambos trabajaron juntos tras la liberación de París en la agencia ADEP en 1945 gracias al extenso reportaje que Doisneau realizó durante la ocupación nazi.

Niños, adultos o artistas callejeros eran habituales protagonistas de sus imágenes. “Gestor normales de gente normal en situaciones normales” es una frase con la que Doisneau describe su trabajo. Sintió la picadura de la fotografía trabajando como ayudante en el Atelier Ullmann, y con el paso de los años se convirtió en una figura de la fotografía humanista con icónicas imágenes cargadas de humor y optimismo que leídas entre líneas descubren la crudeza del mundo.

A pesar de que las imágenes de Doisneau muestren una deliciosa complicidad entre el fotógrafo y los protagonistas, lo cierto es que comenzó tomando fotografías distantes debido a su timidez. Una de sus primeras imágenes de las que se tiene constancia es de una pared repleta de carteles deteriorados en 1930. Su batalla interna entre el retrato humanista y su timidez se solucionó rápido, y a los pocos años fotografiaba a los habitantes de París desde las distancias. “Al final, las limitaciones tampoco son algo malo.

“París es un teatro en el que se paga asiento con el tiempo perdido. Y yo

La primera fotografĂa en la que sale un ser humano fue tomada por Louis Daguerre en 1838. La imagen se titula Boulevard du Temple

“Es imposible elegir sólo algunos nombres para componer un artículo cuyo título tiene tanta importancia.”

obert Doisneau ( abril 14, 1912-abril 1, 1994 ) fue un famoso fotógrafo nacido en la ciudad de Gentilly, Val-deMarne, Francia. Él era un apasionado de la fotografía de calle y la vida social registrada de la gente que vivía en París y sus alrededores. pasó una temporada en un kibutz israelí. En 1971 recibió la licenciatura en Bellas Artes por el Instituto de Arte de San Francisco. Trabaja con el fotógrafo estadounidense Ralph Gibson y se presenta para trabajar en la revista Rolling Stone siendo contratada por Jann Wenner.

Dos años después es ascendida a fotógrafa jefe, cargo que ocupó durante diez años en los que realizó ciento cuarenta y dos portadas para la revista. En 1975 documenta la gira musical Rolling Stones Tour of the Americas ‘75 que la banda británica realizó por Estados Unidos y Canadá.

“Usted aprieta el botón, nosotros hacemos el resto”. Fue el eslogan con el que se puso a la venta la primera cámara de fotos “popular”.

“Una buena fotografía es aquella que comunica un hecho, toca el corazón, deja al espectador con un cambio interno por el solo hecho de haberla visto, en una palabra una buena fotografía debe ser efectiva”

rving Penn (Plainfield, Nueva Jersey, 16 de junio de 1917 - Nueva York, Nueva York, 7 de octubre de 20091 ) fue un fotógrafo de modas y de retratos estadounidense. Estudió diseño en la Escuela de Artes Industriales del Museo de Filadelfia, de la cual egresó en 1938. Su profesor fue el fotógrafo Alexey Brodovitch, quien más tarde sería su colega en la revista Harper’s Bazaar. Luego viajó a México, donde se dedicó a la pintura durante un año. Sus dibujos fueron publicados en Harper’s Bazaar. Su primera labor en la revista Vogue fue como ayudante del artista Alexander Liberman. En 1943, comenzó a trabajar como diseñador de portadas. Después de la Segunda Guerra Mundial, Penn adquirió fama por sus elegantes y glamorosos retratos femeninos publicados en Vogue.

En sus fotografías, el sujeto solía posar ante un sencillo fondo blanco o gris, usando la simplicidad más efectivamente que otros fotógrafos de la época. En 1950, se casó con la modelo Lisa Fonssagrives, con quien tuvo un hijo llamado Tom. Tres años después, fundó su estudio fotográfico. Quedó viudo en 1992, cuando Fonssagrives tenía 80 años. Recibió el premio Hasselblad en 1985, y dos años más tarde fue galardonado con el Premio de Cultura de la Asociación Alemana de Fotografía. Publicó diversos libros, incluyendo The astronomers plan a voyage to Earth (1999) y Photographs of Dahomey (2004), además de exhibiciones de su obra. Falleció el 7 de octubre de 2009 en su casa de Manhattan a los 92 años.

Robert Capa fue el fot贸grafo de guerra m谩s famoso del siglo XX

“Una fotografía es un secreto sobre un secreto. Más le dice que menos usted sabe”

iane Arbus (Nueva York, 14 de marzo de 1923 - Greenwich, Nueva York, 26 de julio de 1971) fue una fotógrafa estadounidense. Diane Nemerov nace en el seno de una adinerada familia judía de Nueva York. Es hermana del poeta Howard Nemerov. A los 14 años comienza su relación con Allan Arbus, con quien se casa cumplidos los 18 años. En los años cuarenta, el matrimonio se dedica a la fotografía de modas en revistas como Esquire, Vogue y Harper’s Bazaar. De 1955 a 1957, Diane Arbus toma clases con la fotógrafa austríaca Lisette Model, quien ejerce una gran influencia. En esa época, también, se divorcia de Allan. La década del sesenta fue la más productiva. Recorre los peligrosos barrios de Nueva York para seleccionar a los personajes que retrata, entre los que se encuentran enanos, nudistas y prostitutas. En 1967 realiza la exposición «New Documents», que

la da a conocer al público mayoritario. Continúa trabajando para revistas importantes retratando a celebridades como Norman Mailer, Mae West y Jorge Luis Borges. En 1971, después de una larga depresión, Diane Arbus se suicida. Un año más tarde su trabajo es seleccionado para participar en la Bienal de Venecia, siendo la primera fotógrafa estadounidense en ser seleccionada, y el MoMA de Nueva York organiza su primera gran retrospectiva. Influenciada por Model y la película Freaks (La parada de los monstruos o Fenómenos, en castellano) de Tod Browning, Diane Arbus eligió a personas marginales para sus fotografías: gemelos, enfermos mentales, gigantes, familias disfuncionales, fenómenos de circo, etc. Los personajes miraban directamente a la cámara, lo que hace que el flash revele sus defectos. Su intención era producir en el espectador “temor y vergüenza”. Fue pionera del flash de relleno (flash

de día). La fotografía de Diane representa lo normal como monstruoso: cuando fotografía el dolor, lo encuentra en personas normales. Provoca que la gente presuntamente normal aparezca como anormal. Rompe la composición, sitúa al personaje en el centro. Su mirada siempre es directa, con tensión y fuerza. Arbus experimentó desórdenes emocionales y episodios depresivos durante su vida similares a los que experimentó su madre, pudiendo haber sido empeorados éstos por la hepatitis. En 1968, Arbus escribió “yo subo y bajo mucho,” y su marido notó que ella sufría cambios emocionales violentos.

La primera cámara fue la creada por Joseph-Nicéphore Niépce en 1826, utilizando una cámara hecha de madera fabricada por Charles y Vincent Chevalier en París

“Todavía lo perdono, porque al hacer lo que hizo, lo hizo famoso.”

La primera cámara digital se creó en 1975, aunque los sensores digitales habían estado siendo probados desde años antes

“La única manera de llegar alto es sabiendo quién eres tú. Solo así sabrás lo que quieres”

acido en el seno de una familia de clase alta, sus padres fueron Teresa Silva y Mario Testino. Estudió primaria en el Colegio Inmaculado Corazón y secundaria en el Colegio Santa María Marianistas. Ingresó a la Universidad del Pacífico para estudiar Economía, luego a la Pontificia Universidad Católica del Perú a estudiar Derecho, y posteriormente a la Universidad de San Diego, California, donde estudió Relaciones Internacionales. En 1976 se mudó a Londres, Inglaterra, luego de ocupar un piso en Chelsea, alquiló una habitación en el abandonado Charing Cross Hospital. En esta ciudad es donde comenzó a aprender sobre fotografía. Su carrera en el mundo de la moda tuvo comienzos humildes: vendía portafolios a aspirantes a modelo por la suma de 25 libras esterlinas, incluyendo maquillaje y peluquería. En la actualidad goza de un gran éxito y su trabajo es reconoci-

do a nivel mundial por sus audaces fotografías de moda e imaginativas campañas publicitarias. Muchas revistas de moda, como Vogue o Vanity Fair, han solicitado sus servicios para adornar sus páginas. Frente al lente de Testino han posado muchas celebridades y modelos famosas, incluyendo: Taylor Swift, Lily Aldridge , Lady Gaga, Rihanna, Miley Cyrus, Gisele Bündchen, Coco Rocha, Candice Swanepoel, Kate Winslet, Kim Basinger, Jennifer Lopez, Naomi Campbell, Christina Aguilera, Cameron Diaz, Elizabeth Hurley, Janet Jackson, Nicole Kidman, Britney Spears, Keira Knightley, Lindsay Lohan, Madonna, Kate Moss, Gwyneth Paltrow, Julia Roberts, Meg Ryan, Robert Downey Jr., Selena Gomez y Catherine Zeta-Jones. Patrick Dempsey, Emma Watson, Cristiano Ronaldo, Irina Shayk,un photoshoot en Francia a la actriz Kristen Stewart y un photoshoot a Nick Jonas, entre otros. Además, Testino es conocido por ser fotógrafo de parte de la realeza europea, especialmente la británica.

El primer libro ilustrado La primera fotografía de España, data del año 1848 y se tomó en la Plaza de la Constitución de Barcelona, con el procedimiento del daguerrotipo

“Muchos fotógrafos piensan que si compran una cámara fotográfica mejor podrán tomar fotografías mejores. Una cámara fotográfica mejor no hará nada si no tienes la idea en tu cabeza o en tu corazón”

rnold Newman está considerado como uno de los grandes retratistas en el campo de la fotografía. Nacido en 1918 en la ciudad de Nueva York, por su cámara pasaron las más importantes personalidades de la sociedad americana y del mundo entre políticos, actores, escritores y artistas. Y, si hoy le traemos a nuestro directorio de fotógrafos, es por su peculiar forma de acercarse a sus famosos retratados. El entorno ha de contribuir a la composición y a la comprensión de la persona. No importa el tema, tiene que ser una fotografía interesante. Hacer solamente el retrato de una persona famosa no significa nada. Gracias a esta cita es donde se pone interesante conocer a este autor. Lo cierto es que a veces todo fluye alrededor, haciendo que conectemos unos temas con otros de la mane-

ra más natural. Anoche me quedé pensando, a raíz del post de Marilyn, sobre el valor que debería tener una fotografía hecha a un personaje importante. Sobre el hecho de que esa fotografía no transmita nada, simplemente se limite a encuadrar al retratado en cuestión. Arnold Newman tenía su propia receta para solucionar el problema del retrato interesante a un famoso. Para él era importante que el fotografíado apareciese en su entorno de trabajo. De este modo, gracias a los elementos de la escena, podía componer y darle su espacio. Le situaba y a la vez le daba un carácter narrativo a la escena. En su portfolio encontramos a Woody Allen retratado junto a sus guiones, a Igor Stravinsky junto a su piano de

cola, a Jackson Pollock en su estudio y a J. F. Kennedy en la Casa Blanca entre otras personalidades. Quizá a día de hoy, habituados a descontextualizar todo, este tipo de retratos no esté dentro del ideal al que nos hemos acostumbrado. No obstante seguimos encontrando fotografías de este tipo en las revistas dominicales. Pero, ¿nos resultan desfasadas? Y aquí es donde entra en juego la mirada del fotógrafo. Si echáis un vistazo a las fotografías de Newman, veréis cómo son de todo menos desfasadas.

La primera fotografía de Nueva York, es una imagen de Broadway en 1848

“Tengo que usar tres carretes cada día, aún cuando no “fotografío”, con el objeto de mantener el ojo prácticando”

osef Koudelka, nacido en Moravia, hizo sus primeras fotografías mientras era estudiante en la década de 1950. Casi al mismo tiempo que él comenzó su carrera como ingeniero aeronáutico en 1961 él también comenzó a fotografiar gitanos en Checoslovaquia y, también, en el teatro en Praga, el Teatro Za Branou, y así, entre gente, tablas y decorados comenzó a experimentar con la acción dramática. Esa afición se volvió un trabajo a tiempo completo en 1967, abandonando aquellos estudios de ingeniería. Al año siguiente, Koudelka fotografió la invasión soviética de Praga, publicando sus fotografías bajo las iniciales P. P. (que significaba “Fotógrafo de Praga “). Y lo hizo de esa manera por temor a represalias hacia él y su familia. Con estos estas pinceladas primeras parece claro que Josef Koudelka podríamos encajarlo entre el Fotoperiodismo y la Fotografía documental, aunque resulta complicado decirlo que un fotógrafo del cual se dice

que nunca aceptó un encargo. el Premio de la fundación HasKoudelka mostró en aquellos selblad Internacional de Fotograaños 60, que la comunidad gitana fía (1992), entre otros muchos. Europea eran claramente margiHa realizado exposiciones muy nados, apartados y silenciados. importantes de su trabajo en el Poco después de jugarse la vida Museo de Arte Moderno y el Cenen cada fotografía, su trabajo fue tro Internacional de Fotografía de ampliamente reconocido en los Nueva York; la Hayward Gallery, años siguientes. En 1969, fue gaLondres; el Museo Stedelijk de lardonado anónimamente con Arte Moderno de Amsterdam; o el la Medalla de Oro Robert Capa Palais de Tokio, París, entre otros. por esas fotografías de 1968. Poco antes de la Primavera de PraKoudelka dejó Checoslovaquia ga Koudelka comenzó a mostrar y pidió asilo político en 1970 en los entresijos de la comunidad Estados Unidos. Poco después gitana de Praga. Unas vidas que se incorporó a la agencia Magplasmaría, también, en magníficos num. En 1975, llevó a cabo la pulibros años después - su amigo y, blicación de sus primeros libros también, editor Robert Delpire losobre el pueblo gitano y, algo gró plasmar esta condición de viamás en 1988, sobre los exiliados. jero eterno en la colección Exilios. A modo de curiosidad, desde 1986, ha trabajado con una cámara panorámica y publicado una recopiLa primera fotografía de la tierra lación de estas fotografías vista desde el espacio, tomada por un en su libro Caos en 1999. cohete, fue tomada el 24 de octubre de Ha ganado importantes 1946 a una altitud de 104 Km sobre la premios como el Premio Nadar (1978), Premio Nasuperficie terrestre cional de la Fotografía en EE.UU (1989), un Premio Cartier-Bresson (1991) o

“No hay nada peor que la imagen nítida de un concepto difuso”

ally Mann es una fotógrafa estadounidense nacida el 1 de mayo de 1951 en Lexington (Virginia), donde aún vive con su esposo Larry, abogado de profesión, con quién tuvo tres hijos: Jessie, Emmett y Virginia, protagonistas de algunos de sus mejores retratos. Estudió fotografía en la Praestegaard Film School (1971) y en la Aegeon School of Fine Arts (1972), entre otros, graduándose en 1974 en el Bennington College. Su trabajo ha llamado la atención no solamente por sus cualidades técnicas sino también por algunas controversias desatadas por grupos radicales, al final de la década de 1990, de cristianos conservadores de su país los cuales protestaron contra la fotógrafa, David Hamilton y Jock Sturges acusándoles de crear pornografía. Entre otras instituciones el Museo Metropolitano de Nueva York y la colección Corcoran1 poseen obra entre sus fondos. En julio de 2001 Sally Mann recibió de la revista Time el premio a la Mejor fotógrafa norteamericana.

Muchas de las obras de Sally Mann son realizadas en espacios muy íntimos, y puede verse reflejado en sus fotos, como por ejemplo en ‘’Proud Flesh’’ una serie de fotografías de su marido, realizadas diariamente cuando este volvía de su trabajo, o en “Immediate Family”, una obra concentrada en fotos de sus hijos, todas ellas reflejan un cándido entorno de familia, en ocasiones desconcertantes (por la libertad de sus hijos frente a la cámara) que luego en obras posteriores, comenzó a transformarse para terminar mostrando un mundo mucha más interior y en ocasiones, provocador.

La primera fotografía desde el espacio, tomada por un astronauta, Guerman Titov , el segundo hombre en el espacio

“La pasión está presente en todas las grandes búsquedas y es necesaria para cualquier actividad creativa”

illiam Eugene Smith, reportero fotográfico estadounidense, nació en Wichita, Kansas en 1918 y falleció en Tucson Arizona, en 1978. Smith se graduó en la Alta Escuela del Norte de Wichita, en 1936. Empezó su carrera realizando fotografías para dos periódicos locales, “The Eagle” y “The Beacon”.

denses, realizando las fotografías de la ofensiva estadounidense contra Japón y tomando fotos de los marines estadounidenses y de los prisioneros de guerra japoneses en Saipán, Guam, Iwo Jima y Okinawa.

Se mudó a New York y comenzó a trabajar para el Newsweek y comenzó a ser conocido por su incesante perfeccionismo y su personalidad. Eugene Smith salió de Newsweek por negarse a usar cámaras de formato medio, uniéndose a la revista Life en 1939.

En Okinawa, Smith fue herido por un mortero. Una vez recuperado, y profundamente desilusionado de la fotografía de guerra Smith continuó su labor en Life y perfeccionó el ensayo fotográfico, desde 1947 hasta 1954. En 1950, viaja hasta el Reino Unido para cubrir las elecciones generales, en las cuales sale victorioso Clement Attlee, del Partido Laborista. La editorial de la revista Life se mostraba en contra de un gobierno laborista, pero los ensayos de Smith sobre Attlee eran muy positivos.

Pronto dimitió de su puesto en la revista Life y fue herido en 1942 mientras simulaba una pelea para la revista Parade. Trabajó como corresponsal para la publicación Ziff-Davis, y de nuevo para la revista Life; Smith fotografió la Segunda Guerra Mundial desde las fronteras de las islas estadouni-

Finalmente, un número limitado de fotografías de Smith de la clase obrera británica fue publicada en Life. En la década de los 50 se une a la Agencia Magnum. Smith se volvió a separar de Life porque la revista había usado sus fotos sobre Albert

Schweitzer. Empezó un proyecto documental sobre Pittsburgh, donde profundiza su metodología de trabajo de profunda implicación con el objeto de su documentación. El proyecto sobre Pittsburgh, encargo recibido de la Agencia Magnum, debía realizarse en 3 semanas y Smith lo extiende por un año, sin quedar nunca conforme con los resultados y la selección que finalmente publica Magnum. Son muy conocidas las disputas que Smith sostiene con los editores fotográficos con los que tiene que trabajar, y es el primer fotógrafo que abre la discusión sobre la importancia de la participación del autor de las fotografías

La cámara fotográfica más grande del mundo. Se construyo en los Estados Unidos en el año 1900, y su peso era de 634 kilos. El tamaño de las placas de cristal eran de 150 X 240 cm.

“Yo no escribí las reglas, ¿por qué tendría que seguirlas?”

ivian Maier (Nueva York, 1 de febrero de 1926 - Chicago, 21 de abril de 2009)1 fue una fotógrafa estadounidense aficionada que trabajó como niñera en Chicago durante cuatro décadas. Sus padres, refugiados judíos, fueron la francesa Maria Jaussaud y el austríaco Charles Maier. Pasó su infancia entre Francia y Estados Unidos. Hacia 1930, fue abandonada por su padre. Junto a su madre convivieron una temporada con una pionera de la fotografía, la surrealista Jeanne J. Bertrand; es posible que ahí naciera su interés y su vocación.2 Maier no revelaba muchos de sus carretes porque no se lo podía permitir. Solo tomaba fotos sin descanso y sin que pareciera importar el resultado final. También coleccionaba libros de arte y las esquelas de los periódicos. De una de ellas sacó el relato de una de sus películas en Super 8: la historia de una madre y un hijo asesinados. Maier fue con su cámara y rodó primero el supermercado

donde la madre trabajaba; luego, la casa donde vivía con el hijo, y así, uno a uno, todos los lugares en los que ellos habían estado. En una de las cintas que el coleccionista John Maloof encontró, Maier había filmado su idea del paso de la vida: John Maloof resume la descripción que hacían de ella algunas personas a las que cuidó cuando eran pequeñas: Era socialista, feminista, crítica de cine y campechana. Aprendió inglés yendo al teatro porque le encantaba. Solía llevar chaqueta de hombre, zapatos de hombre y un sombrero grande. Estaba tomando fotografías todo el tiempo y luego no se las enseñaba a nadie.4 Hacia el final de su vida, quedó sin vivienda pero los tres hijos Ginsberg a los que había cuidado de niños le pagaron el alquiler de un apartamento y cuidaron de ella hasta su fallecimiento en 2009.5 En diciembre de 2008, cuando caminaba sobre hielo, se cayó y golpeó en la cabeza.

La cámara más pequeña La empresa británica TDC presentó el OV6920 CameraChip™. Se suministra como un solo chip de 2.135 x 2.265 mm

La belleza está en el carácter de una persona. Se trata de tener una cara interesante y de lo que hay dentro. Cualquier persona puede hacer una buena foto”

atrick Demarchelier (El Havre, Francia, 21 de agosto de 1943) es un fotógrafo de modas francés. Demarchelier ha vivido en la ciudad de Nueva York desde 1975. Se casó con Mia, con quien tiene tres hijos.

cial de la princesa Diana, luego de retratarla por primera vez en 1989. Además, fue el primer fotógrafo extranjero en retratar a la Familia Real Británica. Entre los años 1992 y 2004, fue el fotógrafo principal de la revista Harper’s Bazaar.

Desde fines de los años 1970, sus fotografías han adornado la portada de importantes revistas de moda, incluyendo Vogue en sus ediciones francesa, británica y estadounidense.

Demarchelier fue el encargado de retratar a varias modelos para el calendario Pirelli en el 2005. Al año siguiente, fue mencionado en la película El diablo se viste de Prada. El 13 de octubre de 2010, el reality show America’s Next Top Model tuvo un episodio con su nombre y fue invitado especial como fotógrafo de la temporada .

También ha colaborado con las revistas Rolling Stone, Glamour, Life, Newsweek y Elle. Además de las editoriales, Demarchelier ha participado en diversas campañas publicitarias, como la del champú Farrah Fawcett en 1978 y la de la muñeca Brooke Shields en 1982. Además fue el fotógrafo principal El mayor coleccionista de cámaras del libro On your own, fotográficas. Dilish Parekh, de una guía de belleza diriBombai, posee una colección de gida a mujeres jóvenes es4.425 cámaras antiguas, reunidas crita también por Shields. Fue el fotógrafo ofidesde 1977.