Isla Descubierta #4

Hay quienes les interesa reducir la cultura a un bosque de piedra.

Diario de Avisos 09 de febrero de 2012

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El Ojo y el Microscopio

UN PASEO ENTRE LIBROS

Sintonía Sonora

PAISAJES Y HORIZONTES SONOROS

Camino a Hollywood

DIRECTORES DEL SUPLEMENTO

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Out-Tros

LA ESCENA ACTUAL EN 4 CIUDADES

Nómadas de Sillón

ENTREVISTA A FERNANDO TRUEBA

EL FUTURO ES DE LOS CURIOSOS

Imaginemos por un momento que estamos en Canarias...

COLABORADORES INTERNOS

Imaginemos, por un momento que la cultura es una gran factoría donde se envasan sardinas, constituida por una maquinaria muy sofisticada y unos mecanismos tan complejos, que es difícil conocer bien su funcionamiento y el papel que desempeña cada uno de sus trabajadores. En resumen, la cultura sería como una empresa que enlata y vende sardinas.

Imaginemos también, que los pescadores que cada mañana salen a la mar, enfrentándose a tempestades y a todo tipo de dificultades para pescar sardinas (materia prima necesaria para que la maquinaria siga funcionando), son los autónomos de la cultura. Personas que, a pesar de todos los inconvenientes, luchan día a día por ofrecer un trabajo digno y de calidad, desarrollando proyectos, creando trabajo, haciendo que la sociedad crezca, se enriquezca y dignifique.

Sigamos imaginando… Ahora vamos a pensar qué pasaría si la fábrica de enlatado de sardinas decidiera prescindir de los pescadores, con el pretexto de recortes económicos.

La flota pesquera permanecería amarrada en tierra, los pescadores y sus familiares se quedarían sin sustento, las sardinas dejarían de llegar a la fábrica, los operarios no tendrían trabajo, todo permanecería parado y ya no habría más latas de sardinas. Sin embargo, eso no es lo que ocurre, los pescadores son los únicos que se quedan sin trabajo, porque incomprensiblemente la industria no cierra, la luz permanece encendida y no se despide a ninguno de los trabajadores, éstos continúan cobrando sus sueldos, pero mirándose unos a otros sin saber muy bien qué hacer y consumiendo los recursos que quedan, sin producir nada.

Lina Díaz Cruz Guadalupe Muñoz Pino Mónica Navarro Herrera

Tarek Ode / David Olivera

Tarek Ode / David Olivera

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PUBLICA

Salir de la Nube

TODO UN MUNDO FUERA DE LA RED

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CANARIA DE AVISOS S.A.

Nest

SPINPARK. UN GRAN EJEMPLO A SEGUIR

Maldita Poesía

DIRECCIÓN DE ARTE Y DISEÑO

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Madagascar 1906

Santamanía

In-Tros

EMILIO ALFARO HARDISSON

IMPRONTAS DE EXPOSICIONES

Editorial Isla Descubierta

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LAS IDENTIDADES SE DISFRAZAN

EDITA Y PRODUCE

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TEA

UN ARCHIVO HISTÓRICO EN RECUPERACIÓN

Yaiza Martín de León

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UN GRAN FUTURO PARA LOS FORMATOS FÍSICOS

REDACCIÓN Y ESTILO

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El Papel del Papel

EXPONENTES DEL TRABAJO AUDIOVISUAL

ILUSTRADOR pepevera.blogspot.com

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Viaje al Planeta Physalia

José Dámaso

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EL DESEO DE QUERER VIVIR TODOS LOS DÍAS (2)

Pepe Vera

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isladescubierta.com / info@isladescubierta.com síguenos en Facebook / isla descubierta

Portada / Tarek Ode / tarekode.com

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En 2007 nació un espacio audiovisual en Internet dedicado al mundo del cómic. SPAIN CÓMIC es un programa que nos introduce, de manera entretenida, en el fabuloso universo de las viñetas. Más de 100 vídeos que incluyen entrevistas a autores, críticos y divulgadores, así como tutoriales y novedades editoriales, componen el espacio creado con la idea de dar a conocer a los magníficos autores, que se ocultan tras los “Tebeos”, y pasan innumerables horas ante el tablero de dibujo creando magníficas viñetas. Por su micrófono han pasado grandes maestros del dibujo como Moebius, Jim Lee, Joe Madureira, Jim Starlin, Pasqual Ferry, Carlos Pacheco, Max y muchos más.

Desde los tiempos de Goya, España ha sido siempre un claro referente gráfico. Las grandes editoriales americanas, la verdadera industria de este mercado, llevan muchos años contando con un gran número de dibujantes de nuestro país entre sus firmas estrella.

Spain Cómic quiere que la enorme cantera de jóvenes talentos que hay en nuestra tierra, sea consciente de cómo funciona esta industria de la mano de los grandes autores que ya pueden vivir de su trabajo. El micrófono de Spain Comic, también se acerca a las jóvenes promesas, que con gran ilusión, autoeditan sus propios fanzines.

Para dibujar no se necesita más que un lápiz, un papel y un poquito de imaginación. Y gracias a una sección de tutoriales que trata todas las técnicas y etapas creativas, desde el dibujo hasta el coloreado con Photoshop o el entintado, magníficos maestros dan todas las pautas necesarias para poder realizar un buen dibujo, enseñando todo tipo de trucos para conseguir el mejor resultado.

Spain Comic ahora, se puede disfrutar desde el sofá de casa. El pasado enero se firmó un acuerdo con los fabricantes LG y SAMSUNG mediante el cual, las televisiones digitales de última generación tienen acceso directo al canal de Spain Cómic. Pulsando un botón, el espacio creado por la lagunera Rosanna Walls puede verse en todo el mundo.

spaincomic.com

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Yaiza Martín de León

¿Se ha sentido incomprendido?: Yo trato de no oponerme a ciertas cosas, dejo que todo fluya, dado que yo sufrí la incomprensión. Sé lo que sufrí en Agaete cuando descubrí la modernidad y yo sufrí mucho más por ser moderno que por la homosexualidad; algo que no he necesitado decir, dado que lo he llevado con mucha naturalidad. Lo que hay que hacer es vivir como un ser humano, que haya una integración. En aquel momento la modernidad no era aceptada, ni por mi familia, ni por el pueblo, ni por

José Dámaso Como decía anteriormente, se involucra emocionalmente en su trabajo. Los críticos dicen de su persona y de su obra que es rebelde y libre, ¿qué añadiría?: Independencia y espontaneidad. He sido muy auténtico, muy fiel a una manera de ser que no creo que sea tampoco tan excepcional, pero me gustaría decir que lo que mantiene todo eso, y lo digo para los jóvenes, es la disciplina. Es el gran trabajo y el gran descubrimiento de mi madurez, de los últimos veinte años, el deseo de querer vivir todos los días tenga cáncer o no tenga cáncer. Subo a pintar, no hay nada que me compense tanto como mi trabajo.

2011 ha estado lleno de proyectos: Sí, afortunadamente, aunque de todos los proyectos que se plantean, son pocos los que se realizan.

La cultura se ve afectada por la crisis, pero yo no he sufrido tanto la crisis porque, como ya te dije, la espiritualidad y el estar entregado es lo importante.

Nunca pinté para vender, pinté por pura necesidad vital. Hay proyectos en Tenerife, relacionados con André Bretón, el Teide y el Castillo estrellado de Óscar Domínguez. En Fuerteventura, El Mirador del Valle de los Canarios. Pero hay algo que es mi gran empeño, el remate de mi vida, mi versión contemporánea del tríptico de Agaete de Joos Van Cleve; un trabajo integrado en una amplia exposición internacional ideada por el profesor Francisco Galante.

El deseo de querer vivir todos los días ( 2 ) nadie. Mi padre no quería que pintara pero yo luché porque, como ya dije, mi arte es una necesidad vital.

Pienso que la gente me aprecia mucho, pero creo que mi obra aún no se ha descubierto. ¿Qué piensa de la situación en la que se encuentra la cultura?: Yo no lo digo muchas veces, pero la gente tiene que arrimar el hombro. Se habla de la crisis económica, pero en realidad es el problema humano y los valores humanos por lo que también se ha llegado a la crisis.

El dichoso consumo ha derivado en eso, pero yo noto que la gente está reflexionando.

Podría decirse que opina que la cultura y el arte están regenerándose: En su medida, pero auténtico y de verdad. Es que los artistas llegaron a creerse el todo vale. Las subvenciones, en el fondo, eran negativas y ahora se puede ver que la creatividad supera los escollos. Los que piensan solo en el dinero, se estrellan.

Sin crisis o con crisis, la renovación y los valores de los jóvenes estarán siempre ahí. Yo me sorprendo en el campo del diseño, del arte (porque yo creo en el diseño como arte), y me asombro cada vez que me pongo en contacto con los jóvenes..., es una esperanza. ¿Puede profundizar en su concepto del diseño?: Yo pienso que el diseño es fundamental, es el arte aplicado a la vida. Eso, me acuerdo, viene desde Manrique y yo, en épocas en las que los intelectuales en España creían que hablar del diseño era algo frívolo y malo, no lo aceptaban; pero desde que vino Andy Warhol y demostró que, aún con frivolidad, y en un concepto de la modernidad, podía estar el diseño y otros valores que no sean intrínsecamente los plásticos, lo aceptaron. Creo que ya lo manifesté alguna vez, que el futuro del arte está en el diseño.

EL DESEO DE QUERER VIVIR TODOS LOS DÍAS TENGA CÁNCER O NO TENGA CÁNCER. SUBO A PINTAR, NO HAY NADA QUE ME COMPENSE TANTO COMO MI TRABAJO.

Hemos podido ver en las noticias que forma parte de la iniciativa “Reciclar correctamente para ahorrar” del Cabildo de Gran Canaria: Sí, es algo en lo que me encanta participar, mi obra es puro reciclaje. Mi relación con la naturaleza es poética, me une a ella un sentimiento poético distinto al de César Manrique, pero son dos posturas que se complementan. En esto sí me influyó mi maestro. ¿Qué sintió al enterarse de la posibilidad de recuperar uno de sus murales perdidos, el del Mercado Central de Las Palmas de Gran Canaria?: Me ha alegrado muchísimo que hayan recuperado los originales, a ver si se hace de nuevo. No hay que tirar lo viejo, hay patrimonio y naturaleza que corren peligro al no estar protegidos. Además, estas obras fueron importantes, mi padre se sintió orgulloso de mí, y por primera vez pudo ver que yo podía vivir de mi arte. ¿Qué destacaría del trabajo que realiza actualmente?: Todo está comprometido con la realidad de Canarias, no dejo de trabajar y me fascinan los proyectos que surgen. Para la conmemoración del cincuenta aniversario de Maspalomas se ha empleado el icono, basado en una obra que hice en los años noventa, en la que aparecen las palomas que hacía una señora de Gran Canaria con lo que le sobraba de las tallas. Del mismo modo, sus formas recuerdan al perfil de las dunas, he añadido el mar de fondo, el sol, y el signo de “más”. Es posible que se realice una exposición en la que se muestre cada una de las fases del trabajo.

Y qué nos puede contar sobre sus ángeles: He hecho ángeles últimamente y considero que mi obra es casi toda como de un ángel. Incluso pienso que, en épocas donde no se habla sino de la mierda del dinero, de la especulación, de la frivolidad, es fantástico que hablemos del “ángel” porque hablar del ángel es hablar de lo humano, de lo divino, hablar de la espiritualidad, y hablar de tantas necesidades espirituales y morales que el hombre contemporáneo necesita. El hombre se ha convertido en un elemento económico y político, y entonces la cultura y la parte humana no aparecen por ningún sitio.

Me gustaría, para terminar, leer un texto que muestra el carácter de mi “ángel”, un ángel terrible:

“¿Quién, si yo gritase (“y estuviese en las dunas de Maspalomas”añade Pepe) me oiría desde los coros de los ángeles? Y si uno de repente me tomara sobre su corazón: me fundiría ante su más potente existir.

Pues lo bello no es más que el comienzo de lo terrible, que todavía soportamos y admiramos tanto, porque, sereno, desdeña destrozarnos, Todo ángel es terrible” (Raine María Rilke, Las elegías de Duíno, primera Elegía).

Gracias Pepe.

YAIZA MARTÍN DE LEÓN

Historiadora del Arte.

Realiza su tesis doctoral en la Universidad de Granada. Máster en Métodos y Técnicas avanzadas de investigación histórica, artística y geográfica.

Foto/Tarek Ode

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(I) U rados te e mos respon u n f d e p h n ez a de o e d n e n n t e l b i n a m n e , s o t la d n o rte eras pi os, de po be e o cua ortam flexivo la tr nte i a e r m c o l p o d u m o c e p s e p se ism cia te, con formar s en m grup vida ma por o, com ces irre arado a d y s uctos s m scen l instan egundo será o o a d e e n r d e g a p a t v r u i v o l a i d r l o q r h p a qu os es pe cie ert e fe Un s tual asi a s atro atismo, a sido e l. La so esear conv ibles, n do. ará recer, c ros. (II) mo vir s, cuyo o h a i h han d t a d i llo me dv sot nsu que apa rés a a sum ha nsum el in nsumo ecesida instigad nte. Se a des ron a no s de co or aque un inte d co ndo con a n o a v e p isten necesid s mu un c oría de ha sido ápidam s colecti s lleg roducto mado v e r o p n r i a r g uros , nuestr o de l confo ue si bie zcan la prefiram s, cate nsumo y más e n e o e o a e s q h de c vez má estado d foment os hec e aqu enidos, no ofr ente y os últim te m r t e t , d n a e m s a e n u t a u o d h E p o q r c ca anen los físic a Nube. marán ucho ando a la vez ué filón r núme con r m e r n r e l r , , Q o p .¡ ge ta os ay en s, fo or m a osee cíos ocul A m atisfech yores e p r a ellos borado y ocio p e form d que cias y va ismos! a s a n m e l i e d , d e d s s a e n acce o más idianid iremos care sotros m siempr roducto que ria t h s p s o o muc estra c Consum ntenido memo s. de n midore te a los . u o a o n u i a s c t i n s f de n o. (B). ellos c a propi rofundo l, co on r bene c p o p a r u s t tiem ble aq n nues deseos o form e acce s, mayo d i y u o n a g tan onan c ideales e su fo e el q n vent i E s d c u L q e la ro ene NGIB . re al, nuest e, apart dulado ente, ti su A T DA IO lm vit llos qu r mo son irtua omo lo e sus e MED A DORA D o j v u e O q e m A irs DA d d y os c COM EVA ER ANI ás nsum añadid a calida tiva.

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2.- R p-up. Po eñado S. . Dis o po estil o Design a D-BRO . par l 2009 Toky e ua Ann iseño d A D D . & ray 3.- D Anuario ms Mur le il ia Will eter Sav A. & P ra D&D mm pa yssey: Ham d 4.- O tura & e it c ro.

Arch ure. Lib o Xia rat Lite ado por a la ñ ar Dise engzi p o y h nism eC Mag de Urba e Honk . al ad Bien itectur enzhen h u n S q a r y A g th Kon unger bro o Li Y .

5. rio idon o t c a re . r Ph s. Di Jesu ñado po Museum e D s di New 6.- BR para s s blik e Pr epu ro r s r . Lib nde (Bu hland) ativo. c or ts Deu onmem erburg c or H ag. do p ra Verl a ñ e a Dis land p Wei

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Como si quisiera anular las diferencias existentes entre el hombre y la mujer, como si quisiera borrar -y a la vez remarcar- la frontera que separa los dos géneros, Andy Warhol se viste de lo que aparentemente no es, para convertirse en otro yo dentro de su propio ser. Juego y reflexión, realidad y artificio, rebelión contra los roles sociales de género. Opciones que pueden ser una o todas. Con melena canosa, con labios rojos que contrastan con el blanco de su piel, con la mirada remarcada de azul y de rimel, con los hombros desnudos y con rubor en las mejillas, se presenta atrapado en una polaroid el artista por excelencia del Pop Art y se convierte en la imagen referencial de la próxima exposición de TEA, Tenerife Espacio de las Artes: Juego de máscaras. La identidad como ficción. Esta nueva muestra, que se podrá ver en este centro de arte contemporáneo del Cabildo de Tenerife a partir de la próxima semana, toma como punto de partida la celebración del Carnaval, concebido en este caso como un acto subversivo.

La responsable del Departamento de Exposiciones Temporales de TEA y comisaria de Juego de máscaras, Yolanda Peralta, explica que esta colectiva -que podrá visitarse hasta el próximo mes de junio, de martes a domingos de 10,00 a 20,00 horas- ofrece una reflexión sobre la construcción y la creación de identidades y sobre la ambigüedad de las mismas. La tesis de partida es que la noción de género, es una construcción cultural que se puede desmontar e incluso que se puede parodiar, destaca Peralta quien adelanta que en esta muestra, construida con obras pertenecientes a los fondos de TEA, el visitante se podrá asomar a creaciones de artistas de la talla de Yasumasa Morimura, Cindy Sherman o Douglas Gordon, quienes a través de sus trabajos, indagan sobre lo flexible o lo maleable que puede ser la propia identidad.

Las cerca de cincuenta obras que conforman este proyecto expositivo -fotografías y vídeos en su gran mayoría y que están firmados por artistas

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ESTA MUESTRA TOMA COMO PUNTO DE PARTIDA, LA CELEBRACIÓN DEL CARNAVAL CONCEBIDO, EN ESTE CASO, COMO UN ACTO SUBVERSIVO. MEDIO CENTENAR DE OBRAS INTEGRAN ESTE PROYECTO EXPOSITIVO FIRMADO POR ARTISTAS INTERNACIONALES, NACIONALES Y LOCALES

internacionales, nacionales y locales- descubren diferentes estrategias para poner en entredicho la existencia de dos únicos géneros: masculino y femenino. Esta idea se enmarca en la denominada Teoría Queer, una hipótesis sobre el género que afirma que la orientación sexual y la identidad sexual o de género de las personas, son el resultado de una construcción social y que, por lo tanto, no existen papeles sexuales esenciales o biológicamente inscritos en la naturaleza humana, sino formas socialmente variables de desempeñar uno o varios papeles sexuales.

Recuerda Yolanda Peralta que este es un tema que ha estado muy presente en el arte y que ya, desde la década de los veinte del pasado siglo XX, artistas como Marcel Duchamp o Claude Cahun han indagado sobre la ambigüedad de la identidad. El empleo de máscaras, el uso de disfraces o maquillajes son algunas de

TEA

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las estrategias a las que se recurren para crear estas nuevas identidades. El travestismo -subraya la comisaria- es una de las estrategias más trasgresoras: Usar vestimenta y complementos socialmente delimitados para el sexo opuesto, tanto en hombres como en mujeres, pone en cuestión las identidades de género estableciendo nuevas opciones, nuevas posibilidades.

Regresando al campo de las artes, la experta recuerda como Marcel Duchamp se creó su propio álter ego femenino en 1920, al que bautizó con el nombre de Rose Sélavy. Y al igual que años después hiciera Warhol, el francés también se mostró ante el gran público metido en esencia de mujer, envuelto en un abrigo de pieles y tocado con un sombrero con la idea de cambiar su identidad. En este sentido, aclara Yolanda Peralta que el travestismo es una estrategia a la que recurrieron muchos creadores con la idea de transgredir las normas o los límites que existen entre lo masculino y lo femenino. Por lo general, muchos de ellos se convierten en los protagonistas de sus propias creaciones aunque hay otros, como es el caso del danés Strömholm, que toman como sujetos y protagonistas de sus creaciones a otras personas.

En su caso, travestís de locales de Barcelona.

El replanteamiento de nuevas identidades o la acción lúdica de las mismas, uno de los ejes centrales de este Juego de máscaras, se puede apreciar también en el campo de la música. No obstante, esta nueva exposición de TEA recoge

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algunos ejemplos de cómo -bien a través de maquillajes, máscaras o disfraces-, los músicos también han explorado esta cuestión. Ejemplo de ello es una de las fotografías del catalán Jorge Ribalta, que muestra a uno de los componentes del grupo estadounidense de Hard rock Kiss, formación caracterizada por el uso de maquillaje y de una atractiva estética con influencia del cómic de terror.

Presente están también en esta colectiva -cuyas obras datan de los años 70 hasta la actualidad- las máscaras, una de las señas de identidad de las fiestas de carnaval, una celebración a la que TEA, Tenerife Espacio de las Artes se acerca por primera vez. Sin embargo, las máscaras y las caretas usadas por el ser humano desde la antigüedad, con distintos fines, se cuelan en este centro para abordar esta misma cuestión del cambio de identidades y no con un fin festivo o religioso. En este sentido, cabe recordar que artistas como Picasso, Derain o Modigliani usaron ya las máscaras (en su caso las africanas) para construir sus discursos, haciendo que éstas fueran una de las bases del arte contemporáneo. Así, y mientras en las calles de la capital la gente se convierte en quien sueña ser y deja de ser, por unas horas, quien es, en TEA un grupo de artistas recuerdan que nosotros podemos ser lo que queramos, sin tener en cuenta ni corsés ni etiquetas.

1.- Joel-Peter Witkin 2.- Jorge Ribalta 3.- Andy Warhol

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11 El Arte Contemporáneo se encuentra revisando profusamente las grandes transformaciones que sufrió en los años sesenta y las secuelas que ha dejado en las nuevas generaciones.

Esta, Un Paisaje Holandés, no es una muestra sobre el paisaje, pero toma el nombre como metáfora para describir una panorámica del arte realizado, en los Paises Bajos, en los años sesenta y setenta. La clave de la exposición es la interpretación, la desmaterialización, la autorreferencialidad, permutaciones, sistemas, series... Así, se configura un paisaje en el que se impone lo poético, una lectura que incurre con frecuencia en el absurdo y lo irracional a partir del escepticismo y la incertidumbre que depara nuestro tiempo. La exposición presta atención al trabajo del artista , sumergido en profundas disquisiciones en torno a la realidad y el modo en que ésta se representa.

Un Paisaje Holandés

Selecciones II

LA CASA ENCENDIDA, MADRID

GUGGENHEIM, BILBAO

Colectiva

Tempus Fugit

Segunda muestra del ciclo de exposiciones programadas para 2012 en torno a los fondos de la colección propia del Museo Guggenheim Bilbao.

En esta ocasión, profundiza en los debates artísticos de las décadas de 1970 y 1980, planteado por una generación de artistas europeos cuya trayectoria se inició a principios de los sesenta, representados con una selección de obras desde finales de los ochenta hasta nuestros días. La Colección constituye una entidad propia con una identidad singular, al tiempo que complementa las colecciones del resto de instituciones Guggenheim. Algunos de los artistas más significativos de la segunda mitad del siglo XX, como Eduardo Chillida, Yves Klein, Willem de Kooning, Motherwell, Rauschenberg, Rosenquist, Tàpies y Warhol, forman parte de la muestra.

Colectiva

Últimos Trabajos Jannis Kounellis

IN - TROS

CAIXA GALICIA, SANTIAGO

Exposiciones

Ruiz-Ruiz

CÍRCULO DE BELLAS ARTES

Con técnicas y formatos se articulan 365 relatos pictóricos, tantos como días tiene el año. Vinculada al paso de la vida, Tempus Fugit es “el tiempo, es el hilo conductor con el que quiero aludir a una circunstancia común a todos, en todas las épocas; a la vez que reflexiono sobre los procesos creativos, acerca de lo que estos suponen”. “El visitante contempla en esta muestra imágenes de nubes, pero también se ha buscado dotarla de mayor profundidad”. El comienzo de este proyecto expositivo es el año 2000, en Bélgica. Desde entonces ha podido verse en distintas ciudades de Europa, “aunque nunca hasta ahora se ha expuesto en su totalidad”. “He querido plantear, si una obra de arte es el resultado final de lo que contemplamos o más bien ese proceso creativo que se ha desarrollado durante todo un mes”.

Materia del Tiempo Carlos Schwartz

Escenarios, Constelaciones y Polaroids - Karina Beltrán

Una aproximación a la mirada del fotógrafo Carlos Schwartz, a través de 60 retratos realizados entre los años setenta y la actualidad, que acompañan a la publicación del libro homónimo de este artista, uno de los más significados del escenario insular. Las obras, que pertenecen a la colección del Centro de Fotografía Isla de Tenerife y al propio autor, representan en buena parte a destacados protagonistas de la cultura realizada en Canarias en las últimas décadas, desde artistas como Henry Moore o Eduardo Paolozzi, participantes en la célebre Exposición Internacional de Esculturas en la Calle de Santa Cruz de Tenerife en 1973, de la que el propio Schwartz fue uno de los impulsores, a autores como Domingo Pérez Minik, Manuel Padorno, Eduardo Westerdahl o José Dámaso.

La artista canaria vuelve a exponer en las islas de la mano del comisario Omar-Pascual Castillo.

Una imagen de gran formato en el exterior, 80 imágenes de mediano y pequeño formato tomadas en diferentes ciudades del mundo como Nueva York y Londres y 30 dibujos en pequeño formato que sustituyen a las Polaroids. El proyecto se divide en tres experiencias expositivas, cuyo nexo de unión radica en la reflexión sobre el nomadismo del ser contemporáneo, su necesidad de moverse continuamente, de descubrir geografías que, sin embargo, acaban remitiéndole una y otra vez a sus orígenes. De los paisajes abiertos a los íntimos. Una invitación a detenerse en los pequeños detalles, en esos momentos placenteros que la cámara va capturando para que permanezcan así, fijados en la memoria.

FUNDACIÓN MAPFRE, LAS PALMAS

Kounellis nos acerca una propuesta muy actual en la que usa como elementos fundamentales paneles de acero, barras de hierro, camas, mesas y sillas de madera, telas, ropa y calzado usados. Un complejo conjunto artístico bajo dos influencias espaciales muy presentes en el resultado final: la cercana Catedral de Santiago, con su tradición jacobea, y la propia sede de la Fundación Caixa Galicia, una construcción de finales del siglo XIV que cautivó al artista en su primera visita a la ciudad. Fuertemente relacionado con el Arte Povera, incorpora elementos radicalmente nuevos a su lenguaje para crear un estilo, lleno de símbolos. Materiales, con una relación determinante con el espacio, el verdadero marco de sus obras. Sus exposiciones individuales han ocupado los más importantes museos del mundo.

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Foto/Santo Eduardo de Miceli

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La globalización, la deslocalización y el complejo nudo de redes de comunicación virtuales y físicas, nos conducen a un mundo donde la fabricación se encontrará aglutinada en unos cuantos núcleos sobre todo el planeta. Sin embargo, la creación y el diseño de productos contará con multitud de diferentes plataformas caracterizadas por su ubicación geo-estratégica y los atractivos particulares que añadan valor a cada oferta.

Estas plataformas son parques tecnológicos que empiezan a aflorar en todas las regiones del planeta. Éstos practican una urbanización muy distinta a la que conocemos para las urbanizaciones industriales. Se trata de áreas con grandes edificios polivalentes ejecutados con modernas infraestructuras, y con un espectacular envoltorio que sirve como reclamo para atraer aún más a un gran mercado emergente.

Canarias tiene en estos momentos en su punto de mira la creación de algunas de estas urbanizaciones. Como archipiélago, poseemos un gran potencial estratégico que ofrecer a empresas que ya no tienen por qué encontrarse en enclaves tradicionales y que prefieran una arquitectura sorprendente y versátil, con una dotación de comunicaciones y todo esto, digamos, cerca de una playa. Por eso es óptimo un estudio y revisión de modelos de éxito producidos en otras regiones y con los que, por sus características arquitectónicas, existe gran compatibilidad.

Ubicado en Caldas das Taipas, Portugal, el estudio de arquitectura Cerejeira Fontes ha diseñado y edificado una magnífica propuesta. El Spinpark está concebido como un programa de utilización muy elástico y lo ha llenado de la más sofisticadas tecnologías.

Diseñado para albergar pequeñas y medianas empresas tecnológicas y de diseño, además de un espacio cultural. Desde su inauguración se ha convertido en nido para empresas en un parque tecnológico fruto de las políticas de la provincia de Guimaraes.

El edificio está compuesto por volúmenes ortogonales aglutinados en suspensión, bajo una espiral exterior que los envuelve. Esta estructura de hormigón continuo, a modo de carcasa, deja entrever los edificios que quedan contenidos.

Este efecto de celda genera un patio de acceso

EL SPINPARK SE MUESTRA COMO UN EXCELENTE REFERENTE PARA UN NIDO DE NUEVAS EMPRESAS RELACIONADAS CON LAS NUEVAS TECNOLOGÍAS Y EL DISEÑO. LA INNOVACIÓN EMPIEZA CON LA ACTITUD DE LOS PARQUES TECNOLÓGICOS

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que aporta amplitud espacial, al tiempo que dota al edificio de luminosidad sin renunciar a la privacidad y tranquilidad que añade el envoltorio.

La entrada principal del edificio está situada en su centro. De la recepción, parten los salones comunes y los accesos a planta privilegiando la apertura al entorno y la continuidad de materiales apreciados en el exterior. El tránsito es un recorrido que transmite una sofisticación natural. Toda la planta baja está dedicada a un espacio polivalente para eventos, congresos y exposiciones. Una especie de plaza encerrada, donde se puede dar curso al dinamismo productivo de las empresas que se instalen en el Spinpark. Las plantas superiores, suspendidas desde el techo de la estructura, consiguen que la luz se concentre mayormente en las áreas comunes conformando, de este modo, un escenario central que distribuye todo el programa.

El edificio ha sido diseñado con el fin de explotar la luz natural en todos sus espacios. En la mayoría de los casos ha producido un interesante y rico juego de reflejos que añade intensidad lumínica de forma indirecta. Propiedades que mejoran el ahorro energético. Las secciones del envoltorio exterior, aportan por su parte sombra y ventilación todo el año. Esta cualidad se vuelve vital durante el verano, ya que el envoltorio evita el sobrecalentamiento de los espacios interiores, aminorando el consumo de aire acondicionado.

Imago – Atelier de Arquitectura e Engenharia, Lda SPINPARK Caldas das Taipas, Guimaraes. Portugal 4.484m2 construidos 2008 imago.com.pt

15 EL DISEÑO, POR MOTIVOS COMERCIALES, POR SU INMEDIATEZ SE SUME, A VECES, EN LA

SIMPLIFICACIÓN ABSURDA DE HERRAMIENTAS AL ALCANCE. EN MUCHAS OCASIONES LOS

CREATIVOS TERMINAN PEGADOS A UNA PANTALLA, TRABAJANDO CON HERRAMIENTAS DIGITALES, RELEGANDO UN TRABAJO ARTESANAL VERDADERAMENTE ENRIQUECEDOR.

LO QUE SE CONSIGUE AL PONER EN CONTACTO TODOS LOS ASPECTOS DEL ENTORNO, UTILIZANDO EL ARTE MANUAL CON APOYO DE LAS HERRAMIENTAS TECNOLÓGICAS, ES CREAR PUENTES ENTRE LAS DIFERENTES DISCIPLINAS. MEJORAR EXPONENCIALMENTE LOS TRABAJOS Y CRECER COMO PROFESIONALES, APARTE DE DISFRUTAR CON LO QUE HACEMOS.

SALIR de la NUBE

Adán Navarro- Moio Estudio/Ilustración

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Enrique Lite - Moio Estudio

Mientras leemos las últimas noticias de algún periódico en Internet, recibimos un aviso de Facebook, un cliente nos envía un email, en el WhatsApp no dejan de llegar mensajes, alguien actualiza su posición en Foursquare, y aparece un nuevo trending topic en Twitter.

Muchos vivímos inmersos en este fenómeno de intoxicación informativa que ahora se conoce como infotoxicidad. El acceso en cualquier lugar y a la hora que sea, a esta ingente cantidad de datos, convierte en una tarea titánica la asimilación y reflexión necesaria sobre la realidad. En algunos ámbitos profesionales como el de los diseñadores, somos especialmente sensibles a sufrir las consecuencias de este fenómeno, dada la cantidad de horas que por norma general solemos pasar delante de un ordenador. Y la pregunta que me hago es: ¿En qué medida puede afectar a nuestra creatividad?

Nadie parece dudar de los beneficios que Internet y las nuevas tecnologías de la información han aportado a nuestra profesión, como a las de tantos otros. Pero quizá la sobrevaloración de estos efectos positivos, nos haya hecho renunciar u olvidar algunos placeres que nos brinda “el mundo analógico”: dar un paseo, leer un libro, ir a un concierto, ver una exposición..., estas cosas que nos hacen

levantarnos y despegar la vista de la pantalla, son las que a menudo nos permiten encontrar nuevas ideas y una fuente inagotable de inspiración.

Desconectarse de la red y recuperar el proceso artesanal, sin renunciar a las herramientas digitales, es la estrategia creativa que algunos diseñadores han llevado a cabo en los últimos años, como la ilustradora rusa Yulia Brodskaya utilizando la técnica del papercut, o el joven diseñador canadiense Julien Vallée que desarrolla su trabajo en el campo de la instalación y los motion graphics. Tal y como el propio Julien comentaba recientemente cuando le preguntaban sobre su manera de conjugar el trabajo manual y el digital: “Los software de computador ofrecen muchas posibilidades de producir una imagen sin preocuparse si es concebible o no, pero también encuentro muy fácil pasarse horas interminables delante de la pantalla. Creo que me gusta el contraste de mezclar muchas técnicas juntas. No siento que la artesanía tenga algo más especial que el otro, ni siquiera el software lo tiene. Me gusta utilizar el computador como una herramienta para manipular y eventualmente, crear elementos de composición. Me gusta cuando no es para fingir que es verdadero. Me gusta que mantenga una

intervención manual en la imagen. Crea una clase de conexión con el espectador. Pueden entender qué está sucediendo.”

Lo que se consigue al poner en contacto todos los aspectos del entorno, utilizando el arte manual con apoyo de las herramientas tecnológicas, es crear puentes entre las diferentes disciplinas. Además está la necesidad de sentir la “materia real” y el gusto hacia la imperfección que supone el trabajo manual frente a la frialdad del digital.

Sería un error considerar ésto una vuelta al pasado, pues de lo que se trata es de implementar métodos tradicionales en entornos digitales de manera que es el propio lenguaje creativo el que se enriquece.

Buscando el símil cinematográfico nos encontramos con el reciente éxito de la película muda The Artist, en un panorama audiovisual dominado por la postproducción digital y la tridimensionalidad, resulta que una de las películas más interesantes desde el punto de vista cinematográfico del presente año tiene como modelo estético el cine de los años veinte del pasado siglo. Salir de la nube y reinventar nuestra forma de trabajar y pensar, es una opción que deberíamos tener presente aquellos que vivimos sumidos en lo digital.

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Indignación en Cataluña.

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La belleza y el esplendor de una de las ciudades más hermosas del mundo, se ve amenazada por la pesadumbre económica que en ella se impone, hablamos de la ciudad Condal. La asfixia económica se cierne sobre Barcelona. El incremento abusivo del precio del transporte público, los recortes en sanidad, el derrumbe de Spanair… Parece ser que los ineptos políticos que han gobernado tanto España como la Generalidad de Cataluña, se han propuesto hacernos la vida imposible. ¿Cómo no apoyar entonces a los indignados del 15M que acampan en Plaza Cataluña?, ¿Cómo no denunciar este robo a mano armada al que nos someten nuestros representantes? Nos piden que seamos compresivos, ellos cuyo sueldo no solo está garantizado, sino que además, es de carácter vitalicio, mientras el precio del metro, la comida y el combustible sube.

Así las cosas, cuesta hacer una reflexión sobre Barcelona a día de hoy. Afortunadamente, las ciudades son como seres vivos y Barcelona sigue desprendiendo vida en un conjunto multicultural que fluye como un río por sus afluentes: las Ramblas, Paseo de Gracia, Diagonal, Vía Laietana… Todo parece desbordarse: la gente, las sonrisas, el griterío, los bares nocturnos donde se escapa la buena música en directo, las exposiciones impresionistas a punto de clausurar, las noches que parecen no acabar nunca…

En la Barceloneta cuyas interminables obras siguen removiendo las arenas de la playa, podemos tumbarnos descalzos con el propósito de olvidarnos de las malas noticias e imaginar un mundo mejor.

Mientras miramos cómo las olas rompen, quizás nuestro pensamiento nos lleve al momento en que abrazábamos a la mujer amada frente al Maremagnum, donde un improvisado trovador nos sorprendía con esa canción que el corazón retuvo como uno de sus más preciados recuerdos. Continuamos caminando y recorremos con el pensamiento la belleza del Si yo viniera a Utrecht en febrero... barrio Gótico, cuyos patios interiores (eso me enseñaron el otro día) son tan anchos, … sin duda traería ropa cálida, sobre todo este año que los porque dentro de ellos debían caber los carruajes. Seguimos soñando y a lo lejos se termómetros discrepan de los calendarios, las estaciones se adivina ya la estatua de Don Cristóbal Colón, el descubridor del capitalismo… Y así retrasan en sus ciclos y febrero promete cobrarse el frío perdido. se pasan los días y se amontona la arena a nuestros pies, en esta ciudad que no Si yo viniera a Utrecht en febrero sin duda repetiría la experiencia es la más bella del mundo porque existe París. en abril y en septiembre, porque si algo le pasa a Utrecht es que los cambios de estación le sientan muy bien, es siempre fotogénica y amable, pero algunos trajes le favorecen aún más, entre ellos el manto de hojas ocre sobre sus canales en otoño y el velo sus alegres flores en primavera.

Si se llega en tren, se puede tener la primera y única experiencia traumática en Utrecht, su estación se halla inmersa en un infinito centro comercial y uno cree que nunca va a salir al exterior, pero se sale, se sale e inmediatamente uno se alegra de haber ido. Utrecht es historia y es cultura. Un paseo por su centro medieval, nos traslada a épocas de intenso comercio fluvial, procelosos tratados internacionales y compleja vida religiosa. No en vano, Utrecht representa muchas fronteras, religiosa: al sur la parte católica del país, al norte la protestante; histórica: bastión norte del imperio romano; geográfica: Utrecht ya es tierra firme (por eso sus canales son más profundos que los de Ámsterdam o Leiden) pero hacia el oeste todo el territorio es pólder (tierra ganada al mar); y logística: nudo ferroviario del país. Utrecht es una ciudad hecha para transeúntes y ciclistas, su centro se recorre fácilmente en un día, si se quiere explorar museos y tiendas en detalle se necesitan uno o dos más. Es muy fácil ubicarse en la ciudad, el canal nuevo Nieuwegracht y el canal viejo Oudegracht, forman una doble columna vertebral rodeada por un canal circular lleno de parques, el Singel; dentro de este perímetro se encuentra todo lo que está a una distancia caminable, para exploraciones en los alrededores (Campus universitario del Uithof y su moderna arquitectura o la famosa casa Rietveld de De Stijl) es recomendable alquilar una bicicleta. Entre ambos canales se extiende la calle Kortenieuwestraat y su prolongación Langenieuwestraat, en su extremo norte encontramos el Domplein, la plaza central que alberga la catedral y la emblemática torre de Utrecht (separadas ambas desde que un tornado destruyera la nave central en 1674), y en el extremo sur de la citada calle tenemos el Centraal Museum, cualquiera de los dos pueden ser un lugar de comienzo idóneo para visitar el centro histórico. El canal nuevo es tranquilo, invita al paseo y la reflexión, el viejo es más bullicioso, está lleno de bares y tiendas, entre las que destacan los anticuarios y las de decoración para el hogar.

Recomendaciones: museo Speelklok, de organillos y carrillones, museo Catharijne Convent de arte religioso; para niños: Dick Bruna Huis hogar del conejito icono Miffy; cerrar el día con una cerveza en el café Olivier, una antigua iglesia católica camuflada cuando el catolicismo estaba prohibido.

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Patricia Izquierdo

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El amor en los tiempos de e-mail.

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¿Lo más notable de Londres en este febrero que arranca mucho más frío de lo normal? Fácil. Los corazones de almohadilla rojos que llenan los escaparates, ahora que llega San Valentín.

No, ya… pero esa imagen, según el dicho, vale más que mil palabras. Y en la era digital, en que corremos el peligro de abaratar el sentimiento y la verdad con menos palabras, éstas valen el doble. En honor también a San Valentín, les presento una instantánea, o más bien dos instantáneas particulares de lo que nos ofrece Londres en estas fechas.

Puede que no tenga ni el valor comercial de un musical como los muchos del famoso West End, ni la importancia histórico-cultural de la exhibición Hajj: Journey to the Heart of Islam, en el British Museum (hasta el 15 de abril), ni la mezcla de rara belleza que nos trae el Tropical Extravaganza de los jardines botánicos de Kew (hasta el 4 de marzo) o, no sólo para el inglés, el Festival Mundial de Flamenco (que pone el treatro Sadler’s Wells hasta el de 19 de febrero), pero hay que resaltar la exhibición A Bigger Picture, de David Hockney (Royal Academy of Arts, hasta el 9 de abril).

Partiendo de la idea que todos los medios artísticos representan una misma realidad – una realidad de verdades que, si no son las mismas, por lo menos están entrelazadas, sugiero que el arte de Hockney no viene de una visión estética, sino de una búsqueda profunda del mensaje que nos comunica un paisaje. Un medio solo – fotografía, arte o prosa – no suele captar esa realidad, pero Hockney se acerca.

Pensemos en dos fotos idénticas con las que debemos expresar los sentimientos muy opuestos que nos traen. Fotos que guarda una chica de su enamorado; o un hijo abandonado o huérfano, de lo que no tiene cerca; o un viajero que busca la esencia de su ser en un pasado que no encuentra; o la madre de hijos emigrados.

Febrero en Toronto.

Para compartir una parte de su realidad, esa enamorada, esa madre, arropa una de las fotos Después de veintiun años en Canadá, me siguen afectando en un pañuelo de seda o algodón o lino puro, la envuelve de significados que la imagen por mucho los largos y crudos inviernos, que me hacen si sola nunca podrá contener, quizá con aromas del pasado que esa representa: flores experimentar los conocidos como decaimientos de febrero. de lavanda, naranjo y manzanilla; la ata con un hilo invisible de acero, murmura mil Febrero tiene esa tendencia de sentirse como el mes más frío palabras imperceptibles, incandescentes, y lo besa, antes de consignarlo al pasado del año. Por ello, nuestra movilidad muchas veces depende de las y, a la vez, a su futuro. condiciones metereológicas. ¿Es sentimentaloide?, ¿es tristón?, ¿me Y con la otra foto, para también demostrar lo que siente: la mira, la aprieta abofeteará la cara con una dosis de realidad invernal?. contra su pecho mirando al cielo y aulla en silencio… antes de desgarrarla Habiendo dicho esto, Toronto, es un centro urbano al que nunca le faltan brutalmente y romperla en mil pedazos. Sin palabras, ni susurros, ni eventos artísticos ni culturales a pesar de las condiciones ambientales. lágrimas que distorcionan la realidad.

Aunque los meses de invierno son agotadores, siempre se puede encontrar Londres invita a que se venga dispuesto a abrazarlo todo con ambas refugio en sitios como el edificio 401 Richmond (401richmond.net), un centro formas de percibir una fotografía. creativo donde se encuentran agrupadas bastantes galerías de arte, o asistir a un concierto en el Musideum, o realizar un curso de impresion en el Open Studio. Esta estructura de ladrillo erguida en la esquina de Spadina Road con la calle Richmond era una fábrica ahora convertida en uno de los destinos culturales más populares de la ciudad. Es hogar de promotores artísticos y galerías que no desean obtener beneficios de la difusión de sus artistas, incluyendo la Gallery 44 Centre for Contemporary Photography (gallery44.org). Este mes se expone Cameralinks, una muestra de las fotografías de alumnos de primaria y secundaria. Otra de estas organizaciones, ASpace Gallery (aspacegallery.org), muestra A Refusal of Images, una exhibición que agrupa el trabajo de tres artistas que han estado en distintas zonas de conflicto (Afganistán y Palestina), grabando momentos de abstracción y caos. Estas dos organizaciones reflejan el modelo canadiense de promoción de artistas. Lugares donde los artistas pueden correr mayores riesgos, presentando sus trabajos conceptuales sin la presión comercial sobre sus espaldas. Desplazándose desde 401 Richmond, hay zonas de la ciudad donde abundan galerías. Por ejemplo, a sólo unos pasos del barrio de moda, Queen Street West, en Tecumseth Street, encontramos el Georgia Scherman Projets, actualmente presentando 28 Days: Reimagining Black History Month, en coproducción con Justina M. Barnicke Gallery (University of Toronto). Todo esto porque febrero es el Mes de la Historia Negra. Se presentan 18 artistas negros establecidos en Estados Unidos, Canadá e Inglaterra, con relaciones o afiliación con comunidades de la diáspora africana en África, América y el Caribe. Las exposiciones se enfocan en la naturaleza de estas comunidades y como el hecho de ser negro no puede meterse en un gigantesca y homogénea categoría.

Toronto es una de las ciudades más multiculturales del mundo. Vivo este hecho de forma diaria. Frecuento la tienda de la esquina de una familia etíope, compro mucho en el barrio chino, voy de cena a restaurantes persas con mis primas coreanas y me encanta oir salsa de la vieja escuela. Aunque no pueda enarbolar que vivamos en una ciudad utópica, filosóficamente hablando, Toronto es la suma de su gran diversidad.

La fusion se encuentra en el corazón de la razón de ser de Toronto. d

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Bernard Murphy

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ACTIVIDADES EN LOS MUSEOS FEBRERO

M谩s informaci贸n: www.museosdetenrife.org

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David Pérez Chico

1. En abril de 1917 un urinario firmado por R. Mutt fue enviado al Salón de Artistas Independientes de Nueva York. Aunque no llegó a exhibirse, en su destino estaba escrito que se convertiría en una de las obras más influyentes en el devenir del arte del siglo XX. Aquel urinario autografiado y puesto del revés fue la primera obra de arte conceptual.

R. Mutt era el seudónimo de Marcel Duchamp.

Cinco años más tarde, en plena cúspide de su fama, Duchamp renunció al arte y se dedicó a jugar al ajedrez, realizó alguna performance con otros artistas, probó fortuna como empresario y marchante y no volvió a realizar ninguna obra de arte destacada.

2. También en abril, pero de 1916, el soldado Ludwig Wittgenstein escribió en su diario: Con pocas excepciones la tropa me odia porque soy un voluntario. Efectivamente, en 1914 el estudiante de filosofía Ludwig Wittgenstein abandonó la universidad de Cambridge con destino a su Viena natal para alistarse voluntario en el ejército austro-húngaro. Atrás dejaba la admiración rendida de dos de los filósofos e intelectuales más importantes del siglo XX –Bertrand Russell y George E. Moore–. Aunque para ser más exactos habría que decir que su salida de Cambridge tuvo lugar mucho antes pues, hastiado del ambiente académico, Wittgenstein se trasladó en 1913

LUDWING WITTGENSTEIN Y MARCEL DUCHAMP VIVIERON A CONTRACORRIENTE. SUS ADMIRADORES QUERÍAN SER COMO ELLOS, PERO COMO SU AUTENTICIDAD LES IMPEDÍA SER MODELO DE NADA FUERON CAPACES DE DEJARLO TODO.

a la fría Noruega donde vivió en una cabaña de madera construida con sus propias manos. Aquel excéntrico estudiante austríaco hijo de uno de los empresarios más ricos de Europa y que se pasó la vida buscándose a sí mismo (muy probablemente él diría que huyendo de su imperfección), estaba destinado a cambiar el rumbo de la filosofía del siglo XX no una, sino dos veces.

En la cañonera en la que patrullaba en río Goplana, y en las trincheras de los campos de batalla del Frente Oriental, Wittgenstein terminó de redactar su Tractatus Logico-Philosophicus.

Estaba convencido de que había resuelto todos los problemas de la filosofía y por esa razón después de la guerra, y de renunciar (otra renuncia, otra huída) a una fabulosa herencia, abandonó la filosofía y se dedicó a las ocupaciones más vario pintas. En 1930 regresó a Cambridge y a la filosofía para contradecir lo que había escrito en el Tractatus porque albergaba dudas respecto de lo que antes le había parecido definitivo 3. Duchamp y Wittgenstein, cada uno en lo suyo, cambiaron el rumbo de sus respectivas disciplinas y no se sentaron a vivir de las rentas. Sabemos mucho de ellos y no sólo de sus respectivas obras.

Sabemos que eran brillantes y con una infinita seguridad en sí mismos, todo lo cual ejercía una

poderosa atracción entre quienes les rodeaban, de tal manera que muy a su pesar, ambos crearon escuela. Sus renuncias son gestos de una libertad absoluta. Los dos estaban convencidos de que una vez agotado lo que tenían que decir o hacer, ya no tenía sentido seguir con lo mismo. Hoy hubiera querido explorar los parecidos entre estas dos cumbres de la cultura europea, pero el reencuentro con la ridículamente excesiva burocracia universitaria tras las vacaciones de Navidad ha tenido la paradójica consecuencia de que se me hayan pasado las ganas de escribir sobre nada demasiado elevado.

4. Quienes defienden a capa y espada el nuevo sistema de educación superior esgrimen el siguiente argumento: el de antes era peor. Estos conversos convencidos se aferran al tópico que dice que antes todo se limitaba a que un profesor se subía a una tarima, recitaba la clase de principio a fin y ya no se le volvía a ver el pelo por la facultad hasta la clase siguiente que, en algunos casos, no era hasta la siguiente semana.

Como todo tópico tiene algo de verdad, pero es exagerado. En todo caso, aunque fuera exacto, aún se podría objetar que no por ello el nuevo sistema es perfecto, ni necesariamente bueno. De hecho hay quien opina que este nuevo sistema en el que la manera de evitar el descontrol anterior consiste en pasarse al otro extremo –al de la burocratización kafkiana de la labor docente–, sirve en realidad de coartada a algunos colegas que, antes de extenderse cual plaga bíblica por todos los estamentos de las administraciones educativas de nuestro país, tenían tan difícil como nosotros, los filósofos, aquello de explicarle en el rellano de la escalera al vecino cotilla de la puerta de enfrente en qué consiste su trabajo.

Hasta qué punto habrá cambiado su situación que llevarles la contraria es, hoy en día, lo más parecido que puede haber a cometer una herejía.

Me pasa que, como estoy convencido de que lo único que puede sacarnos de la crisis de manera duradera es un sistema educativo que forme a nuestros jóvenes por encima de todo como personas autónomas, seguras de sí mismas y convencidas de que lo que es bueno para ellas debe ser bueno para todos, no puedo sino horrorizarme al contemplar desde la primera fila cómo nuestras Universidades se están transformando en fábricas en las que los criterios de calidad los determinan las necesidades del mercado. Que se están convirtiendo en lugares

en los que se contribuye a la reproducción del sistema en el que vivimos. Por si esto no fuera suficientemente desalentador, los perfiles de los futuros trabajadores responden a las necesidades concretas de un mercado laboral que, paradójica y trágicamente, ya no tiene sitio para ellos. Hubo un tiempo en el que las Universidades eran lugares en los que, además de aprender lo necesario para conseguir un trabajo, uno adquiría una serie de conocimientos que en muchos casos no tenían otra utilidad que la de formarlo como persona, una persona que después de cinco años aún era capaz de mirar al mundo con ojos extrañados y curiosos, y que había aprendido que el mundo en

el que vive no es el único mundo posible. Ni tan siquiera el mejor de los mundos posibles.

5. Hace algunos años, supongo que sería por culpa de alguna campaña publicitaria pero no lo recuerdo bien, se puso de moda la expresión quiero ser como Mike (Michael Jordan). Mike era el modelo a seguir. Ser (y vestir y calzar) como él era ser alguien, ser auténtico. Pensarán que no es más que un ejemplo inocente y que peco de ingenuo. Seguro que es así, y sin embargo… sin embargo no deja de ser una muestra más de lo perversa que es esta sociedad nuestra en la que ser auténtico es ser como otro, en la que ser alguien es ser competente para desempañar una

el ojo y el microscopio

- Jules: “Tiendo erróneamente a especializarme - Jules: “Tiendo erróneamente a especializarme demasiado.

Envidio su enorme capacidad demasiado. Envidio su enorme capacidad para diversificar, Jim.” para diversificar, - Jim: “Yo soy unJim.” fracasado. Lo poco que sé se lo debo - Jim: “Yo soy un fracasado.

Lo poco que sé se lo debo a mi profesor Albert Sausell ‘¿Qué quiere ser?’, me a mi profesor Albert Sausell ‘¿Qué quiere ser?’ , me una gran fortuna?’ preguntaba.

‘Diplomático’ . ‘¿Tiene preguntaba. ‘Diplomático’ . ‘¿Tiene una fortuna?’

‘No’ ‘¿Puede con ungran mínimo de legalidad añadir a ‘No’ ‘¿Puede con unsumínimo de legalidad añadir a o ilustre?’ ‘No’. patronímico un nombre célebre su patronímico un nombrerenuncie célebre oailustre?’

‘No’. ‘¿Pero qué puedo ‘Entonces, la diplomacia’ ‘Entonces, renuncie ser?’ a la diplomacia’ puedo ‘Un curioso.‘¿Pero Eso noqué es una profesión, todavía. ser?’ ‘Un curioso. Eso no es una profesión, todavía.

Viaje, escriba, traduzca…

Aprenda a vivir bien en Viaje, escriba, traduzca…cualquier Aprenda asitio. vivirEmpiece bien en enseguida. cualquier sitio. Empiece El enseguida. futuro es de los curiosos.’

Ludwing Wittgenstein y Duchamp vivieron a contracorriente. Sus admiradores querían ser como ellos, pero como su autenticidad les impedía ser modelo de nada fueron capaces de dejarlo todo. Qué mayor riqueza puede haber que poder decidir cuándo dejar lo que se está haciendo sin que importe tener que empezar de nuevo, en otro lugar, haciendo otra cosa. Obviamente es imposible hacerlo cuando lo que es es lo que hay y no nos cabe en la cabeza que pueda ser de otra manera; cuando el error, la curiosidad y la contradicción no son vistos como oportunidades para cambiar de registro, sino como la constatación de nuestro fracaso a la hora de seguir algún modelo preestablecido.

DAVID PÉREZ CHICO

Es profesor en el Departamento de Filosofía de la Universidad de Zaragoza.

Sus intereses son la filosofía de Stanley Cavell y de Ludwig Wittgenstein, la filosofía del lenguaje y de la mente, o la literatura norteamericana y el cine.

Ha editado varios libros (los últimos: El diario como forma de escritura y pensamiento en el mundo contemporáneo y Explicar y comprender).

Prepara la publicación de una monografía sobre Cavell y Wittgenstein.

ESTOY CONVENCIDO DE QUE LO ÚNICO QUE PUEDE SACARNOS DE LA CRISIS DE MANERA DURADERA ES UN SISTEMA EDUCATIVO QUE FORME A NUESTROS JÓVENES POR ENCIMA DE TODO COMO PERSONAS AUTÓNOMAS, SEGURAS DE SÍ MISMAS Y CONVENCIDAS DE QUE LO QUE ES BUENO PARA ELLAS DEBE SER BUENO PARA TODOS

Pepe Vera / Ilustración

labor preestablecida.

El verdadero genio, decía Emerson consiste en creer en tu propio pensamiento, creer que lo que es verdadero para ti en tu propio corazón lo es también para los demás.

6. El siguiente diálogo tiene lugar en la película de Truffaut Jules et Jim (1962):

El futuro es de los curiosos

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Pedro Felipe

La creación y el diseño audiovisual transitan en una vorágine creativa influenciada desde todos los ámbitos de la sociedad y la cultura.

Esa influencia genera conceptos visuales de los que se alimenta la publicidad, la televisión, el cine y, por supuesto, internet. El desarrollo de estos conceptos, casi siempre dotados de gran complejidad, es el reto cotidiano de muchos estudios de animación que trabajan para interpretar y ejecutar ideas, utilizando casi siempre herramientas virtuales. Alejándose un poco de esta máxima que invita a apoyarse exclusivamente en un software concreto y abrazando el concepto DIY (do it yourself) y la aplicación de múltiples técnicas, nació y creció Physalia Studio que, a estas alturas es una de las referencias obligadas en motion graphics y efectos visuales a nivel nacional y que ya trabaja con representantes internacionales para realizar proyectos fuera de España.

El tinerfeño Pablo Barquín y los catalanes Marcos Coral y Mauro Gimferrer fundaron el estudio en Barcelona en 2007, después de conocerse y coincidir física y creativamente en un máster de animación celebrado el año anterior. Los tres decidimos entonces que teníamos una visión similar de lo que nos gustaría hacer, sobre todo en lo referente a experimentar con diferentes técnicas.

Desde entonces trabajan y experimentan juntos, mezclando técnicas y disciplinas variopintas para aplicar a sus creaciones las dosis precisas de ingeniería informática, electrónica, robótica, fotografía, vídeo, artes plásticas e incluso carpintería. Algunas ideas requieren de un desarrollo tecnológico, otras no. En el caso de que sí, experimentamos con la técnica hasta dar con algo que nos resulte interesante. Dejamos hablar al invento, por así decirlo. Nuestros procesos siempre han sido muy intuitivos y poco lineales y, desde el inicio, nos ha gustado afrontar tanto la creatividad como la técnica.

A su vez, tanto el factor económico como los tiempos de ejecución juegan un papel importante a la hora de tomar este tipo de decisiones. Lo que es más costoso en tiempo y dinero de desarrollar en 3D, lo solventamos rodando elementos reales, y viceversa”. De esa manera apuestan por exprimir el concepto creativo hasta palpar su esencia, que puede estar en un trozo de papel plegado o en la configuración de un complejo software.

Intentamos diferenciarnos por nuestro acercamiento a los proyectos, proponiendo soluciones diferentes y muy personales. Aunque nuestra formación es en 3D, nunca descartamos utilizar otras técnicas aunque sean totalmente desconocidas para nosotros. En este sentido, nos consideramos un estudio aventurero y emprendedor. Partiendo de esta idea, su página web (www.physaliastudio.com) es una enciclopedia del movimiento DIY, pues consigue que sus trabajos despierten una inusitada curiosidad por conocer los entresijos del proyecto y descubrir el esfuerzo intelectual y físico que hay detrás de ellos. Su laboratorio es una mezcla de taller de carpintería y electrónica gestionado por tres cerebros inquietos e incansables. Hemos desarrollado un montón de inventos y aparatos. Algunos de los cacharros han terminado en la basura a los pocos días y otros proyectos se han desarrollado durante años. Es el caso del sistema robótico de control de cámara con el que rodamos Timelapsus que, a día de hoy, se ha convertido en el proyecto más importante y ambicioso del laboratorio. Cinco años después de construir el primer prototipo, estamos a punto de acabar su nueva versión y presentarla en varias ferias del sector. Otros, como la caja de luz, se han ido transformando según nuestras necesidades.

En un principio se construyó como un espacio cerrado donde se podía grabar el crecimiento de plantas y objetos en movimiento, pero hemos terminado utilizándolo para rodar distintos proyectos, como Resonance, que precisaban ser controlados por ordenador para obtener ciertos efectos imposibles o muy difíciles de generar de otra manera. Además, hemos investigado con scanners 3D para los títulos de crédito del festival MAD MMX y otras tantas técnicas en torno a la fotografía de lapsos, el stop-motion y la electrónica.

La industria publicitaria es uno de los destinos lógicos en los que Physalia Studio plasma sus creaciones. Han trabajado con varias agencias y para marcas como Volkswagen, Samsung, Toyota, Seat y Nokia. Para televisión, han creado la identidad de cadena del Canal Super 3 y alguna pieza gráfica para la MTV. Nos gusta trabajar en cualquier proyecto que nos permita aportar nuestra visión, aunque normalmente es mucho más fácil en proyectos propios o en encargos libres que en proyectos comerciales.

El trabajo para publicidad está limitado en muchos aspectos, no solo de creatividad, en primer lugar por su propia naturaleza. A veces, las limitaciones de tiempo y presupuesto son tan grandes que los proyectos se acaban ajustando a las circunstancias y no a las ideas planteadas.

De ahí que los buenos trabajos publicitarios sean dignos de admirar. Su labor les ha permitido rodearse de auténticos gurús de la animación y el diseño audiovisual en el panorama nacional.

PEDRO FELIPE (Santa Cruz de Tenerife, 1976) Licenciado en Comunicación Audiovisual por la Universidad de Sevilla.

Trabajó como realizador en el Departamento de Autopromoción de Televisión Canaria y como realizador y editor freelance para varias productoras. En la actualidad es realizador en la productora Calimadigital (www.calimadigital.com).

Como redactor, ha colaborado en las revistas de tendencias AM y VIA.

Audiovisual

viaje al planeta physalia Comparten espacio de trabajo con Dvein y Alex Trochut, con quienes colaboran habitualmente.

Sin embargo, sus influencias van mucho más allá. Para nosotros es muy importante otro tipo de inspiración, que no proviene necesariamente de nuestro ámbito, y que sin embargo nos enriquece enormemente. Somos grandes rastreadores y consumidores de internet. Tener acceso a trabajos de artistas de todo el mundo es una gran ventaja.

Por otro lado, la propia naturaleza nos ha servido como punto de partida para muchas ideas.

A veces, las coincidencias son mágicas. La de estos tres jóvenes va camino de serlo, y su dedicación y entrega les ha llevado a convertirse en uno de los estudios más activos durante los últimos años. Su experiencia es objeto de estudio, y son muchas las conferencias y encuentros en los que han participado para explicar sus proyectos y compartir sus ideas.

Mientras, siguen con la mente clara y apostando por lo de siempre. Nuestra lucha siempre ha sido y creemos que será incluir nuestra visión más personal en los proyectos comerciales en los que participamos. Preparamos un nuevo cortometraje y el lanzamiento en los próximos meses del nuevo prototipo de control de cámara.

Un proyecto que, no sin muchísima dedicación, ha crecido más de lo que nunca hubiésemos imaginado. Bienvenidos al planeta Physalia.

1 Mad MMX Para los créditos del festival homónimo se utilizó un scanner 3D 2 Resonance Se explora la relación entre el sonid oy la forma geométrica 3 Physalia Studio Mauro Gimferrer Pablo Barquín Marcos Coral

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El archivo fotográfico Madagascar 1906, constituye una fuente de incalculable valor histórico; la fotografía actúa como prueba, como testigo presencial de un acontecimiento en un lugar y momento determinado del pasado al que debemos interrogar y analizar para extraer todo el conocimiento que atesora.

Yaiza Martín de León

El dibujo siempre ha estado al servicio de la ciencia, siendo fundamental para los estudios de biología, antropología, geología, etc. Los pintores viajeros mostraban lo hallado en exóticos viajes (paisajes, animales, seres humanos, …) y, de esta manera, saciaban la curiosidad de aquellos que anhelaban conocer y aprehender todo lo que nuestro desconocido mundo ofrecía. La aparición y difusión de la cámara fotográfica, aporta una información visual mucho más precisa, por lo que se empleará en diversas investigaciones científicas. Desde el lanzamiento de las Kodak, esta útil herramienta se populariza, logrando ser, progresivamente, el acompañante inseparable del viajero y del científico. Se contemplan con asombro, bellas instantáneas de variada temática, realizadas durante las arriesgadas expediciones, de hombres y mujeres, que redescubren la realidad de remotos lugares.

En octubre de 2011 llega a mis manos un excelente archivo fotográfico. Al ver por primera vez el conjunto de imágenes, comprendí que estaba ante algo importante, el valor de la información representada en aquellos cristales, era inconmensurable. Observándolas, era una espía que se adentra, sin permiso, en la vida de unos desconocidos con el deseo de revelar los secretos que esconden. Sin poder evitarlo, examinando sus rostros, dudaba y me preguntaba si seríamos capaces de averiguar quiénes eran.

El archivo que estoy investigando pertenece a los fondos de la Asociación Zero-Memory Archive, formada por unos enamorados de la cultura, de la fotografía concretamente. Me reuní con sus directores en el Bar Benidorm (en San Cristóbal de La Laguna), y allí nos permitimos entrometernos en la historia de los retratados. Llenos de ilusión, comenzamos a hablar, a divagar con alocadas hipótesis, en definitiva..., comenzamos a disfrutar.

Me relatan los pasos que habían llevado a cabo hasta ese momento; las placas se encontraban

en dos robustas cajas de madera y, algunos, protegidos en sobres (unos sobres en los que pudimos adivinar lo escrito y una fecha que se repite constantemente: 1906). Ya habían iniciado el proceso de conservación escaneando todo el contenido del archivo. Antes de entregarme el preciado tesoro, me facilitaron la pista decisiva, pues con su formidable curiosidad (y gracias a horas de rastreo navegando por Internet), localizaron el lugar donde se habían captado dichas fotografías. Tras contrastar los paisajes y el urbanismo que aparecía en ellas, con numerosas postales antiguas, se confirmaron sus sospechas.

Un valioso proyecto estaba emergiendo. Había nacido Madagascar 1906.

Aceptamos el desafío, un desafío tan hermoso como difícil... conseguir, científicamente, que más de cien placas (de 9cm x 12cm), pertenecientes a la primera década del siglo XX, nos aporten su relevante testimonio. Por lo tanto, estamos ante una investigación interdisciplinar en la que, desde el punto de vista histórico, se busca extraer la mayor cantidad de información posible. Para ello ha sido necesario contar con la enriquecedora cooperación de profesionales que me ayudan a indagar sobre cada uno de los detalles que aparecen en las imágenes. En esta presentación pública del proyecto, no puedo olvidar mencionar el inestimable asesoramiento prestado por Alberto Galván Tudela (Catedrático de Antropología de la Universidad de la Laguna), Juan Carlos Díaz Lorenzo (Investigador, periodista y escritor, experto en temas navales), Concha Herranz (Conservadora-jefe de Indumentaria del Museo del Traje, Madrid), Alejandro Castilla Navarro (Licenciado en Máquinas Navales), Elena Ferrero de la Mano (Licenciada en Historia y premio extraordinario, Universidad de la Laguna), Roberto Alonso Carracedo (Teniente coronel, Licenciado en periodismo), Sophie Baillon (Almoneda) y Mónica Michelle (Investigadora francesa).

Mi primer contacto con el material consistió en clasificar las fotografías en varios grupos, en uno las vistas generales de paisajes costeros, mientras que otras se corresponden con zonas del interior.

Dos más, uno con edificios europeos y en otro, las que relacionamos automáticamente con las casas tradicionales africanas. El tercero, los nativos, subdivididos en aquellos que han sido retratados de forma individual o en grupo, y diferenciados, a su vez, en quienes se cubren con la vestimenta propia de la tribu o los que ya muestran el lógico proceso de aculturación (llevando ropas europeas, pero manteniendo peinados y adornos tribales).

Del resto de fotografías hay que destacar las estereoscópicas y los retratos; este último, protagonizado por militares destinados en Madagascar, lo cual es primordial dado que nuestro enigmático fotógrafo figura en ellas, tanto en sombras (junto a su cámara con trípode), como retratado. A razón de éstas, se ha ido desarrollado una de nuestras tantas hipótesis, la posibilidad de estar ante una mujer fotógrafa.

Actualmente, cada cristal, y envoltorio, cuenta con una ficha específica. Se inspecciona su contenido de forma pormenorizada y, posteriormente, se agrupa en distintas categorías según su contenido. Como ya he dicho, y se puede observar, se trata de un estudio tremendamente complejo, por lo que aún continúa la investigación.

Las postales de la isla de Madagascar, mencionadas anteriormente, están siendo realmente eficaces; nos permiten comprobar cuáles eran las características que llamaban la atención de los viajeros y se aprecian las particularidades que comparten con el archivo, (los

animales, el paisaje, las costumbres de las diferentes tribus, el peinado Betsileo, etc.). Según avanzan nuestras averiguaciones, nos adentramos en la historia de la isla más grande de África, reconocida mundialmente por ser considerada reserva de especies animales y plantas singulares, Madagascar. Su capital, Antananarivo (también llamada Tananarive o Tamatave), es la mayor ciudad del país y fue fundada en 1625. A sus habitantes se les denomina Malgaches (adaptación al francés de la palabra nativa “Malgasy”), siendo los idiomas imperantes el malgache y el francés. Existe una abundante información sobre este país y conocemos, gracias a la labor de acreditados especialistas, las sucesivas presencias en la isla, desde los primeros navegantes malayos y africanos que ocupan el territorio, los constantes intentos de colonización por parte de bantúes, persas, árabes, portugueses, españoles, ingleses y, finalmente, conquistada por los franceses en 1895, convirtiéndose en una de sus colonias al año siguiente. No será hasta 1960, cuando logren la total independencia de Francia y se instituya la República de Madagascar. Aún hoy, no puede decirse que gocen de estabilidad política, siendo constantes las noticias que nos informan de la delicada situación en la que se encuentra el país.

Este atractivo proyecto, está siendo un enorme reto para todos los que nos hemos percatado de su importancia y trascendencia histórica. El trabajo que estamos desarrollando culminará en una gran exposición que contará con elementos que ayuden al visitante a profundizar en el conocimiento de aquel lejano Madagascar 1906.

Dicha muestra, itinerará por distintas capitales europeas finalizando en Madagascar; además, se publicará un libro-catálogo donde quedarán documentadas las imágenes y la información rescatada de las mismas. Afortunadamente, contamos con el apoyo del Organismo Autónomo de Museos y Centros del Cabildo Insular de Tenerife, de la Concejalía de Cultura del Excelentísimo Ayuntamiento de Santa Cruz de Tenerife y de la Concejalía de Cultura del Excelentísimo Ayuntamiento de San Cristóbal de La Laguna.

El archivo fotográfico Madagascar 1906, constituye una fuente de incalculable valor histórico; la fotografía actúa como prueba, como testigo presencial de un acontecimiento en un lugar y momento determinado del pasado, al que debemos interrogar y analizar para extraer todo el conocimiento que atesora.

Gracias a todos los que han colaborado en el inicio de la investigación, por contribuir con ilusión y rigor científico en favor de la cultura internacional.

1 Esta fue una de las instantáneas decisivas para corroborar que el lugar en el que se habían captado las fotografías era Madagascar. El edificio de mayor altura, que vemos a la derecha, se corresponde con el “Le Marché” de Tamatave, (el mercado de la capital, Antananarivo)

2 En 1895 se firma el tratado que confirma a Madagascar como protectorado de la República de Francia. Desde la llegada del Gobernador Gallieni, se precipitan los acontecimientos, de manera que es exiliada la última reina Imerina (o Merina, una de las principales tribus de Madagascar), Ranavalona III (1861-1917). La presencia militar francesa comienza a ser evidente desde muy pronto, la ocupación es total.

Gallieni promueve la ejecución de todo tipo de obras que mejoren la infraestructura y comunicación en la isla. Son los propios Malgaches los que trabajan en la realización de carreteras, caminos, vías de ferrocarril, etc. La fotografía muestra el equipamiento portuario, la iluminación de las calles, la red telegráfica y un jardín de estilo versallesco.

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1 Una de las once fotografías estereoscópicas que se conservan. Este tipo de imágenes fueron realmente populares en las primeras décadas del siglo XX porque son capaces de crear la ilusión de profundidad (3D) al observarse, a través de un visor apropiado, dos instantáneas que se corresponderían con la visión de cada ojo.

2 Escena en la que se pueden ver a los trabajadores del puerto y los militares franceses que han desembarcado de barcos como el Ville de Pernambuco. El uniforme que presentan es de color claro y llevan puesto el denominado casco colonial con barbuquejo (que en ocasiones puede confundirse con el “salacot”), el “zouavo” colonial (pantalones bombachos), polainas de tela, etc.

3 La música y el baile son esenciales en la cultura malgache. Están presentes en todo tipo de celebraciones (agricultura, bodas, muerte, etc.), siendo muy interesantes por su alto grado de improvisación y por las letras de sus canciones (muchas de ellas, refranes con mensajes morales).

4 En el archivo de la Asociación ZeroMemory Archive, existen también imágenes de gran impacto emocional.

Aquellas en las que se muestra a los malgaches retenidos o capturados con cadenas. En este caso, un grupo de hombres identificados como Betsileo, por el característico sombrero trenzado con paja y el lamba que viste uno de ellos, son fotografiados muy armados con sus lanzas y fusiles, mostrando una cabeza cortada (como recuerdos o trofeos de batalla).

5 Muchas de las fotografías del fondo Madagascar 1906, se encuentran en proceso de investigación.

6 En la exposición y libro-catálogo, podremos contemplar hermosas fotografías como esta, en la que la arquitectura tradicional, el paisaje y, lo más importante, las personas (con sus vestidos, el Lamba y demás detalles), nos hablan de la cultura malgache.

7 El Lamba es utilizado por todos los malgaches y según la zona, y material, recibe un nombre distinto. Es una tela tejida en algodón (también de rafía, líber o seda), producida en telares horizontales, que suele ser de color blanco, sin teñir; sin embargo, los lambas, pueden presentar colores y estar ornamentados con frases, rayas, motivos geométricos y vegetales. Los más elaborados se encuentran los betsileo pero sin duda los más exquisitos fueron diseñados para la aristocracia Merina. Lo visten hombres y mujeres, empleado para

transportar objetos, como cabestrillo (para portar a los bebés), envolver a los muertos (Lambamena, sudario de tela), etc.

8 En esta fotografía se puede reconocer el barco, de bandera francesa, Ville de Pernambuco (de más de 2.000 toneladas).

Realizó su primer viaje el 10 de enero de 1882, formando parte de la compañía Chargeurs Réunis, pero en 1905 se convierte en el Ville de Pernambuco de Messageries Maritimes y, finalmente, fue vendido para desguace en 1907. Lo más interesante es que, en torno al año 1900, le fueron asignados servicios en Madagascar.

9 Hombre Betsileo, vestido y calzado a la manera tradicional (similar a otras tribus) pero distinguido con el característico sombrero de paja betsileo (los cuales, suelen estar decorados con alegres colores). Es una de las imágenes más importantes de la colección, pues demuestra la curiosidad e interés antropológico que motivaba la realización de este tipo de retratos.

YAIZA MARTÍN DE LEÓN

Historiadora del Arte.

Realiza su tesis doctoral en la Universidad de Granada. Máster en Métodos y Técnicas avanzadas de investigación histórica, artística y geográfica.

Investigadora, documentalista y correctora de textos científicos, ha participado en la coordinación de los libros Caminos Legendarios.

Los Tercios y el Regimiento Soria en la historia y la cultura y Pájara, Territorio, Memoria e Identidad (ambos dirigidos por el profesor Galante Gómez).

Colaboradora ocasional de la sala Conca y del Rastrillo Portobello (Almoneda).

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Limitadamente inmortal

Emilio Alfaro Hardisson

Hay personas cuya vida resulta inolvidable, porque llegan a este mundo con el único propósito de aportar cosas, de ir repartiendo día a día parte del equipaje que poseen, sin importar a quien, sin esperar nada a cambio. Se trata de seres justos, sinceros y nobles, capaces de trasmitir únicamente paz y bienestar, llenos de ese ángel que hace que en su mirada sólo tenga cabida la buena fe. Como todo en la vida, lo bueno, si es breve (malditamente), dos veces bueno.

Afirmo abiertamente que éste es el caso de Emilio Alfaro Hardisson, cuya muerte en el año 2004 a muchos nos pareció una de sus múltiples bromas.

Nació en 1966 en Zaragoza, de madre canaria, vino a la Isla de Tenerife en su adolescencia, con el propósito de hacernos compañía y enriquecer nuestras vidas. Como a Emilio le gustaba hacer las cosas bien, estudió Historia del Arte y Paleografía.

Más tarde se dedicó a la investigación, materia que siempre lo atrajo e hizo posible contar con él para cualquier proyecto artístico. Con una cultura abrumadora y de conversación prolífera sin rayar jamás la pedantería, conseguía que las horas a su lado transcurrieran como en un retiro Zen, pero eso si, con risas. De su literatura nos dejó un libro de cuentos: Ánimo, valor y miedo en 2004 y el magnífico poemario Ceniza en un puño obra póstuma, ambas publicadas por Artemisa Ediciones. Cuando se fue, quedó un hueco en nuestros corazones, pero leyendo sus historias y poemas siempre podremos rememorar la persona que fue. Llegó como una tormenta de verano y tras su marcha todo quedó cubierto de luces inolvidables, huellas de su recuerdo. En nuestros oídos aún resuena el sonido de su voz y el sentir de sus poemas, mientras nos susurra que su vida, aunque robada, fue limitadamente inmortal.

Una vida azarosa templa el alma como el herrero templa la hoja.

Marchar midiendo las distancias en golpes y cicatrices.

Es preciso marchar

Expuesto a un frío de lobos, carente de refugio, veo desvanecerse mis huellas.

La materia cansada asiste con insolencia a la rápida vulneración de mi andamiaje, sanguínea armadura.

Kolman-Skop

Es preciso abandonar los tiernos prados de la niñez y afrontar el camino con alegría.

Brasas.

Pavesas.

Mi sacrificio deja la impronta de un soplo entre las hojas.

Foto/Tarek Ode

Onfalia paseando entre los mirtos: todo el calor del verano se agolpa

en sus tobillos.

Onfalia riendo y se derrama la mirra.

En la noche de desierto Gadifer siente el perfume de la amargura.

La sed quema menos

El olivo, cornamusa del viento.

Gentes de ultramar, de mirar ausente y voz pedregosa.

Los ojos de los cuervos son dardos.

Miradas gastadas por horizontes basálticos.

Mujeres de gruesos labios y amplias caderas tostadas

que el abandono

Con la sangre crecida de diez días, asomando a una luna menguante me derramo sobre el hueco de tu nombre silenciado.

Bajo el cielo mil estrellas callan lo que tú y yo recordamos.

En el páramo el pedregal y los cuervos, dulce Onfalia de fresco abdomen.

Es el camino eco de lo pies y de los mansos balidos.

El viento, corazón de la palabra.

Últimos días de julio, Corriendo y resoplando Detrás de un sí, Detrás de un no, Saltando mostradores Y la camisa pegada a la espalda.

Y se acerca un mes con alas.

Blando polvo, placenta de los ausentes: los que trazaron los caminos y encajaron las dovelas.

Se aferra a mi garganta el alcanfor de tus murmullos.

Agosto, Y las risas Son blancas nubes Volando hacia el Este.

Sesteo alegre masticando el aire caliente mientras mis frutas me ofrecen sus muslos jadeantes.

Un salto hunde los pies en el agua, unos pasos calmosos y se gana la orilla.

El mar, puente tan azul, queda a las espaldas.

La roca batida por siglos vacíos, sin niños ni arados, exhala un aire que bulle en tenues nubes cargadas de prismas de sal.

Meditan las piedras yertas con los ojos entreabiertos donde gusta acogerse el silencio.

Un puente absurdo.

Un hombre desvió su río.

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Ilustraciones/Ringorrón

chico y rita

ENTREVISTA A FERNANDO TRUEBA

/ CAMINO A HOLLYWOOD

Rosanna Walls

¿Recuerdas el primer cómic que leíste?

La verdad es que no lo recuerdo, tal vez El Capitán Trueno o El Jabato. Pero lo que me gustó de verdad fue Tintín. ¿Eres asiduo lector de TEBEOS? No, no lo he sido. En épocas, de niño, tuve mi época Tintín, mi época Charlie Brown, El Principe valiente me gustaba también de niño.De mayor, ocasionalmente, me han gustado Hugo Prat, Gérard Lauzier, Robert Crumb, y actualmente Chester Brown, y Johan Sfar... ¿Qué cómic regalarías a un buen amigo?

Pascin de Johan Sfar. ¿Y a una amiga?

Persépolis de Marjane Satrapi. ¿Qué te motivó para cambiar de registro y rodar una película de animación?

Las ganas de hacer algo con mi amigo Mariscal. ¿Cómo te enteraste de que Chico y Rita sería candidata a los Oscar?, ¿dónde estabas?

En casa. Lo vi cuando lo anunciaron en televisión, en directo. Porque había un amigo en casa. Si no, tal vez me hubiera quedado en mi despacho, esperando que me avisaran si había alguna noticia buena.

Los Premios RNE Sant Jordi de Cinematografía coronaron a Chico y Rita como mejor película el pasado 30 de enero además, obtuvo el Goya en el 2011, ¿te dan seguridad estos premios de cara a los Oscar?

De cara al Oscar, no. Pero son importantes. Y el Sant Jordi es a la Mejor Película en cualquier categoría. El Goya era de Película de Animación. Hay una diferencia.

Chico y Rita compite por el Oscar con películas de mayor presupuesto como Kung Fu Panda 2, El Gato con Botas o Rango, ¿lo consideras una desventaja?

No creo que una película sea mejor por estar hecha con más dinero. Y tampoco creo lo contrario. Intento no darle muchas vueltas ni pensar en ello. Cuando llegue el momento, lo que sea, será.

Es la primera película española que compite en esta categoría, ¿crees que con tu candidatura puedes ayudar a la gran industria de la animación nacional, desgraciadamente muy desconocida en los grandes mercados?

No sé si, en el caso de que ganáramos el premio, les serviría de ayuda. Pero estoy seguro de que puede animar, motivar a la gente. España siempre ha sido un país de grandes dibujantes, pintores, ilustradores, animadores...

Una vez comprobado el éxito con la animación, ¿seguirás trabajando en este género?

No se puede hablar de éxito. Si acaso, relativo. Con Chico y Rita no hemos ganado un duro. Y, para que fuese posible, tuve que invertir el cien por cien de mi salario. ¡Y trabajar siete años! O sea que hay que tener mucho amor al arte y mucha vocación. La animación para adultos no es un género comercial. La mayoría de los adultos no se les pasa por la cabeza ir a ver una película de animación. Van a ver las infantiles sólo cuando tienen niños. O sea que es un gran riesgo. Al mismo tiempo, creo en el género. Creo que es ideal para contar ciertas historias. Y poco a poco, irá ganando adeptos.

Y sí, espero seguir trabajando en este género; de hecho, con Mariscal llevamos meses hablando de tres proyectos.

O sea que espero esto sirva de ayuda para poder ir haciéndolos.

Dedicaste tu Oscar por Belle Epoque a Billy Wilder porque no creías en Dios.

En esta ocasión, ¿a quién se lo dedicarías?

Pues a Bebo, porque él ha sido la inspiración principal, además de que la música de la película ha sido el último trabajo de su vida.

Y para terminar, ¿cuál ha sido el último cómic que has leído?

Pagando por ello, de Chester Brown. spaincomic.com