MARCH 8 – MAY 11, 2025
THE REFINEMENT
PHOTO BY LANCE GERBER
10 Welcome I Bienvenidos
12 About Desert X I Sobre Desert X
14 Meet the Curators I Conoce a los curadores
16 About the Exhibition I Sobre la exposición
18 Education I Educación
20 How to Experience Desert X I Guía para visitar Desert X
22 Meet the Artists I Conoce a los artistas
46 O ur Donors and Supporters I Nuestros Patronos
54 E xhibition Map I Mapa de la exposición
PHOTO BY LANCE GERBER
SUSAN L. DAVIS Founder and President Fundadora y Presidenta
Abracadabra!
And just like that . . . Desert X 2025 appears in the Coachella Valley for a glorious nine weeks.
Actually, that’s not how it happens at all. Although every Desert X is magical, it isn’t wizardry but the talents, skills, time, and donations of thousands of people that create each exhibition. This year, I’d like to pull back the curtain and explain what it takes to present Desert X.
First, our curatorial team identifies and begins working with various artists one to several years prior to each exhibition. This gives artists, who come from countries around the world, time to visit and learn about the Coachella Valley and imagine an artwork that will resonate with the community, the environment, and you.
The curators work with the artists to ensure that the installation is created at the right size, with appropriate materials, and on budget. Finally, we secure the right location as identified by the artist.
Did you know that nearly all Desert X installations presented are built in the Coachella Valley? Local construction crews work with each artist to realize the artist’s vision. Prior to permitting, the works must be engineered to withstand 110 mph winds and the occasional earthquake. Once built, each one is installed with as little disruption to the landscape as possible and are deinstalled when the exhibition closes to “leave no trace.” The art is returned to the artists.
All the work is orchestrated by the Desert X team, who with the board of directors are simultaneously raising money and in-kind services from generous donors and partners. A devoted group of more than 100 volunteers train to be well versed in helping you and hundreds of thousands of other visitors navigate the exhibition and learn about the artists, their creations, and the Coachella Valley. Team members oversee the Desert X web site, app, social media, press, and marketing. They also develop and produce public and educational programs, which to date have reached more than 4,500 K–12 students and their teachers who spend time with the artists, make films, and create art inspired by our shows.
Visitors from across the valley and around the world are transformed through these art experiences and often share these moments with me. Many remember the way our beautiful valley was reflected in Doug Aitken’s Mirage in 2017. One night-time visitor told me of enjoying the moon and stars as they lit the house’s interior, creating a human-sized kaleidoscope. Recently, I met someone who shared her fascination with Lauren Bon and Metabolic Studio’s 2023 work, returning many times to marvel as the whale-sized heart grew night after night and the Salton Sea water cleared.
You, too, may be especially moved by one work, experience the desert landscape through an artist’s vision, or have a new understanding about an issue thanks to the perspective of an artist you have come to know.
Please enjoy this enchantment, always free of charge through the generosity of our board, donors, municipalities, foundations, cultural partners, local businesses and corporate sponsors who all believe in the magic of art.
¡Abracadabra!
Y así, como por arte de magia… Desert X 2025 aparece en el Valle de Coachella durante nueve gloriosas semanas. Aun cuando cada Desert X sea mágico, sabemos que esto no sucede ¡así como así! Es el talento, las habilidades, el tiempo y las donaciones de miles de personas lo que hace posible cada exposición. Así que este año me gustaría correr el telón y mostrarte qué se necesita para presentar Desert X.
Primero, uno o varios años antes de cada exposición, nuestro equipo curatorial identifica y comienza a trabajar con diversos artistas. A los artistas, que vienen de diferentes países del mundo, esto les da tiempo para visitar y aprender acerca del Valle de Coachella e imaginar una obra que resuene con la comunidad, el medio ambiente y contigo. Luego, los curadores trabajan con los artistas asegurándose que la instalación tenga el tamaño adecuado, los materiales apropiados y se ajuste al presupuesto; para finalmente confirmar con ellos la ubicación de la obra.
¿Sabías que casi todas las instalaciones de Desert X se montan en el Valle de Coachella? Equipos locales de construcción trabajan con cada artista para dar vida a su visión. Antes de obtener los permisos, las obras deben ser diseñadas para resistir vientos de hasta 177 km/h, así como terremotos ocasionales. Ya una vez construidas, éstas se realizan causando la menor alteración posible del paisaje. Al finalizar la exposición, se desinstala “sin dejar rastro”, y las obras son devueltas a sus creadores.
Todo este trabajo es coordinado por el equipo de Desert X, quien a la par que la junta directiva, recauda fondos y servicios de donantes y socios generosos. Un dedicado grupo de más de 100 voluntarios se capacita muy bien para ayudarte a ti y a cientos de miles de visitantes a recorrer la exposición, aprender sobre los artistas, sus creaciones y sobre el Valle de Coachella. Mientras, algunos miembros del equipo supervisan la web de Desert X, nuestra aplicación, redes sociales, prensa y marketing. Desarrollando también programas públicos y educativos que hasta hoy han llegado a más de 4,500 estudiantes de entre 5 y 12 años y sus maestros, quienes pasan tiempo con los artistas, realizan películas y crean obras inspiradas en nuestras exhibiciones.
Visitantes de todo el valle y de todo el mundo han sido transformados por la experiencia Desert X, y a menudo comparten estos momentos conmigo. Muchos recordamos nuestro valle reflejado en Mirage (2017) de Doug Aitken. Una visitante nocturna me contó, emocionada, de qué manera la luna y las estrellas iluminaban el interior de la casa, creando un caleidoscopio a escala humana. Hace poco, también fascinada con la obra de Lauren Bon en 2023, conocí a alguien que había regresado varias veces a ver maravillada ese “corazón” de ballena emerger noche tras noche mientras las aguas del Mar de Salton se iban aclarando.
Probablemente, tú también te has sentido conmovido por alguna obra, al experimentar el paisaje desértico a través de otra mirada, o has tenido una visión diferente de algún tema desde la perspectiva de un artista que acabas de conocer. Si es así, por favor, ¡sigue disfrutando de este encantamiento! Siempre gratuito, gracias a la generosidad de nuestra junta, donantes, municipios, fundaciones, socios culturales, negocios locales y patrocinadores, quienes creen todos en la magia del arte.
Desert X is produced by The Desert Biennial, a not-for-profit 501(c)(3) charitable organization founded in California.
OUR MISSION
Desert X creates and presents international contemporary art exhibitions that engage with desert environments through site-specific installations by acclaimed artists from around the world.
OUR STORY
The history of Desert X is young and ambitious. The organization founded in 2015 on the love of contemporary art and its ability to create cross-cultural dialogue while simultaneously engaging audiences and artists who find the walls of museums and galleries somewhat stifling. Its mission has always been ambitious, seeking to present curated exhibitions of site-specific work by international artists who can amplify our connections with the desert, while also creating a visual response to issues of vast importance to today’s global citizenry.
From its beginning, the organization has called on all its audiences to be brave, engage their sense of adventure, and open their hearts as they seek the various art installations, paying attention not only to their physicality but also to the stories the artworks tell: emotionally, historically, or socially.
LAND ACKNOWLEDGMENT
We acknowledge the Cahuilla People as the original stewards of the land on which Desert X takes place. We are grateful to have the opportunity to work with the Indigenous people in this place. We pay our respect to the Cahuilla People — past, present, and emerging — who have been here since time immemorial.
HELP US PROTECT THE LAND
Desert X consults with site owners and environmental organizations to install artworks and welcome visitors in a manner in which the exhibition leaves no trace after it closes. Desert X adopted guidelines set forth in Reading the Landscape, established by the Mojave Desert Land Trust to help artists responsibly engage with the land and its delicate ecosystems. The protocol calls for treading lightly during creation and visitation to avoid trampling vegetation, degrading soil, and disturbing wildlife in the creation of the art. At the necessary installation sites, Desert X offers access points, pathways, and parking to minimize impact on the land as well as a restoration plan to ensure the experience leaves no trace.
Desert X encourages visitors to follow official Leave No Trace guidelines: Plan ahead and prepare, walk on designated paths, dispose of waste properly, leave what you find, respect wildlife, don’t smoke, and be considerate of other visitors.
Desert X es producido por The Desert Biennial, una organización 501 (c) sin fines de lucro fundada en California.
NUESTRA MISIÓN
Desert X crea y presenta exposiciones internacionales de arte contemporáneo que exploran los desiertos vía instalaciones de arte de sitio específico por artistas de alrededor del mundo.
NUESTRA HISTORIA
La historia de Desert X es corta pero poderosa. Somos una organización fundada en el 2015 por el amor al arte contemporáneo y su habilidad de crear diálogo transcultural y a la vez interactuar con audiencias y artistas que encuentran las paredes de museos y galerías sofocantes. Nuestra misión siempre ha sido ambiciosa—tratando de presentar exposiciones de obras de sitio específico por artistas internacionales que amplifican nuestras conexiones con el desierto mientras crean respuestas visuales a temas importantes del día para nuestra sociedad global.
Desde su inicio la organización ha llamado a su audiencia a ser valiente, interactuar con su sentido de aventura y abrir sus corazones mientras buscan las instalaciones de arte—poniendo atención no solamente a su fisicalidad sino también a las historias que cuentan: emocionalmente, históricamente y socialmente.
RECONOCIMIENTO DE TIERRAS INDÍGENAS Reconocemos a la gente del pueblo Cahuilla como los propietarios originales de las tierras donde se lleva a cabo Desert X. Estamos agradecidos por la oportunidad de trabajar con la gente indígena de este lugar. Respetamos a los Cahuilla, sus ancestros y a los que vendrán después—al pueblo que ha estado aquí desde un principio.
AYÚDANOS A PROTEGER LA TIERRA Desert X consulta con propietarios de terrenos, organizaciones gubernamentales y medioambientales y con expertos para instalar obras de arte y para dar la bienvenida al público de forma de que no dejemos ningún rastro de la exposición después de su conclusión. Desert X ha adoptado las recomendaciones publicadas en Reading the Landscape, un recurso publicado por el Mojave Desert Land Trust con el fin de ayudar a los artistas a trabajar de una forma responsable en un ecosistema tan delicado como el del desierto. En las recomendaciones se les pide que los visitantes al desierto tengan cuidado en pisar ligeramente para no pisotear la vegetación, degradar el suelo, o perturbar la vida silvestre. En los lugares donde se considera necesario, Desert X pone a disposición puntos de acceso, caminos y estacionamiento para reducir el impacto humano en la tierra. Desert X también tiene un plan de restauración para garantizar que la exposición no deje ningún rastro perjudicial en la tierra.
Desert X pide a todos los visitantes unirse a nuestro esfuerzo para proteger el medio-ambiente siguiendo las recomendaciones para no dejar rastro: pise sólo en los caminos designados, deje lo que encuentre, deshágase de los desperdicios adecuadamente, no fume, respete la naturaleza, y sea considerado con los otros visitantes.
NEVILLE WAKEFIELD
Artistic Director Director Artístico
Neville Wakefield is a writer and curator interested in exploring the ways in which art behaves outside of institutional contexts. It is his belief that where art is most successful — its most epiphanic and challenging — is not within the white spaces and clean-cut definitions that have traditionally encased it. Rather, it is to be found in new territories, hybrid spaces that break free of containment and suggest new paradigms. While a senior curatorial adviser to PS1 MoMA and curator of Frieze Projects, he gained a reputation for challenging the conditions that shape art in commercial and noncommercial contexts. He has worked extensively with institutions in the United States and abroad, including the Schaulager Switzerland, where he curated the groundbreaking Matthew Barney retrospective exhibition, Prayer Sheet with the Wound and the Nail, and more recently Divided Landscape, which placed historical works from the Crystal Bridges Museum of American Art collection in dialogue with contemporary visions shaped by non-settler Indigenous and African American experiences. He co-founded Elevation 1049, a site-specific biennial in Gstaad, Switzerland, while maintaining his role as artistic director of Desert X in the Coachella Valley. Wakefield also led Desert X iterations in the desert of AlUla, an ancient oasis in Saudi Arabia. His interests in international cultural exchange while focusing attention on the environmental, natural, social, and historical ecologies of the desert informed his appointment as lead curator of the Noor Riyadh Light Festival and multiple roles on advisory boards in the Middle East and elsewhere.
Neville Wakefield es un escritor y curador interesado en explorar las maneras en cual el arte se comporta fuera de contextos institucionales. Cree que el arte es más existoso—más epifánico y desafiante—fuera del cubo blanco donde tradicionalmente lo encontramos. En territorios nuevos y espacios híbridos es donde el arte sugiere nuevos paradigmas. Cuando fue asesor curatorial en MoMA PS1 y curador de Frieze Projects, formó una reputación de desafiar las condiciones que desarrollan el arte en contextos comerciales y no comerciales. Ha trabajado extensivamente con instituciones en los Estados Unidos y en el extranjero incluyendo el Schaulager en Suiza donde curó la retrospectiva de Matthew Barney titulada Prayer Sheet with the Wound and the nail, y también, más recientemente Divided Landscape en el museo Crystal Bridges. Esta exposición puso en conversación obras históricas de la colección con obras contemporáneas de artistas indígenas y afroamericanos. Fue uno de los co-fundadores de Elevation 1049—una bienal de arte de sitio específico en Gstaad, Suiza. Wakefield es el director artístico de Desert X en el Valle de Coachella y también ha organizado sus ediciones en el desierto de AlUla en Arabia Saudita. Sus intereses en avanzar intercambios culturales internacionales mientras enfoca los contextos sociales, culturales e históricos del desierto han informado su nombramiento como curador del Noor Riyadh Light Festival y su trabajo como asesor en varios contextos globales.
GARCIA-MAESTAS Co-Curator Co-Curadora
Kaitlin Garcia-Maestas is the Curator and Director of Exhibitions at Socrates Sculpture Park in New York City, where she oversees exhibitions, curatorial initiatives, and the Socrates Annual Artist Fellowship, a longstanding program for early-career artists to realize public artworks along the East River waterfront. Born and raised in New Mexico, her curatorial practice challenges the role of colonial narratives in shaping our understanding of land, place, and identity. For over a decade, she has dedicated herself to advocating for and realizing large-scale, site-specific installations by historically underrepresented and early-career artists. Formerly, Garcia-Maestas was Acting Curator of Visual Arts at the Momentary, the contemporary satellite space of Crystal Bridges Museum of American Art, where she developed a robust exhibition program focused on site-specific, architectural interventions, including commissions by Martine Gutierrez, Matthew Barney, Xaviera Simmons, Nicholas Galanin, Andrea Carlson, and Tavares Strachan. Recent exhibitions include Suchitra Mattai: We are nomads, we are dreamers (2024, Socrates Sculpture Park), Mary Mattingly: Ebb of a Spring Tide (2023, Socrates Sculpture Park), Yvette Mayorga: What a Time to Be (2022, the Momentary), and A Divided Landscape, co-curated with Neville Wakefield (2022, the Momentary).
Kaitlin Garcia-Maestas es Curadora y Directora de Exposiciones en Socrates Sculpture Park en Queens. Nueva York, donde supervisa el programa de exposiciones, las iniciativas curatoriales y la Beca Anual para Artistas de Socrates, un programa de larga trayectoria que permite a artistas en etapa inicial de sus carreras realizar obras de arte público.
Nacida y criada en Nuevo México, su práctica curatorial cuestiona el papel de las narrativas coloniales en la configuración de nuestra comprensión de la tierra, el lugar y la identidad. Durante más de una década, se ha dedicado a defender y materializar instalaciones a gran escala y de sitio específico, realizadas por artistas históricamente subrepresentados y en las primeras etapas de su carrera. Anteriormente, Garcia-Maestas fue curadora interina de Artes Visuales en The Momentary, el espacio satélite contemporáneo del Crystal Bridges Museum of American Art, donde desarrolló un programa de exposiciones centrado en intervenciones arquitectónicas de sitio específico, incluyendo comisiones de Martine Gutierrez, Matthew Barney, Xaviera Simmons, Nicholas Galanin, Andrea Carlson y Tavares Strachan. Exposiciones recientes incluyen Suchitra Mattai: We are nomads, we are dreamers (2024, Socrates Sculpture Park), Mary Mattingly: Ebb of a Spring Tide (2023, Socrates Sculpture Park), Yvette Mayorga: What a Time to Be (2022, el Momentary) y A Divided Landscape, co-curada con Neville Wakefield (2022, el Momentary).
KAITLIN
In the Coachella Valley, where time unfolds in geological epochs and the wind weaves stories through ancient mountains, a profound reverence for the enduring spirit of this harsh yet resilient region prevails. This edition of Desert X invites us to reflect on the desert’s deep-time evolutions and encourages us to glean wisdom from its vast knowledge.
The desert is far from an empty expanse. Here, the landscape acts as a canvas of real and imagined histories, narrating tales of displacement, sovereignty, and adaptation superimposed over visible testaments of time. In the Coachella Valley, finding an unobstructed view of the natural landscape is increasingly challenging, as evidence of humanity’s attempts to corral and shape nature appears in every direction. The impress of humanity upon this ancient land is omnipresent, in all its splendor and devastation. Artists who once sought the boundless expanse of a landscape transformed primarily by natural forces — wind, occasional rain, light, and changes in vegetation — now find their experiences are circumscribed by encroaching development. Consequently, ideas of wilderness are being reframed. Desert X, curated by the place it temporarily inhabits, engages with these ideas. The effects of the climate crisis, so vividly and tragically manifest this year, are a direct consequence of what we choose or chose not to build.
The artists participating in Desert X 2025 are acutely aware of their role in inspiring alternative perspectives on a world increasingly encircled by human presence. These 11 projects explore nonlinear narratives of desert time, creating spaces where ancestral wisdom intertwines and sometimes collides with contemporary visions for our collective future. Agnes Denes’ The Living Pyramid evokes time immemorial, yet it is the lifecycle of the plants — their growth, transformation, and eventual death — that brings the structure to life, reminding us that care and nurturing embody the spirit of our endurance. Themes of temporality resonate throughout this exhibition — whether capturing the elusive flicker of light reflecting off Raphael Hefti’s artificial horizon, showcasing the deep geological time represented by Jose Dávila’s displaced monolithic stone blocks, or manifesting Indigenous futurism in Cannupa Hanska Luger’s time-jumping caravan.
Architecture stands as the most visible testament to our transformative presence. Inspired by midcentury modernism, Kapwani Kiwanga’s pavilion symbolizes the migrations that contest the white supremacy upon which Palm Springs was built. Alison Saar’s Soul Service Station reimagines a small gas station rest stop, inviting us to consider the need for spiritual replenishment over fossil fuel. Ronald Rael’s Adobe Oasis bridges the ancient and the modern, pointing out the environmental impact of traditional architecture. This fully sustainable structure, crafted using a robot that Rael has adapted for 3-D printing adobe, will naturally dissolve back into the earth.
Muhannad Shono’s installation, which features sand-impregnated fabric, highlights the influence of wind in shaping undulating dunes, reminding us that change is the only constant. Sanford Biggers draws inspiration from the unseen elements of the desert, creating a pair of clouds that evoke the promise of much-needed water for our parched collective psyche. Light, equally elusive, imbues the landscape with a unique glow. Using caustic technology, Sarah Meyohas explores the ineffable effects of light on water’s surface, creating reflections of rippling patterns of text onto an architectural ribbon flowing through the desert sands. Kimsooja employs a special optical film to diffract sunlight into vibrant rainbow spectrums. This diffraction film, applied to the spiral form of a glass pavilion, creates an interactive performance space that invites us to engage with the very fabric of light, revealing a world beyond the naked eye.
As the landscape evolves and adapts, so do the artists and their responses. Fifty years ago, land art consisted largely of white men using the vast expanse of wilderness as a gestural canvas. Today, Desert X reflects a transformation: California is no longer the mythical expanse of the American West, it is now a place marked by the despoiling effects of human intervention. While artists remain inspired by the notion of unadulterated nature, they acknowledge the complex and contested realities of our world. Time, light, and space permeate every aspect of this exhibition, coupled with an urgency to imagine new, sustainable ways of living in an increasingly imperiled world. In witnessing the desert’s wisdom, these artists invite us to carry forward its enduring resilience.
En el Valle de Coachella –donde el tiempo se despliega en épocas geológicas y el viento teje historias a través de montañas antiguas–, prevalece un profundo respeto por el inquebrantable espíritu de esta región dura pero resiliente. La presente edición de Desert X nos invita a reflexionar sobre el tiempo profundo del desierto y sus evoluciones, a aprender de su inagotable sabiduría.
El desierto está lejos de ser un espacio vacío. Aquí el paisaje es un lienzo que contiene historias reales e imaginarias, relatos sobre el desplazamiento, la soberanía y la adaptación, como un palimpsesto visible en los vestigios del tiempo. En el Valle de Coachella, hallar una vista natural del horizonte sin obstáculos de por medio es cada vez más difícil, en todas direcciones hay evidencia de intentos humanos por encerrar o moldear la naturaleza. La huella de nuestra especie sobre esta tierra ancestral es omnipresente, en su esplendor y devastación. Los artistas que antes procuraban un paisaje amplio transformado por fuerzas elementales —viento, lluvia ocasional, luz y vegetación cambiante— ahora encuentran esta experiencia delimitada por desarrollos crecientes. En consecuencia, la noción de desierto está siendo
también redefinida. Desert X, se involucra con estas ideas pues su curaduría está vinculada con el lugar que temporalmente habita. Los efectos de la crisis climática, manifestados de manera tan clara y trágica este año, son resultado directo de nuestras decisiones sobre qué construir y qué no.
Los artistas que participan en Desert X 2025 son conscientes de cómo su trabajo puede inspirar perspectivas alternativas en un mundo cada vez más circunscrito por la presencia humana. Estos 11 proyectos exploran narrativas del tiempo no lineal del desierto, creando espacios donde la sabiduría ancestral se entrelaza, a veces colisiona, con visiones contemporáneas de nuestro futuro colectivo. La pirámide viva de Agnes Denes evoca un tiempo inmemorial, es el ciclo de las plantas — su crecimiento, transformación y eventual muerte— lo que da vida a la estructura, recordándonos que el cuidado y la atención encarnan el espíritu de nuestra resistencia. Los temas de la temporalidad resuenan en toda la exposición, ya sea en el fugaz destello de luz reflejado en el horizonte artificial de Raphael Hefti, el tiempo geológico profundo representado en los migrantes bloques monolíticos de José Dávila, o en el futurismo indígena en la caravana que salta en el tiempo de Cannupa Hanska Luger.
La arquitectura es el testimonio más visible de nuestra transformadora presencia. Inspirado en el modernismo de mediados de siglo, el pabellón de Kapwani Kiwanga simboliza las migraciones que desafían la supremacía blanca sobre la que Palm Springs fue construido. Estación de servicio para el alma de Alison Saar reimagina una estación de tránsito, invitándonos a considerar una recarga espiritual en lugar del consumo de combustibles fósiles. Oasis de adobe de Ronald Rael conecta lo antiguo con lo moderno, señalando el impacto ambiental de la arquitectura tradicional. Esta estructura sostenible, construida con un robot que Rael adaptó para la impresión 3-D con adobe, se disolverá eventualmente de forma natural regresando a la tierra.
La instalación de Muhannad Shono, que incorpora tela impregnada de arena, resalta la colaboración del viento en la formación de dunas ondulantes, recordándonos que el cambio es la única constante. Sanford Biggers se inspira en los elementos invisibles del desierto, creando un par de nubes que evocan la promesa del agua, tan necesaria para nuestro agotado espíritu colectivo. La luz, igualmente elusiva, impregna el paisaje con un brillo único. Utilizando tecnología cáustica, Sarah Meyohas explora los efectos inefables de la luz sobre la superficie del agua, creando reflejos de patrones ondulantes de texto en una arquitectónica banda que atraviesa las arenas del desierto. Kimsooja emplea una película óptica especial para descomponer la luz solar en vibrantes espectros de arcoíris. En forma de espiral, el pabellón de vidrio, cubierto por esta lámina, crea un espacio interactivo que invita a vincularnos con la esencia misma de la luz, revelando un mundo más allá de lo que percibe el ojo desnudo.
A medida que el paisaje evoluciona y se adapta, también lo hacen los artistas y sus respuestas. Hace cincuenta años, el land art consistía en su mayoría en hombres blancos utilizando la vasta extensión del desierto como un lienzo gestual. Hoy, Desert X es el reflejo de una transformación: California ya no es la mítica extensión del Oeste americano, sino un lugar marcado por los efectos depredadores de la intervención humana. Aunque los artistas siguen inspirándose en la idea de la naturaleza inalterada, reconocen las realidades complejas y problemáticas de nuestra tierra. El tiempo, la luz y el espacio impregnan cada aspecto de esta exposición, pero también la urgencia de imaginar nuevas formas sostenibles de habitar un mundo cada vez más amenazado. Al ser testigos de la sabiduría del desierto, estos artistas nos invitan a continuar su inquebrantable resiliencia, a llevarla con nosotros en el tiempo.
Creating With the Desert X Art Club
Since its founding in 2015, Desert X has built authentic creative communities with Southern California youth and has impacted over 4,500 K–12 students across all three public school districts of the Coachella Valley. We work in Studio Art, Digital Storytelling, English Language Arts, Social Studies, and Science classrooms to engage young creatives in the themes and ideas of Desert X and offer students one-of-a-kind opportunities to meet and collaborate with world-renowned artists.
Our Digital Storytelling students make dynamic documentaries with and about Desert X artists and their installations. Our Studio Art students go behind the scenes to learn about and contribute to artists’ installations, then respond with their own creative expressions. Our Photography students hone their aesthetic and technical skills through a monthlong workshop with our signature photographer, Lance Gerber. Our Journalism students are granted priority access on our Press Day and produce multimedia breaking news pieces about the artists of Desert X.
To ensure every interested student has an opportunity to discover Desert X, we design and finance a field trip program of bus tours for K–12 students, providing tour guides and learning materials to inspire students to connect and create. During our 2023 edition, our field trip program served more than 2,000 students.
When school is out for the day, the Desert X Art Club remains on campus with a robust program of after-school enrichment programs. Each school year, our Desert X Art Club runs three 10-week-long programs for middle and elementary Studio Art and Digital Storytelling students, providing
opportunities to take field trips, meet artists, discover public art, and contribute to the creative community of the Coachella Valley. Between 2023 and 2024, our Desert X Art Club program impacted more than 500 students across 27 clubs, empowering young people to expand their creative horizons and collaborate with our partner organizations.
As we engage and inspire students in the classroom, after school, and in the field, we also provide a powerful platform for their creative voices to be heard and celebrated. Through our annual two-week long Desert X Art Club Exhibition, the creative voices of Coachella Valley youth are seen, heard, and celebrated as they respond to both Desert X and the desert they call home.
Creando con Desert X Art Club Desde su fundación en 2015, Desert X ha construido auténticas comunidades creativas de jóvenes del sur de California, involucrado a más de 4,500 estudiantes de entre 5 y 12 años, en los tres distritos escolares del Valle de Coachella. Mediante talleres de Arte, Narrativas Digitales, clases de Lengua y Literatura, Humanidades y Ciencias, trabajamos con jóvenes creativos que se involucran con temas e ideas
In school and in the field, Desert X inspires young people to create and be heard. / En la escuela y en el campo, Desert X inspira a los jóvenes a crear y ser escuchados.
presentes en Desert X, ofreciendo oportunidades únicas para conocer y colaborar con artistas de renombre internacional.
Nuestros estudiantes de Narrativas Digitales realizan documentales dinámicos con y acerca de los artistas de Desert X y sus instalaciones. En los talleres de Arte, acceden al detrás de escena para aprender sobre las obras de los artistas y contribuir luego desde sus propias expresiones creativas. En Fotografía, nuestros estudiantes perfeccionan sus habilidades estéticas y técnicas durante un mes de trabajo con nuestro fotógrafo principal, Lance Gerber. Y, con acceso prioritario al Día de Prensa, nuestros estudiantes de Periodismo producen relevantes notas multimedia acerca de los artistas.
Para garantizar que todos los estudiantes interesados tengan la oportunidad de descubrir Desert X, diseñamos y financiamos un sólido programa de recorridos en autobús para ellos, facilitando guías y materiales de aprendizaje, inspirándolos a conectarse y crear. Durante nuestra edición de 2023, este programa de excursiones atendió a más de 2,000 estudiantes.
Cuando termina la jornada escolar, el Desert X Art Club permanece en el campus con un amplio programa de enriquecimiento extracurricular.
Cada ciclo, nuestro Desert X Art Club organiza tres programas de 10 semanas para estudiantes de los talleres de Arte y Narrativas Digitales a nivel primaria y secundaria, ofreciendo excursiones únicas en las cuales pueden conocer artistas, descubrir el arte público y contribuir a la comunidad creativa del Valle de Coachella. Entre 2023 y 2024, nuestro programa Desert X Art Club impactó a más de 500 estudiantes en 27 clubes, empoderando a la juventud a expandir sus horizontes creativos y a participar con nuestras organizaciones asociadas.
Mientras involucramos e inspiramos a los estudiantes en el aula y fuera del aula, proporcionamos también una poderosa plataforma para que sus voces sean escuchadas y celebradas. A través de nuestra exposición anual de dos semanas del Desert X Art Club, las creaciones de los jóvenes del Valle de Coachella son vistas, escuchadas y aplaudidas, pues responden tanto a Desert X como al desierto al que nuestros estudiantes también llaman hogar.
This is How to Do Desert X
1. DOWNLOAD THE APP
The free Desert X app is available at the Apple or Google Play app stores.
Read about the artists and their installations, get turn-by-turn driving directions, and more.
2. VISIT THE HUB
Pick up a printed program, purchase Desert X swag, and meet friendly volunteers who will help you plan your visit and provide information about the exhibition.
2–5 p.m. Saturday and Sunday
10 a.m.–5 p.m.
3. GEAR UP IN DESERT X MERCH
Pick up commemorative merchandise including T-shirts, sweatshirts, hats, socks, tote bags, coffee mugs, hydro flasks, and notebooks. Visit Windmill Super #1 in Palm Springs or shop online at desertx.org.
463 N. Palm Canyon Drive, Palm Springs super-number-one.com
4. SIGN UP FOR THE NEWSLETTER
Be the first to know about public programs, artist news, and more. Sign up for our newsletter at desertx.org.
5. MEET OUR DOCENTS
Our volunteer docents share their knowledge of the exhibition and of the Coachella Valley on Saturdays and Sundays. Check desertx.org for locations and hours.
6. MAKE A DONATION
Desert X, a 501(c)3 nonprofit organization, is funded by individuals and organizations who believe in the transformative power of art. Help us make a difference. Donate at desertx.org or send a check to Desert X, P.O. Box 4050, Palm Springs CA 92263.
Así es como se hace Desert X
1. DESCARGAR LA APLICACIÓN
La aplicación gratuita Desert X está disponible en las tiendas de aplicaciones Apple o Google Play. Obtén información sobre los artistas y sus instalaciones, indicaciones paso a paso para llegar y más.
2. VISITA EL CENTRO
Toma un programa impreso, adquiere algún producto de Desert X y conoce a nuestros amables voluntarios que te ayudarán a planificar tu visita y te proporcionarán información sobre la exposición.
UBICACIÓN
Thompson Palm Springs
414 N. Palm Canyon Drive Palm Springs
HORARIO
Viernes
2–5 p.m.
Sábado–Domingo
10 a.m.–5 p.m.
3. EXPLORA LA MERCANCÍA DE DESERT X
Compre artículos como camisetas, sudaderas, gorras, calcetines, bolsos, tazas de café, termos y cuadernos. Visite Windmill Super #1 en Palm Springs o compre en línea en desertx.org.
463 N. Palm Canyon Drive, Palm Springs super-number-one.com
4. SUSCRÍBETE AL BOLETÍN INFORMATIVO
Sea el primero en enterarse de los programas públicos, noticias de artistas y más. Suscríbase a nuestro boletín informativo en desertx.org.
5. CONOZCA A NUESTROS DOCENTES
Nuestros guías voluntarios comparten sus conocimientos sobre Desert X y el Valle de Coachella los sábados y domingos. Consulta desertx.org para conocer las ubicaciones y los horarios.
6. HAZ UNA DONACIÓN
Desert X, una organización sin fines de lucro 501(c)3, está financiada por personas y organizaciones que creen en el poder transformador del arte. Ayúdenos a marcar la diferencia. Done en desertx.org o envíe un cheque a Desert X, P.O. Box 4050, Palm Springs CA 92263.
SANFORD BIGGERS JOSE DÁVILA AGNES DENES
CANNUPA HANSKA LUGER
HEFTI
RAPHAEL
KIMSOOJA
KAPWANI KIWANGA
SARAH MEYOHAS
ALISON SAAR
RONALD RAEL
MUHANNAD SHONO
Sanford Biggers is a multimedia artist whose practice encompasses painting, sculpture, video, photography, music, and performance. As an artistic intermediary, he disrupts established narratives, weaving U.S. history into broader global frameworks. By remixing cultural symbols and intervening in historical forms, he complicates collective mythologies and reimagines traditions. His work reflects personal experiences, from his early engagement with graffiti art in Los Angeles to his time living in Japan, shaping his ability to bridge disparate cultural and historical contexts.
Unsui (Mirror) features two towering sequin sculptures set against the expansive desert sky. Clouds, a recurring motif in Biggers’ work, symbolize freedom, boundlessness, and interconnection. Drawing on Biggers’ study of Buddhism, these clouds — or unsui (“clouds and water” in Japanese) — embody unencumbered movement. Shimmering in the desert light, they evoke a feeling of timelessness and transcendence.
Standing over 30 feet tall, the sequin-covered clouds shift with the sunlight and wind. They symbolize change and continuity, forecasting rain and storms while reflecting the interplay between natural phenomena and cultural symbolism. This context grounds Biggers’ exploration of memory and identity within a shared visual and experiential language.
Situated at the James O. Jessie Desert Highland Unity Center in Palm Springs, these clouds convey a message of hope and freedom. This historic Black community was established in the 1960s after the forced displacement of residents of color from Section 14, a square mile of land near downtown Palm Springs. Activists whose families reside in Desert Highland Gateway Estates continue toward reparations efforts today.
Sanford Biggers es un artista multimedia cuya práctica abarca pintura, escultura, video, fotografía, música y performance. Como intermediario artístico, desarma narrativas establecidas, tejiendo la historia de Estados Unidos con esquemas globales más amplios. Al mezclar símbolos culturales e intervenir en formas históricas, Biggers complica las mitologías colectivas y reimagina las tradiciones. Su trabajo refleja experiencias personales –desde sus temprana incursión en el graffiti en Los Ángeles hasta la temporada que vivió en Japón– que moldean su capacidad de conectar dispares contextos culturales e históricos.
Unsui (Espejo) presenta dos esculturas elevadas cubiertas de lentejuelas, contra el vasto cielo desértico. Las nubes son un motivo recurrente en su trabajo; simbolizan libertad, infinitud e interconexión. Inspirados en sus estudios sobre Budismo, estos unsui (“nubes y agua” en japonés) encarnan un movimiento abierto. Brillando entre la luz del desierto, evocan una sensación de atemporalidad y trascendencia.
De más que 30 pies de altura, estas nubes de lentejuelas cambian con la luz del sol y el viento. Representan transformación y continuidad, anticipan lluvias y tormentas, reflejando la interacción entre fenómenos naturales y simbolismo cultural. En este contexto, Biggers explora la memoria y la identidad dentro de un lenguaje visual y experiencial compartido.
Ubicadas en el James O. Jessie Desert Highland Unity Center en Palm Springs, estas nubes transmiten un mensaje de esperanza y libertad. Esta histórica comunidad negra se estableció en la década de 1960 después del desplazamiento forzado de residentes de color de la Sección 14, una milla cuadrada de terreno cerca del centro de Palm Springs. Activistas cuyas familias residen en Desert Highland Gateway Estates continúan hoy luchando por los esfuerzos de reparación.
SANFORD BIGGERS
Commissioned in partnership with Buckhorn Public Arts.
UBICACIÓN
James O. Jessie Desert Highland Unity Center, 480 W. Tramview Road, Palm Springs 33.866812, -116.552171
JOSE DÁVILA
Material density, gravity, and time are central to most of Jose Dávila’s practice. Known for sculptures that explore different balances created by opposing forces, Dávila has created a work for Desert X 2025 that spans both space and time. The marble blocks used in this piece are unaltered extractions from a quarry a few hundred miles across the U.S.–Mexico border.
Drawing on Robert Smithson’s concept of site/nonsite dialectics, Dávila connects the two locations by highlighting the presence and absence of the rough-hewn forms. By taking the material from one place and adding it in another, he establishes a relationship between the void of its origin and the striking presence it creates in a foreign landscape. This notion of site and nonsite also plays with the idea of visibility itself.
To reach their new home in the Coachella Valley, the stone blocks had to cross the border. In this migration, they also traversed a metaphorical border between the seen and the unseen. Appearing as if from nowhere, Dávila’s casually stacked marble blocks appear splintered across both time as well as space. Moved by the invisible forces of unknown histories, they evoke the archeological relics of ancient civilizations and the potential future of life beyond our own.
Wandering through the site invites speculation about our place within the vast frameworks that shape space and time. Like ruins in reverse, Dávila’s marble formations suggest a suspended state of becoming, representing the end of something old and the beginning of something new. Standing amidst them prompts reflection on our transient position within an infinite expanse.
Generous support is provided by ARCA.
LOCATION
Worsley Road between Pierson Boulevard and Painted Hills Road, Desert Hot Springs
33.948739, -116.592615
UBICACIÓN
Worsley Road entre Pierson Boulevard y Painted Hills Road, Desert Hot Springs
33.948739, -116.592615
La densidad material, la gravedad y el tiempo son elementos centrales en la práctica de Jose Dávila. Reconocido por sus esculturas que exploran el equilibrio entre fuerzas opuestas, para Desert X 2025, Dávila crea una obra que sucede en el espacio y el tiempo. Los bloques de mármol utilizados en esta pieza, son extracciones inalteradas de una cantera ubicada a unos cientos de millas al otro lado de la frontera entre Estados Unidos y México.
Partiendo de la dialéctica sitio/no sitio de Robert Smithson, la obra juega con la idea de visibilidad, conectando ambos lugares desde la presencia y la ausencia de esas formas toscamente talladas. Al tomar el material de un lugar y depositarlo en otro, Dávila establece una relación entre el vacío que deja en su origen y la presencia imponente que crea en el paisaje extranjero.
Para llegar al Valle de Coachella, su nuevo hogar, estas enormes piedras tuvieron que
migrar, cruzar una frontera real y metafórica entre lo visible y lo invisible. Casi como si hubieran emergido de la nada, apilados casualmente por Dávila, los bloques de mármol aparecen fragmentados en el tiempo y en el espacio. Monolitos movidos por fuerzas invisibles de historias desconocidas que evocan restos arqueológicos de civilizaciones antiguas, así como el potencial de un futuro más allá de nosotros.
Como ruinas invertidas, El acto de estar juntos sugiere un estado suspendido entre el fin de algo antiguo y el comienzo de algo nuevo. Deambular a través de estas formaciones de mármol invita a relfexionar sobre nuestro lugar dentro de los vastos marcos que dan forma al espacio y al tiempo, a pensar nuestro lugar transitorio como parte de una vasta e infinita expansión.
Con apayo generoso de ARCA.
The Living Pyramid is both a monumental sculpture and an environmental intervention by pioneering artist and philosopher Agnes Denes. Commissioned as part of Desert X 2025, the work unites Denes’ powerful public landworks with her ongoing exploration of the pyramid, a form that has been central to her practice throughout her 50-year career.
For Denes, “art exists in a dynamic, evolutionary world where objects are processes and forms are dynamic patterns, where measure and concepts are relative, and reality itself is forever changing.” The Living Pyramid bears witness to this. The form is hierarchical, echoing the idea of Sunnylands as the Camp David of the American West, a place where political and thought leaders from across the globe have convened “to promote world peace and facilitate international agreement.” At the same time, the pyramid constantly changes. Planted with native vegetation, its structure and appearance transform according to the slow growth cycles of the desert environment. Over the course of six months, the plants will sprout and bloom, some will go to seed, and some will die. This process reflects the organic development of nature as it interacts with the pyramid, one of the most iconic forms of human civilization.
“While the pyramids are based on mathematics and thus achieve a kind of perfection, they contain all the imperfections they are dealing with or are representing and visualizing,” Denes says. Activated through educational programs promoting environmental awareness and conservation, the tiers of The Living Pyramid extend beyond visible structure, becoming a social construct that cultivates a micro-society of people responsible for its construction, planting, and ongoing care.
AGNES DENES
son relativos, y la realidad misma está siempre cambiando”. La pirámide viva da testimonio de ello. Su forma jerárquica, reverbera la idea de Sunnylands como un “Camp David del oeste americano,” donde líderes políticos e intelectuales del mundo se reúnen “para promover la paz mundial y facilitar acuerdos internacionales”. Al mismo tiempo, la pirámide cambia constantemente. Sembrada de plantas nativas, su estructura y apariencia se transforman según los lentos ciclos de crecimiento en un entorno desértico. Durante seis meses, plantas brotarán y florecerán, unas producirán semillas y otras morirán. Este proceso refleja el carácter orgánico de la naturaleza en la pirámide misma, una de las formas más icónicas de la civilización humana.
La pirámide viva es una escultura monumental a la vez que una intervención ambiental de la artista, pionera y filósofa Agnes Denes. Comisionada para Desert X 2025, la obra une los poderosos trabajos de intervención en terrenos públicos de Denes con su continua exploración de la pirámide, como forma central en su práctica a lo largo de su carrera de más de 50 años.
Para Denes, “el arte existe en un mundo dinámico y evolutivo donde los objetos son procesos y formas, patrones variables, donde medidas y conceptos
“Estrechamente ligadas a las matemáticas y por tanto a una idea de perfección, las pirámides, contienen también las imperfecciones con las que lidian, o representan, visualizan”, dice Denes. Activada a través de programas educativos que promueven la conciencia ambiental y la conservación, La pirámide viva extiende sus niveles más allá de su estructura visible. Se transforma en un constructo que cultiva una microsociedad de personas responsables de su creación, crecimiento y continuo cuidado.
Este proyecto cuenta con el apoyo del National Endowment for the Arts y Sunnylands Center & Gardens.
Sunnylands Center & Gardens, 37977 Bob Hope Drive, Rancho Mirage (Check sunnylands.org for opening hours.)
33.780500, -116.406167
UBICACIÓN Sunnylands Center & Gardens, 37977 Bob Hope Drive, Rancho Mirage (Visite sunnylands.org para horano de apertura.)
33.780500, -116.406167
b. Budapest, Hungary, 1931, based in New York City / n. Budapest, Hungría, 1931, con sede en Nueva York
This project is supported in part by the National Endowment for the Arts. Generous support is provided by Sunnylands Center & Gardens.
CANNUPA HANSKA LUGER
G.H.O.S.T. Ride
Generative Habitation Operating System Technology
Cannupa Hanska Luger’s multidisciplinary practice blends bold visual storytelling with an Indigenous worldview, reframing our understanding of collective humanity. Born on the Standing Rock Reservation in North Dakota and an enrolled member of the Three Affiliated Tribes of Fort Berthold, the New Mexico–based artist connects materials including clay, textiles, steel and digital media to ancestral knowledge and contemporary material culture.
G.H.O.S.T. Ride expands Luger’s Future Ancestral Technologies (FAT) series, which uses speculative fiction to envision sustainable, land-based futures. The series imagines Indigenous communities utilizing innovative technologies to live in attunement with land and water, challenging colonial paradigms of extraction and exploitation.
For Desert X, Luger reimagines his iconic artwork, Repurposed Archaic Technology vehicle (aka RAT Rod), into a nomadic installation traversing through the Coachella Valley over nine weeks, stopping at various sites. Camouflaged in reflective vinyl, the vehicle merges with the environment, acting as both a mirror and an extension of the landscape. It incorporates industrial detritus, ceramics, and a tipi and is equipped with speculative water and light gathering systems inspired by Luger’s vision of an adaptive future. Visitors may encounter the vehicle’s time-traveling occupants — a family from an undefined future — offering insights into possible modes of survival.
Grounded in the ethos of Future Ancestral Technologies, Luger’s approach positions technology as a vessel for transmitting ideas across time and space. G.H.O.S.T. Ride invites viewers to radically reimagine coexistence among human and nonhuman realms, encouraging reflection on the enduring significance of land over the fleeting nature of human infrastructure. According to the artist, “This project reverses how the desert survives with unimaginable deep time evolutions and asks us to consider what we may learn from the desert, if we focus on its knowledge.”
LOCATION
This is a mobile installation visiting various locations. Visit desertx.org for current location.
Mandan, Hidatsa, Arikara, and Lakota
b. Standing Rock Reservation, Fort Yates, North Dakota, 1979, based in Glorieta, New Mexico
n. Reserva de Standing Rock, Fort Yates, Dakota del Norte, 1979, con sede en Glorieta, Nuevo México
UBICACIÓN
Es una instalación móvil que recorre diversos sitios. Consulta desertx.org para saber su ubicación actual.
G.H.O.S.T. Ride/Paseo FANTASMA
Tecnología de sistema operativo de vivienda generativa
La práctica multidisciplinaria de Cannupa Hanska Luger combina una narrativa visual audaz con una cosmovisión indígena, reformulando nuestra comprensión de la humanidad colectiva. Nacido en la Reserva de Standing Rock en Dakota del Norte y miembro de las Tres Tribus Afiliadas de Fort Berthold, este artista radicado en Nuevo México conecta materiales como arcilla, textiles, acero y medios digitales con el conocimiento ancestral y la cultura material contemporánea.
G.H.O.S.T. Ride amplía la serie Future Ancestral Technologies (FAT) de Luger, que utiliza la ficción especulativa para imaginar futuros sostenibles en la tierra. La serie concibe comunidades indígenas utilizando tecnología de punta para vivir en sintonía con la tierra y el agua, desafiando paradigmas coloniales de extracción y explotación.
Para Desert X, Luger reinventa su emblemática obra Repurposed Archaic Technology (RAT Rod), en una instalación nómada que recorre el Valle de Coachella durante nueve semanas, deteniéndose en varios lugares. Camuflado con vinilo reflejante, el vehículo se fusiona con el entorno, operando como un espejo y una extensión del paisaje. Incorpora desechos industriales, cerámica, un tipi y dispositivos tecnológicos imaginarios, equipado con sistemas especulativos de recolección de agua y luz inspirados en la visión de Luger de un porvenir adaptativo. Los visitantes pueden encontrarse con los ocupantes del vehículo (viajeros en el tiempo que provienen de un futuro indefinido), ofreciendo perspectivas posibles para la supervivencia.
Enraizado en las premisas de Future Ancestral Technologies, el enfoque de Luger posiciona la tecnología como un medio para transmitir ideas a través del tiempo y el espacio. G.H.O.S.T. Ride nos motiva a reimaginar radicalmente la coexistencia entre reinos humanos y no humanos, alentando a la reflexión sobre la condición perdurable de la tierra frente a la fugacidad de la infraestructura humana. Según el artista, “Este proyecto revierte la forma en que el desierto sobrevive a través del tiempo profundo de inimaginables evoluciones y nos invita a considerar qué podemos aprender de él si reparamos en su conocimiento.”
Con el generoso apoyo de Garth Greenan Gallery. Alimentado por el sol a través de SOLARPUNKS.
Generous support is provided by Garth Greenan Gallery. Powered by the sun via SOLARPUNKS.
Growing up in the Alps, Swiss artist Raphael Hefti developed a deep understanding of landscape shaped by the dramatic evidence of tectonic pressure. Conditioned by the surrounding mountains, he later discovered the expansive horizontality of the desert. His work, Five things you can’t wear on TV, explores perception and immateriality through a scientific lens. He repurposes new technologies and industrial products to create effects that diverge from their original intentions.
In this piece, Hefti uses a black woven polymer fiber, originally designed for light but durable fire hoses, coated on one side with a reflective finish. Tension holds this flat band of material overhead between two distant points, forming a single line or artificial horizon. The enormous force held in the taut material causes it to oscillate in the wind. This vibration resembles a gently strummed guitar string, creating a visual harmonic that resonates with the surrounding landscape.
The effect is disorienting. As the oscillating line strives to assert its presence, it blurs our sense of spatial perception, scale, and distance in its kinetic dance. Wind, weather, and ambient light amplify this seemingly arbitrary choreography, transforming it into an environmental condition. This phenomenon evokes the flicker of endless desert horizons, where hard lines dissolve in the heat haze, continuously softening and reforming before our eyes.
By splitting the air in front of us, Five things you can’t wear on TV brings the effects of great distance to proximity. It draws our attention to the ongoing performance of light and space, expressing the borrowed poetry of a climactic phenomenon.
RAPHAEL HEFTI
LOCATION
Homme-Adams Park
72500 Thrush Road, Palm Desert
33.708547, -116.399372
UBICACIÓN
Homme-Adams Park
72500 Thrush Road, Palm Desert
33.708547, -116.399372
Al haber crecido en los Alpes, el artista suizo Raphael Hefti desarrolló un entendimiento profundo del paisaje moldeado por la dramática evidencia de la presión tectónica. Más tarde, condicionado por las montañas que lo rodeaban, descubrió la expansiva horizontalidad del desierto. Su obra Doble horizonte explora, desde el lente de la ciencia, la percepción y la inmaterialidad. Hefti reutiliza nuevas tecnologías y productos industriales creando efectos que desafían sus propósitos originales.
En esta pieza, Hefti utiliza una fibra tejida de polímero negro, ligera y resistente, diseñada para fabricar mangueras contra incendios, y recubierta de un lado con un acabado reflejante. Entre dos puntos distantes, la tensión sostiene esta banda plana en el aire, formando una línea única o un horizonte artificial. La enorme fuerza contenida en el material tenso, al viento, lo hace oscilar. Esta vibración asemeja las suaves pulsaciones de una cuerda de guitarra, creando una armonía visual que resuena con el paisaje circundante.
El efecto es desorientador. Mientras la línea oscilante intenta afirmar su presencia, desvanece nuestra percepción del espacio, la escala y la distancia en su danza cinética. Viento, clima y luz amplifican esta coreografía en apariencia arbitraria, transformándola en una condición del ambiente. Este fenómeno evoca el parpadeo de los infinitos horizontes del desierto, donde las líneas definidas se disuelven en la bruma del calor, atenuándose y volviéndose a formar ante nuestros ojos.
Al dividir el aire frente a nosotros, Cinco cosas que no puedes usar en televisión vuelve próximo el efecto de la lejanía. Nos invita a observar el constante performance de la luz y el espacio en la poesía que tomamos prestada de un fenómeno climático.
Con apayo generoso del Swiss Arts Council Pro Helvetia.
Generous support is provided by the Swiss Arts Council Pro Helvetia.
Our cultures, lifestyles, rituals, and belief systems may differ, but we are all connected by the air we breathe, the planet’s circular rotations, and the cycles of life and death that it sustains. This interconnectedness runs through a diverse body of Kimsooja’s work that includes sculpture, painting, film, performance, and installation.
In her latest installation, To Breathe – Coachella Valley, Kimsooja integrates various ideas from her broader practice. The glass structure serves to define a performance space, inviting the audience to interact with the essential elements of the desert: the texture of sand underfoot, the air we breathe, and the light around us. Drawing inspiration from bottaris, the fabricencased bundles of belongings prominent in her work and in Korean culture, Kimsooja describes this installation as a “bottari of light.” By wrapping the glass surface in a unique optical film, she transforms the physical architecture into a dynamic spectrum of light and color. “This diffraction film acts as a transparent textile, featuring thousands of vertical and horizontal scratch lines akin to warp and weft, and envelops the architecture in light.”
Mirrors have also played a significant role in her exploration of light’s ephemerality. To Breathe – Coachella Valley reflects another work located in the desert of AlUla, Saudi Arabia. Connected by the air that sustains us, this iteration not only references its counterpart nearly 8,000 miles away but also acknowledges the historical origins of the Light and Space movement on the U.S. West Coast. With its ever-changing approach based on color spectrum theory from Chinese Taoism, Confucianism, and Buddhism, To Breathe – Coachella Valley enriches these traditions by incorporating the female perspective of East Asia. The result is an experience that is both ephemeral and profound.
Generous support is provided by Ed Campanaro and Alan Weisberg, Ron Florance, Marcy and Harry Harczak, the Posner Foundation, Janelle Reiring, Melissa and John Russo, Roswitha Smale, and Richard H. Wood.
Nuestras culturas, estilos de vida, rituales y sistemas de creencias pueden diferir, pero todos estamos conectados por el aire que respiramos, las rotaciones circulares del planeta y los ciclos de vida y muerte que éste sustenta. Dicha interconexión atraviesa el heterogéneo cuerpo de obra de Kimsooja, que incluye escultura, pintura, video, performance e instalación.
similares a la urdimbre y la trama, envolviendo la arquitectura en luz.”
-116.485582
UBICACIÓN
Pierson Boulevard entre Foxdale Drive y Miracle Hill Road, Desert Hot Springs 33.963394, -116.485582
En Respirar – Valle de Coachella, Kimsooja integra diversas ideas presentes en su práctica. El vidrio sirve como un escenario performativo, invitando a los espectadores a interactuar con elementos esenciales del desierto: la textura de la arena bajo sus pies, el aire que respiramos y la luz que nos rodea. Inspirándose en los bottaris, montones envueltos en tela, prominentes en su obra y en la cultura coreana, Kimsooja describe esta pieza como un “bottari de luz”. Al arropar la superficie del vidrio con una lámina óptica única, el espacio físico se transforma en un espectro dinámico de luz y color. “Esta película de difracción actúa como un textil transparente, con miles de fisuras verticales y horizontales
Los espejos también han jugado un papel importante en su exploración de la fugacidad lumínica. Así, Respirar – Valle de Coachella, es reflejo de otra obra ubicada en el desierto de AlUla, Arabia Saudita. Unidas por el aire que nos sustenta, la iteración no sólo refiere a su contraparte a casi 8,000 millas de distancia, sino que también reconoce los orígenes del movimiento artístico Light and Space en la costa oeste de los Estados Unidos. Con un enfoque dinámico que se basa en la teoría del espectro de color derivada del taoísmo chino, el confucianismo y el budismo, Respirar – Valle de Coachella enriquece estas tradiciones al integrar la perspectiva femenina del sudeste asiático. El resultado es una experiencia al mismo tiempo efímera y profunda.
KIMSOOJA
Con el apoyo generoso de Ed Campanaro y Alan Weisberg, Ron Florance, Marcy y Harry Harczak, la Posner Foundation, Janelle Reiring, Melissa y John Russo, Roswitha Smale y Richard H. Wood.
KAPWANI KIWANGA
The most visible mark of our human presence on Earth takes architectural form, especially in the desert, where concepts of shelter, freedom, expansiveness, and enclosure have shaped midcentury dreams. Kiwanga’s pavilion-like structure reflects on the iconic design of Palm Springs, signaling protection while offering none. Its roof, a lattice made of interlocking triangles, hovers overhead, allowing the elements to pass through and casting ever-changing shadows on the ground.
Inspired by the quilting motif known as “flying geese,” this pattern resonates with the contested narratives of the Underground Railroad, serving as an encrypted guidance system for those fleeing slavery toward the perceived freedom of the North. Quilts hung from windows and clotheslines acted as coded messages, helping individuals assess dangers and find safety during their perilous journey.
Rooted in this historical context, Kiwanga’s sculpture serves as a rest stop in the imagined pursuit of freedom. Supported by columns of imported stones and local palm fronds, it embodies the dualities of permanence and impermanence, strength and fragility. The utopian vision of a better life is both present in form and clouded in meaning. The midcentury architecture of the area, exemplified by sundown towns and the restrictions of ownership, failed to ensure safety and protection for all.
Kiwanga’s sculpture fosters contemplation and hope while reminding us that history is marked by successive migrations. Manifest Destiny drove pioneers to settle in the West, but for the dispossessed and enslaved, a different promise of freedom awaited in the North.
Esta pieza está inspirada en el patrón de edredones hechos a mano conocido como “flying geese” (gansos en vuelo), en resonancia con las controvertidas narrativas del Ferrocarril Subterráneo, un sistema encriptado que guió a quienes huían de la esclavitud hacia la supuesta libertad del Norte. Desde ventanas y tendederos, estos edredones codificaban mensajes que ayudaban a las personas a ubicar los peligros y encontrar un lugar seguro a lo largo de sus viajes arriesgados.
La marca más visible de nuestra presencia humana en la tierra está en la arquitectura; particularmente en el desierto, donde conceptos como refugio, libertad, expansión y encierro dieron forma a los sueños de mediados del siglo XX. La estructura-pabellón de Kiwanga, reflexiona sobre el icónico diseño de Palm Springs, que aparenta protección cuando en verdad no la ofrece. Una trama de triángulos entretejidos es el techo que flota sobre nuestras cabezas y deja pasar los elementos, proyectando en el suelo sombras siempre cambiantes.
Enraizada en este contexto histórico, la escultura de Kiwanga funciona como un descanso en la búsqueda imaginada de la libertad. Sostenida por columnas de piedras importadas y hojas de palma locales, encarna las dualidades de permanencia e impermanencia, fortaleza y fragilidad. La visión utópica de una vida mejor está presente en su forma y empañada de significado. La arquitectura de mediados de siglo en esta región, ejemplificada por los sundown towns —comunidades en los Estados Unidos que utilizaron violencia, intimidación o leyes discriminatorias para excluir a personas no blancas — y la restricción de propiedad de tierras, no logró garantizar seguridad y protección para todos.
La escultura de Kiwanga fomenta la contemplación y la esperanza, mientras nos recuerda que la historia está marcada por migraciones sucesivas. El Destino Manifiesto impulsó a colonos a asentarse en el oeste, pero para los despojados y esclavizados, el norte aguardaba una promesa diferente de libertad.
Sarah Meyohas’ sublime and seductive imagery blends analog and digital technologies to illuminate the systems shaping contemporary society. As an artist, inventor, and economist, she investigates the aesthetic and creative potential within science and technology, driven by humanity’s fascination with optics and perception.
Her immersive installation showcases “caustics,” light patterns formed by the refraction or reflection of light through curved surfaces. While this optical effect often occurs naturally, such as at the bottom of a swimming pool, Meyohas transforms it, using innovative light-shaping technology enabling visitors to project sunlight onto a ribbon-like structure cascading across the desert floor.
The installation recalls ancient timekeeping technology like sundials and pays homage to 20th-century land art. Each mirrored panel, crafted using computer algorithms for light manipulation, features a unique pattern, spelling out the poetic phrase, “truth arrives in slated beams.”
Meyohas has carefully mapped the sun’s path at this location, orchestrating the interaction between mirrors and the curved projection surface to create precise reflections and shadows throughout the day. As visitors adjust the mirrors to sharpen the projected images, they encounter unexpected visual illusions — waves, moiré patterns, or perhaps a mirage — stirring a longing for the desert’s ever-present water.
como en el fondo de una piscina, Meyohas lo transforma en una experiencia cautivadora. Invita a los visitantes a manipular los paneles, permitiéndoles dar forma a su propio viaje cinemático.
Cuando la luz del sol incide en estas superficies, son proyectadas imágenes sobre una estructura ondulada, en forma de cinta que serpentea de manera lúdica sobre el suelo del desierto. La instalación alude a tecnologías antiguas de medición del tiempo, como los relojes de sol, y rinde homenaje al land art del siglo XX. Cada panel espejado, diseñado mediante algoritmos computacionales para manipular la luz, presenta un patrón único que detalla el verso: “la verdad llega en rayos oblícuos.”
Las imágenes sublimes y seductoras de Sarah Meyohas combinan tecnologías analógicas y digitales para iluminar los sistemas que moldean la sociedad contemporánea. Como artista, inventora y economista, Meyohas investiga el potencial estético y creativo de la ciencia y la tecnología, impulsada por la fascinación humana por la óptica y la percepción.
Su instalación inmersiva presenta “caústicas”, patrones de luz formados por la refracción o reflexión de la luz a través de superficies curvas. Aunque este efecto óptico ocurre naturalmente,
Meyohas ha trazado cuidadosamente el recorrido del sol en esta ubicación, orquestando la interacción entre los espejos y la superficie de proyección, para crear reflejos y sombras precisos a lo largo del día. A medida que los visitantes acomodan los espejos para encontrar las imágenes proyectadas, suceden ilusiones visuales inesperadas: ondas, patrones de interferencia o espejismos, evocando el anhelo de agua siempre presente en el desierto.
Con el generoso apoyo de Sheila Duignan y Mike
SARAH MEYOHAS
Generous support is provided by Sheila Duignan and Milke Wilkins, Conrad Getty, Grace Guo, Maxwell Karlan, Pat Maugue, Max Novendstern, Sam Pressman, Benny Redbeard, Carrie Schwab Pomerantz, Simon Townsend-Last, and Tian Zeng.
Wilkins, Conrad Getty, Grace Guo, Maxwell Karlan, Pat Maugue, Max Novendstern, Sam Pressman, Benny Redbeard, Carrie Schwab Pomerantz, Simon Townsend-Last y Tian Zeng.
For the past 150 years, traditional craft techniques in wood, stone, earth, and textiles have faced neglect, resulting in the loss of invaluable ancestral knowledge. Architect, artist, and activist Ronald Rael champions the revival and reimagining of these methods by integrating contemporary technologies, presenting them as sustainable and innovative solutions for the future. Rooted in Colorado’s San Luis Valley — a historic borderland between the U.S. and Mexico before 1848 — Rael draws inspiration from Indigenous and earthen construction practices.
Rael’s work engages with over 10,000 years of earthen building history, offering a compelling counterpoint to the environmental impact of modern architecture. Against the backdrop of architectural relics from western expansion and 20th century real estate development, Adobe Oasis stands as a powerful alternative, highlighting the potential of earthen materials amid the climate crisis.
The advantages of adobe — low cost, energy efficiency, fire- resistance, and non-toxicity — are enhanced by technological advancements in additive manufacturing, paving the way for sustainable architecture. Rael brought Adobe Oasis to life through a unique 3-D printing process, utilizing robotic programming to create structures entirely from mud. The corrugated earthen ribbons mimic the texture of palm trees, inspired by the legacy of Coachella Valley’s palm oases, which have thrived on desert waters for millennia.
Adobe Oasis invites visitors into a dynamic landscape, where passageways frame views of the land and sky, fostering solitude and connection — reflecting the cyclical flow of geologic time. For Rael, this land-based project serves as both an artistic endeavor and a research initiative, with each of his 3-D–printed adobe structures building on the last, advancing his vision for sustainable housing alternatives.
RONALD RAEL
UBICACIÓN
b. Conejos County, Colorado, 1971, based in Berkeley, California / n. Condado de Conejos, Colorado, 1971, con sede en Berkeley, California
1555 S. Palm Canyon Drive, Palm Springs 33.802679, -116.547099
1555 S. Palm Canyon Drive, Palm Springs 33.802679, -116.547099
En los últimos 150 años, técnicas tradicionales para trabajar madera, piedra, tierra y textiles han sido olvidadas, esto nos ha hecho perder un conocimiento ancestral invaluable. El arquitecto, artista y activista Ronald Rael se pronuncia por la revitalización y reimaginación de estos métodos, integrándolos a tecnologías contemporáneas que proponen soluciones sustentables e innovadoras para el futuro. Desde el Valle de San Luis, en Colorado – frontera histórica (hasta 1848) entre México y Estados Unidos – Rael se inspira en prácticas indígenas así como en la técnica de construcción con tierra.
Fundamental en la práctica de Rael, y con más de 10,000 años de historia, la construcción con tierra, ofrece un contrapunto lógico ante el impacto ambiental de la arquitectura moderna.
Oasis de adobe, en cambio, se erige como una alternativa contra las reliquias arquitectónicas de la expansión occidental y el desarrollo inmobiliario del siglo XX, como una posibilidad que destaca el potencial de los materiales de tierra frente a la crisis climática.
Las ventajas del adobe – bajo costo, eficiencia energética, resistencia al fuego y no toxicidad – se enriquecen de los avances tecnológicos en la fabricación aditiva, abriendo camino a una arquitectura sostenible. Rael da vida a Oasis de adobe mediante un proceso único de impresión 3D, utilizando programación y robótica para crear estructuras de barro. Inspiradas en los oasis de palmeras del Valle de Coachella, que han prosperado gracias a las aguas del desierto durante milenios, las corrugadas cintas de tierra imitan la textura de los troncos de palma.
Oasis de adobe nos invita a explorar un paisaje dinámico donde los pasadizos enmarcan vistas de la tierra y del cielo, dando lugar a la soledad y la conexión, reflejando el cíclico flujo del tiempo geológico. Para Rael, este proyecto afincado en la tierra es un esfuerzo artístico pero también una iniciativa de investigación. Cada estructura de adobe impresa en 3D se construye sobre la anterior, recorriendo su visión de alternativas de vivienda sostenibles.
Alimentado por el sol a través de SOLARPUNKS.
Adobe Oasis
Oasis de adobe
Alison Saar’s work weaves personal and cultural narratives, drawing inspiration from spiritual traditions, mythology, and African diasporic histories while uncovering the hidden potential of found materials. Central to Saar’s practice is the concept of salvage, both as a material and metaphorical act. She reclaims discarded objects — tin ceiling tiles, weathered wood, glass bottles, and cast-iron pans — imbuing them with renewed vitality and purpose. This process reflects her dedication to preserving the embedded histories and cultural memories in these items, particularly those connected to Black female identity. Saar’s transformations carry an alchemical quality, turning the mundane into the extraordinary and embody renewal, resilience, and healing.
Soul Service Station reimagines a sculptural intervention Saar created in 1986 in Roswell, New Mexico. Drawing inspiration from gas stations that have populated the American West, including the Coachella Valley, Saar’s station offers more than practical services; it provides fuel for the soul. She invites weary travelers to get “their blues flushed, spirits inflated, hearts charged, and souls filled.”
Inside the station, a sculptural assemblage handcrafted by Saar contains a collection of devotional objects. Saar has collaborated with Coachella Valley students to create foil repoussé medallions expressing prayers and wishes for healing and hope. These community-crafted elements, combined with furnishings made from salvaged materials, form a sanctuary that merges collective dreams with Saar’s vision of a spiritual oasis. At the center stands a life-size, hand-carved female figure, the guardian and healer of the site, exuding strength and protection.
Further enriching the experience, a repurposed gas pump plays poems by Los Angeles–based poet Harryette Mullen. Saar’s Soul Service Station serves as a sanctuary for travelers, a place to pause, heal, and carry forward the aspirations, histories, and voices.
fundido — infundiéndoles una renovada vitalidad y propósito. Este proceso refleja su compromiso de preservar historias y memorias culturales incrustadas en los objetos, particularmente aquellas relacionadas con la identidad de las mujeres negras. Las transformaciones de Saar poseen una cualidad alquímica, convirtiendo lo mundano en extraordinario, encarnando renovación, resiliencia y sanación.
Estación de servicio para el alma reinventa una intervención escultórica que Saar creó en 1986 en Roswell, Nuevo México. Inspirada en las gasolineras que han poblado el oeste estadounidense, incluido el Valle de Coachella, la estación de Saar ofrece algo más: combustible para el alma. La artista invita a los viajeros cansados a “despejar su tristeza, alinear su espíritu, recargar sus corazones y llenar sus almas.”
Dentro de la estación, una composición escultórica hecho a mano por Saar evoca objetos religiosos. Medallones de repujado que expresan oraciones y deseos de sanación y esperanza, creados en colaboración con estudiantes del Valle de Coachella, se combinan con muebles hechos de materiales recuperados. Todo formando parte de un santuario que une sueños colectivos a la visión de Saar de un oasis espiritual. Al centro de éste, una figura femenina de tamaño real, tallada a mano, se levanta portando una corona de clavos como guardiana y sanadora del sitio, emanando fuerza y protección.
LOCATION
Pierson Boulevard between North Indian Canyon Drive and Desert Terrace Way, Desert Hot Springs
33.962806, -116.542806
UBICACIÓN
Pierson Boulevard entre North Indian Canyon Drive y Desert Terrace Way, Desert Hot Springs
33.962806, -116.542806
El trabajo de Alison Saar teje narrativas personales y culturales, inspirándose en tradiciones espirituales, mitología e historias de la diáspora africana que revelan el potencial oculto en materiales recuperados (salvage materials en inglés). Como elemento central en su práctica, lo salvage tiene una dimensión tanto material como metafórica. Del latín salvare, el concepto advierte cómo Saar se relaciona con los objetos de descarte — tejas de estaño, madera desgastada, botellas de vidrio y sartenes de hierro
Enriqueciendo aún más esta experiencia, una bomba de gasolina reutilizada reproduce un poema de la escritora Harryette Mullen (L.A.). La estación de servicio para el alma de Saar es un refugio para los viajeros, un lugar para detenerse, sanar y avanzar junto con los anhelos, las historias y las voces.
Poesía escrita por Harryette Mullen. Col el generoso apoyo de Jordan Schnitzer y The Harold & Arlene Schnitzer CARE Foundation. Impulsado por el sol a través de SOLARPUNKS.
ALISON SAAR
Poetry by Harryette Mullen. Generous support is provided by Jordan Schnitzer and The Harold & Arlene Schnitzer CARE Foundation. Powered by the sun via SOLARPUNKS.
MUHANNAD SHONO
Muhannad Shono is known for his innovative exploration of identity, memory, and cultural heritage. His large-scale installations transform common elements such as plastic pipe, string, or sand into intricate systems. Drawing inspiration from the complexities of his upbringing in the Arabian Peninsula, Shono combines traditional techniques with modern forms to address themes of displacement, transformation, and the intersection of past and present.
Fluidity permeates his work, reflecting both identity and land. In his Desert X installation, Shono presents a version of land without fixed identity, continuously shaped and reshaped by nature’s forces. While wind typically poses a challenge for artworks, in What Remains, Shono makes it a collaborator. He infuses long strips of fabric with the native sand, allowing them to move freely and amplifying the ever-changing state of the dunes.
The fabric strips, orientated to align with the prevailing winds, follow the contours of the ground fibrillating just above its surface. As the wind direction shifts, the natural process of aeolian transportation that forms dunes is interrupted, causing the fabric to tangle and form chaotic bundles. In this way, the ground itself becomes mutable — a restlessly changing relic or memory.
Shono describes his work as existing in “a state of tremor,” suspended between the pull of gravity and the relentless force of the wind. This instability transforms the earth into an elusive artifact: pliable and transient, yet heavy with meaning. It evokes a home that cannot be contained, a narrative that cannot settle, and a place that refuses to stay still.
Generous support is provided by Athr Foundation.
LOCATION
Avenue 38, Thousand Palms
33.772879, -116.319639
UBICACIÓN
Avenida 38, Thousand Palms
33.772879, -116.319639
Muhannad Shono es conocido por su innovadora exploración de la identidad, la memoria y el patrimonio cultural. Sus instalaciones a gran escala transforman elementos comunes: tubos de plástico, cuerdas o arena, en sistemas intrincados. Inspirado por las complejidades de haber crecido en la Península Arábiga, Shono combina técnicas tradicionales con formas modernas para abordar temas como el desplazamiento, la transformación y la intersección entre el pasado y el presente.
La fluidez que permea su trabajo reflexiona acerca de la identidad y el espacio. En su instalación para Desert X, Shono presenta una versión de territorio con una identidad dinámica, moldeada continuamente por las fuerzas de la naturaleza. Por lo general, el viento representa un desafío para las obras de arte, no obstante, en Lo que queda, Shono lo convierte en un colaborador. Largas tiras de tela son colocadas entre la arena nativa, de tal forma que, al moverse libremente, amplifican el estado siempre cambiante de las dunas.
Durante días, en vez de años, este proceso captura la huella de este médano de arena.
Las bandas de tela, alineadas con los vientos predominantes, siguen los contornos del terreno, vibrando justo por encima de su superficie. A medida que la dirección del viento cambia, el proceso natural de transporte eólico que forma las dunas se interrumpe, haciendo que las tiras se enreden y formen montones caóticos. De esta manera, el mismo suelo se convierte en mutable — un vestigio, una memoria en constante cambio.
Shono describe su trabajo como algo que existe en “un estado de temblor,” suspendido entre la atracción de la gravedad y la imparable fuerza del viento. Esta inestabilidad transforma el terreno en un artefacto escurridizo: maleable y transitorio, pero cargado de significado. Hablándonos de un hogar que no puede ser contenido, una narrativa que no puede fijarse, y de un lugar que se niega a quedarse quieto.
Con el generoso apoyo de Athr Foundation.
This program was produced with a deadline of January 21, 2025. Visit desertx.org for an updated list of donors, sponsors, and people who continue to support us as, and after, this program goes to print
BOARD OF DIRECTORS
LEADERSHIP CIRCLE
SUSAN L. DAVIS
Founder and President
Mónica Calderón & Ezequiel Farca
Michael Maloney
Patrice Meepos
VICKI HOOD
Vice President
Ejecutiva
JENNY GIL Executive Director / Directora
As we open the fifth iteration of Desert X, it is humbling to know that over 1,000 donors and organizations have supported our mission to bring artists from around the world to create site-specific works and attract new audiences for contemporary art. We are so grateful for their unwavering belief in the work we do.
The realization of Desert X 2025 was made possible with the generous guidance of our board of directors and Executive Committee members — Susan Davis, Vicki Hood, Steven Nash, Elizabeth Sorensen, and Linda Usher — who provide invaluable expertise and advice.
A site-specific exhibition thrives on collaboration with our neighbors, cultural and community partners, city governments, Native American tribes, property owners, land management agencies, hospitality partners, and sponsors. This year, we extend our gratitude to 1800 Tequila, Jordan Schnitzer and The Harold & Arlene Schnitzer CARE Foundation, the National Endowment for the Arts, and the Swiss Arts Council Pro Helvetia for their generous contributions. Thanks to the California Arts Council, the Association of Arts Administration Educators, Amazon, Blick Art Materials, and our local education partners who help us expand our public programs and educational initiatives, which empower students and young professionals across the Coachella Valley.
I am immensely thankful for the extraordinary commitment, passion, and perseverance of the Desert X team, the artists and their studios, the engineers, construction teams, installers, our community and cultural partners, our families and friends, and our dedicated volunteers.
We especially appreciate our brave and adventurous audience that brings Desert X to life. I hope your visit to this exhibition connects you with friends and loved ones, sparks curiosity, and offers new perspectives on our relationships with one another and the desert environment. Most importantly, I hope it brings you joy.
Una nueva y valiente exposición
Inauguramos la quinta edición de Desert X, honrados de saber, que más de 1,000 donantes y organizaciones han apoyado nuestra misión de reunir a artistas de todo el mundo, para crear obras de sitio específico y atraer nuevos públicos al arte contemporáneo. Estamos muy agradecidos por su inquebrantable confianza en el trabajo que realizamos. Desert X 2025 es posible gracias a la generosa guía de nuestros miembros de la junta directiva y del Comité Ejecutivo: Susan Davis, Vicki Hood, Steven Nash, Elizabeth Sorensen y Linda Usher, quienes brindan su valiosa experiencia y consejo. Sabemos que una exposición de sitio específico se nutre de la colaboración con nuestros vecinos, socios culturales y comunitarios, gobiernos locales, tribus nativas americanas, propietarios de tierras, agencias de gestión territorial, socios hoteleros y patrocinadores. Este año, reconocemos también a 1800 Tequila, Jordan Schnitzer y la Fundación Harold & Arlene Schnitzer CARE, el National Endowment for the Arts, y el Consejo de las Artes Suizo Pro Helvetia, por sus espléndidas contribuciones. Extendemos nuestra gratitud al California Arts Council, la Association of Arts Administration Educators, Amazon, Blick Art Materials y nuestros socios educativos locales, quienes nos ayudan a expandir nuestros programas públicos e iniciativas educativas, que empoderan a estudiantes y jóvenes profesionales en todo el Valle de Coachella. Personalmente, quedo profundamente agradecida por el extraordinario compromiso, pasión y perseverancia del equipo de Desert X, los artistas y sus estudios, los ingenieros, equipos de construcción, instaladores, nuestros socios culturales y comunitarios, familias y amigos, y dedicados voluntarios.
Y, finalmente, a nuestra valiente y aventurera audiencia que da vida a Desert X, gracias. Ojalá su visita a esta exposición los conecte con amigos y seres queridos, despierte la curiosidad y ofrezca nuevas perspectivas sobre las relaciones que creamos con nuestro entorno desértico. Y, lo más importante, ojalá que les traiga alegría.
DR. STEVEN NASH
Vice President
ELIZABETH SORENSEN
Secretary
LINDA USHER
Treasurer
Diane V. Allen
Jarvis Crawford
Beth Rudin DeWoody
Nicholas Galanin
Jamie Kabler
Lauri Kibby
Zoe Lukov
Bill Sanchez
Roswitha Smale
Kelly Wearstler
MAJOR SPONSOR
1800 Tequila
SPONSORS
Simkhai
Amazon Design Within Reach
FOUNDATIONS
Association of Arts
Administration Educators
Arthr Foundation
Buckhorn Public Arts
California Arts Council
Caufield Family Foundation
Chino Cienega Foundation
Jordan Schnitzer and The Harold and Arlene Schnitzer
CARE Foundation
H.N & Frances C.
Berger Foundation
The May & Samuel Rudin
Family Foundation, Inc.
The Milano Foundation
The National Endowment for the Arts
The Posner Foundation
Swiss Arts Council Pro Helvetia
Western Wind Foundation
MUNICIPALITIES
Cathedral City
Desert Hot Springs
Palm Desert
Palm Springs
PS Resorts
Rancho Mirage
Thank you to our Leadership Circle donors, who are extraordinary in their generous support of Desert X.
VISIONARY
Diane Allen
Buckhorn Public Arts
Caufield Family
Foundation
Sheila Duignan & Mike Wilkins
Karen S. Fox
Garth Greenan Gallery
Lisa Harrison
Jeremy Hobbs
Vicki Hood
Jamie Kabler & Helene Galen
Robert Kohl &
Clark Pellett
Kai Loebach & Lee Miller
Max Novendstern
The Posner Foundation
Janelle Reiring
The May and Samuel Rudin Family Foundation, Inc.
Jordan Schnitzer and The Harold and Arlene Schnitzer
CARE Foundation
Roswitha Smale
Linda Usher & Malcolm Lambe
Kelly Wearstler & Brad Korzen
Richard H. Wood
INNOVATOR
Carol Blum
David D. Colburn
Courtney & Seth Dallaire
Ron Florance
Franck Ford &
Patrick Jordan
Tracie & Derek Hanson
Marcy & Harry Harczak
Celia Henely
Patsy & David Marino
The Milano Foundation
Minotti Los Angeles & Mass Beverly
Scott Mitchell
Nicholas Pardon
Benny Redbeard
Carrie Schwab
Pomerantz
Christine & James Scott
Jon & Paul Warn
Helene Winer
PRODUCERS
Patricia & Laurence Booth
Susan & Fenton Booth
Jeff Brock & Richard Crisman
Ed Campanaro & Alan Weisberg
Kevin Comer & Rick Distel
Carlton DeWoody
Marcy & Leo Edelstein
Larry Falconio & Elliott Sernel
Christina Gantz
Tim Garnett & Peter Slaymaker
Conrad Getty
Larry Ginsberg & Rob Levine
George F. Grana
Grace Guo
Susan Hancock
Mary Ellen Herman & Phil Markel
Lenora Hume
Maxwell Karlan
David Locke
Keith Markovitz
Laura S. Maslon
Pat Maugue
Garna Muller
Shannon Murphy
Carolyn Clark Powers
Sam Pressman
Deb Schwarz & Chris Thomas
Phillip K. Smith III
Karin Straaton
Simon Townsend-Last
Liane & Richard Weintraub
Donna M. Welch
Tian Zeng
CREATORS
Carol Adney
Stephanie & Peter Blake
James Blakeley
Chino Cienega Foundation
Ed Cole & Christopher Wigand
David Conney
Roberta Conroy
Janet Dindia & Terry Storms
Jane Emison
William Escalera & Francisco George
Claudia Flores
Lisa Gallaway & G eoffrey Baum
Lindy & Bill Gaylord
Nancy Goldstein
Tom Gorman & Bill Zwecker
Denise & Larry Grimes
Renata Grossi
Gayle Hodges & The Hodges Family
Cindy Kahn and Steve Marker
Barbara & Keith Kizziah
Susan Kololian
Jamie Konker
John MacMahon
Lesley Miller
Elyse & Steve Montiel
Melissa Morgan
Dori Mostov
Mihail Lari & Scott Murray
Carol & Steve Nash
Deborah Page
Leo Parella & Steve Strickland
Jody Raida
Lyn Rothman & Bernie Bubman
Melissa & John Russo
Myra & Bill Sanchez
Susan & Kent Seelig
Maureen
Elizabeth Sheehan
Tara Solomon & Nick D’Annunzio
Catharine & Jeffrey Soros
Rena & Daniel Sternberg
Sue Stewart
Hope Stroble
Vicki Turbeville
Carla & George Van Hoomissen
Marguerite & David Wilson
COLLECTIVE
Keye Chen
Ryan English
Christopher E. Hughes
Katya Khazei
Lauren Marker
Sophia Penske
Studio S II
Richie Usher
Windmill City
SUPPORTERS
Hilary & Michael Arndt
Jennifer Bellah
Palm Springs Black History Committee
Tanya Brown-Wirth
C Carter
Teresa Dolan
Stefano Gallini
James Gilliland
Donna Theresa Grillo
Mark Hastings Bevan
Duane Hinkle
Candace Huey
Craig Humphreys
Tej Joshipura
Scott Ovules & Angelo Severino
John Rother
NUÑO Curatorial Manager
AL PARTIDA Development Coordinator
TRISH GORDON Development Liaison
EDWIN RAMORAN Curatorial Liaison
ALISA BECKET Advancement Liaison
MAX FINNERAN Education Producer
JENAN CAMERANESI Community Engagement Services
CONNOR KEERAN Community Engagement Services
Engagement Services LAKE
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