DX23 Public Program

BY ALICIA KEYS & LANG LANG

SOUTHERN CALIFORNIA’S ULTIMATE SHOPPING DESTINATION

Breitling · Brunello Cucinelli · Cartier · Celine · Christian Louboutin · David Yurman · Dior Men · Dolce&Gabbana · Fendi

Ferragamo · Gentle Monster · Giorgio Armani · Givenchy · Golden Goose · Gucci · Hermès · Hublot · IWC · Jaeger-LeCoultre

Loewe · Loro Piana · Louis Vuitton Men’s · Marni · Mikimoto · Moncler · Panerai · Porsche Design · Ralph Lauren · Reformation

Roger Dubuis · Rolex · Saint Laurent · Tag Heuer · The Webster · Thom Browne · Tudor · Vacheron Constantin · Valentino · Versace partial listing

Valet Parking · Personal Shopper Program · Gift Cards · Concierge Services

A. Lange & Söhne · Alexander McQueen · Alexander Wang · Anine Bing · Audemars Piguet · Balenciaga · Berluti · Bottega Veneta

WELCOME BIENVENIDOS

Susan L. Davis Desert X Founder and President Fundadora y Presidenta

Desert X has always been an optimistic and ambitious exhibition. These are among the traits on which the organization was founded, and I believe you will find both in abundance as you enjoy the fourth edition of the exhibition in the Coachella Valley. Of course, the projects are grand in size and scope of meaning. But, as the artists take on thorny social issues such as climate change, freedom, justice, and revising the historic record, they do so with optimism and hopeful solutions for the future.

This is the foundation that compels us to present large-scale, siteresponsive artworks by artists from around the world and offer our exhibition and public programs free to all. This is among the ways we encourage cultural inquiry and dialogue among people from all walks of life, creating an intergenerational, pluralistic, democratic coming together around art.

We believe in the power that these conversations have to foster change and create new perspectives and opportunities for connection. To this end, our education program now reaches schoolage and college students and teachers from the most eastern to the most western ends of the valley. Our collaborative, free educational initiatives include hands-on, after-school learning in various media as well as meaningful interactions and workshops with Desert X artists. We encourage careers in the arts through an internship program open to local high school and college students and encourage our artists to spend more profound time here through a nascent residency program.

Our goal in all of this has been to create a depth and breadth of free and easily accessible opportunities to learn from artists, connect across preconceived divides, and generate new dialogues and ideas in the arts.

I invite you to journey with us, to see anew our desert landscape by exploring the installations, participating in our public programs, and engaging in many fruitful conversations along the way.

Desert X siempre ha sido una exposición optimista y con grandes ambiciones. Estas son algunas de las cualidades a base de cual la organización fue fundada. Creo que encontrarán una abudancia de las dos mientras disfrutan de la cuarta edición de la exposición en el valle de Coachella. Los proyectos obviamente son ambiciosos en términos de escala y significado. Los artistas toman temas sociales difíciles como el cambio climático, justicia y libertad, y la revisión histórica con optimismo y la esperanza de encontrar mejores soluciones para el futuro.

Esta es la fundación que nos impulsa a presentar obras de arte de gran escala que responden a los lugares donde son instaladas por artistas de alrededor del mundo. Nuestra exposición y programas públicos son gratis para todos. Esta es la manera por cual promovemos la curiosidad cultural y el diálogo entre gente con toda clase de experiencias—creando un ambiente intergeneracional, pluralístico y democrátíco alrededor del arte.

Creemos en el poder que estas conversaciones tienen para promover cambio y crear nuevas perspectivas y oportunidades para conexión. Nuestros programas educativos ahora llegan a estudiantes no sólo de primaria si no también a estudiantes universitarios y maestros en todo el valle de Coachella. Nuestras iniciativas educacionales incluyen oportunidades de aprendizaje en varios medios y talleres con los artistas de Desert X. Promovemos carreras en las artes vía un programa de práctica profesional para estudiantes locales de secundaria y universad. También alentamos a los artistas a que pasen más tiempo en la región vía un programa de residencia.

Nuestra meta con todo esto es crear extensivas y gratuitas oportunidades para aprender de artistas, crear conexiones que sobrepasen diferencias y generar nuevos diálogos e ideas en las artes.

Los invito a que nos acompañen a ver nuestro desierto de nuevas maneras mientras exploran las instalaciones y participan en nuestros programas públicos–generando varias conversaciones fructíferas a lo largo del camino.

ABOUT THE EXHIBITION

By Diana Campbell, co-curator

Just as we use instruments to measure climate, we can look at Desert X 2023 as a collection of artistic interventions that serve as instruments of self-awareness and devices of wonder. These works of art bring to light the forces that we exert on the world: how we design our environments, how we live, and how the messages we put out in the world reinforce systems that might or might not be beneficial for us.

Spanning much of the Coachella Valley, these works — created by artists from the United States, United Kingdom, Bangladesh, and Mexico — remind us that to be alive is to be engaged in ongoing cycles of movement and change, and only through action can we attempt to understand the world. With this in mind, the artists in Desert X reach beyond the visual arts; they apply artistic thinking to the fields of architecture, design, education, music, writing, choreography, environmental, and civil rights activism and attempt to engage on the same scale as society’s capacity to destroy.

While hegemonic infrastructure, from local roads to global trade routes, subsumes many ways of being, several artists in Desert X create spaces of freedom and possibility, suggesting new ways to build healing cultures that embrace and protect (bio)diversity and open opportunities for joy and hope anchored in justice.

Our bodies are infrastructures for water. We are part of water’s journey as it liquifies, condenses, solidifies, fuses, and sublimates as we breathe. We make conscious choices that affect the insistent movement of water. Many of them come at costs that upset our planet’s balance. Like our realities, our myths speak to the interconnectedness of extremes. Religious texts and oral traditions across multitudes of belief systems see us creating vessels to escape the flood as well as being cast into the arid wilderness to test the limits of existential and spiritual survival. From deserts to floodplains, finding and developing tools and tactics to shelter our minds and bodies from the harshness of the world outside are essential to survival at either end of the earth’s spectrum of climatic extremes.

SOBRE LA EXPOSICIÓN

By Diana Campbell, co-curadora

Así como usamos instrumentos para medir el clima, podemos ver a Desert X 2023 como una colección de intervenciones artísticas que sirven como instrumentos de conciencia de sí mismos y dispositivos de maravilla. Estas obras de arte dan luz a las fuerzas que ejercemos en el mundo—cómo diseñamos nuestos ambientes, cómo vivimos, y cómo reforzamos sistemas que pueden o no ser beneficiales para nosotros.

Abarcando mucho del valle de Coachella, estas obras— creadas por artistas de los Estados Unidos, Reino Unido, Bangladesh y México—nos recuerdan que estar vivo es ser parte de ciclos de movimiento y cambio, y que sólo por acción podemos tratar de entender el mundo. Con esto en mente los artistas en Desert X van más allá de las artes visuales. Aplican pensamiento artístico a las disciplinas de arquitectura, diseño, educación, música, escritura, coreografía, activismo ambiental y de derechos civiles—y lo hacen a la misma escala de la capacidad que tiene la sociedad para destruir.

Mientras infraestructuras hegemónicas, desde carreteras locales a rutas de comercio globales, subsumen muchas maneras de ser, varios artistas en Desert X crean espacios de libertad y posibilidad—sugiriendo nuevas formas de construir culturas de curación que abarquen y protejan la biodiversidad mientras abren oportunidades para una felicidad y esperanza anclada en la justicia.

Nuestros cuerpos son infraestructura para el agua. Somos parte de su viaje desde que se hace líquida hasta que se condensa, se hace sólida, se fusiona y se sublime mientras respiramos. Tomamos decisiones conscientes que afectan el movimento del agua. Muchas de ellas trastornan el balance de nuestro planeta. Como nuestras realidades, nuestros mitos hablan sobre la relación entre extremos. Textos religiosos y tradiciones orales en varios sistemas de creencia nos ven construyendo buques para escapar inundaciones o solos en la naturalez árida probando los límites de sobrevivencia existencial y espiritual. Desde desiertos hasta llanuras aluviales, encontrar y desarrollar herramientas y tácticas para refugiar nuestras mentes y cuerpos de la dureza del mundo es esencial para sobrevir en los dos extremos del espectro climático del mundo.

A NOTE FROM THE ARTISTIC DIRECTOR

By Neville Wakefield

There’s a saying attributed to the Kwakwaka’wakw nation that a place is a story happening many times. The desert is such a place, and Desert X contributes to the multiplicity of stories that flow through it. The ideas it brings hopefully irrigate the aridity nourishing the narratives already there and propagate those that have yet to be told. As the generational knowledge that had been filtered and elaborated through oral traditions increasingly falls into decline, we look to art and artists as our narrators of place. Gerald Clarke is a good example. A rancher, artist, and educator, Clarke has created “Immersion,” which takes the form of a traditional Cahuilla coiled basket, or chipatmal in the Cahuilla language, scaled to monumental-size gameboard. The objective of reaching the center can be achieved only by correctly answering questions relating to the traditions and histories of the Cahuilla Indians and other sovereign cultures. By gamifying history, Clarke sublimates prejudice while also reminding us how unattainable these objectives have become for those for whom such knowledge has been forcibly withdrawn.

Immersing ourselves in the stories of place awakens us to its mythologies. Again, it’s artists rather than historians who are perhaps best sensitized to the ways in which our connections with the past have been de-historicized to serve the realities of the dominant. Cowboys are a good example. For most of us, the expansiveness and freedom of the American West is inextricably tied to the Stetsoned architype. Tschabalala Self sees that history as one of exclusion through omission. Her installation, “Pioneer,” is an equestrian statue that inserts itself in a lineage that runs from Frederick Remington’s wild bucking broncos to our own more overtly controversial rendition of a former Palm Springs mayor on horseback. Forgoing the forefathers, Self’s focus is on the foremothers, the largely unidentified Native and African American women whose bodies and labor allowed for U.S. expansionism and growth.

Across from what is now another border, Paloma Contreras Lomas collages the violence, stereotypes, eroticism, and guilt of post-colonial Mexican and Californian history into assemblaged vehicles of humor stranded on the road to Sunnylands, Walter and Leonore Annenberg’s vision of Shangri-La as a golf beneficent Camp David of the West. Perhaps with her work, “Amar a Dios en Tierra de Indios Es Oficio Maternal,” the road of this access does lead to the palace — or at least that of world leaders seeking reconciliation.

For fellow Mexican Mario García Torres, the idea of the West comes home as entertainment. “Searching for the Sky (While Maintaining Equilibrium)” consists of a herd of mechanical bulls. The “animals,” rodeo facsimiles, combine to create adagio choreography in which the synchronized oscillations of their reflective surfaces seek a harmony and balance that can never be achieved. Designed to make you fall, the mechanical bulls become a macho celebration of failure. Here the wild ride of uncontrollable nature has been supplanted by the wild ride of a culture out of control.

For Lauren Bon’s Metabolic Studio, long-term projects such as “Bending the LA River” are aimed at returning the uncontrollable to nature. By reverse engineering the wetlands that the original transformation of a free and overflowing river into a concrete sluice had destroyed, her art is that of infrastructural transformation. In Palm Springs, she’s recreated a studio laboratory that uses water drawn from the Salton Sea and sunlight to produce through geochemical accretion a full-scale model of a blue whale’s pumping heart. Here it’s through art that we discover the possibility of new ways of transforming materials. Contaminated water is catalyzed to create a chemical reaction that in turn creates the possibilities for new materials and objects. The metabolic approach to rogue technology reminds not only of the imperative for artists to create at the same level as society’s capacity to destroy, but also of our own connection to water and the fact that the desert was once a sea.

Further reminders to the deep desert past along with the sometimes-murky connections we make in the present come from Hylozoic Desires, the artist collective of Himali Singh Soin and David Tappeser. A salt-encrusted utility pole proposes an era of flood from which terra firma has only recently been reclaimed. From it issue the sounds of a different kind of heartbeat. Carried as if by the wind, the sounds and voices of ancient and modern mythologies, folk law, and other speculations into the known and unknown suggest the shifting sands of human presence. For Torkwase Dyson, this presence is registered in the physical form of the body and the idea that as well as being reservoirs of the stories, we are also reservoirs of water. Her work, “Liquid A Place,” is part of an ongoing series in which the sculptural installation becomes a mediation between the memory of water in the body and the memory of water in the desert. Our bodies are themselves arcs, vessels of existential as well as spiritual survival. How these vessels relate to the architectures we design to house and contain them is essential to how we consider the future. Understanding that the social sphere is formed at the intersection of hard and soft architectures, Dyson’s sculptures engage us as liquid beings seeking new forms amidst the landscape around us.

The idea of water as the transmitter of everything from life to goods plays out on a global scale. Matt Johnson’s “Sleeping Figure” might be a cubist rendition of a classical odalisque, except here, the cubes are shipping containers and the harem to which they belong that of the globalized movement of goods and trade. Conceived at the time when a Japanese-owned, Taiwanese-operated, German-managed, Panamanian-flagged, and Indian-manned container behemoth found itself for six days under Egyptian

jurisdiction while blocking the Suez Canal, Johnson’s figure speaks to the crumples and breaks of a supply chain economy in distress. Situated along the main artery connecting the Port of Los Angeles to the inland U.S., the sculpture gains local relevance from the recently approved siting of distribution centers in the north of Palm Springs and Desert Hot Springs. Casual and laconic, it overlooks the landscape as if the God of globalism had finally found well-earned respite here in the Coachella Valley.

For Anglo-Bangladeshi artist Rana Begum, it is the vernacular architecture of containment not containers that inspired new work. In the desert, we take for granted the ubiquity of chain-link fence. For Begum it offered the opportunity to employ color and transform the meaning of a material from the carceral to the ethereal.

Approached from a distance, a shimmering pyramidal haze of color appears to float above the desert floor. The viewer enters what appears to be a structure of containment that takes the form of a series of concentric rings. With each successive ring of fencing rising further above ground the center of the “maze” reveals itself as a paradox whereby the place of greatest confinement is that of greatest freedom with the final ring levitated high above the viewer’s head. Here in California, Begum, whose interests have been informed by the geometric patterns found in Islamic art and architecture, creates a work that is quite literally about light and space.

This year, as in previous years, we hope that Desert X continues to contribute to our understanding of place as story. Whether passed down from generations of elders or gleaned from horizons yet to be understood, they are the stories that we tell ourselves in order to live. All creativity rests upon unbelieving our own myths — seeing the world and our place in it afresh over and over so that we may go on making what has not been made before, remaking ourselves in the process. Artists understand this better than most and in doing so they understand that, like water, these stories flow through the desert nourishing the life that would otherwise lie dormant. The life of a place is that of its stories. Desert X is just one of those stories, and artists far from being the truth-seekers or naysayers of a culture greater than their own are but one of many voices to be heard and understood as part of an everexpanding idea of place.

NOTA DEL DIRECTOR ARTÍSTICO

Por Neville Wakefield

Hay un dicho atribuido a la nación indígena Kwakwaka’wakw que dice que un lugar es una historia que sucede muchas veces. El desierto es un lugar así, y Desert X contribuye a la multiplicidad de historias que fluyen por él. Esperamos que las ideas que aporta irriguen su aridez, alimentando las narrativas que ya existen y propagando las que aún están por contar. A medida que el conocimiento generacional que se había filtrado y elaborado a través de las tradiciones orales va decayendo, miramos hacia el arte y los artistas como nuestros narradores de lugar. Gerald Clarke es un buen ejemplo. Ganadero, artista y educador, Clarke ha creado “Inmersión,” que adopta la forma de una cesta enrollada tradicional Cahuilla llamada “chipatmal” en lengua Cahuilla. La forma es un tablero de juego a escala monumental. El objetivo de llegar al centro sólo puede alcanzarse respondiendo correctamente a preguntas relacionadas con las tradiciones e historias de los Indios Cahuilla y de otras culturas indígenas soberanas. Al convertir en juego la historia, Clarke sublima los prejuicios y a la vez nos recuerda lo inalcanzables que se han vuelto estos objetivos para aquellos a los que se les ha enajenado ese conocimiento por la fuerza.   Sumergirnos en las historias de un lugar nos despierta a sus mitologías. Una vez más, son los artistas, más que los historiadores, los que quizá estén mejor sensibilizados en la manera en la que nuestras conexiones con el pasado se han deshistorizado para servir a las realidades de los poderosos dominantes. Los vaqueros son un buen ejemplo. Para la mayoría de nosotros, la expansión y la libertad del Oeste americano están inextricablemente ligadas al arquetipo de los “Stetsoned.” Tschabalala Self ve esa historia como una de exclusión por omisión. Su instalación, “Pionera,” es una estatua ecuestre que proyecta un linaje que va desde los broncos salvajes de Frederick Remington hasta nuestra controvertida interpretación de un antiguo alcalde de Palm Springs a caballo. Dejando de lado a los antepasados, Self se centra en las antepasadas, las mujeres nativas y afroamericanas, en su mayoría no identificadas, cuyos cuerpos y trabajo permitieron el expansionismo y el crecimiento de Estados Unidos.

Al otro lado de lo que ahora es otra frontera, Paloma Contreras Lomas fusiona la violencia, los estereotipos, el erotismo y la culpa de la historia poscolonial mexicana y californiana en vehículos ensamblados de humor varados en el camino hacia Sunnylands, la visión de Walter y Leonore Annenberg de Shangri-La es como un Camp David golfista del Oeste. Quizás con su obra, “Amar a Dios en Tierra de Indios Es Oficio Maternal”, el camino de este acceso sí conduce al palacio, o al menos al de los líderes mundiales que

buscan la reconciliación.

Para el también mexicano Mario García Torres, la idea del Occidente llega a casa en forma de entretenimiento. “Buscando el Cielo (Manteniendo el Equilibrio)” consiste en una manada de toros mecánicos. Los “animales,” facsímiles de un rodeo, se combinan para crear una coreografía de adagio en la que las oscilaciones sincronizadas de sus superficies reflectantes buscan una armonía y un equilibrio que nunca pueden alcanzarse. Diseñados para hacerte caer, los toros mecánicos se convierten en una celebración machista del fracaso. Aquí, el paseo salvaje de la naturaleza incontrolable ha sido suplantado por el paseo salvaje de una cultura fuera de control.

Para el Estudio Metabólico de Lauren Bon, sus proyectos a largo plazo como “Bending the LA River” pretenden devolver lo incontrolable a la naturaleza. Realizando una ingeniería inversa de los humedales los cuales fueron destrozados por la transformación de un río libre y desbordado en una esclusa de hormigón, su arte es el de una infraestructura de la transformación. En Palm Springs, ha recreado un estudio-laboratorio que utiliza agua extraída del Salton Sea y luz solar para producir, mediante acumulación geoquímica, un modelo a escala real del corazón de una ballena azul. Es a través del arte como descubrimos la posibilidad de nuevas formas de transformar los materiales. El agua contaminada se cataliza para crear una reacción química que, a su vez, crea las posibilidades de nuevos materiales y objetos. El enfoque del Estudio Metabólico en la tecnología rebelde nos recuerda no sólo del imperativo de los artistas de crear al mismo nivel que la capacidad de la sociedad de destruir, sino también nuestra propia conexión con el agua y el hecho de que el desierto fue en su día un mar.

Otro recuerdo del profundo pasado del desierto y las conexiones que establecemos en el presente viene de Hylozoic/Desires, el colectivo de artistas formado por Himali Singh Soin y David Tappeser. Un poste con incrustaciones de sal propone una época de inundaciones de la que hace poco se ha recuperado la tierra firme. De este se emiten sonidos de otro tipo de latido. Llevados como por el viento, los sonidos y las voces de mitologías antiguas y modernas, las normas del folclore, y otras especulaciones sobre lo conocido y lo desconocido, sugieren las arenas movedizas de la presencia humana. Para Torkwase Dyson, esta presencia se registra en la forma física del cuerpo y en la idea de que, además de ser depósitos de las historias, también somos depósitos del agua. Su obra “Liquid A Place” forma parte de una serie en curso en la que la instalación escultórica se convierte en una mediación entre la memoria del agua en el cuerpo y la memoria del agua en el desierto. Nuestros cuerpos son en sí mismos arcos, recipientes de supervivencia existencial y espiritual. La forma en la que estos recipientes se relacionan con las arquitecturas que diseñamos para albergarlos y contenerlos es esencial para plantearnos el futuro. Entendiendo que la esfera social se forma en la intersección de arquitecturas duras y blandas, las esculturas de Dyson nos inspiran a interpretarnos como seres líquidos que buscan nuevas formas en medio del paisaje que nos rodea.

La idea del agua como transmisora de todo, desde la vida hasta todas las cosas, se desarrolla a escala mundial. “Figura durmiente” de Matt Johnson, podría ser una interpretación cubista de una odalisca clásica, salvo que aquí los cubos son contenedores marítimos y el harén al que pertenecen son la globalización de mercancías y el comercio. Concebida en el momento en que un gigante de los contenedores de propiedad japonesa, operado por taiwaneses, gestionado por alemanes, con bandera panameña y tripulado por indios se encontró durante seis días bajo jurisdicción egipcia mientras bloqueaba el Canal de Suez; la figura de Johnson habla de las grietas y roturas de una economía de cadena de suministro en su estado más débil . Situada a lo largo de la principal arteria que conecta el puerto de Los Ángeles con el interior de Estados Unidos, la escultura adquiere relevancia local por la reciente aprobación de la ubicación de centros de distribución en el norte de Palm Springs y Desert Hot Springs. Desenfadada y lacónica, domina el paisaje como si el dios de la globalización hubiera encontrado por fin un merecido respiro aquí, en el Valle de Coachella.

Para la artista anglo-bangladesí Rana Begum, la arquitectura vernácula de contención y no de contenedores es lo que ha inspirado su nueva obra. En el desierto, damos por sentada la omnipresencia de las cercas metálicas. Para Begum, su escultura ha sido una oportunidad para emplear el color y transformar el significado de un material carcelario a etéreo. Al acercarse desde la distancia, una brillante neblina piramidal de color parece flotar sobre el suelo del desierto. El espectador entra en lo que parece ser una estructura de contención que adopta la forma de una serie de anillos concéntricos. Con cada anillo sucesivo que se eleva más sobre el suelo, el centro del “laberinto” se revela como una paradoja en la que el lugar de mayor confinamiento es el de mayor libertad, con el anillo final levitando por encima de la cabeza del espectador. Aquí en California, Begum, cuyo interés se basa en los patrones geométricos del arte y la arquitectura islámicos, crea una obra que trata literalmente de la luz y el espacio.

Este año, como en los anteriores, esperamos que Desert X siga contribuyendo a nuestra comprensión del lugar como historia. Ya sean transmitidas por generaciones de ancianos o recogidas de horizontes aún por comprender, son las historias que nos contamos a nosotros mismos para vivir. Toda creatividad se basa en deshacernos de nuestros propios mitos: ver el mundo y nuestro lugar en él de nuevo una y otra vez para poder seguir haciendo lo que no se ha hecho antes, rehaciéndonos a nosotros mismos en el proceso. Los artistas entienden esto mejor que la mayoría y, al hacerlo, comprenden que, como el agua, estas historias fluyen por el desierto alimentando la vida que, de otro modo, permanecería dormida. La vida de un lugar es la de sus historias. Desert X es sólo una de esas historias, y los artistas, lejos de ser los buscadores de la verdad o los detractores de una cultura mayor que la suya, no son más que una de las muchas voces que hay que escuchar y comprender como parte de una idea de lugar en constante expansión.

THE CURATORS LOS CURADORES

Neville Wakefield

Artistic Director and Co-Curator Director artístico y co-curador

Neville Wakefield is a writer and curator interested in exploring the ways in which art behaves outside of institutional contexts. It is his belief that where art is most successful — its most epiphanic and challenging — is not within the white spaces and clean-cut definitions that have traditionally encased it. Rather, it is to be found in new territories, hybrid spaces that break free of containment and suggest new paradigms. While a senior curatorial adviser to PS1 MoMA and curator of Frieze Projects, he gained a reputation for challenging the conditions that shape art in commercial and noncommercial contexts. He has worked extensively with institutions in the United States and abroad, including the Schaulager Switzerland, where he curated the groundbreaking Matthew Barney retrospective exhibition, Prayer Sheet with the Wound and the Nail, and more recently Divided Landscape, which placed historical works from the Crystal Bridges Museum of American Art collection in dialogue with contemporary visions shaped by non-settler Indigenous and African American experiences. He co-founded Elevation 1049, a site-specific biennial in Gstaad, Switzerland, currently in its fifth edition while maintaining his role as artistic director of Desert X in the Coachella Valley. Wakefield also led Desert X iterations in the desert of AlUla, an ancient oasis in Saudi Arabia. His interests in international cultural exchange while focusing attention on the environmental, natural, social, and historical ecologies of the desert informed his recent appointment as lead curator of the Noor Riyadh Light Festival and multiple roles on advisory boards in the Middle East and elsewhere.

Neville Wakefield es un escritor y curador interestado en explorar las maneras en cual el arte se comporta afuera de contextos institucionales. Cree que el arte es más existo—más epifánico y

desafiante—fuera del cubo blanco donde tradicionalmente lo encontramos. En territorios nuevos y espacios híbridos es donde el arte sugiere nuevos paradigmas. Cuando fue asesor curatorial en MoMA PS1 y curador de Frieze Projects, formó una reputación de desafiar las condiciones que desarrollan el arte en contextos comerciales y no comerciales. Ha trabajado extensivamente con instituciones en los Estados Unidos y en el extranjero incluyendo el Schaulager en Suiza donde curó la retrospectiva de Matthew Barney titulada “Prayer Sheet with the Wound and the nail,” y también, más recientemente “Divided Landscape” en el museo Crystal Bridges. Esta exposición puso en conversación obras históricas de la colección con obras contempóraneas por artistas indígenas y afroamericanos. Fue uno de los co-fundadores de Elevation 1049—una bienal de arte de sitio específico en Gstaad, Suiza, que hoy está en su quinta edición. Wakefiled es el director artístico de Desert X en el valle de Coachella y también ha organizado sus ediciones en el desierto de AlUla en Arabia Saudita. Sus intereses en avanzar intercambios culturales internacionales mientras enfoca los contextos sociales, culturales e históricos del desierto han informado su nombramiento como curador del Noor Riyadh Light Festival y su trabajo como asesor en varios contextos globales.

Diana Campbell Co-Curator Co-curadora

Diana Campbell is a Princeton University-educated American curator and writer who has been working in South and Southeast Asia since 2010, primarily in India, Bangladesh, and the Philippines. She is committed to fostering a transnational art world, and her plural and long-range vision addresses the concerns of underrepresented regions and artists alongside the more established in manifold forums. While she was born in Los Angeles, her maternal family being Indigenous CHamoru from the island of Guam, her heritage inspires her curatorial practice, which seeks to amplify the reach of Indigenous voices. Since 2013, she has served as the founding artistic director of Dhaka-based Samdani Art Foundation, Bangladesh, and chief curator of the Dhaka Art Summit. She also leads the Samdani Art Foundation, was the founding artistic director of Bellas Artes Projects in the Philippines, and curated Frieze Projects in London in 2018 and 2019. She is

MICHAEL LEWIS (WAKEFIELD)

passionate about the role that artistic thinking can play in transformational social change and is part of the Facilitation Group of Afield, an international network of cultural change-makers.

Diana Campbell es una curadora y escritora Americana educada en Princeton. Desde el 2010 ha trabajado en el sur y sudeste de Asia, específicamente en India, Bangladesh y las Filipinas. Está comprometida en crear un mundo del arte transnacional. Su visión plural de largo plazo responde a las preocupaciones de regiones y artistas  subrepresentados y también de foros establecidos. Aunque nació en Los Ángeles su familia materna es CHamorou de la isla de Guam y su cultura inspira su práctica curatorial que amplía voces indígenas. Desde el 2013 ha sido la primera directora artística del Dhaka Art Summit. También dirige Samdani Art Foundation y fue la primera directora artistíca de Bellas Artes Projects en las Filipinas. En el 2018 y 2019 fue curadora de Frieze Projects en Londres. Es apasionada sobre el rol que el pensamiento artístico puede tener en el cambio social y es parte del Facilitation Group of Afield—una red internacional de promotores culturales.

3 Questions for Diana Campbell

What do you find most compelling (or challenging) about developing an exhibition in the Coachella Valley?

Diana Campbell: I find it exciting, compelling, and also challenging to address the many histories that make up the changing landscape of the Coachella Valley that has inspired many people, especially artists and architects, for such a long time. The desert is full of mythologies that equip people with a strong will to survive in conditions some might think to be impossible, and this combination of tenacity through storytelling contributes to the important role of “the desert” in many cultures around the world. One of the many challenges of this project is not to over-romanticize this “tenacity” but to address real problems facing humans and non-humans who live in the Coachella Valley today.

What are some of the big questions or themes you’ve been exploring with artists as you develop the 2023 exhibition?

How do we connect the specificities of the Coachella Valley to the wider biosphere, where resources and energy (as well as the negative externalities that come along with the use of resources and energy) flow across borders and impact parts of the world we might never see. I am inspired by water cycles, how water moves across solid, liquid, and gas states, and hope that the show will help us imagine how our energy has a transference far beyond what we see in front of us in our own localities in the here and now. How can art be an instrument of self-awareness and help us sense our individual impact to understand the power of what that collective impact could be?

What have been your favorite discoveries here in the desert?  I have been very inspired by the work of Temalpakh Farm in

Coachella. In a similar way that I am interested in water cycles, I am interested in how resources flow from the Augustine Band of Cahuilla Indians’ casino into an organic farm aimed to promote sustainable lifestyles in the Coachella Valley. Healthy eating can be prohibitively expensive. I am moved by how this initiative has an educational remit to revive and activate Indigenous farming technologies and knowledges found in food culture to nourish the community today.

3 preguntas para Diana Campbell

¿Qué encuentra más convincente (o desafiante) sobre desarrollar una exposición en el valle de Coachella?

Lo encuentro emocionante, convincente y también desafiante abordar las muchas historias que conforman el paisaje cambiante del valle de Coachella que ha inspirado a muchas personas, especialmente artistas y arquitectos, durante tanto tiempo. El desierto está lleno de mitologías que equipan a las personas con una fuerte voluntad de sobrevivir en condiciones que algunos podrían pensar que son imposibles, y esta combinación de tenacidad a través de la narración contribuye al importante papel del “desierto” en muchas culturas de todo el mundo. Uno de los muchos desafíos de este proyecto no es idealizar demasiado esta “tenacidad”, sino abordar los problemas reales que enfrentan los humanos y los no humanos que viven hoy en el valle de Coachella.

¿Cuáles son algunas de las preguntas o temas más grandes que ha estado explorando con los artistas a medida que desarrolla la exposición?

¿Cómo conectamos las especificidades del valle de Coachella con la biosfera más amplia, donde los recursos y la energía (así como las externalidades negativas que vienen junto con el uso de los recursos y la energía) fluyen a través de las fronteras e impactan partes del mundo que tal vez nunca veamos? Me inspiran los ciclos del agua—cómo se mueve el agua a través de los estados sólidos, líquidos y gaseosos, y espero que el programa nos ayude a imaginar cómo nuestra energía se transfiere más allá de lo que vemos frente a nosotros en nuestras propias localidades aquí y ahora. ¿Cómo puede el arte ser un instrumento de autoconciencia y ayudarnos a sentir nuestro impacto individual para comprender el poder de lo que podría ser el impacto colectivo?

¿Cuáles han sido tus descubrimientos favoritos en el desierto?

Me ha inspirado mucho el trabajo de Temalpakh Farm en Coachella. De la misma manera que estoy interesada en los ciclos del agua, estoy interesada en cómo los recursos fluyen desde el casino de la comunidad Augustine Band of Cahuilla Indians hacia una granja orgánica destinada a promover estilos de vida sostenibles en el valle de Coachella. Una alimentación saludable puede ser prohibitivamente costosa. Me conmueve cómo esta iniciativa tiene una remesa educativa para revivir y activar las tecnologías y los conocimientos agrícolas indígenas que se encuentran en la cultura alimentaria para nutrir a la comunidad.

ABOUT DESERT X

Desert X is produced by The Desert Biennial, a notfor-profit 501(c)(3) charitable organization founded in California.

OUR MISSION

Desert X creates and presents international contemporary art exhibitions that engage with desert environments through site-specific installations by acclaimed artists from around the world.

OUR STORY

The history of Desert X is young and ambitious. It is an organization founded in 2016 on the love of contemporary art and its ability to create crosscultural dialogue while simultaneously engaging audiences and artists who find the walls of museums and galleries somewhat stifling. Its mission has always been ambitious, seeking to present curated exhibitions of site-specific work by international artists who can amplify our connections with the desert, while also creating a visual response to issues of vast importance to today’s global citizenry.

From its beginning, the organization has called on all its audiences to be brave, engage their sense of adventure, and open their hearts as they seek the various art installations, paying attention not only to their physicality but also to the stories the artworks tell: emotionally, historically, or socially.

SOBRE DESERT X

Desert X es producido por The Desert Biennial, una organización 501 (c) sin fines de lucro fundada en California.

NUESTRA MISIÓN

Desert X crea y presenta exposiciones internacionales de arte contemporáneo que exploran los desiertos vía instalaciones de arte de sitio específico por artistas de alrededor del mundo.

NUESTRA HISTORIA

La historia de Desert X es corta pero poderosa. Somos una organización fundada en el 2016 por el amor al arte contemporáneo y su habilidad de crear diálogo transcultural y a la vez interacturar con audiencias y artistas que encuentran las paredes de museos y galerías sofocantes. Nuestra misión siempre ha sido ambiciosa—tratando de presentar exposiciones de obras de sitio específico por artistas internacionales que amplifican nuestras conexiones con el desierto mientras crean respuestas visuales a temas importantes del día para nuestra sociedad global. Desde su inicio la organización ha llamado a su audiencia a ser valiente, interactuar con su sentido de aventura y abrir sus corazones mientras buscan las instalaciones de arte—poniendo atención no solamente a su fisicalidad sino también a las historias que cuentan: emocionalmente, históricamente y socialmente.

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Ace Hotel & Swim Club 701 E. Palm Canyon Drive

Palm Springs

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Instagram: @_desertx

Facebook: @DesertX

Vimeo: vimeo.com/desertx

MEET THE DESERT X TEAM

Jenny Gil E xecutive Director

Neville Wakefield Artistic Director

Diane Mailey Director of Development

Mara Gladstone Deputy Director & Head of Programs

Diana Campbell C o-curator, Desert X 2023

Bill Misenhimer Financial Adviser

Caroline Gomez E xecutive Coordinator

Kamil Beski Production Director

Kate Petty Production Manager

Marshall Birnbaum E xhibition Designer

Tara Nuño Curatorial Assistant

Al Partida Development Assistant

Trish Gordon Volunteer and Education Liaison

Max Finneran Education Producer

Edwin Ramoran Curatorial Fellow

Connor Keeran C ommunity Engagement Services

Lake Rodas C ommunity Engagement Services

Alisa Becket VIP Experiences Coordinator

Alonso Medel C ommunity Associate

Hunter Martin Digital Manager

Jada Hunter Reese V isitor Experience Services

Abril Castañeda Intern

Danica Palmersheim Intern

Lyn Winter, Inc. C ommunications and Media Relations

DESERT X MERCHANDISE

Windmill City Super #1 463 N. Palm Canyon Drive Palm Springs super-number-one.com

The songs of the mariachi are expressions of love, honor, and the vibrance of a proud community. So is our food, art, and everything we do.

PuraP ión

At Sixth and Cesar Chavez Streets in Coachella, Italian artist Edoardo Tresoldi juxtaposes Baroque-inspired architecture with the City’s desert landscape in the form of a ghostly wire-mesh sculpture titled Etherea

W e cradle our arms. We don’t just wear our heart on our sleeve,

coachella.org

HOW TO EXPERIENCE DESERT X

Desert X is an exhibition conceptualized as a self-guided outdoor experience where you determine the start and end point of your journey. The exhibition is free and open to all and runs from March 4 through May 7, 2023, at locations throughout the Coachella Valley.

Optimize Your Experience

• D ownload the Desert X app. Free for Apple and Android, the app offers information about the artists and a GPSpowered map for easy navigation.

• Subscribe to the e-newsletter. Be the first to learn about programs, special offers, and opportunities to interact with artists and curators.

Visit the Hub at the Ace Hotel & Swim Club

Pick up a printed program and meet our friendly volunteers who will help you plan your visit and provide information about the exhibition.

Hours

Visiting hours for the installations are usually sunrise to sunset Sunday through Saturday, unless otherwise noted. Desert X docents are at most sites every Saturday from 10 a.m. to noon.

Accessibility

Desert X art installations are meant to be experienced from a variety of perspectives and points of view. During the exhibition, Desert X will, on request, make all reasonable modifications to ensure that people with disabilities can access and enjoy the exhibition. To request a reasonable modification, contact us at info@desertx.org.

Parking

Follow signs and park in designated areas only. Follow the law. Drivers who are not familiar with our desert roads and do not follow parking signs often get their vehicle stuck in the sand. Desert X is not responsible for any theft or damage to visitors’ vehicles, property, or towing bills.

Pet Policy

Desert X takes place in urban and natural outdoor public spaces, but some areas and properties might restrict access to pets. Please follow public guidelines regarding your pets, keep your pets on leash, do not touch the artworks, and respect the environment.

Is Desert X kid-friendly?

Yes, Desert X is for people of all ages.

How do I donate?

Visit desertx.org or send a check to Desert X, P.O. Box 4050 Palm Springs, CA 92263

Professional photography and video

Professional and commercial photography and video shoots at Desert X locations are not allowed.

Media requests

If you have a media request, please contact our communications and media team at desertx@lynwinter.com.

Education & Public Programs

Desert X educational initiatives are a cornerstone of the exhibition’s outreach. Public programs include conversations, site activations, and artist-led workshops, and have connected with more than 10,000 visitors. Since 2017, Desert X has provided 800 cumulative in-class instruction hours to 2,000 students and 50 teachers in the region. In 2023, Desert X is growing the breadth and depth of its reach through expanded learning programs in K-12 schools and community centers in all three Title 1 school districts in the Coachella Valley, internships, and a curatorial fellowship. To learn more, visit desertx.org.

GUÍA PARA VISITAR DESERT X

Desert X es una exposición conceptualizada como una experiencia autoguiada. La exposición es gratis y estará abierta al público a partir del 4 de marzo hasta el 7 de mayo del 2023 en varios lugares por todo el valle de Coachella.

Optimiza tu experiencia

• B aja la aplicación de Desert X. La aplicación es gratuita y está disponible para Apple y Android. En ella encontrarás información sobre los artistas y un mapa de la exposición.

• Suscríbete a nuestro boletín electrónico. Se de las primeras personas en recibir información sobre programas, ofertas especiales y oportunidades de conocer a los artistas y curadores.

Visita el Hub en el Ace Hotel & Swim Club

Recoge el programa y conoce a nuestros voluntarios que te pueden ayudar a organizar tu visita y darte más información sobre la exposición.

Horario

Las instalaciones de Desert X se pueden visitar de lunes a domingo desde el amanecer hasta el atardecer. Docentes estarán presentes en la mayoría de instalaciones los sábados de 10am–12pm.

Accesibilidad

Las instalaciones de Desert X se pueden experimentar de una variedad de perspectivas y puntos de vista. Durante la exposición, Desert X podrá, con pedido de avanzado, hacer todas las modificaciones razonables para que personas con discapacidades puedan disfrutar la exposición. Para pedir alguna modificación, contáctanos: info@desertx.org

Estacionamiento

Sigan las guías públicas y estacionen solamente en áreas designadas. Sigan todas las leyes. Conductores que no están familiarizados con las carreteras del desierto se pueden quedar atorados en la arena. Usen precaución. Desert X no es responsable por ningún robo o cualquier daño a los vehículos de vistantes o por costos de grúa.

Mascotas

Desert X se lleva a cabo en lugares al aire libre y en contextos urbanos. Ciertos lugares restringen acceso a mascotas. Por favor sigan las guías públicas. Mantengan a sus mascotas con correa, no toquen las obras de arte, y respeten el medio ambiente.

¿Desert X es para niños?

Sí. Desert X es para personas de todas las edades.

¿Cómo dono a Desert X?

Visita desertx.org o manda un cheque a Desert X, P.O. Box 4050 Palm Springs, CA 92263

Fotografía y video profesional

Fotografía y video profesional o comercial no están permitidos en las instalaciones de Desert X.

Prensa

Para temas de prensa por favor contacten a nuestro equipo de comunicaciones: desertx@lynwinter.com

Educación y programas públicos

Las iniciativas educativas de Desert X son la piedra angular de la proyección social de la exposición. Los programas públicos incluyen conversaciones, activaciones in situ y talleres dirigidos por artistas, y han conectado con más de 10 000 visitantes. Desde 2017, Desert X ha proporcionado 800 horas acumuladas de instrucción en clase a 2000 estudiantes y 50 profesores de la región. En 2023, Desert X está aumentando la amplitud y profundidad de su alcance a través de programas de aprendizaje ampliados en escuelas K-12 y centros comunitarios en los tres distritos escolares de Título 1 en el Valle de Coachella, pasantías y una beca de curaduría. Para más información, visite desertx.org.

LAND ACKNOWLEDGMENT

We acknowledge the Cahuilla People as the original stewards of the land on which Desert X takes place. We are grateful to have the opportunity to work with the indigenous people in this place. We pay our respect to the Cahuilla People — past, present, and emerging — who have been here since time immemorial.

HELP US PROTECT THE LAND

Desert X consults with site owners and environmental organizations to install artworks and welcome visitors in a manner in which the exhibition leaves no trace after it closes. Desert X adopted guidelines set forth in Reading the Landscape, established by the Mojave Desert Land Trust to help artists responsibly engage with the land and its delicate ecosystems. The protocol calls for treading lightly during creation and visitation to avoid trampling vegetation, degrading soil, and disturbing wildlife in the creation of the art. At the necessary installation sites, Desert X offers access points, pathways, and parking to minimize impact on the land as well as a restoration plan to ensure the experience leaves no trace.

Desert X encourages visitors to follow official Leave No Trace guidelines: Plan ahead and prepare, walk on designated paths, dispose of waste properly, leave what you find, respect wildlife, don’t smoke, and be considerate of other visitors.

For more information, visit mdlt.org/discover-learn/ reading-the- landscape and lnt.org

RECONOCIMIENTO DE TIERRAS INDÍGENAS

Reconocemos a la gente del pueblo Cahuilla como los propietarixs originales de las tierras donde se lleva a cabo Desert X. Estamos agradecidos por la oportunidad de trabajar con la gente indígena de este lugar. Respetamos a los Cahuilla, sus ancestros y a los que vendrán después—al pueblo que ha estado aquí desde un principio.

AYÚDANOS A PROTEGER LA TIERRA

Desert X consulta con propietarios de terrenos, organizaciones gubernamentales y medio-ambientales y con expertos para instalar obras de arte y para dar la bienvenida al público de forma de que no dejemos ningún rastro de la exposición después de su conclusión. Desert X ha adoptado las recomendaciones publicadas en Reading the Landscape, un recurso publicado por el Mojave Desert Land Trust con el fin de ayudar a los artistas a trabajar de una forma responsable en un ecosistema tan delicado como el del desierto. En las recomendaciones se pide que visitantes al desierto tengan cuidado en pisar ligeramente para no pisotear la vegetación, degradar el suelo, o perturbar la vida silvestre. En los lugares donde se considera necesario, Desert X pone a disposición puntos de acceso, caminos y estacionamiento para reducir el impacto humano en la tierra. Desert X también tiene un plan de restauración para garantizar que la exposición no deje ningún rastro prejudicial en la tierra.

Desert X pide a todos los visitantes unirse a nuestro esfuerzo para proteger el medio-ambiente siguiendo las recomendaciones para no dejar rastro: pise sólo en los caminos designados, deje lo que encuentre, deshágase de los desperdicios adecuadamente, no fume, respete la naturaleza, y sea considerado con los otros visitantes.

Para más información visita mdlt.org/discover-learn/ reading-the-landscape y lnt.org

RANA BEGUM

LAUREN BON AND METABOLIC STUDIO

GERALD CLARKE

PALOMA CONTRERAS LOMAS

TORKWASE DYSON

MARIO GARCÍA TORRES

HYLOZOIC DESIRES MATT JOHNSON

TYRE NICHOLS

TSCHABALALA SELF

MARINA TABASSUM

HÉCTOR ZAMORA

ARTISTIC DIRECTOR / NEVILLE WAKEFIELD CO-CURATOR / DIANA CAMPBELL

Rana Begum is a British-Bangladeshi artist whose work blurs boundaries between painting, sculpture, design and architecture. She is influenced by both minimalism and her childhood experiences encountering spiritual architecture in Bangladesh. She combines an early-childhood sense of calm contemplation that she found in repetition and ritual with a fascination for urban structures and industrial materials to create a conversation between form, color and light. Her works absorb and reflect varied densities of light to produce an experience for the viewer that is both temporal and sensorial, with a unique style of rhyming geometry and color.

Responding to the ubiquity of the chain-link fence as a pattern spread across the Coachella Valley — a material that is meant to protect but also carries associations of violence — Begum diffuses the material’s role as a divider through her manipulation of its form and color. We notice how light and air, sand and water, as well as people, can filter through her cloud-like pavilion, which offers paths of expansive escape rather than reductive confinement. Constantly changing with the movement of the sun and the visitors inside of it, the work emphasizes that nothing in life is static; everything, from the world outside to our emotions within, is in a continual state of flux.

Rana Begum es una artista británica-bangladesí. En su obra se desvanecen los límites entre la pintura, la escultura, el diseño y la arquitectura. El minimalismo tanto como sus experiencias de infancia frente a la arquitectura espiritual de Bangladesh marcan sus influencias. Begum incorpora una sensación infantil de calma y contemplación, que ella encuentra dentro de la repetición y el ritual, con una fascinación por estructuras urbanas y materiales industriales para crear una conversación entre forma, color y luz. Con un estilo único compone rimas de geometría y color, sus obras absorben y reflejan múltiples densidades de luz para producir en el espectador una experiencia que es a la vez temporal y sensorial.

Respondiendo a la sobrepresencia de la cerca metálica como un patrón extendido por el Valle de Coachella—un elemento destinado a proteger, pero asociado también a la violencia—, manipulando su forma y su color, Begum disipa la función de este material como un agente que divide. Nosotros podemos observar cómo la luz y el aire, la arena y el agua, así como la gente, pasan, se filtran, atraviesan su pabellón en forma de nube, ofreciendo caminos de escape expansivo en lugar de un reductor encierro. En un constante cambio por el movimiento del sol y de los visitantes dentro de él, la pieza enfatiza que nada en la vida es estático; todo, desde el mundo exterior hasta nuestras emociones internas, se encuentra en un estado de flujo continuo.

GENEROUS SUPPORT IS PROVIDED BY HOURGLASS COSMETICS AND THE CITY OF PALM DESERT.

CON APOYO GENEROSO DE HOURGLASS COSMETICS Y LA CIUDAD DE PALM DESERT.

(Sylhet, Bangladesh, 1977)

Con sede en Londres, Reino Unido

Eslabón No.1225

74184 Portola Road

Palm Desert

33.775917, -116.368694

b. Sylhet, Bangladesh, 1977

Based in London, United Kingdom

No.1225 Chainlink

74184 Portola Road

Palm Desert

33.775917, -116.368694

RANA BEGUM

LAUREN BON AND METABOLIC STUDIO

Lauren Bon (b. New Haven, Connecticut, USA, 1962) Based in Los Angeles, California

The Smallest Sea with the Largest Heart 2249 N. Palm Canyon Drive Palm Springs 33.849977, -116.549802

Open select evenings. Check desertx.org or the Desert X app for visiting hours.

Lauren Bon (New Haven, Connecticut, Estados Unidos, 1962) Con sede en Los Ángeles, California

El mar más pequeño con el corazón más grande 2249 N. Palm Canyon Drive Palm Springs 33.849977, -116.549802

Visita desertx.org para horario de apertura.

Lauren Bon is an artist whose practice embraces environmental activism. Working with architecture, performance, photography, sound and farming, she creates urban, public and land art that she terms “devices of wonder” to galvanize social and political transformation. For Bon, infrastructure to regenerate life and reveal its abundance can be art. In 2005, Bon created Metabolic Studio. Derived from the Greek word for “change,” metabolism is the process that maintains life. In continuous cycles of creation and destruction, metabolism transforms nutrients into energy and form. The actions generated by Metabolic Studio are global in focus and reach: developing new tools for urban living and city planning; inventing novel social practices for political and environmental justice; and directing art practice to engage on the same scale as society’s capacity to destroy. Metabolic Studio is a force for change, showing that another reality is possible by pointing the way to new endeavors and practices in an age of economic and environmental scarcity.

Bon and Metabolic Studio have created a poetic object that submerges visitors in the deep past and the distant future, taking inspiration from plants, which metabolize sunlight into energy, and the blue whale, the largest animal known to have lived on Earth. Fuelling the potential for future life and visually transforming itself in the process, the work, which merges swimming pools in a landscape associated with tremendous water shortage, with water and fish-bone skeleton “sand” from the Salton Sea, reminds us not only of the imperative for artists to create at the same level as society’s capacity to destroy, but also of our own connection to water and that the desert was once a sea. A lace-like steel sculpture of a to-scale blue whale heart is submerged in a pool pumped full of Salton-Sea water, but rather than stand as a harbinger of death, the sculpture metabolizes and creates energy and clean water that it deposits back into the atmosphere, fueling the potential for future life across the run of the exhibition and visually transforming itself in the process.

Lauren Bon es una artista cuya práctica abraza el activismo ambiental. Trabajando con arquitectura, performance, fotografía, sonido y agricultura, ella crea un arte urbano, público y de la tierra, que la misma artista denomina como “dispositivos del asombro” para provocar transformaciones políticas y sociales. Para Bon el arte puede ser una infraestructura para regenerar la vida y revelar su abundancia. Bon creó Metabolic Studio en 2005, partiendo de la palabra griega para “cambio”, tomando en cuenta que el metabolismo es el proceso que mantiene la vida. El metabolismo en continuos ciclos de creación y destrucción convierte los nutrientes en energía y forma. Las acciones generadas por Metabolic Studio son globales en enfoque y alcance: desarrollar nuevas herramientas para la vida urbana y la planificación de la ciudad; inventar prácticas sociales para la justicia política y ambiental; y dirigir la práctica artística para involucrarse de la misma manera en que lo hace la capacidad destructiva de la sociedad. Metabolic Studio es una fuerza transformadora, muestra que otra realidad es posible al señalar un camino hacia otros esfuerzos en una era de precariedad económica y ambiental.

Lauren Bon y Metabolic Studio han creado un objeto poético que sumerge a los visitantes en un pasado profundo y un futuro lejano, inspirándose en las plantas, que metabolizan la luz solar en energía; así como en la ballena azul, el animal más grande que, según se sabe, vivió en la Tierra. Desde un lenguaje de la fatalidad—piscinas que apuntan a un paisaje asociado con una tremenda escasez de agua, agua y “arena” de esqueletos de peces muertos del Salton-Sea, el lago más grande y contaminado de California—, se crea un dispositivo del asombro que también pueda ser una luminaria de esperanza. Una escultura de acero como de encaje, un corazón de ballena azul a escala dentro de una piscina llena de agua de Salton-Sea que, en lugar de permanecer como un presagio de la muerte, metaboliza y crea energía y agua limpia que deposita de nuevo en la atmósfera. Alimentando, a lo largo de la exhibición, el potencial para la vida futura y transformándose visualmente en el proceso.

GENEROUS SUPPORT IS PROVIDED BY WESTERN WIND FOUNDATION, CHRISTINE & JAMES SCOTT, THE ALEXANDER HOTEL, AND THE PALM SPRINGS PUBLIC ARTS COMMISSION.

CON APOYO GENEROSO DE WESTERN WIND FOUNDATION, CHRISTINE & JAMES SCOTT, THE ALEXANDER HOTEL, Y THE PALM SPRINGS PUBLIC ARTS COMMISSION.

Gerald Clarke is an artist, university professor, cowboy and Cahuilla tribal leader. He is known for deriving inspiration from his heritage and expressing traditional ideas in contemporary forms — mixed-media sculptures, paintings, works on paper, videos, performances and installations — that are at once poetic and politically urgent. Clarke’s artistic output resonates with histories of assemblage, pop, and conceptual art produced by both Native and non-Native artists.

As an educator, Clarke understands the role that games can play in leading people to obtaining knowledge that they might have been hesitant to seek on their own. Employing the language of traditional Cahuilla basket weaving and American board games, the artist creates a monumental sculpture of a gameboard in the desert that immerses visitors in the natural and cultural history of Native Americans in the Coachella Valley. Catalyzing active learning, the maze-like structure invites visitors to walk on it and move according to instructions driving a game of cards, rewarding the player with new ways of viewing and understanding the landscape.

Gerald Clarke es artista, profesor universitario, vaquero y líder comunal en Cahuilla. Clarke, es conocido por tomar inspiración de su herencia y expresar ideas tradicionales en formas contemporáneas (esculturas de técnica mixta, pinturas, obras en papel, videos, performances e instalaciones) que son a la vez poética y políticamente urgentes. Su producción artística hace eco con la historia del ensamblaje, el pop y el arte conceptual producido por artistas nativos y no nativos.

Como educador, Clarke comprende el papel que desempeñan los juegos en la adquisición de conocimientos, que las mismas personas a veces dudan buscar por su cuenta. Recurriendo al lenguaje de la cestería tradicional de Cahuilla y al de los juegos de mesa estadounidenses, el artista crea una escultura monumental, un tablero de juego en el desierto que sumerge a los visitantes en la historia natural y cultural de los nativos americanos en el Valle de Coachella. Catalizando el aprendizaje activo, una estructura similar a un laberinto invita a los visitantes a caminar sobre ella y a moverse mediante instrucciones guiadas por una serie de cartas, donde la recompensa del jugador consiste en encontrar nuevas formas de ver y comprender el paisaje.

THIS PROJECT IS SUPPORTED IN PART BY THE NATIONAL ENDOWMENT FOR THE ARTS.

GENEROUS SUPPORT IS PROVIDED BY ROSWITHA SMALE.

SPECIAL THANKS TO THE DESERT HIGHLAND GATEWAY ESTATES COMMUNITY ACTION ASSOCIATION.

CON APOYO GENEROSO DE NATIONAL ENDOWMENT FOR THE ARTS Y ROSWITHA SMALE.

AGRADECIMIENTO ESPECIAL A LA ASOCIACIÓN DE ACCIÓN COMUNITARIA DE DESERT HIGHLAND GATEWAY ESTATES.

b. Hemet, California, USA, 1967

Based on the Cahuilla Indian Reservation

GERALD CLARKE

Immersion

James O. Jessie Desert Highland Unity Center 480 W. Tramview Road

Palm Springs 33.868051, -116.553720

(Hemet, California, Estados Unidos, 1967) Con sede en la Reserva Indígena Cahuilla

Inmersión

James O. Jessie Desert Highland Unity Center 480 W. Tramview Road Palm Springs 33.868051, -116.553720

PALOMA CONTRERAS

b. Mexico City, Mexico, 1991 Based in Mexico City

Amar a Dios en Tierra de Indios, Es Oficio Maternal Sunnylands Center & Gardens 37977 Bob Hope Drive Rancho Mirage

33.780500, -116.406167

Visit desertx.org for opening hours.

By employing drawing, sculpture, performance, writing and multimedia installation, Paloma Contreras Lomas addresses topics such as patriarchy, violence, class segregation, colonial guilt and constructed middle-class identity with a cinematic sense of humor. She exercises a playful sense of lightness to draw the viewer in to ponder heavy issues that are rarely addressed in Mexican society. Her work seeks to push back at the violent male gaze of the landscape by confronting its historical association with the male libido, the occupation and instrumentalization of territory, and economies of extraction.

Visitors encounter a dated car that has screeched to a halt in Sunnylands. An absurd array of tangled limbs of two mysterious characters wearing long hats sprawl out of the car and onto the site’s pristine, manicured grounds. Plush, long hands armed with soft-stuffed guns hang from the windows, barely camouflaged by the artificial overgrowth invading the sculpture. These strange characters accompany the visitor on a caricature of a western–meets–sci-fi audio-visual tour of the landscape, like a fictional tour of a seemingly familiar world outside, guided by aliens and ghosts.

LOMAS

(Ciudad de México, México, 1991)

Con sede en la Ciudad de México

Amar a Dios en Tierra de Indios, Es Oficio Maternal Sunnylands Center & Gardens

37977 Bob Hope Drive Rancho Mirage

33.780500, -116.406167

Con un sentido del humor cinematográfico y a través del dibujo, la escultura, el performance, la escritura y la instalación multimedia, Paloma Contreras Lomas aborda temas como el patriarcado, la violencia, la segregación de clases, la culpa colonial y los constructos de identidad de la clase media. A través del ejercicio de una juguetona sensación de ligereza, la artista lleva al espectador a reflexionar sobre temas cuya densidad rara vez es abordada dentro de la sociedad mexicana. Su trabajo rechaza la mirada masculina y violenta del paisaje, confrontando su asociación histórica con la libido masculina: la ocupación e instrumentalización del territorio y las economías de extracción.

Los visitantes encuentran un automóvil anticuado que se detuvo abruptamente en Sunnylands. Una absurda serie de extremidades enredadas de dos personajes misteriosos que usan sombreros altos se extiende fuera del automóvil y sobre los terrenos impecablemente cuidados del sitio. Manos largas y afelpadas armadas con blandas pistolas cuelgan de las ventanas, apenas camufladas por una maleza artificial que invade la escultura. Estos extraños personajes acompañan al espectador en una caricatura donde el western se encuentra con la ciencia ficción de un tour audiovisual por el paisaje, como un recorrido ficticio por un mundo exterior aparentemente familiar, guiado por extraterrestres y fantasmas.

GENEROUS SUPPORT IS PROVIDED BY SUNNYLANDS CENTER & GARDENS, KAREN FOX, AND CELIA HENELY.

CON APOYO GENEROSO DE SUNNYLANDS CENTER & GARDENS, KAREN FOX Y CELIA HENELY.

Visita desertx.org para horario de apertura.

Torkwase Dyson describes herself as a painter working across multiple mediums to explore the continuity between ecology, infrastructure and architecture. Dyson’s abstract works are visual and material systems used to construct fusions of surface tension, movement, scale, real and finite space. With an emphasis on the ways black and brown bodies perceive and negotiate space as information, Dyson looks to spatial liberation strategies from historical and contemporary perspectives. She seeks to uncover new understandings of the potential for more livable geographies, recognizing that many landscapes, infrastructures, and built environments were actively shaped to devalue Black life.

Liquid A Place is part of an ongoing series that started from the premise that we are the water in the room, inviting viewers to consider their bodily interconnection with rivers and oceans that surround us. After all, around 60 percent of our bodies and 70 percent of the planet is water, and these waters circulate across our bodies and the planet as they shift states from solid to liquid to gas.

For this iteration of Liquid A Place, Dyson creates a monumental sculpture that is a poetic meditation connecting the memory of water in the body and the memory of the water in the desert. How do we go to the water in our bodies to harvest memory? Can this liquid memory help us reconsider scale and distance as critical forms in holding onto liberatory life practices? What kind of scalable infrastructure can our bodies resist and invent, making cities more livable? How are new geographies formed from the architecture of our bodies?

Torkwase Dyson se describe a sí misma como una pintora que trabaja a través de múltiples medios para explorar la continuidad entre ecología, infraestructura y arquitectura. Las obras abstractas de Dyson son sistemas materiales y visuales que dan lugar a fusiones de superficies en tensión, movimiento, escala, espacio real y finito. Desde perspectivas históricas y contemporáneas, haciendo énfasis en las formas en que los cuerpos negros y morenos perciben y negocian el espacio como información, Dyson procura estrategias espaciales de liberación. La artista busca revelar nuevos entendimientos que potencien geografías más habitables, reconociendo que muchos paisajes, estructuras y entornos fueron construidos activamente para devaluar la vida de los negros.

Liquid A Place forma parte de una serie en curso que dio inicio con la premisa de ser nosotros el agua en la habitación, invitando a los espectadores a considerarse a sí mismos como corporalidades interconectadas con los ríos y los océanos. Después de todo, casi el 60 por ciento de nuestros cuerpos y el 70 por ciento de la Tierra son agua, y estas aguas circulan a través de nosotros y del planeta a medida que cambian de estado de sólido, a líquido, a vapor.

Para esta iteración, Dyson crea una escultura monumental, una meditación poética que conecta la memoria del agua en el cuerpo y la memoria del agua en el desierto. ¿Cómo recorremos el agua en nosotros para cosechar la memoria? ¿Puede esta memoria líquida ayudarnos a reconsiderar la escala y la distancia como formas críticas para aferrarnos a prácticas de vida liberadoras? ¿Qué tipo de estructura medible es capaz nuestro cuerpo de resistir e inventar, haciendo a las ciudades más vivibles? ¿Cómo se forman nuevas geografías desde la arquitectura de nuestros cuerpos?

GENEROUS SUPPORT IS PROVIDED BY VICKI HOOD.

CON APOYO GENEROSO DE VICKI HOOD.

TORKWASE DYSON

b. 1973, Chicago, Illinois, USA, 1973 Based in New York

Liquid A Place

Homme Adams Park 72500 Thrush Road

Palm Desert 33.708547, -116.399372

(Chicago, Illinois, Estados Unidos, 1973) Con sede en Nueva York

Liquid A Place

Homme Adams Park 72500 Thrush Road

Palm Desert 33.708547, -116.399372

MARIO GARCÍA

b. Monclova, Mexico, 1975

Based in Mexico City and Los Angeles

Searching for the Sky (While Maintaining Equilibrium)

Pierson Boulevard between Foxdale Drive and Miracle Hill Road

Desert Hot Springs

33.963394, -116.485582

(Monclova, México, 1975)

Con sede en la Ciudad de México y Los Ángeles

Buscando el Cielo (Manteniendo el Equilibrio)

Pierson Boulevard entre Foxdale Drive y Miracle Hill Road

Desert Hot Springs

33.963394, -116.485582

Works by Mario García Torres are inspired by history and the histories of art, which he takes as factual raw material for new narrations, giving famous artworks and cultural icons fresh twists through a variety of media, including painting, photography, film, video, performance and installation. Storytelling, reenactment, report and repetition are few of the strategies García Torres employs in his work, uncovering narratives that highlight the limitation of evidence and the subjectivity of historical records. Attached to the historical settings of his projects, his works bridge past and present by raising awareness about recorded knowledge and excluded content, which often reveal the nature of memory.

The desert is a beautiful and attractive — yet also a dangerous and challenging — place. Searching for the Sky (While Maintaining Equilibrium) carries a reflection on “cowboy culture” that exists across both Mexican and American borders, representative of a macho, self-aggrandizing and forceful control of nature. These qualities also relate to the history of art, especially in the American West. In cowboy culture, and also in land art, there is an asserted promise to harness/control nature, which carries a pronounced risk of failure. In bull-riding, whether with a live animal or its mechanical avatar, competition with a wild beast carries an interest in and celebration of failure. The rider will fail and fall. A cowboy will become a clown. In his installation for Desert X, the artist replaced the bull component of the mechanical bull with a flat, geometric, reflective surface, slowing down the machine’s movement to reveal, little by little, what this object really is. Placed in the middle of the desert, in the formation of a herd, the work leads us to contemplate the “wild West,” and our relationship to landscape and our role within it; our condition to be both attracted and replaced by failure.

Inspirado en la historia y en las historias del arte, el trabajo de Mario García Torres retoma éstas como materia prima para generar nuevas narraciones, dando inesperados giros tanto a obras famosas como a íconos culturales desde una variedad de medios como pintura, fotografía, cine, video, performance e instalación. La narración, la recreación, el relato y la repetición son algunas de las estrategias que emplea García Torres en su obra, revelando narrativas que resaltan las limitaciones de la evidencia y la subjetividad en los registros históricos. Anclada en los contextos históricos de sus proyectos, su obra une el pasado y el presente creando conciencia sobre el conocimiento que se fija y el contenido que se excluye, elementos que a menudo revelan la naturaleza de la memoria.

El desierto es un lugar hermoso y atractivo, pero también peligroso y desafiante. Buscando el Cielo (Manteniendo el Equilibrio) reflexiona en torno a la “cultura vaquera” que atraviesa las fronteras mexicana y estadounidense, representativa del macho, engreído y potente control de la naturaleza. Estas cualidades también se relacionan con la historia del arte, especialmente en el Oeste Americano. En la cultura vaquera, pero también en el land art, existe la promesa declarada de dominar/controlar la naturaleza, corriendo con el enorme riesgo de fracasar.

En el jineteo de toros, ya sea montando un animal vivo o su avatar mecánico, la competencia con una bestia salvaje es un motivo de interés y de celebración si se fracasa. El jinete fallará y caerá. Un vaquero se convertirá en payaso. En su instalación para Desert X, García Torres reemplazó el componente animal del toro mecánico por una superficie geométrica, plana y reflejante, ralentizando el movimiento de la máquina para revelar, poco a poco, qué es realmente este objeto. Situado en medio del desierto, como una manada, la obra nos lleva a contemplar el “salvaje oeste”, nuestra relación con el paisaje y nuestro rol dentro de él; la condición de ser atraídos y reemplazados por la falla.

CON APOYO GENEROSO DE HENNESSY PARADIS.

Hylozoic/Desires, or h/d, comprises Himali Singh Soin & David Soin Tappeser, a multimedia poetmusician duo whose work centers around the rhythms of love and the beat of belonging. h/d’s methodology involves research into place and history to develop new speculative futures utilizing the musical tradition of jazz and the literary tradition of poetry. Their practice centers around ideas of time, interdependence and alterity. Their works use rhythm to codify, manipulate and deconstruct linear perceptions of time and hint at intercultural entanglements, parallel histories and extra-human frames of reference.

h/d uses metaphors from outer space and the natural environment to construct imaginary cosmologies of interferences, entanglements, deep voids, debris, delays, alienation, distance and intimacy. For Desert X, they find this metaphor in salt. Inspired by the proliferation of conspiracies — UFOlogists, Scientologists, cybernetic spiritualists, Area 51, flat-earthers, lizard people and chemtrails — h/d has created a wooden pillar that branches into loudspeakers that spew an imaginary conspiracy theory about Namak Nazar, a particle of salt that spells the doom of climate change and offers redemption by looking inward. The particle appears to climb up and crystalize over the trunk of the pole, connecting the salt found in the stories from the loudspeaker to the physical desert landscape, where salt lines forecast droughts and floods to come and salt songs describe the sacred geometry of the desert before settler colonialism.

Visitors are invited to join h/d in thinking through ecological loss and the loss of home, seeking shelter somewhere in the radicality of love in their immersive audio-visual environment.

Hylozoic/Desires, o h/d, está compuesto por Himali Singh Soin y David Soin Tappeser, un dúo de músicos y poetas multimedia cuyo trabajo tiene lugar en los ritmos del amor y de la pertenencia. La metodología de h/d involucra una investigación de los lugares y su historia para desarrollar futuros especulativos utilizando la tradición musical del jazz y la poesía. Las ideas de tiempo, interdependencia y alteridad son centrales en su práctica. Sus obras recurren al ritmo para codificar, manipular y deconstruir las percepciones lineales del tiempo e insinuar enredos interculturales, historias paralelas y marcos de referencia extrahumanos.

Mediante metáforas del espacio exterior y del entorno natural h/d crea cosmologías imaginarias de interferencias, enredos, vacíos abismales, ruinas, demoras, alienación, distancia e intimidad. Para Desert X, esa metáfora se encuentra en la sal. La proliferación de conspiraciones: ufólogos, cienciólogos, espiritistas cibernéticos, Área 51, terraplanistas, reptilianos y estelas químicas, sirven como fuente de inspiración para crear un pilar de madera ramificado en altavoces que arrojan una teoría de conspiración imaginaria sobre Namak Nazar; una partícula de sal que predice el fin del cambio climático y ofrece redención mirando hacia el interior. La partícula parece subir y cristalizarse sobre la columna, conectando la sal de las historias en el altavoz con el paisaje físico del desierto, en donde estas líneas vaticinan sequías e inundaciones y las canciones de sal describen la geometría sagrada del desierto antes de los primeros colonos.

Los visitantes están invitados a unirse a h/d en la reflexión acerca de la pérdida ecológica y la pérdida del hogar, buscando refugio en algún sitio del amor radical presente en sus inmersivas atmósferas audiovisuales.

THIS ARTWORK IS POWERED BY THE SUN AND SOLARPUNKS.

ESTA OBRA SE ALIMENTA POR EL SOL Y SOLARPUNKS.

Founded 2016, based between London and Delhi

Himali Singh Soin (b. Delhi, India, 1987)

David Soin Tappeser (b. Bonn, Germany, 1985)

Namak Nazar

Worsley Road between Pierson and Mission Lakes boulevards

Desert Hot Springs

33.965665, -116.583173

Fundada en 2016, con sede entre Londres y Delhi

Himali Singh Soin (Delhi, India, 1987)

David Soin Tappeser (Bonn, Alemania, 1985)

Namak Nazar

Worsley Road entre Pierson Boulevard y Mission Lakes Boulevard

Desert Hot Springs

33.965665, -116.583173

HYLOZOIC/DESIRES

Renowned for his wry marriages of everyday subjects with raw physical matter, Matt Johnson’s sculptures explore the paradox of visual forms through unorthodox and surprising materials. Whether rendering concentric Hula Hoops in steel to resemble nuclear diagrams or plastic beer cups in painted bronze, Johnson’s sculptures point not only to the gestural potential of consumer experience, but to the primitive connection humans have to materiality. Recently focusing on wood carvings of crumpled objects of refuse, Johnson’s painstaking renderings of crushed boxes, broken Styrofoam pads and smashed plastic present tossed-off remnants of everyday life as sublime formalism.

Sleeping Figure might be a cubist rendition of a classical odalisque, except here the cubes are shipping containers belonging to the globalized movement of goods and trade. Conceived at the time when a Japanese-owned, Taiwanese-operated, German-managed, Panamanian-flagged and Indianmanned container behemoth found itself for six days under Egyptian jurisdiction while blocking the Suez Canal, Johnson’s figure speaks to the crumples and breaks of a supply chain economy in distress. Situated along the main artery connecting the Port of Los Angeles to the inland United States, the sculpture gains local relevance from the recently approved siting of distribution centers in the north of Palm Springs and Desert Hot Springs. Casual and laconic, it overlooks the landscape reminding us that the invisible hand of globalism now connected to its container body has come to rest in the Coachella Valley.

Conocido por sus raros y humorísticos maridajes entre temas cotidianos y materiales en bruto, las esculturas de Matt Johnson exploran paradojas de las formas visuales a través de elementos sorprendentes y nada ortodoxos. Ya sea reproduciendo en acero aros hula hula concéntricos cual diagramas nucleares o vasos de cerveza de plástico en bronce pintado, las esculturas de Johnson apuntan no sólo al potencial gestual de la experiencia del consumidor, sino también a la conexión primitiva que los humanos tienen con la materialidad. Enfocándose recién en objetos tallados en madera que parecen basura maltrecha, sus minuciosas representaciones de cajas apachurradas, pedazos de espuma de poliestireno rotos y plástico aplastado se presentan como remanentes, desechos de la vida cotidiana como un formalismo sublimado.

Figura durmiente podría ser una interpretación cubista de una odalisca clásica, excepto que aquí las geometrías son contenedores en el movimiento globalizado de bienes y el comercio. Concebida en el momento en que un buque de contenedores de propiedad japonesa, operado por taiwaneses, administrado por alemanes, con bandera panameña y tripulado por indios, durante seis días se encontró bajo jurisdicción egipcia mientras bloqueaba el Canal de Suez. La figura de Johnson habla de las arrugas y roturas en la cadena de suministro de una economía agónica. La escultura adquiere una relevancia local debido a la ubicación recientemente aprobada de los centros de distribución en el norte de Palm Springs y Desert Hot Springs, a lo largo de la arteria principal que conecta el puerto de Los Ángeles con el interior de los Estados Unidos. Casual y lacónica, la obra domina el paisaje como si la mano invisible del globalismo, ahora conectada a su cuerpo contenedor, se ha posado en el Valle de Coachella.

MATT JOHNSON

b. New York, USA, 1978

Based in Los Angeles

Sleeping Figure

Interstate 10 to Exit 110 (Haugen Lehman Way) to Railroad Avenue

33.922876, -116.689379

(Nueva York, Estados Unidos, 1978) Con sede en Los Ángeles

Figura durmiente

Interstate 10 to Exit 110 (Haugen Lehman Way) to Railroad Avenue

33.922876, -116.689379

Born and raised in Sacramento, California, Tyre Nichols photographed landscapes, sunsets, monuments, and the architectural vernaculars of his adopted town of Memphis, Tennessee. They are the unassuming documents of a young man whose eye was drawn to the moments of beauty and evanescence that shape the rituals of daily life. “My vision is to bring my viewers deep into what I am seeing through my eye and out through my lens,” he wrote.

“I hope to one day let people see what I see and to hopefully admire my work based on the quality and ideals of my work.”

This work, now celebrated as part of Desert X, represents not just a vision that was brutally denied the opportunity to develop but the potential of all those individuals whose lives have been lost to the state sanctioned violence of institutional racism. Sited on billboards along Gene Autry Trail, Nichols’ work is also a reminder that so many of these needless deaths take place at the side of the road. Here the silent beauty of these levitated images stands in stark contrast with the terror experienced by Nichols and so many others on the shoulder below. But as with the vision the message is also one of hope: hope that with restrictions on pretextual stops California can lead the way in police reform; hope that together we can create a just society in which the fragile and beautiful talents of the likes of Tyre Nichols can flourish and grow.

Tyre Nichols nació y se crió en Sacramento, California. Sus fotografías de paisajes, puestas de sol, monumentos y arquitectura vernácula de Memphis, su ciudad adoptiva, son el discreto testamento de un joven cuya mirada se sintió atraída por momentos de belleza y evanescencia que conforman los rituales de la vida cotidiana.

“Mi visión es acercar a mis espectadores a lo que veo a través de mi mirada y de mi objetivo”, escribe. “Espero que algún día la gente vea lo que yo veo y que admiren mi trabajo basándose en la calidad y los ideales de mi obra”.

Este trabajo, que ahora se celebra como parte de Desert X, representa no sólo una visión a la que se negó brutalmente la oportunidad de desarrollarse, sino el potencial de todos aquellos individuos cuyas vidas se han perdido a causa de la violencia estatal y el racismo institucional.  Instalada en vallas publicitarias a lo largo de Gene Autry Trail, la obra de Nichols es también un recordatorio de que muchas de estas muertes innecesarias tienen lugar al borde de la carretera. Aquí, la silenciosa belleza de estas imágenes levitadas contrasta con el terror experimentado por Nichols y tantos otros en el arcén. Pero al igual que la visión, el mensaje es también de esperanza: esperanza de que con la reforma de las detenciones de tráfico, California lidere en reformas policiales; esperanza de que juntos podamos crear una sociedad justa en la que el frágil y hermoso talento de personas como Tyre Nichols pueda florecer y crecer.

SUPPORT THE GOFUNDME TYRE NICHOLS MEMORIAL FUND AT HTTPS://WWW.GOFUNDME.COM/F/TYRE-NICHOLS

PARA COLABORAR, VISITE: HTTPS://WWW.GOFUNDME.COM/F/TYRE-NICHOLS CON EL APOYO GENEROSO DE LA COMISIÓN DE ARTE PÚBLICO DE LA CIUDAD DE PALM SPRINGS.

TYRE NICHOLS

Originals

b. Sacramento, California, 1993

d. Memphis, Tennessee, January 10, 2023

North Gene Autry Trail, between Via Escuela and Interstate 10 33.852444, -116.506083

Originales

Sacramento, California, 1993–Memphis, Tennessee, 10 de enero 2023

North Gene Autry Trail, between Via Escuela and Interstate 10 33.852444, -116.506083

TSCHABALALA SELF

b. Harlem, New York, USA, 1990 Based in New York

Pioneer

San Gorgonio Street and Bubbling Wells Road

Desert Hot Springs

33.940884, -116.483980

(Harlem, Nueva York, Estados Unidos, 1990) Con sede en Nueva York

Pionera

San Gorgonio Street y Bubbling Wells Road

Desert Hot Springs

33.940884, -116.483980

Tschabalala Self’s work is concerned with the iconographic significance of the Black female body in contemporary culture. Her work explores the emotional, physical and psychological impact of the Black female body as icon and is primarily devoted to examining the intersectionality of race, gender and sexuality. Collective fantasies surround the Black body and have created a cultural niche in which exists our contemporary understanding of Black femininity. Her practice is dedicated to naming this phenomenon.

Pioneer is a monument built in homage to the collective foremothers of contemporary America. Placed in the California desert, Pioneer exists as a figure that is simultaneously born out the historical event of America’s creation and one that has an ephemeral quality, untethered by any moment in time. The desert often references both the beginning and the end. Pioneer similarly represents the lost, expelled and forgotten Indigenous, Native and African women whose bodies and labor allowed for American expansion and growth, while also standing as a beacon of resilience for their descendants — a visual representation of their birthright and place within the American landscape. The sculpture celebrates flexibility of the divine feminine spirit and form and the fluidity of identity in contemporary America. It is a reminder that even in the desert, we are born from water. Placed within a palm oasis of the desert, Pioneer poses the question: Does it only rain on wet land?

El trabajo de Tschabalala Self se interesa por el significado iconográfico del cuerpo femenino negro en la cultura contemporánea. Su obra explora el impacto emocional, físico y psicológico de éste como ícono, examinando principalmente la interseccionalidad de la raza, el género y la sexualidad. Su práctica nombra un fenómeno particular, el de las fantasías colectivas que rodean el cuerpo negro y crean un nicho cultural en el que existe nuestra comprensión contemporánea de la feminidad negra.

Pionera es un monumento construido en homenaje a las antepasadas colectivas de la actual Norteamérica. Ubicada en el desierto de California, esta obra existe como una figura que nace simultáneamente del evento histórico de la creación de los Estados Unidos, así como de una cualidad efímera que no se encuentra atada en el tiempo. El desierto significa a la vez el principio y el final. Esta obra representa a las mujeres indígenas, nativas y africanas perdidas, expulsadas y olvidadas, mujeres cuyos cuerpos y trabajo permitieron la expansión y el crecimiento de los Estados Unidos, y que, al mismo tiempo, simbolizan una luz de resiliencia para sus descendientes: una representación visual de su derecho de nacimiento y lugar dentro del paisaje estadounidense. La escultura celebra la flexibilidad del espíritu, la forma femenina divina y la fluidez de la identidad en la Norteamérica de hoy. Situada dentro de un oasis de palmeras y como un recordatorio de que incluso en el desierto venimos del agua, Pionera plantea la pregunta ¿Acaso solo llueve en la tierra húmeda?

GENEROUS SUPPORT IS PROVIDED BY GALERIE EVA PRESENHUBER AND PILAR CORRIAS GALLERY. SPECIAL THANKS TO ERICA CHANG.

CON APOYO GENEROSO DE LA GALERÍA EVA PRESENHUBER Y LA GALERÍA PILAR CORRIAS. CON AGRADECIMIENTO ESPECIAL A ERICA CHANG.

MARINA TABASSUM

b. Dhaka, Bangladesh, 1968 Based in Dhaka

Khudi Bari View the film at desertx.org

(Daca, Bangladesh, 1968) Con sede en Daca

Khudi Bari Descubre el vídeo en desertx.org

Architect Marina Tabassum has established an aesthetic language that is contemporary to the world yet rooted to the place. She rejects the global pressure of consumer architecture, a fast breed of buildings that are out of place and context, and pledges to root her designs to the place informed by its climate and geography. She engages in extensive research on the impacts of climate change in Bangladesh, working closely with geographers, landscape architects, planners and other allied professionals. Her work also extends to the marginalized ultra-low-income population of the country with a goal to elevate the environmental and living conditions of all people. Her process-based practice model is internationally regarded as a model.

Tabassum’s Khudi Bari (Bengali for “tiny house”) is an example of a modular mobile home that, in Bangladesh, is inexpensive, durable, and relatively quick and easy to assembled and disassembled with minimum labor, taking advantage of a rigid spaceframe structure to save goods and lives in the wake of flash floods on tiny “desert islands” of sand known as “chars” that precariously dot across the Bengal delta. Land is fluid on the floodplains of Bangladesh, and these islands often break off and erode into the water, forcing people to physically move their home.

Khudi Bari reminds us to look to locally rooted knowledge to innovate solutions for uncertain futures. Desert X has commissioned a film about the project in which Tabassum addresses dry and wet cultures and the role of design in enabling life in some of the world’s most extreme climate conditions.

La arquitecta Marina Tabassum ha establecido un lenguaje estético contemporáneo al mundo pero arraigado al lugar. Rechazando la presión global de la arquitectura de consumo, de una rápida carrera de edificios fuera de lugar y de contexto, ella se compromete a poner raíz en sus diseños escuchando el clima y la geografía del lugar. Tabassum lleva a cabo una minuciosa investigación sobre los impactos del cambio climático en Bangladesh, trabajando en estrecha colaboración con geógrafos, arquitectos del paisaje, urbanistas y profesionales afines. Su trabajo se extiende también a los márgenes con la población de muy bajos ingresos del país, con el objetivo de mejorar las condiciones ambientales y de vida de todas las personas. Su propuesta de práctica basada en procesos es considerada internacionalmente como un modelo.

La Khudi Bari de Tabassum (que en bengalí significa “casa diminuta”) es un ejemplo de un hogar modular móvil que, en Bangladesh, es económico, duradero, cuyo montaje y desmontaje es relativamente sencillo con poco esfuerzo; pensando en aprovechar una estructura espacial rígida para salvar bienes y vidas a raíz de repentinas inundaciones en las pequeñas “islas desiertas” conocidas como “chars”, que precariamente se esparcen por el delta de Bengala. La tierra es suelta en las llanuras aluviales de Bangladesh, y estas islas a menudo se desprenden y erosionan en el agua, lo que obliga a las personas a irse de sus hogares. Khudi Bari nos invita a buscar en las raíces del conocimiento local nuevas soluciones para futuros inciertos. Desert X ha comisionado una película acerca del proyecto en el que Tabassum aborda, en las culturas secas y húmedas, la labor del diseño para procurar la vida en algunas de las condiciones climáticas más extremas del mundo.

Héctor Zamora’s work transcends, reinvents, and redefines the conventional exhibition space, generating friction between the common roles of public and private, exterior and interior, organic and geometric, savage and methodical, real and imaginary. With technical expertise and knowledge of lightweight architecture and an emphasis on the process of conceptualization and construction of each piece, Zamora implicates visitors’ participation and requires them to question the everyday uses of materials and the functions of space. Often collaborating with construction laborers, his work provides opportunities for people to use materials differently and to break the rules to open new possibilities of expression and individuality.

Zamora’s Chimera is a performative action in collaboration with street vendors who are ubiquitous in the Coachella Valley but often invisible in the landscape. The artist’s work provides opportunities for people to use materials differently and to break the rules to open new possibilities of expression and individuality, in this case transforming street vendors into walking sculptures made of balloons, which dissipate as visitors buy and take home the balloons and interact with the vendors in a space of dignity.

La obra de Héctor Zamora trasciende el espacio expositivo convencional, reinventa y redefine generando fricción entre lo público y lo privado, exterior e interior, orgánico y geométrico, salvaje y metódico, entre lo real y lo imaginario. Por medio de su trabajo artístico, mediante su destreza técnica, así como de su conocimiento de la arquitectura ligera haciendo énfasis en el proceso de conceptualización y construcción de cada pieza, Zamora lleva a los espectadores a participar y cuestionarse sobre los usos cotidianos de los materiales y las funciones posibles del espacio. Colaborando a menudo con trabajadores de la construcción, su trabajo da lugar a que las personas transformen el uso de los materiales, rompiendo las convenciones y creando nuevas posibilidades de expresión e individualidad.

Quimera de Zamora es una acción performática en colaboración con los comerciantes ambulantes, omnipresentes en el Valle de Coachella pero a menudo invisibles dentro del paisaje. Su obra crea un espacio para que las personas transformen la función de los materiales y rompan las convenciones abriendo nuevas posibilidades de expresión e individualidad. En esta ocasión, los vendedores son transformados en esculturas ambulantes hechas de globos, elementos que se disipan a medida que estos globos son comprados y llevados a casa por los visitantes, quienes interactúan con los vendedores en un espacio de dignidad.

GENEROUS SUPPORT PROVIDED BY KAI LOEBACH & LEE MILLER AND DIANE ALLEN.

CON APOYO GENEROSO DE KAI LOEBACH & LEE MILLER Y DIANE ALLEN.

HÉCTOR ZAMORA

b. Mexico City, Mexico, 1974 Based in Mexico City

Chimera

Check the Desert X app or desertx.org for locations and dates.

(Ciudad de México, México, 1974) Con sede en la Ciudad de México

Quimera

Consulte la aplicación Desert X o desertx.org para conocer ubicaciones y fechas

82 ARCHITECTURALLY SIGNIFICANT STRUCTURES

The #1 Ranked Palm Springs Modern Mid-Century Architecture Tours App

20,000+ downloads in over 52 countries

200+ CONTEMPORARY PHOTOS

12 ARCHITECT PROFILES

3 EASY-TO-FOLLOW GUIDED TOURS

palmspringslife.com/psmodapp

20 VIDEOS

100 HISTORIC IMAGES

WAYS TO CUSTOMIZE YOUR TOURS AUDIO NARRATION OF ALL TOURS

Kaufmann Desert House designed by Richard Neutra, 1946.

Photo by Brent R. Harris, 2011.

FROM THE EXECUTIVE DIRECTOR NOTA DE LA DIRECTORA EJECUTIVA

engineers, the construction teams, the installers, our community and cultural partners, our families and friends, and our generous volunteers.

None of what we do would make sense without our brave and adventurous audience that brings Desert X to life. I hope visiting this exhibition will bring you together with friends and loved ones, make you wonder and discover new ways of relating to others and to our desert environment; and most importantly, I hope it will bring you joy.

We would not be able to do this without you. Thank you.

Cien Miembros Fundadores se reunieron para apoyar la exposición inaugural de Desert X en 2017. Desde entonces, más de 700 donantes y organizaciones han contribuido a nuestros esfuerzos continuos por traer a artistas de todo el mundo al Valle de Coachella para presentar nuevas obras de sitio específico fuera de los muros institucionales y para crear nuevos públicos para el arte contemporáneo. Estamos agradecidos a todos ellos por creer en el éxito de nuestros programas y por ayudarnos a avanzar en nuestra misión.

Ejecutiva

Jenny Gil Executive Director Directora

One hundred Founding Members came together to launch the inaugural Desert X exhibition in 2017. Since then, more than 700 donors and organizations have contributed to our ongoing efforts to bring artists from around the world to present new site-specific works outside of institutional walls and create new audiences for contemporary art. We are grateful to each of them for their belief in the success of our programs and for helping us to advance our mission.

An undertaking such as Desert X 2023 would be unthinkable without the generous support of our board of directors and Executive Committee members — Susan Davis, Vicki Hood, Steven Nash, Elizabeth Sorensen, and Linda Usher — who have guided our team with their expertise and advice.

A site-specific exhibition comes around only with the support of our neighbors, cultural and community partners, partner cities, Native American tribes, property owners, land management agencies, hospitality partners, and sponsors. This year we are thankful to Hennessy Paradis, Hourglass Cosmetics, Diptyque, and Oliver Blandi, who have provided generous funds for the artists to realize their projects. The National Endowment for the Arts, California Arts Council, and Ann Sheffer & Bill Scheffler have allowed our public programs and educational initiatives to grow and empower many more students and young professionals in the Coachella Valley.

I am grateful for the extraordinary commitment, passion, perseverance, and willingness to always go beyond from the Desert X team, the artists with their studios and galleries, the

Una iniciativa como Desert X 2023 sería impensable sin el generoso apoyo de nuestra junta directiva y los miembros del Comité Ejecutivo — Susan Davis, Vicki Hood, Steven Nash, Elizabeth Sorensen y Linda Usher — que han guiado a nuestro equipo con su experiencia y asesoramiento.

Una exposición de sitio específico sólo se realiza con el apoyo de nuestros vecinos, socios culturales y comunitarios, ciudades asociadas, tribus nativas americanas, propietarios, agencias de gestión del territorio, socios hosteleros y patrocinadores. Este año damos las gracias a Hennessy Paradis, Hourglass Cosmetics, Diptyque y Oliver Blandi, que han aportado generosos fondos para que los artistas puedan realizar sus proyectos. El Fondo Nacional de las Artes, el Consejo de las Artes de California y Ann Sheffer y Bill Scheffler han permitido que nuestros programas públicos e iniciativas educativas crezcan y capaciten a muchos más estudiantes y jóvenes profesionales del Valle de Coachella.

Agradezco el extraordinario compromiso, la pasión, la perseverancia y la voluntad de ir siempre más allá del equipo de Desert X, los artistas con sus estudios y galerías, los ingenieros, los equipos de construcción, los montadores, nuestros socios comunitarios y culturales, nuestras familias y amigos, y nuestros generosos voluntarios.

Nada de lo que hacemos tendría sentido sin nuestro público valiente y aventurero que da vida a Desert X. Espero que visitar esta exposición les reúna con amigos y seres queridos, les haga asombrarse y descubrir nuevas formas de relacionarse con los demás y con nuestro entorno desértico; y lo que es más importante, espero que les proporcione alegría. No podríamos hacerlo sin ustedes. Muchas gracias.

Board of Directors

Susan L. Davis

Founder & President

Vicki Hood Vice President

Dr. Steven Nash

Vice President

Elizabeth Sorensen Secretary

Linda User Treasurer

Diane V. Allen

Alyse Archer-Coité

Jarvis Crawford

Beth Rudin DeWoody

Nicholas Galanin

Jamie Kabler

Zoe Lukov

Bill Sanchez

Roswitha Smale

Kelly Wearstler

This program was produced with a deadline of February 10, 2023.

Please visit desertx.org for an updated list of donors, sponsors, and people who continue to support us as, and after, this program goes to print.

Sponsors

PREMIER

Hennessy Paradis

Hourglass Cosmetics

PRODUCING

Diptyque

SUPPORTING

Oliver Blandi

Sachin & Babi

Foundations

California Arts Council

The Harold & Arlene Schnitzer

CARE Foundation

H.N. & Frances C. Berger

Foundation

The May & Samuel Rudin Family Foundation, Inc.

The Milano Foundation

The National Endowment for the Arts

The Posner Foundation

The Sheffer/Scheffler Advised Fund at the Inland Empire Community Foundation

Western Wind Foundation

Municipalities

Desert Hot Springs

Palm Desert

Palm Springs

PS Resorts

Rancho Mirage

Leadership Circle

Thank you to our Leadership Circle donors, who are extraordinary in their generous support of Desert X on an annual basis.

VISIONARIES

Diane Allen

Jeremy Hobbs

Vicki & Bill Hood

Jamie Kabler & Helene Galen

Kai Loebach & Lee Miller

The May and Samuel Rudin Family Foundation, Inc.

Roswitha Smale

Linda Usher & Malcolm Lambe

Kelly Wearstler & Brad Korzen

INNOVATORS

David D. Colburn

Courtney & Seth Dallaire

Karen Fox

Katherine & Tim Hatch

Lauri Kibby

Patricia & David Marino

Melissa Morgan Fine Art

The Milano Foundation

Minotti Los Angeles & Mass Beverly

Scott Mitchell

Nicholas Pardon

The Posner Foundation

Janelle Reiring

Christine & James Scott

Ann Sheffer & Bill Scheffler

Richard H. Wood

PRODUCERS

Patricia & Laurence Booth

Susan & Fenton Booth

Jeff Brock & Richard Crisman

Robin Cottle & Ron Radziner

Ina & Rick Davis

Carlton DeWoody

Claudia Diez

Marcy & Leo Edelstein

Larry Falconio & Elliott Sernel

Franck Ford & Patrick Jordan

Christina Gantz

Susan Hancock

Marcy & Harry Harczak

Mary Ellen Herman & Phil Markel

Lenora Hume

Paul Alan Judelson

David Locke

Keith Markovitz

Laura S. Maslon

Garna Muller & Max Elliott

Shannon Murphy

Carolyn Powers

The Harold & Arlene Schnitzer CARE Foundation

Carole & Óscar Seikaly

Linda Shirvanian

Karin Straaton

Donna M. Welch & Georgia Cronin

Liane & Richard Weintraub

Helene Winer

CREATORS

Shari Applebaum

James Blakeley

Deborah Chu Dejah & Estee Huff

Ed Cole & Christopher Wigand

Roberta Conroy

William Escalera & Francisco George

Lisa Gallaway & Geoffrey Baum

Larry Ginsberg & Rob Levine

Nancy Goldstein

Annelies Da Costa Gomez

Denise & Larry Grimes

Renata Grossi

Gayle Hodges & The Hodges Family

Vicki French & Steve Lippman

Heidi & Jim Kirsch

Barbara & Keith Kizziah

Robert Kohl & Clark Pellett

Jamie Konker

John MacMahon

Michael Maloney

Patrice Meepos

Lesley Miller

John Monahan

Elyse & Steve Montiel

Dori Mostov

Mihail Lari & Scott Murray

Carol & Steve Nash

Deborah Page

Jody Raida

Myra & Bill Sanchez

Deb Schwarz & Chris Thomas

Susan & Kent Seelig

Maureen Elizabeth Sheehan

Tara Solomon & Nick D’Annunzio

Catharine & Jeffrey Soros

Peter Slaymaker & Tim Garnett

Vicki Turbeville

Carla & George Van Hoomissen

Marguerite & David Wilson

SUPPORTERS

Darryl Avery

Charlotte Blank

Susan Davis

Jane Emison

Joe Enos

Jane Glassman

Lorena Gomez

Tom Gorman & Bill Zwecker

Bridget Gotz

Sandra & Jack Guthman

Linda & Brian Hanessian

Celia Henely

Margaret Jackson

Zoe Lukov

Ann & Jim Magill

Tricia Nelson

Nathan Orsman

Roxanne Peterschmidt

Victoria N. Reed

Scott Schoenen & Paul Weiss

Anne Taubman

Lauren Turner

Amy & Warren Weber

Lyn Winter

FRIENDS

Jesse Adams

Vivian Alberts

Alyse Archer-Coité

Treina Aronson

Fereshta Ashufta

Shawn Bailey

Martin Banks

Jennifer Bellah

Bassem Boutros

Janet Hartzler Braslow

William Butler

DJ Capelis

Yunhui Chae-Banks

Keye Chen

Dani Collier

Kevin Coleman

Ann M. Coulston

Carina Courtright

Ellen Cutler

Teresa Dolan

Patrice Dows

Scott Drevnig

Susan & Jim Eichberg

Arelene Fishbach

Tracy Flinders

Mary Franz

Marilyn Gillette

George Grana

Tara Hanjan

Louise & CB Harding

Duane Hinkle

Candace Huey

Willard Huyck

Mark Impalli

Ellen Isaacs

Christine E. Jacques

Deborah Joyce

Ellen Knable

Frances Lalas

Adam J. Lerner

Dr. Dennis & Kathleen Long

John Luckett

Janice Lyle

Katherine Russell Lynn

Colin Madden

Mary Makee

Kevin Marshall

Marcianne Morris

Joan McCandless

Patrick J. McGraw

Evelyn Nagel

Brian O’Connell

Thomas O’Donnell

Luis Oganes

Antje Olive

Kirk Olsen & Barry Klein

Alexander Pappas

Bruce Pons

Clark & Kathryn Porter

Family Foundation

Donna Posin

Briana Pozin

Andrew Rabin

Judith Rosewilde & Ian Rogers

Lyn Rothman & Bernard Bubman

Kirsten Schmidt

Charmian Schreiner

Roland Schubert

David Segura

Maria Simmsgeiger

Marjorie C. Skotheim

David S. Snyder

Ellen & Steve Sopkin

Joe Spano

Andrea Stein

Judy Stewart

Wills Sweney

Donald Taffurelli

Suzy & Josh Tanzer

Albert Tao

Walter Trask

Aimee Vitaglian

Andrew B. Warren

Glenn Wasserman

Jamie Watson

Allan Weiss

Kathi Wineman

Bobbie Xuereb

Soon-Young Yoon

Harvey Zuckman

Galleries

303 Gallery

Blum & Poe

Desert X 2023

Pilar Corrias

Richard Gray Gallery

Taka Ishii Gallery

Kadist

Labor

Kate MacGarry

Jan Mot

neugerriemschneider

Pace Gallery

Peqoud Co.

Galerie Eva Presenhuber

Christea Roberts Gallery

Galeria Luisa Strina

Cultural Partners

Ace Hotel & Swim Club

Palm Springs

Alianza

Christie’s

Coachella Valley Unified School District

Desert Sands Unified School District

Desert Highland Gateway Estates

Community Action Association

James O. Jessie Desert Highland Unity Center

Modernism Week

Palm Springs Art Museum

Palm Springs Unified School District

Run with Los Muertos

RCOE Migrant Education Program

Soho House

Sunnylands Center &Gardens

Temalpakh Farm

Media Partners

artnet

ArtReview

Cultured Magazine

frieze Magazine

Here Media

Palm Springs Life Magazine

Take on Art

Terremoto

Visit Greater Palm Springs

Additional Support

El Mirasol Cocina Mexicana

Blick Art Materials

Market Market

Mojave Flea Trading Post

Rbhu Engineering

SOLARPUNKS

Sol Y Sombra

The Webster

Windmill City Screen Printing

Hotel Partners

LEAD HOTEL PARTNER

Ace Hotel & Swim Club

Palm Springs

ARTISTIC TEAM HOST

Villa Royale

PARTNERS

The Alexander

Aqua Soleil Hotel & Mineral Water Spa

Autocamp Joshua Tree

Casa Cody

Del Marcos Hotel

Desert Hot Springs Hoteliers Association

Desert Hot Springs Inn

Hilton Palm Springs

Holiday House

La Serena Villas

Los Arboles Hotel

The Paloma Resort

Parker Palm Springs

Renaissance Esmeralda Resort & Spa

Saguaro Palm Springs

Sparrows Lodge

The Three-Fifty

Soho House

Two Bunch Palms

Vagabond Motor Hotel

Volunteers

Carol Adney

Jonathan Albiar

Brandy Alexander-Kern

Jorge Alvarado

Oya Arslan

Mash Asalkhou

Sheeryn Asghari

Jane Ayotte

Jake Bachman

Deb Baer

Kanela Barton

Mitch Battersby

Barbara Bauer

Tibora Bea

Cary Bellaflor

Marlene Bocanfuso

Gaea Bogue

Lorynn Boland

Raymond Bordeaux

Dave Bradshaw

Jonny Brauh

Keri Bridgwater

Regan Brunetti

Sharon Bruno

Cathleen Burke

Amanda Burton

Mary Lee Butier

Jackie Buttice

Britt Campbell

Tatyanah Castillo

Tucked away in The Saguaro Hotel, El Jefe Desert Cantina is the newest speakeasy in Palm Springs.

Serving up agave-based cocktails and Mexican-inspired late-night bites, the cantina is a vibe: World, funk, and soul music swirl around the room alongside towering murals of luchadores and tables that house 80s-era arcade games, while outside, desert foliage adorns a modest patio.

WELCOME TO ALL, THIS DESERT GEM OPENS FRIDAYS & SATURDAYS FROM 8PM TO 1:30AM, & WEDNESDAYS, THURSDAYS, & SUNDAYS FROM 8PM TO 1AM.

“Other

Desert X 2023

Angela Chamberlin

David Cieslikowski

Jeanne Colliau

Robert Collins

Paulina Cone

Daniel Coover

Rhoda Coscetti

Melanie Cross

Terry Dalton

Denni Danieli-Polloni

Lizzy Dawson

Julia DiBernardo

Anna Dining

Jack Donahue

Deborah Elkington

Annee Elliot

Annette Estes

Mark Farina

Jesse Figueroa

Cinnia Finfer

Michelle First

Chip Fitzgerald

Jack Fitzsimmons

Jim Flanagan

Ron Florance

Jack Garell

Dawn Geering

Walter Gendell

Tanner Glenn

Ashley Gonzales

Karla Good

Peter Gordon

George Grana

Russell Graves

Emily Gray

Maya Gruen

Sharon Haag

Mary Haas

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Giles Henderson

Karena Heredia

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Kate Hinojosa

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Erin Hyland

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Jack Jackson

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Michele Johnson

Heather Jones

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Cindy Kahn

Jim Keargy

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Jackie Keophet

Ara Keuroghlian

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Alden Kirkman

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RoseAnne Kumins

Debra LaCoppola

Fine prints by Tom Brewster

Amelie Laurice

Tim Leary

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Jackie Linney

Dave Locke

Richard Lonsdale

Noel Loughrin

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Gregory Lupu

Eileen Lynch

Cipriano Macabuhay

Mary Ann Makee

Janet Malachowsky

Celeste Manolaa

Rhonda Martinez

Mindy McEachran

Elizabeth McGeehan

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Shea Miles

Lesley Miller

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Kristine Morcos

Glen Motowidlak

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Christopher Panizzon

Marie Perotti

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Jeffrey Pettola

Diana Phillips

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Ron Ramos

Kenneth Remitz

Mark Rhodes

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Susan Ritchie

Gayle Robinson

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Irene Rodriguez

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Melissa Russo

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Michael Sancineto

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Agua Caliente Band of Cahuilla Indians

Kate Anderson

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6. Mario García Torres Searching for the Sky (While Maintaining Equilibrium) Pierson Boulevard between Foxdale Drive and Miracle Hill Road Desert Hot Springs 33.963394, -116.485582

7. Hylozoic/Desires Namak Nazar Worsley Road between Pierson and Mission Lakes Boulevards

Desert Hot Springs 33.965665, -116.583173

8. Matt Johnson Sleeping Figure Interstate 10 to Exit 110 (Haugen Lehman Way) to Railroad Avenue 33.922876, -116.689379

9. Tschabalala Self Pioneer San Gorgonio Street and Bubbling Wells Road Desert Hot Springs 33.940884, -116.483980

10. Tyre Nichols Originals

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