Cosentino C 11 by Cosentino

c architecture & everything else

contents

Architecture

06 LOUVRE ABU DHABI Jean Nouvel in the Emirates Una inmensa cúpula metálica alberga y acoge el nuevo gran museo del país. A huge steel dome houses the country’s new grand museum.

16 Arts

16 COASTAL GEOMETRIES Tugo Chen El fotógrafo de Hong Kong captura los paisajes pesqueros del sudeste de China.

The Hong Kong photographer captures the fishing landscapes of southeast China.

Innovation

24 TECH TITANS Apple, Facebook, Amazon, and Google La arquitectura de los gigantes tecnológicos de Silicon Valley. The architecture of the technological giants of Silicon Valley.

Cosentino

34 DRESSED IN DEKTON Valdebebas 127 by Carlos Rubio Carvajal El conjunto de viviendas luce más de 7.000 metros cuadrados de Dekton en su fachada.

More than 7,000 square meters of Dekton clad the facades of the residential development.

40 RON ARAD IN ALMERÍA The Israeli Designer at the Cosentino Headquarters El diseñador explica su filosofía durante la visita a la sede del grupo. The designer discusses his philosophy during his visit to the company’s headquarters.

Style

46 BUREAU BETAK Fashion Show Revolution El estudio francés es hoy referencia internacional de arquitecturas efímeras.

The French studio is today a world referent in the design of ephemeral architectures.

Interview

56 INGELS & THORSEN In dialogue El paisaje en relación a la arquitectura es el tema principal de la conversación.

The connection between landscape and architecture is the thread of the conversation.

Travel

68 MANHATTAN USA El corazón de la Gran Manzana exporta tendencias al mundo. The heart of the Big Apple exports trends across the world.

78 COSENTINO CITY Flagship Stores Diseñado para ser el lugar de encuentro de arquitectos, diseñadores y paisajistas. Designed to be a destination for architects, designers, and landscapers.

80 MAGACEEN C Magazine’s Digital Platform La revista muestra su web dedicada a la arquitectura, el arte y el diseño. The magazine shows its website devoted to architecture, art, and design.

Director Director Santiago Alfonso Rodríguez Director adjunto Deputy Director José Yuste Director de arte Art Director Miguel Fernández-Galiano Editado por Edited by Cosentino / Arquitectura Viva Diseño y producción editorial Graphic design and editing Arquitectura Viva S.L. Maite Báguena Pablo Canga Alba Carballal Cuca Flores Laura González Clara Molero Elena Ocaña Jesús Pascual Marta Peña Raquel Vázquez Traducción Translations Gina Cariño, Laura Mulas Impresión Printing Artes Gráficas Palermo S.L. Encuadernación Binding José Luis Sanz

Depósito Legal: M-14282-2014 ISSN: 2341-3867 Cubierta Cover Christian Dior Couture SS15 by Bureau Betak © Daniel Beres Impreso en España Printed in Spain Esta revista está elaborada con papel libre de cloro This magazine is printed on chlorine-free paper

Martínez Cosentino ha tenido siempre la vocación de superar los desafíos más ambiciosos. A partir de 2014, con la revista C, Cosentino se propuso hacer una nueva contribución al ámbito de la arquitectura, en esta ocasión desde el campo de la comunicación, con la difusión de las mejores innovaciones, diseños y proyectos que contribuyen a hacer el mundo más sostenible y bello. a familia

he Martínez Cosentino family has al-

ways applied itself to meeting the most ambitious challenges. From 2014, with C magazine, Cosentino set out to contribute anew to the world of architecture but from a different field, that of communications, through information on the best and latest innovations, designs, and projects that make for a more sustainable and more beautiful world.

Â© Fatima Al Shamsi

Architecture Louvre Abu Dhabi

Jean Nouvel in the Emirates

Architecture Building

Louvre Abu Dhabi Jean Nouvel in the Emirates

Bajo una gran cúpula que regula la entrada de luz natural, el Louvre Abu Dhabi se concibe como un archipiélago de volúmenes blancos que contienen los diferentes espacios expositivos.

Under a colossal dome that filters sunlight, the Louvre Abu Dhabi is designed as an archipelago of white volumes on the water, and that contain the different exhibition spaces.

Diseñado por Jean Nouvel —ganador del premio Pritzker en 2008—, el Louvre Abu Dhabi se inspira en la tradición árabe. Un conjunto de prismas blancos, que recuerdan a la trama urbana de la medina, da lugar a esta ‘ciudad museo’ situada sobre el mar. Una gran cúpula, reconocible desde la distancia, cubre la mayor parte de las salas. Construida con acero, la cubierta de 180 metros de diámetro consta de ocho capas diferentes: cuatro exteriores revestidas de acero inoxidable y cuatro interiores revestidas de aluminio. El patrón geométrico, que fue cuidadosamente diseñado, se repite en las ocho capas superpuestas variando en cada una el tamaño y el ángulo. Los rayos de luz, por tanto, atraviesan ocho tamices antes de llegar a las galerías de exposición, lo que genera un efecto cinemático que cambia con la posición del sol. La cubierta se apoya en cuatro soportes, separados 110 metros entre sí, que se esconden dentro de los volúmenes del museo para dar la impresión de que flota. Desde el punto de vista medioambiental, el proyecto busca crear un microclima autorregulado gracias a la sombra que arroja la cubierta y al enfriamiento a través de las superficies de agua. Los visitantes que llegan al museo experimentan, por tanto, una transición gradual entre el calor exterior y el ambiente interior. Un acuerdo firmado en 2007 entre los Gobiernos francés y emiratí ha hecho posible que la colección del museo contenga 700 obras prestadas por diversas instituciones galas, fundamentalmente el Museo del Louvre.

Jean Nouvel – Pritzker Prize laureate in 2008 – sought inspiration for the concept of the Louvre Abu Dhabi in traditional Arabic architectural culture. Its contrasting series of white buildings, designed to create a ‘museum city’ in the sea, recall the medina and low-lying Arab settlements. A huge steel dome, clearly recognizable from afar, covers the majority of the exhibition halls. Measuring 180 meters in diameter, the dome consists of eight different layers: four outer layers clad in stainless steel and four inner layers clad in aluminum. The complex pattern is the result of a carefully studied geometric design, and is repeated at various sizes and angles in the eight superimposed layers. Each ray of light must penetrate the eight layers before appearing in the museum halls. The result is a cinematic effect as the sun’s path progresses throughout the day. The roof is supported by only four permanent piers, each 110 meters apart. These are hidden within the museum buildings to give the impression that the dome is floating. As for its environmental approach, the project creates a self-controlled microclimate thanks to the shade the roof provides and the cooling effect of the water surfaces. In this way, upon reaching the museum visitors experience a gradual transition from the heat outdoors to the interior atmosphere. An agreement signed in 2007 between the governments of France and the United Arab Emirates has secured the loan of 700 works from French institutions, principally the Louvre.

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Dentro del complejo cultural en la Isla de Saadiyat, que incluye proyectos de Frank Gehry y Zaha Hadid entre otros, el edificio de Jean Nouvel surge como una gran cúpula que parece flotar sobre el agua. Within the cultural district of Saadiyat Island – where projects by Frank Gehry and Zaha Hadid are also located –, Jean Nouvel’s museum takes the shape of a huge dome that seems to float on the water.

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La gran cúpula, de 180 metros de diámetro, está formada por ocho capas de celosías metálicas que filtran la luz, y se apoya tan sólo en cuatro puntos escondidos entre los volúmenes que contienen las salas de exposición.

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The striking dome, measuring 180 meters in diameter, is an eight-layer metallic latticework that filters sunlight, and is supported by just four piers concealed between the museum buildings.

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Arquitectos Architects Ateliers Jean Nouvel en colaboración con in collaboration with HW Architecture Colaboradores Collaborators Jenny Holzer, Giuseppe Penone (comisión artística artistic commission); Jean-François Bourdet, Anna Ugolini (diseño interior y museografía interior design and museography), Sabrina Letourneur, Frédéric Imbert (diseño design), Damien Faraut, Athina Faraut (construcción construction); Rolando Rodriguez-Leal, Mireia Sala Font, Anne Traband, Michal Treder, Natalia Wrzask (arquitectos principales senior architects); Raphael Renard, Reda Slaoui, Youssef Tohme, Qiang Zou (ideación concept phase), Stefan Zopp, Kris Geldof, Roula Akiki, Alessandro Balducci, Jessica Caldi, Camille Dauty, Mark Davis, Stacy Eisenberg, Marion Foucault, Steven Fuhrman, Virginie Heckle, Stéphanie Menem, Abel Patacho, Miguel Reyes, Reda Slaoui, Kathryn Stutts, Jordi Vinyals, Sébastien Yeou (jefes de proyecto project managers), Mariam Abuebeid, Sara Al Sawi, Kelly Anastassiou, Donna Ashraf, Jessica Caldi, Daniella De Almeida, Fay El Mutwalli, Steven Fuhrman, Maryam Hosny, Zaina Khayyat, Stéphanie Menem, Youmna Najjar, Miguel Reyes (construcción construction) —arquitectos architects— ; Floriane Abello, Lucas Dumon, Isabella Garbagnati, Jaiyao Huang, Tanguy Nguyen, François Zab (diseño interior interior design); Artefactory: Eric Anton, Jugulta Le Clerre, Clément Oudin, Raphael Renard (visualizaciones computer renderings); Rafaelle Ishkinazi, Marie Maillard, Léo Grunstein, Clovis Vallois (diseño gráfico graphic design); ARUP (diseño conceptual concept design), BuroHappold (anteproyecto schematic design), Transsolar Façades: Andrew Snalune, BuroHappold (construcción construction) —ingeniería engineers—, Jean-Louis Courtois (maquetas models) Consultores Consultants Renaud Pierard (museografía museography); Philippe Apeloig, Kristian Sarkis (diseño gráfico y señalética graphic design and signage); 8’18’’ (iluminación lighting design); dUCKS scéno (escenografía, multimedia scenography, multimedia); Michel Desvigne, Jean-Claude Hardy (paisaje landscape); Eric Nespoulous / JND (diseño interior interior design), Studio DAP (acústica acoustics), MDA Consulting (costes cost consultant), Setec (seísmos seismic) Fotos Photos Mohamed Somji (p. 8-9, 10); Abu Dhabi Tourism & Culture Authority (p. 7); Roland Halbe (p. 11), Sarah Al Agroobi (p. 12)

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Arts Coastal Geometries Tugo Cheng

Arts Photography

Coastal Geometries Tugo Cheng

La serie ‘Coastal Geometries’ forma parte del libro Discovering China, donde el fotógrafo basado en Hong Kong explora la fragilidad de diferentes paisajes naturales modificados por el hombre.

The series titled ‘Coastal Geometries’ is included in the book Discovering China, where the Hong Kong-based photographer explores and portrays the fragility of natural landscapes altered by human beings.

Arquitecto y fotógrafo, Tugo Cheng captura los patrones geométricos inherentes a la acuicultura tradicional de la costa de Fujian, en el sudeste de China. La colocación rítmica de las redes de pesca, los recintos de marisco o los postes de bambú generan un paisaje insólito, intensificado por la luz, que tiende hacia el minimalismo. Tan solo la presencia de la barca y el pescador devuelve el carácter real a la imagen abstracta a través de la escala humana. Además de la calidad plástica, Cheng busca que sus fotografías promuevan la conservación de la cultura tradicional China, amenazada por la sobreexplotación.

Architect and photographer, Tugo Cheng captures the underlying geometric patterns of traditional aquaculture on the coast of Fujian, southeast China. The rhythmic positioning of fishing nets, shellfish pens, and bamboo poles creates a unique and minimalist landscape, intensified by light. Only the presence of a boat and a fisherman gives the abstract image a sense or reality, through the addition of a human scale. Aside from pursuing aesthetic quality, through his photographs Cheng also works to support the conservation of traditional Chinese fishing culture, threatened by overexploitation.

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Cada imagen se centra en un tipo concreto de patrón geométrico —círculos, polígonos, líneas inclinadas o paralelas—, haciendo visible la lógica repetitiva de las explotaciones pesqueras.

Each photograph focuses on a specific type of geometric pattern – circles, polygons, diagonal, or parallel lines –, drawing attention to the repetitive logic of fishing farms.

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ÂŠ Nigel Young / Foster + Partners

Innovation Tech Titans

Apple, Facebook, Amazon, and Google

Innovation Technology

Tech Titans

Apple, Facebook, Amazon, and Google

En el año 2008, las cinco mayores empresas del mundo estaban vinculadas con el sector de la alimentación, la industria petroquímica, la energía eléctrica y la fabricación de vehículos a motor. Hoy, sólo diez años después, son los grandes titanes tecnológicos —Apple, Facebook, Amazon o Google— quienes reinan en el mundo globalizado del siglo xxi. Estas compañías, que ya son capaces —gracias a la enorme cantidad de información y recursos que gestionan— de cambiar nuestra manera de relacionarnos con nuestro entorno, de conocer al detalle toda nuestra actividad en red, de crear tendencias masivas o incluso de predecir, con un mínimo margen de error y en tiempo real, cuánto tardaremos en ir de un punto a otro de la ciudad, no restringen su ámbito de actuación a lo puramente virtual. A través de la construcción de sus sedes, se introducen también en el campo de la arquitectura, en principio ajeno a su actividad. Así, en Silicon Valley, el delicado y rotundo anillo de Norman Foster sintetiza las aspiraciones estéticas de Apple, el estilo informal y permanentemente transitorio de Frank Gehry combina con las hoodies del fundador de Facebook, y el dúo formado por Bjarke Ingels y Tho-

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In 2008, the world’s top five companies were in the food, petrochemical, electric energy, and motor vehicle industries. Today, just ten years later, it’s the technological titans – Apple, Facebook, Amazon, and Google – that rule in the globalized world of the 21st century. With the huge amount of information and resources they manage these companies are already able to change the way we relate to our environment, follow in detail all our activity on the web, create massive trends, or even predict – with a minimum margin of error and in real time – how long it will take us to go from one point to another in the city. However, they don’t limit their scope of action to the purely virtual. Through the construction of their headquarters they also venture into the field of architecture, in principle unrelated to their activity. In Silicon Valley, the bold and delicate ring by Norman Foster embodies the aesthetic aspirations of Apple, the casual and permanently transitory style of Frank Gehry is combined with the hoodies of Facebook’s founder, and Bjarke Ingels and Thomas Heatherwick adapt to the dizzying vertigo that defines Google’s growth; and in Seattle, the three futuristic and interconnected spheres by NBBJ represent the logistics revolution with which Amazon is transforming consumer habits.

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La pastilla longitudinal que alberga las nuevas oficinas de Facebook tiene un carácter pretendidamente anodino, que sólo se rompe en algún punto para guiñarle un ojo a su estética despreocupada e informal.

The longitudinal volume that contains the new Facebook headquarters has a deliberately anodyne character, only broken at specific points to make allusions to the company’s easy-going and casual aesthetic.

Apple’s new headquarters in Cupertino, promoted by Steve Jobs and designed by Foster, express the company’s pursuit of perfection. The exact circular form follows design criteria, and the details reflect Apple’s innovative spirit: the facade is built with the world’s largest piece of curved glass, and a carbon fiber roof crowns the pavilion of access to the Steve Jobs Theater. At Menlo Park, what appears to be a large anonymous garage is in fact the new Facebook campus. The elongated volume designed by Gehry has a purportedly anodyne character, only broken at specific points – like the two stately stairs of access to the complex – making a nod to the company’s informal and easy-going aesthetic. On the roof, landscaped and walkable throughout, the pathways are interwoven with greenery. So that the Amazon staff can enjoy nature without leaving Seattle, the American studio NBBJ has completed three interconnected glass spheres that function as a huge greenhouse and contain a miniature Amazonian jungle. The well-being of the more than 400 plant species sharing the office space is guaranteed with an indoor humidity of 60%. Lastly, Bjarke Ingels departs from the megalithic pretensions common to centralized headquarters with two different designs for Google: for the Charleston campus he works with Thomas Heatherwick Studio on a textile-like adaptable hangar that can be reproduced in other sites; and in Sunnyvale he proposes two zigzagging volumes with walkable roofs that favor contact with nature and a healthy lifestyle.

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mas Heatherwick se adapta al vértigo veloz que define el crecimiento de Google; y en Seattle, las tres esferas futuristas e interconectadas de NBBJ representan la revolución logística con la que Amazon está transformando nuestros hábitos de consumo. La nueva sede de Apple en Cupertino, impulsada por Steve Jobs y diseñada por Foster, comparte con la compañía que la habita un intenso anhelo de perfección. Su exacta forma circular atiende a criterios de diseño y es en los detalles donde se demuestra el espíritu innovador de la empresa: su fachada está compuesta con los vidrios curvos más grandes del mundo, y una cubierta de fibra de carbono corona el pabellón de acceso al Teatro Steve Jobs. En Menlo Park, lo que en apariencia es un enorme garaje anónimo alberga el nuevo campus de Facebook. El volumen longitudinal construido por Gehry tiene un carácter pretendidamente anodino, que sólo se rompe en algunos puntos —como las dos escaleras monumentales que dan la bienvenida al complejo— como guiño a la estética informal y despreocupada de la empresa. En la cubierta, ajardinada y completamente transitable, los senderos peatonales se entrelazan con las zonas boscosas. Con la intención de que los empleados de Amazon puedan disfrutar de la naturaleza sin salir de Seattle, el estudio norteamericano NBBJ ha levantado tres esferas vítreas conectadas entre sí, que funcionan como un gran invernadero y que albergan en su interior una selva amazónica en miniatura. Para garantizar el bienestar de las más de 400 especies de plantas que compartirán espacio con las oficinas, el edificio mantiene un nivel de humedad interior del 60%. Por último, y tras un ambicioso proyecto fallido, Bjarke Ingels renuncia a las pretensiones megalíticas propias de las sedes centralizadas y proyecta para Google dos soluciones diferentes: en el campus de Charleston colabora con Thomas Heatherwick Studio para diseñar un hangar de apariencia textil adaptable y reproducible en otros lugares; y en Sunnyvale plantea dos volúmenes de forma zigzagueante cuyas cubiertas transitables invitan al contacto con la naturaleza y a la vida sana.

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Las propuestas para las nuevas sedes de Google, un hangar de apariencia textil en Charleston y dos volúmenes con cubiertas escalonadas en Sunnyvale, responden al veloz crecimiento de la compañía tecnológica.

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The designs for the new headquarters of Google, a textile-like hangar in Charleston and two volumes with sloped rooftops in Sunnyvale, respond to the rapid growth of the technological company.

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Cosentino Dressed in Dekton

Valdebebas 127 by Carlos Rubio Carvajal

Ron Arad in AlmerĂa

The Israeli Designer at the Cosentino Headquarters

Cosentino Housing

DRESSED IN DEKTON Valdebebas 127 by Carlos Rubio Carvajal

El principal objetivo del proyecto ha sido que todas las viviendas puedan disfrutar de los beneficios de estar frente al Parque Central de Valdebebas, un auténtico pulmón verde de 80 hectáreas de superficie. Valdebebas 127 concentra la edificación en dos bandas paralelas, una frente al parque, con tres torres que se levantan sobre un zócalo comercial y otra frente al paseo con un bloque continuo conformado por cinco edificios de menor altura. La separación entre las torres permite que las viviendas del bloque también puedan disfrutar de las vistas a la sierra de Guadarrama y al parque. En el diseño de la torre se ha buscado un juego formal y compositivo en sus esquinas, alternando la posición de salón y terraza para conseguir un efecto dinámico de cremallera que personaliza la promoción. El tratamiento de la amplia zona ajardinada entre las dos bandas edificadas tiene una especial importancia en el proyecto. Al no construir los testeros de la parcela, estos quedan abiertos mostrando la frondosidad del jardín interior. Para la ejecución y puesta en marcha de esta primera fase del conjunto residencial se han utilizado casi 8.000 m² de la superficie ultracompacta Dekton. Este material se ha elegido por sus excelentes cualidades, como la alta resistencia a los rayos ultravioleta, la estabilidad al color, la durabilidad, el buen comportamiento ante el choque térmico, la resistencia a las manchas, la reducida porosidad o la fabricación en gran formato.

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The main objective of the project was to make the most of the site’s privileged location by the central park of Valdebebas, an 80-hectare green lung, and ensure that all the apartments would have direct contact with it. Valdebebas 127 concentrates the built mass in two parallel bands, one facing the park, with three towers that go up atop a platform for commercial premises, and another facing the promenade with a continuous block comprised of five lower buildings. The separation between the towers also affords the apartments in the block views of the Guadarrama mountain range as well as the park. The design of the tower seeks a formal and compositive interplay at the building’s corners, alternating the position of the living room and the terrace to achieve a dynamic zipper effect that gives the complex a distinctive image. The treatment of the large garden areas between the buildings is a particularly important element in the project. The perimeter of the site remains open, offering views of the lush interior gardens. Almost 8,000 square meters of Dekton ultracompact surfaces have been used in the construction of this first phase of the residential development. This material has been chosen for its excellent qualities, such as high-resistance to UV rays, color stability, durability, resistance to thermal breaks and to stains, extremely low porosity, and large-format manufacturing.

Photos: Subliminal: Miguel de Guzmán, Rocío Romero

Arquitectos Architects: Estudio Rubio Arquitectura Carlos Rubio Carvajal Paisajismo Landscape: Susana Canogar, Iñaki Viñuela (Evergreen Paisajismo) Promotora Developer: Valenor Constructora Contractor: Arpada

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En las viviendas, la terraza y el salรณn se ubican en las esquinas de la planta, enfatizando la visiรณn diagonal desde el interior. Esto permite, ademรกs, dos orientaciones y mejor relaciรณn con el exterior. In the apartments, the terrace and living room are located at the corners of the slab, emphasizing the diagonal view from the interior. This also permits two orientations and a better relationship with the exterior.

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La fachada se viste de Dekton en dos colores: blanco Warm y gris Korusâ&#x20AC;&#x192; Dekton facade in two colors: Warm white and Korus gray

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El proyecto nace con la voluntad de que sus acabados interiores, al igual que los exteriores, sean de la máxima calidad, por eso se vuelve a recurrir a materiales como el Silestone o el Dekton en baños y cocinas.

The pursuit of maximum quality is common to both the exterior and the interior finishes, so in this case too materials such as Silestone or Dekton by Cosentino are chosen for kitchens and bathrooms.

Plato de ducha Shower tray: Kador by Silestone in White Zeus

Para las encimeras de cocina se utiliza Silestone Blanco Zeus Silestone in White Zeus on kitchen tops

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Cosentino Interview

RON ARAD IN ALMERÍA The Israeli Designer at the Cosentino Headquarters

El prestigioso diseñador israelí Ron Arad comparte con nosotros anécdotas de su vida profesional durante su visita a las instalaciones Dekton Cosentino en Almería. ¿Cómo fueron los comienzos de su carrera? Nunca he pensado en mi formación como una carrera. Me refiero a que actualmente hago lo mismo que cuando tenía 8 años. Siempre tuvo que ver con el lápiz, el dibujo y el discurso. Mi madre era artista, pintaba, y cada vez que me veía haciendo un buen dibujo no decía: «Va a ser un buen artista». No, ella decía: «Será un buen arquitecto». Temía al arte. Erróneamente pensaba que la arquitectura era algo más sólido como profesión que simplemente ser artista. ¡Qué equivocada estaba! Cuando llegué a Londres en 1973 nadie estaba construyendo nada, por lo que la Architectural Association era más parecida a una escuela de arte que las propias escuelas de arte. Había libertad, alejamiento de la realidad, de promotores, constructoras, presupuestos… Todo se hacía en papel antes de que llegasen a nuestras vidas los renders y el modelado 3D. Era un periodo de airbrushing. Cuando estudiaba, el producto final no era un edificio, sino un dibujo. Por supuesto las cosas han cambiado mucho desde entonces, pero siempre me he visto a mí mismo como un forastero en esta profesión. Amo la arquitectura, pero no tanto la profesión por todos los compromisos que conlleva. Nunca te libras de las negociaciones: con el jefe de bomberos, con la policía, con el contratista, con los vecinos, con el

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marido, con la mujer… Nada que ver con los años en la escuela. Cuando acabas, haces arte, no necesitas consultarle a nadie, no debes nada. He conseguido crear un estudio bajo esas premisas. ¿Cómo entiende la relación entre arquitectura y diseño? La verdad es que creo que ambas disciplinas comparten la forma de adentrarse en ellas. Para mí, diseñar es crear algo que no existía anteriormente. Puede ser algo diminuto o tan grande como una torre. Si se fijan, la torre en la que estamos trabajando actualmente podría funcionar sin problema dándole la vuelta. Las plantas que normalmente irían en el techo pueden situarse en el suelo… Hay infinidad de detalles que percibo de forma distinta a un arquitecto. Hago pocos proyectos, pero los que elijo me absorben, me generan curiosidad y, por tanto, me vuelco en ellos por completo. Como por ejemplo, estas gafas. No son unas gafas normales, no tienen piezas ensambladas ni articuladas. Son una sola pieza. Para mí no tendría sentido diseñar un nuevo par de Ray-Bans, otras Tom Ford… No me interesa lo estiloso en sí mismo, debe ser un diseño que me interese, que me genere curiosidad. [Se pone las gafas.] A partir de ahora la entrevista la haré con las gafas puestas, o no, ya veremos. ¿Qué le aconsejaría a los jóvenes diseñadores y arquitectos a punto de empezar su formación? Mi consejo sería: no sigáis mi consejo. No intentéis ser el nuevo Frank Gehry. No necesitamos otro. Frank Gehry ya ha hecho

muchas obras. No intentéis ser el nuevo ‘quien-sea’. Centraos en aquello en lo que podáis contribuir con vuestra creatividad, lo que os llene… Qué hipócrita, estoy dando consejos ahora. No era mi intención. Satisfaced vuestra creatividad, vuestra curiosidad y lo que sea especial para vosotros. Usted nació en Tel Aviv… ¿Cómo es su relación con su país de origen? Creo que parte de la respuesta está en la pregunta. No ha dicho: «Usted nació en Israel.» Ha especificado: «Usted nació en Tel Aviv.» Amo Tel Aviv. Está en un lugar muy difícil, en un país muy difícil, en una región muy difícil y en un mundo muy difícil. Pero durante mi infancia allí no conocía mundo, esa ciudad era el centro de mi vida, y lo que no sabía no merecía ser sabido. Cuando ahora escucho la canción Strawberry Fields Forever de los Beatles no me transporta a Liverpool, me transporta a Tel Aviv, donde crecí. Cuando estás creciendo eres cautivo de tu lengua, tu cultura, tu paisaje, tu entorno… Más adelante, al entrar en la veintena, me mudé a Londres, empecé a trabajar y mis compañeros querían saber cómo influye nacer en un sitio u otro. Yo creo que lo que más nos afecta es ser forasteros, tanto por los inconvenientes de no pertenecer a tu nuevo entorno como por las ventajas de no estar atado a nadie. ¿Diría que existe la globalización en el mundo del diseño? Sí que existe. Ya sabe, el mundo es pequeño. Se habla del diseño británico, del israelí, del español… Pero no es fútbol. Nadie ondea sus banderas. A mí me interesan los individuos.

The prestigious designer Ron Arad shares with us details of his professional life during his visit to the showroom of Dekton Cosentino in Almería. How was the beginning of your career? I never thought of it as a career. I mean I’m doing the same thing now that I did when I was 8 years old. It also had to do with the pencil and drawing and talking. My mother was a painter, and every time she saw me doing a fantastic drawing as a child, she didn’t say: “He’s going to be a good artist.” She said: “He’s going to be a good architect.” She was afraid of art. She thought – she was wrong! – that architecture was more solid as a profession than being an artist. How wrong she was! But when I came to London in 1973, it was a time when no one was building anything in London. Absolutely nothing. So the Architectural Association was more like an art school than the art schools because there was freedom from reality – from building, from budgets, from contractors, from floor slabs. Everything was on paper. This was before computer renders and computer modeling. It was the period of airbrushing. In the period when I was studying, the final product was not a building, but a drawing. Of course things change. But I always saw myself as an outsider to the profession. I love architecture, but I don’t love the profession so much because it’s a profession of compromises. There are always lots of negotiations – with the fire brigade, with the police, with the contractor, with the neighbors, with the husband, with

the wife… It’s not like when you go to art school. When you finish, you do your art, you don’t have to consult with anyone, you are not accountable to anyone. I managed to set up a studio in that sort of mode. How do you see the relationship between architecture and design? Look, the approach is the same. For me, to design is to do something that doesn’t exist before you design it. It could be a small thing, it could be a huge tower. If you look at the tower that we are working on together now, it’s an upside-down tower, if you wish. All the plants that people normally put on the roof, I put on the floor. There are lots of things, when we go there, that are for me different for architects. I don’t do a lot, but when I do something, I have to be curious. The same goes when I design, for example, eyewear like this we designed. The whole thing about it is that it’s not like your glasses. It doesn’t have any parts, it doesn’t have any screws, it doesn’t have any hinges. It is one piece. And it’s flexible and light. For me there’s no point in just styling, in making another Ray-Ban, another Tom Ford. For me it has to be something that I’m interested in, that I’m curious about. [Puts on glasses.] From now on the interview will be with the glasses. Or not. I don’t know. We’ll see. What would be your advice to young designers or young architects in terms of how to begin their careers? My advice would be: don’t listen to advice. Don’t try to be the new Frank Gehry. We don’t need a new Frank Gehry. Frank Gehry has

already done a lot of work. Don’t try to be the new you-name-it. Try to do what you can make a contribution to, what satisfies you… Well, I’m giving advice now. I didn’t want to give advice. Satisfy your own creativity, your own curiosity, and what is special to you. You were born in Tel Aviv… How is your relationship with your home country? I think that a bit of the answer is in your question. You didn’t say: “You were born in Israel.” You said: “You were born in Tel Aviv.” I love Tel Aviv. Tel Aviv is in a very difficult place, in a very difficult country, in a very difficult area, in a very difficult world. But when I grew up in Tel Aviv, for me it was the center of the world, and what I didn’t know was not worth knowing. And we knew everything. When I now hear the Beatles song Strawberry Fields Forever, it doesn’t take me back to Liverpool. I’ve never been to Liverpool. It takes me back to Tel Aviv, where I grew up. When you are growing up, you are sort of a captive of your language, your culture, your landscape, your environment. Then in my early 20s, when I moved to London, I started working and people wanted to know the influence of being from somewhere. I think the big influence is being from somewhere else, being an outsider. It gives you the difficulties of an outsider, but also the freedom of an outsider because you don’t have any aunts and neighbors to please. Would you say there is globalization in design? Well, there is. You know, the world is small. People talk about British design, Israeli design, Spanish design… But it’s not football.

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Ron Arad, next to La mujer de Coslada by Antonio López, at the Fundación de Arte Ibáñez Cosentino

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Cuando creces, lo haces en un lugar, en una cultura, y esto te ayuda al principio pero a la larga debemos liberarnos de ello. Hablemos de materiales. Su experiencia en el mundo de los materiales es amplia, versátil e innovadora. A menudo el material se convierte en un concepto en sí mismo. ¿Qué va antes, el concepto o el material? Es un viaje de ida y vuelta. En ocasiones vemos materiales y procesos y pensamos: «¿Qué podemos hacer con ellos?» Es impresionante. Incluso esta mañana, mientras paseaba por vuestra asombrosa ciudad dedicada a los materiales y procesos pensaba: «¿Qué podría hacer aquí, qué podría hacerse…?» A veces tienes una idea y piensas: «¿Qué material sería el idóneo? ¿Y el mejor proceso? ¿El fabricante más adecuado?» Es la razón por la que estamos aquí. Nosotros hicimos un diseño antes de conocer Dekton… vosotros lo diseñasteis sin conocernos. Tras una breve investigación dimos el uno con el otro, y ahora nos encontramos aquí hablando de lo que podemos hacer juntos, de lo que aún ni nos imaginamos que podemos hacer. Lo ve, un viaje de ida y vuelta. Diseñó el séptimo piso del hotel Puerta de América en Madrid, la galería Ivorypress expuso su obra... ¿Qué relación mantiene con España? También hubo una exposición en Las Ramblas de Barcelona por un premio que gané. España es uno de mis destinos vacacionales favoritos. Veraneo en Formentera. Descubrí la isla a través de Javier Mariscal hace muchos años gracias a una exposición que organizamos juntos para celebrar el décimo aniversario del Centro Pompidou. Se eligieron diez diseñadores que representasen diferentes ramas del diseño. Yo representaba la ruina porque jugaba con hormigón roto, no me preguntes por qué. Mariscal y yo éramos los más jóvenes. Nos hicimos muy amigos desde entonces. ¿Compara su trabajo con el de sus colegas de profesión? Cualquier cosa que hagamos, si es lo suficientemente visible o visible de cualquier manera y ofrece algo nuevo, pertenece a un diálogo. Cuando voy a una exposición o a ver algo y no siento celos, es que no es bueno. Me refiero a que, para mí, ir a una exposición y no sentir celos me hace pensar: «¿Por qué estoy perdiendo mi tiempo aquí?» Igual que cuando tengo una idea pienso: «¿Es buena o es mala?» Si viese estas gafas en una galería o, ya que no son arte, en una óptica, ¿estaría celoso? Si la respuesta es afirmativa me lanzo de lleno, pero si no...

You’re not running around with flags. I’m interested in individuals. Yes, when you grow up, you grow up in a place, a language, and a culture, which helps, but you have to claim freedom from it. Let’s talk about materials. Your experience in materials is wide, versatile, and very innovative. Often the material itself becomes the concept. What comes first, the concept or the material? It’s a two-way thing. Sometimes you see materials and processes and you think: “What can I do with it? This is so amazing. What shall we do with it.” Even this morning, during my visit to the amazing city you have here that is all about materials and processes, my mind went: “What can I do, what can we do…” Sometimes you have an idea and you think: “What will be the best material to use? What will be the best process? Who will be the best fabricator?” Which in a way is why we’re here. We designed the part that

Ron Arad, next to La mujer de Almanzora by Antonio López

we’re going to use before I knew the word ‘Dekton.’ You designed it before I knew of your existence. And with a little research, we found ourselves here. And now we’re here and seeing what we can do, and it will mean that we can do other stuff that we haven’t done yet, that we don’t know about. So it’s a two-way thing. You built the seventh floor of Hotel Puerta América in Madrid and you were exhibited in Ivorypress as well. What is your relationship with Spain? I also had a really nice exhibition on the Ramblas, in Barcelona, because I had won an award. But Spain is also my favorite place for holidays. I’m a neighbor here, I go to Formentera. It was introduced to me by Javier Mariscal many years ago. We did an exhibition to celebrate the tenth anniversary of the Pompidou Center. They chose ten designers to represent all the different directions of design. I represented ruinism because I was

playing with concrete that I broke, don’t ask me why. Mariscal and I were the youngest. There were all sorts of Mendinis… We had no choice, we became very good friends because we were the little boys. And then Mariscal started charming us and pulling us to Barcelona, Formentera… He did a very good job. Do you compare your work with your contemporaries? I believe so. Everything you do, if it is visible enough, or visible at all, and if it offers something new, is part of a dialogue. When I go to an exhibition or I go to see something, and I’m not jealous, it’s not good. If I go to an exhibition and there’s no jealousy, I think: “Why am I wasting my time here?” At the same time, when I have an idea, I think: “Is it good or not?” If I saw these glasses in a gallery or, since this is not art, in an optician’s shop, would I be jealous? If the answer is yes, then I go ahead and do it. But if the answer is no…

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ÂŠ Daniel Beres / Centre Pompidou

Style Bureau Betak

Fashion Show Revolution

Style Ephemeral

BUREAU BETAK

Alexandre de Betak (París, 1968) lleva años convirtiendo los desfiles y eventos de moda más importantes en formidables escenografías que aúnan la originalidad y la destreza técnica.

Alexandre de Betak (Paris, 1968) has worked for years turning the most prominent runways and fashion shows into spectacular scenographies that bring together originality and technical skill.

Con sede en Nueva York, en París y en Shanghái, Bureau Betak ha construido su imaginario en torno a los desfiles de las marcas de moda más reconocidas (Christian Dior, Tiffany & Co., John Galliano, Hussein Chalayan, Victoria’s Secret...) Sus escenografías, siempre originales, investigan todos los campos de la creación, desde la más artesanal a la más tecnológica, desde la más artificial a la más natural. Cimenta sus proyectos en cuatro elementos. El primero sería la localización (ha intervenido en míticos lugares como el Louvre de París, la Ciudad Prohibida de Pekín o la Plaza Roja de Moscú), que otorga una narrativa a la historia. A continuación la puesta en escena busca crear algo nuevo, ya sea arquitectónico, distópico o fantástico. Es donde la perfección y el alarde técnico se hacen presentes. La luz, obsesión de Alexandre de Betak desde que era niño, sería el tercer pilar, el que otorga la credibilidad y el éxito definitivo a la intervención. Por último, la performance representaría el elemento vivo: es el movimiento y la vida humana. Es, según el diseñador, donde el resto de los elementos se unen y se encuentran en un balance preciso pero sutil.

With offices in New York, Paris, and Shanghai, Bureau Betak has developed its aesthetic around the design and production of fashion shows for the most prestigious international firms (Christian Dior, Tiffany & Co., John Galliano, Hussein Chalayan, Victoria’s Secret, to name just a few). Its set designs, always original, research into all the fields of creation, from pure crafstmanship to high technology, and from the most artificial making to the most natural. The Bureau’s projects are based on four elements. The first would be the venue (working in mythical places like the Louvre in Paris, the Forbidden City in Beijing, or Moscow’s Red Square), which gives the story a narrative thread. Next, the mise-en-scène or set seeks creating something new, be it architectural, dystopian, or fantastic. This is where perfection and technical display are made visible. Light, Alexandre de Betak’s obsession since he was a child, would the third element, which brings credibility and marks the final success of the intervention. Lastly, the performance would represent the live element: movement and human life. This is where, according to the designer, the rest of the components come together in a precise but subtle balance.

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Christian Dior, Spring/Summer 2015 by Raf Simons, Louvre, Paris. Picture credit: © Daniel Beres

Fashion Show Revolution

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Christian Dior, Fall/Winter 2013 by Raf Simons, Red Square, Moscow

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The book Betak. Fashion Show Revolution (Phaidon, 2017) takes stock, in almost three hundred pages and with hundreds of photographs, of the work of the French Alexandre de Betak over the past 25 years.

El libro Betak. Fashion Show Revolution (Phaidon, 2017) recoge en sus casi trescientas páginas y cientos de fotografías el trabajo de los últimos 25 años del francés Alexandre de Betak.

Christian Dior, SS16, Louvre, Paris

Christian Dior, SS13, Musée Rodin, Paris

Christian Dior, SS14, Musée Rodin, Paris

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Berluti, SS16, Musée Picasso, Paris. Picture credit: © Daniel Beres

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Fendi Exhibition ‘The artisans of dreams’, Palazzo della Civiltà Italiana, Rome

Fendi Studios Exhibition, Palazzo della Civiltà Italiana, Rome

Alexander Wang, FW17, Hamilton Theater, New York

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Christian Dior, SS14, Musée Rodin, Paris

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ÂŠ Daniel Beres

Interview Ingels & Thorsen In Dialogue

Interview Conversation

Ingels & Thorsen in dialogue

Bjarke Ingels del estudio BIG y Kjetil Thorsen de SnĂ¸hetta se encuentran en Pamplona. Bjarke Ingels from the studio BIG and Kjetil Thorsen from SnĂ¸hetta meet in Pamplona.

El arquitecto danés Bjarke Ingels (1974), y el noruego Kjetil Thorsen (1958), fundadores de los estudios BIG y Snøhetta respectivamente, destacan en Pamplona la importancia del paisaje en el diseño y la arquitectura.

Photos: Miguel Fernández-Galiano

The Danish architect Bjarke Ingels (1974), founder of BIG, and the Norwegian Kjetil Thorsen (1958), co-founder of Snøhetta, talk in Pamplona about the importance of landscape in design and architecture.

Representantes de dos de los estudios escandinavos más importantes, Ingels (BIG) y Thorsen (Snøhetta), se reunieron en Pamplona con motivo del IV Congreso Internacional de Arquitectura y Sociedad, celebrado bajo el lema ‘Cambio de clima’. Aunque sus obras son fácilmente distinguibles y evidentemente diferentes entre sí, su acercamiento a la arquitectura es casi idéntico. Ambos se inspiran en la relación con el paisaje, el que han visto desde niños y que, como a tantos otros autores nórdicos, ha condicionado su obra y su trayectoria. Bjarke Ingels: Puede sonar a cliché, sobre todo en el entorno escandinavo, pero a mí me parece muy interesante el hecho de que hagáis un ascenso anual al pico Snøhetta. Nosotros también hacíamos una excursión anual hasta el año pasado, cuando hubo una tormenta de nieve terrible en la que ya habían muerto siete personas, y decidimos quedarnos en el valle. Fue tan impactante que este año ni siquiera hemos organizado un nuevo viaje. Kjetil Thorsen: Debéis hacerlo. Es como un accidente de coche, tienes que volver a conducir inmediatamente o siempre tendrás

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miedo a conducir. Para nosotros es importante porque construyes nuevos y, sobre todo, distintos tipos de relaciones con los que te rodean. Además, en este caso, la excursión a la montaña hace que te sientas tan cerca del paisaje, que casi parece una relación sexual…

«La naturaleza es un enorme parque de juegos para adultos» BI: Últimamente he pensado lo mucho que me aporta la naturaleza. Y no me refiero a ir de vacaciones a un buen hotel y disfrutar mucho del paisaje. Me refiero a desaparecer en ella, cuando todo es tan completamente impredecible, tan indescriptible que es exclusivamente tu responsabilidad disfrutarlo, habitarlo. Es un parque de juegos para adultos gigantesco. KT: También es un forma de aprender arquitectura. Esquiar, por ejemplo, es la mejor manera de describir la sección de un paisaje, a través de la altura y la velocidad. Dibujas las líneas de contorno continuamente, y

acabas percibiendo la abstracción del paisaje. Y a la inversa escalando, con su paciencia y lentitud. Cuando escalas y te ves colgado de una inmensa pared, tan despacio, tienes la sensación de estar lejos de todo, pero al mismo tiempo sientes que no puedes estar más cerca del propio muro. BI: Recuerdo un viaje increíble en el que estábamos ascendiendo un sendero, la altura total eran unos 1.800 metros, y llovía sin parar, lluvia incesante durante toda la semana. Todo estaba mojado y resbalaba, por lo que subir fue complicadísimo. Era maravilloso estar a esa altura entre las nubes y que de repente se abriesen y dejasen paso a una impresionante vista y un segundo después, otra vez la nada. Rápido, muy rápido. El problema fue luego al bajar. Resbalaba tanto que teníamos que tumbarnos boca abajo (en la espalda llevábamos la mochila) y dejarnos caer. Fue ese momento de verse deslizando cuesta abajo en una montaña grasienta cuando entendí el poder de la naturaleza, y lo que significaba la rendición total a los elementos. KT: Al final volvemos de nuevo al sexo con el paisaje… Para mí sólo hay dos situa-

Founders of two of the leading Scandinavian architecture studios, Bjarke Ingels (BIG) and Kjetil Thorsen (Snøhetta), coincided in Pamplona during the IV International Congress of the Fundación Arquitectura y Sociedad, held under the motto ‘Change of Climate’. Though their works are readily distinguishable and evidently different, their approach to architecture is practically the same. They both take inspiration from the landscape, the one they have known since their childhood, and that, as in the case of so many Nordic authors, has marked their career and work. Bjarke Ingels: Maybe this is a cliché in the concepts of Scandinavia but the fact that you guys do this annual hike to the Snøhetta mountain is very interesting to me. We also go on an expedition every year, but last year there was a terrible snowstorm in which seven people had died, so we had to stay in the valley. It was so shocking though that we haven’t actually planned this year’s trip. Kjetil Thorsen: But you have to do it. It is like a car crash, you have to go straight back to the car, or you will be always scared of driving. For us it is important because you build many new kinds of relationships. When

you get so close to landscape, you are almost having sex with the landscape… BI: I have been thinking that I get so much out of getting into nature. Not just staying in a nice hotel and then seeing a lot of nature, but mostly disappearing into it in a way that

“Nature is a like a gigantic playground for grown-ups” is so fully unprogrammed and uncategorized that it is entirely up to you to enjoy or inhabit it. It is a gigantic playground for grown-ups. KT: It is also a way of learning about architecture. Skiing, for example, is the best way of describing the section of a landscape, through height and speed. You are following the contour lines of landscape continuously, so you get a really close perception of the abstraction of the landscape when you are skiing. But it is the same with the slowness of climbing. When you are climbing, and you are hanging from the wall, you get the feeling of being far from everything, but at the same time the wall could not be any closer.

BI: I remember this amazing experience. We were walking up this pass, it was like an 1,800-meter ascent and it was raining nonstop, endless rain for a week. Everything was slippery, so climbing up was super hard. It was beautiful. Up there we were in the clouds, and once in a while they would open and you would have this magnificent view, but right after they would close again, very fast. Finally, when we walked down, we constantly had to lie down, flat on the stomach – we could not do it on our backs, because we had the backpacks – and slide down this kind of greasy mountain. It was a complete surrender to the elements. KT: We keep drifting in the direction of having sex with the landscape… For me there are only two situations in the world: the mountains or the sea. Everything in between is kind of boring. BI: I totally agree. KT: But I like that. That type of challenge. I have this feeling sometimes, that if we don’t have enough wind I would close the office sort of thing, because you need the forces against to get there. If it is not windy enough, stay home. If you see where our offices are located in Oslo, we are completely exposed

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to the weather. The location is directly south towards the fjord, twenty meters away from it, and it is this huge warehouse that sits in the outermost peak of Oslo, below the castle. So you are getting all the weather: the winter, the spring, the autumn, the summer… We have all the fisherman in front. It is actually this kind of closeness to these things, as we were discussing before, that makes you learn from them. To design something you need to be filled with it. You have to be under the skin of things. Landscape does that to you. BI: Just to finish this landscape theme, I think that there is something that our work shares, this idea of invitation. You called it generosity. It’s an invitation to something different. One of our first buildings, the VM Houses, has these triangular balconies, 5 meters long. The idea was to get so far out into the air that you could actually turn around and look at your building. When you are standing there, you feel in the air, surrounded only by your neighbors. Obviously also with The Mountain and the Eight House, where you climb up a ski slope. In other words, the idea that each project somehow tries to make available something that would normally be off limits, so that you end up having not an accumulation of private domains, but rather

a new kind of man-made landscape. KT: We talked about architecture being active. To me it is about prepositions: in, over, through, within… Anything that can relate to many prepositions all of a sudden moves into active positioning in relation to people. If you can walk through, over, in, under, and so forth and so forth, then you are close to the landscape. Because the landscape and our whole language is based on the fact that we develop prepositions to define our position.

“The separation between inside and outside in the debates is limiting to architecture and to the public space” Where we are in relation to something else. If architecture is only ‘in’ then it is not active, because it only defines one preposition. It has to have a whole range of prepositions in order to be active. This was the discussion we had at the Venice Biennale, and that is why I am no longer happy with the separation between inside and outside in the debates on public space, simply because I believe that it is limiting to the architecture, and to the

public space. These are the type of things that I try to follow, and I see in your designs that you are trying to create active buildings too. BI: Definitely. We normally differentiate when there is a need, “a must have,” or a desire, a “nice to have.” The more “nice to haves” you can add to what the client is asking or to the program, the better. KT: For instance, there’s a debate now at the urban city planning offices in Oslo because they don’t know how to represent the Opera House in plans. Is it a building? Do they cut the building below? Or is it outer space? They don’t know! And that’s fantastic. BI: That is exactly my dream. I have been saying this all the time, in a city map building is yellow, public building is red, park is green… and I have been focusing on this idea that industrial is gray. It is like this cancerous tissue in the city map, but I am curious to see how are they going to label the power plant. It should be green, or maybe red… but definitely not gray, even though it is also gray. KT: I agree. These are the kinds of hybrids you learn about by moving back to nature and landscape. Landscape was never only one thing. Unless we accept the complexities of the systems we are dealing with, we will get nowhere. And I think that is something to

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ciones en el mundo: las montañas y el mar, lo que hay entre medias me aburre. BI: Estoy de acuerdo. KT: Pero me encanta la reflexión que hacías. Ese tipo de reto. Muchas veces pienso, por ejemplo, que si el viento en contra no es muy fuerte debería cerrar el estudio porque se necesitan las fuerzas en contra para llegar a tus objetivos. Si el viento no es suficientemente fuerte, quédate en casa. Si te fijas en donde tenemos nuestras oficinas en Oslo, verás que estamos completamente expuestos al clima. Una nave en la punta más alejada de la ciudad, mirando al sur, directamente al fiordo, a veinte metros de él. Recibes todo el clima: el invierno, la primavera, el otoño, el verano… Además tienes a todos los pescadores delante. Y es la cercanía a estas cosas, como ya hablábamos antes, la que te hace aprender de ellas. Para diseñar algo, debes conocerlo por dentro. Debes meterte bajo la piel de las cosas. El paisaje lo consigue. BI: Para acabar con el tema del paisaje. Creo que hay algo que nuestros trabajos comparten, y es la idea de invitación. Te he oído llamarlo generosidad. Es una invitación a algo distinto. En una de nuestras primeras viviendas, las VM Houses, introdujimos unos balcones de 5 metros de ancho. La idea era estar en el vacío, tan lejos como fuese posible. Cuando te pones en la punta sientes que estás en el aire, sólo rodeado por tus vecinos. Esto también se da, por supuesto, en el proyecto The Mountain y la Eight House donde subes por una pista de esquí. La idea es que cada proyecto permita algo que habitualmente es inaccesible, de forma que no tienes una acumulación

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de recintos privados, sino un nuevo tipo de paisaje artificial creado por el hombre. KT: Hablábamos de que la arquitectura debía ser activa. Para mí tiene que ver con las preposiciones: en, sobre, entre… Algo que se pueda relacionar con muchas preposiciones de repente te coloca en una posición activa frente al mundo. Si puedes andar sobre, o bajo algo, si puedes atravesarlo… etcétera, entonces estás cerca del

«La distinción entre dentro y fuera en el debate sobre el espacio público limita la arquitectura y el propio espacio público» paisaje. Porque el paisaje, y todo nuestro lenguaje se basa en el hecho de que desarrollamos preposiciones para definir nuestra posición ante las cosas. Dónde estamos en relación con otros. Si la arquitectura sólo significase estar ‘dentro’, entonces no estaríamos siendo sujetos activos, porque sólo se define con una preposición. Debe haber un conjunto de preposiciones para que lo seamos. Esta discusión la tuvimos en la Bienal de Venecia; yo no me conformo con la distinción entre dentro y fuera en el debate sobre el espacio público, simplemente porque creo que eso limita la arquitectura y el propio espacio público. Me interesan tus diseños porque veo que tú también buscas crear edificios activos. BI: Sin duda. Normalmente diferenciamos cuando hay una necesidad, un «debería tener», o un deseo, un «me gustaría tener». Cuantos más «me gustaría tener» puedas

añadir a lo que el cliente o el programa pide, mejor. KT: Por ejemplo, ahora hay una discusión en las oficinas de urbanismo de Oslo porque no saben cómo representar la Ópera en los planos. ¿Es un edificio?¿Es una plaza? ¿Debe aparecer proyectado o seccionado? No lo saben, y eso es fantástico. BI: Ese es mi sueño. En los planos urbanos la zona residencial es amarilla, los edificios públicos son rojos, los parques son verdes… y ahora mi obsesión son las zonas grises, las industriales. Es como un tejido canceroso en los mapas. Por eso me interesa saber cómo van a etiquetar nuestra central eléctrica. Debería ser verde, o quizá roja, pero definitivamente no gris. Aunque también es gris… KT: Estoy de acuerdo. Esta clase de híbridos son los que conoces en el paisaje y la naturaleza. Nunca son una sola cosa. Si no aceptamos la complejidad de los sistemas en los que nos movemos, es imposible que progresemos. No podemos copiar la naturaleza, pero debemos pensar que cuando hacemos un nuevo edificio, no es una naturaleza artificial, sino una nueva realidad. Esta realidad, sin embargo, sí puede aprender cosas de cómo opera la naturaleza, para empezar, de estos aspectos híbridos de los que hablamos. Vuestro trabajo lo hace mucho en cuanto a infraestructuras sociales, donde añadís una función sobre la otra. Es una estrategia fantástica, porque es lo que hace el paisaje. La montaña te da agua, pero también puedes esquiar sobre ella, etc. BI: Para mí hay dos tendencias. Una es la centralización extrema. Por ejemplo,

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compañías globales (Amazon, Walmart…) cada vez tienen centros de distribución más grandes y más centralizados, como si quisiesen conseguir una única nave de distribución para toda América. Pero hay otro proceso, sobre todo en las ciudades, que es la descentralización extrema. Las huertas de las azoteas en Nueva York, por ejemplo. Hay un gran deseo de tenerlas, e incluso hay casi una ideología alrededor de ellas, pero luego la gente está demasiado ocupada para cultivar sus propios tomates. Yo creo que si convences a una gran compañía de que llame a todos estos propietarios para convencerles de que ellos se encarguen de instalar, gestionar, operar y mantener tu cubierta a cambio de un 50% del beneficio que se obtenga, todo el mundo saldría ganando. KT: Nosotros estudiamos el tema e incluso calculamos el peso de la tierra y su productividad, más aun cuando coges la tierra de cultivos abandonados, que lleva

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años curtiéndose y limpiándose. Una capa de 30 centímetros de suelo agrícola está repleta de energía remanente. Desperdiciarla en lugar de utilizarla para la producción de alimentos, es una insensatez. BI: Estamos reformando una central eléctrica en Vancouver, y además de muchos sistemas sostenibles de energía, hemos

«Debemos confiar en las tecnologías del futuro, y en su desarrollo» incorporado un tipo de cultivo holandés en el que no necesitas tierra. Tienes unos tubos donde las plantas crecen, lo que hace que consuma muchísima menos agua. Además lo pintamos todo de blanco, el suelo, los tubos, todo, de forma que no hay superficies de color que absorban energía o luz y los fotones pueden rebotar libremente. Un concepto de cultivo que no requiere ningún

esfuerzo, es muy interesante. KT: Sí que lo es. Debemos confiar en las tecnologías del futuro, y en su desarrollo. Podrían pasar tantas cosas en el diseño industrial... Es una de las áreas donde siento que hemos hecho mucho y, al mismo tiempo, nada. El diseño industrial en arquitectura, por ejemplo, prácticamente no existe. Estamos intentando producir en cadena pequeños objetos del día a día. Como una lámpara de bolsillo, por ejemplo. La antorcha es un grandísimo invento porque puedes llevar la luz contigo a todas partes. Hay un escritor de ciencia ficción que escribió un libro fascinante que hablaba de vidrios que retenían la luz durante veinte años y, por lo tanto, los paisajes. Eso quiere decir que podrías instalar una vista panorámica en tu casa. No necesitarías televisión, instalarías una vista a las cataratas del Niágara directamente en Nueva York, simplemente a través de la retención de luz. Es ciencia ficción, lo sé, pero es hermoso.

learn from nature. We cannot copy nature, but whenever we create a new building, it is not an abstract landscape but a new reality. And reality can learn things from how nature operates, hybrid aspects. You have been focusing a lot on that when it comes to your social infrastructures, where you add one function on top the other. It is a fantastic strategy because it is what landscapes do. They provide you with water but you can also ski. They provide you with trees, but you can also walk. BI: In my view there are two tendencies. One is an extreme centralization. For instance, global companies (Amazon, Walmart…) have bigger and bigger distribution centers but are more and more centralized, as if they were trying to create a single warehouse for all of America. But there is another process, happening in cities, which is extreme decentralization, or mixing. Roof farming in New York, for example. There is a huge desire for it, almost as an ideology, maybe as a hobby, though most people living in cities are too busy to grow their tomatoes. But I really think that if you get a company to call out warehouse owners and say: “we would like to take possession of

your roof, we will install, manage, operate, maintain and you will get 50% of the crops,” everyone would benefit. KT: We have also studied it and we calculated the weight of the earth and the productivity of the earth that you could get straight out of the agriculture soil that was already on the ground once its clean. The 30-centimeter layer of agricultural soil is full of embodied energy. To throw it away and not use it as food production is kind of a waste. BI: We are doing this power plant in Vancouver, and aside from several sustainable

“We have to rely on the future technologies, and on their development” energy systems we are using a fairly commodified Dutch farming system where you don’t have soil. You have these tubes where plants grow out of the tubes, so it consumes much less water. Everything is painted white, the floor is white, the tubes are white, so that no photon is swallowed by light-sucking colors,

everything is bouncing around. A completely effortless roof farming concept. KT: That is cool. Also, we have to rely on the future technologies, and their development. So much could happen in the field of industrial design. It is one of the areas where I feel that we have done a lot but at the same time, nothing. The industrial design elements in architecture, for instance, are completely missing, so one of the few things that we are starting to do now is actively moving more into the hardware production line of smaller things in life. Pocket lamps, for instance. A torch is a fantastic invention because you carry the light with you. There was this fiction writer who talked about glass that retains light, and for light to penetrate through the glass it takes about twenty years. So that means that you have this panoramic window, and then you build it into your home. You don’t have a TV, you have a one to one vision to Niagara Falls in New York, because the delay of twenty years actually puts the real image in your living room. Simply through the delay of light penetration. It is science fiction of course, but it is actually beautiful.

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ÂŠ Spaces Images / Blend Images / Getty Images

Travel Manhattan USA

Travel City Guide

Manhattan Epicentro del arte, la moda y las finanzas, el corazón de la Gran Manzana resplandece y exporta tendencias al mundo.

Epicenter of art, fashion, and finance, the heart of the Big Apple glows and exports trends across the world.

Panoramic Views Ferry to Staten Island

Alejarse en ferri de la isla de Manhattan ofrece excelentes vistas del perfil urbano de la ciudad. El trayecto gratuito que llega hasta Staten Island permite fotografiar, además, la Estatua de la Libertad.

The ferry offers panoramic views of the Manhattan Island skyline. The free service that reaches up to Staten Island is also a good opportunity to photograph the Statue of Liberty.

Public Space Times Square

Billboards, neon lights, and audiovisual screens create a bright and vibrant atmosphere at Times Square, where visitors and residents can choose among a variety of shows, events, and restaurants.

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La proliferación de carteles, luces de neón y pantallas audiovisuales envuelve al peatón que atraviesa Times Square en una atmósfera vibrante donde puede elegir entre una gran variedad de espectáculos, eventos y restaurantes.

Traversed diagonally by Broadway, the grid of streets that structures Manhattan can be appreciated from the top floors of the towers, where restaurants and viewing platforms offer vantage city views.

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ÂŠ Navid Baraty

Panoramic Views Rooftops

Atravesada en diagonal por Broadway, la retĂcula ortogonal de calles que estructura Manhattan puede observarse desde las azoteas de las torres, que suelen contar con restaurantes y miradores en las Ăşltimas plantas.

Infrastructure Brooklyn Bridge

source: Samira Bouaou / The Epoch Times

Construido entre 1870 y 1883, este puente fue en su día la estructura colgante más grande del mundo, con 1.825 metros de longitud que cruzan el río Este enlazando las orillas de Brooklyn y Manhattan. Built between 1870 and 1883, the bridge was in its day the longest suspended structure, measuring 1,825 meters long. It crosses the East River connecting the boroughs of Brooklyn and Manhattan.

Comprised of fourteen Art Deco buildings, the project was promoted by the Rockefeller family in 1920.

Pioneer Skyscraper Flatiron Building

El Flatiron Building (1902) destaca por su esbelto perfil que delimita una intersección triangular. The Flatiron Building (1902) stands out for its profile that marks out a triangular intersection.

source: conunpardemaletas.com

Office Complex Rockefeller Center

Formado por 14 edificios Art Decó, este proyecto fue promovido por la familia Rockefeller en 1920.

Wall Street es la calle principal del distrito financiero de Nueva York, donde se sitúa la Bolsa. Wall Street is the center of the financial district, where the New York Stock Exchange is located.

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source: ruebarue.com

Financial District Wall Street

Iconic Skyscraper Empire State Building

El emblemático Empire State (1931) fue el edificio más alto del mundo durante más de 40 años. The emblematic Empire State (1931) was for more than 40 years the world’s tallest building.

10 © David Clapp / Stone / Getty Images

Art Museum The Met

The Metropolitan Museum of Art is the most visited museum in New York, with a collection of over two million objects, from Classical Period treasures to tools, modern pieces, and photographs.

Construido por Frank Lloyd Wright en 1959, el Museo Guggenheim rompe los esquemas del espacio expositivo tradicional, estableciendo un recorrido continuo a lo largo de una rampa en espiral en torno a un atrio con luz cenital.

Built by Frank Lloyd Wright in 1959, the Guggenheim Museum breaks the schemes of traditional exhibition space, establishing a continuous visit through a spiral ramp around a toplit atrium.

This historic railroad terminal, with more than 67 lines distributed in two underground levels, is famous for its brick vaults, designed in 1903 by the Valencian Rafael Guastavino.

source: nycgo.com

Metro Station Grand Central Terminal

Esta histórica terminal de trenes, que cuenta con 67 vías distribuidas en dos niveles subterráneos, destaca por sus bóvedas de ladrillo, diseñadas en 1903 por el valenciano Rafael Guastavino.

El Museo Metropolitano de Arte es el más visitado de Nueva York, con una colección de dos millones de obras, desde tesoros de la Antigüedad clásica hasta instrumentos, piezas modernas o fotografías.

Modern Art Guggenheim Museum

A symbol of the International Style, Mies van der Rohe’s Seagram Building (1958) is recessed with regards to Park Avenue, freeing up a public space that enhances the access under the large glass wall.

International Style Seagram Building

Ejemplo del Estilo Internacional, la sede de Seagram (1958) —diseñada por Mies van der Rohe— da un paso atrás respecto a Park Avenue, liberando un espacio público que dignifica el acceso bajo el gran muro cortina.

C 11 71

13 Residential VIA 57 West

A orillas del río Hudson, el edificio VIA 57 West —proyectado por el estudio danés Bjarke Ingels Group— se concibe como un híbrido entre el bloque perimetral europeo y un rascacielos neoyorquino.

Located on the banks of the Hudson River, the VIA 57 West building – designed by the Danish studio Bjarke Ingels Group – is a hybrid of European apartment building and New York skyscraper.

Contemporary Art New Museum

A minimalist set of stacked boxes designed by the Tokyo-based office SANAA (Sejima & Nishizawa) contains the galleries of the New Museum, which displays contemporary works by emerging artists.

Un conjunto minimalista de cajas apiladas, diseñado por los japoneses SANAA, alberga las salas del New Museum, donde se exponen obras contemporáneas de artistas emergentes.

Museum of Modern Art MoMA New York

Residential High-Rise 432 Park Avenue

72 C 11

Regularity is taken to the limit in this slender apartment tower by the Uruguayan Rafael Viñoly.

La regularidad se lleva al límite en esta esbelta torre residencial diseñada por el uruguayo Rafael Viñoly.

Referente internacional en el mundo del arte moderno, el MoMA de Nueva York ocupa un edificio de Yoshio Taniguchi. A key international venue of modern art, the MoMA is located in a building designed by Yoshio Taniguchi.

American Art Whitney Museum

Residential High-Rise 56 Leonard Street

Diseñado por Renzo Piano, el Museo Whitney conecta su recorrido con el eje peatonal de la High Line.

On Leonard Street, the Swiss Herzog & de Meuron have built a residential tower conceived as a stack of individual rooms that, arranged in a staggered fashion, seem to dissolve as they rise up to the sky.

En la calle Leonard Street, los suizos Herzog & de Meuron han construido una torre residencial concebida como un apilamiento de habitaciones, que se escalonan para difuminarse hacia el cielo.

The transformation of an abandoned elevated railroad into a public park, developed by Diller Scofidio + Renfro, has turned this old infrastructure into one of the most popular destinations in the city.

Elevated Park High Line

La transformación de una antigua vía de ferrocarril elevada en un parque peatonal, impulsada por Diller Scofidio + Renfro, ha convertido esta antigua infraestructura en uno de los paseos urbanos más populares de la ciudad.

Memorial World Trade Center

Tras los ataques terroristas del 11-S, el World Trade Center ha sido reconstruido con cinco nuevos rascacielos, un memorial proyectado por Snøhetta y una terminal de transporte diseñada por Calatrava. After the 9/11 terrorist attacks, the World Trade Center has been rebuilt with five new skyscrapers, a memorial by the Norwegian office Snøhetta, and a transportation hub designed by Calatrava.

C 11 73

Shopping Prada Epicenter En la tienda Prada Epicenter de Nueva York —diseñada por OMA—, el suelo se curva para crear unas gradas frente a un escenario, generando un espacio experimental que va más allá de la boutique convencional.

source: prada.com

At the Prada Epicenter New York – designed by OMA/Rem Koolhaas –, the floor curves and is transformed into stands in front of a stage, creating an experimental space that goes beyond the conventional boutique.

Experimental Forum Storefront

Storefront se concibe como un lugar de encuentro y reflexión en torno al arte, la arquitectura, el territorio y la sociedad. The Storefront is a center for the promotion of innovative ideas around art, architecture, territories, and society.

Walter De Maria’s The New York Earth Room at the Dia Art Foundation contains 197 cubic meters of earth.

Shopping Valentino Store

74 C 11

Diseñada por David Chipperfield, la tienda para Valentino lleva al límite las posibilidades del terrazo. Designed by David Chipperfield, the Valentino flagship store exploits the possibilities of terrazzo.

Art Installation The Earth Room

197 metros cúbicos de tierra forman la instalación Earth Room creada por Walter De Maria en la fundación Dia.

Modern Sculpture The Noguchi Museum

El museo de Isamu Noguchi expone de forma delicada e íntima el legado artístico del escultor. The museum of Isamu Noguchi delicately displays the sculptor’s artistic legacy.

Food Court Chelsea Market

Shopping Melissa Shoes

The Melissa plastic shoes store in the SoHo district stands out for its psychedelic atmosphere.

source: tripadvisor.es

Junto a la High Line, el mercado Chelsea cuenta con más de treinta puestos de tiendas y restaurantes.

En el barrio del SoHo, la tienda Melissa de zapatos de plástico sorprende por su ambientación.

Located by the High Line, the Chelsea Market has more than thirty shops and restaurants.

The Standard Hotel rooftop bar is a fine place to have a drink and enjoy panoramic views of Manhattan.

Eating Out Grimaldi’s Pizzeria

Grimaldi’s pizzerias are famous for baking their pizzas, since 1905, in coal-fired brick ovens.

Las pizzerías Grimaldi son famosas por utilizar hornos cerámicos alimentados con carbón.

source: xpressionstudio.es

source: Grimaldis NYC / Website

Eating out Standard Hotel

La terraza del hotel Standard permite tomar algo y disfrutar de vistas privilegiadas de Manhattan.

30 Nature Central Park

En el centro de la densa trama urbana de torres y rascacielos de Manhattan, surge Central Park como un oasis verde (de 4.000 por 800 metros) donde los neoyorquinos pueden alejarse de la caótica vida en la ciudad. Central Park spreads in the middle of the dense urban mesh of towers and skyscrapers of Manhattan, a green oasis (of 4,000 x 800 meters) where Newyorkers can take a break from the busy city life.

C 11 75

Manhattan 01. Ferry to Staten Island 4 Whitehall St siferry.com

02. Times Square Junction of Broadway and 7th Ave timessquarenyc.org

03. Rooftops 04. Brooklyn Bridge 05. Rockefeller Center 45 Rockefeller Plaza rockefellercenter.com Top of the rock: Entrance on 50th St 8am-11pm Daily

06. Flatiron Building 175 5th Ave

07. Wall Street 11 Wall St +1 212-656-3000

08. Empire State Building 350 5th Ave esbnyc.com

76 C 11

09. Grand Central 89 E 42nd St

10. The Met 1000 5th Ave metmuseum.org

11. Guggenheim Museum 1071 5th Ave guggenheim.org 10am-5:45pm Fri-Mon

12. Seagram Building 375 Park Ave

13. VIA 57 West 625 W 57th St via57west.com

14. New Museum 235 Bowery 11am-6pm Tue-Sun newmuseum.org

Localización y datos prácticos Location and useful information 17. Whitney Museum 99 Gansevoort St 10:30pm-6pm Wed-Mon +1 212-570-3600 whitney.org

18. 56 Leonard Street +1 212-965-1500 56leonardtribeca.com

19. High Line From Gansevoort St to West 34th St thehighline.org 7am-10pm Daily

20. World Trade Center One World Observatory: 285 Fulton St Memorial: 180 Greenwich Street

21. Prada Epicenter

15. 432 Park Avenue

575 Broadway +1 212-334-8888

16. MoMA New York

22. Storefront

11 W 53rd St 10:30am-5:30pm Daily moma.org

97 Kenmare St storefrontnews.org 11am-6pm Tue-Sat

23. The Earth Room 141 Wooster St diaart.org

24. Valentino Store 693 5th Ave +1 212-355-5811

25. The Noguchi Museum 9-01 33rd Rd, Queens noguchi.org

26. Chelsea Market 75 9th Avenue chelseamarket.com

27. Melissa Shoes 500 Broadway, NY 10012 melissa.com

28. Standard Hotel 848 Washington St +1 212-645-7600

29. Grimaldi’s Pizzeria 656 6th Ave +1 646-484-5665

30. Central Park

11 10 30

16 02

24 12

19 08

21 27

20 07

C 11 77

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