Revista catálogo CINEFEST 2016

11 al 27 de octubre

Cinemas Villamorra y Subsedes

REVISTA CATĂ LOGO

2

PRESENTADOR

PATROCINANTES

AUSPICIANTES

4

5

Declarado de Interés Turístico Nacional por Resolución Nº 982/16

Índice www.cinefestpy.org Asunción - Paraguay

6

MISIONES DIPLOMÁTICAS AUSPICIANTES

7

MENSAJES

9

SELECCIÓN LARGOMETRAJES DE TODAS LAS SECCIONES

11

SELECCIÓN CORTOMETRAJES DE TODAS LAS SECCIONES

13

SECCIÓN OFICIAL LARGOMETRAJES - Candidatas Premio Panambí

27

SECCIÓN EXHIBICIONES ESPECIALES

30

NOTA PERIODÍSTICA Félix Monti

33

PREMIO PANAMBÍ HONORÍFICO

35

SECCIÓN PROMOCIÓN DEL CINE PARAGUAYO Distinción al Estreno de una Película Paraguaya - Estreno de Cortos Paraguayos - Noche del Video Clip Paraguayo Ta’anga Pu La Recuperación de un Tesoro Olvidado

41

SECCIÓN MÁS ALLÁ DE LA GUERRA

43

NOTA PERIODÍSTICA Imaginando una guerra

47

SECCIÓN DEL ASOMBRO A LO OSCURO

49

SECCIÓN ARTE Y CULTURA

55

SECCIÓN CORTOMETRAJES Y ANIMACIÓN

58

ACTIVIDADES DE FORMACIÓN Y EVENTOS- 13º FORO CINE DEL MERCOSUR

60

PÁGINAS DEL RECUERDO

62

EQUIPO DE ORGANIZACIÓN - AGRADECIMIENTOS

6 MISIONES DIPLOMÁTICAS AUSPICIANTES

ESTADO PLURINACIONAL DE BOLIVIA

ARGENTINA IRLANDA

18 19

20

16

Mensajes

7

Mensaje de la Municipalidad de Asunción Es para nosotros un orgullo presentar el 25 Festival Internacional de Cine de Paraguay. El cine es imagen, es espejo, es entretenimiento, conocimiento y cultura. Vivimos hoy un crecimiento importante de la producción cinematográfica paraguaya, y esa evolución no es casualidad, ni suerte, ni destino; es la construcción de un proceso de muchos actores que, desde hace décadas, vienen bregando por ese sueño. En este sentido, este Festival es la celebración de un legado.

El 25 Festival Internacional de Cine es una ventana que nos permite mirar hoy hacia una historia, un aporte al desarrollo de este arte que es también industria. Es,asimismo, el capítulo abierto hacia la continuidad de esa fuerza sostenida, que se abre para ver el cine internacional, actualizar el panorama de nuestra creciente cinematografía paraguaya, y también para seguir ampliando el diálogo de nuestros creadores audiovisuales, para mostrarnos y pensarnos como ciudad, como cultura, como singularidad en el vertiginoso mundo de las imágenes y los sonidos.

Bienvenidos todos y todas a esta cita anual con el cine, a esta fiesta que alimenta la fuerza y el entusiasmo de nuestros cineastas, para fortalecernos como público, para apropiarnos de los variados espacios y formatos de proyección que se abren en nuestra ciudad. Bienvenidos al encuentro con la magia del cine y las distintas formas de representar universos. Bienvenidos al Festival que cumple 25 años en su casa, la ciudad de Asunción, que lo celebra y lo abraza con esperanzas y con alegría. ¡Muchas gracias!

Una Fiesta Plateada para Asunción

Intendente Mario Ferreiro

POR LA LEY DE FOMENTO DEL AUDIOVISUAL PARAGUAYO 2016

Siempre pensamos que Asunción se merecía esta fiesta internacional y que era necesaria para propulsar el cine paraguayo, porque poco futuro tendría éste en una comunidad sin cultura cinematográfica. Así como un país de lectores produce grandes escritores, la formación del público es el eslabón final que cierra la cadena de la industria cinematográfica. Y así como los festivales de cine son lugares privilegiados, éste también lo es, porque es un lugar de riesgos, de conocimientos, misterios, encantos y sorpresas, de encuentros y descubrimientos, de entretenimiento, magia, asombro y reflexión. Porque el cine sigue siendo el espejo luminoso en el que más intensamente se nos ve y nos miramos, el que construye identidades e imaginarios, el que interpreta con mayor fuerza expresiva nuestro mundo, nuestro contexto y nos comunica con impacto inigualable.

Es sólo un hecho: el más constante y antiguo emprendimiento cultural internacional de Asunción cumple 25 años. Con luces y sombras, esta edad habla por sí sola. Es la acción cultural y educativa más larga, constante y coherente que se registra en nuestra historia. Conducida y ejecutada desde la sociedad civil, es admirada en el exterior, como apreciada y esperada por miles de espectadores locales. Parece pomposo, pero es justo que se reconozca como una proeza ciudadana en un país que carece de un instituto estatal de cinematografía y que aporta año a año a la instauración de políticas públicas y el fortalecimiento del sector.

El compromiso de la Administración Mario Ferreiro hace realidad este aniversario y nos permite la expectativa de cumplir unos años más, mientras la nueva asociación con la empresa Filmagic, el renovado interés del Shopping Villamorra, el continuo apoyo de Cinemas Villamorra, como también de tantas empresas y personas amigas, nos permite celebrar con orgullo. Porque este Festival es sinónimo de Historia -el 10% de la Historia de la Rca. del Paraguay-, porque es la pantalla más prestigiosa del mejor cine del mundo en nuestra ciudad, porque enaltece un gran momento del cine nacional -con un Proyecto de Ley más que nunca cercano a hacerse realidad- y porque realza nuestro cine, el de ayer, de hoy y del futuro.

Al conmemorar los 150 Años de la Guerra contra la Triple Alianza, el Festival reúne miradas varias sobre el flagelo de la guerra, con sentido humanista y crítico. Así, el tema de Cine e Historia coincide con esta edición que motiva una mirada a su propia historia.

La presentación de esta edición es un orgullo: Irlanda como País Invitado de Honor, las doce embajadas auspiciantes de sus cinematografías, el patrocinio del Banco Sudameris, los 41 largometrajes que nos acercan a la mejor producción autoral de la actualidad y a la diversidad de 30 países (por primera vez Costa Rica, Estonia, Georgia y Emiratos Árabes), Félix Monti como invitado de lujo entre otros notables profesionales de la región, la sólida presencia del cine paraguayo, las nuevas secciones para público más diverso, los cortometrajes sorprendentes, las actividades de formación, la publicación del libro “La Sangre y la Semilla: Un Tesoro Recuperado”, el 13º Foro Cine del Mercosur, la Declaración de Interés Turístico Nacional, la oportunidad de prestigiar a nuestra ciudad en la región y el mundo…en fin, todo lo que hace este Aniversario de Plata es una bendición de Dios y un compromiso mayor.

Gracias a todos los que sumaron, los que creyeron en este sueño iniciado en 1990, los que nos ayudaron a hacerlo realidad. El orgullo debe ser también de Uds, porque este trayecto lo fuimos construyendo juntos, paso a paso, año a año, como se construyen las historias y la Historia.

Para la Ciudad de Asunción, nuestra ciudad, en vísperas de sus 480 años, va dedicado este Aniversario de Plata, con la certeza siempre presente que contribuimos a formar mejores espectadores y, por qué no, mejores ciudadanos. ¡Que lo disfruten muchos y más que nunca!

Hugo Gamarra Etcheverry Fundador / Director

8

Selección Largometrajes PELÍCULAS

PAÍS

CALIFICACIÓN

SECCIÓN

1

1916: LA REBELIÓN IRLANDESA

Irlanda / EE.UU.

ATP

EXH ESP - A y C

2

A LA SOMBRA DE LAS MUJERES

Francia

M12

SO

3

AL FINAL DEL TÚNEL

Argentina / España

M12

EXH ESP

4

AMAMA

España

M12

SO

5

ANOMALISA

EE.UU.

M15

SO

6

BOQUERÓN

Bolivia

ATP

SO - GUERRA - A y C

7

CAPTAIN FANTASTIC

EE.UU.

ATP

EXH ESP

8

CENIZAS DEL PASADO

EE.UU.

M15

AO

9

CONTRA PARAGUAY

Argentina

ATP

GUERRA - A y C

10

DOS AGUAS

Costa Rica / Colombia

ATP

SO

11

EJECICIOS DE LA MEMORIA

Paraguay / Argentina / Francia / Alemania

12

EL ABRAZO DE LA SERPIENTE

Colombia / Venezuela / Argentina

M12

EXH ESP - PCP - A y C SO - A y C

13

EL ALMA

Rca. de China (Taiwán)

M15

SO - AO

14

ÉL ME NOMBRÓ MALALA

EE.UU.

ATP

EXH ESP - A y C

15

ELIZA LYNCH: REINA DE PARAGUAY

Irlanda

ATP

EXH ESP - A y C

16

FRANCOFONIA

Francia / Alemania / Holanda

ATP

EXH ESP

17

GETT: EL DIVORCIO DE VIVIANE AMSALEM

Israel / Francia / Alemania

ATP

SO - A y C

18

GLORIA

Chile / España

M15

SO

19

GUERRA DO BRASIL

Brasil

ATP

GUERRA - A y C

20

JUAN DE LOS MUERTOS

España / Cuba

M12

AO

21

JUVENTUD

Italia / Francia / Reino Unido / Suiza

M15

SO

22

LA ACUSACIÓN

India

ATP

SO - A y C

23

LA MÁQUINA QUE HACE ESTRELLAS

Argentina

ATP

AyC

24

LA NIÑA DE LOS TACONES AMARILLOS

Argentina

M15

SO - A y C

25

LA SANGRE Y LA SEMILLA

Paraguay / Argentina

ATP

PCP - GUERRA - A y C

26

LA ÚLTIMA TIERRA

Paraguay / Holanda / Chile / Catar

ATP

EXH ESP - PCP

27

MANDARINAS

Estonia / Georgia

ATP

SO - GUERRA - A y C

28

MIL VECES BUENAS NOCHES

Noruega / Irlanda

M12

SO - GUERRA - A y C

29

MIS HIJOS

Israel / Alemania / Francia

M12

SO - A y C

30

MUSTANG

Francia / Turquía / Alemania

M12

SO - A y C

31

NADIE SE SALVA SOLO

Italia

M15

SO

32

OMAR

Palestina

M12

SO - GUERRA

33

REX

Argentina

M18

EXH ESP

34

SELKIRK, EL VERDADERO ROBINSON CRUSOE

Uruguay / Argentina / Chile

ATP

AyC

35

SI DIOS QUIERE

Italia

M12

SO

36

SIN HIJOS

España / Argentina

ATP

SO SO - GUERRA - A y C

37

SOLDADO ARGENTINO SOLO CONOCIDO POR DIOS

Argentina

ATP

38

TIEMPO DE REVELACIONES

Francia / Bélgica

M18

SO

39

UNA SEGUNDA MADRE

Brasil

M15

SO - A y C

40

VICTORIA

Alemania

M15

SO

41

YO, ÉL Y RAQUEL

EE.UU.

ATP

SO - A y C

El Festival sugiere al público atención a las calificaciones que ofrece de cada película.

M12, M15 y M18: Para mayores de la edad indicada.

ATP: Apta para todo público.

9

SECCIONES SO: Sección Oficial Largometrajes - Candidatas al Premio Panambí Mejor Película Voto del Público ver página 13 AO: Sección del Asombro a lo Oscuro ver página 47 EXH ESP: Exhibiciones Especiales ver página 27 PCP: Sección Promoción del Cine Paraguayo ver página 35

GUERRA: Sección Más Allá de la Guerra ver página 41 A y C: Sección Arte y Cultura ver página 49. Recomendado por su valor educativo y cultural para niveles escolar, colegial o universitario (ver calificaciones de edad) OTRAS SECCIONES Y ACTIVIDADES: ver Índice página 5

10

Si Hollywood puede, vos tambiĂŠn.

chacofilms@gmail.com

www.chacofilms.com

Bruselas 2865 +595 213262815 AsunciĂłn - Paraguay

Selección Cortometrajes

11

PELÍCULAS

PAÍS

SECCIÓN

1

A TODAS MENOS A MÍ

Argentina

SCyA

2

ABOUT A MOTHER

Rusia

SCyA

17

LA HISTORIA DE UN OSO

Chile

SCyA

3

ACABO DE TENER UN SUEÑO

España

SCyA

18

LILA

España / Argentina

SCyA

4

AMOR DE TEMPORADA

Costa Rica

SCyA

19

MARCAS EN EL AGUA

Paraguay

PCP

5

CATALINA Y EL SOL

Argentina / Alemania / Francia

20

NACIMIENTO DE KUÑA

Paraguay / Argentina

PCP

6

DE MESMER CON AMOR, O TÉ PARA DOS

México

SCyA

21

PY'A GUASU

Paraguay

PCP

7

DIRTY FRIDAY

España

S C y A - AO

22

QUIMERA

Paraguay

PCP

23

TAXIMETRÍA

Paraguay

PCP

8

DOÑA UBENZA

Argentina

AyC

24

TODOS LOS VERANOS

Argentina

AyC

9

EL INSOMNIO DEL ARTISTA

Argentina

SCyA

25

VOVÓ TÁ NA COZINHA

Brasil

AyC

10

EL TAMBOR Y LA SOMBRA

Argentina / Perú

26

YVYPORA

Paraguay

PCP

11

ERROR 404

Argentina

SCyA

12

I AM SAMI

Reino unido / Irak

SCyA

27

ZOMBIES

Argentina

S C y A - AO

13

KURUSU REBELDE

Paraguay

PCP

14

KURUSU SERAPIO

Paraguay

PCP

15

LA CANOA DE ULISES

Argentina

SCyA

16

LA CULPA, PROBABLEMENTE

Venezuela

SCyA

AyC

S C y A - AO

SECCIONES S C y A: Sección Cortometrajes y Animación AO: Sección del Asombro a lo Oscuro ver página 47 A y C: Sección Arte y Cultura ver páginas 49. Recomendado por su valor educativo y cultural para niveles escolar, colegial o universitario (ver calificaciones de edad) PCP: Promoción del Cine Paraguayo

12

Sección Oficial de

13

Largometrajes Selección internacional de estrenos en Paraguay para el PANAMBÍ MEJOR PELÍCULA VOTO DEL PÚBLICO concedido a las películas en los tres primeros puestos de la votación popular El fundador y director del Festival, Hugo Gamarra E., recuerda que en la víspera de la primera edición del Festival (1990), deseaba que el Premio sea representativo del Paraguay y a la vez del arte visual cinético, por lo que tuvo en mente un tradicional motivo de inspiración poética guaraní. Encomendó su creación al artista Hugo Pistilli, tanto por admirar la maravillosa calidad de su obra como de su persona. Cuando el director recibió contento el primer ejemplar escribió: “La forma del celuloide que sube del rollo de película y se convierte en una mariposa es un símbolo ideal del producto cultural cinematográfico; crisálida de belleza y ensueño que anuncia el vuelo simbólico del cine, capaz de encantar los ojos, las mentes y los corazones del público.”

Y fue así como esta mariposa paraguaya trascendió la imaginación popular de nuestra tierra para volar por el exterior con su anhelo de comunión y cooperación, de paz y amor, recordándonos quizás la efemeridad de la vida… la verdadera misión de nuestro ser y de nuestros pueblos latinoamericanos. O como lo dijera nuestro poeta Manuel Ortiz Guerrero en mística evocación guaraní:

Panambí, nde ichaguá Tupá rymbá pypo oimé iporava, Rese yvytúndie che ivotytyre nde sarakí, Remimbivero co che resape remimbipava, Tove mba’ena nde rapycueri ta ñejhundí.

Juan Pablo Pistilli confecciona hoy el Panambí, creado por su padre Hugo Pistilli.

A LA SOMBRA DE LAS MUJERES (L´ombre des femmes) Francia 2015 – Blanco y Negro 73 min.

Dirección: Philippe Garrel Guión: Jean-Claude Carrière, Caroline Deruas-Garrel, Arlette Langmann y Philippe Garrel Producción: Saïd Ben Saïd, Joëlle Bertossa, Rémi Burah y Olivier Père Música: Jean-Louis Aubert Fotografía: Renato Berta Montaje: François Gédigier Diseño de arte: Emmanuel de Chauvigny Con: Clotilde Courau, Stanislas Merhar, Lena Paugam, Vimala Pons, Antoinette Moya, Jean Pommier, Thérèse Quentin y otros.

Premios: Mejor Actriz en el Festival Europeo de Sevilla 2015; Película de Apertura en la Sección Quincena de Realizadores en el Festival de Cannes 2015; Mejor Película en el Festival Panorama del Cine Europeo; entre otros.

Con Auspicio de la Embajada de Francia

15

Pierre y Manon son una pareja en Paris que se dedican con gusto a la realización de documentales de muy bajo presupuesto y aceptan trabajos temporales para sobrevivir. Un día Pierre conoce a Elizabeth, una joven becaria en la cinemateca, con quien inicia una relación amorosa. El triángulo amoroso se complica de a poco, cuando Elizabeth descubre que Manon también tiene un amante, y gira alrededor del ejercicio narrativo de documentales, ya que en paralelo a los cruces pasionales se suceden memorias de traiciones y hazañas de la Resistencia Francesa durante la Segunda Guerra Mundial.

Con Auspicio de la Embajada de España y el CCEJS

AMAMA España 2015 – Color 103 min.

Dirección y Guión: Asier Altuna Producción: Marian Fernández Fotografía: Javi Aguirre Montaje: Lauren Dufreche Con: Nagore Aranburu, Amparo Badiola, Klara Badiola, Iraia Elias, Ander Lipus, Kandido Uranga, Manu Uranga y otros.

Premio Mejor Película Vasca en el Festival de Cine de San Sebastián; Premio del Jurado de la Juventud en el Festival de Cine de Nantes; Nominada al Premio Goya Mejor Actriz Revelación de España 2015; entre otros.

El veterano cineasta, fiel heredero de la Nueva Ola Francesa y admirador del romanticismo humanista de Truffaut, ofrece una deliciosa película –propiamente francesa– con una estructura simple y un puñado de personajes, sus relaciones íntimas, incertidumbres, infidelidades, pasiones y celos, con una fotografía blanco y negro que contribuye una sensación de drama y melancolía. Aun así, hay luminosidad y humor en esta historia pequeña de resonancia universal. Las interpretaciones son excelentes, principalmente la de Clotilde Courau como una Manon llena de matices, misterios y sorpresas; y todo fluye de una manera ágil, entre breves situaciones, gestos, rostros y diálogos, envolviéndonos en un relato que nos involucra, que nos exige elegir partido en los vínculos cotidianos y percibir la dificultad de tomar decisiones ante el amor.

En el ambiente rural vasco, la lógica de los valores familiares ha permanecido estática durante generaciones. El clan familiar, el terruño profundo, la herencia milenaria, la responsabilidad atávica, pesan como cadenas para Amaia, quien vive en carne propia el conflicto entre lo urbano y lo rural, el pasado y el presente, lo masculino y lo femenino, padres e hijos, las costumbres ancestrales o la libertad. Ella encuentra una manera de hacer frente a esos mundos opuestos que la habitan a través de las artes visuales, pero para encontrar su propio camino vital debe enfrentar a su padre y convivir con el legado de sus predecesores. Mientras las raíces de lo antiguo se deshacen y surge una nueva forma de vida, la abuela (amama) observa en silencio, desde una dimensión casi mitológica, cómo el mundo cambia.

Una historia familiar y universal de fuerza arrolladora. Desde la primera escena se plantea el terreno de la metáfora; que gana fuerza poética y orgánica con la búsqueda artística de Amaia en la fotografía y el video-arte, cauces para la reflexión del conflicto central. El ejercicio estilístico sugiere que para seguir nuestro propio camino debemos conservar el nexo con nuestras raíces, aquellas que nos han empujado a iniciar el viaje. Con lance, genio y lirismo el autor plantea una sinfonía de fuerzas opuestas en un juego semántico de potentes imágenes, más allá del relato convencional, extendiendo su discurso hacia otros temas: el rol de la mujer, la fuerza de la naturaleza y la incomunicación generacional. Una de esas películas que permanecen en el imaginario mucho tiempo después de la función.

ANOMALISA EE.UU. 2015 – Color 90 min.

Dirección: Charlie Kaufman y Duke Johnson Guión: Charlie Kaufman Con las voces de: David Thewlis, Jennifer Jason Leigh y Tom Noonan Animación Gran Premio del Jurado en el Festival de Venecia 2015; Mejor Director en el Festival de Cine Fantástico de Austin 2015; Mejor Película del Año por la Asociación de Críticos de Boston; Mejor Película Animada del Año por la Asociación de Críticos de San Francisco, San Diego, Los Ángeles y Boston; Premio a la Creatividad en el Festival de Palm Springs; Nominada al Oscar y al Globo de Oro Mejor Película de Animación 2016; entre otros.

Michael Stone es un célebre gurú en temas motivacionales y autor de libros con fines empresariales, quien llega a un hotel en Cincinnati para dar una conferencia a empleados que trabajan en servicio al cliente. A pesar del afecto de su familia y su éxito profesional, vive en un vacío existencial profundo. Sufre el síndrome de Fregoli, un trastorno psicológico que le induce escuchar a todas las personas como si tuvieran la misma voz, de manera que todos resultan ser una sola y misma persona para él.

Pero esa noche ocurrirá un milagro: escuchará la voz de Lisa, una mujer insegura y con sus propios conflictos que lo idolatra, que podría ser el amor de su vida. Mientras se anima a la aventura romántica y sexual, la experiencia se irá tornando dolorosa y pesadillesca.

El autor de Confesiones de una mente peligrosa y Eterno resplandor de una mente sin recuerdos es famoso en el mundo cinéfilo por explorar -sin reducirse a la narración clásica- lo que sucede en la mente humana y su relación con el mundo exterior. Ha vuelto (en total autonomía de producción) con una historia chiquita, sin complejidad narrativa pero con una puesta en escena de realidad e irrealidad a la vez. Porque los personajes son muñecos (en técnica cuadro a cuadro) que se comportan, sienten y viven en una profunda introspección muy humana. Esta extraordinaria película ofrece una experiencia tan extraña como fascinante, de una belleza, un lirismo, un humor y una capacidad de sugestión que el cine animado (aún el cine a secas) pocas veces suele conseguir. Imperdible.

BOQUERÓN

Con Auspicio de la Embajada de Bolivia

16

Bolivia - Color 91 min.

Dirección y Guión: Tonchy Antezana Producción: Nayra Antezana Fotografía: Tonchy Antezana Montaje: Tonchy Antezana y Bismar Chavez Dirección de Arte: Cecilia Matienzo Música: Huáscar Bolívar con la interpretación de la Filarmónica de Cochabamba dirigida por Augusto Guzmán Con: Alejandro Loayza, Mamani Elmer, Elmer Mamani, Sergio Grajeda, Luis Alberto Aranibar, Hugo Rosso, Nelson Arnez, Horst Brun, Juan Carlos Cossio y otros.

Premio Mejor Guión Fedam-Petrobras en el Festival de Cine Iberoamericano de Santa Cruz 2006; entre otras distinciones.

DOS AGUAS Costa Rica / Colombia 2014 Color 73 min.

Dirección y Guión: Patricia Velásquez Producción: Patricia Velásquez y Gustavo Pazmín Fotografía: Gustavo Brenes Montaje: Patricia Velásquez Dirección de Arte: Olga Madrigal Música: Oscar Herrera Con: Ismael Brown, André Devoto, César Maurel, Ariel Arguedas, Gladys Alzate y otros.

Distinción: nominada al Premio Mejor Película en el Festival Internacional de Miami; entre otros.

Setiembre 1932: cuatro soldados bolivianos de diversas clases sociales y regiones están atrapados en el fortín Boquerón. Poco más de 600 soldados comandados por Manuel Marzana resisten durante 23 días el implacable cerco de 12.000 soldados paraguayos. En su vivencia dolorosa se entretejen los recuerdos de esos seres queridos que dejaron en campos y ciudades al venir al frente. Casi muertos de hambre y sed, sin municiones, los 240 sobrevivientes se entregan al ejército paraguayo. Cuando los prisioneros llegan a Asunción son recibidos como héroes por el pueblo paraguayo, mientras se inicia la guerra más sangrienta de la historia sudamericana entre los países más pobres del continente.

A 84 años de aquel episodio histórico, esta película aporta un imaginario de pantalla grande a la memoria colectiva de bolivianos y paraguayos, a contracorriente de prejuicios y patriotismos. Porque su enfoque es eminentemente humanista, no histórico ni nacionalista, y pone por primera vez en valor, desde la ficción, la historia oral y literaria sobre la Guerra del Chaco (1932-35). Aun cuando el tema resulta muy grande y genera tales expectativas que no pueden ser cumplidas, esta obra cinematográfica se vuelve imprescindible para la necesidad imaginaria de las nuevas generaciones. Hablado en castellano, guaraní y aymará, filmado en locaciones de Bolivia y el Chaco paraguayo, la ambiciosa producción -que llevó muchos años y se logró gracias al esfuerzo de la familia del director-productor, de sus amigos y de pequeños auspicios privados y públicos-, es también el triunfo del cine, más precisamente del cine boliviano, para dejar un profundo testimonio y reflexión sobre la inutilidad humana de esa guerra y aun de cualquier guerra.

Con Auspicio de la Embajada de Costa Rica

En la hermosa costa atlántica de Costa Rica, con una comunidad de pescadores de raíces étnicas africana e inglesa, un factor constante de peligro constituye el tráfico de drogas que utiliza estas aguas para su estrategia de suministro. Tal es así que el título de la película se refiere al fenómeno natural que se da en el Caribe, donde dos corrientes marinas se unen, el que es aprovechado por los traficantes, ya que todo lo que se tira allí permanece flotando. Uno de los lugareños es un joven jugador de fútbol, animado en su ambición por su hermano mayor, quien a su vez tiene deudas pendientes con unos matones. Otro personaje es Bazin, un francés que busca consuelo en uno de los hospedajes ecológicos de la zona y guarda una valija llena de dinero debajo de su cama. La comuna se altera cuando el extranjero y su maleta desaparecen en el océano.

Esta opera prima de la cineasta Patricia Velásquez es exótica por su vuelo experimental en lo narrativo y por su particular expresividad audiovisual naturalista. Personajes y trama son mínimos y fragmentados. La Naturaleza ocupa el papel protagónico y se impone exuberante en su belleza a través de la excelente fotografía que se despliega desde los planos en detalle hasta las panorámicas aéreas, apuntada por la sugestiva banda sonora. Hay un espíritu sutilmente telúrico en el ritmo suave del montaje, en la poética del paisaje y su vínculo con los humanos. El placer estético que propone este filme está en dejarse llevar por la comunión entre la música y las imágenes hasta terminar seducido por la abrumadora naturaleza caribeña.

Con Auspicio de la Embajada de Colombia

EL ABRAZO DE LA SERPIENTE Colombia / Venezuela / Argentina 2015 Color 125 min.

Dirección: Ciro Guerra Guión: Jacques Toulemonde y Ciro Guerra Producción: Raúl Bravo, Marcelo Cespedes, Cristina Gallego y Esteban Mentasti Fotografía: David Gallego Montaje: Etienne Boussac Dirección de Arte: Angélica Perea Música: Nascuy Linares Con: Brionne Davis, Nilbio Torres, Antonio Bolívar, Jan Bijvoet, Nicolás Cancino, Yauenkü Migue, Luigi Sciamanna y otros.

Premios Platino del Cine Iberoamericano 2016 a Mejor Película, Director, Fotografía, Montaje, Música, Dirección de Arte y Sonido; Mejor Película en el Festival de Mar del Plata, Montreal, Lima, India y Costa Rica 2015; Premio del Público en el 53º Festival Internacional de Cine de Cartagena; Premio Ariel Mejor Película Latinoamericana por la Academia de Cine de México 2016; premios varios en el Festival de Cannes, Sundance, Rotterdam y Palm Springs; entre otros.

EL ALMA Rca. de China (Taiwán) 2013 Color 111 min.

Dirección y Guión: Mong-Hong Chung Producción: Shao-chien Tseng y Ju Feng Yeh Fotografía: Mong-Hong Chung Montaje: Shih-Ching Lo Diseño de arte: Shih-hao Chao Con: Yu Wang, Hsiao-chuan Chang, Shiang-chyi Chen, Shih-Chieh Chin, Leon Dai, Vincent Liang, Na-Dou Lin, Pong Fong Wu y otros.

Premios: Mejor Película, Actor, Música y Fotografía en el Festival Internacional de Taipei 2013; Premiado por Efectos Sonoros y Nominado a Mejor Director, Actor, Fotografía y Dirección de Arte en el Festival Caballo Dorado del Cine Asiático 2013; Segundo Premio del Público en el Festival Internacional de Chicago; entre otros.

17

El joven chamán Karamakate socorre al etnobotánico Theodor Koch-Grunberg buscando la yakruna, una milagrosa planta de la que solamente él conoce sus secretos y podría salvar la vida del alemán. Décadas después, el curandero ya mayor, último sobreviviente de su tribu, sirve de guía al biólogo norteamericano Richard Evans Schultes, interesado por esa planta que el alemán había descripto en su libro. Los dos tiempos van entrelazándose durante el relato en un viaje al corazón del Amazonas que nos recuerda El corazón de las tinieblas de Conrad. Aunque basada en los diarios y las fotografías de los científicos exploradores, el filme presenta el punto

de vista indígena (el que no suele tener espacio en el cine) usando incluso su idioma en los diálogos; y preservando personajes como los guerreros payés, que hoy ya no existen.

Película prodigiosa tanto en términos de producción (el financiamiento demoró años y sus riesgos fueron superlativos) como de logros, llegando a convertirse en un hito del nuevo cine latinoamericano, con inédita repercusión internacional (desde Cannes hasta el Oscar) estrictamente por sus méritos artísticos y su significación cultural. Las bellísimas imágenes registradas en Super 35 mm blanco y negro (que sólo puede ser apreciada en salas de cine) contribuyen a un relato épico de espíritu herzogiano (Aguirre, la ira de Dios) que se multiplica en sentidos y que con buena razón ha seducido a cientos de miles de espectadores. Exótica, hermosa, hipnótica, evocativa; una fascinante exploración sobre el choque de culturas y sobre el misterio, los secretos y la fuerza de la naturaleza salvaje.

Con el Auspicio de la Embajada de Rca. de China (Taiwán) A-Chuan, un joven que trabaja como cocinero en un restaurante, se desploma súbitamente y cae en una especie de coma en vigilia, completamente mudo. Los médicos expresan su desconcierto y aprueban que sea llevado junto a su padre en una granja aislada y elevada en medio de una selva montañosa. Y así empieza el viaje en este drama psicológico e inclusive sobrenatural.

Cuando el padre vuelve un día del trabajo lo encuentra sentado al lado del cadáver ensangrentado de su hermana. Con una voz desconocida, extrañamente tranquilo, A- Chuan le dice: “Vi que este cuerpo estaba vacío, así que lo ocupé.”

Desde los primeros instantes, esta película fascinante y perturbadora atrapa con sus planos rigurosos, fotografía sugerente y su montaje aparentemente errático, aproximándonos a algunas nociones chinas sobre el mundo de los espíritus. Misterio, asombro, sorpresa y suspenso entrelazan un relato de ribetes metafísicos y tenebrosos. Es una película que se asemeja a un sueño, de imágenes bellas y sorprendentes, de

ambientes ligeramente surrealistas, de una atmósfera de tensión constante, de ritmo lento pero nunca aburrido, con actuaciones sutiles y una banda sonora que funciona a la perfección con el entorno amenazante e impredecible. Es un viaje hacia el lado oscuro del ser humano, que demanda participación y debe ser apreciada definitivamente en una sala de cine. Una experiencia cinematográfica muy rica para los sentidos y que bien podría permanecer por mucho tiempo en la mente del espectador.

GETT: EL DIVORCIO DE VIVIAN AMSALEM (Gett) Israel / Francia / Alemania 2014 Color 115 min.

Dirección y Guión: Ronit Elkabetz y Shlomi Elkabetz Producción: Sandrine Brauer, Denis Carot, Shlomi Elkabetz y Marie Masmonteil Fotografía: Jeanne Lapoirie Montaje: Joel Alexis Diseño de arte: Ehud Gutterman Con: Ronit Elkabetz, Simon Abkarian, Gabi Amrani, Dalia Beger, Shmil Ben Ari, Abraham Celektar, Rami Danon, Sasson Gabai y otros.

Premios: Mejor Película y Mejor Actor de Reparto por la Academia de Cine de Israel 2014; Premio del Público, Mejor Película y Mejor Actor en el Festival de Jerusalen 2014; Mejor Guión en el Festival Internacional de Chicago; Mejor Director en el Festival de Palm Springs; Nominada al Globo de Oro Mejor Película Extranjera; entre otros.

Éste es el caso de Viviane y Elisha: un extraordinario drama en una corte de justicia en Israel siglo 21. Tras 30 años casada, Viviane quiere divorciarse pero su marido quiere seguir siendo el dueño de ella. Como el “gett” (divorcio), según la estructura religiosa judía amparada por el Estado de Israel, sólo puede ser legitimado por rabinos y concedido con pleno consentimiento del esposo, Viviane sigue insistiendo y él sigue rechazando su deseo de separación. Un proceso largo, difícil y doloroso, con los procedimientos de la corte durante un período de cinco años, en el que Viviane y su abogado intentan convencer tanto al esposo como a los jueces, y en que los encuentros se vuelven cada

Con el Auspicio de la Embajada de Israel

vez más absurdos, porque exponen la posición subordinada de la mujer, el revanchismo del marido y el rol -entre pasivo y ambivalente- del mismo tribunal.

Protagonizada, escrita y dirigida por Ronit Elkabetz junto a su hermano Shlomi, es la última de una trilogía que dedicaron a la difícil emancipación de la mujer en la sociedad israelí. La narración cautiva de inmediato y a medida que crece sorprende por su precisión cinematográfica y concisión en la puesta en escena, con un fabuloso manejo de planos y contraplanos (los puntos de vista alternativos en relación a la cámara) y un naturalismo lleno de sutileza (de silencios y miradas).

Aunque sucede totalmente en interiores de un tribunal, consigue la proeza de construir un relato sumamente dinámico, irónicamente humorístico, con un clima de angustia controlada. Drama inquietante que compromete a la reflexión y ofrece finalmente un profundo retrato cultural y humano.

Con Auspicio de la Embajada de Chile

GLORIA

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Chile / España 2013 – Color 110 min.

Dirección: Sebastián Lelio Guión: Sebastián Lelio y Gonzalo Maza Fotografía: Benjamín Echazarreta Montaje: Sebastián Lelio y Soledad Salfate Diseño de arte: Marcela Uribi Con: Paulina García, Sergio Hernández, Diego Fontecilla, Fabiola Zamora, Luz Jiménez, Alejandro Goic, Liliana García y otros.

Premios: Mejor Actriz, Premio Ecuménico y de la Asociación Cine Arte de Alemania; Mejor Película en el Festival de La Habana y Bombay; Premios Platino para el Cine Iberoamericano Mejor Actriz, Mejor Director y Mejor Guión; Mejor Director y Mejor Actriz en el Festival de Lima; entre otros.

Exhibiendo algunas de las más notables virtudes del cine que se está produciendo en Chile y promovida por los muchos premios cosechados en varios lugares del mundo, esta película exhala luminosidad, naturalismo y una energía desbordante, principalmente gracias al singular carisma y la excelente interpretación de Paulina García. Ella encarna una mujer chilena casi sexagenaria, divorciada, de clase media acomodada, empleada de una empresa y madre de hijos adultos. La soledad de Gloria es de un inconformismo calmo: le gusta salir a bailar, conocer hombres y a veces tener relaciones sexuales, sin rendir cuentas a nadie. Una de esas noches conoce a Rodolfo, un poco mayor y también separado, pero con una relación complicada con su ex esposa y sus hijas. Gloria se ilusiona con un amor otoñal y pondrá a prueba su rebeldía para levantarse una y otra vez en el derrotero de la vida.

Una película inolvidable que celebra el vivir, que nos sumerge en la historia y el retrato humano haciendo gala de austeridad narrativa y de exacto equilibrio entre el melodrama y la comedia, rica de detalles y matices, de miradas y diálogos. Es también una metáfora de la sociedad chilena actual, por un lado ella, representando la corriente progresista, y por otro el tradicionalismo paralizante, simbolizado por el personaje de Rodolfo. Los y las espectadoras -sobretodo- encontrarán en Gloria una heroína de espíritu libre, de tenacidad y de coraje admirables.

JUVENTUD (Youth) Italia / Francia / Reino Unido / Suiza 2015 Color 124 min.

Dirección y Guión: Paolo Sorrentino Producción: Carlotta Calori y Francesca Cima Fotografía: Luca Bigazzi Montaje: Cristiano Travaglioli Dirección de Arte: Ludovica Ferrario Música: David Lang Con: Michael Caine, Harvey Keitel, Rachel Weisz, Paul Dano, Alex MacQueen, Jane Fonda, Roly Serrano, Ed Stoppard, Alex Macqueen, Madalina Diana Ghenea y otros.

Premios de la Academia de Cine Europeo 2016 a Mejor Película, Director y Actor (Michael Caine) entre otras nominaciones; Premio David de Donatello de la Academia de Cine de Italia 2016 a la Mejor Música y nominaciones a Mejor Director, Guión, Fotografía y otros; Mejor Director, Fotografía y Montaje por el Sindicato de Periodistas de Italia 2015; Premio del Público en el Festival Internacional de Karlovy Vary; entre otros.

En un lujoso hotel-spa suizo, en medio del prodigioso paisaje de los Alpes, se hospedan un encumbrado compositor retirado, su hija, su amigo, un veterano director de cine, y un actor joven pero consagrado.

Mientras los amigos recuerdan correrías y glorias, el primero sigue rechazando la invitación de la Reina de Inglaterra para dirigir un concierto final, el segundo crea con jóvenes guionistas lo que él pretende sea un broche de oro para su carrera, y el actor encara un presente y futuro confusos. El ambiente invita a contemplar el tiempo, la decadencia, la amargura y la ternura, los fantasmas psicológicos, la sombra ascendente de “la parca” y por supuesto seres bizarros que deambulan alrededor, como un obeso excrack de fútbol (obviamente Diego Maradona) y una Miss Universo, entre otros.

El felliniano director napolitano había definido la suma y potencia de su estilo impresionista en La grande belleza (Premio Panambi del 23º Festival). Vuelve con otro ambicioso opus, la fuerza de sus asombrosas imágenes, las musicalizaciones que amplían la rica plástica de encuadres y movimientos de cámara (que para ser apreciados demandan las grandes dimensiones de la pantalla

cinematográfica). No hay medias tintas: el espectador puede disfrutar o repeler el preciosismo plástico de este cineasta que es más un pintor, un mago, que un narrador. Los que se dejen llevar, se sentirán lentamente embriagados en sus sentidos hasta el final sobrecogedor. Michael Caine, Harvey Keitel y Jane Fonda destellan en el elenco de estrellas, con quienes Sorrentino aborda temas trascendentes como el transcurrir del tiempo, la creación artística, la memoria, el placer y el misterio de vivir, las pasiones y las ansias más vitales que pueda imaginar el ser humano.

LA ACUSACIÓN (Court) India 2014 – Color 116 min.

Dirección y Guión: Chaitanya Tamhane Música: Sambhaji Bhagat Fotografía: Mrinal Desai Montaje: Rikhav Desai Con: Vira Sathidar, Vivek Gomber, Geetanjali Kulkarni, Pradeep Joshi, Shirish Pawar, Subodh Usha Bane y otros.

Premios: Mejor Película y Mejor Dirección en la Sección Orizzonti del Festival de Venecia 2014; Mejor Película, Mejor Actor, Premio de la Crítica y Premio SIGNIS en el Festival de Cine Independiente de Buenos Aires 2015; Mejor Película y Mejor Director en el 16ª Festival de Bombay; entre otros.

Kamble, de 65 años, es músico, poeta, docente y militante político. Recorre con su arte los barrios de Mumbai, hasta que un día es arrestado y acusado por incitación al suicidio de un trabajador. El cargo sostiene que una canción inflamatoria había incitado al obrero a cometer el acto. El caso patentemente ridículo es llevado a cabo sin otra intención que la disciplina y el acoso de un activista, fenómeno hoy día muy común impuesto por un intolerante Estado que ha puesto un gran número de presos políticos en la cárcel por todo el país. A medida que se desarrolla el juicio, se siguen las vidas personales y privadas de los abogados y el juez involucrados. El proceso revela los mecanismos de la injusticia en un sistema judicial corrupto, perverso y burocrático, mientras ofrece un complejo retrato sociopolítico, con la influencia occidental en la cultura de la India.

Interpretada en su mayoría por no profesionales, esta fascinante película propone una reflexión profunda sobre el tema de la libertad de expresión y la relación entre el arte y la política. Nos toca muy de cerca, porque refleja de forma demoledora la humillación que sufre la gente sin poder en la violencia cotidiana de la corte. Bajo presión de la censura y a punto de ser prohibida, el joven cineasta y dramaturgo logró una obra lúcida, aguda y humana, en una corriente autoral que proviene del gran Satyajit Ray, uno de los más grandes autores de la historia del cine y padre fundador del cine más comprometido de la India. Muchos coincidirán que se trata de una imperdible obra maestra.

Con Auspicio de la Embajada de Argentina

LA NIÑA DE TACONES AMARILLOS Argentina 2015 – Color 74 min.

Dirección y Guión: Luján Loioco Producción: Luján Loioco y Daniel Werner Fotografía: Martín Frías Montaje: Anita Remón Música: Ariel Chato Cruz Con: Mercedes Burgos, Manuel Vignau, María Fernanda Domínguez, Emiliana Di Pasquo, Lucas Gauna y otros.

Premios: Mejor Película en el Festival Leonardo Favio; Mejor Opera Prima del Festival Latinoamericano de Isla Margarita; Mejor Opera Prima Festival Internacional BioBio Chile; entre otros.

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Isabel es una muchacha que vive con su mamá y un hermano menor en una modesta casa de Tumbaya, pueblito en Jujuy de apenas 300 habitantes ubicado a orillas del río Grande, en la quebrada de Humahuaca. Su vida es súbitamente alterada por la construcción de un lujoso hotel y por el impacto que le causa el poder de seducción que puede ejercer sobre los hombres. Isabel no sabe cómo lidiar con este descubrimiento, se siente deseada, se deslumbra con los perfumes de las mujeres que visitan a los empresarios, anhela conocer la vida nocturna de la ciudad, quiere usar zapatos con tacos, inicia su primera relación amorosa y, lo que es peor, se enfrenta a su madre y a su mejor amiga, la hija del intendente del pueblo.

Esta historia de iniciación, del paso de la infancia a la adultez, está narrada de forma luminosa, delicada y sensual, aprovechando la belleza indomable de Isabel y la irremediable pérdida de su inocencia como una metáfora del choque cultural que sufre esa humilde comunidad, llena de necesidades e ingenuidad, presa fácil del despojo y la explotación; logrando así la difícil proeza de entrelazar la política con la sexualidad. Una sólida y emotiva opera prima que se destaca por el cuidado en los detalles, la sutileza en la puesta en escena y por la protagonista debutante, que transmite con naturalidad sorprendente la complejidad de su enérgico personaje. Otra muestra contundente de los nuevos talentos en el cine argentino y en ambientes ajenos a la gran ciudad.

MANDARINAS (Mandariinid) Estonia / Georgia 2013 Color 83 min.

Dirección y Guión: Zaza Urushadze Música: Niaz Diasamidze Fotografía: Rein Kotov Montaje: Alexander Kuranov Diseño de arte: Thea Telia Con: Lembit Ulfsak, Giorgi Nakashidze, Elmo Nuganen, Mikhail Meskhi y otros.

Premios: Mejor Director y Premio del Público en el Festival de Varsovia y el Festival de Mannheim 2013; Nominada al Oscar y al Globo de Oro Mejor Película en Idioma Extranjero; entre otros.

A poco del fin de la Unión Soviética, el conflicto armado entre Abjasia y Georgia asola una bella región montañosa, por lo que la antigua comunidad estoniana de civiles ha vuelto a su tierra. Sólo quedan dos hombres mayores: el granjero Margus que se dedica a la última cosecha de sus mandarinas, y el carpintero sereno y sabio Ivo, que hace los cajones para las frutas. Un combate cercano deja un tendal de muertos. Ivo recoge a uno que está herido mientras Margus descubre otro sobreviviente dado por muerto y los esconden en la casa de Ivo. Son de lados opuestos de la guerra, enemigos acérrimos, pero Ivo les cuida y les impone con autoridad casi paternal que no se agredan bajo su techo.

Sabe a mandarinas este filme sabio, atrapante, conmovedor y con final esperanzador. El humanismo del director no requiere discursos y usa pocos hermosos diálogos (como su pacifista protagonista) para narrar una historia pequeña, sencilla y cálida con la potencia universal de la guerra, siempre sustentada por el fanatismo ciego, el odio absurdo y su trágica secuela de destrucción física, moral y espiritual. Un puñado de personajes, una casa y un paisaje rural han sido suficientes para que el guión de gran solidez se convierta en una película de éxito internacional.

Claro que el director ha sabido aprovechar en forma maestra las actuaciones estupendas y la fotografía observadora en detalle de los gestos y los rostros, entre otras muchas dotes que nutren esta impecable fábula para la paz.

MIL VECES BUENAS NOCHES (Tusen ganger god natt) Noruega / Irlanda / Suecia 2013 Color 117 min.

Dirección: Erik Poppe Guión: Erik Poppe y Harald Rosenlow-Eeg Fotografía: John Christian Rosenlund Montaje: Sofia Lindgren Música: Armand Amar Montaje: Con: Juliette Binoche, Nikolaj Coster-Waldau, Maria Doyle Kennedy, Larry Mullen Jr., Mireille Darc y otros.

Premios: Mejor Película, Mejor Fotografía y Mejor Música por la Academia de Cine de Noruega; Mejor Película en el Festival de Chicago; Premio Especial del Jurado en el Festival de Montreal; entre otros.

Rebecca es una fotógrafa top especializada en la producción de imágenes periodísticas de alto impacto en zonas de conflictos bélicos. “Quiero que la gente al abrir el diario se atragante con el desayuno. Quiero que vean, que sientan y reaccionen”, le dice a su hija adolescente, para explicar su misión de vida; pero al observar diariamente la muerte y la destrucción, duda sobre los beneficios que puede tener su trabajo para la humanidad; si sólo es algo estético o si en verdad emite mensajes que pueden influir en la sociedad y lograr un cambio respecto a la realidad. Un día un error suyo hace que una mujer-bomba estalle antes de tiempo y esa decisión casi le cuesta la vida. De regreso a su casa en Irlanda, se encuentra con el ultimátum de su marido y sus hijas: elegir entre su carrera o su familia.

El director noruego Erik Poppe, realizador de la memorable Aguas turbulentas (20º Festival), fue un reconocido fotógrafo de guerra y en esta película reconstruye su propia historia en zonas de conflicto, con intensas secuencias en Afganistán y Kenia. La siempre cautivante Juliette Binoche, convertida en su álter ego, dota de gracia, determinación y fragilidad humana a su complejo personaje -de esposa, madre y profesional- cruzado por un conflicto interno irresoluble. Un reparto internacional, una espléndida fotografía y una irresistible banda sonora suman a una película de grandes dimensiones.

MIS HIJOS (Dancing Arabs)

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Israel / Alemania / Francia 2014 Color 104 min.

Dirección: Eran Riklis Guión: Sayed Kashua Producción: Bettina Brokemper, Antoine de Clermont-Tonnerre, Michael Eckelt y Chilik Michaeli Fotografía: Michael Wiesweg Montaje: Richard Marizy Dirección de Arte: Yoel Herzberg Música: Jonathan Riklis Con: Tawfeek Barhom, Razi Gabareen, Yaël Abecassis, Ali Suliman, Michael Moshonov, Danielle Kitsis, Marlene Bajali, Laëtitia Eïdo y otros.

Premios: Mejor Película en el Festival Internacional de Boulder 2015; Nominado a Mejor Actor, Actor Secundario, Sonido y Dirección de Arte por la Academia de Cine Israelí 2014; Película Inaugural del Festival Internacional de Jerusalen 2014; entre otros.

MUSTANG

“La identidad es nuestro legado y no nuestra herencia; nuestra invención y no nuestra memoria” (del poeta Mahmoud Darwish) se lee antes de conocer a Eyad, un niño palestino nacido en Tira, Israel, a mediados de los 70. Favorito de su abuela y orgullo de su padre (un recolector de frutas que no tuvo carrera universitaria por sus actividades políticas), es intelectualmente brillante y veloz, ocurrente, voluntarioso. Cuando es becado al mejor colegio judío de Jerusalen, dejará el barrio árabe e iniciará una gran metamorfosis. Allí deberá luchar ante un entorno diferente a sus tradiciones y aprender a convivir en un medio parcialmente hostil, hasta

que conoce a Naomi, una estudiante judía con la cual inicia una secreta relación sentimental, y un muchacho con distrofia muscular que se convertirá en su mejor amigo. La imposibilidad de integrarse para Eyad hará que se resquebraje su identidad para sobrevivir.

Hasta el conmovedor final, la película propone interrogantes sobre dos de los temas fundamentales en el mundo de hoy: la identidad y la convivencia cultural. Basada en las novelas autobiográficas del guionista y apostando a la fluidez narrativa, el director más respetado del cine israelí vuelve a abordar los conflictos de Medio Oriente a partir de una historia personal de hondo dramatismo, con un enfoque eminentemente humanista, contada con dosis de humor, sin maniqueísmo. El cineasta sea tal vez para el cine lo que Daniel Barenboim es para la música, proponiendo la unión entre judíos y árabes, entre israelíes y palestinos, desde la tolerancia y el respeto, como camino hacia la paz.

Con Auspicio de la Embajada de Francia

Francia / Turquía / Alemania 2015 Color 97 min.

Dirección: Deniz Gamze Ergüven Guión: Deniz Gamze Ergüven y Alice Winocour Música: Warren Ellis Fotografía: David Chizallet Diseño de arte: Serdar Yemisci Con: Gunes Nezihe Sensoy, Doga Zeynep Doguslu, Tugba Sunguroglu, Elit Iscan, Ilayda Akdogan, Nihal Koldas, Serife Kara, Suzanne Marrot y otros.

Sonay, Selma, Ece, Nur y Lale son cinco jóvenes huérfanas criadas en una casona familiar cerca del Mar Negro, en la Turquía actual. Están al cuidado de una abuela, desbordada por la incontenible vitalidad de las chicas, y un tío rígido e igualmente conservador. Según el mandato de la sociedad, los mayores deben protegerlas especialmente en lo que concierne a la sexualidad, es decir preservarlas vírgenes para el matrimonio a convenir. Pero las muchachas tienen un espíritu rebelde y sus conductas “escandolosas”, como jugar en la playa con los varones o ir a un partido de fútbol, son motivos de reprimendas violentas Premios: Goya a la Mejor Película Europea 2016; Premio y sanciones drásticas. del Cine Europeo en el Festival de Cannes; Premio del Esta película incitante, emotiva y vivaz es el brillante debut de la joven realizadora franco-turca Público en el Festival de Sevilla, Estocolmo, Thessaloniki (nacida en Ankara pero viviendo entre Turquía y Francia), quien ha mezclado elementos autobioy Sidney; Premio del Público y de Crítica, Mejor Película y gráficos con otros de la imaginación. Es un retrato de lo que significa ser una adolescente hoy en Nuevo Director en el Festival de Valladolid; Mejor Película su país natal, el que aspira a la modernización pero al mismo tiempo sigue sujeto a tradiciones y en el Festival de Chicago, Sarajevo y Filadelfia; César de costumbres patriarcales, y sutilmente señala a la educación como un posible camino hacia la libeFrancia a la Mejor Opera Prima, Guión Original y Música; ración. Las bellas, bulliciosas y expresivas actrices, cuatro de las cuales son también debutantes, Nominada al Oscar y al Globo de Oro Mejor Película contagian la energía de sus rebeldías y componen a la perfección la metáfora del título: una manaIdioma Extranjero; entre otros. da de mustangs, esos caballos salvajes sin dueños, de abultadas melenas y portes indomables.

NADIE SE SALVA SOLO (Nessuno si salva da solo) Italia 2015 – Color 103 min.

Dirección: Sergio Castellito Guión: Margaret Mazzantini Música: Arturo Annecchino Fotografía: Gian Filippo Corticelli Montaje: Chiara Vullo Con: Riccardo Scamarcio, Jasmine Trinca, Anna Galiena, Ángela Molina, Roberto Veccioni, Eliana Miglio, Massimo Bonetti y otros.

Distinciones: Nominado para los premios David de Donatello de la Academia de Cine de Italia 2015 a Mejor Actriz, Actor y Música; entre otros.

Delia y Gaetano están casados y tienen dos hijos. Pero ya no son una pareja sino dos que se amaron, se separaron y ahora están heridos e ignoran cómo recuperarse. Él es un guionista televisivo que se ha hecho cargo de cuidar a los niños porque ella, bióloga nutricionista, vive en una residencia desde que sufre de anorexia.

Una noche se encuentran para cenar y discutir las vacaciones de sus hijos, pero no podrán evitar repasar su historia de amor y pasión, como los reclamos, las faltas y los errores que los llevaron a donde están ahora, con la nostalgia de días más felices.

El gran actor italiano, también destacado director, consiguió otro apasionado relato de amor con el que espectadores hombres y mujeres podrán identificarse y reflexionar sobre los sentimientos, el curso de la vida y el valor de la espiritualidad. Es la quinta película de su autoría y también la tercera oportunidad en que

Con Auspicio de la Embajada de Italia

se basa en un libro de su esposa. Esta vez se trata de un best-seller que vendió 4 millones de ejemplares y fue traducido a 45 idiomas. En definitiva, un cuento matrimonial sentido y honesto sobre la existencia de un amor sin fin, con mucho dinamismo, sentimientos de los más diversos, muy buenos intérpretes y una rica banda sonora que deleita con temas de Lucio Dalla, Tom Waits, Leonard Cohen y otros.

OMAR

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Palestina 2013 – Color 96 min.

Dirección y Guión: Hany Abu-Assad Producción: Hany Abu-Assad, David Gerson y Waleed Zuaiter Fotografía: Ehab Assal Montaje: Martin Brinkler y Eyas Salman Diseño de arte: Yoel Herzberg y Nael Kanj Con: Adam Bakri, Leem Lubany, Eyad Hourani, Waleed Zuaiter, Samer Bisharat, Mousa Habiib Allah, Doraid Liddawi, Adi Krayem y otros.

Premio Especial del Jurado en el Festival de Cannes; Mejor Película y Mejor Director en el Festival de Dubai; Premio del Jurado de la Juventud en el Festival de Ghent; Nominada al Oscar Mejor Película en Idioma Extranjero 2014; entre otros.

SI DIOS QUIERE (Si Dio vuole) Italia 2015 – Color 87 min.

Dirección: Edouardo Maria Falcone Guión: Edouardo Maria Falcone y Marco Martani Producción: Mario Gianani y Lorenzo Mieli Fotografía: Tommaso Borgstrom Montaje: Luciana Pandolfelli Diseño de arte: Christina Onori Música: Carlo Virzi Con: Marco Giallini, Alessandro Gassman, Laura Morante, Ilaria Spada, Edoardo Pesce, Enrico Oetiker, Carlo De Ruggeri, Giuseppina Cervizzi, Alex Cendron, Fabrizio Giannini y otros.

Premio David de Donatello de la Academia de Cine de Italia y del Sindicato de Periodistas Cinematográficos Italianos 2015 al Mejor Nuevo Director; Premio del Público a la Mejor Película en el Festival de Tokio 2015; entre otros.

Omar es un joven palestino que debe arriesgarse diariamente a saltar “el muro” para reunirse con sus amigos de la infancia en el lado de Israel, y con Nadia, la muchacha de la que está enamorado. Los tres amigos se comprometen en la resistencia por la libertad palestina, pero cuando un atentado sale mal, Omar es arrestado y se convierte en víctima de un chantaje para informar a la policía sobre la muerte de un soldado israelí. De allí en más, Omar debe encontrar una manera de mantenerse fiel a sus amigos, a la mujer que ama y a la causa.

Un thriller atrapante sobre el amor, la confianza y la honestidad que evita ser política de manera directa. Si bien tiene como ambiente el conflicto palestino-israelí desde el punto de vista palestino (de una manera que ninguna película lo había hecho antes), la situación del oprimido Omar podría ser la de cualquier otro individuo en cualquier parte del mundo viviendo bajo la opresión.

El espectador podrá disfrutar una película que tiene de todo: secuencias de acción, eventos dramáticos, una historia de amor puro, escenas divertidas y cálidas sobre la amistad, más situaciones que le hagan pensar. El director lleva con mano maestra el relato, manteniendo el suspenso, la intriga, el romance y la naturalidad de los diversos bucles de historia. Una película irresistible desde el inicio al final inesperado y conmovedor.

Con Auspicio de la Embajada de Italia

Tommaso es un cardiocirujano exitoso y petulante, padre autoritario, ateo convencido, de corazón frío y convicciones firmes, tan antipático que resulta simpático, que se cree liberal y está dispuesto a aceptar cualquier revelación dudosa del único hijo, prometedor estudiante de medicina, pero que cuando éste le dice que quiere ser sacerdote, le toma desprevenido y pierde los estribos. La hija de pocas luces está casada con un empresario a quien considera un idiota, su esposa, antes revolucionaria, está ahora atrapada en el conformismo y el vacío, por lo que la noticia del hijo le parece un golpe mortal. No le queda otra que ocuparse de reencarrilarlo, demostrándole que la Iglesia es modelo del oscurantismo y que el cura sui generis que se ha convertido en su admirado mentor es un impostor. ¿Hasta dónde podrá llegar para recuperar a su hijo?

Esta historia sencilla sobre una familia tipo de la nueva burguesía italiana se plantea como una comedia no tan superficial como podría parecer, a cargo de un reparto excelente. Se trata de una commedia all’italiana contemporánea, sin el grotesco desopilante ni la acidez crítica de los desaparecidos maestros del género (Monicelli, Risi, Scola), pero con rebosante ironía, delicadeza sentimental, apuntes serios sobre la sociedad actual y un ritmo que no deja decaer el humor. En el ingenioso guión tampoco faltaron algunas sorpresas, apuntes poéticos y un final que invita a apreciar los pequeños milagros que nos da la vida y que nos ofrecen la posibilidad de romper con la rutina y renovarnos siempre.

SIN HIJOS

22 España / Argentina 2015 Color 90 min.

Dirección: Ariel Winograd Guión: Pablo Solarz y Mariano Vera Música: Darío Eskenazi Fotografía: Félix Monti Diseño de arte: Daniel Gimelberg Con: Diego Peretti, Maribel Verdú, Guadalupe Manent, Horacio Fontova, Martín Piroyansky, Marina Bellati, Pablo Rago, Guillermo Arengo y otros.

Distinciones: Nominado a Mejor Nueva Actriz, Mejor Dirección de Arte y Mejor Vestuario por la Academia de Cine de Argentina; entre otros.

Gabriel es un padre divorciado que administra una casa de música, no se decide por la profesión de músico y vive enamorado de Sofía, su hija de 8 años que absorbe su vida y tiene una precocidad sorprendente, así como un carácter tiránico. Hasta que aparece Vicky, su amor platónico de la adolescencia, una española hermosa, desenfadada y –terrible coincidencia– fanática militante antiniños. Gabriel se convierte así en un hombre atrapado entre dos amores.

Lo único que se le ocurre es negar la existencia de su propia hija y recurrir a su amigo médico, poseedor de un pragmatismo extremo.

Esta muy divertida comedia romántica familiar sobre las dificultades de los vínculos, la culpa y la libertad, demuestra el gran talento de Winograd como director de comedias, con la capacidad de tocar temas va-

rios y ofrecer un entretenimiento sólido. El relato inteligente, los diálogos avispados, el timing justo para la risa, los toques de ternura y cierta nostalgia nos remiten a la comedia alocada clásica norteamericana (screwball comedy), género que permitía altas dosis de subversividad, jugar con infidelidades, roles sexuales y relaciones de poder. Empezando por la fotografía del gran Félix Monti (homenajeado en esta edición), los rubros técnicos están cubiertos por profesionales de primera y el elenco resulta ideal: Diego Peretti es el comediante perfecto del cine argentino, la estrella española Maribel Verdú brilla en un rol que le viene como anillo al dedo y le permite identificarse también en lo personal (había declarado su decisión de no ser madre), mientras la niña debutante Guadalupe Manent arrasa de modo admirable, robándose varias escenas hilarantes.

SOLDADO ARGENTINO SOLO CONOCIDO POR DIOS

ESTRENO MUNDIAL Argentina 2016 – Color 102 min.

Dirección: Rodrigo Fernández Engler Guión: Ivana Galdeano y Rodrigo Fernández Engler Producción: Rodrigo Fernández Engler, Juan Belart, Julio Midú y Fabio Junco Producción Ejecutiva: Mario Vitali Fotografía: Sebastián Ferrero Montaje: Martín Sappia Diseño de arte: Carolina Vergara Música: Claudio Vittore y canción de Alejandro Lerner Con: Mario Bertolini, Sergio Surraco, Florencia Torrente, Ezequiel Tronconi, Fabio Di Tomaso, Hugo Arana, Martín Suárez, Ignacio Tamagno y otros.

En un pequeño pueblo de Córdoba, Juan despierta a su vocación artística y se enamora de Ana, hermana de su amigo Ramón, mientras éste se inicia en la carrera militar. Cuando Ramón regresa no acepta la idea que su hermana esté de novia y se rompe la amistad. Al estallar el enfrentamiento entre la Rca. Argentina y el Reino Unido de Gran Bretaña e Irlanda del Norte en abril de 1982, los dos amigos de la infancia se reencuentran en las frías Islas Malvinas del Atlántico Sur. En la guerra encontrarán destinos opuestos, uno convirtiéndose en leyenda y el otro en una sombra humana.

Con Auspicio de la Embajada de Argentina A casi 35 años de aquella infame contienda internacional por la posesión bélica de esas islas –que duró poco más de dos meses y demostró la irresponsable determinación del gobierno militar argentino– esta película testimonia a escala humana la triste secuela de destrucción física, psíquica y moral, a la vez que ilumina con un sentimiento de ternura y amor la soledad y el abandono en que quedaron tanto los sobrevivientes como los muertos. Aunque el guión -o el montaje- no logra elevar el potencial dramático de sus héroes, asombran los altos valores de producción, las muchas virtudes cinematográficas, varias escenas y secuencias muy bien logradas, la excelencia de las interpretaciones y de todos los rubros técnicos. Se trata de una ópera prima entregada en cuerpo y alma a la intención de traer a la actualidad el horror de un episodio histórico que marcó a una generación argentina y que otra generación, la de ahora, casi desconoce por completo. Compone una trilogía esencial con Los chicos de la guerra (1984) e Iluminados por el fuego (2005).

TIEMPO DE REVELACIONES (La belle saison) Francia / Bélgica 2015 Color 105 min.

Dirección: Catherine Corsini Guión: Catherine Corsini y Laurette Polmanss Producción: Alice Girard y Edouard Weil Música: Grégoire Hetzel Fotografía: Jeanne Lapoirie Montaje: Julia Gregory Con: Cécile de France, Izïa Higelin, Noémie Lvovsky, Kévin Azaïs, Laetitia Dosch, Benjamin Bellecour, Eloïse Genet y Patrice Tepasso y otros.

Premio Variety Piazza Grande en el Festival Internacional de Locarno 2015; entre otros.

Con Auspicio de la Embajada de Francia

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Francia de los años 70. Delphine es una joven hija de campesinos que trabaja duramente, como su madre, a la par de los varones, atendiendo los animales y las plantaciones, que se muda a la capital para lograr su independencia. Carole es una profesora de español y militante feminista que vive con su pareja en el efervescente París, pocos años después del histórico Mayo Francés. Se conocen en plena calle, comparten las reuniones y acciones por la liberación femenina, y poco a poco se inicia una historia de amor borrascosa, en la que cada una deberá enfrentar ataques y censuras, como poner a prueba su identidad y sus sentimientos.

La probada cineasta francesa logra abarcar y vincular con inteligencia, lucidez y sensualidad tópicos como el movimiento feminista, las luchas por los derechos sociales, las diferencias entre el mundo rural y urbano en la Francia de los años 70, los prejuicios morales, la libertad sexual y en definitiva el coraje de ser, amar y vivir. La frescura, el intimismo y la autenticidad hacen de este relato bellamente filmado una experiencia conmovedora y profunda. La afamada Cécile de France logra otra admirable interpretación en su ya extensa filmografía, mientras Izïa Higelin, también con una trayectoria como cantante, construye un personaje complejo y atractivo, por su simpatía e intensidad. Imposible no rememorar La vida de Adèle, otra hermosa historia de amor lésbico marcada por la pasión, el dolor y las incertidumbres.

UNA SEGUNDA MADRE (Que Horas Ela Volta?)

Brasil 2015 – Color 112 min.

Dirección y Guión: Anna Muylaert Producción: Fabiano Gullane, Débora Ivanov, Gabriel Lacerda y Anna Muylaert Fotografía: Barbara Alvarez Montaje: Karen Harley Director de Arte: Marcos Pedroso Música: Vitor Araújo y Fábio Trummer Con: Regina Casé, Helena Albergaria, Michel Joelsas, Regina Casé, Camila Márdila, Karine Teles, Lourenço Mutarelli, Helena Albergaria, Bete Dorgam y otros.

Val trabaja hace muchos años en una casa de familia adinerada de San Pablo como guardiana de rutinas, responsable de la crianza del único hijo y reproductora inconsciente de esa forma de vida. Cada cual en su rol, reina el orden dentro de este hogar. Pero cuando llega desde su ciudad nordestina de origen la inteligente y ambiciosa Jessica, hija de Val -a quién no ve desde que era niña-, irrumpe un agente revolucionario que instala incomodidad con sus ideas subversivas sobre el cambio social y el orden preestablecido. La visitante llega para estudiar en la universidad, calificada por su intelecto pero en desigualdad de posibilidades por la falta de recursos, pero sobre todo llega para dar vuelta a la casa y a su madre. Para más, el esposo y el hijo sienten atracción por la joven.

Premio Platino de Cine y Educación en Valores 2016; Mejor Película y Mejor Actriz por la Asociación de Críticos de Arte de Sao Paulo 2016; Premio del Público y Premio de la Crítica Mejor Película, Mejor Director, Mejor Guión y Mejor Actriz en el Festival SESC Mejores Películas de Sao Paulo 2016; Premio Panorama del Jurado y del Público en el Festival Internacional de Berlín 2015; Premio del Público en el Festival de Amsterdam, Göteborg y Lima 2015; Premio Especial del Jurado en el Festival de Sundance; entre otros.

Val, otra empleada doméstica y los dueños de casa representan un pasado vigente, con la esclavitud eterna de un sector de la clase baja. Por el contrario, Jéssica representa al empoderamiento popular de Brasil -y de gran parte de Latinoamérica- en la última década. “Las cosas están cambiando” pondera la doña de la casa, primera en sentir malestar cuando Jéssica demuestra que no puede concebir el servilismo como algo natural y transgrede las reglas, desenmascarando el doble discurso familiar. La avezada directora se vale del pulcro guión con lúcidos diálogos y simbolismos, de la enorme actuación de la veterana Regina Casé y del astuto trabajo de la cámara en la marcación de los espacios, para hacer una excursión juguetona e inquietante por la vida brasileña actual. La película divierte y logra indignar y provocar al mismo tiempo, balanceando costumbrismo, crítica social y gran sentido del humor para explorar -sin prejuicios- fenómenos sociales muy arraigados en la cultura sudamericana.

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Con Auspicio del ICPA GZ y la Embajada de Alemania

VICTORIA Alemania 2015 Color 138 min.

Dirección: Sebastian Schipper Guión: Olivia Neergaard-Holm, Sebastian Schipper y Eike Frederik Schulz Música: Nils Frahm Fotografía: Sturla Brandth Grøvlen Montaje: Olivia Neergaard-Holm Con: Laia Costa, Frederick Lau, Franz Rogowski, Burak Yigit, Max Mauff, André Hennicke, Anna Lena Klenke y otros.

Premios: Oso de Plata a la Extraordinaria Contribución Artística y otros dos premios en el Festival de Berlín 2015; Mejor Película en el Festival de San Diego; Mejor Película, Director, Actor, Actriz, Fotografía y Música por la Academia de Cine de Alemania; entre otros.

Victoria es una carismática joven española deseosa de hacer su vida en Berlín. En una noche de diversión conoce a Sonne y sus tres amigos, con quienes, en la terraza de un edificio y bajo la luna, comparte tragos y anécdotas. Ya en otros ambientes, Victoria y Sonne juegan, flirtean y dialogan a pesar de las dificultades de los idiomas, hasta que ella queda enredada en el robo a un banco que los muchachos son forzados a cometer para saldar una deuda carcelaria del más reo de los cuatro. Mientras despunta el sol, los cinco se sumergen en una desesperante aventura criminal.

Partiendo de las incertidumbres de una frenética juventud en la metrópolis alemana, se desarrolla un policial urbano alucinante que nos lleva por una noche de borrachera a tensiones inmensas ¡en tiempo real! Porque toda la película –es decir: 138 minutos– es un solo plano dinámico larguísimo (no hay tomas encadenadas digitalmente como en Birdman) que no se corta nunca, que tiene ritmo, diversión y tensión constante, una

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historia y personajes bien desarrollados. Un auténtico tour de force, es decir una proeza de virtuosismo técnico y artístico que sirve para magnificar la euforia, el suspenso y finalmente la agonía de un viaje hacia un destino incierto. Como experimento surrealista o hiperrealista, la solidez de ese portentoso plano secuencia permite que el espectador sea testigo en tiempo real de la potencia de la amistad y el amor, de la inocencia y de la vida, de su carácter frágil y fugaz; y de una vivencia cinematográfica fascinante y extenuante.

YO, ÉL Y RAQUEL (Me and Earl and the dying girl) EE.UU. 2015 – Color 105 min.

Dirección: Alfonso Gomez-Rejon Guión: Jesse Andrews, basado en su propia novela Producción: Jeremy Dawson, Dan Fogelman y Steven Rales Fotografía: Chung-hoon Chung Montaje: David Trachtenberg Dirección de Arte: Gerald Sullivan Música: Brian Eno y Nico Muhly Con: Thomas Mann, RJ Cyler, Olivia Cooke, Nick Offerman, Connie Britton, Molly Shannon, Jon Bernthal, Matt Bennett, Katherine Hughes, Masam Holden y otros.

Premio del Público y Gran Premio del Jurado en el Festival de Sundance 2015; Premio del Público en el Festival de Sydney, Thessaloniki, Nantucket, Montclair y Bali; entre otros.

Greg es un adolescente tímido que intenta pasar el último año del colegio de la manera más desapercibida posible, evitando cualquier interacción social, mientras en secreto hace extrañas parodias de películas clásicas con su único amigo Earl, un chico de color con un carácter muy especial. Su situación cambia cuando su madre, llena de buenas intenciones, le obliga a acercarse a Raquel, una compañera de clase con leucemia. Pronto los dos se sorprenden al descubrir que tienen mucho en común. Pero cuando la salud de Raquel empeora, el mundo de Greg cambia para siempre.

Gozo garantizado. Brillantemente auténtica y profundamente conmovedora, esta encantadora película es un delicioso retrato del nacimiento y el desarrollo de una hermosa amistad entre un chico que creó una barrera emocional -porque tiene miedo de crecer y hacer frente a las responsabilidades del mundo de los adultos-, y Rachel, una chica de gran madurez, que ha aceptado racionalmente su terrible destino. El guión aborda la enfermedad de una manera maravillosa y humana, logrando una historia extraordinaria de gran frescura, que nos recuerda además que debemos apreciar a aquellos cuya compañía han enriquecido nuestras vidas; mientras el director (antes asistente de Martin Scorsese y Alejandro Iñárritu) muestra su ingenio y talento con la animación y el gran trabajo de cámara, en un sabio balance entre drama y comedia. La sinceridad de las interpretaciones, la magnífica fotografía y la preciosa banda sonora contribuyen a volver más vibrante el relato. Esta película seguro se convertirá en un clásico de culto.

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Exhibiciones Especiales Una selección de películas de varios países, destacadas por su valor estético, su calidad cinematográfica y/o su valor cultural, que se exhiben por única o dos veces, algunas en premiére exclusiva anticipando sus estrenos.

Intrigantes obras de autor, impecables exponentes de género y valiosos documentos testimoniales, estas películas merecen ser apreciadas en pantalla grande, confirmando nuestro lema VEAMOS CINE EN EL CINE.

Por primera vez, el Festival sirve deliberadamente de plataforma para estrenos comerciales que vale la pena atender y distingue dos realizaciones recientes de autores paraguayos.

LA ÚLTIMA TIERRA

EJERCICIOS DE MEMORIA Ver en la Sección Promoción del Cine Paraguayo

Ver en la Sección Promoción del Cine Paraguayo

Con Auspicio de la Embajada y el Consulado de Irlanda

1916: LA REBELIÓN IRLANDESA (1916: The Irish Rebellion) Irlanda / EE.UU 2016 Color y B y N 80 min.

Dirección: Pat Collins y Ruán Magan Guión: Briona Nic Dhiarmada basado en su libro homónimo Producción: Briona Nic Dhiarmada, Jackie Larkin y el Instituto KeoughNaughton de Estudios Irlandeses en la Universidad de Notre Dame EE.UU. Música: Patrick Cassidy Fotografía: Colm Hogan Montaje: Stephen O´Connell, Isobel Stephenson y Keith Walsh Con: Liam Neeson (narrador).

Documental Distinción: Pieza central del Gobierno Irlandés para la Conmemoración del 100 Aniversario del Levantamiento de Independencia; premiére mundial en el Festival Pantalla Pinamar 2016.

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Cuenta el hito dramático de los acontecimientos que tuvieron lugar en Dublín durante la Semana de Pascua 1916, cuando un pequeño grupo de rebeldes irlandeses –incluyendo poetas, profesores, actores y trabajadores– se enfrentó al poderío del Imperio Británico; también descubre el papel crucial de los americanos irlandeses en la insurrección y coloca al pueblo irlandés en contexto mundial como expresión de lucha contra el colonialismo. A pesar de la derrota militar, los hombres y las mujeres del Levantamiento de Pascua lograron una victoria moral que condujo a la creación del estado irlandés independiente; así

mismo inspiró a sinnúmero de luchas por la libertad en las colonias de Gran Bretaña, hasta en la India, y ayudó a allanar el camino para los movimientos de independencia. En amplio sentido, el evento contribuyó a que los pueblos del mundo no dependan de una potencia extranjera y tengan la voluntad de elegir a sus propios gobernantes.

Este vibrante documental está estupendamente narrado por el famoso actor irlandés Liam Neeson, quien interpretó al “León de Irlanda” en Michael Collins (dirigida por Neil Jordan en 1996), líder del IRA contra el Reino Unido que ayudó a fundar el Estado Libre de Irlanda en 1922. El relato histórico está sostenido por una gran variedad de material de archivo inédito, filmaciones y fotografías de época, testimonios de presos, rebeldes y soldados, nuevas filmaciones en varias partes del mundo y entrevistas con expertos internacionales. Una excelente ocasión para acercarnos al país de William Yeats, James Joyce, Samuel Beckett, Bernard Shaw, Bram Stoker, Oscar Wilde y otros gigantes de la cultura universal.

AL FINAL DEL TÚNEL Argentina / España 2016 Color 120 min.

Dirección y Guión: Rodrigo Grande Producción: Gerardo Herrero, Axel Kuschevatzky, Sofía Toro Pollicino, Vanessa Ragone y Martín Seefeld Fotografía: Félix Monti Montaje: Leire Alonso y Manuel Bauer Dirección de Arte: Mariela Rípodas Música: Lucio Godoy y Federico Jusid Con: Leonardo Sbaraglia, Pablo Echarri, Clara Lago, Federico Luppi, Uma Salduende, Walter Donado, Laura Faienza, Facundo Nahuel Giménez y otros.

Joaquín ha quedado en silla de ruedas tras un accidente en el que murió su mujer y su hija. Es un experto en tecnología y comunicaciones que vive sólo con su perro en una antigua casona, sin otras motivaciones que el de vivir día a día. La llegada de una bailarina de streaptease con su hijita para alquilar parte de la casa le cambia por completo la existencia, mientras un sádico líder y su banda de ladrones construyen bajo una casa vecina un túnel dirigido a una sucursal bancaria. Pero las situaciones y las personas son poco de lo que parecen en esta labrada historia de trampas, engaños y codicias.

En la ascendente ola del cine de género argentino, catapultado por Nueve reinas, apuntalado por El secreto de sus ojos y consolidado con Relatos salvajes, llega esta película que se coloca, como las anteriores citadas, a la altura de las más grandes producciones de acción y suspenso. Está construida a partir de una sólida e ingeniosa trama, en la que no faltan toques sutiles de humor y que marcha con ritmo acelerado hacia un desenlace lleno de sorpresas. Es una de esas películas que

hace sufrir con gusto al espectador, poniéndolo con el corazón en la boca y precipitándolo hasta ese tipo de final que reclama el aplauso. El elenco argentino-español aprovecha al máximo los personajes bien desarrollados, con un duelo bien ejecutado por los adversarios compuestos por Sbaraglia y Echarri. No se puede dejar de destacar la cuidada elaboración de los mínimos detalles en la producción -tanto detrás como frente a cámara- y en el alto nivel técnico y artístico alcanzado, en el cual el maestro de fotografía Félix Monti tiene mucho que ver.

CAPTAIN FANTASTIC

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EE.UU. 2016 – Color 118 min.

Dirección y Guión: Matt Ross Producción: Monica Levinson, Jamie Patricof, Shivani Rawat y Lynette Howell Fotografía: Stéphane Fontaine Montaje: Joseph Krings Dirección de Arte: Russell Barnes Música: Alex Somers Con: Viggo Mortensen, George MacKay, Samantha Isler, Annalise Basso, Nicholas Hamilton, Shree Crooks, Charlie Shotwell, Trin Miller, Kathryn Hahn y otros.

Premio Mejor Director en la Sección Un Certain Regard del Festival de Cannes 2016; Premio del Público en el Festival Internacional de Karlovy Vary 2016; Mejor Director en el Festival Internacional de Palm Springs; Mejor Película en el Festival Internacional de Seattle; entre otros.

En una cabaña, en medio de los bosques del noroeste de los EE.UU, un padre dedicado a criar a sus seis hijos con una educación física e intelectual rigurosa se ve obligado a abandonar el paraíso natural y entrar en el mundo “civilizado”, donde los ideales del socialismo (en sus varias formas) y de la supervivencia no son prácticos. Los niños han sido objeto de entrenamiento físico vigoroso, saben cómo tratar golpes, cortes, esguinces e incluso fracturas, saben cazar y cultivar sus propios alimentos, pero no tienen registros académicos que les permitan insertarse en la ciudad. Su padre les ha tratado siempre como jó-

venes adultos, respetando su inteligencia, pero su liderazgo se vuelve crítico ante los sucesos dolorosos, la confrontación con el abuelo (hombre dominante de la clase alta) y las incapacidades de interacción social que experimentan con otros de su edad.

Padres e hijos, prácticamente todos, pueden sentir empatía con las tensiones y emociones en esta comedia que logra de buena ley hacer reír y llorar. Es una cautivante película sobre las relaciones de familia, con comentarios honestos y directos sobre cuestiones controvertidas en la sociedad actual que no se tratan abiertamente en los medios de comunicación: la religión, la enfermedad mental, la hipocresía en la exposición de los niños a la violencia y el sexo, o los reveses del sistema educativo estadounidense.

En forma de fábula y desde una visión contracultural, plantea las dificultades que tienen hoy los padres en la crianza de los niños y despierta interrogantes respecto a las influencias sociales en nuestra forma de vida. Viggo Mortensen brilla con un rendimiento lleno de gracia y profundidad. Posiblemente la mejor película estadounidense de este año.

ÉL ME NOMBRÓ MALALA (He named me Malala) EE.UU. 2015 – Color 87 min.

Dirección y Guión: Davis Guggenheim Producción: Walter Parkes, Laurie Macdonald y Davis Guggenheim Música: Thomas Newman Fotografía: Erich Roland Montaje: Greg Finton Con: Malala Yousafzai, Ziauddin Yousafzai, Toor Pekai Yousafzai, Khushal Yousafzai y otros.

Documental Premio del Público en el Festival de San Diego 2015; Mejor Documental por los Críticos de Phoenix; entre otros.

Un retrato íntimo de la ganadora del Premio Nobel de la Paz más joven de la historia, quien sobrevivió milagrosamente a un atentado talibán en 2012 (un disparo a quemarropa en la cabeza) a raíz de su militancia en favor de la educación para las niñas en su país Pakistán, el cual a su vez despertó simpatizantes y admiradores de su causa en todo el mundo. “Las mejores armas para jóvenes de todo el mundo son los libros y los lápices” ha sido su proclama pacífica de rebelión.

Mezclando entrevistas y registros documentales con imágenes animadas del libro best seller Yo soy Malala (escrito por ella misma a los 15 años de edad), el aclamado documentalista norteamericano de Una verdad incómoda presenta la figura extraordinaria de esta joven heroína, su actividad diaria en Inglaterra (donde vive hoy día), la estrecha relación con su familia y sobre todo con su padre, quien le inculcó el valor de la educación, su movimiento global por la educación de las niñas a través de su fundación e, incluso, un discurso ardiente que realiza en las Naciones Unidas. Su lucha dedicada a los derechos humanos es una inspiración enorme para la juventud de todo el mundo, también para la valoración de la formación y la enseñanza. Al terminar este valioso, divertido y educativo documental, perduran con esos ideales la identidad de una adolescente rebosante de gracia, coraje, sabiduría, humildad y vitalidad.

Un documental divertido, inspirador y de gran valor educativo para jóvenes y docentes sobre la ganadora del Premio Nobel de la Paz más joven de la historia, quien sobrevivió milagrosamente a un atentado talibán en 2012 y sigue su valiente lucha por la educación para las niñas de todo el mundo. Una heroína real, ejemplo enorme para la valoración del estudio, de la familia y el coraje para defender los ideales y los derechos humanos.

ELIZA LYNCH: REINA DE PARAGUAY (Eliza Lynch: Queen of Paraguay)

Con Auspicio de la Embajada y el Consulado de Irlanda

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Irlanda 2012 Color 80 min.

Dirección y Guión: Alan Gilsenan Producción: Stuart Switzer Fotografía: Richard Kendrick Montaje: Cuán MacConghail Con: Maria Doyle-Kennedy, Leryn Franco y otros.

Documental

La vida fascinante y romántica, increíblemente épica y finalmente amarga de la irlandesa Eliza Alicia Lynch, quien con su madre escapó de la Gran Hambruna en su tierra natal a mitad del siglo XIX (durante la cual aproximadamente un millón de personas murieron y otro millón emigró de Irlanda). Criada por monjas y casada a un oficial francés a los 15 años, estuvo en Argelia y de vuelta en París cautivó en la corte de la princesa Bonaparte al rico y joven militar paraguayo Francisco Solano López, de quien fue amante, madre de siete hijos, y a quien acompañó hasta su muerte

en Cerro Corá el 1 de marzo de 1870, al fin de la Guerra del Paraguay contra la Triple Alianza. El impacto de ese amor y esa guerra llevó en su sangre hasta su muerte solitaria en París de 1886.

El relato combina el documental –ilustrado con entrevistas a historiadores y descendientes de Lynch– y la ficción, sostenida por un soliloquio que parece ser el de un fantasma desde el más allá. La voz es de la excelente actriz irlandesa Maria Doyle Kennedy (premiada por su trabajo en cine y TV, también en el elenco de Mil veces buenas noches en esta 25ª edición), quien da vida en pantalla a la mujer mayor con una interpretación profundamente humana, mientras la mujer joven es encarnada por la atleta olímpica paraguaya Leryn Franco, contribuyendo a crear un retrato del complejo espíritu y carácter de Lynch: bella, sofisticada, glamorosa, fuerte, valiente, orgullosa, a veces egoísta y otras veces generosa. Filmada en Irlanda, Paraguay, Argentina, Brasil y Francia, basada en la biografía escrita (tras 18 años de investigación y estudio) por los académicos irlandeses Michael Lillis y Ronan Fanning, esta película examina e ilumina el misterio y el mito de la más legendaria mujer irlandesa en la historia del Paraguay y de toda Latinoamérica.

Con Auspicio de la Embajada de Francia

FRANCOFONÍA Francia /Alemania / Holanda 2015 Color 88 min.

Dirección y Guión: Aleksandr Sokurov Producción: Pierre Olivier Bardet, Olivier Père y Els Vandevorst Fotografía: Bruno Delbonnel Montaje: Hansjörg Weißbrich Música: Murat Kabardokov Con: Louis-Do de Lencquesaing, Benjamin Utzerath, Vincent Nemeth, Johanna Korthals Altes, Andrey Chelpanov, Jean-Claude Caër, Aleksandr Sokurov (voz en off) y otros.

Documental Premio Fedeora y Premio Fondazione Mimmo Rotella en el Festival de Venecia; Nominada al León de Oro en el Festival de Venecia y al Mejor Documental en el Festival de Londres; entre otros.

REX

Podría resumirse diciendo que trata sobre la historia del Museo del Louvre durante la ocupación nazi y una reflexión sobre el significado y la inmortalidad del arte, pero este filme singular –no recomendable para todo público– es mucho más que eso. En el centro están dos hombres que fueron enemigos y luego colaboradores: Jacques Jaujard, director del Louvre, y el Conde Wolff-Metternich, general alemán al frente de la ocupación en París. Mediante la alianza de ambos se salvaron los tesoros del Museo. En contrapunto presente, hay un barco cargado de obras de arte en medio de una tempestad (una metáfora sobre la fragilidad de la conservación del tesoro artístico). Tangencialmente está

ESTRENO MUNDIAL

Argentina 2016 Color 102 min.

Dirección: Fernando Basile Guión: Fernando Basile y Javier Aparicio Producción: Tito Vitali Fotografía: Emiliano Charna Diseño de Arte: Carolina Scarinci Montaje: Fernando Basile Música: Damián Grafigna Con: Javier Aparicio, Sergio Marinoff, Juliana Muras, Yasmin Sapollnik, Manuel Intrieri, Ismael Santillán y otros.

la exploración de relaciones entre el arte y el poder, el sentido del arte en nuestra civilización, el rol de los museos y de la política, la cultura europea en general; y se superponen relatos y consideraciones breves sobre la simbología de algunas famosas obras artísticas.

Más un ensayo cinematográfico que un documental con mezcla de ficción, esta película es eminentemente subjetiva, tanto desde el narrador (Sokurov con su misma voz fuera de pantalla) como desde espectador dispuesto a sumergirse en este viaje de conocimiento, reflexiones y sensaciones. A década y media de El arca rusa, aquella película sobre el museo Hermitage de San Petersburgo que marcó un hito en la historia del cine, el cineasta ruso construyó un laberíntico, fascinante y profundo ensayo audiovisual sobre el arte ligado a la historia de la humanidad. Muy pocas veces el cine ha propuesto un viaje tan brillante en el tiempo y en el pensamiento. Una exquisita obra de arte.

Con Auspicio de la Embajada de Argentina

Rex es un joven trabajador, recto y fuerte, que no acepta abusos. Habita en la casa de sus padres adoptivos, quienes lo tratan bien, pero él vive insatisfecho, atormentado por las dudas y el desconocimiento de su origen. Una noche se defiende ferozmente de un borracho acosador, hasta matarlo. Entonces su vida cambia de rumbo, consigue otra vivienda y un nuevo trabajo. Inicia relación con una mujer mayor que él, la atracción es mutua y se unen apasionadamente, usando sus cuerpos para calmar angustias y soledades.

Ella se enfrenta a su hermano, un oficial de policía, determinada a reconstruir la familia que había perdido. Él encuentra en ella una razón de vivir, una esperanza para la felicidad, totalmente ignorante de los acontecimientos que se avecinan.

Modesta en su producción pero ambiciosa en su alcance dramático, esta película tiene personajes fuertes, bien delineados,

y una trama que se va tensando a medida que crece, hasta las escenas finales.

El relato atrapa desde los primeros minutos por su bien construido guión, la dirección segura, las interpretaciones contundentes y la puesta en escena sobria, sin alardes, estilizaciones, ni efectismos. Pocas veces se han visto en el cine relaciones sexuales de tanta naturalidad, las que pueden resultar chocantes a algunos espectadores, pero que están dramáticamente justificadas.

Todos los rubros técnicos suman a este relato de inspiración trágica que sirve también para presentar a un director que se deberá tener en cuenta.

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NOTA PERIODÍSTICA

Por Pablo De Vita*

Félix Monti: la simplicidad

El consagrado director de fotografía e iluminación nació en Argentina en el año 1938. En su larga trayectoria profesional ha recibido numerosos galardones y reconocimientos: Premio Konex de Platino Mejor Figura de la Última Década del Espectáculo Argentino – Categoría Iluminación; Premio a la Trayectoria Artística Fondo Nacional de las Artes 2006; Premio a la Trayectoria SICA 2002; Premio Pirámide de Plata a la Trayectoria por la Fundación Académica de Artes Visuales 1997; y entre varios premios a la Mejor Fotografía se destaca su participación en las dos películas argentinas ganadoras del Oscar a la Mejor Película en Idioma Extranjero: La historia oficial (1985) y El secreto de sus ojos (2009); y en dos producciones brasileras nominadas a Mejor Película en Lengua Extranjera: O quatrilho (1995) y O que é isso companheiro (1996).

Es miembro de la Academia Argentina de Artes y Ciencias Cinematográficas y miembro fundador de ADF (Asociación Argentina de Autores de Fotografía Cinematográfica), de la cual ha sido presidente en dos períodos, 2008-2010 y 2010-2012.

Incursionó en el campo del videoclip, colaborando en La ciudad de la furia para la banda Soda Stereo (1989), producción finalista a los Premios MTV; y ha tenido una vasta trayectoria dentro de las artes escénicas, habiendo diseñado la iluminación para varias obras de teatro.

Más información en www.felixmonti.com.ar

En rodaje de La Historia Oficial con Luis Puenzo

“D

oy gracias a Dios de que existe una palabra llamada simplicidad”, dijo cierta vez Sven Nykvist –uno de los mayores directores de fotografía de la historia y mano derecha de Ingmar Bergman- cuando fue consultado sobre qué obtuvo luego de 30 años de carrera como maestro de la luz. En Félix Monti, la palabra simplicidad tiene una doble acepción: su cordialidad, don de gentes e incluso cierta timidez que lo lleva a hablar casi en un susurro distinguen al “Chango” Monti por sobre los ademanes impostados que, se sabe, en el mundo de las artes abundan.

Asimismo esa simplicidad puesta en valor en el set y en la pantalla con una fotografía sin falsos brillos, ampulosidades o efectos visuales.

“Las influencias no son solamente pictóricas, pueden ser narraciones. Tarkovsky, por ejemplo, está más cerca de Dostoievsky que de cualquier imagen pictórica. La estructura narrativa es la que te lleva a una imagen. Pessoa dice: “el amanecer de un amarillo trágico”, y eso no está construido en una imagen pictórica, sino en una estructura poética”, dijo cierta vez el Chango, quizás recordando también a El Sacrificio, que tuvo la fotografía del inolvidable mago de la luz sueco.

Esa simplicidad puesta al servicio de una fotografía depurada ha brindado algunos de los más memorables trabajos para el cine argentino y coloca a Félix Monti en una senda heredera de los grandes nombres: allí donde se vislumbran los ecos de Alberto Etchebehere, Bob Roberts, Ricardo Younis, Américo Hoss, Antonio Merayo, Humberto Peruzzi y Aníbal González Paz y donde se rememoran grandes clásicos de la época de oro del cine argentino, a los que el Chango suma con su sello distintivo como otro de los grandes maestros y que encuentra al comienzo del camino al no menos mítico Pablo Tabernero: “Nunca estudié cine. Mis motivaciones primarias y anteriores al deseo de estar dentro del mundo real del cine (o sea, dentro de un estudio) tenían que ver con el teatro, principalmente debido a mi familia. Originalmente quería volcarme a la escenografía. Mi abuela me consiguió una entrevista con el gerente de uno de los estudios para ir a ver a Saulo Benavente. Fui hasta allí, lugar al que era muy complicado llegar, y por supuesto que no lo encontré. Esto habrá sido hacia 1952, cuando yo tenía unos 12 ó

NOTA PERIODÍSTICA

de los grandes maestros

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13 años, una época en que uno era más chico de lo que son los chicos de esa edad ahora. Pero pude quedarme dentro de los Estudios San Miguel.

Y entré al set donde Hugo del Carril (un gran amigo de mi abuela) estaba filmando La Quintrala: allí conocí a Don Pablo Tabernero e hice una especie de meritorio “falso”. Podía ir todas las veces que quería, estar todo el tiempo que quisiera, en parte por la relación de Hugo del Carril con mi abuela y en parte porque la gente del estudio me permitía entrar y salir. Pude tener una concurrencia activa durante todo el proceso y un acercamiento más personal con Pablo, y me desvié del objetivo de la escenografía. Por un lado, porque el manejo de la luz se acercaba más a lo que yo buscaba y, por otro, por haber encontrado alguien como Pablo que tenía una cultura inalcanzable, tanto para la parte técnica de nuestro oficio como para lo expresivo. Se había formado en la Alemania pre-Nazi con las impresionantes escuelas alemanas y austriacas de aquella época. Me encandiló y me llevó hacia su lado”, confirmaría Monti.

Consideró como su primera película “real” a Espérame mucho de Juan José Jusid, a la que seguirán grandes clásicos contemporáneos: El exilio de Gardel, de Pino Solanas; La historia oficial, de Luis Puenzo; Sur y El viaje, otra vez con Pino; Yo, la peor de todas, de María Luisa Bemberg. En la lista, la primera película argentina en quedarse con el Oscar de la Academia de Hollywood como Mejor Película Extranjera y también hazaña sociohistórica porque en el hoy lejano 1985 los militares estaban a la vuelta de

la esquina, las madres y abuelas eran “las locas de la plaza” y tardaría aún mucho en mencionarse los casos de apropiación ilegal de menores.

“Traté de no interferir en la imagen, sino de mantenerla lo más neutra posible”, aseveró, para reconocer que El exilio de Gardel “tenía una estética y una formulación casi operística y un desborde en la estructura de la imagen que me llevaba hacia un límite desconocido”.

En La peste fotografió a William Hurt, en De eso no se habla a Marcello Mastroianni, en Un muro de silencio a Vanessa Redgrave, en Assassination Tango a Robert Duvall, a Alan Arkin en Cuatro días en septiembre, a Jane Fonda y Gregory Peck en Gringo viejo. Transitó las proximidades literarias con Una sombra ya pronto serás, basada en Osvaldo Soriano; De amor y de sombra, próxima a Isabel Allende; en Convivencia la base teatral de Oscar Viale. Fuimos testigos de su algarabía al comprobar que

una copia nueva de Momentos robados de Oscar Barney Finn era fiel a lo que había imaginado en materia de luz en un universo de 35mm, al que ahora contemplábamos en su remasterización digital. “Kurosawa dijo: “Lo importante es qué, no cómo”. El Ciudadano, por ejemplo, no está mal compaginada a pesar de no haber tenido el AVID, ni está mal filmada aunque no tuvo 500 ASA. Es decir, el desarrollo tecnológico generalmente acelera o produce una evolución. Pero no creo que haya habido una evolución en lo estético, aunque a veces existe una mayor libertad: trabajar con 500 ASA te produce mayor libertad que trabajar con 20 ASA Pero al ver la imagen de las películas de Joseph Von Sternberg no se puede decir que Terminator III es mejor, ¿no?”, aseveraba Monti ante el cambio de paradigmas que impone la tecnología.

NOTA PERIODÍSTICA

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La lista se expande con Lucrecia Martel (La niña santa); Juan José Campanella (El secreto de sus ojos y un segundo Oscar para la Argentina); Héctor Olivera (la recreación histórica de El Mural); varias comedias, un film de animación e incluso la senda folclórica explorada por Carlos Saura con esas películas de cuadros musicales tan emocionantes por su música pero también por su siempre inolvidable fotografía. Sirva como nota que en Flamenco flamenco y Tango se ocupó de la fotografía Vittorio Storaro; en Fados e Iberia, José Luis López Linares y en Sevillanas, José Luis Alcaine, habituales colaboradores del gran realizador español en cuya nómina también brilla merecidamente el nombre de Félix Monti con Zonda, folclore argentino.

Antes de volver al arrabal documental con Un tango más, dirigida por Germán Kral y producida por Wim Wenders y perdernos tarareando por andurriales visuales presentes en la memoria de tan buen cine, bien vale conocer lo que dijo el Chango sobre su profesión y como la definiría: “Para mí, el Director de Fotografía debe actuar como una especie de traductor en imágenes de estructuras literarias o plásticas. Por un lado, está el trabajo del director, que está basado en un libro; por otro, el de la dirección de arte y el vestuario. Todo eso forma una estructura que está frente a cámara (un hecho concreto), y tiene que ser tomada a través de ella. Esa imagen que se forma debe ser fiel a un texto o a lo que produce la escenografía. El DF (principalmente a través de la cámara) debe interrelacionarse con el director y con la dirección de arte para discutir y encontrar la expresión justa a esa traducción”. Así de simple e igual de contundente, como el brillo de la luz reflejada en los pequeños anteojos de un auténtico grande que sabe interpretarla como pocos.

Trabajando con Carlos Saura

* El autor es crítico cinematográfico colaborador del diario La Nación de Buenos Aires, miembro de la Sociedad Española de Estudios de la Comunicación Iberoamericana; de la Asociación Española de la Prensa Cinematográfica (Sección de Madrid de la Fédération Internationale de la Presse Cinématographique (FIPRESCI), del PEN Internacional; y Profesor de Maestría en Estudios de Teatro y Cine Latinoamericano y Argentino e investigador del Instituto de Artes del Espectáculo, ambos por la Universidad de Buenos Aires. ** Los extractos de la entrevista a Félix Monti fueron originalmente publicados en la página oficial de la Asociación de Autores de Fotografía Cinematográfica Argentina, donde se señala que está basado en un reportaje a Félix Monti realizado en el 2007.

Panambí Honorífico AUGUSTO ROA BASTOS El trofeo distintivo de nuestro Festival, creación del recordado artista y amigo Hugo Pistilli, lleva el nombre honorífico de Augusto Roa Bastos en memoria del gran escritor, ex Presidente de Honor de nuestro Festival y propulsor entusiasta de la Fundación Cinemateca del Paraguay y del cine paraguayo.

Este año es concedido a:

FÉLIX MONTI Director de Fotografía argentino, por su excepcional contribución artística al cine de nuestro continente y su cooperación generosa con el Festival Internacional de Cine del Paraguay.

RAMÓN DEL RIO Actor paraguayo, por su sobresaliente trayectoria actoral y su valioso aporte artístico al desarrollo de la cinematografía paraguaya.

PLANET Empresa paraguaya, por su cooperación durante década y media con el Festival contribuyendo al desarrollo de la cultura cinematográfica y la educación de la juventud paraguaya.

Distinciones a Estrenos del Cine Paraguayo 2016

PABLO LAMAR por LA ÚLTIMA TIERRA Ver en la Sección Promoción del Cine Paraguayo

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MARÍA PAZ ENCINA por EJERCICIOS DE MEMORIA Ver en la Sección Promoción del Cine Paraguayo

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Promoción del

Cine Paraguayo

La finalidad es potenciar la creación y la difusión de obras de calidad de tal manera que el cine paraguayo siga ganando la apreciación del público nacional y extranjero, extendiendo las fronteras culturales e inspirando la creación artística local.

Siguiendo este eje de acción, el 25º Festival distingue dos nuevas películas largometrajes, estrena ocho cortometrajes seleccionados de la convocatoria abierta meses atrás, propone una inédita Noche del Video Clip Paraguayo y pone en valor la recuperación del largometraje La Sangre y la Semilla, un tesoro que vuelve del olvido para integrar el patrimonio cinematográfico nacional. A éstos deben sumarse las Actividades de Formación que apuntan a fortalecer la capacitación profesional y la formación del público en la cultura cinematográfica.

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Es destacable el éxito de la convocatoria realizada para los cortos y la calidad de los seleccionados, obras de jóvenes de ambos sexos que cubren desde el tipo experimental y la técnica de animación hasta la forma de la ficción, en géneros de terror, suspenso, comedia, fantástico y testimonial, con una fuerte impronta de temática sociopolítica. Toda una cosecha con rotundo sello de identidad cultural.

El cine paraguayo está más que nunca en auge. Sólo nos falta una legislación con especiales fondos estatales que lo proteja y fomente. Mientras, vale recordar que la acción de Promoción del Cine Paraguayo que cumple el Festival por más de dos décadas y media es la acción más larga, constante y coherente que se registra en nuestra historia.

EJERCICIOS DE MEMORIA ESTRENO CONTINENAL Paraguay / Argentina / Francia / Alemania 2016 – Color 70 min.

Dirección y Guión: María Paz Encina Producción: Silencio Cine, Constanza Sanz, Palacios Films, MPM Film, Autentika Films​ Dirección de Producción: Juana Miranda Fotografía: Matías Mesa​ Diseño de Arte: María Onis Diseño sonoro: Catriel Vildosola Montaje: María Astraukas​ Música: “​ Mi pequeño amor” Ramón Ayala; colecta sonora de Mito Sequera​ ​Actuación especial: Hebe Duarte; voz en off inicial Isabela Marini; los niños Alberto Isidro Cachilo Borda, Claudio David Borda, Joel Octavio Borda, Trinidad Noemí Borda, Agustina Cecilia González, Brian Ezequiel Suarez, Gerard Nicolás Suarez, Luciano Agustín Monje; y testimonios de Elba Elisa de Goiburú, Rogelio, Rolando y Jazmín Goiburú Con el apoyo en Paraguay de FONDEC, el CCRCABILDO, la SECRETARÍA NACIONAL DE CULTURA y Tiendas PILAR Apoyo Internacional de INCAA, Goteborg Film Fund, CNC - aide Cinémas du Monde, World Cinema Fund, Doha Film Institud, ZDF, Hubert Bals Film Fund, Programa Ibermedia Distinciones: seleccionada para el Festival Internacional de San Sebastián 2016; entre otros.

Pedimos a la cineasta que nos envíe un texto propio para presentar su película. Es el siguiente: A mí me contaron una historia que te quiero contar…

La historia de la humanidad…. El opresor y el oprimido… La misma historia navegando en tiempo y espacio…En los espacios de una casa. De una y mil casas…. En los sonidos de una radio de ayer. Y en el eco de los sonidos de hoy. La presencia humana. Una dictadura, el exilio y la persecución 35 años. Infancias armadas… La infancia, siempre la infancia… El monte, el río y las voces de aquellos, las voces de otros, las voces de los mismos. Siempre los mismos… El vacío. Casi todo lo demás son cielo y plantas.

Duermen. Duermen el sueño de encontrar… Eso es EJERCICIOS DE MEMORIA. El 25º Festival se enorgullece presentar en carácter de estreno continental el segundo largometraje de la aclamada autora de Hamaca Paraguaya (2006), película que ha hecho mucho por dar un digno rostro y una geografía internacional al Paraguay. Sin embargo, la producción del segundo largometraje de Paz Encina fue casi un imposible, demostración de lo terrible que significa la ausencia de un instituto y de un fondo nacional de cinematografía que cuide y promueva sus talentos de mayor renombre.

Después de un largo y difícil trayecto, concretó este segundo opus. Nuestras felicitaciones y nuestro mayor reconocimiento a su empeño invencible por brindar este testimonio valiente a nuestra ciudadanía paraguaya y este legado artístico al imaginario colectivo de nuestro país.

LA ÚLTIMA TIERRA Paraguay / Holanda / Chile / Catar 2016 – Color 77 min.

Dirección y Guión: Pablo Lamar Producción: Pablo Lamar, Ilse Hughan y Dominga Sotomayor Producción Ejecutiva: Gabriela Sabaté Fotografía: Paolo Girón Montaje: Felipe Gálvez Dirección de arte: Carlo Spatuzza Dirección de sonido: Pablo Lamar Con: Ramón del Río y Vera Valdez Barreto Premio por Excepcional Logro Artístico en el Festival Internacional de Rotterdam 2016; Premio Internacional del Canal ARTE; distinciones internacionales varias en el desarrollo del proyecto; entre otros.

Una pequeña casa en un cerro aislado del Paraguay. Aquí vive una solitaria pareja de ancianos. La mujer está agonizando.

Amancio la acompaña y la asiste hasta el último instante de su vida. A la mañana, él inicia el duelo y lleva adelante un ritual personal de despedida, sin práctica religiosa alguna: la limpieza del cuerpo y de la ropa, la preparación de la tumba y, finalizando el día, la despedida y el entierro.

Esta es la opera prima del joven cineasta paraguayo egresado de la Universidad del Cine de Bs As, quien desarrolló una carrera como diseñador de sonido en varias producciones extranjeras. El Festival se había ocupado de exhibir su primer cortometraje Ahendu nde Sapukai en el 2008, en el cual –como también en su siguiente corto Noche adentro– se había aproximado a las intenciones de

este largometraje. Se trata de un cineasta sólido y valiente, con una mirada muy personal, que propone al espectador adentrarse en una estética cinematográfica de imágenes y sonidos, apenas narrativo, más bien de atmósfera, percepciones, sensaciones y sugerencias. En estilo minimalista, sin recurrir a diálogo alguno, invita a una percepción calma y aguda del tiempo, de las acciones y del entorno, para que a través de ella nos internemos en el sentimiento de pérdida, en el presente y el futuro de soledad que vive Amancio. El gran actor paraguayo Ramón del Río (homenajeado en esta edición) compone otro personaje inolvidable para la antología del cine paraguayo.

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ESTRENO DE CORTOMETRAJES PARAGUAYOS PY’A GUASU (Coraje) Paraguay 2016 Color 11 min.

Dirección, Guión y Producción: Ricardo Morínigo Dirección de Fotografía: Esteban Corti Dirección de Sonido: Ricardo Morínigo y Juan Salinas Con: Ricardo Morínigo, Guillermo Vallejos, Víctor Bogado Ayala y otros.

KURUSU REBELDE Paraguay 2015 – Color 28 min.

Dirección, Guión y Producción: Miguel Agüero Montaje: Ángel Molina Con: Enrique Vera, Teresita Pesoa y Dante Silvera Premio Mejor Cortometraje en el 13º Festival Latinoamericano de Cine Lapacho 2016.

Blásida, una anciana de 80 años, acompañada de su nieto Felipe de 11 años busca los restos de su esposo desaparecido durante la dictadura de Alfredo Stroessner.

El campesino Pablino, que necesita dinero para salvar la vida de su pequeña hija, asegura conocer el lugar donde enterraron al hombre. Llegan hasta una cruz conocida como Kurusu Rebelde (Cruz del Rebelde), pero al caer la noche él debe marcharse al recibir una triste noticia. Blásida y Felipe tendrán que seguir solos con la búsqueda.

KURUSU SERAPIO Paraguay 2016 Color 7 min.

Dirección, Guión, Producción y Montaje: Marcos Codas Co-guionista: Harumi Martínez Dirección de Fotografía: Jorge Samson Sonido: Florencia Duarte Con: Christian Cuadra, Alexis Amarilla, Leila Benítez y Camila Sigaud

Canendiyú. La vida de un comunicador corre peligro debido a las constantes denuncias que realiza sobre narcopolítica y deforestación en la zona. Pero está resuelto a desenmascarar al principal responsable, un joven político emergente del departamento de Canindeyú.

QUIMERA Paraguay 2016 Color 5 min.

Dirección, Guión, Fotografía y Producción: Antonella Eguren Ravines Con: Larissa Gómez Godoy Los instantes que fueron se hacen presentes ahora.

De manera fugaz pasa cada imagen como cuando se retrocede la cinta de una película antigua. Allí se escapan mil suspiros y deseas volverte al entonces.

Como cuando cae el último pétalo de una rosa marchita que dejaste en agua por mucho tiempo. En ella va volviendo esa imagen intensa en manifestación de añoranza, desespero y aflicción. Las cárceles del silencio en unos ojos que gritan.

Chris es un joven que disfruta de una vida llena de lujos, tanto económicos como sentimentales. Cierto dia termina misteriosamente una relación amorosa. Sus amigos Leila y Alex intentan resolver el misterio de su repentina desaparición.

MARCAS EN EL AGUA Paraguay 2016 Color 8 min.

Dirección, Guión, Producción y Montaje: Ángel Molina Dirección de Fotografía: Jeisson Rodríguez Sonido: Magali Apodaca

Montaje: Alexis Benitez y Arturo Barrios Con: German Recalde y Mary Caballero

Ella, piel de papel, susurra poesía en barcos llenos de oídos. Él, llama primigenia, espera y esboza melodías que hipnotizan las distancias. Un barco teje puentes de agua y fuego entre dos mundos, dos orillas, dos seres.

NACIMIENTO DE KUÑA Paraguay / Argentina 2015 – Color 7 min.

Dirección y Guión: Soledad Ayala Animación: Ana Brunetti, Luciano Ardissone, Soledad Ayala Voz: Hermes Grance Animación Ñanderuvusú, el primer dios guaraní, se crea a sí mismo y a sus compañeros Ñamandú, Karai, Jakaira y Tupá, para darles la misión de crear a la primera mujer.

Para ello antes deben terminar la Tierra. Estos dioses traviesos compiten entre sí y de sus travesuras van surgiendo los distintos paisajes. Ñamandú le da forma a la primera mujer pero necesita aprender una importante lección para poder darle vida.

TAXIMETRÍA Paraguay 2015 Color 14 min.

Dirección: Alexis Benitez Guión: Ricardo Loup Producción: Yasmina Samudio Dirección de Fotorafía: Vladimir Fleitas

Martin es un taxista de la ciudad de Asunción. Durante su ronda nocturna empiezan a ocurrirle una serie de percances. Ha de vivir la peor noche de su vida.

YVYPORA - ALFA & OMEGA Paraguay 2015 Color 11 min.

Dirección, Guión y Montaje: Ricardo Morínigo Producción: Ricardo Morínigo y Rut Coronel Dirección de Fotografía: Esteban Corti Sonido: Aural, Juan Carlos Careaga y Fernando Bustto Con: Gloria Insaurralde y Ricardo Morínigo Post apocalipsis, el último varón vive el epílogo de su vida en medio de la casi completa destrucción del medio ambiente. La última mujer aparece e intenta persuadirlo sobre la necesidad de preservar a la humanidad. Las posiciones radicalmente opuestas chocan, apeligrando la extinción de la especie.

LA RECUPERACIÓN DE UN ANGELITO TESORO OLVIDADO LUNA DE CIGARRAS LA SANGRE Y LA SEMILLA

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Paraguay / Argentina 1959 Blanco y Negro 78 min.

Una película legendaria, ya que después de su estreno tuvo poca difusión y casi no han sobrevivido copias; en la Argentina porque fue menospreciada por su punto de vista paraguayo, en Paraguay por desidia y por la inexistencia de una cinemateca nacional. La Fundación Cinemateca del Paraguay logró un rescate a partir de la única copia fílmica 16 mm existente en Bs As y, gracias al aporte del Centro Cultural El Cabildo, la Fundación Cinemateca del Paraguay y la Fundación Augusto Roa Bastos, en Conmemoración a los 150 Años de la Guerra contra la Triple Alianza, el 25º Festival presenta una nueva copia digital restaurada.

Se constituye en un importante patrimonio cultural: fue filmada en locaciones del Paraguay y en él pueden encontrarse testimonios del talento de destacados paraguayos y argentinos, tanto de las artes escénicas, como de la literatura y la música. Para más informaciones referirse a la Sección Más allá de la guerra y al libro: “La Sangre y la Semilla: un Tesoro Recuperado” a ser publicado en el marco del 25º Festival.

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NOCHE DEL VIDEO CLIP PARAGUAYO TA’ANGA PU El videoclip musical paraguayo existe hace tiempo y cada año gana mayor notoriedad y calidad. Sin embargo, no tiene el reconocimiento local que ya se merece.

Se sabe que este formato es uno de los caminos para nuevos cineastas y que directores de renombre, como Martin Scorsese y Steven Soderbergh, lo frecuentan. También es sabido que es una de las formas de mayor experimentación cinematográfica.

Por todo ello y en otra acción inédita en la historia del cine paraguayo, el Festival Internacional de Cine ha decidido instituir La Noche del Video Clip Paraguayo Ta’anga Pu con los objetivos de promocionar y valorizar el videoclip musical nacional, cooperar en su difusión, fomentar sus talentos y una calidad aún mayor en su producción, en beneficio tanto de la música como del cine paraguayo.

La Noche del Video Clip Paraguayo Ta’anga Pu consiste en la Función Noche del Video Clip Paraguayo Ta’anga Pu y el Premio al Mejor Video Clip por Votación del Público.

La inscripción fue abierta para realizadores/as paraguayos/as o extranjeros/as de videoclips paraguayos de todos los géneros musicales, realizados a partir del 2014.

El Mejor Video Clip será seleccionado por Votación del Público en las redes sociales y por votación en la misma Función Noche del Video Clip Paraguayo.

El Mejor Video Clip Paraguayo recibirá el Premio Panambi en la Noche de Clausura del 25º Festival Internacional de Cine el día lunes 24 de octubre del 2016.

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TA´ANGA PU

¡Larga vida -con música, baile y cine- para el Video Clip Paraguayo!

“Cocina tradicional, sin apuros”

Ayolas 631 c/ Gral. Díaz Tel.: 441743

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Sección

Más allá de la Guerra

La Guerra contra la Triple Alianza fue la más grande y desigual de la historia sudamericana. Terminó con el exterminio casi total de la población paraguaya y con la destrucción de un proyecto único de país en el continente americano. Se llama de tantas formas distintas: la Guerra del Paraguay, de la Triple Alianza, la Guerra del 70, la Guerra Grande o la Guerra Guazú. Se cumplen 150 años. El Mercosur Cultural la conmemora a través de un programa llamado “Más allá de la guerra”. El 25 Festival -que se ha unido a esa conmemoración- adopta ese mismo nombre para esta sección, pero dándole una aplicación más amplia, refiriéndose a todas las guerras, ese flagelo constante de la humanidad.

Cada una de las películas incluidas en esta sección plantea un diálogo con la Historia y con la esencia de la naturaleza humana.

La Guerra contra la Triple Alianza, la Guerra del Chaco, la Guerra de las Malvinas, la Segunda Guerra Mundial, la Guerra de Medio

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Oriente, la guerra en Irak, Georgia, Afganistán, Kenia o en cualquier parte del mundo implican tanto la derrota de la política, el fin de la diplomacia y la negación de los sentimientos, como el triunfo de la crueldad y del gran negocio armamentístico, el ejercicio del terrible sufrimiento y la aniquilación de todo lo que el ser humano puede tener de bueno.

Son cuestionadoras reflexiones documentales que debaten las versiones oficiales impuestas por el lado victorioso; o son narraciones profundamente antibélicas que evitan el espectáculo glorioso de la guerra (esa paradoja inherente en el lenguaje del cine), que testimonian poéticamente en contra de una de las obras más horrorosas de la condición humana y que retoman el valor de la vida, de una y cada una de las vidas perdidas en las estadísticas y los números sin vida.

LA RECUPERACIÓN DE UN TESORO OLVIDADO

LA SANGRE Y LA SEMILLA Paraguay / Argentina 1959 Blanco y Negro 78 min.

Dirección: Alberto Dubois Guión: Augusto Roa Bastos basado en el cuento “Raíces de la aurora” de Mario Halley Mora Producción Ejecutiva: Benjamín Bogado Fotografía: Luis Galán de Tierra Montaje: Rosalino Caterbeti y Jorge Levillotti Música: Herminio Giménez Con: Olga Zubarry, Ernesto Báez, Romualdo Quiroga, Eladio Martínez, Carlos Gómez, Roque Centurión Miranda, José Guisone, Mercedes Jané, Leandro Cacabelos, Celia Elías, Rafael Rojas Doria, Mario Prono, Sara Giménez, Javier Franco, César Alvarez Blanco, Críspulo Melgarejo, Antonio Montórfano y otros.

Las terribles vicisitudes de una población paraguaya ante la invasión de las fuerzas aliadas durante la Guerra de la Triple Alianza (18641870). Es el momento del éxodo y el comienzo del trágico final de aquella epopeya inmortal. En las publicaciones publicitarias de mayo 1959, mes y año del exitoso estreno en Asunción, se pueden leer: “El Heroísmo y la Fe de un pueblo encarnados en un hombre y una mujer que supieron ser fieles a su causa”; “Coraje y Heroísmo, Pasión y Ternura, venciendo al Destino en una conmovedora historia de la Guerra Grande. Por primera vez en el cine el tema de nuestra Epopeya Máxima”.

Una película legendaria, ya que después de su estreno tuvo poca difusión y casi no han sobrevivido copias; en la Argentina porque fue menospreciada por su punto de vista paraguayo, en Paraguay por desidia y por la inexistencia de una cinemateca nacional. La Fundación Cinemateca del Paraguay logró un rescate a partir de la única copia fílmica 16 mm existente en Bs As y, gracias al aporte del Centro Cultural El Cabildo, la Fundación Cinemateca del Paraguay y la Fundación Augusto Roa Bastos, en Conmemoración a los 150 Años de la Guerra contra la Triple Alianza, el 25º Festival presenta una nueva copia digital restaurada. Se trata de un importante patrimonio cultural: fue filmada en locaciones del Paraguay y en él pueden encontrarse testimonios del talento de destacados paraguayos y argentinos, tanto de las artes escénicas, como de la literatura y la música. Para más informaciones referirse al libro: “La Sangre y la Semilla: un Tesoro Recuperado” a ser publicado en el marco del 25º Festival.

MÁS ALLÁ DE LA GUERRA

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CONTRA PARAGUAY Un joven y ficticio escritor argentino viaja para develar sus dudas sobre lo escondido detrás de la guerra más grande de Sudamérica ocurrida en el siglo XIX, la que enfrentó entre 1864 y 1870 a Argentina, Brasil y Uruguay contra Paraguay, un país en apogeo que representaba un peligro para los intereses comerciales del proyecto liberal que se intentaba imponer. Uno de los eventos más trágicos de la historia latinoamericana (medio millón de muertos y una nación destruida casi al exterminio) pero sobre el cual poco y nada se sabe. A partir de ese personaje de ficción, el documental construye una indagación atípica sobre las causas de esa contienda y sobre gobernantes demonizados por la historia oficial (Gaspar Rodríguez de Francia y Solano López). La Historia cobra vida desde el presente, en sobremesas de vino y asado, recorriendo sitios del pasado, entrevistando historiadores, unos con la versión oficial de los vencedores y otros del revisionismo.

Argentina 2015 Color 74 min.

Dirección y Guión: Federico Sosa Producción: Cintia Micheletti Fotografía: Aylen López Montaje: Emiliano Serra Con: el actor Gustavo Pardi como el historiador Gustavo y testimonios de historiadores y académicos de Argentina y Paraguay.

Documental

Difícil evitar el entusiasmo por este documental intrépido que contagia con su curiosidad tanto por la historia grande como la pequeña, su dinamismo y experimentación formal, que evita el sensacionalismo y el didactismo académico, no se rige por una verdad absoluta sino contrapone la palabra de expertos con las del vulgo, que visibiliza este conflicto condenado al olvido por los perpetradores; y además le da actualidad, porque la contextualiza a un trasfondo imperialista y mercantilista. Aún más, no sólo reconstruye en un caleidoscopio esa guerra, también se plantea qué implica reconstruir la Historia, pone en cuestión la verdad histórica y plantea cómo ésta puede ser interpretada, reinterpretada y difundida. Toda una proeza.

GUERRA DO BRASIL (Guerra do Brasil-Toda Verdade Sobre a Guerra do Paraguai) “La historia parece pasada pero está siempre presente. Los hechos acontecidos en el siglo XIX alrededor de la Guerra del Paraguay creo que son de una actualidad sorprendente.” A partir de la citada afirmación del gran Eduardo Galeano se despliega este ambicioso y valiente ensayo documental que entrelaza la historia oficial, el imaginario popular y los testimonios de militares, cronistas, historiadores y descendientes de soldados, articulado por un complejo panel iconográfico y musical, que incluye fragmentos de películas, ilustraciones de batallas, grabados de la época y filmaciones originales en locaciones de Brasil, Paraguay, Argentina y Uruguay.

Brasil 1987 Color 79 min.

Dirección y Guión: Sylvio Back Producción: Sylvio Back Fotografía: José Medeiros Montaje: Laércio Silva Con: voz narradora de Hermano Henning, testimonios de historiadores y académicos de varios países, entre ellos Carlos Pussineri Scala y Eduardo Galeano.

Documental

Desde el mismo título, trastocando el nombre oficial brasilero de “a Guerra do Paraguai” o “Guerra Grande” como muchos la llaman en Paraguay, el inconformista investigador, escritor, poeta y cineasta Sylvio Back revisa el mayor y más sangriento conflicto armado del siglo XIX en Latinoamérica (1864-1870, con aproximadamente un millón de personas muertas) y a la vez el capítulo más oculto en la historia del continente, con un divertido tratamiento caleidoscópico y un tono irreverente pero afectivo, muchas veces irónico y autobiográfico. Fue el producto de cuatro años de investigación y un rodaje accidentado durante la dictadura de Stroessner. La película tuvo su estreno para nuestro país en el Festival de 1990 con la presencia del director, de Augusto Roa Bastos (quien era el invitado de honor) y otras personalidades del Mercosur.

LA TIERRA DE GUARÁN Paraguay 1934 Blanco y Negro muda 41 min.

Dirección: Carlos Abreu Sosa, Fausto Giménez Pecci, Tomás Montanaro y Julián Nery Huerta Canto y orquesta: Samuel Aguayo Compaginación, Fotografía, Sonido y Laboratorio LUMITON (Bs As) Documental

En la retaguardia y el frente de batalla, hombres y mujeres se movilizan para reclamar un inhóspito territorio, donde se enfrentan tropas paraguayas y bolivianas durante la Guerra del Chaco (1932–35). Es la primera realización fílmica sonora paraguaya (sonido óptico), luego de tres décadas de películas mudas. Fue rescatada y restaurada digitalmente por el Programa MERCOSUR Audiovisual y conforma la Selección de Obras Audiovisuales rescatadas con aporte de la Unión Europea gracias al convenio con la RECAM (Reunión de Autoridades de Cine y Audiovisual del Mercosur). La película anterior sobre la Guerra del Chaco fue la coproducción argentino-paraguaya En el Infierno del Chaco (1932, Roque Funes), la cual utilizó el sistema Vitaphone (con grandes discos para la banda sonora). Esta última fue rescatada y restaurada por la Fundación Cinemateca del Paraguay y ha sido exhibida en varias ocasiones.

BOQUERÓN Ver en la Sección Oficial de Largometrajes

MANDARINAS Ver en la Sección Oficial de Largometrajes

FRANCOFONÍA Ver en la Sección Exhibiciones Especiales

MIL VECES BUENAS NOCHES Ver en la Sección Oficial de Largometrajes

ELIZA LYNCH: REINA DE PARAGUAY Ver en la Sección Exhibiciones Especiales

OMAR Ver en la Sección Oficial de Largometrajes

SOLDADO ARGENTINO SOLO CONOCIDO POR DIOS Ver en la Sección Oficial de Largometrajes

NOTA PERIODÍSTICA

Por Carlos Miguel Giménez cultura.lanacion@gmail.com @culturalanacion

Imaginando una guerra E

l sábado 2 de junio de 1900, el Teatro Nacional (hoy Teatro Municipal de Asunción) celebró la primera función del cinematógrafo en Paraguay, traído por el empresario y actor argentino Florencio Parravicini.

Solo habían transcurrido 5 años desde la primera proyección mundial de los hermanos Lumière en la capital francesa; y tres décadas desde la finalización de la Guerra de la Triple Alianza o Guerra del Paraguay.

A partir de entonces, el cine tendría escasos y muy esporádicos avances en Paraguay, mientras la nación se sumergía en turbulencias políticas y sociales, pasando por guerras civiles, y la Guerra del Chaco (1932-1935).

Tras el fusilamiento del mariscal Francisco Solano López en Cerro Corá, el 1 de marzo de 1870, a manos de soldados brasileños; el estado paraguayo tuvo 47 presidentes hasta el 15 de agosto de 1954, cuando -tras un golpe militar en mayo de ese año- el general Alfredo Stroessner instaló su pesada dictadura de 35 años.

Bajo la dictadura stronista, el gobierno produjo la primera y única película

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Sesquicentenario de la Triple Alianza 1864-1870

largometraje de ficción paraguaya enteramente con capital estatal: Cerro Corá, que resumía los sucesos de la Guerra de la Triple Alianza y tomaba su nombre de la última batalla, en que perdió la vida el Mariscal López. Estrenada en el año 1978, la superproducción movilizó 5 mil extras, y costó unos 600 mil dólares (cerca de 2.216.000 de dólares, según el cálculo inflacionario en 2016)… con varios costos fastuosos y remuneraciones excesivas, como fue moneda común durante esta tenebrosa y corrupta dictadura.

Orientación nacionalista

Dirigida por el paraguayo Guillermo Vera Díaz, Cerro Corá comienza con el siguiente mensaje: “En cumplimiento de la orientación nacionalista y patriótica del gobierno colorado del excelentísimo señor Presidente de la República General de Ejército, Don Alfredo Stroessner.”

“Esta película la produjo la delegación permanente de la Honorable Junta de Gobierno ante las seccionales de Ybycuí, Acahay y La Colmena, presidida por el Ministro de Hacienda, General Don César Barrientos.”

“Miembros: Juan Esteche Fanego, Agustina Miranda González, Pedro Acuña Franco, Félix Guzmán Acosta, Lic. Ladislao R. González, Lic. Benito Alvarenga.”

“Esta primera película de largometraje dirigida y ejecutada totalmente por artistas paraguayos, está inspirada en la mística del más límpido y noble nacionalismo, sin obscuros propósitos de alentar resentimientos que conspiren contra la concordia de los pueblos.”

“El film es un mensaje del gobierno y pueblo paraguayos en pos de la comprensión de las naciones en paz y armonía, al demostrar que las guerras no conquistan la libre determinación de los pueblos, ideal sublime que condujo al Mariscal Francisco Solano López a su épico final.”

No obstante, pese al entusiasmo para enviar la película en la selección del prestigioso Festival de Cannes (y no fue aceptada), a que Vera Díaz desarrolló otro proyecto (Boquerón, en 1985, una batalla relevante de la Guerra del Chaco), y a que Cerro Corá participó del festival de cine del Mundial de Fútbol en México ’86; la dictadura de Stroessner fue incapaz de ver el verdadero potencial propagandístico del cine, y esa ausencia de políticas culturales fue también heredada a los siguientes gobiernos inmediatos de la transición democrática.

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La guerra hermana

A mediados del siglo XIX, mientras Europa seguía fragmentándose en varios importantes conflictos bélicos (como las guerras de Crimea, de los Ducados, y de las Siete Semanas); Inglaterra salía de su segunda Guerra del Opio con China; la de Paraguay con sus tres vecinos se puede emparentar con la Guerra de Secesión, o la guerra civil estadounidense (1861-1865); de hecho, siendo Gran Bretaña la mayor potencia imperialista de la época, proveyó buena parte del armamento en diversos territorios en pugna.

Prácticamente desde los comienzos de Hollywood, la Guerra de Secesión se hizo presente a través de la monumental El nacimiento de una nación (1915) de D.W. Griffith. La pulseada entre la Unión y los estados confederados, teniendo la abolición de la

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esclavitud en medio, inspiró un centenar de tramas en la pantalla grande, dejando una estela de clásicos como: El maquinista de La General (1926), Lo que el viento se llevó (1939), La roja insignia del valor (1951), Centauros del desierto (The Searchers, 1956), El bueno, el feo y el malo (1966), Tiempos de gloria (1989); hasta las más recientes, Cold Mountain (2003), o Lincoln (2012), de Steven Spielberg; e inclusive la sátira de acción y terror Abraham Lincoln: Cazador de vampiros (2012).

Inquietudes aliadas

La Guerra de la Triple Alianza, que casi supuso el exterminio de Paraguay, y que sepulta aún toneladas de leyendas épicas, ronda la decena de largometrajes. Se destacan cuatro documentales, que reflejan las inquietudes de miradas provenientes de Brasil y Argentina: Guerra do Brasil - Toda verdade sobre a Guerra do Paraguai (1987), de Sylvio Back (Brasil); Cándido López - Los campos de batalla de José Luis García (2005), que siguiendo la figura de un pintor manco, se adentra en la historia más global; Contra Paraguay (2014), de Federico Sosa (Argentina), quien también busca explicaciones en primera persona; así como Eliza Lynch: Queen of Paraguay (2013) de Alan Gilsenan, producción irlandesa que a partir de la novela Calumnia (2005), de Lillis y Ronan Fannong, desenreda el costado histórico del mítico acerca de la mujer de Cork que dejó atrás el lujo europeo para acompañar al Mariscal López hasta el final.

En mayo de 2016, Luiz Rosemberg Filho conmocionó en Cine PE, festival de Recife, con Guerra do Paraguai, premiada con el Premio Especial del Jurado, un poético encuentro en blanco y negro de un elenco teatral ambulante y un soldado. Contrario al documental Guerra do Paraguai – A nossa Guerra Grande del canal History Brasil, que generó polémicas en redes sociales, tanto por contradicciones en la versión paraguaya de dicha historia, como en el retrato desfavorable de la monarquía brasileña.

Menor repercusión tuvo el documental A última guerra do Prata, producido en 2014 por TV Escola, en cuatro episodios. Si se trata de repercusión, el episodio Los Apóstoles del Libre Comercio (2006), de la serie argentina Algo habrán hecho (por la historia argentina), de Mario Pergolini y Felipe Pigna, debe ser la más emblemática de la televisión.

El cine argentino también se acercó a la Guerra Guasu a través de la biografía de Domingo Sarmiento, Su mejor alumno (1944), de Lucas Demare, ya que perdió a su hijo en Curupayty (en una impactante recreación); y en la nacionalista Argentino hasta la muerte (1971), de Fernando Ayala.

Mención especial merece Alma do Brasil (1931), una rareza de 55 minutos del cine mudo, mezcla de documental y ficción, grabada en locaciones donde ocurrieron los hechos históricos (señalan algunas fuentes) y basada en el libro La Retraite de Laguna (Retirada de la Laguna, 1871) del vizconde Alfredo d’Escragnolle Taunay, que luchó contra Paraguay. Se trata de la batalla de Ñandypá, en torno al río Apa, a mediados de 1867.

Cine guaraní

Si bien, la mayoría de estos títulos siguen siendo bastante desconocidos para el gran público, si se pudiera hablar de un clásico sobre esta temática, ese es La sangre y la semilla (1959) de Alberto Du Bois, con guión de Augusto Roa Bastos, a partir de un relato de Mario Halley Mora, con música de Herminio Giménez; protagonizada por la estrella argentina Olga Zubarry, con los destacados actores locales: Roque Centurión Miranda, Carlos Gómez, Ernesto Báez, Rafael Rojas Doria, César Álvarez Blanco, Mercedes Jané, entre otros. Esta coproducción entre Argentina y Paraguay

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se filmó en sitios de Itauguá y Capiatá, e incluye diálogos en guaraní en el drama de una mujer paraguaya que salva a un sargento herido y ambos deberán esconderse de su enemigo, el ejército argentino.

Adentrándonos en Paraguay, la Guerra de la Triple Alinza ha motivado películas didácticas, impulsadas en Pilar por el profesor Ramón Ramoa Salcedo, como son Acosta Ñu (2008) y Relatos de Curupayty (2009); e incluso existe una obra inédita hecha en Coronel Oviedo, titulada Kamiseta Pyta’i (2012), de Hérib Godoy, que sigue la travesía de un soldado, al concluir la guerra, de regreso a casa, junto a su esposa. Este mismo realizador es autor de Latas vacías (2014), cuya introducción alude al origen del mito de plata yvyguy (tesoros enterrados), temática que también dispara las tramas del telefilme Overava (2012), de Mauricio Rial Banti; Costa Dulce (2013) de Enrique Collar; y la segunda película de los realizadores de 7 cajas, Juan Carlos Maneglia y Tana Schémbori, en pleno rodaje de Los buscadores.

Finalmente, cabe citar el telefilme Contradanza, los campos de la guerra (2005), de Manuel Cuenca, que une ficción y documental al retratar el romance juvenil de Francisco Solano López con Juanita Pesoa, hasta el trágico desenlace en Humaitá. Lo mismo que la película Felipe Canasto (2010) de Darío Cardona, una sombría fábula situada en el año 1875, y en un país arrasado, donde solo quedaban como sobrevivientes las mujeres y algunos pocos ancianos. Otro mito apuntalado entre los pliegues de una ignominiosa historia de exterminio.

Así titulamos este nuevo bloque del Festival dedicado a los que gustan del género terror, fantástico y suspenso de alto voltaje. Se abre una puerta a una clase de películas en imparable expansión, como incluso se puede constatar en nuestra propia producción nacional más reciente (por citar: Kurusu Serapio y Gritos del Monday). Por lo tanto, es la invitación del Festival a una nueva clase de espectadores, entusiastas y cargados de adrenalina. Veremos cómo se prenden para que esta sección pueda crecer.

Incluye películas radicales del género con sello de calidad y exitoso recorrido internacional que en algunos casos pudieron haber sido vistas ya por el público joven adicto a este tipo de ofertas pero que en todo caso disfrutará verla por primera, o segunda vez como cada una de estas seleccionadas se lo merece: ¡en pantalla grande! Porque ver cine en el cine –y este tipo de cine en especial– es una experiencia sin igual.

Como marco apropiado, las funciones se dan al filo de la medianoche en los fines de semana. La propuesta total es entonces un espacio nuevo para un tipo de experiencia que, en varios sentidos, extiende los bordes del Festival.

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EL ALMA Ver en la Sección Oficial de Largometrajes

JUAN DE LOS MUERTOS

CENIZAS DEL PASADO (Blue ruin) EE.UU. / Francia 2013 – Color 92 min.

Dirección y Guión: Jeremy Saulnier Producción: Richard Peete, Skei Saulnier y Anish Savjani Fotografía: Jeremy Saulnier Montaje: Julia Bloch Música: Brooke Blair y Will Blair Diseño de Arte: Kaet McAnneny Con: Macon Blair, Devin Ratray, Amy Hargreaves, Kevin Kolack, Eve Plumb, David W. Thompson, Brent Werzner, Stacy Rock, Sidné Anderson y otros.

Premios: de la Crítica en la Sección Directors’ Fortnight del Festival de Cannes 2013; Mejor Director en el Festival Internacional de Gijón 2013; Mejor Película en el Festival Internacional de Hawai y Virginia; Premio Especial del Jurado en el Festival Internacional de Marruecos; seleccionada una de las diez mejores películas del año por la Asociación de Críticos de Dublin y la Asociación Nacional de Críticos de EE.UU.; entre otros.

Una tragedia del pasado convirtió a Dwight en un vagabundo que sobrevive de basureros, ocupando casas sin ser descubierto, durmiendo en su viejo coche azul frente a una playa, vaciado de toda necesidad de contacto social. Pero cuando se entera que el asesino de sus padres ha salido en libertad, su existencia sin rumbo se interrumpe y el rencor de años reanima su vida. Sin capacidad física y sin haber antes disparado un arma de fuego, se lanza a una venganza amateur, sin prever las consecuencias de su acto de justicia a manos propias. Así se sumerge en una trama desgarradora y en una espiral de violencia que mantiene a los espectadores al borde de sus asientos.

Película independiente, de director desconocido (su segunda obra), sin reparto de estrellas y de bajo presupuesto, pero con una calidad muy superior a los estrenos comerciales que llegan regularmente. Antítesis de la típica película de venganza carente de alma y destinada a infantilizar aún más a un público con déficit de raciocinio. Por el contrario, se trata de una gran película de suspenso y acción, impredecible en sus vueltas, con momentos brutales y otros de humor, de una tranquilidad en que la angustia, el silencio y las sutilezas gore acentúan la intensa progresión dramática. Es fácil perderse en esta película brillantemente escrita y dirigida, con la impecable composición del protagonista y una cinematografía que aprovecha la luz natural de forma tan sobresaliente. Un poderoso rompecabezas moral, que sirve a la vez como impactante retrato de las consecuencias de la violencia y perturbador reflejo de una sociedad afectada por la brutalidad.

Cuba / España 2011 – Color 92 min.

Dirección y Guión: Alejandro Brugués Fotografía: Carles Gusi Montaje: Mercedes Cantero Música: Julio de la Rosa Diseño de Arte: Derubín Jácome Con: Alexis Díaz de Villegas, Jorge Molina, Andros Perugorría, Andrea Duro, Jazz Vilá, Eliecer Ramírez, Blanca Rosa Blanco, Susana Pous, Antonio Dechent y otros.

Premios: Goya 2013 a la Mejor Película Iberoamericana; Premio del Público en el Festival de Miami ; Mejor Actor y Mejor Guión en el Festival Internacional de Cine Fantástico Fantasporo ; Premio Especial del Jurado en el Festival Latinoamericano de Biarritz ; Premio Cuervo Plateado en el Festival Internacional de Cine Fantástico de Bruselas ; entre otros.

Aún con unos años de retraso vale la pena disfrutar esta rareza del género en pantalla grande. Una película bizarra de zombies que ha recorrido exitosamente el mundo con su humor zafado, su fenomenal sátira política, irreprochable factura técnica, hilarante fauna de personajes y por supuesto: mucha sangre, sustos y risas. El divertimento está asegurado desde el inicio, cuando los amigos Juan y Lázaro, más holgazanes que chantas (que prefieren no ir a Miami porque allí hay que trabajar), están vagando mar adentro en su balsa casera y pica no un pez sino un zombi con uniforme de la cárcel de Guantánamo. De allí en más se van dando cuenta que no son simples disidentes anticastristas los que deambulan peligrosamente por la precaria La Habana, sino una invasión de muertos vivientes, aunque tal vez sea cierto que se trate de “un ataque imperialista”.

Podemos recordar que el subgénero de cine zombie surgió en 1968 con la creación del estadounidense George Romero titulada La noche de los muertos vivientes, que ya tenía notas sociales en su trama pesadillesca. En las últimas décadas las mejores películas tuvieron tono de comedia y estos seres feroces emergieron de las más dispares latitudes. Pero casi nadie esperaba que también salieran de Cuba y que los héroes en hacerles frente fueran unos impresentables que aprovechan el caos para lanzarse a un emprendimiento (léase negocio) de servicio solidario: “matar a los seres queridos cuando los familiares no pueden hacerlo”. Comedia apocalíptica, desopilante diversión, una de las mejores películas de zombies, ya convertido en un clásico del cine latinoamericano.

Sección Arte y Cultura

Películas que involucran y educan la inteligencia, la cultura, la sensibilidad y el pensamiento crítico de los jóvenes espectadores. A la vez de entretener, estas películas transmiten valores. Depende de nuestra capacidad de pensamiento para interpretarlas. El docente puede guiar a rescatar y potenciar los valores que yacen sumergidos en estas películas, para convertirlas en herramientas didácticas.

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SELKIRK, EL VERDADERO ROBINSON CRUSOE Uruguay / Argentina / Chile 2012 - Color 80 min.

Dirección: Walter Tournier Guión: Walter Tournier, Mario Jacob y Enrique Cortés Producción: Esteban Schroeder Con las voces de: Omar Aranda, Marcelo Armand, Diego Brizzi, Mariano Chiesa, Ariel Cister, Gustavo Dardés, Mario De Candia y otros.

Animación

LA MÁQUINA DE HACER ESTRELLAS Argentina 2012 Color 70 min.

Dirección: Esteban Echeverría Guión: Gerardo Pranteda y Esteban Echeverría Producción: Azul De Monte y Gonzalo Speranza Música: Hernán Reinaudo Con las voces de: Marcelo Armand, Pablo Gandolfo, Valeria Gomez, Lucila Gómez, Alejandro Outeyral, Victoria Ramos y otros.

Animación

Selkirk es un ambicioso pirata que, gracias a la posesión de unos mapas de rutas marinas, se embarca en la búsqueda del fabuloso tesoro del legendario Manila, al mando del temible y traicionero Capitán “La Peste” Bullock y su pintoresca tripulación. A lo largo del viaje, el rebelde y egoísta Selkirk arrastra a sus compañeros al juego y las apuestas, despojándoles de sus ahorros y ganándose la enemistad de casi todos, quienes finalmente deciden abandonarlo a su suerte en una isla desierta. Las peripecias que sortea en la isla para sobrevivir con unos animales de compañeros le harán olvidar sus deseos de venganza y de codicia para encarar una nueva manera de ver el mundo, descubriendo el verdadero valor de la vida. El film se inspira en la historia real que inspiró a Daniel Defoe escribir su famosa novela Robinson Crusoe.

Película bella que debería atesorarse y que es delicia para niños de 6 a 12 años.

Sin ser obviamente didáctica, de ella pueden rescatarse valores transversales como la amistad, la solidaridad, el trabajo en equipo, el respeto y el amor por la naturaleza y los animales, el descubrimiento que la riqueza radica en uno mismo y no en lo material. El veterano artesano uruguayo, adalid de la animación latinoamericana, llegó a este hito en la técnica del stop motion, que consiste en producir la ilusión de movimiento a partir de fotos que se sacan una a una de muñecos y escenarios físicos en miniatura.

Una conmovedora historia de aventuras sobre los sueños y el coraje de un niño. Pilo es un niño extraterrestre que vive con su madre y siente una extraña fascinación por el cielo desde que su abuelo, quien vive en un puesto astronómico, le ha contado la leyenda de la máquina que crea estrellas y que los varones de su familia son los encargados de mantenerla funcionando para que las estrellas sigan brillando. Una noche el cielo se apaga y Pilo deberá emprender la fantástica misión de encontrar la máquina y restaurar la luz del universo. No sabía que sería una aventura llena de peligros. El viaje lo cambiará para siempre, enfrentando al destino familiar, convirtiéndose en hombre y héroe.

Una bella película de animación. Es una fábula iniciática, una aventura espacial cargada de lirismo infantil. Es también la primera película en 3D estereoscópico producida íntegramente en Argentina, con un argumento atractivo y muy humano tanto para chicos como para adultos, que no decae en ningún momento y con un trabajo estético que resalta por la fotografía, los escenarios y la imponente banda sonora. El relato está armado con gran solidez narrativa, espectacularidad visual, con algo de la poética de El Principito, fusionando elementos futuristas y antiguos.

Incitando el universo imaginario y sensible de cualquier chico, las ilusiones, el soñar despierto, las aventuras y los juegos, la amistad, los ancestros y las historias en forma de cuentos remiten a una atmósfera que todos sentirán familiar y cálida. Una historia para toda la familia acerca de los valores y la revelación que cada uno existe para cumplir un propósito en la vida.

CATALINA Y EL SOL Argentina / Alemania / Francia 2015 Color 16 min.

Dirección, Guión y Producción: Anna Paula Hönig Montaje: Damian Tetelbaum Con: Micaela Cruz, Wayra Gabriel Ayarde y Rosa Raina Premio: 16º Festival de Cine DD.HH., Argentina En Jujuy vive la niña Catalina con su abuela Rosa, una de las últimas narradoras que queda. Ella es muy vieja, pero todos los días aún cuenta una historia sobre el sol. Catalina tiene miedo que el mundo se sumerja en la oscuridad y sabe que tiene que prepararse para el día en que deba ocupar el deber de su abuela, contando las historias y leyendas de su pueblo para que el sol pueda brillar siempre.

TODOS LOS VERANOS Argentina 2014 Color 4 min.

Dirección: Delfina Grennon Viel y Josefina Rossi Música: Juano Damiani Sonido: Leonardo Cauteruccio Animación Stella y el Agua se fusionan en la danza, entregándose a los colores y ritmos del verano. Una y otra vez se reencuentran para seguir bailando en nuevas aguas.

DOÑA UBENZA Argentina 2015 – Color 3 min.

Dirección, Guión, Fotografía y Montaje: Juan Manuel Costa Producción: Juan Manuel Costa y Mariana Carrizo Dirección de Sonido y Música: Mariana Carrizo Animación: Agustín Touriño Premio: Ganador del 7º Festival Latinoamericano de Cortometrajes Imágenes Sociales Animación La pastora lleva sus ovejas a lo alto de la montaña en busca de un momento especial.

VOVÓ TÁ NA COZINHA Brasil 2013 – Color 3 min.

Dirección: Paulo Santiago Animación Videoclip de la abuela que baila y canta mientras prepara la cena.

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Funciones de cine-debate para estudiantes y maestros que les permiten apreciar películas de valor cultural, educativo y artístico, un tipo de cine diferente al que están habituados, para luego aprovecharlas en el aula. Las películas seleccionadas son vehículos para la emoción y la reflexión, la diversión y el aprendizaje, que potenciadas por los docentes, pueden producir extraordinarios resultados en las actitudes, motivaciones y conductas de los alumnos.

Sección

Arte

Iniciada en el 2002, esta Sección ha permitido a más de 34.000 niños y adolescentes asistir hasta el 2015 a proyecciones de películas tan entrañables como KIRIKOU Y LA HECHICERA, EL BOLA, TAXI UN ENCUENTRO, LA BODA, VALENTÍN, JINETE DE BALLENAS, OSAMA, VOCES INOCENTES, VITUS, SERKO, ÁNGELES DEL SOL, NINA, ROJO COMO EL CIELO, PA-RA-DA, MONGOL, LA FAMILIA SURICATA, COBARDES, MIS TARDES CON MARGARITTE, HABANASTATION, LA REVOLUCIÓN DE JUAN ESCOPETA, LA YUMA, INSURGENTES, LOS COLORES DE LA MONTAÑA, CAÍDOS DEL MAPA, LAS AVENTURAS DE TADEO JONES, LA BICICLETA VERDE, MARÍA Y EL ARAÑA, ALGUNOS DÍAS SIN MÚSICA y APRENDIENDO A VOLAR de países tan diversos como Francia, España, Argentina, India, Nueva Zelanda, Afganistán, Bolivia, Brasil, México, Nicaragua, Suiza, Rusia, Italia, Mongolia, Colombia, Cuba, Arabia Saudita y Holanda.

Un 30% de estos niños y jóvenes nunca antes había asistido al cine.

FUNCIONES GRATUITAS SUBVENCIONADAS Con el apoyo de la Organización de Estados Iberoamericanos para la Educación, la Ciencia y la Cultura OEI podemos ofrecer este año unas pocas funciones gratuitas para escuelas y colegios de bajos recursos.

PARA LOS INTERESADOS EN PARTICIPAR Las películas seleccionadas están indicadas en el listado general de películas (pag.

9). Las funciones se realizan a la mañana y la siesta de lunes a sábado en el Villamorra Cinecenter con precios de entradas promocionales. Para acceder a estas entradas, las instituciones educativas deben solicitarlas al coordinador responsable Javier Brun nacionalcine@yahoo.com, llamando al (0984) 490 464 o visitando nuestra oficina en el Shopping Villamorra.

y

Cultura CENTRO PARAGUAYO-JAPONÉS Para el Desarrollo de Recursos Humanos

CENTRO PARAGUAYO-JAPONÉS Para el Desarrollo de Recursos Humanos

EL DERECHO A LA CULTURA

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Una película con valores forma parte del capital cultural de las personas; por lo tanto es un derecho fundamental del niño y del adolescente.

Un niño o un adolescente que no va al cine tiene afectado su capital cultural y su futura inserción social, educativa y profesional; algo que también ocurre si su conocimiento de la cinematografía se limita a un solo país.

OBJETIVOS Y FUNDAMENTACIÓN Los objetivos de la Sección Arte & Cultura son: a) ofrecer a estudiantes y docentes la oportunidad de conocer y valorar la experiencia cinematográfica como una actividad social de diversión, arte y cultura; b) comunicar vivencialmente valores transversales, de derechos humanos y cuidado del ambiente a través de películas premiadas y aplaudidas por el público juvenil en festivales internacionales; c) aportar a la comprensión de la diversidad del mundo para una convivencia social más justa, tolerante, democrática y solidaria; d) contribuir al desarrollo educativo-cultural y la sensibilidad de estudiantes y docentes mediante obras cinematográficas de calidad artística y de ideologías diferentes al cine comercial que están acostumbrados a consumir.

¿POR QUÉ LLEVAR EL CINE AL ÁMBITO EDUCATIVO? Porque el sistema de enseñanza debe estar atento a los todos los procesos de comunicación y participar activamente de ellos. El cine es uno de los principales hechos culturales ligado a las nuevas formas de lenguaje que hoy se torna indispensable trabajar. Este hecho, ligado al posterior trabajo en el aula con material didáctico, puede ayudar a reinscribir el acto de ir al cine como un nuevo contexto de aprendizaje, promoviendo “la educación vivencial” tan importante en la actualidad.

PROGRAMA CINE, EDUCACIÓN Y CULTURA

53 Patrocinado por la Fundación Itaú y desarrollado por la Fundación Cinemateca del Paraguay, este programa educativocultural ofrece tres actividades para ejecución en el periodo 2016-17 1- Guía Didáctica de Cinematografía de distribución gratuita.

2- Capacitación de docentes: Uso de Películas en el Aula y Técnicas de Cine-debate.

3- Capacitación online y participación de estudiantes en la creación de cortos con valores transversales.

Creemos que se trata de una importante contribución a la acción educativa, por lo que esperamos el reconocimiento y la participación del MEC y otras entidades.

Algunos de los objetivos generales son: • Contribuir a la formación docente en el manejo de películas como herramientas didácticas y una actividad educativa-cultural.

• Promover la apreciación de la comunicación audiovisual y sus componentes expresivos no verbales y verbales.

• Utilizar el cine como experiencia para el desarrollo de valores y competencias actitudinales que contribuyan en la formación de una personalidad sana y proactiva para la vida y el trabajo.

• Fomentar la formación de espectadores con conciencia ciudadana, con criterio y sensibilidad a la diversidad artística y cultural de la cinematografía.

• Contribuir al desarrollo de un público estudiantil con creatividad, criterio, sensibilidad e interesado en el audiovisual no sólo como entretenimiento, sino como transmisor de conocimientos, valores transversales, identidades y expresión artística.

Ginés 1.013 c/ Tte. Fariña Teléfonos: 222 899 - 208 467

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Sección

Cortometrajes y Animación55 EL CORTOMETRAJE ES CINE Los cinéfilos lo saben, pero para aquellos iniciados van estas citas ilustradoras.

“El cortometraje es una forma de arte con derechos propios.” Saara Cantell, cineasta y docente finlandesa.

“La inteligencia y destreza con la que un corto de pocos minutos es capaz de engancharnos, establecer empatía y mantenernos en suspenso es quizás las cualidad más admirable del cine breve.” Annemarie Meier, investigadora y docente mejicana.

“El cortometraje es una forma liberadora. No hay límite en lo que un corto puede ser; una atmósfera, una puñalada en la obscuridad, un estado de ánimo, un retrato, una provocación, un capricho o un evento. Pero para los cineastas emergentes un corto es extremadamente importante y específico; no sólo anuncia su voz, es la tarjeta de presentación más importante que reconoce la industria para una carrera. En el mundo, las escuelas de cine tratan de reducir la importancia del corto, premiando de a miles las licenciaturas, las maestrías y aún los doctorados en vez de apuntar a la única cosa que la industria está interesada en ver: un corto fulminante… Uno aprende a ser cineasta, haciendo películas.” Jane Campion, cineasta neozelandesa, presidente del jurado de cortometrajes en el Festival de Cannes 2013.

Su imaginación irrefrenable, en las más diversas técnicas y estilos, puede rastrearse desde los propios orígenes del cine, tal como lo demuestran las películas de George Méliés y el corto animado “Gertie, el dinosaurio” (de 1906) de Winsor McCay. El director chileno Gabriel Osorio, ganador del Oscar al Mejor Corto 2016, dice que corren buenos tiempos para los cortos, animados o no. Con el advenimiento del video por internet, los formatos más breves tienen nuevas oportunidades… y nuevo público: “Antes era muy difícil encontrar la audiencia, la gente por lo general no iba al cine a ver cortos. Pero ahora está más acostumbrada a ver formatos cortos, en YouTube o en redes. Este cambio de tendencias creo que ayuda a que resurja una audiencia para el cortometraje.”

EL CINE DE ANIMACIÓN Constituye una vertiente del cine en que toda la obra se crea a voluntad del autor, desde la plástica y su textura hasta los personajes y sus movimientos, tomando como materia de ella cualquier elemento y escapando con ella, si se quiere, a las leyes y limitaciones de la realidad. Este marco de libertad creativa explica su vigencia.

A TODAS MENOS A MÍ Argentina 2011 Color 11 min.

Dirección: Natalia Dolensky Guión: Julia Kirsman Producción: Georgina Baish & Cecilia Salim Dirección de Fotografía: Aylén López Montaje: Lucio Rodríguez Muñoz Marina, una joven acosada constantemente por sus múltiples personalidades, tiene una pelea con su novio, Rubén. Ella quiere olvidarlo, pero sus personalidades la convencen de que regrese a él. Una divertida historia sobre los conflictos internos que podría vivir una joven mujer hoy día.

EL TAMBOR Y LA SOMBRA Argentina / Perú 2016 – Color 5 min.

Dirección, Guión y Montaje: David Bisbano Producción: David Bisbano, Álvaro Urtizberea, Lisette Freire Pérez Diseño de Sonido: Luciana Foglio Música Original: Martín Sciaccaluga Animación

Una muy anciana Chimai, curandera espiritual, enfrenta a un demonio con el poder de su tambor.

El folklore y el género de terror se unen para esta joyita cinematográfica llena de atmósfera, tensión y misterio.

SELECCIÓN DE ARGENTINA EL INSOMNIO DEL ARTISTA Argentina 2014 Color 11 min.

Dirección y Animación: Mauricio Vides Almonacid Guión y Producción: Bernardo Vides Almonacid y Mauricio Vides Almonacid Dirección de Fotografía: Carlos Alberto Hitos Montaje: Gerardo Robles Nominado al STARTFEST 2015 y al Hollywood Music In Media Awards 2015 Animación

Una noche, harto de no conciliar el sueño, el artista pretende superar su insomnio levantándose a pintar. Sin embargo, algo insólito y extraordinario ocurre con sus pinturas cuando éstas cobran vida. Una bella pintura impresionista convertida en cine.

El jefe y sus empleados trabajan frente a sus computadoras, concentrados, productivos y prestando solo atención a su monitor. De repente ocurre una catástrofe: se corta internet. La empresa entra en crisis y los empleados están desesperados, exigiendo que se solucione el problema. Algo les sucede fuera de la pantalla. Pero vuelve internet.

ERROR 404 Argentina 2016 – Color 14 min.

Dirección y Guión: Mariana Wainstein Producción: Sol Aramburu Dirección de Fotografía: Matias Nicolas Con: Mario Alarcon, Julieta Zylberberg, Paula Grinszpan, Katia Szechtman, Iair Said, Walter Jakob, Maria Fernanda Callejón y Santiago Korovsky.

Premio: Tercer lugar en Competencia de Cortometrajes Argentinos BAFICI 2016

56 LA CANOA DE ULISES Argentina 2016 Color 14 min.

Dirección, Guión y Producción: Diego Fió Montaje: Diego Fió y Andrés Quaranta Dirección de Fotografía: Pablo Iacovone Música: Tomás Argomedo Con: Isabelino Paredez y Juan Luis Chamorro

Itaeté y Ulises, un anciano y un adolescente Guaraní, están internados en el monte construyendo una canoa. Itaeté trata de inculcarle su legado tradicional, pero el muchacho no está interesado. Su verdadera vocación es la música. Ulises es rapero. Pero un accidente hará que Ulises acepte el legado atávico.

ZOMBIES Argentina 2014 – Color 9 min.

Dirección y Guión: Sebastian Dietsch Producción: Cecilia Roggero Dirección de Fotografía: Nicolás Pittaluga Montaje: Guido Preger Dirección de Sonido: Mariana Delgado Música: Omar Giammarco Con: Mariana Brangeri, Pablo G. Pérez, Maria Mercedes Elicabe y Mariano Oyarguren Premios: Mejor Cortometraje y Premio IncaaTV en el 29º Festival Internacional de Mar del Plata; 1° Premio en el Festival Nacional de Villa Mercedes, San Luis; 1° Premio Festival Nacional de Cortos de Esteban Echeverría; 1° Premio Festival Maipú Cortos; 2° Premio Chicago Latino Film Festival, EE.UU.; Mención Especial Amarcort Film Festival 2015, Italia; Mención del Jurado al Guión, Festival Tandil Cortos; entre otros.

Es de noche y una pareja es perseguida por zombies. Se encierran en una habitación, sin posibilidad de escape.

Deben salvar sus vidas pero descubren que el peligro está más cerca y es mayor de lo que pensaban.

SELECCIÓN DE REINO UNIDO Y RUSIA

I AM SAMI Reino Unido / Irak 2014 – Color 15 min.

Dirección y Guión: Kae Bahar Producción: Kae Bahar, Mark Blaney y Jackie Sheppard Montaje: Simon Pearce Dirección de Fotografía: Phil Wood Música: Alasdair Cooper Con: Nick Court y Bawar Landon Premios: Mejor Cortometraje y Mejor Director en el Festival Internacional de Cortometrajes AIM, India 2014; Cinemafest, México 2014; Mejor Corto en el Festival Internacional de Cine de Babilonia, Irak 2016; Mejor Edición en el 1º Festival Internacional de Cine de Erbil, Kurdistan 2014; entre otros.

Un niño de 10 años vive en una zona de guerra y se ve obligado a tomar decisiones más allá de su entendimiento; decisiones que le podrían privar de su infancia y cambiar su vida para siempre. Bellamente, ilustra y expande la sección monográfica Más allá de la guerra.

ABOUT A MOTHER (Pro Mamu) Rusia 2015 – B y N 7 min.

Dirección, Guión y Montaje: Dina Velikovskaya Producción: Liubov Gaydukova Dirección de Sonido: Artem Fadeev Primer Premio Ópera Prima 3º INSOMNIA, Rusia 2015; Mejor Corto en la 45º Experiencia Giffoni, Italia 2015; Mención Especial en el Varna World Animation, Bulgaria 2015; entre otros.

Animación Esta historia es sobre una madre que ha dado tanto que parece que no le queda nada... sin embargo, la vida le abre nuevas oportunidades. Puro relato poético en blanco y negro.

Un tributo a la madre. Una joya de animación.

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El corto animado que logró el primer Oscar de la historia para Chile Primer cortometraje animado latinoamericano premiado con el Oscar

SELECCIÓN DE CHILE

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LA HISTORIA DE UN OSO Chile 2014 – Color 9 min.

Dirección: Gabriel Osorio Guión: Daniel Castro y Gabriel Osorio Producción y Montaje: Patricio Escala Sonido: Christian Cosgrove Premios: Oscar 2016 al Mejor Cortometraje de Animación; Mejor Cortometraje Animado en Festival Internacional de Cine de Cleveland 2015; Mejor Animación en el Festival de Cine Independiente de Washington DC 2015; entre otros.

Animación

Una historia maravillosa y muy conmovedora, en la que un ser triste y solitario construye un mágico diorama para recordar la vida feliz de antaño, con su esposa y su hijo, antes de que un circo lo arrancara de su hogar y lo hiciera trabajar por la fuerza y vivir una existencia miserable. El personaje es un oso, que representa un abuelo. Su encierro en un circo es en realidad un exilio forzado. Y el diorama representa el mundo. Porque esta virtuosa obra es la metáfora que realizó el director para narrar el sufrimiento de su abuelo con la llegada del régimen militar de Augusto Pinochet y la vivencia de presos políticos, exiliados y desaparecidos entre los años 70 y 90. Pero se desprenden no sólo lecturas políticas, también un mensaje sobre el abuso de los animales. Toda una joya.

SELECCIÓN DE COSTA RICA y VENEZUELA AMOR DE TEMPORADA Costa Rica 2015 – Color 6 min.

Dirección, Guión, Fotorafía y Producción: Sergio Pucci Dirección de Sonido: Sergio Gutiérrez Montaje: Gabriela Henández Con: Felipe Ramírez, Emma Weiler, Justo Barrantes, Pauline Fleitz y Marcelina Gutiérrez En un pequeño pueblo de Guanacaste, Costa Rica, un niño camina a comprar huevos al pueblo. Hasta que se produce un inesperado flechazo. Impactado por la visión de una niña extranjera, se lanza impulsivamente a la conquista.

Un corto que también impacta en la platea por su exacto diseño y factura.

Un atrapante e inquietante relato. Es de noche y en la ciudad cortaron la luz. Una madre soltera recibe la visita de Cándido, su última pareja y su más reciente fracaso en la búsqueda de una figura paterna para su pequeña hija. Él vuelve porque quiere protegerlas en la oscuridad, probablemente.

SELECCIÓN DE MÉXICO DE MESMER CON AMOR, O TÉ PARA DOS México 2002 – Color 9 min.

Dirección: Salvador Aguirre y Alejandro Lubezki Guión: Alejandro Lubezki Producción: Grazia Rade Dirección de Fotografía: Emmanuel Lubezki Montaje: Mariana Rodríguez Con: Ari Brickman, Fabiana Perzabal, Emilio Echevarría y Muni Lubezki Premio Canal+, Premio Kodak y Premio Golden Rail en el Festival de Cannes 2002; Premio Ariel de la Academia de Cine de México 2003; Mejor Corto en el Festival Internacional de Valladolid y en el Festival de Lleida; Premio de la Crítica Nacional en el Festival Internacional de Cine del 2002; entre otros.

LA CULPA, PROBABLEMENTE Venezuela 2016 Color 14 min.

Dirección, Guión y Montaje: Michael Labarca Producción: Joaquín González, Sebastian Peña y Michael Labarca Dirección de Fotografía: Freddy Matos Con: Vanessa Morr, Abilio Torres y Sara de la Osa 3º Premio en la Cinéfondation del 69° Festival de Cannes, 2016.

Reprise Aniversario de Plata: éxito del 12º Festival 2003

A pedido de nuestro público, reprisamos este éxito de la década pasada. Alberto recurre a prácticas perturbadoras y extravagantes para romper la coraza de su soledad y lograr sus deseos, enfocados en su nueva y atractiva vecina. El director contó con su hermano, el hoy famoso ganador de tres premios Oscar, como director de fotografía de este multipremiado corto, ejemplo de narración precisa con un final contundente.

SELECCIÓN DE ESPAÑA ACABO DE TENER UN SUEÑO España 2014 – Color 7 min.

Dirección, Producción y Montaje: Javi Navarro Guión: Javi Navarro y Pedro Herrero Dirección de Fotografía: Carlos Cebrián Dirección de Sonido: Pedro Aviñó Con: Andrea Mas y Estela del Carmen Premios: Mejor Corto en el Festival de Cortometrajes de Eibar, el 9º Festival Internacional de Cine de Sax, el 19º Avanca Film Festival en Portugal; entre innumerables galardones nacionales e internacionales.

Irene tiene ocho años y acaba de despertar de un sueño horrible, de una pesadilla. En su sueño había sido una niña de otra raza, en otra realidad, llena de dificultades y problemas. Con astucia y precisión narrativas, compone perspectivas y plantea puntos de vista desde la mirada inocente y objetiva de la niñez femenina.

Un hombre maniático del orden castiga de manera desmesurada a su gato. El dueño comienza a perder la cordura mientras especula obsesivamente sobre los posibles planes de venganza de su mascota. El terror psicológico se plantea y crece con ferocidad en este corto que va del asombro a lo oscuro.

LILA España / Argentina 2014 Color 9 min.

Dirección, Guión, Montaje y Animación: Carlos Lascano Sonido: Vasiliy Filatov Música: Sandy Lavallart Con: Alma García Premios: Tercer Premio al Mejor Cortometraje en el CHEFCHAOUEN Festival Internacional para Niños y Jóvenes, Marruecos; Premio del Público y Mejor Mezcla de Animación y Ficción en el Festival de Cortometrajes AUTUMN, EE.UU.; Mejor Cortometraje Festival Nacional de Cortometrajes Tandil Cortos y Latinoamericano de Rosario, Argentina; entre otros.

Con la Cooperación de PROMOFEST

DIRTY FRIDAY España 2010 – Color 8 min.

Dirección, Guión y Animación: Adrián M. Delgado y Tenesor Cruz Producción: Carlos Roca Ramírez Sonido: Manuel Tricás Gonzáles, Tenesor Cruz y Adrián M. Delgado Premios: Mejor Cortometraje Animado de Canarias 2010; Mejor Corto de las Islas 7º FAIAL, Portugal; Mejor Dirección en el Cinemad 2011; entre otros Animación

Provista de su block de dibujo, Lila va por el mundo convencida de tener el poder para convertirlo en un lugar mejor. Sentada en un bar, paseando por el parque o simplemente caminando por la calle dibuja las líneas que llenan de magia y color todo cuanto la rodea. Un relato fresco y mágico, un personaje inolvidable.

Actividades de

58 Miércoles 5, 12, 19 y 26 de octubre CENTRO CULTURAL DE LA EMBAJADA ARGENTINA 18 a 21 hs Taller Introducción al Guión Cinematográfico por Simón Franco.

Jueves 6 de octubre PALACIO BENIGNO LÓPEZ – CANCILLERÍA NACIONAL 19 hs Lanzamiento y Reunión de Prensa.

Marcelo Esteban Echeverría

Sábado 15 de octubre EL ESTUDIO 10 a 12 hs Taller de Actuación con el actor Mariano Bertolini protagonista de Soldado Argentino.

SHOPPING VILLAMORRA – PUNTO DE ENCUENTRO 14:30 hs Conversatorio Apreciación Cinematográfica.

15:30 a 17:30 hs Charla Magistral El Arte de la Imagen Narrativa por el maestro Félix Monti (*).

Domingo 16 de octubre SHOPPING VILLAMORRA – PUNTO DE ENCUENTRO 19:30 hs Conversatorio Apreciación Cinematográfica.

Lunes 17 de octubre CASA BICENTENARIO IGNACIO NÚÑEZ SOLER DE LAS ARTES VISUALES Y AUDIOVISUALES 19 hs Charla Profesional Producción Cinematográfica: Roles y Experiencias del Productor Ejecutivo, Jefe de Producción, Jefe de Locaciones y Asistente de Producción por los productores Sebastián Feldman, Marcelo Vitali y Mario Vitali.

Jueves 20 de octubre CINEMAS VILLAMORRA – OLD GREEN IRISH PUB 22:30 hs Noche del Videoclip Paraguayo. Brindis a continuación.

Viernes 21 de octubre CASA BICENTENARIO IGNACIO NÚÑEZ SOLER DE LAS ARTES VISUALES Y AUDIOVISUALES 19 hs Charla Profesional Producción y Realización de Animación por Marcelo Esteban Echeverria.

Sábado 22 de octubre CENTRO CULTURAL DE LA REPÚBLICA EL CABILDO 14 a 19 hs 13º Foro de Cine del Mercosur.

PLAZA DE LOS HÉROES 19:30 hs Cine en la Plaza.

Domingo 23 de octubre SHOPPING VILLAMORRA – PUNTO DE ENCUENTRO 19:30 hs Conversatorio Apreciación Cinematográfica.

Historiadora Ana Barreto

Luján Loioco

Formación y Eventos

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Lunes 24 de octubre CINEMAS VILLAMORRA 20 hs Gala de Clausura. Entrega de Premios y Recital Cine y Música de la Guerra Guasú.

Martes 25 de octubre MANZANA DE LA RIVERA

19 hs Seminario Filosófico 3 Pensando el Cine Paraguayo y del Mercosur: La Guerra contra la Triple Alianza en el Cine.

Expositores: Sylvio Back (Brasil), Ana Barreto y Antonio Pecci (Paraguay) y Paraná Sendrós (Argentina).

Lanzamiento del Libro La Sangre y la Semilla: Un Tesoro Recuperado.

Guarani

Antonio Pecci

Miércoles 26 de octubre MANZANA DE LA RIVERA 19 hs Charla Cine Paraguay Cine de Autor por María Paz Encina.

20 hs Charla Cine Paraguay Talentos Frente a Cámara con la participación de Ramón del Río, Emilio Barreto, Jazmín Bogarín, Agustín Núñez y otros actores y actrices del cine paraguayo.

Todas las actividades son de entrada libre y gratuita a excepción de la indicada con (*). Están sujetas a cambios o variaciones.

Informaciones en www.cinefestpy.org Sylvio Back / Foto: Mauro Vieira

13º FORO CINE DEL MERCOSUR Tema 1: Por la

Ley del Cine Paraguayo a cargo de la Mesa Multisectorial del Audiovisual

El Foro Cine del Mercosur fue creado como un espacio de encuentro y reflexión de profesionales de la región sobre las problemáticas de la cinematografía como industria cultural, entretenimiento y expresión artística.

Sábado 22 de octubre - 14 a 19 hs CENTRO CULTURAL DE LA REPÚBLICA EL CABILDO Entrada libre y gratuita

Tema 2: Cine, Educación y Cultura a cargo de Walter Tournier y Esteban Echeverría

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Pรกginas del

Recuerdo

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AGRADECIMIENTOS

62 Equipo de Organización Dirección, Producción y Programación: Hugo Gamarra Etcheverry Encargada de Relaciones Interinstitucionales: Julie Banks Producción y Relaciones Públicas: Graciela Fretes Supervisor Técnico de Programación y Proyección en Sede Principal: Carlos Molina Encargada de Comunicación Prensa: Daniela Candia Encargada de Comunicación Digital: Renata Pachioni Encargados de la Sección Arte y Cultura: Armando Pavón y Liliana Valdés Encargado de Actividades Paralelas y Eventos: Julie Banks Contabilidad: Carolina González Coordinación Sede Principal en Shopping Villamorra: Mabel Pereira Producción Ejecutiva en Sede Principal: Tania Benegas Enlace Shopping Villamorra: Alexandra Blanco Asistencia de Dirección y Programación: Osvaldo Sánchez Asistencia de Producción: Rodrigo Díaz y Nuvia Delgadillo Secretaría: Diego Florentín Asistencia de Secretaría: Romina Martínez Promoción y Documentación: Guadalupe Melgarejo Staff en el Shopping Villamorra: Carlos Salazar Apoyo Logístico: Walter Espínola Ayudantía Logística: Aurelio Franco Creaciones Audiovisuales: Aura Audiovisual Coordinación de Diseños e Impresiones: Romina Martínez Diseño Webmaster y Community Manager: FocusMedia Registro Fotográfico: Instituto de la Imagen Promociones Radio Aspen y Venus: Diego Roura

Dirección General de Cultura y Turismo Municipalidad de Asunción – Teatro Municipal Ignacio A. Pane – Centro Paraguayo Japonés – Holding de Radio – Cinemas Villamorra – Shopping Villamorra – Centro Cultural de la Rca. El Cabildo – Casa Bicentenario de las Artes Visuales Ignacio Núñez Soler Secretaría Nacional de Cultura – Ministerio de Relaciones Exteriores del Paraguay – SENATUR – Ministerio de Educación y Cultura – Marien Peggy Martínez y Marcela Capra OEI SUDAMERIS BANK – Rodrigo Marín Planet Internet – Universidad del Pacífico – Radio Venus – Radio Nacional del Paraguay – Radio Libre – Radio Aspen Classic – Periodistas amigos del Festival – Hotel Internacional – Tracks – Sector Siete – Liz Cramer Fundación Itaú – Nuestra Señora de la Asunción Embajadas y Consulados del Paraguay en Argentina – Eduardo Machuca Ministerio de Relaciones Exteriores de Chile – Misiones Diplomáticas Extranjeras en Paraguay: Irlanda, Francia, Alemania, Argentina, Rep. de China (Taiwán), Bolivia, Chile, Colombia, Costa Rica, Italia, España, Israel – Instituto Cultural Paraguayo Alemán-GZ – Centro Cultural de España Juan de Salazar CDI FILMS – MIRADA DISTRIBUTION – BUENA VISTA – ZETA FILMS – IFA CINEMATOGRAFICA – 20th CENTURY FOX – UIP – WARNER BROS – ATERA FILMS – CINE OJO – CUVISIÓN – Adrián Cañete CINEMÁTIKO – PROMOFEST – Centro Costarricense de Producción Cinematográfica – Tonchy Antezana – Federico Sosa – Sylvio Back – Antonio Pecci – Vanessa Ragone – Esteban Echeverría – Tito Vitali – Pablo Lamar – María Paz Encina – Constanza Sanz P. – Walter Tournier – Luis Vainikoff Jorge Jury – Mario Franco y Loren Ortiz Instituto de la Imagen – Guillermo Iturrieta IPAC – Roberto Rodríguez – Gustavo Benítez – Alcides Roa Barrios – Osvaldo Codas – Macarena Caballero – Vicente Fernández – Richard Careaga – Ariel Alcaráz y Sebastián Cañete Papelgraf – COPEL – Touring Cars – Eloisa Scura Don Vito – Gloria Florentín Hijas de Feliciana de Fariña – Hugo Díaz UNA. BAFICI – FESTIVAL INTERNACIONAL DE MAR DEL PLATA – PANTALLA PINAMAR – FICIP Argentina – FLORIANÓPOLIS AUDIOVISUAL MERCOSUL – FESTIVAL DE CINE INUSUAL DE BUENOS AIRES – CINEMATECA URUGUAYA

Creación de afiche: Celeste Prieto Editor Artístico catálogo/revista y gráficos: Luis Serrano Diseño de aplicaciones varias: Renata Pachioni Producción Comercial: FocusMedia Redacción y Dirección catálogo: Hugo Gamarra E. y Osvaldo Sánchez Editor de impresos: Osvaldo Sánchez Apoyo de la Dir. Gral. de Cultura y Turismo de la Municipalidad de Asunción: Judith Blanco, Gilda Medina y Gilda Nicora Apoyo del Centro Cultural de la Rca. El Cabildo: Ana Martini y Sara Saracho Apoyo de la Secretaría Nacional de Cultura: Zulma Masi y Violeta Barua Asesores de la Fundación Cinemateca: Agustín Núñez, Pachín Centurión, Ray Armele, Marciano Centurión, Dirma Pardo y Liliana Centurión Consejo Asesor del 25º Festival: Vicente Morales, Graciela Meza, Benjamín Fernández Bogado y Fernando Pistilli Representante Asesor en Río de Janeiro: Leonardo Gavina Representante Asesor en Buenos Aires: Ovidio Ottaviano Representante Tráfico de Películas en Buenos Aires: Esteban López

¡¡Gracias a todos!!