VISION 23 2018

Visionarios:

Eduardo Asenjo Ache MarĂ­n Johnny Palacios Dino Valls

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Palabra de Editor

Número 23 2018

Amigas y amigos visionarios, Pocas palabras pueden causar tanta confusión a un hispanohablante como “surrealismo”. En su etimología francesa, la partícula sur significa “encima” así que surréalisme no quiere decir otra cosa que “por encima de la realidad”.

Dedicamos el tema de portada de esta edición a mostrar el trabajo de autores neosurrealistas que demuestran estar muy por encima de la realidad cotidiana, interpretando ambientes, sueños y conceptos complejos por vía de imágenes intrigantes, sugerentes, retadoras.

La fotografía nada convencional del chileno Eduardo Asenjo parece ser una invitación a hacer una pausa en la vorágine de un mundo acelerado. Utiliza una técnica personal de exposición larga (a la que también dedicamos un artículo) que le permite capturar el movimiento y congelar la expresión de sus personajes.

El zaragozano Dino Valls, uno de los máximos exponentes de la actual figuración de vanguardia, explora la psicología profunda femenina con sus bellas y melancólicas modelos imaginadas. El peruano Johnny Palacios, que comparte con Valls su formación médica, también abandonó la medicina para dedicarse a la creación pictórica. Desde Colombia, Ache Marín nos muestra su trabajo de simbiosis fotográfica entre el individuo y su territorio.

Los cuatro conforman la selección de Visionarios de este número.

Consejo Editorial Director General / Editor Christian Fernández Alonso Directora Editorial Mamen de Zulueta Corresponsal - Nueva York Joaquín Carter Corresponsal - Londres Patricia de la Cuadra Corresponsal - Buenos Aires Diego Moscato Corresponsal - Barcelona Luciano Benites Directora de Relaciones Públicas Enid de la Parra Publicidad publicidad@chfvision.com Portada: Lara Zankoul.

Nuestra artista invitada, la canadiense Ellen Jewett nos cautivará con su innovadora escultura antrozoológica en la que se encuentra con los postulados del psicoanálisis.

Y cómo no, al mirar atrás nos encontramos con la obra de uno de los grandes surrealistas de todos los tiempos, René Magritte.

Les invitamos a dejarse llevar por encima de la realidad con este número cargado de inteligencia, belleza y sueños.

CHF

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©

Espacio de Artes Visuales

Publicación trimestral online editada por VISION Iberoamericana, S.L. www.chfvision.com

Copyright 2018© VISION Iberoamericana, S.L. Todos los derechos reservados.

Colaboran en este número: Madeleine Filippi Alma Navarrete Julián Puig Carla Suárez

Queda prohibida la reproducción total o parcial y por cualquier medio manual, mecánico o electrónico sin el consentimiento escrito del editor. Copyright: todas las imágenes son propiedad de sus respectivos autores. Todos los textos, imágenes y demás contenidos son responsabilidad exclusiva de sus autores. La publicidad gratuita se incluye como cortesía y sin costo ni compromiso alguno para el anunciante. Toda publicidad pagada es responsabilidad exclusiva de sus respectivos anunciantes. Tanto CHF VISION como su editor declinan cualquier responsabilidad respecto a la veracidad y/o legitimidad de los contenidos.

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Editorial El surrealismo es usted

Artista Invitada Ellen Jewett

INCONTENIBLE

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Arte mobiliario Reconcebir el mueble

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Leo Dorfner Punk Art

124 Larga exposición Criaturas de la noche

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Pasado Perfecto René Magritte

136 Visionarios Eduardo Asenjo Ache Marín Johnny Palacios Dino Valls

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Nicola Verlato.Take the Road to Nowhere. 2012.

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VISION Editorial

NEOSURREALISMO: El surrealismo es usted

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firma George Steiner, el célebre crítico de la cultura, que la capacidad de decirlo y no decirlo todo, de construir y deconstruir espacio y tiempo, de engendrar y decir contrafácticos —”si Napoleón hubiese mandado en Vietnam”— hace hombre al hombre. Muy probablemente esta capacidad contrafáctica en el terreno de las artes visuales constituya la noción más perfecta de neosurrealismo.

Un movimiento artístico se identifica como una tendencia o estilo en el arte con una filosofía u objetivo común específico, seguido por un grupo de artistas durante un período de tiempo concreto. Esta definición bien podría aplicarse al neosurrealismo, aunque no tenga un fundador o grupo de seguidores declarados en particular.

Contrarrevolucionaria, además, porque rescata la imagen de lo abstracto y no duda en recurrir al hiperrealismo, al fotomontaje digital, a la generación de imágenes computerizadas o a la realidad virtual, aumentada o mixta para construir imágenes perfectas, imposibles, inimaginadas, superrealistas.

El campo del neosurrealismo es altamente intrincado y ferozmente disputado, y no existe un consenso universal sobre qué constituye precisamente tal neo-surrealismo. El término sigue siendo muy inestable, cambiando de significado según quién lo usa, cuándo, dónde y en qué contexto. Esto ciertamente refleja la naturaleza en conflicto dinámico, en constante desarrollo y heterogénea del movimiento en sí.

El neosurrealismo expresa estados poéticos interiores del ser, previstos en el espacio y la forma irracionales. La posibilidad de crear realidades alternativas nacidas de los sueños o de lo profundo del subconsciente vuelve a fascinar a los creadores.

En su Curso de Retórica, Nietzsche aseguraba que “no son las cosas las que entran en la conciencia, sino la manera en que nos relacionamos con ellas, el phitanón.

La plena esencia de las cosas no se capta nunca”. De esa misma concepción se deriva esta contrarrevolución artística: la realidad no está dada fuera del sujeto, sino que se construye a través de la mirada del sujeto cognoscente.

Fantasías, visiones, alucinaciones, mundos oníricos liberados de la razón se constituyen en objetos mentales trasladables al lienzo, la escultura, la fotografía.

Con prepotencia de genio, Dalí tuvo el descaro de afirmar “el surrealismo soy yo”. Hoy en día, el pithanón renovado impone una concepción personal, individual y contrafáctica de la apreciación artística. Así que no le quepa la menor duda: el neosurrealismo es usted.

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VISION Tendencias

Arte Mobiliario RECONCEBIR EL MUEBLE

Kai Linke. Mirror Chairs. 2009.

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eparado por arte de la recreación visual de su intencionalidad y funcionalidad básica, el diseño de mobiliario abandona su rígido territorio para abrir nuevos caminos expresivos.

De la mano de artistas experimentales como el alemán Kail Linke, algo tan familiar como una silla se torna en un artilugio que invita a la resolución de un problema, por más que haya que intentarlo de pie. Es la ruptura de un arquetipo sólidamente asentado en una sociedad no acostumbrada a cuestionarse demasiado acerca de su entorno.

El plástico invita a la deformación. Las sillas que surgen de este proceso adquieren un significado totalmente diferente; cada una de ellas tiene su propia y muy especial identidad que a veces incluso parece poética, como las dos sillas que se unen para abrazarse.

Lila Jang, una joven escultora de Seúl, Corea del Sur, practica la transformación de lo ordinario en extraordinario. Inspirada por las limitaciones de un apartamento pequeño y el deseo de escapar de la rutina a menudo monótona de la vida real, Jang encuentra la utopía al convertir la idea tradicional de mueble en algo retador. Mesas, sillas, escritorios y taburetes adquieren características fluidas, alocadas o exageradamente voluminosas, transformándose en artículos de fantasía para el hogar. Ahora son piezas caprichosas antropomorfas, gestuales, ingeniosas y vagamente humanoides, sin desconectarse completamente de su naturaleza original y más funcional.

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Lila Jang. Canapé. 2017.

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Stefan Wewerka. Stuhlskulptur. 1969.

VISION ¿Dónde se sitúa el origen del nuevo arte mobiliario? Durante décadas, el diseño industrial estuvo marcado por la doctrina del funcionalismo Form follows function (La forma sigue a la función). La tarea del diseñador era la de crear respuestas, en base al análisis de las necesidades sociales, que presentaran además un máximo grado de funcionalidad. Sin embargo, este enfoque fue puesto en práctica utilizando un concepto de función muy limitado: se consideraba únicamente la función práctica o la técnica (manejo, ergonomía, construcción, ejecución). La dimensión de las funciones de los signos o de las funciones comunicativas del producto continuaron siendo tabú.

La crítica del funcionalismo a mediados de los años sesenta asumió un carácter radical.

Comenzaron a generarse cambios históricos que influenciaron directamente en el diseño y en sus rumbos estéticos. La funcionalidad perdió espacio y las piezas comenzaron a ganar valor artístico. Las famosas sillas de Wewerka, con formas más marcadas y una carga de elementos “kitch”, se transformaron en el símbolo de ese cambio. Las curvas, los colores, el uso de materiales reciclados y todo lo que se consideraba “incorrecto” en el diseño ganó aceptación.

La transformación del mueble objeto en producto artístico autónomo consituyó una de las propuestas más arriesgadas de Stefan Wewerka. Para el polifacético arquitecto, diseñador y escultor de Magdeburgo, la percepción artística no era igual a un tipo de proceso de resolución de problemas en el que la inestabilidad semántica debiera resolverse para que la obra de arte funcionase. En su lugar, la apreciación podía beneficiarse de recompensar la idea de lo inestable.

En 1978 comenzó a trabajar con la compañía Tecta, para la cual diseñó muebles a medida.

Incluso incursionó en el cine y el diseño de moda. Pero su principal aportación fueron sus esculturas con sillas, en las que el arte visual y el diseño se unen de manera incomparable.

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Mi trabajo representa quiénes y dónde estamos como seres humanos: en el punto medio de esa lucha constante entre la realidad y el ideal.

- Lila Jang En el diseño se dejaba sentir la influencia del movimiento ecléctico de los neomodemos, que se formó sobre todo en Italia en el colectivo de Memphis, y se hizo notar de forma creciente en la República Federal Alemana. En 1983 RolfPeter Baacke, Uta Brandes y Michael Erlhoff proclamaron el “Neue Glanz der Dinge” (Nuevo esplendor de los objetos), que suponía el primer impulso verdadero de cambio en el panorama del diseño, por consiguiente, de superación de la doctrina del funcionalismo. De este modo, se dieron cita los primeros adeptos del movimiento Memphis bajo el lema: “Ahora todo es posible.”

La nueva vanguardia no se orientó ya a las exigencias de la producción en serie, ni tampoco a la satisfacción de las necesidades humanas, sino fundamentalmente a la expresión individual del espíritu de la época. El lema Form follows function se transformó en “Form follows fun” (la forma sigue a la diversión).

Artistas como Lila Jang, Michael Beitz o Ai Wei Wei han elegido continuar con esta diversión transformándola en sátira o en activismo social.

Tras su regreso a China (vivió en el exilio en los Estados Unidos desde 1981 hasta 1993), Ai Wei Wei comenzó a investigar las tradiciones artísticas y culturales de su país natal, una actividad que había sido prohibida desde la revolución cultural. Coleccionando y estudiando diversas antigüedades chinas, comenzó a integrar los objetos y piezas de mobiliario habituales en su propia práctica creativa como un medio para

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Lila Jang. Consola.2017.

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VISION abordar la exportación de valores culturales y el conocimiento histórico en el contexto del arte.

Weiwei es conocido por desafiar irreverentemente la glorificación ciega de la tradición, las fuerzas de la represión cultural y civil, y la penetración del consumismo en la sociedad china contemporánea.

Ya sea para cuestionar el statu quo, profundizar en la experimentación visual y en la expresión escultórica... o, solo y sencillamente, como mera diversión, el nuevo arte mobiliario reclama un espacio propio fuera de los dormitorios y los comedores.

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Ai Wei Wei. 20 sillas de la dinastía Qing. 2009.

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VISION Arte Fotogrรกfico

Larga exposiciรณn

Criaturas de la noche

Steve Lance Lee. 2018.

Stephen Wilkes. Day to Night. Flatiron 9/11, NYC. 2012.

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uando el sol se pone y sale la luna, los edificios, los monumentos y puentes, los paisajes naturales brillan con sus propias luces. La noche otorga un indescriptible encanto adicional a todo, ya sea una persona una ciudad o incluso una montaña.

Muchos fotógrafos se han interesado por fotografiar la noche, y muchos se vieron pronto desanimados por las enormes dificultades que suponía trabajar con película de baja sensibilidad y largas exposiciones. Hasta el advenimiento de la cámara digital, pocos realmente lograron resultados notables pese a intentarlo con inspiración y dedicación.

Aunque marcada por lapsos generacionales, la historia de la fotografía de larga exposición ha puesto de relieve algunos esfuerzos distinguidos, como los de los pioneros Paul Martin o William Fraser; otros absolutamente geniales, como es el caso de Stieglitz, Steichen y, por supuesto, de Brassai, el cámara noctámbulo por excelencia.

Pero no fue hasta mediados de la década de 1970 que la fotografía nocturna comenzó a captar la imaginación de tantos, y ha crecido exponencialmente desde entonces, volviéndose verdaderamente universal.

Cosas extrañas suceden cuando juegas con el tiempo. Lo que nos impulsa a fotografiar con mínima luz es nuestra fascinación por la transformación de la realidad con el paso del reloj: la compresión del tiempo en una sola imagen. Movimiento, cambios atmosféricos, lo inesperado y lo inexplicable se graban sobre la imagen durante una larga exposición. La fotografía resultante, a veces tocada de poesía, sugiere otra dimensión o una alteración de ésta.

Otra realidad, usualmente una que es más bella y más pacífica.

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Paul Reiffer. Shanghai Tower. 2015.

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Martin Divisek. Perseidas. 2018.

Por la noche, en áreas remotas, mientras se está solo y enfocado en la naturaleza durante una exposición prolongada, se toma conciencia de la universalidad de todas las cosas. La Tierra está girando constantemente en correlación con las estrellas y los planetas. La atmósfera a tu alrededor se vuelve palpable, ya sea en calma o al borde de una tormenta. Estos elementos, fuera de control, alterarán no solo el estado de ánimo de la toma, sino también su diseño y, a veces, su significado último.

Dependiendo de la dirección en que se estén fotografiando, las estrellas y los planetas se grabarán sobre la imagen como espirales alrededor de la Estrella Polar, que infiere movimiento e infinito, o crearán líneas diagonales

que, a veces, apuntan directamente a donde se enfoca la cámara. La atmósfera, ya sea inmóvil o en movimiento, se amplificará misteriosamente.

La fotografía de larga exposición por su propia naturaleza, exige un estudio subjetivo. Fotografiar por la noche requiere que uno mire el mundo desde una perspectiva diferente. La fotografía nocturna no debe ser considerada simplemente una extensión de la fotografía diurna porque la luz nocturna transforma el mundo conocido en algo desconocido y extraño.

La fotografía nocturna no es nueva. Desde los primeros momentos, sus pioneros intentaron capturar los cielos. Lo que ha cambiado en los últimos años es la capacidad de las cámaras

Steve Lance Lee. 2018.

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digitales para producir una calidad de imagen suficiente de exposiciones largas para hacer justicia creativa a los esplendores del cielo nocturno. Las primeras cámaras digitales no funcionaban bien con poca luz o con exposiciones prolongadas, produciendo un “ruido digital” significativo, similar al grano en la película, cuando se dispara a equivalentes ISO altos o tiempos de exposición superiores a unos pocos segundos.

Cada generación sucesiva de sensores de cámaras digitales ha mejorado este rendimiento.

Hoy en día, algunas cámaras digitales pueden producir una calidad de imagen de exposición prolongada muy superior a lo que era posible con la película, y la astrofotografía es más accesible que nunca.

- VISION Justin Ng. Monte Bomo, Java, Indonesia. 2014.

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Dino Psicostasia. 2005.

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Valls

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Constellatio. 2017.

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ino Valls (Zaragoza, España, 1959). Desde 1988 vive y trabaja en Madrid. Tras una constante afición por el dibujo en su infancia, comienza a pintar al óleo de manera autodidacta en 1975. Se licencia en Medicina y Cirugía en 1982 en la Universidad de Zaragoza, dedicándose e manera profesional y única a la pintura.

Es uno de los representantes de la actual figuración de vanguardia, poseyendo su pintura una fuerte influencia de la perspectiva humanística recibida de sus estudios centrados en el ser humano. Al principio de los 90, estudió la técnica del temple de huevo, y fue personalizando los procedimientos de los maestros flamencos e italianos de los siglos XV al XVII en la combinación de temple y óleo.

En lo conceptual, su pintura se centra en la psique humana, utilizando las técnicas figurativas sólo como un soporte formal, en el que se proyecta un contenido subconsciente con una profunda carga psíquica que se desarrolla en un proceso simbólico de intelectualización. Al no utilizar modelos reales, ni para las figuras ni para los escenarios, su pintura se aleja de los postulados del realismo, elaborándose mediante una idealización impregnada de un fuerte contenido inconsciente.

Ha participado en numerosas exhibiciones internacionales de arte, y ha realizado diversas exposiciones individuales en Europa y Estados Unidos.

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Mare Incognito. 2015.

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Acus. 2015.

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Aurum. 2014.

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Personae. 2016.

“No sólo la precisión hace que estas obras sean memorables, sino que la sofisticación intelectual que las concibe logra que el mensaje sea comunicado con más fuerza y nitidez.”

- Edward Lucie-Smith

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Ferula. 2017.

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Ars Magna. 2010.

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Proscaenia.2011.

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Labor Intus.2014.

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Dies Irae. 2012.

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Eduardo Asenjo

Matchbooks under cigarettes. 2018.

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duardo Asenjo (Valdivia, Chile, 1990).

Ha realizado estudios de diseño y arquitectura y desde el 2015 es fotógrafo autodidacta.

Una dificultad auditiva le ha llevado a explorar caminos alternativos de expresión visual mediante la utilización de técnicas de exposición larga, el movimiento intencional de la cámara y exposición múltiple. En su propias palabras: “Las diferencias no pueden considerarse limitaciones; aunque en nuestra cultura estos conceptos se usan comúnmente como sinónimos, las limitaciones no son más que la oportunidad de encontrar otras rutas para el mismo fin, y ahí es donde encuentro mi inspiración.”

Ha realizado su primera exposición “El sonido del silencio” en la galería Enebada de Vitoria, España, en la galería Urbana Valdivia y en la Radiian-t de Chile. También en la galería Old Street de Ecuador.

Su obra ha captado la atención de publicaciones de arte y fotografía en diferentes países como EYE-Photo, Photographize, Black Magazine, Fisheye o The Streets, entre otras.

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Esquí. 2018.

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“YO BUSCABA ENAM VECES USANDO F

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Cab (fragmento). 2018.

MORARME DE LA IMPERFECCIÓN DE LA IMAGEN, A FILTROS QUEBRADOS O SUCIOS Y SOLO A PULSO.”

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NiĂąo cebra. 2018.

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Marcha. 2017.

The Sound of Silence. 2018.

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Pescador. 2018.

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“Para poder escuchar a alguien necesito eliminar todo el ruido de otras personas y concentrarme sólo en una sola voz.”

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Micro. 2018.

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Good Ridance. 2018.

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Pick apart the pieces you left. 2018.

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Ache MarĂ­n

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Niño.2016.

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Sabio. 2016.

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che Marín (Bogotá, Colombia, 1983). Estudió fotografía en Bogotá.

En 2012 trabajó como fotógrafo en el Plan de Salvaguarda Sikuani. Desde ese momento se dedica a la fotografía documental explorando simultáneamente otras dinámicas digitales.

En 2014 viaja a México para realizar un diplomado de Narrativa Fotográfica en la fundación Pedro Meyer. Cuando regresa a Colombia sigue trabajando con las comunidades y, a la vez, como asistente de fotografía de alimentos y publicitaria, como freelance cubriendo eventos y haciendo foto fija en rodajes para agencias de publicidad.

Posteriormente dirige su interés hacia el retoque digital. Mezcla su influencia documental y el compromiso social con herramientas digitales que llegan a rayar con la ilustración.

Su trabajo parte siempre de la fotografía y del contacto con las dinámicas culturales, de su interés por ser testigo y testimonio de lugares, personas, rituales en los que peligra su coexistencia, y que algún día serán solo parte de la historia. Partiendo de este tópico, crea una primera serie de retratos con la comunidad indígena Sikuani, tratando de evidenciar el lazo eterno entre el individuo y su territorio. Una simbiosis, con esta serie de retratos, que en su interior lleva su territorio cosmovisión y costumbres.

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Mayor. 2016.

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Alguacil. 2016.

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Mujer. 2016.

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Abuela. 2016.

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Tumbaga 3. 2018.

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Tumbaga 5. 2018.

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Tumbaga 4. 2018.

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Tumbaga 2. 2018.

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Tumbaga 6. 2018.

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Tumbaga 1. 2018.

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Caballos de Neptuno. 2011.

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ohnny Palacios (Callao, Perú. 1970). Vivió toda su infancia en la ciudad de Lima. Desde niño tuvo nociones de dibujo y pintura que marcarían su vocación. Cursó estudios de Medicina en la Universidad San Martín de la capital. Tras dos años deja la universidad e ingresa a los talleres del Museo de Arte de Lima con la seria finalidad de iniciar desde entonces una carrera artística. Eso fue en 1989.

Posteriormente ingresa en la Escuela Nacional de Bellas Artes de Lima, donde estudia dibujo y pintura. Poco antes de terminar sus estudios, presenta su primera exposición individual “Sueños de un Perro Gris” en la galería de Arte Praxis de Lima.

En enero de 2000 realiza su primera muestra individual internacional “Lo que vi camino a Casa”, en la Galería Tamara de San Juan de Puerto Rico.

Le seguirá la muestra “El Huerto de la Memoria” en el Museo de Arte Moderno de la ciudad de Santo Domingo. Tuvo cuatro muestras individuales más en la galería Tamara de San Juan de Puerto Rico: “El Perro Inocente” (2001), “Involuntario Desnudo” (2002), “Sombras Luminosas” (2003) y “Paginas No Pulcras” (2004). En 2005 comparte la bipersonal “Inner Resident” en el Dennis and Phillip Ratner Museum, de la ciudad de Maryland.

En el año 2006 exhibe en la ciudad de Santo Domingo la muestra “Encuentro” en la Comisión Nacional de la Unesco.

Cambia su residencia a la ciudad de San Juan de Puerto Rico en 2007 en donde desarrolla su labor artística con la galería Obra Galería Alegría.

Casi al final de su estancia en esa ciudad, realiza la muestra individual “Coronas de Hojarasca” (2011).

En el 2012 regresa a residir a la ciudad de Lima, en donde instala su hogar y su taller. Desde ahí envía su obra a diferentes partes del mundo, sobre todo a coleccionistas de Centroamérica, Europa y Asia.

Injerto. 2014.

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Buscando Terreno Fertil. 2002.

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Con el viento a favor. 2011.

“Las ideas que yo planteo son fantasías, surrealismos, ideas de un mundo alterno, diferente, paralelo e ideal.”

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Reina Sรกbila. 2010.

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Brenda. 2017.

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“Mis personajes y mis escenas van todos juntos y son parte de la misma historia, del mismo teatro.�

Centauro citadino. 2002.

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Marmol Mariposa. 2017.

Canción bajo el arbol. 2010.

“Cada pintor tiene estilos diferentes, pero en mí están también la escenografía, la fachada y el piso.”

Eros en la hojarasca. 2016.

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“El Caribe y la Isla (Puerto Rico) me han hecho ver las fantasías de otra manera.”

Pasión y sabiduría. 2012.

31/10 - 4/11 Amsterdam affordableartfair.com

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Strange and Gentle. 2015.

VISION Artista invitada

Ellen Jewett

Twin rats - Chinese horoscope series. 2013.

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llen Jewett (Markham, Ontario, Canadá, 1986). Se crió entre tritones

y caracoles, lo que le permitió apreciar las formas tridimensionales naturales a una edad temprana. En 2007 obtuvo su título de postgrado en Antropología y Bellas Artes en la Universidad de McMaster. Considerada por quienes la conocen como una empresaria por naturaleza, Ellen emprendió su propio camino como artista profesional cuando aún estaba en la escuela secundaria. Siempre con un alma curiosa, mientras trabajaba como artista continuó estudiando arte y ciencia en la Escuela de Artes Haliburton y la Universidad de Guelph.

Trabajando con una mezcla de porcelana fría y polímero sobre una armadura de alambre de metal, Ellen Jewett crea esculturas tremendamente intrincadas de animales cubiertos por una maraña de adornos surrealistas. La artista describe sus obras como el momento en que “la antrozoología se encuentra con el psicoanálisis”, donde pequeñas pistas dejadas en las plumas, el pelaje y los tentáculos de cada pieza llevan a una historia más amplia de su significado.

Cada detalle, hasta la mejor filigrana, está modelado a mano. Dentro de cada pieza la precisión está equilibrada por el caos. La estética general toca la puerta del realismo, pero intencionalmente la mano de la artista nunca desaparece: abundan las pinceladas y las huellas digitales. Incluso las narrativas en sí albergan un grado de anarquía, ya que rara vez están estructuradas formalmente. En sus propias palabras: “Más bien, busco lograr estados de flujo mientras trabajo para crear una progresión fluida de imágenes inconscientes.”

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The reliquary of paths unresolved. 2016.

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Bat. 2017.

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“Ser tan apasionada por tantos esfuerzos diferentes significa que todo el espacio negativo de la vida está saturado de contenido.”

Bear. 2018.

Dogs. 2013.

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Over the falls pair. 2018.

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“La mayor parte del flujo narrativo en y entre las piezas se produce de forma retrospectiva, pero creo que de eso se trata el acceso al inconsciente.�

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AgrĂŠganos en tus redes favoritas:

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frederique-constant.com

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Léo Dorfner

VISION Punk Art

Leo Dorfner by Antonin AM. 2018.

Léo Dorfner. Lorelei. 2015.

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éo Dorfner. Nacido en París en 1985, vive y trabaja en esa misma ciudad. Graduado de la Escuela Nacional de Bellas Artes de París (taller Djamel Tatah), es director artístico de la revista Branded.

Lo que llama la atención sobre el trabajo de Leo Dorfner son las referencias al rock y la cultura dominante. Pero el trabajo proteico de Leo Dorfner es mucho más que eso. Revela un verdadero gusto del artista por la semiótica y el simbolismo.

Los signos, pictogramas y símbolos son todos elementos que marcan el enfoque del artista.

Este conjunto de citas y referencias a la cultura popular es un hilo conductor. Fomenta una lectura diacrónica del trabajo y establece cierta violencia.

Este estudio del fragmento, basado en el principio de la cita, inevitablemente induce una temporalidad de “fragmentación” que se encuentra en el intersticio, entre una cierta

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continuidad y una dispersión. Los románticos alemanes serán los primeros en considerar esta cuestión del fragmento como un problema estético definitorio para pensar sobre los trastornos y explorar los cambios del mundo.

Leo Dorfner muestra un “momento de la fragmentación” reforzado por la omnipresencia y la acumulación de señales que se pueden encontrar en sus tatuajes de figuras humanas, en las que aparecen grabados hachas y otros objetos fetiches del artista.

El patrón del fragmento es definitivamente un reflejo de la composición. Lo cual es heterogéneo y reivindicado en los fotomontajes dadaístas u homogéneo en los surrealistas. En las novelas de Ernst, sus collages, el fragmento induce a una composición. En Leo Dorfner, el fragmento se deposita en el cuerpo humano o el material (cascos militares, carteles, hachas, etc.), para animarlos mejor.

Tres tipos de composiciones se detectan en su trabajo. La estética fragmentaria aparece en 2011 con el principio del fotomontaje que recuerda los enfoques dadaístas. En Lorelei o Show the star crashing, el artista recupera reproducciones fotográficas en las que coloca palabras y signos.

Así las obras de este período surgen como una forma de vociferación.

En un segundo momento, se produce un cambio gradual hacia el proceso de creación de “imagen simulada”. Esta evolución se puede ver en la progresiva apropiación de obras clásicas en las que el artista llega incluso a modificar o hacer desaparecer los elementos de las leyendas. La composición de los fragmentos llegará a la cabeza del cuerpo y al corazón del tatuaje.

En el trabajo de componer una imagen simulada, la estética del fragmento elimina la distinción entre modelo y copia. Los objetos y las imágenes cobran vida, y forman parte de una contemporaneidad que sugiere un reflejo del artista sobre el principio del proceso creativo: estigma de la infamia, contracultura de las pandillas, diseño gráfico de la individualidad.

Léo Dorfner. Saw the stars crashing. 2017.

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Leo Dorfner. Farewell Bastard. 2015.

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Desde 2013, un tercer tipo de composición se encuentra en acuarelas. A través de un juego narrativo más directo que se hace eco del formato Polaroid, agrega fragmentos de citas en francés e inglés a imágenes generalmente tomadas de sesiones fotográficas del artista o de Internet.

Esta elección de composición “Imagen Polaroid” es un desarrollo importante. Es el resultado de un proceso de síntesis similar al proceso creativo: Apropiación - Recomposición - Creación. Para algunos, obras como Music Non Stop Brutus Rock podrían rallar la blasfemia. Sin embargo, es solo una apropiación y relectura de lo sagrado según el criterio de la marginación. Una figura santa nacida del fervor religioso de la antigüedad, cuya cara con rasgos luminosos está de repente cubierta con tatuajes azules que cortan la palidez de la tez y la negra eclosión del grabado.

Dorfner cubre a sus personajes con palabras como un lenguaje secreto que expresa la fuerza de una interioridad mística. Vertido en las culturas del rock y el tatuaje, el artista quiere decir aquí cómo esta inclinación puede estar más cerca de un sentimiento de fe, un abandono total, incontrolable.

Sus divertimentos cuestionan las formas diferentes de vivir del hombre, sin posibilidad de retorno.

Los dibujos parecen decirnos que el tatuaje no regresa, porque marca el sentimiento divino.

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Traducido parcialmente y adaptado de FILIPPI, Madeleine L’esthétique du fragment dans l’œuvre de Léo Dorfner.2016.

Léo Dorfner. Music Non Stop Brutus Rock.

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Léo Dorfner. 2014.

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Presente en todo el mundo de habla hispana:

* Cuba * Perú * Venezuela * Chile * Guatemala * Ecuador * Bolivia * Rep. Dominicana * Honduras * El Salvador * Paraguay * Nicaragua * Costa Rica * Puerto Rico * Urugay * Belice * Estados Unidos * Canadá * Filipinas * Brasil

* España * México * Colombia * Argentina

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Le Fils de l’Homme. 1964.

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Magritte

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l Surrealismo ha significado para el arte, la literatura y el pensamiento una profunda transformación cultural y un revolucionario modo de interpretar la realidad, una corriente transgresora. El Surrealismo supone una clara ruptura con lo establecido, proclamando el nacimiento de un hombre nuevo. Exalta la intuición y se convierte en una vía de acceso a los fondos más ocultos de la mente. De ahí su gran atractivo y su poder seductor.

La obra de René Magritte, a pesar de ir por un camino casi opuesto a la ideología del Surrealismo, basada en lo inconsciente, lo fortuito, lo automático y lo onírico, resulta ser plenamente surrealista.

Magritte fue uno de los artistas-pensadores que contribuyeron a que el mensaje del Surrealismo haya llegado hasta nuestros días, consagrando su vida a la exploración de los enigmas del ser humano y del mundo. Magritte buscó horizontes más amplios del conocimiento y se opuso a determinadas formas represivas de la cultura; por este motivo lleva impreso, en su nombre y en su obra, el espíritu libre e innovador que distinguió al Movimiento Surrealista:

René Magritte. Fotografía de Duane Michals. 1965.

“El Surrealismo, que aporta a la Humanidad un método y una orientación del espíritu, apropiados para proseguir las investigaciones en los dominios que se han querido ignorar o despreciar y que sin embargo interesan al hombre, el Surrealismo reivindica para la vida despierta una libertad semejante a la que tenemos cuando dormimos.”1

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El extrañamiento, el sinsentido, la irracionalidad y el arrebato del automatismo habían sido tomados por el Surrealismo con el fin de sacar a la luz el inconsciente, así como las zonas reprimidas del alma humana, las que no pertenecían a las “buenas maneras” de las tradiciones codificadas.

La fama alcanzada por algunos de sus temas predilectos ha contribuido, sin embargo, a una interpretación estereotipada, a menudo banalizada en fórmulas que poco o nada aportan a la lucidez expresiva y al gran potencial filosófico del artista. La obra de Magritte es tan conocida y ha sido tan vulgarizada, tan reproducida en pósters y postales, tan pervertida por la publicidad y explotada como ilustración de apoyo a los temas más diversos, sobre carteles y cubiertas de libros, en una palabra, tan dirigida culturalmente… que parece imposible retroceder hasta descubrir a Magritte por primera vez.

Las imágenes de Magritte forman parte de nuestro imaginario colectivo. Estas imágenes que, partiendo del simbolismo establecido y naturalizado, consiguen romperlo para liberar el pensamiento. Paradójicamente recuperadas por la cultura, se han convertido en simbólicas, se han naturalizado. Se dice de ellas: “Es un Magritte”.

Magritte creía que pintar era una ocupación bastante aburrida, pero que al menos tenía el mérito de estar vinculada sobre todo al pensamiento y a la trasmisión lúcida de ideas.

Magritte es ante todo un pintor de ideas, de pensamientos visibles, no de temas particulares.

No estimaba las técnicas pictóricas que sirven para representar la materia, lo cual para Magritte

La Clairvoyance. 1936.

VISION

La reproduction interdite. 1937.

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VISION carecía de interés. Afirmaba que ni siquiera era necesario ver un cuadro, sino que bastaba su reproducción, del mismo modo que en literatura no es necesario ver el manuscrito de un escritor para apreciar su libro.

Para Magritte lo importante en un cuadro es lo que muestra, lo que hace ver. Dicho en otros términos: la pintura tiene que servir para otra cosa que para la pintura. Tiene que servir para pensar, para provocar un proceso cognitivo que libere el pensamiento del espectador y lo lleve a ver el mundo real en un modo nuevo; a ver el Misterio en el mundo real. La pintura será un instrumento funcional, y no siendo concebida en ella ninguna complacencia, aquélla se agotaba en los medios necesarios para evocar el Misterio.

En Magritte, el impacto poético, la emoción estética, son inseparables del placer que produce la reflexión y la actividad intelectual. La esencia del arte consiste para Magritte en un proceso que, desterrado todo atisbo racionalista, conduce a la manifestación del misterio y del absurdo, y esto último equivale a probar la existencia del mundo, a conocer su secreto supremo.

El arte mismo es juego y, como todos los juegos, se basa en una serie de reglas comunes sin las cuales no sería posible. Infringir estas reglas es situarse fuera del juego y del sistema de papeles alternativo al real que lleva consigo.

El espectador debe aprender a jugar según las reglas impuestas por Magritte, para el cual no existe una explicación de sus imágenes, ya que el misterio de sus cuadros es el misterio del mundo.

- VISION Extractado parcialmente y adaptado de: ARENAL, Mª Ángeles. Magritte, el cazador de similitudes perdidas. Tesis doctoral. Facultad de Filosofía. Universidad Complutense de Madrid, 2012.

1.- René Magritte. “La línea de la vida I”. En: René Magritte.

Escritos. Traducción Mercedes Barroso Ares. Madrid: Síntesis, 2003, 68.

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“TODO LO QUE VEMOS ESCONDE OTRA COSA, SIEMPRE QUEREMOS VER LO QUE ESTÁ ESCONDIDO DETRÁS DE LO QUE VEMOS.” -René Magritte

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