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VISION
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Palabra de Editor
Número 21 2017
Amigas y amigos visionarios, El Pop no ha muerto. ¡Viva el Pop! En este número primaveral, entre climatología impredecible, sangre alterada y colorismo queremos dejar constancia del risorgimento de este radical movimiento que vuelve a despertar pasiones encontradas en el mundo del arte actual. Dedicamos varias páginas a la intervención como esfuerzo estético de reconquista del espacio urbano para quienes deben ser sus auténticos dueños y gestores: los ciudadanos comunes que lo transitan y lo habitan. Nuestros Visionarios derrochan talento con sus innovadoras propuestas fotográficas, collages, pintura y escultura. Desde Barcelona, inspirándose en Muybridge, las cronofotografías de Xavi Bou nos harán envidiar el vuelo de las aves y contemplar los aires de un modo insospechado y hasta ahora desconocido. La disparada creatividad cántabra de Sara Huete rinde homenaje a la mujer con su revival visual de los años 50. El andaluz Gonzalo Torné nos inunda de color y ausencia de forma proponiendo espacios expresionistas y la dulzura de la argentina Camila Valdez sirve el postre perfecto a los lectores con su escultura pop.
Consejo Editorial Director General / Editor Christian Fernández Alonso Directora Editorial Mamen de Zulueta Corresponsal - Nueva York Joaquín Carter Corresponsal - Londres Patricia de la Cuadra Corresponsal - Buenos Aires Diego Moscato Corresponsal - Barcelona Luciano Benites Directora de Relaciones Públicas Enid de la Parra Asesor de Contenidos Enrique Torrijos Publicidad publicidad@chfvision.com Portada: The businessman says okay.
Desde el país del sol naciente, a caballo entre el performance, la instalación y el body art, la obra de nuestro artista invitado, Shigeki Matsuyama, reta al descubrimiento de las siluetas de sus personajes en un entorno psicodélico. Hablaremos también de la caricatura, a nuestro entender impropiamente catalogada como arte menor. Y por último, miraremos hacia el pasado para descubrir los orígenes del arte en una prehistoria de rabiosa actualidad. Colaboran en este número:
Deseamos que este número os altere.
Editor CHF
VISION
©
Espacio de Artes Visuales
Publicación bimestral online editada por VISION Iberoamericana, S.L. www.chfvision.com ISSN (en trámite) Copyright 2017© VISION Iberoamericana, S.L. Todos los derechos reservados.
Camila Andreu Sergio Basauro Johann Holmes Mari Oviedo Sarah Wein
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Editorial Regreso al planeta Pop
Artista Invitado Shigeki Matsuyama
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El Pop Art ataca de nuevo Caricatura El arte de la burla
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114 Intervención Reconquistar el espacio
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Pasado Perfecto Orígenes del arte
126 Visionarios Xavi Bou Sara Huete Gonzalo Torné Camila Valdez
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VISION Editorial
REGRESO AL PLANETA POP
U
n culturista sostiene un enorme Chupa Chups como si fuera una raqueta de tenis bajo el planeta Tierra a modo de techo. La palabra “Pop” aparece en la golosina y bajo la Tierra. Una chica rubia de revista, un logotipo de Ford, un cartel de cine, un retrato de un antepasado centenario. . ¿Qué es lo que hace a los hogares de hoy en día tan diferentes, tan divertidos? Es lo que se plantea Richard Hamilton en el primer collage pop, en el 56. Las cosas de la realidad pueden ser un objeto artístico de colores brillantes, fluorescentes, azul de China. Punteo de imágenes, reconocibles a primera vista, de la experiencia cotidiana bajo un feroz consumo. Poner el arte en contacto con el mundo. O viceversa. “Un arte que se forma directamente de la vida, que se tuerce y se extiende, que es pesado, macizo y tosco, dulce y estúpido como la vida.” según Claes Oldenburg. El artista se coloca en un punto en el espacio donde observar toda la realidad planetaria de un vistazo. La narración del universo cotidiano desde las imágene de los cómics de los chicles, libremente interpretadas y mezcladas con imágenes de los cuadros del Viejo Oeste, o la eliminación de signo de manualidad: fotografías proyectadas sobre lienzo; tiras de cómics de enormes dimensiones dejando visibles los puntos que resultan; objetos de la vida ordinaria fabricados a tamaños descomunales; fotografías sobre los hierros de un automóvil, como las utilizadas por primera vez por Rauschenberg, y en cuya carrocería se pueden observar imágenes de Florida fundidas con retratos antiguos; el Pato Donald que sostiene bocadillo hablado en su boca; réplicas en escayola pintada de alimentos; dianas, banderas, letras del alfabeto; reglas y compases sobre el lienzo, etiquetas erróneas y manchas de color sobre la pintura. El arte no es más que un Aleph que flota sobre lo real y lo ficticio en un planeta Pop. - VISION
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El Pop Art ataca de nuevo UN MOVIMIENTO IRREVERENTE, IRÓNICO Y COLORISTA REGRESA CON TODA FUERZA
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on independencia de sus innegables innovaciones lingüístico-formales, el Pop Art se distingue de otros realismos precisamente por los repertorios iconográficos y por las temáticas relacionadas directamente con los modos de vida de la sociedad de masas y de consumo. La publicidad, el sexo o los objetos prefabricados de las sociedades industriales enmascaran unas imágenes que, más allá de su papel de representación, funcionan a la manera de símbolos. Las obras pop no sólo remiten a unos contenidos sociales determinados, sino también a sus estructuras lingüísticas. El pop, en este sentido, se ha apropiado de técnicas expresivas inspiradas en los mass media, como la fotografía y distintos procedimientos derivados de ella (ampliaciones y yuxtaposiciones, collages, fotomontajes), del cómic y el cartel publicitario y de sus diferentes técnicas y recursos visuales (acumulación, oposición, supresión). Desde su surgimiento en Norteamérica en los años sesenta, el Pop Art utiliza la técnica de la yuxtaposición de diferentes elementos: cera, óleo, pintura plástica... con materiales de desecho: fotografías, trapos viejos, collages y assemblages.
VISION Arte
Andy Warhol. Bananas. 1967.
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Svetlana Shellshear. Pop Art Rose Tree Mural. 2016.
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El Pop Art rechaza así las convenciones estilísticas y temáticas de la tradición aristocrática del arte, al tiempo que desprecia la cultura de museo, el arte institucionalizado, el arte de los grandes maestros. Existe entre todos los artistas pop una verdadera fascinación por la ciudad (sus vallas publicitarias, sus letreros, sus supermercados, sus tiendas) y por el mundo de los mass media, símbolo -al decir de Rosenquist- de “nuestra sociedad libre”. Como afirma Lucy Lippard: “El pop ha sido un reflejo ilustrativo de la situación de fetichismo bajo la que se encuentra el mundo neocapitalista.” Se trata de una corriente casi exclusivamente occidental que ha ido creciendo bajo la sombra de las condiciones capitalistas y tecnológicas de la sociedad industrial. Con exponentes como Wesselmann, Oldenburg, Lichtenstein y Warhol, los Estados Unidos son la cuna de un movimiento estético que contribuirá a la americanización de la cultura de todo el mundo occidental, en especial la europea. En el Reino Unido pronto se suman al Pop artistas como David Hockney, Allen Jones o Eduardo Paolozzi, entre otros muchos.
“YO ESTOY POR UN ARTE QUE CRECE SIN SABER EN LO MÁS MÍNIMO QUE ES ARTE, UN ARTE AL QUE SE LE HA DADO LA OPORTUNIDAD DE NACER DE CERO.” - Claes Oldenburg En sus orígenes el Pop Art nació como un intento de hacer “arte popular”, creaciones a partir de imágenes que resultaran familiares y cotidianas. Los artistas comenzaron a interesarse por objetos triviales como latas de sopa, botellas de refrescos y fotografías idénticas, repetidas muchas veces con diferentes colores y en un mismo soporte.
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Rescataron también las técnicas del comic como las viñetas y el entintado de los dibujos. En esencia, estaban tomando prestados los íconos más representativos de la sociedad de la cultura popular de finales de la década de los cincuenta. Si bien los orígenes del Pop Art se remontan a 1952 y a los jóvenes artistas y críticos del Independent Group, formados en el Institute of Contemporary Art de Londres, la naciente corriente artística se dio a conocer en toda su magnitud en Estados Unidos. Y fueron esos jóvenes quienes crearon el término “pop” para referirse a la cultura popular y no solamente al nuevo movimiento estético. Por esos años los medios de comunicación, la publicidad y el diseño industrial estaban marcando una gran influencia en el arte, generando nuevas tendencias que darían como resultado el Pop Art. Se dice que este movimiento nació como una manera de reaccionar contra el expresionismo abstracto, demasiado intelectual y apartado de la realidad social. Lippard asegura también que para que se produjera este proceso fue necesaria una reflexión desde la filosofía y desde ciertas áreas
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Pascale Taurua. 2017.
VISION del pensamiento. Así, por ejemplo, en la obra de filósofos como Husserl, en la que se desarrolla su concepto de “mundo vital”; de Heidegger, que expresa su teoría del universo cotidiano en su libro El ser y el tiempo (1927) y de Witthenstein con su proposición del arte como forma de vida. O en la de literatos como Timbaud o James Joyce, ya se aprecia una vuelta hacia lo cotidiano que, aunque no ejerció una influencia inmediata sobre la nueva generación de artistas pop, sí en cambio ayudó a expresar un nuevo estado de cosas que propició la eclosión de una obra de arte orientada hacia el mundo vital. Despersonalización y objetividad nos apuntan otra característica del Pop Art: la neutralidad, el acriticismo. La postura pop frente a la realidad nunca es crítica en sentido estricto. El realismo pop no es un realismo social que sirva a ideología alguna, a no ser la capitalista. La actitud que revela el artista pop, aunque inconformista respecto al arte, es una actitud conformista respecto al sistema. Con el Pop llegó además un cambio de mentalidad de los artistas que, a partir de este momento, asumen en su trabajo la fama y el éxito. Ya no serán almas solitarias en talleres creando una obra para su propio disfrute, sino que aspirarán al máximo reconocimiento social. El artista se convertirá en un cronista del mundo contemporáneo, un fiel reflejo de las miserias y las alegrías del mundo.
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Adaptado y extractado parcialmente de: ALCAYDE, M. Pop Art. http://manuelalcaidemengual.blogspot.com.es/2009
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VISION Arte Urbano
Intervenciรณn Reconquistar el espacio
SAM 3. Toro de Osborne. 2008.
Dispatchwork. Lego Street Art. 2016.
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omo acción artística diferenciada, se suele caracterizar a la intervención por la modificación original de alguna o varias de las propiedades de un espacio u objeto, que pasa entonces a ser una actividad artística por el simple hecho de que un artista decida ejercer sobre él su inspiración. Su condición de obra de arte no es evidente en un sentido material, puesto que la mayor parte de las veces estas intervenciones son por su propia naturaleza arte efímero no destinado a perdurar, sino a desmontarse pasado un breve tiempo, y sus restos materiales no tienen la condición de obras de arte sino de material de desecho. Paradójicamente, ese destino efímero lo comparten algunas obras de arte contemporáneo destinadas a perdurar, al menos en la voluntad de su creador, cuyo peculiar aspecto ha producido accidentes al ser tomadas por alguien como simple basura o material de reciclaje, condiciones con las que no tienen ninguna diferencia material. De manera habitual no hay consenso social sobre la condición artística de una intervención, especialmente cuando se hace de forma espontánea o no se somete a permisos o regulaciones oficiales, con lo que puede ser considerada vandalismo al no existir muchas veces ninguna diferencia objetiva o significativa entre esos conceptos.
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Intervenciรณn con shibori en la Laguna Grande de San Pedro de la Paz, Chile. Foto de Felipe Engelberger. 2014.
VISION Las intervenciones como acción artística suelen consistir en la ocupación física de parte del espacio público por objetos dispuestos en un determinado lugar por un artista, el uso de una determinada parte de un museo para un fin “no convencional” u otras acciones difíciles de clasificar, porque no hay más límite a la modalidad de una intervención que la imaginación del artista.
categorización en la que puedan ubicarse con claridad obras con características comunes. La polémica que suele acompañar las intervenciones es considerada por los artistas como parte del resultado artístico que buscan, como provocación, y suscitan la reflexión sobre los límites del arte mismo y su relación con las instituciones y el mercado de arte, así como con los mismos conceptos de mercado, poder y sociedad.
El término “intervención” es un vocablo en continua evolución, y según la rama del arte, la Los fenómenos de la cultura visual de hoy no sólo voluntad del artista o la obra misma, adquiere se dan en las exposiciones de museos o galerías. significados diferentes. Actualmente es más Muchas culturas y subculturas urbanas han una palabra descriptiva de una obra que una desarrollado el mismo principio de “intervención”
Los fenómenos de la cultura visual de hoy, no sólo se dan en las exposiciones de museos o galerías.
Mark Seliger. Bob. 2011.
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o de “modificación” en objetos, ropas, autos o el propio cuerpo para identificarse estéticamente y demostrar su visión del mundo a través de signos. Nuevamente, objetos y personas comunes y corrientes son intervenidos con un fin creativo, en este caso, el de diferenciarse estableciendo signos identitarios.
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Intervención de Boa Mistura en Sao Paulo. 2014.
Esta nueva actividad tratará de formular y desarrollar un proyecto de intervención artística, tomando alguna de las tres principales corrientes de intervención: Intervención en la vía pública: modificando estéticamente las calles y plazas o algún otro espacio de la ciudad como señales, postes eléctricos o mobiliario urbano, registrándolo con fotos o video; intervención de objetos comunes en el estudio o taller o, finalmente, el popular tuning o intervención de objetos como declaración plástica: la modificación de objetos con elementos o signos que transmitan opiniones o tendencias estéticas.
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Los artistas que realizan intervenciones de objetos de la vía pública; los que realizan sus intervenciones sobre objetos cotidianos en su estudio o taller; o los grupos culturales que intervienen objetos como declaración estética, se guían en definitiva por un mismo principio: intervenir creativamente los elementos que usamos o las personas somos o vemos todos los días para crear un nuevo “relato” que rompe con la relación convencional del objeto y su función.
Victor Brauner. Loup-table. 1947.
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Ralph Rieckermann. The Eye. 2017.
VISION Visionarios
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Xavi
Ornitografía 09# Phalacrocorax carbo, Gran cormorán. Pantano de Ibars, Cataluña. 2016.
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Bou
Ornitografías
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avi Bou (Barcelona, España, 1979). Es licenciado en Geología por la Universidad de Barcelona y licenciado en Fotografía por la Grisart International Photography School. Tras su graduación en 2003, se concentra en el mundo de la fotografía de moda y la publicidad, trabajando como asistente de varios fotógrafos. En 2009 funda con Daniel Ciprian LACRIN, un estudio especializado en retoque de proyectos y campañas para fotógrafos, marcas y revistas en España y en el extranjero. Durante cuatro años desarrolla y dirige varios cursos en las áreas de Fotografía Digital y Postproducción para la Escuela Grisart. Dedica el tiempo libre a sus dos grandes pasiones: naturaleza y viajes. Estas áreas son la base de sus proyectos fotográficos personales. “Ornitografías” surge del deseo de capturar la belleza de la naturaleza mientras explora nuevas formas de representarlo. Con los años, este interés ha crecido y se ha expandido. La curiosidad le ha llevado a investigar un sistema fotográfico que captara los patrones de las aves en vuelo.
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Ornitografía 10# Phoenicopterus roseus, Gran flamingo. Delta del Ebro, Cataluña. 2016.
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Ornitografía 23#, Pyrrhocorax pyrrhocorax , Chova piquirroja . Presa de Utxesa, Cataluña, 2016.
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“DEBO MI FASCINACIÓN POR LOS PÁJAROS A MI ABUELO, QUE ME ENSEÑÓ MUCHO SOBRE LOS DIFERENTES PATRONES DE VUELO DE LOS PÁJAROS DURANTE NUESTROS LARGOS PASEOS POR EL ÁREA DEL DELTA DEL LLOBREGAT.”
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Ornitografía Gorila. 2011. 01#, Larus michahellis, Gaviota argéntea. Delta del Llobregat. Cataluña, 2016.
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Loro Rojo. 2010.
Gato. 2011.
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Ornitografía 08#, Himantopus himantopus. Cigüeñela común. Delta del Ebro. 2016.
“DESPUÉS DE INVESTIGAR DECIDÍ PROBAR CON LA CRO EL SIGLO XIX, POR EJEMPLO, PARA ESTUDIAR EL TROTE FOTOS SEGUIDAS Y DESPUÉS COMBINARLAS TODAS EN
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Ornitografía 09#, Phalacrocorax carbo, Gran cormorán. Pantano de Ibars . Cataluña. 2016.
ONOFOTOGRAFÍA, UNA TÉCNICA QUE YA SE UTILIZÓ EN E DE LOS CABALLOS Y QUE CONSISTE EN SACAR MUCHAS UNA.”
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“SE ME OCURRIÓ EXPLORAR LOS DIBUJOS QUE DEJARÍAN EN EL AIRE LOS PÁJAROS, SI NUESTRA PERCEPCIÓN DEL TIEMPO FUESE DISTINTA.”
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Ornitografía 05#, Ciconia ciconia, Cigüeña blanca. Presa de Empordà. Cataluña. 2016.
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OrnitografĂa12# Apus apus, Vencejo comĂşn, Barcelona. 2016. Guepardo. Detalle. 2015.
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Ornitografía 09# Audouin’s gull, Gaviota de Audouin . Delta del Ebro. 2016.
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Oveja. 2013.
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En technicolor.
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Sara Huete
Adaptarse al medio.
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ara Huete (Santander, España, 1953). Es licenciada en Filosofía y
autodidacta en el mundo del arte. Hizo la primera exposición en la galería Siboney de su ciudad natal.
Desde hace años realiza collages en cuya técnica emplea objetos tridimensionales. Los títulos son también un componente primordial en ellos: frases hechas, refranes, versos... El predominio del humor, la ironía y la imagen femenina son característicos en su obra. Trabaja con publicaciones antiguas (La Ilustración Americana, Blanco y Negro, revistas de moda de los años 50) y objetos que encuentra en rastrillos y anticuarios. Max Ernst, Equipo Crónica, Joan Brossa, Daniel Gil, Grete Stern, Jiri Kolar (entre otros) son un referente en su imaginario. Ha impartido talleres de poesía visual y realizado ilustraciones para revistas y libros. Ha realizado exposiciones individuales y colectivas a nivel nacional e internacional. Su obra está presente en diferentes colecciones: Colección Testimonio de “La Caixa”, Fundación Antonio Pérez de Cuenca, Museo de Bellas Artes de Santander y Fundación Coca-Cola.
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Animal de compañía.
Baile de letras y números.
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La Cenicienta
Mujer calculadora
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Oh my darling...
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Metrรณpolis
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Sin título.
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Buscando las diferencias 1.
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Gonzalo
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TornĂŠ
Los mejores momentos D04.2016.
Los mejores momentos B22 2016.
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onzalo Torné (Jerez de la Frontera, España, 1949). Su
pintura, de inspiración expresionista pero de una construcción muy meditada, le hizo ganar adeptos progresivamente en el terreno de la crítica como exponente de lo que fue la generación emergente en la pintura española de los setenta. En la década de los ochenta, su obra se hace expansiva y radicalmente colorista, acentuando así su raíz expresionista hasta el punto de hacer desaparecer toda alusión a un orden construido. Con su trabajo Tauromaquias, obtiene la codiciada beca que otorga internacionalmente la Fundación Pollock-Krasner. Ya en los noventa, inicia una incesante actividad expositiva en Houston (Texas), Amsterdam, Marrakesh y en España, en Madrid, Sevilla y Valencia. Ha expuesto a título individual en la Schilderkunst de Rotterdam, Gemaelde Landschaft de Hamburgo, la Galería Linka de Amsterdam y el “Open House” J. Studio de NY, entre otras. Ha participado también en numerosas exposiciones colectivas.
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Un mundo perfecto E02. 2016.
Los mejores momentos C14. 2016.
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“Del sentir y el saber, surge el lenguaje visual que da vida a la obra. La pintura, como un lenguaje puro de sentimientos y sensaciones, retiene para nosotros la emociĂłn del mundo. “ Oriental A10. 2016.
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“Tal vez haya algo de vana esperanza de que, como creadores y dueños de sus secretos, permanezcamos unidos al misterio de la obra, unidos a él a lo largo de los tiempos.”
Los mejores momentos D10. 2016.
Los mejores momentos C15. 2016.
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Los mejores momentos A14. 2016.
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Los mejores momentos A16. 2016.
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Los mejores momentos D05. 2016.
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Camila
Donna Rossa and me SF. 2017..
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Valdez
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amila Valdez (Buenos Aires, Argentina, 1984). Diseñadora Industrial y Artista Plástica. Egresada de la Universidad de Buenos Aires (UBA) y técnica en FX por la Escuela Argentina de Efectos Especiales FX, siguió el Curso de Arte en Caramelo del Instituto Buenos Aires. Mezclando sus dos profesiones, crea esculturas de postres hiperrealistas con delicadas y gestuales piernas, en escala gigante, humana y pequeña.
Bombonita XSS1. 2017.
Sus esculturas están inspiradas en los secretos estéticos de los productos cotidianos. Sus obras se encuentran en colecciones privadas por el mundo, y en reconocidas galerías de San Francisco, Miami y Argentina.
Todas las imágenes de este artículo son © 2017. Camila Valdez. All Rights Reserved.
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Miss Popcorn XL SF. 2017.
Ice cream XL. 2017.
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Donna Bianca. 2017.
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Miss CUpcake7. 2017.
"LOS OBJETOS, EN ESTE CASO, LOS DULCES, EXPRESAN SUS SENTIMIENTOS A TRAVÉS DE SUS COLORES, FORMAS Y ESTILOS."
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All Transport. 2017.
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Some don’t share Anything XS. 2017.
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Shigeki Matsuyama
VISION Artista invitado
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higeki Matsuyama (Tokio, Japón, 1973). Desde 1998, trabajó como
ilustrador independiente creando ilustraciones de productos y publicidad. A raíz del Gran Terremoto del Este de Japón en el 2011, Matsuyama realizó una exposición individual en Tokyo llamada UNEASINESS. Esto le inspiró a desviarse de sus trece años de carrera como ilustrador y comenzar a trabajar como artista, para poder desarrollar más trabajo conceptual. Actualmente, reside en la ciudad japonesa de Kanagawa y trabaja no sólo en objetos sino también en instalaciones y vídeo.
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CUANDO ESTOY CREANDO, ME INSPIRO EN COSAS LA SENSACIÓN DE MALESTAR Y DESCONFIANZA LOS MEDIOS DE COMUNICACIÓN COMO INTERNE TELEVISIÓN, REACCIONES HACIA ELLOS Y SUS EFE
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S COMO A HACIA ET Y LA ECTOS.
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“Nuestra adquisición repetida de información sin experiencia real (mirando las cosas en línea cuando las necesitamos y olvidándolas cuando terminamos) significa que sólo obtenemos conocimiento desechable.”
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“SOMOS RECIPIENTES VACÍOS, Y NUESTRO CONOCIMIENTO ESTÁ TODO CONTENIDO EN NUESTROS TELÉFONOS INTELIGENTES.”
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Agréganos en tus redes favoritas: http://goo.gl/u2h8z
http://goo.gl/7sZhc
http://goo.gl/Xl4ib
http://goo.gl/HJvfI
http://goo.gl/MqTyq
http://goo.gl/DPjMP
http://goo.gl/MiROR
http://goo.gl/mjVGP
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swatch Touch Zero One1
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VISION Caricatura
Caricatura El arte de la burla
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l término “caricatura” implica ya de por sí algo humorístico, satírico, crítico. Desde sus orígenes, ha sido considerado un arte menor al servicio del humor, la denuncia social o la ridiculización relativamente tolerada de la imagen propia o ajena. En su libro La caricatura: tiempos y hombre, Juan David se refiere así a la caricatura personal: “El retrato psicológico o caricatura personal es una de las más interesantes y llamativas manifestaciones del humorismo gráfico. […] Al observar al individuo, descubre la vida interna que existe en su exterior evidente.” Lo caricaturizado se convierte así en la exacerbación de lo distintivo sin detenerse en lo bello, lo incómodo o lo ridículo. Una distorsión de los rasgos característicos de una persona a menudo con una intención política, de denuncia o simplemente lúdica. La caricatura se parece mucho más a ese yo que ven los demás tan diferente de la propia imagen que una persona tiene acerca de sí misma, tanto a nivel perceptivo como emocional porque la imagen caricaturizada otorga máxima atención a los detalles que la persona desearía disimular y elige aquello que le resulta divertido, grotesco o sencillamente diferente. El nivel de exageración solo está limitado por la habilidad del artista de mantener la recognoscibilidad. Baudelaire diferenciaba claramente las caricaturas en dos clases de obras casi opuestas: “Unas tienen la atención del historiador, del arqueólogo o incluso del filósofo. Las otras despiertan la atención de los artistas, destinadas a presentar al hombre en su propia fealdad moral y física.”
Uroš Petković. Jake Gyllenhaal. 2015.
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Olle Magnusson. Leo DiCaprio. 2015.
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VISION La invención de la caricatura en su sentido más restringido es usualmente atribuida a Annibale Carracci (1560-1609), quien la defendía como contrapartida de la idealización. Del mismo modo que los artistas serios penetran hasta la idea a través de las apariencias, los caricaturistas también extraen la esencia de su objeto, el modo en que aparecería si la naturaleza fuese completamente libre. Muchos otros pintores del siglo XVII (entre ellos destaca Bernini) fueron notables caricaturistas, pero el primer artista en ganarse la vida haciendo caricaturas fue probablemente Leone Ghezzi (1674-1755).
“LA NATURALEZA EN BRUTO CARECE DEL DECORO Y LA BELLEZA QUE GARANTIZA LA DIGNIDAD DEL ARTE.” -Arnold Houbraken Houbraken, guardián de la tradición académica del XVIII -ahondando en la burla y lo grotescosostenía: “La Naturaleza en bruto carece del decoro y la belleza que garantiza la dignidad del arte.” El maestro holandés se interesaba más por la expresión de las pasiones humanas y la dificultad de reflejarlas por no poder captar la expresión auténtica, al ser ésta fugaz. La caricatura política, tal como la conocemos hoy, surgió en las tres últimas décadas del siglo XVIII. Fue perfeccionada por artistas ingleses como Gillray y Cruikshank; sin embargo, el más grande caricaturista político ha sido el francés Honoré Daumier (1808-1879). Muchos grandes artistas de los siglos XIX y XX realizaron caricaturas, pero generalmente como actividad secundaria. Félix de Azúa comenta el estado de la caricatura de la siguiente forma: “La caricatura es el modo dominante de la expresión artística del siglo XX porque es el más adecuado para exponer la patética pretensión de omnipotencia que exhibe uno de los animales más desvalidos del cosmos: el escomendrijo urbano-demócrata con el que
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LA CARICATURA ES EL MODO DOMINANTE DE LA EXPRESIÓN ARTÍSTICA DEL SIGLO XX.
Marcin Klicki. JJimi Hendrix – The Guitar Legend. 2010.
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Ahmed Wahid. John Travolta. 2016.
VISION se componen por adición las informes masas de televidentes beneficiadas con dosis de votaciones cuatrienales. Y comprendo que acabo de hacer una caricatura del hombre contemporáneo, pero es que estoy diciendo la verdad. Nuestra verdad.”
LA CARICATURA [...] POSEE JERARQUÍAS QUE HACEN FIJAR EL INTERÉS Y LA ATENCIÓN EN DETERMINADOS PUNTOS DEL ROSTRO. Para Carlos Plasencia, la relación esenciarepresentación se resuelve artísticamente, en un primer momento, en términos de simplificación, a través de un proceso que sustituirá complejas relaciones formales del objeto, en soluciones de carácter sintético: “Intrincadas e irregulares líneas definitorias, encontraría en la representación, paralelas síntesis de rasgos simplificados.” A pesar de todo lo dicho, la simplificación de la forma no tiene por qué darse obligatoriamente en una caricatura. Puede no haber una reducción o simplificación, sino todo lo contrario: una agudización que sume complejidad a la estructura. La caricatura, como cualquier otro dibujo artístico, posee jerarquías que hacen fijar el interés y la atención en determinados puntos del rostro. Estos puntos de atención van a ser los que destaquemos, aquellos que hemos abocetado en nuestra mente y sobre los que incidiremos, dejando en un segundo plano los rasgos no definitorios. Tal y como concluye de manera contundente Gombrich: “Presente la idea, el pincel puede ahorrarse trabajo.” -VISION
Adaptado y extractado parcialmente de: REIG, C. La Caricatura personal. 2014. Universidad Politécnica de Valencia. Facultad de Bellas Artes de San Carlos.
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El origen
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del Arte
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l arte figurativo surgió en Europa en el contexto de la competencia del hombre africano con la otra especie que habitaba en el continente, los neandertales, que acabaron por desaparecer. Los orígenes de este arte tuvieron lugar en un contexto en el que los seres humanos habían ganado una ventaja selectiva. Y como el arte y la música son ventajosas, una vez inventados permanecieron como parte de la cultura humana. El yacimiento de Hohle Fels, en el Valle del Danubio, parece ser un lugar donde se produjeron muchas innovaciones hace 40.o00 años en este ámbito. Por supuesto, en última instancia, lo que cuenta es el éxito demográfico de la especie, pero los creadores del arte y la música también tuvieron éxito demográfico. Nicholas Conard es el director del Instituto de Prehistoria en la Universidad de Tubinga, Alemania. Conard ha participado en el hallazgo de memorables y primitivas piezas de arte Paleolítico, realizadas hace decenas de miles de años por nuestra especie, y que han salido a la luz en los últimos años. También está detrás del descubrimiento de las lanzas más antiguas halladas en el mundo, en Schöningen, que tienen más de 300.000 años, y se atribuyen al Homo Heidelbergensis, antepasado de los neandertales.
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Venus de Brassempouy. 25000 A.C.
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Los misterios aún rodean una explosión creativa que tuvo lugar justo después de que el ser humano moderno llegara a Europa Central hace más de unos 40.000 años. Entonces, pintar, esculpir o tocar la flauta no ayudaba a generar alimento de forma directa. Dice Conard que “fue el pegamento social que ayudó a la especie a expandirse”.
los glaciares del hemisferio norte concluyeron su larga y lenta retirada, proporcionando terrenos apropiados y estabilizando el clima, uno de los factores que permitió que muchas tribus abandonaran sus formas errantes y comenzaran a construir aldeas y asentamientos más o menos permanentes.
La evolución artística fue lenta. Habría que El impacto que tuvo en los seres humanos este esperar mucho más en el tiempo, hasta el periodo cambio climático fue de máxima importancia y del Neolítico, entre el 8000-3000 a. c., cuando fueron estableciéndose en sociedades agrarias
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Cuevas de Tassili n’Ajjer, Argelia. Paleolítico Superior y Neolítico.
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Venus de Hohle Fels 40000 A.C.
VISION un poco más complejas, esto les posibilitó tener suficiente tiempo libre para explorar la realización de algunos de los aspectos clave que conforman una civilización -entre ellos la religióncomo medio de refugiarse en aquello que ellos consideraban podía concederles protección ante las adversidades de la vida en un medio hostil.
“EL ARTE FIGURATIVO Y LA MÚSICA FUERON EL PEGAMENTO QUE AYUDÓ EN LA EXPANSIÓN DE NUESTRA ESPECIE.” -NICHOLAS CONARD Otros de estos aspectos clave fueron la medición, los rudimentos de la arquitectura y escritura y también la representación artística de los elementos de su entorno a través de diferentes medios como la pintura rupestre, la decoración de vasijas de barro o la elaboración de estatuillas de bulto, muchas con carácter propiciatorio, como la maternidad, y de contenido religioso, pero más elaboradas que las realizadas durante el Mesolítico. Con un creciente y estable suministro de granos y carnes, los seres humanos tuvieron tiempo para reflexionar sobre su entorno, y desarrollar nuevas ideas, así como algunos avances tecnológicos bastante radicales. Las figuras parietales del Neolítico mantienen un acusado esquematismo respecto de las del Paleolítico, más naturalistas. En este periodo se consolidan las bases de la religión animista, que identifica los fenómenos de la naturaleza con la voluntad de los espíritus o dioses. Desde el punto de vista artístico, ello dará pie a la aparición de múltiples formas de amuletos, ídolos, símbolos sagrados y de los primeros monumentos funerarios.
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Tim Noble y Sue Webster. Shadowplay.
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VISION Recomendado
27 de april al 13 de mayo 2017 Fountain-Fort Carson, EEUU La exposición recoge los trabajos premiados en la 55 edición de este certamen de la Escuela de Bellas Artes del Instituto de Fountain-Fort Carson en el estado de Colorado (FFCHS). https://www.ffc8.org/
13 de may0 al 26 de noviembre 2017 Venecia, Italia 57 edición de la que está considerada la mayor feria de arte del mundo. Cerca de sesenta países presentarán lo mejor de la producción artística de su territorio. Entre ellos se darán cita los autores más renombrados en el arte contemporáneo. http://www.widewalls.ch/venice-biennale-2017
30 de junio al 2 de julio 2017 Málaga, España Art Fair Málaga ‘17 se presenta como la oportunidad para aquellos artistas autorepresentados que deseen hacer visible su obra en el mercado del arte nacional e internacional. http://artfairmalaga.com/
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El Museo Tiflológico es un espacio concebido para que sus visitantes puedan ver y tocar las piezas expuestas, aunque lo que realmente lo hace original y único es el hecho de ser un museo que nace por decisión de sus usuarios y diseñado por estos a la medida de sus necesidades. En él se exhibe el patrimonio cultural de la ONCE y se desarrollan los programas de exposiciones temporales de obras de artistas ciegos y de extensión museística a través de la exposición itinerante de sus fondos.
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El célebre grupo británico reune en este DVD 41 videos y canciones con algunos de sus mayores éxitos. PopArt es una recopilación de los 20 principales singles de Pet Shop Boys, junto con comentarios de Neil Tennant, Chris Lowe y Chris Heath.
Klaus Honnef recoge una selección de las obras más importantes de la época; cada una es presentada a doble página con una imagen destacada y una interpretación de la obra correspondiente, un retrato y una breve biografía del artista. Ed. Taschen ISBN 978-3-8365-0600-7
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En el próximo número IDEA. Una exploración sensible sobre el arte conceptual. El concepto poderoso hace innecesaria la forma. Una mínima materia dotada de un máximo de significado. Tal vez el mayor esfuerzo de representación sin presentación, de interacción en la supresión. Un arte difícil, poco entendido, alejado de todos los paradigmas esteticistas anteriores te espera en el número 22 de .
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Centro Cultural de España www.ccemx.org
Museo de Arte Carrillo Gil www.macg,inba.gob.mx Museo de Arte del Vidrio (Alcorcón) www.ayto-alcorcon.es/mavawp Museo del Palacio de Bellas Artes www.museobellasartes.artte.com Museo Franz Mayer www.franzmayer.org.mx
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Museo Nacional de Arte http://www.munal.com.mx
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Museo Antiguo Colegio de San Ildefonso www.sanildefonso.org.mx Museo Arocena (Coahuila) www.museoarocena.com Museo Archivo de la Fotografía www.cultura.df.gob.mx/index.php/ recintos/museos/maf
Museo de la SHCP www.shcp.gob.mx/dgpcap Museo Soumaya www.soumaya.com.mx Museo Tamayo www.museotamayo.org Museo Universitario de Ciencias y Arte www.muca.unam.mx
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