Gradiente. Gradient: Iñaki Domingo

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Gradiente. Gradient. IĂąaki Domingo.


Gradiente. Gradient.


Con esta exposición y a través de tres piezas fundamentales el joven y premiado artista madrileño Iñaki Domingo nos presenta lo último de su producción. Partiendo de la fotografía, el artista ha llegado a otros campos de la creación como la docencia, el comisariado, la asesoría o la edición, área en la que es un auténtico maestro. A través de la muestra Gradiente, Iñaki Domingo nos ofrece una serie de reflexiones sobre el arte, la teoría de los colores, las luces, las sombras, la fotografía y la ausencia de la misma. Cuestiones que nos hablan sobre nuestra propia vida en una reflexión intimista que atraviesa lo superficial para llegar a lo trascendente. Tratando las dualidades de la vida, desde los tonos más oscuros de la sombra hasta el blanco más cegador de la luz, o simplemente transitando por grises más neutros, el artista nos demuestra que a partir de una aparente simplicidad se pueden extraer conclusiones complejas. Con esta nueva exposición, tenemos una extraordinaria muestra que se suma a la programación del Centro de Arte Alcobendas y a la que invitamos a todos a conocer. Fernando Martínez Rodríguez Concejal de Cultura y Educación

The latest creative activity by award-winning Madrid-born artist Iñaki Domingo is showcased in this exhibition based on three key works. Taking photography as his point of departure, Domingo goes on to explore other fields of creation such as teaching, curatorship, consultancy and publishing – an area in which he is a true virtuoso. The exhibition, entitled Gradient, offers a series of reflections on art, colour theory, light, shadow, photography and the absence of the same: an intimate, subjective look at our own lives which digs beneath surface appearances to address issues of true importance. Domingo uses the dualities of life, from the darkest shadows to the most blinding light, or simply focuses on the most neutral grey tones, to show how complex conclusions can be drawn from visual elements that at first sight seem very simple. This new exhibition represents an outstanding addition to our programming at the Centro de Arte Alcobendas, and we warmly invite everyone to visit it. Fernando Martínez Rodríguez Councillor for Culture and Education


Color Luz

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Color Tinta


Gradiente es una exposición de fotografía sin fotografías, o quizá, más bien, una exposición sobre fotografía. Está planteada como un tributo a la teoría del color y a los procesos y materiales utilizados para crear imágenes, pero sin que estas estén presentes, o al menos no de un modo evidente. La teoría contemporánea del color se conforma a través de dos tipologías: el color tinta (CMYK), que adquiere materialidad gracias a los mecanismos de captura e impresión que permiten fijar imágenes de manera perdurable, y el color luz (RGB), que requiere de dispositivos de grabación y reproducción para obtener su fisicidad. El proyecto expositivo está compuesto por tres piezas complementarias que en su conjunto conforman una unidad que reflexiona sobre la materialidad de la imagen y su transformación de código binario a objeto tangible.

Gradient is a photography exhibition without any photographs. Or perhaps it could better be described as an exhibition about Photography. It is conceived as a tribute to colour theory and to the materials and processes employed in creating images, although no actual images are present – at least not in an obvious way. Contemporary colour theory encompasses two colour models: the CMYK, or four colour, model, which relies on capturing and printing techniques to produce chromatically resilient images, and the RGB, or light-colour, model, which requires recording and screen devices to achieve physicality. This exhibition features three complementary works which, taken together as a single unit, invite reflection on the materiality of the images and their transformation from binary code sequences to tangible objects.

Color Tinta (2017) En el espacio se encuentra una instalación site-specific compuesta por dos elementos enfrentados que referencian la idea del color en el pigmento. Por un lado, cuatro impresiones de gran formato caen en cascada del techo al suelo. En cada una de ellas está impreso únicamente uno de los cuatro colores primarios de la tinta. Por el otro, se encuentran las 256 combinaciones de color a las que se puede llegar mezclando esos cuatro primarios, que van impresos en cilindros de papel fotográfico dispuestos sobre una balda corrida a lo largo del espacio expositivo.

Color Tinta (2017) Color Tinta is a site-specific installation made up of two spatially opposed elements that are related to the idea of colour pigmentation. One of these elements comprises four large format prints cascading down from the ceiling to the floor, each one printed with only one of the ink’s four primary colours. The other shows the 256 colour combinations that can be produced by mixing those four primary colours together, printed on cylinders of photographic paper arranged on a ledge running all the way round the exhibition space.

Color Luz (2017) Este monocanal interactivo ha sido programado para ofrecer al espectador una experiencia inmersiva dentro de un espacio de color RGB, haciendo así alusión a la composición del color a través de la luz. Mediante un dispositivo de pantalla y un controlador es posible recorrer de manera infinita el espacio virtual que se genera al ir transitando de unos colores a otros dentro de este modelo de color. Gradación (2017) Esta obra es un libro de artista cuyas páginas van impresas exclusivamente en color negro en diferentes porcentajes, creando así a través de la publicación una gradación tonal que transita escalonadamente del blanco al negro en páginas impares, y del negro al blanco en páginas pares. Las páginas centrales son las únicas en las que la gradación es coincidente, correspondiendo al 50% de la densidad de este color. Gradiente tiene un carácter experiencial, entre tecnológico y poético, gracias a este grupo de obras que acercan al espectador a los procesos de creación de una imagen más que a sus resultados. Iñaki Domingo

Color Luz (2017) This interactive audio-visual work is designed to offer the audience an immersive experience in an RGB colour space, thereby referencing colour composition through the use of light. A screen device and a controller allow visitors to move through the never-ending virtual space that is generated as they go through colour to colour within the RGB model. Gradación (2017) This work comprises an artist’s book with pages printed exclusively with black ink, applied in different percentages of saturation to produce tonal grading that progresses gradually from white to black on unevenly numbered pages and from black to white on evenly numbered pages. The middle pages are the only pages where the grading coincides, with a colour saturation of 50%. As a group of works focused on the creative processes underlying an image rather than their result, Gradient is very much an experiential project, occupying the middle ground between technology and poetry. Iñaki Domingo




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Vista de la obra Color Tinta (2017). View of the work Color Tinta (2017).




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Detalles de la obra Color Tinta (2017). Details of the work Color Tinta (2017).


Vista de la obra Color Luz (2017). View of the work Color Luz (2017).

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Detalles de la obra Gradaciรณn (2017). Details of the work Gradaciรณn (2017).


Más allá de la materia Conversación no lineal entre Iñaki Domingo y Bernardo Sopelana. La charla que se presenta a continuación dio inicio en el año 2015, cuando visité el estudio de Iñaki Domingo en Madrid. Aquella noche terminamos hablando de la sonda Voyager. La conversación siguió en 2016 por email, mensajes en Facebook y enlaces a vídeos, ensayos e imágenes. Unas veces yo estaba en Baja California Sur y él en Madrid. Hicimos anotaciones e imaginamos en lanzar una nueva sonda al espacio. Para 2017, pensando en las páginas de éste catálogo, decidimos hacer una recopilación, un corta y pega que sintetiza el encuentro de ideas que pueden haber influido, o no, en Gradiente y que puede, o no, ir más allá en la forma de acercarse a la producción de Iñaki. Bernardo Sopelana

Iñaki Domingo

Hemos mantenido un par de reuniones/encuentros en tu estudio para charlar de temas que son del interés de ambos. Uno de esos temas es cómo una serie de elementos, relativos o no, repercuten estructuralmente en la manera en la que percibimos e interactuamos con lo que llamamos realidad. Cuando hemos hablado de Gradiente, me parece que es un buen ejercicio en donde los últimos avances científicos y sociales convergen formalmente en un espacio y tiempo determinado. Existe muchísima pasión en toda acción que el ser humano realiza, en todo. Posee un intenso placer por alcanzar y traspasar los límites. Es de esa forma cuando pienso en Gradiente como un instrumento por el cual realizas un gran zoom acercando al espectador a las partículas elementales en la composición de lo que bien llamas «objeto fotográfico». Me hace pensar en el bosón de Higgs. Éste no es más que una partícula elemental propuesta por el Modelo estándar de física de partículas que intenta explicar la razón de la existencia de la masa. Me resulta interesante la cuestión de escala que comentas, pues efectivamente la exposición propone, de forma simbólica, acercarse lo suficientemente a una imagen como para que el contenido sea prácticamente inapreciable y se evidencien los materiales de los que se compone esa imagen. Habitualmente, vemos una fotografía más bien como un contenedor de información y no tanto como el objeto autónomo que en realidad es: la suma de ciertas cantidades de celulosa, tinta, plástico, madera, vidrio, metal... Y en

esa dirección, también es acertada la analogía del bosón de Higgs, pues, al igual que en el campo de la física, existe en el proyecto la voluntad de desgranar la imagen para llegar a la unidad mínima de representación, y así crear una visualización subjetiva que ayude a comprender el proceso de transformación que sufre la imagen cuando pasa de ser código binario a objeto tangible. BS

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Gradiente entra dentro de este tipo de experimentos, obviamente desde otras perspectivas. Aquí la búsqueda y análisis de la materia es fundamental ¿Por qué? Me interesa ser capaz de trabajar con la imagen a esa escala, como entrar dentro de ella y observar cómo sus posibilidades expresivas se multiplican, y eso me lleva lógicamente a toparme enseguida con su cualidad material. Me resulta mágico fijarme en el funcionamiento de los dispositivos y mecanismos que generan imágenes, ver cómo la mezcla de unas ciertas cantidades de minúsculas gotas de tinta aplicadas sobre el papel acaban creando una fotografía, o cómo la imagen que vemos en una pantalla no es más que la suma de una cantidad inmensa de píxeles programados de diferentes maneras. Encuentro en este proceso de investigación infinitas posibles ramificaciones, y aunque ahora este proyecto expositivo concluye con esta muestra, mi investigación continuará creciendo en otras direcciones y a través de otras posibles formalizaciones. Creo que hablar del término «objeto fotográfico» es esencial para Gradiente, me interesa mucho poder saber más al respecto... Desde su invención, a la fotografía le fue atribuida la función de representar de forma fidedigna la realidad, de algún modo fue creada como una herramienta de «verdad». Esta propiedad es fundamental, y de hecho consustancial al propio medio fotográfico, pero no quiere decir que sea la única posible. El tiempo ha ido demostrando que lo que tomábamos como la «verdad» no era tal, sino más bien una interpretación subjetiva de la realidad. Esto ha hecho que empiece a cuestionarse esa función, y que otras comiencen a ganar importancia y representatividad. La cualidad objetual de la imagen cobra importancia cuando la fotografía comienza a mirarse a sí misma, a cuestionarse y a definirse como medio. Es algo que ha sucedido también en otras disciplinas, y que ha permitido su desarrollo y expansión en un contexto contemporáneo.


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Llegando a este punto, es imposible para mi no pensar que con el «zoom» y el cambio de dimensiones y escala que realizas en Gradiente, se puede hacer una analogía con los acontecimientos de inicios de año: la Physical Review Letter, publicó un estudio científico en el que apoya la interpretación holográfica del universo. En el estudio se puede explicar la información contenida en un Cosmos en tres dimensiones desde una frontera de dos dimensiones. Me comentabas que tu trabajo es «como una especie de ejercicios de traducción de ideas a materia» ¿Piensas que Gradiente tiene lazos, premeditados o no, con el Principio Holográfico? La idea de ejercicio está presente en mi trabajo, y no me interesa verlo tanto como un proyecto cerrado sino como un continuum de materializaciones de ideas que van en una misma línea de acción, pero que no tienen un coto definido. En ellas está siempre presente el conflicto de la percepción: lo que percibimos frente a lo que en realidad podríamos percibir, una vez entendemos el mecanismo que posibilita esa percepción. Y ahí entra en juego la cuestión de las dimensiones, el intento de traducción de ideas (como representación de un elemento bidimensional) a materia (como su paso a la tridimensionalidad). En el entorno de las ideas, es posible imaginar una posible forma, recrearla y anticiparla, pero no es hasta que se materializa cuando podemos experimentarla y llegar a su demostración en el plano de lo real. El ser humano está obsesionado, con justa razón, en la medición de las cosas y en generar modelos y estructuras. A veces estas mediciones parecen no tener lógica o más bien apuestan por la multiplicidad de lógicas. Gradiente es un ensayo en el cual se genera un encuentro con las unidades de representación. Me comentabas que la exposición es «un ejercicio de depuración visual» en el que puede vislumbrarse «el fin de la imagen tal como la conocemos». Para ello has ideado una forma de presentarnos en el espacio expositivo los resultados de la investigación que has hecho. En una de nuestras últimas conversaciones, me decías que la forma que adquiere la exposición podría haber tenido esta u otra lógica, lo cual me llevó a pensar en un texto que me enviaste y que reflexiona sobre la profunda unidad que se genera en la experiencia y que ésta carece de lógica. ¿A dónde quiero llegar

con esto? Creo que es interesante la manera en la que abordas un espacio tridimensional para demostrar y exhibir tu trabajo. ¿Podrías hablar en más profundidad de la manera en la que abordas este espacio/tiempo? ID

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Al pensar en el color, es normal que vengan a la cabeza conceptos como relleno, o complemento. En las representaciones que vemos de él, su misión es normalmente la de colorear objetos cotidianos: el objeto aporta el contorno que le dota de forma, y el color lo rellena. Se utiliza para ser aplicado en cosas, pero raramente es percibido como algo que puede ser en sí mismo, y es aquí donde comienza mi intento de representarlo. Reinterpreto y doto de una dimensión objetual e instalativa a los materiales y dispositivos que se utilizan para producir imágenes, y genero diferentes obras que ofrecen al espectador una experiencia en torno a la idea de la composición del color. La mía es una de las posibles representaciones que se pueden hacer de este fenómeno, pero lógicamente podría ser formalizado de otras maneras ya que afortunadamente el color no está constreñido a una forma concreta. El eslabón siguiente en esta cadena es el proyecto expositivo como una «singularidad». Siempre he pensado que una exposición se puede definir a partir de este concepto: un punto en el espacio-tiempo en el cual la curvatura del espacio-tiempo se hace infinita. Se hace infinita en la medida en la que un objeto artístico es una ventana a otras dimensiones y estructuras de lo real, del universo como tal. ¿Para ti qué es una exposición? Ante todo, para mí una exposición es un acontecimiento, un hito que sucede en un lugar y un espacio concretos, una experiencia, como bien dices, espacio-temporal. Al entrar a esta exposición, además, estás siendo invitado a percibir a otra escala, donde también el espacio-tiempo es diferente, y por tanto se da esa curvatura y esa sensación de que las dimensiones se desdoblan y las estructuras se multiplican por sí mismas. Quizá suena un poco complicado, pero en realidad es algo bastante sencillo puesto que se basa en las estructuras del universo que habitamos. A la vez, me gusta que esta argumentación también pueda resolverse de forma sencilla: ¿qué está sucediendo en este espacio-tiempo? Está sucediendo el color.


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Hablamos del espacio-tiempo, del acontecimiento en donde se hace una reflexión en torno a la reducción o síntesis del tema para dar pie a nuevas ramificaciones y posibles expansiones a formas concretas. ¿De dónde ha venido esto después de un trabajo exhaustivo de la forma y la luz? ¿Es una ruptura? La ruptura es un tema que es fundamental para estudiar las leyes por las que el Universo está estructurado. La ruptura de simetría gobierna mucho de lo que vemos en el Universo y sus orígenes pueden ser verdaderamente aleatorios. Permite que un Universo gobernado por un pequeño número de leyes simétricas exhiba una infinita diversidad de estados asimétricos y complejos. Así es como el Universo puede ser simple y complicado a la vez. La ruptura de la simetría conlleva la aparición de nuevas partículas. ¿Cuál ha sido el origen de la ruptura que te llevó a desarrollar formalmente Gradiente? La verdad es que yo no lo veo tanto como una ruptura sino más bien como una derivación lógica, usando la analogía de las matemáticas. Es más, como veo mi trabajo como un todo ramificado, no me siento tan cómodo usando términos como «proyecto» o «serie», que me llevan a pensar en compartimento estancos, en los que no se da contaminación. Desde que comencé a desarrollar mi trabajo, establecí que el eje en el que se movería sería el que se crea entre el trinomio forma, luz y color. En algunas de mis aproximaciones abordo las tres cuestiones a la vez, mientras que en otras, pongo el foco en alguna de ellas. También en ocasiones sucede que haciendo una investigación de índole más general llegas a un hallazgo concreto que te hace darte cuenta de que necesitas tratar ese asunto como un capítulo aparte, y este es el caso de Gradiente. En realidad, en algunas de mis obras anteriores este contenido ya está implícito, aunque no desarrollado de forma tan exhaustiva como en esta exposición. Los avances tecnológicos y científicos marcan la forma en que la sociedad se enfrenta a la realidad. A su vez, estos avances influyen de manera directa en las concepciones filosóficas, sociales y políticas que afectan directamente a la producción artística de cada época. La actual noción de verdad relativa y la concepción de indeterminación en la ciencia no son la excepción; el movimiento constante entre las fronteras de distintas disciplinas influye en el pensamiento contemporáneo y afecta en

las nuevas concepciones sobre la percepción de lo que entendemos como real en el espacio-tiempo en el que la minúscula existencia de la humanidad avanza en el Universo. Todo esto otorga una percepción con una clara característica de multiplicidad de modelos y estructuras de poderosa flexibilidad, que se relaciona con el contexto en el que se presentan. Esto proporciona un sinfín de constantes y diversos puntos de vista de un mismo planteamiento, objeto, teorema y un largo etcétera. ¿Qué está por pasar después de Gradiente? ID

Me siento cerca de los argumentos que planteas, pues como explicaba antes me interesa todo lo que se hibrida y multiplica, creando así un cúmulo infinito de estructuras complejas que se interrelacionan como el rizoma. En la actualidad, los trabajos en los que estoy inmerso están abiertos y en desarrollo, no siento urgencia por concluirlos, al contrario, me fascina observar cómo se despliegan una y otra vez. A Gradiente le siguen una serie de trabajos que, de algún modo, son una continuación de éste en cuanto a temática, aunque quizá no tanto en cuanto a formalización. Son diferentes aproximaciones, estudios, idas y venidas, en torno a ideas similares que convergen en un gran eje común: la reflexión sobre nuestros mecanismos de percepción de la realidad.


Beyond Matter A non-linear conversation between Iñaki Domingo and Bernardo Sopelana The conversation transcribed below started in 2015 when I visited Iñaki Domingo’s studio in Madrid. That night we ended up talking about the Voyager space probe. We continued the conversation in 2016, by email, Facebook messages and links to videos, essays and images. Sometimes I was in Lower California while Iñaki was in Madrid. We made notes and imagined sending a new probe out into space. For 2017, and with this catalogue in mind, we decided to synthesise that interchange of ideas, copying and pasting some of the elements which may - or may not - have influenced Gradient and may - or may not - contribute to an understanding of Iñaki’s work. Bernardo Sopelana

Iñaki Domingo

We had a couple of meetings in your studio to talk about things we are both interested in, like, for example, how a series of elements – interrelated or not - can structurally affect the way we perceive and interact with what we call reality. When we got onto Gradient, I thought it was a good demonstration of how the latest social and scientific advances formally converge at a given time and in a given space. Absolutely every action carried out by human beings is instilled with a huge amount of passion, an intense pleasure in reaching and going beyond limits. That is how I see Gradient, as an instrument that allows the spectator to zoom right in on the elementary particles that make up what you call the “photographic object”. It reminds me of the Higgs boson, which is basically an elementary particle proposed by the Standard Model of particle physics as an explanation of how and why mass exists. It’s interesting what you say about scale, because, in a symbolic way, the exhibition does in fact attempt to get so close to an image that its content is practically indiscernible and its component materials are revealed. We usually see a photograph more as a container of information than as the self-standing object it really is: the sum of certain amounts of cellulose, ink, plastic, wood, glass and metal. In that respect, the comparison with the Higgs boson is also perfectly applicable. Just as in physics, there is a desire in this project to break the image down to the very smallest unit of representation and that way create a subjective display that helps us to understand the process of transformation the image goes

through when it changes from being a sequence of binary code to a tangible object. BS

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Gradient can be considered an experiment of that type, although, obviously, from other perspectives. Here, the key issues are the search for matter and the analysis of that matter. Why? I want to be able to work with the image at that scale, to go inside it and see how its expressive potential is multiplied, and that logically leads me straight to its material properties. For me, it’s magical to see how image-generating devices and mechanisms work, how a photograph is created by mixing together certain amounts of tiny droplets of ink on the paper, or how the image we see on the screen is really only the sum of an immense number of pixels programmed in different ways. For me, this process of research opens up endless potential avenues for exploration, and although this exhibition represents the culmination of the project for the time being, I will continue to pursue these ideas in different directions and in different possible forms. I think the expression “photographic object” is of key importance in Gradient, and I’d very much like to know more about it... Ever since its invention, photography was attributed with being a means of representing reality accurately and reliably. It could be said to have been created as an “instrument of truth”. That precise characteristic is essential to, and indeed consubstantial with, the photographic medium itself, but it is not necessarily its only possible function. Over time it has been shown that what we accepted as “the truth” was not really truth but rather a subjective interpretation of reality. That particular function of photography thus began to be questioned, and other functions began to take on more importance and be considered more representative. The image’s condition as an object becomes important when the photograph itself begins to be looked at, questioned and defined as a medium. This has also happened in other disciplines, which have subsequently evolved and grown in a contemporary context. At this point, I can’t help thinking that the zoom effect and the changes in size and scale you introduce in Gradient somehow mirror events from the beginning of the year, when the Physical Review Letter published a scientific study supporting a holographic interpretation


of the Universe. In the studio, it is possible to explain information about a three-dimensional cosmos from a two-dimensional interface. You mentioned to me that your work is “like a kind of exercise in translating ideas into matter”. Do you think there are any links, either premeditated or not, between Gradient and the Holographic Principle? ID

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The idea of an ongoing exercise is present in my work, and I prefer to see it not so much as a closed project but as a continuum of ideas being materialised, all following the same line of action but with no pre-established limitations. One ever-present theme is conflicting perceptions: what we see as opposed to what we can really see when we understand the mechanism that makes such perception possible. And that is where the dimensional factor comes in: the attempt to translate ideas (representations of a two-dimensional element) into matter (their transposition into a three-dimensional world). In the abstract environment of ideas, a possible form can be imagined, recreated and anticipated, but it is not until it actually materialises that it can be experienced and displayed in the real world. Human beings are quite rightly obsessed with measuring things and creating models and structures. Sometimes such measurements seem illogical, or point towards multiple logics. Gradient is an experiment which generates an encounter with units of representation. You told me the exhibition is “an exercise in visual filtration” that hints at “the end of the image as we know it”. To do that, you came up with a way of presenting the results of your research in an exhibition space. In one of our most recent conversations, you said the exhibition could have taken the form of one logic or another, and that reminded me of a text you sent me about the profound unity that is generated by experience, and how it lacks logic. The point I’m trying to make is, I think it’s interesting how you use a three-dimensional space as a medium to display your work. Could you explain in more detail how you approach this space/time? When you think about colour it’s normal for concepts like filler colour or complementary colour to come into your head. When we see colours represented, their function is usually to colour in day-to-day objects: the object itself provides the outline, the form, and colour simply fills it in. Colour is used as

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something that is applied to things, but only rarely is it seen as something that can exist in its own right, and this is the starting point for my attempt to represent it. I reinterpret the materials and devices used to produce images and give them an objectual, installative dimension, and I create different works offering the spectator an experience centred on the idea of colour composition. My representation of this phenomenon is just one of a number of possible approaches. Logically, it can be formalised in different ways, because, fortunately, colour is not circumscribed to one specific form. The next link in this chain is the exhibition project as a unique phenomenon. I have always thought an exhibition can be defined starting with this concept: a point in space-time where the curvature of that space-time becomes infinite - infinite in as much as an object of art is a window onto other dimensions and structures of reality, of the universe as it really is. What is an exhibition for you? For me, an exhibition is above a happening, a landmark event that takes place in a specific place at a specific time: a spatial-temporal experience, as you so correctly put it. Also, when you walk into this exhibition you are being invited to perceive another scale of things, where time and space is also different, hence the curvature and the sensation of dimensional bending, as if the structures are multiplying by themselves. Although it may sound rather complicated, actually it is quite simple, since it is based on the structures of the universe in which we live. At the same time, I like the fact that this line of thought – what is going on in this space-time? - can lead to a simple conclusion - what is going on is colour! We are talking about a spatial-temporal event that invites reflection about how the theme can be reduced or synthesised to pave the way for new ramifications and possible amplifications of specific forms. Where did this notion come from, after working so exhaustively with form and light? Is it a rupture? Rupture is a key theme when studying the laws that govern how the universe is structured. The breaking up of symmetry is behind much of what we see in the universe, and its origins are sometimes totally random. It allows a universe subject to a small number of symmetrical laws to manifest an infinite variety of complex asymmetrical states. And that is how the universe can be


both simple and complicated at the same time. The breaking up of symmetry leads to the appearance of new particles. What caused the rupture that led you to the formal development of Gradient? ID

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Actually, I don’t see it so much as a rupture as a logical derivation, to use a mathematical analogy. What’s more, since I see my work as a ramified whole, I don’t feel very comfortable using terms like “project” or “series”. Those terms tend to make me separate my thoughts into completely unconnected, hermetically sealed compartments. Right at the start of my work, I established that its central thread would be the trinomial axis connecting form, light and colour. In some variations, I address the three issues at the same time, while in others I focus attention on one or another of them. Also, when you are engaged in more general research or experimentation, you sometimes make a specific discovery that makes you realise you need to address a certain issue separately, and that is what happened with Gradient. This content is, in fact, implicitly present in some of my earlier works, although there it was not developed as exhaustively as it is in this exhibition. Scientific and technological advances determine how society faces up to reality. Those advances, in turn, exert a direct influence on the philosophical, social and political notions that directly affect artistic activity in each period. The present idea of relative truth and the concept of indeterminacy in science are no exceptions; the constant shifting of borderlines between different disciplines influences contemporary thought and affects new conceptions about our perception of what we understand as reality in the spatial-temporal bracket spanning humankind’s infinitesimal progress through the Universe. All this results in a perception clearly characterised by multiple, enormously flexible models and structures that interrelate with the context in which they appear. It also results in countless diverse but constant perspectives regarding identical approaches, attitudes, objects, theorems, etc., etc. What is to come after Gradient? I feel very close to your line of reasoning, because, as I explained earlier, I am interested in everything that hybridises and multiplies to create an infinite series of complex, rhizome-like interconnected structures. At present, the things taking up most of my time are open, ongoing projects. I feel no urgency to complete them: on the contrary, it fascinates me to see how they continually unfold and mutate. Gradient is to be followed by a series of works which might be described as a continuation of this

exhibition in terms of their theme, although perhaps not so much in terms of their formalization. They are different approaches, studies, comings and goings, related to similar ideas which all come together into a big common theme: reflections about the mechanisms we use to perceive reality.


Obra anterior. Previous works.


Obras de la serie From Somewhere to Nowhere (20132017) en la exposición Resonancias. Sala La Fragua, Tabacalera Madrid, Madrid. Different works from the series From Somewhere to Nowhere (2013-2017) at the exhibition Resonancias. Sala La Fragua, Tabacalera Madrid, Madrid.

Sin título, de la serie From Somewhere to Nowhere (2013-2017) en la exposición Resonancias. Sala La Fragua, Tabacalera Madrid, Madrid. Untitled, from the series From Somewhere to Nowhere (2013-2017) at the exhibition Resonancias. Sala La Fragua, Tabacalera Madrid, Madrid.


Obras de la serie From Somewhere to Nowhere (20132017) en la exposición Open Call XVI. Galería Luis Adelantado Valencia, Valencia. Different works from the series From Somewhere to Nowhere (2013-2017) at the exhibition Open Call XVI. Galería Luis Adelantado Valencia, Valencia.

Sin título, de la serie Color vaciado (2015-2017) en la exposición RAID_8. Galería Raquel Arnaud, Sao Paulo. Untitled from the series Color vaciado (2015-2017) at the exhibition RAID_8. Galería Raquel Arnaud, Sao Paulo.


Siguientes páginas. Next spread: Visual object #003 (2014) en la exposición Tangentes. IED Madrid. Festival Villamanuela, Madrid. Visual object #003 (2014) at the exhibition Tangentes. IED Madrid. Festival Villamanuela, Madrid.

Obras de la serie Color vaciado (2015-2017) en la exposición RAID_8. Galería Raquel Arnaud, Sao Paulo. Different works from the series Color vaciado (20152017) at the exhibition RAID_8. Galería Raquel Arnaud, Sao Paulo. Sequential #001, de la serie Color vaciado (20152017) en la exposición Resonancias. Sala La Fragua, Tabacalera Madrid, Madrid. Sequential #001 from the series Color vaciado (20152017) at the exhibition Resonancias. Sala La Fragua, Tabacalera Madrid, Madrid.



Vistas de la obra Visual object #001 (2014) en la exposiciรณn Resonancias. Sala La Fragua, Tabacalera Madrid, Madrid. Different views from the work Visual object #001 (2014) ) at the exhibition Resonancias. Sala La Fragua, Tabacalera Madrid, Madrid.

Visual object #002 (2014) en la exposiciรณn Resonancias. Sala La Fragua, Tabacalera Madrid, Madrid. Visual object #002 (2014) at the exhibition Resonancias. Sala La Fragua, Tabacalera Madrid, Madrid.



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Detalles de la obra Study of a Gesture (2015) en la exposiciรณn Resonancias. Sala La Fragua, Tabacalera Madrid, Madrid. Different details from the work Study of a Gesture (2015) at the exhibition Resonancias. Sala La Fragua, Tabacalera Madrid, Madrid.


Vistas de la obra Vortex (2015) en la exposición Resonancias. Sala La Fragua, Tabacalera Madrid, Madrid. Different views from the work Vortex (2015) at the exhibiton Resonancias. Sala La Fragua, Tabacalera Madrid, Madrid.

Double Geometry (2016) en la exposición RAID_8. Galería Raquel Arnaud, Sao Paulo. Double Geometry (2016) at the exhibition RAID_8. Galería Raquel Arnaud, Sao Paulo.


Pirámide especular vertical (2016) en la exposición Casa Leibnitz. Palacio de Santa Bárbara, Madrid. Pirámide especular vertical (2016) at the exhibition Casa Leibnitz. Palacio de Santa Bárbara, Madrid.

Detalles de la obra Pirámide especular vertical (2016) en la exposición Casa Leibnitz. Palacio de Santa Bárbara, Madrid. Different details from the work Pirámide especular vertical (2016) at the exhibition Casa Leibnitz. Palacio de Santa Bárbara, Madrid.


UpsideDown (2015) en el 30º Art Photography Symposium. Amber Museum, Nida. UpsideDown (2015) at the 30º Art Photography Symposium. Amber Museum, Nida.

Detalle de la obra UpsideDown (2015) en el 30º Art Photography Symposium. Amber Museum, Nida. Detail from the work UpsideDown (2015) at the 30º Art Photography Symposium. Amber Museum, Nida.

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Gradiente. Iñaki Domingo Centro de Arte Alcobendas Del 18 de mayo al 02 de septiembre de 2017 Exposición / Catálogo Ayuntamiento De Alcobendas Alcalde / Ignacio García de Vinuesa Concejal de Educación y Cultura / Fernando Martínez Rodríguez Coordinadora del Centro de Arte Alcobendas / Belén Poole Quintana Organización y edición / Centro de Arte Alcobendas Exposición Coordinación proyecto expositivo / Almudena de Obeso López Ayudante coordinación proyecto expositivo / Helena Noto Producción instalación / La Troupe Producción monotipo / Palermo, La Eriza Programación audiovisual / Enrique Escandell Asistencia montaje / Merino y Merino Transporte / Baltasar Cornejo Seguros / Seguros Bilbao Catálogo Textos / Bernardo Sopelana, Iñaki Domingo Reproducciones fotográficas / Iñaki Domingo Traducciones / Adaptext Preimpresión / La Troupe Diseño / Tres Tipos Gráficos Impresión y encuadernación / Grafilur ISBN: 978-84-945366-8-7 Déposito legal: M-14222-2017 © de la edición, Ayuntamiento de Alcobendas © de los textos, sus autores © de las fotografías, su autor Agradecimientos Equipo del Centro de Arte Alcobendas, Paco Gómez, Ana Berruguete, Florentino Briones, Isidoro Valcárcel Medina, Álvaro Marote, María Canudas, Isabella Benshimol, Natalia Salazar, Jorge Isla, Carmen Maqueda, Galería Luis Adelantado Valencia, Altura Projects. Centro de Arte de Alcobendas Mariano Sebastián Izuel, 9 Alcobendas, Madrid 91 229 49 40 centrodearte@aytoalcobendas.org


18.05/02.09—2017. Centro de Arte Alcobendas Madrid


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