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a saga de El Señor de los Anillos se convirtió una de las más exitosas en la historia del cine, por lo que no fue sorpresa el anuncio de la adaptación cinematográfica de la historia que precede a esa épica aventura: El Hobbit. Como ya sabemos, el plan original era adaptar la obra de Tolkien en dos capítulos, pero en pleno rodaje, el director Peter Jackson decidió echar mano de los Ápéndices de Tolkien (una serie de escritos del autor en los que se encuentran varios relatos cortos y muchas notas y datos detallados sobre toda la mitología creada para su obra) para enriquecer el relato sobre el Mediano y extender la saga a una nueva trilogía precuela de las películas estrenadas a principios de la década pasada. Ya el año pasado fuimos testigos de la primera parte de la aventura y su éxito dejó muy en claro que las historias de Tolkien tienen una enorme cantidad de fieles seguidores (recaudó más de mil millones de billetes verdes en todo el planeta), por lo que se espera que esta segunda entrega supere su éxito... Y no dudamos para nada que así será. La última vez que vimos a Bilbo, se encontraba listo para dirigirse a Erebor, el Reino Perdido de los Enanos y ya había superado su miedo a emprender una aventura al lado de la Compañía de Thorin Escudo de Roble; ya había sobrevivido a trolls, trasgos, huargos, gigantes de piedra y a Gollum, con quien se aventó una serie de adivinanzas de la que por poco resultó perdedor y en cuya caverna encontró el mítico Anillo Único. Y aunque al final de la cinta, el Hobbit se encontraba sumamente optimista sobre lo que les esperaba y sentía que lo peor ya había pasado, pronto se dará cuenta que no podría estar más equivocado, pues ha llegado el momento en que Bilbo realice la tarea para la que fue reclutado por el mismo Gandalf: escabullirse en la cueva donde se encuentra el Dragón Smaug para poder analizar sus debilidades y, junto con los enanos, diseñar un plan de ataque para recuperar la Montaña Solitaria; aunque hay una cosa con la que el Mediano no cuenta, y es que la temible bestia no es 'solamente' un dragón común, sino una criatura sumamente inteligente, por lo que requerirá más que una buena estrategia para poder vencerlo.

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En esta continuación de la gran aventura veremos a varios nuevos personajes, incluyendo a algunos que no existen en el libro y a otros que, aunque no aparecen en él, sí forman parte del universo LOTR, como Legolas (nuevamente encarnado por Orlando Bloom), personaje que tiene gran importancia en la saga de El Señor de los Anillos pero que no aparece originalmente en el libro de El Hobbit. Entre los personajes que se presentarán están: Tauriel, una joven elfa interpretada por Evangeline Lily de la serie Lost- que a diferencia de Legolas y el Rey Thranduil, personaje interpretado por Lee Pace al que ya vimos muy brevemente en la primera entrega pero que cobrará mucha mayor importancia en esta cinta, apoya completamente la odisea emprendida por los enanos para recuperar su Reino, además de mantener una especie de romance secreto/prohibido con uno de ellos (Kili, interpretado por Aidan Turner); el enigmático Beorn (a quien da vida el actor sueco Mikael Persbrandt), un 'cambiapieles' capaz de adoptar la forma de un enorme oso negro, además de contar con la habilidad de poder comunicarse con los animales y ser el capitán de la raza de los Beórnidas; y Bardo (encarnado por Luke Evans), un magnífico arquero de Esgaroth, conocida también como La Ciudad del Lago, cuya participación será decisiva en el enfrentamiento con Smaug. Y por supuesto, ningún personaje nuevo es más esperado que el ya mencionado Dragón Smaug, el reptil al que el actor Benedict Cumberbatch presta su voz y sus movimientos (pues se utilizó una técnica similar al motioncapture utilizado en el personaje de Gollum) para darle vida a este vital personaje. Así las cosas, no nos queda más que esperar el inminente estreno fijado para este 12 de diciembre aquí en México, cuando podremos volver a maravillarnos con la fantástica historia de Tolkien relatada por uno de los grandes de la narrativa cinematográfica, el señor Peter Jackson.

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ACTION! FLASHFORWARD ‘Ronin’ - Pág. 12 | OUT ‘Quebranto’ - Pág. 14 | LATITUD 7 ‘Suzanne’ - Pág. 16 | LATITUD 7 ‘¿Y si viviéramos todos juntos?’ - Pág. 18 | CRONOS: CLÁSICOS DEL CELULOIDE ‘2001: A Space Odyssey’ - Pág. 20 | EL OTRO CINE ‘Being John Malkovich’ Pág. 22 | PANTALLA ALTERNA ‘CutOut Fest: La Experiencia Multisensorial’ - Pág 24 | RESEÑAS ‘The Hunger Games: Catching Fire’, ‘Metegol’, ‘This is the end’ - Pág. 34 | CIERTA FICCIÓN ‘Cuestión del Pasado’


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o quiero empezar con un comentario negativo en este artículo, pero siempre el hablar de Keanu Reeves, es como hablar del ying-yang. Podemos encontrarnos con películas que siempre queremos recordar, como el caso de Matrix, por poner un simple ejemplo, hasta el olvidarnos por completo de algunas de ellas, como es mi caso y las tengo bien bloqueadas que hasta ya he olvidado sus nombres. En esta nueva película, que al parecer está basada en una antigua leyenda japonesa, sigue a unos guerreros Samuráis pierden a su amo y se convierten en Ronins, que es el nombre que se les daba a estos distinguidos guerreros que por alguna causa perdían a su amo y vagaban por el mundo sirviendo a cualquiera que se les parase en frente. Aquí la trama si está apegada a la historia original, es en la que su amo es obligado a hacerse Seppuku (o Harakiri), una especie de suicidio por un deshonor, el haber actuado mal, el morir sin dignidad. Es aquí donde estos guerreros samuráis se convierten en guerreros Ronin, que deciden cobrar venganza por la muerte de su amo. En esta película, lo que hemos visto en los trailers es una lucha contra seres increíbles, vemos a una señora dulce en

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un simple kimono, transformarse en un horripilante y agresivo dragón; también, seres con poderes especiales, monstruos gigantes, deformes. Bueno, una infinidad de cosas y creaturas fantásticas al por mayor. ¿Qué podemos esperar? Pues muchísima acción, excelentes efectos especiales, y una historia buena, si es que no se salen mucho de la premisa original de esta increíble leyenda japonesa; una mirada acartonada como nos tiene acostumbrado el señor Reeves interpretando a Kai este personaje al parecer principal dentro de la historia, a la muy bella Rinko Kikuchi (que vimos en Titanes del Pacífico), al Gran Hiroyuki Sanada (que también vimos actualmente en Wolverine Inmortal), entre otros excelentes actores del cine japonés. No queda más que esperar, los amantes a las películas llenas de acción, llenas de fantasía y de excelentes efectos especiales quedarán seguramente complacidos. Ya ansioso y en espera de que esta vez no me defraude mi querido y odiado Keanu, y que ésta sí sea una gran película en la que lo podamos recordar y no que pase al olvido como, como… como… ya lo he olvidado de nuevo.


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oy feliz, si no fuera feliz no hubiera hecho las tonterías que hice, no me hubiera puesto chichis”, cuenta una actriz transgénero que después de tener una carrera fructífera como actor infantil, y como bailarín e imitador en la adolescencia, actualmente se encuentra en el olvido, pero con la certeza de haber hecho lo correcto. Quebranto es un largometraje documental dirigido por Roberto Fiesco que plasma la transición vivida por un hombre que a una edad madura se dio cuenta que quería ser mujer, el éxito a una edad en la que él no comprendía la dimensión de las cosas, confusión por su sexualidad en la adolescencia, temor por cambiar de género a una edad adulta, y las puertas que le fueron cerradas por ser una mujer y actriz trans. Fernando García, actualmente Coral Bonelli, fue actor infantil en los años setenta, mejor conocido como Pinolito, inició su carrera imitando al cantante Raphael, después incursionó en el cine en películas como Los hijos de los pobres de Rubén Galindo y Fe, esperanza y caridad junto a Jorge Fons, Katy Jurado y Julio Aldama. Años después fue bailarín en el Teatro Blanquita, donde experimentó y des-

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cubrió su orientación sexual, pero no fue hasta su edad adulta, cercana a los 50 años, que después de una presentación en la que imitaba a Lucha Villa se fue vestida así hasta su hogar, donde decidió y anunció a su madre que a partir de ese momento iba a ser mujer. Coral narra que de no haberlo hecho probablemente hubiera llegado al suicidio. “Me preocupaba que entrara a un charco de lodo que no conocía; no sabía lo que era ser mujer” relata la madre de Coral. Y lo que vino después, ya como mujer, fue el rechazo, el estigma y la falta de oportunidades laborales, orillada por algunos años a ejercer como trabajadora sexual. Sin embargo, el retrato que hace Fiesco de Coral, es el de una vida plena y feliz a pesar de las circunstancias y pesares que ha vivido, ella sigue tocando puertas para volver a actuar, da clases de baile, continúa imitando a Lucha Villa y a Lupita D'Alessio, y vive tranquilamente con su madre. “No me arrepiento… hay que seguir viviendo” dice en un momento la actriz cuando se le cuestiona si ha valido la pena cambiar por completo una vida de más de treinta años, “ahora puedo ser yo, yo, yo”.


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uzanne es un filme apasionado muy dinámico y melancólico. Es el segundo de la directora Katell Quillévéré y cuenta con las actuaciones de Sara Forestier, Adèle Haenel, François Damiens, Corinne Masiero, Anne Le Ny, Lola Dueñas y Paul Hamy. Es un drama que retrata la vida familiar de las hermanas Suzanne y Maria, quienes viven una infancia feliz bajo la crianza de su padre Nicolas, un hombre fuerte y frío que trabaja como chofer de un tráiler, su mamá muere cuando ellas eran muy pequeñas, así que la familia aprende a vivir sin la imagen materna. En la infancia, Suzzane es una niña inocente, coqueta y expresiva, pero conforme va creciendo, su carácter es totalmente diferente, es solitaria y triste. Todo era tranquilidad y juegos hasta que Suzzane crece y se convierte en adolescente, en esta etapa queda embarazada, motivo que rompe la aparente armonía familiar, pues ella decide tenerlo sin dudarlo ni un momento. Charly es el nuevo miembro de la familia. La cinta juega con los tiempos majestuosamente, ya que recorre la vida de las

hermanas con un abrir y cerrar de puertas, no necesita más que un cambio de luces para pasar de la infancia a la adolescencia. La vida de Suzzane corre rápidamente, el niño va creciendo y ella sobrellevando su crianza, hasta que se cruza en su camino Julien, el hombre que cambiará el rumbo de su vida en todos los aspectos, pues se enamora loca y obsesivamente de él, hasta el punto de ser más importante que su propio hijo. Es interesante entender hasta qué grado puede ser mayor el amor de una madre a un hijo que el de tu pareja la persona que te complementa y te hace vibrar; si la vida te pone a elegir, cómo justificas tu elección y cómo sobrellevas el dolor de esa fuerte decisión. El amor generalmente te hace crecer, construir, ser feliz. Pero qué sucede cuando es tu perdición, cuando es el objeto de tu decadencia. Suzzane es una apasionante película con sorpresas durante toda su complicada vida, genera un ritmo bien logrado y poco visto en otros filmes, lo que no te dará tiempo de enjuiciarla hasta terminarla.

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Y si viviéramos todos juntos? (Et si on vivait tous ensemble?) es una cinta excepcionalmente divertida con un manejo de picardía y eventuales momentos de drama que te harán pasar un rato muy ameno. La cinta más taquillera del 16° Tour de Cine Francés, cuenta con un acertado y experimentado reparto: Guy Bedos, Daniel Brühl, Geraldine Chaplin, Jane Fonda, Claude Rich, Pierre Richard, Bernard Malaka, Camino Texeira, Gwendoline Hamon y Gustave de Kervern, bajo el guion y dirección de Stéphane Robelin. Juntos logran, sin temor alguno, transmitir las aventuras y pesares de un grupo de amigos en la vejez. Annie, Jean, Claude, Albert y Jeanne han sido amigos por más de cuarenta años. Ellos han logrado exitosamente llevar su amistad hasta su vejez y siguen compartiendo momentos muy íntimos e importantes. La vida tiene un ciclo y ellos están en la última etapa, ya vivieron sus aventuras y errores de juventud, ya los hijos se alejaron y tienen sus propias familias. Ellos planificaron y aseguraron sus casas, sus carros, pero como saber lo que les espera en esta etapa, ¿Cómo pasaran sus últimos años? ¿Quién los cuidará? Pues habrá algún momento en que ellos no podrán valerse por sí solos. Un asilo o casa de descanso suena muy crudo, pero qué más pueden esperar, sus hijos no estarán deseosos de llevarlos a sus casas y hacerse cargo de ellos. Y eso lo descubre rápidamente Claude, quien fue un mujeriego en su ju-

ventud y quiere seguir siéndolo en su vejez, pero su corazón no lo ayuda, pues se va debilitando día a día; su hijo preocupado por su salud, decide que la mejor opción es llevarlo a un asilo. Pero cuando sus amigos lo van a visitar, se dan cuenta que es un lugar deprimente y de abandono, allí concluyen que sólo se pueden ayudar entre ellos y que sus últimos días tienen que vivirlos felices y no solitariamente deprimidos en un asilo. A partir de este momento viven juntos, cosa que no será fácil pero que se puede sobre llevar gracias a ese nutrido vínculo que han alimentado por años llamado “amistad”. Albert inicia con lapsos de pérdida de memoria, por ello decide escribir un diario, el cual es su llave para regresar al presente y darse cuenta de su realidad. El transcurso de su vida diaria con sus enfermedades, dolores, olvidos y el compartir espacios los hará enterarse de secretos fuertemente guardados que afectaran la convivencia entre ellos. La empatía que logran tener todos, es la clave de su armoniosa comuna, el saber que es lo único que tienen, que son la familia que eligieron formar y que serán su compañía hasta el expiro de sus días. ¿Y si viviéramos todos juntos? es un filme con un divertido guión y sobresalientes actuaciones, sin vergüenzas ni tapujos, que rescatan la dignidad de vivir la tercera edad (si es que llegamos) como tú lo decidas, donde podrás reír y llorar pero no saldrás triste, sino planeando con cuáles amigos podrás formar tu comuna.

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a obra maestra del genio cineasta Stanley Kubrick se gestó de manera paralela a la de la novela homónima de Arthur C. Clark; ambas inspiradas en el relato corto El Centinela (The Sentinel), escrito por el mismo Clark en 1951 y publicado un par de años después en su libro Expedición a la Tierra. 2001: A Space Odissey es uno de los clásicos de la cinematografía mundial y la máxima representante del cine de ciencia ficción del siglo XX. A partir de cuatro episodios, Kubrick escarba en la naturaleza humana a través de marcados acontecimientos en la historia del Hombre en los que subraya el uso de las armas y la violencia como característica de superioridad humana y el avanzado desarrollo tecnológico que, paradójicamente, llevan al hombre a la deshumanización. En Dawn of the Man (El Amanecer del Hombre), Kubrick nos sitúa en la época del protohombre, la bestia pre homo sapiens, donde la aparición de un imponente monolito ¿coincide? con su 'despertar' y con el uso de la primera herramienta/arma (un fémur) como medio para imponer su superioridad a través de una frenética violencia. Aquí, nace el Hombre y nace la primera pieza tecnológica. Comienza, entonces, el eterno conflicto armamentista. El segundo fragmento (que carece de título) inicia en el momento en el que el antropoide arroja al aire el fémur y se convierte en una nave que se dirige a una estación espacial: el Orbital Hilton. En este capítulo el director ofrece un contraste muy marcado entre el anterior segmento, con el descubrimiento de la tecnología, y éste, donde se muestran los últimos avances tecnológicos (video-

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llamadas, viajes interestelares -con bellas cosmoazafatas incluidas-, alimentos en forma de licuados, etc.) en un ambiente exageradamente antiséptico y ultraergonómico (nada más chequen el diseñito de las sillas). Aquí también se nos muestra el descubrimiento del mismo monolito en el cráter lunar Tycho, el cual repentinamente emite una transmisión de radio (un molesto ruido que aturde a los cosmonautas que investigan la imponente estructura) dirigida a Júpiter. En Jupiter Mission (Misión Júpiter), el siguiente fragmento en la cinta, dos astronautas, Dave Bowman y Frank Poole (Keir Dullea y Gary Lockwood respectivamente), viajan hacia el lugar receptor de la señal lanzada por el monolito lunar. La nave en la que viajan, la ya legendaria Discovery, es controlada por la computadora HAL 9000 (con la voz de Douglas Rain), una supermáquina tan avanzada que tiene miedos, aspiraciones, ambiciones y un poquito de neurosis. Otro contraste es planteado aquí por Kubrick: las figuras de los parcos y automatizados cosmonautas contrapuntean con la ambiciosa y emocionalmente inestable inteligencia artificial de HAL ¿Dónde está la línea que marca la deshumanización de los astronautas al ser controlados, hasta en sus más vitales actividades (como dormir), por una máquina? Los humanos aquí se 'robotizan' ¿Dónde se encuentra el límite que humaniza a HAL al usurpar y tomar el control sobre el uso de la razón y las decisiones? Las máquinas aquí se humanizan. ¿Es el conflicto 'HAL-Dave' una analogía al enfrentamiento 'Dios-Hombre'? Un viaje psicodélico, a través de una especie de portal interestelar, nos anuncia que hemos llegado al cuarto (y últi-

mo) fragmento del filme: Jupiter and Beyond the Infinite (Júpiter y Más Allá del Infinito). Aquí, Bowman ha llegado al lugar receptor de la transmisión: el monolito de Júpiter. En ese lugar, el cosmonauta se descubre en una sala donde se encuentra a sí mismo, envejeciendo, para después, verse en su lecho de muerte; finalmente, y a manera de feto, renaciendo como un nuevo hombre. A 45 años de su lanzamiento, y a poco más de una década de la llegada (y partida) de la mítica fecha, 2001: A Space Odyssey sigue más vigente que nunca y se siguen realizando nuevos descubrimientos alrededor de ella. Kubrick construyó un relato enigmático y trascendental sobre la humanidad en la frontera del nuevo milenio y en el que el discurso estético fue crucial, siempre innovando con el manejo de la cámara logrando una audacia narrativa inigualable, y en esta ocasión, con los últimos avances tecnológicos en los terrenos de la cinematografía (¡y sin efectos digitales!) con los que se hizo una suposición (más que recreación) sobre los viajes al espacio exterior, pues para las fechas en las que se realizaba la filmación de la película, aún no se habían realizado, por ejemplo, los viajes a la Luna (el primer alunizaje se dio un año después del estreno de la película). Sin duda alguna, un parte aguas en los relatos cinematográficos, inaugurando un nuevo cine de ciencia ficción, un filme de culto y un clásico de la cinematografía mundial que es considerada como una de las mejores películas de todos los tiempos.


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onerse en los zapatos de otro", "¿Y si yo fuera...?", ¿Qué pasaría si supiera lo que otra persona piensa? Son algunas de las preguntas que cualquiera que vea ¿Quieres ser John Malkovich? se haría al terminar de verla. Una película que ayuda a generar el debate sobre si en verdad estamos conformes con quienes somos en realidad. Craig Schwartz está desempleado y aprovecha para dedicarle más tiempo a su mayor hobby, el arte de los títeres (marionetas), y es así como pasa la mayor parte de su tiempo, imaginando que él es otra persona, en este caso sus marionetas, trata de entender y vivir como cada una de estas. Pero como 'no solo de pan vive el hombre' tiene que buscar trabajo, y lo encuentra en el peculiar piso 7 1/2. Un día, mientras estaba en el archivo y por accidente, descubre lo que parece ser un portal que lo transporta aunque usted no lo crea- a la mente del actor John Malkovich. 'To Be, or not to be, Esa es la cuestión', entiendo que no es una afirmación fácil

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de responder o incluso de entender, pero díganme ustedes si la idea de 'ser' otra persona o incluso vivir un día de su vida, no ha invadido a cualquiera, por insignificante que sea la razón. Spike Jonze y su guionista Charlie Kaufman abordan esta interrogante de una manera brillante, sutil, perfecta diría yo, pues no sólo lo plantean sino que lo hacen realidad. De ahí que la película sea muy sólida por su guión, que brilla como uno de los mejores del género de fantasía. No puedo menospreciar el excelente y fenomenal trabajo que hace nuestro cuarteto de 'enamorados' y entre estos la víctima de todo, el gran Malkovich, respaldado por Cusak, Diaz y Keener. Música brillante y obviamente, los efectos visuales que acompañan a la interesante trama psicológica que tiene detrás de lo divertida e incluso temerosa que puede llegar a ser la idea de 'ser alguien más'. Indispensable, pero mi consejo es 'acepta quien eres por siempre'.


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abía asistido a algunos festivales de cine pero nunca a uno especializado en animación; de los 128 cortometrajes de la competencia descubrí que identificaba un estudio, una película y sólo un par de cortometrajes, la nada y mis conocimientos en animación eran más parecidos que dos gemelos en gestación; un mundo nuevo por conocer, un mundo animado por descubrir. Alrededor de 80 asistentes, entre productores, prensa, público y artistas como Yoni Goodman, Mikey Please, Shy The Sun, Pablo Gav; quienes se convertirían, al día siguiente, en los rockstars de la animación, inauguraron el CutOut Fest en medio de la noche más fría del año en la ciudad de Querétaro.

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La animación The Congress del cineasta israelí Ari Folman, más conocido por su película Vals con Bashir (2008), fue la película con la que oficialmente dio inicio el Festival Internacional de Animación CutOut Fest, The Congress nos transportó a un mundo surrealista de los sueños, en el que un sentimiento de “felicidad” prevalecía por encima de todo y de todos, esta premiere contó con la cálida presencia del director de animación de la película, Yoni Goodman, quien se alejó de los protocolos formales y simplemente invitó a disfrutar de la proyección. Un mundo de posibilidades: el mundo de la animación nos comenzaba a envolver.

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Al día siguiente, después de la primera dosis multisensorial del día anterior, iniciaron las actividades más concurridas del festival, las conferencias impartidas por importantes y emergentes estudios de animación a nivel internacional. Distintos artistas estuvieron presentes, de Londres el Estudio Aardman Animation que realizó la famosa serie animada Wallace and Gromit; Mikey Please, escritor y director de animación que presentó su último cortometraje Marilyn Myller y el proceso creativo que lo llevó a realizar esta y otras historias, un artista que a pesar de ser víctima de los problemas técnicos de audio en más de una ocasión, los aminoraba con un poco de humor y una sonrisa nerviosa. La fila para las conferencias era tan larga que en más de una ocasión los asistentes tuvieron que esperar en la escaleras del Teatro Alameda para poder ingresar a la siguiente presentación, como sucedió con el estudio americano Tiny Inventions, conformado por los directores de animación Max Porter y Ru Kuwahata, quienes mostraron el uso de técnicas mixtas de animación en sus cortometrajes; los argentinos 2Veinte enseñaron el trabajado que han hecho para cadenas televisivas y agencias publicitarias, o los sudafricanos Shy The Sun entre muchos otros más. Pero los que se convirtieron en el hit del festival fueron los creadores de la campaña virtual de la quinta edición de CutOut Fest, Memoma, estudio de diseño gráfico y de animación quienes explicaron todo el proceso de creación de la campaña, desde las ideas más elementales, los pequeños detalles que los inspiraron, el proceso de investigación y hasta la manera en como crearon la animación para los cineminutos del festival. Eso y además las muchas entrevistas que realizaron, los carteles que autografiaron, las fotos que les tomaron y lo que se notaba más, la alegría y sorpresa que todo eso les generaba. Sin duda los artistas eran el centro de CutOut Fest, los que sorprendían a cada asistente con su trabajo, profesionalismo y sobre todo sencillez para con los demás, no importaba si eras prensa, un organizador, o un asistente asiduo del festival, el trato siempre fue cordial, unos rockstars de la animación muy alivianados.

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Pero como en todo buen festival las opciones se vuelven una difícil selección, entre lo qué más nos gusta y las cosas que nos gustaría descubrir; eso fue lo que vivimos más de un asistente durante la quinta edición del festival, pues al mismo tiempo había una interesante conferencia y una selección que se antojaba exquisita de cortometrajes animados, la incertidumbre de haber elegido lo correcto siempre permanecía, pero se diluía al vernos ante una ma-gistral conferencia o una increíble selección de cortos. Los trabajos provenía de más de 27 países alrededor del mundo, los que sorprendían eran los de la selección narrativa, el corto español El ruido del mundo de Coke Riobóo sobre un compositor que oía todos los ruidos del mundo; o Pac! de la polaca Alicja Blaszczynska ¿qué pasaría en un mundo al revés si una araña encontrara a una mujer en su bañera?, y no podían faltar los trabajos mexicanos como el de Sofía Carrillo con La casa triste, un cortometraje hecho con objeto antiguos encontrados en bazares y que cuenta la historia de una familia que padece una enfermedad. Esta experiencia de tres días que duro el CutOut Fest, que iba de la animación al diseño gráfico, de una galería de carteles a una presentación exclusiva de nuevos sonidos y proyecciones animadas, no podía estar completa sin las reuniones nocturnas que te acercaban más a los rockstars, lo mismo te topabas con miembros del jurado como la Baronesa Jane Bonham-Carter que con los artistas invitados, como fue el caso de la reunión nombrada Lost Highway, en la que podías charlar cómodamente con las celebridades, sin grabadoras, sin buscar la noticia, conociendo las mentes que nos sacan de este mundo para llevarnos a miles más. De las caricaturas del Canal 5 y las películas de Disney ahora podemos decir que son sólo una posibilidad dentro de las muchas alrededor del mundo, una parte de lo muchos proyectos en demasía creativos e innovadores que nacen con pequeñas y brillantes ideas. CutOut Fest es sin duda una cita obligada para el próximo año.


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on poco más de cinco años de existencia MEMOMA ha realizado proyectos para Ambulante 2014, Nissan, La Voz México, Nike, Buchanan's, Lifedots, y recientemente desarrolló la campaña de la quinta edición del Festival Internacional de Animación CutOut Fest. El estudio está conformado por Pablo Díaz, Roberto Andreu, Kike del Mar y Juan Arriagada, ellos se conocieron en la universidad mientras estudiaban la carrera de diseño gráfico y en el proceso redescubrieron su gusto por la animación, sin embargo, a falta de cursos especializados en su universidad, su experiencia con la animación ha sido autodidacta. Ellos se dedican a la animación pero se definen como diseñadores, “todo el trabajo que hacemos parte de algo bien diseñado, fijo y bien realizado, a partir de ahí empezamos a generar la animación y buscar que cada cuadro sea visualmente atractivo”, explicaron durante la conferencia.

la experiencia multisensorial cutout fest El año pasado MEMOMA fue invitado a una conferencia y a un par de actividades al CutOut Fest, ahí se dio el acercamiento con los organizadores del festival y entonces comenzó la experiencia multisensorial que vio la luz total este mes de noviembre. Juan: ellos nos dieron la confianza y libertad creativa para proponer lo que se nos ocurriera y abarcar toda la campaña

virtual, se nos encargaron piezas específicas, y a partir de ahí contamos una historia narrativa. Kike: primero encontramos las palabras clave de lo que significa el CutOut, la primera es animación, lo que tomamos como referente de ella es lo que todo mundo conoce: las caricaturas. Otra parte que nos inspiró fueron los símbolos que transmiten un mensaje, que tienen una carga histórica y de contenido, eso nos inspira muchísimo para poder hacer nuevos diseños. Tener muchos símbolos que nos cuenten una historia en un solo cuadro. Pablo: por otro lado teníamos muy claro que el color tenía que ser algo clave, nuestros referentes eran todas las artesanías mexicanas que son muy ricas en color, entonces decidimos escoger esa paleta de color para representar un festival de animación mexicano. Roberto: el proyecto duró casi un año y fue muy complejo, no fue lineal como se acostumbra en otros proyectos, fue un desarrollo de concepto, realización y entrega, aquí todo iba de la mano de las necesidades que tenía el festival, de lo que nos iban pidiendo y como iba evolucionando; el primer material que nos pidieron fue generar un cartel de convocatoria para darle inicio a este festival, para generarlo bajamos todo lo que nos inspiraba y comenzamos a concretarlo en un concepto que fuera el punto de partida de todo lo que queríamos contar. www.facebook.com/celuloidedigital

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El CutOut Fest celebraría su quinta edición y fue del número cinco que también partieron las ideas de MEMOMA, número que tiene muchas connotaciones simbólicas e icónicas, los integrantes del estudio explicaron que el pentagrama fue su primer acercamiento al número, “el pentágono simboliza los cinco elementos de la naturaleza dentro de los cuales el espíritu es dominante de los otros cuatro”, de ahí decidieron que el espíritu sería el festival, y el aire, fuego, tierra y agua serían controlados por el festival como esencia. Otros símbolos que utilizaron en la elaboración del primer cartel de convocatoria fue la pirámide de cinco puntos y el ícono del ojo de dios que todo lo ve, “el cinco tiene muchas connotaciones divinas, es este número que representa la conexión de lo divino con lo terrenal, y esta pirámide con el ojo representa eso: el ser divino que todo lo ve y está en constante observación de lo que el humano hace”, explicó Roberto Andreu. A partir de ahí usaron el view-master, símbolo que el festival venía usando desde su primera edición, lo sustituyeron por el ojo y el view-master se transformó en ese ojo que estaría consciente de todo lo que iba a desarrollarse en el festival. El último elemento que usaron fue la carta número cinco del Tarot de Marsella, el hierofante, la persona con el poder para unir el mundo divino con el terrenal, “de ahí comenzamos a reinterpretarlo como un personaje de caricatura, el báculo que él manipula, las llaves que abren las puertas al lado espiritual; todo iba ligado, y de aquí partimos el concepto principal”, señaló Andreu. Kike: la imagen del CutOut Fest es toda una historia, y cada pieza es un fragmento de esa historia. Juan: después del cartel se nos encargo el teaser de convocatoria, tenía que ser animado, viendo la parte del arte del cartel nos pusimos a pensar en como resolverlo a partir del cartel. Un reto porque no habíamos trabajado animación tradicional de manera profesional, sin embargo quisimos meternos en ese mundo porque era la manera más fiel de representar al cartel en una pieza de animación. Roberto: nosotros lo que sabemos es diseñar y animar, pero no nos dedicamos solo a 3d, 2d o tradicional, conforme se van presentando los proyectos eso es lo que nos gusta, encararlos de la forma que sea mejor aunque no lo sepamos hacer o aunque el resultado no sea una animación tradicional de Disney, pero es nuestro acercamiento a esta técnica. Pablo: el chiste era disfrutar el proyecto y que al final les gustara el proyecto.

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ste nuevo cortometraje animado en stop motion cuenta la historia de una familia que lo mismo ha experimentado la felicidad y la tristeza, la vida y la muerte, narrado a través de diferentes objetos perdidos que Sofía ha ido encontrado en su vida. Ganador del Mejor Cortometraje de Animación en el Festival Internacional de Morelia, Mejor Cortometraje Animado en el Fantastic Fest y Oaxaca Film Fest, y recientemente, la Mención Especial Mexicana en el Festival Internacional de Animación CutOut Fest. ¿De dónde nace la idea de contar esta historia? En estos recorridos obligados por bazares y mercados buscando los objetos que serían lo props del cortometraje, me encontraba con joyitas que terminaba adquiriendo e inevitablemente me preguntaba a quién habrían pertenecido esos objetos, cómo habían sido adquiridos por sus dueños, por qué los dejaron ahí, si esas personas viven o no, y cuánto afecto habrán tenido por ellos. Fue conviviendo con estos objetos y preguntándome sobre la vida oculta de todos ellos que me vino esta idea de hacer una animación con los objetos y que estos contaran la historia de una familia. ¿La historia de esa familia tiene que ver con tu historia personal o es ficción? Mi experiencia familiar es a través de mi familia, pero hay muchísimas cosas estilizadas que realmente son parte de la his-

toria familiar de todos, pero si hay muchas cosas basadas en mi historia personal y sobre todo la relación con esta enfermedad, el cáncer, que creo es algo que ha ido en incremento sobre todo en la zona de los altos de Jalisco, y creo que es un tema importante no solamente en mi familia, sino en muchas familias. En el cortometraje están presentes los temas de la tristeza y la muerte a partir de esta enfermedad. ¿Por qué los escogiste? Efectivamente yo quería hablar del amor, de la vida, de la muerte, de la tristeza, a través de los objetos que los humanos creamos, y me interesaba mucho que fuera como si los objetos pudieran tener una voz para contarnos esas historias. Necesitaba hablar de esto porque a finales de 2012 tuvimos dos muertes familiares, ambas por esta enfermedad, y fue necesario para mi abordar este tema, creo que el final es esperanzador y creo que es importante conocer si tenemos este tipo de antecedentes en la familia porque entonces te puedes cuidar, y sobre todo la premisa del cortometraje es que la tristeza es el cáncer y efectivamente a que luchar contra la tristeza. ¿De dónde proviene el nombre de ‘La casa triste’? Me fascinan desde pequeña los secreters, este pequeño mueble donde guardas y escribes cartas. Cuando era pequeña www.facebook.com/celuloidedigital

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Sofía Carrillo recibiendo su premio en el Festival Internacional de Cine de Morelia

quería ser escritora entonces me imaginaba mucho como en este espacio, finalmente este secreter es una casa y es un plato donde se suceden todas las historias aunque sean geográficamente en distintos lugares. Me gustó la idea de ponerle La casa triste porque me parecía que el mueble en si contenía toda la alegría, la tristeza, la vida, la muerte, era como una metáfora de nuestro mundo; y la cabecita es el personaje que mira, que observa, que aprende, representa una de las últimas generaciones que vuelve a revivir los sucesos que hay en la familia, y que finalmente también tiene que tomar una decisión cuando le viene este destino del que aparentemente no se puede desviar. ¿Qué es lo que más disfrutas del proceso de hacer un cortometraje? Toda la generación de la idea fue deliciosa. Los rodajes siempre son un poquito complicados porque a veces tenía que ver más con que el muñequito no se paraba o se caía porque no era un muñeco preparado para ser animado, pero fue una etapa deliciosa, me fascinó. Yo entraba al set muy temprano y era como estar jugando a las muñecas todo el día. Era maravilloso reinterpretar algunos acontecimientos de mi familia o de otras familias, para mi era increíble pensar "¡hoy se van a casar mis papás!" y entonces te preparabas para ¡el evento! Ha sido uno de los cortometrajes en los que más he disfrutado el rodaje; también he sufrido porque igual cuando había muertes era súper difícil y complicado, por ejemplo algunos de mis abuelos murieron antes de que yo naciera, sin embargo los tengo muy presentes y recrearlos con objetos fue muy difícil. Creo que cuando terminé el cortometraje ya había sido un gran premio, un privilegio maravilloso haber vivido todo este proceso de producción, desde ahí ya me sentía plena. ¿Por qué le gusta hacer cine a Sofía Carrillo? Soy la hija menor de una pareja de pintores de una gran vocación artística, y cuando estaba chiquita no sabía si quería ser pintora o escritora, me parecía que hacer cine era un poco de ambas cosas, era darle vida a la imagen, darle vida a una historia, me imagino que era una niña muy fantasiosa y que vi en la animación y en el cine la posibilidad de dar vida a los mundos que me imaginaba, así que básicamente me puse a estudiar cine y terminando la carrera me di cuenta que hay que hacerlo, y hay que seguirlo haciendo para encontrar tu voz y para encontrar un estilo. Cada uno de mis trabajos ha sido muy importante en mi vida, no los veo como trabajo sino como un momento específico en mi vida. Cada trabajo ha sido un acto pánico según dice Jodorowsky, una manera en la que intento sanar algo que está pasando y La casa triste no es una excepción.

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Firmarías un contrato que dejara permanente la belleza de tus 33 años? La actriz Robin Wright lo

hizo. Después de formar parte de importantes películas como The Princess Bride y Forrest Gump, la actriz Robin Wright recibe una propuesta por parte de la compañía Miramount Pictures, quieren comprar su imagen, usarla para diferentes películas durante 20 años, pero quieren su belleza actual y hacerla permanente mediante la digitalización de su cuerpo, sus expresiones, de la felicidad a la tristeza, del éxtasis a la desolación. Robin tiene dos hijos con los que vive en un viejo edificio cerca de un aeropuerto; Aaron, el menor, es amante de la aviación y gusta de volar en su patio un enorme cometa rojo, el cual imagina se estrellará con alguno de los aviones que aterriza, él padece una enfermedad auditiva degenerativa lo cual mantiene preocupada a su madre. Entre la propuesta de permanecer joven y bella además de recibir una enorme cantidad de dinero, y la enfermedad de su hijo, decide firmar el contrato que le dará vigencia, dinero y tiempo para estar con su familia. Este es sólo el comienzo de The Congress del cineasta israelí Ari Folman, esta parte está grabada con actores reales, los cuales sorprenden con su nivel actoral como la brillante Robin Wright quien se interpreta a sí misma pero dentro de una ficción. Pero es después de este gran comienzo, 20 años después de firmar el contrato, cuando inicia la verdadera experiencia multisensorial, mágica y brillante de la animación de Ari Folman y Yoni

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Robin decide volver a Miramount Pictures para dar por terminado ese contrato, pero para ingresar debe inhalar una sustancia que la misma compañía ha hecho, ahora líder en productos farmacéuticos y drogas. Este alucinógeno traslada al que lo consume a un mundo completamente animado en el cual puedes ser Frida Kahlo o Michael Jackson, una pintura de Magritte o el mismo Jesús, puedes ver los sueños de los demás, fundirte de diversas formas con aquello que amas, manos que se vuelven alas, edificios que vuelan, pero sucede que es un mundo creado por la propia mente. Salir parece imposible, la vida continúa pero sucede en un mundo que sólo existe en la mente de todos los consumidores, viven una realidad que no los deja despertar. Robin ha perdido a sus hijos, y buscará la forma de volver a ellos, al mundo real. Una madre que ha dejado, en cierto modo, abandonado a su hijo indefenso, va fortificando un argumento cada vez más sólido que termina por sorprender y apabullar en su final. Un mundo fantástico en donde los imposible se vuelve posible, y lo inimaginable en imaginable, es el escenario surreal, mágico, fantástico y terrorífico que Robin explorará para darse cuenta de una degradación humana casi increíble, una fantasía que los vuelve felices y dependientes. The Congress es una historia muy poderosa y conmovedora, un poema surrealista de los sueños, de la mente y de la evasión de la realidad. Una película que debes de ver antes de desaparecer.


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n la continuación de la cacería humana más leída en los últimos tiempos, En Llamas, del director Francis Lawrence, muestra que segundas partes pueden ser satisfactorias y sorprendentes, no sólo por lo que implica la historia a contar, sino por el mismo elenco que la conforma. En esta ocasión, el toque fue bastante más dramático, por tratarse de lo que sigue al “final feliz” de la victoria de los buenos sobre los malos: ¿Qué hacer con ese privilegio cuando vuelves a casa, en donde todo sigue igual? Más aún, el peso de una farsa televisada cuando la realidad es una situación muy distinta. Decididamente la escritora Suzanne Collins, hace un retrato de la vida en un escenario y, luego de la maravillosa experiencia, muestra la situación tras bambalinas, lo no ensayado, ruin y sucio que se puede encontrar ahí, completo reflejo de la sociedad imperialista estadounidense que se conforma con unos minutos de belleza, mismos que aspira a obtener, aunque sabe que le puede tomar toda una vida lograrlo, pero sin ver del todo lo que hay fuera de cámara. Es así que ante el desafío que Katniss Everdeen lanza al Presidente Snow, al final de la primera película, este busca una nueva estrategia para borrar la sensación de esperanza y por ende, derrocamiento del régimen entre la gente de los distritos: se muestra entonces la lucha callada que se lleva a cabo en cada uno de ellos, al mostrarse simpatizantes ante el gesto de la supervivencia, pero también esperanzados en que sea un pie de lucha en contra de quienes les someten y restringen. Es curioso que en México y Latinoamérica este tipo de pelí-

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culas se queden en el plano de ciencia ficción, pues en ningún momento se identifica como algo que pudiera suceder en la realidad, ni siquiera por el canto de Rubén Blades “¿a dónde van los desaparecidos?”. En fin que en los 75 juegos del hambre, vemos a una Katniss Everdeen implacable (aunque también notamos su lado vulnerable en casa), con determinación y liderazgo total, que hacen ver a Peeta Mellark como un joven indefenso, fuera de lugar, pero sobre todo, resignado a que puede perder el único vínculo que lo une a Katniss, en algún punto de la cacería. No es raro que una mujer sea el motor que impulsa a todo un equipo de trabajo, pero es raro que la muestren en su esplendor, dejando a su compañero en un plano muy inferior y que sólo se equilibra cuando Haymitch Abernathy le dice a ella: “no te podemos contar nada” o algo así, dando a entender que en su condición femenina es poco confiable. Evidente machismo arraigado en el discurso mundial. Pareciera un poco forzada la solución de llamar a los ganadores de los juegos anteriores, como una precuela insertada en la secuela, ya que nos soltaron bastante información luego del drama de dejar la casa, para enterarnos de los rivales en cuestión. Sin embargo, el hecho de que exista el acuerdo secreto para sabotear los juegos, le da el toque necesario para hacerlo creíble. Si a ello le agregamos la llegada de Philip Seymour Hoffman como elemento clave para el desarrollo de los juegos, entenderemos que se buscó un mayor impacto en la actuación y el discurso verbal, por encima del visual.


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Ya entrados en los dilemas por resolver en esta entrega, descubrimos la razón por la cual los héroes y heroínas siempre van solos en su lucha: sus cuitas mentales, la responsabilidad por quedar bien con cada persona que conocen, además de los movimientos o acciones improvisadas que deben realizar sin esperar aprobación u ocasionar una pérdida de tiempo. Eso sí, nos queda claro que la motivación es la determinación porque los suyos estén bien, sin importar si la vida les va en ello. Es así que las pesadillas e insomnios de Katniss se presentan incluso desde la gira de la victoria e incrementan ya en los albores de los juegos. Si a ello aunamos la presión por identificar a quiénes serán los verdaderos rivales, se intensifica la emoción por reconocer el siguiente paso. Como celebración extraordinaria que era, los vestuarios y la alta costura lucieron adecuadamente, incluso en Caeser Flickerman, quien ahora fue sorprendido al aire un par de veces, pero no por eso perdió la compostura ni su impecable sonrisa, brillante competencia de su traje. Nuevamente los trajes con fuego se esperaban en la entrada, pero el que realmente resultó impactante fue el de la presentación individual de Katniss, que le costaría la vida a su diseñador y amigo Cinna, descalabro adicional justo antes de comenzar la cacería. Ya en los retos dentro del domo, hubo sorpresas y ayuda inesperada, sin que por eso decayera el miedo. El hecho de que el cañón comenzara a sonar tan rápidamente logró suplir las escenas sangrientas o desagradables mientras los personajes se protegían de sus cazadores. Esta vez fue más el sufrimiento por el drama de perder a los aliados, que el mismo enfrentamiento armado; es más, ciertos mandriles hicieron su labor de intimidación en forma efectiva y estrecharon el lazo del grupo de sobrevivientes. La inserción de dos conocedores de cibernética mejora la estrategia: logran

identificar el algoritmo que impulsa las acciones y mueve las pruebas, de modo que surge una ventaja: vuelvo al punto de que no podía seguirse la misma dinámica de la primera parte, pues en esta ocasión había gente experimentada y hábil. Por otro lado, la fuerza física y la inteligencia logran encaminar al equipo hacia la salida del domo, lo cual significa que pudieron sortear varios puntos, estableciendo un plan para contrarrestar el ataque por completo. Se rescata el hecho de que se marca un referente respecto a los juegos: ya hay vencedores que se convierten en ejemplos a seguir, porque tienen las cualidades y elementos necesarios para ser ídolos de las nuevas generaciones. El director nos manda un pequeño telegrama entonces de lo que vendrá en una tercera parte, que necesariamente será la creación de una figura tan fuerte, que si muere se convertirá en mártir y si sobrevive será líder. Por supuesto va implícito el fenómeno de la imposición de ídolos y las modas que los medios masivos generan en un público heterogéneo, basado sólo en lo que se muestra en una pantalla, sin buscar más información y sin notar la incoherencia de lo que significa en un entorno diferente al presentado. Por supuesto, no hubo un final cerrado, sino la expectativa de la revolución incipiente que se empieza a gestar, luego de los bombardeos a los distintos distritos y de la abrupta interrupción de los juegos. Seguramente la verdadera cacería dará inicio, pero ¿cuál será el papel que jueguen los sobrevivientes del Distrito 12? Por supuesto que se espera mucha acción, suspenso e incluso un final feliz, que necesariamente seguirá en llamas a causa del triángulo amoroso que debe resolverse, o bien, el verdadero tributo hacia el amor, no hacia un pueblo, al cual, en realidad, le importará bastante dicho desenlace. Esta historia continuará… www.facebook.com/celuloidedigital

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etegol, dirigida por Juan José Campanella, sigue a Amadeo, un chico tímido inmerso permanentemente en su propio mundo pambolero y jugando siempre al metegol (el 'futbolito', aquí en México), pero cuando a su pequeño pueblo regresa Grosso, un chico prepotente al que derrotó en el juego cuando eran niños y que ahora se ha convertido en una superestrella del balompié (gracias a un engañoso manager), Amadeo debe demostrar que no sólo es bueno en el juego a escala, sino también en la cancha. La primera película animada del ganador del Oscar en 2009 por El Secreto de sus Ojos como Mejor Película Extranjera, abre con una extraordinaria e ingeniosa secuencia que emula a la de los monos (futuros humanos) de 2001: Odisea del espacio de Stanley Kubrick. En aquella legendaria escena, una de

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las bestias lanza un fémur al aire, convirtiéndose después en un satélite; aquí, es un cráneo el que es lanzado al espacio, convirtiéndose finalmente en un balón de futbol, y construyendo así una doble lectura: La pasión del hombre por el futbol, y la de Campanella por el séptimo arte. A partir de ahí, y con la ayuda de personajes entrañables como Amadeo, Laura (el interés amoroso de nuestro protagonista), el 'Capi', el 'Beto' y el 'Loco' -entre otros-, el director argentino utiliza el universo del deporte más popular en el mundo para hablar de cosas un poquito más profundas que de once personajes corriendo detrás de una esfera; Metegol habla sobre las figuras mediáticas, la corrupción deportiva, el deporte como negocio, la confianza, la amistad, el respeto, el amor, pero sobre todo, de la pasión. Todo esto enmarcado bajo una

producción sobresaliente (ojo a las secuencias de acción en el tiradero de basura -con ratas incluidas-), donde el nivel de animación en realidad no tiene nada que envidiarle a Pixar o DreamWorks, a exceptuar tal vez, que estos grandes estudios han sabido (o por lo menos sabían en un principio, a últimas fechas ya no se sabe) equilibrar sus películas para que sean disfrutables tanto por los niños como por los adultos. Metegol tampoco se salva de ciertos baches en el guión que hacen que la película se estanque un par de veces, y el cómo los personajes superan los obstáculos a veces resultan un tanto inverosímiles o fuera de lugar; pero fuera de eso, la cinta en general funciona a la perfección como un producto de entretenimiento que demuestra que se pueden hacer cosas de gran calidad en Latinoamérica.


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ay Baruchel llega a Los Angeles con la idea de pasar un fin de semana en casa de Seth Rogen fumando mota y jugando videojuegos en su nueva pantalla 3D, pero el protagonista de Ligeramente Embarazada tiene planes de llevárselo de fiesta a la casa de James Franco. Pero cuando a mitad de la fiesta, los dos amigos van a comprar cigarros, el Día del Juicio Final se hace presente y varias celebridades convierten la casa de Franco en un refugio mientras esperan ser rescatados. Así, Rogen, Baruchel, Franco, acompañados de Jonah Hill, Danny McBride y Craig Robinson deben mantenerse juntos y sobrevivir al fin del mundo. This is the End es un juego irónico donde los actores se interpretan a sí mismos y se burlan de todas las críticas que han recibido señalándoles que siempre se interpretan a sí mismos en sus películas, especialmente Seth Rogen, quien en esta ocasión no sólo protagoniza sino también dirige al lado del también canadiense Evan Goldberg, quien prepara ya para el próximo año The Interview, su primera cinta dirigida en solitario.

La película, con una trama sencillísima llevada al extremo, es una colección de divertidísimos gags que serán la delicia de quienes disfruten este tipo de humor absurdo, guarro y estúpido. Los protagonistas hacen gala de su indudable talento cómico burlándose de sí mismos (y de muchos otros, Lindsay Lohan incluida -para no perder la costumbre), así como de las películas tan tontas que protagonizan, incluso hay una escena donde Franco y Rogen discuten las ideas para una secuela de Pineapple Express... ¡Y la realizan mientras están sobreviviendo (bien pachecos, obviamente) al final de los días!. La cinta es entretenida de principio a fin, con algunos baches a medio camino que hacen que pierda ligeramente el ritmo pero nada en extremo grave. Cuenta con varios cameos bastante ingeniosos (Emma Watson y Channing Tatum, los mejores) y varias secuencias con efectos especiales bastante buenas, especialmente las del último tercio de la cinta. Mención honorífica se merece ese epílogo celestial con una banda noventera que pone a bailar a todos en el Reino del Señor. www.facebook.com/celuloidedigital

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urante mucho tiempo me he rehusado a cambiar algo de mi pasado. Las mujeres de mi familia, desde hace incontables generaciones, han tenido el poder de viajar atrás en el tiempo y cambiar cosas a su conveniencia, todas lo han hecho, y yo, yo nunca quise cambiar ningún momento… Hasta que te conocí. No es que no te aprecie, tampoco significa que nunca te quise sólo significa que mi vida sería más sencilla si tú nunca hubieras entrado en ella. Lo pensé durante muchas noches, ya había decidido volver al pasado y evitar nuestro encuentro pero… ¿Cuál? Hay tres momentos, tres instantes, en los que nuestras vidas se cruzaron, que nuestros caminos se unieron y los iba a evitar todos si era necesario. PRIMER INSTANTE: La Biblioteca Si iba a cambiar el futuro de nosotros debía evitar que nos conociéramos en primer lugar: Era mi primer año de Universidad, había elegido una carrera más por puro orgullo de probar que podía hacerlo que por gusto, no era sorpresa que en el primer año no tuviera ningún amigo. No tomaría el riesgo de conocerte y decidí olvidar el orgullo y elegir una carrera distinta, en una universidad lejana. Nunca entré a la clase de biología, nunca me senté a tu lado, no nos conocimos y no me reí de tus chistes tontos. Nunca me ayudaste a estudiar, ni nos

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quedamos tarde en la biblioteca, no me prestaste tu chamarra y no me enamoré de ti. Después de mi primer viaje al pasado, volví al presente creyendo que todo estaba solucionado, que nuestras vidas habían seguido cursos distintos pero seguías en ella. SEGUNDO INSTANTE: El Destino Cambiar sucesos del pasado es fácil, relativamente fácil, siempre y cuando el destino no esté involucrado. Cuando me mudé de casa de mis padres, después de la Universidad, a una ciudad nueva, con vecinos nuevos y completamente distintos a los de mi antiguo hogar. Los vecinos eran ruidosos, hacían fiestas cada dos días y no dejaban dormir a nadie en la cuadra. Usualmente no me molestaba por que trabajaba hasta tarde pero un día estaba cansada e intentaba dormir, había tenido un día horrible y estaba malhumorada ¿alguien podría culparme por salir de la casa en pijama hecha una furia a reclamar a los vecinos? Me llevé la sorpresa de mi vida al entrar a esa casa y encontrarte allí, de pie, mirándome. Eso es a lo que todos llaman destino. Después de un segundo viaje al pasado ese instante tampoco ocurrió, nunca me mude a la casa de al lado, nunca fui a esa fiesta. Pero al volver al presente seguías en mi vida.

TERCER INSTANTE: La Promesa Por un momento dudé sobre volver al pasado de nuevo, estaba comenzando a creer que nuestras vidas no podían separarse, pero si no lo hacía me arrepentiría por siempre. Ultimo viaje: Volvería a cambiar el momento que lo decidió todo. Nunca acepté ese trabajo en la compañía de tu familia, no pasábamos tanto tiempo juntos y no nos casaríamos. No diría “acepto” y nada de lo consiguiente pasaría. Pero como en los demás viajes, no funcionaron los cambios que hice en nuestras vidas, porque al volver al presente todo estaba igual. Era prácticamente imposible que todos los cambios derivaran un futuro igual. No me podía resignar a dejar que las cosas continuaran de ese modo pero ya no tenía nada que cambiar. No tenía más opciones que dejar que… No quería ser tu compañera de clase (nunca lo había sido), no quería ser tu vecina (nunca lo había sido), no quería ser tu esposa (nunca lo había sido) y todo seguía igual, seguía siendo la viuda.

Carrie

Si hoy alguien me preguntara que cambiaria de mi pasado si pudiera volver no cambiaría nada pero si volvería a vivir todas esas contigo nuevamente.


TOP 5 - DANS LA MAISON: El Chico de la Última Fila - Pág. 42 | ONLY GOD FORGIVES: Es hora de conocer al Diablo - Pág. 46 MOOD INDIGO: Agridulce poema de Amor - Pág. 50 | ABOUT TIME: Pide al Tiempo que vuelva - Pág. 54 THE SECRET LIFE OF WALTER MITTY: Una feel-good movie para las Navidades - Pág. 58


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a obra del dramaturgo Juan Mayorga (Madrid; 1965), 'El Chico de la Última Fila', es adaptada a la pantalla grande por el cineasta Francois Ozon (Tiempo de Vivir, Swimming Pool, entre muchas más). La anécdota gira en torno a Germain Germain, un veterano profesor de literatura que se encuentra profundamente hastiado y decepcionado por la torpe técnica literaria de sus nuevos alumnos en el Instituto Gustave Flaubert; ésto hasta que lee una de las tareas de Claude Garcia, un introvertido joven que siempre se sienta al fondo del salón de clase, y cuya prosa resulta sobresaliente. El agudo relato escrito por el chico, posee un gran sentido de observación y se centra en una extraña fascinación por Rapha, uno de sus compañeros y por su 'familia normal'. Incentivado por el apoyo y la ayuda del profesor, el joven comienza a escribir una especie de novela sobre esa particular familia de la clase media; pero a medida que la relación entre Claude y la familia de Rapha se va estrechando, las obsesiones de profesor y alumno comienzan a salir a flote, llevándolos a tomar decisiones que jamás se imaginaron. En la Casa, ganadora de la Concha de Oro y del Premio del Jurado al Mejor Guión en el Festival de San Sebastián el año pasado, es una gran historia so-

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bre la afición, pasión, y en ocasiones obsesión, que representa el leer y/o escribir historias; es un inquietante relato donde la fantasía literaria se va mezclando con la realidad de manera muy astuta mientras la trama avanza. Es, también, un tratado sobre el voyerismo donde el espectador se vuelve cómplice en la intrusión perpetrada por Claude en la intimidad de la familia de Rapha. Este drama psicológico (excelentemente construido) se ve sustentado por dos grandes pilares que la sostienen: en primer lugar, por el trabajadísimo guión (adaptado de la obra por el mismo Ozon) que combina eficazmente el drama y el humor negro, y en donde los diálogos se notan pulidísimos pero completamente naturales, lo cual nos lleva al segundo aspecto: las magníficas actuaciones de los protagonistas Fabrice Luchini como el profesor Germain y Ernst Umhauer, quien resulta un verdadero descubrimiento actoral al encarnar al talentoso Claude; mención aparte merece la increíble Kristin Scott Thomas en su papel de Jeanne, la esposa de Germain. En la casa es un tratado sobre la naturaleza humana que cierra de manera magnífica con un desenlace que, como bien marca el propio profesor Germain, "no se veía venir... pero no podía terminar de otra manera". Cine sobresaliente.


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ras el sorpresivo éxito de Drive y su (merecido) lugar como filme de culto, junto a la figura del antihéroe del nuevo milenio en la que se convirtió el conductor protagonista, la nueva mancuerna entre el director Nicolas Winding Refn y Ryan Gosling no podría ser más anticipada y controvertida. Estrenada en la pasada edición de Cannes, el filme dividió a la crítica; mientras unos la han alabado, otros la han destrozado ferozmente, posiblemente porque esperaban otra pieza similar a Drive y se han topado con una obra más mística, en cierto sentido, y mucho más violenta. En el filme, Julian y Billy son dos hermanos que dirigen un gimnasio de thaiboxing en la ciudad de Bangkok, aunque en realidad el deportivo recinto es una tapadera para su verdadero oficio: el tráfico de droga. Una noche, Billy viola y asesina a una prostituta; el joven es acorralado en la habitación del hotel donde cometió el crimen y el agente (supuestamente retirado) Chang, concede al padre (y padrote) de la víctima la ocasión perfecta para vengar su muerte; las cosas se complican cuando la madre de Billy, una poderosa jefa del crimen organizado en Estados Unidos, llega a recoger el cuerpo de su hijo y pide a Julian que vengue la muerte de su hermano. A partir de ese punto, la trama se convierte en un espiral de violencia y venganza; un juego de ojo por ojo en el que nadie, excepto Dios según el título, perdonará a los involucrados. Only God Forgives se une a la lista de filmes sobre la venganza en el oriente, como la trilogía de Park Chan-wook, pero el filme de Refn destaca por utilizar la violencia gráfica de forma conceptual, todo tiene un porqué. Las amputaciones de miembros, los castigos físicos y la manera de las ejecuciones con katana, están llenos de significados ocultos que revisten al filme con un misticismo que recuerda en cierta medida al cine de Jodorowsky (especialmente a El Topo); no es entonces una sorpresa el ver en los créditos finales la dedicatoria del filme al mítico artista originario de Chile. Cabe señalar que, aunque en la publicidad del filme sea Ryan Gosling quien siempre aparezca mostrado su rostro (el normal o el desfigurado tras la brutal golpiza que recibe en la cinta), a quien verdaderamente se tiene que destacar es a

Vithaya Pansringarm, como el agente Chang, también conocido como 'El Ángel de la Venganza', quien resulta verdaderamente un personaje macabro pero lleno de matices de bondad y ternura; es sorprendente su desempeño ante la cámara al poder interpretar a un personaje tan multidimensional, pues con la misma tranquilidad con la que lo vemos cantar en un karaoke y cuidar de su pequeña niña, es con la que también amputa manos, corta gargantas y rebana los tórax de los criminales. También hay que resaltar el fabuloso desempeño de Kristin Scott Thomas como la peligrosa y manipuladora madre de Julian; la actriz realiza un gran trabajo, además que su personaje permite, a través de sus fantásticos diálogos, conocer más al personaje de Ryan Gosling, pues es a través de ella que nos enteramos de las razones por las que Julian no vive en Estados Unidos sino en Hong Kong y de la (supuesta) eterna rivalidad y envidia que sentía por su hermano mayor; amén de algunos guiños que señalan un velado complejo de Edipo en la trama. Y es precisamente Gosling el punto débil del filme, no es que su trabajo sea malo, es muy bueno y entrega una actuación contenida (de manera intencional, claro está), pero parece que Julian es una faceta más del conductor que interpretó en Drive; no sorprendería si se revelara que el automovilista de dicha película viajó a Bangkok y montó un gimnasio de thai-boxing junto con su hermano. Pero a pesar de esta evidente similitud con el personaje anónimo de su filme anterior, Refn provee a Julian de una psicología que es explorada a través de sus sueños/visiones con pasajes oníricos y premonitorios que destacan por la perfección de su lenguaje cinematográfico. Only God Forgives no es un filme para todo público, contiene altas dosis de violencia (aunque bellamente filmadas) que mucha gente podría no soportar (audiencias impresionables, aléjense). La cinta se gana a pulso su lugar entre las mejores películas sobre la venganza y demuestra la gran capacidad del director para maquinar historias en extremo sencillas que, en manos de algún otro realizador, podría haber resultado en un mero ejercicio gore sobre vendettas sin sentido. En extremo recomendable.

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artiendo de la novela de Boris Vian, L'ecumes des jouurs (La Espuma de los Días), el cineasta Michel Gondry presenta, en una muy libre adaptación, la mágica/trágica historia de Chloe y Collin, una pareja de casados a la que su vida da un terrible vuelco cuando a ella le es diagnosticado un extraño padecimiento: un lirio acuático ha comenzado a crecer en uno de sus pulmones. En Mood Indigo, Gondry nos presenta un agridulce poema sobre el amor en dos capítulos que, si bien narrativamente no nos son señalados, son por demás identificables; todo esto a través de sus clásico y muy reconocible estilo surrealista. La primera parte del filme se enfoca en el idílico encuentro y posterior romance de la pareja central (Collin, un acaudalado y excéntrico creativo interpretado por Romain Duris; y Chloe, una elegante mujer con la que coincide en una fiesta y que es encarnada por Audrey Tatou) que culmina en una boda por demás entrañable; la segunda parte del filme se orienta al diagnóstico del extraño padecimiento de la joven y de las peculiares

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consecuencias en la vida de la pareja (él teniendo que trabajar de manera ardua y en absurdas condiciones para poder costear los elevados recibos del excesivo tratamiento; sus amigos envejeciendo diez veces más rápido de lo normal por estar el pendiente de ella). A partir de una estética que apuesta más por un look de fábula que de relato con tintes fantásticos, Gondry construye un mundo en exceso surrealista (llamémosle "barroco-surrealista"), lo cual impide que el público conecte fácilmente con la historia y con los personajes. Estamos tan distraídos por la forma (tanta parafernalia técnica y excesiva imaginería visual) que el fondo pasa a segundo plano. Mood Indigo podría ser una mezcla de dos de sus cintas previas: Eterno Resplandor de una Mente sin Recuerdos y La Ciencia del Sueño, teniendo lo mejor de una y lo peor de otra. La genialidad de Gondry de Eterno Resplandor... está también aquí, pero al igual que en La Ciencia del Sueño, torpemente maneja el sentido emocional, por lo que a pesar de la química entre Tatou y Duris, al final no convence del todo.


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Quién no ha deseado, alguna vez, poder regresar el tiempo, hacer las cosas de manera distinta, y con ello, mejorar su vida? Pues el director Richard Curtis, quien con una muy breve filmografía como director pero con un muy amplio currículum como escritor ha cambiado la historia de la comedia romántica en el viejo continente -sobre todo después de la magistral Cuatro Bodas y un Funeral (Four Weddings and a Funeral, 1994; Dir. Mike Newell)-, nos lleva de la mano por un fantástico relato sobre la posibilidad de poder viajar al pasado para corregir nuestros errores... Con todo y lo que esas alteraciones conllevan. Una cuestión de tiempo (About Time, apenas su tercer, y según él mismo ha asegurado, su último largometraje como realizador) sigue a Tim (interpretado por Domhnall Gleeson, o Bill Weasley en la saga Harry Potter para una mejor referencia), un joven retraído sin mucha suerte con las mujeres, que en su vigésimo primer cumpleaños le es revelado por su padre (el siempre fantástico Bill Nighy) un familiar secreto ancestral: los hombres de su familia tienen la capacidad de viajar en el tiempo. Así, tras una divertida verificación de que el secreto revelado por su progenitor no es 'puro choro', el joven decide emplear sus 'poderes' de teletransportación espaciotemporales para hacer de su mundo un lugar mejor (entiéndase conseguirse una novia). Tras un desastroso intento por ligarse a la mejor amiga de su her-

mana (con todo y viajes en el tiempo y creyendo que hace los movimientos correctos -y donde tenemos la primera gran lección de la cinta: "Ni todos los viajes en el tiempo pueden hacer que alguien te ame"), el desilusionado joven se muda a Londres donde conoce a Mary (Rachel McAdams), la cual se convertirá en el amor de su vida y tomará cierta ventaja de sus habilidades para conquistarla. Y mientras Tim intenta llevar su vida lo mejor que puede y echando mano de sus esporádicos saltos en el tiempo, la vida le enseña que no todo se puede resolver viajando al pasado y alterando sus acciones, pues de la suma de todas nuestras decisiones es que estamos hechos, ya sea para bien o para mal. Y para demostrar su teoría, Richard Curtis inserta ágil y hábilmente una serie de episodios familiares a lo largo de la cinta (el 'incidente' de la hermana y su novio o el del padre de Tim), alejándose de los terrenos de la comedia romántica para tomar caminos inesperados que hacen del filme un viaje introspectivo del personaje (al que obviamente siempre acompañamos) donde descubrirá que lo crucial de vivir el presente y sin la necesidad de saltar en el tiempo para valorar la vida. About Time brilla por su dirección y honestidad en su propuesta; un relato que en otras manos hubiera terminado por convertirse en una película no apta para diabéticos, aquí en las manos de Curtis es una entrañable cinta sobre sacarle todo el jugo posible a la vida... Y sin la necesidad de viajar en el tiempo. www.facebook.com/celuloidedigital

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a idea de que únicamente aquellos que llevan una mala vida sueñan con escapar de la realidad es un embuste, pues todos, absolutamente todos, somos 'soñadores' en mayor o menor medida. Y es precisamente el cine la prueba irrefutable de ello, pues a él recurrimos para permitirnos soñar despiertos y vivir, por lo menos durante un par de horas (o más si tenemos suerte), esas aventuras de las cuales nos gustaría ser protagonistas. Pero es que también hay quienes se pasan de la raya, personas con una compulsiva tendencia a fantasear con escapar de la anodina realidad y convertirse en héroes. Ésto es precisamente lo que le pasa a Walter Mitty, protagonista de la historia más célebre del escritor estadounidense James Thurber (Ohío; 1894). En La Vida Secreta de Walter Mitty (The Secret Life of Walter Mitty), un cuento de únicamente algunas cuantas páginas editado en 1942, Thurber narra un día de la penosa vida del hombre del título, un personaje sumiso que hace todo lo que la esposa le demanda y continuamente evade su realidad imaginando un mundo donde él es héroe en una infinidad de situaciones. Tal fue la popularidad que alcanzó el breve relato, que de manera burlona se comenzó a utilizar el término 'síndrome de Walter Mitty' para catalogar a aquellos con cierta capacidad de ensoñadora abstracción. Apenas pasó un lustro cuando se realizó la primera adaptación el cine del famoso cuento bajo la dirección de Norman Z. McLeod y protagonizada por el popular humorista Danny Kaye, pero haciendo algunos cambios a la anécdota original. En la película, el protagonista no hace frente a su esposa sino a varios personajes más, entre ellos su madre, su novia y sus compañeros de trabajo en la editorial de revistas y novelas 'pulp' donde labora, convirtiendo al personaje en un ser un poquito más patético que el de la historia original. Ahora, seis décadas más tarde, Ben Stiller presenta una nueva adaptación: La Increíble Vida de Walter Mitty, la cual dirige y protagoniza.

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En esta reinterpretación de la historia, el Walter Mitty de Stiller trabaja ni más ni menos que en el departamento de restauración fotográfica de la revista Life donde se enamora de Cheryl Melhof (interpretada por Kristen Wiig), y es cuando la desaparición de un importantísimo negativo pone en riesgo su trabajo, que el personaje central se embarca una travesía que lo llevará alrededor del planeta viviendo aventuras que jamás se imaginó experimentar en el mundo real. Sobre esta nueva adaptación y su contextualización dentro del mundo periodístico, Ben Stiller declaró en rueda de prensa: "Esa fue idea de Steve Conrad, quien escribió el guión, y cuando yo lo leí me pareció que encajaba muy bien en el contexto de hoy; creo que la idea del periodismo y los medios análogos en su camino a convertirse en digitales adquieren relevancia hoy". La Increíble Vida de Walter Mitty sin duda será una cinta melancólica en la que su director se ha preocupado por retratar una era donde las circunstancias para su generación están cambiando: el avance continuo de la tecnología (de análoga a digital y lo que vendrá después), la situación laboral para las personas de su edad, etc; eso también se ve reflejado en la decisión que tomó Stiller de 'filmar' esta película y no 'grabarla' en formato digital. "Para mí fue importante rodar la película en cinta porque creo que es triste que la cinta vaya a desaparecer; y como la película es sobre un tipo tratando de encontrar un negativo, era una manera de celebrar la idea de las cosas reales, revistas reales... Porque cuando sostienes una revista Life estás sosteniendo un pedazo de historia" señaló Stiller. A pesar de la melancolía que se nota presente en la película, su mensaje sobre el sentido de la vida ('Life is about courage and going into the unknown', como bien marca su tagline) la convertirá indudablemente en la feel-good movie de este año, será recomendable verla en estas épocas Navideñas tan depresivas.


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NOVEDADES EN BLU-RAY: ‘Before Midnight’ - Pág. 64 DESDE EL VIDEOCLUB: ‘Bronson’ - Pág. 66 TEASER: ‘Oldboy’ - Pág 68


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ace 18 años el estadounidense Jesse (Ethan Hawke) y la parisina Celine (Julie Delpy) se conocieron en un tren con destino a París; ella regresaba a su ciudad natal mientras que Jesse tenía que descender en Viena para tomar un avión de regreso a los Estados Unidos la mañana siguiente. Como respuesta a un acto impulsivo provocado por la instantánea atracción, Jesse invita a Celine a bajarse con él en la capital austriaca para conocerse mejor; la respuesta de la chica ante la inusual propuesta del tierno desconocido dio pie a una de las trilogías cinematográficas mejor logradas en la historia del cine. ‘Antes del amanecer' es el título del filme que relata lo sucedido tras el casual encuentro en el tren y que se convirtió en un clásico del cine indie debido a la gran honestidad de su sencilla propuesta y a la autenticidad de su historia repleta de diálogos naturales con los que una generación quedó identificada. Filosofías de vida, miedos, deseos, sueños y expectativas fueron, entre otras cosas, los tópicos que marcaron la pauta de las largas conversaciones que, durante una tarde y una noche, sostuvieron los dos jóvenes idealistas; y fue tal vez ese idealismo lo que los llevó a tomar una decisión a la hora de la despedida: no intercambiar direcciones, ni teléfonos, vaya, ni siquiera su apellido. Sólo les bastó la promesa de volverse a ver seis meses después en la misma estación de Viena, dejando una sensación agridulce en el espectador que no pudo hacer otra cosa más que inventar como había sido el reencuentro de los amantes seis meses después. Nueve años tuvieron que pasar para que el público pudiera ver de nueva cuenta a la pareja y enterarse que el encuentro en Viena jamás ocurrió, que Jesse se había casado, había tenido un niño, que se había convertido en escritor y que estaba en París para promocionar su primer libro, el cual giraba en torno a una chica con la que había pasado una sola noche muchos años atrás. Una pequeña librería parisina fue el escenario del reencuentro entre los ya no tan jóvenes y no tan idealistas protagonistas; un café, los callejones, el Sena y un 'waltz' con dedicatoria especial, fueron algunos de los elementos que acompañaron las conversaciones de la pareja que ahora giraban en torno al desencanto, a la frustración y el arrepentimiento por las malas decisiones; porque muchas de las cosas que quisieron ser ya no lo serán, lo cual sin duda, siempre acarrea un gran montón de impotencia. Aquí, en 'Antes del atardecer', acompañamos a Jesse y Celine por 90 minutos, tiempo en el cual se desarrolla la cinta en tiempo real y que, a pesar de estar rodada en París, se aleja de los clichés del cine romántico y da una creíble continuidad a una real historia de amor contemporáneo en donde no hay cabida para diálogos melosos ni cursilerías de ningún tipo; el final, volvió a dejarnos la vía libre para interpretaciones sobre el futuro de la pareja recién reencontrada.

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Ahora, nueve años después, Jesse y Celine están de regreso en la última parte de la trilogía: 'Antes de la Medianoche', en la que la pareja no ha podido escapar al paso del tiempo y los estragos que este causa (monotonía, hastío, etc.). El filme abre con una secuencia donde vemos a Jesse despedirse de su hijo Hank, quien ha pasado con él las vacaciones de verano en Grecia pero debe regresar a los Estados Unidos junto a su madre. Tras la emotiva escena, Jesse se reúne en su auto con Celine fuera del aeropuerto, ahí descubrimos que ambos son ahora padres de unas adorables gemelas. La pareja se dirige hacia la región del Peloponeso para pasar juntos el último día de vacaciones antes de regresar a París; y es durante este día que la pareja se replantea su vida juntos tras las charlas con amigos o en solitario. ¿Es posible vivir enamorado para siempre? La respuesta, un rotundo 'No', parece ser unánime en la mesa donde se ha reunido la pareja con sus amigos de la región griega; pero así como todos concuerdan en la caducidad del amor, coinciden también en que sus parejas han sido lo mejor que les ha pasado en sus vidas y que para seguir con alguien (por el tiempo que sea) se requiere de un gran compromiso para mantener el enamoramiento en la pareja y que ésta siga viva. Pero a veces el compromiso no es lo suficientemente fuerte, o si lo es, éste se ve opacado y minimizado por la rutina, los celos y la desconfianza, elementos que pueden provocar que en las discusiones de pareja a veces no se juegue limpio: "No eres ningún Henry Miller" advierte una histérica Celine al hastiado Jesse. "Si tan sólo invirtieras la mitad de la energía que gastas en quejarte e insultar, en otras cosas más importantes, todo sería muy distinto" responde Jesse ante las interminables quejas de Celine. Y así como estos diálogos lastiman a los personajes, también lo hacen a la audiencia, pues es imposible no sentirse conectados a ellos, a ambos, porque más allá del género, todos somos un poco Celine y un poco Jesse al mismo tiempo, pues todos somos humanos y hemos pasado por alguna relación igual o similar y sabemos lo que se siente. Y es así como también sabemos que los reproches y las discusiones de nivel monumental no siempre significan que el amor se haya terminado, sabemos que la gente en esencia no cambia y que si alguna vez Jesse enamoró a Celine por su personalidad, y viceversa, ese Jesse y esa Celine siguen siendo los mismos que se bajaron del tren en Viena, pero que las responsabilidades, los compromisos y la rutina han distorsionado la imagen de su pareja; el reto, según el artífice de la trilogía Richard Linklater, es encontrar ese vínculo que se estableció en su primer encuentro y que es indestructible.


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urante la década de los años setenta, Michael Peterson de 19 años, se inició en la vida criminal al robar una oficina postal; el joven fue detenido y sentenciado a siete años de prisión, pero la reclusión que para unos podría suponer un infierno, para Peterson fue el equivalente a estar en el paraíso. Su celda no era otra cosa que su habitación de hotel, como él mismo la llamaba, y es precisamente en la cárcel (donde sigue actualmente tras un breve periodo -69 días para ser exacto- de libertad condicional) donde se ganó el mote de 'el criminal más peligroso en Gran Bretaña' por su violento comportamiento. La figura de este particular criminal, rebautizado como Charles Bronson en homenaje al legendario actor de películas de acción como El Vengador Anónimo (Death Wish; 1974), fue puesta bajo la lupa en la película Bronson, dirigida por Nicolas Winding Refn en 2008. La película es interesante en su intención de adentrarnos en la violenta naturaleza humana y la interpretación de Tom Hardy como el psicótico protagonista está

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inmejorable; el problema surge cuando la película opta por una narrativa inadecuada para la historia: poner al protagonista a narrar su propia historia, a veces frente a la cámara como si se tratase de cualquier 'reality show', o en otras ocasiones, frente a un público teatral, ante el cual, incluso se muestra caracterizado como algún personaje de su historia. Bronson se queda a medio camino como una reflexión sobre la inherente violencia del Hombre, logrando sólo breves destellos de ingenio que evocan a La Naranja Mecánica; en lo técnico, es una interesante propuesta visual en la que ciertas secuencias ya dejan ver claro el estilo que el director refinó con sus exitosas Drive y Only God Forgives, ya saben, luces neón rosas y azules, y música ochentera plagada de sintetizadores. Bronson es una propuesta cuyo visionado es recomendable para rescatarla de los videoclubes, pues no fue estrenada en cines en México (y casi en ninguna parte del mundo), y para tenerla como referencia en la filmografía de Winding Refn, aunque sea de sus trabajos menos logrados.


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La Ley del Deseo (1987)

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CELULOIDE DIGITAL - DICIEMBRE 2013