REVISTA DANZA EN ESCENA Nº 49 (ABRIL 2021) | David Yudes

Page 1

DANZAENESCENA Revista de La Casa de la Danza

Nº 49 ABRIL 2021

DAVID YUDES El más joven bailarín solista del Royal Ballet

IÑAKI COBOS CARMEN MECHÓ PRIX DE LAUSANNE 2021 DEE

1


MAYO

JUNIO

7 Teatro Auditorio de San Cugat 2 Teatro Principal de Zamora 17 Teatro Gran Vía de Madrid 8 y 9 Teatro Principal de Zaragoza 20, 21, 22 y 23 Teatro Calderón de Valladolid 3 Palacio de Festivales de Santander 12 Teatro Romea de Murcia 5 Centro Cultural de Terrasa 25 Teatro Falla de Cádiz 13 Teatro Principal de Alicante 6 Teatro Kursaal de Manresa. 26 Teatro Cervantes de Málaga 14 Gran Teatro de Elche 27 Gran Teatro de Córdoba 15 Teatro Río de Ibi, Alicante 29 Teatro Mira de Pozuelo de Alarcón 16 Teatro José María Rodero de Torrejón de Ardoz 30 Teatro El Greco de Toledo


SUMARIO

DANZAENESCENA Revista de La Casa de la Danza

Nº 49 ABRIL 2021

4

EDITORIAL: Bailar con los zapatos rotos Manuel García Cabezón

5

Mensaje Día Internacional de la Danza 2021 Friedemann Vogel

6

PORTADA: David Yudes Carolina Masjuan

12 De vuelta a casa Alberto Pizarro DAVID YUDES El más joven bailarín solista del Royal Ballet

IÑAKI COBOS CARMEN MECHÓ PRIX DE LAUSANNE 2021 DEE

1

DANZAENESCENA Nº 49_ABRIL 2021 EDITORA: Mila Ruiz COORDINADOR: Perfecto Uriel CONSEJO DE REDACCIÓN: Víctor M. Burell, Nelida Monès, Joaquim Noguero y Mila Ruiz. COLABORADORES: Manuel García Cabezón, Friedemann Vogel, Sergio Cardozo, Victor M. Burell, Mayda Busramante, Paloma Sainz-Aja, Tomás Manyosa, Orlando Taquechel, Artburst Miami, Marta Carrasco, Carolina Masjuan FOTOGRAFÍA: Roman Novitzky, Alfredo Ayarza Tudela, Chris Hardy, Patricia Laine, Salvador Gómez, Simon Soong, Alexander Iziliaev, Larry Chidsey, Grau Dance Photography, Mariona Olmos, Palau/ AHS, Moisés Serra, Filippo Jorio, Albiru, Darja Stravs Tisu, Paco Barroso y Josep Guindo MAQUETACIÓN: Liosmar Ruiz leoruizmartinez@gmail.com DIRECCIÓN: Casa de la Danza, c/Rua vieja 25, 26001 Logroño (La Rioja) MAILS: Mila Ruiz: danzaenescena@gmail.com Perfecto Uriel: casadanza@casadeladanza.com (Las colaboraciones son gratuitas y responsabilidad de sus autores) Fotografía de portada: Mariona Olmos Maquilladora: Raquel García Lugar: Museo Nacional de Arte de Cataluña

14

Plantación en el Bosque de la Danza de Logroño, por el Día Internacional de la Danza 2021 Sergio Cardozo

16 La danza en Miami durante 2020 Obras, eventos y artistas Orlando Taquechel y Artburst Miami 20 Prix de Lausanne 2021 Danza En Escena 24 Carmen Mechó; bailarina, maestra y coreógrafa Tomás Manyosa 28 ENTREVISTA: Iñaki Cobos Danza En Escena 34 La Argentinita y Pilar López III Parte Victor M. Burell 40 El Festival Flamenco de Jerez recibe con los brazos abiertos Marta Carrasco 43 ENTREVISTA: Antonio Najarro Sergio Cardozo 46 Amigos de honor de La Casa de la Danza 48 España celebra el centenario de Alicia Alonso Mayda Bustamante 49 Vicente Escudero; tradición y vanguardia Paloma Sainz-Aja Aparicio 52 PAR EN DANSA TARRASA 54 Tamara Rojo medalla de oro 55 La tira de Fredy y libros recomendados


Editorial

Bailar con los zapatos rotos... Sueños que vagan por el aire desamparado mientras el vientre de la tierra guarda las vidas de los que se fueron. Lágrimas que emanan entre el caos, el ébano, el temor, el frío y la soledad. Brazos que se llaman, bocas que se hablan con los ojos, palabras que se pierden en el vacío de la lejanía y un mismo deseo, despertar de la pesadilla dando paso a un nuevo tiempo. Tiempo de soñar con más fuerza, de bailar con los zapatos rotos, de valorar todo aquello que teníamos, que perdimos. Tiempo de perdonar los actos veniales, de entendernos, de ceder, de acordar… de respetar. Tiempo de aceptarnos todos como iguales, con las mismas dudas, los mismos miedos, los mismos dolores… tiempo de mirar con los ojos de otros. Tiempo de dejar atrás como sociedad el egoísmo y trabajar juntos por curar también el alma de un mundo enfermo. Tiempo de empatía, abrazos, sonrisas y amor. Tiempo de cambiar el presente, ya que mañana… puede ser tarde.

Manuel García Cabezón, poeta.

4


Mensaje Día Internacional de la Danza 2021

Todo comienza con el movimiento, naturaleza que todos poseemos, y la danza es el movimiento refinado para comunicar. Por mucho que la técnica impecable sea importante e impresionante, en última instancia, lo que el bailarín expresa dentro del movimiento es la esencia. Como bailarines estamos en constante movimiento, aspirando a crear esos momentos inolvidables. Es lo que todo bailarín se esfuerza por lograr, independientemente del estilo de danza. Entonces, cuando de repente, ya no se nos permite bailar, con los teatros cerrados y los festivales cancelados, nuestro mundo se paraliza. Sin contacto físico. Sin espectáculos. Sin público. Friedemann Vogel, Roman Novitzky

Friedemann Vogel “Una estrella mundial que nunca perdió el suelo bajo sus pies” fue como Tanz Magazine describió a Friedemann Vogel cuando lo eligieron “Bailarín del Año” por segunda vez en 2019. Al año siguiente, el prestigioso Premio Alemán de Danza honró al bailarín principal del Ballet de Stuttgart con el premio “Artista Sobresaliente”, en reconocimiento a su larga e ilustre carrera internacional. Durante más de 20 años ha actuado en escenarios venerados de todo el mundo, desde la Scala de Milán hasta el Teatro Bolshoi de Moscú y el Festival Mundial de Ballet de Tokio, admirado tanto por la crítica como por el público.

Nunca en la historia reciente se ha retado a la comunidad de la danza de manera tan colectiva a mantenerse motivada, a encontrar nuestra razón de ser. Sin embargo, es precisamente cuando se nos ha quitado algo precioso que realmente apreciamos cuán vital es lo que hacemos y cuánto significa la danza para la sociedad en general. A los bailarines se les suele celebrar por su destreza física, cuando en realidad nuestra resistencia mental nos sostiene aún con más fuerza. Creo que es esta combinación de agilidad física y psicológica la que nos ayudará a superar, a reinventarnos para seguir bailando y a seguir inspirando. DEE

5


David Yudes; el más joven bailarín solista del Royal Ballet Por Carolina Masjuan

David Yudes en e Museo Nacional de Arte de Cataluña, Mariola Olmos

6


ENTREVISTA → Alba Alonso

Si siempre es un placer ver bailar a David Yudes, conocer sus opiniones y charlar con él es igualmente inspirador. No por su juventud y su carrera impresionante en una de las mejores compañías del mundo, deja David de estar comprometido con su tierra y apoyar, e involucrarse, en toda iniciativa para la danza que le merezca respeto. Danza en Escena ha querido conocerle mejor y he aquí la entrevista que nos ha concedido. ¡Gracias David! Esperamos ansiosos conocer estos proyectos de los que nos hablas y que aún no puedes desvelar. ¿Cómo empezó tu relación con la danza? Mi relación con la danza siempre existió, incluso antes de que yo naciera. Mi madre fue bailarina y posteriormente profesora de danza y directora de su propia escuela en Badalona (Barcelona). Ella fue quien me introdujo en este mundo, cuando tenía tan solo 4 años de edad. Creo que de pequeño también te atraía el fútbol ¿cuándo y porqué elegiste el ballet? El fútbol fue y sigue siendo una de mis grandes pasiones, tan solo 2 años después de empezar a bailar, me apunté al equipo de mi querida ciudad Badalona y compaginé las dos disciplinas hasta los 12 años, cuando gané el Grand Prix (máxima distinción de la categoría) en el concurso Youth American Grand Prix y eso me hizo tomar una decisión y elegir la danza de manera profesional. ¿Qué bailarines te inspiraban especialmente? Desde siempre Ángel Corella al que tengo el placer de conocer y haber bailado con él, ha sido mi mayor inspiración, no sólo como bailarín sino también como persona. Más tarde, vi bailar también a Herman Cornejo y ellos dos sin duda fueron mis modelos a seguir en la danza. De Badalona a Mónaco a muy corta edad ¿cómo fue tu experiencia en la escuela Princess Grace? ¿Te adaptaste rápido o fue muy duro? La verdad que me siento muy afortunado al haber podido formarme como persona y como bailarín en la Académie Princesse Grace de Montecarlo. Entré a los 13 años y estuve hasta los 17. Fueron los años más cruciales y determinantes para mi carrera como bailarín y tanto mis profesores principales, Thierry Sette y Michel Rahn, como mi director Luca Masala, a los que aprecio mucho, supieron guiarme de la mejor manera y en parte llevarme hasta donde estoy hoy. Sobretodo

los dos primeros años fueron más difíciles para adaptarme, pero cada vez fue a más y mejor y estoy muy agradecido por las herramientas que me dieron, tanto a nivel profesional como a nivel personal. Definitivamente considero a la escuela como una de las top en el mundo, sin duda. Como nos has comentado, ya habías participado en concursos anteriormente, pero cuéntanos un poco sobre tu experiencia en el Prix de Lausanne ¿qué destacarías de este concurso y qué supuso para ti? El Prix de Lausanne cambió la dirección de mi carrera por completo y me abrió muchas puertas que nunca pensé que pudieran ser abiertas. Fue una oportunidad y experiencia increíble. No solo agradezco el hecho de haber sido uno de los ganadores, sino de la propia experiencia en sí. Una competición de una semana con compañeros, profesores y un jurado impecables, con los que aprendí muchas cosas y fue super intenso. Es una de esas experiencias que solo pasan una vez en la vida y que se te quedan para siempre en la memoria. Tenemos un buen palmarés español de ganadores a lo largo de la historia, últimamente varios catalanes han ganado o se han hecho con una beca en la final y este año cuatro bailarines españoles, dos valencianos y dos catalanes, fueron seleccionados llegando dos a la final, eso demuestra que en nuestro país hay mucho talento. Entonces ¿qué falta para que podamos tener buenas compañías de ballet? Si. Está claro que en España hay muchísimo talento y siempre es frustrante ver como todos se van para poder continuar con sus carreras ya que aquí no hay las mismas oportunidades que fuera. Después de años viendo un poco la situación, creo que sin duda lo que falta en España es una comunidad de danza que esté unida y que tenga muy claro hacia dónde quieren ir, pero es muy importante que nos apoyemos los unos DEE

7


David Yudes en Prix de Lausanne

a los otros para ir hacia adelante. Esto nunca ha sido así, nuestra comunidad ha estado y sigue estando bastante dividida, y mientras así sigan las cosas, vamos a ser nosotros mismos los que no dejemos que la danza crezca y evolucione en nuestro país como ha estado sucediendo hasta ahora. ¡Ojalá en un futuro podamos tener una compañía estable en uno de nuestros grandes teatros en España! ¿Crees que nuestros responsables políticos al frente de departamentos de cultura, en general entienden de danza y son conscientes de lo que supondría tener buenas compañías en los magníficos teatros que hay por España? A pesar de que creo que hay un gran desconocimiento de la danza a nivel global en España y de que no está tan evolucionada como en el resto de Europa, estoy convencido que muchas personas con estos cargos son conscientes de lo que podría generar una gran compañia de danza en nuestro país y de hecho se ha intentado en alguna ocasión, pero me remito a lo anteriormente mencionado, la comunidad de la danza en España nunca ha estado suficientemente unida y hasta que no logremos eso, pienso que no vamos a poder tirar hacia delante. ¿Por qué en Catalunya, donde el Liceu tuvo la primera compañía de Ballet Clásico de España asociada a un teatro y que fue un referente nacional e internacional con el Maestro Magrinyà, de golpe y porrazo se borró todo ese legado impresionante (clásico, contemporáneo, escuela bolera, danza estilizada española) y se apostó sólo por el contemporáneo? El porqué de los hechos no lo sé y me hubiera gustado

8

saberlo porque quizás si no hubiera pasado, a día de hoy esta compañía existiría todavía, pero creo que en España hay una pequeña confusión con los diferentes estilos de danza. Cada estilo es diferente y evoluciona de una manera. El problema viene cuando mucha gente piensa que el resultado de la evolución de la danza clásica, por ejemplo, es la danza contemporánea y eso no es así. La danza clásica va evolucionando, pero siempre va a seguir siendo danza clásica, igual que con los demás estilos, cada uno tiene su aquel y su propia evolución. ¿Siempre quisiste integrarte en el Royal Ballet o fue porque en Lausanne surgió esa oportunidad por lo que lo elegiste? Nunca pensé en entrar en el Royal Ballet de Londres. De hecho mi sueño siempre fue el American Ballet de Nueva York. Es increíble como todo puede cambiar tan rápido gracias a una experiencia o situación, en este caso el Prix de Lausanne. Tu carrera en una de las mejores compañías del mundo está siendo espectacular. ¿Cómo lo vives y cuál es el ambiente en una compañía con tanto nivel e imagino que muy competitiva? Estar en el Royal Ballet de Londres es un sueño que intento aprovechar cada momento y cada experiencia, ya sea en el estudio o en el escenario, al máximo, pero sobretodo con mucha tranquilidad. Lo más positivo de estar en una compañia así es que trabajas con los mejores bailarines del mundo y puedes aprender de ellos cada día y en cada ensayo. Parece mentira pero aunque no bailes durante un año y puedas estar viendo a estos bailarines cada dia ensayar y bailar, te puedo


ENTREVISTA → Alba Alonso

David Yudes en clase

asegurar que vas a mejorar igualmente tanto técnica como mentalmente cuando vuelvas a estar en activo. Por supuesto que es una compañía competitiva, como cualquier otra realmente. A este nivel la gente suele ser muy autocrítica y muy perfeccionista con todo lo que hacen, por lo que se permiten fallar muy poco y eso puede traerte mucho estrés y mucha presión los cuales he sufrido de primera mano. Pero por lo general la gente es muy buena y la verdad es que estoy muy feliz aquí ahora mismo. ¿Cómo has vivido la pandemia? ¿Cuál es la situación ahora en Londres y en UK? La pandemia la he vivido como todos los bailarines realmente, encerrado en casa y con clases a través de zoom con la compañía e intentando mantener la forma al máximo posible. Lo que sí que he encontrado es que la pandemia ha sido un hecho muy positivo para mí personalmente. He aprendido sobre todo en este tiempo a valorar más las cosas pequeñas de la vida y a entender como mejorar mis prioridades en ella. Me siento renovado y con muchas ganas de afrontar todo lo que se me venga. La situación aquí en el Reino Unido parece que ahora va mejorando poco a poco, pero siguen muchas cosas cerradas y sobretodo los teatros, así que tenemos que esperar a ver cuando vamos a poder empezar a bailar de nuevo. Estuviste varias semanas trabajando con el Ballet de Barcelona e incluso participaste bailando el rol principal en una de sus funciones con «El Cascanueces» ¿qué puedes contarnos de esa experiencia? Si, fue algo fantástico y estoy muy agradecido de que haya sucedido. Bailar en mi tierra siempre es algo muy especial, y además hacerlo con personas tan fantásticas y con una compañía tan buena y comprometida como lo es el Ballet de Barcelona todavía lo hace aún mejor. Me hicieron sentir como en casa desde el pri-

mer día y no me costó nada adaptarme tanto a la compañía en general como a los ensayos. ¿Qué opinas de la compañía desde tu perspectiva de bailarín en una de las mejores del mundo? El Ballet de Barcelona es una compañía que lleva creo que unos dos años desde su creación aproximadamente, pero yo me interesé específicamente en bailar y trabajar con ellos porque sabía que tanto los bailarines como los directores (Chase Johnsey, Carlos Renedo y Carolina Masjuan) eran personas buenas y honestas, con un proyecto en sus manos que de verdad querían y quieren hacer crecer y no me equivoqué para nada. Aparte de eso, luego cuando vi las instalaciones, los bailarines y todo lo que la rodea pensé rápidamente que ésta es la compañía que necesitamos en Cataluña y, que si la apoyamos entre todos, quizás en un futuro no muy lejano la podamos ver en teatros como el Liceo de Barcelona. Recomiendo a todo el mundo que vaya a ver sus actuaciones y que la siga muy de cerca porque estoy seguro de que en los próximos años vamos a oír hablar de ella, y mucho. ¿Conocías su versión del Cascanueces? ¿te costó adaptarte? Con tu partenaire, Anna Ishii, se os vio perfectamente compenetrados ¿cómo definirías el proceso de trabajo con ella y con Chase Johnsey, el Director Artístico de la compañía, como coach para este difícil Paso a Dos? La verdad es que no conocía su versión del Cascanueces. Sabía de la existencia del Ballet de Barcelona pero había visto poquitas cosas de su repertorio y el trabajo que habían hecho hasta entonces. La cantidad de cosas positivas, laboralmente hablando, que me proporcionó tanto mi partner Anna Ishii como el director artístico, son innumerables y son cosas que me las he llevado conmigo a Londres para continuar y usarlas en mi carrera aquí. Tanto a nivel de correcciones de ChaDEE

9


“Es extremadamente importante apoyarse los unos a los otros, colaborar y estar unidos si tenemos grandes proyectos o ideas como por ejemplo algún día tener una compañía de danza en un gran teatro de España. Si vamos cada uno por nuestro lado, como ha estado sucediendo hasta ahora, poco va a cambiar” se Johnsey como a nivel de comunicación con Anna, la verdad que fue impecable y me sentí súper afortunado de poder trabajar con gente así que ni siquiera había conocido antes personalmente. Es una experiencia que se me ha quedado grabada y sobretodo espero que podamos volver a repetir en algún momento. Iniciativas como la «Gala de Ballarins Catalans» que organiza tu madre, Marisa Yudes, o «Catalunya balla contra el càncer» de David Rodríguez en Girona, os permiten bailar para el público de casa y siempre agotan entradas en las dos funciones que se programan en cada una de ellas. Aunque a veces sea muy complicado organizarlo por vuestras respectivas agendas en las compañías dónde bailáis, hay muchas ganas de bailar en casa ¿no? Hay muchísimas ganas de bailar en casa, no solo mías, sino de todos los bailarines catalanes con los que tengo contacto y agradecemos mucho estas iniciativas y estos proyectos que se hacen para que podamos actuar en ellos. Pienso que hacer este tipo de proyectos son necesarios y bienvenidos. De hecho tenemos un proyecto entre manos, algunos bailarines catalanes, que esperamos realizar en los próximos meses y que esperemos vaya a mejorar poco a poco la situación de la danza, en este caso en Cataluña y a darle más visibilidad e importancia. Pero no lo puedo contar todavía, je, je. He visto en las redes que sigues muy de cerca el mundo de la danza en Cataluña, comparado con el Reino Unido, estamos a años luz, sobre todo en cuanto a apoyo institucional y facilidades para el mecenazgo ¿no es así? Si que es verdad que estoy últimamente intentando seguir el tema de la danza en Cataluña e intentando entender un poquito cuales son las cosas que falta-

10

rían para poder tener una comunidad como la hay en Reino Unido o Alemania, por ejemplo. Algo súper positivo es que hay muchos proyectos, bailarines muy buenos y gente con ideas increíbles. En cuanto al apoyo institucional y mecenazgo, no puedo opinar mucho de esto ya que todavía estoy intentando entender un poco la situación, pero estoy seguro de que hay un modo de que nos escuchen y nos apoyen. ¡Acabaremos encontrando la manera! Pero además parece que somos muy egocéntricos, o quizás envidiosos, y desde el propio mundillo, ciertos colectivos no apoyan otras iniciativas e incluso intentan desprestigiarlas, evidentemente salvo alguna, cada vez más, por suerte, honrosa excepción, ¿qué opinas al respecto? Opino que estoy totalmente de acuerdo. El tema está en que todos sabemos que existe este problema pero parece que nadie quiere señalarlo para solucionarlo. Hemos estado mucho tiempo así y creo que es tiempo para cambiar las cosas. Es extremadamente importante apoyarse los unos a los otros, colaborar y estar unidos si tenemos grandes proyectos o ideas como por ejemplo algún día tener una compañía de danza en un gran teatro de España. Si vamos cada uno por nuestro lado, como ha estado sucediendo hasta ahora, poco va a cambiar. Hay que dejar el ego aparte y empezar a ayudar y a alegrarse por los éxitos ajenos ya que solo contribuyen a nuestra comunidad y preciada arte. Creo que Kevin O’Hare te ha dado especial permiso para seguir participando como invitado con el Ballet de Barcelona, siempre que sea posible ¿es así? Estoy muy agradecido a Kevin O’Hare (mi director) por haberme dejado bailar en diferentes ocasiones en mi tierra. Él es positivo en que si las fechas cuadran, y es posible, poder volver a bailar pronto seguro.


ENTREVISTA → Alba Alonso

David Yudes

¿Tienes algún proyecto próximamente en España? Pues tengo algunas cosas en mente y algunos planes para esta temporada,y la que viene, que estoy intentando concretar. Pero todavía nada es seguro así que no puedo decir mucha cosa... ¡ojalá! Je, je... ¿Y en el Royal Ballet cuáles son ahora tus planes más inmediatos? La verdad que pocos planes ahora mismo. Estamos simplemente a la espera de ver cuando vamos a poder bailar de nuevo en nuestro teatro el Royal Opera House y muy ansiosos ya que llevamos mucho tiempo sin hacerlo. Mientras tanto, vamos teniendo todo tipo de clases de ballet, técnica, solos y paso a dos, para mantenernos en forma y estar al máximo cuando volvamos a empezar. ¿Algún apunte final para los lectores de Danza en Escena? Quiero agradecer a todo el mundo que trabaja en La Casa de la Danza de Logroño y en especial a Perfecto Uriel por encargar esta entrevista y darme voz para hablar de lo que realmente es importante en la danza en España. Estoy seguro de que poco a poco, entre todos, posicionaremos a la danza en el lugar que también debe de estar en nuestro país.

Patinadores, David Yudes

David Yudes en Youth America Gran Prix 2009 DEE

11


De vuelta a casa Por Alberto Pizarro

Foto de la exposición, Alfredo Ayarza Tudela

“Luisón” y Perfecto Uriel, Sergio Cardozo

12


ARTÍCULO → De vuelta a casa

Foto de la exposición, Alfredo Ayarza Tudela

A Luis Guinea ”Luisón” le dio por pintar bailarinas, quizá animado por Perfecto Uriel. Pudimos verlas en el Centro Fundación Caja Rioja-Bankia de La Merced hasta el día en que se abrió la vacilante y enfermiza primavera de 2021. Entonces, el óleo de Cecilia Gómez, que llevaba colgado algunos años en la Casa de la Danza, volvió a su lugar; los otros, a las paredes de la casamuseo- fortaleza que el pintor tiene en Cellorigo. En las bailarinas plasmó la delicadeza de posturas y piruetas, su belleza y dura fragilidad, la sacudida y el aire de las vestimentas. Pinturas que, pese a su instantáneo e inverosímil estatismo, el pincel dotó de movimiento; por haber logrado convertir en luz hipnótica el suave satén de las zapatillas; en graciosos, los mortificados pies que posibilitan ingrávidos vuelos; en alas, los largos tules de los vestidos, captados cuando lucen más vistosos y esplendentes. Si Luisón prestó oído para el asunto de la danza a Uriel, en el de los toros me escuchó a mí. Con afán persuasor, me valí de la frase con la que Nijinski se definía, aludiendo a esa mezcla de fuerza y espiritualidad: “Soy un dios alojado en el cuerpo de un toro”. También de mi paisano Vicente Escudero, que decía haber aprendido mucho sentado en la sombra de la plaza, y defendía afinidades y coincidencias en ambas manifestaciones artísticas. Y de que Joaquín de Luz- estrella del New York City Ballet, que quiso ser torero sin lograrlo- aseguraba que le habían influido los movimientos del toreo en su forma de bailar, y que aunque el ballet era menos peligroso que el toreo, algunas bailarinas podían llegar a serlo bastante.

El matador es un bailarín que aspira a la quietud, a actuar no demasiado despegado de su potencialmente heridora y siempre brusca pareja, con la armonía del pasodoble o, simplemente, con la música callada del torero… Aunque el toro actual- bobería encornada, auténtico borregonte- y el amaneramiento feminoide de los toreros hacen que la lidia semeje a veces un ridículo ballet. El vestido de luces es, a la postre, un traje de baile. La figura ideal del torero está próxima a la del bailarín (elástico, torso triangular, piernas fuertes). Su gestualidad, sus ademanes seguros, asimilan modos y maneras de la danza. Se reconocen códigos de movimientos comunes en la verónica, en el afarolado, en las banderillas al quiebro, en el detalle “sanguíneo” de fuerza y poderío del desplante. Sus movimientos están tasados, como los del bailarín. Y aunque durante el lance la planificación cede al albur de lo imprevisto, en el entrenamiento ensaya una coreografía de pasos estudiados, de maneras de andar y moverse ante el animal. Cuando el toreo es auténtico, diríase que apetece las distancias del tango. Retratado su paisano Morenito de Aranda, Luisón está ahora con la tela de Diego Urdiales, el matador menos bailarín de todos los tiempos, preludiando la serie de toreros. Quizá la Casa de la Danza llegue a albergar un día ese cuadro, reafirmando así el íntimo parentesco de ambas artes. DEE

13


14


ARTÍCULO → Plantación en el Bosque de la Danza de Logroño

Plantación en el Bosque de la Danza de Logroño, por el Día Internacional de la Danza 2021 Por Sergio Cardozo

El próximo jueves 29 de abril 2021, y para celebrar el Día Internacional de la Danza en Logroño, se procederá a la plantación anual de los nuevos árboles donados por amantes de la danza para recordar a sus estrellas favoritas. Para esta ocasión el árbol elegido es el Cercis silicuastrum o Árbol del Amor, cuyo fin es perimetrar el lado este de sus 3.000 m2, que dan a un solar abandonado. Las características de esta especie es su floración en primavera, sus hojas en forma de corazón en verano, que se vuelven de un amarillo intenso con la llegada del otoño. Este año, la Casa de Logroño cumple su mayoría de edad, y entre los muchos proyectos a lo largo de estos dieciocho años fue la creación de este bosque en mayo de 2009. Desde entonces, cada año se lleva a cabo una nueva plantación cuyo árbol emblemático es el ginkgo biloba, y profesionales de todo el mundo se suman a este proyecto donando un árbol. Con estos 16 nuevos ejemplares el bosque rozará casi el centenar de árboles plantados, cada uno con el nombre de profesionales históricos en la danza. Como suele acontecer en este acto, donde unen danza y

medio ambiente, las donaciones han sido individuales o de pequeños grupos de alumnos que deciden sumarse al proyecto. Resulta curioso que, habiendo sido invitadas todas las escuelas elementales, profesionales y superiores oficiales de danza, ninguna haya correspondido a la invitación para participar en ello. El próximo 29 de abril de 2021, entre las 10 y 12 horas, estáis todos invitados a participar de este pequeño homenaje a la naturaleza en un tono urbano. Será un acto en el que contaremos con la participación de Antón Armendáriz, de RiojaLírica que nos interpretará un par de canciones y también con un grupo de bailarines, componentes de la Asociación Riojana de Swing, que nos ofrecerá una demostración de Lindy Hop en el Bosque. Os invitamos a disfrutar con todos nosotros recordando los nombres de los siguientes grandes artistas: AGRIPINA VAGANOVA, ALEXANDER GODUNOV, ALFONSO ROVIRA ALBERO, CARMEN MECHÓ, EVA LÓPEZ CREVILLÉN & LIENZ CHANG, FRANKIE MANNING, GELU BARBU, GERARDO VIANA, JOAN MAGRINYÁ, JUANJO LINARES, MARIUS PETIPA, MARTA GARCÍA, MARTHA GRAHAM, MAURO GALINDO, MAYA PLISETSKAYA y VICENTE ESCUDERO. DEE

15


La danza en Miami durante 2020 Obras, eventos y artistas Por Orlando Taquechel/ Artburst Miami

Amy Trieger en el solo “Crown” de Brigid Baker. Salvador Gómez

16


ARTÍCULO → La danza en Miami en 2020

La danza en Miami se vio limitada en cantidad durante 2020 pero no en calidad. La pandemia hizo que las actividades artísticas se redujeran de manera drástica tras el cierre de los teatros a mediados de marzo, pero los que consiguieron hacer acto de presencia dejaron su huella con trabajos de relevancia innegable. Los primeros meses del año estuvieron dominados por el Miami City Ballet (MCB) con dos programas magníficos en el Arsht Center y por las compañías de gira. La cancelación del Flamenco Festival fue la primera señal de lo que se avecinaba.

Todos los artistas participantes en la Gala de Estrellas del XXV IBFM”. Patricia Laine

Terminamos el año explorando el formato “híbrido” y celebrando el regreso de un público enmascarado pero respetuoso de la sana distancia. La lista que presentamos a continuación es un recordatorio de 12 eventos, artistas y obras de danza que este año enriquecieron nuestra existencia.

Los bailarines de AKLB en “Common Ground”. Chris Hardy

Después tuvimos un período caracterizado por el consumo insaciable de material histórico “de archivo”. Merece la pena destacar el caso de Arts Ballet Theatre of Florida (ABTF), que entre el 18 de marzo y el 11 de junio compartió 21 videos de obras en su repertorio. A continuación, presenciamos el apogeo de la “danza filmada” y de los trabajos creados “a distancia” para ser trasmitidos “en línea”. Sin olvidar los eventos en teatros vacíos con programas de “solos” y “dúos”, como en las galas del Festival Internacional de Ballet de Miami (IBFM por sus siglas en inglés).

1: El solo del año “Crown”, de Brigid Baker. Un ejercicio de intensa lucidez para una intérprete en estado de éxtasis: Amy Trieger. Evocación de Isadora Duncan e invocación a Anna Pavlova para anunciar el resurgimiento después de la pandemia. Se estrenó al aire libre el viernes 13 de noviembre en el Drive-Through Theatre Experience del Miami-Dade County Auditorium (MDCA). 2: El dueto del año “Space Between Words” de Donna Goffredo Murray, ejecutado de manera imperturbable por Fabián Morales y Claudia Lezcano de Dimensions Dance Theatre of Miami (DDTF), que resultó ser el momento mas destacado en la Gala de Clausura del XXV IBFM en septiembre y en la Virtual Daniel Lewis Dance Sampler en octubre. DEE

17


7: Las coreografías hechas a distancia Dos trabajos absolutamente conseguidos, comisionados por MCB: “A Dance for Heroes” (de Durante Verzola) en MAYO y “Places” (de Claudia Schreier) en noviembre. En ambos casos, hay que reconocer el aporte decisivo del talentoso Alexander Iziliaev como camarógrafo y editor.

Claudia Lezcano y Fabian Morales. Simon Soong

3: La puesta en escena original “All the Way” de brigid baker wholeproject, estrenada el 5 de marzo en el On.Stage Black Box de MDCA. 4: La iniciativa de mayor éxito La temporada de MCB en diciembre con “The Nutcracker in the Park” en Downtown Doral Park. La joya de la corona para la compañía este año y un argumento irrebatible al reconocer la resiliencia de Lourdes López como directora artística.

“Places”, coreografía de Claudia Schreier. Alexander Iziliaev

8: La bailarina Katia Carranza, bailarina principal de MCB. En enero, reafirmando su categoría con “Tchaikovksy Pas de Deux” de George Balanchine en el Arsht Center – acompañada por Carlos Quenedit - y en el “Apollo” (también de Balanchine) junto a Renan Cerdeiro en la función conjunta MCB / New World Symphony en el New World Center de Miami Beach. En febrero, de regreso al Arsht, Carranza agregaría otra actuación memorable con el “That’s Life” de “Nine Sinatra Songs” (Twyla Tharp), acompañada por Kleber Rebello.

“The Nutcracker in the Park”. Alexander Iziliaev

5: La función de una compañía de gira El regreso de Alonzo King LINES Ballet al sur de la Florida, el sábado 18 de enero, en el South Miami-Dade Cultural Arts Center. 6: El evento internacional originado en Miami El XXV IBFM, bajo la sagaz dirección artística de Eriberto Jiménez. Un esfuerzo titánico, con la participación de 23 compañías de nueve países – 7 locales - y un mes completo de eventos que fueron trasmitidos al mundo entero y cerró con tres funciones en vivo desde dos locaciones diferentes.

18

Katia Carranza y Carlos Quenedit. Alexander Iziliaev

9: El bailarín Renan Cerdeiro, bailarín principal de MCB, porque su figura en el aire será recordada siempre como la imagen emblemática del oasis espiritual que representó en su momento la pieza de Verzola. También por su participación en la obra de Schreier y por sus actuaciones destacadas en “Symphonic Dances” y “Apollo” a inicios del año.


Renán Cerdeiro en “A Dance for Heroes”. Alexander Iziliaev

10: Las galas virtuales Dance NOW! Miami transmitió en mayo un entretenido cierre de temporada, donde escuchamos por primera vez el término Covid(eos). En octubre, le tocó el turno a la austera celebración del XXX aniversario de Karen Peterson & Dancers, y unos días más tarde, a la Virtual Daniel Lewis Dance Sampler, curada por Hannah Baumgarten, Diego Salterini y Daniel Lewis, donde participaron 10 grupos locales.

11: El regreso del ballet presencial El Cuban Classical Ballet of Miami, también bajo la dirección artística de Eriberto Jiménez, con “Don Quijote Suite” el sábado 5 de diciembre en el Jackie Gleason Theater de Miami Beach. 12: Dos películas y un libro En MARZO, la exitosa presentación en el Miami Film Festival de “Siudy Between Worlds – 50 Performances of the American Dream” de Pablo Croce, que documenta las presentaciones en Nueva York de Siudy Garrido y su compañía en el año 2011. En agosto, la emotiva exhibición en el XXV IBFM de “La Amable Euforia de la Danza” de Miguel Castañet Jr. sobre la vida y obra de Pedro Pablo Peña (1944-2018). Por último, el lanzamiento en junio del libro “Daniel Lewis: A Life in Choreography and the Art of Dance”, escrito por Donna H. Krasnow y el propio Lewis. El acontecimiento literario del año para la danza en Miami y un texto de obligada lectura para los interesados en su historia.

Los bailarines de Dance NOW! Larry Chidsey

ArtburstMiami.com es una fuente sin fines de lucro de noticias sobre teatro, danza, artes visuales, música y artes escénicas. Terminamos el año celebrando el regreso de un público enmascarado pero respetuoso de la sana distancia. DEE

19


Prix de Lausanne 2021 Por Danza En Escena

El Prix de Lausanne es quizás uno de los concursos más prestigiosos del mundo profesional del ballet. Es un extraordinario escaparate al que se acercan estudiantes, de entre 15 y 18 años, de todo el mundo. Las recompensas siempre son interesantes pues los ganadores obtienen becas de perfeccionamiento en escuelas prestigiosas y también contratos para formar parte de los elencos más destacados del planeta. En este año de pandemia el concurso se ha celebrado de manera virtual, online y España ha estado representada por cuatro extraordinarios concursantes que han dejado el pabellón nacional en un estupendo lugar. Felicidades para ellos y también para sus maestros. Ellos son: Marina Mata, Saïd Ramos, Lorien Ramo y Pablo Bueno. Hemos hablado con ellos y esto nos han contado. Saïd Ramos Marina Mata

Lorien Ramo, Grau Dance Photography Pablo Bueno

20


ENTREVISTA → Prix de Lausanne 2021

¿Con qué palabra describirías tu experiencia en el Prix de Lausanne 2021? Marina.- La describiría como emoción constante. Saïd.- ha sido una experiencia muy buena que me llevo para mi futura carrera profesional. Lorien.- Inesperada Pablo.- Sorprendente, enriquecedora y motivadora ¿Estáis contentos con el resultado de vuestra participación? Marina.- Mucho, sobre todo por el trabajo realizado para haber llegado hasta allí y por la experiencia. Saïd.- Sí, estoy muy contento de haber sido finalista de este concurso tan prestigioso. Lorien.- Por mi parte estoy muy contento ya que el simple hecho de participar era un horror y el haber podido llegar a la final fue un sueño cumplido. Pablo.- Sí, mucho. Aunque este año no hemos podido disfrutar de todo el proceso que conlleva participar en el concurso presencialmente, el resultado ha sido muy positivo. Los buenos comentarios y valoraciones recibidos nos han hecho sentir orgullosos del trabajo realizado. Se abren puertas para mi continuación profesional. El Prix de Lausanne es una experiencia increíble para un estudiante, ¿qué significa en tu trayectoria profesional? Marina.- Es un trampolín al mundo profesional, abre muchas puertas y te ve mucha gente de todo el mundo. Saïd.- Es un gran paso como estudiante que quiere empezar su carrera como bailarín profesional. Es un concurso muy valorado en el mundo de la danza, que te abre muchas puertas a compañías profesionales de alrededor del mundo. Lorien.- El Prix me ha servido como plataforma para abrirme un futuro y poder tener una carrera como bailarín profesional. Pablo.- Esta oportunidad hace que se te vea bailar, el poder darme a conocer a través de esta prestigiosa plataforma internacional me acerca aún más a directores, coreógrafos y gente de la profesión de escuelas de perfeccionamiento y compañías profesionales. Es también un dato importante en mi currículum, pero sobre todo es el trampolín a la profesión.

¿Cómo te sentiste al saber que estabas seleccionado para participar? Marina.- ¡No me lo podía creer! estar seleccionada entre tantos bailarines de todo el mundo es un honor, además siendo 4 españoles este año, algo extraño en otras ediciones. Saïd.- Estaba desbordante de felicidad, fue una noticia increíble, tanto para mí y mi familia, como para mi escuela de danza. Lorien.- Cuando abrí el email en el que me lo comunicaron, estaba con todos mis compañeros del Conservatorio y con Marina, y la verdad es que fue un momento muy emocionante. Pablo.- Me sentí emocionado y con un sentimiento de responsabilidad muy grande por hacer un buen papel. La ilusión y el reto de trabajar todo el material que supondría mi presentación, me activó a potenciar mi perfil y a aprender más. Sois cuatro magníficos representantes del trabajo que se hace en España, ¿la experiencia ha sido como la imaginabais o, con esta pandemia, ha habido aspectos que os han sorprendido? Marina.- Ha sido una pena no poder vivir la experiencia de viajar allí, tomar las clases, conocer a los compañeros y vivir los nervios en directo, pero el Prix de Lausanne ha hecho lo posible para no cancelar el evento y se ha adaptado a la situación mundial que estamos viviendo. Saïd.- Ha sido una edición muy diferente, la cual no esperábamos que fuera así. Fue una gran desilusión el hecho de que se eligiera hacer en formato on-line, ya que pierde esa característica tan especial de este concurso tan importante como es el Prix de Lausanne. Por este hecho, aún más si cabe, agradezco enormemente el apoyo constante y emocional que me han brindado mis magníficos maestros Joan Boix y Roser Muñoz. Lorien.- Obviamente me hubiera encantado que fuera una edición presencial pero devido a las condiciones sanitarias no fue posible, y aunque hemos perdido gran parte de la experiencia, esta edición online ha mantenido el espíritu del Prix. DEE

21


Marina Mata

Pablo.- Ha habido mucha incertidumbre y realmente hasta el inicio del concurso no sabía exactamente cómo iba a ser el proceso. Ha sido una pena no haber podido participar de forma presencial, pero la organización desde Lausanne ha conseguido consolidar una excelente propuesta, y luchado por no permitir que se cancelara totalmente debido a la pandemia. La verdad es que podemos decir que hemos formado parte de un evento histórico en la trayectoria del concurso de tantos años, Prix de Lausanne online. ¿Cómo fue la elección de las coreografías presentadas? Marina.- Dentro de la lista que ofrecían intentamos buscar con nuestro profesor las variaciones que más se nos adaptaban o queríamos trabajar, ya que iban a ser muchas horas de ensayos y queríamos aprovechar para salir de la zona de confort, en cuanto a la variación de Goyo Montero, consideramos que era el movimiento que más se me adapta. Saïd.- La elección de las coreografías la hicimos entre mis maestros y yo, de entre las que el propio concurso te ofrecía. Lorien.- Fue una elección entre mi profesor Rafael Darder y yo, y las decidimos en función a lo que mejor se adaptaba a mi forma de bailar. Pablo.- Mi profesor y coach José Cruz y yo, después de visionar las opciones, decidimos en base a mis cualidades cuáles eran las más apropiadas. Pero también apostando por trabajar dificultades en técnica y estilo que me movieran para ser más versátil y mejorar en general. ¿Tenéis alguna recomendación para aquellos que decidan presentarse en el futuro? Marina.- Espero que tengan la suerte de poder ir allí, les diría que aprovechen al máximo la experiencia, tan-

22

Pablo Bueno, Mariona Olmos

to del trabajo previo como de la semana en Lausanne. Saïd.- Un trabajo consciente, constante y perseverante es la clave para conseguir tus objetivos. Lorien.- Que trabajen lo máximo posible no solo la variación clásica, sino también la moderna y la técnica de clase ya que cada uno de estos apartados es un tercio de la nota final, por lo tanto es muy importante ser un bailarín o bailarina completo. Pablo.- Disfrutar del proceso, aprender y sentirse seguros de que es su propia decisión. Querer comprometerse a un trabajo de excelencia y superación. Trabajar con ilusión. Una vez que ya figuráis en el ranking de participantes en el Prix de Lausanne, ¿cuáles son vuestras próximas metas? Marina.- Diría que seguir trabajando duro, graduarme en el último curso del conservatorio y poder seguir haciendo lo que más me gusta el año que viene. Saïd.- Mi próxima meta sería trabajar en una compañía profesional o pre-profesional para poder comenzar mi carrera como bailarín. Lamentablemente este año es muy complicado para las compañías aceptar a nuevos bailarines, no hay espectáculos y muy pocos ingresos para estas instituciones, entonces se hace más difícil entrar en una compañía este año. Esperemos que vuelva todo a su cauce lo más pronto posible.


ENTREVISTA → Alba Alonso

Lorien Ramo, Grau Dance Photography

Saïd Ramos

Lorien.- Seguir evolucionando técnica y artísticamente como bailarín y tener una carrera profesional en la que baile todo lo posible. Pablo.- Poder seguir el perfeccionamiento y trabajar en una compañía profesional. Afortunadamente he recibido varias propuestas, de las que estoy muy agradecido, y después de valorar cual de ellas está ahora más cercana a mis objetivos artísticos profesionales y personales fuera de España, he decidido quedarme con la propuesta de los directores Jason Beechey y Aaron Watkin de obtener un contrato remunerado de aspirante con el Semperoper Ballet en Dresden, y periodos en esa temporada 2021-22, también con el perfeccionamiento de la Universidad para la Danza Palucca-Dresden. Me siento muy emocionado y agradecido, de poder formar parte de una de las mejores compañías y escuelas de perfeccionamiento a nivel internacional en Europa. Vuestras familias, maestros, mentores, compañeros de clase y fans deben de estar contentos de vuestra participación, ¿qué les diríais? Marina.- Sobretodo agradecerles todo el apoyo y la confianza que han depositado en mí. Saïd.- Querría agradecer a todos mis compañeros y personas que me han apoyado a lo largo del concurso. Pero en especial quiero agradecerles este logro a mi

familia y a mis profesores por la ayuda y la dedicación constante. Lorien.- Me gustaría agradecer a mi familia y a mis compañeros del Conservatorio porque nos han apoyado siempre y sobretodo agradecer a mi maestro Rafael Darder por todo lo que ha hecho tanto por Marina como por mí. Pablo.- Mis pasos adelante como bailarín y persona han sido acompañados con la gran ayuda de mi familia en primer lugar. La Dirección de la escuela, mis mentores, maestros y compañeros en el Conservatorio Profesional de Danza del Instituto del Teatro en Barcelona han apostado por mí, ofreciéndome las herramientas necesarias para llevar a cabo esta experiencia. Agradezco a todos ellos la dedicación, el cariño y la pasión que tan generosamente han contribuido a mi desarrollo emocional y una buena formación para mi continuidad profesional. ¿Repetirías experiencia de manera mucho más presencial que la de este año COVID19? Marina.- Sin duda la repetiría, pero al tener 18 años no puedo presentarme el año que viene (que esperemos que vuelva a la normalidad presencialmente) Saïd.- Sin duda alguna repetiría mi participación en el caso de ser presencial, para poder trabajar y disfrutar con todos aquellos increíbles profesionales que cada año van al Prix de Lausanne. Lorien.- Sin dudarlo me hubiera encantado que esta experiencia hubiera sido presencial y poder disfrutar de todos. Pablo.- Desde luego repetiría la experiencia también de forma presencial, pero también creo que si el destino me lo ha traído así es por algo. Me quedo con el aprendizaje de los días vividos, y que el camino siga adelante, es lo más importante. DEE

23


Carmen Mechó; bailarina, maestra y coreógrafa Por Tomás Manyosa

Carmen Mechó. Barcelona. Década 1950. Palau/ AHS

24


ARTÍCULO → Carmen Mechó

La madrugada del pasado 24 de enero nos dejaba para siempre a los 91 años, Carmen Mechó Cunillera, bailarina, maestra de baile y coreógrafa. Carmen Mechó nace en Barcelona en 1929. A los 10 años, su madre la lleva a aprender ballet en la academia del maestro Magriñá. En 1942 ya gana un concurso de danza infantil celebrado en Barcelona. En aquellos años de la posguerra actúa en el Liceo en diversas funciones. Amplía estudios de danzas rusas con la profesora Natalia Mirskaya y de baile español con el maestro Coronas, actuando en diversos festivales de estos profesores. A partir del 1945 y hasta el 1952 comienza a bailar profesionalmente, primero en el cuerpo de baile y después como solista o primera bailarina de compañías como el Ballet de Paul Goubé e Ivonne Alexander, el de Irina Kosmowska, el de Elsa Van Allen o Maria Josefa Izard. Después entra a formar parte de los Ballets de Barcelona dirigido por el maestro Juan Magriñá, actuando en Cataluña y la mayoría de capitales de provincia de España. Allí es donde conoce a Maria de Ávila con quien tendrá una gran amistad durante toda su vida. En el año 1952 se traslada a Sabadell para enseñar ballet en circunstancias difíciles, pues las primeras clases las hace en el comedor de una casa particular. Su primer fin de curso es el de 1952 en el Teatro Alcazar, en el que bailan diez niñas y un niño. A partir de ahí su escuela iría aumentando de año en año el número de alumnos y actividades. Vendrían muchos festivales de fin de curso en Sabadell, actuaciones en otras ciudades de Cataluña y de España y programas de Televisión Española. A partir de 1969 inicia una etapa de vertiginosa actividad en su trayectoria profesional. Carmen Mechó sabe que para poder enseñar bien no hay que olvidar su propia formación, y estar al día de nuevas formas de enseñar o de nuevas tendencias. Por eso inicia su

asistencia a varios cursos y seminarios de danza en el extranjero. Los veranos de aquellos años asiste al stage de Montpellier, en el seminario de ballet en Copenhague con la profesora rusa Nina Belikova y estudia el Sistema Bournonville con Kirsten Ralov; stage a París con Edmound Linval; curso en la Royal School of Ballet de Londres, asiste a clases como pedagoga en la Escuela Bolchoi de Moscú y Sistema Vaganova en Lenningrad; cursos de pedagogía en el Instituto del Teatro de Barcelona con los profesores polacos Clara Kunitto, Bogumil Slawinsky, Janus Smolinsky y Bárbara Kasprowicz; stage en Arenys de Mar con la profesora rusa Raïssa Kuzniecowa. Durante dos años asiste como única delegada española por el “Centro Español del Instituto Internacional del Teatro” en Varna (Bulgaria) donde recibe clases de los profesores daneses K. Ralov y F. Borusson, los profesores rusos, P. Goussev y V. Rouwiantzeva y la profesora búlgara Kalina Bogaéva. El año 1994 la Escuela Cranko de Stuttgart en visita organizada por el Departamento de Enseñanza de la Generalidat de Catalunya, asistiendo a las clases pedagógicas de la profesora Haydé Caicho, y también hace un viaje de estudios en New York organizado por la Federación Catalana de Profesores de Danza. Allí irá a clases del American Ballet y las escuelas del New York City Ballet, Marta Graham y otras escuelas privadas de reconocido prestigio. En 1977 imparte clases de ballet clásico para el “Ballet Contemporáneo de Barcelona” que dirigía Ramón Solé. De 1984 a 1986 colabora con la Asociació d’Amics de l’ Òpera de Sabadell como coreógrafa con el ballet de su escuela. Imparte también diversos cursos para profesores sobre el Sistema Vaganova, y con la profesora rusa Valentina Sabina imparten clases patrocinadas por el Departamento de Cultura de la Generalidat de Catalunya. Y aún en 1994 colabora con Ivonne Alexander en el “Curso Internacional de Danza” organizado por el “Centro de Danse Paul Goubé” de París. DEE

25


Carmen Mechó recibe instrucciones de Nina Belikova. 1970. Seminario Internacional de danza en Copenhagen. AHS

A esta intensa actividad hay que añadir, en paralelo, la lucha para dignificar la profesión. Carmen Mechó es una de las promotoras de la Asociación de Profesores de Danza Académica de la Provincia de Barcelona y de la Federación Catalana de Profesores de Danza siendo presidenta de ambas asociaciones a las que dio gran impulso y consiguió una mejor formación para los profesores de danza. Esto la lleva a escribir y publicar dos opúsculos en el ámbito de la docencia: “Método de Danza clásica” y el “Método de danza basado en la Escuela Vaganova”. Ambos métodos serán adoptados por la Federación Catalana de Profesores de Danza y también en el primer y segundo “Congreso Nacional de Maestros de Danza”. Desde 1982 es designada miembro del jurado del primer y segundo “Concurso Nacional de Danza”, siendo la presidenta del jurado en la tercera edición. Y todo ello sin olvidar su escuela de danza de Sabadell. Una escuela que comenzó con 11 alumnos y que algunos cursos después sobrepasó el centenar. Entre los años 1952 y 1992 pasaron más de 500 chicas y chicos. Carmen Mechó hacía unos finales de curso de tanta calidad, que lo venían a ver muchos profesores y profesionales de la danza de Barcelona y de otras poblaciones. Unos finales de curso que no solo merecían la atención de la prensa local, sino también de diversos medios de comunicación de Barcelona. Los primeros años, como tenía pocos alumnos, no podía hacer aún ballets importantes. Eran simplemente variaciones o bailes sueltos, con unos pocos alumnos. Pero en 1955 ya hace una coreografía más compleja. Es el “Cuento de Hadas” con música de Schubert. Después de aquel primer ballet, en los próximos años, vendrían otras 43 coreografías importantes. Después algunas de estas coreografías eran interpretadas en diferentes festivales de danza de Barcelona y también en otras ciudades como Tarragona, Valencia o Madrid.

26

Carmen Mechó. Teatro La Farándula de Sabadell. 1970. Moisés Serra/ AHS

Ya retirada, en el año 2013 hace entrega de todo su legado artístico al Arxiu Històric de Sabadell (que se formaliza en un acto público el 15 de marzo de 2014) y se crea el “Fons Carme Mechó” el cual esta compuesto de fotografías, filmaciones, programas de mano, publicaciones y documentación diversa relativo a toda su carrera artística. Carmen Mechó es sin lugar a dudas un referente dentro del mundo de la danza clásica, tanto en Cataluña como en España. No ha sido únicamente una gran profesora de ballet en su escuela de Sabadell desde 1952 hasta 1992, sino que su maestría se conoce en todo el país. Su gran labor como pedagoga está reconocida y sus consejos y opiniones sobre danza han sido siempre escuchados y tenidos en consideración. Carmen Mechó enseñaba muy bien la técnica y la interpretación de la danza clásica, tenía la gran capacidad y habilidad para coreografiar lo que cada alumno sabía y podía hacer mejor. Sus alumnos, chicas y chicos, siempre le agradeceremos como nos hizo disfrutar de la danza. Supo transmitir como bailar sus coreografías con emoción, énfasis y belleza, y también supo inculcarnos que nada es fácil y que para conse-


Carme Mechó junto a sus alumnas Maria Carme Huguet, Rosa Maria Milà y Maria Lluïsa Carceller, 1982. Teatro La Farándula de Sabadell. AHS

guir cualquier objetivo hay que luchar y no desfallecer. Nos enseñó que para bailar correctamente debe haber disciplina, dedicación, esfuerzo, constancia, sacrificio y repetir los pasos una y mil veces.

Carmen Mechó.1983. II Concurso Nacional de Danza Danskin. Palau de la Música Catalana AHS

Todo este legado ha sido recogido por los alumnos de su escuela que se han dedicado profesionalmente a la danza como bailarines, maestros, i/o coreógrafos en alguna de las diversas disciplinas de la danza y que han transmitido y transmiten todos estos conocimientos a sus discípulos. Asimismo decir que la “Associació d’Escoles de Dansa Autoritzades” (AEDA) ha creado el “Premi Carme Mechó” que se concederá anualmente como reconocimiento a toda una carrera dedicada a la danza y a la excelencia pedagógica y estará destinado a los maestros de danza de Cataluña. Para finalizar este artículo transcribo las palabras que pronunció Carmen Mechó en una entrevista en televisión cuando se le pregunta que significa la danza para ella. Esta fue su respuesta: “La danza está por encima de todo. Es algo que lo siento tanto, que no podría vivir sin ella. Yo creo que toda persona que quiere la danza es muy feliz en su vida”.

Quim Carné, Concejal de Cultura del Ayuntamiento de Sabadell; Carmen Mechó; Tomàs Manyosa, alumno de Carmen Mechó; Joan Comasòlivas, director del Arxiu Històric de Sabadell, junto con alumnos y amigos de Carmen Mechó. 2014. Acto público de cesión de su fondo documental personal al Arxiu Històric de Sabadell. Jordi González

DEE

27


Iñaki Cobos; modista y figurinista escénico Por Danza En Escena

Iñaki Cobos, Filippo Jorio

28


ENTREVISTA → Iñaki Cobos

Nacido en Pamplona (Navarra) en 1989 se forma como bailarín en la Escuela de Almudena Lobón. Tras acabar sus estudios, ingresa en el Ballet de la Generalitat Valenciana hasta que una lesión de espalda pone fin a su carrera como bailarín. Es entonces cuando cursa la especialidad de Vestuario en el Centro de Tecnología del Espectáculo de Madrid. Termina sus estudios en los talleres del Ballet de la Ópera de París y posteriormente funda Cobos Vestuario Escénico.

¿Figurinista, diseñador, modisto, sastre, cómo define su trabajo para las Artes Escénicas? Me identifico como modisto. En el taller realizamos vestuario a partir de mis diseños o de otros figurinistas para ballet, teatro, ópera, cine, circo… El último encargo ha sido para “Rusalka” del Teatro Real con diseños de Ursula Renzenbrink. También soy figurinista, que es como se llama al diseñador de vestuario para teatro, ya que no solo se diseña el vestuario si no la totalidad del personaje: peluquería, maquillaje, complementos…. Primero de todo es bailarín y por una lesión de espalda se ve en la necesidad de cambiar su trayectoria profesional, ¿cómo surge su dedicación al vestuario y diseño de trajes para los escenarios? En realidad mi primera vocación fue la costura. Desde muy pequeño recuerdo jugar con telas, tijeras e hilo del costurero de mi madre y de mi abuela. La danza la descubrí a través de mis primas que tomaban clases de ballet y al mes ya estaba tomando mi primera clase. Desde entonces, vestuario y danza han ido de la mano para mí.

mismo momento me enamoré, me encantó todo lo que veía, y sobre todo los tutús. Desde entonces fui probando poco a poco a hacer un tutú, fijándome en los vídeos y algunos que había en la escuela hechos por la modista María José Mora. Mi primera creación fue el paso a dos de “Don Quijote”, que hice para una compañera de mi escuela y que yo era su “partenaire”.

¿Cómo es el día a día de un figurinista y modisto de vestuario de ballet? Es muy diferente según la parte de la producción en la que me encuentre o si estoy diseñando o realizando vestuario en mi taller. Hay días en los que comienzo con un nuevo diseño, busco referencias, hago bocetos y parece que pasan las horas sin llegar a nada…, otros días tienen un ritmo frenético, realizando trajes, haciendo patrones, cortando, probando… para llegar a la fecha de entrega.

Con el paso del tiempo, los talleres de la Ópera de París y las grandes compañías de ballet ¿cómo se contempla el camino recorrido desde sus inicios hasta hoy y que se siente al estar en el mercado internacional? Me doy cuenta que ha sido un camino lleno de cambios y que he disfrutado y disfruto de todas las cosas nuevas que me van llegando. Pasar por los talleres de la Ópera de París fue una experiencia inolvidable. Me permitió observar de cerca todos esos trajes que veía en videos y fotos y a los que intentaba encontrar las costuras y los trucos de cómo estaban hechos. Fue increíble también la manera tan generosa y abierta en la que me enseñaron su manera de trabajar. Diseñar para grandes compañías es una suerte, ya que cuentan con talleres propios y así es mucho más fácil gestionar una producción que se crea desde cero.

¿Cuál fue su primera creación para el mundo del ballet? ¿Fue una propuesta amateur o profesional? Recuerdo llegar a la escuela de ballet y ver en la televisión de la entrada el ballet “La Bayadère”, producción de la Ópera de París versión de Rudolf Nureyev. En ese

Un diseñador de vestuario siempre parte de cero o se aprovecha lo ya existente en los almacenes de vestuario de la compañía? ¿Dónde se confeccionan? Depende de la producción y los recursos con los que se cuenten, ya sean económicos o de tiempo.Por DEE

29


Iñaki Cobos probando vestuario, Albiru

ejemplo, en “El Corsario” para el Ballet Nacional de Eslovenia, el vestuario para los figurantes del mercado lo sacamos de los fondos de vestuario del teatro, se arreglaron y decoraron para que combinasen con el resto de trajes de nueva realización de la producción. Depende de la producción y del teatro. Normalmente en compañías grandes se suelen hacer en sus talleres, aunque a veces parte de los trajes se tengan que hacer en talleres externos si la producción es muy grande. Existe alguna diferencia entre diseñar para ballet o para danza contemporánea? ¿Y para teatro y ballet? Para mi es muy diferente. Diseñar para ballet te obliga a, de alguna manera, acatar ciertas reglas estéticas tanto en la proporción de la figura del bailarín, como en el corte del traje para mantener las líneas del cuerpo que se buscan en la danza clásica. En la danza contemporánea hay una mayor libertad, ya que no hay que trabajar respecto a un canon tan establecido. En cuanto al teatro la diferencia es aun mayor respecto a volúmenes, materiales… Cuando diseño, o coso, para ballet tengo muy presente que son trajes con los que los bailarines tienen que hacer una actividad física muy exigente y a la vez ayudar a favorecer su figura. Pese a su juventud, ya tiene en su haber varias producciones, completas e importantes, ¿cómo surgieron estas propuestas y cuántos ballets ha vestido hasta el momento? Las grandes producciones de ballet surgen de la mano de José Carlos Martínez. Nos conocimos cuando llegué a Madrid y él estaba buscando alguien que realizase los tutus para “Don Quijote”. En nuestra primera reunión en la Compañía Nacional de Danza ya nos dimos

30

cuenta que hablábamos el mismo idioma respecto a estética, estilos de tutú… A partir de ahí, siguieron “El Cascanueces”, “El Corsario”, “Giselle” y algunas piezas más pequeñas por el camino. ¿Cómo es trabajar a las órdenes de una “Étoile” del Ballet de la Ópera de París como lo es José Carlos Martínez? ¿Alguna lección importante que haya aprendido a su lado? ¿qué representa para usted hoy en día? Desde el principio nos hemos entendido muy bien. La más importante ha sido la de trabajar paso a paso y en equipo. Él está muy presente a lo largo de todo el proceso, cosa que yo valoro enormemente. Después de tantas horas trabando juntos, producciones en el extranjero... un amigo y un compañero de viaje. ¿Tiene algún referente dentro del diseño de vestuario para ballet? ¿Al lado de que coreógrafo le gustaría poder trabajar? Uno de mis grandes referentes ha sido Franca Squarciapino por como ha acercado el traje de época al traje de ballet. También John Macfarlane por el dramatismo y fantasía en sus creaciones; y Christian Lacroix. Me gustaría trabajar con Nacho Duato, por ejemplo. Hablemos de su trabajo más específicamente. Cuando boceta para una producción, ¿cuál es el camino que recorren sus ideas? La verdad es que el principio siempre suele ser un poco caótico y sin saber muy bien por dónde empezar… Las ideas recorren su propio camino, por así decirlo, y las buenas vienen cuando menos te lo esperas.


“Las ideas recorren su propio camino, por así decirlo, y las buenas vienen cuando menos te lo esperas”

Reina de las ratas, Iñaki Cobos

¿Cómo proyecta la personalidad de la indumentaria que acompañará al personaje para que, su identificación, resulte más asequible a los ojos del espectador? Me gusta investigar la historia de ese personaje y la obra a la que pertenece. Si se trata de una nueva creación me centro en entender lo que quiere contar el coreógrafo o el director, para que así el diseño se apoye sobre su carácter, origen o historia. De esta manera lo puedo reflejar a través del diseño. Cuando la creación es para una obra no narrativa, me gusta saber las inspiraciones del coreógrafo, aunque no tengan que ver estrictamente con la estética de la pieza, y conocer la música para comenzar a diseñar. ¿Existe una relación de trabajo entre diseñador, coreógrafo e iluminador? Y la presencia del diseñador en los ensayos, ¿la ve oportuna y necesaria? Además del diseño en sí, es muy importante la labor del diseñador a la hora de coordinar entre bailarines, coreógrafo y talleres de realización todos los cambios que puedan surgir durante los ensayos, ya sea por cuestiones de comodidad del traje como por estética, ya que no siempre funciona todo a la hora de llegar al escenario. Los trajes pueden necesitar cambios.

¿Y cuál es su relación con las personas que trabajan en el taller dando forma a sus diseños? Es una relación muy estrecha. Siempre intento trabajar en equipo con los talleres, dejando lo más claro posible el corte de las prendas, tejidos, etc para facilitar el trabajo de realización desde el principio. Actualmente reside en Madrid donde también tiene su taller, ¿cree que una gran ciudad es el mejor enclave para su trabajo? Para llegar a este punto profesional, ¿ha tenido que sacrificar algo en su vida?, ¿ha merecido la pena? Si, Madrid es una ciudad que me encanta, tanto para vivir como para trabajar. Hay mucho movimiento. Para llegar a este punto he tenido que dedicar prácticamente el cien por ciento de mi tiempo a mi trabajo, aunque no lo siento como un sacrificio, ya que todo ese tiempo se lo he dedicado por la vocación que tengo por esta profesión. La pandemia me ha obligado a bajar el ritmo y a volver a disfrutar de cosas que había dejado de lado. DEE

31


Copos en Cascanueces, Albiru

Haruhi Otani y Ángel García Molinero, Albiru

Sabemos que está preparando una exposición de sus diseños para el XVIII aniversario de la Casa de la Danza de Logroño, ¿nos puede dar detalles y contar como van los preparativos? ¿Algún otro proyecto en ciernes? Ya está prácticamente preparada. La exposición estará compuesta por unas cuarenta imágenes entre figurines, bocetos de trabajo y fotografías, tanto de escena como de estudio, además de varios trajes y coronas. Ahora mismo estoy trabajando en el ballet “Giselle” para el Ballet Nacional de Croacia. He diseñado tanto la escenografía como el vestuario, ambos en proceso de realización en los talleres del teatro. Si todo va bien se estrenará en junio de este año. Puedo imaginar su grado de satisfacción cuando al levantarse el telón de una “première” sus diseños cobran vida en los movimientos de los bailarines sobre el escenario, ¿alguna vez ha sugerido cambios después del estreno? Sí, más de una vez, por no decir casi todas. Normalmente son pequeños detalles de cómo funciona algún traje al combinarlo con la escenografía y las luces. La idea es que toda la producción funcione en su conjunto.

32

Escena de El Corsario, Darja Stravs Tisu

¿Cómo lleva las semanas antes de un estreno? Suelen ser semanas cargadas de trabajo y estrés. Se juntan los últimos retoques de decoración, las últimas pruebas a los artistas y los primeros ensayos con vestuario en el escenario, donde ya se puede ver cómo funciona junto con la iluminación y la escenografía. El mundo de la moda, ¿tiene algo que ver con los diseñadores de vestuario escénico? Tiene que ver, ya que también trabajas con la vestimenta, pero no es lo mismo. Cuando diseñas vestuario para un ballet o una obra de teatro estás creando un personaje, no solo la ropa que lleva puesta ese personaje. Los personajes se ubican dentro de una historia y tienen que ayudar a contarla. ¿Es fan de la moda en si misma o simplemente la sigue, sin más? Me gusta la moda y estudiar su evolución a lo largo de la historia pero no soy muy seguidor de la moda actual y las tendencias. Si que me encanta la alta costura y todos los oficios en torno a ella.


DEE

33


La Argentinita y Pilar López III Parte Por Víctor M. Burell

Pilar López

34


Pilar López con Alicia Markova

Pilar López y Rudolph Nureyev

LA PROPUESTA Su propuesta era la de cumplimentar la enseñanza universitaria a través de la convivencia de los estudiantes, iniciándose un diálogo inexistente aún entre ciencias y artes (hasta ahí antagónicos) y actuando como centro de atención de las vanguardias internacionales.

LA APARICIÓN DE PILAR Después de una serie de conciertos, ofrecidos por la Orquesta Sinfónica y algunas otras actuaciones como un estreno de los Quintero, debuta Pilar López.

Volvemos a nuestro esplendor del que hemos denominado Siglo de Oro. Nombres como Buñuel, García Lorca, Dalí o Severo Ochoa nacerían de esa casa, visitada con asiduidad por Ortega y Gasset, Salinas, Eugenio D’ors, Alberti, Unamuno, Juan Ramón Jiménez o Manuel de Falla. Su internacionalismo estuvo marcado por nombres que lo dicen todo por sí solos: Einstein, Keynes, Gropius, Marie Curie, Stravinsky, Le Corbusier, Bergson o Paul Valéry y aún otros muchísimos. Se celebrarían activamente dos asociaciones privadas que unirían su labor: la Sociedad de cursos y conferencias y el Comité Hispano-Inglés. Para comprender la trascendencia de la Institución podemos alargarnos con algunos otros nombres: Manuel Azaña, Julián Besteiro, Antonio Machado y Fernando de los Ríos, por ejemplo. El oficio de su influjo sobre la vida intelectual española, la educación y aún la misma sensibilidad del país fue ilustrándose con los ideales liberales y laicos que salieron de una minoría intelectual republicana e incluso una izquierda revisionista. Pero ¡ay!, después de nuestra Guerra Civil todo lo que tendría que ver con Giner fue prohibido por el régimen franquista. Esta es solamente una adelantada observación de conciencia. El honrado Antonio Machado diría de Giner: era un hombre incapaz de mentir, e incapaz de callar la verdad. Éste, hubiera sido su justo epitafio; pero su modelo fue borrado entre los poderes fácticos españoles.

El local cierra para ensayar unos días un gran espectáculo del que la Compañía Musical de Espectáculos Modernos Hispanos de Blancos y Negros, de la que forma parte La Argentinita, presenta Cosmópolis, pisando por primera vez el escenario de La Zarzuela Pilar presentada por su hermana. Era el 25 de diciembre, y actuaron en función de tarde y noche también el transformista Rafael Arcos y el excéntrico Moriz’t. Hasta el 6 de enero, con una aparición excepcional de La Argentinita, el éxito clamoroso le hizo interpretar repetidas veces sus bailes y canciones. La última actuación fue a beneficio de Pilar. LOS DESCANSOS DE LA ARGENTINITA La Argentinita, por aquel entonces, precisaba de un descanso del baile, y tres largos años contemplarían su retirada para reaparecer en 1929 en los prestigiosísimos coliseos Alhambra de París y Scala de Berlín. La generación histórica ya había accedido, a su sombra, a lo que la bailarina había adoptado en sus espectáculos: las antiguas tonadas y canciones que unen los dos momentos más espectaculares de nuestra historia. Era el triunfo de un siglo, el XX, que resucitaba nuestro perdido esplendor. Con el nombre de esta generación se conoce, sobre todo, a una serie de poetas españoles que sobresalieron en el panorama de entre guerras, en un momento en que los aglutinara un homenaje a Luis de Góngora, realizado en el Ateneo de Sevilla por tratarse del tricentenario de su muerte. DEE

35


Bolera S. XVIII

En realidad se trata de un grupo poco homogéneo puesto que recoge fuentes populares, surrealismo, tradición, vanguardia, inquietudes religiosas y existenciales, el paisaje, la música, el toreo e incluso toca, poética y reivindicativamente, la homosexualidad tan vilipendiada. Muchos fueron los que formaron parte de la maravillosa culpa del movimiento. Proliferaron las revistas: Litoral (Málaga), Carmen (Santander), Verso y Prosa (Sevilla) y la edificante y aún supérstite Revista de Occidente. LOS COMPONENTES Desde Salinas, nacido en Madrid en 1891, al añadido al grupo pero diferenciado de él Miguel Hernández (1910), el resto: Rafael Alberti, Federico García Lorca, Dámaso Alonso, Gerardo Diego, Luis Cernuda, Vicente Aleixandre, Manuel Altolaguirre y Emilio Prado, vivieron vidas en paralelo, entrando la mayor parte de ellos en contacto con la tradición literaria del llamado Centro de Estudios Históricos dirigido por Ramón Menéndez Pidal y, en cuanto a las vanguardias, por los frecuentísimos viajes y las actividades programadas en la extraordinaria, ya citada, Residencia de Estudiantes. LAS MUJERES EN LA GENERACION DEL 27 Las voces femeninas empezaron a tener presencia en aquella edad de plata que protagonizó la Generación del 27. Vamos a dar solamente diez nombres de referencia, que históricamente fueron durante mucho tiempo las pioneras de su arte en materias diferentes: Lola Membrives: actriz argentina afincada en España y cualificada intérprete de Lorca (1888 Buenos Aires 1969 Madrid)

36

María Blanchard: pintora ilustre de agitada vida por su defecto físico destacado (1881 Santander - 1932 París) Elena Fortún: literata infantil creadora de Celia, aragonesa (1886-1952 Madrid) Margarita Xirgu: gran actriz española exiliada en Uruguay después de la Guerra Civil. Estrenó María Pineda, Doña Rosita la soltera, La zapatera prodigiosa y Yerma (1888 Barcelona - 1969 Montevideo) Antonia Mercé (La Argentina): vanguardista en la danza española (1890 Buenos Aires - 1936 Bayona) Zenobia Camprubí: esposa de Juan Ramón Jiménez y espléndida traductora de la obra de Tagore (1887 Malgrat de mar, Barcelona - 1956 San Juan de Puerto Rico) Rosa Chacel: prestigiosa escritora (1888 Valladolid 1994 Madrid) Carmen Conde: primera mujer en acceder a La Academia de la Lengua (1907 Cartagena - 1996 Madrid) María Zambrano: Premio Cervantes 1988 y Premio Príncipe de Asturias 1991 (1904 Málaga - 1991 Madrid) Encarnación López Júlvez (La Argentinita): renovadora artística del flamenco, compañera, amiga y colaboradora de Lorca, Alberti y Edgar Neville y amante del torero Ignacio Sánchez Mejías. En 1931 grabó un disco (todavía de pizarra) titulado Canciones Populares Españolas, hoy pasado a DVD, acompañada al piano por el propio Federico García Lorca. En 1943 presentaría, en el Metropolitan Opera House de Nueva York, El Café de chinitas con su coreografía, textos de Lorca, decorados de Dalí y la Orquesta dirigida por José Iturbi (1897 Buenos Aires - 1945 Nueva York) ¿Quién da más? EL AMOR Y LA MUERTE Ignacio Sánchez Mejías fue un famoso torero español cuya figura trascendió con mucho al ámbito taurino, como escritor, miembro destacado de la Generación del 27 y compañero sentimental de Encarna López, Argentinita. Nacido en Sevilla el 6 de junio de 1891 murió en Madrid el 13 de agosto de 1934. Fue cuñado de Joselito “El Gallo” formándose en su cuadrilla, siendo éste el que le dio la alternativa en 1919 con Belmonte como testigo.


El torero murió como consecuencia de una cornada en la Plaza de Manzanares y su figura sería ensalzada por los grandes de la poesía como Miguel Hernández, Rafael Alberti y sobre todo Federico García Lorca cuyo Llanto por Ignacio Sánchez Mejías ocupa, en el género elegía, el primer puesto junto Coplas a la muerte de su padre de Jorge Manrique.

ARTÍCULO → Argentinita III parte

Incluso en el todavía próximo 2008, la productora Claqueta Metálica estrena un documental inspirado por él con el nombre de Más allá del toreo. Francisco Ortuño, su director, se centra en sus múltiples facetas de dramaturgo, piloto aéreo, jugador de polo y aún presidente de la Cruz Roja Española. El formidable romance entre Sánchez Mejías y Argentinita duró casi diez años, siendo únicamente interrumpido por la muerte del torero.

Pilar López

do de los toros. La no existencia del divorcio impidió la unión de ambos, por lo que Ignacio y Lola mantuvieron una hipócrita ejemplaridad matrimonial.

Con Emilio Torre

La verdad es que a Encarnación López no le acompañó la suerte en el amor. Estuvo enamorada de dos toreros: primero de Joselito “El Gallo” y más tarde de su cuñado. El primero murió en Talavera de la Reina de una cornada de “Bailaor” e Ignacio cayó en Manzanares a consecuencia de los cuernos de “Granadino”. El final de Argentinita marcado por la desgracia y la tragedia se desarrolló después en la más absoluta soledad, de ahí la necesidad de su retirada un tiempo de la danza. Argentinita, iniciando una gira por América, fue en México donde se encontró con Ignacio casado ya con Lola hermana de Joselito. La relación de ambos fue el romance más apasionado que se recuerda en el mun-

Mientras Encarna triunfaba en los escenarios, él, alejado ya de los toros, ejerció como dramaturgo; pero en 1934 le posesionó de nuevo el veneno taurino. El traslado hasta Madrid del diestro, por decisión propia, despertó la gangrena que le mataría. La noticia de su muerte la recibió Argentinita en la casa que tenía en Madrid en General Arrando (la misma que hoy conserva la familia). Ante su desesperación, fue Lola Membrives la que le propiciaría un contrato en Buenos Aires, donde reapareció su deseo de vivir. Como hemos podido comprobar, estos hechos reales ratifican los ingredientes apuntados en una novela de Alberto Insúa, La mujer, el torero y el toro, publicada en 1930. DEE

37


Pilar López con Juaquín Rodrigo

“UN APÉNDICE, UN GRITO, UNA PROMESA” El proyecto comenzaba por escribir una revista cuyo contenido fuese un rico panorama del baile español y su evolución a través de dos artistas únicas, que significaron la historia del mismo provocada por su legado a lo largo del siglo XX. El trabajo de tal densidad de contenido ha hecho imposible esta primera idea. Cuando aquél se ha ido nutriendo, la capacidad de la publicación se vio imposible. La formidable historia necesitaba de más espacio. La saga de las López, interrumpida en el año 45 por un echo luctuoso, ponía pronto en pie el renacimiento de la “casi leyenda” con la herencia que Pilar recibió de Encarnación. Así se iluminaría otro medio siglo de baile, de arte sobre las tablas en definitiva. Encarnación López Júlvez nació en Buenos Aires en 1897. Resueltas ya las dudas de su nacimiento, se desarrollaron los acontecimientos que hemos ido relatando a lo largo de esta publicación (bastante larga por cierto), que creímos oportuno interrumpir con un hecho tan trascendental para la historia de nuestro país como el triunfo de su Segunda República. Todo cambió: la libertad, el afianzamiento de las artes, la evolución ya sin barreras, el triunfo de los mejores. Ya hemos abonado el terreno con el listado de hombres y mujeres que tuvieron mucho que decir allá por los “años 30” en que apareciera nuestro relato enriquecido (aunque a veces empobrecido) por una historia imparable; historia de lucha, que aún ahora que escribo -2014- va de la relación de arte y poder.

38

El desastre político-social-y económico del 98, la pérdida de las colonias, la frustración de la familia López en Argentina, la vuelta a la Península, la imposición del arte, la evolución evidenciada del flamenco; todo iba dibujando el panorama, un panorama que acogió la Primera Guerra Mundial y el hundimiento por fin de una monarquía, que caduca e incompetente había devenido en dictadura, con el pronunciamiento del general Primo de Rivera. El empobrecimiento económico y cultural de nuestro país y la reacción gracias a la sin par Generación del 27 fueron, lentamente, llevando España a la esperanza. Páginas y páginas se han ocupado de que entendamos estos hechos. No podíamos resumir y ahí nos paramos obligados por el espacio, y por suerte -y aún por desgracia- había aún mucho que caminar. Recordando una fecha ya expuesta, supimos que la vuelta una vez más a su país de La Argentinita (así llamaremos ya siempre a Encarnación), así como la muerte casual de Argentina, correspondieron a una fecha que inauguró un luto de cuarenta años, hoy reconocido pero aún no resuelto. El 18 de julio de 1936 entraban las tropas rebeldes en la Península. Franco, tras tres largos años de guerra civil asoló el país para semi-resucitarlo a su imagen y semejanza, lo que corroboró una vez más que la derecha “dictaba” la falta de libertad.


La Argentinita

Pero además asomaban ya las fauces de la destructiva Segunda Guerra Mundial. El mundo revolucionado en la técnica e involucionado en la economía ha hervido desde entonces quemándonos frecuentísimamente. Estamos aun viviendo la vergüenza de la decadencia y se nos hace constar el terrible enturbiamiento de las hoy ya mal llamadas democracias. Nos queda aún enfrentar la última década de La Argentinita, la importancia de sus últimos estrenos que habremos de desglosar con sus correspondientes críticas mundiales, llegando así a su fallecimiento en 1945, dando la imagen de aquel barco que nos la trajo desde Nueva York. Pilar López Júlvez, que primero había fundado su particular compañía en solitario, empezó a fundir su gloria con la de su hermana conquistando América. Nueva York era entonces el ombligo universal del arte por desplazamiento del París ocupado. Si partimos de los inmensos acontecimientos dancísticos de los años 30, nos encontramos, a partir de ese

La Argentinita con Anton Dolin

último “Capricho”, el Español de Rimsky que La Argentinita bailara con la inclusión de Pilar. Ésta recogió la antorcha siguiendo sembrando el mundo con su arte e incluso rompiendo la resistencia de España a éste durante precisamente aquellos sus años de gloria. Sí, nos queda tanto que contar que esperamos desembarcar con un segundo número para que el gran aficionado, y aún el lector anónimo puedan disfrutar de la testificación de la historia en general, el arte por ende y el baile, ese maravilloso capítulo siempre tan abandonado (aún ahora) en nuestro soberbio pero también escuálido país. Pilar López Júlvez (Pilar) bailó hasta 1973, muriendo mucho después, en la paz de su casa de General Arrando de Madrid, el 25 de marzo de 2008.Tenía 101 años

¡Esperadnos con esperanza verdadera! Nota.- Trilogía completada. La I parte en el nº 44 y la II en el nº 47. DEE

39


El Festival Flamenco de Jerez recibe con los brazos abiertos Por Marta Carrasco

El certamen cumple su 25 aniversario y ha cambiado la fecha, de marzo a mayo. Un total de 12 estrenos absolutos completan una programación de 33 espectáculos.

Por fin, del 6 al 22 de mayo de 2021 tendrá lugar la 25ª edición del Festival de Jerez, una cita fundamental en el calendario flamenco nacional que este año, que con motivo de la pandemia ha tenido que cambiar de fechas, y de finales de febrero a marzo, su cita habitual , se ha mudado al mes de mayo. Esta 25ª edición son las “bodas de plata” y por eso Jerez ha hecho para este 2021 tan especial, un cartel de “abrazos”, obra del artista Daniel Diosdado. Además de sus sedes habituales como el Teatro Villamarta y salas Paul y Compañía, se incorpora en esta edición el nuevo espacio de los Museos de la Atalaya. El baile como siempre, será la seña de identidad. Jerez ofrece un total de 24 espectáculos de danza, entre ellos diez estrenos absolutos, un estreno nacional y otro estreno en Andalucía. Cabe destacar la inauguración del Festival en el Teatro Villamarta con el estreno absoluto de Igual que tú, de la bailaora Eva Yerbabuena¸ que cuenta con guión y dramaturgia de Alfonso Zurro, dirección musical de Paco Jarana, la colaboración de Sandra Carrasco y la participación, como artistas invitados, de Fernando Suels Mendoza y Luis Moneo. En el cartel de este Festival grandes nombres de la danza flamenca, como el del jerezano Joaquín Grilo que presenta Alma en estreno absoluto; el de Rocío

40

Molina que pone en escena Al fondo riela (Lo otro del Uno) Fragmento de Trilogía sobre la Guitarra; el de Fuensanta La Moneta que interpreta junto a su compañía Frente al Silencio; el de María Pagés que, dirigida por El Arbi El Harti, representa por primera vez en Andalucía su Paraíso de los Negros; el de Andrés Marín, Giraldillo al Baile en la pasada Bienal de Flamenco de Sevilla, que presenta su Carta Blanca “mi flamenco impuro” con Segundo Falcón y José Valencia como artistas invitados; o el de Jesús Carmona, flamante Premio Nacional de Danza 2020, que pondrá en escena su último montaje, Salto, con dirección de Ferrán Carvajal. El Festival de Jerez incorpora en su programa grandes montajes de danza flamenca como el del Ballet Flamenco de Andalucía celebrando sus 25 años de existencia con un espectáculo dirigido por la coreógrafa cordobesa Úrsula López; ¡Fandango! de la compañía de David Coria & David Lagos, Giraldillos al Mejor Espectáculo, Cante, Guitarra de Acompañamiento y Artista Revelación de la pasada Bienal de Sevilla; la propuesta de la compañía de Antonio Márquez, que representará fragmentos de sus celebrados montajes Medea, Bolero y Zapateado; el estreno absoluto de Antípodas, donde la bailaora chilena Florencia O’Z comparte escena con su hermana e instrumentista Isidora O’Ryan, bajo la dirección de David Coria.


ARTÍCULO → El Festival Flamenco de Jerez

Jesús Carmona

Entre los artistas de esta cita jerezana, la bailaora María del Mar Moreno que representará la obra Memoria Viva; Eduardo Guerrero traerá el estreno absoluto de Debajo de los pies; la Cía Estévez&Paños ponen en escena Silencios; el jerezano Fernando Jiménez, Premio Artista Revelación de la Federación Local de Peñas 2020, presentará Transiciones con la colaboración especial de Pastora Galván y José Gálvez. Mención especial para el estreno de la compañía de Mercedes Ruiz con Segunda Piel y el jerezano Andrés Peña que protagoniza el Ciclo Con Nombre Propio con el estreno absoluto del espectáculo Campanas de Santiago, en el que participan como artistas invitados José Gálvez, David Carpio y Miguel ‘Londro’, con la colaboración especial Juana la del Pipa. Los creadores emergentes El Festival de Jerez acoge también en su programación a creadores que desde la tradición han sabido construir un lenguaje propio para la escena flamenca. Tal es el caso de José Manuel Álvarez, conocido por ser el coreógrafo de Rosalía, que presenta en estreno absoluto el espectáculo Cruces; Mónica Iglesias, Premio Desplante del Festival de Las Minas de La Unión, con el estreno absoluto de Tálamo; Guadalupe Torres, que pondrá en escena Los colores de Magdalena, resultado de una residencia artística bajo la dirección de Ángel Rojas, quien está presente también en el Festival de Jerez con su Flamenco Dance Project y el montaje Ya no seremos. El compromiso del Festival de Jerez con los jóvenes talentos se expresa en su programación con la presencia en estreno absoluto de dos jóvenes bailaores: Juan

Cartel Festival de Jerez

Carlos Avecilla que presentará Equilátero, y José Maldonado que propone el montaje Galería. En esta línea el Ciclo Savia Nueva y Universal del Festival mostrará en su jornada de clausura la Final Abierta del Taller de Coreografía dirigido por Javier Latorre. El cante y la vanguardia Aunque el baile es su contenido fundamental, en lo que respecta al cante, Jerez continúa el Ciclo Voces que inaugurará José Valencia con Jerarquía, espectáculo dedicado a Rafael Fernández Suárez ‘El Nene de Jerez’, en el que participa como invitada la jerezana Gema Moneo. Dos mujeres de Jerez se integran en este ciclo: Melchora Ortega, con Flamencas de Película, y Tamara Tañé, con Mis tres Puñales, ambas en estreno absoluto. El cante de Jerez se verá también representado por Jesús Méndez que presenta Los pasitos que yo doy, y el malagueño Alfredo Tejada, Premio al Cante de Acompañamiento del Festival de Jerez 2020, presenta su nuevo trabajo discográfico Identidad. Destacar la presencia del cantaor onubense Arcángel en la jornada de clausura, presentando su Tablao en los Museos de la Atalaya. La guitarra este año tiene como protagonista a Antonio Rey para presentar su disco, Flamenco sin Fronteras, galardonado con el Grammy Latino al Mejor Álbum de Flamenco 2020; Antonia Jiménez, referente femenino del toque flamenco, liderando un trío junto a la voz de Naike Ponce, y la percusión de Nasrine Rahmani, para rendir tributo a la mujer flamenca. DEE

41


Memoria viva, Paco Barroso

En el marco del Ciclo Muy Personal, llega a los Museos de la Atalaya la jerezana Ana Crismán, la primera y única persona del mundo que interpreta y compone flamenco con un arpa como instrumento solista. Su espectáculo Arpa Jonda cuenta con la participación de la guitarra de Alfredo Lagos. La oferta formativa Uno de los aspectos más destacados del Festival de Jerez es su oferta formativa, este año mermada del amplísimo grupo de extranjeros que provenientes de más de treinta países, llenaban todas las ediciones las aulas jerezanas. Pese a todo, se ha mantenido la oferta de cursos, ofertándose 945 plazas de un total de 40 cursos tanto para iniciados como profesionales, con profesores tan acreditados como Javier Latorre, Andrés Peña, Rafaela Carrasco, Ana Morales, La Moneta, María del Mar Moreno, Olga Pericet, Mercedes Ruiz, Eduardo Guerrero, Antonio El Pipa, Manuel Liñán, Patricia Guerrero o Rocío Molina, entre otros, sin contar la amplia oferta de talleres intensivos y los talleres de compás, palmas y castañuelas.

42

Otras actividades Los 25 años del Festival marcan la temática de la exposición de fotografías ‘Festival de Jerez, 25 aniversario’ que recorre en 20 imágenes los principales espectáculos y artistas que han pasado por la cita; así como el libro ‘Bailando en Plata. 25 años del Festival de Jerez’, del periodista y crítico flamenco Fermín Lobatón, que se presentará durante el Festival. Un año más tendrá lugar el Ciclo De Peña en Peña, en colaboración con la Federación Local de Peñas Flamencas, para visibilizar a los jóvenes artistas locales; y el Hotel Bodega Tío Pepe acogerá la mesa redonda sobre el legado de Antonio “El bailarín”, organizada por Rafael Infante y Rosalía Gómez. Ya los tres últimos días de Festival tendrá lugar el encuentro para profesionales ‘Mudanzas para después de una crisis’ en el que se tomará el contexto pandémico, y los 25 años de trayectoria del certamen, como punto de partida para hacer análisis, emitir diagnóstico y dar recomendaciones para el presente y el futuro de la danza flamenca en el mundo. Estas jornadas de reflexión se desarrollan en colaboración con el Instituto Cervantes.


Antonio Najarro, amor, pasión y vocación creadora de la danza española Por Sergio Cardozo

Conociendo su trayectoria, Antonio Najarro es un creador nato. Hijo de familia malagueña, pero madrileño de nacimiento (1975), despertó su vocación por la danza cuando una de sus primas le lleva a bailar a la feria de Málaga a los seis años, y fueron muchas más desde entonces. Con ocho años se matriculó, cursó y aprobó con matrícula de honor, los estudios de Danza española en el Real Conservatorio de Madrid. Con quince años comienza a bailar para las mejores compañías privadas y de la mano de los grandes creadores de los distintos estilos de la danza española como el Ballet Antología, Ballet del Teatro Lírico de La Zarzuela, Compañía Antonio Márquez, José Antonio y los Ballets Españoles y Compañía de Aída Gómez. En 1997 ingresa al Ballet Nacional de España y en tres años llega a ser primer bailarín. Con su obra “Nereidas” (1999), gana el primer premio en el Certamen Coreográfico de Danza Española y Flamenco de Madrid, en 2002 crea su propia compañía y en 2011 es nombrado Director del Ballet Nacional, cargo que ocupa durante ocho años, tras lo cual retoma el trabajo con su propia Compañía con “Alento”

Archivo personal, Antonio Najarro

DEE

43


¿De qué manera enfrentó la nueva etapa al frente de su compañía privada, ante la incertidumbre de los confinamientos por la pandemia? Estaba la producción casi terminada porque teníamos previsto estrenar en el mes de marzo, pero llegó el confinamiento. Tuve mis dudas en su momento, aunque decidí arriesgar y tirar para adelante. Tengo que agradecer enormemente al Centro Coreográfico Canal, porque una vez pasado el confinamiento pudimos comenzar a ensayar allí, y también agradecer al Festival Internacional de Música y Danza de Granada, que nos facilitaron todos los medios necesarios para que pudiéramos ser la primera compañía de danza de gran formato que subía a los escenarios en época de pandemia. ¿Por qué decidió retomar la producción de “Alento” para estrenar su nueva compañía? Decidí reponer “Alento” porque pienso que es una pieza que define muy bien mi estilo como creador y mi visión de la danza estilizada en este caso. Cuando se estrenó, en una versión más corta en BNE, observé que a todos los sitios en donde actuábamos la respuesta del público era muy positiva. Para crear este espectáculo completo agregué números de baile y músicas que abarcan muchos estilos del compositor Fernando Egozcue, y un guiño especial a los diseños de vestuario como los Oteiza o Víctor Muro. Creo, además, que en estos momentos difíciles que estamos viviendo “alentar” es un mensaje que encaja. ¿De qué manera se ha visto afectado el camino que pretendía con su compañía, por la actual situación sanitaria, en cuanto a funciones y giras? Mi vida siempre ha estado ligada al riesgo, en cuanto a creaciones y en la constitución de proyectos. Era consciente que la situación era difícil y a lo que me enfrentaba con esta situación, pero decidí estrenar y seguir adelante. “Alento” es un espectáculo de gran formato y que tiene lecturas no solo a nivel nacional sino también internacional. Y seguiré adelante porque es la única manera de que evolucione la danza y el legado de nuestro patrimonio cultural.

44

Alento de Jorge Cueto

Después de estar al frente del Ballet Nacional de España durante ocho años ¿qué destacaría como aprendizaje para su crecimiento profesional y personal? La experiencia en la Dirección del BNE me ha aportado muchos conocimientos y experiencias a la hora de afrontar tanto situaciones positivas como negativas. He podido confirmar que tras mucho trabajo, esfuerzo y empeño se consiguen las cosas en las que uno cree; que hay que ser fuerte y creer en ti mismo, en tu trabajo y lo que cosndieras que es mejor para nuestra danza española. Estoy muy satisfecho por todo el trabajo realizado, y espero que continúe la labor de promocionar y difundir nuestra danza. ¿Qué respondería a aquellas voces que se alzan para decir que, en algunos casos, se aleja de la tradición de la danza española o incluso que la desvirtúa? Siempre he respetado la opinión de la gente que se acerca a ver mis espectáculos, porque comprendo que hay veces que no concuerdan con los cánones que espera o no, pero es el público el que valora si le gusta, si le llega o le emociona. En mis espectáculos intento transmitir todo lo que he aprendido con los más grandes maestros y coreógrafos de la danza española en todos sus estilos, y lo intento transmitir de la mejor manera posible y como mi corazón me lo pide. He presentado muchos espectáculos y he recorrido un gran abanico de estilos, desde lo más tradicional y también con otra visión más renovada de sus propias raíces, como puede ser “Alento”, pero en general, me interesa que el público se emocione viendo danza, todo lo demás pasa a segundo plano.


ENTREVISTA → Antonio Najarro

“En mis espectáculos intento transmitir todo lo que he aprendido con los más grandes maestros y coreógrafos de la danza española en todos sus estilos, y lo intento transmitir de la mejor manera posible y como mi corazón me lo pide”

Sabemos que acaba de ser nombrado Director de la Escuela de Flamenco de Andalucía, ¿nos puede contar algo al respecto de esta institución y las funciones que le tocará desempeñar? Con más precisión, he sido nombrado Director de la rama de Danza Española de dicha escuela, y mi trabajo ha consistido en rediseñar y darle continuidad al programa hecho por Daniel Doña hace cinco años, un programa de contenidos para la carrera de Danza Española. Esta escuela tiene involucradas a muchas escuelas asociadas de muchos países y la intención era dar unos contenidos mínimos para homogeneizar la formación en danza española en cada uno de sus estilos en todo el mundo. Luego hacer un seguimiento a través de los exámenes a los alumnos para comprobar que se sigue una metodología común en todas esas escuelas. Nos tiene bastante acostumbrados a verle incursionar tanto en la moda, el patinaje, natación sincronizada, incluso montar un espectáculo en uno de los tablaos más emblemáticos de Madrid, o su intervención en el programa “Prodigios” de RTVE, ¿tiene entre manos algún proyecto en especial, en paralelo a su compañía?, ¿y que nos pueda compartir? Además de continuar con mi compañía y una nueva producción, el primer gran proyecto que tengo es un programa de danza para la televisión, por lo que estoy muy ilusionado. También una producción inspirada en Picasso para el Ballet du Capitole de Toulouse.

Mariposa roja de Luis Saguar

Para finalizar, con tan amplia actividad y dedicación a la vida artística, ¿cómo hace para congeniar su vida personal o dedicar tiempo a otras actividades que puedan ser de su interés? En cuanto a mi vida personal, durante la dirección de Ballet Nacional ha estado bastante apartada, por así decirlo, no he podido prestarle mucha atención porque me exigía dedicarle la mayoría de tiempo. Ahora con mi compañía y otros proyectos estoy más relajado, aunque siempre tengo proyectos y me gusta dedicar tiempo a mi profesión. De todas formas, intento rodearme de personas que comprenden la responsabilidad que me he propuesto para darle visibilidad a la danza, y entiendan que eso también requiere tiempo y que lo compartan conmigo. DEE

45


Amigos de honor de La Casa de la Danza 2021 Por Danza En Escena

Después de un breve parón por motivos de la pandemia del COVID19, la Casa de la Danza vuelve a conceder su galardón a los artistas destacados por una trayectoria de calidad. En esta ocasión vamos a tener 4 galardonados: Laura Morera (Bailarina clásica estrella de Royal Ballet), Itziar Mendizabal (Primera Solista de Royal Ballet), Antonio Canales (Bailaor, coreógrafo y director) y Mariano Cruceta (Coreógrafo, intérprete y director). Todos ellos acudirán a Logroño para recoger su galardón.

LAURA MORERA Nacida en Madrid se formó desde los 11 años en la Royal Ballet School y se incorporó al Royal Ballet en 1995, donde pronto destacó y ascendió hasta llegar a ser Primera Bailarina en 2007. Su repertorio incluye Manon Lescaut y Maestra (Manon), Tatiana (Onegin), Mitzi Caspar y Marie Larisch (Mayerling), Lise (La Fille mal gardée), Gypsy Girl (Las Dos Palomas), Gamzatti (La Bayadera), Hada Pan de Azúcar (El Cascanueces), Giselle y Myrtha (Giselle), Effie (La Sylphide), Titania (Sueño de una noche de verano), Reina de Corazones (Alicia en el País de las Maravillas), Paulina (El cuento de invierno), Carmen, además de papeles principales en Canción de la Tierra, Rhapsody y vísceras. Ha trabajado con numerosos coreógrafos (Kim Brandstrup, Wayne McGregor, Liam Scarlett, Christopher Wheeldon, entre ellos), muchos de los cuales han creado papeles para ella. En 2016 recibió el Premio Nacional de Danza del Reino Unido a la Mejor Interpretación femenina clásica, por su papel de Lise en “La Fille mal Gardée” para el Royal Ballet; y en 2017 obtiene el Premio de Cultura de la Comunidad de Madrid. ITZIAR MENDIZABAL Nacida en Hodarribia, se formó en las escuelas de Elvira Ubierna y Víctor Ullate. Inició su carrera profesional en 1997 en el Víctor Ullate Ballet Comunidad de Madrid, pasando luego por el Zürich Ballet y el Ballet de Leipzig.

46

En 2010 se une al Royal Ballet, del que es primera solista. Su repertorio incluye Firebird, Tatiana (Onegin), Princesa Epine (El Príncipe de las Pagodas), Tsarina (Anastasia), Reina de Corazones (Alicia en el País de las Maravillas), Paulina (El Cuento de Invierno), Madame Moritz (Frankenstein), Gypsy Girl (Las Dos Palomas), Myrtha (Giselle), Lilac Fairy and Bluebird (La Bella Durmiente), Helena (The Dream), Sugar Plum Fairy (El Cascanueces), Thérèse Pozzi (Strapless) y papeles en “The Vertiginous Thrill of Exactitude”, “Woolf Works”, “Polyphonia”, ‘Emeralds’ (Jewels), “The Four Temperaments”, “DGV: Danse à grande vitesse”, “After the Rain” y “Multiverse”. Ha sido artista invitada en Karlsruhe Ballet, Opéra National de Bordeaux, así como en galas en Verona, Riga y Bilbao. Fue nominada para el Benois de la Danse 2009 y también en ese año fue nombrada Mejor Artista Revelación por la Asociación de Profesionales de Danza de Guipúzcoa. ANTONIO CANALES Nace en Sevilla, hijo y nieto de artistas, y desde muy pequeño se interesó por el baile. Su primera oportunidad profesional se la dio el Ballet Nacional de España (BNE), del que fue bailarín solista, primero, y para el que ha coreografiado dos obras, después: Grito (1998) estrenada en el City Center de Nueva York y A ciegas (1999), montaje con el que Canales debutó en el Teatro de la Zarzuela como invitado del BNE.


Antes de ponerse al frente de su propia compañía, Antonio Canales desarrolló una carrera en solitario como intérprete de flamenco, requerido en importantes Galas Internacionales en las que compartió escenarios con grandes como Carmen Amaya, Maya Plisétskaya o Carla Fracci entre otros. Al frente de su compañía, Canales ha firmado obras y éxitos como Torero (1993), Gitano (1997), La Cenicienta (2000), Ojos Verdes (2003) y Carmen Carmela. También ha protagonizado el largometraje Vengo y es autor de la novela Sangre de albero. Es Premio Nacional de Danza en 1995; Miembro Destacado del CID UNESCO desde 2013; en 2017 recibe la Zapatilla de Plata de la Asociación Indanza y en 2020 es reconocido con la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes. MARIANO CRUCETA Nace en Madrid. Mariano Cruceta ha sido primera figura de compañías como la de Blanca del Rey, Mariemma, Luisillo y Elvira Andrés, entre otras. Como artista invitado, ha participado en numerosas producciones internacionales compartiendo cartel con importantes

Itziar Mendizabal Laura Morena

Mariano Cruceta

Antonio Canales

ARTÍCULO → Amigos de honor

nombres como los de Juana Amaya, La Marquesita, Juan Andrés Maya y Enrique `El Extremeño´, y ha pisado míticos tablaos como el Café Chinitas y Casa Patas. Desde el año 2000 dirige su propia compañía, el Cruceta Flamenco, para la que ha creado: Por amor al arte (2000), Hechiceros (2000), Yényere (2002), En rojo vivo (2003), Otelo (2006), versión coreográfica y flamenca de la obra homónima de Shakespeare, En Rojo (2006), Invernadero-8 reflexiones (2008), La Confidencia (2011), La Diosa Impura (2012) y BPM Dualidad (2014) dejando muy claro su innovadora forma de entender el flamenco. Otros trabajos realizados fuera de su formación son El Bolero de Ravel, Kurozuka, Carmen, y diversas obras premiadas en certámenes de danza de dentro y fuera del país. Desde noviembre de 2007, también es director del Centro de Artes Escénicas de la Cía Cruceta Flamenco, espacio educativo de desarrollo artístico, dónde también imparte clases de baile flamenco y talleres de coreografía. DEE

47


España celebra el centenario de Alicia Alonso por importantes teatros del país Por Mayda Bustamante

Anette Delgado y Dani Hernández en Giselle

El 21 de diciembre de 1920 nació la mítica bailarina Alicia Alonso. Alicia es una de las personalidades más relevantes en la historia de la danza a nivel mundial y la figura cimera del ballet clásico en el ámbito iberoamericano. El legado que Alicia Alonso dejó para su país, pero también para el mundo y en especial para España es incalculable. De ahí que desde Espectáculos y ediciones, productora y distribuidora española e ideada por quien fuera una persona muy cercana a la gran artista, Mayda Bustamante, se realizará del 7 de mayo al 6 de junio una gira por este país que tendrá como nombre: Gala Centenario Alicia Alonso. Esta gira tenía prevista su realización en 2020, pero la pandemia obligó a la cancelación. Sin embargo, cuando las ganas son muchas, las fuerzas son imparables y gracias a la colaboración de los teatros y al director comercial de nuestra empresa, Leonardo Buenaventura López, ha sido posible reprogramarla. El elenco está integrado por Anette Delgado y Dani Hernández, primeros bailarines del Ballet Nacional de Cuba, Ginett Moncho, actualmente estrella internacional quien actuará con otra gran estrella cubana residente en Estados Unidos, Taras Domitro, la bailarina principal del Teatro Colón de Buenos Aires, Carla Vincelli, que hará pareja junto a quien fuera primer bailarín del BNC y actualmente es estrella del Northern Ballet, Javier Torres, las estrellas internacionales Eva Nazaret y Javier Monier, y la primera bailarina del Ballet Municipal de Lima, Oriana Plaza que tendrá como partner al primer bailarín del Teatro del Ballet de Sibiu, Rumanía, el cubano Maynard Miranda. Las estrellas que participarán en esta gala homenaje asumirán la difícil responsabilidad de intrerpretar los roles más emblemáticos de la carrera de Alicia Alonso,

48

a través de los pasos a dos más conocidos de Giselle, Carmen, La diva, La fille mal gardée, Espartaco, El Lago de los cisnes, Don Quijote, Cascanueces, Coppelia, a lo que se suma una Coda final creada por Orlando Salgado, en la que estarán todos. Esta gira no hubiera podido realizarse sin la contribución de Viengsay Valdés, directora del Ballet Nacional de Cuba, de Pedro Simón, director del Museo de la danza, de los directores de las compañías que han cedido a sus figuras, de los coreógrafos que han cedido sus obras, de las estrellas que se han sentido honradas de participar en este homenaje y de todos los que la han hecho posible. Creemos que cerrar esta nota con las palabras de Pedro Simón, para esta Gira es el mejor colofón que puede tener. “Que los jóvenes bailen en honor de Alicia Alonso, es la acción más pura y justa que pueda concebirse ante el Centenario de una figura que enalteció, como pocos, el arte del ballet clásico, y la danza toda, con su genio interpretativo personal y con las enseñanzas que legó a las generaciones de bailarines de su época y del futuro. Y es que Alicia Alonso no se limitó a recibir la herencia de los grandes maestros que le trasmitieron las tradiciones de siglos anteriores, sino que supo recrearlas, enriquecerlas y llevarlas a nuevos caminos, sin traicionar su esencia, pero haciendo de ellas una experiencia acorde y cercana a los tiempos modernos, a los públicos y artistas de nuestros días. ¡Que la danza, una vez más, nos traiga la fuerza y el mensaje eterno de Alicia Alonso, como testimonio legítimo del arte que ella representó gloriosamente”!


ARTÍCULO → Vicente Escudero; tradición y vanguardia

Vicente Escudero; tradición y vanguardia Por Paloma Sainz-Aja Aparicio

Vicente Escudero y La Argentinita en El Amor brujo 1936

DEE

49


Fuerza, espontaneidad y originalidad caracterizaron al gran Vicente Escudero Uribe, (Valladolid, 1888- Barcelona, 1980), cuyo arte fue tan único como lo pudieron ser las obras de Marcel Duchamp o Luis Buñuel. Fue un genio que, como otros, tuvo sus detractores en España, al mismo tiempo que los aplausos de los críticos más exigentes. En palabras del propio Escudero.

XXX Vicente Escudero (Museo Nacional de Arte Cataluña)

«El mayor halago que recibí en mi vida artística, y agradecí a mayores de cuantos homenajes se me tributaron en vida, fue el que me nombraran miembro de la Academia Coreográfica Internacional en París, entre un reducido número de genios de la danza, donde figuraban Lifar, Massine, Balanchine..., entre otros». El triunfo del fascismo en la Guerra Civil Española supuso un vaivén para los artistas españoles. A Escudero el inicio de la guerra le coge en su ciudad natal, Valladolid, pero logra salir de España. En la vida y obra de Vicente Escudero la guerra tiene una gran repercusión. Como consecuencia, su arte se calibrará en un contradictorio equilibrio entre vanguardia y tradición. Además, recae en él otra paradoja; la reacción de las artes de vanguardia con lo español, entendido en términos de lo excesivo. El flamenco vivió su edad de oro entre la I y la II República. Escudero salió de su país por obligación, por la guerra, y no así por un deseo de búsqueda de las vanguardias fuera de las fronteras españolas. En París, el arte de Escudero se ve contaminado inicialmente por el cubismo. Estuvo en contacto con Man Ray, Juan Gris, Tristan Tzara, Francis Picabia, Luis Buñuel o André Breton. Los artistas que querían romper con lo tradicional, los que buscaban la vanguardia, los dadaístas y surrealistas, ellos, se fijaron en lo español. Así le sucedió

50

a Dalí, que volvió a descubrir España. Con Vicente Escudero ocurre algo similar, descubre lo español cuando sale de España. Todo ello converge en el perfecto equilibrio entre dos fuerzas opuestas. La combinación de lo clásico y lo imprevisible. En la misma persona se congregaban las más considerables innovaciones en la estética flamenca al mismo tiempo que se enaltecía la pureza del flamenco. Las vanguardias históricas constituyeron el principal aporte estético del siglo XX. En la figura de Vicente Escudero se fueron sucediendo muchas innovaciones. Taconear sobre las tapas de las alcantarillas, improvisar al compás del sonido de una linotipia o buscar inspiración en el paso de marcha de los trenes. El uso de castañuelas de hierro, bronce o aluminio. Quizá Vicente Escudero estuviera haciendo vanguardia sin tener conciencia de ello. Crear un baile en base a una música creada por el azar, por la superposición de diversas músicas con diferentes compases. Innovar incorporando a la arquitectura en sus bailes. Escudero investigó para que el flamenco dejara de ser plano (en el sentido del modelo tradicional de teatro a la italiana) y redondo (en el sentido de la fiesta popular). Influenciado por cubistas, dadaístas y surrealistas, Escudero profundiza a partir del teatro de vanguardia de París,


ARTÍCULO → Vicente Escudero; tradición y vanguardia

Ilustración a Vicente Escudero

creando su conocido baile con dos dinamos de diferente intensidad. Simboliza la lucha entre el hombre y la máquina, la improvisación y la técnica. Elabora bailes para ser mostrados en espacios no teatrales. Presenta conferencias escénicas junto a Carmita García. Es un artista que juega con la danza y la imagen filmada. Hizo uso de la cámara para que el baile pudiera ser visto desde todos los ángulos y para crear imágenes ralentizadas. Se rebela incluso contra las leyes de la naturaleza, pensando en el deseo de derrotar a la gravedad. Y por último, quizá la más llamativa innovación de Escudero fue la separación que hizo entre música y danza. Casi treinta años antes de que aparecieran las figuras de Merce Cunningham y John Cage, Escudero bailaba en silencio durante quince minutos en un teatro de Nueva York. El baile tenía que tener una independencia absoluta de la música. Escudero creó piezas sin música, con sonidos exclusivamente que salían del zapateado, los silbidos, la respiración o el chasquido de dedos. En el año 1942 presenta en Madrid la seguiriya, un hito en el arte del baile flamenco. A raíz de su idea de separar música y baile, se centra en bailar el cante por seguiriyas. Y es aquí donde profundiza en el carácter y la esencia del flamenco. Para su seguiriya, hace uso

Vicente Escudero

de la técnica flamenca en toda su magnitud. Es a partir de la perfección técnica desde donde surge de forma natural la expresión. La estilización técnica y el dramatismo expresivo del flamenco proceden de Vicente Escudero. Desde su famoso Decálogo (1952), todo son contradicciones en la figura de Escudero. Él mismo se opuso a aspectos del flamenco que había desarrollado y consumido en los años 30. Incluso fue considerado como un loco por muchos de sus compañeros. Sin embargo, Vicente Escudero constituyó uno de los primeros artistas modernos. Sin olvidar que se nutrió de las contradicciones que los artistas de vanguardia sostuvieron siempre con el flamenco. Su frase lapidaria da cuento de ello. “A mí siempre me ha gustado lo que no entiendo”. Parece claro que, de toda la vanguardia española, el flamenco resulta lo más contradictorio. Porque, ¿dónde está el significado de la vanguardia española? Alrededor del flamenco revolotea la idea de territorio sin normas. Pero sorprende lo reglado que está. Según la opinión de Pedro G. Romero (1999), la historia de las vanguardias y el flamenco está descrita con mucho prejuicio y poco tino. DEE

51


PAR EN DANSA TARRASA Fotografías por Josep Guindo

Dar el salto al mundo profesional de la danza. El PAR en Dansa, programa de alto rendimiento, busca jóvenes bailarines que quieran convertirse en profesionales.

La transición hacia el mundo profesional es un momento crucial en la vida de un bailarín y requiere de un trabajo que muchas veces las escuelas de danza tradicionales no pueden ofrecer. Ésta es la misión del PAR en Dansa , un Programa de Alto Rendimiento de formación continuada, que ahora ofrece audiciones para aquellos jóvenes bailarines entre 15 y 22 años que quieran dedicarse al mundo profesional de la danza. El programa, dirigido por el maestro Rodolfo Castellanos y ubicado en el Centro Cultural Terrassa, consiste en un trabajo intensivo de ballet de 40 horas semanales con el acompañamiento por parte de grandes pro-

52

fesionales de la danza. Este año el programa ha reunido 24 bailarines de distintas nacionalidades que se han dedicado al perfeccionamiento técnico , con muy buenos resultados. Rodolfo Castellanos valora positivamente el “proceso increíble” que ha visto en los bailarines, y destaca la eficacia de un programa de alto rendimiento para mejorar como bailarín: “Los que han decidido venir tienen muy claro que este es un paso para la vida profesional. Necesitan este proceso, que a veces en las academias de baile no sucede.” La formación que los bailarines del PAR en Dansa reciben día a día es muy completa. Las instalaciones del


ARTÍCULO → PAR EN DANSA TARRASA

Escena de Cascanueces

Centro Cultural Terrassa son óptimas para entrenar diariamente, ya que los alumnos disponen de dos salas de ballet donde ensayar y además pueden trabajar semanalmente en el escenario. Las clases son con pianista y muy variadas: puntas, variaciones, repertorio, paso a dos, contemporáneo, etc. Marta Otano es una de las bailarinas del programa. Después de graduarse en el conservatorio, explica que “quería encontrar algo más profesional , hacer algo más que hacer clase: aprender coreografías, practicar en escenarios…”. El PAR en Dansa ha cumplido sus expectativas, ya que considera que “la formación del programa está enfocada al mundo ocupacional, y se tienen en cuenta las necesidades de los alumnos”. Con el objetivo de preparar a los bailarines para el mercado laboral, el PAR en Dansa también ofrece una mentoría individualizada para aprender cómo participar en audiciones y en concursos internacionales como el Prix de Lausanne o el Youth America Grand Prix. Además, para hacer esta transición hacia el mundo profesional, los bailarines del PAR en Dansa tienen la oportunidad de establecer contacto directo con todas las compañías nacionales e internacionales programadas en el Centro Cultural Terrassa. A lo largo de este curso académico, la primera promoción de bailarines ha podido interactuar con profesionales como Thierry Malandain, Lucía Lacarra y Matthew Golding. Producciones propias en grandes escenarios El PAR en Dansa no se limita a la formación de bailarines, sino que trabaja como una compañía profesional con producciones propias. Así lo cuenta Miquel G. Font, coordinador artístico del programa: “El PAR es una plataforma para esta transición entre terminar la carrera y entrar al mundo profesional de la danza. Todo está diseñado como si fuera una compañía, pero con empatía pedagógica”.

Rodolfo Castellanos

Rodolfo Castellanos también destaca la importancia de actuar con público como elemento crucial en la formación de bailarines: “Las escuelas tradicionales son más estrictas en algunos aspectos y no ofrecen la oportunidad de bailar y participar en el escenario, que es lo que te convierte en bailarín de verdad y es donde se aprende realmente”. Este curso los bailarines han actuado en dos producciones distintas que han tenido lugar en el Centro Cultural Terrassa. La primera fue In-Connection , en octubre de 2020, un espectáculo de danza clásica y contemporánea con tres coreografías, dos de ellas con música en directo, dirigidas por Rodolfo Castellanos y Miquel G. Font. En enero de 2021 los bailarines del PAR ofrecieron 5 funciones del clásico El Cascanueces , con coreografía de Rodolfo Castellanos, cuyas entradas fueron vendidas en su totalidad. Ahora llega el momento de buscar nuevos bailarines que quieran dedicarse profesionalmente al mundo de la danza. Por ello, el PAR en Dansa ha abierto audiciones que se podrán realizar en formato presencial o en formato online. Para más información www.pardansa.com/en/ audiciones/ DEE

53


Tamara Rojo recibe la medalla de oro de la academia de las artes escénicas de España

Tamara Rojo

La Academia de las Artes Escénicas de España entregó, el pasado 18 de marzo, su máxima distinción a la bailarina y directora de ballet Tamara Rojo. La Academia de las Artes Escénicas de España, fundada en 2014, es una entidad de carácter artístico y cultural destinada a potenciar, defender y dignificar las artes escénicas de nuestro país, a impulsar su promoción nacional e internacional. En palabras del presidente de la Academia, Jesús Cimarro, “la Academia de las Artes Escénicas de España se ha consolidado como una institución representativa del sector, que camina en pos del reconocimiento de la valía profesional de sus académicos y, a través de éstos, de la excelencia de las Artes Escénicas de nuestro país

54

Tamara Rojo, bailarina y directora artística del English National Ballet en Londres desde el 2012. Anteriormente fue bailarina principal de The Royal Ballet (1997-2000). Se inició en el Centro de Danza Víctor Ullate (19831991), completando su formación con David Howard y Renatto Paroni. Tras formar parte de la Compañía de Ullate (1991-1996), también forma parte del Scottish Ballet (1996-1997). Doctora con sobresaliente ‘cum laude’ en el Instituto Superior de Danza Alicia Alonso de la Universidad Rey Juan Carlos con la tesis: Perfil Psicológico de un Bailarín de alto nivel. Rasgos vocacionales del bailarín profesional. Anteriormente obtuvo el Máster en Artes Escénicas por la URJC. Ha actuado, como artista invitada, entre otras compañías de ballet, con: el Ballet Mariinski, el ballet del Teatro de La Scala de Milán, el Tokyo Ballet, el ballet del Teatro Mijáilovski de San Petersbugo, el Ballet de la Ópera de Niza, el Arena de Verona, el Ballet Nacional de Cuba y el Ballet de la Ópera de Berlín y ha participado en numerosas galas de ámbito internacional.


La tira de Fredy Rodriguez

Treinta castañuelas para Londres Antonio Hernández Moreno

Entre dos orillas; un recorrido vital con el ballet y la historia Tatiana Solovieva

Mi primer libro de danza española Almudena Hernández y Eva Neyra

Historia de la danza contemporánea en España Volúmenes I, II y III

En junio de 1916, el empresario ruso Sergei Diaghilev acuerda adaptar la novela “El Sombrero de tres picos” y contrata al joven bailarín Félix García, para enseñar los ritmos españoles a los miembros de la compañía y protagonizar además dicho ballet. Tras veinte años de investigación, Hernández Moreno establece un paralelismo entre ambos y arroja datos sorprendentes sobre las tristes circunstancias que rodearon el estreno del ballet español.

Mi vida ha transcurrido entre dos orillas a diferentes niveles, tanto en el espacio como en el tiempo: La Unión Soviética y España, La Unión Soviética y la Rusia actual. Pero hubo otras muchas orillas que me han marcado a lo largo de mi vida, historias que me han llegado desde el pasado, historias de las que fui testigo en todos estos años,… El 100% de tu compra irá destinado a la Unión de Artistas de Rusia en España.

Mi primer libro de danza española es el primer libro que pretende acercar la danza española a niños y jóvenes. Conoce el flamenco, el folklore, la danza estilizada y la escuela bolera; bailarines y bailarinas;… es el libro fundamental para estudiantes de danza o meros espectadores. En él se habla de las cuatro formas de la danza española, de sus intérpretes, coreógrafos, maestros, compañías de danza y ballets.

Un manual de estudio para la danza publicado en la colección Artes y Oficios de la escena de la Academia de las Artes Escénicas de España, con el apoyo del Instituto Nacional de las Artes Escénicas y la Música (INAEM).

DEE

55