REVISTA DANZA EN ESCENA Nº 55 (OCTUBRE 2022) | Jorge Nozal

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DANZAENESCENA Revista de La Casa de la Danza

Nº 55 OCTUBRE 2022

RECORDANDO A VÍCTOR BURELL EL CORSARIO DE JC MARTÍNEZ EN GRANADA GALA VERANO EN BADALONA ENTREGA GALARDONES EN COVENT GARDEN

JORGE NOZAL Bailarín guipuzcuano Principal del NDT



SUMARIO 4

EDITORIAL: Diferentes caras del movimiento Marta Schinca

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ENTREVISTA: Jorge Nozal, bailarín guipuzcoano Principal de NDT Noelia Selfa

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Tamara Rojo y el Bosque de la Danza Danza En Escena

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CRÍTICA: Nits al Port de Badalona 2022 Ana T. Massana

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CRÍTICA: “De Sherezade” Marta Carrasco

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CRÍTICA: Un Corsario español con mucho amor Marta Carrasco

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XXVII Festival Internacional de Ballet de Miami Orlando Taquechel/Artburst Miami

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ENTREVISTA: Conversando con Gloria Castro Orlando Taquechel/Artburst Miami

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ENTREVISTA: Jóvenes promesas, M.ª Pilar Fernández Noelia Selfa

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MAQUETACIÓN: Liosmar Ruiz leoruizmartinez@gmail.com

CRÍTICA: Una CND sin pena ni gloria Mercedes Albi

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DIRECCIÓN: Casa de la Danza, c/Rua vieja 25, 26001 Logroño (La Rioja)

Arte e historia de las castañuelas Teresa Laiz

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Antonio, centenario de un genio (1921 – 2021) Isabel Pérez y Emilio Martí

MAILS: Mila Ruiz: danzaenescena@gmail.com Perfecto Uriel: casadanza@casadeladanza.com

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La Casa de la Danza en Covent Garden (Londres) Danza En Escena

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La tira de Fredy

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CRÍTICA: Danza en la 36 edición de Peralada Carolina Masjuan

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HOMENAJE: Víctor Burel Manuel Segovia y José Luis López Enamorado

DANZAENESCENA Nº 55_OCTUBRE 2022 EDITORA: Mila Ruiz COORDINADOR: Perfecto Uriel CONSEJO DE REDACCIÓN: Nelida Monès, Joaquim Noguero y Mila Ruiz. COLABORADORES: Ana T. Massana, Marta Carrasco, Teresa Laiz, Isabel Pérez, Emilio Martí, Orlando Taquechel/ Artburst Miami, Carolina Masjuan, Noelia Selfa, Mercedes Albi, Manuel Segovia y José Luis López Enamorado FOTOGRAFÍA: Josep Guindo, P. Valverde, Jeff Gilbert, Rahi Rezvani, James Arias, Simon Soong, Carlos Carreño, Alba Muriel, Toni Ferrer, Ricard Rosello, Joan Castro Iconna, Mila Ruiz y Andrej Uspenski

(Las colaboraciones son gratuitas y responsabilidad de sus autores) Fotografía de portada: Rahi Rezvani


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Editorial Diferentes caras del movimiento En la vida La vida es movimiento. La naturaleza es movimiento visible o invisible, en un continuo fluir. Todo se mueve y transforma constantemente. En las pausas y silencios la vida no se detiene, sino que siempre sigue fluyendo como un manantial. Los seres humanos tienen la capacidad de sentir en su propio cuerpo ese fluir de la energía motora, esas corrientes de movimiento que recorren sus articulaciones en una sucesión encadenada que produce emoción, armonía y belleza. Esa capacidad de organicidad y disfrute del movimiento es resultado de una educación corporal que atienda todos los aspectos del ser humano: corporal, mental, emocional. Todas las personas pueden participar de ello. El cuerpo no es sólo lo que se ve, es asiento del yo íntimo. En la vida cotidiana el cuerpo habla y se comunica, no sólo verbalmente sino mediante una conexión mímica y gestual. Se percibe y comprende al otro por sus actitudes físicas que expresan un mundo subconsciente escondido, pero que muchas veces se hace patente. Cuando dos personas sincronizan sus movimientos y actitudes, se establece una empatía kinestésica, que es reflejo de la empatía emocional o afectiva. En el arte En la vida artística, en la danza o el teatro corporal esas interrelaciones entre las personas cobran valor visible en el espacio y el tiempo, trascendiendo lo cotidiano para ser algo significativo, simbólico, emocional. El bailarín o actor de movimiento cuyo cuerpo fluye en recorridos armoniosos, transgrede esa armonía para segmentarse, articularse, deshacerse, erguirse, torcerse, impulsarse, caer y recuperarse, formular nuevas leyes y dinámicas para con ello, poder expresar realidades emocionales y subjetivas diferentes. Cuando se mueve en el espacio, lo toca. Siente y hace

sentir las huellas e impresiones que deja a través del tacto con el espacio, que es su apoyatura y su contrafigura. Dialoga con el espacio en ritmos e intensidades; y hace extensivo el diálogo con otros participantes, creando contactos, contrapuntos, líneas de tensión, calidades de esfuerzo. El espacio se comparte, se rechaza, responde a los cuerpos que lo definen. Crea una poética escénica. Y los espectadores sensibles o perceptivos, “ven” ese espacio cargado de huellas, son capaces de visualizar el acuerdo, la armonía, o el desasosiego, el caos y las diferentes emociones que los cuerpos trasmiten. Sentados en su silla se mimetizan con lo que perciben. Sienten el movimiento interior, cambian la tonicidad muscular, siguen los ritmos y son “tocados” por los sentimientos y emociones que subyacen. En la enseñanza Todo lo que cada espectador inteligente es capaz de percibir en el escenario puede ser experimentado por sí mismo en el aula de trabajo corporal, conducido por maestros en el arte del movimiento. El cuerpo toca el espacio y lo esculpe, dibuja con diferentes trazos creando distintas dinámicas y ritmos. Nuestro ser toma conciencia de sí y de los otros. Toca y es tocado. Siente y se comunica. Transmite su ritmo y responde al otro en armonía o en contraste. Modula su movimiento con distintos grados de tensión, se abandona o lucha con la gravedad, crea un lenguaje trasmisible y desarrolla un sexto sentido plástico, emotivo, misterioso con el cual es capaz de conectarse con su propio ser interior y con los demás en un plano diferente que trasciende lo cotidiano. Aprende a mirar y ver, a captar todo un mundo de arte que se despliega ante él: percibe los matices de una pintura abstracta o figurativa, le inspiran las formas escultóricas, saborea las modulaciones melódicas y rítmicas de la música y de la naturaleza, disfrutando profundamente de la empatía con los demás. Marta Schinca, Catedrática emérita de técnica y expresión del movimiento de la RESAD y Directora de Estudio Schinca DEE

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Jorge Nozal Por Noelia Vicente Selfa Fotografías de Rahi Rezvani

Jorge Nozal, Rahi Rezvani

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ENTREVISTA → Jorge Nozal

Jorge Nozal (San Sebastián, 1978) se recuerda a sí mismo, siempre, bailando. Artista de presencia poderosa, movimiento elegante a la par que enérgico, siente en estos momentos de cambio que no tener plan es la mejor estrategia a seguir en su vida. Debutó, después de la Academia Anaik, el Conservatorio Municipal de su ciudad y la muy prestigiosa Escuela de John Cranko, con el Stuttgart Ballet en 1998. En 2004 se incorporó al Nederlands Dans Theater (NDT), compañía en la que ha permanecido hasta 2020. En el 2015 fue reconocido con el Premio Swan, otorgado por la Asociación Holandesa de Teatros Nacionales y considerado como el “Óscar” de la danza en los Países Bajos. Pero a Jorge Nozal aún le queda mucho por decir, mucho por enseñar, mucho por bailar.

¿Cómo fueron tus inicios en el mundo de la danza? ¿Cómo te acercaste a ella? Yo siempre he bailado; yo oía música y bailaba: he nacido para bailar. Estaba en casa bailando, en la calle bailando, ponía música y bailaba. Para mí era natural y eso que en mi familia nadie venía del mundo de la danza. Me encantaban las películas de John Travolta, me gustaba Michel Jackson; en la película de Fama yo quería ser Leroy. A los diez u once años decidí que quería bailar y mi madre me apuntó a una escuela privada de San Sebastián que se llamaba Academia Anaiak. Allí comencé también a bailar con un pequeño grupo por algunos pueblos. Llegó un momento en que me dijeron que si realmente quería bailar tenía que hacer algo en serio: me hablaron del Conservatorio. Yo solo tenía claro que quería bailar; pero no sabía qué era el Conservatorio ni qué era el ballet clásico, ni una barra. Me hicieron una prueba y accedí al Conservatorio. Una vez allí descubrí que era otro mundo, todo mucho más serio; entonces dejó de gustarme tanto. ¿Qué hizo entonces que continuaras? He de decir que lo que me enganchó fue la disciplina, más que agarrarme a la barra e intentar cambiar mi musculatura. La disciplina de ir, la seriedad, eso me enganchó muchísimo. Poco a poco me gustó también todo lo que podía hacer con mi cuerpo, progresar. En este conservatorio tuve un profesor fantástico, Peter Brown, era un loco de la danza, un artista que no pertenecía a ningún sistema, como todos los artistas de

verdad. Me encantó el mundo que tenía creado este hombre en el Conservatorio junto con su mujer, Águeda Sarasua. Entrabas en ese estudio con ese olor a madera y a polillas y era magia; yo estaba encantado. ¿En qué momento decidiste que deseabas dedicarte a ello? Peter Brown vio que tenía talento. A los quince años me dijo que si realmente quería seguir, en mi ciudad no se podía hacer más por mí, había que salir fuera. Y esa fue una gran decisión. Le dije a mis padres que quería bailar. Luego vino la duda de dónde ir: Madrid, Valencia, Burgos, Inglaterra, Stuttgart, que es donde finalmente fui, a la John Cranko School. También estuvimos guiados por Peter Brown, creíamos más en ese lugar porque conocíamos a generaciones anteriores que habían estudiado allí y les había ido muy bien. Recuerdo estar sentado con mis padres tomando la decisión; ellos tuvieron que aportar todo el dinero porque no recibimos ayudas de nadie. Hasta ese momento yo tenía espontaneidad, inocencia y una pasión natural por la danza. ¿Cómo fue el cambio? Una vez en Alemania las cosas cambiaron. Fui allí y me cogieron. He de decir que en general en mi vida todo ha fluido, eso sí, con mucho trabajo y mucho esfuerzo. Todo me ha venido en el momento en el que tenía que venir, en el momento en el que he dado el paso. Nunca he dado un paso antes de tener que darlo; tengo un instinto natural que me dice cuál es el siguiente paso. DEE

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“Bailando era todo increíble, pero como persona, veía que no me sentía feliz del todo. Para mí, en la vida, hagas lo que hagas, debes ser feliz. Y mandando señales al universo llegó lo que tenía que llegar”

¿Y tu estancia allí? Supuso un gran cambio para mí en todos los sentidos; también es verdad que me fui con 16 años recién cumplidos, en plena adolescencia. Entré en un internado y empecé a ir por las mañanas a aprender alemán cuatro horas al día; en ese momento lo odiaba porque yo pensaba que lo que yo quería hacer era dedicarme a la danza. Sin embargo, ahora me siento afortunado de hablar alemán con fluidez. Pero supuso un gran cambio en todos los niveles: la comida, la falta de luz, la iluminación de las calles… Después, por la tarde, iba a la escuela de danza. Siempre he sido muy apasionado haciendo lo mío, en ese sentido estaba bien; desde el punto de vista personal me encerré un poco en mí mismo. Allí empecé a cambiar esa libertad, esa espontaneidad que yo tenía, pero también creo que es parte del proceso. ¿Qué sucedió después, cuando terminaste tus estudios en la Escuela? Pues estuve cuatro años en la Escuela y después seis en el Stuttgart Ballet. No tuve que hacer una audición general; como me conocían de la escuela, realicé una clase normal con la compañía y ahí vieron que estaba capacitado para entrar.

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¿Qué nos puedes contar de tu estancia en el Stuttgart Ballet? Yo era el bailarín moderno de una compañía clásica. Casi todos los coreógrafos que venían de fuera a montar querían trabajar conmigo. Estuve en un momento en el que la compañía estaba en una situación muy buena: con unos bailarines principales extraordinarios, venían muchos bailarines invitados, había unas giras increíbles. Para mí, siendo tan joven, vivir todo eso me hacía estar feliz. ¿Qué te hizo dar el cambio a otra compañía con una idiosincrasia tan distinta? Notaba que no era mi sitio; había algo que no me dejaba ser yo mismo; mi personalidad no compaginaba bien con el sistema de la compañía. Bailando era todo increíble, pero como persona, veía que no me sentía feliz del todo. Para mí, en la vida, hagas lo que hagas, debes ser feliz. Y mandando señales al universo llegó lo que tenía que llegar. Sol León y Paul Lightfoot —que


ENTREVISTA → Jorge Nozal

estuvieron en la dirección del NDT durante mi estancia en el Stuttgart Ballet— fueron a Stuttgart para recrear una coreografía. Yo sabía que venían y conocía el NDT, por supuesto, para mí era como un sueño, lo veía muy lejano. Se hizo una pequeña audición en el Stuttgart Ballet y me escogieron para bailar esa coreografía que venían a montar. Lo más increíble fue trabajar con ellos, la manera en la que trabajan, sacando el máximo de cada uno. También el querer verte tú mejor, pero todo realizado con mucha naturalidad. Era una manera de trabajar muy diferente a como yo estaba acostumbrado; enseguida me di cuenta de que eso me iba a hacer bien. ¿Cómo era el entrenamiento que realizabas en el NDT? Clase de ballet todos los días. El resto del día eran ensayos del repertorio que se iba a realizar en ese momento. Cuando se invitaba a coreógrafos se variaba un poco la forma de trabajo: si venía Ohad Naharin a hacer una coreografía tenías la posibilidad de venir dos o tres días, no era obligatorio, para tomar clase de técnica Gaga, que es lo que él hace; si venía Hofesh Shechter pues también tenías un par de días en semana con sus bailarines realizando sus clases. La clase de ballet siempre ha estado ahí y creo que siempre

debe estar ahí; no debería quitarse, es muy importante. Es lo lógico, en todas las artes el contemporáneo viene del clásico. ¿Cuál es el rol que piensas que te ha marcado más como profesional? Cuando me fui a Alemania, una amiga me puso un libro en la mano, El caballero de la armadura oxidada, de Robert Fisher. La historia trata de un caballero que se pone su armadura conforme pasa su vida, hasta que llega un punto en el que no puede andar por el peso; es una imagen de lo que hacemos a veces para protegernos. Para poder quitársela pasa por muchas aventuras, hasta que la armadura se oxida y cae, y es ahí cuando consigue la libertad. Creo que durante mi carrera, una vez que dejé de estudiar ballet y trabajé como yo quería, conseguí ser ese caballero sin armadura. Estando ya en el NDT, Sol León y Paul Lightfoot hicieron una coreografía, Same difference, con un personaje que se llamaba así, en español El soldado, que es una locura, un carácter muy potente. De alguna manera estaba conectado a ese libro que había leído yo antes. No había mucho que bailar, era un personaje que hablaba, que iba de un lugar a otro del escenario. Era muy simbólico y me marcó mucho. DEE

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¿A la hora de trabajar con coreógrafos nuevos, qué es lo que tú aportas como artista-bailarín? ¿Qué es lo que más te gusta cuando estás en ese proceso de creación? Cada coreógrafo es un mundo, no se puede generalizar. Hay coreógrafos que casi te dejan hacer a ti, te guían un poco pero tú haces la coreografía. Te indican cosas del tipo “sí, sí, aquí un poco menos”. Luego hay otros que saben exactamente lo que quieren y no tienes que crear, que también está bien. Hay coreógrafos que son más de corazón y otros más de mente. Es muy diferente y es muy bonito el proceso; cada uno con diferentes lenguajes. De todos aprendes para enriquecer lo que es el artista que llevas dentro. A mí me gusta más la gente que va de corazón porque conecto más con eso. Parece una contradicción pero este tipo de coreógrafos tienen más claro lo que quieren. En cambio la gente que parece que lo tiene todo muy estudiado en realidad te deja hacer mucho más a ti. Yo prefiero la gente que crea en el momento, con lo que ven de ti en ese instante, que crean contigo. ¿Qué es lo que tú más aprecias a la hora de interpretar una coreografía? El hacerla tuya, poner tu esencia y eso es lo bonito, que lo haces tuyo. Sobre todo conforme te vas haciendo mayor interesa mucho más la faceta interpretativa.

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A mí me pones en un escenario a caminar y me llena mucho más que tener que bailarlo todo. La presencia, sentir el espacio y el momento, no necesito más, porque ya he hecho lo otro, los pasos. ¿Cuáles son los valores que consideras que la danza te ha aportado como ser humano? Yo he vivido toda mi carrera, toda mi vida —porque no veo una separación entre mi vida y ser bailarín, es todo uno— muy involucrado en el mundo de la danza y bastante desconectado del resto del mundo. Yo vivo como artista, tengo mi ser de artista limpio. Gracias a la danza he podido balancear las dualidades que el ser humano tiene. Cuando bailo, puedo decir que soy mi yo más puro. La danza me permite estar en el momento, y solamente en el momento. Estar en el ahora es el gran valor que me da la danza. Has pasado una gran parte de tu carrera en el NDT. Entendemos que te has sentido a gusto para quedarte tantos años. ¿Qué es lo que más te ha gustado de tu estancia allí? La respuesta es muy clara, y es la creatividad constante, por eso es especial. Yo me he involucrado completamente en esa compañía, al final era un referente, parte de la casa, pertenecía allí.


ENTREVISTA → Jorge Nozal

Cuéntanos, ahora que ya has dejado el NDT ¿qué proyectos tienes? Lo genial de ahora mismo es lo desconocido, porque hasta ahora yo no me imaginaba que iba alguna vez a ser freelance. De repente estoy descubriendo que es perfecto lo que me ha pasado, en el momento preciso. Lo que voy a hacer por ahora es enseñar coreografías; estoy muy involucrado con Sol León y Paul Lightfoot, que están interesados en que yo enseñe sus coreografías porque conozco su lenguaje, llevo bailándolo muchos años y me encanta. También estoy enseñando algunas de las piezas de Marco Goecke. Aunque espero tener todavía, y ha ocurrido en este tiempo, proyectos como bailarín o como artista. La vida me ha sorprendido con muchas cosas positivas; por ejemplo, en este tiempo he tenido la oportunidad de crear con Diana Vishneva, también acabo de estar en Australia donde he asistido a Sol León y he colaborado como artista invitado. Hemos estado siguiendo por las redes tu trayectoria. Nos preguntábamos cómo ha sido trabajar con una compañía como es el Australian Ballet. ¿Cómo ha sido transmitir el lenguaje particular y diferente de las coreografías que has enseñado a personas que todavía se mueven con un lenguaje más clásico? Pues ha sido una sorpresa, porque las cuatro personas del equipo que íbamos a enseñar la coreografía nos preguntábamos cómo íbamos a poder hacerlo porque eran muy clásicos. Lo han cogido de una manera sorprendente; están tan hambrientos de este tipo

de lenguaje que no habían hecho nunca. Fue fácil; por supuesto tuvimos que explicarles un montón de cosas, pero ellos querían hacerlo. No tenían bloqueos ni miedos. En la coreografía había que realizar gestos, expresiones extremas, pero ellos lo hacían todo. Todos los que hemos ido a enseñar estamos todavía en forma, por lo que nos hemos podido meter mucho con el tema físico, no solo explicarlo sino enseñarlo. Lo hemos hecho de una forma muy humana, muy normal, y ellos apreciaron mucho eso. Lo bailaron muy bien. Te das cuenta de que, cuando la energía es la correcta, las cosas salen. Después me ofrecieron bailar con ellos; así que mejor no pudo ir. Parece que la experiencia de bailar con David Hallberg ha sido muy positiva. ¿Te parece que los dos mundos o espacios profesionales (clásico y contemporáneo) están muy alejados? Esto es la belleza de la vida. Cómo disfrutamos los dos. Ambos teníamos inquietudes parecidas sobre el proceso, aunque desde puntos de vista diferentes. Pero fue increíble, dos mundos distintos con el mismo objetivo. Lo pasamos muy bien y aprendimos tanto. La experiencia fue una maravilla, después de haber pasado este periodo de no haber hecho nada, de ver las cosas desde fuera, de no estar durante dos años en una compañía, de perder la rutina de ir todos los días, de los espectáculos, de calentar. La sensación fue incluso mejor que antes. Especial es poco; yo era feliz y sobre todo estaba agradecido a la vida. DEE

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¿Aparte de enseñar las coreografías de otros, tienes tú inquietudes en ese sentido? ¿Te planteas coreografiar? No, le tengo tanto respeto a la coreografía que no me lo planteo. No me sale del corazón.

buen tiempo. Fue un momento de recapacitar sobre lo que había hecho hasta ese momento, con 22 años de carrera, con 42 años en ese momento, y de comenzar una nueva etapa.

¿Y ser profesor? De alguna manera lo estoy siendo, aunque no de técnica. Ahora estoy en este proceso; quién sabe si más adelante. Ahora mismo estoy más en transición, con lo físico presente, espero bailar cosas aún.

¿Qué coreógrafos te parece que están ahora mismo destacando en el panorama mundial? Yo te hablo de artistas mejor: Sol León, Paul Lightfoot, Dimitris Papaionnnou, Marco Goecke, Gabriela Carrizo y Frank Chartier. Estos nombres me inspiran muchísimo por el tema artístico sobre todo.

¿Cómo te afectó el cierre por la pandemia? Yo cuando dejé de bailar fue cuando llegó el Covid; de repente se paró el mundo. Yo he vivido esta situación como un regalo. Era una desgracia lo que estaba pasando, pero aquí, en Holanda se podía salir, hacía

¿Te planteas volver a España? ¿Hacer algún trabajo aquí? Yo no diría que no, pero no tengo ningún tipo de vínculo con España. Es triste pero es así. Si sale algo interesante sí que me gustaría ir, por supuesto.

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ENTREVISTA → Jorge Nozal

“Por desgracia es totalmente diferente. Desde que yo tengo conciencia es la misma historia en España. Ya no sé qué decir. No entendemos por qué la gente en España no le da la importancia que se le da en otros países. Encima hay unos bailarines españoles por el mundo increíbles; tenemos el arte”

¿Qué tipo de entrenamiento haces ahora para mantenerte en forma? Vengo ahora de una clase de Bikram yoga, me gusta nadar y hacer bicicleta. En mi día normal ya no hago barra, si tuviera que bailar me pondría a hacer clase de nuevo. ¿Sientes que se trata de manera distinta al bailarín, como profesional, en España que en Alemania o en Holanda donde has trabajado? Por desgracia es totalmente diferente. Desde que yo tengo conciencia es la misma historia en España. Ya no sé qué decir. No entendemos por qué la gente en España no le da la importancia que se le da en otros países. Encima hay unos bailarines españoles por el mundo increíbles; tenemos el arte. No me merece la pena ni hablar de ello. Parece que, desgraciadamente no va a pasar nunca nada. Me da mucha tristeza, la verdad cuando hablo con gente que me cuenta lo que cuesta conseguir cada pequeña cosa. ¿Que si hay mucha diferencia? Enorme. Si buscas la cantidad de compañías que hay en Alemania, por ejemplo; en cada ciudad hay un minúsculo teatro con su compañía. Yo

iba por la calle en Alemania y la gente me reconocía cuando no era nadie todavía. La gente va al teatro, se le da importancia. En algunos centros de enseñanza en España nos damos cuenta de la escasa matriculación de niños (varones). A menudo estos se sienten presionados por los compañeros de escuela o por la familia. ¿Recuerdas que, de niño, hayas sentido presión en ese sentido? Sí, un poco. Pero tengo que decir que he sido siempre inocente, pero no en el sentido de tonto, sino inocente. Ahora que lo mencionas sí que recuerdo que se metieran conmigo de vez en cuando. Pero para mí la danza era tan natural, como no tenía ningún problema con ello, yo recuerdo tener en mis pensamientos “ya veréis”. Y mira. Pero yo no lo viví mal, yo he disfrutado mucho del mundo del baile. De alguna manera me hice una burbuja también cuando era pequeño por lo que no me afectó lo que otros me dijeran.


El bosque de la danza y sus protagonistas; Tamara Rojo, “la bailarina española que conquistó Inglaterra” Por Perfecto Uriel

Tamara Rojo es Kriti en Don Quijote

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ARTÍCULO → Tamara Rojo

Seguimos adelante dando a conocer a los grandes protagonistas de la danza, siempre vivos en el espíritu de los Ginkgo Biloba del Bosque de la Danza de Logroño. Nuestros bailarines son tan desconocidos para el público de nuestro país como lo es el Bosque de la Danza para muchos ciudadanos de Logroño. Este proyecto nació en el año 2009 por iniciativa de la Casa de la Danza y sigue creciendo, a pesar del atropello sufrido hace tres años. Con gran esfuerzo, sigue adelante combatiendo plagas y ataques del ser humano, incomprensiblemente molesto con estos seres, los árboles, que ayudan a purificar el aire tan necesario para que la vida sea posible en la Tierra. Los árboles son nuestros compañeros, los que siempre están ahí cuidándonos en su silencio natural tan solo interrumpido por el viento que, a veces, los azota con una fuerza desmedida. Hoy presentamos a una de las más exquisitas bailarinas que el siglo XX ha proporcionado a la Historia del Ballet. Ella pertenece a lo que hace años denominé, de manera cariñosa, “los ullatinos” por tratarse de una hornada de bailarines excepcionales que nació bajo la supervisión, y al abrigo, del maestro zaragozano. Un grupo de grandes bailarines que tuvo que abandonar nuestro país para desarrollarse y crecer bailando hasta convertirse en piezas determinantes en formaciones internacionales de reconocido prestigio. El público de nuestro país solo ha podido disfrutar del arte de todos ellos en las galas veraniegas que se han organizado en España cuando el descanso los acercaba a su tierra para estar con sus amigos y sus familias.

Nació Tamara Rojo en la ciudad canadiense de Montreal un 17 de mayo de 1974 donde residían sus padres, ambos de nacionalidad española. Cuando Tamara cumplió cuatro meses se trasladaron a España y es allí donde se inició en el mundo del ballet en el Centro de Danza Víctor Ullate. Amplió sus estudios con maestros como Karemia Moreno, Marika Besobrasova y Anatoli Levis, entre otros, y se graduó con Matrícula de Honor en el Real Conservatorio Profesional de Danza ‘Mariemma’ de Madrid. Su formación se completó con grandes maestros como David Howard y Renatto Paroni. Con el Ballet de la Comunidad de Madrid, dirigido por Víctor Ullate, pudo bailar los roles clásicos de “Giselle”, “Les Sylphides”, “Allegro Brillante” y “Tema y Variaciones” de Balanchine junto a coreografías de Christie, van Dantzig, van Mannen y muchas otras del propio Ullate. Tras formar parte del Ballet de la Comunidad de Madrid entre los años 1991 y 1996, Tamara Rojo se presentó en el prestigioso certamen internacional “Gran Premio de la Ciudad de París” interpretando una variación del ballet La Sylphide y consiguió la medalla de oro por decisión unánime del jurado, jurado que estaba compuesto por grandes personalidades del mundo de la danza como Natalia Makarova, Vladimir Vassiliev y Galina Samsova. Al término de la competición, la Sra. Samsova la invitó a unirse al Scottish National Ballet (Ballet Nacional de Escocia) donde pudo interpretar roles principales en los ballets: El lago de los cisnes, Romeo y Julieta de J. Cranko y La Sylphide de Bournonville. Bailó durante un año con la compañía escocesa y en el año 1997 ingresó en el English National Ballet. En tan solo seis meses, Tamara Rojo ascendió DEE

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Tamara Rojo, Jeff Gilbert

a la categoría de “Bailarina Principal” permitiéndole bailar todos los papeles principales del repertorio de la formación británica. Tenía tan solo 25 años y ya lideraba una de las grandes compañías internacionales. En esa época, Derek Deane, prestigioso bailarín y coreógrafo británico por entonces director artístico del ENB, creó especialmente para ella los roles de Julieta, en el ballet “Romeo y Julieta”, y el de Clara para “Cascanueces”. La interpretación de Clara tuvo tanto éxito que se batieron records de venta de entradas en el Teatro London Coliseum y el prestigioso periódico The Times la nombró “Bailarina revelación del año”. Otras interpretaciones destacadas del repertorio del ENB y Tamara Rojo son el papel de la doncella elegida en la “Consagración de la Primavera” de Kenneth MacMillan, “The Sphinx and Voluntaries” de Glen Tetley, “Three Preludes and Lander’s Études” de Ben Stevenson y, de nuevo, de la mano de Derek Deane, Tamara es responsable de la creación de “Strictly Gershwin” en el Royal Albert Hall de Londres. Tamara Rojo permaneció en el ENB hasta el año 2000. En el mes de julio del año 2000, el prestigioso bailarín inglés Anthony Dowell, entonces director artístico de Royal Ballet, la invitó a formar parte de la prestigiosa formación británica en calidad de “Primera Bailarina” donde se mantuvo bailando hasta el año 2012. Desde que se uniera al Royal Ballet, Tamara ha bailado todos los roles más destacados del repertorio: “El Lago de los cisnes” versión A. Dowell, “La Bella durmiente” y

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“La Bayadera” versiones de N. Makarova, “La Bella durmiente” en versión de M. Mason, “Don Quijote” de R. Nureyev y “Cascanueces” de P. Wright. Además también hay que tener en consideración todas sus apariciones en el repertorio llamado MacMillan que incluye los ballets “Romeo y Julieta”, “Manon”, “Mayerling”, “Song of the Earth”, “Rite of Spring”, “Winter Dreams”, “Requiem”, “My Brother My Sisters”, and “Danses Concertantes”. Cabe destacar el último trabajo que hizo Deborah MacMillan para ella recreando Isadora. Royal Ballet va unido incondicionalmente al nombre del gran coreógrafo Frederick Ashton y, como tal, todo bailarín debe tener una participación muy activa en los trabajos de repertorio del propio Ashton. Tamara Rojo destacó bailando los papeles principales en: “Cenicienta”, “Ondine”, “Marguerite and Armand”, “Cinco Walses de Brahms in the Manner of Isadora Duncan”, “Homenage a la Reina” y “A Wedding Bouquet” También ha bailado coreografías como: “Jewels” de George Balanchine, “Theme and Variations”, “Symphony in C and Tzigane”, “Carmen” de Mats Ek, “Dances at a Gathering” de Jerome Robbins o “Sinfonietta” de Jiri Kylian. Además de papeles especialmente creados para ella que dan muestra de la importante labor que esta Española ha desarrollado a lo largo de su carrera profesional en el Reino Unido.


ARTÍCULO → Tamara Rojo

Tamara Rojo es Aurora en La Bella

Tamara Rojo ha actuado, como artista invitada en Mariinsky Ballet, Ballet del Teatro La Scala de Milán, Tokyo Ballet, Mikhaylovsky Theatre ballet, el Ballet de la Ópera de Niza, Ballet Nacional de China, Arena de Verona, el Ballet Nacional de Cuba, Ballet Real de Suecia, Ballet Nacional de Finlandia, Ballet de la Ópera de Berlín y ha participado en numerosas galas de ámbito internacional. Ostenta numerosos reconocimientos: Medalla de Oro en el Gran Prix de la Ville de París, Premio de la Crítica de Danza en Italia, Medalla al Mérito de las Bellas Artes, Premio del Círculo de Críticos de Danza-Londres, Premio Príncipe de Asturias de las Artes, compartido con Maya Plisetskaya, Medalla de Oro de las Bellas Artes John F. Kennedy, Encomienda de número de Isabel la Católica, Premio Benois de la Danza, Premio Positano “Leonid Massine”, Medalla Internacional de las Artes de la Comunidad de Madrid, Medalla de Honor del Festival Internacional de Música de Granada y Commander de la Orden del Imperio Británico en 2016 son sólo algunos de los múltiples galardones otorgados a la bailarina. El Rey Juan Carlos la ha condecorado con tres de los galardones más destacados en España: Premio Príncipe de Asturias, Medalla de Oro de las Bellas Artes y Encomienda de Número de Isabel la Católica. El mundo de la publicidad también ha sido un campo de batalla para ella. Recordar Hoss Intropia, Bodegas Chivite, Freixenet o Planeta DeAgostini cuyas campa-

Ginkgo Tamara Rojo

ñas son recordadas por muchos. Destacar que fue la imagen de Backes & Strauss, prestigiosa firma de diamantes en Londres y que el mundo del automóvil la recordará siempre en la campaña del Lexus IS de 2013. Los aficionados al ballet también recordarán el estreno mundial de “Blancanieves”, grabado en DVD por Deutsche Gramophone, con coreografía de Ricardo Cué y la música original del famoso Emilio Aragón, quién además estaba al mando de la batuta. Hoy sigue siendo la única producción existente de “Blancanieves” en ballet. En el Reino Unido Tamara Rojo forma parte de la Junta de Artes del Distrito Este de Londres, de Danza en Reino Unido, de la Sociedad Anglo-Española, de la Ipswich Dance Est Academy y además es Asesora del Consejo Superior de Estudios Artísticos en España. Directora Artística del English National Ballet desde el año 2012 y como “Lead Principal” de la compañía es capaz de combinar de manera destacada su trabajo al frente de la compañía con el de sus apariciones artísticas. Hoy en día, año 2022, ya es la directora artística del San Francisco Ballet después de diez años al mando del English National Ballet. DEE

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Gala De Dansa “Nits Al Port De Badalona 2022” ”Ballarins.cat & Korpo Dance Project” Por Ana T. Masana Fotografías de Josep Guindo Dirección artística de Marisa Yudes

Gisela Mañes y Lander Cerrillo. Coregrafía: Jeux por Kirill Radev

Pau Pujol y Gabriela Mesa. Coreografía: Pas de Deux del Lago de Los Cisnes

Salvador Martínez y Beatrice Rancani. Coreografía: Take me with you

Clara Mora y Juan Montobbio. Coreografía: Las Noches de Walpurgis

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CRÍTICA → Nits Al Port De Badalona 2022

Pau Pujol y Anna Serratosa. Coreografía: Pas de Deux de Don Quijote

El pasado 15 de Julio 2022, se celebró en Badalona una magnífica Gala de Danza dentro de la programación de “LES NITS AL PORT DE BADALONA” (Las Noches en el Puerto de Badalona). Un Festival de verano que ya se erige como referente en el SkyLine Barcelonés.

También el Ballet de Barcelona estuvo presente en esta Gala con Clara Mora que, acompañada de Juan Montobbio (Philadelphia Ballet) interpretaron las “Noches de Wallpurgis”, con una técnica impecable y unos fantásticos “portées”.

Una vez más y desde el primer año de su creación (y ya son 10), Marisa Yudes, maestra y formadora de bailarines, con una trayectoria profesional de más de 40 años como docente, organiza y dirige con bravura esta gala anual.

Desde la Ópera de Poznan (Polonia) llegó Salvador Martínez Masat que, acompañado de Beatrice Rancani nos ofrecieron “Take me with you”, una coreografía de danza neoclásica en la que los dos intérpretes estaban absolutamente compenetrados, arriesgándose con éxito a la difícil ejecución coreográfica.

En sus inicios, el motivo de dicho evento fue reunir en época estival a algunos de sus alumnos ya profesionales y en compañías de danza internacionales que, acompañados por sus parejas artísticas nos deleitaban con su arte dancístico.

KORPO DANCE PROJECT” abrió y cerró la Gala con dos coreografías inéditas de Kirill Radev, Director de la joven Compañía. La primera, JEUX, nos recuerda y transporta al mito de Diaghilev, rindiendo homenaje a su aplaudida y original obra JEUX.

Así pues, esta Gala de verano fue el embrión de la ya consolidada Gala anual “BALLARINS CATALANS AL MÓN” (Bailarines catalanes en el mundo) que se celebra, en la actualidad, en el Teatre Auditori de Sant Cugat (Barcelona), de la cual Marisa es fundadora y directora y que este próximo mes de noviembre cumplirá su sexta edición,

Destacan los bailarines Mariona Roger y Xavier Lara (este último con nueva incorporación a la Ópera de Varna) en su interpretación de “GROONG”, como danza contemporánea, música ecléctica y coreografía sobresaliente.

El programa que pudimos disfrutar fue variado y ágil, mostrando al público pasos a dos de repertorio clásico, intercalando piezas contemporáneas o de estilo neoclásico.

Cerró la Gala la coreografía “DUST”, donde pudimos ver a 21 bailarines sobre el escenario en perfecta sincronía con un efecto “in crescendo” hasta el final.

Pudimos ver un emocionante paso a dos del Cisne blanco y un brillante paso a dos de “Don Quijote” interpretados por Pau Pujol y Gabriela Mesa, en la pieza del Cisne Blanco, y compartiendo escena el mismo Pujol con Anna Serratosa en “Don Quijote” Todos bailarines del Philadelphia Ballet.

Tambien Gisela Mañes (KDP) y Raul Izquierdo interpretaron con precisión el paso a dos de “Diana y Acteón”.

Un público entregado que regaló un silencio expectante durante toda la representación, seguido de una gran ovación final, y una luna llena que presidía orgullosa esta noche con sabor a mar. Esperando ya impacientes la próxima edición, gracias a todos los artistas por este gran regalo. DEE

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“De Sherezade”, el universo femenino de María Pagés, sin tópicos Por Marta Carrasco

María Pagés en De Scheherezade

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CRÍTICA → “De Sherezade”

“De Sherezade” es una poliédrica trama de personalidades femeninas trazadas a lo largo de casi dos horas y cuarto de espectáculo que la bailaora sevillana y premio Princesa de Asturias, María Pagés, ha “tejido” con especial cuidado para su última obra. Esta “Sherezade” empieza donde termina el relato de las “Mil y una noches”, sobre todo en su versión almibarada que ha llegado a la civilización occidental en formato de cuento casi infantil. Por eso, al igual que hizo con otro mito en este caso muy español, “Carmen”, Pagés intenta acabar precisamente con esta imagen tópica y mítica de las mujeres y se propone desnudar a Sherezade de cualquier cliché.

María Pagés cuenta en este espectáculo la vida de las mujeres y desde su ser de mujer. Con la dramaturgia de El Arbi El Harti, Pagés construye un alma femenina sin miedo, empoderada, alzando la voz donde debe y siendo dura, tierna, rigurosa, altiva o humilde, sin perder el género. Es una decodificación de los estereotipos sin tapujos, es una mujer que habla de mujeres. La obra está construida a través de doce coreografías e interpretada por trece mujeres. Con ellas podemos recorrer el relato del conocimiento, las contradicciones, el amor, el desamor, las fragilidades, inseguridades, insatisfacciones y, por supuesto, la soledad. “De Sheherazade” de María Pagés se adentra además en el amplio repertorio de la música popular y el flamenco más clásico, y lo hace incluso haciendo guiños a la música marroquí. Rubén Levaniegos junto a Sergio Ménem y David Móñiz, han trabajado la partitura de la obra para adaptar la cadencia de su banda sonora al flamenco. Todo suena a flamenco. Guitarra, percusión, dos voces flamencas y una árabe componen el “atrás” que es un “delante” en esta creación en la que hoy dos magníficos “guiños” a Bizet y a Rimski-Kórsakov . Pagés no renuncia a nada en su creación y tampoco a la palabra, la utiliza, la mima y por eso se escuchan fragmentos como “siempre yo soy yo y vosotras. Nuestro es el sueño y el camino. Una más, una somos todas”, en medio de su danza estéticamente aérea, de esperado braceo y amplitud de manos que hacen que su cuerpo dibuje constantes escorzos en el escenario.

La obra, coproducción del Abu Dhabi Festival y el Teatre del Liceu ya ha visto la luz también en Andalucía, en el Festival de Música y Danza de Granada, aunque curiosamente no está en la programación de la Bienal de Flamenco de Sevilla de este año 2022. Por el escenario de “De Sherezade” vemos aparecer a mujeres como Atenea, Safo, Medea, Blimunda, Bernarda y Carmen. La complejidad de la coreografía estriba en hacer que lo contemporáneo y el flamenco dialoguen con naturalidad, y eso lo consigue María Pagés con soltura, y se siente la soleá, la seguiriya o la bulería con la misma intensidad que la música clásica reinterpretada en su quejío más flamenco. Es un espectáculo elegante, contundente en cuanto a su poética y sobre todo con una dramaturgia extrema que nos lleva a sumergirnos en un universo femenino a veces invisible. María Pagés ha querido hacer emerger a esas mujeres que son pero que a veces no están y lo ha hecho con una obra de madurez, donde demuestra sus dotes coreográficas, no solamente en sus intervenciones individuales siempre brillantes, sino sobre todo en los movimientos corales de la compañía, donde la emoción se nos transmite a cada compás. “De Sherezade” es una obra para la memoria, para tener ahí, en el patrimonio de la danza y sobre todo para recordar, una vez más que en este momento la mejor danza contemporánea que se está haciendo en este país, es el flamenco. DEE

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Un Corsario español con mucho amor Por Marta Carrasco

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CRÍTICA → Un Corsario español con mucho amor

José Carlos Martínez es, además de étoile del Ballet de la Ópera de París donde fue seleccionado por el propio Rudolf Nureyev, durante más de veinte años, es sin duda étoile de la Danza Española. Su paso por la Compañía Nacional de Danza dejó buenos recuerdos y sobre todo realizó en ocho años nada menos que sesenta y cinco obras, entre ellas algunas tan icónicas como la “Carmen” de Johan Inger, su propia versión de clásicos como “Cascanueces” y “Don Quijote”, recuperó la coreografía y escenografía original de “El sombrero de Tres Picos” de Massine, remontó para la CND obras de Kyliàn, Duato, Forsythe, Roland Petit, y sumó a la compañía obras de creadores como Ohad Naharin, Cayetano Soto, Ben Van Cauwenbergh, Marcos Morau, Agnés López y Elisabeth Huesca, Iratxe Ansa, entre otros muchos. Su ingente trabajo está ahí, y cuando por cumplirse el contrato tuvo que abandonar la CND, el mundo de la danza sabía que había ganado un coreógrafo a tiempo completo. Su talento como creador fue puesto rápidamente de manifiesto. Así, nada más abandonar el Ballet de la Ópera de París por haber cumplido los años estipulados, ganó el premio Benois de la Danza por su obra, “Les enfants du paradis”, creada para esta compañía. Ha sido el primer español que ha realizado, ya en dos ocasiones, la coreografía del concierto de Año Nuevo con el Ballet de la Ópera de Viena, y su última creación, “El Corsario”, realizada para la Ópera de Roma en 2020 ganó el premio al mejor montaje clásico del año en Italia.

“El Corsario” ha llegado a España de la mano del Ballet de la Ópera de Eslovenia, y fue en el grandísimo y especial escenario del teatro del Generalife de la Alhambra de Granada, donde quien suscribe estas páginas pudo verla. El lugar no podía ser más romántico para esta historia de amor. El Ballet de Eslovenia es una de las más sólidas compañías de ballet europea, creada en 1919 y dirigida hoy por el bailarín y coreógrafo italiano, Renato Zanella que al igual que Martínez estudió con Rossella Hightower. Zanella, por cierto, fue director del Ballet de la Ópera de Viena, elenco con el que ha trabajado también el español. Esta versión en dos actos de “El Corsario” era la primera vez que se ponía en escena en este Festival de Música y Danza de Granada. El elenco, nada menos que cuarenta bailarines, desarrollan en dos actos una coreografía de José Carlos Martínez inspirada en la versión de Marius Petipa. Tiene mucho de clásico, pero también tiene muchos gestos del siglo XXI. La historia de este ballet es la de Medora, una joven griega que es vendida al Pachá por un mercader de esclavos, y que se ve rescatada por su enamorado, el pirata Conrad. En esta versión hay más amor que espadas y luchas, y Martínez ha resaltado más que en la versión original el papel de los dos protagonistas, Susanna Salvi y Kenta Yamamoto en los papeles de Medora y Conrad. Si en el ballet de Roma Martínez contó con un elenco de setenta bailarines, aquí son cuarenta los que forDEE

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man parte de la obra. Pero ello no le quita ni un ápice de brillantez a la coreografía, porque esta compañía con sólida base clásica fundada en 1919, respondió admirablemente a las exigencias coreográficas del director, y he de decir que en esta versión la historia es mucho más comprensible que en otras. Destacar del elenco el elegante trabajo de Susanna Salvi, una bailarina forjada por la siempre recordada primma ballerina assoluta, Carla Fraci cuya biografía interpretó Salvi para el cine. Es una compañía con enorme experiencia en el repertorio clásico, por lo que el lenguaje de la mímica tradicional es en este caso expresado con enorme naturalidad, algo que se agradece ante algunas versiones impostadas de jóvenes elencos. Martínez ha impreso a los movimientos grupales una gran plasticidad y elegancia, sacando lo mejor del elenco masculino en los saltos y elevaciones, y giros y desplazamientos en las mujeres. No, España no tiene una compañía institucional que pueda desarrollar un amplio repertorio clásico habitual, pero de lo que sí tiene son coreógrafos talentosos como Martínez, que además de conocer el repertorio contemporáneo, se mueve con soltura y eficacia en los títulos históricos de la danza. Una gran obra que esperemos algún día ver en un elenco español. Quien sabe.

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Ficha artística. Teatro El Generalife de la Alhambra de Granada. 71º Festival Internacional de Música y Danza de Granada, Ballet Nacional de Eslovenia-Opera Ballet Liubliana. El Corsario. Ballet en dos actos. Coreografía: José Carlos Martínez (según Marius Petipa). Música: Adolphe-Charles Adam, Cesare Pugni, Léo Delibes, Riccardo Drigo. Libreto: Jules-Henri Vernoy de Saint-Georges. Basado en el poema El Corsario de George Noel Gordon Byron. Iluminación: Jasmin Šehic. Arreglo musical: Alexei Baklan. Grabación musical: SNG Opera in balet Orchestra. Vestuario: Iñaki Cobos Guerrero. Escenografía: Matej Filipcic. Protagonistas: Medora: Susanna Salvi (Étoile del Ballet de la Ópera de Roma). Conrad: Kenta Yamamoto. Birbanto: Hugo Martin Mbeng Nodong. Gulnara: Ana Klašnja. Lankedem: Filippo Jorio. Pachá Seid: Petar Ðorcevski. Fecha: 2 de julio de 2022.



Actuaciones memorables en el XXVII Festival Internacional de Ballet de Miami Por Orlando Taquechel / Artburst Miami

Martina Arduino y Marco Agostino en "Pas d'Esclave" (Ballet Teatro Alla Scala, Italia) Simon Soong (Cortesía Miami Hispanic Ballet/IBFM)

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ARTÍCULO → XXVII Festival Internacional de Ballet de Miami

Tricia Albertson (Miami City Ballet) y Rainer Krenstetter (Unblanche, Japón) en “Adagetto”, Simon Soong (cortesía de Miami Hispanic Ballet / IBFM)

Jennifer Lauren y Renan Cerdeiro en “Amorada” (Miami City Ballet). Simon Soong (cortesía de Miami Hispanic Ballet / IBFM)

El XXVII Festival Internacional de Ballet de Miami (IBFM) concluyó el domingo 14 de agosto con un excelente programa de clausura en el Miami-Dade County Auditorium, que el público disfrutó de principio a fin, acogiendo y celebrando sin reserva alguna a todos los artistas participantes.

La noche del sábado tuvo lugar la vigesimosexta entrega del premio “Una Vida por la Danza” a Gloria Castro (Colombia) y el domingo, en función programada a las 5 p.m., se dio a conocer que el premio “Crítica y Cultura del Ballet” -establecido en 2007- era para Rocío Barraza Rivacoba (México), que no pudo viajar a Miami para recibirlo en persona.

Las Galas son siempre las dos actividades más esperadas del festival. En esta ocasión, la Étoiles Grand Classical Gala se llevó a cabo el sábado 13 de agosto en el Adrienne Arsht Center for the Performing Arts. Al inicio de cada una de éstas, Eriberto Jiménez, director general del IBFM, se dirigió a los presentes con un discurso en el que destacó como el festival, fundado en 1996 por Pedro Pablo Peña, “empezó con dos funciones hace 27 años y este año abarcó 23 días de actividades y 11 funciones”.

Eriberto Jiménez, director general del IBFM y Gloria Castro, premio Una Vida por la Danza 2022 en el escenario del Arsht Center al inicio de la Étoiles Gran Classical Gala del 13 de agosto. Simon Soong cortesía de Miami Hispainc Ballet/IBFM

Con bailarines representando a 15 compañías provenientes de 8 países (Colombia, Eslovenia, Francia, Italia, Japón, República Dominicana, Suiza y Estados Unidos) la oferta artística fue variada y no siempre estuvo a la altura de las circunstancias o satisfizo las expectativas -sobre todo en la Étoiles Gala- pero el balance final es positivo. Las circunstancias (una gala en el Arsht Center) y las expectativas (un elenco de Étoiles) hacen cuestionar la inclusión de algunos de los participantes en la función del sábado. En astrofísica, medir la distancia a las estrellas es un asunto verdaderamente complejo pero en el ballet es algo que se percibe con facilidad. Usted puede traducir étoile como estrella, pero el término Étoile con mayúscula -que en el Ballet de la Ópera de París es un título oficial y el más alto rango en la compañía- se utiliza para calificar a los artistas que trascienden la técnica con el aplomo carismático de su actuación. Estudiantes avanzados ,starlets, divas y celebridades no son Étoiles. Los bailarines Étoiles nunca actúan en una obra de grupo, a no ser que esta sea el famoso Grand Pas de Quatre (y serían sólo cuatro). Una obra de grupo en una gala de Étoiles es un desaire. DEE

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Jorge Oscar Sánchez en “Les Bourgeois” (Washington Ballet). Simon Soong (cortesía de Miami Hispanic Ballet / IBFM)

Nicole Nathalia Duque y Andrés Felipe Vargas en “Cisne Negro” Pas de Deux (Compañía Colombiana de Ballet, Colombia). Simon Soong (cortesía de Miami Hispanic Ballet / IBFM)

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ARTÍCULO → XXVII Festival Internacional de Ballet de Miami

Marize Fumero y Arionel Vargas en “La Boheme” (Milwaukee Ballet). Simon Soong (cortesía de Miami Hispanic Ballet / IBFM)

Beatriz García y Armando Brydson en “To Zero Point” (Cuban Classical Ballet of Miami). Simon Soong (cortesía de Miami Hispanic Ballet / IBFM)

Por suerte, Tricia Albertson (Miami City Ballet) y Rainer Krenstetter (ahora con Unblanche, Japón) en “Adagetto”, Martina Arduino y Marco Agostino (ambos del Teatro Alla Scala) que bailaron “Sylvia” Pas de Deux, Jennifer Lauren y Renan Cerdeiro del Miami City Ballet en “Amorada” y Marizé Fumero (Milwaukee Ballet) y Jorge Oscar Sánchez (Washington Ballet), que cerraron la noche con el Pas D’Esclave de “Le Corsaire”, mostraron el sábado los atributos que definen el desempeño de las Étoiles. Todos ellos regresaron al día siguiente para actuar en la gala de clausura, algunos de ellos en obras diferentes.

en “Adiemus” (Pas de Deux) de Yanis Pikieris y David Palmer. Así como Karina Moreira y Norton Fantinel (Arles Youth Ballet Company) en “Reminiscence” y Yaman Kelemet (SNG Opera in Ballet de Eslovenia) acompañada por un Ihosvany Rodríguez espectacular en “Diana y Acteón” Pas de Deux.

En circunstancias mucho más democráticas (una tarde divertida con una muestra de “lo mejor” presentado en el evento), la función del domingo justificó la presencia de esfuerzos meritorios como el “Odalisques Pas de Trois” de Unblanche y el “Cisne Negro” de la Compañía Colombiana de Ballet, donde la manera de hacer de Nicole Nathalia Duque provoca entusiasmo en una buena parte de la audiencia. Los intérpretes que regresaron reafirmaron su categoría y todos los que no se habían presentado la noche anterior, ofrecieron lo mejor de sí: Camilla Colella y Octavio de la Roza en “Introtango”, Meisy Laffitte y Alexey Minkin de Dimensions Dance Theatre of Miami

Por último, es imposible dejar de mencionar algunas actuaciones individuales verdaderamente memorables: la egregia Tricia Albertson en “Adagetto”, el bruñido Jorge Oscar Sánchez en “Les Bourgeois”, la sublime Marize Fumero en “La Boheme” (acompañada por Arionel Vargas) y los desenvueltos Martina Andriuno y Marco Agostino en el “Pas D’Esclave” del ballet “Le Corsaire”, cierre deslumbrante para el evento. Sin olvidar a los sensacionales Beatriz García y Armando Brydson, debutando en Miami -invitados por el Cuban Classical Ballet of Miami- con “To Zero Point”, una obra creada por ambos. Al parecer, muchos de los presentes ya habían oído hablar de ellos por la impresión que causaron en las funciones contemporáneas y estaban preparados para grabarlos, celular en mano. Una vez más, la ovación ensordecedora al final no se hizo esperar. ArtburstMiami.com es una fuente sin fines de lucro de noticias sobre teatro, danza, artes visuales, música y artes escénicas. DEE

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Conversando con Gloria Castro, Premio “Una Vida por la Danza” en el XXVII Festival Internacional de Ballet de Miami (IBFM) Por Orlando Taquechel/ Artburst Miami

Gloria Castro, Premio “Una Vida Por la Danza” del XXVII Festival Internacional de Ballet de Miami, por su dedicación a la danza en su natal Colombia. James Arias (cortesía de la Fundación Danza Conmigo)

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ENTREVISTA → Conversando con Gloria Castro

El público abarrota la Plaza de Toros de Cañaveralejo en Cali (Colombia), para la inauguración del XI Festival de Ballet (FINBA 2018). James Arias (cortesía de la Fundación Danza Conmigo) Pronunciando las palabras de apertura del XI Festival Internacional de Ballet (FINBA 2018) en la Plaza de Toros de Cañaveralejo en Cali (Colombia). “El último festival presencial antes de la pandemia del COVID”, nos dice. James Arias (cortesía de la Fundación Danza Conmigo)

Reconocer los logros en la trayectoria de figuras prominentes que han dedicado toda su vida a la danza es el objetivo del premio “A Life for Dance” (Una Vida por la Danza) que entrega el International Ballet Festival of Miami (IBFM) desde 1998. El primero en ser reconocido fue Fernando Bujones (1955-2005). El año pasado lo recibió Lourdes López, actual directora artística del Miami City Ballet. Este año, el premio es para Gloria Castro, figura emblemática del ballet en Colombia. Una bailarina, profesora de ballet y directora artística de larga trayectoria, que ha sido además, fundadora del Instituto Colombiano de Ballet Clásico (INCOLBALLET), del Festival Internacional de Ballet (FINBA) de Cali y más recientemente, de la Fundación para el Desarrollo de la Danza y las Artes “Danza Conmigo”. Conversamos con ella para saber qué sintió al recibir la noticia del premio y preguntarle sobre sus visitas anteriores a Miami, el INCOLBALLET, la formación del bailarín en Colombia y sus proyectos actuales. “En realidad, lo primero para mí al recibir la noticia, fue sorpresa, emoción y alegría”, nos dice. “Cuando te esfuerzas por alcanzar un ideal, te entregas con pasión a

ello y de pronto, te llega un reconocimiento y a más de eso fuera de tu país, diciéndote que has hecho un buen trabajo en Colombia, eso cobra un enorme significado para tu historia de vida. Recibir este premio despierta toda mi gratitud al Festival Internacional de Miami y, en especial, a su director Eriberto Jiménez”. Esta no es la primera vez que viaja a Miami. “Primero fueron las visitas que hicimos con el Ballet de Cali. Recuerdo un momento excepcional, al finalizar una función en el Jackie Gleason Theatre. Tuvimos una acogida extraordinaria y en un gesto conmovedor, el Alcalde de Miami Beach subió al escenario y nos hizo entrega de las llaves de la ciudad. Participamos también en varias ediciones del festival y establecimos una buena amistad con su fundador, Pedro Pablo Peña, un hombre dinámico e incansable”. Le preguntamos sobre el origen del INCOLBALLET. “Surge por mi angustia de la incomprensión y el desconocimiento de un medio hacia una carrera que era vista entonces [en 1978] más como un pasatiempo de niñas bien y ubicada socialmente en una selecta minoría, de la que se veían excluidos los varones por prejuicios sin fundamentos”. DEE

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A continuación nos narra su lucha de 8 años tratando de convertir la Escuela Departamental de Danza de Bellas Artes en una escuela profesional. Algo que finalmente fue autorizado el 4 agosto de 1978, como Instituto Colombiano de Ballet Clásico, y con el mandato de implementar el bachillerato en arte, especializado en ballet clásico. “El 2 de octubre de 1978”, puntualiza, “fue el día en que, después de vencer mil y una dificultades, iniciamos actividades como una institución de carácter público”. “El inicio del proyecto [que dirigió por 37 años] fue maravilloso”, rememora. “Implicó realizar una agresiva campaña en los barrios populares de la ciudad, hacer encuentros con las comunidades para explicar en qué consistía el arte del ballet, la importancia de que los niños y niñas tuvieran otras alternativas de vida, que se descubrieran como talentos para la danza y sobre todo, que comprendieran que el arte no es patrimonio de una determinada clase social, que todos los seres humanos tienen la capacidad y disposición para gozar de él”. Igualmente, considera que la primera graduación de Bachilleres en Ballet Clásico en 1984 fue “un hecho excepcional en la educación en Colombia” y nos habla sobre la creación del Ballet Nacional de Colombia, “que tuvo una duración de solo dos años” y de la obra “Barrio Ballet”, que narraba la historia de la evolución del sonido salsa y del proceso del mestizaje afro-americano.

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El éxito enorme de “Barrio Ballet” abrió el camino y dio origen a la creación de la primera compañía profesional de Colombia, el Ballet de Cali, que durante once años realizó giras por Europa, Estados Unidos, Centroamérica, Las Antillas y Suramérica, antes de desaparecer en 1999, “por la crisis financiera que en ese momento sufrió el Departamento del Valle del Cauca”, y agrega: “En el año 2000 creo la Compañía Colombiana de Ballet, que se mantiene en actividad hasta el día de hoy”. En su opinión, la importancia del INCOLBALLET ha sido enorme tanto desde el aspecto educativo como artístico, por “haber sido la primera institución de carácter público en educación artística especializada en ballet, que al colocar la danza clásica en el terreno de la educación pública, se constituyó en un hecho insólito y transformador si consideramos que ésta había sido vista hasta entonces como exclusiva de las élites sociales. Transformó los procesos pedagógicos y la estructura del bachillerato tradicional colombiano”. Entre los artistas destacados que salieron de INCOLBALLET menciona a Juan Carlos Peñuela, Roberto Zamorano, Juan Pablo Trujillo, Oscar Chacón, Rubén Bañol, Maria Alejandra Muñoz y a José Manuel Ghiso, su director artístico actual. Le decimos que nos interesa saber más sobre la relación del INCOLBALLET con el Ballet Nacional de Cuba,


ENTREVISTA → Conversando con Gloria Castro

En la clausura del XI Festival Internacional De Ballet (FINBA 2018) en el Teatro Municipal al Aire Libre Los Cristales, en Cali, Colombia. James Arias (cortesía de la Fundación Danza Conmigo)

que comenzó en 1985. “Con los cubanos compartimos historia, lengua y como latinoamericanos somos parte del continente americano, un continente con un mestizaje étnico y cultural. El gran problema del ballet en nuestro medio han sido los maestros de ballet y gracias a la relación que establecimos con el Ballet Nacional de Cuba, logramos asistencia técnica de maestros y coreógrafos”. Con respecto al comentado éxito de la técnica cubana en Colombia, afirma que “no podría decir que lo que ha sido un éxito sea la técnica. El éxito ha sido principalmente ese espíritu latinoamericanista, que nos identifica”. Y proclama, “crear una Escuela de Ballet es algo muy complejo, son procesos que tienen que ver con la cultura de un lugar. Los cubanos lo lograron y la diferencia con otras escuelas se encuentra en el estilo, en el acento en ciertos pasos, en las relaciones de pareja. Cada escuela, francesa, italiana, rusa se definen por su forma de bailar, por su forma de utilizar la técnica”.

Mencionamos entonces el Festival Internacional de Ballet (FINBA), creado en 2007 y con doce ediciones hasta hoy -la próxima será en septiembre de este añoy nos explica que es parte del proyecto artístico que se propuso a sí misma en Colombia en los años 70. “Primero, la creación de la escuela. Después, la compañía de ballet que garantizara no sólo el desarrollo artístico de los bailarines, sino la creación de un espacio laboral que dignificara su vida como artistas. Y por último, un festival internacional de ballet para la formación de un público”. Durante diez años consecutivos, el FINBA se realizó anualmente en el mes de junio, pero “por conflictos con la Bienal de Danza, creada por el Ministerio de Cultura en el 2013, la Alcaldía de Cali, decidió que a partir del 2018 se realizará cada dos años”. Finalmente, nos interesamos en lo que piensa hacer al regresar a Colombia y su respuesta es concluyente: “Seguir trabajando por el arte del ballet en mi país”. ArtburstMiami.com es una fuente sin fines de lucro de noticias sobre teatro, danza, artes visuales, música y artes escénicas. DEE

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Jóvenes promesas del siglo XXI María Pilar Fernández Sánchez Por Noelia Vicente Selfa

María Pilar Fernández, Carlos Carreño

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ENTREVISTA → María Pilar Fernández Sánchez

“Jamás he pensado que la danza podría llegar a remover tantas emociones y lograr resolver millones de dudas en relación al mundo que me rodea. Este factor es el que me ha hecho amar la danza y por el cual hoy, deseo continuar avanzando de la mano de esta expresión corporal artística”, así es la albaceteña M.ª Pilar Fernández que baila en Tanzcompany de Innsbruck (Alemania)

Ser bailarina es una de las profesiones más duras que existen, ¿por qué decidiste ser bailarina? La razón por la cual estoy inmersa en este mundo tiene un nombre, Pilar Sánchez. Una mujer luchadora y apasionada del arte, la cual me trajo al mundo y quien me enseñó la importancia de vivir de la mano de un arte que te permita evadirte y sentir aquello que se conoce como éxtasis; un estado de placer y alegría tan intensos en los que tu cuerpo no puede pensar ni sentir nada más que aquello que estás realizando. Quizá fue este el motivo principal por el cual decidí perseguir el sueño de llegar a ser bailarina profesional y luchar por ello, y que tras años de experiencia resulta ser una droga que me impide abandonar. ¿Te habías imaginado que algún día llegarías a ser bailarina o tenías otras metas? Desde muy pequeñita he tenido un alma soñadora y optimista, además de inquieta y curiosa lo cual me ha permitido plantearme objetivos y proponerme expectativas futuras que han supuesto una motivación o un reto para trabajar por conseguir aquello que mi cabeza visualizaba con admiración. Siempre me he imaginado subida en lo alto de un escenario, bailando y realizando pasos de danza que aprendía tanto en el conservatorio como en el visionado de obras o ballets. Puedo decir que ha sido importante el contacto tan cercano que he tenido hacía este arte; pues desde pequeña mis padres y profesores han intentado acercarme a este mundo tanto en el visionado de diferentes actuaciones de danza de grandes compañías y figuras reconocidas

en todo el mundo, como la posibilidad de viajar al extranjero y realizar cursos de danza como con el English National Ballet School. Siempre he tenido en mente a grandes artistas que me han motivado y han resultado ser un ejemplo a seguir, considerando la idea de que si ellos han logrado dedicarse al mundo de la danza, yo también podría conseguirlo. Además, otra motivación fue conocer y asistir a espectáculos de grandes figuras de la danza de nacionalidad española como Tamara Rojo o el albaceteño, amigo y compañero Esteban Berlanga. Fueron un gran impulso que me hizo reflexionar y pensar que al igual que ellos, podría intentar audicionar en diferentes compañías de danza para así, en un futuro, estar sobre los mismos escenarios, o incluso poder trabajar con ellos. Claro que no ha sido fácil, pues también debía ser realista y pensar que hay demasiados factores que me supondrían una dificultad para llegar a conseguir este sueño. Para ello, tenía a mi lado a la figura paterna Gregorio Fernández, quien me bajaba a la tierra cuando me encontraba subida sobre demasiadas nubes y quien me explicaba que siempre debemos tener una opción B en caso de no llegar a conseguir nuestros deseados sueños. Por este motivo, mi segunda opción fue entrar en la Carrera de Actividades Físicas y Deportivas que ofertaba la Universidad de Madrid tras haber realizado el bachillerato y la selectividad. DEE

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“ Tras conocer las pocas opciones laborales que presenta la danza en mi país, me planteé viajar, conocer nuevos países y explorar sus culturas, idiomas y estilos de danza”

¿Tu familia ha puesto algún impedimento por querer ser bailarina de ballet? Si hablo de mis padres, ellos jamás me han puesto ningún impedimento en mi decisión de estudiar y trabajar como bailarina profesional, pero si es cierto que no lo han visto factible a la hora de valorarlo como un trabajo “normal”, útil, eficiente o efectivo que me permitiera tener una vida futura estable económicamente. Razón no les faltaba, puesto que la dificultad para encontrar un puesto de trabajo es enorme, ya que nos encontramos ante un sector precario si hablamos de su oferta y demanda dentro del mercado laboral. Tras tu formación en España, ¿qué es lo que te decidió para salir a trabajar fuera? Tras mis años como estudiante en el Conservatorio Superior de Danza María de Ávila, así como los diferentes cursos tomados tanto dentro de la península como en el extranjero me ayudaron a conocer diferentes estilos y trabajos de grandes coreógrafos, así como diferentes estilos de danza. Además, tras conocer las pocas opciones laborales que presenta la danza en mi país, me planteé viajar, conocer nuevos países y explorar sus culturas, idiomas y estilos de danza. Llevas unos años trabajando en la Tanzcompany de Innsbruck ¿dónde te imaginas en un futuro? Es difícil para un artista saber que nos deparará el futuro, por supuesto siempre se ha de tener un plan B en el caso de que tu estabilidad emocional, física y laboral falle.

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Durante mi recorrido en la compañía he podido trabajar diversos estilos de danza e interpretar repertorios de grandes coreógrafos reconocidos. Todo ello me ha hecho crecer como artista e intérprete, adquirir capacidades resolutivas, versatilidad en el movimiento, conocer mis gustos personales y preferencias de estilo, así como ampliar conocimientos que han nutrido y completado mi formación. Creo que dentro de muy poco sentiré la necesidad de cambiar de país, trabajar bajo la dirección de otro coreógrafo y sentir emociones diferentes tras pisar nuevos escenarios. No tengo muy claro en qué compañía me veo en un futuro, pero sí deseo continuar con mi danza y poder mostrar al público mi pasión y amor hacia ella. Soy una persona que ama los retos y los nuevos comienzos, por eso es extraño que no haya querido moverme y audicionar antes, pero existe una razón que responde a ello. La gran oportunidad que Enrique Gasa me ha ofertado para protagonizar obras, explotar mis potenciales y dedicar su tiempo en mi crecimiento como artista, me ha atraído y ha hecho que mi persona no quiera abandonar este lugar. No es fácil encontrar una compañía que te oferte la oportunidad de pisar un escenario 4 días por semana y que te haga sentir tan completa y experimentada, por ello debo estudiar y averiguar con tiempo que compañías pueden ofrecerme un trabajo similar al que he podido presenciar en Innsbruck.


ENTREVISTA → María Pilar Fernández Sánchez

Innsbruck es una ciudad preciosa situada al oeste de Austria, ¿cómo te sientes en ella? Mi llegada a Innsbruck con 21 años fue bastante imponente, me sentía grande pero a la vez débil, pues la soledad y el hándicap de no poder hablar el idioma me imposibilitaba todavía más. Aprendí a valorar que el tiempo con uno mismo es el más importante de todos y que si no nos mimamos a nosotros mismos, nadie lo hará. Una vez conocida la ciudad, sus alrededores, su gente; quienes en el caso de mis amigos y conocidos, también llegaban solos enfrentándose ante nuevas etapas y comienzos. Pues gracias a ellos ha sido muy fácil formar mi pequeña familia y sentir Innsbruck como mi nuevo hogar. Todos tenemos ídolos que nos inspiran cada día, ¿puedes decirnos cuáles son los tuyos? Es curioso que siempre haya pensado que mis ídolos fueran bailarinas profesionales españolas como Tamara Rojo o Lucia Lacarra, pues en ellas he sentido una gran motivación por creer y confiar en que existe la posibilidad de que una española albaceteña pueda también triunfar en el exterior y poder pisar escenarios, así como trabajar y conocer a grandes iconos de la danza. Sin embargo, en estos momentos de mi vida, no son bailarines quienes me inspiran o los que considero ídolos, pues tras finalizar mis estudios de coreografía e interpretación en el CSDMA, veo como inspira-

ción a aquellos coreógrafos emergentes que crean y componen piezas tan impresionantes y pensadas con tanto detalle como Christian Spuck, Jacopo Godani o David Dawson. Lograr conocerlos y trabajar con ellos sería uno de mis mayores deseos en este momento. ¿Qué es lo que más te gusta de ser bailarina profesional? Aquello que más me apasiona de mi trabajo es tener la oportunidad de viajar, realizar giras y conocer nuevas culturas y países. Gracias al lenguaje universal del que se caracteriza la danza, crea la posibilidad de comunicarte y expresarte a través del cuerpo y da pie a la expresión libre de emociones y sentimientos que no siempre se pueden llegar a mostrar mediante el lenguaje verbal. Poder subir a un escenario y comunicar a un público las emociones que me rodean día a día, es uno de los mayores placeres de la vida. Por otro lado, no existe mayor satisfacción que el trabajo reconocido, pues otro de los placeres que cada día presencio como artista son los aplausos del público agradeciendo tu esfuerzo y empeño en sacar y remover emociones. Poder llegar a cambiar el estado emocional de alguien con tan solo interpretar una escena, hacer que el público sienta lo mismo que tú sientes al bailar y crear una atmósfera donde tú eres la protagonista de la historia es muy reconfortante. DEE

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“ Uno de los roles que siempre recordaré y tendré presente en toda mi carrera profesional, fue el de Frida Kahlo. Tras mi entrada en la compañía, sin apenas experiencia y sin haber acabado mis estudios superiores, poder obtener un rol principal supuso una gran motivación y a la vez gran respeto sobre el trabajo tan extenso que debía de realizar” ¿Cómo es el día a día de una bailarina profesional? ¿Cuál es tu día más duro de la semana? Puedo contarte lo que es mi día a día, sabiendo que si estuviera en otra compañía seguramente sería totalmente diferente debido a los horarios de trabajo y actuaciones que realizamos. Considero que el trabajo que hacemos es bastante duro física y mentalmente, no solo por el poco tiempo del que disponemos para componer las 6 o 7 obras que debemos representar durante la temporada, sino por el horario de trabajo al que nos sometemos. Trabajamos de lunes a sábado incluyendo alguna actuación los domingos y con un horario partido, es decir de 10.00 a 14.00 y de 18.00 a 22.00, además de tener de jueves a domingo actuaciones durante todo el año. A mi parecer, no existen días más duros que otros, sino meses donde tu cuerpo se encuentra en un estado de cansancio tan extremo y llevado tan al límite que hay que saber sobrellevar. Esto mismo te enseña a mentalizarte de que no siempre puedes mantener a tu cuerpo al 100%, y que después de tantas repeticiones y ensayos tu cuerpo necesita dosificar la energía para poder rendir en cada espectáculo. Por lo general, el mes que considero más duro es el mes de Enero, pues es en ese momento donde empalmamos diferentes obras y se aproxima la más esperada de todas, el Triplebill. Aquella donde trabajamos con

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famosos repetidores de grandes coreógrafos reconocidos, pues es durante este mes el momento donde nuestro cuerpo cansado y quemado después de tres duros meses de trabajo, debe dar el 100% para cumplir con las expectativas propuestas por el director y mostrar buenos resultados sobre las piezas seleccionadas y reconocidas internacionalmente. Aunque estás todavía desarrollando tu carrera profesional, habrás tenido mejores y peores momentos en los escenarios. ¿Cuál ha sido tu momento más feliz? Uno de los roles que siempre recordaré y tendré presente en toda mi carrera profesional, fue el de Frida Kahlo. Tras mi entrada en la compañía, sin apenas experiencia y sin haber acabado mis estudios superiores, poder obtener un rol principal supuso una gran motivación y a la vez gran respeto sobre el trabajo tan extenso que debía de realizar. No solo suponía una gran responsabilidad representar este papel ante un público y escenario que desconocía, sino que también sentí cierta tensión tras saber todo el trabajo íntimo y personal que debía realizar durante los ensayos como solista con el director de la compañía. El contacto directo con Enrique durante esta producción me inspiró y me nutrió tanto técnica como artísticamente, además de ganar confianza conmigo misma tras saber que una figura reconocida e importante apostaba por mí y confiaba plenamente en mi trabajo. Estudiar a este personaje histórico que ha cambiado la vida de muchas mujeres, así como investigar sobre su vida y trayec-


ENTREVISTA → María Pilar Fernández Sánchez

toria artística supuso un gran reto para mi trayectoria como artista. Jamás me había sentido tan completa y segura sobre mi trabajo, pues la experiencia me hizo creer y estar convencida de que el camino que he decido coger era el adecuado. ¿Qué rol es el que más te ha gustado interpretar hasta el momento? Como bien he dicho en la anterior pregunta, uno de los roles que más me ha llenado y el cuál me ha aportado mucha experiencia sobre el escenario fue el de Frida Kahlo. No solo por el trabajo tan profundo que realice en la investigación de su vida e historia para poder interpretar el papel, sino que al ser la primera experiencia como protagonista de una obra supuso en mí una gran responsabilidad. Fue mi primera temporada en la compañía, además de ser el primer trabajo como profesional del ámbito, y creo que esta oportunidad que se me ofertó la llevaré siempre de en mi corazón. ¿Cómo te describirías a ti misma en una sola frase? Exploradora del mundo, apasionada de la vida y constante en la persecución de mis sueños. Así es como defino la visión que tengo sobre la vida, o más bien sobre mi vida, y mi entorno, así como el cuidado de aquellas personas, cosas o metas que durante el aprendizaje de experiencias pasadas y resultados obtenidos he decidido conservar, cultivar y preservar. Mis criterios, ideas y pensamientos actuales seguramente sean solo pasajeros, así como la vida misma nos muestra cambios constantes que debemos afrontar y desafiar de la mejor manera, siendo optimistas y resolutivos. La carrera profesional de una bailarina suele ser bastante corta. ¿Te has planteado hacia dónde vas a enfocar tu carrera después? Tras haber cursado los estudios superiores en el CSDMA, he podido conocer y nutrirme de diferentes disciplinas en relación a la danza como la composición y creación, historia y literatura e incluso ramas científicas como la psicología, fisiología o anatomía que me han servido para tener objetivos y visiones futuras sobre mis intereses laborales tras terminar mi carrera como bailarina. En estos momentos me es difícil sa-

ber con seguridad la especialidad que querría escoger para continuar investigando sobre la danza en un futuro, puesto que mi interés actuales es poder continuar bailando e interpretando. Sí tengo claro que me encantaría comenzar a crear nuevas formas de movimiento personal y poder componer mis propias coreografías, así como descubrir o reinventar un estilo propio y personal, o una identidad que me represente como coreógrafa o intérprete. Por otro lado, y según mis estudios previos a la danza, me llama la atención la rama científica que relaciona la anatomía humana con el movimiento y la danza. En muchas compañías de danza, la figura del fisioterapeuta es muy importante e imprescindible para el trabajo óptimo de cada bailarín, pues como atletas nos dedicamos a nuestro cuerpo siendo éste una herramienta fundamental para el trabajo diario, por lo que es necesario el cuidado y tratamiento del mismo para sufrir las menores lesiones posibles. ¿Algo que quieras añadir y que se nos haya pasado por alto? Ha sido un placer poder contestar todas estas preguntas, pues no todos los días puedo pararme y reflexionar sobre mi vida y sobre aquello a lo que me dedico en cuerpo y alma. Creo que no somos conscientes de lo que podemos llegar a conseguir y de lo necesario que es cuidarnos y mimarnos para llegar a confiar en el trabajo que realizamos sea en el ámbito que sea. Muchas veces funcionamos como máquinas, pensando en el futuro sin mirar todo el recorrido que hemos hecho y todo lo que nos ha costado llegar hasta donde estamos. Debemos valorar quiénes somos y qué legados vamos dejando. Lo más bonito de la vida es convertirnos en la persona que siempre hemos deseado ser, y llegar a conseguirlo es la clave de la felicidad plena con uno mismo. DEE

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Una CND sin pena ni gloria Por Mercedes Albi Fotografías de Alba Muriel

Polyphonia: Cristina Casa y Anthony Pina

Grosse Fuge: Shani Peretz, Clara Maroto y Laura Pérez Hierro

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Polyphonia: Giada Rossi y Alessandro Riga

Grosse Fuge: Anthony Pina, Alessandro Riga, Erez Ilan y Benjamin Poirier


CRÍTICA → Una CND sin pena ni gloria

El programa con el que la CND cumple su cita anual con el Teatro de la Zarzuela se ha puesto estos días en cartel con tres coreografías: “Grosse Fuge”, de Hans van Manen (1971); “Polyphonia”(2001), de Christopher Wheeldon y “Concerto DSCH” (2008) de Alexei Ratmansky. La armonía de las piezas unifica el programa, pues las tres comparten un mismo estilo neoclásico y son de tema abstracto, rápidas, de compleja ejecución para los bailarines y con un importante sustrato musical que denota la influencia de los ballets americanos herederos de Balanchine. Pero el tiempo ha pasado sobre ellas, especialmente sobre las dos primeras, que hacen caer al espectador en una somnolienta sensación de “déjà vu”, de nada nuevo bajo un sol que, a fuerza de repetirse, se apaga. Y si no se cayó completamente en el aburrimiento fue gracias a la excelente ejecución de unos bailarines que han alcanzado su culmen técnico. Se notaba un trabajo muy intenso de ensayos, porque ninguna de las tres piezas era nada fácil de bailar y exigían gran musicalidad y perfecta coordinación, que superaron con sobresaliente. Ellos salvaron el programa, pues el rumbo seguido durante estos años con la nueva dirección es algo decepcionante, en el sentido de que todavía carece de identidad propia. Y es que no se puede aspirar a convertir a la CND en una copia en miniatura del New York City Ballet. Si realizamos un simple ejercicio de mirar atrás, hacia la reciente historia de la compañía, enseguida acuden a la mente del balletómano algunos títulos de obras de Nacho Duato que marcaron un hito, también producciones de la etapa dirigida por José Carlos Martínez, como Don Quijote o Carmen –la cual ha sido representada hace unas semanas en NY con gran éxito-, sin embargo, por el momento, todavía no puede contarse

bajo el mandato de Joaquín de Luz ningún título para ser recordado, ningún rasgo, sumamente necesario, de estilo propio. Hay cosas que no se comprenden, porque si nos quejamos de que los bailarines se vean obligados a emigrar, es un imperativo moral hacer todo lo que está en nuestra mano para ayudar y potenciar la danza en España. Pero los bailarines no son los únicos que no encuentran oportunidades en nuestro suelo, porque… ¿Y los coreógrafos españoles rebosantes de talento a los que no se les ofrece nada? Tal vez ese sería el modo de predicar con el ejemplo y construir, sin demorarse más, una Compañía Nacional de Danza con sello propio. No solo eso. ¿Qué pasa con los compositores españoles, tanto históricos como contemporáneos?, ¿Y nuestros diseñadores? Etc… La CND tiene que ser nuestro escaparate artístico hacia el mundo y no al revés. En cuanto a la música de entrada se advierte que, ni la experimentada batuta de Manuel Coves con la ORCAM, consiguió levantar la fallida orquestación del cuarteto de cuerda de la primera pieza, que motivó que hasta pareciese ramplona la música del genio de Bonn (algo bastante difícil de lograr); la interpretación al piano a cargo de Mario Prisuelos de la música de Ligeti fue brillante, como también lo fue la de la orquesta en el “Concerto DSCH” de Shostakovich. Es una pena que, a pesar de su indiscutible calidad técnica, nos encontremos con un programa que pronóstico: pasará sin pena ni gloria y pronto se sumergirá en el olvido. DEE

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Arte e Historia de las Castañuelas III Parte (2) Edad Moderna: El término “castañuela” Los Seises Por Teresa Laiz

Baile a orillas del Manzanares de Francisco de Goya (1776 – 1777) Óleo sobre lienzo, 272 x 295 cm. Museo del Prado de Madrid. Sala 086.

La voz “castañuela” se menciona en el Vocabulario de Romance en Latín del lexicógrafo Antonio de Nebrija en el siglo XV. Es importante señalar que su significado hace referencia no sólo al instrumento sino también al ruido o chasquido que resulta de juntar fuertemente la yema del pulgar con el dedo corazón o medio. En este caso el término “castañuela” se refiere a la utilización simplemente de los dedos para acompañar al baile y en consecuencia su significado se puede identificar con el vocablo “pitos”. Hasta el siglo XVIII se mantendrá la dualidad de significados (castañeta y pitos), sirviendo tanto para definir al objeto como para describir el chasquido de los dedos. Progresivamente la utilización del término “castañeta” se irá decantando en relación al instrumento.

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ARTÍCULO → Arte e Historia de las Castañuelas III Parte (2)

Edad Moderna: El término "Castañuela" Los seises

Los Seises

Seises en sepia II - JL Balbin Avila -Pintura

Los Seises. Juan Miguel Sánchez. Museo de Bellas Artes. Sevilla.

Las castañetas aparecen varias veces en la obra literaria de Miguel de Cervantes en La Gitanilla, o unidas al baile popular de la zarabanda o la chacona en La Ilustre fregona y en El retablo de las maravillas. En algunos de los personajes creados por Lope de Vega también ilustran su carácter villano y festivo, al repique de las castañuelas.

ejercen una poderosa influencia sobre los ambientes palaciegos. En unos primaba lo airoso y elegante, en otros lo pícaro, lo voluptuoso y desvergonzado.

El término “castañeta”, además de en su acepción popular reflejada en la literatura, se recoge en los tratados organológicos de la época cuando se ocupan de describir el uso hispano del término “crótalos”.

Hoy en día los términos bailar y danzar tienen el mismo significado, pero no siempre fue así. En el siglo XVII estos dos términos encerraban una notable diferencia achacable a la clase social del bailarín o danzante. De esta forma, la danza estaba asociada a la nobleza y a la elegancia, mientras que el baile era propio del pueblo llano y entrañaba no poca chabacanería en sus formas.

El carácter esencialmente popular del instrumento queda reflejado durante el Siglo de Oro en los “bailes de cascabel” (bailes populares como la zarabanda, chacona, villano o canarios) y no en los saraos o fiestas de la corte y de la nobleza, donde se bailaban las “danzas de cuentas” o conforme a las reglas del danzado enseñadas por los maestros de baile. Su labor era enseñar aquellos pasos que estaban de moda en los diferentes bailes del pueblo o de la corte, pero siempre siguiendo el rigor de su códice establecido. De ahí que muchas veces aparezcan críticas acerca de los bailes de gitanos o bailes de cascabel, pues rompían esas normas y se consideraban de mal hacer. Pero no olvidemos eran los más aplaudidos, en el siglo XVII y parte del XVIII

Hasta finales del siglo XVIII no existen documentos que acrediten la importancia de las castañuelas en la corte española. Salvo una sola excepción, no hay textos anteriores a esa fecha que describan el papel de las castañuelas acompañando las danzas de corte o de salón. Ni el Maestro Quintana el Viejo (1530) ni Juan de Esquivel Navarro, el Maestro de baile de Felipe IV, en su Tratado de Baile (1642), hacen alusión alguna al acompañamiento en la gallarda, la folía, el villano, el canario, el rastro, ni en otros bailes. Por lo tanto, no deja de ser curioso que el maestro de baile francés Jean Tabourot (Thoinot Arbeau) escriba sobre el papel de las “castañetas” en su Tratado de Baile, publicado en 1588. DEE

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Seises. Catedral de Sevilla.

El vulgo en cualquiera de sus manifestaciones, ya sean religiosas o profanas, tenía como medio de expresión y de comunicación, el baile. La castañuela tradicional se mantendrá cercana al ámbito rural, urbano y religioso de carácter celebrativo, a través de los bailes populares, el folclore, las cofradías y las ceremonias paralitúrgicas de la iglesia católica que incluyen procesiones y danzas. La castañuela hizo su aparición en las catedrales de Toledo y Sevilla durante el siglo XVIII. Allí la encontramos incorporada por los “Seises” a ciertas ceremonias religiosas, para celebrar la fiesta de Corpus Christi, glorificar la Inmaculada Concepción de la Virgen María y en el Triduo de Carnaval. La palabra Seises aparece en la literatura española a partir de 1439, designando a un grupo de niños cantores-bailadores. En 1667 se encuentran documentos que describen por primera vez sus trajes y sus bailes acompañados de castañuelas.

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Seises danzando. Catedral de Sevilla.

Don Jaime Palafox y Cardona, arzobispo de Sevilla en 1685, condenó estas danzas, por considerarlas irreverentes y pidió su supresión como si de la terrible “zarabanda” se tratara. En 1690 un canónigo protector de este espectáculo tan bello y original fletó un barco y envió a Roma a los diez niños con un Maestro de Capilla. El Papa en persona, al ver tan piadoso baile, autorizó que se continuara con su práctica, con la única condición de que se siguieran usando siempre los mismos trajes. Y así las castañuelas siguieron sonando todos los años en la Catedral de Sevilla. Los niños cantorcitos aparecen por primera vez vestidos de ángeles. En 1548, en la procesión del Corpus se les vistió de peregrinos, pero el cambio no gustó, siendo mejor acogido el vestuario de pastorcitos en 1556. En 1654 hubo una ligera modificación en los vestidos, quedando como definitivo el traje de pajecillo cortesano: zapatos, calzón corto, encajes y puños, y castañuelas. Siendo el color del traje encarnado en las festividades del Corpus y celeste en las de la Inmaculada.


ARTÍCULO → Arte e Historia de las Castañuelas III Parte (2)

Edad Moderna: El término "Castañuela" Los seises

El origen de esta institución está en la catedral de Sevilla, aunque también han contado con esta institución las catedrales de Granada, Cádiz, Toledo, Valencia, etc.

Traje de seise. Catedral de Sevilla.

La leyenda dice que los trajes actuales son los mismos que fueron a Roma, aunque reparados minuciosamente a medida que se deterioraran. El traje de los Seises es muy llamativo, con detalles dorados, mallas, pantalones abombados y chaquetillas. El traje incorpora detalles celestes en la festividad de la Inmaculada y siempre bailan con un sombrero con plumas. El nombre de Seises presumiblemente viene del hecho de que en los siglos anteriores fueran seis los danzantes, si bien en la actualidad los que bailan normalmente son diez. Estos niños vivían con el maestro de capilla de la catedral, recibiendo de él educación y manutención. En el siglo XVII pasaron a vivir internos en colegios creados por los propios cabildos. En el caso de Sevilla fue el Colegio de San Isidoro, más conocido como de San Miguel, donde ingresaron los Seises el 1 de enero de 1633 y que cerró sus puertas en 1960. Desde el año 1985 los Seises pertenecen al Colegio Portaceli, de la Compañía de Jesús.

En la Catedral de Granada existenSeises desde al menos 1520, según la Consueta o código musical de la Catedral de Granada. Siguiendo este modelo, en 1940 se crearon los Seises de Guadix (Granada). Estos realizan su danza en la Catedral de Guadix. Es Patrimonio Inmaterial de Andalucía. Desde el año 1994 como consecuencia de la coronación canónica de María Santísima de la Soledad Coronada, se crea el cuerpo de Seises de Priego de Córdoba donde danzan tanto en las procesiones de la hermandad como en la procesión del Corpus Christi. Desde el año 2003, y al amparo de la Escolanía Santa María de la Victoria junto con la iniciativa del entonces deán (Sacerdote de la iglesia católica que preside el cabildo de una catedral después del obispo) de la Catedral de Málaga, se crea un grupo de niñas Seises, recuperando la tradición de Seises que en Málaga se había perdido en los años 70 del siglo XX. En 2016 fue canonizado el obispo san Manuel González García, que había formado parte de los Seises en su infancia. DEE

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Antonio, centenario de un genio (1921 – 2021) V Parte. Último capítulo. "Director y coreautor (1980-1996)" Por Isabel Pérez y Emilio Martí

Figura 47. Programa de mano “Ballet Nacional Español” con la dirección de Antonio Fuente: archivo personal de Maribel Gallardo

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ARTÍCULO → Antonio, centenario de un genio (1921 – 2021) V Parte

Figura 48. “La casada infiel” Antonio Alonso y Cristina Hernando B.N.E. / Fuente: C.A.D.F.

Figura 49. Antonio saludando como director del B.N.E. tras la función Fuente: C.A.D.F.

Figura 50. María Rosa y Antonio en la compañía de este 1962 Fuente: archivo personal de María Rosa

En marzo de 1980 es nombrado director del Ballet Nacional Español, por su largo y brillante historial como bailarín, coreógrafo y director de compañía, tomando el relevo de Antonio Gades, que duraría hasta 1983.

Justo antes de finalizar Antonio en el cargo de dirección en 1983, estaba creando dos obras: “Las tardes de la alameda” (un ballet de una hora de duración sobre la Sevilla de 1930, con Manuela Vargas y Antonio Márquez como protagonistas) y “La Dolores” (un ballet de una hora sobre Aragón). Estas obras no se llegaron a estrenar.

El repertorio que presenta es variado, con obras de otros coreógrafos, alternando con las suyas que ya habían sido estrenadas anteriormente en su compañía: “Allegro de Concierto”, “Puerta de Tierra”, “Flamenco”, “La casada infiel” (Figura 48), “Fiesta por Bulerías”, “La Lola se va a los puertos (Flamenco)”, “Asturias”, “El Corpus en Sevilla”, “Preludio”, “Media Granaina”, “El Sombrero de Tres Picos” , “El Amor Brujo”, “Danza Gitana”, “Eritaña”, “Sonatas”, “Almería”, “Zapateado”, “Tanguillo de Cádiz” y “Farruca”.

Durante casi cuatro años estuvo retirado de la vida profesional, hasta que en 1987 recibe la propuesta de María Rosa (quien había trabajado con él en su compañía como primera bailarina en 1962) (Figura 50), para trabajar en su compañía, el “Ballet Español de María Rosa”, propuesta que acepta encantado, pues de nuevo vuelve a estar en activo con su profesión. DEE

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Figura 52. “Ballet Español de María Rosa” con Antonio saludando a la Reina de España Dña. Sofía. Fuente: C.A.D.F. Figura 51. María Rosa y Antonio en casa de éste Fuente: archivo personal de María Rosa

En esta nueva andadura, que será la última de su trayectoria profesional, asumirá la dirección artística y escénica, la luminotécnia, además de realizar coreografías, unas creadas exclusivamente para el Ballet Español de María Rosa (la obra “El Rocío” y el zapateado “A palo seco”) y otras reposiciones que habián sido ya estrenadas en el Ballet Español de Antonio (“Paso a cuatro”), así como en el Ballet Nacional Español bajo la dirección de Antonio (“Allegro de concierto”, “Almería”). (Figura 51) El estreno se produjo el 24 de abril de 1987 en el Teatro Monumental de Madrid, programado en cartel para cuatro semanas pero que debido al éxito estaría tres meses, para después continuar de gira. En septiembre de 1993 el Ballet de María Rosa presenta el espectáculo “Homenaje a Antonio” en el Centro Cultural de la Villa de Madrid y en 1994 en este mismo teatro, le entregan la Medalla al Mérito Artístico. La vinculación profesional y personal de Antonio con María Rosa duró hasta el fin de sus días, y la compañía de ella siguió llevando coreografías de Antonio hasta que desapareció el Ballet Español de María Rosa tras cuarenta años de trayectoria (1964 – 2004), poniendo reposiciones de obras como “El sombrero de tres picos”, “El Amor Brujo”, “La casada infiel”, “Sortilegio de los collares”, “En la taberna - Tanguillos de Cádiz”, “Caracoles”, “Almería”, “Pena Negra”, y “Zapateado de Sarasate”.

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Figura 53. María Rosa haciendo una entrevista a Antonio para programa de Antena 3 televisión Fuente: archivo personal de María Rosa

Tras sufrir una trombosis en febrero de 1994, queda en silla de ruedas. Fallece el 5 de febrero de 1996, en Madrid. El velatorio se le hizo en su estudio de la calle Coslada nº 7 (Madrid), donde estuvo de cuerpo presente en el escenario de dicho estudio y al que asistió tanto gente de la profesión como ajenos a ésta para darle su último adiós. Después fue trasladado a su Sevilla natal y también velado para darle sus paisanos el último adiós. Fue enterrado en el cementerio San Fernando de Sevilla, donde descansa en paz en un mausoleo con una estatua a tamaño real, realizada por el escultor Juan de Ávalos. Durante su larga trayectoria grabó más de una treintena de discos (Figura 54), en los que han quedado para la posteridad sus maravillosas ejecuciones con castañuelas y sus maravillosos zapateados, así como en algunos, los de su compañía.


ARTÍCULO → Antonio, centenario de un genio (1921 – 2021) V Parte

Figura 54. Discos de Antonio Composición: Emiolio Martí / Fuente: C.A.D.F.

Figura 55. Obras de arte de Antonio Composición: Emiolio Martí / Fuente: C.A.D.F.

También las obras de arte estuvieron muy presentes durante toda su trayectoria. Prestigiosos pintores, escultores y diseñadores de todo el mundo, realizaron cuadros, dibujos, grabados, esculturas… en honor a su figura (Figura 55), además de los más de 235 fotógrafos que lo inmortalizaron durante toda su trayectoria a lo largo y ancho del planeta, sin olvidar diseñadores de vestuario-decorados y músicos que compusieron para él partituras únicas (El segoviano esquivo, Fantasía Galaica, Paso a cuatro, Juganto al toro, Eterna Castilla, La casada infiel...) Cabe destacar su espíritu archivista con el que consiguió recopilar prensa, fotos, programas, partituras y un largo etcétera, desde sus inicios profesionales hasta el fin de sus días, teniéndolo todo archivado y ordenado, en grandes y lujosos álbumes (Figura 56), de manera escrupulosa, en su maravilloso estudio de la calle Coslada de Madrid. La mayoría de este material lo adquirió la Junta de Andalucía en la subasta realizada en el año 2000 en la Sala Durán de Madrid (el 90% de los 487 lotes), atesorados en el Centro Andaluz de Documentación del Flamenco, en Jerez de la Fronte-

Figura 56. Antonio observando sus álbumes Fuente: C.A.D.F

Figura 57. Antonio en revistas nacionales e internacionales

ra, además de poder consultar el “Fondo Antonio Ruiz Soler” en el Archivo Digital de las Artes Escénicas de Andalucía (ELEKTRA). De esta forma, su maravilloso legado quedó para siempre disgregado, dificultando así la labor de investigación. Su aparición en las portadas de revistas de danza a nivel internacional (Figura 57), primero con Rosario y posteriormente en solitario, es otro claro ejemplo de la importancia que Antonio llegó a adquirir en su dilatada carrera, además de otras revistas que le dedicaron largos reportajes y los libros dedicados a su figura. DEE

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LOGROS Y APORTACIONES Para finalizar este artículo, nos gustaría hacer un breve resumen de los logros conseguidos por Antonio y las aportaciones que ha hecho a la Danza Española y el Baile Flamenco. Hemos seleccionado doce: 1. Con tan sólo 28 años había conseguido ser uno de los artistas más relevantes de la escena americana, siendo su triunfo en cualquiera de los teatros del continente un hecho indiscutible. Con 32 años ya era una estrella reconocida a nivel internacional. 2. La creación del baile por Martinete. 3. Incorporó una musicalidad en el zapateado cambiando la intensidad de los golpes. 4. Participar en 22 películas entre América, España e Italia, proporcionando así un valioso material audiovisual. 5. Cambiar la forma de bailar del hombre rompiendo muchos patrones como levantar los brazos, mover las manos, utilizar la capa y los saltos vertiginosos con las botas. 6. Haber formado un Ballet Español con el que realizó obras de gran formato, siendo la primera compañía de danza española en pisar teatros que hasta ese momento solo estaban reservados para la ópera, la música y la danza clásica, como por ejemplo el Teatro Empire de París donde fue sacado en hombros por el público, el Teatro de la Scala de Milán, el Teatro de la Ópera de El Cairo y el Teatro de la Ópera de Viena, entre otros. 7. Incorporar en su compañía las clases de danza clásica a diario con los más prestigiosos maestros del momento. Es la primera vez en la historia que se pro-

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duce un hecho así en una compañía de danza española. Posteriormente lo hicieron otras compañías de danza española como el “Mariemma Ballet de España”. 8. Tener su propia sede de ensayo en su estudio-teatro de la calle Coslada de Madrid, que llegó a convertirlo en un auténtico museo de la danza. 9. Poner por primera vez el flamenco en el Teatro del Liceo de Barcelona. 10. Ser el primer artista español que trabajó en la Unión Soviética. 11. Estar en posesión de más de 60 premios entre condecoraciones y reconocimientos por su trayectoria artística. 12. Dejar un legado coreográfico para la Danza Española único en la historia, que abarca los cuatro estilos como son el folklore, la escuela bolera, el flamenco y la danza estilizada. Este legado es tan amplio, tan rico y tan variado, que en la actualidad, varias de sus creaciones coreográficas se siguen interpretando sin haber perdido un ápice de frescura e innovación. La prueba de que una obra de arte (danza, música, pintura, escultura…) se convierta en una “Obra Maestra” lo decide el tiempo, que puede ser un verdugo implacable, pero también es proveedor de sabiduría, que al final es la máxima aspiración de todos. Sin duda, se puede afirmar que de Antonio se han convertido en “Obra Maestra” unas cuantas, habiendo alcanzado ya algunas la friolera de 76 años, como es el caso del “Zapateado” con música de Pablo Sarasate.


ARTÍCULO → Antonio, centenario de un genio (1921 – 2021) V Parte

CONCLUSIÓN En estas páginas hemos podido comprobar, en cinco artículos y de forma muy resumida, una trayectoria de más de 65 años, con tantos triunfos y tan densa, que daría para escribir su briografía en varios tomos. El pasado año 2021 se cumplió el centenario del más grande que ha habido en la Danza Española, solo esperamos y deseamos que las instituciones oficiales se den cuenta de una vez por todas, la importancia que ha tenido y tiene Antonio para el mundo de la danza, la cultura y la historia de este país, a un nivel igual o superior que en la danza clásica lo fue Anna Pavlova, Nijinsky o Rudolf Nuréyev. Ojalá algún día Antonio esté incluido en los libros de texto de los colegios, al igual que lo están importantes músicos, pintores, escritores y poetas. Hasta entonces, solo nos queda trasladar toda esta información a las nuevas generaciones, para que nunca dejen de conocer al “Gran Antonio” y puedan valorar y apreciar tan importante legado.

Figura 58. Antonio Composición: Emiolio Martí / Fuente: C.A.D.F DEE

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La Casa de la Danza se presenta y entrega galardón en Londres Por Danza En Escena Fotografías de Andrej Uspenski

Itziar Mendizabal, Perfecto Uriel, Ricardo Cervera, Laura Morera y Zenaida Yanowsky

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ARTÍCULO → La Casa de la Danza se presenta y entrega galardón en Londres

Itziar Mendizabal y Laura Morera

La Casa de la Danza de Logroño, inaugurada en el año 2003, es un proyecto que nace con un objetivo claro: difundir y dar a conocer la danza y también a sus protagonistas. Y desde hace 20 años estamos trabajando en este objetivo que, no cabe duda, nos ha proporcionado felices momentos pero también mucha incomprensión, a veces menosprecio, por algunos sectores de nuestra sociedad española. Todas las actividades realizadas durante estos veinte años de existencia llenarían folios y más folios, pero hoy nos centraremos en dos importantes tareas realizadas en este año. Se fueron posponiendo debido a la pandemia hasta este año de 2022: la presentación de la Casa de la Danza al mundo entero y la entrega del galardón “Amigo de Honor” de la Casa de la Danza. Así pues comenzamos este periplo de presentaciones y entregas de galardones en la capital de España, en el Centro Riojano. Una casa de La Rioja situada en el corazón comercial de Madrid, la conocida Calle de Serrano. Allí nos trasladamos para hacer la primera presentación pública a los profesionales de la Danza. Gran afluencia de compañeros y profesionales que conocieron de primera mano la existencia de este espacio abierto para todos.

Iztiar Mendizabal, Kevin O'Hare, Laura Morera y Perfecto Uriel

La ocasión era idónea para entregar los galardones “Amigo de Honor” que no se habían podido entregar en el año 2020 por razones de pandemia. Dos grandes profesionales estaban apuntados para recoger su galardones: Antonio Canales y Mariano Cruceta, sobradamente reconocidos internacionalmente y además colaboradores incansables del proyecto de la Casa de la Danza. Ilustramos la presentación y la entrega con una exposición de caricaturas cuyo título es “Los 32 fouettés me dan risa” del caricaturista y pintor mexicano Fredy Rodríguez. Al finalizar el acto pudimos tomar un vino de Rioja y degustar algún producto típico riojano. Madrid ya se enteró de nuestra existencia. Ahora tocaba seguir presentando la Casa más allá de nuestras fronteras. Así llegamos a uno de los teatros más importantes que existen en el mundo para la danza: Covent Garden, residencia de la prestigiosa compañía The Royal Ballet. Y fue precisamente elegido ese Teatro porque los galardones del año 2022 se entregarían a dos bailarinas españolas que forman parte de esa prestigiosa compañía inglesa: Laura Morera (Bailarina Principal) e Itziar Mendizabal (Primera Bailarina Solista). DEE

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Heather Baxter, Perfecto Uriel y Phil Mosley

El pasado 21 de septiembre, a las 12:30 p.m. llegamos al Teatro con los nervios a flor de piel. Covent Garden es la “catedral” de la danza donde se concentra lo más granado del ballet y la danza de Europa. El salón Dorfman Conservatory nos esperaba para recibir a nuestras bailarinas galardonadas y para presentar nuestra Casa de la Danza en Londres. El recibimiento no pudo ser más caluroso. Kevin O’Hare, Director de Royal Ballet; Heather Baxter, Directora Administrativa de la Compañía y Phil Mosley, Director artístico de coordinación de ensayos nos esperaban junto a amigos, compañeros y familiares de las galardonadas. Sorprende tanta atención cuando uno llega de La Rioja donde, a veces, cuesta movilizar a responsables culturales para acompañar en actos organizados en favor de la danza y de sus protagonistas. Entre los asistentes al acto, además de los representantes de Royal Ballet, también acudieron bailarines españoles afincados en Londres donde desarrollan

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Foto de grupo Galardón Amigo de Honor de la Casa de la Danza

su profesión. Bailarines principales como Zenaida Yanowsky o Ricardo Cervera, también bailarines de Royal Ballet, no quisieron faltar a este momento. Un magnífico día que pasamos con todos ellos. Después de la presentación y entrega de los galardones disfrutamos de amena conversación tomando un típico té inglés con pastas. Las presentaciones se seguirán sucediendo a lo largo de este próximo trimestre. Ya tenemos Zaragoza y Barcelona esperando nuestra llegada. El año 2023 será también momento para presentarnos en otras ciudades españolas como Pamplona, Vitoria, Bilbao, Burgos, Murcia, San Sebastían, Valladolid, Santander, Gijón y Sevilla, con las que ya se han iniciado conversaciones, además de otras que esperamos muestren interés en conocer este proyecto y la labor de tantos profesionales que necesitan ser más queridos y reconocidos por los españoles.


ARTÍCULO → La Casa de la Danza se presenta y entrega galardón en Londres

Laura Morera e Itziar Mendizabal con Galardón

La tira de Fredy Rodriguez

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Danza en la 36 edición del Festival Castell de Peralada Por Carolina Masjuan

Peralada es mucho más que un Festival. Desde la perspectiva de los amantes de la danza, es además de una cita imprescindible por la cantidad y variedad de las propuestas, un encuentro entre colegas, amigos y artistas en el marco incomparable de los distintos recintos que conforman el Festival. Los impresionantes jardines del Castillo, la Iglesia del Carmen, la nueva y magnífica cava, la exquisita oferta gastronómica, e incluso la plaza del pueblo, son algunos de los espacios donde reencontrarse, compartir y disfrutar en apenas un mes, de más propuestas que por ejemplo en el Liceu en toda una temporada y sobre todo de propuestas, muchas veces, de más calidad.

Bayerisches staatsballett, capriccio for piano and orchestra

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CRÍTICA → Danza en la 36 edición del Festival Castell de Peralada

Bayerisches Staatsballet, Toti Ferrer

Para la inauguración de esta edición, el Festival Castell de Peralada ha contado con el Bayerische Staatsballet de Munich, dirigido desde hace poco por Laurent Hilaire, ex étoile de la ópera de París que había renunciado a su puesto de director del Ballet del Teatro Stanislavsky de Moscú y sucedía en el cargo a Igor Zelensky. Si bien nos habría encantado poder ver a la compañía bávara con un ballet completo de su extenso repertorio la variada propuesta de las dos noches nos permitió verles en distintos registros, descubrir nuevos coreógrafos y disfrutar del trabajo de algunos de los más aclamados creadores del momento.

plasticidad. Sabíamos que íbamos a disfrutar. Hemos podido admirar varias veces el trabajo de este joven que se quitó la vida tras unas acusaciones de abuso nunca juzgadas. With a chance of rain es una pieza muy íntima y romántica, con la maravillosa música interpretada en directo al piano por un excelente Dmitry Mayboroda. El segundo movimiento fue de una belleza arrebatadora y la compañía alemana nos conquistó, aquí sí, totalmente. La sensibilidad y delicadeza de Liam llevada a la excelencia.

El día del estreno, el telón se levantó con el Capriccio for piano and orchestra, de George Balanchine y con música de Igor Stravinsky, los Rubis, la parte central del ballet Jewels del coreógrafo ruso afincado en Estados Unidos. Con el elenco bien colocado, ataviado con el vistoso y atractivo vestuario creado por Karinska, aunque sin la escenografía original colgando en el centro del escenario, nos encontramos con una representación algo deslucida, recordábamos el mismo ballet, aunque en esa ocasión completo, con las francesas esmeraldas y los rusos diamantes, bailado por el Mariinsky en San Petersburgo y no conectamos. Al cuerpo de baile le faltaba cohesión y la interpretación en general no acababa de llegar.

El primer programa finalizó con un registro totalmente distinto, la coreografía Bedroom Folk de la israelí Sharon Eyal, la coreógrafa de moda del momento. Ex bailarina de la Batsheva, en esta ocasión se sirve de la música electrónica de Ori Lichtik, para hablarnos sobre la compulsión de formar parte de una identidad grupal, sobre la pérdida de la individualidad y lo hace a través de una coreografía repleta de abstracción de los movimientos, pero donde las situaciones surgen una y otra vez. Las figuras de los ocho bailarines, vestidos con maillots negros, lucen gracias a un fondo monocromático en el que se proyectan sus propias sombras, creando un sorprente juego escénico. Aunque a veces se nos hace repetitiva, uno no puede más que dejarse atrapar por su poderosa fuerza visual y la magnífica interpretación de la formación de Munich.

Con With a chance of rain del admirado y añorado creador británico Liam Scarlett y música de los Seis preludios de Serguei Rakhmáninov, nos encontramos con una pieza romántica para ocho bailarines. Un exuberante y expansivo ballet de Liam Scarlett de gran

La segunda noche abrió con Affair of the Heart de David Dawson, con música del Concierto para violín y orquesta de cuerdas del compositor canadiense Marjan Mozetich, que fue estrenada el pasado mes de abril. La obra, para trece bailarines, tal y como explica su DEE

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Bayerisches staatsballett, capriccio for piano and orchestra

Campus Peralada, Ricard Rosello

creador, “trata sobre el amor mismo. Estos ‘asuntos del corazón’ son una oda al amor. Es alegre, es apasionante, es ardiente. Es una celebración del ser”. Con una escenografía y un vestuario fríos y elegantes, ya sea con pasos a dos perfectamente coordinados o en canon y arropados por bailarines realizando trabajos coreográficos distintos pero coherentes con el todo presentado, Affair of the Heart, es una obra bella muy representativa del trabajo de este coreógrafo muy reclamado actualmente por las mejores compañías. Seguimos con Pictures at an exhibition de Alexei Ratmansky, una alegre y dinámica pieza que el coreógrafo ukraniano, nacido en Rusia, creó para el New York City Ballet en 2014 con la famosa partitura para piano de Modest Músorgski. Aquí, Ratmansky invita a los bailarines a una travesía lúdica por diferentes partes del mundo. Una pieza en la que, a pesar de estar basada en la técnica del ballet clásico, los bailarines son constantemente extraídos de su zona de confort para ofrecer giros rápidos, pasos innovadores, port de bras contemporáneos y saltos animados, siempre en sintonía con la música, que va marcando el ritmo, la melodía y el estado de ánimo, tan cambiante como las acuarelas de Vasili Kandinsky que configuran el espacio. Con muchos movimientos en espiral, ellos pueden ser duendes del bosque, ellas, traviesas hadas salidas

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del sueño de una noche de verano, leif motif del Festival de este año, en todo caso, sea cual sea el momento, lo disfrutamos mucho y también todo el público en general que les obsequió con una gran ovación, también para el pianista, de nuevo Dmitry Mayboroda, quien interpretó la pieza en directo. Antes de caer el telón, como suele ser habitual cuando se bailan ballets de Ratmansky, la compañía bávara tuvo un gesto con el conflicto ucraniano proyectando la bandera del país. Y llegó la sorpresa de la noche, no porque se tratara de una pieza nueva, al contrario, repitieron con los Rubís de Balanchine de la noche anterior, pero lo cierto es que la energía que había en escena el sábado era totalmente distinta a la de la noche anterior. Hubo cambio en el elenco y un bailarín que había llamado nuestra atención siempre que salía en escena, era en esta ocasión el bailarín principal del paso a dos. Y ¿quien era ese bailarín que de entre todos llamó poderosamente nuestra atención? Pues el joven canadiense Shale Wagman en esta ocasión acompañado por Carolina Bastos. Y al acabar estas funciones, cuando los bailarines y su director celebraban el éxito de las representaciones, en medio de los aplausos y abrazos, Laurent Hilaire anunció su ascenso de ran-


CRÍTICA → Danza en la 36 edición del Festival Castell de Peralada

Castell de Peralada

Exposición R. Mapplethorpe

go en la compañía. Después de Peralada pasa a ser Primer Solista. Seguro que siempre recordará su paso por el bello Empordà, el magnífico castillo y su exquisito Festival. Mencionar la magnífica iniciativa del Campus Peralada que organizó una barra de ballet en la plaza del pueblo para los alumnos de las escuelas de danza de la zona dirigida por el bailarin principal y maestro de ballet de la compañía, Javier Amo, y con la participación de algunos de los bailarines de la compañía. Dicen que la perfección no existe, pero lo que vimos en Peralada la noche del 20 de julio, con la segunda propuesta de danza del Festival, fue lo más cercano a la perfección que hayamos visto últimamente. Un marco incomparable, una puesta en escena e iluminación exquisitas, una música sublime interpretada magistralmente y por encima de todo unos bailarines más perfectos imposible, a todos los niveles, metiéndose en la piel y la piedra de las esculturas de Rodin. La familia a quien debemos tantas noches de emociones gracias a la magnígfica oferta cultural, también desarrolla otras actividades relacionadas con lo que esa zona privilegiada ofrece, por ejemplo los viñedos, y este año han realizado un proyecto largamente acariciado inaugurando unas nuevas cavas. Y en los jardines de ese marco magnífico, en un ambiente íntimo, para solo 140 espectadores, se vivió el estre-

no mundial del espectáculo encargado especialmente al bailarín madrileño Sergio Bernal. Cuenta el artista que al recibir el encargo y ver el marco donde se iba a representar la obra, inmediatamente vio que ahí podía cumplir un sueño largamente acariciado, dar vida a las esculturas de Rodin. Fascinado por la obra del escultor francés desde que visitó el palacio que alberga su museo en París, y donde, paseando por sus jardines, pudo admirar esas obras, magníficamente integradas en él, el marco incomparable de los techos de las bodegas y sus jardines, integrados en el paisaje como telón de fondo, constituían la escenografía perfecta para ese espectáculo soñado. El bailarín tomó del escultor de las emociones, tres de sus más famosas esculturas: Torse d’Homme Louis XIV, El beso y El pensador. Sergio Bernal traslada la concepción vanguardista del arte de Rodin a través de diferentes lenguajes que van desde el ballet clásico y el barroco, hasta la danza española y el neoclasicismo. La noche abrió con Torse d’Homme Louis XIV. Coreografiada por el propio bailarín en colaboración con Ricardo Cué, la pieza narra la fuerza, la belleza y la grandeza que transmitía Luis XIV de Francia encarnando a un Dios simbólico conocido como El Rey Sol, y explorando el concepto del poder. La coreografía, al ritmo de la música de Lully con arreglos de Jordi Savall, que interpretó una pequeña formación de cuerda, percusión y oboe, bajo la dirección musical de García Sierra, fusiona la danza clásica española y el barroco con una estética muy similar a la de la obra. Sergio baila DEE

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Carlos Acosta, Joan Castro Iconna

Sergio Bernal

con zapatos barrocos, el baile refinado de la corte. La música de Lully, nos envuelve y nos sentimos espectadores privilegiados de la corte de ese rey a quien debemos el ballet clásico. El bailarín madrileño representa en ese torse d’Homme, al Rey Sol en todo su esplendor, no solo por su elegante y perfecta ejecución, si no por ese físico imponente de belleza griega, con el que los dioses, o la diosa naturaleza, le han bendecido y que ha sido inmortalizado en miles de estatuas. Alguien dijo que la danza es sudor, y en esa tórrida noche así pudimos apreciarlo, ya despojado de esos pantalones barrocos vimos un cuerpo reluciente, brillando en todos los sentidos, en el paso a dos de El Beso, junto a la hermosa mujer y magnífica bailarina que es Giada Rossi, solista de la C.N.D. El beso, una de las obras más conmovedoras de Rodin, se materializa en una danza con coreografía de Valentino Zucchetti y música grabada de la Pavana para una Infanta difunta de Ravel, en la que la pasión y el deseo quedan plasmados con mucha ternura y sensualidad. Evidentemente nos conducen a evocar el amor de Rodin por Camille Claudel pero aquí no vemos tanta posesión sino más bien un gran cariño, con cuerpos fusionados a través del lenguaje neoclásico para contar una historia de amor. La coreografía, de gran sencillez, sensualidad y redondez, consigue una gran belleza de líneas cuya cúspide es ese beso final.

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El Pensador, en referencia a otra de las obras más famosas del escultor francés, es la pieza que cierra el programa. De nuevo, música en directo, esta vez con melodías de Roque Baños interpretadas por Daniel Jurado a la guitarra clásica. En esta ocasión, la obra transmite la visceralidad y la fuerza de la contención del pensamiento desde la impotencia y el dolor, así como la intimidad y las inseguridades que perturban el día a día. Esta fue la pieza más española, calzando zapatos y zapateando potentemente, poseedora de una gran fuerza y con un carácter desatado, siempre respetando la estética del escultor. Y la tercera propuesta, que a su vez clausuraba el Festival, contó con un artista muy querido por la organización y que actuó por tercera vez en los jardines del castillo. Carlos Acosta volvió a Peralada y de nuevo conquistó a la audiencia por su innato carisma y su impresionante técnica, siempre al servicio de la coreografía y la transmisión de emoción. El bailarín, coreógrafo y director cubano de renombre mundial y la bailarina Laura Rodríguez, protagonizaron el espectáculo de clausura de la 36 edición con On before, creado en 2010 en memoria a la madre del artista cubano, recientemente fallecida. A lo largo de toda la noche se presenció un viaje hacia la muerte donde los duetos y solos se entrelazan de forma sugerente. El programa, dividido en dos partes, empezó con la coreografía que también da título al espectáculo, On before, un dúo interpretado por Acosta y Laura Rodríguez obra de Will Tuckett. Con música de John Adams, la creación original fue pensada para Zenaida Yanowsky y William Trevitt para BalletBoyz. Los dos bailarines bailan en un escenario oscuro, sobrio, donde los principales protagonistas son ellos mismos iluminados por unas luces muy precisas que resaltan cada gesto y movimiento.


CRÍTICA → Danza en la 36 edición del Festival Castell de Peralada

Carlos Acosta, Joan Castro Iconna

El primer solo de la noche fue Memoria la coreografía de Miguel Altunaga, que Acosta baila con gran expresividad. Influenciada por el minimalismo clásico y electrónico, la música escrita por Fernando Corona crea una atmósfera exuberante que enlaza con el segundo solo, esta vez de la mano de Laura Rodríguez, titulado Sirin, en una creación de Yury Yanowsky con música de Alberto Iglesias. Laura Rodríguez nos demuestra ser una muy lírica bailarina. Su capacidad de expresión y su movimiento elegante y fluido, nos conquistan inmediatamente. La segunda parte comenzó con la pieza de Kim Branstrup, Footnote to Aston, que interpretada por Rodríguez y con música de Händel, fue nominada a Mejor Coreografía Clásica entre los Critics Circle National Dance Awards en 2005, después de formar parte de una pieza hecha para el Royal Ballet. En esta ocasión se trata de un extracto ambientado en el aria Per te lasciai la luce de la cantata italiana Delirio amoroso. En Peralada se presentó con una puesta en escena muy especial, donde la bailarina está iluminada por cientos de velas que la rodean. De nuevo superlativa Laura. Llega luego Falling Deep Inside, la proyección creada por Estudio 50 y rodada a cámara lenta que explora las emociones y tensiones que existen entre dos amantes con imágenes de ambos artistas y con un claro protagonismo del agua. Los espectadores pueden deleitarse con todo lujo de detalles, de unas imágenes que ayudan a realizar la transición entre ese solo y un delicado dúo, creado por Beatriz García y Raúl Reinoso, Nosotros, un viaje al interior de una pareja, donde exploran sus experiencias y reflexionan sobre la intermitencia de las relaciones. La obra describe los desacuerdos, puntos en común y frustraciones del amor. El espectáculo concluye con dos duetos de Carlos Acosta. El primero, Hand Duets, creado junto con Geor-

Carlos Acosta, Joan Castro Iconna

ge Céspedes a partir de la música de Omar Puente y el segundo O Magnum Mysterium, es obra conjunta con Zenaida Yanowsky y música de Morten Lauridsen que contó con la participación en directo del coro O Vos Omnes. O Magnum Mysterium representa la muerte de la mujer guiada hasta un rayo de luz. Un espectáculo redondo en el que cabe citar el impresionante diseño de luces, obra de Chris Davey que crea una atmósfera de ensueño, potenciando la danza y llevando al espectador a entrar en ese mundo de nostalgia, ternura, tristeza, o soledad, ideado por el artista. El público, totalmente rendido una vez más ante el carisma y la calidad de Carlos Acosta y su partenaire, Laura Rodríguez, magnífica bailarina, etérea y delicada, ha premiado a los artistas con largos y calurosos aplausos, acompañados del clásico zapateado sobre la tarima. Ya hay nueva cita con Acosta Danza puesto que Carlos Acosta es el Presidente del jurado de esta edición del Carmen Mateu Award que premia a un coreógrafo emergente con 30.000 € más la presentación de una coreografía con la Acosta Danza en una próxima edición del Festival. Nos despedimos de Peralada, de ese maravilloso entorno, de sus inseparables cigüeñas, espectadoras privilegiadas desde sus nidos en lo alto de los impresionantes árboles de los jardines, que acompañan los espectáculos con los sonidos de aprobación, ya tan familiares, de sus picos. Decimos adiós a nuestro Festival favorito, agradecidos por una nueva fantástica edición para los amantes de la danza. Por siempre agradecidos y esperando ya la próxima edición. DEE

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Carta a Víctor Manuel Burell Por Manuel Segovia

Victor Burell, Mila Ruiz

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HOMENAJE → Carta a Víctor Manuel Burell

Querido Víctor, Hoy pienso en ti y en tu forma de percibir la danza y a mi memoria llegan instantes compartidos en este devenir de los tiempos… detalles que definían tu singular manera de ver la danza, escritor del movimiento, creador de literatura vertebrada obsesionado por el tiempo y la forma, buscador permanente del instante… y en este sentido eras un bailarín más, un coreógrafo de un espacio trenzado de belleza y reflexión. En aquel paseo hablábamos de lo divino y de lo humano, del latido que impulsa a un bebe a salir y buscar su lugar en el mundo, del ritmo que lo mueve y que lo eleva más allá de su propio cuerpo buscando un equilibrio vertical que lo defina y de cómo de esa verticalidad surge la curiosidad por la vida misma, es decir por la danza, porque danzar es vivir. Todos queremos danzar, sentir como nuestro cuerpo crea una alianza con el espacio a través de nuestro ritmo interno, eso es vivir, danzar es ser por un instante dueño del tiempo. Así que en aquel paseo querido Víctor, me enseñaste que se puede danzar con la palabra, que los párrafos pueden ser arquitectura soñada que contiene poesía danzada, que los puntos suspensivos, las comas y las admiraciones son puertas de paso, escaleras que nos conducen a espacios abiertos y a laberintos infinitos llenos de emociones que danzan al ritmo de los acentos y las comillas… y aunque ya no estés entre nosotros, te doy las gracias Víctor por haber sido como eras, un ser de luz que aportó generosamente sus latidos al Arte de Danzar.

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Víctor Burell, analizador del arte Por José Luis López Enamorado

Ana Isabel Elvira, Perfecto Uriel, Víctor Burell y Sergio Cardozo en Logroño, Mila Ruiz

Conocí a Víctor Burell en el año 1992, en conciertos y estrenos de danza a los que asistí con mi buena amiga Teresa Tardío, directora del Festival de Música de Segovia que está patrocinado por la Fundación Don Juan de Borbón. Fue un encuentro de amistad inmediata y de compromisos firmes para colaboraciones más o menos cercanas con Televisión Española. En julio de ese mismo año la Editorial Narcea S.A. publicó mi libro “Ilusión Musical”, un libro con el que quise acercar al maravilloso mundo de la música a través de dibujos sobre los instrumentos musicales, una historia fantástica cuyos protagonistas son los elementos que

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intervienen en la música. Víctor se interesó en conocer mi libro y le hice llegar un ejemplar con la siguiente dedicatoria: Amigo Víctor. Tu bien sabes que para escribir, es necesario soñar en compañía de la realidad. Este es mi viaje desde la infancia con la realidad musical, trayecto que intento transmitir a los más pequeños por la vía de la apreciación. Con todo mi afecto, José L. López Enamorado


HOMENAJE → Víctor Burell, analizador del arte

Víctor colaboraba entonces en la revista “El Punto de las Artes” y algunos meses después ocupó su espacio en el apartado de Música a tres aspectos relacionados con la actualidad danzaría y musical: La reaparición del Ballet Nacional tras ser destituido su director, José Antonio, por el triunvirato de mujeres formado por Aurora Pons, Nana Lorca y Victoria Eugenia. Dedicó una gráfica y seria descripción de la obra “Medea” del maestro Granero. De un modo exquisito y poético, expuso su parecer sobre el espectáculo “Antes que el tiempo acabe” presentado por la Compañía Luca Nicolaj en la Sala Pradillo. Su sensibilidad le llevó a describir las sensaciones recibidas con frases como estas: “Bocas, cuerpos, miradas, sonrisas y gestos de dolor, son los hechos casi inaprensibles que forman lo comprensible, lo explicable por detrás del poema. Mientras el amor sea la sombra de sí mismo, la vida se poblará o quedará desnuda de paisajes internos, de recuerdos, de disfraces según sople el viento” Cerró su espacio crítico en la revista con una reseña sobre mi libro que quiero ofrecer aquí, de modo resumido, en agradecimiento a este gran analizador del arte que nos ha dejado el pasado 22 de julio. Así contó los mensajes pretendidos por mí en “Ilusión Musical”: “En un país como el nuestro, tan desasistido de educación musical, un trabajo como este provoca sencillamente un esperanza: la de que los niños de habla hispana se acerquen al arte con el idioma más universal, a través de este catón sencillo, poético y lleno de amor a los sujetos y al objeto que para ellos se ha ido gestando por la asiduidad del estudioso y la ternura del amigo (…..) Como pequeños príncipes podremos así empezar a caminar, de la mano de otro poeta hasta encontrarnos con el inmenso baobab de la esperanza. Gracias en nombre de los hijos y los hijos de los hijos de cuantos amo”

Con esta riqueza se expresaba Víctor Burell sobre el arte en general buscando siempre el lado amable de expresión por muy duras que fueran sus impresiones volcadas. Tuve la inmensa suerte de trabajar en 1993 con Víctor y otro amigo suyo, grande de la danza, Delfín Colomé; trabajamos juntos en la realización de dos capítulos de 60’ de duración cada uno, dedicados a “El Ballet en la Rusia Imperial” y “Los Ballets Russes de Diaghilev” para la serie Tiempo de Danza creada y dirigida por mí para la Aventura del Saber de la Segunda Cadena de Televisión Española. Ambos, caminando por el Palmeral de Alicante, comentaron toda suerte de etapas y sus protagonistas con los valores máximos otorgados a la historia de la danza al servicio de la música y viceversa. Delfín Colomé recordemos que fue músico, estudioso de la danza, Licenciado en Derecho, diplomático que ocupó cargos en la Unesco y el Parlamento Europeo, director general de Relaciones Culturales y Científicas del Ministerio de Asuntos Exteriores y embajador de España en Filipinas y Micronesia, entre otras muchas actividades culturales. Mi última colaboración con Víctor Burell tuvo lugar en el año 2000 en la Complutense, en una conferencia sobre Danza y Medicina junto con el Dr. Juan Bosco Calvo. Es difícil resumir en folio y medio la amplia cultura de Víctor Burell y su interés por analizar con rigor la obra, pertenezca al grupo artístico que pertenezca. Él supo transmitirme dónde reside la autenticidad de la música y de la danza. Y yo he tratado de encontrarla guiado por una premisa indiscutible: La música ha sido considerada universalmente como fiel expresión del alma y el lenguaje sentimental más emotivo. Gracias Víctor, amigo y maestro, por confiar en mí y entregarme generosamente tu amistad. Hablaré siempre de tus reflexiones. DEE

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