#25
Cover Photo
Maurren Bisialliat
EDITORIAL
WE LIVE IN A TIME THAT DEMANDS DEEP AND RIGOROUS ANALYSIS
“The function of photography is to provoke reflection.”
SERGIO RICARDO DE
OLIVEIRA
Complementing the st atement of the photographer Sergio Ricardo de Oliveira, I say that photographic art must also provoke a sensation linked to emotion. Photographic art must sensitize the viewer. Combining reflection with emotion, we complete the aesthetic bias that must accompany good photographic art. Without ostensibly embarking on philosophical paths, this Carcara issue raises important questions related to perception.
Stephan Zaubitzer makes a critical reading of the deconstruction, in a visual ode to the rituals of cinema. Sergio Ricardo de Oliveira presents a fusion of human heat and heat from the Amazon rainforest in black and white. Mohamed Abusal and Debra Holt invite us to think about the Middle East. Maureen Bisilliat, an English naturalized Brazilian, proposes beautiful and intense Brazilianities to us. Mario Barila brings images for contemplation and reflection that promote social and ecological activities. M. Frisino recreates cybernetic beauty historically multiplied. Leo Sombra visits the beginnings of photography, plastic and poetically. Joan Manel Zamora shows how out of context details can gain plastic subjectivity.
Eduardo Santos Mafra and Claudio Lobo propose new readings and experiences for the city. Ed Eckstein shows how the art of photojournalism can help prevent the decay of truth. Diego Echevers Torrez pays a beautiful, dense and dignified tribute to a marginalized ethnicity. And he offers us a sentence to end our reflection: “Photography is not a literal transcription of reality. Photography is a poetic interpretation of life. Photography allows
me to give visual meaning to our world”.
G ood views, good reflections (much needed in these times of pandemic and mismanagement in Brazil).
CARLO CIRENZA
MAUREEN BISILLIAT
THE BEAUTIFUL AND INTENSE BRAZILIANITIES OF THIS TIRELESS AND WONDERFUL ENGLISH NATURALIZED BRAZILIAN
Everything Maureen Bisilliat photographs is transformed into art. And of the best quality! Everything is aesthetically strong, dense, consistent. Hovering over each image, there seems to be an expressionist unrealism. Each image explodes. Who achieved more Brazilianness in the photos than this English naturalized Brazilian? Bisilliat’s photos make a point of facing and challenging the viewer. And of leaving them speechless, such is the grandeur, beauty and bluntness of the compositions. And yet, she says: “I was never a technically accurate photographer. I was aware of light, I had done many years of painting and drawing, but if I had a gift, it was to provoke complicity among people when photographing them”. The tireless and wonderful Maureen Bisilliat is a photographer and documentary filmmaker. She was born in Englefield Green, England, in 1931, and arrived in Brazil in 1952. She started in photography in 1962 and worked for ten years in the magazines Realidade and Quatro Rodas. Bisilliat developed one of the most solid photographic works in Brazil. In her travels around the country, she recorded Indians, backwoods’ people (sertanejos), popular culture, literature, art, politics, beauty and tragedy, which resulted in projects associating photography and literature. “It was very important, I would even say fundamental, because I always brought together image and writing, and I had extraordinary people as ‘travel companions’: Guimarães Rosa, writer, diplomat and doctor, 1908-1967; Jorge Amado, writer, 1912-2001; Adélia Prado, writer, 1935; Ariano Suassuna, playwright, novelist and poet, 1927-2014; Euclides da Cunha, engineer, professor, journalist, novelist, essayist, poet, geographer, naturalist, sociologist, 18661909; João Cabral de Melo Neto - poet and diplomat, 1920-1999;
the researchers of sertão and indigenous people Orlando VillasBôas, 1914-2002, and Cláudio Villas-Bôas, 1916-1998, friends who introduced me to the Indian people and the Xingu.”
Maureen Bisilliat
CLAUDIO LOBO
A PHOTOGRAPHIC ART THAT REDISCOVERS HUMOR AND JOY IN THE CITY
Claudio Lobo is an urban voyeur. The city strips for him. But he is also a comedian who goes to pop art and proposes to rediscover urbanities. Claudio Lobo helps us live the city with joy. He suggests that we should look carefully to see things that can lessen the ills of current and future sores. His greatest interest is in “street and urban photography” and architecture, with emphasis on the geometry of shapes and textures associated with the urban space. “The photos of this shoot give an interesting dimension about what I found and realized walking through São Paulo and nearby cities. The fender of an abandoned small truck (its colors, lines and the marks and action of time); a digital intervention on the subway’s air pipeline, transforming it into an ‘insect’ with the Rolling Stones’ ‘mouth’; a fragment of a subway train that results in an interaction between people who use the wagon and an advertising piece; a ‘stylized’ Beetle on the door of a house that appears to be in ruins; a mask attached to a car door looking at you; plastic legs in the air with different and brightly colored women’s socks: order in disorder?”
Claudio Lobo was born in 1956. He is an electronic engineer by training (1980), with an extension in business administration and a photographer by vocation and dedication since 1981. He moved to São Paulo in 1983. He defines: “Photography begins with the individual who holds the machine: what he lived, what books he reads, what music he listens to, what films he sees, what museums he attends, what cultures he visited, what kind of relationship he establishes with the subject or object to be photographed. What drives the finger to activate the camera’s trigger is a function of the accumulation of experiences, training
and experience. Photography is transforming or bringing to a flat surface the interior of the full human being the photographer is.”
Claudio Lobo
DEBRA HOLT
THE RUGGED BEAUTY OF NATURE THAT HOUSES TRIBES FROM THE MIDDLE EAST
The human being is the most adapt able animal on the planet. We live in both the poles and the tropics; both in forests and deserts. And each of these places brings a fascination. Both exuberant and arid areas sensitize us. That is why the book “One Thousand and One Nights” is on so many libraries and minds. North American Debra Holt, photographer, video maker, painter, sculptor, creator of installations, pointed her sensitivity and her camera at that region. She transforms buildings, landscapes and the people who give meaning to time and space into photographic art. With her perceptive gaze, Debra Holt aestheticizes the landscape and its inhabitants. And she invites us to look, to feel and to reflect. In this region, which was originally called the Fertile Crescent, agriculture and livestock began. And with them a long and beautiful story. This shoot warns us of an almost hidden world. It reveals the marks of a long trajectory.
D ebra Holt’s website (http://debraholt.com/exhibitions/ tribes-of-middle-east/) tells us about the artist:
“As a lifetime nature lover, Debra Holt is particularly drawn to the rugged beauty of the wilderness. Across the dry, dusty wilderness of the Arabian Desert, nomadic travelers still journey. Solemn children greet visitors with a piercing, knowing gaze. Elders smile ever-so-faintly, their expressive eyes tucked into deeply-lined, weather-worn faces. With this collection, Holt sought to capture the humanity, beauty, and incredible resilience of these unique people. She is fascinated by everything about these tribes, especially the way they adapt to their environment. Holt was born in West Palm Beach and raised in Miami. She works at the Wynwood Art District, located in Miami. She graduated with
a BA in Fine Arts from Florida International University and has a master’s in Fine Arts from the Pratt Institute in New York.”
Debra Holt
DIEGO ECHEVERS TORREZ
A BEAUTIFUL, DENSE AND DIGNIFIED TRIBUTE TO A MARGINALIZED ETHNICITY
“Photography is not a literal transcription of reality. Photography is a poetic interpretation of life. Photography allows me to give visual meaning to our world.”
DIEGO ECHEVERS TORREZ
Coc ani is the title of this shoot by Bolivian Diego Echevers Torrez, done between 2015 and 2019. Cocani are the Aymara ethnic coca traders who settled in the Bolivian city of Oruro at the time when the region was prospering in the mining of silver and tin. We will use three words to contemplate and admire the images: memory, dignity, density. Diego Echevers Torrez’s aesthetic removes the “devouring Cronos” time from our perspective. Here, there is a permanence. A kind of eternal respect for the past and traditions. A cult of historically marginalized people. The photographer rescues that humanity. Because his pictures exude dignity, density. The choice of black and white is no accident. There are no colors to distract the viewer’s attention. Each character is recreated ontologically in our consciousness and becomes present. And the greatness of each one emerges.
Echevers Torrez was born in Cochabamba in 1979. He studied Architecture and Anthropology and taught Anthropology at Universidad Catholica Boliviana. In addition to being a photographer, he teaches Photography at the Universidad Mayor de San Simón, in Cochabamba, Bolivia.
Echevers Torrez used a camera for the first time in 1997. Self-taught, he discovered his influences on the internet: Edward Curtis, Josef Sudek, Karl Blosfeldt, Irving Penn and Sebastião Salgado. He prefers analog photography and uses medium and
large format cameras.
Here he pays homage to the culture and traditions of the Cocani by capturing their cultural memory, their voice and their faces, projecting the struggle of a people anchored in the history of the mines of a city that gradually forgets its origins.
He chos e London’s Albumen Gallery, a world pioneer in virtual exhibitions, to represent him.
Diego Eschevers Torrez
ED ECKSTEIN
THE ART OF PHOTOJOURNALISM TO HELP PREVENT THE DECAY OF TRUTH
S omething happens beyond these images from Ed Eckstein. Something hidden, latent. Eckstein’s expertise does not allow the photo to be just a trivial image to be overlooked. Premonition? Sixth sense? Or journalistic competence combined with a realistic aesthetic? The Hypeness portal (https://www. hypeness.com.br/2020/11/democracia-cancelada-censura-eviolencia-nas-eleicoes-americanas/), in November last year, posted: “Democracy canceled: censorship and violence in North American elections”. And newspaper Folha de S. Paulo (https:// www1.folha.uol.com.br/mundo/2020/11/eua-votam-com-medode-eleicao-descambar-para-violencia-armada.shtml?origin=folha) announced, on November 1, 2020: “The United States is preparing for this Tuesday’s (3) elections as if watching a suspense movie, waiting for something frightening to happen.” Everything was anticipated in the registers of this experienced and hard-hitting North American photojournalist. Ed Eckstein began his career in the 1960s, documenting the social upheavals of the time –in the United States and internationally. His focus has always been on the social aspect: he covered East Berlin in the Cold War; Native Americans on and off the US reserves; he registers the social unrest in the US, which is increasingly divided and polarized. “I take pictures to help prevent the decay of the truth. I work in the humble photographic tradition of explaining, from man to man, the desire to understand more about the human condition. My work tries to capture the non-fictional photographic image, distilled from visual encounters with humanity and the place.” Eckstein started in photograph at a very young age: “Someone gave me a small Brownie camera when I was 12 and that was it. I was
hooked immediately. I’ve never had a Plan B.” He is represented by Albumen Gallery, London, a world pioneer in virtual exhibitions.
Ed Eckstein
EDUARDO SANTOS MAFRA
AN ART OF LIVING AND RECORDING EVERYDAY LIFE AND TAKING IT OUT OF ITS FALSE BANALITY AND ALIENATION
What does daily life reveal to us? How can we redefine it in the sameness of our days? What paths do we take and do not even notice, such is the mechanical way in which we walk and alienate ourselves from the near (or distant?) reality? Do we look at the ground? Do we look around? Do we look up and down? Certainly, we don’t even look inside ourselves ... Eduardo Santos Mafra denounces our insensitivity and asks us: where do we look, what do we care about, where is our solidarity humanity? With art, Mafra exercises and stimulates our possibility to know and understand more and better everyday life. He argues: “This shoot portrays the impressions I had of the empty streets and the new routine generated by the pandemic. Accustomed to the ‘this is’ of the photographs I produced for my everyday work, this work is still a ‘this is’, but it is also a ‘this was’, inspired by Roland Barthes’ thought in the classic ‘Camera Lucida’, of photography as something that, immediately after the moment of capture, becomes a cut from the past”. Here, he seeks to register the textual marks of the old normality amid aspects of the new routine. “The shoot was, in the midst of a practically absolute isolation and a feeling of great uncertainty, a way to keep my mind focused through a telephoto lens.” Mafra was born in 1991. He graduated in Communication from UFBA - Federal University of Bahia. He has been photographing professionally since 2009, between documentary and advertising photography, with a stint as a photographer at the Communication Department of the City Hall of Salvador (2011-2012). He carries out authorial projects and teaches classes and workshops. “Photography has been the natural convergence of my passion for visual arts. I believe above all in beauty, which is, after all, my fundamental purpose when shooting.”
Eduardo Santos Mafra
JOAN MANEL ZAMORA
DETAILS OUT OF THEIR CONTEXT GAIN PLASTIC SUBJECTIVITY
From concrete to abstract, Zamora strolls with competent elegance. From black and white to colorful. From tobacco leaves to landscapes, from cities to sled dogs and technological guts: he does sports, portraits, landscapes, nature. Finally, he is professional and fulfills his orders perfectly. And there is still time for personal projects: artistic, abstract, surreal photography, digital art. In this shoot, Zamora de-contextualizes details. Excluded as objects that make up structures, they gain an artistic subjectivity, they begin to sensitize us for their plasticity. Zamora comments: “Photography is an art, a way of expressing oneself and capturing those small details, creating a composition, perhaps looking for another way of seeing things from a different perspective. Photography is not only landscapes or people. With these images I try to capture those small details of what we see, and we have every day that go unnoticed with the naked eye but if we look closely they are there. Mechanical or electronic systems, current or old. One of the photos is of the power plant in Andorra, installed in 1933 and to this day that machinery continues to work together with the new technology. Or even a hdd hard drive: everyone knows that their computer has a hard drive, but many do not know what it is like inside original.”
Joan Manel Zamora is an Andorra-bas ed photographer. What started a few years ago as a hobby ended up being his main job in the Pyrenees mountains. In the last couple of years he has travelled to Nepal, Morocco, Turkey and some European countries. He’s been contributing for some years in humanitarian projects with his brother, Francesc Zamora, (http://elobservadorobservado. com/proyectossolidarios/), what gave him a new perspective of our society.
Joan Manel Zamora
LEO SOMBRA
A VISIT TO THE BEGINNINGS OF PHOTOGRAPHY, BOTH PLASTIC AND POETICALLY
Chance and the unusual permeate Leo Sombra’s photos. But not any chance, any unusual. Almost a fluke and a custommade unexpected. A chance and an unusual that are waiting for a poet interlocutor. Leo Sombra turns random findings into poetry. He has a peculiar way of discovering, selecting, photographing and exhibiting ready-mades. Not with the coldness of some conceptual ready-mades. He brings an Impressionist inspiration: with his almost primitive technique, he proposes an aesthetic that invites you to travel to the early days of photography. Something of Thomas Wedgwood (1771 - 1805), who experimented with silver compounds and other materials to fix images photographically; or Sarah Anne Bright (1793-1866), an English artist who produced the oldest photographic images made by a woman. Both, without any physical-chemical certainty, anticipated Leo Sombra. But he now recovers them consciously, aesthetically, using his careful eye to select signs and offer us to contemplation and meditation. Thus, what he shows us acquires new meanings before our eyes. Something like a metamorphosis. Signifying and signifier merge plastically. He teaches us to pay more attention to our surroundings, so that we can aesthetically enjoy more and better everything that surrounds us.
Leo S ombra was born in São Miguel, Rio Grande do Norte, Brazil, in 1986
He moved to São Paulo in 1998. He began his studies in Photography in 2006, in the professional training course in Photography offered by ImageMagica, a non-governmental organization founded by the photo documentarist Andre François. He began to shoot in the pinhole format, building images
Sombra with cameras without lenses and expired photographic papers. Since 2007, he has been developing work that predominantly uses handcrafted or old equipment and photographic materials that are out of date.
Leo
M FRISINO
THE CYBERNETIC RECREATION OF A HISTORICALLY MULTIPLIED BEAUTY
The human body is infinite. The female human body goes beyond the infinite. It is an equation that happens in a macho society. A fascination of a certain female body is promoted. Frisino, as a former student of Anthropology, knows this. But he does not fail to exercise its particular fascination. He exercises it aesthetically and extrapolates. Frisino wants to recreate a historically multiplied beauty. He weaves bodies as Penelope wove Ulysses’ shroud. What Penelope wove by day, she destroyed at night. Frisino weaves more and more day and night his future cyber plots. His women have something of Ava, a character in Alex Garland’s movie “Ex Machina”. But without her rebellion. As technological as it proposes, the making of Frisino, his algorithm in this series, is absolutely surreal. He recreates allegories, he appropriates algorithms, he semiotically reveals secrets, he freezes and warms feelings. An aesthetic that is both luminous and disconcerting. How much unconscious! He appropriates the female body, but does not keep it to himself. Does he expose them to the looks of men and women to be ... questioned, consumed, admired?
This shoot was named “qu@ntum N01R”. Frisino presents it: “It is a visual mashup, a digital generator of emerging metaphors. These images are rock art from the 21st century”.
Michael Frisino was born in 1961, in Bridgeport CT USA. He graduated in Liberal Arts in 1983 at the University of Notre Dame in Indiana, United States. He did his postgraduate studies in Cultural Anthropology at Indiana University. He worked in information technology, in the early days of the internet, in several companies in Silicon Valley, California. He traveled the world as a technical instructor and software engineer, including long periods in St. Petersburg, Russia and São Paulo, Brazil. Since 2015, he has
been focused on developing a new career as a photographer and digital artist.
M Frisino
MARIO BARILA
IMAGES FOR CONTEMPLATION AND REFLECTION THAT PROMOTE SOCIAL AND ECOLOGICAL ACTIVITIES
A blink of an eye is like a click. A blink of an eye I can turn into memory. One click I can eternalize. My look encompasses a whole reality, no matter how many details call my attention. The click selects and, at the same time, makes the real unreal, insofar as that image is found and lost in its entirety. Thus, to eternalize part of the real is also to recreate that same real, making it a referent. Standing in front of a photo is also like standing in front of a musical creation. This is how Mario Barila’s photos are presented. He composes images as a composer composes music. His concern for reality disappears after his click and proposes an emotion. His (symphonic?) registers, however, are not just for contemplation. Each of the photos, carefully and aesthetically offered, proposes a reflection. They almost ask us: do you know what you are seeing; hearing?
Barila was born in S ão Paulo, in 1963. He studied and worked with Araquém Alcântara, a precursor of nature photography in Brazil. He is passionate about nature and outraged at our unequal and unjust social economic system. He associates his work as a photographer with activism. He created the Água Vida Project, which brings together photography and sustainability: “During the pandemic, without being able to photograph or hold exhibitions, I helped distribute food boxes to the low income community on the outskirts of the south of São Paulo city”. Mario developed reforestation actions in Fernando de Noronha, Chapada dos Veadeiros and Mariana, donated computers to schools in Ilhabela, Lençóis Maranhenses, Serras da Capivara and Serra das Confusões. He made donations to institutions like Tucca, which cares for underprivileged children with cancer; Caraivaviva, in Bahia; and the Pastoral do Menor, in Pará.
Mario Barila
MOHAMED ABUSAL
AN ARTISTIC AND POLITICAL INTERVENTION PROPOSES A PEACEFUL COEXISTENCE
The title of this 2012 work: “Metro in Gaza”. Mohamed Abusal envisioned a series of seven underground stations that would link the city of Gaza to Jerusalem, to Rafah and to the north. We are facing utopias: subway stations in the Gaza Strip. An artistic and political intervention. A manifesto for peaceful coexistence, for peace. For connection. A communication proposal, what the human being has best developed, and which is at the heart of coexistence... or conflict. Art has strange powers. Especially conceptual art and, within it, land art. In this case, where is the art? In the photos, in the symbolic thought of the viewer, in reality –beach, city, desert – with human intervention, in the artist’s intention, in the underlying idea waiting for an “Open Sesame”? Palestinian multi-artist Mohamed Abusal combines installation, video, photography, paintings, drawings. Its “Metro in Gaza” (2012) proposes a network of metro lines to connect the different areas of the Gaza Strip. He made a lighted metro sign and photographed it where he imagined the metro stations should be. His gesture/installation brings artistic transgression to cry out for unity. His goal is to make a critical commentary on contemporary life in his home Gaza. Mohamed Abusal was born in Gaza in 1976. He graduated in Finance and Administration, but chose art to communicate with the world. Without neglecting photography, painting is his greatest passion, where he seeks energy to recharge his mind and create beautiful works. He has held exhibitions notably in France, in addition to the USA, the United Kingdom, Australia and Dubai. In 2005 he received the Charles Aspry Award for Contemporary Art. He is a founding member of Eltiqa, an active group of contemporary artists who formed in 2002. His painstaking
technique and his intense work make him one of the most brilliant talents in Palestine.
Mohamed Abusal
SERGIO RICARDO DE OLIVEIRA
A FUSION OF HUMAN HEAT AND HEAT FROM THE AMAZON RAINFOREST IN BLACK AND WHITE
Everything is huge in the Amazon region. Everything becomes small in the face of the exuberance of the forest. Except for its inhabitants: the peoples of the forest and those who arrived afterwards and live tellurically with nature. Some photographers managed to extract essential moments from the Amazon, physically and metaphysically. Some stood out, such as Sebastiao Salgado, Claudia Andujar, Araquem Alcantara, Luiz Claudio Marigo. Sergio Ricardo de Oliveira intends to be part of this select team. He chose a peculiar way of extracting beauty and poetry from the largest forest in the world: in the face of the Amazonian exuberance, he chose black and white and created a kind of Chinese shadow theater, full of Expressionism. And the forest and its inhabitants get to us in a plastically vigorous, dense, deep way. It is amazing how these images bring us another heat, a fusion of human and forest heat. He reflects: “the Amazon teaches us to recognize in indigenous and riverside people places of knowledge, knowledge to dialogue with ‘formal’ science in order to contribute to a better world”. About photography: “I believe that the function of photography is to provoke a reflection”. Ricardo Oliveira is an Amazonian, photographer and journalist: “I was born in 1969. I have spent a large part of my childhood between Manaus (then paradisiacal) and Rio de Janeiro.” He started his career in Rio de Janeiro, where he lived and studied with Walter Firmo and Ivan Lima. In 1995, he returned to Manaus, where he works in the local press. The booklet “Milagres dos Peixes”, a shoot about the pirarucu, the largest freshwater fish in the world, was the national winner of the Sebrae Journalism Award. In 2016, the shoot “Piabeiros e Piaçabeiros” received a national award from the Public Ministry
of Human Rights Labor, Anamatra Award - National Association of Human Rights Labor Justice Magistrates, and an honorable mention from the Vladimir Herzog Human Rights Award.
Sergio Ricardo de Oliveira
STEPHAN ZAUBITZER
IN DECONSTRUCTION, A VISUAL ODE TO CINEMA RITUALS.
Nost algia is the word that emerges from each of the photos in this photoshoot by Stephan Zaubitzer. Each of these deconstructions takes us to a unique moment in mass communication: the sacred temples of cinema and all the ideology they represented. It is true that they still exist, but they are unavoidably being substituted for streaming. Zaubitzer carefully uses aesthetically conceptualized syntax and semantics. A filmic syntax, the purest of photography, the real, an eternalized moment, is placed before our eyes; and a semantics that, by intensely valuing symbolic thinking, through intensely worshiped temples, reveals a time that vanishes, nostalgically, because it will never return. Zaubitzer is an esthete of deconstruction, and photographs on all continents. Since 2003, Cinés-Monde has become his longest work. He also works for the press, institutions or companies. Journalist Sophie Wright sums up his work: “A visual ode to cinema rituals and the culture of going to the cinema. Stephan Zaubitzer traveled around the world to document these missing beauties”. Stephan Zaubitzer has been a photographer since 1991. Twelve years later, his photography found cinema. Winner of the World Press Photo 2004, nominated for the Roger Pic award from SCAM - Société Civile des Auteurs Multimedia, for his work in cinemas around the world, work that is regularly shown in France and in the world. His works are regularly shown in art centers, museums or film or photography festivals: Boghossian Foundation in Brussels (2018), Institut du Monde Arabe (2017), Kunstraum/Bethanien in Berlin (2018), Photomed (2016), Cultural Center Banco de Brazil, in Rio de Janeiro (2015) or at the MAP Festival in Toulouse (2014). In 2004, he received a World Press Photo for his series registering open-air cinemas in Ouagadougou, Burkina Faso’s capital and largest city.
Stephan Zaubitzer
EDITORIAL
VIVEMOS UM TEMPO QUE PEDE PROFUNDAS E RIGOROSAS ANÁLISES
“A função da fotografia é provocar uma reflexão.”
SERGIO RICARDO DE OLIVEIRA
Complementando a afirmação do fotógrafo Sérgio Ricardo de Oliveira, afirmo que a arte fotográfica deve provocar também uma sensação ligada à emoção. A arte fotográfica deve sensibilizar o espectador. Juntando reflexão com emoção, completamos o viés estético que deve acompanhar a boa arte fotográfica. Sem enveredar ostensivamente pelos caminhos filosóficos, esta edição de Carcara levanta importantes questões relacionadas à percepção.
Stephan Zaubitzer faz uma leitura crítica da desconstrução, numa ode visual aos rituais do cinema. Sergio Ricardo de Oliveira apresenta uma fusão de calor humano e calor da floresta amazônica em preto e branco. Mohamed Abusal e Debra Holt nos convidam a pensar o Oriente Médio. Maureen Bisilliat, uma inglesa naturalizada brasileira, nos propõe belas e intensas brasilidades. Mario Barila traz imagens para contemplação e reflexão que promovem atividades sociais e ecológicas. M. Frisino faz a recriação cibernética de uma beleza historicamente multiplicada. Léo Sombra visita os primórdios da fotografia, plástica e poeticamente. Joan Manel Zamora mostra como detalhes fora de seu contexto podem ganhar plástica subjetividade.
Eduardo Santos Mafra e Claudio Lobo propõem novas leituras e vivências para a cidade. Ed Eckstein mostra como a arte do fotojornalismo pode ajudar a prevenir a decadência da verdade. Diego Echevers Torrez faz uma bela, densa e digna homenagem a uma etnia marginalizada. E nos oferece uma frase para encerrar nossa reflexão: “A fotografia não é uma transcrição literal da realidade; é uma interpretação poética da vida. A fotografia me
permite dar um significado visual ao nosso mundo.”
B oas visões, boas reflexões (nestes tempos de pandemia brasileira e desgoverno, estamos precisando).
CARLO CIRENZA
MAUREEN BISILLIAT
AS BELAS E INTENSAS BRASILIDADES DESTA INCANSÁVEL E MARAVILHOSA INGLESA NATURALIZADA BRASILEIRA
Tudo o que Maureen Bisilliat fotografa se transforma em arte. E da melhor qualidade! Tudo é esteticamente forte, denso, consistente. Pairando sobre cada imagem, parece existir um irrealismo expressionista. Cada imagem explode. Quem conseguiu mais brasilidades nas fotos do que essa inglesa naturalizada brasileira? As fotos de Bisilliat fazem questão de encarar e desafiar o espectador. E deixá-lo embasbacado, tal a grandiosidade, a beleza e a contundência das composições. E mesmo assim, ela diz: “Eu nunca fui uma fotografa tecnicamente apurada. Tinha consciência de luz, tinha feito muitos anos de pintura e desenho, mas se eu tinha um dom, era provocar uma cumplicidade entre as pessoas ao fotografá-las.” A incansável e maravilhosa Maureen Bisilliat é fotógrafa e documentarista. Nasceu em Englefield Green, Inglaterra, em 1931, e chegou ao Brasil em 1952. Iniciou na fotografia em 1962 e trabalhou por dez anos nas revistas Realidade e Quatro Rodas. Bisilliat desenvolveu um dos mais sólidos trabalhos fotográficos no Brasil. Em suas andanças pelo país, registrou índios, sertanejos, cultura popular, literatura, arte, política, beleza e tragédia, que resultaram em projetos associando fotografia e literatura. “Foi muito importante, diria até fundamental, pois, sempre juntei imagem e escrita, e tive como ‘companheiros de viagem’ pessoas extraordinárias: Guimarães Rosa, escritor, diplomata e médico, 1908-1967; Jorge Amado, escritor, 1912-2001; Adélia Prado, escritora, 1935; Ariano Suassuna, dramaturgo, romancista e poeta, 1927-2014; Euclides da Cunha, engenheiro, professor, jornalista, romancista, ensaísta, poeta, geógrafo, naturalista, sociólogo, 1866-1909; João Cabral de Melo Neto – poeta e diplomata, 1920-1999; os sertanistas e indigenistas
Orlando Villas-Bôas, 1914-2002, e Cláudio Villas-Bôas, 1916-1998, amigos que me introduziram ao índio e ao Xingu.”
CLAUDIO LOBO
UMA ARTE FOTOGRÁFICA QUE REDESCOBRE HUMOR E ALEGRIA
NA CIDADE
Cláudio Lobo é um “ voyeur” urbano. A cidade se desnuda para ele. Mas ele é também um humorista que vai à pop art e se propõe a redescobrir urbanidades. Cláudio Lobo nos ajuda viver a cidade com alegria. Sugere que devemos olhar com cuidado para enxergar coisas que podem diminuir as mazelas dos dramas atuais e futuros. Seu interesse maior está na “street and urban photography” e na arquitetura, com destaque para a geometria das formas e texturas associadas ao espaço urbano. “As fotos deste e saio dão uma dimensão interessante sobre o que encontrei e percebi caminhando por São Paulo e cidades próximas. O paralama de um caminhãozinho em estado de abandono (suas cores, linhas e as marcas e ação do tempo); uma intervenção digital na tubulação de ar do metrô, transformando-a em um “inseto” com a “boca” dos Rolling Stones; fragmento de um trem do metrô que resulta numa interação de pessoas que usam o vagão e uma peça publicitária; um fusca “estilizado” na porta de uma casa aparentemente em ruínas; uma máscara fixada na porta de um carro olhando para você; pernas de plástico para o alto com meias femininas diferentes e bem coloridas: a ordem na desordem? “
Claudio Lobo nas ceu em 1956. É engenheiro eletrônico de formação (1980) , com extensão em administração de empresas e fotógrafo por vocação e dedicação desde 1981. Mudou-se para São Paulo em 1983. Ele define: “A fotografia começa no indivíduo que segura a máquina: o que viveu, que livros lê, que músicas ouve, que filmes vê, que museus frequenta, que culturas visitou, que tipo de relação que estabelece com o sujeito ou objeto a ser fotografado. O que impulsiona o dedo a acionar o disparador da máquina fotográfica é função do acúmulo de experiências, formação e
vivência. Fotografia é transformar ou trazer para uma superfície plana o interior do ser humano pleno que é o fotógrafo.”
DEBRA HOLT
A BELEZA AGRESTE DA NATUREZA QUE ABRIGA TRIBOS DO ORIENTE MÉDIO
O s er humano é o animal mais adaptável do planeta. Ele mora tanto nos polos quanto nos trópicos; tanto nas florestas quanto nos desertos. E cada um desses locais traz um fascínio. Tanto áreas exuberantes quanto áridas sensibilizam. Não é por outra razão que o livro “As Mil e Uma Noites” frequenta tantas bibliotecas e mentes. A nortea-mericana Debra Holt, fotógrafa, videomaker, pintora, escultora, criadora de instalações, assestou sua sensibilidade e sua câmera para aquela região. Ela transforma em arte fotográfica construções, paisagens e as pessoas que dão significado ao tempo e espaço. Com seu olhar perspicaz, Debra Holt estetiza a paisagem e seus habitantes. E nos convida a olhar, a sentir e a refletir. Nessa região, na sua origem chamada de Crescente Fértil, teve início a agricultura e a pecuária. E com elas uma longa e bela história. Este ensaio nos adverte para um mundo quase oculto. Ele revela as marcas de uma longa tragetória.
O site de Debra Holt (http://debraholt.com/exhibitions/ tribes-of-middle-east/) nos conta sobre a artista:
“Como amante da natureza por toda a vida, Debra Holt é particularmente atraída pela beleza agreste da natureza. Em toda a região árida e empoeirada do deserto da Arábia, personagens nômades ainda viajam. Crianças solenes cumprimentam os visitantes com um olhar penetrante. Os mais velhos sorriem muito fracamente, com olhos expressivos enfiados em rostos enrugados e desgastados pelo tempo. Com este ensaio, Holt procura capturar humanidade, beleza e a incrível resiliência dessas pessoas únicas. Ela é fascinada por tudo sobre essas tribos, especialmente a forma como se adaptam ao seu ambiente. Holt nasceu em West Palm Beach e foi criada em Miami. Trabalha no Wynwood Art District, localizado em Miami. Formou-se com bacharelado em Belas Artes
pela Florida International University e tem mestrado em Belas Artes pelo Pratt Institute de Nova York.”
DIEGO ECHEVERS TORREZ
UMA BELA, DENSA E DIGNA HOMENAGEM A UMA ETNIA MARGINALIZADA
“A fotografia não é uma transcrição literal da realidade; é uma interpretação poética da vida. A fotografia me permite dar um significado visual ao nosso mundo.”
DIEGO ECHEVERS TORREZ
Cocani é o título deste ensaio do boliviano Diego Echevers
Torrez, feito entre 2015 e 2019. Cocani são os comerciantes de coca da etnia Aymara, que se estabeleceram na cidade boliviana de Oruro na época em que a região prosperava na mineração de prata e estanho. Vamos usar três palavras para contemplar e admirar as imagens: memória, dignidade, densidade. A estética de Diego Echevers Torrez retira o tempo “Cronos devorador” da nossa ótica. Aqui, há uma permanência. Uma espécie de eterno respeito pelo passado e pelas tradições. Um culto a pessoas historicamente marginalizadas. O fotógrafo resgata essa humanidade. Porque suas fotos transpiram dignidade, densidade. A escolha do preto e branco não é por acaso. Não há cores para distrair a atenção do espectador. Cada personagem é recriada ontologicamente em nosso consciente.
E se presentifica. E a grandeza de cada uma emerge.
Echevers Torrez nasceu em Chochabamba, em 1979. Estudou Arquitetura e Antropologia e lecionou Antropologia na Universidad
Cathólica Boliviana. Além de fotografar, ele leciona Fotografia na Universidad Mayor de San Simón, em Cochabamba, Bolívia.
Echevers Torrez usou uma câmera pela primeira vez em 1997. Autodidata, por meio da internet, descobriu suas influências: Edward Curtis, Josef Sudek, Karl Blosfeldt, Irving Penn e Sebastião Salgado. Ele prefere a fotografia analógica e usa câmeras de médio e grande formato.
Aqui ele homenageia a cultura e as tradições dos Cocani ao captar sua memória cultural, sua voz e seus rostos, projetando
a luta de um povo ancorado na história das minas de uma cidade que aos poucos esquece suas origens.
Ele escolheu a Albumen Gallery, de Londres, pioneira mundial em exposições virtuais, para representá-lo.
ED ECKSTEIN
A ARTE DO FOTOJORNALISMO PARA AJUDAR A PREVENIR A DECADÊNCIA DA VERDADE
Algo acontece para além destas imagens de Ed Eckstein. Algo oculto, latente. A perícia de Eckstein não deixa que a foto seja apenas uma imagem trivial para ser esquecida. Premonição? Sexto sentido? Ou a competência jornalística aliada a uma estética realista. O portal Hypeness (https://www.hypeness. com.br/2020/11/democracia-cancelada-censura-e-violencianas-eleicoes-americanas/), em novembro do ano passado, postava: “Democracia cancelada: censura e violência nas eleições americanas”. E o jornal Folha de S. Paulo (https://www1.folha. uol.com.br/mundo/2020/11/eua-votam-com-medo-de-eleicaodescambar-para-violencia-armada.shtml?origin=folha), no dia primeiro de novembro de 2020, anunciava: “Os Estados Unidos se preparam para as eleições desta terça-feira (3) como quem assiste a um filme de suspense, à espera de que algo assustador aconteça.” Tudo antecipado nos registros deste experiente e contundente fotojornalista norte-americano. Ed Eckstein iniciou sua carreira nos anos 60, documentando as convulsões sociais da época - nos Estados Unidos e internacionalmente. O foco de seu trabalho sempre foi o aspecto social: cobriu Berlim Oriental na Guerra Fria; nativos americanos dentro e fora de reservas nos EUA; registra a agitação social dos EUA, cada vez mais dividido e polarizado. ”Eu tiro fotos para ajudar a prevenir a decadência da verdade. Trabalho na humilde tradição fotográfica de explicar, de homem para homem, o desejo de entender mais sobre a condição humana. Meu trabalho tenta capturar a imagem fotográfica não ficcional, destilada de encontros visuais com a humanidade e o lugar. Eckstein entrou na fotografia muito jovem: “Alguém me deu uma pequena câmera Brownie quando eu tinha 12 anos e foi isso. Eu fui fisgado imediatamente. Nunca tive um Plano B.” Ele é
representado pela Albumen Gallery, de Londres, pioneira mundial em exposições virtuais.
EDUARDO SANTOS MAFRA
UMA
ARTE
DE
VIVER
E
REGISTRAR
FALSA BANALIDADE E ALIENAÇÃO
O COTIDIANO E TIRÁ-LO DE SUA
O que nos revela o cotidiano? Como podemos redefini-lo na mesmice de nossos dias? Que caminhos percorremos e nem nos damos conta, tal é a maneira mecânica com que caminhamos e nos alienamos da realidade próxima? (Ou distante?) Olhamos para o chão? Olhamos para os lados? Olhamos para cima e para baixo? Certamente, sequer olhamos para dentro de nós... Eduardo Santos Mafra denuncia nossa insensibilidade e nos pergunta: para onde olhamos, com que nos preocupamos, onde está nossa humanidade solidária? Com arte, Mafra exercita e estimula nossa possibilidade de conhecer e entender mais e melhor o cotidiano. Ele argumenta: “Este ensaio retrata as impressões que tive das ruas vazias e da nova rotina gerada pela pandemia. Acostumado ao ‘isto é’ das fotografias que produzia para os meus trabalhos corriqueiros, este trabalho não deixa de ser um ‘isto é’, mas também é um ‘isto foi’, inspirado na reflexão presente no clássico ‘A Câmara Clara’ de Roland Barthes, da fotografia como algo que, imediatamente após o momento da captura, torna-se um recorte do passado.” Aqui, ele procura registrar as marcas textuais da antiga normalidade em meio a aspectos da nova rotina. “O ensaio foi, em meio a um isolamento praticamente absoluto e uma sensação de grande incerteza, por meio de uma teleobjetiva, uma maneira de manter minha mente com um foco.”
Mafra nasceu em 1991. Formou-se em Comunicação pela UFBA – Universidade Federal da Bahia. Fotografa profissionalmente desde 2009, entre o documental e a fotografia publicitária, com passagem como fotógrafo na Secretaria de Comunicação de Prefeitura de Salvador (2011-2012). Realiza projetos autorais e ministra aulas e workshops. “A fotografia tem sido o ponto de convergência natural da minha paixão pelas artes visuais. Creio
acima de tudo na beleza, que é, no fim das contas, meu propósito fundamental ao fotografar.”
JOAN MANEL ZAMORA
DETALHES FORA DE SEU CONTEXTO GANHAM PLÁSTICA
SUBJETIVIDADE
D o concreto ao abstrato, Zamora passeia com competente elegância. Do preto e branco ao colorido. Das folhas de tabaco às paisagens, das cidades aos cães de trenó e às entranhas tecnológicas: faz esportes, retratos, paisagens, natureza. Enfim, é profissional e cumpre com perfeição suas encomendas. E ainda sobra tempo para projetos pessoais: fotografia artística, abstrata, surreal, arte digital. Neste ensaio, Zamora descontextualiza detalhes. Excluídos como objetos componentes de estruturas, eles ganham uma subjetividade artística, passam a nos sensibilizar pela sua plasticidade. Zamora comenta: “A fotografia é uma arte, uma forma de se exprimir e captar esses pequenos detalhes, criar uma composição, talvez procurar outra forma de ver as coisas de uma perspectiva diferente. Fotografia não é só paisagens ou pessoas. Com essas imagens eu tento captar esses pequenos detalhes do que vemos e temos todos os dias e que passam despercebidos a olho nu, mas se olharmos de perto eles estão lá.
Sistemas mecânicos ou eletrônicos, atuais ou antigos. Uma das fotos é da usina de Andorra, instalada em 1933, e que até hoje continua trabalhando em conjunto com a nova tecnologia. Ou até mesmo um disco rígido: todos sabem que seu computador possui um disco rígido, mas muitos não sabem como é seu interior”. Joan Manel Zamora é um fotógrafo que vive em Andorra. O que começou há alguns anos como um hobby acabou se tornando seu principal trabalho nas montanhas dos Pireneus. Nos últimos anos, ele viajou para o Nepal, Marrocos, Turquia e alguns países europeus. Há alguns anos vem contribuindo em projetos humanitários com seu irmão, Francesc Zamora (http:// elobservadorobservado.com/proyectossolidarios/), o que deu a ele uma nova perspectiva de nossa sociedade.
LEO SOMBRA
UMA VISITA AOS PRIMÓRDIOS DA FOTOGRAFIA, PLÁSTICA E POETICAMENTE.
O acaso e o inusitado permeiam as fotos de Leo Sombra. Mas não qualquer acaso, qualquer inusitado. Quase um acaso e um inusitado sob medida. Um acaso e um inusitado que estão à espera de um interlocutor poeta. Leo Sombra transforma achados aleatórios em poesia. Ele tem um jeito peculiar de descobrir, selecionar, fotografar e expor ready mades. Não com a frieza de alguns ready mades conceituais. Ele traz uma inspiração impressionista: com sua técnica quase primitiva, ele propõe uma estética que convida para uma viagem aos primórdios da fotografia.
Algo de Thomas Wedgwood (1771 – 1805), que experimentou compostos de prata e outros materiais para fixar imagens fotograficamente; ou de Sarah Anne Bright (1793–1866) uma artista inglesa que produziu as mais antigas imagens fotográficas feitas por uma mulher. Ambos, sem qualquer certeza físicoquímica, anteciparam Leo Sombra. Mas este os recupera agora conscientemente, esteticamente, utilizando seu cuidadoso olhar para selecionar signos e nos oferecer à contemplação e meditação. Assim, aquilo que ele nos mostra se ressignifica diante de nossos olhos. Algo como uma metamorfose. Significado e significante se fundem plasticamente. Ele nos ensina a prestar mais atenção à nossa volta, para que possamos aproveitar esteticamente mais e melhor tudo o que nos cerca.
Leo S ombra nasceu em São Miguel, Rio Grande do Norte, Brasil, em 1986
Mudou-s e para São Paulo em 1998. Iniciou seus estudos em fotografia em 2006, no curso profissionalizante em fotografia oferecido pela ImageMagica, uma organização não governamental fundada pelo fotodocumentarista André François. Começou a fotografar no formato pinhole, construindo
imagens com câmeras sem lentes e papéis fotográficos vencidos. Desde 2007 vêm desenvolvendo um trabalho em que emprega predominantemente o uso de equipamentos artesanais ou antigos e materiais fotográficos fora do prazo de validade.
M FRISINO
A RECRIAÇÃO CIBERNÉTICA DE UMA BELEZA
HISTORICAMENTE MULTIPLICADA
O corpo humano é infinito. O corpo humano feminino vai além do infinito. É uma equação que acontece numa sociedade machista. Promove-se um fascínio de um determinado corpo feminino. Frisino, como ex-estudante de antropologia, sabe disso. Mas nem por isso deixa de exercitar seu fascínio particular. Exercitar esteticamente e extrapolar. Frisino quer recriar uma beleza historicamente multiplicada. Ele tece corpos como Penélope tecia a mortalha de Ulisses. Somente que Penélope tecia de dia e destruía à noite. Frisino tece dia e noite, cada vez mais, tramando tramas cibernéticas futuras. Suas mulheres têm algo de Ava, personagem do filme “Ex machina”, de Alex Garland. Mas sem sua rebeldia. Por mais tecnológico que se proponha, o fazer de Frisino, seu algoritmo nesta série, é absolutamente surrealista. Ele recria alegorias, ele se apropria de algoritmos, ele descortina semioticamente segredos, ele congela e aquece sentimentos. Uma estética ao mesmo tempo luminosa e desconcertante. Quanto de inconsciente! Ele se apropria do corpo feminino, mas não o guarda para si. Ele os expõe aos olhares de homens e mulheres para serem... questionados, consumidos, admirados?
Este ensaio foi batizado “qu@ntum N01R”. Frisino apresenta: “É um mashup visual, um gerador digital de metáforas emergentes. Estas imagens são arte rupestre do século 21.”
Michael Frisino nasceu em 1961, em Bridgeport CT USA. Formou-se em artes liberais em 1983, na Universidade de Notre Dame, em Indiana, Estados Unidos. É pós-graduação em antropologia cultural na Universidade de Indiana. Trabalhou na área de tecnologia da informação, nos primórdios da internet, em várias empresas do Silicon Valley, California. Viajou pelo mundo como instrutor técnico e engenheiro de software, incluindo longos
períodos em São Petersburgo, Rússia e São Paulo, Brasil. Desde 2015, está focado no desenvolvimento de uma nova carreira como fotógrafo e artista digital.
MARIO BARILA
IMAGENS PARA CONTEMPLAÇÃO E REFLEXÃO QUE PROMOVEM
ATIVIDADES SOCIAIS E ECOLÓGICAS
Um pis car de olhos é como um clique. Um piscar de olhos eu transformo em memória. Um clique eu eternizo. Meu olhar abrange uma realidade por inteiro, por mais que inúmeros detalhes me chamem a atenção. O clique seleciona e, ao mesmo tempo, torna o real irreal, na medida em que aquela imagem está achada e perdida na totalidade. Assim, eternizar uma parte do real é também recriar esse mesmo real, tornando-o referente. Estar diante de uma foto é também como estar diante de uma criação musical. Assim se apresentam as fotos de Mário Barila. Ele compõe imagens, como um compositor compõe música. Sua preocupação com a realidade se desvanece após seu clique e nos propõe uma emoção. Seus registros (sinfônicos?) contudo, não são apenas destinados à contemplação. Cada uma das fotos, cuidadosa e esteticamente oferecidas, propõe uma reflexão. Elas quase nos perguntam: você sabe o que está vendo; está ouvindo? Barila nasceu em São Paulo, em 1963. Estudou e trabalhou com Araquém Alcântara, precursor da fotografia de natureza no Brasil. É apaixonado pela natureza e indignado contra nosso sistema econômico social desigual e injusto. Associa seu trabalho de fotógrafo com ativismo. Criou o Projeto Água Vida, que reúne fotografia e sustentabilidade: “Na Pandemia, sem poder fotografar ou realizar exposições, ajudei a distribuir cestas básicas para a comunidade carente da periferia da zona sul de São Paulo.” Mario desenvolveu ações de reflorestamento em Fernando de Noronha, na Chapada dos Veadeiros e em Mariana, doou computadores para escolas carentes em Ilhabela, nos Lençóis Maranhenses e nas Serras da Capivara e das Confusões. Fez doações para instituições como a Tucca, que cuida de crianças carentes com câncer; a Caraivaviva, na Bahia; e a Pastoral do Menor, no Pará.
MOHAMED ABUSAL
UMA INTERVENÇÃO ARTÍSTICA E POLÍTICA PROPÕE UMA
CONVIVÊNCIA PACÍFICA
Título de sta obra de 2012: “Metro in Gaza”. Mohamed Abusal imaginou uma série de sete estações subterrâneas que ligariam a cidade de Gaza a Jerusalém, a Rafah e ao norte. Estamos diante de utopias: estações de metrô na faixa de Gaza. Uma intervenção artística e política. Um manifesto pela convivência pacífica, pela paz. Conectar-se. Uma proposta de comunicação, aquilo que o ser humano melhor desenvolveu e que está no cerne da convivência... ou do conflito. A arte tem estranhos poderes. Sobretudo a arte conceitual e, dentro dela, a land art. Neste caso, onde está a arte? Nas fotos, no pensamento simbólico do espectador, na realidade – praia, cidade, deserto - com a intervenção humana, na intenção do artista, na ideia subjacente à espera de um “abrete sésamo”? O multiartista palestino Mohamed Abusal combina instalação, vídeo, fotografia, pinturas, desenhos. Seu “Metro em Gaza” (2012) propõe uma rede de linhas de metrô para conectar as diferentes áreas da Faixa de Gaza. Ele fez uma placa iluminada do metrô e a fotografou onde imaginou que as estações do metrô deveriam estar. Seu gesto/instalação traz a transgressão artística para clamar por união. Seu objetivo é fazer um comentário crítico sobre a vida contemporânea em sua Gaza natal. Mohamed Abusal nasceu em Gaza em 1976. Formou-se em finanças e administração, mas escolheu a arte para se comunicar com o mundo. Sem deixar de lado a fotografia, a pintura é sua maior paixão, onde ele busca energia para recarregar a mente e criar belos trabalhos. Tem realizado exposições notadamente na França, além dos EUA, Reino Unido, Austrália e Dubai. Em 2005 recebeu o Prêmio Charles Aspry de Arte Contemporânea. Ele é um membro fundador do Eltiqa, um grupo ativo de artistas contemporâneos que se formou em 2002. Sua técnica esmerada, seu trabalho intenso fazem dele um dos
talentos mais brilhantes da Palestina.
SERGIO RICARDO DE OLIVEIRA
UMA FUSÃO DE CALOR HUMANO E CALOR DA FLORESTA AMAZÔNICA
EM PRETO E BRANCO
Tudo na Amazônia é grande. Tudo fica pequeno diante da exuberância da floresta. Menos seus habitantes: os povos da floresta e aqueles que chegaram depois e convivem teluricamente com a natureza. Alguns fotógrafos conseguiram extrair da Amazônia momentos essenciais, física e metafisicamente. Alguns se destacaram, como Sebastião Salgado, Cláudia Andujar, Araquém Alcântara, Luiz Cláudio Marigo. Sérgio Ricardo de Oliveira se propõe a frequentar esse seleto time. Escolheu um modo peculiar de extrair beleza e poesia da maior floresta do mundo: diante da exuberância amazônica, escolheu o preto e branco e cria uma espécie de teatro chinês de sombras, recheado de expressionismo. E a floresta e seus habitantes nos chegam plasticamente vigorosos, densos, profundos. É impressionante como estas imagens nos trazem um outro calor, uma fusão de calor humano e calor da floresta. Ele reflete: “a Amazônia nos ensina a reconhecer nos indígenas e ribeirinhos lugares de saberes, saberes para dialogar com a ciência ‘formal’ de modo a contribuir para um mundo melhor”. Sobre fotografia: “Creio que a função da fotografia é provocar uma reflexão”. Ricardo Oliveira é amazonense, fotógrafo e jornalista: “Nasci em 1969. Passei grande parte da minha infância de moleque entre Manaus (então paradisíaca) e Rio de Janeiro.” Iniciou sua carreira no Rio de Janeiro, onde morou e estudou com Walter Firmo e Ivan Lima. Em 1995, voltou para Manaus onde atua na imprensa local. O caderno “Milagres dos Peixes”, ensaio sobre o pirarucu, maior peixe de água doce do mundo, foi o vencedor nacional do prêmio Sebrae de Jornalismo. Em 2016, o ensaio Piabeiros e Piaçabeiros recebeu o prêmio Nacional do Ministério Público do Trabalho de Direitos Humanos, Prêmio Anamatra –Associação Nacional dos Magistrados da Justiça do Trabalho de
Direitos Humanos e menção honrosa do prêmio Vladimir Herzog de Direitos Humanos.
STEPHAN ZAUBITZER
NA DESCONSTRUÇÃO, UMA ODE VISUAL AOS RITUAIS DO CINEMA.
Nost algia é a palavra que emerge de cada uma das fotos deste ensaio de Stephan Zaubitzer. Cada uma destas desconstruções nos remete para um momento ímpar da comunicação de massa: os templos sagrados do cinema e toda ideologia que eles representavam. É verdade que eles ainda existem, mas estão inapelavelmente sendo trocados pelo streaming. Zaubitzer, cuidadosamente, utiliza sintaxe e semântica, esteticamente conceituadas. Uma sintaxe fílmica, a mais pura da fotografia, o real, um momento eternizado, é colocado diante de nossos olhos; e uma semântica que, valorizando intensamente o pensamento simbólico, por meio de templos intensamente cultuados, nos revela um tempo que se esvai, nostalgicamente, porque não mais retornará. Zaubitzer é um esteta da desconstrução, e fotografa em todos os continentes. Desde 2003, Cinés-Monde tornouse seu trabalho mais longo. Também trabalha para a imprensa, instituições ou empresas. A jornalista Sophie Wright resume seu trabalho: “Uma ode visual aos rituais do cinema e à cultura de ir ao cinema. Stephan Zaubitzer viajou por todo o mundo para documentar essas belezas desaparecidas”. Stephan Zaubitzer é fotógrafo desde 1991. Doze anos depois, sua fotografia encontra o cinema. Vencedor do World Press Photo 2004, indicado ao prêmio Roger Pic da SCAM - Société civile des auteurs multimedia, por seu trabalho em cinemas ao redor do mundo, trabalho que é exibido regularmente na França e no mundo. Suas obras são exibidas regularmente em centros de arte, museus ou festivais de cinema ou fotografia: Boghossian Foundation em Bruxelas (2108), Institut du Monde Arabe (2017), Kunstraum/Bethanien em Berlim (2018), Photomed (2016), Centro Cultural Banco de Brazil, no Rio de Janeiro (2015) ou no MAP Festival em Toulouse, em (2014). Em 2004, ele recebeu uma World Press Photo por sua série registrando
cinemas ao ar livre de Ouagadougou, capital e maior cidade do Burkina Faso.
Credits
Publisher: Alaide Rocha
Editor: Carlo Cirenza
Research and text: Fernando Rios
Graphic Project: Marcelo Pallotta
Designer Assistant: Katharina Pinheiro
Translation: Bruna Martins Fontes
Acknowledgements: Nuhad Aparecida Skaf, Camera de Comercio Arabe Brasileira (https://www.ccab.org.br)
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ISSN 2596-3066
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