XV Bienal de Fotografía

CONSEJO NACIONAL PARA LA CULTURA Y LAS ARTES Consuelo Sáizar | Presidenta Roberto Vázquez Díaz | Secretario Cultural y Artístico Raúl Arenzana Olvera | Secretario Ejecutivo CENTRO NACIONAL DE LAS ARTES Víctor González Esparza | Director General Humberto Chávez Mayol | Director General Académico CENTRO DE LA IMAGEN Alejandro Castellanos Cadena | Director JURADO DE LA XV BIENAL DE FOTOGRAFÍA Yolanda Andrade | Fotógrafa Jesse Lerner | Cineasta Marcela Quiroz | Investigadora CATÁLOGO XV BIENAL DE FOTOGRAFÍA Alejandra Pérez Zamudio | Coordinación editorial Krystal Mejía | Diseño Patricia Gola | Revisión de textos Emily Adams | Traducción Luis Alberto González | Registro fotográfico César Flores | Reprografía de los libros de Eikoh Hosoe Pablo Zepeda Martínez | Supervisión editorial D.R. © 2012, Conaculta / Cenart / Centro de la Imagen D.R. © 2012, Los textos y sus respectivos autores D.R. © 2012, Las fotografías y sus respectivos autores Esta publicación no puede ser reproducida, total ni parcialmente, sin la debida autorización de los titulares de los derechos.

ISBN: 978-607-516-128-0 Centro de la Imagen

Plaza de la Ciudadela 2, Centro Histórico, 06040 México, D.F. http://centrodelaimagen.conaculta.gob.mx Impreso y hecho en México

páginas anteriores: Edson Caballero. De la serie Un día a la vez. Torreón, Coahuila, 2010-2012.

índice -08PRESENTACIÓN

-10XV bienal de fotografía

-14acta de jurado

-16un breve recorrido

-18descentramientos

-22premios

-36menciones

-78seleccionados

-164semblanzas

-172EIKOH HOSOE. LIBROS DE ARTISTA

-19215TH PHOTOGRAPHY BIENNIAL

Presentación

Quizás el fenómeno más significativo en las últimas dos décadas con respecto a las políticas culturales en México es la descentralización de algunas de sus actividades. En particular, en el campo de la fotografía se ha incrementado notablemente la infraestructura y programación de eventos en ciudades que antes habían tenido escasa atención hacia la producción contemporánea, destacando Guadalajara, Monterrey, Oaxaca, Puebla, San Luis Potosí, Tijuana y Xalapa. Ciudades que ahora cuentan con espacios o foros que se mantienen atentos a la producción de sus artistas y que han ido consolidándose como núcleos de movimientos contemporáneos.

La Bienal de Fotografía ha respondido a dicho proceso incorporando a la exhibición de sus resultados un número cada vez mayor de creadores de los estados de la federación. De esta manera, la Bienal cumple con un propósito inherente a un concurso que se asumió desde un principio con una dimensión nacional, aun cuando las condiciones de formación y difusión de las artes en el país no ayudaban, en los inicios de este proyecto, a responder al ideal.

Con el tiempo, se ha ido equilibrando no sólo la participación, sino algo más importante, la calidad discursiva de las propuestas, lo que sugiere una mayor información sobre las tendencias contemporáneas que reciben y procesan los autores de diversos sitios en el país. Sin duda, la puesta en marcha de centros dedicados a la formación artística, así como la creación y diseminación de redes de colaboración y las becas para la producción federales y estatales, además del acceso a Internet, son factores decisivos para que esta situación tenga lugar.

Dada la coincidencia de este proceso con la vocación y los objetivos del Centro Nacional de las Artes, nos congratulamos de ver que los esfuerzos que nuestra institución desarrolla en colaboración con organismos, artistas e investigadores en el país propician estos resultados. Agradecemos por ello su participación en la XV Bienal de Fotografía.

Víctor González esparza | Director General del Centro Nacional de las Artes

 Alejandro Cartagena. De la serie Car-Poolers. Monterrey, 2011.

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xv bienal de fotografía Como jurado de la XV Bienal de Fotografía, nos reunimos dos veces: en una primera ocasión vimos los archivos digitales de todos los participantes en la convocatoria y en una segunda, revisamos las fotos pre-seleccionadas que fueron entregadas con cada propuesta y en una presentación física idónea para su posterior exhibición. Durante ese proceso, hemos podido atestiguar las transformaciones que han ido reconfigurando el medio fotográfico al transcurrir de las pasadas tres décadas. En las primeras bienales de fotografía en México, antes de la formación del Centro de la Imagen, la fotografía en blanco y negro, documental y muchas veces de contenido social, dominaba las convocatorias.

Hoy en día este tipo de trabajo no ha desaparecido, pero representa un porcentaje ciertamente menor en el conjunto de proyectos recibidos. Pero mucho más allá de esta específica mención que enlaza contextualmente la historia de la práctica fotográfica con la historia de la Bienal de Fotografía en México, lo que hoy confirmamos como jurado de la XV Bienal de Fotografía es la compleja transformación que hoy perfila las posibilidades de concebir no sólo de “la fotografía” sino de “la imagen”, precisando ser repensada dentro de un espectro estético y conceptual mucho más amplio –aun cuando muchos de los géneros “tradicionales” del medio se mantienen, enriquecidos y/o cuestionados no sólo por el uso de nuevas aplicaciones tecnológicas, sino por la vitalidad, urgencia e intenciones presentes de su ejercicio.

Durante el extenso y minucioso proceso de selección y análisis de los proyectos entregados en respuesta a la convocatoria de la XV Bienal de Fotografía, advertimos, en nuestro papel de jurado, no solamente la persistencia de proyectos de fotografía blanco/negro y color, digital y análoga, sino también la multiplicidad de propuestas en video, flipbooks, fotosecuencias, fotoinstalaciones, cuadros de video impresos como fotos, arte-objeto fotográficos, entre otros muchos recursos formales y discursivos que dan cuenta de la variedad de las transmutaciones que comportan las actuales condiciones del medio fotográfico. Es innegable

Luis Alberto González. Registro fotográfico de una de las sesiones que sostuvo el jurado de la XV Bienal de Fotografía en el Centro de la Imagen. Septiembre de 2012.

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que la fotografía como “disciplina” artística perdura, no sólo a nivel nacional sino global, inmersa en un proceso acelerado de transición y constante expansión de sus propias fronteras epistémicas, reconfigurando tanto sus posibilidades materiales como conceptuales. En este sentido, esta bienal representa un fragmento temporal sintomático de un activo devenir desde aquello que era y fue.

La XV Bienal se presenta también en una etapa de transición para el Centro de la Imagen. Como un primer momento de su presencia expositiva, la muestra se inaugura en la recién restaurada Biblioteca de México que es, junto con el Centro de la Imagen –todavía en obra para el acondicionamiento e interrelación de ambos edificios como parte de un solo complejo cultural– parte fundamental de La Ciudadela. Participamos así de la expectativa que anticipa el nuevo Centro de la Imagen, mientras que celebramos el proceso de restauración de este conjunto arquitectónico de tanta valía y presencia como testigo histórico y sede cultural.

Haber sido parte del jurado de esta XV Bienal de Fotografía fue una experiencia enriquecedora, en la que tuvimos la oportunidad de observar, analizar y discutir los diversos modos de abordar la fotografía entre un amplio rango de generaciones, así como distinguir los orígenes y formaciones diversas de la gran mayoría de los participantes. Durante el proceso de revisión y selección se hizo evidente, cada vez con mayor fuerza y contundencia, que uno de los temas preponderantes y de mayor calidad en esta bienal es el retrato. Los dos premios otorgados en esta ocasión fueron precisamente para Paula Eugenia Islas Figueroa y Luis Arturo Aguirre Ceballos, quienes, desde perspectivas y preocupaciones íntimas y singulares, concretaron dos proyectos fotográficos en los que reflexionan sobre las posibilidades expresivas, narrativas, sociales y temporales del retrato contemporáneo.

El proyecto fotográfico de Paula Eugenia Islas Figueroa combina, en un políptico de pequeño formato, un conjunto de imágenes en pares o “retratos reiterados” de cinco mujeres en los que, de manera frontal y poco pretenciosa, la autora busca capturar la visible transitoriedad de las huellas que dejan en el rostro los sutiles cambios de actitud y sensibilidad, así como la elección de vestimenta de cinco mujeres de diversas edades, en los dos días decisivos del ciclo menstrual: el día de ovulación y el de fin del ciclo. La resolución formal y lumínica de la serie complementa conceptualmente la pieza, compartiendo el mismo tono sutil de aproximación y mirada que la ha gestado.

La segunda serie fotográfica premiada, presentada por Luis Arturo Aguirre Ceballos, hace del retrato una elocuente herramienta para visibilizar la estancia

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y condición física y dialógica entre la “realidad” y la “ficción”, que afirma y dispone la identidad transgenérica. Esta develación entra en pugna en los retratos individuales de un grupo de hombres jóvenes de Acapulco, Guerrero, entre los que se incluye el propio autor. La precisa integración de los elementos formales e individuales, de una gran seducción, que comparten las imágenes, no redunda en el retrato que comúnmente ha atendido esta temática, sino que transgrede el género en un abierto tono confesional.

Como afirmara la filósofa española María Zambrano, el arte comparte con la confesión –en tanto acto de disposición temporal– una duración ajena al tiempo cotidiano en la que el ser humano puede “darse el lujo” de entregar, no ya un determinado mensaje o un contenido antes silenciado, que ahora decide darse a conocer al otro, sino un estado de disposición que sólo puede ser entendido y experimentado desde la temporalidad compartida como puesta en riesgo que anima el encuentro que acontece entre la obra de arte y aquel que la recibe.

Como jurado de esta quinceava edición, manifestamos nuestra confianza plena de que, no sólo entre las obras premiadas sino en la totalidad de los trabajos seleccionados para dar cuerpo a esta XV Bienal de Fotografía, el público logrará participar de ese estado de entrega y encuentro expuesto, que hace posible el arte y confirma la necesidad de su existencia.

Yolanda Andrade | Jesse Lerner | Marcela Quiroz

Jurado de la XV Bienal de Fotografía 2012

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acta del jurado

México, D.F. a 13 de septiembre de 2012.

Reunidos en las instalaciones del Centro de la Imagen/ Centro Nacional de las Artes, el jurado integrado por la fotógrafa Yolanda Andrade, el cineasta Jesse Lerner y la investigadora Marcela Quiroz, después de una cuidadosa evaluación de los 421 portafolios participantes en la convocatoria de la XV Bienal de Fotografía, otorgaron los siguientes premios y reconocimientos: PREMIOS de adquisición ($75,000.00 cada uno) Luis Arturo Aguirre Ceballos, por su serie Desvestidas Paula Eugenia Islas Figueroa, por su serie 28/14 MENCIONES HONORÍFICAS Edson Aminadab Carrillo Caballero, por su serie Un día a la vez Héctor Alejandro Cartagena, por su serie Car-Poolers Natalia Fregoso Centeno, por su serie Zapata vive Ramón Moctezuma Zaragoza, por su serie Arcos Cecilia Monroy Cuevas, por la pieza Muerte materna Astrid Ariana Rodríguez del Águila, por su serie Retratos del alma SELECCIONADOS: Eunice Adorno Martínez Luis Enrique Aguilar Pereda Pablo Cuevas Casamitjana (Casacuevas) Beatriz Díaz Zurita Nicola Ókin Frioli Eduardo Jiménez Román Karina Juárez Tinoco Elsa Medina Castro Fernando Montiel Klint Mauricio Palos Gutiérrez

Marcelo Rius Baron Norma Angélica Sandoval Bravo Alejandra Guadalupe Ugarte Bedwell Fernando Velasco Torres Teresa Villarreal Elizabeth Vinck Monroy Francisco Manuel Westendarp Palacios

Jesse Lerner

Elsi Yolanda López Andrade

Marcela Guadalupe Quiroz Luna

un breve recorrido | El Salón Nacional de Artes Plásticas se creó en 1977, con el auspicio del Instituto Nacional de Bellas Artes. El propósito era claro: fomentar e impulsar la producción artística del país. Sin embargo, la fotografía no contaba con una sección específica y los fotógrafos participantes debían inscribir su obra en la Sección Bienal de la Gráfica. Con todo, fueron 31 los trabajos que resultaron elegidos y se determinó que ellos se integraran a la muestra que tuvo lugar en el Museo del Palacio de Bellas Artes. Aunque se descartó que las fotografías presentadas pudieran competir en el concurso, el jurado recomendó otorgar más oportunidades a esta expresión del arte.

Sin embargo, tuvieron que pasar dos años para que el jurado de la Sección Bienal de la Gráfica reconociera a la fotografía. Fue en julio de 1979 que se premió la obra de Lázaro Blanco y se otorgó una mención honorífica a Rafael Doniz. Se seleccionó también el trabajo de 26 fotógrafos, al tiempo que se propuso la creación de un salón dedicado específicamente a la fotografía. Este hecho, fundamental para el impulso de esta disciplina artística, se materializó en diciembre de 1979, cuando el INBA convocó a los fotógrafos a participar por primera vez en la Sección Bienal de Fotografía del Salón Nacional de Artes Plásticas. Fue finalmente en 1980 que la Bienal Nacional de Fotografía se presentó en la Galería del Auditorio Nacional. Sus primeras cinco ediciones se realizaron en colaboración con el Consejo Mexicano de Fotografía, la obra premiada fue adquirida por el INBA y pasó a engrosar su propio acervo.

El certamen perdió, no obstante, continuidad, dejando de realizarse durante algunos años. Fue recién en 1993 que el Consejo Nacional para la Cultura y las Artes, junto con el INBA, convocó nuevamente a los fotógrafos a participar en la que sería la VI Bienal de Fotografía. Los trabajos seleccionados fueron exhibidos, a fines de ese mismo año, en el Instituto de Artes Gráficas de Oaxaca. Unos meses más tarde, el 4 de mayo de 1994, un Centro de la Imagen recién inaugurado acogió esta muestra. Desde entonces este Centro, dedicado a dar impulso y difusión a la fotografía, ha venido organizando cada dos años y de manera regular esta Bienal. Y lo que es más, ha incorporado a este certamen otros proyectos de índole internacional, muestras derivadas de sus propios acervos y la exhibición de los trabajos, resultado del Seminario de Fotografía Contemporánea que aquí se lleva a cabo. A resultas de esto, el acervo fotográfico del Centro de la Imagen se ha venido enriqueciendo con la adquisición sistemática de la obra premiada en este concurso.

A continuación presentamos un breve recorrido por las distintas bienales de fotografía que, en este 2012, celebran su quinceava edición.

Alejandra Pérez Zamudio

1980 - 2012

28 PROPUESTAS FOTOGRáFICAS DE 135

SAlÓN NACIONAl DE lA PláSTICA

El JURADO RECONOCE A lA FOTOGRAFÍA PREMIO DE ADQUISICIÓN [30 MIl PESOS]

lázARO BlANCO por Ave siniestra

MENCIÓN HONORÍFICA: RAFAEl DONIz por Papel sagrado COMITé SElECCIONADOR: Dolores álvarez Bravo Anhelo Hernández Fausto Ramírez Ramón Sosa Montes Carmen Tagueña

JURADO CAlIFICADOR: Enrique Bostelmann Miguel Cervantes Antonio Díaz Cortés Margie Rabinovich Bertha Taracena

SECCIÓN BIENAl DE FOTOGRAFÍA DEl SAlÓN NACIONAl DE ARTES PláSTICAS

SECCIÓN BIENAl DE FOTOGRAFÍA DEl SAlÓN NACIONAl DE ARTES PláSTICAS

46 SElECCIONADOS DE 165 PARTICIPANTES COMITé DE SElECCIÓN Y ADQUISICIÓN: Rita Eder, Gabriel Figueroa Mateos, Alfredo Joskowickz, Paulina lavista y Antonio Rodríguez

PREMIOS DE ADQUISICIÓN [75 mil pesos cada uno]: © Carlos Somonte

1979 ANTECEDENTES

lourdes Grobet por lucha de estrellas, laura Magaña por Sin título, Carlos Somonte por Puntos de vista, Gerardo Suter por Siempre el tiempo.

MENCIONES HONORÍFICAS: Jorge Acevedo, lourdes Almeida, Catherine Carey, Carlos Contreras, Eduardo Enríquez Rocha, Jan Hendrix, Cristina Montoya y león Rafael Pardo.

s Héctor García renuncia al Comité de Selección y Adquisición,

y en su lugar entra Alfredo Joskowickz. la obra se exhibe en la Galería del Auditorio Nacional, de febrero a abril.

SECCIÓN BIENAl DE FOTOGRAFÍA DEl SAlÓN NACIONAl DE ARTES PláSTICAS

50 SElECCIONADOS DE 224 PARTICIPANTES

JURADO DE SElECCIÓN Y PREMIACIÓN: Enrique Bostelmann, Alfredo Joskowickz, Carlos Jurado y Antonio Rodríguez

COMITE DE ADQUISICIÓN Y BECAS: Víctor Flores Olea, Graciela Iturbide, José luis Neyra y José de Santiago

© Graciela Iturbide

65 SElECCIONADOS DE 140 PARTICIPANTES

PREMIO [EDICIÓN DE UN lIBRO CON lOS PREMIOS Y MENCIONES]:

Aníbal Angulo, Victoria Blasco, Rogelio Cuéllar, Julieta Giménez Cacho, Graciela Iturbide, Pedro Meyer, José luis Neyra, Pablo Ortiz Monasterio y Pedro Valtierra, entre otros.

MENCIONES HONORÍFICAS: Jorge Acevedo, Francisco Barriga, Eduardo

Enríquez Rocha, Rigel García de la Cabada, Javier Hinojosa, Maritza lópez, Pablo Masón, Xavier Quirarte y Rubén Vargas.

sEn un principio Carlos Monsiváis formaba parte del jurado.

El INBA edita el libro-premio con prólogo de Carlos Monsiváis y textos del jurado, y un catálogo-memoria con la obra total seleccionada.

© Pedro Meyer

PREMIOS DE ADQUISICIÓN [150 mil pesos cada uno]:

Carlos lamothe por Agua en México, Javier Hinojosa por Sin título, Pedro Meyer por la terrena comedia, Pedro Valtierra por El Sahara.

MENCIÓNES HONORÍFICAS: Francisco Barriga, Victoria Blasco,

Adrián Bodek, Carlos Contreras, Eduardo Enríquez Rocha, Elías Jaber, Ricardo Neira y Antonio Turok.

BECAS DE PRODUCCIÓN [200 mil pesos cada uno]:

Fernando Espejo, David Maawad, John O’leary y Rubén Ortiz.

s Se presenta en el marco del I Coloquio Nacional de Fotografía, junto con una muestra de la obra no seleccionada.

SECCIÓN BIENAl DE FOTOGRAFÍA DEl SAlÓN NACIONAl DE ARTES PláSTICAS

48 SElECCIONADOS DE 206 PARTICIPANTES JURADO: Arnold Belkin, lázaro Blanco, Juan Castañeda, Antonio luque y Jesús Sánchez Uribe

vi BIENAl DE FOTOGRAFÍA

viii

69 SElECCIONADOS DE 326 PARTICIPANTES

31 SEl

JURADO: Hermann Bellinghausen, Graciela Iturbide y Adolfo Patiño (Adolfotógrafo)

PREMIOS DE ADQUISICIÓN [250 mil pesos cada uno]:

© César Vera

Carlos lamothe por Hecho en México, John O’leary por la condenada felicidad, Sergio Toledano por Terremoto, César Vera por Rimas.

MENCIONES HONORÍFICAS: Armando Arias, Bernardo Fuchs y Vicente Guijosa.

BECAS DE PRODUCCIÓN [350 mil pesos cada uno]: Yolanda Andrade, Marco Antonio Cruz, laura González y Heriberto Rodríguez. s la obra se exhibe en la Galería del Auditorio Nacional,

de junio a julio.

SECCIÓN BIENAl DE FOTOGRAFÍA DEl SAlÓN NACIONAl DE ARTES PláSTICAS

PREMIOS DE ADQUISICIÓN [10 mil pesos cada uno]:

© Gilberto Chen

JURADO:

Osvaldo Sá © laura Barrón

Gilberto Chen por Testimonio personal, Marco Antonio Pacheco por leyenda de origen, Eugenia Vargas por Sin título.

MENCIONE

MENCIONES HONORÍFICAS: laura Anderson, Marco Antonio Cruz, Raúl Ortega, José Raúl Pérez, Ambra Polidori, Gustavo Prado y Vida Yovanovich.

PREMIO DEl PÚBlICO: Raúl Ortega por Víctor 'El Chiquilín'.

e Hildegart

s Premio “Sotero Constantino” en Oaxaca: Jorge Acevedo Oweena

a que eres riculum Vit

Fogarty y Alberto Tovalin. | Con esta Bienal se inaugura el Centro de la Imagen. | Se crea el Premio del Público, que tiene como distinción una medalla de plata del INBA.

vii BIENAl DE FOTOGRAFÍA

PREMIO D

s la bien

Su itine

B D

35 SElECCIONADOS DE 146 PARTICIPANTES

85 SElECCIONADOS DE 560 PARTICIPANTES

20 SElE

JURADO: luis Almeida, Armando Cristeto, Olivier Debroise, Felipe Ehrenberg y Eugenia Rendón

JURADO: Gutierre Aceves Piña, lourdes Almeida, Fabrizio león,

JURADO: H

Aristeo Jiménez y Marco Antonio Pacheco

© Francisco Mata

Andrés Garay por Reportaje en China hoy, Fabrizio león por Aquí se inicia la atención, Francisco Mata por Balnearios, D.F., Rogelio Rangel por Tauromaquia.

BECAS DE PRODUCCIÓN [350 mil pesos cada uno]: Oweena Fogarty, Graciela landgrave, Eniac Martínez y Everardo Rivera. sla obra se exhibe en el Museo del Palacio de Bellas Artes, de mayo a julio, y en el Instituto Veracruzano de la Cultura.

© Adolfo Pérez Butrón

PREMIOS DE ADQUISICIÓN [250 mil pesos cada uno]:

PREMIOS DE ESTÍMUlO A lA CREACIÓN ARTÍSITCA [15 mil pesos cada uno]: lorenzo Armendáriz por Identidades, José Raúl Pérez por Tarot chilango, Adolfo Pérez Butrón por Cuerpos distantes, deseos indetenibles.

MENCIONES HONORÍFICAS: lorena Alcaraz, Aurora Boreal (Gustavo Prado), Miguel Calderón, Oweena Fogarty, Rosalba Pego-Antonio Tirocchi, Eduardo Warnholtz y Vida Yovanovich.

MENCIÓN HONORÍFICA ESPECIAl: Moy Volcovich.

PREMIO DEl PÚBlICO: Adolfo Pérez Butrón por Cuerpos distantes, deseos indetenibles, en el CI y el Museo de Arte Contemporáneo, Oaxaca. s la bienal tiene una itinerancia de seis meses.

© Katya Brailovsk

MENCIONE

Pía Elizondo

PREMIO D sSe exhib

como p Se prese convoca

ÓN o]:

viii BIENAl DE FOTOGRAFÍA

x BIENAl DE FOTOGRAFÍA

31 SElECCIONADOS DE 576 PARTICIPANTES

44 SElECCIONADOS DE 805 PARTICIPANTES

JURADO: Marco Antonio Cruz, Miguel Fematt, Osvaldo Sánchez, Gerardo Suter y Wendy Watriss

JURADO: Magali Arriola, Joel Montoya, Pablo Ortiz Monasterio, Cecilia Salcedo y Roberto Tejada

PREMIO ESTÍMUlO A lA CREACIÓN ARTÍSITCA [35 mil pesos cada uno]: laura Barrón por Paradeísos, Edgar ladrón de Guevara por El beso esencial, Pedro Slim por De la calle al estudio.

© laura Barrón

nio

acheco

ulo.

Raúl ovanovich.

ena ntro de la istinción

FÍA

S

A mil pesos dáriz l Pérez Pérez tes,

ustavo o

ntes, deOaxaca.

MENCIONES HONORÍFICAS: Dante Busquets, Adriana Calatayud

e Hildegart Oloarte.

PREMIO DEl PÚBlICO: Alejandro Guzmán por Juega a lo grande, a que eres grande [Ciudad de México] y Julio Galindo por Curriculum Vitae [Oaxaca]. s la bienal se exhibe en el Centro de la Imagen y en Oaxaca.

© Yvone Venegas

A

PREMIO ESTÍMUlO A lA CREACIÓN ARTÍSITCA [75 mil pesos cada uno]:

Federico Gama por Top Models.

Retratos de la vida loca, Yvonne Venegas por las novias más hermosas de Baja California.

MENCIONES HONORÍFICAS: Tomás Canchola Saldaña, Mauricio limón de león, Patricia Méndez Obregón, Andrés Oceja limón, Giovanni Ramírez y luis Vicente Rodríguez.

PREMIO DEl PÚBlICO: Federico Gama por Top Models... sSe presenta un Salón de Invitados con los trabajos premiados, de la segunda a la novena Bienales de Fotografía.

Su itinerancia es de un año.

BIENAl INTERNACIONAl DE FOTOGRAFÍA

xi BIENAl DE FOTOGRAFÍA

20 SElECCIONADOS DE 378 PARTICIPANTES

43 SElECCIONADOS DE 762 PARTICIPANTES

JURADO: Hou Hanru, José Antonio Navarrete y Guillermo Santamaría

JURADO: Carlos Ashida, Armando Cristeto, laura González, Juan Rodrigo llaguno y Rubén Ortiz Torres

© Katya Brailovsky

PREMIOS ESTÍMUlO A lA CREACIÓN ARTÍSITCA [35 mil pesos cada uno]:

© Gerardo Montiel

Rolando Martínez por Retratos de familia, Gerardo Montiel Klint por Places.

Katya Brailovsky por Sin título, Javier Dueñas por límites de cobertura.

MENCIONES HONORÍFICAS: Erik Beltrán, Ximena Berecochea, Pía Elizondo y Jorge Peraza.

PREMIO DEl PÚBlICO: Victoria Ríos por Re-cuerdos.

sSe exhiben imágenes electrónicas, en video y en CD-ROM, así como proyectos tridimensionales y programas interactivos.

Se presentan tres Salones de Invitados internacionales convocados por el jurado.

PREMIOS DE ADQUISICIÓN [75 mil pesos cada uno]:

MENCIONES HONORÍFICAS: Humberto Chávez Mayol, Marco Antonio Cruz, Maya Goded, Yuri Manrique y Ricardo Trabulsi.

PREMIO DEl PÚBlICO: Manuel Santos por Aliens somos un

experimento del propio universo.

s Se presenta el Premio Revelación 2003 en colaboración

con el festival PhotoEspaña. los ganadores son: Enrique Méndez de Hoyos [México] y lucía Arjona [España].

xii BIENAl DE FOTOGRAFÍA

xiv BIENAl DE FOTOGRAFÍA

44 SElECCIONADOS DE 665 PARTICIPANTES

25 SElECCIONADOS DE 461 PARTICIPANTES

JURADO: José luis Barrios, Javier Hinojosa y Vida Yovanovich

JURADO: Guillermo Fricke, Rod Slemmons, Maia Sutnik, Domingo Valdivieso e Yvonne Venegas

PREMIOS DE ADQUISICIÓN [75 mil pesos cada uno y equipo de impresión HP]:

PREMIOS DE ADQUISICIÓN [75 mil pesos cada uno]:

Cannon Bernáldez por Miedos, Dante Busquets por Sateluco. © Dante Busquets

© Alejandro laviada

MENCIONES HONORÍFICAS: Ilana Bolvitnik, Alejandra laviada, Fernando Montiel Klint, Kenia Nárez, Dulce Pinzón y Mónica Ruzansky.

PREMIO DEl PÚBlICO: Dulce Pinzón por la verdadera historia de los superhéroes. s El catálogo es editado por el Centro de la Imagen/ Cenart,

en colaboración con HP.

Fernando Brito por Tus pasos se perdieron con el paisaje, Alejandra laviada por Foto Esculturas.

MENCIONES HONORÍFICAS: José luis Cuevas, Aldo Guerra, Claudia Hans, Juan Carlos lópez Morales y Mauricio Palos.

PREMIO DEl PÚBlICO: Claudia Hans por Morido. s Muestras incorporadas a esta bienal: Enfoques. Primer Encuentro

Internacional de Centros de Fotografía, Discoveries of the Meeting Place 2010, Nueva Fotografía Eslovaca, Mirada fantástica x4 y Experiencia y sospecha [Seminario de Fotografía Contemporánea 2009].

xiii BIENAl DE FOTOGRAFÍA

xv BIENAl DE FOTOGRAFÍA

25 SElECCIONADOS DE 505 PARTICIPANTES

25 SElECCIONADOS DE 421 PARTICIPANTES

JURADO: Patrick Charpenel, Francisco Mata y Wendy Watriss

JURADO: Yolanda Andrade, Jesse lerner y Marcela Quiroz

© Andrés Carretero

PREMIOS DE ADQUISICIÓN [75 mil pesos cada uno]:

Andrés Carretero por Ferrotipos, Gerardo Montiel Klint por Volutas de humo.

MENCIONES HONORÍFICAS: José luis Cuevas, livia Corona, Oswaldo Ruiz y Sector Reforma.

PREMIO DEl PÚBlICO: Gerardo Montiel Klint por Volutas de humo. s Muestras incorporadas a esta bienal: Discoveries of the Meeting

Place, PhotoPoland, The Grange Prize, Orden abierto (Seminario de Fotografía Contemporánea 2007 y 2008) y Antología breve.

Materia grata, así como el foro En tiempo real.

© Paula Islas

PREMIO DE ADQUISICIÓN [75 mil pesos cada uno]: luis Arturo Aguirre por Desvestidas, Paula Islas por 28/14.

MENCIONES HONORÍFICAS: Edson Caballero, Alejandro Cartagena, Natalia Fregoso, Ramón Moctezuma, Cecilia Monroy Cuevas y Astrid Rodríguez.

sMuestra incorporada a esta bienal: Eikoh Hosoe. libros de artista.

los ganadores y menciones se dieron a conocer el 5 de octubre de 2012.

descentramientos

En 1984 se realizó el I Coloquio Nacional de Fotografía en Pachuca, dentro del cual tuvo lugar una mesa redonda dedicada a la situación del medio en los estados del país. Como bien lo atestigua una imagen publicada en la memoria de dicho encuentro, la mesa fue insuficiente para los participantes, que acabaron rebasando el espacio disponible, mostrando así su interés por ser tomados en cuenta y, paradójicamente, las condiciones en desventaja de su relación con el centro de la República. Con motivo de este coloquio, se presentó la III Bienal de Fotografía, cuyos premios recayeron en Javier Hinojosa, Carlos Lamothe, Pedro Meyer y Pedro Valtierra, todos ellos residentes en la ciudad de México. ¿Qué ha pasado desde entonces para que en tres décadas de existencia de un certamen nacional, por primera vez dos autores formados fuera de la ciudad de México y activos en sus respectivos lugares de nacimiento y residencia obtengan el mayor reconocimiento del proyecto? Esta no es una pregunta autocomplaciente por ser realizada desde la institución convocante a la Bienal, sino un llamado a revisar con atención lo que ha sucedido en el campo de la fotografía en este periodo. Le corresponderá a los investigadores que analicen el proceso deslindar los detalles que han modificado completamente el mapa de operación de la imagen como proyecto artístico en México.

Algunos antecedentes de este cambio se encuentran en la fundación de fototecas en diversas ciudades, comenzando por la Nacional del INAH, con sede en Pachuca, además de las que se encuentran en Puebla, Monterrey, Veracruz, Zacatecas y el Centro Fotográfico Manuel Álvarez Bravo en Oaxaca. Lo mismo en los festivales organizados a partir de los años ochenta en Mérida y Xalapa, y después en San Luis Potosí y Sonora. La convocatoria realizada desde el Centro de la Imagen para celebrar cada dos años en todo el país el mes de la fotografía, en septiembre, ha servido también para impulsar el reconocimiento hacia el medio.

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En 1995 tuve la oportunidad de participar, junto con Miguel Fematt y Alberto Tovalín, en la organización de la segunda edición de las Crónicas Fotográficas, un encuentro que se realizó en Xalapa con el subtítulo de I Foro México-Estados Unidos. Se logró convocar entonces a numerosos jóvenes provenientes de casi todo el país, quienes acudieron con la expectativa de ampliar su horizonte de formación y de participar en un proyecto de promoción y reflexión sobre la fotografía con alcances nacionales e internacionales, organizado de manera descentralizada. Fue evidente, once años después del I Coloquio Nacional, que el desarrollo de la actividad fotográfica estaba en plena expansión.

Posteriormente, en 2001, Lourdes Báez, entonces directora de Formación e Investigación del Instituto de Cultura de Guanajuato, me invitó a colaborar con ella para desarrollar un programa de atención a los fotógrafos del Estado, que pudo consolidarse durante un sexenio (duró hasta 2006), gracias a la colaboración con el Centro de la Imagen. El proyecto se llamó FotoGuanajuato, pero funcionó en realidad de manera regional, atendiendo y relacionando a los estados de la región centro-occidente del país, entre los que se encuentra Jalisco. Una de las autoras que participaron en este programa fue Paula Islas, ganadora de uno de los dos premios de la XV Bienal de Fotografía.

En 2009 sostuve un pequeño diálogo vía internet con Luis Arturo Aguirre, el otro ganador de los premios de la Bienal de Fotografía. Tomando la iniciativa, me preguntó sobre la posibilidad de que el Centro de la Imagen realizara algunos talleres de fotografía en Acapulco, la ciudad donde reside. Le respondí negativamente y le sugerí algunas referencias para ir generando, a partir de las diversas opciones de formación que existen en el país, un camino propio para su educación. Desde entonces, Luis Arturo amplió su trayectoria educativa en dos espacios: el programa Foto Ensayo desarrollado por el Instituto Hidalguense de Cultura y el Seminario de Fotografía Contemporánea, del Centro de la Imagen y el Centro de las Artes de San Agustín, en Oaxaca, donde lo conocí personalmente.

Los acontecimientos mencionados nos sirven para identificar un aspecto que me parece fundamental para revisar las políticas culturales sobre la fotografía y la imagen en México: Más allá de identificar en forma aislada a las instituciones ó a grupos como responsables de las mismas, es necesario revisar la manera en que funciona el entretejido de las diversas instancias que intervienen en el proceso de formación, producción y circulación de la fotografía y los medios relacionados con ésta.

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La Bienal de Fotografía forma parte, en este contexto, de un complejo sistema de acreditación de resultados, y sirve, hasta hoy, como espacio para vislumbrar algunas de las transformaciones que suceden en el campo. Mientras mantenga esta condición tiene asegurado su futuro. El presente, representado en esta edición, nos muestra una comunidad de autores capaz de imprimir en sus imágenes un sentido de contemporaneidad que mantiene vigente la atención sobre el proyecto, haciéndolo diferente de otros certámenes, sea por su continuidad a lo largo de tres décadas, o bien por la estrecha relación que guardan sus resultados con el entorno cultural y social del cual provienen.

Alejandro Castellanos

Director del Centro de la Imagen

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premios

luis arturo aguirre

desvestidas

30

... Recuerdo la primera vez que vi a un travesti. Fue un momento que me conmocionó y se quedó guardado en mi memoria. Tenía entre siete u ocho años de edad. Acompañaba a una tía a hacer unas compras en el mercado central de Acapulco.

Pasamos frente a un puesto de frutas y ahí estaba “él”, con su cabello chino, muy moreno, brazos fuertes, los párpados pintados con sombra azul eléctrico y sus labios rojos.

—Pásale güerita –le dijo a mi tía–.

No sé si su voz o cuerpo me provocaron confusión o asombro.

—Tía, ¿y él qué es? –pregunté–.

— Ah, él es un chico-chica –me contestó–.

No hubo más respuesta que esa. Yo tampoco hice más preguntas.

El proyecto surge de mi asombro ante los travestis. Me sorprende la capacidad que tienen para convertirse en “mujeres” increíblemente bellas. A través de rellenos dan nuevas formas a su cuerpo; con pelucas y maquillaje modifican sus facciones y feminizan su mirada.

A los travestis se les llama comúnmente “vestidas”, de donde deriva el título de la serie. Lo que hago, es despojarlos de su ropa y entonces quedan “desvestidas”. Es ahí donde se hace evidente la parte masculina, y se genera un juego de doble identidad entre lo masculino y lo femenino.

Haciendo uso del cliché y la obviedad, he representado diferentes historias que hablan de mujeres reales y utópicas.

Desvestidas. Acapulco, Guerrero, 2011.

10 piezas | Impresión digital | 40 x 56 cm

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paula islas

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Esta serie de retratos hecha en Guadalajara muestra dos tomas fotográficas de una misma mujer en edad reproductiva: una, del día de la ovulación y otra, del de la menstruación.

Esta serie busca resaltar los cambios morfológicos y anímicos provocados por las hormonas durante el ciclo menstrual. Los cambios biológicos son visibles en el rostro, y su manifestación social y cultural puede advertirse en el arreglo personal de las mujeres retratadas. Cada fotografía lleva el nombre propio en cuestión y el registro del día perteneciente al ciclo menstrual de la toma.

Este proyecto fue realizado con el apoyo del Consejo Estatal para la Cultura y las Artes Jalisco 2010-2011.

28/14. Guadalajara, 2010-2011.

10 piezas | Impresión cromógena | 40 x 30 cm  Michelle  Mahira, Anayanci y Esther.

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men ciones

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ram贸n moctezuma

arcos

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Los últimos doce años he trabajado en “Arcos”, un estacionamiento abierto las 24 horas del día, ubicado en el centro de la ciudad de México. El trabajar de noche me ha dejado como únicos acompañantes a los autos, el concreto y el frío de la soledad. Hoy es mi último día en este empleo…

Arcos. México, 2011.

9 piezas | Digital | 30.48 x 45.72 cm

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edson caballero

un dĂ­a a la vez

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Francisco I. Madero –antes Chávez– es un poblado a treinta y dos kilómetros de la ciudad de Torreón, Coahuila, en México. Durante cerca de una hora, el autobús conurbado recorre los poblados entre estas dos ciudades. Al llegar a la Central de Chávez, el camión hace un breve descanso para continuar su ruta por los treinta y cinco ejidos municipales. El intervalo desde Torreón, pasando por los ejidos, hasta Chávez es de unas cinco horas.

Yo nací, crecí y aún vivo en Chávez. Desde muy pequeño, recorrí los poblados cercanos en compañía de mi madre. Su trabajo como profesora la obligaba a desplazarse de un ejido a otro por diferentes razones: graduaciones en otras escuelas, fiestas patronales y aniversarios de los lugares en donde se realizó el reparto agrario. Los recuerdos que tengo del camión son casi iguales a las imágenes que veo hoy en día. La fisionomía e indumentaria de la gente no se han transformado mucho, tampoco sus jerarquías ni este vasto universo: el chofer, los pasajeros, los vendedores, los predicadores, los músicos, los pedigüeños, los payasos, los checadores y boleteros, y las dos terminales.

Lo que sí es diferente, es la actual situación del territorio Lagunero en materia de inseguridad. A nadie sorprende que en la carretera que va a Francisco I. Madero el autobús se detenga en un retén militar para ser revisado cada vez que cruza los límites de la ciudad de Torreón. La desconfianza y la paranoia de los habitantes de esta zona se ha incrementado de manera notable. Todos temen por su vida, con justificadas razones, pero igualmente deben desarrollar sus actividades diarias como ir al trabajo, a la escuela, al doctor o simplemente divertirse, sin importar qué tanto se expongan.

La sensación de atemporalidad, así como las diferentes circunstancias que hacen que ese grupo de personas se reúna, bajo el denominador común de la indiferencia, me ha llevado a la necesidad de fotografiar la vida diaria en esa ruta.

Un día a la vez. Torreón, Coahuila, 2010-2011.

6 piezas | Digital impresas en duratrans | 20.30 x 30.50 cm | Proyecto tridimensional

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alejandro cartagena

car-poolers

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Este proyecto presenta una visión peculiar de cómo el car-pooling es practicado por trabajadores en México. Me interesaba documentar dicha práctica porque echa luz sobre las consecuencias del crecimiento desmedido de nuestras ciudades. Vivir en colonias nuevas resulta una contradicción para muchos de sus habitantes. Si bien es cierto que logran hacerse de un patrimonio, el costo de vivir ahí y de mantener el lugar es altísimo. Estas imágenes son por último una reflexión sobre las condiciones de trabajo de muchos mexicanos y su invisibilidad en una sociedad en crisis.

Car-Poolers. Monterrey, 2011.

15 piezas | Impresión cromógena | 50 x 31 cm

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natalia fregoso

zapata vive

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Zapata vive es una serie de retratos de hombres que se parecen físicamente a Emiliano Zapata. Por medio de anuncios en periódicos y de carteles, ubicados en algunos puntos estratégicos de Guadalajara, convoqué a estos hombres y seleccioné a aquellos cuyo parecido era mayor.

Se trata de una revisión iconográfica de Zapata, uno de los personajes más reconocidos y apreciados de nuestra historia, a cien años de la Revolución Mexicana. La intención era establecer una reinterpretación de la imagen del revolucionario que ha sido un icono para la sociedad mexicana, y que se asocia a las luchas sociales y campesinas.

Con este proyecto me propuse “buscar a Emiliano Zapata” a través de los otros, en un contexto contemporáneo y urbano, en sitios que guardan relación directa con los fotografiados. De alguna manera, estos personajes también reflejan nuestra historia actual, social y política.

Zapata vive. Jalisco, 2010-2011.

10 piezas | Impresión crómogena | 70 x 36 cm

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cecilia monroy cuevas

muerte materna

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Después de mucho tiempo de convivir con situaciones de pobreza y problemáticas de género en Chiapas, me siento obligada a dar una opinión y a sostener una postura política.

Esta propuesta fotográfica muestra mi total desacuerdo ante el hecho de que se considere natural que las mujeres mueran durante el embarazo, el parto o posparto, por causas que se pueden prevenir.

Me opongo a la violencia estructural y a la brutalidad, resultado de la pobreza, con que son tratadas las mujeres en las comunidades rurales de México. Ellas son poco valoradas y consideradas fácilmente sustituibles cuando mueren.

Muerte materna. Zona Altos de Chiapas, 2010.

1 pieza | Impresión de pigmentos sobre papel de algodón | 1.10 x 1.50 m

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astrid rodrĂ­guez

retratos del alma

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Retratos del alma es el resultado de una experiencia intensa de trabajo durante diez días. En el mes de marzo de 2011 tuve la oportunidad de documentar el carnaval tzeltal de Tenejapa, Chiapas. Mi objetivo no era sólo registrar la fiesta, sino hacerlo desde un punto de vista muy personal, con el fin de conocer más a fondo la esencia de Tenejapa. Por medio del antropólogo Luis Morales, quien lleva más de veinticinco años trabajando en esta comunidad, tuve acceso a las ceremonias y a la vida cotidiana de los personajes principales. Me llamó la atención el orgullo y dignidad con que ocupan sus cargos tradicionales, y la calidez y aprecio que mostraron hacia mí.

En un principio, hice un primer retrato en blanco y negro de cada uno de ellos, en donde se percibe la seriedad y la lejanía conmigo. Imprimí estos retratos y se los entregué. Sus reacciones quedaron plasmadas en unos segundos retratos que hice a color. En ellos se ve la diferencia de la expresión entre un retrato y otro. En la segunda fotografía a color se muestran sonrientes y felices. Esto es prueba de que se logró establecer una complicidad y acercamiento entre los retratados y yo.

Se dice que el pueblo tzeltal no permite que se les fotografíe porque consideran que “les roban el alma”. Yo puedo decir con orgullo que fueron ellos los que, al dejarme retratarlos, me mostraron su alma y la esencia de Tenejapa.

Retratos del alma es un homenaje a don Marcos, Verónica, Alonso, Sebastián, Pedro, Petrona, a los pequeños Diego y Javier, y a tanta gente con la que conviví y que me abrió su corazón.

Retratos del alma. Tenejapa, Chiapas, 2011.

16 piezas | Digital | 2.40 x 2 m

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selec cio nados

teresa Villarreal

7:00 a.m.

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Esta serie es el resultado de mi búsqueda por plasmar mis estados de ánimo al comenzar el día. Con el fin de registrar mis emociones, tomé las fotos en la intimidad de mi cuarto y en el baño, al levantarme, en un momento en que todavía no hay una “intervención” directa del mundo exterior. Para mi sorpresa, uno de los elementos que usé es arquitectónico.

He encontrado en el fotógrafo japonés, Hiroshi Sugimoto, una resonancia.

Especialmente, en su libro Architecture. Me ha maravillado su capacidad de captar un momento preciso en el tiempo con la intención de transmitir sensaciones, más que ningún otro tipo de información.

7:00 am. Ciudad de México, 2011.

2 piezas | Impresión cromógena | 30 x 22.50 cm Págs. 82-83: Tríptico I. Abrumada, tengo miedo Págs. 84-85: Tríptico II. Clara, serena

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Elizabeth Vinck

condominio

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Condominio es una tipología en una sola pieza, formada por los espacios donde convergen el mundo interior y el mundo exterior de un solo edificio.

Pese a habitar todos bajo un mismo techo, cada uno de los elementos que conforman esta unidad es distinto. Cada espacio íntimo es un universo en sí que ha sido adaptado, apropiado y que ha tomado su propio color y apariencia.

Esta tipología tiene el objetivo de mostrar en su conjunción el “todo interior”, que se presenta paralelamente al “todo exterior”, con el fin de observar la unidad completa de este espacio habitacional.

Condominio. México, 2011.

15 piezas | Digital | 28 x 22 cm 1 pieza | Análoga | 90 x 60 cm

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elsa medina castro

octubre 8

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Con esta serie de imágenes, quiero develar un momento muy íntimo: la muerte de mi madre.

Trance inevitable, lleno de misterio e incertidumbre, a veces silenciosa, inesperada, otras también deseada. Todos sabemos que llegará, pero desconocemos cómo, se adentra en nuestro ser hasta cumplir su cometido.

Mi madre, María Antonieta, sufrió un accidente cerebro-vascular, que resultó en una cuadriplejia que la mantuvo postrada los últimos diez años de su vida.

Durante ese tiempo recibió cariño y atenciones de familiares (hijos y nietos), amigos y enfermeras, que contribuyeron a hacer su vida lo mejor posible, dentro de las limitaciones impuestas por la enfermedad. Esta serie de imágenes da cuenta de los últimos diez días de vida de mi madre, y de su muerte, proceso en el que la acompañamos.

A lo largo de mi vida, he fotografiado muchas muertes, casi todas anónimas, ajenas a mis afectos, aunque no a mis emociones. Pero las imágenes de la muerte de mi madre me confrontan, me duelen y me llevan a una profunda reflexión sobre el dolor, el vacío y la pérdida.

Octubre 8. Puebla, Puebla, octubre de 2010 | Proyecto tridimensional 12 piezas | Impresas en duratrans | 11.5 x 20 cm 1 pieza | Digital | 28 x 50 cm

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norma sandoval

domesticados

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Llevo seis años residiendo en la Unidad Tlatelolco. Este lugar ha tenido sin duda una historia muy particular. Desde su creación, en 1957, se tenían muchas expectativas de desarrollo, pues se pensaba que de funcionar este proyecto, sería el modelo de las vecindades de México. Pero a partir del temblor de 1985, Tlatelolco perdió habitantes y el esplendor que lo caracterizaba.

Mi interés por fotografiar Tlatelolco tiene que ver con la sobrepoblación de mascotas. Por departamento llegan a vivir hasta cinco, reduciéndose así el espacio de convivencia de las familias, que prefieren adaptarse a las necesidades del animal.

Este proyecto fotográfico aborda la relación dueños–mascotas, y cómo algunos llegan a considerarse padres-hijos, por lo que también resulta una exploración en la intimidad.

Domesticados. Ciudad de México, 2011.

5 piezas | Digital | 76 x 50 cm Bruno, Pingo con Víctor

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Trejo, Koty, Brandi con Valentín y Consuelo  Lotar, Keny con Alejandro  Buma Sarid Jr, Layfu, Talita, Vodka, Whisky con Rosalba

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alejandra ugarte bedwell

kilah

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Esta serie parte de un grupo de proyectos basados en el concepto de un espectador ideal. La construí a partir de los códigos y actitudes que me remiten a recuerdos, experiencias y expectativas de mi relación con los seres que me rodean. Esta serie en particular, indaga en mi relación con Kilah, mi perra de seis años. Nunca he logrado explicar a alguien que no haya tenido una mascota, cuán profundamente ellas pueden influir en la vida de uno y durante tres años, Kilah no vivió conmigo. Durante ese tiempo, y al no poderle decir cuánto la extrañaba, buscaba imágenes que han inmortalizado a otros perros con sus dueños, y que hablan de esta relación que sólo puede ser recíproca en la cercanía.

Visitaba museos y otros lugares en busca de obra que retratara a gente en compañía de sus perros, para así disminuir mi ansiedad por haber dejado atrás una parte importante de mi vida. A la vez, unía las fotografías de estas pinturas con aquellas que le tomaba a Kilah cada vez que la veía, en un intento por acortar la distancia entre nosotras.

La primera noche que tuve a Kilah, salí a un café. Cada vez que me levantaba ella me esperaba, nerviosa, afuera de la puerta del baño. “No me voy a ir, Kilah”, le decía, mientras acariciaba su oreja y volvíamos juntas a la mesa.

Este proyecto es mi manera de decirle que no me he ido, que aquí estoy.

Kilah. México y Estados Unidos, 2011.

9 piezas | Impresión cromógena | 28 x 71 cm

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nicola "ókin" frIoli

Al “otro lado” del sueño

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El techo del tren que atraviesa México, sin horarios ni paradas establecidas, es la única oportunidad para los migrantes centroamericanos y mexicanos de acercarse a los Estados Unidos. En México están sólo de paso. Llegan desde Guatemala, Honduras, El Salvador, y su destino último es el “otro lado”. Son víctimas de asaltos, violaciones, corrupción y de secuestros perpetrados por los Maras Salvatrucha. Padecen también a la “migra” (policía migratoria) y, por si fuera poco, deben sobrevivir a “La Bestia”, como llaman al tren. Ésta es la historia de aquéllos que siguen varados en México, porque no lograron llegar al “otro lado”; es el recuento de su fracaso, unido al desprecio y la humillación.

Desde el inicio, el objetivo principal de este trabajo fue llamar la atención de los países con más recursos para que éstos miren hacia la frontera sur de México con Centroamérica y ejerzan presión. Quizás así se logre que el gobierno mexicano atienda un problema de discriminación, que es igual al que sufren muchos mexicanos en la frontera con los Estados Unidos.

Al “Otro lado” del sueño. México, 2010-2011.

7 piezas | Impresión digital con pigmentos | 1.65 x 1.10 m

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mauricio palos

los caminos de mĂŠxico

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México vive dos tipos de violencia: una, que aparenta ser heroica, y busca la aceptación por la vía institucional y otra, que surge del hecho de que las propias instituciones no permiten que la sociedad civil satisfaga sus necesidades más básicas. Cada una nos lleva a reflexionar sobre los distintos caminos que se van trazando, mientras el conflicto se agrava y se extiende, y el tejido social se deteriora más y más. Cada historia que se cuenta propone una alternativa a la “verdad” oficial; es un nuevo imaginario para develar la situación del país.

Los caminos de México. México, 2010-2011.

4 piezas | Digital | 73 x 48 cm  Mural que muestra la lucha entre el ejército mexicano y los carteles de la droga. Museo del Narco‑ tráfico, ubicado en las instalaciones de la Secretaría de la Defensa Nacional. Ciudad de México, 2010.

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 Perros muertos en un rancho cerca de San Luis Potosí. Los carteles de la droga se están apropiando de la mayoría de los ranchos en el norte del país. Villa de Arriaga, San Luis Potosí, 2011.  Enrique Villa, coleccionista de armas y vendedor de flores para funerales. Ciudad Juárez, 2011.  Centro Histórico de Ciudad Juárez. Debido a los altos índices de criminalidad, hay muy poco interés por reconstruir las áreas afectadas. Ciudad Juárez, 2011.

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eduardo jimĂŠnez romĂĄn

espacios de control

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Este proyecto nace de mi interés por comprender y cuestionar el ámbito laboral en las ciudades industriales del norte de México. En especial, aquéllas que fundamentan su desarrollo en modelos socioeconómicos como el capitalismo posindustrial. La transformación de la sociedad, a partir de una redefinición del concepto de trabajo, es el punto de partida para esta reflexión.

En mi opinión, los comedores industriales se convierten en auténticos espacios de control, en modernos “campos de concentración” laboral, emplazados con el fin de ejercer una constante vigilancia sobre los trabajadores: cámaras de video en funcionamiento las 24 horas del día, enormes ventanales dispuestos para la observación, muebles diseñados con el propósito de que los trabajadores permanezcan en estas áreas el menor tiempo posible y regresen a sus líneas de ensamblaje y producción.

Los trabajadores se forman para recibir sus alimentos, mientras son bombardeados por toda clase de mensajes que los alientan a trabajar de manera más eficiente. Aquí no hay lugar para la improductividad ni el tiempo muerto.

Estos ámbitos de aspecto aséptico dan la impresión de ser malévolamente perfectos.

Los espacios de control se convierten simbólicamente en líneas de producción, donde los trabajadores son la materia prima. Sometidos a un proceso de transformación cultural, ellos dan como resultado un producto de orden inmaterial. Conceptos como: servicio, lealtad, compromiso y calidad son inoculados en la mente de cada uno de ellos, generando así, trabajadores alineados a una estructura, creada a partir de nuevos modelos de trabajo.

El vacío que caracteriza a estos comedores, me lleva a debatir las estrategias que justifican su existencia. Si bien, el propósito de alimentar a los trabajadores forma parte de una primera lectura, existen otros aspectos que deben ser analizados a mayor profundidad como son la construcción del concepto de identidad, el uso de la información como medio de control y el trabajo como experiencia.

Espacios de control. Monterrey, Nuevo León, 2011.

3 piezas | Impresión glicée | 60 x 80 cm | Video: Eat to Work, [27 seg.], proyectado en cinco monitores

 Espacios de control 3  Espacios de control 2, acompañado de los fotogramas del video Eat to Work.

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luis enrique aguilar pereda

el silencio estรก habitado

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El norte de México está cubierto de silencio. Miles de kilómetros repletos de arena y ojos cerrados: un extenso anecdotario de historias humanas que se vuelve invisible tras el velo del miedo. La prosperidad de unos cuantos opulentos se yergue por encima de los lamentos y las ausencias que no serán nombradas. Ese silencio del norte es más grande que su desierto.

En estas tierras yermas, la documentación de las consecuencias de la violencia irracional me obligó a voltear la mirada a esas personas que día a día sobreviven a este escenario desalentador. Testigos que se alejan del fragor y el oropel, son sobrevivientes de una ciudad industrial que nunca se calla, entre la estridencia productiva y el grito permanente de promesas de riqueza y oportunidades. Personas que guardan su silencio, lo atesoran, esperando el día de volver a tener voz y palabra.

Son imágenes que no rompen el silencio, quizá incluso lo prolongan, pero lo revelan habitado, lo retratan de pie, de frente al ominoso futuro.

El silencio está habitado. Ciudad Juárez, 2010-2011.

5 piezas | Impresión cromógena | 37 x 56 cm

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karina juĂĄrez

dĂ­as rojos

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Este trabajo habla sobre la relación simbólica entre los animales y los seres humanos, cuyas conductas se han ido modificando. Nace y se desarrolla con los recursos de la realidad y las experiencias cotidianas de una sociedad que está inmersa en violencia.

Los mataderos son escenarios que se transforman; al ser descontextualizados, ellos pueden incluso representar nuestra realidad actual, una realidad dolorosa.

La matanza de los animales es una metáfora que uso para hablar de las muertes causadas por la violencia en México. El hombre, despojado de su humanidad, es visto como un animal.

Días rojos. Oaxaca, 2011.

7 piezas | Impresión glicée sobre algodón | 46 x 70 cm, 33 x 50 cm, 50 x 44 cm

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beatriz dĂ­az

geographica

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Geographica explora los límites de la fotografía y funciona como un análisis del paisaje visto como mercancía, hecho que afecta y determina el entendimiento de los lugares de donde procede.

Se trata de una serie de paisajes imaginarios creados a partir de fotografías apropiadas, interpretadas y manipuladas. Las imágenes provienen originalmente de la colección que mis padres hicieron de la revista National Geographic en los años setenta. El proyecto nació del enorme deseo por fotografiar el paisaje que me precede, y que probablemente ya no existe en el actual contexto político, social y climático. Mi reto era fotografiar un paisaje que existe en el subconsciente colectivo, en la imaginación o en la memoria de un pasado no tan lejano.

Revisé aquellas revistas en donde alguna vez encontré mundos desconocidos, tratando de ver cómo resultó el mundo y preguntándome cómo pudo haber sido. Seleccioné imágenes de lugares, tomadas antes de mi nacimiento, en las que realidad y fantasía se confundían, así como lugares que jamás he visitado. Mi exploración visual busca entender cómo se pueden crear en el paisaje fotográfico mundos deseables y exóticos.

Durante el proceso, manipulé las imágenes y poco a poco fui removiendo información, como si al quitar capas, fuera eliminando la propia realidad de cada lugar. Con este proceso, mi intención era anotar la frágil veracidad de las imágenes originales para convertirlas en lugares que sólo existen en la imaginación de quien observa. Geographica es un lugar que se encuentra en nuestro inconsciente y al que se accede imaginando su existencia.

El título de cada foto incluye dos datos importantes: el nombre del proyecto, Geographica, como si se tratara del lugar en que la fotografía fue captada, y el año, que corresponde a la fecha original de la publicación de la foto en la revista. Ambos, nombre y año, obligan al espectador a ubicar las imágenes en un lugar y un tiempo específicos, lejanos a su actual realidad, y a la vez invitan a crear una conexión directa con la fuente de las imágenes.

Geographica. 2010.

3 piezas | Inyección de tinta sobre papel | 82 x 56 cm  Agosto 1976.  Diciembre 1977 (ambas fotos).

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pablo Casacuevas

talachas con pistola las 24 horas

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Los juegos de palabras son propios del ser humano. En la lengua oral, pero también en la música, la literatura y las artes visuales, suelen ser muy frecuentes.

La fotografía no está exenta: al fotografiar palabras o frases, entran también en juego los demás elementos capturados en la foto. Articulándose así una analogía palabra–imagen.

Con el anuncio “Talachas con pistola las 24 horas”, muchas vulcanizadoras, ubicadas junto a la carretera, informan a camioneros y traileros, que sus llantas serán arregladas prontamente con sus pistolas para tuercas de birlos.

Hoy en día este enunciado nos remite, irremediablemente, a los grupos armados, oficiales y no oficiales, que ahora están a la vista de toda la sociedad civil.

Estas fotos conforman un juego entre estas dos realidades, vistas con el humor y la estética propios del mexicano.

Talachas con pistola las 24 horas. Carretera 57, 2011.

8 piezas | Impresión digital óptica | 40.64 x 60.96 cm  Km. 106, 7 de septiembre de 2011.

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 K.m. 63, 9 de septiembre de 2011.  K.m. 46, 9 de septiembre de 2011.

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K.m. 49, 9 de septiembre de 2011.  K.m. 133, 14 de julio de 2011. 

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eunice adorno

las mujeres flores

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Esta serie forma parte del libro Las mujeres flores. Desde un perspectiva Ă­ntima y personal, llevĂŠ a cabo un proyecto documental, enfocado en la vida cotidiana de aquellas mujeres que viven en las comunidades menonitas de Nuevo Ideal Durango y La Onda Zacatecas, y que logran vencer el aislamiento de estos asentamientos.

Los momentos captados surgen en la cotidianidad de sus casas y jardines; es en estos espacios donde estas mujeres forjan su propio universo entre charlas amistosas, recuerdos y secretos que esconden, cautelosas, bajo sus vestidos y en su mirada reservada hacia el exterior.

Las mujeres flores. Nuevo Ideal Durango, MĂŠxico, 2010.

3 piezas | Digital | 60 x 80 cm

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francisco westendarp

long island rail road

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Durante varios fines de semana viajé en tren de Long Island a la ciudad de Nueva York. El recorrido es de dos horas y el tren se detiene en quince estaciones aproximadamente, dependiendo del itinerario marcado para ese día.

Para el desarrollo de este trabajo tomé una fotografía en cada estación en la que se detenía el tren. Una vez que iniciaba el recorrido, abría el obturador de la cámara y lo cerraba hasta llegar a la siguiente estación. Repetí este mismo procedimiento hasta terminar el viaje.

Las fotografías presentadas registran el resultado de este experimento en seis ocasiones distintas, en las que las condiciones climatológicas, así como la hora del día y la velocidad del tren determinaron las características visuales de cada imagen.

Long Island Rail Road. Nueva York, Estados Unidos, 2010.

73 piezas | Fotografía estenopeica | 10 x 15 cm

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marcel rius baron

perifĂŠricos Arena, palmeras, agua, cloro

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Proyecto de carácter documental que muestra lo que sucede durante un breve período del año que es Semana Santa. Durante estos días aparecen en la periferia de la ciudad unas diez instalaciones que simulan playas paradisíacas: con palmeras, fina arena y agua. Esta última, claro, con cloro, mucho cloro.

Es sabido que durante Semana Santa se da un éxodo masivo de capitalinos, que huyen de la ciudad en busca de aventuras y nuevas experiencias. Muchas de estas personas se lanzan a las distintas playas del país con el fin de hallar un ansiado descanso. Éste no es el caso de los retratados en este proyecto. En los lugares conocidos como “Las playas del DF” circulan todo tipo de personas, en su mayoría, niños.

Algunos conocerán “la playa” por primera vez, y sentirán gran emoción y alegría. Tal vez sea ésta la primera farsa en sus vidas. Con el paso del tiempo, se darán cuenta de que aquello que vivieron fue un concepto propio de este siglo.

Se trata de miles de personas, que principalmente por razones económicas, no pueden salir de viaje a los lugares deseados por la gran mayoría.

La serie consta de nueve imágenes, seis de las cuales ofrecen planos abiertos.

El fotógrafo, camuflado, permanece totalmente al margen de ese instante vacacional, y pasa inadvertido. Las tres fotos restantes son retratos frontales de los asistentes al lugar, que intentan mostrar una relativa sencillez, humildad y humanidad.

Estas playas artificiales son un extraño fenómeno que he podido observar y sentir. Ésta es sólo una parte de un reportaje más amplio, que muestra algunos instantes de esas vacaciones.

Periféricos. Arena, palmeras, agua y cloro. Ciudad de México, 2011.

9 piezas | A partir de un negativo de 6 x 6 cm | 50 x 50 cm

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fernando velasco torres

atlรกntida

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Con este proyecto hago una remembranza fotográfica de los viajes de mi infancia al balneario de Oaxtepec, una especie de terreno protegido del paso del tiempo.

Aun cuando podemos observar los efectos de la globalización en los artefactos de juego y esparcimiento, este lugar nos muestra un panorama atemporal que se manifiesta en la indumentaria, pero sobre todo en las actitudes y emociones de las familias.

Atlántida. Oaxtepec, México, 2010-2011.

5 piezas | Digital | 50 x 50 cm

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Fernando Montiel Klint

Muro de la concentraci贸n

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Somos una sociedad que atomiza y aísla al individuo. En tanto seres humanos co-dependientes de las tecnologías, consumimos en una búsqueda etérea del placer total. Allí dejamos de conocernos y reconocernos de manera orgánica.

Quiero hacer una reflexión sobre los diferentes momentos de introspección y la búsqueda de imágenes silenciosas que inviten a la concentración.

Muro de la concentración. Ciudad de México, 2011.

7 piezas | Impresión cromógena | 25 x 33 cm, 25 x 30 cm, 34 x 37 cm, 50 x 65 cm, 70 x 88 cm, 80 cm x 1 m, 1 x 1.30 m 2 videos | Olas [5.33 min.] y Concentración [3 min.] Fotogramas del video Concentración  Diálogo, Déjà vu y Montañas

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sem blan zas

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Chiapas. Obtuvo mención especial del jurado en el concurso Migraciones Internacionales y Fronteras en España y mención honorífica en el concurso “Un día en la vida de los chiapanecos” de la Universidad Intercultural de Chiapas. Es miembro del Colectivo Fotógrafos Independientes. Actualmente coordina el proyecto Gimnasio de Arte y Cultura Chiapas. Vive en San Cristóbal de las Casas.

Eunice Adorno (Ciudad de México, 1982). En 2011 fue seleccionada para el Joop Swart Masterclass del World Press Photo en Holanda y cursó el Seminario de Fotografía Contemporánea 2010 del Centro de la Imagen. Ha presentado Las mujeres flores en Lumix Festival for Young Photojournalism en Alemania, y en Photo Galleries Fnac en España. Por esta serie se hizo acreedora al Premio Nacional de Cultura Fernando Benítez 2010. Obtuvo la beca de Jóvenes Creadores del Fonca (2009-2010) y la beca en el Programa de Residencias Artísticas del International Studio & Curatorial Program 2011 en Nueva York. Su trabajo se ha expuesto de manera colectiva en Alemania, Brasil, Estados Unidos, España y República Checa. En 2010 fue seleccionada en los visionados de Trasatlántica de PhotoEspaña en Nicaragua. Su obra ha sido publicada en el British Journal Photography y New Yorker, y las revistas Gatopardo, LightBox Time, OjodePez, gup, Vice, Yo Dona y Marie Claire. Su libro Las mujeres flores (La Fábrica, 2010) formó parte del taller de edición de libros organizado por PhotoEspaña y el Centro de las Artes de San Agustín Etla, Oaxaca. Recientemente fue nominada para el Rudin Prize for Emerging Photographers 2012, organizado por el Norton Museum of Art. Vive en Morelos.

Luis Arturo Aguirre (Guerrero, 1983). Cursó el Seminario de Fotografía Contemporánea 2011 del Centro de la Imagen, así como talleres de fotografía en la Universidad Loyola del Pacífico, el Colegio de Fotografía Gabriel Figueroa, en Guerrero, y el Programa de Formación de Fotoensayo, en Hidalgo. Cuenta con dos exposiciones individuales: El hombre del jaguar y Ojos que sí ven… De manera colectiva ha expuesto en la Galería José Hernández Delgadillo, el Centro Cultural Acapulco, el Centro Cultural Casona de Juárez en Guerrero, y el Festival Tempocolor 2012 en Bélgica. Recientemente obtuvo la beca Jóvenes Creadores del Fonca (2012-2013) y en 2009 obtuvo la beca pecda Guerrero. Su obra forma parte de la colección de la Fototeca Nacional del inah. Actualmente vive y trabaja en Acapulco.

Luis Enrique Aguilar Pereda (Ciudad de México, 1980). Estudió en la Escuela Activa de Fotografía. Cursó el Seminario de Fotografía Contemporánea 2010 del Centro de la Imagen y diversos talleres en este espacio, así como en el I Encuentro Nacional de Investigación sobre Fotografía y el Instituto Internacional de Periodismo José Martí. Su obra se ha expuesto de manera colectiva en México, Estados Unidos, Argentina y España. Fue seleccionado en el 14º. Concurso Latinoamericano de Fotografía en Colombia, la Séptima Bienal Puebla de los Ángeles y la Tercera Bienal de Fotografía en

Edson Caballero (Coahuila, 1987). Estudió Comunicación en la Universidad Autónoma del Noreste, Coahuila. Ha cursado diplomados de fotografía y fotonarrativa en la Universidad Iberoamericana de Torreón y la Fundación Pedro Meyer-World Press Photo, respectivamente. Entre sus exposiciones individuales se cuenta: Sol lagunero, Memorias de un caballero y Bodegón ideológico. De manera colectiva ha expuesto en el Museo Regional

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de La Laguna y la Universidad Iberoamericana de Torreón. Obtuvo la beca Jóvenes Creadores pecda Coahuila (2012-2013) y la beca Jóvenes Creadores del Fonca (2011-2012). En dos ocasiones se hizo acreedor al primer lugar en el Concurso de Periodismo Regional Laguna. Actualmente realiza fotografía publicitaria y está por concluir su proyecto documental en video, “Un día a la vez”. Vive en la Comarca Lagunera de Coahuila.

de Nuevo León. Ha participado en diversas exposiciones colectivas en México, Estados Unidos, Canadá, Brasil, España, Italia, Inglaterra, Malasia y China. De manera individual ha presentado su obra en contact Photography Festival, Lishui Foto Festival, Festival Photoimagen, la galería Paul Kopeikin y Circuit Gallery. Con el proyecto Suburbia mexicana participó en la Feria Internacional de Libros de Artista. Fotoseptiembre 2009. Ha recibido numerosos reconocimientos, entre los que destacan: foam Talent (2012), International Street Photography Award del London Photography Festival 2012, Premio iila (2012), Premio de Adquisición Salón de la Fotografía (2011), Premio Lente Latino en Chile (2011), Photolucida’s Critical Mass Photo Book Award (2010), 30 Emerging Photographers de la revista pdn (2010); además de ser nominado para los premios Prix Pictet 2011, Aperture Portfolio Prize 2009 y Santa Fe Center Award 2012. Su obra forma parte de las colecciones de la Fototeca Nacional del inah, Joaquim Paiva Collection, Museum of Modern Art de San Francisco, Museum of Contemporary Photography en Chicago, Museum of Fine Arts en Houston y Portland Art Museum.

Actualmente vive y trabaja en Monterrey.

Pablo Casacuevas (Ciudad de México, 1979). Realizó estudios de cine en el Centro Universitario de Estudios Cinematográficos de la unam. Cursó diversos talleres de fotografía, cine y video.

Ha trabajado como asistente de cámara en la industria cinematográfica. En 2001 fundó la agencia Lente 30-30. Cuenta con cinco exposiciones individuales, entre las que destacan: Top Shots, Los hijos de la Revolución y Viaje a Tamaulipas, esta última se exhibió en Beijing en 2008. De manera colectiva ha expuesto en México, Estados Unidos, Brasil y China. Obtuvo la beca Jóvenes Creadores del Fonca (2009). Por su obra en video fue seleccionado en la Bienal de Mercosul 2012, la Bienal de las Américas 2010 y obtuvo el segundo lugar en el concurso “Enmarcando la Vida” de National Geographic (2007). Publicó su obra en la revista Biodiversitas y realizó reproducción de obra para el catálogo Relatos visuales (itca, 2010). En 2009 dirigió el proyecto editorial Postales tamaulipecas.

Actualmente trabaja como fotógrafo para el gobierno de Tamaulipas.

Beatriz Díaz (Ciudad de México, 1978). Tiene una maestría en Fotografía, Video y Medios Relacionados por la School of Visual Arts de Nueva York. Cuenta con tres exposiciones individuales: 99¢ Archetypes of Nature, Nada que tomar y Fotografías mexicanas. De manera colectiva ha expuesto en México, Estados Unidos y Francia. Obtuvo la beca Fulbright-García Robles (2008-2010), la beca Fundación Colección Jumex (2008-2010), la beca para Estudios en el Extranjero del Fonca (2009), Premio de Adquisición en el xx Encuentro Nacional de Arte Joven y fue seleccionada en la X Bienal de Monterrey femsa. Participó en la Feria Internacional de Libros de Artista. Fotoseptiembre 2011 con el libro-prototipo Geographica. Su obra ha sido publicada en Ruby Otherworldliness (Gestalten, 2011) y The Collectors Guide to New Art Photography (Humble Arts Foundation, 2011), y forma parte de las colecciones del Instituto de Cultura de Aguascalientes y la School of Visual Arts. Actualmente vive y trabaja en la ciudad de México.

Alejandro Cartagena (República Dominicana, 1977).

Tiene una Maestría en Artes Visuales por la Universidad Autónoma

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Proceso, Expansión, Domingo de El Universal, Instyle, Gente y KY, entre otros. Ha colaborado para las agencias Notimex, Imagenlatina y Cuartoscuro. Actualmente es fotógrafa independiente y vive en Guadalajara.

Nicola “Ókin” FrIoli (Rimini, Italia, 1977). Tiene una maestría en Periodismo por la John Kaverdash School en Milán, Italia, y estudió Bellas Artes en el Liceo Artístico G. da Rimini. Participó en la muestra Descubrimientos PhotoEspaña 2009 con la que su obra viajó a Estados Unidos, México, Holanda, España, República de Serbia, Italia y Marruecos. Obtuvo la beca de la Universidad de Imagen de Milán por dos años consecutivos, la beca Foundry Workshop en México, el tercer lugar en el Premio Picture of the Year latam 2011 y el segundo lugar en el Festival Internacional de la Imagen 2012. Su trabajo ha sido publicado en The New Yorker, The Guardian/ Observer, Vanity Fair, Letras Libres, Financial Time, gup, National Geographic y recientemente en el libro 72 migrantes (Almadía, 2012). Actualmente está por concluir el proyecto Al “Otro lado” del sueño y trabaja en propuestas editoriales y publicitarios. Vive en la ciudad de México.

Paula Islas (Ciudad de México, 1978). Estudió Ciencias de la Comunicación en el Instituto Tecnológico de Estudios Superiores y de Occidente, Guadalajara. Cuenta con tres exposiciones individuales: Receta de la felicidad, Historias de memorias y Naturaleza muerta. De manera colectiva ha expuesto en México, Chile y Estados Unidos. Actualmente participa en la muestra Mujeres detrás de la lente. 100 años de creación fotográfica. Fue seleccionada en la xii Bienal de Fotografía en México. Obtuvo la beca del Consejo Estatal para la Cultura y las Artes Jalisco (2010-2011), la beca Jóvenes Creadores del Fonca (20082009) y la beca de la Fundación Nuevo Periodismo Iberoamericano en Argentina (2005). Participó en FotoGuanajuato 2006. Su obra ha sido publicada en los catálogos Mujeres detrás de la lente, FotoGuanajuato y xii Bienal de Fotografía. Su obra forma parte de la colección del Museo de Arte Contemporáneo de Chile. Actualmente estudia la maestría en Estudios Visuales en la Universidad Autónoma del Estado México.

Natalia Fregoso (Guadalajara, 1975). Es fotógrafa por la Escuela de Artes Plásticas de la Universidad de Guadalajara, donde estudió también Letras Hispánicas. Se desempeñó como fotógrafa del periódico Mural (2003-2007). Ha cursado diversos talleres de fotografía en México y Guadalajara. Ha expuesto de manera individual y colectiva en México, y en el marco del Festival Fotoseptiembre en tres ocasiones (2003, 2005, 2011). Obtuvo la beca del Programa de Estímulos a la Creación y al Desarrollo Artístico de Jalisco (2010) por su serie Zapata Vive, la beca del Programa de Apoyo a Culturas Municipales y Comunitarias de Jalisco en tres ocasiones (1998, 1999, 2001) y fue seleccionada en la Sexta Bienal de Fotoperiodismo. Participó en FotoGuanajuato 2002.

Su obra ha sido publicada en los diarios Milenio y El País y las revistas

Eduardo Jiménez Román (Monterrey, 1971). Cursó diversos talleres de fotografía en la Fototeca del Centro de las Artes de Nuevo León. De manera colectiva ha expuesto en el Antiguo Palacio Federal en Monterrey, la Fototeca de Nuevo León y Casa Escorza.

Obtuvo la beca de la Fundación Tierney 2012, primer lugar en el concurso Patrimonio Cultural de Nuevo León a través de sus Fotógrafos, primer lugar en el concurso Los Ojos del Tiempo y mención

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portajes especiales sobre política en Guatemala, Nicaragua y Haití.

Ha obtenido diversos reconocimientos, entre los que destacan: ganadora del concurso “Dos culturas, un solo origen”, segundo lugar del certamen “Mujeres vistas por mujeres”, organizado por la Comunidad Económica Europea, nominada al Premio Olorum Iberoamericano del Fondo Cubano de la Imagen Fotográfica. Ha participado en numerosas conferencias en diferentes instituciones nacionales. Ha sido distinguida como miembro del Sistema Nacional de Creadores en 2004 y 2010. Su obra se ha publicado en múltiples libros y revistas.

Actualmente vive en la ciudad de México y se dedica a la docencia.

honorífica en el Salón de la Fotografía de Nuevo León. Su obra se publicó en la revista Nowhere. Actualmente vive en Monterrey.

Karina Juárez (Morelia, 1987). Estudió Gestión Cultural en la Universidad de Guadalajara. Fue seleccionada para el Joop Swart Masterclass 2012 del World Press Photo y cursó el Seminario de Fotografía Contemporánea 2011 del Centro de la Imagen, así como diversos talleres en el Centro Fotográfico Manuel Álvarez Bravo y el Centro de las Artes de San Agustín Etla, en Oaxaca. Cuenta con dos exposiciones individuales: La espera y El enigma del cuerpo. De manera colectiva ha exhibido su obra en México y Bélgica. Obtuvo la beca para Estudios en el Extranjero del Fonca-Conacyt (2012), la beca Jóvenes Creadores del Fonca (2010-2011) y mención honorífica en el Concurso de Fotografía Contemporánea de México 2012. Fue seleccionada en la Octava Bienal Puebla de los Ángeles. Actualmente trabaja en el proyecto Memento, como parte de la Primera Residencia Cruzada de Artistas del programa Fábrica de las Imágenes, en la École Nationale Supérieure de la Photographie de Arlés, Francia.

Ramón Moctezuma (Ciudad de México, 1982). Ha cursado talleres de fotografía en el faro de Oriente, faro de Tláhuac, Centro de la Imagen y Gimnasio de Arte y Cultura. Forma parte de Encontraste Colectivo, un grupo creado en el Faro de Tláhuac con el que ha desarrollado el video documental y la exposición Geografías en diálogo, que se exhibió en el marco del Festival Fotoseptiembre 2011, y la revista Encontraste Colectivo digital, de la cual se han editado tres números a la fecha. Participó en la muestra Territorios circundantes con la que participó en el Festival Fotoseptiembre 2009. Un año después presentó, de manera individual, Un buen camino en la Alianza Francesa del Valle. Obtuvo la beca para el Programa de Formación Fotoensayo ii, en Pachuca, Hidalgo. Actualmente trabaja en Expósito photo. Vive en la ciudad de México.

Elsa Medina Castro (Ciudad de México, 1952). Realizó estudios de fotografía y diseño en la Universidad Iberoamericana y en la San Diego State University, ee.uu. Ha participado en múltiples talleres como docente, y como alumna recibió las enseñanzas del fotógrafo Nacho López. Trabajó como reportera gráfica en el diario La Jornada entre 1986 y 1999, donde se desempeñó como corresponsal en Tijuana, Baja California. Es fundadora y colaboradora del periódico El Sur de Guerrero. Ha exhibido su trabajo en varias exposiciones individuales y más de 50 colectivas en México y Europa. Realizó re-

Cecilia Monroy Cuevas (Jalisco, 1977). Estudió Artes Audiovisuales en el Centro Universitario de Medios Audiovisuales en Guadalajara. Cursó el Seminario de Fotografía Contemporánea 2010

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del Centro de la Imagen. Cuenta con seis muestras individuales, entre las que destacan: Indagaciones, La humedad del inconsciente y Canto en Flora. De manera colectiva ha expuesto en México, Estados Unidos y Austria. Ha realizado más de diez producciones en video.

Obtuvo la beca Jóvenes Creadores del pecda Chiapas (2010) y un reconocimiento en la Bienal Internacional Women the Image Creators 2005. Dos años más tarde realizó una residencia en Austria, y expuso el resultado en el Instituto Cultural Mexicano de la Embajada de México en Viena. Fue miembro del comité organizador del Colectivo Fotógrafos Independientes (2002-2011). Realizó la dirección de fotografía para el documental La pequeña semilla en el asfalto (2010), que se hizo acreedor al Premio del Festival Voces contra el Silencio 2012. Actualmente trabaja en una serie fotográfica sobre la muerte materna y en proyectos relacionados con la promoción y la formación del cine documental. Vive en Chiapas.

Mauricio Palos (San Luis Potosí, 1981). Estudió mercadotecnia y realizó estudios de fotoperiodismo en la Universidad Europea de Madrid. Ha expuesto de manera individual en Guatemala y México, y colectivamente en España, Estados Unidos, Honduras, El Salvador, Nicaragua, República Dominicana, Costa Rica y Hungría.

Es autor del documental En algún lugar (Indomable Films, 2010) y de My Perro Rano (rm, 2010), el cual fue reconocido por el British Journal of Photography como uno de los mejores fotolibros en 2011.

Ha obtenido numerosos reconocimientos, entre los que destacan: la beca Jóvenes Creadores del Fonca (2012-2014), la beca Fomento y Coinversión del Fonca (2009-2010), la beca Jóvenes Creadores del Fonca (2007-2008), la beca iie de Ford Foundation; mención de honor en el Premio de Periodismo Cultural Fernando Benítez 2010 y mención honorífica en la xiv Bienal de Fotografía en México. Fue seleccionado en los visionados de Trasatlántica de PhotoEspaña en Nicaragua. Es co-fundador del Encuentro Fotográfico México. Su obra ha sido publicada en las revistas vice, Colors, Courrier International, Le Monde, Gatopardo, gup, Flaunt, y en los diarios British Journal of Photography y The Wall Street Journal, entre otros. Su trabajo es representado por Global Assignment de Getty Images. Actualmente participa en el proyecto expositivo y editorial Laberinto de miradas.

Vive y trabaja entre la ciudad de México y Mérida.

Fernando Montiel Klint (Ciudad de México, 1978).

Estudió en la Escuela Activa de Fotografía y cursó talleres de foto en el Centro de la Imagen. Ha participado en diversas exposiciones colectivas en México, Colombia, Inglaterra, Bélgica, Polonia, Hungría, Turquía y Bangladesh, entre otros. De manera individual ha presentado Espacio confinado, Nirvana y Actos de fe tanto en México y como el extranjero. Fue seleccionado en el Singapore International Photography Festival 2012, invitado al festival de Pingyao 2012 y a los Encuentros de Arlés 2011. Ha recibido numerosos reconocimientos, entre los que destacan: Premio de Adquisición xxvi Arte Joven 2006, Premio de Adquisición en el Gran Premio Omnilife 2001, la beca Fomento y Coinversión del Fonca (2005), la beca Jóvenes Creadores del Fonca (2004) y mención honorífica en la xii Bienal de Fotografía en México. Su obra ha sido publicada en: No sabe, No contesta (Arte x Arte, 2008) y en las revistas Eyemazine, PhotoIcon, Art Nexus, The First Post, I-D magazine, entre otras. Su obra forma parte de las colecciones Wittliff Collection, Guangdong Museum of Art, Siofok 320, Fototeca Nacional del inah, Museo de Arte Contemporáneo en Chile, Nave K, Museo de Arte Moderno de Aguascalientes y se encuentra en 500photographers.com. Actualmente co-dirige Klint and Photo. Vive en la ciudad de México.

Marcel Rius Baron (Barcelona, España, 1970). Realizó estudios de fotografía en España. Cursó el taller de iluminación en el International Center of Photography en Nueva York, el Seminario de Fotografía Contemporánea 2009 del Centro de la Imagen y diversos talleres en este espacio. Se ha dedicado a realizar fotografía editorial y de producto para diversas agencias de publicidad en México

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y España. Cuenta con tres exposiciones individuales: Sarajevo. Un año después de la exposición, Invaders y Fanatic Wars. De manera colectiva participó en el Festival Fotoseptiembre 2010. Su obra ha sido publicada en las revistas OjodePez, Picnic, Membrana y Bizarre.

Su trabajo se encuentra en diversos proyectos en línea, entre los que destacan: Tóxico Cultura, Culturehall, OjodePez, Foco, Withecu y Foto 8. Actualmente vive y trabaja en la ciudad de México.

grafía. Ha expuesto de manera colectiva en el Festival Internacional de Fotografía en Valparaíso 2010 y la Universidad Autónoma de Yucatán. Fue seleccionada en la Séptima Bienal de Puebla. Su muestra individual Domesticados se exhibió en Clínica Regina en 2011 (ciudad de México) y con ella obtuvo, ese mismo año, una mención del jurado en Arte Shock Tv unam. Actualmente trabaja en diversos proyectos relacionados con el video. Vive en la ciudad de México.

Alejandra Ugarte Bedwell (Ciudad de México, 1982).

Tiene una maestría en Estudios Fotográficos Avanzados por el International Center of Photography y estudió Artes Plásticas en la enpeg “La Esmeralda”. Su obra se ha presentado en el icp y la Casa Nacional del Estudiante en México. De manera colectiva ha expuesto en México, Estados Unidos, Dinamarca, Escocia y Alemania. Participó en la Feria Internacional de Libros de Artista. Fotoseptiembre 2009 y en el ny Art Book Fair 2011. Su trabajo ha sido publicado en Luna Córnea, Los perros del alba, Shift y nypd New York Photo Festival Annual. Obtuvo el Premio René Peñaloza a la enseñanza de video y fotografía, la beca Jóvenes Creadores del Fonca (2010-211), mención honorífica en el Concurso Nacional de Fotografía del Camera Club de Nueva York y mención honorífica en el New York Photo Festival. Actualmente es profesora de fotografía, video y animación. Vive en Nueva York.

Astrid Rodríguez (Chiapas, 1977). Es fotógrafa autodidacta.

De manera individual y colectiva ha exhibido su obra en el Centro de Artes Visuales de Yucatán, Museo de la Ciudad en Mérida, Centro Cultural Jaime Sabines, Espacio Fotográfico Canthil4, Galería Héctor García, Galería de Arte Contemporáneo Miau Miau, entre otros. Obtuvo el Premio Nacional de Fotografía Morelos por una imagen de Retratos del alma, serie con la que también se hizo acreedora a una mención honorífica; obtuvo el primer lugar en el concurso Nacional de Fotografía Cuartoscuro 2012 y fue seleccionada en el concurso Nacional de Fotografía La Membrana 2012. Desde hace un año es miembro activo del Colectivo de Fotógrafos Independientes de Chiapas. Actualmente trabaja en un proyecto donde fusiona la fotografía estenopeica y la iPhonografía. Vive en Tapachula.

Fernando Velasco Torres (Ciudad de México, 1969).

Realizó estudios de fotografía en la Universidad del Valle de México, el Centro Cultural Arte Contemporáneo en México y la Gris Art en Barcelona. Se desempeñó como coordinador del área de fotografía en Editorial Televisa. Es fundador de la productora Luciérnaga, desde la cual ha desarrollado su trabajo para diversas campañas publicitarias y porta-

Norma Sandoval (Ciudad de México, 1984). Estudió Diseño y Comunicación Visual en la unam. Cursó el Seminario de Fotografía Contemporánea 2010 del Centro de la Imagen, así como diversos talleres de fotografía en la Fototeca del Centro de las Artes de Nuevo León, el Gimnasio de Arte y Cultura y el Museo Archivo de la Foto-

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la unam. Cursó el Seminario de Fotografía Contemporánea 2008 del Centro de la Imagen, así como diversos cursos relacionados con la fotografía y el arte contemporáneo en Colección Jumex, Academia de San Carlos y Centro Cultural España. Su exposición individual Imaginarios colectivos se presentó en las Unidades de la Red de Transporte Público de la ciudad de México en 2006. De manera colectiva ha expuesto en México y Bélgica. Obtuvo una mención honorífica en la V Bienal Nacional de Artes Visuales de Yucatán, la beca del programa “Artes por todas partes” de la Secretaría del Cultura del Distrito Federal y un reconocimiento en Impulso al Arte Joven Montblanc 2007. Participó en el visionado de portafolios de Descubrimientos PhotoEspaña 2009. Su obra ha sido publicada en los catálogos Fotoseptiembre 2009, xiii Bienal de Fotografía, vol. II, Descubrimientos phe 09 y Punto Ciego. Actualmente estudia la maestría en Artes Visuales del Programa de Posgrado en Artes y Diseño de la unam. Vive en la ciudad de México.

das de discos. Fue seleccionado como fotógrafo participante para la Enciclopedia del Circo (Mónaco, 2012), resultado de una investigación realizada en el Circo Atayde. Con el proyecto Oaxtepec ganó el concurso adn México, convocado por la revista Picnic. Su obra ha sido publicada en el calendario 2012 de la Fédération Mondiales du Cirque en Mónaco y las revistas Harper’s Bazaar, Marie Claire, Elle, H (Barcelona), Rolling Stone, México Desconocido, Warp, Hotbook y Deep, entre otras. Actualmente trabaja en distintos proyectos personales y colabora con diversas fundaciones a través de Luciérnaga. Vive en la ciudad de México.

Teresa Villarreal (Ciudad de México, 1952). Estudió Arquitectura en la unam y tiene una maestría en Arte Textil por la Academia de Bellas Artes de Varsovia, Polonia. Su trabajo de arte textil se ha exhibido en México, Cuba y Polonia, disciplina a la que se dedicó entre 1978 y 1987. Desde 2008 estudia fotografía en el Taller Estudio Urquiza Fotógrafos y ha participado en exposiciones colectivas en la Galería Epson y Museo Casa del Risco. Su obra fotográfica ha sido publicada en Mitos y Leyendas de México (Editorial Ambar Diseño S.C., 2009), Refranes (Editorial Ambar Diseño S.C., 2010) y Oficios (Editorial Ambar Diseño S.C.,2011). Su trabajo arquitectónico apareció en Arquitectos Mexicanos II. Al fin del Milenio (AM Editores, 1998). Este año participará en es2012 Tijuana VII Bienal Internacional de Estandartes en el cecut. Actualmente se dedica a la fotografía y la arquitectura. Vive en la ciudad de México.

Francisco Westendarp (Ciudad de México, 1978). Tiene dos maestrías, una en Artes Visuales por la Universidad Stony Brook, ee.uu., y otra en Documental Creativo por la Universidad Autónoma de Barcelona, España. Obtuvo la beca para Estudios en el Extranjero del Fonca-Conacyt (2011), la beca Fulbright-García Robles (2009), la beca Jóvenes Creadores pedcda Querétaro (2006) y la beca Jóvenes Creadores del Fonca (2004-2005). Cuenta con dos exposiciones individuales: The Self- Portrait of a Sleeping Man y v=d/t, mismas que ha exhibido en la Oasis Gallery, en Michigan, y en el Museo de la Ciudad de Querétaro, respectivamente. De manera colectiva ha expuesto video, instalación y fotografía en Estados Unidos, Inglaterra, México, Francia, España y Brasil. Actualmente trabaja en el desarrollo de proyectos que exploran las relaciones entre espacio, memoria y tiempo. Vive en la ciudad de México

Elizabeth Vinck (Ciudad de México, 1982). Estudió Diseño y Comunicación Visual en la Escuela Nacional de Artes Plásticas de

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Imagen tomada del libro BBarakei. arakei. Ordeal by Roses Roses,, de Eikoh Hosoe.

eikoh hosoe Libros de artista

Fotógrafo y cineasta, Eikoh Hosoe nació hace 79 años en Yonezawa, Japón, y desde los 17 años comenzó a tomar fotografías. Su padre era un sacerdote shinto, religión animista que venera a los espíritus y deidades de la naturaleza, así como a los antepasados.

A principio de los años cincuenta, Hosoe estudió en la Escuela de Fotografía de Tokio, y pronto se unió a Demokrato, un grupo de artistas de vanguardia liderado por Ei-Q, reconocido artista japonés que trabajó en medios como la fotografía y el grabado. Su primera exposición individual, Una americana en Tokio, se presentó, en 1956, en una galería del elegante barrio de Ginza. En 1960 creó el Laboratorio Jazz Film, proyecto artístico multidisciplinario, cuyo fin era la producción de obras altamente metafóricas y expresivas. Ya en la década de los sesenta, Hosoe pasó a ser un referente para la fotografía japonesa de vanguardia y tuvo una enorme influencia en las generaciones más jóvenes.

Con el escritor Yukio Mishima, como modelo, Hosoe creó una serie icónica de imágenes oscuras y oníricas, de una estética barroca y un intenso erotismo, que exploraban el cuerpo masculino. Mishima posa semidesnudo en su casa de Tokio, y las imágenes, de un contrastado blanco y negro, poseen una fuerte teatralidad y un marcado dramatismo. Siete años más tarde, el novelista y dramaturgo cometería seppuku, suicidio ritual japonés por desentrañamiento con un sable o katana, una práctica reservada a los samuráis en el Japón feudal.

En 1963, este conjunto de imágenes pasaría a formar parte del libro Barakei [Ordeal by Roses], que le dio fama mundial. El término bara surgió en Japón precisamente a partir de la circulación de este libro, y se refiere a publicaciones de contenido homosexual masculino. La cultura japonesa posee una larga tradición de representación artística homosexual, encarnada principalmente en el arte danshoku-shunga.

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En mayo de 2012, Eikoh Hosoe viajó por segunda ocasión a México y visitó, como antes también lo hiciera, en 1995, el Centro de la Imagen, donando a nuestros acervos una edición especial de este libro emblemático.

Cobijado al interior de una caja blanca, a un tiempo sobria y refinada, el ejemplar –al estilo de los antiguos manuscritos orientales– es un rollo que se despliega a lo largo de ocho metros. Realizado en impresiones digitales sobre papel de arroz, el libro combina lo antiguo y lo moderno. Ese papel, que sirvió durante siglos al refinado arte de la caligrafía y la pintura japonesa, convive con las tecnologías más recientes. El diseño estuvo a cargo de Akira Mabuchi y el montaje fue responsabilidad de Hitoshi Amakusa.

Un “Prefacio para Eikoh Hosoe”, escrito por Mishima, abre este hermoso libroobjeto: Un día, sin previo aviso, Eikoh Hosoe vino y me transportó por la fuerza a un mundo extraño […] El mundo al que yo fui abducido bajo el hechizo de su lente era anómalo, retorcido, sarcástico, grotesco, salvaje y promiscuo…

Sin embargo había una clara corriente subterránea de lirismo murmurando suavemente a través de sus conductos invisibles.

La noche del sábado 12 de mayo, también en el Centro de la Imagen, Eikoh Hosoe conversó con el público sobre su inclinación por la fotografía en blanco y negro, y sobre cómo, mientras en aquellos ya lejanos años setenta del siglo pasado, otros fotógrafos exploraban la veta del realismo social, él bregaba por algo distinto. El autor recordó la disposición con la que su amigo, Yukio Mishima, aceptó posar para la cámara para esa serie fotográfica que se volvió famosa.

Días antes, Hosoe había recibido la Medalla al Mérito que otorga la Universidad Veracruzana y, como parte de ese reconocimiento, se exhibió allí la muestra Sobre lo humano en Rodin, que revela la obsesión del fotógrafo por el trabajo del famoso escultor francés.

Eikoh Hosoe no sólo fue fundador –junto a Nobuyoshi Araki, Masahisa Fukase, Daidō Moriyama, Noriyaki Yokosuka y Shomei Tomatsude– de la Escuela Taller de Fotografía de Tokio en 1974, sino profesor de fotografía en el Instituto Poli-

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técnico de esa misma ciudad. Más tarde también obtuvo, en su país de origen, el prestigioso Premio Nacional de las Artes.

Entre sus obras, destaca Retorno a Hiroshima, libro en el que ahonda sobre las consecuencias de la bomba atómica, y El universo de Gaudí, a propósito de la obra arquitectónica del excéntrico artista catalán.

Patricia Gola Centro de la Imagen

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Barakei. Ordeal by Roses 8 m | Impresi贸n digital sobre papel arroz Caja: 30 x 10 x 10 cm Colecci贸n Centro de la Imagen

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Man and Woman Poemas de Taro Yamamoto Dise帽o: Akira Mabuchi Impresi贸n: Shunichi Kida Montaje: Hitoshi Amakusa 8 m | Impresi贸n digital sobre papel arroz Caja: 30 x 10 x 10 cm

man and woman photography by eikoh hosoe

Kamaitachi Poemas de Toyoichiro Miyoshi Dise帽o: Akira Mabuchi Impresi贸n: Shunichi Kida Montaje: Hitoshi Amakusa 8 m | Impresi贸n digital sobre papel arroz Caja: 30 x 10 x 10 cm

kamaitachi EIKOH HOSOE

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contents -195PRESENTAtIoN

-19715th Photography Biennial

-199Act of Jury

-201a brief overview

-202descentralism

-205Acquisition Awards

-205Honorable Mentions

-207Selected Works

-211Biographies

-216Eikoh Hosoe. Photobooks 199

presentation

Perhaps the most significant phenomena in the past two decades concerning cultural policy in Mexico is the decentralization of numerous endeavors. There has been a particularly notable increase in infrastructure and programming of photography in cities that before dedicated little awareness to contemporary production, such as Guadalajara, Monterrey, Oaxaca, Puebla, San Luis Potosí, Tijuana, and Xalapa, cities that now have spaces and forums that are attentive to the production of their artists and have consolidated nucleuses for contemporary movements.

The Photography Biennial has responded to this process, and has incorporated an ever-greater number of artists from the states across the country into the exhibition of finalists. The Biennial, thus, has fulfilled a goal inherent to this competition that assumed a national dimension from the outset, even when the educational conditions and the promotion of the arts in the country did not contributed to these ideals in the project’s beginnings.

Over time, the Biennial has achieved a greater equilibrium not only in the quantity of proposals received from across the country, but more importantly the discursive quality of their proposals. This suggests that artists from diverse regions are receiving and processing increasing references regarding contemporary tendencies. Undoubtedly, the opening of centers dedicated to artistic education, the creation of collaborative networks nationwide, as well as the federal and regional grants for artistic production, and surly Internet access too, are decisive all factors that contribute to these developments.

Given the concurrence of this process with the vocation and objectives of the Centro Nacional de las Artes, we celebrate the efforts that our institutions have undertaken in collaboration with organizations, artists, and researchers throughout the country that have enabled these achievements. Hence, we thank them for the participation in the 15th Photography Biennial.

Víctor m. González esparza

Director of the Centro Nacional de las Artes

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15th photography biennial

As jurors of the 15th Photography Biennial, we met on two occasions: the first time to review the digital files of all the portfolios submitted to the call for entries; and a second time to evaluate pre-selected proposals presented in a physical format designed for their subsequent exhibition. The process enabled us to witness the changes that have reconfigured the photographic medium over the past three decades. During the first photography biennals in Mexico, held even before the Centro de la Imagen was founded, black and white, documentary, and often socially concerned photography dominated the call for entries. While this style of work has not disappeared, it represents a significantly lower percentage on the whole. Yet, beyond this one reference that relates the history of the photographic practice to the history of the Photography Biennial of Mexico, what we can attest to as jurors of the 15th Photography Biennial is this complex transformation that today defines the possibilities for conceiving not only “the photograph”, but also “the image”. These are in want of being reconsidered from within a much broader aesthetic and conceptual framework, at a time when many “traditional” genres of the medium persist, enriched and/or questioned not only for their use of new technological applications, but for the vitality, urgency, and intentions present in their exercise.

During the exhaustive and scrupulous process of selecting and analyzing the projects submitted to the 15th Photography Biennial, in our role as members of the jury, we advert not only to the persistency of projects in black and white and color photography, digital and analogue, but also the multiplicity of proposals in video, flipbooks, photo sequences, photo installations, photo stills, and photographic art-objects, among other formal and discursive resources that reveal the variety of the transmutations that involve the present state of the photographic medium. It is indisputable that photography as an artistic “discipline” persists, not only on a national but also on a global level, immersed in an accelerated process of transition and constant expansion of its own epistemic boundaries, reconfiguring its material as well as conceptual possibilities. In this sense, the biennial represents a fragment of time that is symptomatic of an active evolution from what photography was and what it has been.

The 15th Biennial, moreover, is presented at a time of transition for the Centro de la Imagen. In its exhibition format, the show inaugurates in the recently renovated Biblioteca de México. The venue is a fundamental component of La Ciudadela along with the Centro de la Imagen, which is still being refurbished for the integration of both buildings into one cultural complex. We are thus participating in the anticipation of the new Centro de la Imagen, while celebrating the restoration of this architectural complex that offers as much significance and worth as historic testimony than as cultural center.

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Having been part of the 15th Photography Biennial was an enriching experience that offered an opportunity to observe, analyze, and discuss the diverse ways of using photography by a wide range of generations, while also distinguishing the participants’ distinctive origins and experience.

Throughout the reviewing and selection process it became ever more clear and evident that one of the dominating and achieved themes in this biennial is portraiture. The two awards given on this occasion where precisely for Paula Eugenia Islas Figueroa and Luis Arturo Aguirre Ceballos who, from intimate and unique perspectives and concerns, created two photographic projects which reflect upon the expressive, narrative, social, and temporal possibilities of contemporary portraiture.

Paula Eugenia Islas Figueroa’s photographic project, presented as a small format polyptych, combines coupled images or “reiterated portraits” of five women diverse in age during the two decisive days of the menstrual cycle: the day of ovulation, and the end of cycle. In a strait forward and unassuming manner, the artist seeks to capture the visible transitory traces that the subtle changes in attitude and sensibility leave on the women’s’ faces and their choice of clothing. The formal composition and lighting of the series conceptually complements the artwork, sharing the same understated feeing of proximity and gaze that she has gestated.

The second awarded photographic series presented by Luis Arturo Aguirre Ceballos uses portraiture as an eloquent means of depicting the fiscal and dialogical position and condition between “reality” and “fiction” that affirms and determines transgender identity. This disclosure challenges individual portraits of a group of young men from Acapulco, Guerrero, which includes the artist himself. The accomplished integration of formal and individual elements, obtained with great seduction, which these images share, do not borrow from the style of portraits applied to this subject, but rather transgresses the genre in an openly confessional tone.

As the Spanish philosopher María Zambrano affirmed, art shares with confession –as an act of temporary willingness- a duration estranged from everyday time during which man can “give himself the luxury” of surrendering himself to, not a silenced message or content that is now made known to others, but to a state of willingness that can only be understood and experienced from the shared temporality as a challenge that encourages the encounter between the artwork and the person who receives it.

As a the jury members for the fiftieth edition of the biennial, we manifest our complete confidence that not in only the awarded works, but in the totality of selected pieces that give body the 15th Photography Biennial, the public will be able to participate in this state of willingness and exhibited encounter that makes art possible and confirms its need of existence.

Yolanda Andrade | Jesse Lerner | Marcela Quiroz | Jury of 15th Photography Biennial 2012

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act of jury Thursday, September 13, 2012.

Gathered together in the installations of the Centro de la Imagen/ Centro Nacional de las Artes, a jury formed by photographer Yolanda Andrade, filmmaker Jesse Lerner, and art scholar Marcela Quiroz carefully evaluated the 421 portfolios submitted to the 15 Photography Biennial 2012 and have chosen to grant the following awards and recognitions: ACQUISITION AWARDS ($75,000.00 each) Luis Arturo Aguirre Ceballos, for his series She Male Undressed Paula Eugenia Islas Figueroa, for her series 28/14 honorable mentions: Edson Aminadab Carrillo Caballero, for his series One Day at a Time Héctor Alejandro Cartagena, for his series Car-Poolers Natalia Fregoso Centeno, for her series Zapata Lives Ramón Moctezuma Zaragoza, for his series Arcos Cecilia Monroy Cuevas, for her piece Maternal Death Astrid Ariana Rodríguez del Águila, for her series Portraits of the Soul SELECTED WORKS: Eunice Adorno Martínez Luis Enrique Aguilar Pereda Pablo Cuevas Casamitjana (Casacuevas) Beatriz Díaz Zurita Nicola Ókin Frìoli Eduardo Jiménez Román Karina Juárez Tinoco Elsa Medina Castro Fernando Montiel Klint

Mauricio Palos Gutiérrez Marcelo Rius Baron Norma Angélica Sandoval Bravo Alejandra Guadalupe Ugarte Bedwell Fernando Velasco Torres Teresa Villarreal Elizabeth Vinck Monroy Francisco Manuel Westendarp Palacios

Jesse Lerner Marcela Guadalupe Quiroz Luna

Elsi Yolanda López Andrade 205

a brief overview

The National Visual Arts Exhibition began in in 1977 with the support of the Instituto Nacional de Bellas Artes. The objective was clear: to foment and promote the artistic production in the country. Photography at that time did not however have a specific category in the biennial, and participating photographers were to submit their work to the Graphic Arts Selection. A total of were 31 works were chosen, which came to form part of an exhibition at the Museo del Palacio de Bellas Artes. While it had been decided that photography would be excluded from the competition, the jury did recommend granting greater opportunities to this artistic medium.

Two years passed, nevertheless, before the jury of the biennial’s Graphic Arts Selection would recognize photography. It was in July of 1979 that Lázaro Blanco´s work was awarded, and an honorary mention was given to Rafael Doniz. A total of 26 photographers were selected, which generated discussions about creating a space dedicated specifically to photography. This proposal, fundamental to the promotion of this artistic discipline, materialized in December of 1979 when the INBA invited photographers to participate in the first Photography Selection of the National Visual Arts Exhibition. In 1980 the National Photography Biennial was ultimately presented at the Galería del Auditorio Nacional. The first five editions were carried out in collaboration with the Consejo Mexicano de Fotografía, and the awarded works were acquired by the INBA, enhancing their archive.

The Biennial, however, lost continuity over a period of years. More recently in 1993 the Consejo Nacional para la Cultura y las Artes, in collaboration with the INBA, opened again the call for entries to what was the 6th Photography Biennial. The selected works were exhibited that same year at the Instituto de Artes Gráficas de Oaxaca. A few months later, on May 4, 1994, the newly inaugurated Centro de la Imagen hosted the exhibition. Since then, the Centro, a space dedicated to fomenting and promoting photography, has been organizing this Biennial on a regular basis every other year. Furthermore, it has complemented the competition with projects of international projection, exhibitions featuring works from the archives, and the Centro´s own Contemporary Photography Seminar student show. Over the years, the archives of the Centro de la Imagen have greatly enriched through the regular acquisition of works awarded in the Biennial.

In the following pages (see p.116) we present a brief overview of the photography biennials, which in 2012 celebrate their fifteenth edition.

Alejandra Pérez Zamudio

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descentralism In 1984 the 1st National Photography Symposium was held in Pachuca, during which there was a panel discussion dedicated to the position of the photography throughout country. In an image published in the symposium review attests that assembly was brimming with participants, demonstrating their interest in being considered, and paradoxly the the conditions of their unfavorable relationship with the center of the Republic. At the symposium the 3rd Photography Biennial awards were presented, given on this occasion to Javier Hinojosa, Carlos Lamothe, Pedro Meyer, and Pedro Valtierra, all residents of Mexico City.

What has happened over the past three decades that has enabled two artists who were educated outside of Mexico City and are active in their respective places of residency to be awarded the primary recognition of this national competition? This is not a complacent question coming from the Biennial’s organizing institution, but a call to carefully assess what has occurred in the field of photography during this period. Researchers will be left to analyze the process and define the details that have modified entirely the operating map of photography as an artistic project in Mexico.

Some antecedents of this change can be dated to the foundation of the photo archives in diverse cities, beginning with the INAH National Photographic Archive in Pachuca, and including others in Puebla, Monterrey, Veracruz, Zacatecas, and the Centro Fotográfico Manuel Álvarez Bravo in Oaxaca, as well as festivals organized since the 80s in Mérida and Xalapa, and later in San Luis Potosí and Sonora. The Biennial organized every two years by the Centro de la Imagen, concurring with the celebration of the month of photography in September, has also contributed to fomenting the recognition of the medium.

In 1995 I had the opportunity to participate, together with Fematt and Alberto Tovalín, in the organization of the second Photography Chronicles, a gathering held in Xalapa and subtitled the 1st Mexican-United States Forum. For this event we were able to bring together numerous young artists from all over the country that attended with the expectation of enriching their formation and participating in the promotion and reflection on photography on a national and international level through a decentralized project organization. It was clear that eleven years after the 1st National Photography Colloquium the development of photographic activity was in full expansion.

Later in 2001, Lourdes Báez, who was then director of Formation and Research for the Instituto de Cultura de Guanajuato, invited me to develop in collaboration a program for photographers there, which was able to continue during the term (until 2006) with the support of the Centro de la Imagen.

This project was called FotoGuanajuato, and it functioned to great extent on a regional level, involving

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center-occidental states, including Jalisco. One of the artists that participated in this program was Paula Islas, winner of one of the two 15th Photography Biennial Awards.

In 2009, I had a brief email exchange with Luis Arturo Aguirre, the other winner of the 15th Photography Biennial Awards. He had taken the initiative to ask me if the Centro de la Imagen could organize a series of photography workshops in Acapulco, the city where he resides. I responded that I would not be able to contribute and referred him to diverse educational models in the country so that he could access unique learning experiences. Luis Arturo went on to further develop his trajectory at the Photo Essay Seminar organized by the Instituto de Cultura de Guanajuato and the Contemporary Photography Seminar organized by the Centro de la Imagen and the Centro de las Artes de San AgustĂ­n in Oaxaca, where I meet him personally.

These events permit us to identify what I consider a fundamental to the understanding of cultural policies concerning photography in Mexico: the importance of evaluating how different initiatives are woven together through processes involving the education, production, and circulation of photography and related media, beyond singling out the responsible institutions and groups.

In this sense, the Photography Biennial forms part of a complex system of endorsing results and serves still as a space for revealing some of the transformations that have occurred in the field.

As long as this condition is upheld, it’s future is secured. The present, represented in this edition, shows us a community of artists able to convey in their images a feeling of contemporariness that sustains the actuality of the project, distinguishing it from competitions, due either to its continuity over the past three decades, or the close relationship its results uphold with the cultural and social surroundings that they originate from.

Alejandro Castellanos Director del Centro de la Imagen

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acquisition awards

honorable mentionS

She-Male Undressed

Arcos

Luis Arturo Aguirre

Ramón Moctezuma

… I remember the first time I saw a transvestite. The moment moved me and marked my memory. I was between seven and eight years old, accompanying an aunt while shopping in the Acapulco’s downtown market.

We passed by a fruit stand where “he” was, with his curly hair, very tanned skin, strong arms, electric blue eye shadow and red lips.

In the past twelve years I have worked at Arcos, a parking garage open twenty-four hours a day in downtown Mexico City. I have worked nights, leaving me in the company of only cars, asphalt, the cold and solitude. Today is my last day on the job …

One Day at a Time Edson Caballero

–Go ahead Blondie –he said to my aunt–.

I don’t know if his voice or body provoked confusion or amazement in me.

–Aunt, ¿and what is he? –I asked–.

–Oh, he is a she-male– she answered–.

There were no further responses. Nor did I ask more questions

Francisco I. Madero –formerly Chávez– is located thirty-two kilometers from the city of Torreón, Coahuila in Mexico. It takes the regional bus nearly an hour to pass through the villages located between these two cities. Once the bus reaches the Chávez central market, it takes a brief break before continuing its route thru the state’s thirty-eight districts.

To go from Torreón and back to Chávez passing through the districts takes about five hours.

I was born, raised and still live in Chávez. Since I was young, I traveled to the nearby villages accompanying my mother. Her work as a schoolteacher required her to visit regularly one village or another, either for graduation in nearby schools, patron festivities, or anniversaries celebrating the agrarian distribution. The memories that I have of the bus are almost the same as the images I see today. The features and wear of the passengers have not changed much, nor has its hierarchy or its vast universe of drivers, passengers, venders, preachers, musicians, beggars, clowns, ticket sellers, watch guards, and the two bus terminals.

What has changed is the present situation of the Lagunero region with respect to the insecurity. Nobody is surprised if along the highway to Francisco I. Madero the bus is stopped by a military patrol to be reviewed each time it crosses into the city of Torreón. The distrust and paranoia of the people in this area has risen notably. Everyone fears for their lives, and with reason, but just the same they must carry on with their daily activities such as going to work, school, to the doctors or to simply try to enjoy themselves without worrying about how much they are exposing themselves to.

The feeling of timelessness, as well as the different circumstances that unite group of people in an assumed indifference, has lead me to the need to photograph the everyday life of this route.

The project arises from my awe of transvestites. Their capacity to convert themselves into incredibly beautiful “woman” amazes me.

With fillings they give new forms to their body; with wigs and makeup modify their features and feminize their gaze.

Transvestites are commonly called “vestidas” (roughly be translated to “dressed-up”) and what I have done is remove their clothes so that they become “desvestidas” (or underdressed), and thus the title.

This is where their masculinity becomes evident and generates a play of double identity between the masculine and feminine.

Referencing clichéd and evident elements, I have portrayed different stories that speak of women, both real and utopian.

28/14 Paula Islas This series of portraits are all of who are from the city of Guadalajara and of reproductive age; each piece is comprised to two photographs taken of the same women, one taken during ovulation and the other during menstruation.

The intention is to underline the changes –morphological and emotional- caused by hormones during the menstruation cycle. The biological changes are visible in the face, and its social and cultural manifestation can be detected in the personal appears of the women portrayed.

This project was made possible with the support of the Jalisco State Council for Cultural and Arts 2010-2011.

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Mechanics with Guns 24 Hours

Maternal Death

Pablo Casacuevas

Cecilia Monroy Cuevas

Word plays are characteristic to man. In oral language, as well as in music, literature and visual arts, these tend to be very frequent.

Photography is not an exception, for example the (photographic) shot establishes an analogy between word and image.

By announcing “Mechanics with Guns 24 Hours”, many auto repair shops located along the highway use the play on words to tractortrailer drivers that whey will be taken care of quickly, with spray guns to wipe them down. Today this announcement inevitably reminds us of the armed groups, official and unofficial, seen among civilian society.

These photos set forth a play on these two realities, demonstrated with humor and a Mexican aesthetic.

Having lived for a long time in close proximity to issues of poverty and gender in Chiapas, I feel the obligation to articulate an opinion and political position.

This photographic series makes evident my complete disaccord with the fact that it is considered natural for woman to die of preventable causes while giving birth or during the subsequent postpartum period.

I am opposed to the underlying violence and brutality, resulting from poverty, with which women are subjected to in rural communities throughout Mexico. They are degraded and considered replaceable in the community environment.

Car-Poolers

Astrid Rodríguez

Portraits of the Soul

Alejandro Cartagena Portraits of the Soul is the result of ten years of intense work. In March of 2011 I had the opportunity to document the Tzeltal Carnival in Tenejapa, Chiapas. My objective was not just to record the celebration, but to do so from a very personal point of view to better understand the essence of Tenejapa. I had the opportunity to witness the ceremonies and everyday lives of the principal figures in town with the anthropologist Luis Morales, who has been working in this community for over twenty-five years. I was attracted to the pride and dignity taken in traditional roles, and the warmth and esteem that these people expressed for me.

I began by making a black and white portrait of each of them, in which a serenity and distance from me can be perceived. I printed the portraits to give to them. Their reactions to the images were captured in a second set of portraits made in color. The difference in expression between the first and second portraits is noticeable. In the second set of color photographs they are smiling and happy, attesting the connection achieved between us.

It is said that the Tzeltal people do not allow pictures to be taken of them because “they steal the soul.” I can say with pride that they themselves let me portray them and revealed their soul, and the essence of Tenejapa.

Portraits of the Soul is a tribute to Mr. Marcos, Verónica, Alonso, Sebastián, Pedro, Petrona, and young Diego and Javier, as well as all the people that I spent time with who opened their hearts to me.

This project offers a unique view on how carpooling is carried out by Mexican workers that carpool. I was interested in this topic because it sheds light on the consequences of the excessive growth of our cities. Living in new suburbs is for many a contradiction. While it is true that it enables residents to attain a patrimony, the cost of living and maintenance is very high. These images are, ultimately, a reflection on the work conditions of many Mexicans that goes unnoticed within a society in crisis.

Zapata Lives Natalia Fregoso Zapata Lives is a series of portraits of men that share a resemblance to Emiliano Zapata. These men selected for to their physical features were found through newspaper ads and posters hung in strategic places in Guadalajara.

The works offer an iconic survey of Zapata, one of the most admired and revered figures in our history, one houndred years after the Mexican Revolution. The intention was to establish a reinterpretation of the revolutionary’s image that has been an icon of social and agricultural movements for Mexican society.

With this project I have set out to “find” in others Emiliano Zapata within contemporary and urban contexts that withhold a direct connection with the models, while reflecting upon a part of our social and political history.

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SELECTED works

This series of images gives testimony to my mother’s last ten days of life, her death, and the process that we accompanied her through.

During my life I have photographed many deaths, almost all of them anonymous, detached from my affections while not from my emotions. But the images my mother’s death confront me, grieve me, and draw me into a profound reflection on pain, emptiness and loss.

7:00 a.m.

Teresa Villarreal This series is the result of my search to convey my moods at beginning of the day. In order to document my emotions, I took these photographs in the intimacy of my bedroom and in the bathroom just as I have woken up, a moment when there is still no direct “intervention” from the exterior world. Surprisingly, one of the elements that I used is architectural.

I have found in the photographs of the Japanese artist, Hiroshi Sugimoto, a resonance, especially in his book Architecture. I was drawn to his capacity to capture a precise moment in time with the intention of transmitting sensations and particularly further types of information.

Domesticated Norma Sandoval I have been living in the Tlateloco housing units, a place which has an undoubtedly unique history. Its inauguration in 1957 brought great expectations and it was believed that if this project as successful it would serve as a model for apartment developments across Mexico.

But after the 1985 earthquake Tlateloco lost residents and the prominence it had become known for.

My interest in photographing Tlateloco responds to the growing population of pets in these units. Apartments house up to five pets each, thus reducing the living space of the families that choose to adapt to the needs of their animals.

This photographic project addresses owner-pet relationships, and how some pet-owners even relate it to parent-child role. The result is therefore also an exploration of their intimacy.

Condominium Elizabeth Vinck Condominium is a typology in one piece, comprised of spaces where interior and exterior worlds of just one building converge.

While coinhabiting under the same roof, each element that forms part of the whole is distinct. Each intimate space is a universe in itself that has been adapted, appropriated, and that has taken on its own color and appearance.

This typology has the objective of showing both the “total interior”, which is presented alongside of the “total exterior”, with the purpose of observing the complete unity of this residential space.

Kilah Alejandra Ugarte Bedwell This series is part of a group of projects based on the concept of the ideal spectator that I have constructed through codes and attitudes that remit me to memories, experiences and expectations of my relationship with those who surround me. The works explore my friendship with Kilah, my dog of six years. I have never been able to explain to anyone who has not had a pet, just how profoundly they can influence one’s life. For three years Kilah did not live with me and in order to express how much I miss her, I looked for those images of other dogs with their owners to immortalize this relationship that can only be reciprocal in proximity.

I visited museums and other places in search of paintings that portrayed people in the company of their dogs to minimize my anxiety for having left behind an important part of my life. I combined these paintings with photographs that I took of Kilah each time I saw her, as a way of decreasing the distance between us.

The first night that I had Kilah we had gone to a café, she waited for

October 8 Elsa Medina Castro With these images I wish to explore a very intimate moment, the death of my mother.

We all realize that this trance, inevitable, full of mystery and uncertainty, will arrive one day, but how and when is unknown. Death, almost always silently, steals, so to speak, into our chambers.

My mother, María Antonieta, suffered a cerebral vascular accident that left her quadriplegia and confined to bed for the last ten days of her life. During this time she received affection and attention from her family (children and grandchildren), friends and nurses that all tried, within the limitations of her health, to make her life the best possible.

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The roof of a train that crosses Mexico without scheduled times and stops, is the only opportunity for Central American and Mexican migrants to get closer to the United States. They are passing though Mexico from Guatemala, Honduras, and El Salvador on their way to their final destination, the “other side”. The migrants are victims of assaults, rapes, corruption, and kidnappings perpetrated by the Maras Salvatrucha. They have to endure the “migra” (immigration police) and moreover, they must withstand “The Beast”, as the train is referred to.

This is the story of the migrants that become stranded in Mexico, unable to reach the “other side”. The account of their failure entails distain and humiliation.

The initial objective of this series was to generate attention to this issue in countries with greater resources so that they might better understand the situation on along southern boarder of Mexico with Central America and exercise pressure. Perhaps then the Mexican government would address the discrimination, which is comparable to what so many Mexicans go through along the United States boarder.

in the companies that sustain their development in socio-economic models of postindustrial capitalism. Thus, the departing point of this reflection is the social transformation through the redefining of the concept of labor.

In my opinion, industrial cafeterias have become authentic spaces of control, modern labor “concentration camps”. They are designed to constantly watch over employees, with security cameras functioning 24 hours a day, vast windows open to observation, furniture designed so that workers do not linger and return to the assembly lines.

The workers line up to receive their meals, while bombarded with all kinds of messages encouraging them to work more efficiently. Here there is no down time, no place for unproductively. These aseptic features give the impression of vicious perfection. .

These places of control symbolically convert in production lines in which the workers are prime materials. Resigned to a process of cultural transformation, they offer in return a product of immaterial order. Concepts such as service, loyalty, commitment, and quality are inoculated in the minds of each of them, generating alienated workers, shaped by new labor models.

The emptiness that characterizes these cafeterias lead me to debate the strategies that justify their existence. If the purpose of nourishing workers reflects a first reading of these works, there are other aspects that should be analyzed in depth, including the construction of identity, use of information as a means of control, and the experience of the workplace.

Ways of Mexico

The Silence Inhabited

Mauricio Palos

Luis Enrique Aguilar Pereda

Mexico withstands two kinds of violence: one which comes across as heroic, and seeks acceptation through institutional means; and the other that arises from the fact that the institutions themselves do not permit the civil society to satisfy their most basic needs. Each of these leads us to reflect on the development of these distinct ways, while the conflict worsens and extends, and the social weave continues to deteriorate more and more.

Each story told presents an alternative to the official “truth”; introducing a new imagery that reveals the situation of the country.

The north of Mexico is blanketed by silence. Thousands of kilometers covered with sand and closed eyes, where an extensive collection of human stories becomes invisible behind the veil of fear. The prosperity of a handful of opulent individuals is elevated above the cries and the missing people that will remain unnamed. The silence of the north is more vast than the dessert, lips stitched closed with treads of blood mute the blind hope.

In these barren lands, documents of the consequences of irrational violence obliged me to turn and look at these people, almost shadows, that day after day withstand this disheartening situation.

Mute witnesses that avoid the clamor and glitz are survivors of an industrial city that never quiets, among the productive stridency and the permanent cry promising riches and opportunities. People that from the sidelines remain silent, holding back, waiting to once again have a voice.

me nervously outside the restroom. “I am not leaving Kilah”, I told her while rubbing her hear and we returned to the table.

This project is my way of saying I have not left, that I am here.

The Other Side of the american Dream Nicola “ókin” FrÌoli

Controlled Spaces Eduardo Jiménez Román This project arose from my interest in understanding and questioning the workplace of industrial cities in northern Mexico, particularly

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reached only by imagining its existence.

The title of each photograph includes two relevant pieces information: the project name, Geographica, as if it were the place where the picture was taken; and the year, which corresponds to the original publication date of the photograph in the magazine. Both the name and year compel the viewer to associate the images with a specific place and time, far from their actual reality, while also perhaps inviting them to create a direct connection with the images source.

These are images that do not break the silence, perhaps they even prolong it, while revealing it inhabited, standing before an ominous future.

Red Days Karina JuĂĄrez This work speaks of the symbolic relationship between animals and humans, whose conduct has modified over time. Man is born and raised with the recourses of reality and the everyday experiences of a society that is immersed in violence.

Slaughterhouses are places that transform; and as decontextualized spaces they may even represent our reality today, which is a painful reality.

The butchering of animals is a metaphor that speaks of the deaths caused by violence in Mexico. Man, uprooted from humanity, is seen as animal.

Flower Woman Eunice Adorno This series forms part of the book Flower Women. From an intimate and personal perspective, I carried out this documentary project, focusing on the every day lives of women living in Mennonite communities of Nuevo Ideal, Durango and La Onda, Zacatecas, who are able to overcome the isolation of these settlements.

The photographs arise from everyday moments in their homes and gardens; it is in these spaces where the women craft a universe of their own, amid friendly conversations, memories

Geographica Beatriz DĂ­az Geographica explores the limits of photography and offers an analysis of landscapes used as merchandise, something that affects and defines the understanding of the places themselves.

The series consists of imaginary landscapes created from appropriated, interpreted, and manipulated photographs. The images were initially taken from a collection of National Geographic magazines from the seventies. The project arose from a great desire to photograph the landscapes I saw, which probably no longer subsist in today’s political, social, and environmental context. My goal was to photograph a landscape that does exist in the collective subconscious, in the imagination, in the memory of a not so far off past.

I reviewed the magazines where I once found unknown worlds, trying to see what it was like and asking myself how it might have been. I selected images of places taken before I was born and that I have never seen, in which reality and fantasy blend together. My visual exploration seeks to understand how it might be possible to create photographic landscapes of desirable and exotic worlds.

During this process, I manipulated images and little by little began moving and shifting information, as if by eliminated layers I could eliminate from each place reality itself. By doing so, my intention was to become aware of the fragile veracity of the original images by converting them into places that only exist in the imagination of the viewer. zz is a place that can be found in our in conscience and

Long Island Rail Road Francisco Westendarp For several weekends I traveled by train between Long Island and New York City. The ride takes two hours, making stops at some fifteen stations, depending on the itinerary scheduled for that day.

To make this series, I took a photograph for each station that the train stopped at. I would open the camera shutter as soon as the train departed from one station and closed it when it had arrived at the next.

I repeated this exercise until the end of the route.

The photographs presented here document this experimentation, which performed on six different occasions reveal distinctive climatic conditions and times of day that speak of the train contribute to defining the visual quality of each image.

PERIPHERIES. Sand, Palm Trees, Water and Chlorine Marcel Rius Baron This project, documentary in approach, reveals what goes on each year during the brief period that is Holy Week. During these days ten or so

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Atlantida

installations appear in the peripheries of the city simulating romanticized beaches with palm trees, fine sand, and water. The latter of course with chlorine, lots of chlorine.

It is known that during Easter there is a massive exodus of people escaping the city in search of adventures and new experiences.

Many head for different beaches across the country in quest of long awaited rest.

But this is not the case for those portrayed in this project. All kinds of people, mostly children, find their way to the places known as “the beaches of DF”. Some will see “the beach” here for the first time and feel the emotion and joy, which may even be the first tall tail of their lives. In time, they will realize that what they experienced was a concept of this century.

They are in effect among the thousands of people who, primarily for economic reasons, cannot travel to the widely desired destinations.

The series is comprised of nine images, six of which offer wide views. The photographer remains entirely at the margin of this holiday moment, camouflaged he goes unnoticed. The three remaining photographs are frontal portraits that aim to express a kind of simplicity, humbleness, and humanity.

These artificial beaches are strange phenomena that I have been able to observe and experience. This is only part of a more extensive reportage showing certain moments of these vacations.

Fernando Velasco Torres With this project I have set out to create a photographic remembrance of my childhood trips to the holiday retreat town of Oaxtepec, a place that seemingly remains protected from the passage of time.

While the effects of globalization in the recreational park games can be observed, this place reveals a timeless vista apparent in the fixtures as well as in the attitudes and emotions of the families.

Wall of Concentration Fernando Montiel Klint We are a society that automates and isolates the individual. As human beings co-dependant on technologies, we consume in eternal search for total pleasure. This is where we stop learning about and recognizing ourselves in an organic manner.

With these characters I aim to reflect upon distinct moments of introspection and search for silent images that incite concentration.

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has taken photography workshops at the Universidad Loyola del Pacífico, the Colegio de Fotografía Gabriel Figueroa, and the Photo Essay Training Program in Hidalgo. He has had two individual exhibitions El hombre del jaguar [The Jaguar Man] and Ojos que sí ven… [Eyes That Do See…].

Collectively his work has been shown at the Galería José Hernández Delgadillo, the Centro Cultural Acapulco, and the Centro Cultural Casona de Juárez in Guerrero, and at the Tempocolor Festival 2012 in Belgium. He recently received the fonca Young Artists Grant (2012-2013) and in 2009 he received the pecda Guerrero Grant. His work forms part of the collection at the Fototeca Nacional del inah . He lives and works in Acapulco.

biographies Eunice Adorno (Mexico City, 1982) was selected to participate in the World Press Photo Joop Swart Masterclass 2011 in The Netherlands and participated in the Contemporary Photography Seminar 2010 at the Centro de la Imagen. She has exhibited Flower Women at the Lumix Festival for Young Photojournalism in Germany and the Fnac Photo Galleries in Spain. For this series she was also awarded with the Fernando Benítez Cultural Journalism Award 2010.

She has received the fonca Young Creators Grant (2009-2010) and the International Studio & Curatorial Program Residency Grant in New York. In 2010 she was selected to participate in the Trasatlántica PhotoEspaña portfolio reviews in Nicaragua. Her work has been published in the British Journal Photography and the magazines Gatopardo, LightBox Time, OjodePez, gup, Vice, Yo Dona, Marie Claire, National Geographic, and Travel México. Her monographic publication Las mujeres flores [Flower Women] (La Fábrica, 2010), resulted from the photography book workshop organized by PhotoEspaña and the Centro de las Artes de San Agustín Etla, Oaxaca. She was recently nominated for the Rudin Prize for Emerging Photographers 2012, organized by the Norton Museum of Art. She lives in Morelos.

Edson Caballero (Coahuila, 1987) studied Communication at the Universidad Autónoma del Noreste in Coahuila. He has participated in photography and photo narrative courses at the Universidad Iberoamericana in Torreón and the Fundación Pedro Meyer-World Press Photo. His individual exhibitions include Sol lagunero [Sun from Laguna], Memorias de un caballero [Memories of a Gentleman], Bodegón ideológico [Ideological Still Live]. Collectively he has exhibited at the Museo Regional de La Laguna and the Universidad Iberoamericana de Torreón. He received the pecda Coahuila Young Creators Grant (2012-2013) and the fonca Young Creator Grant (2011-2012). On two occasions he was awarded first place in the Laguna Region Journalism Contest. Currently he is working in commercial photography and is finishing a documentary project Un día a la vez [One Day at a Time].

He lives in the Comarca Lagunera, Coahuila.

Luis Enrique Aguilar Pereda (Mexico City, 1980) studied at the Escuela Activa de Fotografía. He participated in the Contemporary Photography Seminar 2010 at the Centro de la Imagen, in addition to diverse photography workshops there, also at the 1st National Meeting for Photographic Investigation, and at Instituto Internacional de Periodismo José Martí. His work has been exhibited in collective exhibitions in Mexico, the United States, Argentina, and Spain. He was selected for the 14th Latin American Photography Contest in Colombia, the 7th Puebla de los Ángeles Biennial, and the 3rd Chiapas Photography Biennial. He received a special mention from the jury in the International Migrations and Boarders Contest in Spain, and A Day in the Life of the People from Chiapas Contest organized by the Universidad Intercultural in Chiapas. He is member of the Colectivo Fotógrafos Independientes in Chiapas [Independent Photographers Collective]. Currently, he is coordinating the project Gimnasio de Arte y Cultura in Chiapas, and lives in San Cristóbal de las Casas.

Alejandro Cartagena (Dominican Republic, 1977) holds a Master of Visual Arts from the Universidad Autónoma de Nuevo León in Mexico. He has participated in diverse collective exhibitions in Mexico, the United States, Canada, Brazil, Spain, Italy, United Kingdom, Malaysia, and China. Individually his work has been seen at the contact Photography Festival, Lishui Photo Festival, Festival Photoimagen, Paul Kopeikin Gallery, and Circuit Gallery. With his project Suburbia mexicana [Mexican Suburb] he participated in the International Artist Book Fair during Fotoseptiembre Festival 2009. He has received numerous awards, among them foam Talent (2012), International Street Photography Award (2012), London Photography Festival 2012, Premio iila (2012), Photography Exhibit of Nuevo León Acquisition Award (2011), Latin Lens Award in Chile (2011), Photolucida’s Critical Mass Photo Book Award (2010), pdn’s 30 New and Emerging Photographers (2010), and was nominated for the Prix Pictet 2011, Aperture Portfolio Prize 2009, and the Santa Fe Center Award 2012. His work forms part of the collections of Fototeca Nacional de inah, Joaquim Paiva Collection,

Luis Arturo Aguirre (Guerrero, 1983) participated in the Contemporary Photography Seminar 2011 at the Centro de la Imagen and

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for the newspaper Mural (2003-2007), and has taken diverse photography workshops in Mexico and Guadalajara. Her work has been shown individually and collectively in the country, and during Fotoseptiembre Festival in 2003, 2005, and 2011. She received grants from the Municipal and Community Cultures of Jalisco on three occasions (1998, 1999, 2001), and Support for the Creation and Artistic Development in Jalisco in 2010 for her series Zapata Lives, which was also selected for the 6th Photojournalism Biennial. She participated in FotoGuanajuato 2002. Her work has been published in the newspapers Milenio, El País, and Expansión and the magazines Proceso, Domingo in El Universal, Instyle, Gente, and KY Magazine, among others. She has collaborated with agencies Notimex, Imagenlatina, and Cuartoscuro. She currently works as an independent photographer based in Guadalajara.

San Francisco Museum of Modern Art, Museum of Contemporary Photography in Chicago, Museum of Fine Arts en Houston, and the Portland Art Museum. He currently lives and works in Monterrey.

Pablo Casacuevas (Mexico City, 1979) studied film at the University Center for Cinematographic Studies, unam, and has taken diverse photography, film, and video workshops. He has worked in the film industry as camera assistant, and in 2001 he founded the photography agency Lente 30-30. He has presented his work in five individual exhibitions, including Top Shots, Los hijos de la Revolución [Children of the Revolution], and Viaje a Tamaulipas [Journey to Tamaulipas], the later of which traveled to Beijing in 2008. Collectively he has exhibited his work in Mexico, the United States, Brazil, and China.

He received the fonca Young Creators Grant (2009) and his video work was selected for the Mercosul Biennial 2012, the Biennial of the Americas 2010, and placed second in the Framing Life Contest by National Geographic (2007). His work has been published in the magazine Biodiversitas, and he reproduced the works for the catalog Relatos visuals [Visual Narratives] (itca, 2010). In 2009 he directed the editorial project Postales tamaulipecas [Postcards from Tamaulipas]. He currently works as a photographer for the state of Tamaulipas.

Nicola “Ókin” FrÌoli (Rimini, Italy, 1977) holds a Master of Journalism Degree from John Kaverdash School in Milan and studied Fine Arts at the Liceo Artístico G. da Rimini in Italy. His work was included in the Descubrimientos PhotoEspaña 2009 exhibition, which traveled to the United States, Mexico, The Netherlands, Spain, Serbia, Italy, and Morocco. He has received a scholarship from the Università dell’Immagine di Milano for two consecutive years, a grant from the Foundry Workshops in Mexico, third place in the latam Picture of the Year Award in 2011, and second place in the International Image Festival 2012. His work has been published in The New Yorker, The Guardian/Observer, Vanity Fair, Letras Libres, Financial Times, gup Magazine, National Geographic, and recently in the book 72 migrantes [72 Migrants] (Almadía, 2012). He is currently finishing the project The Other Side of the American Dream, while working on editorial and commercial projects. He is currently based in Mexico City.

Beatriz Díaz (Mexico City, 1978) holds a mfa in Photography, Video and Related Media from the School of Visual Arts in New York.

She has exhibited her work in three solo exhibitions, 99¢ Archetypes of Nature, Nada que tomar [Nothing to Take], and Fotografías mexicanas [Mexican Photographs]. Her work has been shown collectively in Mexico, the United States, and France. She has been awarded the Fullbright-García Robles Grant (2008-2010), Fundación Colección Jumex Grant (2008-2010), fonca Study Abroad Grant (2009), 20th National Congress for Young Art Acquisition Award, and her work was selected for the 10th Monterrey femsa Biennial. She participated in the International Artist Book Fair during Fotoseptiembre Festival 2011 with book Geographica. Her work has been published in Ruby Otherworldliness (Gestalten, 2011) and The Collectors Guide to New Art Photography (Humble Arts Foundation, 2011), and forms part of the collections of the Instituto de Cultura de Aguascalientes and the School of Visual Arts. She currently lives and works in Mexico City.

Paula Islas (Mexico City, 1978) majored in Communication Studies at the Instituto Tecnológico de Estudios Superiores y de Occidente in Guadalajara. She has had three individual exhibitions, Receta de la felicidad [Recipe for Happiness], Historias de memorias [Stories of Memories], and Naturaleza muerta [Still Life]. Collectively her work has been shown in Mexico, Chile, and the United States. Her work is currently being shown in the exhibition Mujeres detrás de la lente. 100 años de creación fotográfica [Mujeres Behind the Lens. 100 Years of Photographic Creation], and was selected for the 12th Photography Biennial of Mexico. She has received support from the State Council for Culture and the Arts (2010-2011), fonca Young Creators Grant (20082009), and the Fundación Nuevo Periodismo Iberoamericano of Argentina (2005). She participated in FotoGuanajuato 2006. Her work has been

Natalia Fregoso (Guadalajara, 1975) studied photography at the School for Visual Arts and at the Universidad de Guadalajara, where she also majored in Hispanic Literature. She worked as a photographer

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published in the catalogs Mujeres detrás de la lente (Conaculta, 2012), FotoGuanajuato (Ediciones La Rana, 2006), and the XII Bienal de Fotografía (Centro de la Imagen, 2006). She is currently studying a Masters of Visual Studies at the Universidad Autónoma del Estado México.

essays covering politics in Guatemala, Nicaragua, and Haiti. She has received several recognitions, including first place in the Two Cultures, One Origen Only Contest, second place for the Women Seen by Woman Contest organized by the European Community, and a nomination for the Iberoamerican Olorum Award by the Fondo Cubano de la Imagen Fotográfica. She has participated in numerous conferences in diverse national institutions. In 2004 and 2010 she was recognized as a member of the National System of Creators. Her work has been published in many books and magazines. She currently lives in Mexico City where she teaches.

Eduardo Jiménez Román (Monterrey, 1971) has taken diverse photography workshops hosted in the Fototeca de Nuevo León at the Centro de las Artes. Collectively his work has been shown at the Antiguo Palacio Federal in Monterrey, Fototeca de Nuevo León, and Casa Escorza. He received the Tierney Foundation Grant in 2012, first place in the Cultural Patrimony of Nuevo León through the Eyes of its Photographers Competition, Los Ojos del Tiempo Contest, and an honorable mention in the Photography Exhibition of Nuevo León. His work was featured in the magazine NoWHERE. He lives in Monterrey.

Ramón Moctezuma (Mexico City, 1982) has taken photography courses at the faro de Oriente, faro de Tláhuac, Centro de la Imagen, and the Gimnasio de Arte y Cultura. He is a member of Encontraste Colectivo, a group that was formed at the FARO de Tláhuac and has created the documentary film and exhibition Geografías en Diálogo [Geographies in Dialog] shown in the Fotoseptiembre Festival 2011, as well as the digital magazine Encontraste Colectivo Digital, which has edited three numbers to date. His work was included in exhibition Territorios Circundantes [Surrounding Territories] shown in the Fotoseptiembre Festival 2009, and exhibited individually Un buen camino [A Good Path] the following year at the Alianza Francesa del Valle. He received support to participate in the 2nd Photo Essay Training Program in Hidalgo. Currently, he is working at Expósito photo, and lives in Mexico City.

Karina Juárez (Morelia, 1987) studied Cultural Management at the Universidad de Guadalajara. She was selected for the World Press Photo Joop Swart Masterclass 2012 and participated in the Contemporary Photography Seminar 2011 at the Centro de Imagen, as well as diverse workshops at the Centro Fotográfico Manuel Álvarez Bravo and the Centro de las Artes de San Agustín Etla, in Oaxaca. Her work has been shown individually in two exhibitions, La espera [The Wait] and El enigma del cuerpo [The Enigma of the Body], and collectively her work has been shown in Mexico and Belgium. She has received the fonca-Conacyt Studies Abroad Grant (2012), the fonca Young Artists Grant (2010), and an honorable mention in the Contemporary Photography of Mexico Competition 2012. She was selected to participate in the 8th Puebla de los Ángeles Biennial. Her work forms part of the José F. Gómez Collection at the Centro Fotográfico Manuel Álvarez Bravo. She is currently working on the project Memento and participating in the First Artist Exchange Residency through the Fábrica de Imágenes Programme in the École Nationale Supérieure de la Photographie de Arlés, France.

Cecilia Monroy Cuevas (Jalisco, 1977) studied Media Arts at the Centro Universitario de Medios Audiovisuales in Guadalajara and participated in the Contemporary Photography Seminar 2010 at the Centro de la Imagen. Her work has been shown in six individual exhibitions, including Indagaciones (Inquiries), La humedad del inconciente (The Humidity of the Unconscious), and Canto en Flora (Song in Bloom). Collectively she has exhibited in Mexico, the United States, and Austria. She has made over ten video productions to date.

Her work was recognized with the pecda Chiapas Young Creators Grant (2010) and at the Woman Image Creators International Biannial 2005. In 2007 she participated in a residency in Austria with a project which was exhibited individually in the Mexican Cultural Institute at the Mexican Embassy in Vienna. She was a founding member of the Colectivo Fotógrafos Independientes in Chiapas [Independent Photographers Collective] (2002-2011). Additionally, she was responsible for the photographic direction of the documentary La pequeña semilla en el asfalto [The Small Seed on Asphalt] in 2010, which was awarded with the All Voices Against Silence Festival Award 2012.

Elsa Medina Castro (Mexico City, 1952) studied photography and design at the Universidad Iberoamericana and at San Diego State University. She has participated as an instructor in numerous workshops, and as a student she worked under Nacho López. From 1986 to 1999 she worked as a photojournalist for the daily newspaper La Jornada as a correspondent in Tijuana, Baja California, and she is founding member and contributor to the newspaper El Sur in Guerrero. Her work has been seen in various individual exhibitions and over fifty collective shows in Mexico and Europe. She is author of photo

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nada and the magazines British Journal of Photography, Proceso, Vice, Colors, Courrier International, Le Monde, Gatopardo, gup, and Flaunt, among others. His work is represented in Global Assignment by Getty Images. He is currently participating in the collective exhibition and editorial project Laberinto de miradas [Labyrinth of Views]. He lives and works between Mexico City and Mérida.

She is currently working on a series of photographs on the death of mothers and projects related to documentary film education and promotion. At the present she lives in Chiapas.

Fernando Montiel Klint (Mexico City, 1978) studied at the Escuela Activa de Fotografía and has participated in photography workshops at the Centro de la Imagen. His work has been shown in diverse collective exhibitions hosted in Mexico, Colombia, United Kingdom, Belgium, Poland, Hungry, Turkey and Bangladesh, among others. His individual exhibitions include Espacio confinado [Confined Space], Nirvana, and Actos de fe [Acts of Faith], which were shown in Mexico and abroad. He was chosen to participate in the Singapore International Photography Festival 2012, the Pingyao Festival 2012, and to the Rencontres d’Arles 2011. He has received numerous recognitions, including the 26th Young Art Contest Acquisition Award in 2006, the fonca Promotion and Co-funding Grant (2005), the fonca Young Creators Grant (2004), the Omnilife Grand Prize Acquisition Award in 2001, and an honorable mention at the 12th Photography Biennial of Mexico. His work has been published in No sabe, No contesta (Arte x Arte, 2008), the magazines Eyemazine, PhotoIcon, Art Nexus, The First Post, I-D Magazine, and can be seen on 500photographers.com. His works form part of The Wittliff Collections, Guangdong Museum of Art, Siofok 320, Fototeca Nacional del inah, Museo de Arte Contemporáneo in Chile, Nave K, Museo de Arte Moderno de Aguascalientes. At present he co-directs Klint &Photo, and lives in Mexico City.

Marcel Rius Baron (Barcelona, 1970) studied photography in Spain. He participated in an illumination workshop at the International Center of Photography in New York, the Contemporary Photography Seminar 2009 at the Centro de la Imagen and several other workshops held there. He has been working in editorial and commercial photography for diverse publicity agencies in Mexico and Spain. His work has been shown in three individual exhibitions Sarajevo. Un año después de la exposición [Sarajevo. One Year After the Exhibition], Invaders [Invadors], and Fanatic Wars. Collectively his work was seen in the Fotoseptiembre Festival 2010. He has published images in OjodePez, Picnic, Membrana, and Bizarre Magazine, as well as in diverse online projects, including Tóxico Cultura, Culturehall, OjodePez, Foco, Withecu, and Foto8. At present he lives and works in Mexico City.

Astrid Rodríguez (Chiapas, 1977) is a self-taught photographer. She has exhibited her work individually and collectively at the Centro de Artes Visuales de Yucatán, Museo de la Ciudad en Mérida, Centro Cultural Jaime Sabines, Espacio Fotográfico Canthil4, Galería Héctor García, and the Galería de Arte Contemporáneo Miau Miau, among others. She received first place in the Cuartoscuro National Photography Competition 2012 and the Morelos National Photography Award for an image from her series Portraits of the Soul, which also received an honorable mention and was selected for La Membrana National Photography Award 2012. As of last year she is an active member of the Colectivo de Fotógrafos Independientes in Chiapas [Independent Photographers Colective]. She is currently working on a project that combines stereoscopic photography with iPhonography, and lives in Tapachula, Chiapas.

Mauricio Palos (San Luis Potosí, 1981) majored in marketing and studied photojournalism at the Universidad Europea de Madrid.

He has exhibited individually in Guatemala and Mexico, and collectively in Spain, the United States, Honduras, El Salvador, Nicaragua, Dominican Republic, Costa Rica, and Hungary. He is author of the documentary film En algún lugar [In Some Place] (Indomable Films, 2010) and the book My Perro Rano (Editorial RM, 2010), which was named an outstanding publication of the year by the British Journal of Photography in 2011. His work has received numerous recognitions including the fonca Young Creators Grant (2012-2014), fonca Promotion and Co-investment Grant (2009-2010), Ford Foundation IIE Grant, fonca Young Creators Grant (2007-2008), honorable mention in the 14th Photography Biennial of Mexico, and honorable mention for the Fernando Benítez Cultural Journalism Award 2010, and was selected to participate in the Trasatlántica PhotoEspaña portfolio reviews held in Nicaragua. He is co-founder of the Photography Congress Mexico. His work has been published in the newspaper La Jor-

Norma Sandoval (Mexico City, 1984) studied Design and Visual Communication at the unam. She participated in the Contemporary Photography Seminar 2010 at the Centro de la Imagen, in addition to diverse photography workshops in the Fototeca de Nuevo León at the Centro de las Artes, the Gimnasio de Arte y Cultura, and the Museo Archivo de la Fotografía. She has exhibited her work collectively at the Valparaíso International Photography Festival 2010 and the Universi-

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dad Autónoma de Yucatán. Domesticated was shown individually at the Clínica Regina in 2011, and received an honorable mention from the jury in Arte Shock tv unam the same year. She was selected to participate in the 7th Puebla de los Ángeles Biennial. She is currently working on diverse projects involving video. She lives in Mexico City.

Epson and the Museo Casa del Risco. Her photographic works have been published in Mitos y Leyendas de México [Myths and Legends of Mexico] (Editorial Ambar Diseño S.C., 2009), Refranes [Proverbs] (Editorial Ambar Diseño S.C., 2010), and Oficios [Trades] (Editorial Ambar Diseño S.C., 2011). Her architectural projects have appeared in Arquitectos Mexicanos II. Al fin del Milenio [Mexican Architects II. At the End of the Millenium] (am Editores, 1998). This year she will be participating in ES2012 Tijuana 7th International Biennial of Standards at cecut [Centro Cultural Tijuana]. She is currently working in both photography and architecture. She lives in Mexico City.

Alejandra Ugarte Bedwell (Mexico City, 1982) holds a Masters of Advanced Photographic Studies from the International Center of Photography, and studied Visual Arts at enpeg “La Esmeralda”. Her work has been shown at icp and the Casa Nacional del Estudiante in Mexico. She has participated in collective exhibitions in Mexico, the United States, Denmark, Scotland, and Germany. Her work was included in the International Artist Book Fair during Fotoseptiembre Festival 2009 and at the NY Art Book Fair 2011, and has been published in Luna Córnea, Revista de Arte y Literatura, Shift and nypd New York Photo Festival Annual. She received the René Peñaloza Award for Video and Photography Teaching, the fonca Young Creators Grant (2010-211), as well as honorable mentions from the National Camera Club of New York Award and at the New York Photo Festival. Currently she works as professor of photography, video, and animation. She lives in New York.

Elizabeth Vinck (Mexico City, 1982) studied Design and Visual Communication at the National School of Visual Arts, unam. She participated in the Contemporary Photography Seminar 2008 at the Centro de la Imagen, in addition to photography and contemporary art courses at Colección Jumex, Academia de San Carlos, and the Centro Cultural España. She has worked in editorial, commercial, and performance photography. Her individual exhibition entitled Imaginarios colectivos [Collective Imageries] was shown in the Public Transportation System of Mexico City in 2006, and collectively she has shown work in Mexico and Belgium. She received an honorable mention from the 5th National Visual Arts Biennial of Yucatán, a scholarship for the Arts in All Parts Program organized by Ministry of Culture for Mexico City, a recognition from the Montblanc Young Artist World Patronage 2007, and participated in the PhotoEspaña portfolio reviews Descubrimientos PHE09. Her work has been published in the catalogs Fotoseptiembre 2009, XIII Bienal de Fotografía, vol. II, Descubrimientos PHE09, and Punto Ciego. She is currently studying a mfa at the Faculty of Arts and Design at unam. She lives in Mexico City.

Fernando Velasco Torres (Mexico City, 1969) studied photography at the Universidad del Valle de México, Centro Cultural de Arte Contemporáneo in Mexico, and GrisArt in Barcelona. He was the photography department coordinator at Editorial Televisa and founder of the producer Luciérnaga that has developed numerous publicity campaigns and disc covers. He was selected by the Fédération Mondiales du Cirque in Monaco to create their 2012 calendar, and included in the Enciclopedia del Circo [Circus Encyclopedia] (Mónaco, 2012), for his work on the Circo Atayde. With his series Oaxtepec he was awarded first place in the adn Mexico Competition organized

by Picnic magazine. His work has been published in the magazines Harper’s Bazaar, Marie Claire, Elle, H (Barcelona), Rolling Stone, México Desconocido, Warp, Hotbook, and Deep, among others. He is currently working on diverse personal projects and collaborating with foundations through Luciérnaga. He lives and works in Mexico City.

Teresa Villarreal (Mexico City, 1952) studied Architecture at the UNAM and holds a Masters of Textiles from the Academy of Fine Arts in Warsaw, Poland. Her textile art has been shown in Mexico, Cuba, and Poland, a discipline she worked in from 1978 to 1987. Since 2008 she has been studying photography at the Taller Estudio Urquiza Fotógrafos, and has participated in collective exhibitions at the Galería

Francisco Westendarp (Mexico City, 1978) holds two graduate degrees, a Masters of Fine Arts from Stony Brook University in the United States and a Masters of Creative Documentary from the Universitat Autònoma de Barcelona in Spain. He was awarded the fonca-conacyt Study Abroad Grant (2011), Fulbright-García Robles Grant (2009), iqcda Young Creators Grant (2006), and the fonca Young Creators Grant (2004-2005). His work has been seen in solo exhibitions The Self- Portrait of a Sleeping Man and v=d/t, shown at Oasis Gallery in Michigan and the Museo de la Ciudad de Querétaro respectfully. His video, installation, and photographic works have been shown collectively in the United States, United Kingdom, Mexico, France, and Brazil.

Currently he is working on projects that explore the relationships between space, memory and time. He lives in Mexico City.

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Eikoh Hosoe. photobooks

Photographer and filmmaker Eikoh Hosoe was born 79 years ago in Yonezawa, Japan, and began taking photographs at age 17. His father was a shinto priest of an animist religion that worshiped the spirits and deities of nature, and also ancestors. • In the early 50s, Hosoe studied at the Tokyo College of Photography and soon joined Demokrato, a vanguard group lead by Ei-Q who was a prominent Japanese artist that worked in different mediums such as photography and printmaking. Hosoe’s first individual exhibition, An American Girl in Tokyo, was presented in 1956 at a gallery in the elegant Ginza neighborhood. In 1960 he created the Jazz Film Laboratory, a multidisciplinary artistic project that set out to produce highly metaphoric and expressive works. It was in the 60s that Hosoe became a reference for frontline Japanese photography and exercised enormous influence on younger generations.

With the author Yukio Mishima as his model, Hosoe created an iconic series of dark and dreamy images that explored the male body with a baroque aesthetic and intense eroticism. Mishima posed semi-nude in his Tokyo house and the images, which have contrasted black and white tones, possess a strong sense of theatre and palpable drama. Seven years later, the novelist and playwright committed seppuku, a Japanese ritual suicide by dismemberment with a sword or katana, a practice reserved for samurais in feudal Japan.

In 1963 these images were published in the book Barakei. Ordeal by Roses, which gave Hosoe worldwide renown. The term bara became commonplace in Japan precisely when the book came into circulation and refers to publications with masculine homosexual content. The Japanese culture possesses a long artistic tradition of homosexual representation, embodied primarily in the art of danshoku-shunga.

In May of 2012 Eikoh Hosoe traveled to Mexico for the second time and visited the Centro de la Imagen as he had done before, in 1995 this time to donate for our archives a special edition of this emblematic book.

Enclosed within its white box, in a time that is sober and refined, the publication –in the fashion of antique oriental manuscripts- is in the form of a roll that opens up across eight meters. Made

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with rice paper digital printing, the work unites traditional and modern elements. This paper, used for centuries in the refined art of calligraphy and Japanese painting, is applied along with more recent technologies. The design was developed by Akira Mabuchi, and the editing by Hitoshi Amakusa.

A “Preface for Eikoh Hosoe” written by Mishima opens this beautiful book-object: One day, without warning, Eikoh Hosoe appeared before me, and transported me bodily to a strange world...[a] world that was abnormal, warped, sarcastic, grotesque, savage, and promiscuous… However, there was a clear subterranean current of lyricism softly whispering through its invisible conducts.

On the night of Saturday May 12 at the Centro de la Imagen, Eikoh Hosoe spoke to the public about his inclination for black and white photography, and about how he struggled for something distinctive when other photographers where exploring the manner of social realism during the now distant years of the 70s.

The author also recalled the willingness with which his friend Yukio Mishima had accepted to pose before his camera to create this series of photographs that would bring Hosoe renown.

Days before Hosoe had received the Medal of Honor from the Universidad Veracruzana, and in conjunction with this recognition, he presented The Human Rodin Exhibition, a show that reveals the photographer’s obsession with the work of the celebrated French sculptor.

Eikoh Hosoe was not only a founder –together with Nobuyoshi Araki, Masahisa Fukase, Daidō Moriyama, Noriyaki Yokosuka, and Shomei Tomatsude– of the Photo Workshop School of Tokyo in 1974, but also photography professor at the Tokyo Polytechnic University in the same city. Later he was honored in his country with the prestigious National Award for the Arts.

His most notable works include Return to Hiroshima, a book that explores the consequences of the atomic bomb, and Gaudi’s Universe, based on the architectural work of the eccentric Catalan artist.

Patricia Gola Centro de la Imagen

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El catálogo de la 15 BIENAL DE FOTOGRAFÍA 2012 se terminó de imprimir en el mes de noviembre de 2012 en los talleres de Gráfica Creatividad y Diseño, S.A de C. V. Tiraje: 1,000 ejemplares

 Ramón Moctezuma. De la serie Arcos [detalle]. México, 2011