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P Kulturhuset Borås Konstmuseum

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Stadsparken

Södra torget

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Stadsparksbadet

27 Anna Lindhs park

Annelundsparken

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Innehållsförteckning Plan 1 Textile Fashion Center

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Falskkiosk, 2014, Momus (Nicholas Currie).

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Proposal no 26 a Bust of Nils Strid the First Bank Robber of Sweden,

Sid: 14

2011, Johan Zetterquist.

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Smygkuvning, 2013, Meta Isæus Berlin.

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Cloned Frogs on Gala-Dress, 2010, William Sweetlove.

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Plan 2 Textile Fashion Center

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Han, 2013, Elmgreen & Dragset.

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Pose Plastique, 2012, Cajsa von Zeipel.

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Buhlungu besikhala selutsandvo (The unkind spaces of love), 2013, Sengifikile, 2009, Quiet acts of affection XIV, 2012, Quiet acts of affection XXI, 2012, Nandipha Mntambo.

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Untitled, 2008, Der Wiener Kreis, 2009, Suit, 2009, Untitled, 2009, Telekinetischer Mastubator, 2009, Police Cap Denmark, 2011,

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Erwin Wurm.

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Shade of Pale, 2014, Hans Gothlin.

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Feather Child III, 2012, Feather Child IV, 2012, Feather Child V, 2012, Lucy Glendinning.

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Rådjur, 2012, Klara Kristalova.

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Betraktaren, 2012 (placerad ute på husets skorsten),

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In Search of a Winner, 2013, Best Smile and Most Photogenic, 2013,

The Departed, 2011, Bo Christian Larsson.

Assa Kauppi. 6

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Norrby

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Hus 261, Klangen som säger att friheten finns, 2014, Lars-Åke Åberg.

Sid: 40

Centrum

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Warp and woof, 2014, Jesper Nyrén.

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Michael, 2007, Vibration, 2014, Xavier Veilhan.

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House of Knowledge, 2008, Jaume Plensa.

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Catafalque, 2003, Sean Henry.

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Wholly, 2010, Eva Hild.

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Pathfinder, 2014, Michael Schleu.

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Tornado Touch Down, 2010, Birgert&Bergström.

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Bodhi, 2004, Fredrik Wretman.

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Mate Hunting, 2008, Marianne Lindberg de Geer.

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Declination, 2005, Tony Cragg.

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Ute, 2004, Charlotte Gyllenhammar.

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Skriet, 2014, Barbro Westing och Peter Johansson.

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Non-Violence, 2010, Carl-Fredrik Reuterswärd.

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Walking to Borås, 2008, Jim Dine.

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Välkommen till Borås Internationella Skulpturbiennal 2014! En gång i tiden sa man att en skulptur var något man snubblade på när man skulle titta på en målning. Det gamla talesättet från tiden då måleriet hade en statusmässig särställning i konsten känns fjärran idag, när vi inte bara betraktar, men även går in i Jaume Plensas mäktiga gestalt, House of Knowledge. Vi får nog konstatera att storleken spelar roll, när vi pratar skulptur. I Borås sticker skulpturerna ut och tar plats i stadsrummet – de smälter inte bara in. De blir sedda och de blir omdiskuterade. Många boråsare kan ofta namnet på både verk och konstnär när vi talar om centralt belägna skulpturer – ett ovanligt fenomen i landet, som säger en hel del om ett växande konstintresse och en medvetenhet om det offentliga rummet som uppstått i samband med en välriktad satsning på skulpturstaden Borås. Denna har successivt kunnat växa fram tack vare ett sällsynt lyckat samarbete mellan kommun och näringsliv. Årets skulpturbiennal har vi valt att koncentrera till nyöppnade Textile Fashion Center. Det kändes självklart. Detta center blir en högintensiv samlingspunkt i stadskärnan, tungt förankrad i Borås textila identitet innehållande bland annat Textilmuseet och Textilhögskolan. Med skulpturerna till allt detta, exteriört och interiört, skruvar vi upp temperaturen maximalt! En annan iögonfallande skulptur – i närheten av inledningsvis nämnda och till staden inköpta House of Knowledge – är Xavier Veilhans Vibration i blått. Även detta fascinerande verk har införlivats i stadens samling. På sikt är det tänkt att ekipaget ska finna en permanent plats i Stadsparken. Med denna katalog vill vi ge en orientering om var skulpturerna står och i all korthet introducera konstnärerna och konstverken. Jag önskar dig en stimulerande och underhållande skulpturvandring!

Pontus Hammarén Chef, Borås konstmuseum

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Welcome to Borås International Sculpture Biennial 2014! Someone once said that a sculpture was something you stumbled upon when you were supposed to be looking at a painting. That old saying from the time when painting had a special status in art seems strange today, when we do not just view, but also walk in to Jaume Plensa’s powerful figure, House of Knowledge. When talking of sculpture, we probably have to note that size does matter. In Borås, the sculptures stand out and take their place in the town’s outdoor space – they don’t just melt into the background. They are very visible and much discussed. A lot of Borås residents are often able to name both the work and the artist when we discuss centrally located sculptures – an unusual phenomenon in this country, which says a great deal about a growing interest in art and an awareness of the public space that has arisen in conjunction with a well-targeted investment in the sculpture town of Borås. This gradual development has been made possible because of a rare and successful collaborative venture between the municipal authority and local business. For this year’s sculpture biennial, we have chosen to concentrate on the recently opened Textile Fashion Center. It seemed obvious. This centre is becoming a highly intensive hub in the heart of the town, firmly anchored in Borås’s textile identity, encompassing institutions such as the Museum of Textile History and the Swedish School of Textiles at the University of Borås. Add the sculptures to all of this, exterior and interior, and we ramp the temperature up to the maximum! An eye-catching sculpture – in the vicinity of House of Knowledge named by way of introduction and purchased for the town – is Xavier Veilhan’s Vibration in blue. This fascinating work has also been added to the town’s collection. In the long term it is intended that this equipage will be given a permanent site in Stadsparken, the town park. With this catalogue, we would like to provide information on where the sculptures are located and to give a brief introduction to the artists and artworks. I wish you a stimulating and entertaining sculpture walk! / Pontus Hammarén, Director Borås Museum of Modern Art

Wir begrüßen Sie zur Internationalen Skulptur-Biennale Borås 2014! Früher definierte man eine Skulptur leicht herablassend als etwas, worüber man stolpert, wenn man sich ein Gemälde ansehen will. Heute liegt diese Redensart aus einer Zeit, als die Malerei noch eine Sonderstellung in der Kunst genoss, ferner denn je, wenn man Jaume Plensas mächtige Gestalt House of Knowledge nicht nur betrachten, sondern auch in sie hineingehen kann. Da bleibt uns einfach nur festzustellen, dass Größe ab und an doch eine Rolle spielt, besonders wenn es um Skulpturen geht. In Borås kann man die Skulpturen nicht übersehen, sie breiten sich aus im städtischen Raum, sie nehmen Platz ein und verschmelzen nicht einfach mit ihrem Ambiente. Sie sind sichtbar, auffällig, und sie sind Diskussionsthemen. Viele Bewohner der Stadt Borås kennen, wenn es um die Skulpturen im Zentrum geht, oft nicht nur die Namen der Künstler, sondern auch die der Werke – ein echtes Phänomen in diesem Land. Und es sagt eine Menge über das ständig wachsende Kunstinteresse und ein Bewusstsein des öffentlichen Raums aus, das sich im Zusammenhang mit der gezielten Fokussierung auf die Skulpturenstadt Borås manifestiert. Sie ist das Ergebnis einer ungewöhnlich geglückten interkommunalen Kooperation zwischen Wirtschaft und öffentlicher Verwaltung. Dass das das neueröffnete Textile Fashion Center Dreh- und Angelpunkt der diesjährigen Skulptur-Biennale sein sollte, stand für uns von Anfang an fest. Dieses Center bildet den Fixpunkt in der Stadtmitte – fest verankert in der textilen Identität von Borås mit weiteren Schwerpunkten wie dem Textilmuseum und der Textilhochschule. Mit der Skulpturenwelt wollen wir die künstlerischen Möglichkeiten dieser Stadt in jeder Hinsicht weiter ausreizen! Eine augenfällige Skulptur unweit des eingangs erwähnten und für die Stadt erworbenen House of Knowledge ist Xavier Veilhans Werk Vibration, hier in Blau. Auch dieses faszinierende Werk gehört jetzt zur städtischen Sammlung, auf Sicht soll die verwackelt erscheinende Skulptur einer Kutsche ihren festen Platz im Stadtpark finden. Dieser Katalog dient zur Orientierung über die Standorte der Skulpturen und informiert gleichzeitig kurz und prägnant über die ausgestellten Künstler und ihre Werke. Ich wünsche Ihnen eine stimulierende, unterhaltsame Skulpturen-Wanderung! / Pontus Hammarén, Leiter des Kunstmuseums Borås

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NonViolence Carl-Fredrik Reutersw채rd

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Öppettider Textile Fashion Center Textile Fashion Center är under Borås Internationella Skulpturbiennal (23 maj – 14 september) öppet alla dagar 11-18, tisdagar 11-19. Guidade skulpturvandringar Följ med på guidad tur bland skulpturer i Borås. Guidningen startar på Textile Fashion Center och pågår ca 60 minuter. Varje onsdag har vi familjevisning, en visning då alla är välkomna att ta sina barn och barnbarn med sig! Period: 23 maj – 14 september Tisdagar kl. 18.00 Onsdagar kl. 15.00 Familjevisning Lördagar kl. 14.00 Kostnad Gratis, ingen föranmälan krävs. Boka guidade skulpturvandringar för grupper Skulpturvandringar för grupper bokas året runt genom Borås Turistbyrå. Borås Turistbyrå Sven Eriksonsplatsen 3 +46(0)33-35 70 90 tourist@boras.com boras.com App med guide till Borås Internationella Skulpturbiennal Ladda ner guiden till Borås Internationella Skulpturbiennal som app till din smartphone. Gratis! Appen fungerar som en guide till biennalen där det går att se bilder på skulpturer, läsa texter eller lyssna på inläst information. Ladda ner från AppStore eller Google Play direkt i din telefon, sök på Borås konstmuseum eller Borås Internationella Skulpturbiennal.

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Opening hours at Borås Textile Fashion Center Textile Fashion Center is during Borås International Sculpture Biennial (23 May to 14 September) open every day from 11-18, Tuesday from 11-19. Guided sculpture walks Book guided sculpture walks led by an English speaking guide through Borås Tourist Office. Borås Tourist Office Sven Eriksonsplatsen 3 +46(0)33-35 70 90 tourist@boras.com boras.com App with a guide to Borås International Sculpture Biennial Get a guide to Borås International Sculpture Biennial with our app. Download it to your smart phone for free. Search for Borås Museum of Modern Art or Borås International Sculpture Biennial at Appstore or Google Play. The app serves as a guide to the biennial. You can see pictures of the artworks, read introductory texts or listen to audio files. Available in both Swedish and English.

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Öffnungs Textile Fashion Center Textile Fashion Center ist während Borås International Sculpture Biennale. 23 Mai - 14. September 2014 eröffnet von 11 bis -18, Diensdag von 11 bis -19. Geführte Skulpturenrundgänge Rundgänge für Gruppen können ganzjährig über die Touristeninformation von Borås gebucht werden. Touristeninformation Borås Sven Eriksonsplatsen 3 +46(0)33-35 70 90 tourist@boras.com boras.com

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Falskkiosk Momus (Nicholas Currie) Född 1960 i Skottland Bor och verkar i Osaka, Japan Konstnären och musikern Momus har genomfört guidade visningar på museer världen över iklädd rollen som opålitlig guide. Visningarna är hans egna improviserade berättelser, avsiktligt felaktiga i relation till den etablerade historieskrivningen. Momus egen devis är att ”varje lögn skapar en parallell värld i vilken den är sann”, att den felaktiga informationen kan erbjuda svindlande perspektiv på konsten och möjligheter till förståelse av den. Falskkiosk är en informationstjänst för verken i biennalen. Sittandes i en liten kiosk kommer Momus skriva broschyrer och handböcker. Hyllorna kommer att fyllas med ett rikt utbud av lögner och opålitliga kommentarer. Frågor kommer också att besvaras genom en lucka i kiosken. Momus finns på plats i kiosken under biennalens första vecka. Kiosken med publikationerna finns efter Momus avresa kvar som en skulptural installation.

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Falskkiosk Artist and musician Momus has carried out guided tours at museums all round the world, taking on the role of an unreliable guide. The tours involve his own improvised stories, intentionally misleading in relation to established documented history. Momus has a device all his own – that ”every lie creates a parallel world in which it is the truth” – that the misleading information can offer amazing perspective on the art, and opportunities for its understanding. Falskkiosk [Eng: False Kiosk] is an information service for works included in the biennial. Sitting in a little kiosk, Momus will write brochures and handbooks. The shelves will be filled with a rich vein of untruths and unreliable comments. Questions will also be answered through a hatch in the kiosk. Momus will be in the kiosk during the first week of the biennial. The kiosk with publications will remain after Momus has departed, as a sculptural installation.

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Falskkiosk Der britische Musiker und Performance-Künstler Momus spielt in Museen rund um den Globus gern die Rolle des unzuverlässigen Guides. Seine Museumsführungen sind seine eigenen improvisierten Geschichtchen, die er bewusst mit falschen Daten spickt und die damit der etablierten Geschichtsschreibung zuwiderlaufen. Momus’ Devise lautet: „Jede Lüge kreiert eine Parallelwelt, in der sie eine Wahrheit ist“. Womit er sagen will, dass Falschinformationen ungeahnte Möglichkeiten und Perspektiven für die Kunst und deren Verständnis bieten können. Falskkiosk (Falscher Kiosk) ist ein Momus-typischer Info-Dienst für die Exponate der BoråsBiennale. Der Künstler wird in einem kleinen Kiosk sitzen, Broschüren und Bücher schreiben. Die Regale werden voll sein mit Lügen und unzuverlässigen Kommentaren. Fragen werden durch eine Öffnung in der Kioskwand beantwortet. Momus wird während der ersten Biennale-Woche höchstpersönlich im Kiosk sitzen, anschließend bleiben seine Publikationen mitsamt dem Kiosk der Veranstaltung als skulpturale Installation erhalten.

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Proposal no 26 A bust of Nils Strid The first Bankrobber of Sweden Johan Zetterquist Född 1968 i Arvika Bor och verkar i Mark Under flera år har Johan Zetterquist arbetat med Proposals for public artworks, en serie udda, absurda förslag på utsmyckning av allmän plats. Konstnären utmanar våra föreställningar om vad det offentliga rummet kan eller bör innehålla. Nils Strid var Sveriges första bankrånare. Johan Zetterquist ställer med bysten av Strid frågan om vem vi låter avbildas för en plats i det offentliga rummet.

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Proposal no 26 A bust of Nils Strid The first Bankrobber of Sweden Johan Zetterquist has been working for several years on Proposals for public artworks, a series of unusual, absurd proposals for ornamenting public spaces. This artist challenges our presuppositions about what a public space could or should contain. Nils Strid was Sweden’s first bank robber. Johan Zetterquist, with his bust of Strid, poses the question about just whom we permit to be portrayed as public art.

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Proposal no 26 A bust of Nils Strid The first Bankrobber of Sweden An seinem Projekt Proposals for Public Artworks (Vorschläge für Kunst im öffentlichen Raum), einer Serie eigenwilliger, absurder Anregungen zur Dekoration öffentlicher Plätze, hat der schwedische Künstler Johan Zetterquist mehrere Jahre gearbeitet. Er fordert unsere Fantasie heraus über das, was der öffentliche Raum enthalten kann bzw. sollte. Nils Strid war Schwedens erster Bankräuber, und Zetterquist stellt mit seiner Strid-Büste die gleichförmige, ausschließende Öffentlichkeitskunst in Frage.

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Smygkuvning Meta Isæus-Berlin Född 1963 i Stockholm Bor och verkar i Stockholm Meta Isæus-Berlin arbetar med måleri och objekt, ofta kombinerade i sceniska installationer. Hon rönte under 90-talet stor internationell framgång med verk där förtätade och pressande berättelser utspelade sig i miljöer som anknöt till idén om hemmet. Hon har skapat vattenfyllda kök och möblemang som sågats i bitar för att sedan sammanfogas med förvanskade proportioner. I Smygkuvning gungar en svart tyngd i en fjäder upp och ner genom ett hål i mitten av ett dukat bord för två. Den välbekanta situationen av middagssittning och tvåsamhet präglas av det överhängande tysta hotet och skapar ett slags psykologiskt drama. Ett outhärdligt stillestånd utan förlösning.

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Smygkuvning Meta Isæus-Berlin works on paintings and objects, often combined in theatrical installations. She met with great international success during the 1990s with works in which condensed, pressing stories were enacted in environments linked to the concept of home. She has created kitchens filled with water and suites of furniture sawn into pieces only to be joined together again afterwards with distorted proportions. In Smygkuvning [Eng: Sneak Suppression], a black weight oscillates up and down on a spring through a hole in the middle of a table laid for two. The familiar situation of sitting down to dinner as a twosome is characterised by the silent overhanging threat, creating a kind of psychological drama. An unbearable standstill with no denouement.

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Smygkuvning Die schwedische Künstlerin Meta Isæus-Berlin arbeitet mit Malerei und Objekten, häufig kombiniert zu szenischen Installationen. In ihren vor allem in den 1990er Jahren international sehr erfolgreichen Werken arrangierte sie verdichtete, bedrückende Geschichten in Umgebungen, die an ein trautes Heim erinnern. Aus ihrer Hand stammen wasserüberschwemmte Küchen ebenso wie zersägtes Mobiliar, das anschließend auf bizarre Weise wieder zusammengesetzt wird. In der Installation Smygkuvning (Heimliche Unterwerfung) pendelt ein schwarzes Gewicht an einer Feder auf und ab durch ein Loch in einem für zwei Personen gedeckten Tisch. Diese ach so vertraute Situation eines Essens zu zweit wird überschattet von einer stummen, drohenden Gefahr, einem sich anbahnenden psychologischen Drama. Ein unerträglicher Stillstand ohne Erlösung.

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Cloned Frogs on Gala-dress William Sweetlove Född 1949 i Ostende, Belgien Bor och verkar i Belgien William Sweetlove skapar djurskulpturer i starka färger – han gör dem till monokromer. I hans verk möts surrealism, dadaism och popkonst. Där är förskjutningen av det välbekanta ett effektivt grepp. I Sweetloves fall är det att ställa det naturliga mot det artificiella: plasten mot det verkliga djuret, det verkliga djurets färgsättning mot akrylfärgens blanka monokroma yta, placeringen av djuret i en urban miljö och så vidare. I Cloned Frogs on Gala-dress är djurmotivet så integrerat med prinsess­ klänningen att det kan upplevas vara invävt, en del av klänningstyget, om än i tredimensionell form. Eller har vi en prinsessa framför oss, aktivt uppvaktad av okyssta prinsar, för all tid förstelnade ur ett svärmiskt ögonblick till en evig existens i plast doppad i en jätteburk artificiellt gräll röd akrylfärg? William Sweetlove välkomnar humorn in på konstscenen.

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Cloned Frogs on Gala-dress William Sweetlove creates highly colourful animal sculptures – he makes them monochrome. In his works, Surrealism, Dadaism and Pop-Art all come together. The distortion of familiar things is an effective device. In Sweetlove’s case, contrasting the natural with the artificial: the plastic with the real animal, the real animal’s colouring with the shiny monochrome surface of the acrylic paint, the placing of the animal in an urban environment, and so on. In Cloned Frogs on Gala-dress the animal motif is so well integrated into the princess dress that it might be perceived as woven into it, part of the dress fabric, although in three dimensional form. Or do we have a princess in front of us, actively courted by unkissed princes, paralysed for all time from one fanciful moment into an eternal existence in plastic and dipped in a giant jar of artificially garish red acrylic paint? William Sweetlove welcomes humour onto the art scene.

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Cloned Frogs on Gala-dress Der Belgier William Sweetlove kreiert Tierskulpturen in starken, monochromen Farben und ist damit im Surrealismus ebenso zuhause wie im Dadaismus und in der Pop-Art. Das Bekannte, Gewohnte erscheint in einem ungewöhnlichen, nahezu bizarren Kontext – und wirkt. In Sweetloves Fall stehen sich das Natürliche und das Künstliche gegenüber: Plastiktier contra echtes Tier, die Farbe des realen Tieres contra die glänzende, monochrome Acrylfläche, der Standort des Tieres in einem urbanen Ambiente usw. In Cloned Frogs on Gala-dress sind die Tiere derart in das Prinzessinnenkleid integriert, dass sie wie eingenäht wirken, wie ein Teil des Stoffes, wenn auch dreidimensional. Oder haben wir hier eine Prinzessin vor uns, umgeben von ungeküssten Prinzen, die in einem schwärmerischen Augenblick in einen Riesentopf mit grellroter Acrylfabe getaucht und zu einer Ewigkeit in starrem Plastik verdammt wurden? William Sweetlove heißt den Humor in der Kunstszene willkommen.

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Han Michael Elmgreen, född 1961 i Köpenhamn, Danmark Ingar Dragset, född 1969 i Trondheim, Norge Bor och verkar i Berlin och London Elmgreen och Dragset arbetar som konstnärsduo sedan 1995. Det senaste decenniet har de haft utställningar i flera prestigesammanhang såsom Venedigbiennalen och på Centre Pompidou i Paris. De rör sig fritt bland vitt skilda konstnärliga uttryck och discipliner. Deras skulpturala arbete karaktäriseras av förskjutningar av det bekanta och kantas av subversiv humor och skarpsinne. Skulpturen Han är en samtida och manlig parafras av Köpenhamns Den lille havsfruen, en gestaltning inspirerad av HC Andersens saga. Han finns i flera versioner och material, en i rostfritt stål finns placerad vid vattnet i Helsingör där den startade en offentlig debatt om maskulinitet och hur män avbildas i offentligheten. I ett tidigare verk från 2008, When a Country Falls in Love With Itself, har konstnärsduon kopplat just Den lille havsfruen till frågor om nationens självbild, spegling och narcissism.

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Han Elmgreen and Dragset have been working as an artist-duo since 1995. Over the past decade, they have exhibited at several prestige venues such as the Venice Biennale and the Pompidou Centre in Paris. They move freely among wildly differing disciplines and modes of artistic expression. Their sculptural work is characterised by distorting the familiar and having an edge of subversive humour and sharp-wittedness. The sculpture Han is a contemporary, male paraphrase of Copenhagen’s Little Mermaid, an interpretation inspired by the Hans Christian Andersen story. Han exists in several versions and materials, one in stainless steel is located beside the water in Helsingør where it precipitated a public debate and the way men are portrayed in public.

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Han Elmgreen und Dragset sind ein dänisch-norwegisches Künstlerduo, das seit 1995 gemeinsam arbeitet. Während der letzten zehn Jahre haben sie in prestigeträchtigen Zusammenhängen ausgestellt, wie etwa bei der Venedig Biennale und im Centre Pompidou in Paris. Das Duo bewegt sich ungezwungen zwischen den unterschiedlichsten künstlerischen Ausdrucksformen und Disziplinen. Seine Skulpturenprojekte werden charakterisiert von Verschiebungen des Bekannten, eingebettet in subversiven Humor und Scharfsinn. Die Skulptur Han ist eine zeitgenössische, männliche Paraphrase der Kopenhagener Kleinen Meerjungfrau nach H. C. Andersens gleichnamigem Märchen. Han gibt es in diversen Ausführungen und Materialien; ein Edelstahl-Meerjunge steht vor dem Kulturhaus der dänischen Hafenstadt Helsingör. Kunst im öffentlichen Raum, die eine lebhafte Debatte über Männlichkeit und deren Ausdrucksformen in der Öffentlichkeit auslöste.

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Pose Plastique Cajsa von Zeipel Född 1983 i Göteborg Bor och verkar i Stockholm och New York, USA Skönhetsidealen i de glamourösa stilmagasinen befolkade med unga undernärda människor, oftast flickor, är det återkommande motiven för Cajsa von Zeipel. Det till synes neddrogade och avsexualiserade, därmed också det harmlösa, objektet har förflyttats in i både stilmagasinens finrum samt blivit en del av porrindustrins ikonografi. Via Cajsa von Zeipels förstorade anorektiska flickor nås betraktaren av meddelanden som smärtar. Meddelanden om samtidens förvrängda skönhetsideal och dess förödande konsekvenser för de unga. Cajsa von Zeipel skapar sina verk i gips och låter ytan, som i Pose Plastique, vara naken, slätslipad och utan ytskikt. De är monokromer i vitt, men uttrycket är ändå realistiskt. Är skulpturens storleksförhållanden förskjutna eller varseblir vi en realism orsakad av självspäkning, självförakt och betraktelser av den egna kroppen som platsen för smärtsamma experiment?

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Pose Plastique The ideal of beauty in the glamorous fashion magazines populated with young undernourished people, usually girls, is a recurring motif for Cajsa von Zeipel. The apparently drugged-up, desexualised (and thus also harmless) object has been moved into the fashion magazine’s ” front parlour” and has also become part of the iconography of the porn industry. Cajsa von Zeipel’s magnified anorexic girls hit viewers with really painful messages. Messages about the contemporary world’s contorted ideal of beauty and its destructive consequences for the young. Cajsa von Zeipel creates her works in plaster and allows the surface, as in Pose Plastique, to be bare, rubbed smooth and with no surface layer. They are monochromes in white, but the impact is realistic nevertheless. Are the size relationships of the sculpture distorted or are we perceiving a reality caused by self-mortification, self-contempt and views of the body as the place to conduct painful experiments?

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Pose Plastique Die Schönheitsideale der Glamour-Magazine voller junger, meist unterernährter Models sind das ständig wiederkehrende Motiv in den Werken der Schwedin Cajsa von Zeipel. Wie im Drogenrausch entrückt, androgyn, passiv – so haben diese Objekte Einzug gehalten in die Hochglanzmagazine und Klatschblätter und sind Teil der Ikonografie der Pornoindustrie geworden. Cajsa von Zeipels Vergrößerungen magersüchtiger Mädchen geben dem Betrachter verstörende, schmerzhafte Signale. Signale von den abartigen Schönheitsidealen unserer Zeit und den destruktiven Konsequenzen für junge Menschen. Cajsa von Zeipel arbeitet in Gips und belässt die Oberfläche, wie etwa in Pose Plastique, nackt, glatt, ohne schützende Schicht. Monochrome in Weiß, doch durch und durch realistisch. Sind die Größenverhältnisse der Skulptur verschoben oder nehmen wir einen Realismus wahr, der seine Ursprünge hat in Selbstkasteiung, Selbstverachtung und einer Auffassung vom eigenen Körper als einem Ort für schmerzvolle Experimente?

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© Courtesy of Andréhn-Schiptjenko

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Buhlungu besikhala selutsandvo (The unkind spaces of love), Sengifikile, Quiet Acts of Affection XIV, Quiet Acts of Affection XXI Nandipha Mntambo Född 1982 i Swaziland Bor och arbetar i Johannesburg, Sydafrika Nandipha Mntambo har ställt ut över stora delar av världen. Hennes verk kretsar tematiskt kring dikotomier som kärlek/hat, attraktion/repulsion, säkerhet/fara. Mntambo både utforskar och utmanar våra föreställningar och vår perception. Ett återkommande ämne är den kvinnliga kroppen, ofta den egna, till exempel skulpterad i de hudar av ko som har blivit hennes främsta signum.

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Buhlungu besikhala selutsandvo (The unkind spaces of love), Sengifikile, Quiet Acts of Affection XIV, Quiet Acts of Affection XXI Nandipha Mntambo has exhibited in many parts of the world. Thematically, her works revolve around dichotomies such as love/hate, attraction/repulsion, safety/danger. Mntambo investigates and challenges our conceptions and perceptions. A recurrent subject is the female body, frequently her own, sculpted in material such as cow hide, which has become her chief signature.

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Buhlungu besikhala selutsandvo (The unkind spaces of love), Sengifikile, Quiet Acts of Affection XIV, Quiet Acts of Affection XXI Die Arbeiten der südafrikanischen Künstlerin Nandipha Mntambo thematisieren Dichotomien wie Liebe/Hass, Anziehung/Zurückweisung, Sicherheit/Gefahr und finden weltweit großes Interesse. Mit ihnen will die Künstlerin unsere Vorstellungswelt, unsere Wahrnehmungen erforschen, aber auch in Frage stellen. Wie ein roter Faden ziehen sich Körper und Identität der Frau durch ihr Schaffen, oft in Gestalt ihrer eigenen Person, und oft aus z.B. Kuhhaut, einem ihrer bevorzugten Materialien.

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Untitled, Telekinetischer Mastubator, Police Cap Denmark, Suit, Der Wiener Kreis Erwin Wurm Född 1954 i Bruck an der Mur, Österrike Bor och verkar i Wien och Limberg Sedan 80-talet har Erwin Wurm utmärkt sig som en mycket innovativ och originell skulptör. Humorn och sinnet för tillvarons absurda sidor är bärande ingredienser i konstnärskapet. När Erwin Wurm bjöds in för ett utsmyckningsuppdrag för Heldenplatz i Wien utvecklade han idén om ett antal enorma skärmmössor med polis­ emblem. Förslaget godtogs aldrig. Skulpturen kan tolkas som en symbol för skydd – eller för hotande övermakt. För konstnären vars far var polisman, finns också mer privata implikationer. Pappans uppfattning var att konst var en verksamhet som alltid stod med ena benet i en kriminell sfär. Gestaltningen av oftast iögonfallande och udda kroppar är för Erwin Wurm bland annat ett sätt att närma sig frågor om kroppsideal och sociala normer.

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Untitled, Telekinetischer Mastubator, Police Cap Denmark, Suit, Der Wiener Kreis Erwin Wurm has distinguished himself as a very innovative and original sculptor since the 1980s. The ingredients that carry weight in his artistic work are humour and a sense of the absurd aspects of life. When Erwin Wurm was invited to undertake an assignment to embellish Heldenplatz in Vienna, he developed the idea of a number of enormous peaked caps bearing the police emblem. The proposal was never accepted. That sculpture can be interpreted as a symbol of protection – or of threats from above. For the artist, whose father was a policeman, there are also more private implications. His father believed that art was an activity that always had one foot in a criminal sphere.

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Untitled, Telekinetischer Mastubator, Police Cap Denmark, Suit, Der Wiener Kreis Der Österreicher Erwin Wurm gilt seit den 1980er Jahren als äußerst innovativer, origineller Bildhauer und zählt zu den erfolgreichsten Gegenwartskünstlern. Geprägt sind seine Werke von einem skurrilen Humor, mit dem er den Alltag aus einer anderen Perspektive zeigen will. Als Wurm gebeten wurde, ein Projekt für den Heldenplatz in Wien auszuführen, kam ihm die Idee einer Reihe überdimensionaler Wiener Polizeikappen, unter die sich die Besucher stellen sollten. Diese Idee wurde allerdings abgelehnt, denn eine derartige Skulptur hätte sich zwar als Symbol für Schutz deuten lassen, aber auch als Zeichen einer drohenden Übermacht. Wurm, dessen Vater Kriminalbeamter war, setzte sich hier auch privat mit seiner Kindheit auseinander. Denn für den Vater war Kunst etwas, bei dem man mit einem Bein schon ins Kriminelle abgerutscht war.

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Shade of pale Hans Gothlin Född 1949 i Borås Bor och verkar i Göteborg Hans Gothlins skulpturer infriar minimalismens ideal enbart i sin enkla form. Kvadraten, rektangeln eller en annan stram abstrakt form tillåts aldrig sväva ut eller ta en överraskande ”svängom”. Men konstnärens karaktäristiska handlag i form av penselspråk eller ytbehandling tillför verken ytterligare en dimension. Det finns ansats till att förmedla illusionen av en patinerad yta, trots att ytan är monokrom. En färg i taget ges generös plats i varje enskild del som han komponerar till en helhet. Han använder sig av olika material, samtliga med starka uttryck då dess ytor är obehandlade. Ofta låter han det obehandlade materialet få huvudrollen, lämnat naket. Lika ofta tillför han ytan något mer – antingen en färg- eller ytbehandling, likt ett skikt av skyddande yta. Enkelheten får ta plats i Gothlins verk. De är som gjorda för att framkalla lugn och gör anspråk på betraktaren: att ge sig tid för en stilla estetisk upplevelse.

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Shade of pale Hans Gothlin’s sculptures pick up on the ideals of minimalism only in their simple shapes. The square, rectangle or some other austere abstract form is never permitted to stray out or take any surprising turn. However, the artist’s characteristic touch in the form of brushwork or surface treatment imbues the works with an added dimension. There are signs of conveying the illusion of a patinated surface, despite the surface being monochrome. One colour at a time is given generous space in each of the individual sections which he brings together into a whole. He utilises different materials, all with a strong impact since their surfaces are untreated. He often allows the untreated material to play the main role, leaving it bare. Just as often, he adds something more – either a colour or surface treatment – like a layer of protection on the surface.

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Shade of pale Die Skulpturen des schwedischen Bildhauers Hans Gothlin stellen mit ihrer schlichten Formensprache eine Art Minimalismus-Ideal dar. Weder das Quadrat noch das Rechteck oder eine sonstige strenge, abstrakte Form dürfen ausschweifen oder überraschende Schlenker machen. Und doch führen Gothlins charakteristischer Pinselstrich und die Oberflächenbehandlung seine Arbeiten auf eine höhere Ebene, geben ihnen eine neue Dimension. So vermittelt eine monochrome Fläche etwa eine Illusion, einen Hauch von Patina. Jeweils eine Farbe kann sich großzügig ausbreiten in dem Teil, aus dem Gothlin ein Ganzes komponiert. Er verwendet verschiedene Materialien, die allerdings sämtlichst aufgrund ihrer unbehandelten Oberflächen und Sachlichkeit über eine enorme Ausdrucksstärke verfügen. Oft gibt Gothlin dem unbehandelten, nackten Material die Hauptrolle. Aber ebenso oft akzentuiert er auch die Oberfläche – mit einer Farbe oder einer Oberflächenbehandlung gleich einer schützenden Schicht.

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Feather Child (III, IV, V) Lucy Glendinning Född 1964 Bor och verkar i Somerset, England Lucy Glendinnings konstnärliga arbete kretsar kring den mänskliga kroppen som tecken eller språk. I poetiska texter beskriver hon vår samtids andliga fattigdom och en längtan efter något mer. Konst är för Glendinning det främsta verktyget för att utreda filosofiska och psykologiska teman. Feather Child gestaltar Glendinnings fascination över mänsklighetens utveckling och framtid. De fjäderbeklädda barnen, mellan människa och fågel, ställer frågor till oss betraktare: vad kommer att styra våra beslut när vi i framtiden lever i en tid där vi är fria att manipulera gener? Vem har makten att bestämma över människans evolution? De bräckliga fjädrarna leder tankarna till mytologins Ikaros, en klassisk berättelse om mänsklig hybris.

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Feather Child (III, IV, V) Lucy Glendinning’s artistic works revolve around the human body as a sign or language. She uses poetic texts to describe the spiritual poverty of our times, and a desire for something more. For Glendinning, art is the chief tool for investigating philosophical and psychological themes. Feather Child portrays Glendinning’s fascination with humanity’s development and future. The feather-covered children, somewhere between human and bird, set questions for us as observers: what is going to control our decisions when we live in a future time, when we are free to manipulate genes? Who has the power to make decisions about human evolution? The fragile feathers are reminiscent of Icarus from mythology, a classical tale about Man’s hubris.

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Feather Child (III, IV, V) In den Werken der Britin Lucy Glendinning geht es um die Ausdrucksfähigkeit des menschlichen Körpers – mit Zeichen oder mit Sprache. Üblicherweise schickt die Künstlerin ihren Arbeiten ein kurzes Gedicht oder einen Text voraus, in dem sie die spirituelle Armut unserer Zeit anprangert und die Sehnsucht nach einem sinnerfüllten Leben ausdrückt. Kunst ist für Glendinning das ideale Werkzeug zur Auseinandersetzung mit philosophischen und psychologischen Themen. Mit Feather Child (Federkind) gestaltet Glendinning ihre Faszination über die Entwicklung und Zukunft der Menschheit. Die gefederten Kinder werfen in ihrer Art Mischwesen zwischen Mensch und Vogel die Frage auf, wovon unsere Entscheidungen künftig gesteuert werden, sollten wir dereinst frei über die Manipulation von Genen entscheiden können. Wer hat die Macht, über die Evolution des Menschen zu bestimmen? Die zarten Federkleider führen die Gedanken zu Ikarus aus der griechischen Mythologie, der personifizierten Hybris.

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Rådjur Klara Kristalova, Född 1967 i Prag, Tjeckien Bor och verkar utanför Norrtälje Naturens betydelse för Klara Kristalovas konstnärskap anar man via titlar och visuellt uttryck. Djuret, naturen och människan är sammanlänkade: några få grenar och pinnar ger en mänsklig gestaltning. Titeln utgör ordet för ett djur: Rådjur. Tankarna förs till ett sagoväsen som är så starkt integrerad med naturen att det fått skepnaden av naturen självt. Man kan finna reminiscenser till Disneys väna och husliga Snövit älskad av skogens alla djur. Men Rådjur är någon annan: En kvinnogestalt helt ointresserad av att anpassa sig till någon annans regler om ideal och kvinnlighet. Rådjur gör som hon vill och har inte anlänt för att behaga. Hon har andra mål och syften. Vilka kan vi möjligen endast ana.

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Rådjur Titles and visual impact hint at the importance of Nature to Klara Kristalova’s artistry. Animals, Nature and man are interconnected: a few twigs and sticks provide a human form. The title constitutes the word for an animal: Rådjur [Eng: Roe deer]. It is reminiscent of a creature from a fairy tale that is so strongly integrated with Nature that it has taken on the guise of Nature itself. There are reminders here of Walt Disney’s fair, house-proud Snow White who is beloved by all of the animals in the forest. However, Rådjur is something different: A female figure completely uninterested in adapting to anyone else’s rules about ideals and femininity. Rådjur does as she wants and has not come here to please. She has other goals and purposes. What those are we can only imagine.

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Rådjur Was die Natur für die Kunst der gebürtigen Tschechin Klara Kristalova bedeutet, das vermitteln die Titel ihrer Werke und der optische Eindruck. Mensch, Tier und Natur bilden den gemeinsamen Nenner: Ein paar Zweige und Äste werden umgewandelt in eine menschliche Gestalt. Der Titel ist die Bezeichnung für ein Tier: Rådjur (Reh). Spontan assoziiert der Betrachter ein Fabelwesen, das so stark eins mit der Natur wird, dass es Züge des Waldes trägt. Man denkt an Schneewittchen und an Walt Disneys liebevolle Tierzeichnungen im gleichnamigen Film. Doch Rådjur ist das Gegenteil: eine Frauengestalt ohne das geringste Interesse, sich den herkömmlichen Vorstellungen von Ideal und Weiblichkeit anzupassen. Rådjur tut genau das, was sie will und geht nicht auf Schmusekurs. Sie hatte andere Ziele und Vorstellungen, die wir aber im Grunde nur ahnen können.

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Betraktaren, The Departed Bo Christian Larsson Född 1976 i Kristinehamn Bor och verkar i Ragnarby och Berlin, Tyskland Bo Christian Larsson, som ställer ut flitigt internationellt, arbetar med måleri, skulptur/installation och film. Hans symboltäta konst har ockulta undertoner. Det stora neonögat – Betraktaren – på den över hundra meter höga skorstenen över Textile Fashion Center, ser ut över Borås. Enögdhet kan vara en symbol för ondskans förgörande krafter, men kan också utgöra en sinnebild för upplysning, Guds och evighetens öga. Var elfte minut blinkar ögat. Skulpturen The Departed har en säregen utstrålning – en mäktig, demonisk gestalt som verkar befinna sig utanför tid och rum. Den gåtfulla arketypiska skepnaden känns som sprungen direkt ur det undermedvetna.

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Betraktaren, The Departed Bo Christian Larsson, who frequently exhibits internationally, works in painting, sculpture/ installations and film. His densely symbolic art has occult undertones. The large neon eye – The Observer – on the chimney that stands more than a hundred metres high above the Textile Fashion Center, looks out over Borås. Only having one eye may be a symbol for the destructive forces of evil, but may also constitute an emblem for enlightenment, the eye of God and eternity. The eye blinks every eleven minutes. The sculpture called The Departed is singularly charismatic – a powerful, demonic figure which seems to exist outside of time and space. The mysterious archetypical being seems to have sprung straight out of the subconscious mind.

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Betraktaren, The Departed Der Schwede Bo Christian Larsson ist ein international viel beachteter Künstler, dessen Medien meist großformatige Zeichnungen, Objekte, Installationen und Performances sind. Seine symbolhafte Kunst wird auch von okkulten Untertönen gespeist. Das riesige Neon-Auge – Betraktaren (Der Betrachter) – auf dem über einhundert Meter hohen Schornstein des Textile Fashion Center blickt über die Stadt Borås. Die Einäugigkeit kann als Symbol für die verheerenden Kräfte des Bösen verstanden werden, gleichzeitig aber auch als Sinnbild für Erleuchtung und als das Auge Gottes und der Ewigkeit. Alle elf Minuten blinzelt das Auge. Die Skulptur The Departed (Der von uns Gegangene) fasziniert durch ihre symbolschwangere Ausstrahlung – eine mächtige, dämonische Gestalt, die sich jenseits von Raum und Zeit zu befinden scheint. Das rätselhafte, archetypische Objekt scheint direkt dem Unterbewusstsein entsprungen.

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In Search of a Winner, Best Smile and Most Photogenic Assa Kauppi Född 1977 i Stockholm Bor och verkar i Stockholm Assa Kauppi examinerades från Kungliga Konsthögskolan 2011. Sedan dess har hon konsekvent arbetat med skulpturer i patinerad brons som diskuterar barnet och dess individuella förutsättningar i samtidens konkurrenssamhälle. I Kauppis bildvärld är barnet projiceringsyta tillika offer för samhällets och vuxenvärldens önskningar och ideal. Verket In Search of a Winner tillkom efter en resa i USA och besök på skön­­hetstävlingar för barn. En flicka iklädd balett-tutu sitter i skräddarställning på golvet och lutar ansiktet mot händerna. Gesten är bestämd och bortvänd, blicken är tankfull. Är det ett barns uppgivna sätt att protestera? Kauppi riktar kritik mot disneyfierade ideal och barnet som vinnare eller förlorare.

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In Search of a Winner, Best Smile and Most Photogenic Assa Kauppi graduated from Sweden’s Royal Institute of Art in 2011. Since then she has consistently worked on sculptures in patinated bronze, discussing the child and its individual preconditions in today’s competitive society. In Kauppi’s figurative world, the child is a projection surface and victim of the desires and ideals of society and the adult world. The work In Search of a Winner came about after travelling in the USA and visiting beauty competitions for children. A girl dressed in a ballet tutu sits cross-legged on the floor, resting her face in her hands. The gesture is conscious and averted, the gaze is thoughtful. Is this a child’s resigned way of protesting? Kauppi directs her criticism at the Disneyfied ideal and at the idea of the child as winner or loser.

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In Search of a Winner, Best Smile and Most Photogenic Die schwedische Bildhauerin Assa Kauppi machte 2011 ihr Examen an der Königl. Kunsthochschule in Stockholm. Seither diskutiert sie mit ihren Skulpturen aus patinierter Bronze konsequent das Thema „Das Kind und seine individuellen Voraussetzungen in der modernen Wettbewerbsgesellschaft“. In Kauppis Bilderwelt ist das Kind ebenso Projektionsfläche wie Opfer der Wünsche und Ideale unserer Gesellschaft und der Welt der Erwachsenen. Ihr Werk In Search of a Winner (Auf der Suche nach einem Sieger) entstand nach einer USAReise, auf der sie sich Kinder-Schönheitswettbewerbe ansah. Ein Mädchen in ihrem Tutu sitzt im Schneidersitz auf dem Boden, den Kopf auf seine kleinen Fäuste gestützt. Das Gesicht drückt Entschlossenheit aus, Abwendung. Der Blick ist gedankenverloren. Ist das der resignierte Protest eines Kindes? Kauppi kritisiert die Disney-typische Idealisierung und die Kategorisierung von Kindern in Sieger und Verlierer.

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Klangen som säger att friheten finns Lars-Åke Åberg Född 1946 Bor och verkar i Dalsjöfors Husets symbolstarka värde blir man varse genom Lars-Åke Åbergs skulpturer. Huset verkar självklart som form, och möjligen också som symbol, i hans konstnärskap. Skulpturerna består av ett hus och ett stenblock: den råa klippan från trakten, eller den välslipade ädla bergarten från någon exotisk plats. Huset är alltid av likartad form: kvadratiskt med sadeltak, helt befriad från detaljer som fönster, dörrar, karmar och veranda. Om det nu är ett hus överhuvudtaget. Kanske är det bara fråga om en form som liknar hus. Frågan lämnas öppen. Uttrycket kan verka stilla och kontemplativt, samtidigt kan man förnimma en känsla av obehag. Överdrivna storleksförskjutningar, lek med krafter och materialens egna uttryck är delar av Lars-Åke Åbergs palett.

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Hus 261 Klangen som säger att friheten finns Lars-Åke Åberg’s sculptures make it possible to perceive the strong symbolic value of the house. The house appears obviously as form, and possibly also as symbol, in his artistic oeuvres. The sculptures consist of a house and a block of stone – the crude local type of rock, or the well polished fine stone from some exotic location. The house is always of a similar shape: square with a pitched roof, completely free of details such as windows, doors, frames and verandah. If it really is a house at all. Maybe it is just a question of a shape similar to a house. That question is left open. The impact can seem tranquil and contemplative, while it is also possible to perceive a sense of uneasiness. Exaggerated size distortions, playing with forces and the material’s own effect are all parts of Lars-Åke Åberg’s palette.

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Hus 261 Klangen som säger att friheten finns Der symbolträchtige Wert des Hauses erschließt sich dem Besucher durch die Skulpturen des Schweden Lars-Åke Åberg. Als Form ist das Haus selbstverständlich im künstlerischen Wirken von Åberg, man kann ihm auch eine gewisse Symbolkraft zugestehen. Die Skulpturen bestehen aus einem Haus und einem Steinblock: Da ist der unbehauene Felsbrocken aus der Umgebung, oder das edle, sorgsam geschliffene Gestein von einem exotischen Ort dieser Welt. Das Haus präsentiert sich immer in ähnlicher Form: quadratisch, mit Satteldach, keinerlei Details wie Fenster, Tür, Rahmen oder Veranda. Aber vielleicht ist es ja gar kein Haus? Vielleicht ist es nur eine Form, ähnlich einem Haus. Eine Frage ohne Antwort. Das Werk mag still und kontemplativ wirken, löst aber beim Betrachter doch ein gewisses Unbehagen aus. Übertriebene Größenverschiebungen, das Spiel mit den Kräften sowie die Ausdrucksstärke des Materials gehören zu den Stilmitteln des Bildhauers Lars-Åke Åberg.

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Warp and woof Jesper Nyrén Född 1979 i Sala Bor och verkar i Stockholm Jesper Nyrén arbetar med ett måleri där geometriska former i olika färgtoner skapar byggstenar för facettliknande motiv. Det visuella är här ingen spegling, utan nonfigurativa former skapade utan förlaga. Med repetition och förskjutningar i färgskalor bygger de geometriska formerna visuella landskap som kan erinra om både natur och arkitektur. Jesper Nyréns konstnärliga gestaltning av Kv. Simonsland 15 består av en väggmålning i 90 färger som sträcker sig längs hela den inglasade fasaden och täcker hela väggytan på de fyra våningsplanen. När solen går ner förstärks intrycket av att verket svävar innanför glaset som i ett ljusskåp och från marken syns målningen speglad i Viskan.

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Warp and woof Jesper Nyrén is working on a painting involving geometric forms in different tones of colour that create the building blocks for motifs resembling facets. Here, the visible is not a reflection, but instead non-figurative shapes created in an improvised way. With repetition and distortions in a range of colours, the geometric forms build landscapes that are reminiscent both of nature and architecture. Jesper Nyrén’s artistic interpretation of the Simonsland 15 block consists of a mural in 90 colours that stretches right along the glazed façade, covering the entire surface of the wall on all four storeys. Once the sun goes down, the impact is reinforced because the work floats behind the glass as if in a light box – from the ground, the painting appears reflected in River Viskan.

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Warp and woof Jesper Nyréns Arbeiten werden dominiert von geometrischen Formen in farbkonzentrierter Malerei, zusammengesetzt zu facettenreichen Motiven. Der dadurch entstehende optische Eindruck ist hier keine Spiegelung. Er vermittelt non-figurative Formen – gegenstandslos, abstrakt. Wiederholungen und Verschiebungen innerhalb der Farbskalen sprechen eine visuelle Sprache, in der sowohl Natur als auch Architektur ihren Ausdruck finden. In 90 Farben hat Nyrén sein Werk „Warp and woof “ gestaltet – eine Wandmalerei, die sich über die gesamte Glasfassade und die Wandfläche der vier Stockwerke des Studentenwohnheims Simonsland 15 erstreckt. Bei Sonnenuntergang scheint das Werk hinter Glas wie in einem Lichtschrank zu schweben. Und draußen beobachtet man fasziniert, wie sich das Kunstwerk im Fluss Viskan spiegelt.

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Vibration, Michael Xavier Veilhan Född 1963 i Lyon, Frankrike Bor och verkar i Paris Xavier Veilhans verk visas över hela världen. 2009 genomförde han sin mest omfattande utställning – en storslagen totalinstallation i slottet Versailles med dess omgivningar. Hans verk kretsar tematiskt kring vårt minne och vår perception. Genom att sätta in välbekanta objekt i miljöer där de ter sig främmande skapar han förbluffande effekter. Hästen och vagnen, Vibration, framstår närmast som en hägring i blått. Skulpturen tar avstamp i den italienska futurismen, en riktning inom konsten i början av 1900-talet som ständigt strävade efter rörelse i uttrycket. Vibration, inköpt av Borås stad, är Veilhans första offentliga verk på svensk mark. Även skulpturen Michael kan föra tankarna till den tidiga modernismens strävan till reduktion, till att gestalta människokroppen som regelbunden struktur – människan närmast som arkitektur.

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Vibration, Michael Xavier Veilhan’s works are exhibited throughout the world. In 2009, he held his most comprehensive exhibition – a magnificent total installation in the Palace of Versailles and its environs. Thematically, his works revolve around our memory and our perception. He creates astounding effects by placing familiar objects in environments in which they appear foreign. The horse and carriage, Vibration, stands out almost as an illusion in blue. The sculpture takes its starting point in Italian futurism, a direction within art in the early 1900s that constantly strove to express movement. The sculpture Michael is also reminiscent of early Modernism’s endeavours for reduction, to portray the human body as a regular structure – man as architecture.

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Vibration, Michael Die Werke des Franzosen Xavier Veilhan erregen weltweit Aufsehen. 2009 arrangierte er seine bis dato umfangreichste Ausstellung – eine großartige Totalinstallation im Schloss Versailles und dessen Gärten. Thematisiert werden die menschliche Erinnerung und das Wahrnehmungsvermögen, und durch die Einbettung bekannter Objekte in ein befremdliches Ambiente schafft der Künstler verblüffende Effekte. Die Pferd-und-Wagen-Installation Vibration kommt quasi als Fata Morgana in Blau daher. Die Skulptur ist im italienischen Futurismus verwurzelt, einer zu Beginn des 20. Jahrhunderts entstandenen Kunstbewegung, deren Fortschrittsoptimismus sich im ständigen Streben nach Bewegung in der Ausdrucksform äußerte. Auch die Skulptur Michael erinnert in gewisser Weise an die Bestrebungen des frühen Modernismus zu Formen des Reduzierens, zum Einschränken des menschlichen Körpers auf eine regelmäßige Struktur, auf ein nahezu architektonisches Werk.

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House of knowledge Jaume Plensa Född i 1955 i Barcelona, Spanien Bor och verkar i Spanien Jaume Plensa är en av världens mest framträdande skulptörer, representerad i en rad länder. Hans mest omtalade verk är en gigantisk skulptural installation i Chicago, Crown Fountain. House of knowledge är en skulptur i en serie av verk föreställande sittande gestalter uppbyggda av bokstäver. Jaume Plensa påpekar att det är med bokstäverna som vi kombinerar ord och det är språket som skiljer oss från djuren. Språket är förutsättningen för närmast all mänsklig verksamhet, inte minst för samhällsuppbyggnaden och i språket sitter vår identitet. Språket är vår hud, vårt hölje. Den transparenta gestalten som inte går att könsbestämma utstrålar harmoni och balans. Skulpturen utgör också ett slags tempel, som vi kan stiga in i.

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House of knowledge Jaume Plensa is one of the most prominent sculptors in the world, represented in a number of countries. His most talked-about work is a gigantic sculptural installation in Chicago, Crown Fountain. House of knowledge is a sculpture in a series of works depicting sitting figures constructed out of letters. Jaume Plensa points out that it is letters that allow us to combine words and that it is language that separates us from the animals. Language is the precondition for almost all human activity, not least for the construction of society – and our identity is contained within the language. Language is our skin, our envelope. The transparent figure whose sex cannot be determined radiates harmony and balance. The sculpture also constitutes a kind of temple that we are able to step in to.

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House of knowledge Der Spanier Jaume Plensa gehört mit seinen Skulpturen in einer Vielzahl von Ländern zu den international am meisten ausgestellten Künstlern. Sein berühmtestes Werk ist die gigantische 15 Meter hohe Installation in Chicago mit dem Titel Crown Fountain. House of Knowledge ist Teil einer Serie von Skulpturen, die aus lauter Buchstaben zusammengesetzte, hockende Gestalten darstellen. Plensa demonstriert damit die Bedeutung von Buchstaben, aus denen wir Worte bilden – die Sprache unterscheidet den Menschen vom Tier. Sprache ist die Voraussetzung für so gut wie jegliche menschliche Tätigkeit, nicht zuletzt auch für den Aufbau menschlicher Gesellschaften. Die Sprache ist die Grundlage unserer Identität. Die Sprache ist unsere Haut, unsere Hülle. Die transparente, geschlechtsneutrale Gestalt strahlt Harmonie und Balance aus, und die Skulptur ist eine Art Tempel, in den wir hineingehen können.

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Catafalque Sean Henry Född 1965 i London, England Verksam i London, England Sean Henry arbetar främst med skulpturer föreställande mänskliga gestalter. Henry arbetar fram figurerna i lera för att sedan gjuta dem i brons och slutligen måla dem. Henry manipulerar skickligt skalor och undviker nästan alltid att avbilda i naturlig storlek, skulpturerna är endera förkrympta eller förvuxna. Skulpturen Catafalque, som är placerad utanför Högskolan i Borås har blivit något av ett signum för konstnären som själv agerar modell, där han ligger på rygg med uppdragna knän, händerna vilande på bröstet och blicken riktad mot oändligheten. Likt många av Henrys gestalter utstrålar posen en inre koncentration, en känsla av att vara jordad i sig själv mitt i den röriga offentligheten.

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Catafalque Sean Henry works principally on sculptures that represent human figures. Henry develops the figures in clay, then moulds them in bronze and finally paints them. Henry manipulates scales skilfully, almost always avoiding portraying things at their natural size – the sculptures are either shrunken or oversized. The sculpture called Catafalque, which is located outside the University of Borås, has become something of a signature piece for the artist who acted as his own model, lying on his back with his knees drawn up, his hands resting on his chest and his gaze directed towards infinity. Like many of Henry’s figures, this pose radiates an inner concentration, a sense of being internally grounded, in the midst of this busy public space.

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Catafalque Sean Henry ist vornehmlich mit Skulpturen beschäftigt, die menschliche Gestalten darstellen. Er arbeitet die Figuren aus Ton, um sie anschließend in Bronze zu gießen und zu bemalen. Henry manipuliert den Maßstab geschickt und bildet selten in natürlicher Größe ab. Seine Skulpturen sind entweder geschrumpft oder aber übergroß. Seine Skulptur Catafalque vor der Hochschule von Borås ist zu einer Art Signatur des Künstlers avanciert. Er agiert hier als sein eignes Modell und liegt mit angezogenen Beinen auf dem Rücken, während seine Hände auf der Brust ruhen und sein Blick in die Unendlichkeit gerichtet scheint. Genau wie viele von Henrys Figuren strahlt diese Pose mitten im unruhigen öffentlichen Raum eine innere Ruhe und Kontemplation aus.

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Wholly

Entity – anything having existence – Living or Nonliving Eva Hild Född 1966 i Borås Bor och verkar i Sparsör Det finns en lockande motsägelsefullhet i Eva Hilds skulpturer – insida som förvandlas till utsida, former som visuellt är sköra och mjuka blir vid beröring vassa och hårda. Det finns inget ”antingen eller” i Eva Hilds verk. Wholly är hennes första skulptur som är gjuten i aluminium och därmed också den första som tål regn, vind och beröring. – Inverkan, påverkan, press. Dessa ord har varit utgångspunkten för mitt arbete där jag gestaltar ett känslomässigt tillstånd i en skulptural form. I tunt gods bygger jag upp volymer där materialet formas i buktningar och rörelser, ett slags skal som utsätts för starka krafter, skriver Hild själv.

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Wholly Entity – anything having existence – Living or Nonliving There is an attractive contradictoriness in Eva Hild’s sculptures – inside being transformed to outside, forms that visually are fragile and soft becoming sharp and hard when touched. There is no ”either/or” in Eva Hild’s work. Wholly is her first sculpture moulded in aluminium and therefore also the first to tolerate rain, wind and touch. – Influence, effect, pressure. These words have been the starting point for my work, in which I interpret an emotional state in a sculptural form. In thin material, I build up volumes in which the material is formed into undulations and movements, a type of shell that is subject to strong forces.

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Wholly Entity – anything having existence – Living or Nonliving Eva Hilds Skulpturen zeichnen sich durch ihre lockende Widersprüchlichkeit aus – Innenseiten, die sich zu Außenseiten verwandeln, Formen, die zerbrechlich und biegsam scheinen, sich beim Berühren aber als scharf und hart erweisen. In Eva Hilds Gesamtwerk gibt es kein ”entweder oder”. Wholly ist ihre erste Skulptur, die aus Aluminium gegossen wurde. Sie trotzt Regen, Wind und Berührung gleichermaßen. „Einwirkung, Einfluss, Druck. Diese Begriffe markieren den Ausgangspunkt meiner Arbeit, bei der ich einem Gefühlszustand eine skulpturelle Form verleihe. Aus dünnem Material erschaffe ich Volumina. Dabei wird das Material in Windungen und Bewegungen geformt. Eine Art Schale, die starken Kräften ausgesetzt ist“, so schreibt Eva Hild selbst.

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Pathfinder Michael Schleu Född 1961 Bor och verkar i Stockholm Michael Schleu verkar vara lika delar målare och skulptör. Scenerier av likartat slag är ofta motiven: ibland via målningar, men ibland frigjorda ur sin tvådimensionella form till 3D. Gestaltningen påminner om arketyper ur gamla Westernfilmer, fundamentet för den klassiska pojkleken, långt före World of Warcraft´s tid. Man anar återspeglingar från Michael Schleus egna barndomsår, eller möjligen hans fars. Pathfinder söker bokstavligen sin väg med bestämda steg. Han är gestaltad som scoutkårens pojkar från femtiotalets Sverige. Den oförstörda pojkens naiva företagsamhet: ambitiöst har han bestämt sig för att finna sin väg. Som om han ännu inte insett det mödosamt förvirrade sökandet hela livet innebär. Man kan ana en ärrad medelålders mans ömsinta tillbakablick på sig själv som ung pojke – en arketyp för fiktion värdig en Hollywoodfilm.

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Pathfinder Michael Schleu appears to be a painter and sculptor in equal measure. His motifs are often similar types of scenery: sometimes via paintings, but sometimes released from their two-dimensional form to 3 dimensions. The configuration is reminiscent of archetypes from old Western movies, the foundation for the classic boy’s games, long before the era of World of Warcraft. There are hints of reflections from Michael Schleu’s own childhood, or possibly his father’s. Pathfinder literally finds his way with determined steps. He is depicted like boy scouts from Sweden in the 1950s. The innocent boy’s naive enterprising spirit: ambitiously, he has decided to find his own way. As if he has not yet understood the laborious, confusing searching that all of life involves. It is possible to sense a scarred middle-aged man’s tender look back at himself as a young boy – an archetypical fiction worthy of a Hollywood film.

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Pathfinder Der Stockholmer Michael Schleu ist zu gleichen Teilen Maler und Bildhauer. Sein Motivportfolio besteht aus ähnlichen Szenerien: manchmal in Form von Malereien, manchmal losgelöst aus ihrer Zweidimensionalität und in 3D übertragen. Die Gestaltung erinnert an Archetypen aus alten Western, das Fundament für die klassischen Cowboyspiele kleiner Jungs, lange, lange vor „World of Warcraft“. Man ahnt Schleus eigene Kindheit, vielleicht auch die seines Vaters. Pathfinder (Pfadfinder) sucht sich regelrecht seinen Weg mit entschlossenem Schritt, in Gestalt der Pfadfinderjungen aus dem Schweden der 1950er Jahre. Die unschuldige, naive Emsigkeit des Buben: Ehrgeizig will er seinen Weg finden, gerade so, als ob er immer noch nicht die verwirrende, mühselige Suche eingesehen hätte, die ein ganzes Leben lang andauert. Dahinter steckt der wehmütige Rückblick eines gezeichneten Mannes mittleren Alters auf seine Kinderzeit – ein Archetypus für Fiktion im Hollywood-Stil.

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Tornado touch down Bigert&Bergström Mats Bigert & Lars Bergström Födda 1965 respektive 1962 i Stockholm Bor och arbetar i Stockholm Bigert&Bergström är en konstnärsduo som sedan 1986 har skapat en mängd olika konstprojekt, storskaliga installationer, offentliga verk och filmer. Ofta med en konceptuell udd, placeras deras arbeten i skärningspunkten där människa, natur och teknologi möts. Utanför Resecentrum i Borås har en tvinnad stålrörstornado tagit mark. Skulpturen Tornado touch down (2010) är inspirerad dels av stadens förflutna som knutpunkt för tekoindustrin, och dels av en framtid där avvecklingen av densamma skapat både ovisshet och möjligheter för något nytt att utvecklas. Skulpturen är placerad mitt i knutpunkten för resande till och från staden och de förbipasserande kan slå sig ner på tornadons ”garnfundament” och titta upp mot himlen genom ett förvirrat moln av trassliga trådar.

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Tornado touch down Bigert&Bergström are an artistic duo who, since 1986, have been creating a large number of art projects, large-scale installations, public works and films. Often with a conceptual point, their works are placed at the intersection where human being, nature and technology meet. An entwined steel tube tornado has touched down outside the Resecentrum travel centre in Borås. The sculpture called Tornado touch down (2010) is inspired both by the town’s past as a hub for the textile industry, and by a future in which the winding up of that industry has created uncertainty but also opportunities for something new to develop. The sculpture is located in the middle of this hub for travellers to and from the town and passers-by can sit down on the tornado’s ”yarn foundation” and look up at the sky through a confused cloud of tangled threads.

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Tornado touch down Bigert & Bergström, so heißt das seit 1986 tätige Künstlerduo, das eine Reihe von Kunstprojekten, groß angelegten Installationen, öffentlichen Werken und Filmen geschaffen hat. Häufig mit einer konzeptuellen Extravaganz versehen, bewegen sich ihre Arbeiten an der Schnittstelle zwischen Mensch, Natur und Technologie. Vor dem Reisezentrum von Borås scheint ihr gedrehter Stahlrohrtornado förmlich aus dem Boden zu schießen. Inspirieren ließen sich die beiden Künstler für ihre Plastik Tornado touch down (2010) von der Vergangenheit und Zukunft der Stadt. Borås – einst Dreh- und Angelpunkt der schwedischen Textilindustrie – stand vor der Herausforderung, die mit der Abwicklung verbundene ungewisse Zukunft als Chance zur Neuorientierung zu begreifen. Die Skulptur befindet sich am Reiseknotenpunkt der Stadt. Passanten können sich am ”Garnfundament” des Tornados niederlassen und durch ein Drahtgewirr den Himmel betrachten.

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Bodhi Fredrik Wretman Född 1953 i Stockholm Bor och verkar i Stockholm Fredrik Wretmans meditativa vatteninstallationer skapar illusioner – ytreflektioner som både förför och ger svindel. Konstverkens samspel med vatten skapar ofta visuella dubbeltydligheter. Många förknippar kanske Wretman med oranga buddhaskulpturer som i själva verket är modeller av konstnären själv. En blivande Buddha kallas för bodhi vilket betyder upplyst på sanskrit. Med denna utgångspunkt och med tanke på att ansiktet är vänt mot soluppgången i öster, kan skulpturen tolkas som en symbol i sökandet efter hopp eller livets mening. Bodhi blundar och är sluten i sig själv – opåverkad av Viskans omslutande ström av vatten.

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Bodhi Fredrik Wretman’s meditative water installations create illusions – surface reflections that seduce people and make them light-headed. The interplay of the artworks with water often creates visual ambiguities. Lots of people may associate Wretman with orange buddha sculptures that are actually models of the artist himself. A prospective Buddha is called bodhi which means enlightened in Sanskrit. With this as a starting point and bearing in mind the fact that the face is turned towards the sunrise in the east, the sculpture may be interpreted as symbolic of the search for hope or the meaning of life. Bodhi has his eyes closed and is shut in within himself – unaffected by the encircling flow of the waters of the River Viskan.

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Bodhi Fredrik Wretmans meditative Wasserinstallationen erschaffen Illusionen – verführerische und schwindelerregende Oberflächenreflexionen. Aus dem Zusammenwirken von Kunstwerk und Wasser ergeben sich auch immer wieder visuelle Doppeldeutigkeiten. Viele verbinden Wretman vermutlich mit seinen orangen Buddhaskulpturen, die den Künstler selbst darstellen. Ein künftiger Buddha wird als Bodhi bezeichnet, was auf Sanskrit so viel wie Erwachen und Erleuchtung bedeutet. Mit diesem Ausgangspunkt und im Hinblick darauf, dass Bodhis Gesicht in östliche Richtung zum Sonnenaufgang weist, lässt sich diese Skulptur als Symbol für die Suche nach Hoffnung und dem Sinn des Lebens interpretieren. Bodhi hält die Augen geschlossen und scheint ganz in sich versunken – völlig unbeeindruckt von dem ihn umgebenden Fluss Viskan.

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Mate Hunting Marianne Lindberg De Geer Född 1946 i Stockholm Bor och verkar i Stockholm Marianne Lindberg De Geer var i fyrtioårsåldern när hon debuterade som konstnär. Hon arbetar i flera olika visuella medier men även med teater, ljudkonst och är en flitig samhällsdebattör. Humor och allvar avlöser varandra i Lindberg De Geers konst. Inspirationen till Mate Hunting har Lindberg De Geer hämtat från kaninen i Alice i underlandet, en symbol för en öppning mot en annan verklighet – sagans magiska värld. Konstnärens kaniner som numera finns spridda i stora delar av landet har blivit ett av hennes konstnärliga signum. Skulpturerna anspelar på kaninens förment överaktiva sexualitet. Mate Hunting betyder parningsjakt eller jakten på en kamrat och placeringen i parkmiljön för möjligtvis tankarna till cruising-kultur. I den tre meter höga kaninskulpturens ögon rör sig klockvisare – det är bråttom!

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Mate Hunting Marianne Lindberg De Geer was in her forties when she made her début as an artist. She works in several different visual media but also in theatre, sound art and is a diligent social debater. Humour and seriousness follow on from one another in Lindberg De Geer’s art. Lindberg De Geer has taken her inspiration for Mate Hunting from the rabbit in Alice in Wonderland, symbolising an aperture into another reality – the magical world of the story. The artist’s rabbits, which are now spread throughout large parts of the country, have become one of her artistic signatures. Not infrequently, the sculptures wink at the rabbit’s assumed over-active sexuality. Mate Hunting means either courtship or hunting for a friend, and its position in the park environment guides thoughts to ”cruising culture”. The hands of a clock move within the three metre long rabbit sculpture’s eyes – there’s no time to lose!

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Mate Hunting Marianne Lindberg De Geer erlebte Ihr Debüt als Künstlerin erst im Alter von rund vierzig Jahren. Sie hat sich mit vielen verschiedenen visuellen Medien beschäftigt und sich auch mit Theater und Klangkunst befasst. Sie gilt als leidenschaftliche Teilnehmerin an der gesellschaftlichen Debatte. Humor und Ernsthaftigkeit lösen sich in Lindberg De Geers Kunst ab. Die Inspiration für Mate Hunting hat sich Lindberg De Geer vom Kaninchen aus ”Alice im Wunderland” geholt. Einem Symbol, das für den Eintritt in eine andere Wirklichkeit steht – in die magische Welt der Märchen. Die Kaninchen haben sich mittlerweile in ganz Schweden verbreitet und sind zur künstlerischen Signatur von Lindberg De Geer avanciert. Die Plastiken spielen auf die vermeintlich hyperaktive Sexualität von Kaninchen an. Mate Hunting bedeutet so viel wie Balz oder Partnersuche bzw. Suche nach einem Freund. Die Aufstellung in Parks und Parkanlagen legt eine mögliche Verbindung zur Cruising-Kultur nahe. In den Augen der drei Meter hohen Kaninchenskulpturen befindet sich ein Uhrzeiger – die Uhr tickt, es eilt!

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Declination Tony Cragg Född 1949 i Liverpool, England Bor och verkar i Wuppertal, Tyskland Tony Cragg är inte alls intresserad av att kopiera naturen. Han anser det vara en ”pervers aktivitet” att till exempel försöka härma en kropp. Genom sina skulpturer vill han fånga tingens ”inre verklighet” – det vi inte riktigt kan sätta fingret på eller beskriva i ord. Declination är en del av skulpturgruppen early forms – skulpturer som existerar i ett mellanrum mellan tingen och våra förnimmelser av dem.

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Declination Tony Cragg has no interest at all in copying nature. He considers trying to mimic a body to be a ”perverse activity”, for example. He wants to capture the ”inner reality” of things through his sculptures – things we are unable actually to put our finger on or describe in words. Declination is part of a group of sculptures early forms – sculptures that exist in an intervening space between the items and our perceptions of them.

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Declination Tony Cragg ist keineswegs daran interessiert, die Natur zu kopieren. So empfindet er es beispielsweise als eher ”widernatürlich”, einen Körper nachzuempfinden. Mit seinen Plastiken will er der ”inneren Wirklichkeit” von Dingen nachspüren. Das, was wir mit Worten nicht erfassen und genau bestimmen können. Declination zählt zu den frühen Formen der Skulpturengruppe – Skulpturen, die in einer Sphäre zwischen den Dingen und ihrer Wahrnehmung zu existieren scheinen.

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Ute Charlotte Gyllenhammar Född 1963 i Göteborg Bor och verkar i Stockholm Charlotte Gyllenhammar arbetar huvudsakligen med skulptur, installation och film. Gyllenhammars konstverk beskrivs ofta som obehagliga med en ständig närvaro av utsatthet och hot. Verket Ute beställdes av Borås Stad 2004 och placerades vid Södra torget, en skulptur av ett ensamt barn sneglande mot vattnet i Viskan och med den tunga busstraffiken bakom ryggen. Barnet är ett återkommande motiv i Gyllenhammars konst där det fungerar som förstärkare av tillstånd och styr människors uppmärksamhet till eventuella hot i miljöerna. I Ute framställs barnet som i behov av beskydd, oskyldigt och exponerat för omvärldens faror.

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Ute Charlotte Gyllenhammar works principally in the fields of sculpture, installation and film. Gyllenhammar’s artworks are often described as disconcerting with vulnerability and threat constantly present. The work called Ute was commissioned by the town of Borås in 2004 and was positioned at Södra Torget, a sculpture of a lonely child glancing at the waters of the River Viskan and with the busy bus traffic passing behind. The child is a recurring theme in Gyllenhammar’s work in which they act as an amplifier of status, guiding people’s attention towards potential threats in their environments. In ”Ute” the child is portrayed as in need of protection, innocent and exposed to the dangers of the outside world.

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Ute Charlotte Gyllenhammar beschäftigt sich vorrangig mit Skulpturen, Installation und Film. Charlotte Gyllenhammars Kunstwerke werden gern mit dem Attribut ”unbehaglich” belegt. Ihren Werken soll eine permanente Präsenz von Gefahr und Ausgesetztheit innewohnen. Die Plastik Ute, 2004 von Borås in Auftrag gegeben, wurde am Södra Torget aufgestellt. Ein einsames Kind schaut zum Fluss Viskan. Hinter ihm dröhnt der Busverkehr der Stadt. Das Motiv Kind kehrt in ihrer Kunst immer wieder. Es dient als Verstärker eines Zustands und orientiert die Aufmerksamkeit der Menschen auf potenzielle Gefahren im Umfeld. In Ute wird das Kind in seiner ganzen Schutzbedürftigkeit dargestellt, unschuldig und den Gefahren der es umgebenden Welt ausgeliefert.

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Skriet Barbro Westling, född 1956 i Göteborg Peter Johansson, född 1964 i Sälen Peter Johansson och Barbro Westling bor och arbetar i Malmö Peter Johansson/Barbro Westling arbetar som konstnärlig duo sedan 2004. De dyker upp i många olika sammanhang. Inte bara konstutställningar, utan även film, teater/performance och en rad projekt i det offentliga. Gran Tour, en permanent grupp möbelskulpturer till Stockholmsmässan, invigdes 2014. Duon återkommer även som formgivare av Aftonbladets monter på bokmässan i Göteborg. Skriet av Edvard Munch är ett av världens mest kända konstverk. I vissa sammanhang kan Skriet fortfarande fungera som symbol för begreppet ångest, men idag väcker det kanske mest av allt ett igenkännandets munterhet.

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Skriet Peter Johansson/Barbro Westling have been working as an artistic duo since 2004. They turn up in many different contexts. Not just art exhibitions, but also in film, theatre/performance art and a number of projects in the public domain. Gran Tour, a permanent group of furniture sculptures for the Stockholm trade fair was inaugurated in 2014. The duo also reappear as designers of the Aftonbladet stand at the Gothenburg book fair. The Scream by Edvard Munch is one of the world’s most familiar artworks. In certain contexts, the Scream can still act as a symbol for the concept of anxiety, but today, most of all, it perhaps raises a laugh of recognition.

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Skriet Das schwedische Künstlerduo Peter Johansson und Barbro Westling arbeitet seit 2004 zusammen und taucht in den unterschiedlichsten Zusammenhängen auf – nicht nur in Kunstausstellungen, sondern auch mit Filmen, Theater/Performances und zahlreichen Öffentlichkeitsprojekten. Das elfteilige Skulpturenwerk Gran Tour für die Stockholmsmässan wurde 2014 eingeweiht. Das Duo präsentiert sich auch als Messestand-Designer des schwedischen Boulevardblattes Aftonbladet auf der internationalen Buchmesse in Göteborg. Edvard Munchs berühmtes Gemälde Der Schrei gilt immer noch als Ausdruck und Symbol für existentielle Angst, abgemildert allerdings infolge der Verwendung als Emoticon und daher mit einem ganz anderen Grad der Wiedererkennung behaftet.

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Non-Violence Carl Fredrik Reuterswärd Född 1934 i Stockholm Bor och verkar i Rydebäck och Bussigny, Schweiz Carl Fredrik Reuterswärds konstnärliga bredd visar sig genom gränsöverskridningar mellan olika genrer och tekniker. Hans verk har ofta inslag av humor, ord- och associationslekar. Vid 55 års ålder fick Reuterswärd en stroke som förlamade hans högra sida. Sedan dess han arbetat hårt för att åter lära sig skriva och måla – nu med vänster hand. År 1980 fick Carl Fredrik Reuterswärd reda på att hans vän John Lennon blivit mördad utanför sitt hem på Manhattan. I vredesmod över det meningslösa i vännens död gick han till sin ateljé och påbörjade arbetet med skulpturen Non-Violence. Den knutslagna revolvern är en stark antivåldsymbol som inte handlar om seger, utan om fred! Till skillnad från revolvern är den knutslagna pistolen i Anna Lindhs park i Borås den enda i sitt slag.

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Non-Violence The breadth of Carl Fredrik Reuterswärd’s art manifests itself by crossing the boundaries between different genres and techniques. His works often show the influence of humour, puns and word association games. At the age of 55, Reuterswärd had a stroke which paralysed him on his right side. Since then he has worked hard to re-learn how to write and paint - now with his left hand. In 1980, Carl Fredrik Reuterswärd found out that his friend John Lennon had been murdered outside his home in Manhattan. Outraged over the futility of his friend’s death, he went to his studio and began work on the sculpture Non-Violence. The revolver with the knotted barrel is a strong symbol of non-violence, which is not about victory, but peace! In contrast to the revolver, the pistol with the knotted barrel in the Anna Lindh Park in Borås is the only one of its kind.

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Non-Violence Carl Fredrik Reuterswärds künstlerisches Spektrum ist grenzüberschreitend. Darin wechseln sich verschiedene Genres und Techniken ab. Seine Werke sind häufig von Humor sowie Wort- und Assoziationsspielen geprägt. Im Alter von 55 Jahren erlitt Reuterswärd einen Schlaganfall, der zu einer Lähmung der rechten Körperseite führte. Seitdem arbeitet er hart daran, wieder schreiben und malen zu können, nun mit der linken Hand. Im Jahr 1980 ereilte auch Carl Fredrik Reuterswärd die Botschaft, dass sein Freund John Lennon in Manhattan vor seiner Haustür ermordet wurde. Aus Zorn über diesen sinnlosen Akt der Gewalt an seinem Freund begab er sich in sein Atelier und begannt mit der Arbeit an der Skulptur Non-Violence. Der verknotete Revolver ist zu einem Symbol der Gewaltlosigkeit avanciert, in dem es nicht um einen Sieg, sondern um den Frieden geht! Im Unterschied zum Revolver ist die verknotete Pistole im Anna Lindhs Park in Borås ein Unikat.

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Walking to Borås Jime Dine Född 1935 i Cinncinati, USA Bor och verkar i USA Jim Dine arbetar i olika medier som måleri, performance, teckning fotografi och skulptur. Dine flyttade 1959 till New York och blev där en förgrundsfigur inom Happening-rörelsen. Under 60-talets början fick Dine sitt stora genombrott som en av den första generationen popkonstnärer i gott sällskap av Andy Warhol, Roy Lichtenstein och Ed Ruscha. Flera av Jime Dines återkommande motiv har tydliga självbiografiska inslag. Walking to Borås blev startskottet för Borås första Internationella skulpturbiennal 2008. Berättelsen om Pinnochio har fascinerat Jim Dine sedan barnsben. Från att som barn blivit skrämd av vad som kunde hända med lögnaktiga pojkar ser han idag Geppettos livsbringande skapandeakt som en metafor för konstens möjligheter.

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Walking to Borås Jim Dine works in different media such as painting, performance, drawing, photography and sculpture. In 1959, Dine moved to New York, becoming a front line figure there within the Happenings movement. At the start of the 1960s Dine made his great breakthrough as one of the first generation of pop artists in the good company of Andy Warhol, Roy Lichtenstein and Ed Ruscha. Several of Jim Dine’s recurrent themes possess clear autobiographical elements. Walking to Borås was the starting shot for the first Borås International Sculpture biennial in 2008. The story of Pinocchio has fascinated Jim Dine since he was a child. From having been scared as a child by what could happen to boys who told lies, today he views Geppetto’s life-giving act of creativity as a metaphor for the possibilities of art.

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Walking to Borås Jim Dine beschäftigt sich in seiner Kunst mit verschiedenen Medien: Malerei, Performance, Zeichnung, Fotografie und Bildhauerei. Dine zog 1959 nach New York und entwickelte sich dort zu einem der führenden Vertreter der Happening-Bewegung. In den 1960er Jahren erlebte Dine seinen großen Durchbruch als einer der Popart-Künstler der ersten Generation und befand sich damit in guter Gesellschaft von Andy Warhol, Roy Lichtenstein und Ed Ruscha. Viele seiner stetig wiederkehrenden Motive sind autobiografisch gefärbt. Walking to Borås wurde zum Fanal für die erste internationale Skulpturenbiennale 2008 in Borås. “Die Abenteuer des Pinocchio“ haben Jim Dine bereits von Kindesbeinen an fasziniert. Als Kind war er sehr erschrocken darüber, was lügnerischen Jungen widerfahren kann. Heute glaubt er in Geppettos lebensbringendem schöpferischen Akt eine Metapher für die Möglichkeiten der Kunst zu erkennen.

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Suit Erwin Wurm

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Ett särskilt tack vill vi rikta till: Medverkande konstnärer Galleri Andersson & Sandström, Galleri Andréhn-Schiptjenko, Galleri Bo Bjergaard, Paul Frankenius Art Collection Sparbanksstiftelsen Sjuhärad som tillsammans med entreprenörerna Paul Frankenius och Joakim Hedin genom en magnifik donation gjort inköpet av Jaume Plensas House of Knowledge möjligt BoråsBorås AB Textile Fashion Center Kanico Grafisk Formgivning: Mecka Reklambyrå Redaktör: Karolina Pahlén Texter: Camilla Alexandersson, Pontus Hammarén, Anna Nero, Karolina Pahlén Foto: Jan Berg, Thomas Fort, Petter Lehto, Karolina Pahlén Översättning: Amesto Translations Tryck: Vindspelet Kartor: Arkeobild

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boras.se/konstmuseum

Borås Internationella Skulpturbiennal 2014  

Årets skulpturbiennal har vi valt att koncentrera till nyöppnade Textile Fashion Center. Det kändes självklart. Detta center blir en höginte...