Bellice Magazine nº 03. Junio 2014

num: 03 Bellice Magazine. Magazine cultural digital. Nº 03 Junio 2014. ISSN 2255-5927.

Bellice Magazine Magazine Cultural Digital

El hombre pájaro.

Fernando Bayona

Fernando Bayona Escultor de instantáneas pag. 8

Miguel Scheroff Al otro lado de la carne pag. 26 Además: Reportaje LAB, webs de interés, galería...

Dirección creativa y editorial: Alberto Chao Redacción: Alberto Chao, Rafael Castaño Domínguez Asistencia de redacción: Belén Moreno, Isabel Carmona Burgos Publicidad: Alejandro Landero Fotografía: Alejandro Landero Maquetación: Alberto Chao, Avel Valls Muñoz, Belén Moreno, Portada: Fotografía cedida por Fernando Bayona, “El hombre pájaro” Agradecimientos: Francisco Javier Rodríguez Cuevas (Desarrollo y mantenimiento web), Oye Cerodoce (Diseño “Rosa Chillón”) Editado por: Bellice Editorial.

Virgen de las torres, 10. 41010. Sevilla, España.

Bellice Magazine ISSN 2255-5927 www.belliceeditorial.com Nº03 Junio 2014 Revista On-line: Contacto: bellice@Belliceeditorial.com Publicidad: bellice@Belliceeditorial.com Buscanos en: @belliceEdit www.facebook.com/Belliceeditorial Los artículos, anuncios u opiniones de los entrevistados o colaboradores, no expresan necesariamente la opinión de Bellice Editorial. Esta publicación no puede ser reproducida, ni en todo ni en parte, ni registrada en, o trasmitida por un sistema de recuperación de información, en ninguna forma, ni por ningún medio, sin autorización previa por escrito del editor, Alberto Chao. Todas las fotografías e ilustraciones que contiene el magazine, están publicadas con el permiso de sus respectivos autores.

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Ctrl+Paint

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n día, Matt Kohr, un estudiante de Bellas Artes especializado en cómics, se dio cuenta de que no había en internet ninguna plataforma gratuita para iniciarse en el dibujo por ordenador. Existían tutoriales centrados en elementos concretos, pero ninguna biblioteca general, ninguna visión global. Así que se puso manos a la obra, y creó Ctrl+Paint, donde hasta mi perro Vicentín puede aprender a dibujar –siempre que le ponga ganas– siguiendo las lecciones que van desplegándose como en un libro de texto, aunque este sea también un libro de vídeos, vídeos de cinco minutos que van enseñando con paciencia los pormenores del dibujo por ordenador. Así que no, no es la página indicada para los amantes de los vídeos a alta velocidad de tipos pintando la Gioconda con Paint. Aquí uno olvida el asombro por la habilidad de otros

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para empezar el camino que todos esos pintores ultraveloces tuvieron que transitar en su día, con horarios que quizás no les venían bien, algún que otro profesor prescindible y un doloroso agujero en su cuenta corriente. Ctrl+Paint se divide en diecinueve lecciones y cuatro bloques de estudio, el último de los cuales se encarga de aquello que rodea al dibujo, pero sin lo cual este no tendría lugar o no podría mantenerse en el tiempo: los hábitos de trabajo y de estudio, las claves para crear un buen portfolio. Y todo ello gratis. Tal vez necesites pagar un curso de idiomas o ver muchas series en versión original, porque el curso está en inglés y eso no parece que vaya a cambiar, pero confiamos en que, movido por el paro, el aburrimiento o por tus vastas inquietudes culturales, ya seas un consumado hablante de la lengua de Shakespeare. g

Axel Aubert

Webs de interes

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o primero que llama la atención en la página de Axel Aubert, un joven diseñador gráfico francés, es que las montañas flotan como el corcho en el agua. Pasado el susto, sólo basta hacer clic en el botón que aparece debajo de la montaña para echarle un vistazo a los trabajos que el joven Axel propone para diferentes empresas, diseñando para ellos sus páginas web, juegos o aplicaciones para dispositivos móviles.

El diseño es sencillo, y cumple con lo que se le pide a un buen portfolio: originalidad y creatividad, pero sin marear al personal. Uno entra, por ejemplo, en la primera de sus propuestas, la renovación del sitio web de una tienda de tablas de snowboard. Sólo hacen falta unas cuantas capturas de pantalla, con breves y concisas explicaciones, y uno se entera de todo: cómo cambian las

fuentes, cómo se aprovecha el scroll para comparar modelos... Axel sigue el mismo procedimiento para mostrarnos lo que podría hacer con una marca de alimentación, una tienda online de gafas de sol o un juego de geografía para una compañía aérea. Luego visitas las páginas reales y comparas, y te das cuenta de lo importante que es el diseño para no dar la sensación de que has hecho tu página web con las primeras plantillas que has encontrado en los húmedos sótanos de Wordpress. Para demostrar que su trabajo da buenos resultados, Axel Aubert también incluye, escondido en la parte superior de su página, un apartado con los diseños que ha realizado para restaurantes o tiendas de carteras. g

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Fernando Bayona Escultor de instantáneas -Para comenzar, como pregunta introductoria, ¿podrías hablarnos brevemente de tu trayectoria académica? ¿Calificarías dicha trayectoria como crucial en el desarrollo de tu obra actual?

Tengo un master de Fotografía y Diseño Visual por la Universidad NABA de Milán, y me licencié en Bellas Artes en la Universidad de Granada, donde actualmente desarrollo mi tesis doctoral. Completé mi formación con múltiples cursos y residencias en Centros de prestigio internacional.

Considero que todo este bagaje me ha servido para desarrollar y afianzar mi producción artística, aunque en realidad han sido más las vivencias a nivel afectivo las que han modelado mis intereses e imaginario personal.

Desgraciadamente el paso por la Facultad de Bellas Artes de Granada no me sirvió de mucho, entiendo que es una Institución en decadencia provocada por un profesorado poco implicado en la formación del alumnado.

-Considerando que tus primeros pasos en el mundo del arte están vinculados a la escultura, ¿cuál consideras que es el momento en el que comienzas tu metamorfosis en favor de la fotografía? ¿Te defines como fotógrafo o escultor?

Nunca he sido fotógrafo y a día de hoy tampoco me siento como tal. Añado o quito luz en un espacio concreto como lo haría mode-

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Fernando Bayona. El beso de Judas

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Fernando Bayona. The last time

lando una pieza de barro. Por tanto no creo que sea una metamorfosis sino la evolución lógica de una disciplina a otra.

No obstante si debiésemos encontrar el punto de inflexión que provocó el cambio de un soporte a otro sería la obtención de una beca para desarrollar un proyecto fotográfico allá por el 2008.

-Sueles tratar de involucrar al espectador como interpretación final y última de tu obra, a modo, tal vez, de interpretación “ajena” de la propia imagen.

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Sumado esto a tu experiencia en la Agencia Magnum, y a una estética de aspecto cinematográfico, ¿relacionarías tu trabajo, de algún modo, con el mundo de la publicidad?

En ocasiones me he sentido atraído por la inmediatez del mensaje que de ella se extrae, así como por su estética pop, aunque en realidad no me interesa más allá de eso.

-Tu obra absorbe, como si de una esponja se tratara, influencias de un amplio abanico de disciplinas, como la fotogra-

a la hora de comenzar un proyecto. Háblanos un poco sobre cómo comienzas a trabajar y cómo se desarrolla ese proceso creativo.

Fernando Bayona. Hotel Capri

fía, la escultura, el cine, la literatura... ¿Podrías destacar cuáles son tus artistas o creativos referentes?

Soy bastante ecléctico y clásico en este sentido, me siento profundamente influenciado por Miguel Ángel, Caravaggio, Da Vinci, Rubens, Erwin Olaf, Joel Peter Witkin, Gregory Crewdson o DiCorcia.

-La rotundidad de tus fotografías habla por sí sola, pero está cargada de innumerables elementos, que podrían pasarse por alto en un primer momento,

Inicialmente realizo varios bocetos sobre papel en los que analizo diferentes posibilidades escenográficas, localizaciones, atrezzo y elementos que se insertarán en la toma fotográfica, así como un estudio del esquema de la iluminación ya que esto determinará en gran medida la distribución de cada una de esas piezas en el espacio e incluso la construcción de las paredes que delimitan el espacio donde se desarrolla la escena.

Posteriormente me reúno con mi equipo de colaboradores para asignar cuales serán sus competencias y definir el tipo de maquillaje, peluquería y vestuario.

A medida que voy construyendo las escenografías, me entrevisto con las personas que interpretarán los personajes que previamente he creado. Suelo trabajar con actores profesionales y/o amateur que van surgiendo en mi vida cotidiana, los suelo encontrar en la cola del supermercado, por la calle, en el metro, amigos de amigos,... Como norma

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Fernando Bayona. La duda de Tomás

antes para que los peinen, maquillen y vistan.

Después me tomo mi tiempo para hablar nuevamente con ellos y ultimar a nivel psicológico los detalles del personaje dentro de la escenografía. Cuando todo se encuentra dispuesto e iluminado como considero necesario, disparo.

general me tomo un largo café con cada uno de ellos para explicarles bien las características del personaje que interpretarán, a la vez que trato entender cuales serán los rasgos, que por su personalidad, pueden aportarles. El día de las sesiones fotográficas los hago llegar 3 o 4 horas

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Mis sesiones suelen estar abiertas a todo aquel que quiera pasarse por el estudio, tienen un tono festivo, gente que va y viene, amigos, interesados, buen rollo y colegueo. Las sesiones han de ser divertidas y amenas, de lo contrario todo el esfuerzo no merecería la pena, no sólo me interesa el resultado, sino el proceso, y éste ha de ser lo más agradable posible. Estoy en la fotografía porque me divierto, de lo contrario lo dejaría inmediatamente.

Fernando Bayona. El Bautismo

-Observamos que la literatura tiene un contundente impacto en la elección y desarrollo de tu trabajo. ¿Desarrollarías, para nuestros lectores, el porqué de esta elegante y próspera fusión entre literatura y fotografía?

Hasta el momento he utilizado libros o narraciones fundamentales para la colectividad. Lo utilizo como recurso a través del cual profundizar en los aspectos esenciales que constituyen la psicología del ser humano, un proceso de exploración de los diferentes rasgos que interconectan al hombre con sus alter egos más atávicos. Trato de dilucidar cuales son las características que lo definen, un análisis de sus deseos, pasiones, miedos y pulsiones internas más oscuras, y por extensión, del sistema social jerárquico que éste ha creado para sí, y lo somete a un régimen de control de la libertad del individuo.

-Haciendo referencia a las temáticas, y sin poder pasar por alto el que somos andaluces, nos llama la atención la polémica y fuerte oposición que acogió en Granada tu serie “Circus Christi”. ¿En algún momento esperabas una reacción semejante? ¿Qué le dirías a las personas que, por algún motivo, acogen tu obra de una manera extremista? ¿Es posible que la elección de motivos religiosos se deba a la universalidad de la Biblia como documento público y que, por lo tanto, se relacione con tu máxima de tratar de involucrar al espectador en tu trabajo?

No, ni en la peor de mis pesadillas podía imaginar semejante reacción. Granada es una ciudad muy especial, y su población muy corta de miras para apreciar lo bueno que aportan los que vienen de fuera. Son el ejemplo claro de la negación hasta que el trabajo es valorado fuera de sus limitadas

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Fernando Bayona. Jesús y María Magdalena

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fronteras. En ese momento se deshacen en elogios para asegurarse su parte haciendo hincapié en tu paso por la ciudad. La historia se repite, baste recordar a Lorca o el desinterés por la Alhambra para demostrarlo.

A pesar de ello este incidente no ha impedido que siga haciendo aquello que considero que es necesario en mi proceso creativo. No me ha coartado libertad ni en la elección de los temas de trabajo ni en la forma en la que abordo el cuerpo, más bien al contrario.

A esas personas que toman mi trabajo de forma extremista no les diría nada, no merecen que pierda mi tiempo. Somos discordantes y nunca llegaremos a un entendimiento.

La Biblia? Siempre me han gustado las novelas de ficción. Consideraba que la historia que se narrada sería lo suficientemente conocida por todos para entender las referencias y modificaciones que de ella estaba haciendo. Es un libro muy versátil, que ofrece un gran campo de experimentación y reinterpretación.

-Te agradecemos muchísimo el tiempo dedicado. Para terminar, y para que nuestros lectores estén al corriente, háblanos sobre tus próximos trabajos y exposiciones.

Me depara mucho trabajo, quizás más del que pueda asumir. Hay bastantes proyectos de los cuales aún no puedo decir nada, pero pasan por la realización de una escultura pública de grandes dimensiones, varias exposiciones, conferencias, workshop, y sobre todo muchos viajes para realizar las imágenes de mis nuevas series fotográficas. En breve podré decir algo más pero no quiero desvelarlo hasta que no esté bien cerrado todo. g

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OYE CERODOCE Rosa chillón

B

ellice se presenta como un territorio común, una esfera en torno a la cual giran los trabajos y las propuestas de artistas y asociaciones que desean exponer su obra de forma gratuita para mostrar al mundo su talento, su técnica y sus capacidades.

Esta es la razón por la que Bellice ha fundado una galería virtual, de la que podemos formar parte todos aquellos que dedicamos nuestro esfuerzo y tiempo a la creación. un espacio nuevo para difundir las composiciones y acciones artísticas a las que nos venimos refiriendo.

Un espacio expositivo en el que nosotros mismos, el equipo de Bellice, nos involucramos,

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participamos y compartimos. Nuestra iniciativa nace de una necesidad y una oportunidad, que nosotros mismo hemos buscado y solicitado, y hoy por hoy, queremos ofrecerla a los demás. Queremos brindar nuestra galería, a modo de plataforma de promoción virtual, en la que impulsar el trabajo de jóvenes artistas, que se merecen un reconocimiento, y una divulgación de la labor que llevan a cabo.

Esta galería, formada por las colaboraciones de artistas de todo tipo, sin importar la disciplina ni el género que cultiven, tiene un carácter trimestral y un máximo de cuatro obras por usuario. Así pues, cada tres meses las imágenes de los trabajos de los creadores serán publicadas en los diferentes números de “Bellice Magazine”.

Y no solo nos quedamos ahí, ésta es nuestra manera de descubrir nuevos talentos, nuevos artistas, con los que no solo confeccionamos una de nuestras secciones, como es el caso de la “galería”, a la vez buscamos nuevos protagonistas para nuestras entrevistas o demás publicaciones.

Pretendemos, de esta manera, dar un sentido y una finalidad a las obras de los artistas colaboradores, agrupándolas y mostrándolas a un público especifico interesado en ellas. Ofreciendo el uso final al que esta predestinada la obra: La exhibición o la muestra de cara al público, en formato revista, como producto visual que al fin y al cabo es. De esta manera, tratamos que las obras, convivan tanto en nuestro magazine, como en nuestra galería, dando al proyecto un sentido social y de punto de

encuentro de los interesados en la materia. Dando un sentido más amplio a nuestra web, que el de un mero porfolio contenedor de obras de artistas.

Bellice no se queda con los derechos de ninguna de las obras publicadas por los diferentes artistas que colaboran con nosotros, al igual que no nos beneficiamos de ninguna de éstas. Llevamos a cabo esta iniciativa para que tanto los artistas que están empezando o quieren colaborar se den a conocer en otros ámbitos, sea en la red, en nuestras publicaciones vía online o en un futuro impresas.

Colaborar y aparecer en nuestra plataforma web, es tan fácil como registrase y una vez estés registrado podrás subir los trabajos que quieras a nuestra Galería. No pierdas tiempo y regístrate ya en www.belliceeditorial.com g

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num: 02 Bellice Magazine. Magazine cultural digital. Nº 04 XXX 2014. ISSN 2255-5927.

Bellice Magazine Magazine Cultural Digital

Concursa en

ADOPTA UNA PORTADA PA

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Tu obra Tu nombre

Bellice convoca el concurso “Adopta una portada”, que permitirá al ganador ser portada del próximo número de Bellice Magazine. Como siempre, tenemos como objetivo ser una plataforma de exhibición y divulgación del trabajo de todo tipo de artistas, ya sean pintores, fotógrafos, diseñadores, ect

Ver Bases Además: Dedicaremos a la obra del ganador, un nuevo apartado “En portada”

Por: Rafael Castaño Domínguez.

En el número 57 de la calle Peral, cerca de la Alameda de Hércules de Sevilla, había no hace mucho una tienda de disfraces; nada dura para siempre, y menos en medio de una crisis que fue cerrando las puertas de muchos negocios, sin discriminar entre los nuevos y los viejos.

Si uno pasa ahora por su lado, no parece que nadie haya tomado su lugar. Por los balcones abiertos de enfrente se puede ver desde la acera una especie de peluquería o de laboratorio o de consulta de dentista. Pasa un ciclomotor, uno de los señores de la consulta-peluquería sale a fumarse un cigarro y se pone a hablar con el dueño del bar de enfrente, justo al lado de la antigua tienda de disfraces.

Centrémonos: en su puerta blanca sólo destacan tres letras: L-A-B. El paseante curioso descubrirá, si llama con los nudillos, que dentro, con el espíritu creativo de quienes constantemente adoptan nuevos disfraces, unos cuantos profesionales de la cultura se dedican a inventar e imaginar por encima de las aparentes posibilidades de este lugar.

No se sabe por qué razón podría haber tanta vida en una calle que parece tan tradicional, tan casera y dormida. A nosotros, que también sentimos curiosidad por saber de dónde vienen esos misteriosos destellos de creatividad, nos recibe Alejandro Rojas, el director de esas tres letras que no son siglas sino un nombre completo: LAB.

L

o último que uno espera en LAB es encontrarse con una sala vacía. En su página en internet, LAB se presenta como “un espacio dedicado a la cultura, al conocimiento y al encuentro de emprendedores a través del trabajo compartido”. Luego se sueltan un poco y empiezan a hablar de “monstruos avezados al brebaje mágico y la erudición” y cosas por el estilo. Digo que uno no se espera una sala vacía, porque su página web está llena de actividades. Sus paredes han acogido, con una media de diez alumnos, cursos de tipografía, branding, redacción, fotografía, ilustración vectorial, impresión en 3D, reciclado de muebles, presentaciones de videojuegos –como Carrera cofrade, el juego de Gazpacho Games en el que las torrijas son un ingrediente fundamental para conseguir altas puntuaciones–. El ruido pasado y futuro del ir y venir de alumnos y profesores, de artistas y creativos, contrasta con el vacío con que nos recibe la primera sala. Rojas nos explica que tienen pensado emplearla en poco tiempo como sala de exposiciones, que la actividad se concentra más adentro.

LAB tiene tres espacios bien diferenciados. El primero es la sala de usos múltiples, donde se imparten algunos cursos y se hacen presentaciones o ruedas de prensa. Tiene unas cuantas sillas metálicas amarillas con cojines, algunas mesas con plantitas, un proyector. Todo muy sencillito. Al fondo hay dos habitaciones llenas de cosas.

La primera, a la izquierda, parece el taller de un grupo de artistas: hay mesas y sillas, estanterías e incontables objetos que parecen restos de proyectos abandonados, pero también posibles partes de ideas futuras. Uno se adentra en LAB como en la cueva de un alquimista.

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La segunda estancia, que puede vislumbrarse desde la puerta de entrada, es el espacio de coworking o trabajo en grupo. Aquí hay más organización, aunque el esquema puede cambiar según las necesidades de quienes lo ocupen: cuando lo visitamos, hay unos seis o siete ordenadores, ocupados en las horas de mayor bullicio por profesionales de ámbitos diversos: “Ahí está Javi, que es maquetador; luego María; Santi, de La Rioja; Borja, que nos lleva la página web; Alberto, tipógrafo de Zamora, y yo”. Además de los ordenadores, hay curiosos personajes: una especie de hombre de las nieves que huye con un lápiz gigante en la mano; una Torre del Oro en miniatura, que nos sonríe con sus ojos de azul reventón; un muñeco de madera articulado que, por el ademán con que abre sus brazos sin vida, parece intentar probar el vino que reposa en el fondo de una copa de cristal que brilla a su lado; una mujer que muestra su mullida belleza en un lecho de flores.

Creo que se limitan a observar al jefe.

Alejandro se licenció en Bellas Artes en Sevilla. Después de una beca de pintura para estudiar en Southampton, estudió escultura y fotografía en España. En 2001, fundó el estudio 37grados, que hizo trabajos para Cinemanía o Rolling Stone. A pesar del aparente éxito profesional, lo que él quería era otra cosa: “Yo me quería dedicar a los cómic, pero era una locura: tienes que ser un figura y saber moverte muy bien por las editoriales. Me metí en car-

telismo y luego en diseño en un estudio, donde aprendí cosas del oficio. He trabajado muchos años en diseño y publicidad, pero es un mundo solitario, y yo no soy así. Además, quería sobrevivir haciendo algo que me llene.” Sobrevive, todo hay que decirlo, ayudado por su puesto de profesor en el Centro Andaluz de Estudios Empresariales (CEADE), una universidad privada en la Isla de la Cartuja. Da la sensación de que no para, y de que le gusta: “Entiendo que los problemas con el cliente forman parte de la profesión, pero prefiero algo más libre, con lo que poder aprender: aquí es mucho más divertido.”

Bastante divertidos son también los mensajes que LAB publica en las redes sociales: en Facebook acumulan, cuando escribo estas líneas, 4.714 amigos. Algunos ejemplos de sus particulares publicaciones son “Ere más güena gente que la Comic Sans” o “Ni Beti ni Sevilla, yo soy de Concha Velasco”; este estilo, definido por Rojas como “surrealismo en humor andaluz”, busca darle una nueva imagen al mundo del diseño y la cultura: “Hay que desmitificarlos: que te interese el diseño no tiene por qué significar que seas gafapasta o hipster. Hay que huir de esa imagen elitista y ayudar a permeabilizar entre lo tradicional y lo contemporáneo”.

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Aquí comienza su crítica de las institu-

ciones del sector y de la intocabilidad de ciertas costumbres en Sevilla, su ciudad, centro mariano, santuario sellado en ocasiones al vacío de nuevos aires: “Nosotros ocupamos ámbitos desatendidos por las instituciones. Hay servilismo, falta de energía para desarrollar iniciativas empresariales. Los modelos a seguir son ejemplos no modélicos: se mantienen las castas, las tribus, las familias, los apellidos… En LAB no hay dinero público: si el que tiene la pasta es el rancio, ¿qué va a promover?”

Alejandro no era el único que quería que las cosas se hicieran de otra forma. En 2010 ya pensó reutilizar el local, que usaba como estudio de pintura, para empezar un proyecto similar al que hoy es LAB, pero le pasó lo que a muchos: tuvo que parar las obras en medio de la crisis. Ese tiempo le sirvió a Rojas para ir hablando del proyecto en las redes sociales, creando de este modo una identidad digital y reuniendo a una comunidad de interesados en el tema. Sus ganas de hacer cosas nuevas se materializaron en Garabattage, un encuentro de ilustradores acogido por el Instituto de la Cultura y las Artes de Sevilla en su espacio del Monasterio de San Clemente.

El propio Alejandro Rojas, comisario del Garabattage, nos ofrece en el prólogo al catálogo de la edición de junio de 2013 una breve historia reciente del diseño gráfico en Sevilla: “En los años 80 la ilustración sevillana contaba con una plataforma excelente, la revista IMAGEN, editada por la Delegación de Juventud del Ayuntamiento de Sevilla, y dirigida por Manuel Ortiz y Rafael Agredano. Clausurada la publicación, la ilustración en Sevilla transcurre con vaivenes. El boom del diseño gráfico y la Expo’92 absorben y transmutan a muchos ilustradores en diseñadores gráficos”.

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Por otro lado, la desconexión entre ellos tampoco ayuda a la visibilidad de su trabajo en la cultura de la ciudad.” Vemos aquí dos obstáculos fundamentales en la debilidad de este movimiento en la capital andaluza: la excesiva dependencia de otros acontecimientos e iniciativas y la falta de redes personales y profesionales entre artistas que pongan en contacto los proyectos individuales que van surgiendo en la zona.

Un poco más adelante, en su texto, Rojas celebra que, a pesar de que el contacto cara a cara siempre es lo mejor, y “aunque actualmente ilustrar sigue siendo una actividad solitaria, es más fácil conocer a otros ilustradores” gracias a internet y las redes sociales. La situación ha cambiado y el rápido crecimiento del diseño sevillano en los últimos años, con iniciativas como la Feria del Diseño, La Noche sin Serifa o Sevilla Typo, ha frenado la fuga de cerebros a centros con mayor tradición en España, como Madrid o Barcelona. El broche final fue la primera Sevilla Design Walk, un nuevo encuentro que sirvió para unir los múltiples cabos sueltos que, poco a poco, estaban comenzando a unirse para formar una única red, mucho más rica y potente.

Inma Otero. Para comerte mejor

Manuel Suárez. Abodd

Y volvemos a LAB: un ejemplo de lo que decimos lo vemos en la sala-taller, a la que empiezan a entrar alumnos para asistir a una clase del taller de cómic, impartido por Abel Ippólito, un lorquino que estuvo dos años trabajando en Japón en revistas manga y es autor de dos novelas gráficas: Golondrino ama a Venancia y Nosotros las Bestias. Una vez sentados todos, con un portátil abierto frente a ellos, Ippólito empieza a señalar las viñetas de un cómic. Él está en el centro, pero creemos que esto se debe más a un orden azaroso que a la jerarquía de las clases tradicionales: pronto se alzan más manos que las suyas, que señalan aspectos olvidados por el profesor, que ahora escucha.

Daniel Rosell. Política contra la exclusión social.

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Javier Monsalvett. Selvática

José Luis Ágreda. El joven rico

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Domi Vakero. Painting

¿Qué traerá el futuro? “No hacemos programación cerrada, nos adaptamos a lo que venga”, defiende Rojas.

Habla de un campamento de verano de diseño, habla de una exposición con botijos intervenidos, habla de un proyecto de colaboración con eldiario.es que, semanas más tarde, anuncia orgulloso el perfil de LAB en Facebook. Y habla y habla, sacando ideas como saca un panadero los panes del horno: “Nuestro objetivo ahora es centrarnos en cultura visual, por ejemplo, el videojuego. Un videojuego es algo más contemporáneo que la mayoría de las obras de un museo de arte contemporáneo, es la obra total, por el guión, por la música, el diseño.... También queremos tratar el flamenco, las redes sociales, las nuevas tecnologías aplicadas a las artes…”

Andalucía ha sido demasiado tiempo una tierra de hambrientos. Y el hambre –hambre de trabajo, de placer, de vida– agudiza el ingenio.

El otro Samu. To el tintero entero

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Miguel Scheroff. Flesh face

-Miguel Scheroff, pintor procedente de Navas de Tolosa. A sus escasos 25 años, su trayectoria artística sorprende y despunta ya en el panorama artístico nacional. Cuéntanos algo más sobre quién es Miguel Scheroff: ¿cómo te defines? ¿De qué manera y cuándo empezaste a interesarte por el arte?

Diría que soy un tipo obsesionado con su trabajo, que necesita incondicionalmente del apoyo y afecto familiar.

Mi madrina pasaba horas en su taller pintando cuadros y esculturas. Yo admiraba cada paso del proceso pictórico, impregnándome de

ese cariño que ella proyectaba en sus obras, animándome más adelante a elegir una carrera artística. Su marcha inesperada me hizo plantearme concienzudamente el hecho de trabajar en una obra y proyecto personal, y la pintura ha sido la respuesta a esa necesidad.

-En algunos de tus trabajos vemos retratadas personalidades del ámbito artístico, como Marcel Duchamp, Francis Bacon, Egon Schiele o incluso el joven artista Juan Francisco Casas. ¿Los consideras parte de tus referentes artísticos?

Siendo o no así, ¿qué artistas han influido en tu desarrollo creativo?

MIGUEL

SCHERROFF Al otro lado de la carne.

Si, por supuesto. Creo que ellos han sido y son los referentes de muchísimos pintores actuales. Cuando en 2009 empecé los primeros retratos a gran escala, elegí a aquellos artistas del pasado como modelos, porque de este modo los conocía de forma más cercana y conectaba más con su obra. En 2010 hice el mismo trabajo, con los retratos de pintores actuales que estaban siendo motor de mis ideas; Santiago Ydáñez y Juan Francisco Casas fueron entre otros los artistas que elegí por la presencia que sus obras tenían en mi desarrollo como pintor, son artistas fuera de serie que conta-

gian de entusiasmo creativo a cualquiera.

La lista de artistas plásticos que he tenido como referentes podría ser ilimitada porque cada día se suman nuevos, pero me gustaría reseñar con atención a Enrique Marty; ya no sólo por lo que ha supuesto su obra para mí, sino para lo mucho que supone como representación del arte contemporáneo en España.

-El retrato como género pictórico ha estado presente en la historia del arte desde la prehistoria, siendo fuente de inspiración para artistas de toda índole.

A modo de pregunta intimista, ¿cuál es

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tu percepción del retrato? La gran mayoría de tu obra gira en torno a este género: ¿qué te impulsó a dedicarte casi por completo a ello?

Particularmente, en el retrato es donde encuentro todas las posibilidades pictóricas que busco, por eso no concibo otro tipo de trabajo que se aleje de él. Ya sea añadiendo matices inventados, hibridándolo con otras realidades, trabajándolo de manera hiperrealista o deformándolo hasta convertirlo en una abstracción, incluso en ocasiones me gusta hacerlo desaparecer a través de manchas y barridos; toda mi obra gira en torno a esos infinitos caminos que nos abre el retrato pictórico cuando lo abarcamos sin miedo ni complejos.

-El gran formato y los retratos de tamaño desmesurado caracterizan tu obra, contribuyendo a descontextualizarla de la realidad aparente. El carácter hiperrealista se apodera de tu pintura, plagada de particularidades –lo que se ha denominado como retrato hiperinformado, es decir, con exceso de detalles–. ¿Qué te conduce a esa sobreinformación? ¿Cuál es el objetivo de ofrecer al espectador esa exactitud y minuciosidad, resaltada en el detalle?

La palabra hiperinformación es utilizada y aceptada con mucha frecuencia para referirse a la enorme cantidad de datos que ha permitido acumular el mundo tecnológico, llegando a un punto en el que recibimos más información de la necesaria, incluso más de la que solicitamos. El mundo genera información continuamente, y esta es documentada, digitalizada y distribuida por la tecnología; este hecho hace que puedan llegarnos conocimientos de todos los lugares del planeta, los cuales después pasan a ser contrastados por nuevos medios que -con la filtración de opiniones personales, la ma-

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nipulación mediática/política o la forma en que se cuenta lo acontecido- pueden interferir en la manera en la que los entendamos, transformándose el contenido original en otro diferente. Es decir, a través de la interpretación de una información concreta, podemos generar nuevos datos, acumulándose de esta forma diversos planteamientos sobre un mismo conocimiento. Este hecho está relacionado con lo que llaman “hiperrealidad”: la aglomeración de múltiples informaciones procedentes de los diferentes medios hace imposible un conocimiento preciso y absoluto, por lo que al no ver un conocimiento único, no queda otro camino que el de aceptar lo que consideramos más acertado de entre la variedad de criterios, contrastarlos y sacar nuestra propia conclusión, sin que nos sea relevante el hecho de que no al-

Miguel Scheroff. Egon Schiele (Pag izq) Miguel Scheroff. Francis Bacon (pag dcha)

berguemos la verdad absoluta de las cosas.

De esta idea nace el retrato hiperinformado, que se caracteriza por contener múltiples datos referenciales a la realidad que inter-

pretamos de las diferentes informaciones que nos llegan –ya sean verosímiles o fantásticas-, dando como resultado un rostro cuya superficie está cargada de revelaciones sobre su composición matérica, contexto, psicología, etcétera. Una cara hiperreal -que no hiperrealista- ya que alberga múltiples realidades posibles en un mismo rostro.

Estos retratos aparecen cubiertos de una gran cantidad de datos visuales a modo de texturas, tramas, efectos y entramados pictóricos que remiten a la piel, la mirada, el cabello y otras realidades del cuerpo. Estas amalgamas de detalles se añaden –a través de la pintura o el dibujo- de modo exógeno, se multiplican, son encontrados, rescatados y recontextualizados de manera exagerada y minuciosa, cubriendo la superficie del retrato e hibridándose incluso con otras for

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Imagenes cedidas por el artista

mas orgánicas o ideas conceptuales, para obtener así un rostro con más información –real o ilusoria- que la propia realidad utilizada como modelo para la obra; una fisonomía pictórica que muestra algo más que la mera representación de un individuo.

Esta exageración de la realidad no sólo se pone de manifiesto a través de la multiplicación de detalles hiperreales sobre el área del rostro, también se sirve de los grandes formatos, proponiendo un gran rostro en primer plano que abarca toda la dimensión del soporte, jugando a sobredimensionar las proporciones de lo real para mostrarse de manera insólita, extraña, sorprendente… Esta ampliación plástica de la cabeza se consigue con el uso de grandes formatos, los cuales permiten agrandar el tamaño del retrato hasta descontextualizarlo, y albergar infinidad de datos detallados extraídos de modelos visuales –fotografías, imágenes manipuladas digitalmente, pinturas, bocetos- o fuentes de información –textos, biografías, descripciones-; o bien,de otro modo, estos fragmentos que se van añadiendo pictóricamente sobre el rostro pueden ser elaborados de manera espontánea e intuitiva en el transcurso de creación sin necesidad de un modelo, producidos por la imaginación y creatividad del artífice en su exigencia por

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acercarse de manera más directa y personal al conocimiento del rostro, llegando al punto de que “intuye o presupone” datos imperceptibles al ojo humano en el mundo real. El rostro es utilizado entonces como una especie de “tablón de anuncios”.

-Un pajarito nos contó que realizas bocetos fotográficos para tus obras haciendo que tus modelos posen con carne cruda sobre su piel. Como poco, llama la atención acerca de tu proceso creativo.

Háblanos un poco más acerca de él. ¿De qué elementos partes para construir tu imaginario y esa cantidad de detalles que conforman la sobreinformación de la que hablábamos anteriormente?

Exacto (risas), me gusta que la imagen pictórica resulte de lo más confusa para el espectador, que mantenga ese juego entre irrealidad y realidad a la vez. Para ello utilizo modelos que se prestan a ser fotografiados cubiertos de trozos de carne que rescato de las carnicerías; de este modo compruebo qué forma adquiere la carne al ser depositada sobre la estructura facial; en otras ocasiones utilizo el Photoshop o el collage según me pida la pieza, la alternancia de herramientas en el proceso creativo siempre enriquece el resultado.

Además de todo esto, para elaborar mis obras utilizo imágenes donde pueden observarse las diferentes texturas y formas de la piel y la carne, que normalmente encuentro en libros sobre enfermedades cutáneas o directamente en la red.

-Las nuevas tecnologías han irrumpido en la vida del pintor. En tu obra vemos una clara vinculación con la fotografía, de la que partes para construir tu propio lenguaje, mezclando el desenfoque con el macro o primer plano. ¿Hasta qué punto influye la fotografía en tu trabajo? ¿Qué opinión te merece que la pintura saque provecho de los beneficios o facilidades que ofrece la tecnología?

-La serie Flesh Vanitas quizás sea la que más repercusión ha tenido en tu trayectoria por ahora, lo que refuerza el discurso o la protesta que quieres reflejar en ellas. Hablas sobre la deshumanización y la falta de sensibilidad del espectador. ¿Podrías hablarnos sobre tu postura y el discurso que has construido acerca de ello? ¿Cómo reaccionaste ante la repercusión que este ha tenido? ¿Era lo que realmente esperabas?

El tiempo en el que empecé a concebir la serie Flesh Vanitas era algo tormentoso. Mi vida ha estado llena de momentos felices apoyados por una unión y cariño familiar continuo; pero en estos años acababa de perder a varias personas realmente importantes en mi vida, lo que supuso un cambio drástico en la manera de entender las cosas.

La idea de la muerte o lo rápido que pasa todo rondaba continuamente mis pensamientos. A todo esto se le sumaban factores como la convivencia en un ambiente donde tradiciones como la caza, las matanzas de cochinos, o la semana santa -situaciones donde lo grotesco y sanguinolento están muy presentes- se repetían periódicamente.

En mis pinturas, tanto los diferentes efectos fotográficos como las nuevas tecnologías aplicadas a la plástica son imprescindibles.

No tengo prácticamente ningún conocimiento sobre fotografía, pero siempre he mirado libros y páginas de fotógrafos contemporáneos, y he intentado aprender a imitar efectos como el macro o el desenfoque en mi pintura, para transmitir así cierto toque engañoso de veracidad.

Considero que ayudarse de herramientas que hacen el trabajo más fácil es inteligente y práctico, pero cada uno debe encontrar el método de trabajo con el que se sienta más cómodo.

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Flesh Vanitas resume toda esa convulsión de situaciones y experiencias en un mismo rostro, aquellas preocupaciones colectivas que alguna vez en la vida invaden nuestra mente. Esta serie de pinturas llega de manera natural como una evolución del trabajo anterior: a los primeros rostros donde detallaba cada poro de la piel, se le sumaba la idea de “añadir más información” evidenciando además el material interior del que estamos compuestos. Estos retratos pretenden reflejar lo que realmente somos: capilares, carne, piel y hueso; carentes de signos de género masculino o femenino ya que se trata de un retrato universal donde todos podemos vernos reflejados y encender la conciencia ante la crueldad a la que nos hemos habituado a consumir.

Cuando nos ponemos a trabajar en una idea que tiene sentido en nuestra cabeza, invertimos todo el esfuerzo en ello. Después el resultado puede ser un error o un acierto, pero siempre sacaremos cosas buenas de esa experiencia.

Yo confié desde el principio en la idea de Flesh Vanitas, pero contaba con que la agresividad

de la imagen generaría mucho rechazo; el haber tenido tanto apoyo me ha dado mucha energía para seguir trabajando en la serie.

Quiero que mi pintura compita con el cansancio colectivo hacia el exceso visual de nuestra época, intento superarlo haciendo que la obra actúe como un puñetazo visual en el espectador.

-Nos llama la atención el contraste que presentas entre el salvajismo de las vísceras, la carne, las venas y tendones, frente a la mirada dulce y sosegada del retratado. Una visión llena y a la vez vacía de vida. ¿Nos lo explicarías más detalladamente?

Creo que todas las obras que nos han marcado son tragedias con una luz hacia la esperanza. Por nombrar varios ejemplos, Théodore Gericault en su obra La balsa de la Medusa, una historia horrible donde los supervivientes de un naufragio tienen que devorar a sus seres queridos fallecidos para sobrevivir, al fondo de la obra se percibe un cielo abierto que deja pasar la luz del sol entre la tormenta, funcionando como un mensaje de

esperanza. O en la obra La libertad guiando al pueblo de Delacroix, donde la representación de la libertad avanza a pesar de los cadáveres que se amontonan en el suelo. Otro claro ejemplo más cercano es el Guernica de Picasso, donde entre la montaña de horrores encontramos en el centro un ojo con una bombilla en forma de iris, simbolizando esa luz que aunque pequeña sigue encendida.

En mis pinturas quiero trasladar ese mensaje, a pesar del salvajismo orgánico que destruye el rostro con la presencia cruda de la muerte; en el centro encontramos la mirada plácida y dulce del retratado que actúa como una luz, recordándonos la importancia de estar vivos.

Miguel Scheroff. Flesh Vanitas, Vanitas II, Flesh autoportrait

-Para finalizar, y como pregunta de rigor, coméntanos cuáles son tus próximos proyectos y exposiciones.

Desde el pasado mes de diciembre la vida me ha ofrecido el enorme regalo de formar parte del gabinete de artistas representados por Kir Royal Gallery, una importante galería de arte afincada en pleno centro de Valencia que tiene presencia en numerosas ferias internacionales importantes. Esto me ha permitido exponer junto a artistas que han sido referentes durante mi etapa de estudiante, como Jose Luis Serzo o Filippos Tsitsopoulos, o tener presencia en lugares que para mí antes eran inconcebibles, como Just Mad o Art Beijing en Pekín. Ahora toca seguir trabajando duro, no bajar la guardia y disfrutar de estos grandes momentos.

Para acabar me gustaría aprovechar esta oportunidad que me brindáis para decir que nunca olvidaré a todos aquellos que han visto en mi pintura un mensaje importante, ayudándome a que ésta tenga presencia en diversas exposiciones, como son los amigos Belén Mazuecos, Regina Castillo y Adonay Bermúdez, con los que he realizado grandes proyectos.

Por supuesto a la ayuda incondicional de mi padre y el apoyo de toda mi familia. g

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GALE

ERÍA

#03

Manuel Mirage Iluminaci贸n www.manuelmirage.tumblr.com

JosĂŠ Manuel Oller Yo, soy otro. (Libro de artista) www.josemanueloller.com

Cristina Alonso Sea Secrets www.cristinalonso.com

Javier Chambi “Sin titulo� www.javierchambi.com

Natalia MartĂ­nS Importar www.nataliamartins.jimdo.com

Isa Gramon Cocro, Mama www.isagarmonpaintings.tumblr.com

Estefanía García Monstruos www.nadaquerascar.webnode.es

Carles Llonch Caputxeta vermella www.flickr.com/photos/carlesllonch

ACAN Huelga en la selva, La cucaracha

LaPatry Cruz Constelaciones 1, 2 https://www.facebook.com/lapatrycruz?fref=photo

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