Para cerrar la programación del 2016, Beatriz Gil galería ha invitado al artista Enay Ferrer, oriundo de Caracas, quien ha apostado a los santos y a los héroes patrios para conformar una fantástica muestra con el nombre de Con los santos no se juega, exposición organizada por la curadora María Elena Ramos, quien ha trabajado con el artista en varias proyectos. En esta oportunidad la curadora Ramos ha clasificado las obras en tres grandes grupos: Autorretratos, Santos y Héroes, presentándose en medianos y grandes formatos, donde podemos contemplar la contundencia de la obra del artista, esa fuerza que le transmite a estos personajes incluyéndose él mismo, la fuerza con su pincelada y con su paleta de colores muy característico en su trabajo, el rojo, negro y blanco. La propuesta presentada por Enay articula un universo onírico engendrado en matices que ratifican temáticas y técnicas, las cuales son renovadas en función de los diversos grupos de obras que conforman la exposición. El sustento de comunicación no se ubica en lo lúdico como aspecto autónomo del trabajo, sino en lo lúdico como vía de expresión, de búsqueda abierta, lo que supone la posibilidad de trascender el mensaje inmediato para, en una segunda instancia, profundizar en la estructura simbólica de cada una de las obras que integran la muestra. Es por ello que la aproximación se sirve de una contextualización que como sociedad nos toca muy de cerca y que es base para la trascendencia de la propuesta a lo largo del tiempo, en razón de constituirse en un referente permanente de un entorno que nos impacta de muy diversas formas y maneras. El juego matiza el impacto, lo burlesco ajusta la realidad a posibilidades de aprehensión que definitivamente van más allá de la obra misma. Todo ello en su conjunto integra un entramado de referentes que son el fundamento para una posibilidad de interpretación que, y eso es lo determinante, no se presiente limitado por los momentos particulares de los cuales emerge, gracias al uso de simbologías que a lo largo de los tiempos nos definen como sociedad, no solo nacional sino latinoamericana y mundial, gracias al hallazgo-utilización del héroe, por ejemplo, como viabilizador y definidor de conductas tradicionalmente constructoras de nacionalidades constreñidas a las épicas, digamos clásicas. Es ese alfabeto visual el que otorga la potencialidad de trascendencia, en tanto una densidad conceptual muy claramente definida acompaña y basa cada uno de los grupos presentados, así su pertenencia referencial despega y declama frente a ese universo onírico que se construye más allá del tiempo. Los invito a disfrutar la Exposición Beatriz Gil

CON LOS SANTOS NO SE JUEGA ENAY FERRER

Santo habitante, 2016

Sagrado corazĂłn de JesĂşs 2009-2016

Rojo, 2016 De la serie Con los Santos no se juega

La santa fe, 2010-2016

Habitante del cielo, 1998-2014-2016

Habitante del cielo, 2011

En rojo: pintura, violencia y sentido

1 Enay Ferrer. Conversación con la autora en el taller del artista. Caracas, 12 de Septiembre de 2016.

2

Enay Ferrer. Intercambio con la autora en correo electrónico. Caracas, 18 de Octubre de 2016.

3

Julián Marías. Almas feas. Diario ABC, Madrid, 8 de febrero de 1996.

«La violencia de lo real amerita un estado de conciencia». Enay Ferrer 1

A su reiterada crítica a la violencia, que se ha canalizado en la problemática urbana con sus diferencias sociales, en los últimos años Enay Ferrer ha sumado una conciencia sobre la violencia ejercida, directa o indirectamente, desde el poder político contra la buena fe del pueblo, violencia en la forzada refundación de la historia y el intento de falseamiento de la memoria colectiva, violencia en rituales de santería para invocar la permanencia en el poder, violencia en la suplantación expresa o soterrada de los santos y de los héroes. Ferrer quiere tratar de entender el mundo que lo rodea, y sus instrumentos son la pintura, el dibujo. Se vincula así a distintos compromisos: a aquel estado de conciencia que él suscribe en tanto hombre de pensamiento, y al saberse artista y sentirse un ser privilegiado que puede enfrentar los horrores de su tiempo a través de figuras de sustitución –parábola, hipérbole, metáfora o metonimia–. Quiere referirse a los males del mundo a través de la estética y crea seres alados como arcángeles que habitan entre la justa ira y las imágenes de la belleza: a la vez la levedad angélica y la oscura presencia de la sombra. «No más feos» señala un letrero en una de sus obras, en referencia «a la situación actual del país y a la gente que lo conduce» y en una «petición que nos libere de ellos».2 Señala así, desde los predios de la creación artística, el grave peligro que la fealdad moral de los líderes puede implicar para un país. Dice el filósofo Julián Marías: «Las personas de almas feas sienten predilección por algunas cosas y suelen agruparse de acuerdo a ello. De ahí la mayor o menor ‘densidad’ de fealdad anímica (…) El indicio más claro y seguro es la relación con la verdad. La indiferencia ante ella es una evidente disposición a la fealdad del alma (…) Y la actitud ‘contra la verdad’ es el rasgo capital de esa fealdad».3 A pesar de su larga estancia en el interior de Venezuela, Ferrer es un joven de las generaciones urbanas en quien el impacto de una ciudad como Caracas ha dejado huella. Lo marca también el haber crecido en una familia con valores religiosos, en un hogar en el que los símbolos de tal religiosidad han sido parte visible de la vida cotidiana. Hombre de este tiempo políticamente complejo, tiene un claro sentido de su contemporaneidad, pero a la vez una sensibilidad abierta tanto a etapas anteriores de la historia como a valores permanentes de la humanidad. Ferrer es un creador penetrante, además, para observarse en la convivencia consigo mismo, acaso el reto más difícil y del que la fuerza de sus autorretratos da fe. Sus imágenes se han ido moviendo –sin nunca cerrar del todo cada etapa– entre los llamados de la tierra y los de lo alto: entre sus Animales de asfalto y sus Habitantes del cielo. Ahora su voz se alza –a la defensiva y a la ofensiva a la vez– para clamar y reclamar Con los Santos no se juega, uno de los llamados

que está sintiendo que la época le exige. Así, como hacía de niño cuando se encerraba en su cuarto y dibujaba el entorno de su casa, y lo que no le gustaba lo transformaba sobre el papel, en los últimos años se concentró en sacar de sí una obra que es alegato ético y defensa de las creencias individuales, a la vez que una creación poética y plástica de notable fuerza, en la que va transfigurando a su manera nuestro drama colectivo. Dice el artista: «Algo que me preocupa mucho en mi trabajo es la conexión con el alma. Es probable que tenga mucho tiempo pensando y racionalizando la pintura, pero yo siempre me obligo a no desprenderme de su aspecto emotivo».4 Y dice Víctor Krebs: «El alma se forja en la lucha y en la tensión esencial entre la inteligencia y la interioridad».5 Un creador como Enay Ferrer está abierto a esa interioridad que atañe tanto a la propia corporeidad como a los llamados del alma, tanto a los medios sensibles como a las ideas trascendentes, tanto a los placeres estéticos como a la conciencia ética. Integra contenidos de la memoria, donde se reúnen lo muy antiguo y lo muy actual en el instante de creación de la imagen. Quiere hacer un «arte activo, como conocimiento» y no un «arte pasivo, de artefactos para vender».6 Sus obras, llenas de sí mismo pero también de alusiones al sufrimiento social, conectan de modo profundo y sutil el pensamiento del intelecto con los saberes del sentimiento y la emoción. En esta curaduría hemos reunido tres grupos temáticos esenciales en su producción: los santos, los héroes, los autorretratos.

4 Enay Ferrer. Entrevistado por Lorena González. En Arteplus Entrevistas. Revista Habitat Plus. 5 de Septiembre de 2015.

5

Víctor Krebs. Del alma y el arte. Museo de Bellas artes de Caracas. Serie Editorial Reflexiones en el Museo. Caracas, 1997. Pág. 21.

6

Enay Ferrer. Conversación con la autora en el taller del artista. Caracas, 12 de Septiembre de 2016.

Rojo, 2016

Rojo, 2016 De la serie Con los santos no se juega

Animales de asfalto (querido pueblo mĂ­o, con los santos no se juega), 2012-2016

Los santos En el imaginario de Ferrer los santos son emisarios de la tradición familiar. Pero también, como hitos físicos que ocuparon los espacios donde creció, son portadores del sentido del lugar, figuras de compañía, tanto o más con un contenido humano que sagrado, tanto o más como objetos del apego cotidiano que como representación de los dioses. La obra Mi querido Doctor Santo recibe en esta muestra al visitante. En amplia síntesis de la benevolencia, del hacer bien sin mirar a quien, José Gregorio Hernández aparece sin rostro y en silueta negra sobre el blanco. Pero también la santidad puede estar ligada a la violencia, como sucede en La santa sangre, de 2011, en que cohabitan San Miguel Arcángel y San Benito de Palermo sobre un cuchillo. Acaso sea esta pieza un recordatorio de que el malandro poderoso también se encomienda a los santos, como pidiendo protección para sí mismo cuando empuñe el arma blanca, o como rogando salvarse de la cárcel después del delito. San Miguel Arcángel se reitera: como ser alado pintado en negro con zapatos rojos y negra espada; o con fondo de mancha azul que nos recuerda que la historia sagrada lo llamó también «arcángel del rayo azul»; o como figura blanca, con orejas de personaje de comic, corazoncito rojo en el pecho y un rostro desde el que está gritando el propio autorretrato del artista, en una obra que revela algo frecuente en Ferrer: su capacidad para construir la densidad dramática aun utilizando signos jocosos de las tiras cómicas y recursos banales de la sociedad de consumo. Sus santos están contaminados de humanidad: un Sagrado Corazón de Jesús (2009/2016) en grafito sobre papel palpita sobre un soporte ultrajado de huellas y marcas. Se reúnen aquí una extraña aureola de rayos dibujados, rostro y manos de Cristo sufriente y un aura mundana de intelectual barbudo de alguna vanguardia artística o literaria. Un corazón anatómico recibe el nombre de Sagrado corazón, a secas, pero es inevitable sentir implícita allí la atribución a cierto carácter bendito de la anatomía humana como creación divina. En la obra de Ferrer no hay una crítica acerba o irónica a lo religioso, como sucede con cierta frecuencia en el arte. Hay más bien un doble enfoque: por una parte una visión afectiva de la religiosidad como herencia de familia y memoria de un pueblo y, por otra, una crítica al mal uso de lo religioso desde lo político, precisamente por generar un vaciamiento del afecto esencial, de la creencia sincera en los vínculos entre el hombre y lo sagrado. Enay se moviliza también por acciones que le resultan detonantes, esas que lo sacuden en un instante y le urgen a detenerse, en un rápido golpe de rechazo por algo que le remueve emocional e intelectualmente, exigiéndole separación y diferenciación, como en una necesidad de decir: yo no soy eso, yo no puedo aceptar eso, yo no quiero convertirme en eso, un sentimiento frecuente en estos años, por cierto, entre los venezolanos una y otra vez sorprendidos ante la realidad. Sucedió así cuando en la Navidad de 2011 el artista vio reunidos, en un pesebre de Parque

Mi querido Doctor Santo, 2016

La Santa Sangre, 2011

Central, íconos religiosos con figuras de propaganda política. «Las tradicionales imágenes cristianas fueron sustituidas por personajes políticos oficialistas, como el mismísimo galáctico en papel protagónico», dice al referirse a esa experiencia que resultó movilizadora para su trabajo de los últimos años. Necesitó entonces cuestionar con su pintura aquella narrativa mesiánica y, sobre todo, el intento de suplantación de una religiosidad genuina por un dudoso sincretismo entre el poder y lo sagrado, entre lo militar y lo familiar, entre un acervo cultural de país y la inserción de una memoria espuria como estrategia de un Estado todopoderoso –y aquí, incluso, divinizado– que, en su pretensión de crecerse ante una comunidad doblemente creyente -en santos y en héroes- busca aprovechar lo ya ganado por estos en el sentir emocional del pueblo.

Sagrado corazón, 2016

San Miguel Arcángel, 2016

San Miguel Arcángel con botas rojas, 2016

Sagrado corazรณn, 2016

San Miguel Arcรกngel , 2016

Los héroes El color rojo va apareciendo entonces en los pedestales de los héroes, en chaquetas militares o en manchas y fondos fogosos. Con la hibridez de sus figuras, el artista parece proponer próceres elevados a categoría de veneración, como si fueran santos, o figuras de la nueva política buscando trascender su limitado poder temporal. En varias de las obras tituladas Rojo (de la serie Con los santos no se juega) los protagonistas, más que al imaginario de figuras religiosas como sugiere el título, corresponden al universo de héroes, caudillos o militares en acción en medio de espadas rojas o transparentes, charreteras, gestos de la pintura que asemejan extraños sombreros gigantes y translúcidos. Es un rojo que de algún modo representa la hybris –la desmesura– de este tiempo que vivimos, pero que también puede recobrar antiguos simbolismos: rojo-pasión, rojo-fuerza, rojo-lucha y valentía, y hasta puede señalar un «alto» –un distanciamiento por el humor– cuando aparece como mancha de color en los zapatos Nike de algún santo. Ferrer ha intervenido recientemente, con óleo y pintura industrial, una serie de fotografías de estatuas de Bolívar y Miranda que captó con su cámara en distintas plazas de Caracas. Son intervenciones que podrían evocar el concepto de lectura ahora, de Walter Benjamin. Lectura que actualiza Ferrer tanto de los héroes del siglo XIX como de una estatuaria solemne, épica y consagratoria, erigida después de sus hazañas. Pero se trata también de un acto específicamente artístico: la lectura –a partir de la fotografía de hoy– de una escultura antigua. Y se trata luego también de la lectura de una fotografía de hoy a través de la intervención pictórica. Es, en fin, el arte sobre el arte; la interpretación sobre la interpretación. Pero es, sobre todo, una lectura ahora -desde estos años de falsos héroes– de un tiempo otro de celebración legítima a quienes liberaron el país en la lucha por la independencia. En su Retrato ecuestre (a partir del Bolívar de Michelena) de 2016, Ferrer hace cabalgar un prócer anónimo sobre un perro inmenso, como otra irónica reinterpretación de la historia. Aquí el perro y el fondo irradian la emocionalidad del color, mientras el sombrío personaje que cabalga se ve minimizado en talla, tono y figura, acaso en alegoría de la oscura irrelevancia de ciertos seres, falsamente investidos como mitos cuando se quiere refundar a toda costa la historia.

Rojo, 2016

Retrato ecuestre, 2016

Rojo, 2016

Rojo, 2016 De la serie Con los Santos no se juega 4 piezas

Rojo, 2016 De la serie Con los Santos no se juega 2 piezas

Rojo, 2016 De la serie Con los santos no se juega 5 fotografĂ­as intervenidas

Los autorretratos La necesidad de autorretratarse da a la creación de Enay Ferrer uno de sus núcleos de mayor intensidad. Verse, y verse viviendo en el mundo que lo rodea, y verse en diferentes simbiosis y mimetismos –con el animal o el personaje de historietas, con el bendecido, el ejecutivo o el guerrero– son modos en que, con el lenguaje del arte, fortalece su identidad a la vez que se mantiene siempre abierto a la vulnerabilidad. El autorretrato fotográfico da la base para transferir ojos y boca a una intervención pictórica posterior, que puede traducirse en fiero semblante o en faz más serena -de mirada un tanto perdida y melancólica- en un personaje híbrido de cuello y corbata, ser con charreteras y orejas de caricatura que transmite humor y a la vez tristeza en una semblanza fuerte sobre la condición humana. O, ya sin foto de base, un autorretrato pictórico puede ser expresión de la furia descarnada en mirada y grito (como su Habitante del cielo de 2011) o, como en su dibujo de 2009, inquietante figura de manos como garras y dramáticos bordes negros en ojos que penetran el tácito espejo –instrumento en que se mira el artista cuando no ha estado antes de por medio su cámara– para redirigir luego al espectador, en dinámica propia del autorretrato, esa misma mirada inquisidora. Dice: «Lo que suelo hacer es verme un rato en el espejo, me voy con un registro en la memoria, no solo físico, también emocional, a otro espacio donde tengo el soporte, y dibujo. Es esencial para mí esa relación con lo emotivo, eso no quiere decir que siempre lo disfrute, pero es un hecho que vivo intensamente».7 Hay autorretratos más indirectos, como en La santa calle, de 2016, donde se da una torsión conceptual y distanciada cuando lo único que identifica al personaje con el autor es el casco blanco de motorizado que Enay utiliza en sus recorridos por Caracas. No hay aquí «parecidos» –eso que la gente suele pedir a un retrato o un autorretrato– sino el giro gnoseológico indirecto, tomado de ese referente externo que es su casco protector, ya asumido aquí como signo de sí mismo. La palabra «Santo» aparece escrita sobre la imagen, y se alude además a la santidad desde el título, atribuyéndola a esa parte esencial (tan profana por cierto) de la vida urbana que es la calle. Se reúnen así en esta obra sus distintos imaginarios: el autorretrato –aquí como motorizado–, los próceres (el personaje lleva chaqueta militar) y los santos, esos con los que no habría que jugar.

7 Enay Ferrer. Intercambio con la autora en la red. Caracas, 21 de Octubre de 2016.

Habitante del cielo, 2009

Santo, 2016

La santa calle, 2016

Habitante del cielo, 2005-2016

Rojo, 2005-2016 (De la serie Con los santos no se juega)

Los vínculos La línea que separa los tres temas –el apego religioso, la crítica política, la mirada hacia sí mismo- se hace a veces muy delgada, tanto que podríamos preguntarnos: ¿dónde termina una serie iconográfica y empieza otra? Y es que no se trata de compartimentos estancos sino de pasiones insistentes del artista que se comunican entre sí como en una corriente de sentido que recorre toda la muestra. San Miguel Arcángel, espada en mano, lucha contra los demonios y protege a los inocentes de los obstáculos y los miedos. Es santo y es guerrero.8 En la obra Retrato en traje de campaña (2016), que aparece en portada de este catálogo, sucesivas capas de pintura reúnen la figura religiosa con el ser de un combatiente que emerge, como anunciado contra algún infierno. Con escafandra anti-gases (¿o máscara mortuoria?) también encubre el autorretrato, que asoma entre el sincretismo cultural, la ambigüedad artística y un vaivén expresionista sobre el rostro propio: «es más lo que oculto que lo que digo». El personaje único, al centro de la obra, se hace denso en la concentración de las temáticas, pero también es pictóricamente denso, por los distintos «pases» del artista sobre la tela. A Ferrer le interesa trabajar los pases de pintura-sobre-pintura, lo que con frecuencia es también un ir pasando época-sobre-época. Si bien la mayoría de las piezas en esta muestra han sido realizadas en el presente año 2016 y entran así a la categoría de «obra reciente», algunas confiesan en su ficha técnica el proceso de una historia más larga, al revelar una fecha inicial y su continuidad y cierre (al menos por ahora) en el año actual. Son imágenes guardadas y retrabajadas que concentran no solo capas de pintura sino sobre todo vetas de sentido, estratos temporales, énfasis distintos según los momentos vividos –los suyos y los del país– llegando a convertirse en pinturas de compañía para el artista. En ocasiones, por estar tan cargadas de sí mismo, el espectador las percibe como piezas arquetípicas. Esa acción de retomar una obra anterior, que muchos artistas comparten, adquiere en Ferrer un relieve particular pues va más allá del afán perfeccionista por «mejorar» o «completar» un trabajo en actitud autocrítica. En este caso el proceso incorpora giros temáticos, decantamientos de su visión política y hasta juegos consigo mismo, como sucede en el dibujo iniciado en 2000 que retoma ahora con el nuevo título Ven, volvamos a jugar. Este «volvamos» no solo retorna a la obra original para actualizarla en tiempo presente; y no solamente incorpora el tema del juego –del mantenerse jugando, del volver a jugar– como un componente tanto de la vida como de la acción artística misma. Ese volver también apunta a un asunto clave, de modo general, en el ideario de Ferrer: el tema de la construcción de la memoria. Y así en sus espacios, tan concentrados en referencias intelectuales, comunicacionales, éticas y sociales, la memoria se va construyendo también en las huellas emocionales que el

8 La historia cuenta la vida de santos que fueron soldados. Entre ellos San Ignacio de Loyola, cuya imagen aparece con armadura militar, fue inicialmente un hombre de armas, luego fundador de la Compañía de Jesús de los jesuitas, y llamado «patrono de los ejércitos espirituales». San Luis IX fue guerrero de las Cruzadas. San Jorge (más conocido como el que mató al dragón) fue soldado romano del Emperador Diocleciano, y uno de los santos militares más reconocidos. Santa Juana de Arco lideró el ejército francés en varias batallas durante la guerra de los cien años.

Ven, volvamos a jugar, 2000-2016

Rojo, 2016 De la serie Con los santos no se juega

artista va dejando como para sí mismo: marcas o números sobre la superficie que le dicen algo solo a él, pero que agregan a las imágenes una espesura distinta: a la vez más ligera y más profunda. Una obra como La santa fe, fechada 2010/2016, resulta particularmente interesante en el contexto de esta muestra pues ella se trae algo de las épocas anteriores, que el artista necesita hacer, al menos para sí mismo, inolvidables. Pero además -y esto incluso sin él buscarlo-, esta imagen se confronta con su más reciente etapa creativa. La santa fe actúa así como recordatorio de los modos segmentados en que Ferrer ha constituido el espacio en su producción de años anteriores. En 2011 escribí, sobre algunos modos de estructurar la composición en Ferrer: «El fragmento está aquí no ya como handicap sino como posibilidad. Pero para eso hace falta una actitud mental: comprender el mundo fragmentario en que se vive, no ahogarse en ello tildándolo de caos sino integrándolo a la propia vida, que es en definitiva el primer collage de fragmentos de que disponemos» 9 …la propia vida, es decir, integrándolo a una manera muy personal de totalidad. Había un lenguaje más fraccionado en Ferrer cuando el tema urbano era un asunto esencial: la ciudad es fragmentaria por definición, en ella el ser lidia y se aviene a la multiplicidad en simultaneidad; aprende a extraer de tal costumbre perceptiva su desasosiego, pero también sus goces y encantamientos. Para entonces necesitó ir hacia el collage que agrega, o el decollage que hace rajaduras en el soporte; recurrió al montaje, las técnicas mixtas, los ensamblajes y los recursos instalativos para contar relatos de desarraigos pero también necesidades de reconstitución, revelando encuentros –sin contradicción– entre la fuerza del drama y la fragilidad de la condición humana; entre la mancha de la pintura industrial y los papeles de sus dibujos, vulnerados, pisados.10 Produjo convivencias entre el fervor y la agresión, entre juego de niños y relaciones de poder, entre figuras míticas de la sociedad de consumo como Amy Winehouse y guiños del pop en la vida urbana. Cristo, el cuchillo, los soldaditos, el José Gregorio Hernández, el Mickey Mouse o el Tribilín de Disney coexisten en La Santa Fe con un signo cotidiano de prohibición y detente, el de No estacionar, que parece sugerir con ironía que ninguno de los ámbitos de existencia aquí convocados son para ser aparcados, para quedarse, porque todo es en realidad transitorio. Ya en un sentido espacio–temporal, se trata de la construcción de obras que se van armando poco a poco, en tiempo lento a lo largo de los meses o los años, alargado el proceso de creación. Obras que necesariamente –estructuralmente– se van construyendo pedazo a pedazo. Sobre esos modos fragmentarios, y sobre esas contaminaciones entre las formas, dice Enay Ferrer: «Me interesa lo contaminado como visión de lo plural, como condición natural del individuo, como respuesta integrada a su condicionamiento social. Un ser contaminado por la historia de su especie».11 Una obra como Animales de asfalto (querido pueblo mío, con los santos no se juega) creada entre 2012 y 2016, actúa como una transición entre las compo-

9 María Elena Ramos. Texto de sala. Exposición Pintón pasado. Pintura fresca. Galería GBG Arts. Caracas, 2011.

10

Pero también por razones de salud había dedicado atención a estos modos del lenguaje. Dice: «Me vi obligado a abandonar la pintura con asfalto. Me dio una crisis asmática muy larga y pensé que me iba a morir. (…) El médico me dijo que estaba jugando con mi salud. Ahí fue cuando comencé a recorrer otros territorios con el papel y el dibujo, a realizar collage, a recortar». (En conversación con Lorena González. En Arteplus Entrevistas. Revista Habitat Plus. 5 de Septiembre de 2015).

11

Enay Ferrer. Statement del artista para la exposición colectiva Contaminados. Sala Mendoza. Caracas, 2012.

siciones anteriores –de múltiples focos y estructura segmentada– y los personajes más unitarios que van a centrar las creaciones de su etapa más reciente. La figura se vuelve un doble autorretrato que enfrenta el cuerpo luminoso del dibujo con la oscuridad de la silueta pictórica. El autorretrato además adquiere aquí, más íntima y emocionalmente, la estructura del doble, frecuente en la literatura y el teatro: el doble es el otro pero es, a la vez, una reiteración de sí mismo. La multiplicidad de otros momentos se reduce así a una tensa duplicidad: el blanco y el negro, el bien y el mal, la transparencia y la nocturnidad. Como en espejo –esta vez más indirecto- una y otra faz del autorretrato se enfrentan en la dinámica del yo y del otro que aparecen como acercándose para una lucha cuerpo a cuerpo, pero mantienen aun suficiente espacio de por medio (y, con él, la idea de un tiempo demorado antes de la acción directa). La agresividad contenida se crece en el espacio blanco del papel, desde (y hacia) el centro de la obra. En su ser doble, con esta imagen Ferrer se va aproximando ya, formalmente, a los personajes solitarios y protagónicos de 2016, pero sin dejar todavía del todo la troceada espacialidad de otros tiempos. Frente a lo múltiple–simultáneo de muchos trabajos anteriores, las nuevas figuras de 2016 alientan la intensidad de lo unitario en el protagonismo dramático de los personajes, en la marca gestual de la pintura expresionista, en la crudeza del acrílico, la fuerza del color, los simbolismos del rojo, la expansión de la mancha. Se trata de la pulsión de pintar aquí y ahora, aunque puedan venir luego, tal vez, nuevos rumbos de pensamiento y nuevas capas de materia. «La pintura para mí siempre será personal, una angustia de siempre (…) una actividad abierta y plural donde el fin no es el objeto a realizar sino el proceso de una reflexión continua», decía Enay hace algunos años. Si con la estructura fragmentaria iba construyendo, lentamente, la narratividad de un relato reflexivo, ahora aborda la tela en una emocionalidad más liberada, y la impronta del pintor se hace cada vez más sensible en sus nuevos personajes solitarios. María Elena Ramos Caracas, Octubre 2016

Enay Ferrer

Nace en Caracas el 13 de mayo de 1974 1994/1996 Escuela Técnica de Artes Plásticas Eloy Palacios, Maturín. Técnico Medio en Artes, Mención Pintura. 1998 Ingresa en el Instituto de Estudios Superiores de Artes Plásticas «Armando Reverón» de Caracas, actualmente UNEARTE. Licenciado en Arte, Mención Pintura.

Exposiciones individuales 2016 Con los Santos no se juega. Beatriz Gil

Galería, Caracas. 2013 La Santa Fe. Galería G Siete, Centro de

Arte Los Galpones, Caracas. 2009 Habitantes del cielo. Galería La Carnicería Arte Actual, Caracas. Curaduría de exposición colectiva 2014 Tránsito. Museo de Arte Contemporáneo

Mateo Manaure, Maturín, Edo. Monagas. Habitante del cielo, 2016

Exposiciones Colectivas 2016 Exposición colectiva de arte latinoamericano. Dreams Forest Museum. Seúl, Corea del Sur. 2016 Caracas Utópica. Hacienda La Trinidad, Caracas. 2015 Relaciones Paralelas. Beatriz Gil Galería, Caracas. 2015 Colectiva 7-15. SpazioZero, Caracas 2014 Panorámica Arte emergente en Venezuela 2000-2012. Sala TAC, Trasnocho Cultural. Paseo Las Mercedes, Caracas. 2013 Ibero America Art Fair, Seul, 2013. Corea del Sur. 2013 FIA Caracas, Hotel Tamanaco. Galería G7, Centro de Arte Los Galpones, Caracas. 2012 Pintura contemporánea venezolana. Museo Nacional de Arte de China. Beijing.

2012 I subasta Artemoderna, Bogotá. 2012 37 Salón Nacional de Arte de Aragua.

Museo de Arte Contemporáneo de Maracay, Edo. Aragua. 2012 Contaminados. Sala Mendoza. Caracas. 2011 Humanitas Ars. La figura humana en cinco creadores venezolanos. Museo de Arte Acarigua Araure. Portuguesa. 2011 Arte América 2011. Miami Beach, Galería Artepuy. 2011 PintonPasado, Pintura Fresca. GBG Arts, Caracas. 2010 65 Bienal Salón Arturo Michelena. Valencia, Edo. Carabobo. 2010 Arteba, Barrio Joven. Buenos Aires, Argentina. Carmen Araujo Arte. 2009 Pinta 2009. Nueva York, Carmen Araujo Arte. 2009 V Bienal de Maracaibo. MACZUL, Edo. Zulia. 2008 Ojo Latino. Museo de Arte Contemporáneo, Santiago de Chile. 2007 I Salón Nacional Banco Caroní. Museo de Artes Visuales Alejandro Otero, Caracas. 2007 Venezuela Viaja por el Mundo. Galería Sztuki, Varsovia, Polonia. 2006 Salón Nacional de Arte de Aragua. Museo de Arte Contemporáneo de Maracay, Edo. Aragua. 2005 Arte en Juego. Museo de Bellas Artes de Caracas. 2005 Salón CANTV, Jóvenes con FIA, Miradas abiertas. CorpBanca, Caracas. 2004 La Estética del Petróleo. Museo Jacobo Borges, Caracas. 2003 Venezuela Naturaleza Abierta. II Salón de Arte Exxonmobil de Venezuela. Galería de Arte Nacional, Caracas. 2002 Salón Universitario UCV. Universidad Central de Venezuela, Caracas. 2001 I Salón de Arte Exxonmobil de Venezuela. Museo Sacro, Caracas. 1998 LVI Salón Arturo Michelena. Ateneo de Valencia, Edo. Carabobo. 1996 Jóvenes Valores Monaguenses. Dirección de Turismo. Maturín, Edo. Monagas.

Reconocimientos 2012 Premio Ángel Vivas Arias. 37 Salón Nacional de Arte Aragua. Museo de Arte Contemporáneo de Maracay Mario Abreu. Edo. Aragua. 2010 Premio R. Chirinos, Bienal de Churuguara. Ateneo Casta J. Riera. Churuguara, Edo. Falcón. 2010 Galardón Municipal 7 de Diciembre, Salón de Arte 7 de Diciembre. Museo de Arte Contemporáneo Mateo Manaure. Maturín, Edo. Monagas. 2006 Premio Joven Artista menor de 35 años. 31 Salón Nacional de Arte Aragua. Casa de la Cultura de Maracay, Edo. Aragua. 2005

Mención de Honor Salón CANTV, Jóvenes con FIA. CorpBanca, Caracas. 2004 Mención De Honor I Certamen Internacional Miradas de Hispanoamérica. Maracaibo, Edo. Zulia. 2002 Premio Estímulo a la Creación, Salón Universitario. Universidad Central de Venezuela, Caracas. 2002 Premio de Dibujo Salón de Arte Porlamar, Edo. Nueva Esparta. 2002 Premio de Dibujo Salón Municipal Juan Lovera. Centro Cultural Banco Industrial de Venezuela, Caracas. 2001 Mención de Honor, I Salón Exxonmobil. Caracas. 1999 Premio Obra Bidimensional. Salón de Arte Alejandro Otero. San Antonio de los Altos, Edo. Miranda. 1999 Premio Pintura, Bienal Héctor Poleo, Caracas. 1998 Segundo Premio de Pintura, Salón de Arte Punta de Mata. Edo. Monagas. 1997 Segundo Premio, Salón de Pintura Ateneo de Carúpano. Estado Sucre. 1996 Primer Premio Salón de Arte 7 de Diciembre. Maturín, Edo. Monagas.

Lista de obras

Autorretratos

Enay Ferrer

Habitante del cielo, 2009 Técnica mixta sobre papel 140 x 128 cm

Héroes

Rojo, 2016 De la serie Con los Santos no se juega Óleo y pintura industrial sobre tela Son 4 piezas de 90 x 70 cm

La santa calle, 2016 Acrílico, óleo, pintura industrial e impresión digital sobre tela 200 x 170 cm Santo, 2016 Óleo y pintura industrial sobre tela 80 x 80 cm

Rojo, 2016

Santo habitante, 2016 Acrílico, óleo, pintura industrial sobre tela 77 x 53 cm (Solapa interior de portada)

Rojo, 2016

De la serie Con los Santos no se juega Óleo y pintura industrial sobre tela Son 2 piezas de 100 x 100 cm

De la serie Con los Santos no se juega Óleo y pintura industrial sobre impresión digital 5 fotografías intervenidas de 48 x 33 cm

Habitante del cielo, 1998-2014-2016 Acrílico, óleo, pintura industrial e impresión digital sobre tela 120 x 120 cm

Animales de asfalto (querido pueblo mío, con los santos no se juega), 2012-2016 Acrílico, óleo, grafito e impresión digital sobre papel 194 x 254 cm

Rojo, 2005-2016 De la serie Con los Santos no se juega Acrílico, óleo, pintura industrial e impresión digital sobre madera 218 x 124 cm

Retrato ecuestre (a partir del Bolívar de Michelena), 2016 De la serie Con los Santos no se juega Acrílico, óleo y pintura industrial sobre tela 190 x 160 cm

Rojo, 2016 De la serie Con los Santos no se juega Óleo y pintura industrial sobre tela 190 x 160 cm

Habitante del cielo, 2011 Técnica mixta sobre tela 128 x 126 cm

Habitante del cielo, 2005-2016 Acrílico, óleo, pintura industrial y papel sobre madera 140 x 115 cm

Rojo, 2016 De la serie Con los Santos no se juega Acrílico, óleo, pintura industrial e impresión digital sobre tela 215 x 139 cm

Rojo, 2016 De la serie Con los Santos no se juega Óleo y pintura industrial sobre tela 190 x 150 cm

Rojo, 2016 De la serie Con los Santos no se juega Óleo y pintura industrial sobre tela 200 x 160 cm

Retrato en traje de campaña, 2016 Óleo y pintura industrial sobre tela 190 x 132 cm

Santos

San Miguel Arcángel, 2016 Óleo y pintura industrial sobre tela 190 x 160 cm

La santa fe, 2010-2016 Técnica mixta sobre papel 205 x 140 cm (Solapa interior de portada)

La Santa Sangre, 2011 Técnica mixta sobre cuchillo 38 x 4 cm

personajes

Rojo, 2016 Acrílico, óleo, pintura industrial sobre tela 200 x 160 cm

Habitante del cielo, 2016

Mi querido Doctor Santo, 2016 Pintura industrial sobre tela 190 x 140 cm

Óleo y pintura industrial sobre tela 130 x 126 cm

Ven, volvamos a jugar, 2000-2016

Sagrado corazón de Jesús, 2009-2016

Técnica mixta sobre papel 90 x 70 cm

Grafito y pintura industrial sobre papel 80 x 60 cm (Solapa interior de portada)

Rojo, 2016

San Miguel Arcángel, 2016 Óleo y pintura industrial sobre tela 190 x 160 cm

De la serie Con los Santos no se juega Óleo, pintura industrial e impresión digital sobre tela 190 x 160 cm

San Miguel Arcángel con botas rojas, 2016 Óleo y pintura industrial sobre tela 190 x 160 cm

Sagrado corazón, 2016 Óleo sobre tela 190 x 160 cm

Querido Doctor Santo, 2016 Óleo y pintura industrial sobre tela 60 x 50 cm

Con los santos no se juega Es a través de medios específicos de poder como se ha construido

el «alma moderna» pues la sociedad disciplinaria, al organizar la experiencia y vincular a través de los cuerpos vivencias locales con grandes estrategias políticas, diseñó las complejas redes de poder del Estado moderno y su correlativa «moralidad de los comportamientos».*

Michael Foucault

En el año 2011, en las instalaciones de las torres este y oeste de Parque Central, los empleados del Ministerio para la Mujer elaboraron dos pesebres mezclando iconos cristianos con propaganda política. Las tradicionales imágenes cristianas fueron sustituidas por personajes políticos oficialistas, como el mismísimo galáctico en papel protagónico. Es cierto que, a lo largo de la historia, la imagen en relación a un aura de divinidad religiosa ha formado parte de los procesos de manipulación con fines políticos. Aun a mi pesar por ser este un artificio nada novedoso, se establecían dos inflexiones por las que me fue inevitable sentir una profunda indignación. La primera, definitivamente porque vengo de una familia de bases religiosas tradicionales, católicas, y la segunda por lo que realmente proponían estas composiciones: la manipulación de la figura religiosa con objetivo político. Allí el gobierno se autorrepresenta como Estado todopoderoso, en un conjunto de elementos apoyados en la distracción y la diversión. La memoria se produce así mediante actos de representación doctrinarios, fijando un vínculo de violencia política para troquelar la memoria colectiva y transformar el imaginario, reproduciendo una divinización de la idea de Estado como fuerza única de identidad. A partir de esta experiencia me planteé, más por desahogo, desarrollar un trabajo de investigación mediante la práctica de la pintura en el ejercicio de taller, con la idea de «falsos héroes» (que a su vez tomaron una investidura de juego fatídico, a partir de la manipulación y desmitificación de la imagen heroica como autorrepresentación del Estado) estableciéndose una relación entre lo religioso, lo político y la memoria. Enay Ferrer * En el texto original El sujeto y el poder, Foucault se refiere a las complejas redes de la sociedad occidental. Establecí un juego de palabras intercambiando sociedad occidental por Estado, ya que nuestro interés se dirige hacia el concepto de gobierno que se autorrepresenta como Estado y a su vez se presenta a sí mismo como sociedad; un Estado magnánimo totalitario, que es a su vez gobierno, Estado y sociedad. Manteniendo el interés por la referencia del texto original más allá de su naturaleza etnográfica, estas situaciones doctrinarias se generan en núcleos de poderes epecíficos, que pretenden que los individuos no sean operadores de sí mismos: que no se interroguen sobre su propia conducta.