Altonale Magazine Liberty EU Special Edition 2022

New European Generation exploring Freedom and Identity through Culture

L iberty EU is a European-wide programme of cultural festivals, events, digital projects and conferences that explore the themes of freedom and identity. It aims to inspire a new generation of artists and audiences to delve into these topics and consider what they mean in their context of place through the powerful medium of art and creativity. Delivered by 12 cultural partners from 10 European countries, partners with passion and commitment, Liberty EU has reached out to over 300 young artists (aged 30 and under) and involved over 250,000 spectators and participants in its events since the project began three years ago.

Back in September 2019, representatives from all partner organisations came together in Leicester, UK, to discuss ideas which evidenced the hope, ambition and passion to realise many cross-border cultural creations and collaborations between artists and audiences across Europe. At a time when very few could have predicted the turn of events in 2020 and the impact of the pandemic on our own notions of freedom and identity, it was even more crucial that the Liberty EU partnership maintained its commitment to provide a platform, whether it be live or online, for audiences to engage with a wealth of creative opportunities realised by a new generation of artists. Despite the disruption, many young artists have had the opportunity to tour, to make innovative and, in some cases, challenging new work to share with audiences from all over Europe.

Co-funded by the Creative Europe Programme of the European Union, Liberty EU has celebrated and explored the theme of freedom and identity by commissioning innovative creative projects whilst presenting new opportunities for young artists to profile their work to audiences and participants across the continent. Audiences have connected with events produced by partners and young artists at outdoor festivals and within cultural and community venues, as well as digital streams, comprising six strands of creative presentation:

Digital Art (bringing arts and culture to digital platforms)

Art (a variety of visual or digital arts in new spaces)

The partnership, led by UK arts charity Art Reach, has used these strands to create a range of accessible cultural events that were relevant to diverse audiences, particularly those who may not feel that mainstream art is for them.

Together, the partnership has helped to enhance the careers of young artists, profile their work and increase their cultural connections, with hundreds of young artists having benefitted from the opportunity to feature on an online Liberty EU artist portfolio. This has been integral to the creation of the programme’s content and is a resource that can be used by any cultural organisation looking to work with up-and-coming talent.

Having worked with Art Reach on a number of projects before, it was intended from the beginning that altonale and STAMP festival would be one of the many outlets for the new work created and toured. The partnership also features Explora, Museo dei Bambini (Italy), CESIE (Italy), Teatrul National Radu Stanca Sibiu (Romania), Aalborg Karneval (Denmark), Center E8, for promoting lifestyles (Serbia), CNC Danse (Nathalie Cornille Company) (France), Pionirski dom – Center za kulturo mladiih (Slovenia), Den Selvejende Institution Swinging Europe (Denmark), Trafo House of Contemporary Arts (Hungary), European Educational Exchanges – Youth for Understanding (Belgium).

The programme will soon draw to a close, but the last three years have produced wonderful moments, beautiful artworks, engaging and enthralling performances - created alongside improved opportunities for young artists. During this period, each partner organisation has also gone through its own significant challenges, whether it be due to the pandemic, domestic political shifts or external forces owing to recent events in Ukraine. However, the desire and continued commitment of the partners to deliver the Liberty EU programme, and explore new angles on the themes of freedom and identity that regularly surface, has resulted in cultural experiences for audiences of exceptional standard.

In this special #LibertyEU edition of the Altonale Magazine, we explore some of the work created by and for Liberty EU with the partners outlined. We get to know the artists behind the projects, the partners behind the delivery and learn that the desire to create collaboratively between nations and cultural organisations is strong and that art can, does and should continue to transcend borders whilst remaining accessible for all. •

Theatre (bringing the carnival atmosphere to the high street)

Workshops (sharing learning and creating the next generation of artists and audiences)

Seminars (sharing best practice and development through artist, partner and audience development initiatives)

Liberty EU ist ein europaweites Programm von Kulturfestivals, Veranstaltungen, digitalen Projekten und Konferenzen, das sich mit den Themen Freiheit und Identität auseinandersetzt. Es soll eine neue Generation von Künstlern und ein neues Publikum dazu inspirieren, sich mit diesen Themen auseinanderzusetzen und zu überlegen, was sie in ihrem jeweiligen Umfeld bedeuten. Dies soll durch das kraftvolle Medium Kunst und Kreativität geschehen. Liberty EU wird von 12 Kulturpartnern aus 10 europäischen Ländern durchgeführt, die sich mit Leidenschaft und Engagement engagieren. Seit Beginn des Projekts vor drei Jahren hat Liberty EU über 300 junge Künstler (bis 30 Jahre) erreicht und über 250.000 Zuschauer und Teilnehmer in seine Veranstaltungen einbezogen.

Im September 2019 kamen Vertreter aller Partnerorganisationen in Leicester (Großbritannien) zusammen, um Ideen zu diskutieren, die von der Hoffnung, dem Ehrgeiz und der Leidenschaft zeugten, viele grenzüberschreitende kulturelle Kreationen und Kooperationen zwischen Künstlern und Publikum in ganz Europa zu realisieren. In einer Zeit, in der nur wenige die Geschehnisse des Jahres 2020 und die Auswirkungen der Pandemie auf unsere eigenen Vorstellungen von Freiheit und Identität vorhersehen konnten, war es umso wichtiger, dass die Liberty EU-Partnerschaft ihr Engagement aufrechterhielt, dem Publikum eine Plattform zu bieten, um sich mit kreativen Möglichkeiten auseinanderzusetzen, die von einer neuen Künstlergeneration realisiert werden. Trotz der Unterbrechung hatten viele junge Künstler*innen die Möglichkeit, auf Tournee zu gehen und innovative und in einigen Fällen herausfordernde neue Werke zu schaffen, die sie einem Publikum in ganz Europa präsentieren konnten.

Liberty EU wird vom Creative Europe Programme der Europäischen Union ko-finanziert. Durch die Vergabe von Aufträgen für innovative kreative Projekte wurden die Themen Freiheit und Identität gefeiert und erforscht. Zeitgleich wurde jungen Künstler*innenn die Möglichkeit geboten ihre Arbeit einem Publikum und Teilnehmern die über den ganzen Kontinent verteilt sind vorzustellen. Das Publikum, Partner des Programms und junge Künstler*innen kamen in live Veranstaltungen, Freiluftfestivals, kulturellen und kommunalen Einrichtungen sowie in digitalen Streams zusammen, welche diese sechs Bereiche der kreativen Präsentation umfassen:

1 Digitale Kunst (Kunst und Kultur auf digitale Plattformen bringen)

2 Liberty Art (eine Vielfalt visueller oder digitaler Kunst in neuen Räumen)

3 Inside-Out Performances (Pop-up-Performances an ungewöhnlichen Orten)

4 Processional Theatre (bringt die Karnevalsatmosphäre auf die Hauptstraße)

5 Pädagogische Workshops (gemeinsames Lernen und Förderung der nächsten Generation von Künstlern und Zuschauern)

6 Seminare (Austausch bewährter Praktiken und Entwicklung durch Künstler-, Partner- und Publikumsentwicklungsinitiativen)

Die von der britischen Kunstorganisation Art Reach geleitete Partnerschaft hat diese Bereiche genutzt, um eine Reihe zugänglicher kultureller Veranstaltungen zu schaffen, die für ein vielfältiges Publikum relevant sind. Insbesondere für diejenigen, die sich von der Mainstream-Kunst nicht angesprochen fühlen.

Gemeinsam hat die Partnerschaft dazu beigetragen, die Karriere junger Künstler*innen zu fördern, ihre Arbeit bekannt zu machen und ihre kulturellen Kontakte zu stärken. Hunderte von jungen Künstler*innen haben von der Möglichkeit profitiert, sich in einem Online-Künstlerportfolio von Liberty EU zu präsentieren. Dieses Portfolio war ein wesentlicher Bestandteil bei der Erstellung der Programminhalte und ist eine Ressource, die von jeder Kultureinrichtung genutzt werden kann, die mit aufstrebenden Talenten arbeiten möchte.

Da die altonale GmbH und das STAMP-Festival bereits in der Vergangenheit bei einer Reihe von Projekten mit Art Reach zusammengearbeitet haben, war von Anfang an vorgesehen, dass die neu geschaffenen und auf Tournee gehenden Werke unter anderem auch bei der altonale gezeigt werden. Weitere Partner sind Explora, Museo dei Bambini (Italien), CESIE (Italien), Teatrul National Radu Stanca Sibiu (Rumänien), Aalborg Karneval (Dänemark), Center E8, for promoting lifestyles (Serbien), CNC Danse (Nathalie Cornille Company) (Frankreich), Pionirski domCenter za kulturo mladiih (Slowenien), Den Selvejende Institution Swinging Europe (Dänemark), Trafo House of Contemporary Arts (Ungarn), European Educational Exchanges – Youth for Understanding (Belgien)

Das Programm geht bald zu Ende, aber die letzten drei Jahre haben wunderbare Momente, schöne Kunstwerke, ansprechende und mitreißende Aufführungen hervorgebracht – und gleichzeitig die Chancen für junge Künstler*innen verbessert. In dieser Zeit hat jede Partnerorganisation auch ihre eigenen großen Herausforderungen bewältigt, sei es aufgrund der Pandemie, innenpolitischer Veränderungen oder externer Kräfte aufgrund der jüngsten Ereignisse in der Ukraine. Der Wunsch und das anhaltende Engagement der Partner, das EU-Programm Liberty umzusetzen und neue Blickwinkel auf die immer wieder auftauchenden Themen Freiheit und Identität zu erkunden, haben jedoch für das Publikum zu kulturellen Erlebnissen von außergewöhnlichem Niveau geführt.

In diesem Sonderteil #LibertyEU des ALTONA MAGAZIN erkunden wir einige der Arbeiten, die von und für Liberty EU mit den vorgestellten Partner*innen geschaffen wurden. Wir lernen die Künstler*innen hinter den Projekten und die Partner*innen hinter den Umsetzungen kennen und erfahren, dass der Wunsch nach Zusammenarbeit zwischen Nationen und kulturellen Organisationen groß ist. Kunst kann, will und sollte Grenzen überwinden – und dabei für alle zugänglich bleibt. •

ART REACH

Leicester, UK

As the organisational lead for Liberty EU, Art Reach has been excited to see the programme’s creative output unfold over the last three years. Together, the 12 partners have explored the meaning of freedom and identity in modern Europe. It has led us to better understand the sense of contemporary European identity and place in an era of rapidly changing demographics, politics and technologies. Through this multinational partnership, we’ve offered incredible creative and cultural commissioning opportunities as well as development possibilities for many young artists across the continent, supporting the next generation of artist voices to be heard. The depth and range of work created by the artists and partners has been a joy to be part of and see develop.

One of Art Reach’s first commissions for Liberty EU was featured at Journeys Festival International (JFI) in 2020. JFI works with sanctuary seeking artists and community participants as well as other high profile artists whose work raises issues around the migration crisis. That year, the festival was instantly affected by Covid lockdowns and restrictions. Our original plans had to change significantly to deliver the festival that year. This situation however pointed artists into new creative directions, as innovative ideas for audience engagement came to light through the challenges created by the pandemic in the UK.

Showcased as part of Journeys Festival International 2020, The Freedom of Movement? was curated by artist mandla rae. It was initially planned to be a fully immersive performance in which the artists were encouraged to present their interpretations of the Liberty EU themes. While still exploring the nature of freedom and identity, the commissioned artists were instead asked to collaborate on and create a response for a digital exhibition. Artist interpretations ranged from filming a walk from the Netherlands to Calais, to operatic performances, digital interpretations of migrant journeys and animations exploring life in a long-term refugee camp. The final collection was shared in a fully digital edition of JFI in 2020 and can still be seen on our YouTube channel.

The restrictions of the pandemic also created new ways for us to connect with audiences. Sun Up, Rain Falls, River Rises, presented as part of JFI 2020, was a sublime solution from Phosphoros Theatre, which encouraged audience members to enjoy wonderful imagery, captivating storytelling and a musical score by using QR codes placed in specially selected locations. Phosphoros Theatre, who are renowned for their work with and by UK-based refugees, worked with Danish composer Mira Siegel and UK-based Pickle Illustration to create these site-specific interactive artworks. The beauty of this collaboration was

Als federführender Organisator von Liberty EU hat Art Reach die Entwicklung des kreativen Outputs des Programms in den letzten drei Jahren mit Begeisterung verfolgt. Gemeinsam haben die 12 Partner*innen die Bedeutung von Freiheit und Identität im modernen Europa erforscht. Das hat uns dazu gebracht, die zeitgenössische europäische Identität und den Platz, den sie in einer Zeit des raschen demografischen, politischen und technologischen Wandels einnimmt, besser zu verstehen. Durch diese multinationale Partnerschaft haben wir vielen jungen Künstler*innen auf dem ganzen Kontinent unglaubliche kreative und kulturelle Auftragsmöglichkeiten sowie Entwicklungsmöglichkeiten geboten und die nächste Generation von Künstler*innen dabei unterstützt, sich Gehör zu verschaffen. Es war eine Freude, an den Arbeiten der Künstler*innen und Partner*innen teilzuhaben und deren Entwicklung zu beobachten.

Einer der ersten Aufträge von Art Reach für Liberty EU wurde beim Journeys Festival International (JFI) im Jahr 2020 vorgestellt. Das JFI arbeitet mit Zuflucht suchenden Künstler*innen, und mit Teilnehmer*innen aus der Gemeinschaft sowie mit anderen hochkarätigen Künstler*innen zusammen, deren Werke Themen rund um die Migrationskrise aufgreifen. In jenem Jahr war das Festival unmittelbar von den Abriegelungen und Beschränkungen des Covid betroffen. Unsere ursprünglichen Pläne mussten erheblich geändert werden, um das Festival im Jahr 2020 durchführen zu können. Diese Situation öffnete Künstler*innen jedoch auch neue kreative Türen. Die Herausforderung, trotz der Pandemie, das Publikum einzubinden erforderte innovative künstlerische Ideen.

Die Ausstellung The Freedom of Movement?, die im Rahmen des Journeys Festival International 2020 gezeigt wurde, wurde von der Künstlerin mandla rae kuratiert. Ursprünglich war eine immersive Performance geplant, bei der die Künstler*innen aufgefordert wurden, ihre Interpretationen der Liberty EU-Themen zu präsentieren. Die beauftragten Künstler*innen sollten sich zwar weiterhin mit dem Wesen von Freiheit und Identität auseinandersetzen, wurden aber stattdessen gebeten, gemeinsam eine Antwort für eine digitale Ausstellung zu erarbeiten. Die Interpretationen der Künstler*innen überreichten eine weite Spannbreite: vom Filmen eines Spaziergangs von den Niederlanden nach Calais bis hin zu Opernaufführungen, digitalen Interpretationen der Reise von Migranten und Animationen, die das Leben in einem Langzeit-Flüchtlingslager erkunden. Die endgültige Sammlung wurde in einer vollständig digitalen Ausgabe von JFI im Jahr 2020 veröffentlicht und kann immer noch auf unserem YouTubeKanal angesehen werden.

the work’s ability to transport listeners to a different place, with the combination of sound, selected locations and audio story sweeping them away. At a time when personal freedoms were challenged for all in the UK, these small and personal experiences were a lift from the monotony of lockdown.

For Journeys Festival International in 2021, live events returned. The Liberty EU project Reckoning focused on heritage and contemporary European identity created by choreographer Akeim Toussaint Buck. It combined spoken word, intense physical theatre and dance, projected animations and film work into a powerful live performance. Alongside mandla rae as writer, Akeim also teamed up with filmmaker Ashley Karrel and Italian animator Benedetta Fasson. Reckoning was based on research from the University of Manchester’s Reckoning with Refugeedom archives, which hold the stories of generations of displaced people in their own words. This bold movement piece was performed at three of our festivals in 2021 and has since toured to other locations in the UK.

The commissions we’ve delivered through Liberty EU have led to exciting long-term development possibilities for many artists and some unique solutions to audience engagement, but there’s been a great focus on cultural integration too. Liberty EU has been crucial in providing a platform for myriad voices to be heard and encouraging people to feel part of their communities.

One project that explored these aspirations and served as a tool for expression and exploration by young people from refugee and sanctuary seeking backgrounds is Your City (is a world of its own). Curated and developed by Betül Aksu, Your City is an online space showcasing work created by workshop participants from Leicester, Manchester and Portsmouth as they explored what their cities mean to them. A collection of collage, image making, audio, creative writing and photography lets us look at their communities through their eyes. You can still enter this online space at www.yourcity.world and explore these unique perspectives as you walk digitally through this creatively captured cityscape.

Celebrating the finale season of Liberty EU at JFI in Leicester in August 2022 saw a return to large-scale outdoor engagement. It brought the partners together to showcase some of their fabulous projects and commissioned work to a huge festival audience. With artists from different countries and backgrounds interacting with communities and audiences in Leicester, it symbolised the strength of Liberty EU to explore cultural connections and creativity across borders.

Die Einschränkungen durch die Pandemie haben uns auch neue Möglichkeiten eröffnet, mit dem Publikum in Kontakt zu treten. Sun Up, Rain Falls, River Rises, das im Rahmen von JFI 2020 präsentiert wurde, war eine großartige Lösung von Phosphoros Theatre, die die Zuschauer dazu anregte, wunderbare Bilder, fesselnde Geschichten und eine musikalische Untermalung zu genießen, indem sie QR-Codes an speziell ausgewählten Orten platzierten. Das Phosphoros Theatre, das für seine Arbeit mit und von im Vereinigten Königreich lebenden Flüchtlingen bekannt ist, arbeitete mit der dänischen Komponistin Mira Siegel und dem britischen Unternehmen Pickle Illustration zusammen, um diese ortsspezifischen interaktiven Kunstwerke zu schaffen. Das Schöne an dieser Zusammenarbeit war die Fähigkeit des Werks, die Zuhörer an einen anderen Ort zu versetzen, wobei die Kombination aus Klang, ausgewählten Orten und Audiogeschichte sie mitriss. In einer Zeit, in der die persönlichen Freiheiten im Vereinigten Königreich für alle in Frage gestellt wurden, waren diese kleinen und persönlichen Erlebnisse eine Befreiung von der Monotonie des Einsperrens.

Für das Journeys Festival International im Jahr 2021 kehrten die Live-Events zurück. Das Liberty EU-Projekt Reckoning (Abrechnung) des Choreografen Akeim Toussaint Buck befasste sich mit dem Erbe und der zeitgenössischen europäischen Identität. Es kombinierte gesprochene Worte, intensives Körpertheater und Tanz, projizierte Animationen und Filmarbeiten zu einer kraftvollen Live-Performance. Neben mandla rae als Autorin arbeitete Akeim auch mit der Filmemacherin Ashley Karrel und der italienischen Animatorin Benedetta Fasson zusammen. Reckoning basiert auf Recherchen in den Reckoning with RefugeedomArchiven der Universität Manchester, in denen die Geschichten von Generationen von Vertriebenen in ihren eigenen Worten festgehalten sind. Dieses kühne Bewegungsstück wurde bei drei unserer Festivals im Jahr 2021 aufgeführt und ist seitdem an anderen Orten im Vereinigten Königreich zu sehen gewesen.

Die Aufträge, die wir über Liberty EU vergeben haben, haben vielen Künstler*innen aufregende langfristige Entwicklungsmöglichkeiten eröffnet und einige einzigartige Lösungen für die Einbindung des Publikums geschaffen. Liberty EU hat entscheidend dazu beigetragen, einer Vielzahl von Stimmen Gehör zu verschaffen und die Menschen zu ermutigen, sich als Teil ihrer Gemeinschaft zu fühlen.

Ein Projekt, das sich mit diesen Bestrebungen auseinandersetzte und jungen Menschen mit Flüchtlings- und Zufluchtshintergrund als Werkzeug für Ausdruck und Erkundung diente, ist Your City (is a world of its own). Your City wurde von Betül Aksu kuratiert und entwickelt und ist ein Online-Raum, in dem Arbeiten von Workshop-Teilnehmer*innen aus Leicester, Manchester und Portsmouth gezeigt werden, die sich mit der Bedeutung ihrer Städte für sie auseinandergesetzt haben. Eine Sammlung von Collagen, Bildern, Audiodateien, kreativen Texten und Fotografien lässt uns ihre Gemeinden mit ihren Augen sehen. Sie können diesen Online-Raum immer noch unter www.yourcity. world betreten und diese einzigartigen Perspektiven erkunden, während Sie digital durch diese kreativ erfasste Stadtlandschaft wandern.

Mit der Feier zum Abschluss der Saison von Liberty EU im JFI in Leicester im August 2022 kehrten wir zu einem groß angelegten Engagement im Freien zurück. Es brachte die Partner*innen zusammen, um einige ihrer großartigen Projekte und Auf

THE RESTRICTIONS OF THE PANDEMIC ALSO CREATED NEW WAYS FOR US TO CONNECT WITH AUDIENCES DIE EINSCHRÄNKUNGEN DURCH DIE PANDEMIE HABEN UNS AUCH NEUE MÖGLICHKEITEN ERÖFFNET, MIT DEM PUBLIKUM IN KONTAKT ZU TRETEN

Altonaer Spar- und Bauverein eG

Fotografie und Visualisierungen: Anselm Gaupp, bloomimages, Hartfil-Steinbrinck Architekten, Oliver Heissner, LA‘KET Architekten, Kristina Wedekind

Two projects at JFI 2022, The Journeys Gazette and Rush, focused on the exploration of community and identity. These projects created opportunities for participants and artists to engage with each other and contribute to the finished work together, allowing participants to take a greater sense of ownership of the work. These two projects generated very different outcomes of significant scale.

The Journeys Gazette was a free newspaper, with contributions from young artists on the Liberty EU portfolio alongside established writers. The gazette also featured work created with community members in Leicester. These included leading articles written by first-generation migrants to the city giving advice to their younger selves, touching poetry responding to the theme of journeys, and other insights into local events with a global theme and the lives of people now calling the city home. The Journeys Gazette printed a run of 10,000 papers, which was distributed throughout the festival weekend.

Finally, as part of JFI 2022, we explored our largest commission through the Liberty EU programme to date: An explosive performance bringing together huge projections, powerful theatre, dance and storytelling, set in an outdoor performance space in an almost derelict part of town. Rush by Southpaw Dance Company was an exploration and celebration of cultural expres-

sion and identity, of local lives and daily struggles. The project featured young dancers from across Europe and a local community cast of participants who had the opportunity to perform in one incredible performance piece. Rush allowed participants and artists to examine the daily frustrations that move people to fight for change, investigating cultural protest as a voice to express those struggles - a voice firmly rooted in the cultural identity of the communities that contributed to the work.

Liberty EU has created opportunities for collaboration and impactful moments of beautiful and challenging creativity. The programme has led to connections that will last beyond the three years of its partnership and has provided platforms, insights and experiences for artists and audiences that we hope allows them to reflect and create a better shared vision for the future together.

Art Reach will endeavour to continue the legacy of Liberty EU - the collaboration, the creation and the continued ambitions of a better cultural environment for all. We’re proud to have been part of and lead the programme with organisations, artists and partners that we know will continue, as shall we, the great work that’s begun as part of Liberty EU. •

tragsarbeiten einem großen Festivalpublikum zu präsentieren. Künstler*innen aus verschiedenen Ländern und mit unterschiedlichem Hintergrund interagierten mit den lokalen Gemeinden und dem Publikum in Leicester und symbolisierten die Stärke von Liberty EU, kulturelle Verbindungen und Kreativität über Grenzen hinweg zu erforschen.

Zwei Projekte des JFI 2022, The Journeys Gazette und Rush, konzentrierten sich auf die Erforschung von Gemeinschaft und Identität. Diese Projekte boten den Teilnehmer*innen und Künstler*innen die Möglichkeit, miteinander in Kontakt zu treten und gemeinsam zum fertigen Werk beizutragen, so dass die Teilnehmer*innen ein größeres Verantwortungsgefühl für das Werk entwickeln konnten. Diese beiden Projekte brachten sehr unterschiedliche Ergebnisse von erheblichem Umfang hervor.

The Journeys Gazette war eine kostenlose Zeitung mit Beiträgen von jungen Künstler*innen aus dem Liberty EU-Portfolio sowie von etablierten Autor*innen. In der Gazette wurden auch Arbeiten veröffentlicht, die in Zusammenarbeit mit Gemeindemitgliedern in Leicester entstanden. Dazu gehörten Leitartikel, die von Migrant*innen der ersten Generation verfasst wurden, die ihren jüngeren Mitbürger*innen Ratschläge erteilten, berührende Gedichte, die sich mit dem Thema Reisen befassten, sowie weitere Einblicke in lokale Ereignisse mit globalem Bezug und in das Leben von Menschen, die jetzt in der Stadt leben. The Journeys Gazette wurde in einer Auflage von 10.000 Exemplaren gedruckt, die während des gesamten Festivalwochenendes verteilt wurden.

Schließlich haben wir im Rahmen des JFI 2022 unseren bisher größten Auftrag im Rahmen des EU-Programms Liberty erkundet: eine explosive Performance, die riesige Projektionen, kraftvolles Theater, Tanz und Geschichtenerzählen in einem Freiluftaufführungsraum in einem fast verlassenen Teil der Stadt vereint. Rush von der Southpaw Dance Company war eine Erkundung und Feier des kulturellen Ausdrucks und der Identität, des lokalen Lebens und der täglichen Kämpfe. An dem Projekt waren junge Tänzer*innen aus ganz Europa und eine lokale Gruppe von Teilnehmer*innen beteiligt, die die Gelegenheit hatten, in einem unglaublichen Stück aufzutreten. Rush ermöglichte es den Teilnehmer*innen und Künstler*innen tägliche Frustrationen zu untersuchen, die die Menschen dazu bewegen, für Veränderungen zu kämpfen, und den kulturellen Protest als eine Stimme zu untersuchen, um diese Kämpfe auszudrücken – eine Stimme, die fest in der kulturellen Identität der Gemeinschaften verwurzelt ist, die zu dem Werk beigetragen haben.

Liberty EU hat Gelegenheiten zur Zusammenarbeit kreiert und beeindruckende Momente schöner und herausfordernder Kreativität geschaffen. Das Programm hat zu Verbindungen geführt, die über die drei Jahre der Partnerschaft hinaus Bestand haben werden, und hat Künstler*innen und dem Publikum Plattformen, Einblicke und Erfahrungen geboten, die es ihnen hoffentlich ermöglichen, zu reflektieren und eine bessere gemeinsame Vision für die Zukunft zu entwickeln.

Art Reach wird sich bemühen, das Vermächtnis von Liberty EU fortzuführen - die Zusammenarbeit, das Schaffen und die fortgesetzten Ambitionen für ein besseres kulturelles Umfeld für alle. Wir sind stolz darauf, Teil des Programms gewesen zu sein und es gemeinsam mit Organisationen, Künstler*innen und Partner*innen geleitet zu haben, von denen wir wissen, dass sie die großartige Arbeit, die im Rahmen von Liberty EU begonnen wurde, ebenso fortsetzen werden wie wir. •

IMPRESSUM

HERAUSGEBER

altonale GmbH, Hohenzollernring 123, 22763 Hamburg, Telefon 39 80 69 70, Fax 39 80 69 71 E-Mail: info@altonale.de

CHEFREDAKTION

Gerhard Fiedler

GRAFIK

Melanie Nehls, Christine Krawinkel, Katja Rajewski

REDAKTION

Gerhard Fiedler, Michele Avantario (CvD, Schluss) E-Mail: redaktion@rainvilleedition.de

AUTOR*INNEN

altonale and STAMP Festival (Hamburg, Deutschland), Tom Lanzki; Explora, Museo dei Bambini (Italy), , CESIE (Italy), Teatrul National Radu Stanca Sibiu (Romania), Claudia Maior; Aalborg Karneval (Denmark), Sjaja Haddadi; Center E8, for promoting lifestyles (Serbia), CNC Danse (Nathalie Cornille Company) (France); Pionirski dom – Center za kulturo mladiih (Slovenia), Boris Beja; Den Selvejende Institution Swinging Europe (Denmark), Trafo House of Contemporary Arts (Hungary), European Educational Exchanges – Youth for Understanding (Belgium) europaweites Programm von Kulturfestivals,

FOTOS / ILLUSTRATIONEN

Hruby Carol, Vertreter*innen von Liberty EU

ANZEIGEN UND DRUCKUNTERLAGEN

Paul Pauksch, Telefon 30 60 34 52, Fax 30 60 34 36 E-Mail: pauksch@rainvilleedition.de

VERLAG

Rainville EDITION, Gerhard Fiedler fiedler@rainvilleedition.de

GESCHÄFTSFÜHRUNG ALTONALE

Heike Gronholz

Für unverlangt eingesandte Fotos, Illustrationen und Manuskripte übernehmen wir keine Gewähr. Nachdruck von Texten, Bildern und vom Verlag gestalteten Anzeigen nur mit schriftlicher Genehmigung. © altonale GmbH, November 2022 Erscheinungsort und Gerichtsstand Hamburg

Co-funded by the Creative Europe Programme of the European Union

AN EXPRESSION OF LIBERTY

Aalborg Karneval –Aalborg, Denmark

The journey of Aalborg Carnivals contribution to the LIBERTY project revolves around the Carnival Factory/Liberty float. A depiction of the notion of liberty within a carnival experience. The sense of releasing restrictions, forgetting everyday life, and allowing colors to explode – all related to carnival traditions from all over the world. With a wish to depict and contain the different notions of liberty within a carnival experience we created a procession theatre piece where a float moved through our parade in the city center of Aalborg in spring 2022.

It was a slap in the face

Growing as an organization does not always come gently. Through the 3-year long project period of LIBERYT Project, Aalborg Carnival has had the pleasure of building 2 floats, facilitated 2 creative community projects, and had 2 processional presentations. With a goal to learn and develop as creative producers we have been pushed to our limits and experienced that this is where you truly grow. And with Covid-19 as a truly invasive companion we have been pushed to work with new methods and work around the general uncertainties following the conqsequences of the pandemic – just like everyone working with culture. In the beginning of 2022, we could finally feel spring coming, and the carnival being just around the corner – after a tough 2 years of lockdown. Hopeful, excited and a bit rusty we sped up the process of finishing the procession theatre piece finale: the Carnival Factory/Liberty float. Inviting a very skilled and experienced artistic director into the process most definitely forced us to up our game:

“It was two months before the carnival, and we had just presented the float to artistic director Charles Beauchamp the day before. He was there to help us with the finish touches of the float and to help guide the artistic process and make the result even better than the year before. But it became obvious that we were nowhere near the finish line and Charles did not pull his punches. The float was not ready and did not fulfill the vision we had for it. Artistically we had come to a stop and Charles needed to be the one to push us further. That meeting, where he told us about the many imperfections of the float really felt like a slap in the face. It came at a difficult time but was necessary for us to take the float a step further and create a more interesting parade float in the end. It was a slap that I am very thankful for now.

With the help of Charles, the team from Mandinga Arts and the hard work of the students, The Liberty float became our vision of freedom. Although we are happy with the results, it will always be a work in progress as there are many ways to develop upon the float.

I hope to see it travel to many carnivals and I hope that it can be used by many to fulfill their vision of freedom.” Sjaja Haddadi, director of Aalborg Carnival.

A rocky road ahead

Developing this piece entailed fantastic experiences for our organization both locally and internationally. Fantastic yet tough, and with a steep learning curve which skyrocketed in spring 2022. The many improvements had to be developed after

Der Beitrag des Aalborg Carnivals zum LIBERTYProjekt dreht sich um den Karnevalsfabrik/ Liberty-Wagen . Eine Darstellung des Begriffs der Freiheit im Rahmen einer Karnevalserfahrung. Das Gefühl, sich von Beschränkungen zu befreien, den Alltag zu vergessen und die Farben explodieren zu lassen – all das hat mit Karnevalstraditionen aus der ganzen Welt zu tun. Mit dem Wunsch, die verschiedenen Vorstellungen von Freiheit in einem Karnevalserlebnis darzustellen und einzuschließen, kreierten wir ein Prozessionstheaterstück, bei dem sich ein Wagen durch unsere Parade im Stadtzentrum von Aalborg im Frühjahr 2022 bewegte.

Es war ein Schlag ins Gesicht Als Organisation zu wachsen, ist nicht immer leicht. Während der dreijährigen Projektlaufzeit des LIBERYT-Projekts hatte der Aalborg Carnival das Vergnügen, zwei Festwagen zu bauen, zwei kreative Gemeinschaftsprojekte zu fördern und zwei Umzüge zu veranstalten. Mit dem Ziel, zu lernen und uns als kreative Produzent*innen weiterzuentwickeln, sind wir an unsere Grenzen gestoßen und haben die Erfahrung gemacht, dass man gerade hier wirklich wächst. Und mit Covid-19 als wirklich invasivem Begleiter wurden wir dazu gedrängt, mit neuen Methoden zu arbeiten und die damit verbundenen allgemeinen Unsicherheiten zu umgehen – wie jeder, der mit Kultur arbeitet. Anfang 2022 konnten wir endlich spüren, dass der Frühling kommt und der Karneval vor der Tür steht – nach zwei harten Jahren der Sperre. Hoffnungsvoll, aufgeregt und ein wenig eingerostet beschleunigten wir den Prozess der Fertigstellung des Theaterstücks zum Abschluss des Umzugs: der Wagen der Karnevalsfabrik/Liberty. Die Einladung eines sehr fähigen und erfahrenen künstlerischen Leiters in den Prozess zwang uns definitiv dazu, unser Spiel zu verbessern:

„Es war zwei Monate vor dem Karneval, und wir hatten den Wagen erst am Vortag dem künstlerischen Leiter Charles Beauchamp vorgestellt. Er sollte uns beim letzten Schliff des Wagens helfen und den künstlerischen Prozess lenken, damit das Ergebnis noch besser wird als im Jahr zuvor. Es wurde jedoch deutlich, dass wir noch lange nicht am Ziel waren, und Charles ließ sich nicht lumpen. Der Wagen war nicht fertig und entsprach nicht der Vision, die wir für ihn hatten. Künstlerisch waren wir an einem Endpunkt angelangt, und Charles musste derjenige sein, der uns weiter vorantreibt. Das Treffen, bei dem er uns die vielen Unzulänglichkeiten des Wagens mitteilte, fühlte sich wirklich wie ein Schlag ins Gesicht an. Es kam zu einem schwierigen Zeitpunkt, war aber notwendig, um den Wagen weiterzuentwickeln und am Ende einen interessanteren Umzugswagen zu gestalten. Es war eine Ohrfeige, für die ich jetzt sehr dankbar bin.

Mit der Hilfe von Charles, dem Team von Mandinga Arts und der harten Arbeit der Schüler*innen wurde der Liberty-Wagen zu unserer Vision von Freiheit. Obwohl wir mit dem Ergebnis zufrieden sind, wird es immer ein Projekt bleiben, denn es gibt viele Möglichkeiten, den Wagen weiterzuentwickeln.

Ich hoffe, dass er auf vielen Karnevalsveranstaltungen zu sehen sein wird und dass er von vielen genutzt werden kann, um ihre Vision von Freiheit zu verwirklichen.“ Sjaja Haddadi, Direktorin des Aalborger Karnevals.

the visit of Charles Beauchamp. Working remote and focusing on sharing ideas and possibilities over a very intense timeframe had a lot of ups and downs. Experiencing how a very limited timeframe restricts ideas blossoming was both frustrating yet motivating. We all had to think, develop, share, and execute very fast, which for sure trained our coordination muscles.

All combined the process has helped us develop as an organization which has gained valuable insight and knowledge of producing our own theatre pieces. Knowledge gained both through artistic discussions and sharing with our project partners and through the experience of producing a procession piece for the second time.

Furthermore, the project allowed us to build further on our yearlong collaboration with Mandinga Arts. Artistic director Charles Beauchamp and choreographer Anna Alvarez was artistic lead on the procession. Liberty project enabled us to invite students to partake in workshops and a performance led by Mandinga Arts.

Exploring expression, creativity, and identity

“The young participants, all first timers, delivered an outstanding performance and brought a very personal aspect to their contribution, coming from different backgrounds and cultures: this fitted in so well with the theme of Liberty.” Charles Beauchamp, artistic director of Mandinga Arts.

Developing a processional theatre piece with a group of young non-professional performers demanded experienced forces to join in on the project. It was important to us to explore and expand the possibilities of creating spaces for a group of young people to experience creative processes and gain knowledge of physical and bodily expression. Allowing them to explore the paradox of being a young person trying to find identity whilst wishing to fit in with the norms. It was an extremely valuable ex-

Ein steiniger Weg vor uns

Die Entwicklung dieses Stücks war für unsere Organisation sowohl lokal als auch international mit fantastischen Erfahrungen verbunden. Fantastisch, aber auch hart und mit einer steilen Lernkurve, die im Frühjahr 2022 in die Höhe schoss. Die vielen Verbesserungen mussten nach dem Besuch von Charles Beauchamp entwickelt werden. Die Fernarbeit und die Konzentration auf den Austausch von Ideen und Möglichkeiten in einem sehr intensiven Zeitrahmen hatte viele Höhen und Tiefen. Die Erfahrung, wie ein sehr begrenzter Zeitrahmen die Entfaltung von Ideen einschränkt, war sowohl frustrierend als auch motivierend. Wir mussten alle sehr schnell denken, entwickeln, austauschen und ausführen, was natürlich unsere Koordinationsmuskeln trainierte.

Insgesamt hat uns der Prozess als Organisation weiterentwickelt und wir haben wertvolle Erkenntnisse über die Produktion unseres eigenen Theaterstücks gewonnen. Durch künstlerische Diskussionen und den Austausch mit unseren Projektpartner*innen als auch durch die gewonnenen Erfahrungen ein Prozessionsstück zum zweiten Mal zu produzieren, haben wir viel Wissen gesammelt.

Darüber hinaus ermöglichte uns das Projekt, unsere jahrelange Zusammenarbeit mit Mandinga Arts weiter auszubauen. Der künstlerische Leiter Charles Beauchamp und die Choreografin Anna Alvarez hatten die künstlerische Leitung der Prozession inne. Das Liberty-Projekt ermöglichte es uns, Schüler*nnen zu Workshops und einer Aufführung unter der Leitung von Mandinga Arts einzuladen.

Erforschung von Ausdruck, Kreativität und Identität

„Die jungen Teilnehmer*innen, die allesamt zum ersten Mal dabei waren, lieferten eine herausragende Performance ab und brachten einen sehr persönlichen Aspekt durch ihren Beitrag ein, da

perience for us as organizers to focus on supporting the creation of a safe space for exploration and expression. Mandinga Arts’ crew has a lot of experience in working with community projects and therefor cultivate these safe spaces over time together with non-professional performers. Experiencing how these young individuals grew and became more and more confident within their characters was not only rewarding - it also proved to us how the notion of liberty not only lies within the procession theatre piece but is ingrained within the creative process itself.

“The best thing about attending the workshops was to feel free to be whoever you want. While the most difficult thing was to feel free with your body and be comfortable with your body and what you can do.” Viola, 18-year-old student.

What doesn’t kill you…

“This project was ambitious in concept and production. The experience for the Mandinga team was rewarding in many ways. The Aalborg team was outstanding, professional, motivated, and supportive throughout the drawn-out process. […] This community based creative project is one that has left all involved with a desire to carry on this rich collaborative journey!” Charles Beauchamp, artistic director of Mandinga Arts.

Reflecting on the process of exploring liberty and the notion of freedom through a 3-year long process has made it clear how much we have learned and grown as an organization and as creative producers. Exploring boundaries within own ideas both physically and mentally has trained us in being open and curious within the process. Being a part of an international project has made it possible for us to share with colleagues from different parts of Europe, which has broadened our perspective as well as inspired us.

Inviting young people into the process has left us in awe of their bravery. Working with their ideas and creativity has made us experience them grow and expand in their artistic expression.

“The best thing about attending the workshops and performance was to be a part of what I dreamed to be when I was a little kid. Thanks for changing something inside me. “ Anonymous young performer.

Experiencing a process with such a steep learning curve for us as an organization has been both tough and rewarding for us. And with statements such as above it can only leave us with the feeling of it was all worth it. Sjaja Haddadi•

sie aus unterschiedlichen Hintergründen und Kulturen stammen: Das passte so gut zum Thema Liberty.“ Charles Beauchamp, künstlerischer Leiter von Mandinga Arts.

Die Entwicklung eines Prozessions-Theaterstücks mit einer Gruppe junger Laiendarsteller*innen erforderte erfahrene Kräfte, die sich an dem Projekt beteiligten. Es war uns wichtig, die Möglichkeiten der Schaffung von Räumen für eine Gruppe junger Menschen zu erforschen und zu erweitern, in denen sie kreative Prozesse erleben und Kenntnisse über körperlichen und physischen Ausdruck erwerben können. Wir wollten ihnen die Möglichkeit geben, sich mit dem Paradoxon auseinanderzusetzen, dass ein junger Mensch auf der Suche nach seiner Identität ist und sich gleichzeitig in die Normen einfügen möchte. Für uns als Organisatoren war es eine äußerst wertvolle Erfahrung, die Schaffung eines sicheren Raums für Erkundung und Ausdruck zu unterstützen. Die Crew von Mandinga Arts hat viel Erfahrung in der Arbeit mit Gemeinschaftsprojekten und kultiviert daher diese sicheren Räume im Laufe der Zeit gemeinsam mit nicht-professionellen Darsteller*innen. Zu erleben, wie diese jungen Menschen wuchsen und mehr und mehr Selbstvertrauen in ihre Charaktere bekamen, war nicht nur lohnend – es bewies uns auch, dass der Begriff der Freiheit nicht nur im Prozessionstheaterstück selbst lag, sondern auch im kreativen Entwicklungsprozess.

„Das Beste an den Workshops war, dass man sich frei fühlen konnte, so zu sein, wie man wollte. Das Schwierigste war, sich mit seinem Körper frei zu fühlen und sich mit seinem Körper und dem, was man tun kann, wohl zu fühlen.“ Viola, 18-jährige Schülerin.

Was dich nicht umbringt... „Dieses Projekt war ehrgeizig in Konzept und Produktion. Die Erfahrung für das Mandinga-Team war in vielerlei Hinsicht lohnend. Das Team in Aalborg war während des gesamten langwierigen Prozesses hervorragend, professionell, motiviert und unterstützend. [...] Dieses gemeinschaftsbasierte kreative Projekt hat bei allen Beteiligten den Wunsch geweckt, diese reichhaltige gemeinschaftliche Reise fortzusetzen!" Charles Beauchamp, künstlerischer Leiter von Mandinga Arts.

Wenn wir über den Prozess der Erforschung der Freiheit und des Begriffs der Freiheit während eines dreijährigen Prozesses nachdenken, wird deutlich, wie viel wir als Organisation und als kreative Produzenten gelernt haben und gewachsen sind. Das Ausloten der Grenzen der eigenen Ideen, sowohl physisch als auch mental, hat uns darin geschult, offen und neugierig zu sein. Die Teilnahme an einem internationalen Projekt hat es uns ermöglicht, uns mit Kollegen aus verschiedenen Teilen Europas auszutauschen, was unseren Blickwinkel erweitert und uns inspiriert hat.

Die Einbindung junger Menschen in den Prozess hat uns Ehrfurcht vor ihrem Mut eingeflößt. Bei der Arbeit mit ihren Ideen und ihrer Kreativität konnten wir erleben, wie sie in ihrem künstlerischen Ausdruck wachsen und sich erweitern.

„Das Beste an den Workshops und der Aufführung war: Teil dessen zu sein, wovon ich als kleines Kind geträumt habe. Danke, dass ihr etwas in mir verändert habt“ Anonymer junger Darsteller.

Die Erfahrung eines Prozesses mit einer so steilen Lernkurve für uns als Organisation war für uns sowohl schwierig als auch lohnend. Und bei Aussagen wie der obigen können wir nur das Gefühl haben, dass es das alles wert war.•

HI EVERYONE

Center E8 – Belgrade, Serbia

HI EVERYONE is a transmedia storytelling project that pushes the boundaries and creates a new theater experience, reflecting the moment in which it is created. With the use of new media, mobile telephones and the Internet, as well as film - HI EVERYONE brings a new theatrical experience to the theater.

HI EVERYONE talks about the lives of young people in Belgrade, with a focus on the phenomenon INFLUENCER, as the new, most desirable profession among young people, all over the world. The play problematizes various issues and controversies related to this new occupation, starting with the question: is it a profession at all, and then what are the consequences that working on social networks and platforms leave on the psyche of the individual, but also on society as a whole. In this piece, the audience interacts with the performers live, in a public space and space performances, but also via telephone, social networks and the most famous internet platforms.

The plot of the play HI EVERYONE is based on five fictitious stories, carried by five dramatic characters. The five figures have influencing in common, however in different niches. The basic dramatic situation is that they are competing to become the most successful and best Influencer in Serbia. Production of Spotlight theater and Zoomer made a shortlist and brought these characters to live on stage, the audience decides with their votes, who will be chosen as a winner.

The show is directed by Vojkan ARSIĆ and written by the team of four dramaturgs: Minja BOGAVAC, Mila JOVANOVIĆ, Marija RATKOVIĆ and Sofija DIMITRIJEVIĆ. Actors and actresses involved in this play are: Tanja PETROVIĆ ŽIVKOVIĆ, Maja ŠUŠA, Nikola PAVLOVIĆ, Đorđe GALIĆ and Marko PANAJOTOVIĆ. Original music is played by DJ called MKDSL. •

HI EVERYONE ist ein transmediales StorytellingProjekt, das Grenzen überschreitet und ein neues Theatererlebnis schafft, das dem Moment angemessen ist, in dem es entsteht. Durch den Einsatz von neuen Medien, Mobiltelefone und Internet sowie Film bringt HI EVERYONE eine neue Theatererfahrung ins Theater.

HI EVERYONE erzählt vom Leben junger Menschen in Belgrad, mit einem Schwerpunkt auf das Phänomen INFLUENCER, dem neuen, begehrtesten Beruf unter jungen Menschen in der ganzen Welt. Das Stück problematisiert verschiedene Themen und Kontroversen im Zusammenhang mit diesem neuen Beruf, beginnend mit der Frage, ob es sich überhaupt um einen Beruf handelt und welche Folgen die Arbeit in sozialen Netzwerken und auf Plattformen für die Psyche des Einzelnen, aber auch für die Gesellschaft als Ganzes hat. In diesem Stück interagiert das Publikum live mit den Darsteller*innen, in einem öffentlichen Raum und in Raumperformances, aber auch über Telefon, soziale Netzwerke und die bekanntesten Internetplattformen.

Die Handlung des Stücks HI EVERYONE basiert auf fünf fiktiven Geschichten, die von fünf dramatischen Figuren getragen werden. Was die Figuren gemeinsam haben ist das Influencen, allerdings in verschiedenen Nischen. Die grundlegende dramatische Situation, in der sie sich befinden, ist der Wettbewerb um den besten Influencer in Serbien. Die Produktion des Theaters Spotlight und Zoomer haben eine Auswahlliste erstellt und diese Figuren auf die Bühne gebracht, aber über den Gewinner entscheidet das Publikum mit seinen Stimmen. •

Palermo, Italy CESIE

CESIE is a European centre of studies and initiatives founded in 2001 and inspired by the work of Danilo Dolci. The work of the sociologist, educator and poet -who arrived in Sicily in the early 1950s - was characterized by the use of nonviolent methods (“reverse” strikes, collective fasts, peace marches) and by working together with local people in the conception, development and organisation of every single activity. He also worked closely with teachers and university professors, as well as students and parents, in the grass roots transformation of the educational process/system using an approach that focused on the needs and motivations of the individual.

Moreover, CESIE benefits from a broad network of partners with more than 3000 civil society organisations, universities, schools, research centres, public authorities and private entities, youth centres, companies and entrepreneurs in the world. Along with other institutions and organisations, CESIE is currently implementing over 120 projects in more than 80 countries.

We base our work on the research on social needs and challenges as well as the use of innovative learning approaches to answer to these needs. In this way, CESIE actively connects research with action through the use of formal and non-formal learning methodologies, that include:

• the Reciprocal Maieutic Approach defined by Danilo Dolci as “collective exploration process that considers individuals’ experience and intuition as a reference point”

• Creative thinking techniques that stimulate ideas generation, problem-solving and the capacity of thinking out of the box individually and in a group

We do believe that education nourishes economic growth. Therefore, education promotes individual wellbeing as well as economic development of societies by stimulating innovation and entrepreneurship.

CCESIE ist ein 2001 gegründetes europäisches Studien- und Initiativzentrum, das durch die Arbeit von Danilo Dolci inspiriert wurde. Die Arbeit des Soziologen, Pädagogen und Dichters, der Anfang der 1950er Jahre nach Sizilien kam, war geprägt von der Anwendung gewaltfreier Methoden („umgekehrte“ Streiks, kollektives Fasten, Friedensmärsche) und der Zusammenarbeit mit der lokalen Bevölkerung bei der Konzeption, Entwicklung und Organisation jeder einzelnen Aktivität. Er arbeitete auch eng mit Lehrer*innen und Universitätsprofessor*innen sowie Schüler*innen und Eltern zusammen, um den Bildungsprozess und das Bildungssystem von Grund auf zu verändern, wobei er sich auf die Bedürfnisse und die Motivation des Einzelnen konzentrierte.

Darüber hinaus verfügt CESIE über ein breites Partnernetz mit mehr als 3000 Organisationen der Zivilgesellschaft, Universitäten, Schulen, Forschungszentren, Behörden und privaten Einrichtungen, Jugendzentren, Unternehmen und Unternehmer*innen in der ganzen Welt. Zusammen mit anderen Einrichtungen und Organisationen führt CESIE derzeit über 120 Projekte in mehr als 80 Ländern durch.

Wir stützen unsere Arbeit auf die Erforschung gesellschaftlicher Bedürfnisse und Herausforderungen sowie auf den Einsatz innovativer Lernansätze, um auf diese Bedürfnisse zu reagieren.

Auf diese Weise verbindet CESIE aktiv Forschung mit Aktion durch den Einsatz von formalen und nicht-formalen Lernmethoden, die Folgendes umfassen: • der reziproke mäeutische Ansatz, der von Danilo Dolci als „kollektiver Erkundungsprozess, der die Erfahrung und Intuition des Einzelnen als Bezugspunkt berücksichtigt“ definiert wird • Techniken des kreativen Denkens, die die Ideenfindung, die Problemlösung und die Fähigkeit, individuell und in der Gruppe über den Tellerrand hinauszuschauen, fördern

Wir glauben, dass Bildung das Wirtschaftswachstum fördert. Daher fördert Bildung sowohl das individuelle Wohlbefinden als auch die wirtschaftliche Entwicklung von Gesellschaften, indem sie Innovation und Unternehmertum anregt.

Musik-Residency - CESIE

Die wichtigste Umsetzungsaktivität von CESIE war die musikalische Residenz, die im Juli 2021 in Palermo stattfand. Die Veranstaltung war durch die Anwesenheit von COVID-19 gekennzeichnet, aber CESIE schaffte es, alle Hindernisse zu überwinden, indem es fünf Tage lang eine intensive musikalische Residency durchführte und dabei sechs unveröffentlichte Tracks produzierte – ein unglaubliches Ergebnis für die verfügbare Zeit. Die musikalische Residenz fand in den Räumlichkeiten von Cre.zi plus in Palermo statt und war geprägt von Momenten des kreativen Denkens, der Fantasie, des Brainstormings, von Jam-Sessions, technischen Vergleichen und Momenten des reinen Spaßes. Teilnehmende Künstler waren: Fabio „Tunaman“ Vaccaro (künstlerischer Leiter). Eine der repräsentativsten Stimmen des sizilianischen Reggae der letzten 10 Jahre, die wärmste, beliebteste und unverzichtbarste: das

Music Residency – CESIE

The main implementation activity carried out by CESIE was the musical residency held in Palermo in July 2021. The event was characterised by the presence of COVID-19 but CESIE managed to overcome all obstacles by creating 5 days of intense musical residency to the point of producing 6 unreleased tracks, an incredible result for the time available. The musical residency took place in the premises of Cre.zi plus in Palermo and was characterised by moments of creative thinking, imagination, brainstorming, jam sessions, technical comparisons and moments of pure fun. The artists who took part in this residency were: Fabio “Tunaman” Vaccaro (artist director). One of the most representative voices of Sicilian reggae in the last 10 years, the warmest, most beloved and indispensable: the consciousness of “palermitaneità” expressed in upbeat music. The pivotal point of Trinakriù, a pioneering and unforgettable line-up of Sicilian reggae, he has been an established soloist since 2004 and has played hundreds of concerts throughout Italy and Europe alongside some of the most famous names on the national scene. In 2006 he released his first official album “A Naturale” on the Zuingo com. of FidoGuido, and immediately entered the heart of the massive Italian sound systems that see in him the spokesman of the island's reggae, among the most recognizable. The album was a great success and Tunaman released several singles for various compilations, including WAR SIGNAL by Segnale Digitale and a 7-inch for Jahmekya rec. on “yard d'Italia” riddim that confirmed the weight of the artist within the Italian scene. He resumed his rightful place in the city moving among the ranks of the project P.A. all Bastardz, in 2011 he joined the roster of Catacomb rec. and in the same year the album “7 Carati” was released; from the first recordings in fact “7 kt” seems to show itself as the confirmation of the artist's reggae roots talent and shows a further evolution towards more conscious lyrics and melismas with a pure soul and R&B flavour.

Chris Obehi is a 23 year old Nigerian artist who has lived in Italy

CBewusstsein der „palermitaneità“, ausgedrückt in peppiger Musik. Als Dreh- und Angelpunkt von Trinakriù, einer bahnbrechenden und unvergesslichen Formation des sizilianischen Reggae, ist er seit 2004 ein etablierter Solist und hat Hunderte von Konzerte in ganz Italien und Europa an der Seite einiger der bekanntesten Namen der nationalen Szene gespielt. Im Jahr 2006 veröffentlichte er sein erstes offizielles Album „A Naturale“ auf der Zuingo com. von FidoGuido, und betrat sofort das Herz der massiven und italienischen Soundsysteme, die in ihm den Sprecher des Reggae der Insel, unter den bekanntesten sehen. Das Album war ein großer Erfolg und Tunaman veröffentlichte mehrere Singles für verschiedene Compilations, darunter WAR SIGNAL von Segnale Digitale und eine 7-Inch für Jahmekya rec. auf dem „Yard d'Italia“ Riddim, die das Gewicht des Künstlers innerhalb der italienischen Szene bestätigte. Er nahm seinen rechtmäßigen Platz in der Stadt wieder ein, indem er sich in die Reihen des Projekts P.A. all Bastardz einreihte, 2011 trat er dem Roster von Catacomb rec. bei und im selben Jahr wurde das Album „7 Carati“ veröffentlicht; von den ersten Aufnahmen an scheint sich „7 kt“ als die Bestätigung des ReggaeRoots-Talents des Künstlers zu erweisen und zeigt eine weitere Entwicklung hin zu bewussteren Texten und Melismen mit reinem Soul- und R&B-Geschmack.

Chris Obehi, ist ein 23-jähriger nigerianischer Künstler, der seit 5 Jahren in Italien lebt. Er ist ein Multi-Instrumentalist: „Als ich in Nigeria lebte, lernte ich Bassgitarre, Klavier, Schlagzeug und Percussions zu spielen. Erst als ich nach Italien kam, brachte ich mir selbst das Gitarrenspiel bei, begann zu singen und meine eigenen Lieder zu komponieren. Dank Francesco Riotta, Sänger und Bandleader von ‚Famiglia del Sud‘, entdeckte ich die Musik von Rosa Balistreri, einer traditionellen sizilianischen Folksängerin. Wenn ich ihre Lieder singe, spüre ich die Emotionen Siziliens, einer Insel, die zu meiner zweiten Heimat geworden ist. Durch ein vom Palermo Festival gedrehtes Video wurde ich in Sizilien und darüber hinaus für mein Rosa Balistreri-Cover bekannt und lernte dadurch meinen Produzenten Fabio Rizzo vom Label 800A Record

CESIE musicians: Collaborations at the local level

for 5 years. He is a multi-instrumentalist: “When I was in Nigeria, I learnt how to play bass guitar, piano, drums and percussions. It was just when I came to Italy that I taught myself to play the guitar, I started singing and composing my own songs. Thanks to Francesco Riotta, singer and bandleader of “Famiglia del Sud”, I discovered the music of Rosa Balistreri, a Sicilian traditional folk singer. Singing her songs make me feel the emotion of Sicily, an island that has become my second home. Due to a video made by Palermo Festival I became well known in Sicily and beyond for my Rosa Balistreri cover and thanks to this I met my producer Fabio Rizzo of the label 800A Record. On 30th March 2020 I released my first album Obehi. My songs are mostly inspired by my own life experiences and current events.” Obehi contains afrobeat, afro-funk, pop and reggae music. In his songs he mixes different languages, such as English, Pidgin, Italian and Esan, his mother tongue. On July, 6th, 2021 his first two music videos were released, connected by the common themes of violation of human rights and abuse of power. Maksym Kokoiev is a Ukrainian musician based in Italy. His backround varies from studying theatre, classical guitar and violin to making electronic music and producing almost any genre he is up to at the moment. He‘s a computer geek, a prog rock-odd time headbanger, rave dancer, sound design teacher, an all-rounder and he's starting to produce his own SLAV style trap music for the Italian scene. The one and only, Max Koko!

Esdra Sciortino, aka ESDRA, is a 20 year old songwriter from Palermo. An eclectic artist who knows how to express herself both in music and through images, through illustrations, photos and videos. Someone called her a “punk flower”. During her school years she studied piano, art and entered the world of music thanks to minor projects that allowed her to experiment and develop her own style of writing and composition, inspired by the Italian singer-songwriters of the 70s, with indie and post-punk contaminations. In 2019 she decided to embark on a solo project and spent a gap year in Hungary as a volunteer. On her return, she joined the 800A Records roster. In her lyrics ESDRA uses an ageless language, each sentence is a sequence of clear images that evoke universally lived situations, touching everything with great delicacy and enveloping intimacy.

Aurora Macaluso is 21 years old. She takes up playing classical guitar at the age of 11, during middle school. She decides to continue studying at the conservatory and falls in love with the piano. She continues to play both instruments, piano and guitar; although she has a classical background, she would like to play different genres of music, trying to find a new “music world” in which she can be in peace and free.

Salvatore Celasia, aka Salvat, born in 2001, saw his musical birth with Hard To Handle, a rock, funk and blues band, made up of six musicians, of which he is still an integral part and has been a singer for two years now. He began his solo project the year after he met the five of them, and began to enjoy ambient music of various genres and then independent songwriting on the American and Italian scene. Mainly dedicated to studying the piano, he alternates the instrument with the guitar, which he has been playing as an amateur for about four years.

Emanuele Spatola born in 1993 in Palermo, he is a sound designer, sound engineer and composer. He attained the Bachelor's Degree in Electronic Music, Sound Engineering and Sound Design

kennen. Am 30. März 2020 habe ich mein erstes Album Obehi veröffentlicht. Meine Songs sind meist von meinen eigenen Lebenserfahrungen und aktuellen Ereignissen inspiriert.“ Obehi enthält Afrobeat, Afro-Funk, Pop und Reggae-Musik. In seinen Liedern mischt er verschiedene Sprachen, wie Englisch, Pidgin, Italienisch und Esan, seine Muttersprache.

Am 6. Juli 2021 wurden seine ersten beiden Musikvideos veröffentlicht, die die Verletzung von Menschenrechten und den Missbrauch von Macht zum Thema haben.

Maksym Kokoiev ist ein ukrainischer Musiker, der in Italien lebt. Er studierte Theaterwissenschaften, klassische Gitarre und Geige, macht elektronische Musik und produziert fast jedes Genre, das ihm gerade einfällt. Er ist ein Computerfreak, ein ProgRock-Headbanger, ein Rave-Tänzer, ein Sounddesign-Lehrer, ein Allrounder und er beginnt, seine eigene Trap-Musik im SLAV-Stil für die italienische Szene zu produzieren. Der unvergleichliche Max Koko!

Esdra Sciortino, alias ESDRA, ist ein 20-jähriger Songwriter aus Palermo. Eine eklektische Künstlerin, die es versteht, sich sowohl musikalisch als auch durch Bilder, Illustrationen, Fotos und Videos auszudrücken. Jemand nannte sie eine „PunkBlume“. Während ihrer Schulzeit studierte sie Klavier und Kunst und betrat die Welt der Musik dank kleinerer Projekte, die es ihr ermöglichten, zu experimentieren und ihren eigenen Schreibund Kompositionsstil zu entwickeln, der von den italienischen Singer-Songwritern der 70er Jahre inspiriert ist und mit Indie und Post-Punk kontaminiert wurde. 2019 beschloss sie, ein Soloprojekt in Angriff zu nehmen und verbrachte ein freiwilliges Jahr in Ungarn. Nach ihrer Rückkehr trat sie dem 800A Records Roster bei. In ihren Texten verwendet ESDRA eine zeitlose Sprache, jeder Satz ist eine Abfolge von klaren Bildern, die universell gelebte Situationen heraufbeschwören und alles mit großer Zartheit und umhüllender Intimität berühren.

Aurora Macaluso ist 21 Jahre alt. Im Alter von 11 Jahren, während der Mittelschule, beginnt sie, klassische Gitarre zu spielen. Sie beschließt, ihr Studium am Konservatorium fortzusetzen und verliebt sich in das Klavier. Sie spielt weiterhin beide Instrumente, Klavier und Gitarre; obwohl sie einen klassischen Hintergrund hat, würde sie gerne verschiedene Musikrichtungen spielen und versuchen, eine neue „Musikwelt“ zu finden, in der sie in Frieden und Freiheit leben kann.

Salvatore Celasia, alias Salvat, geboren 2001, erlebte seine musikalische Geburt mit Hard To Handle, einer Rock-, Funkund Bluesband, die aus sechs Musikern besteht und in der er seit zwei Jahren als Sänger mitwirkt. Im Jahr, nachdem er die fünf kennengelernt hatte, startete er sein Soloprojekt und begann, sich mit Ambient-Musik verschiedener Genres und anschließend mit unabhängigem Songwriting in der amerikanischen und italienischen Szene zu beschäftigen. Er widmet sich hauptsächlich dem Studium des Klaviers und wechselt dieses Instrument mit der Gitarre ab, die er seit etwa vier Jahren als Amateur spielt.

Emanuele Spatola, geboren 1993 in Palermo, ist Sounddesigner, Toningenieur und Komponist. Er absolviert den BachelorAbschluss in elektronischer Musik, Tontechnik und Sounddesign am Konservatorium von Palermo „Alessandro Scarlatti“. Emanuele ist ein elektronischer Produzent. Er macht Techno-Ambient

at the Conservatory of Palermo “Alessandro Scarlatti”. Emanuele is an electronic producer. He made techno ambient and has a collateral project known as CalibroDiscoMachine. He takes the bright aesthetics of disco and adds a significant amount of house groove, making laid-back but propulsive club tracks.

Rebecca Carruba Toscano Idemudie, aka Rebulaid, is a 21-year-old singer-songwriter from Palermo. A disruptive personality and the product of different cultures and experiences, she began her approach to music at an early age, having grown up in an environment where music was always present. She then attended music school, studying piano and singing. She joined the music label 800A with her first new album and today she has developed her own musical style, partly inspired by artists such as Billie Eilish and Dua Lipa, but above all inspired by her own life experiences.

International artists who joined the residency by video: Obeto Joshua Junior, Nigeria. He was born and brought up in Edo state, he started developing his passion for music at the age of 12 in the church, so he started looking for people to teach him more and he also started following one of his drum teacher Solomon Devon, and many others. Later he started playing with a band in Auchi, Edo state, after which he was invited to Benin city for different concerts. He loves juju afro beat and gospel music. He also gets inspired by Femi Kuti, and so many others, he also played in a gospel band in Omega Fire Ministry at some point before he went to northern Nigeria. But because of political issues, he came back home.

David Ikekhua is from Nigeria and was born in 1992. He grew up in Warri Delta State and started music at the age of 12 when he joined the choir in church: “I love rap music a lot and afro music, I was inspired by Eminem and lil Wayne. In the afro beat life style world, I love fela-anikulapo-kuti kind of music.” When he came in contact with a friend in Christ Embassy Church, he introduced him, after presenting a freestyle rap to music production. With his own computer he started creating beats at home, so most of his friends keep on calling him “housemusic”.•

Cund hat ein Nebenprojekt, das als CalibroDiscoMachine bekannt ist. Er nimmt die helle Ästhetik von Disco und fügt eine beträchtliche Menge an House-Groove hinzu, um entspannte, aber treibende Clubtracks zu produzieren. Rebecca Carruba Toscano Idemudie, alias Rebulaid, ist eine 21-jährige Singer-Songwriterin aus Palermo. Sie ist das Produkt verschiedener Kulturen und Erfahrungen und begann schon früh, sich der Musik zu nähern, da sie in einem Umfeld aufwuchs, in dem Musik immer präsent war. Anschließend besuchte sie eine Musikschule und studierte Klavier und Gesang. Mit ihrem ersten Album trat sie dem Musiklabel 800A bei. Heute hat sie ihren eigenen Musikstil entwickelt, der zum Teil von Künstlern wie Billie Eilish und Dua Lipa, vor allem aber von ihren eigenen Lebenserfahrungen inspiriert ist. Internationale Künstler, die per Video an der Residenz teilgenommen haben: Obeto Joshua Junior, Nigeria. Geboren und aufgewachsen im Bundesstaat Edo, begann er seine Leidenschaft für die Musik im Alter von 12 Jahren in der Kirche zu entwickeln und suchte nach Leuten, die ihm mehr beibringen konnten. Später begann er mit einer Band in Auchi im Bundesstaat Edo zu spielen, woraufhin er für verschiedene Konzerte nach Benin City eingeladen wurde. Er liebt Juju-Afro-Beat und Gospelmusik über alles. Er ließ sich auch von Femi Kuti und vielen anderen inspirieren und spielte irgendwann in einer Gospel-Band des Omega-Fire-Ministeriums, bevor er nach Nordnigeria ging. Aber wegen politischer Probleme kam er zurück in seine Heimat.

David Ikekhua ist aus Nigeria und wurde 1992 geboren. Er wuchs in Warri im Bundesstaat Delta auf und begann im Alter von 12 Jahren mit der Musik, als er dem Kirchenchor beitrat: „Ich liebe Rap-Musik sehr und Afro-Musik, ich wurde von Eminem und Lil Wayne inspiriert. In der Welt des Afro-Beat-Lifestyles liebe ich die Musik von Fela-Anikulapo-Kuti.“ Als er mit einem Freund in der Christ Embassy Church in Kontakt kam, führte dieser ihn, nachdem er einen Freestyle-Rap vorgetragen hatte, in die Musikproduktion ein. Mit seinem eigenen Computer fing er an, zu Hause Beats zu produzieren, so dass die meisten seiner Freunde ihn weiterhin „Housemusic“ nennen.•

CESIE audience: Focus on societal needs focus

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a little BREEZE

CNC danse Berck, France

As part of the ‘Liberty’ project, we created and performed a choreographic piece on the theme of freedom. It is a solo for very young audiences (three years and older) as well as for adults. This piece, entitled “a little breeze” uses the wind as a metaphor for free movement on the planet. On this occasion, young children took part in choreographic workshops in which we tackled the themes of the limit, the border, the constrained space and its opposites. A very good way to reflect on the subject of freedom.

The show

With the play, “Un petit courant d’air” (a little breeze), Nathalie Cornille invites us to share a reflection on freedom.

A dancer discovers a space constrained by a limitation, like a border. Little by little, she finds the path to freedom, like a current of air that nothing can stop. The poetic images and the metaphor of the wind as a symbol of freedom lead us into a whirlwind of softness where everything becomes possible. The blue is like a changing sky, a colour that is both soft and evocative of landscape and travel.

The wind has no borders, it sometimes changes its name but nothing stops it, neither walls nor men. It slips, it sneaks, it pushes, it intrudes, it becomes gentle or violent, it caresses or it pushes, it swirls, its path is free, it sings, it whistles, it falls but never gives up.

The plastic installations of Jean-Jacques Lefevre, a faithful companion of Nathalie Cornille, provide a backdrop for a poetic and sensitive choreography. The scenography of the duet has already allowed us to discover contemplative creations such as the “nesting boxes” of the show “Pépiements”, the room of “dormir, rêver peut-être”, or the giant origami of the show “Madame Butterfly”.

The dance travels in an imaginary world where objects enter into movement as partners on stage. •

concept, choreography and performance - Nathalie Cornille; set design, lighting and technic - Jean Jacques Lefevre; music – Ryopi, John Metcalf, Doris Day, Max Richter - Vivaldi 4 seasons; Costumes – nellC; images – Eazyfeurz; Co-productions: CNC dance, CA2BM (Communauté d’Agglomérations des 2 Baies en Montreuillois), Hauts de France Region Department of Pas-de-Calais

In-residence: Media library of Berck sur Mer (62), Le Fliers Hall, Rang du Fliers (62), City of Lépine (62), François Mitterrand Cultural Centre in Tergnier (02), Espace Ronny Coutteure in Grenay (62), Théâtre Municipal de Montreuil sur Mer - CA2BM (62), Le Phénix in Outreau (62)

This show is created in the framework of the project “LIBERTY” CREATIVE EUROPE, European cultural development programme involving 12 European countries, including France The Compagnie Nathalie Cornille is supported by The Hauts de France Regional Council, The General Council of Pas-deCalais, Creative Europe (European Fund for Culture)

I breathe, you breathe, he breathes... the same air.

I feel, you feel, he feels... the same wind.

a little breeze, soft, sneaks in, beyond the walls, carries and lifts, jostles and caresses, nothing stops him, this headwind, sometimes stormy, flees the mills, follows the path, free tomorrow.

CNC dance - Nathalie Cornille

Ich atme, du atmest, er atmet... dieselbe Luft. Ich fühle, du fühlst, er fühlt... den gleichen Wind.

ein kleiner Luftzug, sanft, schleicht sich herein, jenseits der Mauern, trägt und hebt, stößt und streichelt,

nichts hält ihn auf, dieser Gegenwind, manchmal stürmisch, flieht die Mühlen, folgt dem Weg, morgen frei.

CNC-Tanz - Nathalie Cornille

Im Rahmen des Projekts „Liberty“ haben wir ein choreografisches Stück zum Thema Freiheit erarbeitet und aufgeführt. Es handelt sich um ein Solo, das sich sowohl an ein sehr junges Publikum (ab drei Jahren) als auch an Erwachsene richtet. In diesem Stück mit dem Titel „Un petit courant d‘air“ (eine kleine Brise) steht der Wind als Metapher für die freie Bewegung auf der Erde. Bei dieser Gelegenheit nahmen junge Kinder an choreografischen Workshops teil, in denen wir uns mit den Themen der Grenze, der Begrenzung, des eingeschränkten Raums und seiner Gegensätze auseinandersetzten. Eine sehr gute Möglichkeit, über das Thema Freiheit nachzudenken.

Die Aufführung

Mit dem Stück „Un petit courant d‘air“ (eine kleine Brise) lädt uns Nathalie Cornille zu einer gemeinsamen Reflexion über die Freiheit ein.

Eine Tänzerin entdeckt einen Raum, der durch eine Absperrung begrenzt ist, wie eine Grenze. Nach und nach findet sie den Weg in die Freiheit, wie ein Luftstrom, den nichts aufhalten kann. Die poetischen Bilder und die Metapher des Windes als Symbol der Freiheit führen uns in einen Wirbelwind der Sanftheit, in dem alles möglich wird. Das Blau ist wie ein sich verändernder Himmel, eine Farbe, die sowohl sanft ist als auch an Landschaft und Reisen denken lässt.

Der Wind hat keine Grenzen, er ändert manchmal seinen Namen, aber nichts hält ihn auf, weder Mauern noch Menschen. Er gleitet, er schleicht, er stößt, er dringt ein, er wird sanft oder heftig, er streichelt oder stößt, er wirbelt, sein Weg ist frei, er singt, er pfeift, er fällt, aber er gibt nie auf.

Die plastischen Installationen von Jean-Jacques Lefevre, einem treuen Begleiter von Nathalie Cornille, bilden den Rahmen für eine poetische und sensible Choreografie. Die Szenografie des Duos hat uns bereits kontemplative Kreationen wie die „Nistkästen“ der Show „Pépiements“, den Raum von „dormir, rêver peut-être“ oder das riesige Origami der Show „Madame Butterfly“ entdecken lassen.

Der Tanz bewegt sich in einer imaginären Welt, in der Objekte als Partner auf der Bühne in Bewegung treten. •

Konzept, Choreografie und Performance - Nathalie Cornille; Bühnenbild, Beleuchtung und Technik - Jean Jacques Lefevre; Musik - Ryopi, John Metcalf, Doris Day, Max Richter - Vivaldi 4 seasons; Kostüme - nellC; Bilder - Eazyfeurz; Koproduktionen: CNC dance, CA2BM (Communauté d‘Agglomérations des 2 Baies en Montreuillois), Region Hauts de France, Departement Pas-de-Calais

Spielorte: Mediathek von Berck sur Mer (62), Saal Le Fliers, Rang du Fliers (62), Stadt Lépine (62), Kulturzentrum François Mitterrand in Tergnier (02), Espace Ronny Coutteure in Grenay (62), Théâtre Municipal de Montreuil sur Mer - CA2BM (62), Le Phénix in Outreau (62)

Die Show wurde im Rahmen des Projekts „LIBERTY“ CREATIVE EUROPE, einem europäischen Kulturentwicklungsprogramm, an dem 12 europäische Länder, darunter Frankreich, beteiligt sind, entwickelt

Die Compagnie Nathalie Cornille wird unterstützt durch den Regionalrat Hauts de France, den Generalrat von Pas-deCalais, Creative Europe (Europäischer Kulturfonds)

Foto: Martin Kunze

EXPLORA

Rome, Italy

Explora, the children’s museum of Rome, has worked in education since 2001 producing exhibits and activities for pupils from 0 to 11 years old. As a children’s museum our work is oriented towards the principle of universality envisioned in the Convention on the Right of Children (CRC). Within the Liberty project, this principle was declared as the need for all children to be part of the community and to be equal and independent from nationalities, religions and languages. For LIBERTY’s project, Explora organized two Festivals and an exhibition: Liberty Festival and Exhibition in 2021 and Digital Outdoor Festival in 2022.

The Liberty Festival was held in February 2021 and starting from four video tutorials on the themes of childhood and adolescence realized by two illustrators Gabriele Genova with “Pupi in movimento“ and “Pupi valorosi paladini“ and Chiara Ficarelli with “Un metro tutto mio“ and “Un piccolo ascensore tutto mio“. Explora proposed a series of live workshops for children and families that take place in the green area of the Museum.

During the Festival, Explora created physical and virtual exhibitions of the Canvas realised by national and international artists on the Convention on the Right of Children. To foster the visibility of canvas, Explora created a series of video tutorials to explain the international rights of children. This initiative called “Creative & digital ateliers: discovering Liberty” focus on three rights:

• The Principle of Universality, Art. 2 “Let us discover universality and make a game out of a curious canvas character”.

• The Right To Express, Art. 13 “Let’s build a tic-tac-toe and play with the right to express ourselves”.

• The Right To Be Protected, Art. 20. “Let us turn a crocodile into a pantograph to discover the right to be defended”.

All video tutorials developed proposed several games that children can perform autonomously in their home during Covid-19 restrictions and museum’s closing. Furthermore to support adults during this critical period, Explora created a series of podcasts targeting adults. Each podcast is an in-depth analysis of international rights, inspiring the painting of artists and reflecting on how they are linked to challenges of modern society. These podcasts were realized by four experts (Azzurra Rinaldi, Head of the School of Gender Economics at the University of Rome Unitelma Sapienza; Raffaele Barberio, President of Privacy Italia and Director of Key4biz; Emilia Garito, CEO of Quantum Leap and tech transfer advisor; Alessandra Lisciani, Head of Ludattica) and have been published on Spotify.

After the re-opening of the museum, Explora fostered the visibility of the Liberty Project with three days in September of free workshops for children and families. The workshop “Paper Chef Laboratory” was designed by Cristina Damiani and engage children in creative activities with paper and imagination (https:// www.mdbr.it/chef-di-carta/)

EExplora, das Kindermuseum in Rom, arbeitet seit 2001 im Bereich der Bildung und stellt Exponate und Aktivitäten für Kinder von 0 bis 11 Jahren aus. Als Kindermuseum orientiert sich unsere Arbeit am Grundsatz der Universalität, der in der Kinderrechtskonvention (CRC) vorgesehen ist. Im Rahmen des Liberty-Projekts wurde dieses Prinzip als das Bedürfnis aller Kinder deklariert, Teil der Gemeinschaft und unabhängig von Nationalitäten, Religionen und Sprachen gleichberechtigt zu sein.

Im Rahmen des LIBERTY-Projekts organisierte Explora zwei Festivals und eine Ausstellung: Liberty Festival und Ausstellung im Jahr 2021 und Digital Outdoor Festival im Jahr 2022.

Das Liberty Festival fand im Februar 2021 statt. Ausgehend von vier Videotutorials zu den Themen Kindheit und Jugend, die von zwei Illustratoren, Gabriele Genova mit „Pupi in movimento“ und „Pupi valorosi paladini“ und Chiara Ficarelli mit „Un metro tutto mio“ und „Un piccolo ascensore tutto mio“, realisiert wurden, schlug Explora eine Reihe von Live-Workshops für Kinder und Familien vor, die in der Grünanlage des Museums stattfanden.

Während des Festivals hat Explora physische und virtuelle Ausstellungen von Leinwänden geschaffen, die von nationalen und internationalen Künstlern zum Thema Kinderrechtskonvention realisiert wurden. Um die Sichtbarkeit der Leinwand zu fördern, erstellte Explora eine Reihe von Videotutorials, um die internationalen Kinderrechte zu erklären. Diese Initiative mit dem Titel „Creative & digital ateliers: discovering Liberty“ konzentriert sich auf drei Rechte:

• Das Prinzip der Universalität, Art. 2 „Lasst uns die Universalität entdecken und ein Spiel aus einer kuriosen Leinwandfigur machen“.

• Das Recht auf Ausdruck, Art. 13 „Lasst uns ein Tic-Tac-Toe bauen und mit dem Freiheit spielen, uns auszudrücken“.

• Das Recht, geschützt zu werden, Art. 20. „Lass uns ein Krokodil in einen Stromabnehmer verwandeln, um das Anrecht zu entdecken, geschützt zu werden“.

Alle entwickelten Video-Tutorials schlagen mehrere Spiele vor, die Kinder während der Sperrung des Covid-19 und der Schließung des Museums selbstständig zu Hause durchführen konnten. Um Erwachsene in dieser kritischen Zeit zu unterstützen, hat Explora eine Reihe von Podcasts für Erwachsene entwickelt. Jeder Podcast ist eine eingehende Analyse der internationalen Rechte, inspiriert die Malerei von Künstler*innen und reflektiert, wie diese mit den Herausforderungen der modernen Gesellschaft verbunden sind. Diese Podcasts wurden von vier Experten (Azzurra Rinaldi, Leiterin der School of Gender Economics an der Universität Rom Unitelma Sapienza; Raffaele Barberio, Präsident von Privacy Italia und Direktor von Key4biz; Emilia Garito, CEO von Quantum Leap und Beraterin für Technologietransfer; Alessandra Lisciani, Leiterin von Ludattica) erstellt und auf Spotify veröffentlicht.

For the Digital Outdoor Season, Explora focused its attention on the Art.13 of the CRC (Freedom of expression) and it proposed a digital exhibit (“Feed my Emotion”) on empathy and recognition of emotion with the Digital collective and artists Ultravioletto and Michal Zemel. The idea of this installation “Feed my Emotion” originated by the assumption that means of expressions are verbal and non verbal and that self awareness is a fundamental asset to establishing respectful dialogues with others. This installation works through facial recognition software, asking people and children to simulate 6 basic emotions (fear, anger, disgust, happiness, sadness, surprise) hoping to stimulate reflections on emotions and empathy.

At the end of each turn, the game leaves an open-ended question, “Do you remember when the last time was you felt this way?” to emphasize the fundamental importance of awareness of emotion and freedom of expression. In this way, the play leaves a chance for each child to express himself and to start a journey through their own feelings, giving more or less value to the individual episodes that have happened throughout their life.

At the end of October 2022 Explora realized additional activities for the Digital Outdoor Festival working on the sense of community and freedom of expression through postcards as a means of connection. The decision to focus on postcards rely

Nach der Wiedereröffnung des Museums förderte Explora die Sichtbarkeit des Liberty-Projekts mit drei Tagen im September mit kostenlosen Workshops für Kinder und Familien. Der Workshop „Paper Chef Laboratory“ wurde von Cristina Damiani konzipiert und regte Kinder zu kreativen Aktivitäten mit Papier und Fantasie an (https://www.mdbr.it/chef-di-carta/)

Für die digitale Freiluftsaison konzentrierte sich Explora auf Artikel 13 der KRK (Recht auf freie Meinungsäußerung) und schlug zusammen mit dem Digital-Kollektiv und den Künstlern Ultravioletto und Michal Zemel eine digitale Ausstellung („Feed my Emotion“) zum Thema Empathie und Erkennung von Gefühlen vor. Die Idee dieser Installation „Feed my Emotion“ geht von der Annahme aus, dass es verbale und nonverbale Ausdrucksmittel gibt und dass die Selbstwahrnehmung ein grundlegender Faktor für den Aufbau eines respektvollen Dialogs mit anderen ist. Die Installation arbeitet mit einer Gesichtserkennungssoftware, die Menschen und Kinder auffordert, sechs Grundemotionen (Angst, Wut, Ekel, Freude, Traurigkeit, Überraschung) zu simulieren und zum Nachdenken über Emotionen und Empathie anzuregen.

Am Ende jeder Runde lässt das Spiel die Frage offen: „Erinnern Sie sich, wann Sie sich das letzte Mal so gefühlt haben?“, um die grundlegende Bedeutung des Gefühlsbewusstseins und der Freiheit des Ausdrucks zu betonen. Auf diese Weise gibt das Spiel jedem Kind die Möglichkeit, sich selbst auszudrücken und eine Reise durch seine eigenen Gefühle anzutreten, indem es den einzelnen Episoden, die in seinem Leben passiert sind, mehr oder weniger Wert beimisst.

Ende Oktober 2022 realisierte Explora zusätzliche Aktivitäten für das Digital Outdoor Festival, die sich mit dem Gemeinschaftsgefühl und der freien Meinungsäußerung durch Postkarten als Mittel der Verbindung befassten. Die Entscheidung, sich auf Postkarten zu konzentrieren, beruht auf der Annahme, dass Postkarten seit mehr als einem Jahrhundert das kreativste Kommunikationsmittel sind, und da sie auf der ganzen Welt für Grüße, Gedanken oder gute Wünsche verschickt werden, verkörpern sie den Geist der Verbindung und des Ausdrucks.

on the assumption that postcards have been the most creative means of communication for more than a century and since they have been sent all over the world for greetings, thoughts or good wishes they encapsulate the spirit of connection and expression.

For this new PostcART’s project four illustrators were chosen to create eight postcards and four workshops. All postcards express and interpret the concept of freedom and community using original characters, architecture, flora, fauna and lots of bright colors capable of telling a story of a world in which difference is nothing but an added value for the whole community.

During the workshop performed by the artist, children will realize postcards they can send to international partners, friends and their loved ones, fostering empathy and emotional connection among people.

To enhance the visibility of PostcART’s project, the artististic postcards will be disseminated into five public libraries and all postcards contain a QR code which brings a video tutorial for families and children.

The journey of Explora within Liberty’s project, moves its steps from the recognition of fundamental rights and ends with activities enabling people to connect through practices of care which sustain the personal fulfillment of all human beings.

During all this path, artistic cooperation has been fundamental in the recodification and interpretation of abstract and rational concepts in accessible and simple practices recalling the social purpose of art in our everyday lifes.•

Für dieses neue Projekt von PostcART wurden vier Illustratoren ausgewählt, die acht Postkarten und vier Workshops gestalteten. Alle Postkarten bringen das Konzept von Freiheit und Gemeinschaft zum Ausdruck und interpretieren es mit Hilfe von originellen Figuren, Architektur, Flora, Fauna und vielen leuchtenden Farben, die eine Geschichte von einer Welt erzählen, in der Unterschiede nichts anderes als ein Mehrwert für die gesamte Gemeinschaft sind.

Während des von der Künstler*innen durchgeführten Workshops werden die Kinder Postkarten gestalten, die sie an ihre internationalen Bekannte und deren Angehörige schicken können, um so die Empathie und die emotionale Bindung zwischen den Menschen zu fördern.

Um die Sichtbarkeit des PostcART-Projekts zu erhöhen, werden die Postkarten der Künstler*innen in fünf öffentlichen Bibliotheken verteilt, und alle Postkarten enthalten einen QR-Code, der ein Video-Tutorial für Familien und Kinder enthält.

Die Reise von Explora im Rahmen des Liberty-Projekts geht von der Anerkennung der menschlichen Grundrechte aus und endet mit Aktivitäten, die es uns ermöglichen, Menschen durch Praktiken der Fürsorge zu verbinden, die die persönliche Entfaltung aller Menschen unterstützen.

Auf diesem Weg war die künstlerische Zusammenarbeit von grundlegender Bedeutung für die Umschreibung und Interpretation abstrakter und rationaler Konzepte in zugängliche und einfache Praktiken, die an den sozialen Zweck der Kunst in unserem täglichen Leben erinnern.•

FREEDOM TO RESPOND

In three years, two major disruptions of global proportions and significant repercussions took place. With the pandemic and the consequent confinements, which put a stop to life as we know it, we started to view art, as well as cultural events, differently. We linked the two with digitalization, thus setting new boundaries for art itself and challenging its free status.

The second interruption to our creative routine is, undoubtably, the war in the Ukraine. The mere thought of Europe being at war again after more than seventy years made us all scared and raised in us certain doubts that made us question how we value freedom. Suddenly, we started thinking about freedom through the reactions of the unfree. The artistic production that was being created at the time and is now being presented to others echoes exactly that.

Art has always been created in a free spirit, which allowed it to evolve and offer us a wide variety of derivations and updates. Above all, art longs for answers, for dialogue, and it is only when art is observed, watched, read and heard, that it can enjoy its own liberation.

The Liberty project offered hope to the artists involved. The hope that they would receive royalties for their work, that they would get technical support for their ideas. The hope that there is someone else who is thinking alongside them as they reflect. The artists took up the invitation to reflect on their relationship with other European artists, to get to know each other and to exchange their definitions of freedom and unfreedom.

Fundamentally, Liberty encourages youth creativity and offers, creates, as well as facilitates, creative conditions for young people. Conditions in which young artists do not need to question the financial aspects of a project, but can simply create. Pionirski dom – Centre for Youth Culture is proud to have been able, with the help of a project, such as Liberty, to offer artists under the age of 30 the experience of commissioning a work of art, the contents of which were left to their originality and use their own artistic language. While it is true that their work was left to free artistic expression, this does not mean, however, that everything was allowed in the process of creation, namely it is worth pointing out that an individual can become numb when they are faced with a space devoid of constraints, without any pre-delivered instructions, etc.

For the Liberty project, we, the public institution, smoothed out the building structure. It was an open-air gallery which offered the residents of Ljubljana, as well as other visitors of our institution on Vilharjeva cesta, a new view of the modernist architecture of Gospodarsko razstavišče – Ljubljana Exhibition and Convention Centre and Jože Plečnik’s Baraga Seminary, which was partially built in the aftermath of the war, but remained unfinished due to the resignation of the great Slovenian architect. The construction of the building was interrupted by the war and the new era brought with it other, new, unfinished modernizations and realizations. Although Pionirski dom, along with Mladinsko Theatre, as well as Akademski kolegij, often form a circular floor plan, we have built, for the present project, a new building block in this architectural concept, which will see its completion and architectural extension in the future.

The installation is merely a framework and a skeleton, into which the author’s narratives of »freedom« in eight large formats measuring 2 by 3 metres, have been embedded. It is certain that young artists do not come across such large commis

Innerhalb von drei Jahren kam es zu zwei großen Störungen von globalem Ausmaß und mit erheblichen Auswirkungen. Mit der Pandemie und den daraus resultierenden Einschränkungen, die das Leben, wie wir es kennen, zum Erliegen brachten, begannen wir, Kunst und kulturelle Ereignisse anders zu betrachten. Wir verbanden kulturelles Schaffen mit der Digitalisierung und setzten damit der Kunst selbst neue Grenzen und stellten ihren freien Status in Frage.

Die zweite Unterbrechung unserer kreativen Routine ist zweifelsohne der Krieg in der Ukraine. Allein der Gedanke, dass sich Europa nach mehr als siebzig Jahren wieder im Krieg befindet, hat uns alle erschreckt und in uns gewisse Zweifel geweckt, die uns den Wert der Freiheit in Frage stellen ließen. Plötzlich fingen wir an, über die Freiheit durch die Reaktionen der Unfreien nachzudenken. Die künstlerische Produktion, die damals entstand und nun anderen präsentiert wird, spiegelt genau das wider.

Kunst ist immer in einem freien Geist entstanden, der es ihr ermöglichte, sich zu entwickeln und uns eine Vielzahl von Ableitungen und Aktualisierungen zu bieten. Vor allem sehnt sich die Kunst nach Antworten, nach dem Dialog, und nur wenn sie beobachtet, gesehen, gelesen und gehört wird, kann sie ihre eigene Befreiung genießen.

Das Projekt Liberty gab den beteiligten Künstler*innen Hoffnung. Die Hoffnung, dass sie Honorare für ihre Arbeit erhalten würden, dass sie technische Unterstützung für ihre Ideen bekommen würden. Die Hoffnung, dass es jemanden gibt, der mit ihnen denkt, während sie nachdenken. Die Künstler nahmen die Einladung an, über ihre Beziehung zu anderen europäischen Künstler*innen nachzudenken, sich gegenseitig kennen zu lernen und ihre Definitionen von Freiheit und Unfreiheit auszutauschen.

Im Grunde fördert Liberty die Kreativität junger Menschen und bietet, schafft und erleichtert kreative Bedingungen für junge Menschen. Bedingungen, unter denen junge Künstler*innen nicht die finanziellen Aspekte eines Projekts hinterfragen müssen, sondern einfach nur schaffen können. Pionirski dom – Zentrum für Jugendkultur ist stolz darauf, mit Hilfe eines Projekts wie Liberty Künstler*innen unter 30 Jahren die Erfahrung bieten zu können, ein Kunstwerk in Auftrag zu geben, dessen Inhalt ihrer Originalität und der Verwendung ihrer eigenen künstlerischen Sprache überlassen wurde. Es stimmt zwar, dass ihr Werk dem freien künstlerischen Ausdruck überlassen wurde, aber das bedeutet nicht, dass im Schaffensprozess alles erlaubt war, denn es sei darauf hingewiesen, dass ein Individuum gefühllos werden kann, wenn es sich in einem Raum ohne Zwänge, ohne vorgegebene Anweisungen usw. befindet.

Für das Projekt Liberty haben wir, die öffentliche Einrichtung, die Gebäudestruktur geglättet. Es handelte sich um eine OpenAir-Galerie, die den Bewohner*innen von Ljubljana sowie anderen Besuchern unserer Einrichtung auf der Vilharjeva cesta einen neuen Blick auf die modernistische Architektur des Gospodarsko razstavišče – Ljubljana Exhibition and Convention Centre und das Baraga-Seminar von Jože Plečnik bot, das nach dem Krieg teilweise gebaut wurde, aber aufgrund des Rücktritts des Architekten unvollendet blieb. Der Bau des Gebäudes wurde durch den Krieg unterbrochen, und die neue Zeit brachte andere, neue, unvollendete Modernisierungen und Realisierungen mit sich. Obwohl der Pionirski Dom zusammen mit dem Mladinsko-Theater und dem Akademski Kolegij einen kreisförmigen Grundriss bildet, haben wir für das vorliegende Projekt einen neuen Baustein

sions and art surfaces often, but our four artists, Maruša Meglič, LoMilo, Lidija Zeneripa and Eske Toubord, have carried out their task more than perfectly. Each artist expressed freedom in their own way. Toubord drew on childish playfulness and staged freedom, for example, with a bunch of balloons stretching across the vast format. Maruša Meglič’s large orange circular design can be associated with the rising sun, while in the second half of the format, the two bands continue to the edge of the format, beyond the structure itself. With the help of graffiti sprays, LoMilo divides the format into smaller sub formats, where freedom can be caught in tiny dots and spray traces. In a formal repetition, Lidija Zeneripa plays with a glowing form which reminds the viewer of the burning sun in the distance.

In the month of June, a group of young dancers, under the mentorship and authorship of Ana Romih, made sure that this space, the space between, the passage space, the underpass, got new life, created new memories, became a new experience. With their dance performance, the young people made sure that the ordinary flow of life, which often entails rushing from one errand to the other or catching a train, stopped or slowed down. The dancers made sure that for the duration of their performance, the viewer could observe the space. Through movement and dance they looked for answers to the question. “What is freedom?” What is unfreedom?”. We will never again be the same and we will always wish to have more freedom...

These projects, which flowed through our creative time, also influenced all the other programs created by our public institution. Teachers, mentors and other staff members of the institute, we saw ourselves in these realisations. We saw diversity and opportunity, what the possibilities are, how something can be done differently, and above all, we brought - all these experiences, all these artistic statements - into our continuous programs.

Art has no boundaries. Art is fundamentally free. We, as individuals, are invited to step outside the boundaries of previously established frames and allow ourselves to respond, to look, to relive, to experience, etc. The result of the project is not measured by the number of visitors and spectators, but rather by the many people who were able to think about freedom with us and who were able to take the time, at least for a short while, to think about unfreedom as well. It is only then that freedom acquires its meaning, which we must cherish at all times and with which we have to create new artistic events where we will not be isolated from the world, but rather we will find ways to incorporate art into our own world. Let freedom, and with it artistic expression, become our everyday life.

That is why this project was so valuable, because it both encouraged us and rewarded us. The project offered us numerous possibilities in the proposed pre-defined content, which each person could adapt in their own way, according to local specificities and abilities, into a system in which we ourselves are the most at home, friendly, coherent and, last but not least, free. With these freedoms, it is imperative that today we reflect on how culture and art should save people during times of confinement and the pandemic – were culture and art rewarded for the role that they played during those times? Cultural workers were not rewarded for all the efforts and experiments that they made through various platforms. However, we, the cultural workers, were existentially secured and in this we sought freedom. Above

TO SLOW DOWN THE ORDINARY FLOW OF LIFE DEN GEWÖHNLICHEN FLUSS DES LEBENS VERLANGSAMEN

in diesem architektonischen Konzept errichtet, der in Zukunft seine Vollendung und architektonische Erweiterung erfahren wird.

Die Installation ist lediglich ein Rahmen und ein Skelett, in das die Erzählungen des Autors über „Freiheit“ in acht Großformaten von 2 mal 3 Metern eingebettet sind. Es ist sicher, dass junge Künstler*innen nicht oft mit solch großen Aufträgen und Kunstflächen konfrontiert werden, aber unsere vier Künstler*innen, Maruša Meglič, LoMilo, Lidija Zeneripa und Eske Toubord, haben ihre Aufgabe mehr als perfekt gelöst. Jede Künstlerin drückte die Freiheit auf ihre eigene Weise aus. Toubord setzte auf kindliche Verspieltheit und inszenierte die Freiheit zum Beispiel mit einem Haufen Luftballons, die sich über das riesige Format erstreckten. Maruša Megličs großes, orangefarbenes, kreisförmiges Design kann mit der aufgehenden Sonne in Verbindung gebracht werden, während sich die beiden Bänder in der zweiten Hälfte des Formats bis zum Rand des Formats, über die Struktur selbst hinaus, fortsetzen. Mit Hilfe von GraffitiSprays unterteilt LoMilo das Format in kleinere Unterformate, in denen die Freiheit in winzigen Punkten und Sprühspuren eingefangen werden kann. In einer formalen Wiederholung spielt Lidija Zeneripa mit einer glühenden Form, die den Betrachter an die brennende Sonne in der Ferne erinnert.

Im Juni sorgte eine Gruppe junger Tänzer*innen unter der Mentorschaft und Autorschaft von Ana Romih dafür, dass dieser Raum, der Zwischenraum, der Durchgangsraum, die Unterführung, neues Leben bekam, neue Erinnerungen schuf und zu einer neuen Erfahrung wurde. Mit ihrer Tanzperformance sorgten die Jugendlichen dafür, dass der gewöhnliche Fluss des Lebens, der oft darin besteht, von einer Besorgung zur nächsten zu eilen oder einen Zug zu erwischen, angehalten oder verlangsamt wurde. Die Tänzer*innen sorgten dafür, dass der Zuschauer für die Dauer ihrer Aufführung diesen Raum beobachten konnten, und dass sie durch Bewegung und Tanz, nach Antworten auf die Frage:

all, we sought opportunities to earn money, which was made possible by the Creative Europe programme.

Every analysis needs samples. Indeed, it needs as many examples as possible, so that they can be compared and properly analysed. And this is where the Liberty project has succeeded from its very conception, namely, in the name of the project itself is a play on the word “freedom”. This freedom can be found in the choice, the arrangement, or the commitment of the individual, the project community, the product. Without predefined formulas and definitions, we have created freely and this is perhaps the most valuable and the most important thing that will underpin the project. From the very start of the project, its objectives were so broad and so accessible to everyone that just about every project within Liberty could achieve a number of objectives, even those that were accidental and not planned in advance. At least part of the artistic production will continue to be presented to the wider community. One such project was prepared by our own Pionirski dom – Centre for Youth Culture on the occasion of the Likfest art festival. The works of the aforementioned artists are still in dialogue with the wider community. Boris Beja•

„Was ist Freiheit? Und was ist Unfreiheit?“ suchten. Wir werden nie wieder dieselben sein, und wir werden uns immer wünschen, freier zu sein ...

Diese Projekte, die sich durch unsere kreative Zeit zogen, beeinflussten auch alle anderen Programme, die von unserer öffentlichen Einrichtung entwickelt wurden. Lehrer, Mentoren und andere Mitarbeiter*innen des Instituts sahen uns selbst in den Realisierungen. Wir sahen die Vielfalt und die Chancen, was möglich ist, wie etwas anders gemacht werden kann, und vor allem brachten wir – all diese Erfahrungen, all diese künstlerischen Aussagen – in unsere laufenden Programme ein. Kunst hat keine Grenzen. Kunst ist von Grund auf frei. Wir als Individuen sind hier eingeladen, die Grenzen des vorher festgelegten Rahmens zu überschreiten und uns zu erlauben, zu reagieren, zu schauen, neu zu erleben, zu erfahren, usw. Das Ergebnis des Projekts wird nicht an der Zahl der Besucher und Zuschauer gemessen, sondern an den vielen Menschen, die mit uns über Freiheit nachdenken konnten und die sich die Zeit nehmen konnten, zumindest für eine kurze Zeit auch über Unfreiheit nachzudenken. Erst dann bekommt Freiheit ihren Sinn, die wir immer wieder pflegen müssen, mit der wir neue künstlerische Ereignisse schaffen müssen, durch die wir uns nicht von der Welt abkapseln, sondern Wege finden, die Kunst in unsere eigene Welt zu integrieren. Lassen wir die Freiheit und damit den künstlerischen Ausdruck zu unserem Alltag werden.

Dieses Projekt war daher so wertvoll. Es hat uns sowohl ermutigt als auch belohnt. Das Projekt bot uns zahlreiche Möglichkeiten in den vorgeschlagenen vordefinierten Inhalten, die jeder auf seine Weise, je nach lokalen Besonderheiten und Fähigkeiten, in ein System einbauen konnte, in dem wir uns selbst am wohlsten fühlen, freundlich, kohärent und nicht zuletzt frei. Angesichts dieser Freiheiten müssen wir heute unbedingt darüber nachdenken, wie Kultur und Kunst die Menschen in Zeiten der Enge und der Pandemie retten sollten – wurden Kultur und Kunst für die Rolle belohnt, die sie in diesen Zeiten gespielt haben? Die Kulturschaffenden wurden nicht für all die Bemühungen und Experimente belohnt, die sie auf verschiedenen Plattformen unternommen haben. Wir, die Kulturschaffenden, waren jedoch existenziell zufrieden und suchten darin nach Freiheit. Vor allem suchten wir nach Möglichkeiten, Geld zu verdienen, was durch das Creative Europe Programm ermöglicht wurde.

Jede Analyse braucht Beispiele. Ja, sie braucht möglichst viele Beispiele, damit sie verglichen und richtig analysiert werden können. Und genau das ist dem Projekt Liberty von Anfang an gelungen, denn der Name des Projekts ist ein Spiel mit dem Wort „Freiheit“. Diese Freiheit kann in der Wahl, der Gestaltung oder dem Engagement des Einzelnen, der Projektgemeinschaft, des Produkts liegen. Ohne vordefinierte Formeln und Definitionen haben wir frei geschaffen, und das ist vielleicht das Wertvollste und Wichtigste, was dem Projekt zugrunde liegen wird. Von Anfang an waren die Ziele des Projekts so breit gefächert und für alle zugänglich, dass fast jedes Projekt im Rahmen von Liberty eine Reihe von Ziele erreichen konnte, auch solche, die zufällig und nicht im Voraus geplant waren. Zumindest ein Teil der künstlerischen Produktion wird weiterhin der breiten Öffentlichkeit präsentiert. Ein solches Projekt wurde von unserem eigenen Pionirski DomZentrum für Jugendkultur anlässlich des Kunstfestivals Likfest vorbereitet. Die Werke der genannten Künstler*innen stehen weiterhin im Dialog mit der breiten Öffentlichkeit. Boris Beja

LOVE & LIBERTY –

Z GENERATION MANIFESTO

SIBIU Festival –Sibiu, Romania

Throughout time, freedom has been a subject for creation, analysis, research, debate, questioning. Philosophers, historians, politicians and artists have tried to define it, analyze it and illustrate it, along with the great themes of humanity: love, truth, justice.

If we imagine a history of social, political and artistic manifestations of freedom, we can see that they all meet at a common point: the need of the human being to be recognized, validated by the other or, as Hegel writes in the Phenomenology of Spirit, the need for free expression of positive self-esteem.

An attempt to define freedom in general without contextualization can be a trap, that is why in each of the developed projects we wanted to talk about individual and personal freedoms.

The first project developed by the Radu Stanca National Theater within the Liberty project is Aici/Here. The performance captures what freedom may mean for today's youth, with the aim of helping them know and affirm their positions in relation to power (political, civic, social, intimate), especially in relation to their identity (or the projection they have of who they are and what they want to be and how freedom relates to that) and space (understood as the power to move and transform through knowledge). The participants were young people between the ages of 10 and 18, who were chosen through an open call.

The second project, Romeo and Juliet, after Shakespeare, directed by Andriy Zholdak, the last activity of the Radu Stanca Sibiu National Theater within the Liberty Project, financed by the Creative Europe program, talks about the personal freedom of the youngsters who form Generation Z. The performance is produced by the Radu Stanca National Theater Sibiu in coproduction with the Theater Department of the Faculty of Letters and Arts within Lucian Blaga University of Sibiu. The cast of the show includes students and young theater actors. The average age is 24 years young.

Generation Z is the first to flourish in the digital age. Everything must be immediate for them, they live within a continuos here and now, they react immediately and expect immediate reaction, waiting and time function within their own laws, quite differently from those of other generations. Some have named Generation Z the loneliest generation, who spends endless hours online, and is almost always accompanied by depression, isolation, anxiety.

Seit jeher ist die Freiheit ein grundsätzliches Thema des Erschaffens. Philosophen, Historiker, Politiker und Künstler haben versucht Freiheit zu definieren, zu analysieren und zu illustrieren, zusammen mit den großen Themen der Menschheit: Liebe, Wahrheit, Gerechtigkeit.

Wenn wir uns eine Geschichte der sozialen, politischen und künstlerischen Manifestationen der Freiheit vorstellen, können wir sehen, dass sie sich alle an einem gemeinsamen Punkt treffen: das Bedürfnis des Menschen, vom anderen anerkannt und bestätigt zu werden, oder, wie Hegel in der „Phänomenologie des Geistes“ schreibt, das Bedürfnis nach freiem Ausdruck eines positiven Selbstwertgefühls.

Der Versuch, Freiheit allgemein und ohne Kontextualisierung zu definieren, kann eine Falle sein, weshalb wir in jedem der entwickelten Projekte über individuelle und persönliche Freiheiten sprechen wollten.

Das erste Projekt, das vom Radu Stanca National Theater im Rahmen des Liberty-Projekts entwickelt wurde, ist Aici/Here. Die Aufführung zeigt, was Freiheit für die heutige Jugend bedeuten kann, mit dem Ziel, ihnen zu helfen, ihre Position in Bezug auf Macht (politisch, bürgerlich, sozial, intim) zu erkennen und zu bekräftigen, insbesondere in Bezug auf ihre Identität (oder die Vorstellung, die sie davon haben, wer sie sind und was sie sein wollen, und wie Freiheit damit zusammenhängt) und Raum (verstanden als die Macht, sich zu bewegen und durch Wissen zu verändern). Die Teilnehmer waren junge Menschen im Alter von 10 und 18 Jahren, die im Rahmen einer offenen Ausschreibung ausgewählt wurden.

Das zweite Projekt war „Romeo und Julia“ nach Shakespeare, unter der Regie von Andriy Zholdak. Die letzte Produktion des Nationaltheaters Radu Stanca Sibiu im Rahmen des LibertyProjekts, das vom Creative Europe Programm finanziert wurde, handelt von der persönlichen Freiheit der Jugendlichen die zur Generation Z gehören. Zur Besetzung der Show gehören Student*innen und junge Theaterschauspieler*innen. Das Durchschnittsalter liegt bei 24 Jahren.

Die Generation Z ist die erste, die im digitalen Zeitalter aufblüht. Für sie muss alles sofort sein, sie leben in einem kontinuierlichen Hier und Jetzt, sie reagieren sofort und erwarten eine sofortige Reaktion, Warten und Zeit funktionieren nach eigenen Gesetzen, ganz anders als bei anderen Generationen. Einige haben die Generation Z als die einsamste Generation bezeichnet, die endlose Stunden online verbringt und fast immer von Depressionen, Isolation und Angst begleitet wird.

Die Romeo-und-Julia-Performance ist das Theater- und Lebensmanifest einer Generation junger Kreativer, die die Überlegenheit der Freiheit im Angesicht von allem – sogar des Todes –bekräftigen. Die Show beginnt als explosive Modenschau, bei der die unsterblichen Figuren auf dem Laufsteg vorgestellt werden. Romeo kommt aus dem Club zurück, wo er auf unbedeutende Leidenschaften stößt, Julia ist auf einem Dauerlauf; die Zeit ist zu einer hohen musikalischen Note komprimiert und es ist der Beat, der das Herz schlagen lässt. Das heißt, bis er Julia begegnet.

Inszenierung des Nationaltheaters Radu Stanca Sibiu: Lebensmanifest einer jungen, kreativen Generation

»ROMEO AND JULIET IS A JOURNEY INTO THE BOUNDLESS SPACE OF LOVE. NO LOGIC OR MORALITY, NO MOURNING AND CONTEMPT, NO BOREDOM, NO COMMENTARY. HERE, ATTRACTION IS THE FIRST LAW OF PHYSICS. AND THE FORCE WITH WHICH THE YOUNG PEOPLE ACCELERATE TOWARDS EACH OTHER FEELS AS THOUGH THEY WERE FALLING INTO THE ABYSS.« ANDRIY ZHOLDAK

The Romeo and Juliet performance is the theatrical and live manifesto of a generation of young creators who affirm the supremacy of freedom in face of everything – even death. The show sets off as an explosive fashion show, in which the immortal characters are introduced on the cat walk. Romeo comes back from the club where he comes across insignificant passions, Juliet is on a continuous run; time is compressed into a high musical note and it is the beat that gives the heart beat. That is until he meets Juliet.

Two rival families, two young people who transform the hatred inherited from their parents into undying love. Eternal Verona. Andriy Zholdak, the director of the show, took this classic love story and remixed it, adapted it to the profile of Generation Z, for whom love is no longer called love, but feeling, passion, in absence of patience, logic, compromise. The well-known Ukrainian director renders the story of the two lovers in a non-linear cinematic montage approach, applying a surrealist filter and letting the poetic language of Shakespeare shine in a shower of meteors. „Romeo and Juliet is a journey into the boundless space of love. No logic or morality, no mourning and contempt, no boredom, no commentary. Here, attraction is the first law of physics. And the force with which the young people accelerate towards each other feels as though they were falling into the abyss. Because where desire arises, envy arises, where light falls, shadow threatens. A black wing, a cry, in the middle of a dance floor.” (Andriy Zholdak)

In Zholdak's performance you find love and freedom only once you face, both as an actor and as spectator, borderline situations, situations facing death. Only then can life, music, youth, love and freedom be achieved. The manifesto embodied by the director, together with the young team of actors, is the manifesto of BEING: present, alive, young, beautiful.

Zwei rivalisierende Familien, zwei junge Menschen, die den von ihren Eltern geerbten Hass in unsterbliche Liebe verwandeln. Ewiges Verona. Andriy Zholdak, der Regisseur der Show, hat diese klassische Liebesgeschichte neu gemischt und an das Profil der Generation Z angepasst, für die Liebe nicht mehr Liebe heißt, sondern Gefühl, Leidenschaft, ohne Geduld, Logik, Kompromisse. Der bekannte ukrainische Regisseur setzt die Geschichte der beiden Liebenden in einer nicht-linearen Filmmontage um, verwendet einen surrealistischen Filter und lässt die poetische Sprache von Shakespeare in einem Meteoritenregen erstrahlen. „Romeo und Julia ist eine Reise in den grenzenlosen Raum der Liebe. Keine Logik oder Moral, keine Trauer und Verachtung, keine Langeweile, kein Kommentar. Hier ist die Anziehung das erste Gesetz der Physik. Und die Kraft, mit der die jungen Menschen aufeinander zustürmen, fühlt sich an, als würden sie in den Abgrund stürzen. Denn wo Begehren entsteht, entsteht Neid, wo Licht fällt, droht Schatten. Ein schwarzer Flügel, ein Schrei, mitten auf der Tanzfläche.“ (Andriy Zholdak)

In Zholdaks Performance findet man erst dann Liebe und Freiheit, wenn man sich sowohl als Schauspieler als auch als Zuschauer Grenzsituationen, Situationen im Angesicht des Todes, stellt. Nur dann können Leben, Musik, Jugend, Liebe und Freiheit erreicht werden. Das Manifest, das der Regisseur zusammen mit dem jungen Schauspielerteam verkörpert, ist das Manifest des SEINS: präsent, lebendig, jung, schön.

»ROMEO UND JULIA IST EINE REISE IN DEN GRENZENLOSEN RAUM DER LIEBE. KEINE LOGIK ODER MORAL, KEINE TRAUER UND VERACHTUNG, KEINE LANGEWEILE, KEIN KOMMENTAR. HIER IST DIE ANZIEHUNG DAS ERSTE GESETZ DER PHYSIK. UND DIE KRAFT, MIT DER DIE JUNGEN MENSCHEN AUFEINANDER ZUSTÜRMEN, FÜHLT SICH AN, ALS WÜRDEN SIE IN DEN ABGRUND STÜRZEN.« ANDRIY ZHOLDAK

Andriy Zholdak, Ukrainian theatre and opera director, born in Kyiv, studied Theater directing in Moscow, under the guidance of Anatoli Vasiliev. He has staged performances and operas in Ukraine, France, Russia, Romania, Germany, Switzerland, Finland, Sweden, Macedonia, Belgium, Poland, Montenegro. He received the UNESCO prize for performing arts in 2004, and the Russian Golden Mask Prize for best Opera and Directing for his staging of Tchaikovsky’s “Eugene Onegin” for Mikhailovski Theatre in St Petersburg (2014) and Best Ensemble for Chekhov’s Three Sisters at Alexandrinski Theatre (2016). His staging of Tchaikovsky’s opera The Enchantress at Lyon Opera was declared best performance of 2019 at OPER Awards in Germany and nominated for best production at the World OPER Awards in 2020.

Andriy Zholdak, ukrainischer Theater- und Opernregisseur, geboren in Kiew, studierte Theaterregie in Moskau unter der Leitung von Anatoli Vasiliev. Er hat Aufführungen und Opern in der Ukraine, Frankreich, Russland, Rumänien, Deutschland, der Schweiz, Finnland, Schweden, Mazedonien, Belgien, Polen und Montenegro inszeniert. Er erhielt 2004 den UNESCO-Preis für darstellende Künste und den russischen Preis der Goldenen Maske für die beste Oper und Regie für seine Inszenierung von Tschaikowskis „Eugen Onegin“ am Mikhailovski-Theater in St. Petersburg (2014) und das beste Ensemble für Tschechows „Drei Schwestern“ am Alexandrinski-Theater (2016). Seine Inszenierung von Tschaikowskys Oper „Die Zauberin“ an der Oper Lyon wurde bei den OPER Awards in Deutschland zur besten Aufführung des Jahres 2019 erklärt und bei den World OPER Awards im Jahr 2020 für die beste Inszenierung nominiert.

Daniel Zholdak, der Bühnenbildner, wurde in Kiew (Ukraine) geboren. Er studierte und absolvierte eine Ausbildung als Maler, Bühnen- und Kostümbildner an der Nationalen Akademie der Darstellenden Künste und Architektur in Kiew. Er hat ein langjähriges Interesse an Videodesign. Seit 2014 arbeitet er kontinuierlich mit Andriy Zholdak als Bühnen- und Kostümbildner zusammen, u. a. bei den Aufführungen „Electra“ (Mazedonisches Nationaltheater, Skopje,2014), „Zholdak Dreams: Gefühlsdieb“ (Bolschoi-Dramatheater Tovstonogov, St. Petersburg), „Auf der anderen Seite des Vorhangs“ und „Nana“ (Alexandrinsky-Theater, St. Petersburg), „Solaris“ (Koproduktion Wiener Festwochen, Wien/Österreich und Mazedonisches Nationaltheater, Skopje), „Die Zauberin“ und „Blaubarts Burg“ (Oper für die Oper in Lyon 2019 und 2021).

Daniel Zholdak, the set designer, was born in Kyiv (Ukraine). He has studied and trained as a painter, set and costume designer at the National Academy of Fine Arts and Architecture in Kyiv. He has a longstanding interest in video design. Since 2014 he has been constantly working with Andriy Zholdak as set and costume designer, including the performances “Electra” (Macedonian National Theatre, Skopje,2014), “Zholdak Dreams: Feelings Thieves” (Bolshoi Drama Theatre Tovstonogov, St Petersburg), On the other side of the Curtain” and “Nana” (Alexandrinsky Theatre, St Petersburg), “Solaris” (coproduction Wiener Festwochen, Vienna/ Austria and Macedonian National Theatre, Skopje), “The Enchantress” and “Bluebeard’s Castel” (opera for the Lyon Opera in 2019 and 2021), Yan Zholdak, the costume designer, was born in Kyiv and raised in Berlin. He studied fashion design in Berlin and has worked as costume designer for the performances of Andriy Zholdak since 2018.

Romeo And Juliet by W. Shakespeare

Director - Andriy Zholdak; Co-set design, music, lights, videoAndriy Zholdak; Set design - Daniel Zholdak; Costumes - Yan Zholdak; Assistant director, interpreter - Valeriu Andriut , ă; Prompter, assistant director: Corina Predescu; Project manager - Claudia Maior; Marketing coordinator - Luminit , a Bîrsan; Project assistant - Violeta Buduleci; Set design assistant - Ștefania Dogariu. Cast: Crina Dumitrașcu, Radu Costea, Iustinian Turcu, Andrei Gîlcescu, Gabriela Pîrlit , eanu, Horia Fedorca, Alexandru Malaicu, Ștefan Tunsoiu, Antonia Dobocan, Ada Bicfalvi, Emilia Ivan , Gabriel Muncuș, Mihai Mocanu, Ana Toda, Andrada Oltean Claudia Maior coordinates the Romanian Section of the Radu Stanca National Theater Sibiu and is a lecturer with the Theater Department of the Faculty of Letters and Arts within Lucian Blaga University of Sibiu. Text: Claudia Maior; Photo: Hruby Carol•

Yan Zholdak, der Kostümbildner, ist in Kiew geboren und in Berlin aufgewachsen. Er studierte Modedesign in Berlin und ist seit 2018 als Kostümbildner für die Aufführungen von Andriy Zholdak tätig.

Romeo und Julia von W. Shakespeare Regie - Andriy Zholdak; Co-Bühnenbild, Musik, Licht, VideoAndriy Zholdak; Bühnenbild - Daniel Zholdak; Kostüme - Yan Zholdak; Regieassistenz, Dolmetscher - Valeriu Andriut , ă; Prompter, Regieassistenz: Corina Predescu; Projektleiterin - Claudia Maior; Marketingkoordinatorin - Luminit , a Bîrsan; Projektassistentin - Violeta Buduleci; Bühnenbildassistentin - Ștefania Dogariu. Darsteller: Crina Dumitrașcu, Radu Costea, Iustinian Turcu, Andrei Gîlcescu, Gabriela Pîrlit , eanu, Horia Fedorca, Alexandru Malaicu, Ștefan Tunsoiu, Antonia Dobocan, Ada Bicfalvi, Emilia Ivan , Gabriel Muncuș, Mihai Mocanu, Ana Toda, Andrada Oltean. Claudia Maior koordiniert die rumänische Abteilung des Radu Stanca Nationaltheaters Sibiu und ist Dozentin an der Theaterabteilung der Fakultät für Literatur und Kunst der Lucian-BlagaUniversität Sibiu.•

(Energiebedarfsausweis: 19,1 kWh /(m²·a), En.-Träger: Gas/Umweltwärme)

»DENN WO BEGEHREN ENTSTEHT, ENTSTEHT NEID, WO LICHT FÄLLT, DROHT SCHATTEN. EIN SCHWARZER FLÜGEL, EIN SCHREI, MITTEN AUF DER TANZFLÄCHE.« ANDRIY ZHOLDAK

altonale und STAMP –Hamburg, Germany

LIBERTY, “FREEDOM”, A EUROPEAN PROJECT WITH 12 EUROPEAN PARTNERS, IS NEARING ITS END AFTER THREE EXCITING YEARS OF CREATIVE COLLABORATION. LIBERTY, „FREIHEIT“, EIN EUROPÄISCHES PROJEKT MIT 12 EUROPÄISCHEN PARTNERN, NÄHERT SICH NACH DREI AUFREGENDEN JAHREN DER KREATIVEN ZUSAMMENARBEIT SEINEM ENDE.

What has happened in these three years, Europe is redefining itself, borders are shifting, refugees are moving in unprecedented dimensions, a pandemic is shaking up the world and a war is raging near us.

This project, aimed at young artists, has faced up to the new challenges in its lifetime, negotiating and redefining positions together. Never before have young people been confronted with such a rapidly changing society to such an extent. Their creativity and artistic orientation have also often had to redefine themselves and adapt to different circumstances. What role does art take, does it have the power to reposition itself, to take a stand and to have an influence in these times.

Words like independence, unboundedness, dissociation, autarky, self-sufficiency, self-reliance have played a major role in the discussions and artistic orientations. Lack of freedom of movement and poor social contacts have been a great challenge for young artists.

The pandemic also confronted us as an organization with many new tasks, we had to plan not „year to year“ but rather „month to month“. Artistic planning was difficult. It had to be reviewed, changed and adapted to the new regulations many times. Questions were and had to be asked; e.g. „Can we continue as an organization“; „How do we continue as an organization“; „How can we support artists“, „How do we launch new creative projects“, „Where is the audience and how do we reach them“. As a festival for public space, our freedom of design and creative projects have been and continue to be severely limited.

Some partners have been confronted with political changes in their country during this period that have challenged the freedom of art on a wide variety of levels, limiting spaces for movement and almost completely precluding further participation in European projects.

Politics should not judge art or even try to instrumentalize it through guidelines. Politics must back up art. We trust in the strength of art and cultural diversity in Europe. Culture is created through exchange, not through isolation. It must be defended, cultural participation promoted and the social security of artists improved. Art is free, it does not have to please and it must not serve. Only this way can it develop its innovative power and continually open up new perspectives for us.

We fight for the freedom of art!

But how exciting it was and is to experience that young artists did not give up, but looked for new possibilities of implementation, generated new audiences, added new definitions to the public space, sought the confrontation and we as European project partners were able to accompany them on this path.

Excerpts from the projects implemented by the EU project LIBERTY, by altonale and STAMP Festival:

Wavelength Europe, a film in which people wave at the camera as an expression of solidarity with their fellow human beings. A sensitive portrait of our time, realized by multimedia photographer Claudia Janke.

LIBERTIKONS, 360 degree projections on large spheres. Young artists have translated their concept of freedom into film or photos and made them visible in the darkness on large spheres. Büro für Wunschwerte (Office of wishful data), das_Explorativ created another statistic about the district Ottensen, over the course of 6 weeks in their office, Büro für Wunschwerte. The

result is an exhibition of creative accounts and visions for the district Ottensen. At the end of the performance, the somewhat different statistics were presented to the Altona City Hall as a special citizen‘s view of the district.

Superpower, Superkräfte für Altona. Over the course of 6 weeks, the collective wirvier collected superpower wishes of Altonas citizens and implemented them together with you. The result is a broad picture of wishes, which expresses the desire of the citizens for co-determination in social and political life.

BLOOM&DOOM, a poetic uprising, staged by Caterina Moroni together with the 4th grade class of the Louise Schroeder School. A riot in which children show adults their meaning of life. They take the adults by the hand and lead them through their view of the world, because the adults have not yet managed to create a good future.

Urban Dance Experiment, a choreographer and 6 dancers entered into an artistic exchange for 6 days. In the foreground was the love of improvisation and the exploration of and with movements. A moving and swaying image on the theme of Liberty was created.

LIBERTY Angels. Angels with golden wings watched over Altona in 2020. They showed a certain outlook and cast a watchful eye on the moving times. Staged by Oakleaf Streetshow.

BLOOM&DOOM: Poetic rebellion that takes adults by the hand BLOOM&DOOM: Poetischer Aufstand, der die Erwachsenen an die Hand nimmt

The symposium, Performances in Dialogue, was a symposium for young artists in 2021 and 2022. On the theme of Liberty, six young artist collectives worked for two years. They showed their productions as „Work in Progress“ to the audience and invited experts in 2021 and 2022. In various forums, the young artists were able to exchange, reflect and discuss their productions with the audience, the professional audience and with each other. The result was a broad spectrum of performances with different perspectives and insights about our current time.... and a clear statement about the importance of direct dialogue.

The most important insight we took away from this time and the LIBERTY project is that culture has repositioned itself on the public agenda, that it plays a major role as a public good, and that the social value of the cultural sector has increased many times over in its recognition.

Thanks to Art Reach, as coordinator of this project, as well as all partners of the LIBERTY project and the altonale GmbH, the HausDrei e.V., my STAMP team and especially Lena Lappat, Jonas Feller and Flora Janzen.

„ART HAS TO ... GO TOO FAR TO FIND OUT HOW FAR IT IS ALLOWED TO GO“

Tom Lanzki•

Was ist in diesen drei Jahren alles passiert, Europa definiert sich neu, Grenzen verschieben sich, Flüchtlinge bewegen sich in so noch nie gekannten Dimensionen, eine Pandemie wirbelt die Welt durcheinander und ein Krieg tobt in unserer Nähe.

Dieses auf junge Künstler*innen ausgerichtete Projekt hat sich in seiner Laufzeit den neuen Herausforderungen gestellt und partnerschaftlich Positionierungen zusammen ausgehandelt und neu definiert. Noch nie waren junge Menschen mit einer sich verändernden Gesellschaft in so einem Ausmaß konfrontiert und ihre Kreativität und künstlerische Ausrichtung musste sich ebenfalls oftmals neu definieren und sich auf andere Umstände einstellen. Welche Rolle nimmt die Kunst ein, hat sie in diesen Zeiten die Kraft sich neu aufzustellen, Stellung zu beziehen und Einfluss zu nehmen?

Worte wie Unabhängigkeit, Ungebundenheit, Dissoziation, Autarkie, Selbstgenügsamkeit, Selbstständigkeit haben in den Diskussionen und künstlerischen Ausrichtungen eine große Rolle gespielt. Fehlende Bewegungsfreiheit und mangelhafte soziale Kontakte haben die jungen Künstler*innen auf eine große Probe gestellt.

die Auseinandersetzung suchten und wir sie als europäische Projektpartner*Innen auf diesem Weg begleiten konnten.

Ein Auszug aus den Projekten, die durch das EU-Projekt LIBERTY, von der altonale GmbH und dem STAMP Festival umgesetzt wurden: Wavelength Europe, ein Film, in dem Menschen als Ausdruck der Solidarität mit ihren Mitmenschen in die Kamera winken. Ein sensibles Porträt unserer Zeit, umgesetzt von der Multimedia Fotografin Claudia Janke.

LIBERTIKONS, 360 Grad Projektionen auf großen Kugeln. Junge Künstler*innen haben ihren Freiheitsbegriff als Film oder Foto umgesetzt und in der Dunkelheit auf großen Kugeln sichtbar werden lassen.

Büro für Wunschwerte, das_Explorativ hat in sechs Wochen, in ihrem Büro für Wunschwerte, eine andere Statistik über den Stadtteil Ottensen erstellt. Entstanden ist eine Ausstellung kreativer Stadtteil er/-zählungen und Visionen für Ottensen. Die etwas andere Statistik wurde am Ende der Performance dem Altonaer Rathaus übergeben, als eine besondere bürgernahe Sichtweise auf den Stadtteil. Superpower, Superkräfte für Altona, das Kollektiv wirvier hat sechs Wochen lang in ihrem Amt für Superkräfte, die Superkräfte Wünsche der Altona Bürger*innen gesammelt und mit ihnen zusammen umgesetzt. Entstanden ist ein breit gefächertes Bild von Wünschen, welches den Wunsch der Bürger*innen nach Mitbestimmung in der sozialen und politischen Lebensgestaltung zum Ausdruck bringt.

Die Pandemie hat uns als Organisation ebenfalls vor viele neue Aufgaben gestellt, wir mussten nicht von Jahr zu Jahr, sondern fast von Monat zu Monat planen. Künstlerische Planungen waren schwierig, mussten ebenfalls oft überprüft, verändert und den neuen Bestimmungen angepasst werden. Fragen wurden und mussten gestellt werden; z.B. „Können wir als Organisation weitermachen?“; „Wie machen wir als Organisation weiter?“; „Wie können wir Künstler*innen unterstützen?“, „Wie bringen wir neue kreative Projekte auf den Weg?“, „Wo ist das Publikum und wie erreichen wir es?“. Als Festival für den öffentlichen Raum war und ist unsere Freiheit der Gestaltung und der kreativen Projekte stark eingeschränkt gewesen.

Einige Partner waren mit politischen Veränderungen in ihrem Land in diesem Zeitraum konfrontiert, die auf unterschiedlichsten Ebenen die Freiheit der Kunst in Frage gestellt haben, Bewegungsräume begrenzten und weitere Teilnahmen an europäischen Projekten fast gänzlich ausschließen.

Politik sollte Kunst nicht beurteilen oder sie gar durch Vorgaben versuchen zu instrumentalisieren. Politik muss der Kunst den Rücken freihalten. Wir vertrauen auf die Stärke der Kunst und die kulturelle Vielfalt in Europa. Kultur entsteht durch Austausch, nicht durch Abschottung. Sie muss verteidigt, kulturelle Teilhabe gefördert und die soziale Absicherung von Künstler*innen verbessert werden. Kunst ist frei, sie muss nicht gefallen und sie darf nicht dienen. Nur so kann sie ihre innovative Kraft entwickeln und uns immer wieder neue Perspektiven eröffnen.

Wir kämpfen für die Freiheit der Kunst!

Aber wie spannend war es und ist es zu erleben, dass junge Künstler*innen nicht aufgegeben haben, sondern neue Umsetzungsmöglichkeiten gesucht haben, neues Publikum generierten, dem öffentlichen Raum neue Definitionen hinzufügten,

BLOOM&DOOM, ein poetischer Aufstand, inszeniert von Caterina Moroni zusammen mit der 4c der Louise Schroeder Schule. Ein Aufstand, in dem Kinder Erwachsenen ihren Sinn des Lebens aufzeigen. Sie nehmen die Erwachsenen an die Hand und führen sie durch ihre Sicht der Welt, denn die Erwachsenen haben es bisher nicht geschafft, eine gute Zukunft zu gestalten. Urban Dance Experiment, ein Choreograph und sechs Tänzer*innen haben sich sechs Tage lang in einen künstlerischen Austausch begeben, im Vordergrund stand die Liebe an der Improvisation und der Erforschung von und mit Bewegungen. Ein „bewegtes und bewegendes“ Bild zum Thema Liberty ist entstanden. LIBERTY Angels, Engel mit goldenen Flügeln wachten in 2020 über Altona. Sie haben einen Ausblick aufgezeigt und ein wachsames Auge auf die bewegte Zeit geworfen. Inszeniert von Oakleaf Streetshow.

Das Symposium, Performances im Dialog, 2021 und 2022 wurde ein Symposium für junge Künstler*innen durchgeführt. Zu dem Thema Liberty haben sechs junge Künstler Kollektive zwei Jahre lang gearbeitet. Ihre „Work in Progress“ Produktionen haben sie in 2021 und 2022 dem Publikum und eingeladenem Fachpublikum gezeigt. In verschiedenen Foren konnten sich die jungen Künstler*innen, mit dem Publikum, dem Fachpublikum und untereinander, über ihre Produktionen austauschen, reflektieren und sich auseinander setzen. Entstanden ist ein breites Spektrum von Performances mit unterschiedlichen Blickrichtungen und Erkenntnissen über unsere gerade stattfindende Zeit und eine deutliche Aussage, wie wichtig der direkte Dialog ist.

Als wichtigste Erkenntnis aus dieser Zeit und dem LIBERTY Projekt nehmen wir mit, dass Kultur sich auf der öffentlichen Agenda neu positioniert hat, als öffentliches Gut eine große Rolle spielt und der soziale Wert des Kultursektors in seiner Anerkennung um ein Vielfaches gestiegen ist.

Tom Lanzki

„KUNST MUSS … ZU WEIT GEHEN, UM HERAUSZUFINDEN, WIE WEIT SIE GEHEN DARF“

DITTING baut –aus Tradition innovativ.

Als Projektentwickler und Generalunternehmer realisiert DITTING Großprojekte in den Herzen deutscher Metropolen sowie Wohnquartiere und einzelne Wohnund Geschäftsgebäude vor allem im Norden der Republik.

ditting-bau.de

Wyker Str. 2-18, 24768 Rendsburg | Celsiusweg 7, 22761 Hamburg

Richard Ditting GmbH & Co. KG

PUTTING TUNES TO FREEDOM

LIBERTY ORCHESTRA – Herning, Denmark

The LIBERTY ORCHESTRA 2021 brought together eight young musicians whose backgrounds spanned countries inside and outside Europe: Germany, Georgia, Slovenia, Syria, Nigeria, Lithuania and Denmark. The ten-day project was produced by Swinging Europe in Denmark, which had been on extended hiatus with its re-commencement delayed over a year due to the pandemic. The project comprised a two-day intensive residency of rehearsals leading to a series of concerts in locations around Herning, Aarhus and Aalborg, followed by two days recording in a studio: Exploring the possibilities of playing concerts in various unexpected locations around Denmark, the two tours and unique band constellations were able to tune in as far as what the idea of liberty really meant to them – as individuals and as a team – and how that might sound like in a musical translation consisting of various European nationalities.

Unusual locations and audience reactions

The two different band constellations - LIBERTY ORCHESTRA 2021 & 2022 – had never performed as a group before getting together. The intense residency lasted just 10 days: 2 days rehearsal, 6 days touring and 2 days recording. Venues for the first tour included a departure centre for asylum seekers, a library, an art museum and even a local swimming pool.

The 8 musicians from 7 different cultural backgrounds were put together in a summerhouse outside Herning, where they rehearsed the compositions by bandleader Kenneth Dahl Knudsen. The “inside-out” concerts – concerts exploring and challenging the idea of where and how a live concert can take place – were held in unusual venues in the Jutland region and concentrated around the cities Herning, Aarhus and Aalborg.

From October 10th – 16th, the 2021 tour of LIBERTY ORCHESTRA brought the musicians to various site-specific locations, resulting in 10 concerts, supported by a follow-up two-day

recording session at The Hideout Studio in Aalborg. From the library of Herning, to The Jutlandic School of Song and on to high schools, a jazz festival, Ikast’s own local swimming pool, and Aarhus’ very own art museum, ARoS, the tour brought the musicians from Central Jutland to the Eastern and Northern parts of the country.

The LIBERTY ORCHESTRA Tour 2022 encompassed the same imaginative approach to have the ‘inside out’ performances take place: From August 22nd – 31st the new band visited, among other places, the high school Højskolen Skærgården in Herning Municipality; the transportable jazz container hosted by Aarhus Jazz Festival – KISSA – in Aarhus; humanitarian initiatives such as Blue Cross in Arden, a volunteer organisation working in the field of alcohol and drug abuse, where a concert was played for the individuals staying there. In Aalborg, the café El Mundo, Center for Danish Jazz History and The Hideout Studio were visited again, reinforcing and further establishing the network connections with local cultural contributors. A visit to one of the biggest and most well-known yearly cultural meetings in Denmark – the Mors Cultural Summit – also hosted the LIBERTY ORCHESTRA, where they played their concert under a rainy sky, only adding to the atmosphere of the new en suite, which had been comxposed for the tour.

Das LIBERTY ORCHESTRA 2021 brachte acht junge Musiker zusammen, die aus verschiedenen Ländern innerhalb und außerhalb Europas stammen: Deutschland, Georgien, Slowenien, Syrien, Nigeria, Litauen und Dänemark. Das zehntägige Projekt wurde von Swinging Europe in Dänemark ins Leben gerufen, das aufgrund der Pandemie eine längere Pause eingelegt hatte und erst mit über einem Jahr Verspätung wieder aufgenommen wurde. Das Projekt umfasste einen zweitägigen intensiven Probenaufenthalt, der zu einer Reihe von Konzerten in der Umgebung von Herning, Aarhus und Aalborg führte, gefolgt von zweitägigen Aufnahmen in einem Studio: Die Erfahrung, Konzerte an verschiedenen besonderen Orten zu geben sowie die einzigartigen Bandkonstellationen machte beide Tourneen auch zu einer Reise zum Thema Freiheit, was Freiheit für alle – als Individuen und als Team – wirklich bedeutet und wie sie in einer musikalischen Übersetzung aus verschiedenen europäischen Nationalitäten klingen könnte.

Ungewöhnliche Orte und Publikumsreaktionen

Die beiden unterschiedlichen Bandkonstellationen – LIBERTY ORCHESTRA 2021 & 2022 – waren vor ihrem Zusammentreffen noch nie gemeinsam aufgetreten. Der intensive Aufenthalt dauerte nur zehn Tage: zwei Tage Proben, sechs Tage Tournee und zwei Tage Aufnahmen. Zu den Veranstaltungsorten der ersten Tournee gehörten ein Ausreisezentrum für Asylbewerber, eine Bibliothek, ein Kunstmuseum und sogar ein örtliches Schwimmbad.

Die acht Musiker mit sieben verschiedenen kulturellen Hintergründen wurden in einem Sommerhaus außerhalb von Herning zusammengebracht, wo sie die Musik des Komponisten und Bandleaders Kenneth Dahl Knudsen einstudierten. Die „Inside-Out“-Konzerte – Konzerte, die die Idee, wo und wie ein Live-Konzert stattfinden kann, erforschen und herausfordern –fanden an ungewöhnlichen Orten in der Region Jütland statt und konzentrierten sich auf die Städte Herning, Aarhus und Aalborg.

Vom 10. bis 16. Oktober führte die Tournee 2021 des LIBERTY ORCHESTRA die Musiker an verschiedene besondere Orte. Das Ergebnis waren zehn Konzerte, die von einer zweitägigen Aufnahmesession im The Hideout Studio in Aalborg begleitet wurden. Von der Bibliothek in Herning über die Jütländische Singschule bis hin zu Volkshochschulen, einem Jazzfestival, dem örtlichen Schwimmbad in Ikast und dem Kunstmuseum ARoS in Aarhus führte die Tournee die Musiker von Mitteljütland in den Osten und Norden des Landes.

Die LIBERTY ORCHESTRA Tour 2022 umfasste den gleichen phantasievollen Ansatz, um die Aufführungen „von innen nach außen“ stattfinden zu lassen: Vom 22. bis 31. August besuchte die neue Band unter anderem die Volkshochschule Højskolen Skærgården in der Kommune Herning, den transportablen Jazzcontainer des Aarhus Jazz Festivals – KISSA – in Aarhus, humanitäre Initiativen wie das Blaue Kreuz in Arden, eine Freiwilligenorganisation, die im Bereich Alkohol- und Drogenmissbrauch arbeitet, wo ein Konzert für die dort untergebrachten Menschen gespielt wurde. In Aalborg wurden erneut das Café El Mundo, das Zentrum für dänische Jazzgeschichte und das Hideout Studio besucht, wodurch die Netzwerkverbindungen mit den lokalen kulturellen Akteuren gestärkt und weiter ausgebaut wurden. Bei einem Besuch eines der größten und bekanntesten

jährlichen Kulturtreffen in Dänemark - dem Mors Cultural Summit - war auch das LIBERTY ORCHESTRA zu Gast, das sein Konzert unter einem regnerischen Himmel gab, was die Atmosphäre in der neuen, für die Tournee komponierten Suite nur noch verstärkte.

Musik als multikulturelle Sprache

„Es ist natürlich sehr intensiv, aber ich denke, das macht es auch sehr lustig. Für mich bedeutet es auch, einen Einblick in andere Kulturen zu bekommen.“ Mathias Fischer (Schlagzeug, Dänemark), LIBERTY ORCHESTRA 2021

Es ist eine bekannte Tatsache: Die Zusammenstellung eines vielfältigen Teams von Menschen ist auf lange Sicht sicher vorteilhafter, sowohl im Hinblick auf Innovation als auch auf Kreativität, denn sie sorgt für neue Erkenntnisse, wo Homogenität versagt. Das Gleiche gilt für eine multikulturelle Band! Verschiedene Personen mit unterschiedlichen Hintergründen brachten eine frische und belebende Energie in die Installationen des LIBERTY ORCHESTRA. Zehn Tage lang rund um die Uhr zusammen zu sein, war nicht nur energetisch eine Herausforderung, sondern auch ein Mittel, um sich wirklich kennenzulernen und einen tieferen persönlichen Austausch zu führen, was der Entwicklung der Musiker zugute kam - als Profis, aber auch als Individuen:

Music as a multicultural language

“It’s of course very intense, but I think that’s also what makes it extremely fun. For me, it’s also getting insight into different cultures.” Mathias Fischer, (Drums, Denmark) LIBERTY ORCHESTRA 2021

It is a known fact: Combining a diverse team of people is bound to be more beneficial in the long run, both in the context of innovation and creativity, ensuring new insights where homogeneity fails. The same can be said for a multicultural band! Different persons with various backgrounds brought a fresh and invigorating energy to the LIBERTY ORCHESTRA installations. Having to spend time together 24/7 for 10 days was not only a challenging effort energy-wise, but also a means of really getting to know each other and have deeper personal exchanges, which benefited the musicians’ growth – as professionals, but also as individuals: “There are nuances that every person brings, that reflect the culture from where they’re from and that define the interactions that we’re having – and for me and Chris, from completely different parts of the world, we connected at a level where it’s… yeah, I don’t know.”

Luka Dgebuadze (Piano, Georgia) – LIBERTY ORCHESTRA 2021

A meeting between Georgia and Nigeria – personified in this case in the synergy between two young musicians.

Lessons learned for a future musical career

There’s no doubt in artistic director Kenneth Dahl Knudsen’s mind: The model of the LIBERTY ORCHESTRA – exploring musicality in a short, intense rehearsal period, followed by an equally intense tour around a country and what it takes to shine on stage as an inspiring musician – is a brilliant opportunity for young people. They get involved in professional processes and they get access to an enormous network, both encompassing an international and local Danish dimension. Not only that, but they also get to make use of the skills they’ve worked on for years in front of a real audience in other countries.

The creative and social outcomes of being exposed to other cultures during your career is also of immense importance, according to Kenneth Dahl Knudsen: “Getting exposed to other cultures and having to adjust to new audiences and scenes is a vital part of becoming a professional musician. This also organically ties into the fact of having an international network means that it may open up so many doors.”

Reflections on LIBERTY ORCHESTRA

“I went into this project expecting to meet and work with a wide variety of musical backgrounds – and so I did.”

Kenneth Dahl Knudsen, composer and artistic director

The creative idea of LIBERTY ORCHESTRA tied into a number of challenges connected to the current situation the world finds itself in amidst a world-wide pandemic having done its numbers on the arts scene at a national and certainly international level, resulting in loss of jobs, poorer mental health and a chasm formed

„Es gibt Nuancen, die jeder Mensch mitbringt, die seine Kultur widerspiegeln, aus der er kommt, und die die Interaktionen definieren, die wir haben - und für mich und Chris, die aus völlig unterschiedlichen Teilen der Welt kommen, haben wir uns auf einer Ebene verbunden, wo es ... ja, ich weiß nicht.“

Luka Dgebuadze (Klavier, Georgien) –LIBERTY ORCHESTRA 2021

Eine Begegnung zwischen Georgien und Nigeria - in diesem Fall verkörpert durch die Synergie zwischen zwei jungen Musikern.

Lektionen für eine zukünftige Musikkarriere

Für den künstlerischen Leiter Kenneth Dahl Knudsen gibt es keinen Zweifel: Das Modell des LIBERTY ORCHESTRA - die Erkundung der Musikalität in einer kurzen, intensiven Probenzeit, gefolgt von einer ebenso intensiven Tournee durch ein Land und was es braucht, um als inspirierender Musiker auf der Bühne zu glänzen - ist eine hervorragende Möglichkeit für junge Menschen. Sie werden in professionelle Prozesse eingebunden und erhalten Zugang zu einem enormen Netzwerk, das sowohl eine internationale als auch eine lokale dänische Dimension umfasst. Und nicht nur das: Sie können auch die Fähigkeiten, die sie jahrelang erarbeitet haben, vor einem echten Publikum in anderen Ländern anwenden.

Laut Kenneth Dahl Knudsen sind auch die kreativen und sozialen Auswirkungen des Kontakts mit anderen Kulturen während des Berufslebens von immenser Bedeutung: „Sich anderen Kulturen auszusetzen und sich auf ein neues Publikum und eine neue Szene einzustellen, ist ein wesentlicher Bestandteil der Karriere eines professionellen Musikers. Das hängt auch mit der Tatsache zusammen, dass ein internationales Netzwerk so viele Türen öffnen kann.“

Anmerkungen zum LIBERTY ORCHESTRA

„Ich bin mit der Erwartung in dieses Projekt gegangen, eine große Bandbreite an musikalischen Hintergründen kennenzulernen und mit ihnen zu arbeiten - und das habe ich auch getan.“

Kenneth Dahl Knudsen, Komponist und künstlerischer Leiter

Die kreative Idee des LIBERTY ORCHESTRA stand im Zusammenhang mit einer Reihe von Herausforderungen, die sich aus der aktuellen Situation ergeben, in der sich die Welt befindet, in der eine weltweite Pandemie die Kunstszene auf nationaler und sicherlich auch internationaler Ebene in Mitleidenschaft gezogen hat, was zu Arbeitsplatzverlusten, schlechterer psychischer Gesundheit und einer Kluft zwischen bestimmten gesellschaftlichen Gruppen führt. Das LIBERTY ORCHESTRA wollte die Talententwicklung der zukünftigen Musikszene mit einer Botschaft der Solidarität und Einheit anstelle von Konflikten verbinden.

Die globale Pandemie war natürlich eine vielschichtige Situation voller Dilemmata, unter denen die Musikindustrie in den ersten beiden Jahren besonders litt. Durch den Wegfall der

between certain groupings in society. The LIBERTY ORCHESTRA looked at combining the talent development of the future music scene and a message of solidarity and unity, instead of conflict.

The global pandemic was of course a layered dilemma-filled situation – with the music industry especially suffering during its first two years. Annulling the means of earning wages through live concerts and gig opportunities, many musicians felt the restrictive circumstances having a direct impact on their work, but also of mental health in only negative way: “It was really hard in the pandemic – losing opportunities where you meet with musicians and just jam with them – you improve a lot when you do this.”

Cham Saloum (Oud, Syria), LIBERTY ORCHESTRA 2021

Learning by doing’ – the guiding principle that presence, commitment and the desire to contribute with a good and exciting concert experience was the basic element. At the core of ‘learning by doing’ is the idea that useful and practical experiences can be internalized when the young musicians are placed in realistic situations as well as a direct encounter with the live throbbing music, rather than a professionally founded understanding from the school bench, where scales and notes are anything but titillating.

Ensuring potential new job opportunities after the pandemic was furthermore a direct impact result of taking part in the project for the young musicians: The network connections branch outward from Herning Municipality and all the way to Aalborg and Aarhus in a regional context, but is furthermore also supported by an impressive international platform, encompassing all of the different LIBERTY project partners from Germany, UK, Italy, Romania, Denmark, Serbia, France, Slovenia, Hungary and Belgium.

The social and professional network connections emerging from the project were tangible – the all in all 16 musicians under 30 years were able to reach out to each other afterwards and were able to further build up solid relations, at both a friendly and professional level. The venues and visited places during the tours have furthermore opened up for future gig opportunities by ensuring a thriving collaborative international network of musicians from around the world, doing what they’re best at – bringing live music around the region and presenting audiences with an eclectic selection of world music.

Direct inspiration and creative perspective through multiculturalism as a melting pot of minds was the LIBERTY ORCHESTRA’s output as well: Together the participating artists were able to dig deep into the rich cultures and perspectives, which are shaped by the difference between European and non-European countries, but also the similarities, which might arise from exploring tunes and musical scores, where language barriers make themselves scarce.

A sense of liberty in troubling times

The different ‘inside out’ concerts were able to engage with marginalised groupings, who would otherwise never have had the opportunity to attend the live concerts: A concert in particular that brought feelings to the surface for the musicians, as well as the audience was at Kærshovedgaard, one of the Danish departure centres for rejected asylum seekers: “Playing at the asylum centre, it was a very strong experience for most of us, because to play at a place

DIRECT INSPIRATION AND CREATIVE PERSPECTIVE DIREKTE INSPIRATION UND KREATIVE PERSPEKTIVEN

Möglichkeit, mit Live-Konzerten und Auftritten Geld zu verdienen, spürten viele Musiker die restriktiven Umstände, die sich nicht nur direkt auf ihre Arbeit, sondern auch auf ihre psychische Gesundheit auswirkten - und zwar in negativer Weise: „Es war wirklich hart während der Pandemie - wenn man keine Gelegenheiten mehr hat, sich mit Musikern zu treffen und einfach mit ihnen zu jammen - dann geht es einem viel besser, wenn man das tut.“

Cham Saloum (Oud, Syrien), LIBERTY ORCHESTRA 2021

Learning by doing” - der Leitgedanke, dass Präsenz, Engagement und der Wunsch, mit einem guten und spannenden Konzerterlebnis beizutragen, das grundlegende Element war. Im Zentrum von „Learning by doing” steht der Gedanke, dass nützliche und praktische Erfahrungen verinnerlicht werden können, wenn die jungen Musikerinnen und Musiker in realistische Situationen sowie in die unmittelbare Begegnung mit der pulsierenden Live-Musik versetzt werden, anstatt ein professionell fundiertes Verständnis von der Schulbank aus zu erhalten, wo Tonleitern und Noten alles andere als prickelnd sind.

Die Sicherung möglicher neuer Berufschancen nach der Pandemie war zudem eine direkte Folge der Projektteilnahme für die jungen Musiker: Die Netzwerkverbindungen erstrecken sich von der Gemeinde Herning bis nach Aalborg und Aarhus im regionalen Kontext, werden aber auch von einer beeindruckenden internationalen Plattform unterstützt, die alle verschiedenen LIBERTY-Projektpartner aus Deutschland, Großbritannien, Italien, Rumänien, Dänemark, Serbien, Frankreich, Slowenien, Ungarn und Belgien umfasst.

Die aus dem Projekt hervorgegangenen sozialen und beruflichen Netzwerkverbindungen waren greifbar - die insgesamt 16 Musiker unter 30 Jahren konnten sich im Anschluss an das Projekt gegenseitig die Hand reichen und solide Beziehungen sowohl auf freundschaftlicher als auch auf professioneller Ebene weiter aufbauen. Die Veranstaltungsorte und besuchten Orte während der Tourneen haben darüber hinaus künftige Auftrittsmöglichkeiten eröffnet, indem sie für ein florierendes internationales Netzwerk von Musikern aus der ganzen Welt gesorgt haben, die das tun, was sie am besten können - Live-Musik in die Region bringen und dem Publikum eine eklektische Auswahl an Weltmusik präsentieren.

Direkte Inspiration und kreative Perspektiven durch Multikulturalität als Schmelztiegel der Geister war auch das Ergebnis des LIBERTY ORCHESTRA: Gemeinsam konnten die teilnehmenden Künstlerinnen und Künstler tief in die reichen Kulturen und Perspektiven eintauchen, die durch die Unterschiede zwischen

where people are going to be sent back home is a very sad place, and because of that people in there were enjoying it in a different way and I think it affected us as well, because we got to talk with these people and hear their stories a little bit and I think it’s very important for artists to hear those stories and to talk about them at the concert.”

Tadas Pasaravicius (Saxophone and ney flute, Lithuania) LIBERTY ORCHESTRA 2021

The line-up for the band constellation of LIBERTY ORCHESTRA 2021 consisted of:

Linus Kleinlosen - Sax and Clarinet (Germany), Luka Dgebuadze - Keyboard (Georgia), Natasa Zamida - Vocals (Slovenia), Bakri Hemmami - Sang/Percussion - (Syria), Christopher GoddeyBass - (Nigeria), Tadas Pasaravičius - Saxophonist/Composer - tenor sax and ney flute (Lithuania), Cham Saloum - Oud (Syria), Matias Fischer - Drummer (Denmark) and Kenneth Dahl Knudsen - Bassist/Composer – Composer and artistic director (Denmark)

The line-up for the band constellation of LIBERTY ORCHESTRA 2022 consisted of:

Leonie Freudenberger - Alt saxofon (Germany), Liisi Oja - Piano (Estonia), Lauri Kadalipp- Tenor sax (Estonia), Laura Veltri - Guitar (Italy), Dan Hejslet - Trumpet (Denmark), Natasha ZaychenkoBass (Russia), Yannick Ballmann – Drums (Belgium), Okos Viola Éva - Vocals (Hungary) and Kenneth Dahl Knudsen - Bassist/ Composer – Composer and artistic director (Denmark) •

europäischen und außereuropäischen Ländern geprägt sind, aber auch die Gemeinsamkeiten, die sich aus der Erkundung von Melodien und Partituren ergeben können, wo Sprachbarrieren sich rar machen.

Ein Gefühl der Freiheit in unruhigen Zeiten

Die verschiedenen „Inside-Out“-Konzerte konnten mit Randgruppen in Kontakt treten, die sonst nie die Möglichkeit gehabt hätten, die Live-Konzerte zu besuchen: Ein Konzert im Besonderen, das sowohl bei den Musikern als auch beim Publikum Gefühle zum Vorschein brachte war in Kærshovedgaard, eines der dänischen Ausreisezentren für abgelehnte Asylbewerber: „Im Asylzentrum zu spielen, war für die meisten von uns eine sehr starke Erfahrung, denn an einem Ort zu spielen, an dem Menschen nach Hause geschickt werden, ist ein sehr trauriger Ort, und deshalb haben die Menschen dort die Musik auf andere Art und Weise genossen, und ich denke, es hat uns auch beeinflusst, weil wir mit diesen Leuten reden und ein bisschen ihre Geschichten hören konnten, und ich denke, es ist sehr wichtig für Künstler, diese Geschichten zu hören und auf dem Konzert darüber zu sprechen. ”

Tadas Pasaravicius (Saxophon und Ney-Flöte, Litauen) LIBERTY

ORCHESTRA

2021 •

Liberty as a notion is a sensitive and very prevailing issue in Hungary that is corrupted in many ways. Trafó intended to use the opportunities provided by the Liberty EU Partnership to fight our society’s unfairness and inequality and create prospect for those on the margins.

Creating and experiencing freedom may occur on many levels. Firstly, the project provided freedom in artistic choices. Understanding migration is a theme that the Hungarian government, to say the least, does not support but rather censors and alters. Public money also cannot be distributed to such a problematic topic. Migration is a swearword and a feared concept. These are the circumstances when Trafó organized a week-long festival (Greek Inclusion) presenting four theater premiers, an installation in a public space, an indoor installation, a roundtable discussion and a workshop for young talents, but also several press releases and reviews, radio and TV reports followed the events and hundreds of city posters loading the city of Budapest with the topic.

Freedom is not only the choices in topics but also the choices of actors and personnel. Through the artist pool and the performances, the Liberty project gave opportunity to many otherwise marginalized independent artists from Hungary. These artists – even if they are usually the most innovative and internationally recognized – are funded less and less from public sources and more and more secluded from the system. Also through the project Trafó managed to integrate non-professional participants in the artistic processes. Freedom here meant also courage. Including empirical experts, whose knowledge is irreplaceable, equals taking risks as they need a lot of empowerment and practice to go on stage and perform their experiences.

For a venue with a brick building in the heart of the city it is also a liberating experience to choose site-specific locations outside our walls – both physically and psychologically. On one of the sites of the programs, the former Greek colony today a homeless-shelter and a social tenement flat, the circa 1,000 dwellers could follow the rehearsal-period of a debate provoking contemporary art performance and the establishment of a mural on the surface of their home.

These effects created further impact as well. The Liberty programs reached an even larger attention as after their premier many performances were invited to other venues and thus got a louder voice. Budapest Autumn Festival 2021 selected the site-specific performance Colony to their program and presented three extra shows. The installation Waterfields was invited to be set up in an exhibition of set designers open to everyone (called Nem Nagy Truváj) discussing most memorable theater sets. The streamed performance Nike was invited to two theater festivals, Bánkitó and Pécsi Napok. The choir performance Singing Youth is going to the Fast Forward Festival in Dresden (DE). The mural Under the Sun established on the main street of an industrial and ethnic neighborhood raises the attention every day both of the middle-class to the area little known to them, and the local inhabitants to the history of their dwelling.

Der Begriff der Freiheit ist in Ungarn ein sensibles und sehr aktuelles Thema, das in vielerlei Hinsicht korrumpiert ist. Trafó beabsichtigt, die Möglichkeiten der Liberty EU Partnerschaft zu nutzen, um die Ungerechtigkeit und Ungleichheit in unserer zGesellschaft zu bekämpfen und denjenigen, die am Rande stehen, eine Perspektive zu bieten.

Das Schaffen und Erleben von Freiheit kann auf vielen Ebenen stattfinden. Erstens bot das Projekt Freiheit bei der künstlerischen Auswahl. Das Verständnis für Migration ist ein Thema, das die ungarische Regierung, gelinde gesagt, nicht unterstützt, sondern eher zensiert und verändert. Öffentliche Gelder können für ein so problematisches Thema nicht ausgegeben werden. Migration ist ein Schimpfwort und ein gefürchteter Begriff. Unter diesen Umständen organisierte Trafó ein einwöchiges Festival (Griechische Inklusion) mit vier Theaterpremieren, einer Installation im öffentlichen Raum, einer Inneninstallation, einer Diskussionsrunde und einem Workshop für junge Talente, aber auch mehrere Pressemitteilungen und Rezensionen, Radio- und Fernsehberichte verfolgten die Veranstaltungen und Hunderte von Stadtplakaten, die die Stadt Budapest mit dem Thema belasteten.

Freiheit besteht nicht nur in der Wahl der Themen, sondern auch in der Wahl der Schauspieler*innen und des Personals. Durch den Künstlerpool und die Aufführungen bot das Liberty-Projekt vielen sonst marginalisierten unabhängigen Künstler*innen aus Ungarn eine Chance. Diese Künstler*innen –auch wenn sie in der Regel die innovativsten und international anerkanntesten sind – werden immer weniger von der Öffentlichkeit gefördert und immer mehr vom System ausgegrenzt. Auch durch das Projekt gelang es Trafó, nicht-professionelle Teilnehmer in die künstlerischen Prozesse zu integrieren. Freiheit bedeutete hier auch Mut. Empirische Experten einzubeziehen, deren Wissen unersetzlich ist, bedeutet, ein Risiko einzugehen, da sie viel Empowerment und Übung brauchen, um auf die Bühne zu gehen und ihre Erfahrungen zu präsentieren.

Für einen Veranstaltungsort mit einem Backsteingebäude im Herzen der Stadt ist es auch eine befreiende Erfahrung, ortsspezifische Orte außerhalb unserer Mauern zu wählen –sowohl physisch als auch im psychologischen Sinne. An einem der Programmorte, der ehemaligen griechischen Kolonie, die heute ein Obdachlosenheim und Sozialwohnungen beinhaltet, konnten die rund 1.000 Bewohner die Probenphase einer zur Debatte anregenden zeitgenössischen Kunstperformance und die Entstehung eines Wandbildes auf der Oberfläche ihres Wohnortes verfolgen.

Auch diese Effekte hatten eine weitere Wirkung. Die LibertyProgramme erreichten eine noch größere Aufmerksamkeit, da viele Aufführungen nach ihrer Premiere an andere Veranstaltungsorte eingeladen wurden und so eine lautere Stimme bekamen. Das Budapester Herbstfestival 2021 nahm die ortsspezifische Performance Colony in sein Programm auf und präsentierte drei weitere Aufführungen. Die Installation

PROBLEMATIC?

TRAFÓ – Budapest, Hungary

LIBERTY

GREEK INCLUSION –LIBERTY FESTIVAL

The thematic festival with its title Greek Inclusion - Migration Stories Yesterday and Today took the Greek migration wave of the late 1940s as a starting point and put it in tense comparison with the general attitude towards migration in today’s Hungary. The week-long festival presented the works of 51 artists of whom 30 were inspiring, emerging young new-comers who had the chance to work with the more established, well-known participants.

The hostile attitude of the Hungarian government towards immigrants resulted in Hungary being a transit country in the recent migration wave. Most people go on towards better accepting nations and better economies. The few who stay get very little opportunities to integrate. Unlike in the 50s. There was a Greek migration wave of 65,000 people with communist views who had to flee from the fascist dictatorship of Greece and 7,000 found home in the then socialist Hungary. Even if their acceptance was lying on ideological basis, the integration was still a successful process. In Budapest and some other bigger cities temporary shelters were created, meanwhile in a short couple of months a new village was built for 1,800 residents called Be-

„Waterfields“ wurde eingeladen, in einer für jedermann zugänglichen Ausstellung von Bühnenbildnern (Nem Nagy Truváj) über die denkwürdigsten Theaterausstattungen gezeigt zu werden. Die gestreamte Performance „Nike“ wurde zu zwei Theaterfestivals eingeladen, Bánkitó und Pécsi Napok. Die Choraufführung Singing Youth geht zum Fast Forward Festival in Dresden (DE). Das Wandgemälde „Under the Sun“, das an der Hauptstraße eines industriellen und ethnischen Viertels errichtet wurde, erregt jeden Tag die Aufmerksamkeit sowohl der Mittelschicht auf das ihnen wenig bekannte Gebiet als auch der lokalen Bewohner auf die Geschichte ihres Wohnorts.

GRIECHISCHE INKLUSION –FREIHEITSFEST

Das thematische Festival mit dem Titel „Griechische InklusionMigrationsgeschichten gestern und heute“ nahm die griechische Migrationswelle der späten 1940er Jahre als Ausgangspunkt und setzte sie in einen spannungsvollen Vergleich mit der allgemeinen Einstellung zur Migration im heutigen Ungarn. Das einwöchige Festival präsentierte die Werke von 51 Künstlern, von denen 30 inspirierende, aufstrebende junge Newcomer waren, die die Möglichkeit hatten, mit den etablierteren, bekannten Künstlern zusammenzuarbeiten.

Projects of the Trafó Group: Newcomers meet established artists

Projekte der Gruppe Trafó: Newcomer treffen auf etablierte Künstler*innen

Projekt Statue Of Our Liberty: Subjective city tour

Projekt Statue Of Our Liberty: Subjektive Stadtführung

Die ablehnende Haltung der ungarischen Regierung gegenüber Einwanderern führte dazu, dass Ungarn bei der jüngsten Migrationswelle ein Transitland war. Die meisten Menschen ziehen weiter in Länder, die sie aufnehmen und in denen es ihnen wirtschaftlich besser geht. Die wenigen, die bleiben, erhalten nur sehr wenige Möglichkeiten zur Integration. Anders als in den 50er Jahren. Damals gab es eine griechische Migrationswelle mit 65.000 kommunistisch gesinnten Menschen, die vor der faschistischen Diktatur in Griechenland fliehen mussten, und 7.000 fanden im damals sozialistischen Ungarn eine neue Heimat. Auch wenn ihre Akzeptanz auf ideologischer Grundlage beruhte, war die Integration dennoch ein erfolgreicher Prozess. In Budapest und einigen anderen größeren Städten wurden Notunterkünfte eingerichtet, und innerhalb weniger Monate wurde in der Nähe der Donau ein neues Dorf für 1.800 Einwohner namens Beloiannisz gebaut. Diese griechische Aufnahme in den 50er Jahren stellte sich als ein spannendes Gegenstück zur heutigen Haltung dar. Die parallele Beziehung der beiden Fälle in den beiden politischen Perioden schuf eine produktive Spannung für die Gestaltung. Hier sind vier erfolgreiche Projekte, die Trafó während des griechischen Inklusionsfestivals mit der Partnerschaft des Liberty-Programms realisiert hat.

loiannisz close to the Danube. This Greek reception of the 50s presented itself as an exciting counterpart of the attitude today. The parallel relationship of the two cases in the two political periods created a productive tension for creation. Here are four successful projects Trafó realized during the Greek Inclusion Festival with the partnership of the Liberty program.

In Colony – escape stories STEREO AKT invited the audience to a theatre walk in a former tobacco factory building in Budapest, where they could explore the site’s little-known past with a team of actors, singers and migrant participants. The spectators were joined by Irini and Perisztera, whose family, fleeing the Greek civil war, found refuge in the closed world of the Greek colony on Kőbánya Road. Abouzar and his son Armin also joined them, the last witnesses to the world of the transit zones on the southern border in Hungary. Stories of refugees in radically different historical and political contexts, only the host country is the same in both cases: Hungary in the late 1940s and today. Waterfields – immersive installation offered a dual experience of immersion and contemplation. Participants, like shipwrecked people at sea or lost hikers in high mountains, were immersed in a medium that was constantly changing and overwhelming their senses. Participants could take both an internal perspective focusing on the details, and an external perspective looking at the system as a whole. They also have the opportunity to influence the conditions of the terrain.

Kristóf Kelemen’s NIKE, statue of our liberty was a guided tour streamed about urban sculptures. The history of sculptures in public space is usually nothing short of adventurous. They are erected by different powers and then fall victim to others: moved or demolished as a result of changes of government or regime. The moment they are born, their fate is sealed, as sooner or later remembrance, their raison d’etre, will be replaced by oblivion and they will all become ruins. From a distance of 200 km, Kristóf Kelemen took his audience on a subjective guided tour

In Colony - escape stories lud STEREO AKT die Zuschauer zu einem Theaterspaziergang in eine ehemalige Tabakfabrik in Budapest ein, wo sie mit einem Team von Schauspieler*innen, Sänger*innen und Teilnehmer*innen mit Migrationshintergrund die wenig bekannte Vergangenheit des Ortes erkunden konnten. Zu den Zuschauern gesellten sich Irini und Perisztera, deren Familie auf der Flucht vor dem griechischen Bürgerkrieg in der geschlossenen Welt der griechischen Kolonie in der KőbányaStraße Zuflucht fand. Auch Abouzar und sein Sohn Armin, die letzten Zeugen der Welt der Transitzonen an der südlichen Grenze in Ungarn, waren dabei. Geschichten von Flüchtlingen in völlig unterschiedlichen historischen und politischen Kontexten, nur das Aufnahmeland ist in beiden Fällen dasselbe: Ungarn in den späten 1940er Jahren und heute.

Waterfields - immersive Installation bot eine doppelte Erfahrung des Eintauchens und der Kontemplation. Die Teilnehmer waren wie Schiffbrüchige auf See oder verirrte Wanderer im Hochgebirge in ein Medium eingetaucht, das sich ständig veränderte und ihre Sinne überwältigte. Die Teilnehmer*innen konnten sowohl eine Innenperspektive einnehmen, die sich auf die Details konzentriert, als auch eine Außenperspektive, die das System als Ganzes betrachtet. Sie hatten auch die Möglichkeit, die Bedingungen des Geländes zu beeinflussen.

Kristóf Kelemens NIKE, Statue of our liberty war eine geführte Tour, die über städtische Skulpturen gestreamt wurde. Die Geschichte von Skulpturen im öffentlichen Raum ist meist abenteuerlich. Sie werden von verschiedenen Mächten errichtet und fallen dann anderen zum Opfer: Sie werden versetzt oder im Zuge von Regierungs- oder Regimewechseln abgerissen. In dem Moment, in dem sie geboren werden, ist ihr Schicksal besiegelt, denn früher oder später wird die Erinnerung, ihre Daseinsberechtigung, durch das Vergessen ersetzt und sie werden alle zu Ruinen. Aus einer Entfernung von 200 km nahm Kristóf Kelemen sein Publikum mit auf eine subjektive Führung durch seine Heimatstadt Pécs, von Statue zu Statue, durch Geschichten, in denen sich Weltereignisse, ungarische Geschichte und Episoden aus seinem persönlichen Leben überlagern. Seine Untersuchung dreht sich um Begriffe wie Gemeinschaft, Solidarität, Macht,

of Pécs, his hometown, from statue to statue, through stories layering world events, Hungarian history and episodes from his personal life. His investigation is centered around concepts of community, solidarity, power, freedom and collective memory and combines the methods and esthetic of documentary theatre, city walks and influencer videos.

Where I come from organised by Trafo’s drama education group, Thought Generator started with a summer camp inviting a group of young people from different social backgrounds between 18-23 to take part in a creative community process led by Theatre In Education professionals and artists. Participants were youngsters from Budapest with disadvantaged backgrounds, others having immigrant parents and some a bit more experienced members of Trafó’s previous education workshops. They all camped together in Trafo and in Aba to create an imaginary village where they form their rules and values together themselves. Meanwhile, they reflected on coexistence, on being a European and on their sense of home. They played and experimented in search of either common grounds or differences - the outcome of which was shown in a cross-genre performance. •

Freiheit und kollektives Gedächtnis und kombiniert die Methoden und die Ästhetik des Dokumentartheaters, der Stadtspaziergänge und der Influencer-Videos.

Where I come from – Thought Generator, das von der Theaterpädagogikgruppe von Trafó organisiert wurde, begann mit einem Sommercamp, zu dem eine Gruppe junger Menschen zwischen 18 und 23 Jahren aus verschiedenen sozialen Schichten eingeladen wurde, um an einem kreativen Gemeinschaftsprozess teilzunehmen, der von Fachleuten und Künstler*innen von Theatre In Education geleitet wurde. Bei den Teilnehmer*innen handelte es sich um Jugendliche aus Budapest mit benachteiligtem Hintergrund, andere hatten Eltern mit Migrationshintergrund und wieder andere waren erfahrene Mitglieder der früheren Bildungsworkshops von Trafó. Sie alle zelteten gemeinsam in Trafo und in Aba, um ein imaginäres Dorf zu schaffen, in dem sie ihre Regeln und Werte gemeinsam festlegten. In der Zwischenzeit reflektierten sie über das Zusammenleben, über das Europäersein und über ihr Heimatgefühl. Sie spielten und experimentierten auf der Suche nach Gemeinsamkeiten oder Unterschieden – das Ergebnis wurde in einer genreübergreifenden Performance gezeigt. •

Project Where I Come From: Creative Community Process Projekt Where I Come From: Kreativer Gemeinschaftsprozess

Die Deutsche Ausgabe ist seit Jahren vergriffen und erscheint jetzt neu in der Rainville EDITION, Hamburg. Erhältlich im Buchhandel und unter www.rainvilleedition.de

DANIEL HALBER

MENSCH

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EUROPEAN EDUCATIONAL EXCHANGES/ YOUTH FOR UNDERSTANDING SCHAERBEEK, BELGIUM

Youth For Understanding is a non-profit, global exchange organization, offering an adventurous invitation to make the world your home, to increase mutual respect across borders, and to foster a lifelong learning environment. Since the Second World War we have been building a more peaceful world through reaching out to young people around the globe and providing them with unforgettable educational experiences. Today, we are a global community of exchange students, families, and schools. We operate on 6 continents, in 47 countries.

The Youth Empowerment Seminar (YES) is the biggest annual event of the YFU network, gathering more than 100 volunteers and 400 students who get the chance to learn about active citizenship and topics of global interest, but also to talk about their exchange experience with the volunteers and the other students. This seminar marks the final week of the students’ exchange year.

The YES aims to empower participants to expand upon the learnings gained through exchange programs or other intercultural experiences, while connecting with the global YFU community, and thus become proactive and globally-oriented agents of change.

In 2022 the theme of the YES was “Claim Your Digital Space!” The issues and challenges of the current digitalized world were discussed through the following questions: How can you protect your privacy when every platform or app demands access to your personal data? How do you shape informed opinions and arguments when the media is full of unverified content? How can the internet be used to foster 21st century skills such as adaptability, cross-cultural communication, critical thinking, and emotional intelligence? How can you use your own exchange experiences to influence your immediate environment, inspire civil society, and create positive change?

The seminar was divided into four tracks, each of which was focusing on different aspects of the digitalized world: Future of Work & Education, News Media & Literacy, Social life: Online vs. Offline, and finally, Digital arts & creativity, a track funded by the Liberty Program. For the past three years, YES has received funding through this program, this year supporting three artists to join the seminar and conduct the workshops in the Digital Arts and Creativity track: NFT Artist Zack Ritchie, photographer Bálint Tápay and Digital Arts Expert, NFT platforms developer Sean Ellul.

The aim of the Digital Arts track at the YES 2022 was to explore the role of artists in the age of computers and digital tools. Through these workshops we aimed to look at

Youth for Understanding ist eine gemeinnützige, globale Austauschorganisation, die eine abenteuerliche Einladung ausspricht, die Welt zu ihrem Zuhause zu machen, den gegenseitigen Respekt über Grenzen hinweg zu stärken und ein lebenslanges Lernumfeld zu fördern. Seit dem Zweiten Weltkrieg setzen wir uns für eine friedlichere Welt ein, indem wir junge Menschen rund um den Globus erreichen und ihnen unvergessliche Lernerfahrungen ermöglichen. Heute sind wir eine globale Gemeinschaft von Austauschschülern, Familien und Schulen. Wir sind auf sechs Kontinenten und in 47 Ländern tätig.

Das Youth Empowerment Seminar (YES) ist die größte jährliche Veranstaltung des YFU-Netzwerks, an der mehr als 100 Freiwillige und 400 Schüler*innen teilnehmen, die die Möglichkeit haben, etwas über aktive Bürgerschaft und Themen von globalem Interesse zu lernen, aber auch mit den Freiwilligen und den anderen Schüler*innen über ihre Austauscherfahrungen zu sprechen. Das Seminar bildet die letzte Woche des Austauschjahres der Schüler*innen.

Das YES zielt darauf ab, die Teilnehmer*innen zu befähigen, das im Rahmen von Austauschprogrammen oder anderen interkulturellen Erfahrungen Gelernte zu vertiefen und sich gleichzeitig mit der globalen YFU-Gemeinschaft zu vernetzen, um so zu proaktiven und global orientierten Akteur*innen des Wandels zu werden.

Im Jahr 2022 lautete das Thema des YES „Claim Your Digital Space!“ Die Probleme und Herausforderungen der heutigen digitalisierten Welt wurden anhand der folgenden Fragen diskutiert: Wie kannst du deine Privatsphäre schützen, wenn jede Plattform oder App Zugriff auf deine persönlichen Daten verlangt? Wie bildet man fundierte Meinungen und Argumente, wenn die Medien voll von ungeprüften Inhalten sind? Wie kann das Internet genutzt werden, um Fähigkeiten des 21. Jahrhunderts wie Anpassungsfähigkeit, interkulturelle Kommunikation, kritisches Denken und emotionale Intelligenz zu fördern? Wie können Sie Ihre eigenen Austauscherfahrungen nutzen, um Ihr unmittelbares Umfeld zu beeinflussen, die Zivilgesellschaft zu inspirieren und positive Veränderungen zu bewirken?

Das Seminar war in vier Bereiche unterteilt, die sich jeweils auf unterschiedliche Aspekte der digitalisierten Welt konzentrierten: Zukunft der Arbeit & Bildung, Nachrichtenmedien & Alphabetisierung, Soziales Leben: Online vs. Offline, und schließlich Digital Arts & Creativity, ein vom Liberty Program finanziertes Thema. In den letzten drei Jahren hat YES im Rahmen dieses Programms Fördermittel erhalten. In diesem Jahr wurden drei Künstler

how the means of expression have changed over time and what the modern artist needs to do to adapt to these changes and stay relevant. Exploring digital art and its relation with NFTs was also a strong element of these workshops.

The description of the track was the following: “Beauty lies in the eye of the beholder,” says a popular proverb. The same is true of appreciating and valuing different forms of art – whether it's painting, sculpture, music, theatre, or literature. In this day and age, anyone can become an art critic from the comfort of their own home as technological advances make art more accessible than ever before. There is no need for you to visit a museum or gallery to experience it.

Applications such as Google Arts & Culture, for example, let you see world-famous masterpieces directly on your screen. Through virtual tours, you can appreciate the wonders of human creation with just a few clicks. But what does it mean to be an artist in the age of computers and digital tools? How have the means of expression changed, and how does a modern artist adapt to them? How to stay creative when it seems like everything already exists online? And what’s the whole deal with NFTs?!

Supported by the Creative Europe programme and the Liberty project, young artists and creative minds will join us on an adventure, where digitalization and artistic expression intersect. This track will help you to engage in the discovery of art through digital tools, and think of new ways of creating and appreciating it!.

More than 40 students joined the Digital Arts and Creativity workshops for three days. The introduction to the topic started by the incredible and inspiring story from Digital artist Zack Ritche from Malta who started his artistic career at an early age and continued with his persuasion to show

up and create a Beppe illustration every day. He introduced students on how digital art and illustrations can collaborate with various fields creating value, as well as master the skills by being playful and experimenting with Beppe persona.

The discussion continued with second guest speaker, CEO and co-founder of “Metaverse Architects” Sean Ellul, who led to discovery of the future environment: discussing terms of “digital property”, “NFT” and “artificial intelligence”. Students were keen to find out on how NFT can be recognized and what role NFT’s will play in the future. On to that Sean had only one suggestionhe strongly encouraged students to study tech and stay educated about the changes that are about to come.

On following days students had an opportunity to work in close collaboration with digital artists - digital illustrator Zack Ritchie and photographer Balint Tapay. During the workshops tips and tricks were revealed. Balint on Photography workshops invited students to take a closer look on how the message gets encoded in the art piece, discovering major aspects that help to do that, but on the last day they had a hands-on approach. Students created and encoded a message in their photography as well as clarified together the possible partway to become a photographer by themselves. During the Digital Illustration sessions YES participants learned more about each other, creating their own Beppe versions. During the drawing session Zack invited students to be themselves and embrace their own unique signature. Each artwork took a very different way of expression, reliving their experience during the exchange or their favorite things in the world. At the end they all together created a common artwork that got to be claimed as NFT POAPs (proof of attendance protocol).

The structure of the Digital Arts track was the following: We had 2 artists (Zack Ritchie, Balint Tapay) involved in the delivery of the workshop plus a digital arts expert (Sean Ellul) who was able to explain the opportunities for young artists nowadays. In addition to the Digital Arts track, Sean Ellul also

unterstützt, die an dem Seminar teilnahmen und die Workshops im Bereich Digitale Kunst und Kreativität durchführten: Der NFTKünstler Zack Ritchie, der Fotograf Bálint Tápay und der Experte für digitale Kunst und der NFT-Plattformentwickler Sean Ellul.

Der Track „Digital Arts“ auf dem YES 2022 hatte zum Ziel, die Rolle der Künstler*innen im Zeitalter von Computern und digitalen Werkzeugen zu untersuchen. Durch diese Workshops wollten wir untersuchen, wie sich die Ausdrucksmittel im Laufe der Zeit verändert haben und was moderne Künstler*innen tun muss, um sich an diese Veränderungen anzupassen und relevant zu bleiben. Die Erforschung der digitalen Kunst und ihrer Beziehung zu den NFTs war ebenfalls ein wichtiges Element dieser Workshops.

Die Beschreibung des Tracks lautete wie folgt: „Schönheit liegt im Auge des Betrachters“, sagt ein bekanntes Sprichwort. Das Gleiche gilt für die Wertschätzung verschiedener Kunstformen - sei es Malerei, Bildhauerei, Musik, Theater oder Literatur. Heutzutage kann jeder bequem von zu Hause aus zum Kunstkritiker werden, denn die technologischen Fortschritte machen die Kunst zugänglicher als je zuvor. Es ist nicht mehr nötig, ein Museum oder eine Galerie zu besuchen, um sie zu erleben.

Mit Anwendungen wie Google Arts & Culture können Sie weltberühmte Meisterwerke direkt auf Ihrem Bildschirm betrachten. Durch virtuelle Rundgänge können Sie die Wunder der menschlichen Schöpfung mit nur wenigen Klicks bewundern. Aber was bedeutet es, im Zeitalter von Computern und digitalen Werkzeugen Künstler*in zu sein? Wie haben sich die Ausdrucksmittel verändert, und wie passen sich moderner Künstler*innen an sie an? Wie bleibt man kreativ, wenn scheinbar alles bereits online verfügbar ist? Und was hat es mit den NFTs auf sich?

Unterstützt durch das Creative Europe Programm und das Projekt Liberty werden junge Künstler und kreative Köpfe mit uns auf ein Abenteuer gehen, bei dem sich Digitalisierung und künstlerischer Ausdruck überschneiden. Dieser Kurs wird Ihnen helfen, die Kunst mit Hilfe digitaler Werkzeuge zu entdecken und neue Wege zu finden, sie zu schaffen und zu schätzen!

Mehr als 40 Schüler*innen nahmen drei Tage lang an den Workshops zu digitaler Kunst und Kreativität teil. Die Einführung in das Thema begann mit der unglaublichen und inspirierenden Geschichte des maltesischen Digitalkünstlers Zack Ritche, der seine künstlerische Laufbahn schon in jungen Jahren begann und sich nicht davon abbringen ließ, jeden Tag eine Illustration von Beppe zu erstellen. Er zeigte den Studierenden, wie digitale Kunst und Illustrationen mit verschiedenen Bereichen zusammenarbeiten können, um Werte zu schaffen, und wie man durch spielerisches Experimentieren mit der Beppe-Persönlichkeit seine Fähigkeiten verbessern kann.

Die Diskussion wurde mit dem zweiten Gastredner, dem CEO und Mitbegründer von „Metaverse Architects“, Sean Ellul, fortgesetzt, der zur Entdeckung der zukünftigen Umgebung führte: Er diskutierte Begriffe wie „digitales Eigentum“, „NFT“ und „künstliche Intelligenz“. Die Student*innen wollten wissen, wie NFT erkannt werden kann und welche Rolle NFTs in der Zukunft spielen werden. Dazu hatte Sean nur einen Vorschlag - er ermutigte die Student*innen, sich mit Technik zu beschäftigen und sich über die bevorstehenden Veränderungen zu informieren.

An den folgenden Tagen hatten die Studierenden die Gelegenheit, eng mit digitalen Künstlern zusammenzuarbeiten

»NFT HAS CHANGED MY LIFE, WEB3 HAS THE POWER TO CHANGE YOUR LIFE TOO! ARE YOU TAKING ADVANTAGE OF THE SPACE AND DREAMING BIG?«

»NFT HAT MEIN LEBEN VERÄNDERT, WEB3 HAT DIE MACHT, AUCH IHR LEBEN ZU VERÄNDERN! NUTZEN SIE DEN RAUM UND TRÄUMEN SIE GROSS?« ZACK RITCHIE

contributed with a speech in the common plenary of the event, highlighting the importance of the voice of young artists and their contribution to tackling societal challenges through their art.

As the topic of the event was “Claim your digital space”, the Liberty activities focused on exploring how young people can use digital arts to share their ideas with the world and also how to interpret what they see in the media in an objective way, preventing the proliferation of fake news or hate speech. The NFT world was also explored through this track, by looking at how artists can promote themselves and their work in this new environment.

Finally, to conclude with some comments from the artists themselves: Zack Ritchie, NFT Artist: “NFT has changed my life, web3 has the power to change your life too! Are you taking advantage of the space and dreaming big?”

Sean Ellul, Guest Speaker: “Dear YES volunteers, it was an absolute pleasure to have had the opportunity to see the invaluable work you do here, and I feel extremely privileged to have experienced my first YES.

The work you do here is one of consequence, and I genuinely wish I had the chance to be influenced by such a fantastic group of humans when I was a student. It is crystal clear that your energy, dedication and drive has a genuine, meaningful impact on the students you work for, and you should all be proud to be influencing and empowering young people across the globe.

Thank you for giving me the chance and space to share my passions with you, for making me feel at home at my first ever YES, and above all, for contributing towards building a better, more accepting world for all of us. Keep shining!”•

- dem digitalen Illustrator Zack Ritchie und dem Fotografen Balint Tapay. Während der Workshops wurden Tipps und Tricks verraten. Die Workshops von Balint zum Thema Fotografie luden die Schüler*innen dazu ein, sich genauer anzusehen, wie die Botschaft in einem Kunstwerk verschlüsselt wird, und entdeckten wichtige Aspekte, die dabei helfen. Die Schüler*innen kreierten und verschlüsselten eine Botschaft in ihren Fotografien und klärten gemeinsam den möglichen Weg, selbst ein Fotograf zu werden. Während der digitalen Illustrationssitzungen lernten die YES-Teilnehmer*innen mehr über sich selbst und erstellten ihre eigenen Beppe-Versionen. Während der Zeichensitzung lud Zack die Teilnehmer*innen ein, sie selbst zu sein und ihre eigene einzigartige Handschrift zu entwickeln. Jedes Kunstwerk nahm eine andere Ausdrucksweise an, indem sie ihre Erfahrungen während des Austauschs oder ihre Lieblingsdinge in der Welt wiedererlebten. Am Ende schufen alle zusammen ein gemeinsames Kunstwerk, das als NFT POAPs (Proof of Attendance Protocol) eingereicht werden konnte.

Die Struktur des Digital Arts-Tracks war wie folgt: Zwei Künstler (Zack Ritchie, Balint Tapay) waren an der Durchführung des Workshops beteiligt, und ein Experte für digitale Kunst (Sean Ellul) erläuterte die Möglichkeiten, die sich jungen Künstlerinnen heutzutage bieten. Zusätzlich zum Track „Digitale Kunst“ trug Sean Ellul auch mit einer Rede im gemeinsamen Plenum der Veranstaltung bei, in der er die Bedeutung der Stimme junger Künstler*innen und ihren Beitrag zur Bewältigung gesellschaftlicher Herausforderungen durch ihre Kunst hervorhob.

Da das Thema der Veranstaltung „Beanspruche deinen digitalen Raum“ lautete, konzentrierten sich die Liberty-Aktivitäten auf die Frage, wie junge Menschen digitale Kunst nutzen können, um ihre Ideen mit der Welt zu teilen, und wie sie das, was sie in den Medien sehen, objektiv interpretieren können, um die Verbreitung von Fake News oder Hassreden zu verhindern. Auch die NFT-Welt wurde in diesem Bereich erforscht, indem untersucht wurde, wie Künstler*innen sich selbst und ihre Arbeit in diesem neuen Umfeld fördern können.

Abschließend noch einige Kommentare von den Künstler*innrn selbst: Zack Ritchie, NFT-Künstler: „NFT hat mein Leben verändert, web3 hat die Macht, auch Ihr Leben zu verändern! Nutzen Sie den Raum und träumen Sie groß?“

Sean Ellul, Gastredner: „Liebe YES-Freiwillige, es war mir eine große Freude, die unschätzbare Arbeit, die Sie hier leisten, kennenzulernen, und ich fühle mich sehr privilegiert, dass ich mein erstes YES erleben durfte.

Die Arbeit, die Sie hier leisten, ist von großer Bedeutung, und ich wünschte wirklich, ich hätte die Chance gehabt, von einer so fantastischen Gruppe von Menschen beeinflusst zu werden, als ich ein Student war. Es ist kristallklar, dass Ihre Energie, Ihr Engagement und Ihre Tatkraft eine echte, bedeutsame Auswirkung auf die Schüler*innen haben, für die Sie arbeiten, und Sie alle sollten stolz darauf sein, junge Menschen auf der ganzen Welt zu beeinflussen und zu befähigen.

Vielen Dank, dass Sie mir die Chance und den Raum gegeben haben, meine Leidenschaften mit Ihnen zu teilen, dass ich mich bei meinem allerersten YES wie zu Hause gefühlt habe und vor allem, dass Sie dazu beitragen, eine bessere, akzeptierende Welt für uns alle zu schaffen. Keep shining!“•

»THE WORK YOU DO HERE IS ONE OF CONSEQUENCE, AND I GENUINELY WISH I HAD THE CHANCE TO BE INFLUENCED BY SUCH A FANTASTIC GROUP OF HUMANS WHEN I WAS A STUDENT.«

»DIE ARBEIT, DIE SIE HIER LEISTEN, IST VON GROSSER BEDEUTUNG, UND ICH WÜNSCHTE WIRKLICH, ICH HÄTTE DIE CHANCE GEHABT, VON EINER SO FANTASTISCHEN GRUPPE VON MENSCHEN BEEINFLUSST ZU WERDEN, ALS ICH EIN STUDENT WAR.« SEAN ELLUL

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