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Arte Hoy ® Galería Ciudad de México, Marzo, 2016 Imagen de portada: Castillo de agua / 2001 / mármol travertino blanco / 43 x 74 x 23 cm

Arte Hoy ® Galería Presidente Carranza 176 Coyoacán México, D.F., 04000 e-mail: info@artehoy.com.mx Tels: 55540155 / 63912059 Editado por: Jorge Espinosa Fernández, Arte Hoy ® Galería Queda prohibida la reproducción total o parcial del contenido, incluyendo el diseño de cubierta sin previa autorización de Jorge Espinosa Fernández y Arte Hoy ® Galería. Hecho en México / Made in Mexico


LA SUTILEZA DE LAS FORMAS MAESTROS ESCULTORES DE XALAPA “Los meses y los días son viajeros de la eternidad. El año que se va y el que viene también son viajeros.” “Imposible pasar por ahí sin que fuese tocada mi alma.” Matsúo Basho , Sendas de Oku.

Esta exposición reúne la obra y la visión de Hiroyuki Okumura, Uros Uscebrka, Adalberto Bonilla, Ryuichi Yahagi y Manuel Velázquez. Cinco artistas que tienen diversas coincidencias y convergencias. Una de esas coincidencias, a la vez incidental y profunda, es tener en común residencia de vida y creativa en Xalapa, Veracruz. Incidental porque cada uno ha llegado en su propio tiempo y camino a esa ciudad. Sustancial porque Xalapa es sede, punto de confluencia de talentos escultóricos a partir de la estancia, entre otros artistas de origen japonés, del gran escultor Kiyoshi Takahashi, quien en la década de los sesentas sembró lo que es ya una tradición de creación escultórica de relevancia internacional, con epicentro en Xalapa. De la concurrencia de artistas, escultores y de otras especialidades, con distintos orígenes, locales y extranjeros, deriva un enriquecimiento multicultural de notables resultados. Si bien la obra y trayectoria de estos artistas es independiente, la calidad y el rigor de sus obras les aproxima. En esta exposición colectiva concurren los artistas, cada uno con propio lenguaje y sentido de creación artística, formando un deslumbrante conjunto de obras cuyo denominador común es la sutileza de las formas. Hiroyuki Okumura, gran escultor de origen japonés que ha residido en Xalapa por más de 20 años y a quien Arte Hoy se enorgullece de representar desde hace varios años, aporta obras de formas y equilibrios sublimes. Uros Uscebrka, artista de origen Serbio, estableció su taller escultórico en Xalapa desde hace 15 años. Las obras que presenta en esta exposición se distinguen por su destello de intervención estética en el elemento natural, la piedra.


Adalberto Bonilla es originario de Puebla. Desde los años sesentas cuando colaboró con el Maestro Takahashi, ha desarrollado su trabajo artístico y académico en Xalapa. Sus obras tiene la madurez de la aparente simplicidad que conlleva la sofisticación plástica. Ryuichi Yahagi, escultor de origen japonés, reside en Xalapa desde hace 15 años. Su obra presenta, con gran maestría, una reflexión intensa y serena sobre la originalidad de la naturaleza y sus réplicas. Manuel Velázquez, de origen chiapaneco, ha desarrollado su actividad artística y académica primero en Chiapas y por más de 20 años en Xalapa. En esta exposición presenta excelentes pinturas de gran formato y otras que se integran como parte de las instalaciones escultóricas de Ryuichi Yahagi, creando no solamente diversidad de géneros, sino enriquecimiento dimensional de las obras. Las esculturas y pinturas que conforman esta exposición revelan el poder de lo sublime, provocan la experiencia estética. Esa experiencia es intuitiva, profunda y profusamente cultural, contemporánea y de muy hondas raíces. En estas obras hay una visión del mundo y también hay algo de lo que el mundo esconde, pero que la sensibilidad artística revela. La síntesis no dialéctica, la armonización de los aparentemente contrarios, resulta en equilibrios refinados que estremecen, que provocan la reflexión y las emociones que no reclaman racionalización. Un orden distinto de cosas y de pensamientos pertenecientes a otros estratos de la condición humana y de interrelación con el resto de la naturaleza. Cada uno de los artistas que participan en esta exposición tiene el atributo de comunicar, en la insondable dimensión del arte, con un lenguaje propio y único.


DE LO NATURAL EN EL ARTE; MATERIA Y CREACIÓN

Como el martilleo del cincel sobre la piedra, el constante chipi chipi de Xalapa suena a música, tic, tic, tic, tic. Paraje ideal para la creación artística, la ciudad se transforma bajo la magia de la niebla, de la lluvia, se vuelve mística, el perfecto escenario para una tragedia romántica en la que tras un “Jesús te ampare” muere el ser amado para quedar por siempre grabado en la memoria de Xalapa, esa ciudad que huele a lluvia, que sabe a verde, y que suena al son de la música que esculpe la piedra. Cuna y refugio de artistas, Xalapa, con sus calles empinadas, con sus cafecitos de ayer. En ésta ciudad residen los artistas cuya obra se presenta en ésta muestra. Artistas, con A, mayúscula. Pues es Artista aquel que es capaz de crear, que tiene el poder de dar vida a un objeto inanimado, de modificar el espacio... Un artista no sólo compone formas, siluetas o escenarios; como un alquimista, modifica la materia, y con ella, la experiencia de quien observa sus creaciones, la percepción de la realidad de quien las vive. Un artista “es aquel que transforma, construye, da vida, erige una nueva realidad; pero él (…) no lo es en sí mismo sin la ayuda de los materiales, aliados que varían en peso, textura, densidad, color, temperatura y hasta aroma. Con el material entabla el “combate con el ángel”, en el que la forma continúa siendo en espacio y luz, en dureza y color, el elemento esencial de la búsqueda…”

1 Sotelo Ríos, Georgina. Influencia Japonesa en la escultura Xalapeña. Segunda mitad, siglo XX. Editorial

Académica Española: E.U.A. 2012, p. 78.


Así, Beto Bonilla, Hiroyuki Okumura, Manuel Velázquez, Ryuichi Yahagi, Uros Uscebrka, son artistas en cuyas manos descansa el poder sagrado de la divinidad, el poder de crear. Sus piezas se presentan al espectador y lo retan a mirar el detalle; a observar con atención para poder advertir hasta dónde se encuentra la materia original y en dónde el poder del artífice que la ha convertido en objeto de culto. Cinco artistas que respetan la esencia de la naturaleza, que incluso la veneran, pero que con mano experta la transforman, y es que en la sutileza de las formas que crean reside la contundencia del material. Y así, que como un niño que mira directo al sol, que toma en sus brazos las nubes, que abraza una ola antes de tocar la arena, somos capaces de mirar de frente sus piezas, de admirar la veta de la piedra, de maravillarnos ante la grieta, ante el color, ante la forma. El material se transforma en las manos del artista, la piedra, el lienzo, se cargan de significado, adquieren un nuevo sentido, se convierten en una nueva realidad, aquella que el artista quiere expresar. Y en ésta expresión el espacio se vuelve visible, el tiempo se convierte en materia.

Gabriela Irastorza de Zatarain


Hiroyuki Okumura / Escultura


“Razón y emoción. Cálculo que despeja sonetos construidos con alianzas de metal y de pudor. Gran reciclador, ciudadano de formas puras, libertador de memorias, mástil de esencias, constructor de sueños que penetran con suavidad en la imaginación profunda de nuestras realidades. Hiroyuki Okumura, no necesita presentación, su rumor atrae, su fervor seduce. Artista que viste de frac sus pasos, a través de la agonía de la creación.” -Federico Ramos Sánchez

Hiroyuki Okumura nació en Kanagawa, Japón, en 1963. Vive y trabaja en la ciudad de Xalapa, Veracruz desde 1989. En esa ciudad decidió desarrollar su carrera, entre otras razones por la inspiración que encuentra en el arte prehispánico mexicano. Ha participado en exposiciones individuales y colectivas en Xalapa, Chiapas, Puebla, Guadalajara y Guanajuato en México; y en Estados Unidos, Francia y Japón entre otras. Cuenta con obra en distintas colecciones como en la Universidad de Bellas Artes, Kanazawa, Ishikawa, Japón; la Universidad Autónoma de Chiapas, Centre Culturelle Franco-Japonais, París, Francia; Foundation Art Center Ilindentci, Bulgaria; Ágora de la Ciudad de Xalapa; Oficina Corporativa de Grupo Chedrahui, Ciudad de México entre otras colecciones de México y el extranjero. Trabaja escultura en piedra; el mármol y la cantera son sus materiales predilectos para crear unas piezas que resultan enigmáticas y perturbadoras. Enigmáticas por sus formas y texturas; perturbadoras por esa tranquila belleza que altera la racionalidad y el sentido que predomina en el arte contemporáneo.


Serie Clan de fuego – Tesoro / 2014 / roca volcánica y plomo / 55 x 100 x 6 cm


Serie Clan de fuego – Máscara / 2014 / roca volcánica / 53 x 43 x 3 cm Serie Clan de fuego – Otoño / 2014 / roca volcánica / 70 x 42 x 5 cm


Sonido de bosque / 2015 / basalto / 66 x 47 x 14 cm


Recolectora de las estrellas / 2014 / obsidiana / 24 x 34 x 12 cm


Avante blanco / 2016 / 贸nix blanco / 36 x 36 x 30 cm


Castillo de agua / 2001 / mรกrmol travertino blanco / 43 x 74 x 23 cm


La Ruta / 2007 / mรกrmol travertino blanco y metal / 49 x 60 x 12 cm


Uros Uscebrka / Escultura


Uros Uscebrka nace en Belgrado, Serbia el 3 de agosto del 1971. Ingresó a la Facultad de Artes Aplicadas de Belgrado en 1990, donde se tituló en la opción de escultura aplicada en el 1995. Desde el 1996 es miembro de la asociación de artistas plásticos de Serbia. En 1997 vivió y trabajó en Brescia, Italia, donde se especializó en escultura de piedra de mayor formato. Entre 1997 y 1998 estudió y trabajó en la Escuela y Centro de Restauración y Conservación del Museo Nacional en Karatas, Serbia. En 1999 fue becado por la Secretaria de Relaciones Exteriores de México para realizar una maestría en restauración arquitectónica en la Universidad Veracruzana, donde se tituló con mención honorifica en 2004. Desde 1999 a la fecha es docente de la Facultad de Artes Plásticas de la Universidad Veracruzana. Ha participado en diversas exposiciones individuales y colectivas en Serbia, España, Corea del Sur, Portugal, Rumania y México. Uros es un artista visual que investiga una idea formal, pero de creación y carácter minimalista. Prefiere trabajar con materiales muy sólidos y duraderos, investigando y expresando la solución más sencilla para la forma y concepto. Sus piezas son de hechura limpia, modular, tendiendo a la gran escala y a numerosos productos; le gusta explotar lo físico y visible del material puro, provocar a través del material para hablar y dialogar. Su preocupación principal es la interacción de los objetos encontrados al azar, combinado con una intervención que el artista provoca: la "naturaleza artificial" o el " falsificado original “.


De la serie Manipulaciones “quince piezas de mármol de formato pequeño casi geométrico – cúbico, en las cuales las intervenciones intentan ser “mínimas”, manejando solamente unas líneas “defectuosas” del material original, destacando y rescatando valores naturales, pero también enmarcando la clara evidencia de la huella del hombre. Es un diálogo entre elementos genuinos (la piedra) y artificiales (resina plástica azul), con el propósito de poner en discusión la inevitable y obligatoria “necesidad” humana de marcar siempre uno de sus “trazos” en cualquier cosa que “descubre”.

-Milena Milosevic

s/t / 2015 / mármol y resina / 22 x 15 x 14 cm s/t / 2015 / mármol y resina / 18 x 14 x 13 cm s/t / 2015 / mármol y resina / 19 x 17 x 16 cm s/t / 2015 / mármol y resina / 21 x 17 x 15 cm


s/t / 2015 / mármol y resina / 14 x 18 x 15 cm s/t / 2015 / mármol y resina / 16 x 19 x 16 cm s/t / 2015 / mármol y resina / 21 x 18 x 14 cm s/t / 2015 / mármol y resina / 17 x 16 x 14 cm s/t / 2015 / mármol y resina / 18 x 13 x 18 cm s/t / 2015 / mármol y resina / 20 x 15 x 14 cm s/t / 2015 / mármol y resina / 19 x 22 x 13 cm s/t / 2015 / mármol y resina / 21 x 19 x 15 cm


Según el autor son preocupaciones que se pueden considerar como parte de la ética global, por lo menos en su caso, es algo que lo desafía cada vez que procura construir un producto visual. ¿Qué es más atractivo o impactante? ¿Es una piedra que tiene más valor o es una escultura hecha en dicha piedra? ¿Qué es lo que se “pierde” y qué es lo que se “gana”? ¿Qué es más duradero y/o relevante en la existencia de nuestro planeta y/o nuestra civilización?

-Milena Milosevic

s/t / 2015 / mármol y resina / 20 x 15 x 13 cm s/t / 2015 / mármol y resina / 17 x 23 x 15 cm


s/t / 2015 / mรกrmol y resina / 23 x 22 x 20 cm


Adalberto Bonilla / Escultura


Adalberto Bonilla nace en 1949 en San Miguel Itzoteno, Puebla, México. De 1963 a 1968 trabajó con el escultor Kiyoshi Takahashi. En 1967 colaboró en la realización de una escultura monumental hecha por el maestro Takahashi en Coatepec, Veracruz. Se 1974 a 1977 estudió en la Facultad de Artes Plásticas de la Universidad Veracruzana. En 1975 ganó el Premio especial de escultura en el X Concurso Nacional de la Casa de Cultura Aguascalientes en Aguascalientes, México. Desde 1978 colabora en el Instituto de Artes Plásticas de la misma Universidad. Ha participado en exposiciones individuales y colectivas en los estados de Veracruz, Chiapas, la Ciudad de México, Hidalgo, Oaxaca, Puebla, Sinaloa, Mérida, Nuevo León, Coahuila y Guanajuato en México, así como en Estados Unidos y Japón. Con una tendencia artística abstracta, utiliza en su obra la madera, piedra volcánica, mármol y resina poliéster para crear ventanas y contrastes, para “ver a través de”. Para Beto, la escultura es el medio idóneo para interpretar lo que siente, y lo que ve plasmándolo respetando el material en que trabaja.


Serie lunas / s/f / obsidiana y mรกrmol / 22 x 21 x 15 cm


Superficie lunar I/ s/f / Ă“nix y madera / 31 x 15 x 14 cm


Paisaje lunar II / s/f / 贸nix y madera / 48 x 33 x 12.5 cm


Desprendimiento IV/ s/f / 贸nix y madera / 25 x 26 x 13 cm


Superficie lunar III/ s/f / 贸nix y madera / 41 x 33 x 33 cm


Desprendimiento lunar / s/f / 贸nix y piedra / 15 x 18 x 11 cm


Serie Lunas / s/f / 贸nix y piedra volc谩nica/ 23.5 x 20 x 9.5 cm


Ryuichi Yahagi/ Escultura


Ryuichi Yahagi nace en Julio de 1967 en la ciudad de Kawasaki, Kanagawa, Japón. Estudió la licenciatura de Escultura en Artes Visuales en la Universidad de Bellas Artes de Kanazawa, Japón. Llega a México en el 2001 como Becario Extranjero de la Secretaría de Relaciones Exteriores de México. De 2002 a la actualidad se ha desempeñado como académico de la Facultad de Artes Plásticas de la Universidad Veracruzana en México, y en el Instituto de Artes Plásticas de la misma Universidad. En el 2013 realizó un posgrado en Artes y Diseño en la Escuela Nacional de Artes Plásticas de la Universidad Nacional Autónoma de México. Cuenta con obra en colecciones de México, Japón, Vietnam, y Serbia. Ha participado en exposiciones individuales y colectivas en México, Japón, Serbia, Francia y Taiwán. Una de las preocupaciones principales en su obra tiene que ver con la idea de lo original y la copia. Ryuichi otorga a la copia todos los valores estéticos del original, cuidando la manufactura de cada detalle para conseguir los acabados correctos, apropiándose de la realidad para reconstruirla para verla con otros ojos. Su mirada, teñida de subjetividad, es una invitación a reinterpretar la vida y lo que nos rodea.


La señal de Pétalo I/ 2014 / mármol / 19 x 15 x 8 cm


La señal de Pétalo II/ 2014 / mármol / 16 x 16 x 6 cm


La señal de Pétalo III/ 2014 / mármol / 22 x 16 x 12 cm


La señal de Pétalo IV/ 2014 / mármol / 21 x 10 x 10 cm


La señal de Pétalo V/ 2014 / mármol / 20 x 11 x 11 cm


La señal de Pétalo VII / 2014 / mármol / 20 x 15 x 10 cm


s/t / 2012 / mรกrmol / 12 x 9.5 x 5 cm


Manuel Velรกzquez / Pintura


Manuel Velázquez nace el 26 de junio de 1968 en Tuxtla Gutiérrez, Chiapas. Estudió pintura y dibujo en la Escuela de Artes Plásticas de Chiapas, es Licenciado en Artes por la Universidad Veracruzana, Maestro en Estudios de Arte por la Universidad Iberoamericana y Candidato a Maestro en Artes Visuales por la UNAM. Ha participado en diversas exposiciones individuales y colectivas en México, Bélgica, Canadá, Estados Unidos, Austria, Serbia, Japón, Eslovaquia, Italia, Holanda, Guatemala, Cuba, Argentina, Paraguay y Chile. Fue director de la Escuela de Artes Plásticas del ICACH, Director Fundador del Jardín de las Esculturas de Xalapa y actualmente colabora en el Instituto Veracruzano de la Cultura y en la Facultad de Artes Plásticas de la Universidad Veracruzana. Su obra suele ser de gran formato sobre madera. Le interesan las posibilidades tridimensionales de la pintura, buscando un encuentro más corporal con el espectador, quien tiene que enfrentarse a la obra desde su propio espacio físico. No ve a la pintura como una ventana, le importa su materialidad.


Umbra 2 / 2014 / acrĂ­lico, encausto y grafito sobre madera / 200 x 200 cm


Umbra 4 / 2014 / acrĂ­lico, encausto y grafito sobre madera / 200 x 200 cm


Umbra 3 / 2014 / acrĂ­lico, encausto y grafito sobre madera / 200 x 200 cm


Instalaciones


CANTO RODADO FALSIFICADO OBRA DE RYUCHI YAHAGI “El arte vive en las delgadas fronteras que separan lo real de lo irreal”. Chikamatsu

Canto rodado falsificado es un camino, es una instalación eminentemente escultórica en cuya composición participan elementos de la naturaleza y esculturas en réplica. Forma parte de la obra el espectador con su experiencia y con su reflexión. Esta obra tiene un horizonte que no se limita a una tesis, ni a una refutación. No es respuesta, tampoco cuestionamiento. Es inmersión en la intuición que desencadena reflexiones sin condicionamiento conceptual o prejuicio racional. Belleza, destreza, sensación, manantial de reflexión, ideas. La instalación consiste en una piedra de rio natural, original, y de veintiún réplicas de esa piedra labradas escrupulosamente por el artista. Cada una de las veintidós piezas tiene una base independiente, afín y neutra. Hay obras, como esta, que conducen a cruzar los umbrales de lo racional y nos sitúan en dimensiones que no son las del transcurrir cotidiano, ni vigilia ni sueño. ¿Tienen nombre esas otras dimensiones a las que conduce esta obra de arte? Tal vez, pero para Canto rodado falsificado no es relevante. Cuestiones como forma, expresión, concepto, estilo, técnica, composición, temporalidad podrían ser significativas. Experiencia, sensación, aprendizaje y tiempo suspendido son relevantes a esta obra.

Canto rodado falsificado es transcurso de impresiones que provocan reflexión. Abarca una infinidad de temas, posibles e imposibles, a parir de la aparente sencillez de sus componentes. Los pensamientos que eclosionan no podrían ser unívocos o inflexibles. Provocación sí es; es lo contrario a una imposición, liberación. La obra es la aportación del artista. La intriga y la introspección que la obra induce son de quien incursiona en la instalación. Perdura y también retrotrae. Ideas que nos parecen nuevas y evocación de posibles ideas se fusionan en el presente. Ideas en el tiempo que se desprenden de objetos de arte que, en todo caso, se representan a sí mismos. Ideas que fluyen.


CANTO RODADO FALSIFICADO ¿Cuántas años son necesarios para crear una piedra de río? Cada textura, cada orificio, cada forma única se va construyendo por el golpeteo entre unas y otras producto de la corriente. Son siglos y siglos de incesante movimiento. Ryuichi Yahagi intenta emular los siglos en semanas, los años en días, las corrientes en sus manos al pulir la piedra hasta imitar el original. Hace algunos años inició este proyecto partiendo de una piedra encontrada en un río cercano a nuestra localidad. Admirador del trabajo del artista Norio Imai, sus piezas no se concentran en la producción de un objeto único como lo hace tradicionalmente el arte moderno, busca desplazar la importancia al proceso de copia. Son obras que se construyen en el tiempo. En un primer momento realizó nueve copias, ahora nos muestra veintidós, esperando conformar a lo largo de su vida copias cada vez más cercanas y exactas al original. Yahagi desea que la pieza trascienda su propia vida, dejando este proyecto a un artista joven que pueda seguir haciendo las copias, y a su vez, este artista dejará el proyecto a otro, y este a otro, para que cada generación perfeccione la técnica de reproducción y la pieza siga construyéndose. Con la observación como elemento sustancial para la ejecución, pues Yahagi realiza la copia únicamente “a ojo de buen cubero”, con mucho cuidado y dedicación rebaja el material rocoso, lo pica y luego pule, tardando aproximadamente dos semanas en realizar cada piedra. En cada caso se va perfeccionando la técnica, la piedra adquiere más características del la original. El proceso se convierte en un camino para cerrar la brecha entre lo que puede el hombre y lo que puede la naturaleza. Él es el río, él es cada piedra, él es cada momento. De la misma manera, su producción desplaza la idea tradicional del artista como sujeto individual, no tan sólo al proyectar su proceso a un artista del futuro, sino invitando al pintor Manuel Velázquez y el fotógrafo Adrián Mendieta, para realizar pinturas y fotografías de piedras. El original se esconde, se pierde entre la producción humana, se desdibuja en un juego de copias múltiples que nos obligan a ser observadores, a mirar con detenimiento aquello que nos parece intrascendente.

Luis Josué Martínez Rodríguez

Canto rodado falsificado / 2014 / piedra tallada / 7 x 21 x 14 cm c/u *La instalación consta de 21 piezas falsas y una pieza original


La Piedra de río no tiene forma fija, todas las piedras de río son similares, pero no existen la misma forma. Manuel Velázquez dibuja una piedra de río. Este acto expresaría una forma única dentro de una forma incierta. En mis manos fluye el bloque de piedra reviviendo la forma original de incertidumbre y cambiando de la forma bidimensional a la forma tridimensional. - Ryuichi Yahagi


Canto rodado falsificado I / 2015 Pintura (Manuel Velázquez): medios acrílicos, grafito y cera sobre madera / 60 x 244 cm Escultura (Ryuichi Yahagi): roca volcánica tallada / 13 x 20 x 11.5 cm Canto rodado falsificado III / 2016 Pintura (Manuel Velázquez): medios acrílicos, tierras, grafito y cera sobre madera / 50 x 50 cm Escultura (Ryuichi Yahagi): roca volcánica tallada /


Canto rodado falsificado II / 2015 / piedra tallada / 13 x 9 x 9 cm c/u *La instalaci贸n consta de 9 piezas falsas y una pieza original


Canto rodado falsificado IV/ 2016 / piedra tallada / 10 x 9 x 8 cm *La instalaciรณn consta de 1 pieza falsa y una pieza original (piedra original de Coyolillo, Veracruz)

Canto rodado falsificado V/ 2016 / piedra tallada / 9 x 7 x 6 cm *La instalaciรณn consta de 1 pieza falsa y una pieza original

Canto rodado falsificado VI/ 2016 / piedra tallada / 14 x 10 x 9 cm *La instalaciรณn consta de 1 pieza falsa y una pieza original (piedra original de Cempoala, Veracruz)

Canto rodado falsificado VII/ 2016 / piedra tallada / 5 x 5 x 3.5 cm *La instalaciรณn consta de 1 pieza falsa y una pieza original (piedra original de Arte Hoy)

Canto rodado falsificado VIII/ 2016 / piedra tallada / 6.5 x 5 x 5 cm *La instalaciรณn consta de 1 pieza falsa y una pieza original


ARTE Y CULTURA JAPONESA EN PALABRAS DE OCTAVIO PAZ* “Aunque todas las artes, de la poesía a la música y de la pintura a la arquitectura, se han beneficiado con esta nueva manera de acercarse a la cultura japonesa, creo que lo que todos buscamos en ella es otro estilo de vida, otra visión del mundo y, también, del trasmundo.” “…ni antes ni ahora el Japón ha sido para nosotros una escuela de doctrinas, sistemas o filosofías sino una sensibilidad... no nos ha enseñado a pensar sino a sentir.” “…la imperfección es la cima. Esa imperfección, como se ha visto, no es realmente imperfecta: es voluntario inacabamiento. Su verdadero nombre es conciencia de la fragilidad y precariedad de la existencia, conciencia de aquel que se sabe suspendido entre un aviso y otro. El arte japonés en sus momentos más tensos y transparentes, nos revela esos instantes –porque no sólo un instante- de equilibrio entre la vida y la muerte. Vivacidad: mortalidad.” “Pero la destrucción de la lógica no tiene por objeto remitirnos al caos y al absurdo sino, a través de la experiencia de lo sin sentido, descubrir un nuevo sentido. Sólo que este sentido es incomunicable por las palabras.” “…para la estética del Nö, el arte no convoca a una presencia sino más bien, a un ausencia. La cima del instante contemplativo es un estado paradójico: es un no ser en el que, de alguna manera, se da el pleno ser. Plenitud del vacío.”

*En el prólogo de Sendas de Oku, del poeta Matsúo Basho, Ediciones Atalanta.


CRÉDITOS Gabriela Irastorza de Zatarain Curaduría Yessica Díaz Buitrago Catalogación y Diseño Fotografía Hiroyuki Okumura Adalberto Bonilla Ryuichi Yahagi Manuel Velázquez

CONTACTO Jorge Espinosa Fernández jespinosa@artehoy.com.mx Yessica Díaz Buitrago ydiaz@artehoy.com.mx Gabriela Irastorza de Zatarain girastorza@artehoy.com.mx Marianna de Regil mdregil@artehoy.com.mx www.artehoy.com.mx Presidente Carranza 176 Coyoacán 04000, México, D.F. info@artehoy.com.mx Patio de escultura Coyoacán, Ciudad de México. Previa cita Tel. (55) 5554 0155 / 6391 2059


Catálogo - La sutileza de las formas - Arte Hoy - marzo 2016  

Esta exposición reúne la obra y la visión de Hiroyuki Okumura, Uros Uscebrka, Adalberto Bonilla, Ryuichi Yahagi y Manuel Velázquez. Cinc...

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