Catálogo. Artistas que dibujan el aire - Artistas japoneses en México

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rtistas a que dibujan el aire

空気でドローイングをする人々 Artistas japoneses en México 3

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Arte Hoy ® Galería Ciudad de México, abril, 2014 Portada: Serie RIN: chirizakura, 2013 Arte Hoy ® Galería Presidente Carranza 176 Coyoacán México, D. F., 04000 E-mail: info@artehoy.com.mx Tels: + 52(55) 5554 0155 - + 52(55) 6391 2059 Editado por: Jorge Espinosa Fernández, Arte Hoy ® Galería Impresión: Printshop Progreso 136 Barrio de Santa Catarina Coyoacán México, D. F., 04010 Primera edición, 2014 Tiraje: 1000 ejemplares.

Queda prohibida la reproducción total o parcial del contenido, incluyendo el diseño de cubierta sin previa autorización de Jorge Espinosa Fernández y Arte Hoy ® Galería.

Hecho en México / Made in Mexico

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空気でドローイングをする人々 Artistas japoneses en México 5

Kiyoto OTA Hiroyuki OKUMURA Masafumi HOSUMI Kunio IEZUMI Maho MAEDA Natsumi BABA Katsumi KUROSAKI Miho HAGINO Terumi MORIYAMA

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Contenido Artistas que dibujan el aire 空気でドローイングをする人々

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Legado de los escultores japoneses en México

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Escultura Kiyoto OTA 太田清人

Hiroyuki OKUMURA 奥村浩之

Masafumi HOSUMI 保住将文

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Pintura Kunio IEZUMI 家住邦夫

Maho MAEDA 前田真帆

Natsumi BABA 馬場菜津美

Katsumi KUROSAKI 黒崎克巳

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Fotografía Miho HAGINO はぎのみほ

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Grabado Terumi MORIYAMA 森山照美

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Homenaje a Kiyoshi TAKAHASHI Un humilde servidor de las formas.

Kiyoshi TAKAHASHI en México

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Esta exposición y catálogo son posibles gracias al talento y disposición de los artistas de origen japonés, radicados en México, que participan.

Arte Hoy tiene el orgullo de que los escultores Kiyoto OTA, Hiroyuki OKUMURA y Masafumi HOSUMI, formen parte de los distinguidos artistas con quienes colaboramos. Kiyoto OTA, explorador creativo incansable y extraordinario, generosamente nos ha acompañado desde los inicios de la Galería hace tres años. Con Hiroyuki OKUMURA, maestro escultor de obras sublimes, hemos cultivado una estrecha y gratificante relación. Recientemente se ha incorporado Masafumi HOSUMI, cuya obra y amistad también apreciamos profundamente.

Damos la bienvenida a los pintores Kunio IEZUMI, Katsumi KUROSAKI, Natsumi BABA y Maho MAEDA, que tienen en común el sutil equilibrio de los componentes de sus obras y su vínculo con la naturaleza.

Agradecemos especialmente a Natsumi BABA por su colaboración y compromiso con esta exposición.

Terumi MORIYAMA participa con grabados de exquisita calidad que son síntesis de las tradiciones culturales japonesa y mexicana.

De Miho HAGINO, presentamos obra fotográfica de singular contenido y contundente expresividad.

Además ha colaborado activamente en la integración y curaduría de la exposición. Su talento y sensibilidad han sido determinantes.

El texto de Maria Teresa Favela aporta una visión general de la trayectoria de los artistas japoneses en México, a partir del siglo XX. Este catálogo incluye una sección en homenaje al Maestro Kyoshi TAKAHASHI, distinguido escultor de origen japonés, que precedió a los artistas participantes en esta exposición. Nuestro agradecimiento a Georgina Sotelo Ríos por haber hecho posible texto e imágenes.

Las creaciones de los artistas japoneses que han sido producidas en México tienen un significado cultural que tenemos el gusto de compartir.

Arte Hoy

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空気でドローイングをする人々

Artistas que dibujan el aire

自然の中に自分の立ち位置を決め、自分の法則に沿い

Seres que se han ubicado y visto dentro de la naturaleza.

『気配』を形にするアーティスト達。

創造の法則は、いつも科学的というより直感的で、

石の心を読み、

La creación está en la solidificación de los aires. Su expresión, siempre más intuitiva que científica: Lee el alma de la piedra.

Escucha la voz del árbol.

Suena la luz.

Dibuja la obscuridad.

Talla la niebla.

Da forma al fluir del viento.

樹木の話を聞き、 光を奏で、 闇を描き、 霧を彫り、 流れる風を形にする。

既に存在する固く大きなものに立ち向かい、打ち壊す目的 で、作品を制作するのではなく、絶えず変化し流動している ものを、熟練した技術を使って目に見える形に作りあげる。

彼らはいつも作品の後ろに隠れるように存在し、声高く自分の 存在をうたったり、作品の説明を言葉で付け加えることはない。

El crear no está en manifestar una liberación ante restricciones pre-existentes, sino en dar forma a un estado fluctuante y cambiante; concretada por su destreza técnica.

Estos artistas esconden su propio ser detrás de las obras, sin agregar palabras seductoras o explicaciones; no remarcan su presencia.

沈黙は意志であり、静寂は作品を彩る音色だ。作品は彼ら から生み出された身体の一部であり、床や壁は彼らの身体 に繋がる大切な面となる。

作品をより深く我々に教えてくれるのは、一刻一刻変化する 作品の置かれている場所と時間、そして光。彼らの作品を 見つめるときには、作品が放つ空気を感知することを忘れ てはいけない。

はぎのみほ

El silencio es por voluntad. La mudez es la melodía que colorea la obra y la obra en sí es una parte del artista mismo. Para él, el piso y la pared en que descansa la obra es la continuación del propio ser.

El espacio y tiempo junto a la luz que cambia en el transcurrir de cada segundo nos induce a la profundidad de cada pieza. Cuando uno fija la mirada a estos trabajos no debe olvidar descubrir y sentir el aire que posee cada obra.

2014年2月

Miho HAGINO Febrero 2014

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Legado de los escultores japoneses en Mexico Con diversas motivaciones artistas japoneses han llegado en diferentes épocas a México; algunos se han establecido en forma definitiva, otros sólo temporalmente; esta circunstancia no le resta ningún valor a su legado plástico.

podría tener en su obra la vida de México, su naturaleza y su gente. Dejó entre sus alumnos una escuela de disciplina y humildad, es decir, de rigor del artista consigo mismo y de conciencia y respeto frente al material con el que trabaja.

Recordemos la estancia de Tamiji KITAGAWA entre los años 20 y 30 del siglo pasado, quien se dedicó a la enseñanza en las Escuelas de Pintura al Aire Libre; del estadunidense de origen japonés Isamu NOGUCHI, quien permaneciendo casi un año en nuestro país dejó un relieve en el Mercado Abelardo L. Rodríguez y, por supuesto, de Fujita TSUGHRU.

El motivo esencial de la permanencia de Sukemitzu KAMINAGA en nuestro país fue su intención de estudiar la tradición prehispánica de la talla en piedra y de familiarizarse con el espíritu que guiaba la selección de materiales. Cuando llegó a México tuvo contacto con el también escultor sueco-mexicano Waldemar Sjölander. Ambos recuperaron la técnica de talla directa en piedra para realizar su trabajo. Más tarde será docente, al igual que Sjölander, en la Escuela de pintura, escultura y grabado La Esmeralda. El poder de síntesis y el vigoroso desplazamiento de volúmenes, aunado a un aparente juego simple de elementos semigeométricos lo distinguieron como el “hacedor poético de formas”.

Tiempo más tarde arribaron artistas escultores con ideas estéticas más libres y mucho más modernas.

Es el caso de los escultores Kiyoshi TAKAHASHI (1925-1996), Sukemitzu KAMINAGA (19392000), Masaru GOJI (1943), Kiyoto OTA (1948) e Hiroyuki OKUMURA (1969), entre otros.

En general el arte realista es más fácil de entender para el observador pues el contenido es más identificable, a diferencia del arte abstracto que plantea una doble vertiente: la creatividad del artista para encontrar lo esencial y trascendente en su obra, y la sensibilidad del espectador para interpretarla. Estos artistas ―excepto Masaru GOJI― han transitado del arte figurativo hacia el arte no objetual.

Kiyoshi TAKAHASHI llegó a Xalapa, Veracruz, para realizar un trabajo escultórico para la Universidad Veracruzana, en donde además fue nombrado profesor y jefe del Departamento de Escultura de esta Institución. Le interesó adentrarse en el estudio de la cultura prehispánica y la influencia que

Kiyoto OTA (1948) decidió trasladarse a México en busca de nuevas posibilidades y de mayor libertad para trabajar; en Japón el ambiente que prevalecía era arduo y estrecho; los materiales eran difíciles de conseguir, al igual que el acceso a talleres y maquinaria. Aquí ha encontrado amigos y condiciones favorables para su trabajo creativo. Al igual que KAMINAGA encontró en Waldemar Sjölander un apoyo y un guía incondicional.

Su obra acusa influencias japonesa y mexicana, permeada por un estilo muy cercano al arte minimalista y simple. Docente tanto en La Esmeralda, como en la Escuela Nacional de Artes Plásticas de la UNAM ha formado generaciones de alumnos en la especialidad de la escultura. Su propuesta plástica atrae las miradas cautelosas del obser-

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vador porque nos incita a recorrer de nuevo sus obras, y así nosotros, su público, vamos paulatinamente enriqueciendo nuestro interior, nuestra espiritualidad, creando un vínculo.

Hiroyuki OKUMURA colaboró con Kiyoshi TAKAHASHI en la realización de una obra monumental en Japón. Esta circunstancia representó un momento oportuno para OKUMURA porque tenía interés de venir a México. Su obra es espiritual y, cuando ésta toca nuestra espiritualidad, se produce un estallido interior. Son piezas aparentemente sencillas; tienen muchos símbolos, texturas; son muy puras y fuertes; el material escultórico combina lo áspero y lo pulido. Estos contrarios transmiten una gran magnitud a las piezas.

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Masaru GOJI (1943) arribó a México becado por la Universidad Veracruzana, donde se convertiría en profesor de los Talleres Libres de dicha Institución. A diferencia de los anteriores escultores, inicialmente su obra era abstracta y progresivamente experimentó con la figurativa. Sus temas de inspiración provienen de escenas cotidianas papantecas realizadas en madera; maderas cuyas vetas son también personajes en las esculturas.

La producción escultórica de estos artistas denota y connota la noción de la filosofía de los monjes Zen conocida como wabi-sabi: si un objeto o expresión puede provocar una sensación de serena melancolía y anhelo espiritual, entonces estaremos refriéndonos a este concepto.

Dra. María Teresa Favela Fierro Investigadora del Cenidiap, INBA Febrero 2014.

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La canoa de las almas 魂のカヌー, 1986 Plomo y placas de zinc 41 x 145 x 140 cm

Kiyoto OTA 太田清人

Sasebo, Prefectura de Nagasaki, Japón, 1948.

Vive y trabaja en la Ciudad de México.

Estudió en la Escuela de Arte Democrático de Japón de la Asociación Artística Japonesa.

En su reciente trabajo como escultor, Kiyoto se inclina por el uso del plomo. Sin embargo, su obra se encuentra en un proceso de constante transformación, donde la piedra y la madera han sido también componentes sustanciales de sus creaciones y su discurso.

Desde que empecé a trabajar la escultura, he tenido un gran interés por el Interior de las Cosas, esa parte íntima que no se puede ver fácilmente (…) siento cierta energía interior en esas masas (…)

Mis inquietudes sobre esa energía interna persistían. Percibí entonces que la escultura es “un recipiente” que guarda dicha energía en su interior.

- Kiyoto OTA Forma de fierro 1 鉄のかたち 1, 2001 Hierro colado 18 x 60 x 45 cm

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Nido こもり巣, 2007 Cedro rojo 155 x 140 x 125 cm

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Serie RIN chirizakura 輪ー散り桜ー, 2013 Mármol negro 47 x 47 x 7 cm

Hiroyuki OKUMURA 奥村浩之

Kanazawa, Prefectura de Ishikawa, Japón, 1963.

Vive y trabaja en la ciudad de Xalapa, Veracruz desde 1989.

En esta ciudad decidió desarrollar su carrera por la inspiración que encuentra en el arte prehispánico mexicano.

Estudió la licenciatura y especialidad de escultura en la Escuela de Bellas Artes de Kanazawa, Japón. Trabajó con el renombrado escultor Kiyoshi TAKAHASHI.

Enigmáticas y perturbadoras son las esculturas en piedra de Hiroyuki OKUMURA. Enigmáticas por sus formas y texturas; perturbadoras por esa tranquila belleza que, sin pudor, altera la racionalidad y el sentido que predomina en el arte contemporáneo.

-Blanca González Rosas

Trabaja escultura en piedra; el mármol y la cantera son sus materiales predilectos.

Pareja acurrucada 寄り添い合い, 2013 Roca volcánica 34 x 18 x 18 cm

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Dos en mi 私の中の二人, 2013 Mármol travertino rojo y mármol negro 33 x 26 x 17 cm

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Reflexión 内省, 2014 Mármol negro 43 x 24 x 24 cm

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24 Ahún no. 2 あ-うん no.2, 2013 Piedra volcánica, ónix y madera 30 x 30 x 15 cm *Fotografías Susana Castellanos

Origen 起源, 2013 Mármol, madera, metal y piedra de río 35 x 26 x 11.5 cm

Masafumi HOSUMI 保住将文

Prefectura de Fukushima, Japón, 1961.

Vive y trabaja en San Cristóbal de las Casas, Chiapas, México.

En 1984 se gradúa en Artes Plásticas por la Universidad de Tokai, Kanagawa, Japón y posteriormente se especializó en escultura en el taller Kobatake de Saitama.

Prolífico y destacado artista con vocación innata por las formas, lo táctil y las pasiones que despiertan sus autorías.

El mundo de las piedras, en especial en Chiapas es la clave para leer las esculturas de Masafumi (…) estas esculturas muestran escenas de la belleza efímera. En sus esculturas, revela un intenso diálogo entre el rito y la simultaneidad. El escultor busca las posibilidades expresivas de la escultura: en los cortes, las texturas y la luz oscilante de sus obras.

-Magno Fernandes dos Reis

Nave espacial 宇宙船, 2013 Talla en ámbar y madera 22 x 11 x 7 cm *Fotografías: Fuminori Saitou

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Usagi うさぎ, 2013 Talla en ambar 3 x 13 x 8 cm

Bulbo amoroso 愛しい水滴, 2012 Talla en ámbar y madera 20 x 6.5 x 7 cm Apoyado en el tiempo 刻にもたれ掛かる, 2013 Talla en ámbar y madera 22.5 x 8.5 x 5 cm

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Kunio IEZUMI 家住邦夫 Ashikaga, Prefectura de Tochigi, Japón,1951.

Desde 1993 vive en Tepoztlán, Morelos, México.

Estudió dibujo en la Academia de Arte en París, Francia; posteriormente en la Academia de San Fernando en Madrid, España.

Cuando cierro mis ojos y siento el olor de la tierra mexicana, sin duda oigo la voz del silencio, realidad del alma. Pienso que hay esperanza, aunque esté cubierta de oscuridad y tristeza. De esa manera quiero pintar; quiero expresar la voz del silencio por medio de mis ojos.

-Kunio IEZUMI Sus obras convocan una cierta percepción de movimiento, un movimiento de largo plazo pero potente; un dinamismo “mineral” que está activo debajo de la superficie aparentemente estable.

-Hirotaka NAKANO

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Requiem レクイエム, s/f Polvo de piedra y pigmentos sobre papel amate 69 x 45.5 cm

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S/t ç„ĄéĄŒ, 2008 Polvo de piedra y pigmentos sobre papel amate 120 x 120 cm

Metafísica del cerezo 桜の形而上学, 2013 Polvo de piedra y pigmentos sobre papel amate 60 x 60 cm

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Maho MAEDA 前田真帆

Prefectura de Hyogo, Japón, 1973.

Estudió en la Universidad de las Artes de Kyoto, Japón.

Del 2003 al 2008 vivió en Düsseldorf, Alemania en donde realizó una Licenciatura en la Academia de Artes de Düsseldorf con el profesor David Rabinowitch, y Profesor Daniel Buren; a partir del 2009 radica en la Ciudad de México.

A lo largo de su carrera, ha participado en diversas exposiciones individuales y colectivas, así como recibido distintos premios y becas.

El concepto de mis cuadros es “el sonido” y “la percepción” (…) Cuando yo era joven, quería ser compositora (…) en lugar de las notas, tenia mis propias imágenes en mi cabeza. Ahora trato de transmitir los sonidos a las pinturas. ¿De dónde viene el sonido? ¿A dónde va el sonido? No sólo música, sino todo tipo de sonidos. Yo lo persigo.

Incluso si no lo oímos, podemos sentirlo.

-Maho MAEDA

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Newborn sound # 88 生まれたての音 #88, 2013 Acrílico, lápiz de color y tinta sobre tela y madera grabada 33 x 80.5 cm

Origin #5 起源 #5, 2014 Acrílico sobre madera grabada 160 x 80 cm

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Ancestral sound # 39 古代伝来の音 #39, 2013 Acrílico, lápiz de color y tinta sobre tela y madera grabada 83.5 x 68.5 cm

Unborn sound # 14 まだ生まれていない音 #14, 2011 Acrílico, lápiz de color y tinta sobre tela y madera grabada 100 x 140 cm

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Natsumi BABA 馬場菜津美

Prefectura de Nagasaki, Japón, 1983.

Vive y trabaja en en la Ciudad de México desde el 2009.

Creció en Osaka, segunda ciudad más grande de Japón después de Tokio, a los 15 años se mudó a Nagasaki con su familia, poco después conoció a su maestro de arte y empezó a pintar.

Exhibió su obra en México de manera individual en el 2013 por primera vez.

El tema principal de las obras son “paisajes extraños que están escondidos en la cotidianidad”, incluyendo la vista que ella siempre observa desde la ventana de su departamento, la cual cambia de rostro dependiendo del horario.

-Natsumi BABA Natsumi BABA brinda un agradecimiento especial a la consultora de arte Mayra NAKATANI.

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Personificación 擬人, 2013 Óleo sobre tela 180 x 180 cm

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Paseo 散歩, 2013 Óleo sobre madera 21.5 x 100 cm

Bosque hechicero 妖艶な森, 2013 Técnica mixta sobre lienzo 50 x 100 cm

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Noche de la Lila リラの夜, 2011 Mixta sobre tela 120 x 80 cm

Katsumi KUROSAKI 黒崎克巳

Prefectura de Niigata, Japón, 1953.

Desde 1991 vive y trabaja en México.

Estudia arquitectura en Niigata y luego estudia dibujo, acuarela, pintura al acrílico y al óleo en la escuela Setsu Modo en Tokio.

En la pintura de Katsumi KUROSAKI el paisaje está siempre presente, aunque no de manera naturalista. Es la proyección de la naturaleza profunda de su camino. Sus cuadros pueden contemplarse como paisajes, cada uno ofrece un mirador, cada uno solicita la presencia de un ser humano que ahonde en él.

- Jaime Moreno Villareal En el extremo opuesto del formalismo se encuentra la actitud de Katsumi KUROSAKI sintetizando superficies rectangulares en áreas uniformes de color texturado dominadas por una innata belleza.

-Ramón Almela 41

Paquete del sueño Mixta sobre tela 100 x 100 cm

夢のパッケージ, 2010

Paquete del sueño 2 夢のパッケージ２, 2010 Mixta sobre tela 140 x 55 cm

Paquete del sueño 3 夢のパッケージ３, 2010 Mixta sobre tela 65 x 65 cm

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Paquete de la ilusión 夢のパッケージ, 2013 Mixta sobre tela 180 x 60 cm

Impulso azul 衝撃・青, 2013 Mixta sobre tela 120 x 120 cm

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44 Desiertos #9 荒涼 #9, 2011 Impresión Lambda 120 x 80 cm Edición de 3+AP

Desiertos #4 荒涼 #4, 2011 Impresión Lambda 120 x 80 cm Edición de 3+AP

Miho HAGINO はぎのみほ

Hokkaido, Japón, 1970.

Vive y trabaja en la Ciudad de México desde 1996.

Estudió Derecho Internacional Privado en la Universidad de Hokkai Gakuen, Japón y se formó profesionalmente en Arte en la Academia de San Carlos.

A mí me interesa cuestionar métodos industriales que existen en la actualidad, haciendo uso de técnicas de producción masiva, pero logrando siempre que cada pieza tenga características particulares en cuanto a forma y color.

- Miho HAGINO

En sus trabajos indaga el ser humano y el individuo dentro de la masa, enfocada al “Individuo alienado” de manera geográfica, histórica, física o por identidad y contorno social.

En su profesión maneja desde arte conceptual, instalación,performance, escultura, hasta arte público. Se expresa con materiales como: video, fotografía, resina, cerámica, etc.

Desiertos #14 荒涼 #14, 2011 Impresión Lambda 120 x 80 cm Edición de 3+AP

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Nieve obscura #6 黒い雪 #6, 2010 Piezografía sobre papel algodón 40 x 26.67 cm Edición de 11+PA

Nieve obscura #7 黒い雪 #7, 2010 Piezografía sobre papel algodón 40 x 26.67 cm Edición de 11+PA

Nieve obscura #2 黒い雪 #2, 2010 Piezografía sobre papel algodón 40 x 26.67 cm Edición de 11+PA

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Canción de Grisóstomo グリソストモの詩, 2005 Aguatinta con tusche sobre placa de cobre 57 X 75 cm Edición: 1/12

Terumi MORIYAMA 森山照美

Ciudad de México, 1969.

Actualmente vive y trabaja en Aguascalientes.

Realizó una licenciatura de grabado en “La Esmeralda”, Ciudad de México; también estudió con el prestigioso Luis NISHIZAWA.

¿Conoces el cofre de perote? コフレ・デ・ペロテ*をご存知ですか, 2006

Litografía sobre mármol mexicano 47 X 64 cm Edición 4/4

* メキシコ、ベラクルス州の火山

En la obra de Terumi MORIYAMA hay un claro y feliz entendimiento entre el dominio técnico sobre los materiales y la exploración de las posibilidades latentes en la participación del azar en el proceso de producción. La claridad en los propósitos y la plenitud en su logro piden considerar al dominio y al azar como medios para alcanzar fines artísticos específicos.

En su obra es evidente el predominio del paisaje como expresión de cualidades abstractas, donde un oleaje o el color del cielo sustituyen una emoción; el paisaje alcanza el nivel de abstracción adecuado para corresponder al juego de las analogías con la sensibilidad de la artista.

- Ricardo Esquer

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50 Véspera do prodígio 奇跡の前触れ, 2008 Aguatinta y buril sobre placa de aluminio 43 X 59 cm Edición: 3/7

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IIIIIIIIIIIIIIIIIIII, 2008 Aguafuerte y aguatinta sobre placa de aluminio 53 X 64 cm Edici贸n: P/A

a homenaje Kiyoshi

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TAKAHASHI

Un humilde servidor de las formas.

Kiyoshi TAKAHASHI en Mexico Georgina Sotelo Ríos Escultura japonesa: arte milenario y contemporáneo Los escultores son en general “hombres de silencio”, y dicen mejor por sus formas, y cada uno según su técnica.

Ellos prefirieron dejarnos “hablar”, tanto más cuanto que se trataba de proponer, aquí, sobre todo, un acercamiento a los problemas de la escultura.

JEAN RUDEL

Al reflexionar sobre el espíritu milenario de la cultura japonesa, no podemos dejar de pensar en infinidad de piezas que evocan una veneración a las fuerzas de la naturaleza que se manifestarán en primer lugar con el sintoísmo y más tarde con el budismo zen. Es en el desarrollo de las artes donde la simplicidad decorativa está inseparablemente relacionada a la abstracción de la naturaleza.

Y es que los creadores japoneses durante miles de años han sabido asimilar y reinterpretar de manera espléndida conceptos tanto estéticos como filosóficos de culturas originadas en China o India logrando crear un arte singular, refinado, profundo, evolutivo y exquisito que está a la altura de otras grandes civilizaciones como como la griega o romana.

Con una antigüedad superior a dos mil años antes de la era cristiana, la escultura se ha convertido en una de las artes más preciadas de Japón. Los maestros escultores tradicionalmente han utilizado en sus creaciones desde cerámica, bronce, piedra,

madera y ya en la época moderna soportes tan diversos como el plástico, el cartón y materiales menos ortodoxos que han sabido dominar y moldear según las tendencias de los tiempos.

Los nuevos artistas y sus creaciones están en continuo movimiento y desarrollo, transformando y renovando el arte. Hoy prevalece un sentido conceptual pero sin dejar de lado la identidad cultural nacional. Liberados ya de la temática religiosa, con aportes de la posmodernidad y una heterogeneidad discursiva frente a una expansión de posibilidades, la escultura –como el arte– se regenera negando su definición y simplemente es.

Kiyoshi TAKAHASHI y la expresión vital A mediados del siglo XX llega a México un escultor único y de gran relevancia para la escultura contemporánea: Kiyoshi TAKAHASHI. Antes de iniciar este breve recorrido por la vida y obra de Kiyoshi TAKAHASHI, citemos sus apreciación por el material: “Stone is an earthy symbol of the eternal life force1”. Esta frase define a las rocas como los huesos mismos de la tierra, un regalo vivo de la tierra al hombre.

Según escribe Kiichiro Hayashi, TAKAHASHI solía considerar al escultor verdadero como un hombre capaz de sentir y expresar el potencial vital de los materiales por él manejados: “to place in it man’s hopes and prayers, and to give concrete, visible form to man’s faith”.

1 Hayashi, Kiichiro. Kiyoshi TAKAHASHI, Niigata City Art Museum.

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mio Shinsei-Saku el que le permite costear esta aventura. Teotihuacán y Tenochtitlán lo fascinan, la escultura cerámica totonaca lo motiva, encomia los medios y las formas sintéticas; la monumentalidad llaman su atención.

Entre 1961 y 1962, TAKAHASHI trabajó simultáneamente en dos obras de gran envergadura destinadas a la custodia de la Universidad Veracruzana; una es figurativa y en cierto sentido naturalista: el Pensador, y la otra es abstracta: el Árbol del desierto.

La fuerza interior de El Pensador El proceso de maduración del Pensador fue extenso, según escribe Manrique: “Se inició en un proyecto a pluma que contenía la idea básica de lo que el escultor pensaba que debía ser la obra; este proyecto se modificó notablemente después, en el mismo papel todavía, y sobre todo cuando se llevó al barro y al yeso: aquí va el material mismo que se imponía al artista e iba conformando la idea primera”.

54 El pensador (Imágen de Karlo Reyes)

Nacido en 1925 en Niita, Japón, después de haberse graduado en escultura en la Tokyo National Academy of Art en 1958 –y a diferencia de sus compañeros que viajaban a Europa o Estados Unidos- TAKAHASHI viene a México motivado por un fuerte interés en el arte de las civilizaciones pre-clásicas y clásicas de Mesoamérica, particularmente en la obra elaborada por las culturas olmeca, maya y azteca.

Se asentó en Veracruz donde formó parte activa de los movimientos artísticos contemporáneos a la vez que comenzó a enseñar en la Universidad Veracruzana. Sus experiencias durante los once años que permaneció en nuestro país fueron de vital importancia para la plástica nacional al convertirse en una influencia para los jóvenes escultores, quienes aprendieron no sólo su forma de trabajar los materiales, sino que lo consideraron un maestro en un sentido más amplio.

Fue la búsqueda de otros mundos de inspiración lo que trajo a TAKAHASHI a México y fue el pre-

A los proyectos iniciales siguió una serie de estudios sobre figurillas etruscas de bronce, Apolos arcaicos griegos, y el mismo David de Miguel Ángel; más tarde empezó a trabajar en barro, con diversos modelos, pero teniendo siempre presentes los estudios anteriores. En barro terminó lo que podríamos considerar el primer estadio de la obra; de ahí hizo el vaciado en yeso, y sobre este vaciado trabajó directamente todavía por mucho tiempo; fundida ya la figura, todavía hubo modificaciones, cambios y texturas que hacerle, trabajando con el maestro fundidor.2 El Pensador es un adolescente de tamaño un poco mayor que el natural, desnudo, de pie, que descansa el peso sobre la pierna izquierda, con la cabeza inclinada hacia adelante; el brazo izquierdo sobre el pecho y con la mano del derecho tocándose el mentón, se percibe calma, reposo, laxitud.

No es un joven atlético, sino precisamente un joven cuya posibilidad de hacer cosas reside en su fuerza interior; como en otras obras del escultor, 2

Manrique, Jorge. La Palabra y el Hombre, 1992, p. 593.

las formas sirven aquí para expresar una idea interna. Apoyado firmemente en el suelo –los pies son grandes y sólidos; TAKAHASHI prefirió dejar una de las barras del armazón de hierro que asoma cerca del pie derecho para aumentar el sentido de solidez– la figura del joven se eleva, sin embargo, con una gran soltura; para lograr esto se han adelgazado extraordinariamente las coyunturas, especialmente las rodillas, y se le ha dado a todo el cuerpo una forma general de “S”.

Cuando lo contemplamos del lado izquierdo, el Pensador nos resulta mucho más sólido: la pierna firmemente apoyada se levanta verticalmente y se continúa una línea recta hasta el cuello; viéndolo por detrás es perfectamente observable la doble curva que describe el cuerpo, el perfecto equilibrio de los volúmenes de los hombros, los glúteos y las pantorrillas, y el cuello que se dispara hacia adelante; colocados de frente, hacia el lado derecho, tenemos la visión más etérea de la escultura: desde este punto de vista, parece elevarse como una llama.

En la escultura el acento expresivo está en el cuerpo mismo y no en la cara; la cabeza no es de ninguna manera más expresiva que el cuerpo y tiene el mismo tratamiento “descuidado” que se ha dado a otros detalles, juega sólo como un elemento más en el conjunto de la figura. El Pensador, moderno y antiguo a la vez, puede contemplar el tiempo desde su pedestal.

El Árbol del desierto, forma vital Una de las últimas grandes obras de TAKAHASHI es el Árbol del desierto, ubicada a un costado del acceso principal a las oficinas de rectoría de la Universidad Veracruzana. En esta pieza trabajó con formas mucho más libres que en la escultura anterior pero, por lo mismo, ha sido todavía más estricto y riguroso en la estructura.

El Árbol se inspira al mismo tiempo en las formas vegetales de los cactus del altiplano nacional y en los tótems de los indios del Norteamérica. Explica Manrique que después de los primeros proyectos dibujados, TAKAHASHI realizó la escultura en madera de unos 90 centímetros y pudo darse cuenta del carácter monumental de las formas.

Árbol del desierto (Imágen de Karlo Reyes)

La pieza se levanta sobre una base formada por bloques rectangulares de superficies planas, que producen un efecto rico y contrastado de luces y sombras; sobre el pedestal se yergue un grueso vástago que termina en una forma esférica que parece desparramarse sobre él, más arriba los volúmenes redondos se suceden hasta un momento en que surgen de ellos dos espigas verticales, aplanadas, que dejan un hueco en el centro; todo culmina con otras formas más amplias también atravesadas de agujeros.

El tamaño monumental de la obra, la necesidad de relacionarla con el emplazamiento que ocupa, con los árboles cercanos y con las mismas construcciones que se encuentran al fondo del sitio, le obligaron a extremar esa cualidad; mucho más que en otras construcciones anteriores aquí se siente al escultor-arquitecto, el instaurador de formas. Curiosamente, y por una especie de paradoja, ahora que abandona completamente lo figurativo, la obra resulta con un carácter vital que difícilmente encontraríamos en sus esculturas naturalistas.

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Exquisito entrecruce de formas La escultura de TAKAHASHI, aunque inicialmente figurativa, paulatinamente modificó su estilo para volverse abstracta y por su carácter de universalidad se ha convertido en pieza clave en la historia de la escultura mexicana hacia la segunda mitad del siglo XX. Su sello bien podría ser el exquisito entrecruce de las formas suaves heredadas de su cultura milenaria con las representaciones prehispánicas que lo fascinaron –e influyeron– tras su llegada a México.

Discípulos suyos como Rafael Villar y Adalberto Bonilla, han transmitido su influencia a noveles escultores, principalmente en la Facultad de Artes Plásticas y el Instituto de Artes Plásticas de la Universidad Veracruzana.

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El maestro no se repite sino que muta, a veces de pieza en pieza, y transita de manera natural entre lo figurativo y lo abstracto, acepta cada una de las posibilidades que el material le va revelando, así sea el camino más largo. No se trata de un escultor que se autocomplace, sino más bien de un humilde servidor de las formas que luego de cobrar vida, ya no le pertenecen más.

En 1996 fallece en su amado Japón a la edad de 71 años. Sin embargo su influencia es patente en numerosos discípulos, tanto en México como en su patria, quienes lo recuerdan a través de su obra.

A través de este intercambio la creación artística se vuelve al fin la más elevada expresión de libertad humana; libertad que al paso del tiempo los escultores como TAKAHASHI no sólo fueron adquiriendo, sino dejando plasmada en sus creaciones imperecederas.

En su obra se mantiene viva el alma del artista ya que en cada escultura podemos percibir su esencia, su sencillez, talento y dominio de las formas, que fluyen aparejados con un profundo amor y respeto por los materiales. Su escultura brinda múltiples significados e interpretaciones, pero es rotunda y emotiva; logra cohesionar nuestras nociones sobre sincretismo, erotismo, originalidad, mito, rito, energía en reposo y la vida eterna en materia inerte.

Xalapa, Veracruz Enero 2014

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NAKANO, Hirotaka. Crítica sobe Kunio Iezumi (Texto proporcionado por Kunio IEZUMI).

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Creditos Coordinación general Jorge Espinosa Fernández Curaduría Bárbara Perea Miho Hagino Marianna de Regil

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Textos Miho Hagino María Teresa Favela Fierro Georgina Sotelo Ríos Coordinación editorial Gabriela Irastorza Traducción Miho Hagino Taro Zorrilla Diseño editorial Jorge Ortega del Campo Coordinación operativa y montaje Daniela Cruz Comunicación Yessica Díaz

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