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D. F. & Estados e Internacional

MEXICO

Arte contemporáneo en México

Año 8 · Nº 48 Noviembre - enero Dosmildiez / once

MEXICO

10,000 ejemplares

MN $ 40 / USD $ 5

México USA

Periodismo cultural e independiente

Portada

Luis RICAURTE Ferias de arte ZONA MACO Monterrey Homenaje Federico SILVA Artistas invitados Tatiana MONTOYA Sergio GARCÍA Luis MORO Emilio SAID Crítica, opinión y ensayo ¿Emancipación desde el arte? MEXICO

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Perfil editorial

EDICIÓN

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Periodismo cultural e independiente LOS INVITAMOS A SUMARSE A NUESTRA COMUNIDAD ENVIAR DATOS A:

artealdiamexico@yahoo.com.mx Álvaro Obregón 189·1 Col. Roma, México, D.F. (06700)

Tel.: (55) 2876.2854

NOTAS Pág. 4 EDITORIAL Cultura visual y economías creativas Pag. 6 Zona MACO Monterrey por José Costa-Peuser Pág. 8 IMPERDIBLES Pág. 10 RESEÑAS Pág. 12 SUGERENCIAS D.F. Pág. 14 SUGERENCIAS Estados Pág. 18/20 Artista invitado / Portada Luis RICAURTE por Fernando Gálves de Aguinaga Pág. 22/23 Homenaje a trayectoria Identidad y memoria Federico SILVA por Federico Silva Pág. 24/25 Reporte especial LOS ANGELES review por Víctor Zamudio-Taylor Pág. 25/26 Reporte especial ENTIJUANARTE 2010 Por Iván Sanchezblas Pág. 27/29 Gestión en las Artes Tendencias, apegos y propuestas Por Luis-Martín Lozano Pág. 30 Artista invitado Tatiana MONTOYA Por Luis Felipe Ortega Pág. 31 Artista invitado Sergio GARCÍA Por Carlos Suárez de Jesús

DIRECTORIO Ciudad de México Director / Fundador José Costa-Peuser josecostapeuser@artealdia.com Editor asociado Iván Sanchezblas artealdiamexico@yahoo.com.mx Comunicación y difusión María José Ballesteros Relaciones públicas Sofía Llorente REPRESENTANTES Monterrey · Nuevo León Domitila Castañeda Eguia artealdiamty@gmail.com Oaxaca · Oaxaca Gabriel Mendoza artealdiaoax@gmail.com

Pág. 32 Artista invitado Luis MORO Por Eliseo de Pablos Pág. 33 Artista invitado Emilio SAID Por Gerardo Traeger Pág. 34/35 Crítica, opinión y ensayo ESTÉTICA y EMANCIPACIÓN o ¿Emancipación desde el arte? Por Eduardo Egea

Arte al día México publicación bimestral en formato periódico. Editor responsable: Iván Gregory Antony Sanchezblas Sánchez. No. Certificado de Reserva otorgado por el Instituto nacional del Derecho de Autor: 04-2010-040710354000-101. No. Certificado de licitud y contenido: 14810, expedido por la Comisión Calificadora de Publicaciones y Revistas Ilustradas el 11 de mayo de 2010. Domicilio de la publicación: Álvaro Obregón 189, Col. Roma norte, 06700, Ciudad de México. IMPRESIÓN: Servicios editoriales ESTAMPA Artes gráficas Privada de Doctor Márquez 53, Col Doctores. México, D.F. Tel. 5530 9239 estrampa@prodigy.net.mx

DISTRIBUCIÓN:

Arte al día México A. Obregón 189, col. Roma, DF.

Certificado de circulación, cobertura y perfil del lector: Folio 00118-RHY emitido por y registrado en el Padrón Nacional de Medios Impresos de la SEGOB

www.artealdia.com

Un recorrido virtual al mercado de arte latinoamericano

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NACIONAL

EDITORIAL

Cultura visual y economías creativas Discursionar sobre el valor que tiene el oficio de editor de un medio en cultura visual es un hecho permanente. “Hay que creer para hacer”. Cuando inicié en esta profesión, heredé una verdad: “Quien realmente se puede apropiar de un hecho o de una idea no es sólo de aquel que la imagina. Es también aquel que la realiza y la construye”. Sin la perseverancia y la constancia no se construye un destino, ese objetivo existencial que toma forma a partir de cada paso que emprendemos, de la confrontación a los fracasos o nuestros miedos. En el poder que implica asumirse como individuo, pensante y único, ante un universo repleto de expresiones humanas que confrontan al pensamiento, se encuentra la dicha existencial de compartir el conocimiento individual en beneficio de un pensamiento colectivo.

Por / by José Costa-Peuser

Arte al Día México

desarrolló Néstor García Canclini; políticas públicas como Pago en Especie, sistema de recaudación fiscal establecido por la Secretaría de Hacienda y Crédito Publico, único en Latinoamérica y en el mundo; proyectos de gestión cultural como Los FAROS, fábricas de artes y oficios de la Secretaría de Cultura del Distrito Federal así como las múltiples iniciativas de artistas y colectivos) sería posible imaginar una recomposición del entretejido social en los Estados con mayor índice de violencia en México. Se podría implementar una nueva lectura y preponderancia del valor significativo de esta “economía creativa”. México tiene la oportunidad de construir una nueva manera de comprender el ejercicio de esta economía global.

Cultura es el conjunto de todas las formas, modelos o patrones, explícitos o implícitos, a través de los cuales una sociedad regula el comportamiento de las personas que la conforman. En México tenemos una visión “glocal” del arte, un punto central de acción simultánea entre lo global y lo local que visualiza el escenario de nuestro mercado y producción artística en función de perspectivas y miradas periféricas (a veces soy centro y otras periferia). En este contexto un proyecto editorial crea nuevos públicos, estimula los deseos de comprender y entender los discursos creativos permitiendo al individuo disociarse del pensamiento colectivo para, más adelante, crear vasos comunicantes independientes con un sentido de necesidad colectiva dentro de nuevas regiones discursivas. Diferentes aristas para el pensamiento, diferentes escenarios para una reflexión común.

Nuestra sociedad está madura para construir este futuro porque conlleva una savia intelectual única: la capacidad de resumir y congregar las diferentes experiencias culturales y la necesidad de reconstruir el entretejido social a partir de ellas. Para ello es necesario el compromiso de una política cultural que estimule la conformación de empresas involucradas en la “industria del pensamiento” (IP) y las integren en un marco legal que permita visualizarles como un engranaje necesario de la economía formal. ¿Como se traduciría una inversión gubernamental en la activación formal de este rubro económico? En la aportación

Como tal incluye costumbres, prácticas, códigos, normas y reglas de la manera de ser, vestimenta, religión, rituales, normas de comportamiento y sistemas de creencias. Practico un dicho: “El arte es para todos, el coleccionismo para unos cuantos”. Nosotros nos insertamos antes de la primera coma, una minoría en la frase final. Si entendemos esta posición sin prejuicios ni estigmas, el entrelazado social (cada vez más fragmentado distanciado) se puede reconstruir a través de una identidad sustentada en la cultura y la ciencia. Cuando los extremos políticos pierden vigencia histórica ante el ejercicio democrático en el mundo, el crecimiento social se entiende a partir del beneficio que implica el respeto a otras visiones. Soñar es la mejor arma que tiene la sociedad para equilibrar las injusticias producidas por la ambición de unos cuantos o de ciertas ideologías. Aprender y recordar los errores de la humanidad con la voluntad de una autocrítica a la identidad, esto es lo que permitirá a la sociedad negociar sus diferencias.

hacendaría de un segmento social productivo que hoy no se involucra en la responsabilidad que implica ser parte de la economía formal. La industria del pensamiento conformado desde este núcleo social construirá las herramientas necesarias para una mejor calidad de vida, al fomentar su ejercicio en beneficio de la comunidad. Una empresa de pensamiento genera rentabilidad creativa cuando en la práctica, es ésta una experiencia cultural que estrecha el rezago del conocimiento entre individuos y sociedades al mantener, resguardar y compartir los valores culturales que los identifican. Somos parte de esta industria. Hoy, la persistencia y constancia nos permiten contar tanto con el respaldo institucional como privado para proyectar contenidos que

Se puede decir que la cultura es toda la información y habilidades que posee el ser humano. En las sociedades de “primer mundo” existe el término “economía creativa” (concepto basado en el potencial de “activos creativos” que generan un crecimiento y desarrollo en un mundo globalizado dominado inminentemente por imágenes, sonidos, textos y símbolos). Esta definición no es otra cosa que una manera de interpretar en el consumo, la necesidad de reformular el valor de la propiedad intelectual intangible por sobre el valor de la plataforma física. En México es una realidad que las pequeñas empresas generan la mayor cantidad de puestos de trabajo en la economía formal. La realidad es que si se considerara la practica de la economía formal e informal que mueve la cultura en México (tomando en cuenta las investigaciones e indicadores culturales realizados por Ernesto Piedras; los planteamientos teóricos sobre el consumo cultural que

invitan a tomar postura individual dentro de esta “glocalidad”. El ejercicio de la cultura visual que proponemos desarrolla en el individuo una percepción de su realidad que detona la capacidad creativa de convertir el discurso propio en una herramienta de pensamiento. La capacidad de soñar es la esencia de nuestra profesión y se manifiesta con la necesidad de traducir estos elementos, comunes a la producción artística, en focos de atención dentro de una geografía discursiva que incluye a ciudades como Tijuana, San Diego, Los Angeles o Miami, las cuales comparten con otras ciudades de la República una estrategia en común: “Traducir” la producción artística local en una agenda cultural mediante la visualización de su mercado y sustento académico actual.


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Ferias de arte

INTERNACIONAL

Zona MACO Mty.

Por / by José Costa Peuser Editor

Escenario del mercado mexicano

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a feria de arte ZONA MACO fue todo un éxito. Entre el 2 y el 5 de septiembre en el hotel Habita de Monterrey, ésta fue un escenario de arte diferente al que contemplamos en el Distrito Federal; una feria exclusiva y localista: de las dieciocho ofertas sólo una fue extranjera y por insistencia propia.

En este sentido cabe destacar la propuesta de la galería Tal Cual (DF) con una pieza sonora y la excelente propuesta de la galería Alternativa Once (Mty) que indujo a todos sus artistas a crear obras ex profeso.

Su presencia habla de una comprensión de este mercado, pero ¿de qué manera se debe nutrir a éste?, ¿cómo alimentar propuestas que fortalezcan la estructura cultural de una sociedad? En una ciudad que es la raíz y la esencia de esta iniciativa (un espacio en el que Zelika García se identifica, entiende y comparte) Zona MACO Monterrey se reconoce como consecuencia de un proyecto que se reafirma año con año en el centro económico y cultural del país. Su identidad consolidada desde la capital repite el concepto de feria, aunque Imagen cortesía de: GALERÍA EDS © LM ahora con una escenografía “boutique” a la medida de Monterrey se caracteriza por una sociedad de altos Monterrey. ingresos que compite en “buen gusto” de acuerdo a lo que ha estado colgado en las paredes de cada casa. Esta referencia del coleccionismo local está cambiando porque los nuevos coleccionistas son de segunda o tercera generación, ellos han nacido y convivido con el arte de modo que ahora son ellos quienes construyen las colecciones; para ello disfrutan de la estética de las piezas y viven con ellas mediante la asesoría de una galería. Sin duda, este cambio hace del coleccionismo en Monterrey una actividad para gente sensible, receptiva e inteligente que encuentra correspondencia emotiva tanto con obras como con expositores en una feria. De ahí el éxito comercial de “Cholo chair” una propuesta gestada en Guadalajara clara y con un discurso Imagen cortesía de: OMR GALERÍA © LM contundente que supo capturar a este público con su Cuando a esta feria se la identifica como la mejor de contemporaneidad. Latinoamérica, no es por la oferta que convoca ni por la cantidad de espectadores que la recorren; sino por el sólido proyecto cultural que desde la iniciativa privada ha definido la identidad del arte contemporáneo en un país y región. La identidad de su evento principal (Zona MACO) convoca a coleccionistas internacionales que participan activamente de su propuesta, mientras que Zona MACO Monterrey activa un coleccionismo local mucho menos cuantitativo y más cualitativo en su público. Éste es un escenario de rostros cercanos donde la presencia de las galerías resulta en la construcción de un discurso culturalmente hegemónico y donde la convivencia y el trato intenso que se vive durante el evento es uno de los beneficios más importantes que se logran entre expositores: crear vínculos y coincidencias estéticas para a través de proyectos comunes, impulsar alianzas y el fortalecimiento del mercado. Zona MACO Monterrey es una apuesta madurada en una ciudad que entiende de coleccionismo y es mucho más receptiva al arte contemporáneo que la propia ciudad de México. No creo que este éxito se repita en otras ciudades o estados. Pocas ciudades construyen una imagen o un coleccionismo concientes de su trascendencia cultural y Monterrey destaca en ese rubro. El ejercicio visual y el constante coleccionismo enseña al ojo público a apreciar y valorar la propuesta artística; una clara evidencia de ello fue la adquisición en la feria de arte-objeto principalmente, no pinturas o esculturas, sino objetos, aunque también se vendieron pinturas, un soporte único y tradicional que no perderá su vigencia nunca. Sin embargo habría que tomar en cuenta la esencia de cada sociedad. MEXICO

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majestuoso y melancólico de la ciudad vista desde la terraza, contrastó con el panel de conferencistas que compartieron sus reflexiones en un marco intimista y predispuesto a trasladar su experiencia profesional a la calidad de este evento. En este escenario es interesante reconocer de esta feria que los espacios de exhibición son acordes y referentes de lo que convivimos en nuestros hogares: un dormitorio, una sala de estar o un baño.

Otro punto de interés es identificar a los protagonistas de la feria dentro del mercado de arte. Si bien la presencia de Alfredo Ginocchio Gallery, la OMR o Luis Adelantado, son referentes de experiencia y trayectoria comercial, convivieron dignamente ante una asistencia de nuevos operadores del mercado, una generación de galeristas quienes se identifican por promover artistas emergentes y crear nuevos circuitos de coleccionismo. Este es un compromiso que se dimensiona y se palpa en el mercado de arte, un recambio generacional de sus operadores que en vez de competir por la demanda del coleccionismo existente apuesta por crear un nuevo público. Imagen cortesía de: GALERÍA ALTERNATIVA ONCE © LM

Este tipo iniciativas privadas fortalece la identidad cultural de México al generar un consumo de arte local. Sin embargo, es importante también reconocer que existe una demanda social que podría ampliar y fortalecer este mercado al construir y hacer eventos feriales en diferentes geografías como en Guadalajara, Imagen cortesía de: GALERÍA GE © LM

Imagen cortesía de: PROYECTO CHOLO CHAIR © LM

Interesante es hacer una aproximación al escenario donde se realizó el evento: Con el cielo cubierto y una lluvia permanente, el hotel Habita albergó la propuesta de dieciocho galerías cada una en una habitación entre el cuarto y séptimo piso, una atmósfera nada fácil para acondicionarla estéticamente. Algunas supieron aprovechar esa limitación espacial trasmitiendo una museografía condescendiente con el gusto del espectador, otras abarrotaron los espacios y unas pocas jugaron con el escenario. Por otra parte lo

Oaxaca o Veracruz; iniciativas que debieran estar construidas con otra misión: la de acercar al público a la convivencia con el arte de acuerdo a la raíz cultural de cada sociedad para así relacionarles de manera gradual al arte contemporáneo y su consumo.


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Exposiciones

NACIONAL

IMPERDIBLES

Museo de Arte Moderno de la Ciudad de México

Museo de la Cd. de México

Laboratorio de Arte Alameda

Hasta enero 2011

Reporte Kahlo Hasta enero de 2011 Abel Quezada Códice AQ Del 8 de diciembre hasta marzo

Hasta 27 de febrero

Colectivo No-Grupo No-Grupo, un zangoloteo al corsé artístico La exposición retrospectiva revisa la trayectoria y el discurso del colectivo mexicano No-Grupo que fue pionero de las prácticas artísticas contemporáneas durante la segunda mitad del siglo XX.

Melquíades Herrera, Alfredo Núñez y Rubén Valencia. Incluso el crítico y teórico del arte, Juan Acha, colaboró con ellos en la pieza Agenda Colombia 83, un cuaderno “artístico-político” integrado tanto por

G. Kahlo y R. Vázquez

Colectiva Revolución[es]

Bajo la curaduría de Esther Acevedo y Rosa Casanova, Revolución[es] reúne la obra de nueve artistas, producida específicamente para esta muestra.

Con motivo de las conmemoraciones y festejos históricos del presente año el Museo de la Ciudad de México presenta la exposición fotográfica “Reporte Kahlo. Ciudad de México, cien años de patrimonio”, a cargo del fotógrafo Rodrigo Vázquez.

Hacia el final de la década de los 70 y principios de los 80, en respuesta a lo que sucedía en el ámbito del arte contemporáneo en México, el No-Grupo tenía una propuesta irreverente y contestataria

información escrita como por comunicación visual sobre la situación política en ese país y en relación empática con las acciones del movimiento disidente del M19.

La exposición reúne imágenes que muestran monumentos, edificios y vistas urbanas de la Ciudad de México, captadas por Guillermo Kahlo hacia 1910 por encargo del gobierno de Porfirio Díaz. Cada imagen está acompañada de una réplica realizada desde el mismo ángulo por Vázquez, quien se apoyó en procesos similares de revelado y en muchos casos, con las mismas condiciones de iluminación que fueran empleadas por el maestro Kahlo hace cien años. Las imágenes en su conjunto —más de ciento veinte— permitirán apreciar los cambios que ha sufrido la Cd. de México a la vuelta de un siglo, o bien, la significativa ausencia de ellos.

Desde un eje temático distinto, cada uno de estos trabajos explora qué paso con las expectativas generadas por la Revolución en estos 100 años. Carlos Aguirre, Helen Escobedo, Erick Meyenberg, Amanda Gutiérrez, Marta Palau, Rogelio Sosa. Gerardo Suter y Marco Ramírez ERRE comparten sala con piezas cuyos ejes recorren los discursos del mito - hegemonía; raza - discriminación; violenciainequidad; y héroes – mitificación. La pregunta de fondo es cómo recuperar la memoria de este proceso que se agotó en el camino, corno resulta evidente en la falta de un programa para las celebraciones de 2010.

Abel Quezada, El devorador de hombres

que iba en contra de lo establecido en el arte y en la política. El colectivo proponía prácticas “no objetuales” que consistían en perfomances, instalaciones, arte correo, fotografía, video, documentación, y cartel político. El colectivo No-Grupo pretendía desmitificar y desmontar las ideas construidas alrededor de la figura del artista como “celebridad”. Asimismo rechazaban la imitación y la importación de conceptos extranjeros y hegemónicos, calificando esta práctica de “fayuca conceptual”. Ellos, por su parte, encontraron su influencia en la vanguardia mexicana del Estridentismo que pugnaba por la construcción de situaciones y no de objetos. Entre los artistas que destacan como miembros del No-Grupo se encuentran Maris Bustamante, MEXICO

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El trabajo del No-Grupo tuvo un eco en el arte conceptual mexicano aún después de su disolución y encontró eco en propuestas artísticas que actualizaron y polemizaron en torno al lenguaje del Arte No-Objetual, como fuera Polvo de Gallina Negra. El No-Grupo fue, en palabras de sus integrantes, “un taller de crítica de actitudes y posiciones.” La muestra comprenderá más de 300 piezas artísticas y documentales. Además el Museo de Arte Moderno editará y publicará un libro compilatorio del trabajo del colectivo No-Grupo bajo la investigación de la curadora Sol Henaro. Paseo de La Reforma S/n. y Gandhi www.mam.org.mx

Códice AQ se propone como la revisión integral de la obra multidisciplinaria de Abel Quezada Calderón (Monterrey, 1920-Cuernavaca, 1991) a quien se ha reconocido, con toda justicia, como uno de los caricaturistas más destacados del siglo XX mexicano. La apuesta particular de esta muestra es entreverar los distintos oficios mediante los que Quezada dio cuenta de su tiempo histórico, su entorno políticosocial, su espacio citadino y su personal itinerancia por “el mejor de los mundos imposibles”. Esa versatilidad intelectual, periodística y artística es, a no dudarlo, la que nos permite integrarlo al horizonte de la cultura contemporánea. Escritor de cuentos y fábulas, autor de textos ilustrados, cronista de grandes sucesos y asuntos banales, dibujante lo mismo de historietas que de anuncios espectaculares, caricaturista, pintor, trotamundos e incluso muralista, Abel Quezada nos ha legado un relato iconográfico-literario que bien puede desplegarse, leerse y releerse como códice. Sus críticas, a la vez cáusticas, humorísticas y pedagógicas, abarcan la idiosincrasia mexicana en sus distintas expresiones: lo político, lo patriotero, nuestro caos citadino, nuestras ironías históricas, nuestros estereotipos sociales. Las diversas obras que

Dr. Mora 7, Centro Histórico, Ciudad de México www.artealameda.bellasartes.gob.mx componen esta muestra serán motivo de reflexión y reencuentro con el pasado para generaciones adultas y, sin duda, un descubrimiento inestimable para generaciones jóvenes.

Pino Suárez 30, Centro Histórico, Ciudad de México www.cultura.df.gob.mx


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Exposiciones

MÉXICO D.F.

RESEÑAS

Museo de Arte Carrillo Gil

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Museo Dolores Olmedo Patiño

Colectiva Proyecto Juárez Hasta enero 2011

Edén / Roger Von Gunten Hasta octubre

Ciudad Juárez ha ocupado siempre un papel interesante en la historia política y cultural mexicana; desde el gobierno republicano establecido por Don Benito Juárez, hasta las batallas revolucionarias o la aplicación del Tratado de Libre Comercio de América del Norte.

“No es necesario creer en lo que dice un artista, sino en lo que hace.” David Hockney

Yoshua Okon Documentación fotográfica Santiago Sierra Sumisión (Ántes palabra de fuego), Documentación fotográfica

Actualmente se ha convertido en un escenario de violencia social y particularmente de violencia de género, así como en metáfora y realidad de las relaciones fronterizas entre México y Estados Unidos que definen en gran medida la identidad y el imaginario nacional. Es por esta fuerte carga significativa que Ciudad Juárez fue elegida como contexto de creación artística para este proyecto curado por Mariana David para el Museo de Arte Carrillo Gil.

Del 2006 al 2007 se estableció la residencia en Ciudad Juárez, donde más de diez artistas de diferentes latitudes fueron a vivir y a trabajar. Se ofreció un amplio grado de flexibilidad en cuanto a los tiempos y formatos de trabajo, generando una diversidad de perspectivas y métodos. Algunos de los resultados de estas experiencias se exhiben en las salas del museo mientras otros se desarrollan en la Red.

Proyecto Juárez trata sobre los sistemas de poder y el concepto de masculinidad en la sociedad globalizada. Dentro de una tradición patriarcal, existen jerarquías establecidas donde siempre hay un arriba y un abajo; un norte y un sur; un valiente y un cobarde; un amo y un esclavo. En la actualidad, el mundo aún parece regirse por la ley del más fuerte, a pesar de los discursos civilizatorios y la retórica política de la democracia, la libertad y la igualdad.

Los artistas participantes fueron Arthur Zmijewski, Santiago Sierra, Yoshua Okón, Ramón Mateos, Colectivo Democracia, Iván Edeza, Enrique Ježik, Jota Castro, Paco Cao, Gustavo Artigas, Artemio y Carlos Amorales. Acompañando la exposición se desarrollará un foro con notables invitados, que hablarán sobre los diferentes temas relacionados con el Proyecto. El foro se llevará a cabo los días 24 y 25 de noviembre del presente año, de las 17:00 a las 21:00 horas.

Av.Revolución 1608, San Ángel www.museodeartecarrillogil.com

La transición del modernismo hacía el posmodernismo está representado en México por un grupo de artistas reconocidos en el movimiento de “La ruptura”; entre ellos, Roger von Gunten. En el trabajo de este artista se aprecia como, mediante un potente dibujo y un singular cromatismo, abandona lo que conocemos como la abstracción pura para encontrar en el expresionismo abstracto, el informalismo y en la neo-figuración, medios formales más adecuados para recrear su imaginario pictórico el cual, por sus aproximaciones de primer impulso y su temática, se acerca por momentos a lo que conocemos como tebeo (revista infantil de historietas cuyo asunto se desarrolla en series de dibujos). Esta gestualidad pictórica, evidente en cada una de sus obras, es reflejo de un diálogo entre su entorno y la necesidad de representar un mundo filtrado por su particular y contundente humor. En él se expresan tensiones y conflictos del mundo así como una visión franca del propio entorno con un sentido de urgencia e inmediatez, frescura y primera intención, lo cual le ha valido un posicionamiento en la pintura figurativa del México contemporáneo. La selección de piezas que integran la muestra “Edén” está compuesta por dibujo y pintura; un

Minotauro con cabeza de muchacha, 1963, óleo sobre tela de 45 x 26 cm. Donación a Col. Acervo Patrimonial.

mundo iconográfico basado en la unión del ser con la fauna y la vegetación que se traduce en una representación fantástica de esta armónica convivencia. En su trabajo se aprecia la fuerza de la denuncia, aquella que se aferra a la defensa de ese equilibrado entorno. Mediante la descarga de colores intensos y el fuerte trazo del que surgen formas biomorfas o zoomorfas, cada pieza es en sí misma una paradoja del conocimiento posmoderno

Enrique Ježik, Sin título, 2009, fotografía.

El Proyecto Juárez es una iniciativa de El Palacio Negro A.C.

Escena con dos desnudos, 1984, Acrílico sobre tela de 70 x 90 cm. Donación a Col. Pago en Especie.

recorrido visual por la producción de este creador, quien a lo largo de más de cinco décadas ha consolidado un lenguaje creativo que lo hace ampliamente identificable. Su obra, un mundo mágico-figurativo, encontró el contexto acorde al propio discurso del artista: Tepoztlán, una realidad vivencial que consolida al artista y al hombre, al imaginario con la propia vida lugar en donde su estudio se encuentra. Rodeado de abundante verdor, presente en su trabajo como un himno a la existencia, este lugar refleja sus propias aspiraciones; una liberación espiritual de su

donde la imagen suple al contenido y el espectador recurre al recuerdo o la empatía para facilitar la reconstrucción discursiva de la imagen plástica. La presencia de sus figuras desarrolla a manera de una representación semifigurativa o semiabstracta, la recreación de una ficción a través de otra ficción cuya narración original queda en la nueva lectura de quien la contempla. Por Rafael Alfonso Pérez y Pérez Av México 5843, Col. La Noria, Xochimilco. www.museodoloresolmedo.org.mx


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Exposiciones / Espacios

MÉXICO D.F.

SUGERENCIAS D.F.

SAPS

Yautepec galería

Colectiva En Cada Instante. Ruptura Mallinali Rubalcaba Come clean Inaugura 18 de noviembre Hasta 11 de diciembre

Galería Luis Adelantado Folker de Jong The balance Inaugura 27 de noviembre

El artista holandés Folkert de Jong desarrolla su trabajo principalmente en el campo de la escultura y la instalación. Su obra se caracteriza por el uso de materiales poco convencionales como la espuma de poliestireno y poliuretano expandido, elementos originalmente utilizados en la construcción de edificios y en la industria cinematográfica y por sus evocaciones a la historia y a la cultura popular. El proyecto curatorial “En cada instante, ruptura” de la artista Carla Herrera-Prats reúne obras de diversos artistas que tocan el tema de la migración y de la representación del trabajador contemporáneo en al arte nacional. Basándose en la obra de Siqueiros y sus representaciones de la clase obrera en México de la primera mitad del siglo XX, Herrera-Prats propone revisar la transformación de esta figura icónica y la forma que ha adquirido en el contexto contemporáneo. Los artistas son Rebecca Baron y Dorit Margreiter, Guy Ben Ner, CAMEL, Jason Dodge, Yevgeniy Fiks, Anthony Hernández, Hugo Hopping, Laboratorio 060, Yoshua Okon, Stephanie Rothenberg, Tyler Rowland, Allan Sekula y Sergio de la Torre. Reflexionando acerca de la migración y la representación del trabajador dentro de la economía global, enfatizando la relación entre México y Estados Unidos. Tres picos 29, Col. Polanco www.saps-latallera.org · www.siqueiros.inba.gob.mx

Museo Universitario del Chopo - Galería Central Eduardo Olbés / Narco y las ecuaciones perversas Hasta 17 de noviembre

Eduardo Olbés

La Galería Central del Museo Universitario del Chopo presenta 20 esculturas en piedra del escultor Eduardo Olbés, que con 40 años de trayectoria en tallado de piedra y madera crea la exposición con el título y temática del Narco y las ecuaciones económicas perversas. Utilizando mas de mil doscientas piezas como jeringas y pastillas, ésta exposición pone el dedo en la llaga de la problemática actual mexicana. Eduardo Olbés confronta al espectador con preguntas acerca del consumo diciendo “Cualquier persona tiene derecho a busca su ilusión personal, deseo tan antiguo como el hombre, tan básico como la comida, tan dulce como el amor y tan peligroso como la guerra”. MEXICO

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Dr. Enrique González Martínez no. 10, Col. Sta. María La Ribera www.chopo.unam.mx

A través de un proceso de producción del abandono enfocado, asistido por consumo de drogas psicodélicas, Rubalcaba ha creado un nuevo cuerpo de trabajo compuesto por collage y escultura mismo que excava lo sentimientos internos, inconscientes y reprimidos, reconstruyendo su propia identidad poco a poco dentro del lenguaje surrealista contemporáneo.

La nueva obra de De Jong para la galería Luis Adelantado México es un ejercicio sobre la barbaridad que examina la crueldad y rapacidad del materialismo y capitalismo. En una instalación monumental y figurativa, el artista retrata tres obras diferentes de la historia del arte: una vieja pintura en óleo del siglo XVII en Amsterdam, un monumento del siglo XX en Nueva York y el polo de un tótem del siglo XIX en Alaska; obras de arte que, por su parte, están basadas en importantes eventos históricos. Se examinan temas como el intercambio cultural, el poder político y económico, el tráfico de esclavos, la colonización, intrigas y muertes políticas.

“Come Clean” es una orden que espera una confesión a cambio, la introspectiva y emocional naturaleza del trabajo de Rubalcaba intenta deshacerse de la distante protección de la ironía en pos de una verdad existencial indefinida (y quizá inalcanzable). Esta vulnerabilidad habla sobre un deseo generacional La exposición se encuentra planteada en 3 partes. muy claro: proyectar públicamente lo que hasta Por un lado, en el espacio 1, la instalación escultórica “The Balance” pieza que fue presentada ahora era privado. en la pasada Bienal de Sidney; en el espacio 3, Melchor Ocampo / Circuito Interior 154-A una nueva instalación concedida ex-profeso para Col. San Rafael · www.yau.com.mx la Galería; y en el espacio 4, una selección de los

OLD BOY Espuma de poliestireno y espuma de poliuretano pigmentada 75 x 140 x 178 cm, 2009- Copyright © 2010 OFFICE For Contemporary Art, Amsterdam

dibujos presentados en su gran retrospectiva del Gronninger Museum de Holanda, que muestran los conceptos y preocupaciones de sus obras, mostrados junto con alguna pieza escultórica de menor formato. Laguna de Términos 260, Col. Anáhuac www.luisadelantadomexico.com

Domicilio conocido

C208 Show room-galería

“No hay manera de terminar un dibujo, porque sólo hay un dibujando” decía el escultor americano Richard Serra. La frase apunta a resaltar la inscripción del dibujo en el tiempo, otorgándole el estatuto de acción más que de objeto.

“De aquí pal’ real” es una exposición que se conforma de tres acercamientos a la virtualidad y los hechos actuales. El objetivo es presentar un escenario incluyente que de lugar a la reflexión, un discurso trascendental que permita seguir construyendo realidades. Visiones individuales que se materializan en diferentes disciplinas como la fotografía, instalación y performance.

Colectiva Dibujos recientes Hasta 15 de febrero 2011

Colectiva De aquí pal’ real Hasta 29 de noviembre

Inscritos en un horizonte de expectativas distinto, los “Dibujos recientes” que Mauricio Limón, Paola Sman y Tania Ximena presentan en la galería Domicilio Conocido, parecen comentar algo respecto a la actualidad de esta frase. Si hoy el trabajo procesual es una posición poco frecuente y el “proyecto”, modelo de empaquetamiento por excelencia; las piezas aquí presentadas aparecen justamente como dibujandos: espacios todavía convulsos, oportunamente incompletos y efervescentes.

Tania Ximena

Amsterdam 206, Col. Condesa, Ciudad de México www.domicilioconocido.mx

Ante la saturación de información y sucesos, las herramientas para mantenernos informados se han convertido en un arma de dos filos: la virtualidad predomina ante la experiencia real. Con curaduría de Fabiola García, los artistas que participan en esta colectiva son : Didi Castrovalle, Crystal Duarte, Fabiola Menchelli y Jeniffer Yamanaka. Los elementos están puestos y el espectador tiene la última palabra: espacios transitados, heterogéneos, abandonados, vividos y funcionales así como las construcciones imaginarias plasmadas en la fotografía, instalación y el sonido permiten que esta exposición sea una declaración de pertenencia, de auto-definición y también evidencia de las consecuencias Colima 208 Col. Roma, Ciudad de México del legado histórico actual. deaquipalreal.tumblr.com

Crystal Duarte New World Odour Dead Gulf Essences - Sea Breeze Instalación sonora y olfativa


INTERNACIONAL

Arte público

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Exposiciones / Espacios

E S TA D O S

SUGERENCIAS Edos.

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MONTERREY

GUANAJUATO

Paula Rego ha vivido casi toda su vida adulta en el Reino Unido. En varios estudios de Londres ha producido gran parte de su obra; sin embargo, continúa extrayendo inspiración de las experiencias de infancia en su nativo Portugal, así como de sus frecuentes visitas y estancias ulteriores a ese país. Los antecedentes latinos de su obra tocarán, seguramente, fibras muy especiales entre los públicos de esta retrospectiva de México y Brasil.

La Colección JUMEX en colaboración con la Universidad de Guanajuato presentan, dentro del marco del Festival Internacional Cervantino, la muestra colectiva ¡Sin Techo Está Pelón!

Paula Rego Ritos del paso MARCO Hasta 20 de febrero 2011

The Pillowman, 2004, pastel sobre papel montado sobre aluminio, tríptico, 180 x 120 cm., cada panel 180 x 360 cm total Colección de la artista, bajo comodato de Fundación Paula Rego/ Casa das Histórias Paula Rego, Cascais

Sus cuadros están realizados con una honestidad valiente partir de observaciones basadas en la experiencia de crecer dentro de una cultura en la que las mujeres estaban frecuentemente sometidas al dominio del hombre, tenían que encontrar sus propios caminos hacia la autoafirmación y, aun, la venganza. Rego ha producido de manera consistente una obra que le habla poderosa y directamente no sólo a otras mujeres sino a todo aquel con sentido de la compasión, la justicia y el juego limpio. Como la primera retrospectiva cabal de la obra de Rego a exhibirse en América Latina, en esta exposición se representan en orden básicamente cronológico las fases importantes del desarrollo de la artista, comenzando con sus primeros años, de la década de 1950, cuando era una estudiante de arte. Al presentar sus más ambiciosas pinturas, pasteles y dibujos de gran formato junto a sus dibujos pequeños, bocetos y obra gráfica editada —grabados y litografías—, se logra llevar la atención hacia las interrelaciones entre estas piezas, realizadas en distintos soportes, y su importancia equivalente dentro de su obra. Colgados junto a las pinturas y a las obras impresas, a veces producidas en serie, con las que se asocian, los estudios trazan su desarrollo llevándonos por nuevas áreas temáticas y nuevas maneras de plasmar la figura en el espacio. Considerando que esta exposición de Rego representa para los mexicanos la primera oportunidad de ver en su

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Zuazua y Jardón S/N, Centro Monterrey, Nuevo León www.marco.org.mx

Colectiva ¡Sin Techo Está Pelón! Galería Universidad de Guanajuato Hasta 27 de febrero 2011

Celebration (The Birthday Party), 1953, óleo sobre tela 124 x 205 cm, Colección de la artista

obra los procesos mediante los cuales ha dado forma a las narrativas visuales que animan su imaginación. Los rituales sociales y la conducta humana han sido una constante en la obra de Rego desde el momento en que empezó a estudiar en la Slade School of Fine Art de Londres en el otoño de 1952, a la edad de 17 años. De hecho, a partir de ese momento se adentró, de manera subconsciente y sin premeditación, en el análisis de los diversos ritos de paso que definen las etapas en la vida de las personas: desde el nacimiento y la infancia pasando por la adolescencia y hacia la edad adulta a través de la iniciación sexual; en las relaciones con los padres o los hijos; en el amor y en el combate con la pareja, enfrentando los desafíos a nuestra independencia y bienestar para, finalmente, deslizarnos hacia la muerte. Rego llama la atención al sufrimiento humano con una empatía extraordinaria enfocándose en la violencia que se perpetra hasta hoy en día contra las mujeres en los asesinatos por honor, la trata de blancas, la prostitución forzada y la mutilación genital. Estos son, por así decirlo, temas difíciles que muchos de nosotros preferimos ignorar. La valentía de Rego, su rabia moralmente justificada y su sentido de la justicia le dictan poner su arte al servicio de estos asuntos, sin importar qué tan pesadillescos puedan parecer.

La exhibición curada por Michel Blancusbé, aborda el tema del urbanismo y la expansión de las ciudades alrededor del mundo, así como la relación que existe entre este “desarrollo” y la calidad de vida de la población. Las más de cuarenta y ocho obras expuestas, de artistas mexicanos y extranjeros, giran en torno a la problemática

Roe Ethridge (1969)- Weebleville, 2005, C-Print mounted on aluminum, 61 x 76,2 cm. (24 x 30 pulgadas)

Luis Felipe Ortega (1966) De la serie 6 ensayos... a propósito de Calvino, C-Print 34,5 x 50,7 x 3 cm. (13 5/8 x 20 x 1/18 pulgadas)

que genera la relación usuario/arquitectura en diferentes partes del mundo; desde Ecatepec, México, hasta Reykjavik, Islandia. El nombre de esta muestra proviene de una reinterpretación del título de la escultura monumental del artista sueco Érik Dietman: Sans toi la maison est chauve, art minimal brut, 1991 (Sin ti la casa está calva). Se trata de un juego de palabras entre “toi” (tú) y “toit” (techo),“Sin techo la casa está calva” o “Sin ti la casa está calva” que remite a la relación de complentareidad existente entre una construcción arquitectónica, incluso una ciudad entera, y sus habitantes.

Sara Morris (1967)- Rio (Las Vegas), 1999, Household gloss on canvas, 214,5 x 214,5 x 4,5 cm. Andrea Zittel (1965)- A-Z Homestead Unit, 2007, Steel, wood, glass, acrylic, fabric 1, 256,5 x 278 x 220,5 cm. Fotografías © cortesía Fundación / Colección Jumex

The Policeman’s Daughter, 1987 La hija del policía, 1987, acrílico sobre papel sobre tela 213.4 x 243.9 cm., Marlborough International Fine Art

Dada su tendencia al miedo, la depresión y la ansiedad, es posible que Rego se sorprenda al descubrir que su obra puede jugar, y de hecho juega, un papel tan importante en la vida de muchos. Y lo seguirá haciendo tiempo después de que todos nosotros nos hayamos ido. por Marco Livingstone

A lo largo de la muestra se tienen planeadas diversas conferencias con especialistas de arte, arquitectura y urbanismo, quienes revisarán diferentes temáticas de la exhibición. Así como un programa de capacitación para un grupo de estudiantes de la Universidad de Guanajuato, que se encargará de atender a los visitantes de la muestra y dar a conocer el arte contemporáneo internacional y algunos de sus representantes.

¡Sin techo está pelón! presenta piezas en distintos medios: video, fotografía, escultura, instalación, proyección, óleo y pintura sobre lienzo, cerámica y dibujo. Dichos trabajos son creaciones de los artistas Absalon, Carlos Amorales, Hernaín Bravo, Pia Camil, Claude Closky, Jose Dávila, Iván Edeza, Olafur Eliasson, Roe Ethridge, Andreas Gursky, Cynthia Gutiérrez, Jonathan Hammer, Frédéric Lefever, Guy Limone, Florian Maier-Aichen, Esko Männikkö, Paul McCarthy, Sarah Morris, Luis Felipe Ortega, Scott Peterman, Ruth Root, Dieter Roth, Thomas Ruff, Anri Sala, Wilhelm Sasnal, Jim Shaw, Melanie Smith, Mungo Thomson, Salla Tykkä, Christopher Williams y Andrea Zittel. Lascuráin de Retana 5, Centro , Guanajuanto www.lacoleccionjumex.org


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Artista invitado / Portada

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Ricaurte

Una historia cultural contada con el cuerpo

Por / by Fernando Gálvez de Aguinaga Crítico independiente

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ace cinco años, en estas mismas páginas, consignamos cómo Luis Ricaurte llevaba varios meses experimentando en una innovación gráfica al aplicar el substituto laser del sand blast como una manera de trabajar xilografías fotográficas, evolucionando así desde la invención de la xilografía fotográfica en el Graphic Studio de Tampa Florida hacia una técnica renovada con la foto digital y el laser, la hoy llamada lasergrafía.

Lo que me parece más interesante es ver cómo Ricaurte adapta la impresora y cortadora laser a su temática y a su lenguaje artístico, hay en todas las obras que ha desarrollado desde sus inicios con piezas como “Es un bolero sin final, la pura historia del todo y nada.” hasta la actual serie de trabajo “Lookumi”, una permanente reflexión sobre las características intrínsecas de la técnica y su relación con la temática abordada. La diversidad de soportes experimentados y la manera de tratarlos, hablan no solamente de una gusto por la El refinamiento alcanzado por Ricaurte con esta técnica, experimentación y por llevar la imagen impresa hacia la diversidad de soluciones que ha aplicado aprovechando lo objetual, sino también señalan una marcada manera

su herramienta tecnológica no sólo para imprimir sino también para recortar el papel, han devenido en un cuerpo de obra realmente importante mismo que además ha tenido una intensa movilidad tanto en México como en Sud América y también los Estados Unidos. Han sido cinco años en que la trayectoria de Luis pasó por consolidarse y después internacionalizarse, realmente hubo un hallazgo del medio adecuado para la sensibilidad del artista y ahora él nada por las vetas de la madera con sus artefactos y su imágenes de mujeres y hombres afrocolombianos, como por el rio de su creatividad. MEXICO

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de reflexión plástica. “Lookumi” es una larga inmersión en uno de los temas tabús del imaginario colectivo latinoamericano, es decir, la aceptación de la llamada tercera raíz en nuestras culturas, la vena negra de nuestra sangre e identidad. Aceptamos a occidente porque se nos conquistó y fueron los europeos quienes triunfaron sobre nuestras razas indígenas originarias, pero escondemos o soslayamos a aquellos que vivieron con nosotros la esclavitud, la opresión y en forma todavía más terrible y traumática, puesto que fueron desterrados de sus lugares de orígenes para incorporarse al trabajo que requerían


Artista invitado / Portada

NACIONAL las tiranías europeas para saquear y dominar nuestro continente. Tanto en México como en Colombia, lugares de residencia y origen de Luis Ricaurte, la negritud es vista con racismo y no se le ha dado el lugar que ha jugado en la conformación de nuestra identidad. ¿Qué sería de la música Colombiana sin los ritmos afros? Sólo por lanzar una pregunta de lo más obvio.

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Xavier Moyssen

Ricaurte plantea el tema de forma contundente, lo mismo despliega ante nuestros ojos una seductora mujer negra, con un cuerpo bellísimo pero con una inquietante cicatriz en el vientre, que ya desde su cuerpo, explica esa realidad, esa sensualidad de una raza violentada por la historia. Presentar estos trabajos recientemente en Sao Paulo tiene además para el artista un lugar de aterrizaje dónde esa realidad también se vive cotidianamente. La anatomía es para Ricaurte el abecedario de un discurso crítico pero no panfletario, las formas corporales dicen cosas desde la fotografía, la estampa o el dibujo, o los medios híbridos, cosas desde la belleza extrema de la sexualidad hasta una historia de vejaciones e injusticias narrada por marcas y cicatrices.

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Ricaurte A cultural history told by the body

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ive years ago, in these same pages, we record how Luis Ricaurte was experimenting on a graphical innovation applying the laser of the sand blast as a way of working photographic xylographies, evolving his way towards the invention of the photographic xylography at the Graphic Studio in Tampa Florida, a technology renewed with the digital photo and the laser today called lasergrafía. The refinement reached by Ricaurte with this technology, the diversity of solutions that it has applied taking advantage of his technological tool not only to stamp but also to cut the paper away, they have developed into a body of work really important, that in addition has had an intense mobility so much in Mexico as in South America and also the United States. Five years have passed and in them Luis’ consolidation and later internationalization for finding the right technique for the sensibility of this artist. Most interesting is to see how Ricaurte adapts the printer and cutting laser machine to his subject matter and artistic language.There is in all his works (from his beginnings with pieces like “Es un bolero sin final, la pura historia del todo y nada”, up to the current series of work “Lookumi”) a permanent reflection on the intrinsic characteristics of the technology and his relation with the approached subject matter. The diversity of supports and the way of treating them, speak not only about a pleasure for the experimentation and translation of the printed image towards the object, but also they indicate a marked way of plastic reflection.“Lookumi” is a long dip in one of the topic taboos of the Latin-American imaginary, that is to say, the acceptance of the called third root in our cultures, the black vein of our blood and identity. We agree to occident because we were conquered and were the Europeans who triumphed over our indigenous original races, but we hide or ignore those that lived with us through the slavery, the oppression in even a more terrible and traumatic form, since they were exiled of their places of origins to join to the work that the European tyrannies were needing to plunder and to dominate our continent.

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( Viene de página 19 )

Ricaurte incide en ocasiones el papel con su cortadora sugiriendo los esgrafiados cutáneos que en forma decorativa algunos pueblos negros practican sobre sus cuerpos. En otras ocasiones, realiza pequeñas cajas de impresiones recortadas finamente que se superponen, creando un mundo de referentes que parecen aludir a la onda y compleja urdimbre de tradiciones y realidades que se ciernen sobre el presente de los pueblos de origen africano en nuestros territorios. Si bien Ricaurte ha trabajado insistentemente en torno a los pueblos colombianos, los cierto es que sus imágenes nos dicen cosas que funcionan para los pueblos negros de Brasil, México, Honduras o cualquier región de América. Paradójicamente, hoy que en la Casa Blanca despacha un presidente de origen afro, nunca el pueblo afroamericano había sufrido un desplome tan tremendo en su nivel de vida, y ni se digan los pueblos de Latinoamérica, que en medio de esta crisis ven con tristeza

que el encumbramiento de Obama no ha sido sino una mascarada para aquietar a la minoría más poderosa de los Estados Unidos, una mascarada en la que el líder no es sino el títere de los poderes reales. En ocasiones las figuras parecen retarnos a resistir su seducción, en poses abiertamente provocadoras. En otras, la complejidad de las posturas e incluso lo abigarrado de las composiciones, parecen señalar la densidad de la problemática abordada. En algunas de las piezas realizadas sobre soporte metálico, adivino la sugestión del espejo, como para incorporar nuestra imagen esbozada en medio de la trama de cuerpos. En las realizadas a partir de las propias planchas de madera,veo las raíces mismas,la entrada a la savia de una cultura, en los muebles de tela impresa adivino una crítica mordaz a cómo hemos usado a esta raza hermosa, cómo la hemos manipulado tratando a las personas como objetos propiedad

Sometimes Ricaurte attacks the paper with his cutting machine suggesting the decorative scarifications that some black ethnic groups practice on their bodies. In other occasions, he makes small boxes of impressions that are cut away finely and then superposed; creating a world of referents that seem to allude to the deep and complex warp of traditions and realities that drift over the present of the peoples of African origin in our territories. We guess the suggestion of the mirror in some of the pieces made on metallic support, like inviting to incorporate our outlined image in the middle of a mesh of bodies. In the pieces made of wooden plate, I see the roots themselves, the entry to the sap of a culture; and in the printed fabric furniture the suggestion of the mirror, a biting critique to how we have used to this beautiful race, how we have manipulated it treating the persons as objects property of the white people. Printing his works into a vinyl support placed on the floor of the Latin-American University of Mexico, Ricaurte suggests how the high classes of our continent have trampled on the black people rights. Placing the pieces in an underground space that crosses below an avenue in Buenos Aires, the pieces emphasized the isolated character and underground power of these cultures that little by little are emerging strongly. MEXICO

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de los blancos. Cada obra, insisto, habla no sólo desde la imagen, sino desde la solución formal del soporte y la materia misma que la constituye. Al trasladar, por ejemplo, las obras a impresiones sobre viniles colocados en el piso en la Universidad Iberoamericana de la ciudad de México, Ricaurte sugirió cómo las clases altas de nuestro continente han pisoteado los derechos de los negros. Al colocar las piezas en un espacio subterráneo que atraviesa por debajo de una avenida en Buenos Aires, las piezas enfatizaron el carácter marginado y el poder subterráneo de estas culturas que poco a poco van emergiendo con fuerza. © del texto, el autor. Fernando Gálvez de Aguinaga (México, 1965), es Historiador del Arte, curador y crítico independiente. Reside y trabaja en la ciudad de Oaxaca.


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Homenaje a trayectoria

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Identidad y memoria

Federico

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Por / by Federico Silva Artista y creador mexicano

(Extracto de la Conferencia Magistral impartida en la entrega de su Doctorado Honoris Causa por parte de la UNAM)

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l arte ha sido un compañero de toda la vida y es el gran soporte de toda comunidad. Monte Albán, Teotihuacán, Chichén Itzá, Cacaxtla, los grandes pintores, músicos y escritores que nos representan, ellos son quienes nos dan fuerza. Nos da fuerza Rosario Castellanos, Silvestre Revueltas, Carlos Chávez, Diego Rivera, Siqueiros, Orozco. Ahora lo hace Carlos Fuentes (a quien dedico mi discurso), nuestro máximo escritor que viaja por el mundo llevando a México. Nos fortalecen sin duda, los jóvenes músicos: Horacio Uribe, Arturo Márquez, la pintora Irma Palacios y cientos de creadores jóvenes que son nuestra esperanza.

de pisar tierra. Si el arte se desentiende de lo que somos, lo que queremos ser de nuestra diversidad social, se habrá de contribuir al caos. En la Universidad se preserva y cultiva la identidad, la que habita en el inconsciente profundo de los mexicanos en la integración de una memoria histórico-genética: el mundo indígena, el mestizaje, la universalidad que es futuro. Algo ha sido roto y debe de ser reconstruido.

Pero estamos en crisis. La gran pintura que desde los años veinte surgió dentro de la Universidad Nacional y el Espacio Escultórico, nos sobreviven. Pero éste, por la fama internacional que adquirió, rápidamente pasó de un arte ceremonial, universal, mexicano, universitario, al descubrimiento de un prospero mercado como oportunidad dorada. Del espacio escultórico se derivó en arrebato o al narcisismo escultórico donde las calles y avenidas se llenaron de obras de distintos estilos, tamaños y colores: es el neoliberalismo en la práctica de un arte público, enajenante; una acción sin teoría, sin doctrina. La ciudad de México no puede aceptar modalidades de espaldas al ciudadano. Ha cambiado el mundo y no para bien de los pobres. La evolución social demanda un nuevo arte para la ciudadanía, un arte ciudadano como bien dijo Sequeiros, tema que reclama naturalmente un debate de expertos. Esto no significa volver al pasado, significa volver al futuro: el único modelo para un arte propio es mirar el mundo desde México sin dejar

el mercado tienen la palabra en exclusión de la sociedad, el reino de la simulación, el crecimiento de una burguesía burocrática y la corrupción; convirtiendo el proceso social y económico en una realidad inestable que provoca la crisis estructural. En las contradicciones y el debate ideológico, la Universidad ha tomado su perfil: ha sido un recipiente de las ideas filosóficas y políticas en la práctica de la libertad. En los orígenes de la UNAM, hace cien años, están presentes los elementos ideológicos, teóricos y estéticos que presiden la batalla de las ideas. Desde el Primer Congreso Nacional de Instrucción, en 1889, en que se empezó a considerar la educación como base para establecer un lazo de unión entre todos los mexicanos (Don Justo Sierra, bajo el apogeo del positivismo, pensó que la escuela formaría el “Alma nacional” y transformaría el carácter del mexicano de literario y retórico a científico y empírico). En 1909 un grupo de intelectuales funda el Ateneo de la Juventud. La filosofía, disciplina antes proscrita en los establecimientos de

Hoy día las vías del progreso que en México se iban construyendo en apego a la Constitución de la República fueron alteradas para ser sustituidas por el liberalismo, doctrina en donde el capital y

Federico Silva, “adarme”, Foto cortesia © Museo Universitario del Chopo

enseñanza, volvió al seno de la Universidad. En 1910 se funda la Universidad Nacional de México, se organiza la Escuela de Altos Estudios, con el objeto, según Justo Sierra, en el discurso inaugural de la institución de, “no solo explicar el cómo, sino el por qué del universo”. En el año de 1933 ocurre el famoso debate conocido como polémica Caso-Lombardo: idealismo versus materialismo, acerca del carácter y misión de la Universidad que marcó una perspectiva de futuro. Han transcurrido cien años y ahora se explican el por qué y el cómo con solo mirar la televisión y atender las enseñanzas rigurosas de los comunicadores de oficio quienes manipulan a funcionarios dóciles y dirigentes disléxicos de los partidos políticos; también educan al pueblo jóvenes teóricos, de buena familia, educados en los Estados Unidos. La élite política de reserva prematuramente amargada. En cuanto a los emigrantes y la extrema pobreza la podemos observar como un espectáculo siniestro: miles de jóvenes, mujeres y niños montados en los

techos de los vagones de un ferrocarril que recorre kilómetros desde Tapachula a Laredo. Familias fuertes, esperanzadas, intrépidas que salieron de sus casas llevando como único equipaje el recuerdo de los perfumes de la tierra y del café, viajando a ciegas a los campos de la muerte o de la prisión. De la economía y desarrollo independiente vemos el progreso en los miles de ciudadanos con nuevos trabajos, pequeños empresarios que venden diversas mercancías en los altos y embotellamientos de la ciudad: tarjetas de teléfono, servicios de limpia de parabrisas, venta de reguiletes de colores para celebrar las fiestas patrias. Hay que reconocer que se abre una nueva perspectiva para los desposeídos: el más allá. El cielo. ¿Podremos hablar de progreso y desarrollo con una industria de maquila sin ser capaces de producir nuestros propios bienes de consumo? Ni siquiera clips. Todo lo importamos. Un astronauta mexicano que trabaja para construir los módulos que en la luna permitan vivir por largas temporadas preparando


Homenaje a trayectoria

NACIONAL el viaje a Marte dijo: “debemos pasar de ser consumidores de tecnología y convertirnos en creadores para no quedar como un país de maquila”. Como nunca la sociedad mexicana vive con temor; pero eso es parte del gran plan agregando una parte histriónica a la estrategia. Un día nos vestimos de médicos y aterrorizamos con la gripe, otro con el cambio climático y nos vestimos de bomberos, más tarde, uniforme militar para combatir el crimen organizado o el de marinero. Un discurso tras otro y cambio de vestuario. Alteración de valores y sustitución de roles. Quisiera ser optimista pero contamos con una lista considerable de agravios y la lista crece: los campesinos de Atenco, los indígenas de Chiapas, los niños de Sonora, Cananea, Pasta de Conchos, el robo de las vías de ferrocarril, miles de millones de acero de alta calidad, impidiendo además, a futuro la comunicación ferroviaria. De la política y de los políticos se ha perdido credibilidad y respeto; lo que no es de alegrarse, es grave y peligroso porque nos remite a la barbarie, el despojo y la violencia. Hace dos sexenios en México se produjo una ruptura política como otrora ocurrió en la línea del arte. Desde Los Pinos se instrumenta en la Columna de la Independencia el desahucio de los restos mortales del cura Hidalgo y de Morelos. Un desfile grotesco y doloroso por el Paseo de la Reforma arrastrando los cráneos sagrados para el pueblo mexicano de nuestros héroes patrios. El director de Antropología vestido como enterrador del Siglo XIX, los recibe para verificar si eran auténticos, confirmado, se regresan al Palacio Nacional para crear el Zompantli de la Independencia e iniciar la visita pública a un carnaval patriótico. ¿Cuál es el propósito de todo esto? Conservar el poder, fortalecer los mecanismos de la extrema derecha. Aparecen con fuerza y vehemencia los predicadores que anuncian la disolución de la Nación Mexicana. La pérdida de la identidad del mexicano y su paulatina, fatal, inevitable, integración a lo estadounidense. Se repite con triunfalismo y alegría el nacimiento del “nuevo mexicano”: el mexicano norteamericano estadounidense (esta campaña viene de lejos, años atrás brigadas de antropólogos, sacerdotes y escuelas de verano, viajaban por las comunidades indígenas más remotas para enseñarles inglés y la nueva religión). Se trabaja arduamente para borrar los perfiles de identidad. La desintegración del “yo” histórico. ¿Qué elementos constituyen la identidad, la integración del “yo”? La memoria como elemento integrador: La memoria psíquica, étnica, histórica y estética. Nuestra verdadera historia no empieza en la Conquista española, comienza con el Quinto Sol (leer Carlos Fuentes). Al principio de este discurso hablé de crisis y, como se sabe, esto no es cuestión literaria ni solamente económica y política, es moral y ética, lo abarca todo, la cultura, las artes. Un predicador viaja por toda la República para exponer su doctrina: “Los mexicanos somos, afirma, resultado de un proceso histórico en

que todo salió mal, un desencuentro sin solución entre lo indígena y lo español”. El mexicano debe dejar de fantasear con que desciende de dos culturas, la indígena y la española. La desastrosa vida pública mexicana es manifestación de su desastrosa vida interior. El culto mexicano a la muerte es evidencia de su agonía prolongada. La mexicanidad se ha convertido en una forma de subdesarrollo y tortura. En una forma de secuestro del ser humano. Nuestra solución trascendente –nos dicen- es el cambio de identidad, integrarnos como yanquis mexicanos. En contra de la perorata documentada noventa años atrás José Vasconcelos dijo lo siguiente: “La

Finalmente, otro tema ineludible. El muro fronterizo patrullado por el ejército estadounidense que no separa a México sino a todo el continente latinoamericano. Nos enorgullece que Sudamérica empiece en esa frontera. Somos americanos del sur que hablamos la lengua castellana, la que exalta Fuentes al escribir: “somos territorio de la mancha, el más grande país del mundo”. Cuando a los hispanos que trabajan en Arizona se les amenazó con campos de concentración y toques eléctricos, la gran mayoría quiso huir a otros estados de la Unión Norteamericana. Periodistas enviados de la capital mexicana preguntaron: ¿Quiere usted regresar a México? Ellos respondieron: ¡claro que no! ¿Por qué? Porque no hay trabajo, no

“Mis palabras son las de un trabajador de las ideas” “Hablo desde mi experiencia de vida. Lo indígena y su cultura están en mi corazón, lo europeo en mi cabeza” Federico Silva

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Coahuila, las selvas de Chiapas, Quintana Roo y las costas y los mares del Atlántico, del Pacífico y del Caribe. Soñemos que salgan para proteger los bancos de coral de Cancún y de la península de Baja California que los “inversionistas” están por destruir, y que eviten que a las islas mexicanas les pongan nombres de turistas. Soñemos con crear las brigadas de arquitectos, ingenieros, maestros y construyamos escuelas en todo el país para educar a millones de jóvenes como lo hicieron las brigadas de maestros rurales en el cardenismo. Juguemos e imaginemos la gran cruzada de este rescate: una nueva Revolución, una nueva moral, una revolución, pacífica y humanista. Lo primero, restaurar la Constitución de la República; restituir en ella los artículos que nos han hecho miserables, dependientes y cínicos. Repartir la tierra ociosa y las riquezas del mar. Recuperar la riqueza de la fuerza de trabajo y la creatividad de todos los mexicanos. Imaginemos esto con el apoyo de la inteligencia, la solidaridad y el trabajo de todos. Con la educación

Federico Silva, “cuatro tecalli”, Foto cortesia © Museo Universitario del Chopo

confirmación de la diferencia cultural entre México y los Estados Unidos es un paso firme en la búsqueda de identidad propia. No queremos ser yanquis del sur, ahora queremos ser nosotros mismos” Y en otro texto dijo Vasconcelos: “el suelo de México no es ni será propiedad de un sólo color de tez, ni de dos razas solas, sino de todas las que pueblen el mundo”. Miguel León Portilla recientemente ha dicho: “se reconoce hoy que los africanos, al lado de los que llegaron de la península ibérica y los indígenas constituyen la tercera gran raíz cultural del continente”. Carlos Fuentes escribe en Los cinco soles de México: “Nunca más podremos ocultar nuestros rostros indígenas, mestizos, europeos; son todos nuestros”.

hay futuro, además tendríamos que oír los discursos del presidente y cuidarnos de la violencia. Desastre y vergüenza: en diez años han salido a los Estados Unidos treinta millones de mexicanos, tres millones cada año. México es una gran nación con un pueblo extraordinario, convicción que no cabe en los discursos de política ficción. Vamos por el rescate, vamos por la derrota de la crisis. Lo que nos unificará es que juntos podamos ver nuestro futuro. Lo que nos puede salvar es: La imaginación. Imaginemos que los millones de mexicanos regresan y junto con los millones que aún no se han ido, recuperamos nuestra vida comunitaria, la cultura del maíz y la riqueza en los desiertos de Baja California, Sonora,

para ser mejores. Con las universidades públicas. Recuperemos el espíritu de la Independencia y de la Revolución Mexicana. 100 años de la Universidad Nacional y los que vienen por la reconstrucción de México. Por mi raza hablará el espíritu. Federico Silva Lombardo (Ciudad de Mexico 1923). Artista plástico por la Escuela Nacional de Artes Plasticas y la Facultad de Arquitectura de la UNAM. Maestro en Artes Visuales por la Academia de San Carlos y candidato a Doctor en Urbanismo por la Facultad de Arquitectura de la UNAM. Cuenta con escultura pública en diversos lugares del país y el extranjero. © del texto, el autor. MEXICO

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Gestión en las artes

INTERNACIONAL

Dynamizing Public art in southern California I

Contemporary Art public art in southern California is dynamic, poetic and provocative. Supported by various agents, from the Los Angeles metropolitan area on to San Diego, and at times even on to Tijuana, Baja California, the proposals make social space and urban visuality most dynamic. II With Michael Govan as its new Director, LACMA begins to collaborate with artists who have a significant presence in southern California. In 2008 to coincide with the opening of the Broad Contemporary Art Museum (BCAM), LACMA commissioned John Baldessari graphic work to be placed on the façade of the BCAM, a palm garden by Robert Irwin, and Chris Burden an outdoor sculpture. III Founded by Laurie Firstenberg in 2005, under her Directorship and curatorial vision LA><ART has become a key player in the cultural landscape of Los Angeles. Conceived as an alternative space to museum institutions, it occupies an autonomous niche that permits it program to experimental proposals with artists which are articulated in its gallery, off-site and in publications.

Dinamizando Arte público en el sur de California Por / by Víctor Zamudio-Taylor Curador

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El arte contemporáneo en espacios públicos en el sur de California es dinámico, poético y provocador, y contribuye a la calidad de vida cotidiana y ecología cultural. Impulsado por diversos agentes –artistas, grupos comunitarios, institucionesCharlie White Casting Call Billboard, 2010. Presented by LAXART, Los Angeles. las propuestas dinamizan la compleja espacialidad © Courtesy of the artist and LAXART, Los Angeles. social y visualidad urbana del área metropolitana de Los Ángeles a San Diego y a veces hasta Tijuana, Baja programar con artistas, propuestas experimentales California. Aquí algunos ejemplos: articuladas desde su galería en programas extra muros y publicaciones. II Como parte de la transformación bajo la nueva dirección de Michael Govan, LACMA (Los Angeles Un componente central de LA><ART es su programa County Museum of Art) empieza a colaborar con de arte público que utiliza vallas publicitarias. Dialogando artistas con gran presencia en el sur de California. con los artistas seleccionados para los proyectos, y En 2008, para coincidir con la inauguración del Broad tomando en cuenta el contexto socio-cultural de la Contemporary Art Museum (BCAM), diseñado por valla, se lleva a cabo el proyecto; interviniendo así en la Renzo Piano, LACMA comisiona a John Baldessari obra compleja semiótica y visualidad vertiginosa de la gran gráfica para ser dispuesta en la fachada del BCAM a urbe, contribuyendo a su la calidad de vida y al diálogo Robert Irwin un jardín de palmas y a Chris Burden una intercultural. escultura al aire libre.

SHEPARD FAIREY, Mural, Hillcrest, San Diego, Julio 2010, Foto cortesia © Goeff Hargdon

IV Co-founded in 2009 by Shamim M. Momin and Christine Y. Kim, Los Angeles Nomadic Division (LAND) curates and supports dynamic proposals dedicated to dialogism, intercultural urban ecology, and the production of critical discourses.

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V This summer MCA San Diego presented Viva la Revolucion: a Dialogue with the Urban Landscape. Curated by Pedro Alonzo, the exhibition focuses on the global character and boom of Street Art. With origins in graffiti, urban murals, tattoo cultures, and urban subcultures, the proposal is a pioneer given its encompassing vision, for highlighting this art in a museum, and for generating key questions. Exhibited in a white cube, is its alternative or countercultural character diluted? Taken out of its street context, and presented under surveillance in the antiseptic conditions of the museum, is its mission neutralized?

Dispuesta a la entrada desde Wilshire Boulevard, “Urban Light” (Luz Urbana) de Chris Burden es una escultura que se compone de 202 postes de luz de fierro colado. Los postes utilizados en algún momento iluminarom las calles de Los Ángeles. Burden compró el primer poste en un mercado de pulgas, pronto empezó a coleccionarlos y restaurarlos, pintándolos de gris plomo para así poder apreciar sus variadas formas. Al atardecer se iluminan utilizando energía solar acumulada transformándose, según el artista, en “un edificio con techo de luz”. III Fundado en 2005 por Laurie Firstenberg, su actual directora y curadora, LA><ART hoy en día juega un rol importante en el paisaje cultural de Los Ángeles. Concebido como espacio alternativo a las instituciones museísticas, ocupa un nicho autónomo que le permite

Daniel Joseph Martinez, artista conceptual angelino con gran trayectoria en el arte público, realiza el segundo proyecto de la serie en marzo del 2006. Su obra cita una frase de Theodor W. Adorno y Max Horkheimer de su “Dialectica del iluminismo : fragmentos filosóficos” (1941), escrita durante su exilio a finales de la Segunda Guerra Mundial en Los Ángeles. Con tipografía diferente y blanca sobre un fondo negro, la sentencia, “La tierra enteramente iluminada radiante del triunfo del desastre”, es un dictamen corrosivo del carácter intrínsecamente destructivo de la Ilustración y de la razón instrumentalizada. El penúltimo proyecto ha sido realizado por Charlie White, artista también angelino a quien le interesa la construcción de identidades personales,particularmente de jóvenes, y la cultura del espectáculo.


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“Casting Call “ (Llamada de casting), junto con la valla, se compone de un performance que consistió en el llamado de un casting convocado por una agencia de talento y limitada a una jornada para seleccionar una “Chica Californiana”. En la galería, la pieza se dividió en dos; por un lado el proceso del casting con las postulantes y por otro, el público como voyeur. A la triunfadora se le premió con su imagen en la valla; para el artista, significó un capítulo clave en su investigación del lugar y poder del icono juvenil en la cultura popular y del entretenimiento en los Estados Unidos. En víspera de la celebración de su lustro, LA><ART ha apoyado en su programa obras de artistas tales como Doug Aitken, Kate Costello, Zoe Crosher, Guyton/ Walker, Karl Haendel, Ruben Ochoa, y Raymond Pettibon entre otros. IV Los Angeles Nomadic Division (LAND) produce curadurías mediante propuestas dinámicas dedicadas al dialogismo, ecología urbana intercultural, y generación de discursos críticos. Operando desde Los Ángeles y cofundada en 2009 por Shamim M. Momin –anteriormente del Whitney Museum, co-curadora de su Bienal del 2004 y 2008-, y Christine Y. Kim –anteriormente del Studio Museum in Harlem- y actual curadora del LACMA-, LAND navega el terreno del arte contemporáneo sin espacio asentado y sin la presión de una programación fija. Por su carácter nómada, LAND colabora con otras instituciones tales como LA><ART, LACMA, MAK Art and Arquitecture Center, MoCA, Museum of Latin American Art (MoLAA), entre otros. Arrancó el 2010 con “VIA”, propuesta enfocada hacía artistas mexicanos y conceptualizada por Momim. Fiel a su definición, este proyecto se esparce en el paisaje urbano angelino a través del tiempo y espacio. “VIA I” inauguró en enero 2010 con cuatro propuestas de artistas: Artemio, José León Cerillo, Gonzalo Lebrija, y ‘Moris’ Israel Meza Moreno. “VIA II” inaugurada en septiembre presenta propuestas de Teresa Margolles, Jorge Méndez Blake, y Yoshua Okon, Con el título, Mi casa es tu casa, ‘Moris’ Israel Meza Moreno presentó en The Geffen Contemporary, sede del MoCA, una instalación in situ compuesta de tres elementos: dos intervenciones de textos en vinil en el exterior del inmueble, y una obra gráfica digital sobre papel a piso en la recepción y antesala del museo. Congruente con su interés antropológico, y estudio de las subculturas urbanas en la Ciudad de México, particularmente en los barrios marginales del norte, el artista cita frases en vinil, mismas que pega sobre las columnas que soportan el techo del patio del museo. Pertenecientes al género de dichos vernáculos, forman parte de un compendio de sabiduría popular para bregar con la aguda violencia social y así sobrevivir de manera digna. En contrapunteo con los textos dispuestos

verticalmente, el artista fija otro de gran formato horizontalmente sobre la fechada del museo. Negada su visa para producir su obra, el artista imprime y presenta una copia magnificada del documento genérico que informa su rechazo oficial para visitar los Estados Unidos. El tercer elemento se activa por parte de los visitantes. Al entrar al museo, el visitante pisa un tapete compuesto de papeles. Al pisarse, el polvo y suciedad los marca, haciendo que se releven de manera procesual retratos anónimos encontrados de inmigrantes hispanos. Sutil representación de estos seres invisibles que han cruzado o no a los Estados Unidos que al hacerse visible subraya nociones de inclusión y exclusión, de poder y autorepresentación. Asimismo el artista hace una apóstrofe al refrán, “Todos tenemos los zapatos sucios”, expresión que subraya la complicidad individual con el sistema social y político. V Este verano el MCA San Diego presentó “Viva la Revolución: un diálogo con el paisaje urbano”. Curada por Pedro H.Alonzo, la muestra se enfoca en el auge global del street art. Con orígenes en el grafiti, muralismo urbano, culturas del tatuaje, y subculturas urbanas, el street art ha tenido ya un impacto significativo en el arte contemporáneo, ejemplos emblemáticos son Jean-Michel Basquiat, Keith Haring y Jenny Holzer.

Gestión en las artes Reporte especial

Entijuanarte

La propuesta es pionera por su alcance global y por destacar este arte dentro del museo, generando interrogantes clave: ¿Se diluye su carácter alternativo o contracultural al exponerse en el cubo blanco? ¿Se neutraliza su misión al descontextualizarse de la calle y presentarse bajo las condiciones resguardadas y antisépticas del museo? Entre los artistas presentados destacan Banksy, Mark Bradford, Dr. Lakra, Dzine, Shepard Fairey, Invaders, y ‘Moris’ Israel Meza Moreno. Como componente de la muestra, se comisionaron obras de arte público en diversos barrios de San Diego de Blu, Stephan Doitchinoff, Shepard Fairey, Invader, Barry McGee, y Os Gemeos. © del texto, el autor. Víctor Zamudio Taylor. Es curador e investigador independiente, y asesor de Fundación/Colección Jumex.

Por / by Por Iván Sanchezblas Editor y crítico de arte

Vista aérea del CECUT

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Diego y el sur de California, lo hacen por una necesidad cultural. La región no tendrá una gran infraestructura; pero la gente de aquí disfruta de las artes, somos un mosaico multicultural con el que cada año rebasamos niveles de audiencia” comenta Cecilia Ocha, una de sus organizadoras. Un representante del Consejo de Turismo agrega: “Recuerdo el primer INSITE que unió San Diego con Tijuana, el caballo de Troya de dos cabezas, el hombre bala, esas son imágenes de una tercera nación, una identidad de la cual estamos orgullosos. Los más de 50 eventos que se generan en la ciudad nos permiten apropiarnos En aquella ocasión la experiencia se de la calle porque cada vez que salimos tradujo en dos observaciones concretas: con una idea la gente responde.” ace un año Arte al día México hizo la cobertura del festival Entijuanarte, iniciativa cultural privada que surgió hace seis años para alentar la exposición, promoción y venta de arte contemporáneo de artistas nacionales y extranjeros con el público que congrega la ciudad de Tijuana, Baja California. Su estrategia: una plataforma artística y cultural que capitaliza en un festival la atención del público interesado en el arte y la cultura como una forma de entretenimiento. Su objetivo: construir para la ciudad una identidad de referencia por su gestión cultural y económica.

1) Que Entijuanarte es un proceso representativo de la conformación de la identidad cultural de una ciudad a través de un evento público.

Chris Bourden, Broad Contemporary Art Museum (BCAM) east facada, installation of Urban Light, Enero 2008, Foto cortesia © 2008 Museum Associates/LACMA

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2) Esta identidad no puede ser interpretada en el fetiche de “arte fronterizo”; sino más bien como la manifestación de una necesidad social. En esta edición compartimos un panorama del evento a partir de su interpretación como producto cultural cuyo valor, además de escenario de propuestas artísticas, es el de ser un mecanismo de cohesión social. Tijuana, tercera nación La gente espera un festival como Entijuanarte cada año. Su capacidad para vincular producción artística y público se sigue logrando mediante el involucramiento de instituciones gubernamentales, al grado que en su edición de este año convocó alrededor de 62 mil asistentes. “El festival se ha difundido gracias al Consejo de Promoción Turístico del Estado y el Consejo de Promoción Turística de México; esto crea una convocatoria, pero en esencia, las familias, la gran mayoría de gente que viene de la zona Tijuana-San

Esto se explica en parte por la crisis que pegó desde Estados Unidos y afectó a Tijuana en el sector turístico, lo que activó su consumo local. Ejemplo de ello es la buena recepción de la intervención artística hecha entre la 6ta a la 7ma calle de la emblemática Av. Revolución. 24 proyectos invitados de varias partes de la República (apoyados por FONCA e INBA) que tomaron el espacio público como parte del crecimiento natural del festival el cual, además de la explanada del CECUT, este año ocupó la calle aledaña. Las intervenciones en este escenario alterno son visiones que dejan un legado social, un impacto que debe crecer hasta alcanzar la magnitud que el festival de Zacatecas o el Festival Cervantino. Pedro Valtierra, fotógrafo invitado, hace un importante comentario: “La importancia que tiene realizar este tipo de festividades culturales se da porque hoy el país reclama que los jóvenes sean atendidos en un escenario de violencia. Entijuanarte, al realizar estas intervenciones en la calle y mostrar a los artistas dentro de esta festividad, se convierte en un ejemplo que debiera seguir todo el país como una alternativa”. En esta celebración el Estado de Zacatecas estuvo representado a través del fotógrafo Pedro Valtierra como

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Special Report

Entijuanarte

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year ago Arte al día México published its experience about the Entijuanarte festival, a cultural private initiative that arose six years ago to encourage the exhibition, promotion and sale of contemporary art of national and foreign artists with the public that congregates in Tijuana, Baja California. The strategy: an artistic and cultural platform that capitalizes in a festival, the attention of the public interested in the art and the culture as entertainment. Its aim: to build for the city an identity of reference resulted of the applied cultural and tourism management. In that occasion the experience was translated in two concrete observations: 1) That Entijuanarte is a representative process in the conformation of a cultural identity for a city through a public event. 2) This identity cannot be interpreted in the fetish idea of a “border art “; but rather as the manifestation of a social need. In this edition we share a panorama of the event from its interpretation as cultural product whose value is to be through its artistic offer, a mechanism of social cohesion inside which the art operates as motive. Tijuana, third nation People wait every year the Entijuanarte festival. Its ability to link artistic production and audience continues being achieved by means of the governmental institutions involvement. This year edition summoned about 62 thousand assistant. The crisis that stuck from the United States and affected Tijuana in the tourist sector was a factor for the growth of the festival. Around the main event public art interventions were proposed to activate a new zone, the emblematic Av. Revolución. The interventions in this parallel scenario are visions that leave a social legacy, an impact that must evolve in the same way that the Zacatecas festival or the Festival Internacional Cervantino. “The region has not a great cultural infrastructure, we have neither pyramids nor big buildings or museums; but people here enjoys the art, our society is a multicultural mosaic with which every year we exceed our audience levels “, comments Cecilia Ocha, one of the organizers.

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A representative of the Tourism Office adds: “I Remember the first INSITE that joined San Diego with Tijuana; the two headed trojan horse, the bulletman crossing the border, those are the images of a “third nation”, an identity that we are proud about. More than 50 events that are generated in the city allow us to adapt the street to any project, whenever we go out with an new idea the people answer.”

In this celebration the State of Zacatecas was represented through the photographer Pedro Valtierra as guest of honor and Manuel Felguerez as invited artist, who spoke about the interventions done in the public space of AV. Revolución: “What is important is not the invitation but the action to come and find an event that is an example of taking the culture to the street.” From many angles Tijuana it is a cultural cauldron, a city in chaos but in order,

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invitado de honor y Manuel Felguerez como artista invitado. Éste último habló de las intervenciones en el espacio público: “Lo importante no es la invitación sino la acción de venir y encontrar la impresión de un acontecimiento de varios años que es un ejemplo de llevar la cultura a la calle. Cabe preguntar, ¿cuáles han sido los puntos de encuentro y diferencia entre Zacatecas y Tijuana? Pedro Valtierra responde: “Los puntos de relación que me parecen importantes son la actitud y un deseo generalizado por mejorar Tijuana desde varios lados, artístico, culinario, político; una manera con la que me emociona trabajar”. Desde muchos ángulos Tijuana es un caldero cultural, una ciudad en caos pero en orden, caótica pero con la capacidad de organizarse al interior y producir este tipo de eventos. Manuel Felguerez Manuel Felguérez Invitado especial. agrega: “La diferencia es muy importante por una razón, es una de las características del arte. La diferencia en arte une. La diferencia en religión separa, la diferencia en nacionalidad separa, casi todo tiende a separa a la gente. En el arte es exactamente lo contrario, entre más diferente sea más lo admiro y más me une. El arte egipcio o prehispánico no tiene nada que ver conmigo o con Zacatecas o México, pero me emocionan de tal modo que admiro y sumo a mi vitalidad la admiración profunda por el arte. Igual es en el presente, si me voy a cualquier metrópoli y hay algo que me emociona, eso que me emociona lo hago mío y admiro ese lugar. Entonces entre más diferentes seamos más posibilidad de unión hay; porque exactamente esa es una de las grandes virtudes del arte, unir desde ser diferentes.” Julio Rodríguez hace una precisión. “Tijuana somos frontera. Somos oportunidades. Tenemos problemas, pero los artistas de Tijuana tenemos una gran oportunidad: podemos exponer de la noche a la mañana internacionalmente, y eso no existe en ninguna otra parte. Cada día hay artistas exponiendo en San Francisco o San Diego con una facilidad, subimos a la cajuela la obra y vamos. Por otro lado Tijuana tiene algo muy importante. Es un mosaico de mexicanos con talento que llegaron para superarse de cualquier lugar que venían dejando cualquier círculo de confort. Hice de Tijuana mi ciudad sin pensar cruzar la frontera, habemos muchas personas que estamos en esto. En Tijuana se exportan más exposiciones de las que se importan.”

Algunas de las intervenciones sobre la Av. Revolución

El caos genera, a clean desk is a bad state of mind Para entender Entijuanarte 2010 es necesario reconocer la necesidad cultural e identidad de Tijuana. La ciudad no se explica si no se visita porque “es un proceso antropológico extremo, el orden dentro del desorden”, en palabras del director de la galería 904, invitada al evento. Queda claro que el valor de esta iniciativa debiera medirse tanto por la convocatoria obtenida como por el impacto psico-emocional que crea en su sociedad. La afluencia de 62 mil asistentes durante esta edición (4.5 % de una población de 1 400 000) habla no sólo de su capacidad de convocatoria; sino de su función como un detonador para que esta afluencia alimente el circuito cultural local: producción, difusión y consumo cultural.

chaotic but with the aptitude to be organized in the interior and produce this type of events. Julio Rodríguez, festival’s director does a precision. “We are border. We are opportunities. We have problems, but the artists in this city have the great opportunity to easily exhibit internationally. Every day there are artists exhibiting in San Francisco or San Diego, on the other hand, Tijuana has something very important. It is a Mexican mosaic made of the talent that came leaving their homelands or any circle of comfort. I did of Tijuana my city without thinking to cross the border.There are many people that believe in culture and art that work and live from it in this city.”

Cuando el turismo internacional no tiene la llegada que una ciudad turística necesita, el turismo nacional viene a la alza debido a la necesidad por consumir sus productos culturales. Con un público mayoritariamente joven (17 a 25 años), Entijuanarte crea un tiempo y espacio social que aprovecha la calle como un instrumento para establecer relaciones culturales entre la gente. Si bien el festival es un escaparate para los artistas, las obras aquí son un medio de encuentro con la ciudad; porque los lenguajes de los artistas construyen una aproximación a la realidad de la misma. Cabe recordar que una producción artística sin un consumo no tiene sentido. La salud de su mercado es equivalente a la salud de su sociedad. De ahí que en Arte al día México creamos que este evento es un indicador que bien puede medir la calidad de vida en el noreste del país. En esta edición, ver en la Av. Revolución contenedores de basura decorados por pintura en aerosol y el resto de imágenes invadiendo las cortinas de los comercios, la explanda del CECUT y la calle aledaña atestada de personas; deja claro que el arte es una manera distinta de resolver preguntas y la cultura, no una imposición, sino una elección en materia de conocimiento e identidad.


Gestión en las artes

NACIONAL

Pintura en México

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creo, a sus coleccionistas; quienes a su vez confían Crítico de arte y curador en su conocimiento, ojo y buen gusto, para detectar lo meritorio de lo inmeritorio, así como para subrayar trayectorias particularmente, lo que acontece con consolidadas y resaltar los diferentes lenguajes plásticos que artistas potenciales. conviven, desde el imaginario, en distintas generaciones de pintores que trabajan De hecho, es este en nuestro país. Una buena oportunidad último grupo de jóvenes para ahondar en algunos ejemplos creadores el que ha llamado poderosamente mi atención y me ha llevado Por / by Luis-Martín Lozano

apegos

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l panorama de la pintura contemporánea en México es elocuente —en el mejor de los casos—, ya que manifiesta tanto la pervivencia de gustos, modas pasajeras y mercados, al tiempo que se van despuntando nuevas maneras de

permanente desde la condición creativa del artista. De tal suerte, que la irrupción o aparición de nuevas propuestas visuales en la pintura es el resultado lógico de la conceptualización que el creador se

Fernando Aranda Vista desde la Peña de Bernal, 2006 Óleo sobre tela sobre madera 53 x 244 cm

Esta manera de proceder con el oficio pictórico es una herencia de la modernidad, en la cual el artista es el ejecutor de una estética y la obra el resultado de su originalidad creativa. Luis-Martín Lozano enfocar el quehacer artístico y, por ende, de entender y apreciar el arte de la pintura. Es innegable que nuestro país posee una larga tradición pictórica cuyo vestigio subsiste desde las culturas precolombinas y se afinca durante el periodo virreinal, cuando surgen diversas generaciones de artistas con un sentir y lenguajes propios, es decir, novohispanos. Asimismo, en los anales de la historia del arte moderno ha quedado bien documentado que durante los siglos XIX y XX se conformó a través de la pintura, una identidad nacional y una modernidad visual, inequívocamente mexicanas. Sin embargo, a partir de la posguerra también se hizo evidente la pluralidad de la plástica mexicana, la cual lejos de entenderse como una simple oposición entre internacionalismos y nacionalismos a ultranza, debe más bien abordarse como un proceso de nuevas aperturas, búsquedas y cuestionamientos, sin soslayar por ello, la construcción de las modernidades en la primera mitad del siglo XX. De esta manera, el esquema metodológico nos permite entender que la historia de la pintura en México no se construye como una llana sucesión de enfrentamientos estilísticos, sino como resultado de una discusión

plantea desde su oficio; lo que incluye no sólo su talento, conocimientos y delimitaciones técnicas, sino también su capacidad e incapacidad de entender y plasmar, tanto ideas como conceptos, a partir de la pintura. Esta premisa me resulta útil para estudiar las múltiples posiciones creativas que han asumido algunos artistas en México durante la primera década del siglo XXI y,

específicos nos la ofrece el inquieto director de la galería Aldama Fine Art en su última exposición. a compartirles estas líneas sobre la pintura y el oficio La selección de los artistas y las obras de ser pintor en México. que representa José Ignacio Aldama, es una tarea por demás ingrata a la función La selección de obras de un director, ya que es él quien debe y artistas prueba que marcar el rumbo de su mercado y nutrir, en un mismo espacio de exhibición, las artes plásticas convergen en lenguajes y posturas que si bien pudieran ser complementarias, resultan a todas luces antagónicos; pues el ejercicio de esta galería es el de proponer un panorama más complejo que se presenta con la creación, promoción y consumo de la pintura en México hacia la segunda década de este siglo. No se trata de propuestas que dialogan bajo el supuesto de tener valores equivalentes, sino, más bien, de maneras distintas de concebir el uso de la pintura y el alcance de lo visual en la cultura contemporánea. Dicho de otro modo, las diferencias, por sutiles que parezcan, plantean Luis Argudín, Gran naturaleza muerta I, 2002, Óleo sobre tela, 180 x 180 cm disyuntivas radicales. Gustavo Villegas, Flujo sin prisa 1, 2009, Óleo sobre tela, 40 x 160 cm

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Gestión en las artes

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que el ejercicio de lo pictórico se ha visto fortalecido en la última década. Ante todo, no considero que la pintura haya dejado de estar vigente ni en el gusto de los coleccionistas, ni en el interés de los artistas. Empero, lo que si aconteció, fue la modificación de los sistemas del arte: en primer lugar, los artistas se apartaron de los historicismos secuenciales del siglo XX, ya que las filosofías del existencialismo y la postmodernidad, permitieron la evasión de una concepto progresista de la historia; de tal suerte que el artista, no necesita crear

En el aspecto técnico hay rigor en el dibujo y conocimiento en el uso del color, cualidades de una buena educación formativa. No los ubico dentro de ninguna ideología estética. Hacen valer su punto de vista, proyectan su personalidad y no parece importarles la convención de que la pintura deba de ser un ejercicio de objetividad. Tampoco percibo sus propuestas afincadas en los excesos de la condición interior del artista. Hay una suerte de asepsia estética, un territorio neutral, donde lo técnico esta supeditado y la subjetividad bien

Separando a Luis Argudín del conjunto, porque además de ser maestro en la Escuela Nacional de Artes Plásticas (ENAP) desde 1988, incluso mentor de algunos de los otros artistas, este espacio trabaja con una selección de pintores en ciernes; es decir, creadores que habiendo tenido una educación formal (la mayoría en la ENAP y dos en la Universidad de Guadalajara) han accedido ya al espacio de la creación y buscan consolidar una carrera artística en México. Casi todos se han fogueado en colectivas y han despuntado con premios, menciones y buena crítica en el contexto de las bienales y concursos nacionales, como el Encuentro de Arte Joven organizado por Aguascalientes, la Bienal Diego Rivera, el desaparecido premio Omnilife de Guadalajara y en forma más reciente, en la Bienal Pedro Coronel que organiza el gobierno de Zacatecas con gran apertura y buen tino, en un contexto donde los espacios de exhibición para los jóvenes artistas se han visto menguados: Juan Carlos del Valle, Zoomanity I (detalle), José Antonio Farrera 2006-2008, Óleo sobre tela, 40 x 30 cm Niña desnuda, 2009, Óleo sobre tela, 140 x 120 cm como la inverosímil decisión de posponer la continuidad de Artistas de la exposición: la Bienal Rufino Tamayo, por Luis Argudín (1955), Javier Guadarrama (1960), José Antonio Farrera (1964), argumentación burocrática. Claudia Gallegos (1967), Samuel Meléndrez (1969), Diana Salazar (1972), Juan De distintas generaciones, Carlos Del Valle (1975),Gustavo Villegas (1976), Elia Andrade (1977), Héctor los artistas elegidos para esta Javier Ramírez (1977), Lizzette Zaldívar (1978),Miguel Ángel Ramos (1979), muestra comparten un mismo Luis Basulto (1982), Miguel Ángel Garrido (1982), Fernando Aranda (1983), contexto cultural, aunque sus Lili Basulto, Cena, 2010, Óleo sobre tela, 120 x 80 cm Diego Narváez (1984). posiciones intelectuales se bajo los argumentos de una estética y su propuesta controlada. ¿Entonces que pintan? Pues buena pintura, expresan bajo distintas estrategias formales. Aún cuando los 16 pintores convocados son visual puede carecer de una absoluta noción de sin mayores adjetivos. El fenómeno no es exclusivo de México. Las más importantes bienales y ferias de figurativos (ninguno abstracto en sentido estricto) los originalidad. arte en el mundo no han dejado de estar exhibiendo lenguajes visuales que emplean son diametralmente opuestos. El mundo que les rodea parece ser el Segundo, la concepción de un producto de calidad en el pintura en los últimos diez años, sin embargo, la pintura referente inmediato de los temas que han elegido, mercado, avalado únicamente en el oficio y la opinión como tal ha cambiado. Se han modificado las reglas del pero su interpretación del contexto es tan personal de la crítica de arte, devino en un callejón sin salida, para juego. La pintura no debe ser historicista, es decir, no como divergente una de la otra. En algunas obras el ambas disciplinas (tanto para los pintores como para forma parte de la historia del arte y no argumenta a espectador podrá advertir una intención narrativa, los argumentos que los sustentaban). En México esto partir de las premisas de la estética; se ha evadido de como en las pinturas de Juan Carlos del Valle, Samuel se pudo apreciar, particularmente, con las tendencias las consideraciones del devenir del tiempo y, por tanto, los artistas existen en mundos divergentes y paralelos, Meléndrez y Javier Guadarrama, y sin duda en las neo expresionistas y formalistas de los años noventa. conformados por su propia visión y nutridos por un dos piezas de Luis Argudín: narrativa ciertamente no lineal pero si argumentativa. Estos artistas ponderan Tercero, la escisión y desplazamiento de la pintura que entorno cambiante, caótico, carente de referencias las virtudes de cierto esteticismo en tanto que su produjo en los mercados del arte el ascenso de los estables, en donde todo es factible de ser cuestionado, oficio se sustenta en una serie de valores técnicos y medios alternativos sustentados mayormente en la todo es ambiguo y no hay sino estructuras ambivalentes: capacidades de ejecución, atributo que hasta cierto conceptualización que en el oficio; y por último, factor la crítica y el mercado existen, sí, pero no para marcar punto también comparten Elia Andrade, Héctor Javier no menos decisivo, el ostracismo en que han caído tendencias, sino para trabajar en conjunto con los Ramírez y Lizette Zaldívar. En ellos, la pintura supone las instituciones encargadas de promover la pintura discursos del artista. un proceso de creación objetiva o es el resultado del en México. Por todo ello, sería aceptable decir que la pintura vivió un periodo de contracción, pero asimismo, En nuestro país el asunto se ha vuelto particularmente sentir anímico del artista. un afortunado proceso de reflexión cualitativa, como suicida: el joven pintor se aparta de los sistemas Esta manera de proceder con el oficio pictórico es bien me lo demuestran los trabajos de Lili Basulto, convencionales, no cree en la noción del Estado y tiene una herencia de la modernidad del siglo XX; en la cual Miguel Ángel Garrido, Diego Narváez, Fernando Aranda, razones de sobra para dudar en los programas del el artista es el ejecutor de una estética y la obra el Gustavo Villegas, Miguel Ángel Ramos, Diana Salazar, buen gobierno. No increpa al poder, pero tampoco le interesa la arena del debate frente a lo que ya considera resultado de su originalidad creativa. Dicho binomio, Claudia Gallegos y José Antonio Farrera. obsoleto. Los coleccionistas le son fundamentales, pero cuando avalado por la crítica y el mercado, accede, paulatinamente, al interés de los coleccionistas y Encuentro que estos artistas se han apartado de los no desea estar sujeto a las galerías y menos aún, al escala, en legitimidad, hacia el circuito de las galerías, las cauces convencionales y que no están insertos en las imperio del mercado del arte. Desconfía y por tanto se ferias y los espacios del arte contemporáneo, incluso dinámicas ulteriores del mercado del arte, pero no por aleja de los gremios de poder en que se han convertido en museos consagratorios, como el propio Palacio ello comparten la misma plataforma intelectual sobre el los curadores, críticos y hasta ciertos funcionarios con de Bellas Artes en la ciudad de México. Este sistema oficio de la pintura. Todos evaden una narrativa lineal y agenda propia. Empero continúa produciendo una obra había funcionó en México con éxito para un grupo de se nutren de su percepción de la realidad sin buscar la estimulante, reflexiva en su concepción sobre la imagen, artistas y marchands, hasta bien entrada la década de anécdota ni melodramas épicos o dramáticos. Parecen subversiva en su cuestionamiento sobre la realidad, los años ochenta, pero comenzó a fragmentarse hacia tener un aprecio por la vida ordinaria, por el acontecer sobre lo aparente y lo visible en el entorno que nos finales del siglo XX con la reaparición de los medios de los días, dotando a su trabajo de una virtud casi rodea, haciendo de la pintura el espacio idóneo para el alternativos y extrapictóricos que durante los años existencial. Aunque el mundo circundante es un cuestionamiento crítico del mundo que tenemos y que noventa surgieron con decididas propuestas visuales referente, las formas del paisaje urbano, la cotidianidad podemos cambiar desde la trinchera de la pintura. y aún la propia naturaleza, reaparecen alteradas sobre y conceptuales. el lienzo, alejándose de donde surgen para emerger Luis-Martín Lozano (Chicago, 1965) Historiador del arte. Aunque hubo ilusos que preconizaron la desaparición distintas, logrando capturar la apariencia de las cosas al Curador y crítico independiente. Reside y trabaja en la ciudad de de la pintura en aras de un mercado fugaz, lo cierto es subvertir su origen. México. © del texto, el autor. MEXICO

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Trayectoria

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Hacia una nueva figuración

en la pintura contemporánea mexicana Por / by José Ignacio Aldama Galerista

Miguel Ángel Ramos, Paisaje en sequía, 2009, Óleo sobre madera, 150 x 150 cm

“ He comprobado que en las nuevas generaciones de pintores existe un intenso sentimiento de búsqueda interna, pero también un afán colectivo por proyectarse hacia el futuro a través del dominio de la técnica, la disciplina, el respeto a los materiales y el compromiso con su oficio ”

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José Ignacio Aldama

l arte contemporáneo está regido por un pluralismo sin precedentes. Conviven, en un mismo tiempo, reinterpretaciones de los ismos de siglos anteriores y toda la gama de propuestas actuales, por inverosímiles que sean. Pareciera que todo es válido y que ante una falta de crítica se ha dejado al arte a la suerte del mercado. Nos hemos olvidado de ver arte y centramos nuestra atención en los valores monetarios de las obras, la especulación y la perturbación que despiertan ciertos artistas y su trabajo. Pero el propósito de esta exposición no es satanizar, una vez más, a algunas de las atroces vanguardias del arte, que ya caen por su propio peso, sino hablar de pintura y celebrar una clara tendencia en la creación artística de hoy: el regreso de la buena pintura. De la pintura pintura, como coloquialmente se le llama en el argot del arte, haciendo hincapié en el nombre repetido, para diferenciarla de la improvisada, de la que no pasa los estándares cualitativos del tácito control colectivo.

Resulta lógico que este regreso se dé, en buena medida, desde la pintura figurativa y aunque puede argumentarse que toda la pintura es abstracta, pues se abstrae de lo real en mayor o menor grado, me refiero en este caso a la que tiene un vínculo más cercano con la realidad. La que representa formas reconocibles y no exclusivamente en referencia a la figura humana, como a veces se le confunde.

En la constante búsqueda de artistas para vincular a la galería, he visitado en los últimos años más de un centenar de estudios y talleres de pintores, exposiciones, bienales y otros concursos. He comprobado que en las nuevas generaciones de pintores existe un intenso sentimiento de búsqueda interna, pero también un afán colectivo por proyectarse hacia el futuro a través del dominio de la técnica, la disciplina, el respeto a los materiales y el compromiso con su oficio. Por otro lado, he podido constatar la conexión de todo ello con el creciente público de la galería que con mayor frecuencia pregunta, contempla, exige obras de calidad, expresando el hastío y decepción ante muchas de las propuestas del mercado. ALDAMA, Fine Art Inauguración: 24 de noviembre 2010 Palacio de Versalles 100· Loc. B · Lomas Chapultepec · www.aldama.com

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Artista invitada

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La música de las esferas

Tatiana

Montoya

Por / by Luis Felipe Ortega Artista y curador

“Lo dorado representa la luz increada, la luz más allá de la luz porque es Dios” Arcipreste Martí

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atiana Montoya se enfrenta al lienzo con fuertes deseos de revolucionar el color, provocando con emoción al espectador más indiferente. Sus trabajos, aunque dentro de un informalismo poético

Si bien su obra halla en el “áureo” muchas de sus pautas de luminosidad, el brillo que se deja entrever por las suaves transparencias que matizan al metálico material, plantean dentro de la contemporaneidad un enfoque que va

Encuentro del águila, Tríptico, hoja de plata, papel sobre tela. 100 x 200 cm. 2010.

disciplina. Independientemente de lo anterior, el oro y la plata como símbolos que aluden al propio universo, al sol o la luna, al principio y fin de la vida, se establecen como un razonamiento en el campo de la estética. En su trabajo habita el deseo de unir la poética con la vida, lo onírico con lo científico, tal como se demuestra en su actual serie, la cual trata el génesis de

plano, se repite como un patrón que lo define todo: la célula y su núcleo, el planeta o el universo; una composición que invade a la forma del cuadro hasta hacerlo circular y perder sus vértices, forzando al espectador, mediante la perspectiva de profundidad, a fijar la vista en el infinito representado. En su obra, cada elemento adquiere un carácter autónomo, un peso sígnico; al mismo tiempo se trata de universos

Migrantes, Díptico, hoja de plata y aluminio sobre tela. 190 x 180 cm

controlado, encuentran en la ejecución pensada de los temas y los materiales, la forma de crear contrastes y simbolismos que captan la atención en una articulación entre la profusión colorística y la armonía compositiva.

más allá de lo tradicional, ubicándose dentro del campo de la pintura expandida al utilizar materiales sintéticos o no axiomáticos los cuales, montados sobre soportes pictóricos, conforman una apariencia que los integra a esta

la vida a partir de una visión que va desde lo micro hasta “Big Bang” Polvo de oro, cobre y latón, madera, 200 cm. DM, 2010 lo macro, desde el átomo hasta el propio cosmos, transformando relacionados, de contrapunteos en los su obra en una reflexión sobre lo que una acción cuestiona o complementa la lectura de la otra. existente y lo aparente. Asimismo, la reelaboración de la forma conocida a través de la relación existente entre la línea y el plano, le permite replantear y separar de lo imaginativo la realidad sin anularla, dejándola únicamente como punto de referencia temática, más que formal. Es así como el universo se convierte en una descarga de pintura sobre el soporte, que nos transporta a la lejanía a través de los infinitos y casi invisibles goteos de color que se ven en la superficie de la tela. Lo esférico transformado mediante su representación en anamorfosis en un MEXICO

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“Máquinas del tiempo I” , Hoja de plata/tela, 200 x 180 cm., 2010

Una combinatoria se expande redimensionando con múltiples elementos la función poética de su trabajo, que se despliega en grandes áreas y con distintos ritmos y recursos: pictóricos o no pictóricos. Su prolífica y fecunda actividad creativa la ha llevado a competir consigo misma, en una búsqueda inmoderada por encontrar expresiones propias en las que compaginen lo formal y lo conceptual. Luis Felipe Ortega (México) Artista y curador. Reside y trabaja en la ciudad de México. © del texto, el autor.

Artista representada por: Naxica, galería de arte Antonio Caso 19 · Col. Tabacalera · www.naxicagallery.com


Artista invitado

INTERNACIONAL

Animalismo: Figuras crudas e ídolos falsos

Sergio

García

MEXICO

a la luz mi insistencia sobre una presencia figurativa que me permite revelar mi inocencia a través de la dulce ternura Charles Bukowski de la violencia auto inflingida. Las figuras son como criaturas condenadas a la auto El uso de sustancias ácidas, verdes, destrucción” explica. “Tal vez todo lo anticongelante, grises de agua de trapo terrible es en el fondo algo desesperado sucio, azules de moretón de pelea de bar, que pide nuestra ayuda” hace eco Rilke. rojo de ojos inyectados, ocres de orina, amarillos de cerveza rancia, rosas de Recientemente García se ha vuelto claveles carnosos, blancos carbonizados más lúdico con su imaginería y ha de hueso y negros de tarántula en sus reintroducido el texto, una feroz descarga pinturas; se suman al óxido punzante de de poesía en intrigantes trabajos en depresión y esperanza que sus poderosas papel empapado de una sustancia tóxica con un tono verde color anticongelante. obras transmiten.

“ Cuando disminuye el espíritu, aparece la forma”

Por / by Carlos Suárez de Jesús Crítico de arte (Miami)

Cuando disminuye el espíritu, aparece la forma” éste es el poema más corto de Charles Bukowski y su meditación acerca del arte. (Este poema) recuerda a uno de los demonios internos de Sergio García llevándolo inexorablemente a comulgar con lo inefable, ciertamente, un ejercicio vano en esta era de incredulidad, pero uno al que el artista cubano-americano regresa obsesivamente y sin remordimiento para liberarse.

Bukowski fue un borracho sin vergüenza y el poeta laureado de la mala vida americana. Entendió, mejor que nadie, que nosotros, cada uno, alberga dentro de sí una adicción. Amor obsesivo, drogas, alcohol, trabajo, riqueza, apuestas, comida, cualquiera que sea la debilidad particular, García intuye que no podemos satisfacer nuestras obsesiones. Las acepta como aquellas partes rotas de la psique que nos atormentan pero también, como las fisuras que permiten la entrada de la luz en inesperados momentos de claridad. “Comenzar algo es un tremendo acto de violencia. Yo no soy capaz de comenzar. Simplemente omito lo que debería ser el comienzo”, escribió Rainer Maria Rilke en “Cartas a un joven poeta”. García ha expresado este sentimiento en el pasado declarando que su intención es la de provocar a su naturaleza animal en el nivel más crudo. “Mi trabajo no cobra vida con la intención de ser auto satisfactorio ni de jugar un papel en el mundo del arte. Simplemente me sumerjo en lo desconocido.” El pintor que quiere empezar con una pincelada perfecta odiará lo que sea que venga después. Es por eso que Rilke insiste en que el artista omita el comienzo y se percate de que uno ya está siempre a la mitad de un proceso creativo. Importante es darse cuenta que nosotros somos los responsables de nuestras propias decepciones al insistir en escoger los comienzos de nuestras historias, así como somos también, los que podemos dejar ir esta fijación. Para García no hay un principio ni un final. Se posiciona permanente en el umbral de lo liminal, sin preocuparse por lo que está frente o detrás de él. Su trabajo es auto referencial en la medida en que surge de la introspección profunda. No es una sorpresa que uno de los elementos icónicos de su léxico simbólico sea la daga. Una navaja como escalpelo que emplea constantemente en obras que pueden ser decodificadas como autopsias psicológicas llevadas a cabo sobre una superficie de enajenación e incomodidad. Sus lienzos y dibujos nos obligan a mirar oscuramente a través del vidrio. Sus figuras crudas e ídolos falsos ofrecen un potente espejo a través del cuál examinar nuestro temperamento animal más básico. Si observamos con detenimiento veremos cabezas sin cuerpo, la franca y desnuda palma de la mano extendida del artista guiándonos en su viaje interno, ángeles de alas rotas de nuestra naturaleza inferior. Busquemos en sus remolinos nuestros vanos esfuerzos por tener el control, pensamientos desordenados luchando por desenredarse mientras buscan liberarse del error.Otros elementos en su obra son los planos rectangulares que recuerdan paradójicos lugares de descanso donde uno se rinde ante la fatiga sólo para encontrarse atrapado en un ataúd. Miembros amputados y demonios con colmillos flotan en la penumbra. Rostros con ojos de tinieblas observan al espectador, viéndolo todo, desprovistos de bocas para completar sus verdades.

Moon-flower man lll, 84” x 108”, mixto sobre tela, 2010,

En un lienzo reciente titulado “Bed Man”, el artista pinta su cuerpo cansado buscando el olvido en el sueño imperturbado. La inocente y pequeña figura infantil, recostada sobre un cobertor amarillo con la cabeza acurrucada sobre una almohada con estampado de leopardo, parece penitente y perdida a la deriva, rezando. Mientras, sus pensamientos nebulosos se elevan hacia el paraíso en un grueso manojo de frases garabateadas con lápiz a través de la parte superior de la imponente composición: las peticiones de intervención divina permanecen sin respuesta; en su lugar, las palabras enredadas se transforman en una pesadilla que se arremolina en una turbulenta tempestad que azota la voluntad y los sentidos. A la derecha del durmiente atormentado, el artista coloca su marca, la huella de la palma de su mano con una herida abierta como una ofrenda de sangre que sugiere la expiación. “Todas las divagaciones de mi mente comienzan en mi sangre” nos recuerda Rilke.

Su impactante serie “Naughty girl” está impregnada de imágenes retorcidas de partes femeninas mezcladas con sus cabezas ubicuas, penes plateados erectos y chuscas odas a jugosas vaginas y hamburguesas. Se siente como un amor al arte coronado con un poco de buen y viejo rock and roll.

Es como si el rockero punk con barba gris hubiera acallado brevemente el ruido en su cerebro para sacar a golpes un ritmo infeccioso con sus pinceles en vez de tocarlo dolorosamente. García nos desafía a recordar que una juventud mal aprovechada puede también ser Las meditaciones introspectivas de García acerca de nociones de esclava para la insatisfacción en nuestros fragmentación y aislamiento en la vida contemporánea, lo han llevado blandos y perturbados tiempos. en el pasado reciente a emprender asaltos preformativos en las pieles de algodón sobre las cuales hace sus marcas. Rilke también escribió Bukowski pudo expresarlo mejor cuando “no se ha hecho gran arte sin que el artista haya conocido el peligro”, escribió:“Siempre habrá algo que arruine un pensamiento que ha llevado a este artista a atacar sus obras con nuestras vidas, todo depende de qué o el pincel y la daga, literalmente; un acto simbólico en el que confronta cuál nos encuentre primero. Siempre sus cicatrices internas, luego abre y limpia las lesiones y finalmente estamos listos y preparados para ser las cose y las sana. “Confronto asuntos personales significativos una tomados”. y otra vez. Las cortadas en el lienzo simulan heridas físicas; son vehículos para explorar la naturaleza de la purificación. Esta serie trae Artista representado por: KAVACHNINA Gallery 46 NW 36th Street · Miami · www.kavachnina.com

Carlos Suárez de Jesús (Miami) Crítico de arte independiente y periodista. Corresponsal del New York Times, reside y trabaja en la ciudad de Miami. © del texto, el autor.

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Artista invitado

NACIONAL

Paraísos al otro lado del océano

Luis

Moro

Por / by Eliseo de Pablos Curador

Sus piezas hablan de cierta universalidad: texturas y estructuras que construyen y conectan con el valor de la naturaleza como la fuerza y el origen de donde vivimos. Hubo

“Son los insectos los que viene a mi estudio” dice el artista, quien magnifica en este acercamiento evidentes verdades: la destrucción implacable y ciega de animales y entornos, de vidas y formas; y también, de su transformación y tránsito.

Microcosmos C. Técnica mixta sobre lona. 162 x 130 cm

L

uis Moro llegó de Segovia a México en marzo del año pasado. Desde entonces, y sin estar seguro de que su producción fuera bien recibida, inició una cruzada por exponer en diversos museos de la República. Sutíl y constante, las diversas muestras que ha conseguido son prueba de una experiencia que continúa viva: una positiva simbiosis del artista con un país que de alguna manera, o más bien de muchas, le está haciendo suyo. Diversas ciudades (Morelia, Querétaro, Guanajuato, San Miguel de Allende, Mérida, Mazatlán, Guadalajara, San Luis Potosí, Zacatecas, Monterrey, Oaxaca,Ciudad de México) son parte de un largo periplo que permite conocer trabajos donde el artista nos pone en contacto con mundos cercanos y desconocidos. Como un insecto que ha entrado a la casa, sus obras revelan la grandeza de lo pequeñamente infinito.

Microcosmos VI. Infografía y técnica mixta sobre lienzo 182 x 130 cm .

un tiempo en el que los animales tuvieron incluso un carácter divino. Sencillas y mínimas, las pinturas rupestres explicaron al hombre en su relación con el entorno que le rodeaba. El hombre, entre más sofisticación, les ha relegado a un segundo plano, un desequilibrio que se refleja en la sociedad y que olvida que el mundo de los seres vivos constituye por si mismo, un conjunto de paraísos elementales desde donde cada organismo se desarrolla. ¿Fascinación, admiración, curiosidad? Con una perspectiva creativa, el realismo orgánico de Luis Moro subraya la importancia de mantener un vínculo con estos paraísos en la metamorfosis de moscas, mariposas, avispas, libélulas y más, capturados en la representación pictórica.Aquí el trabajo con el pincel funciona de lente de aumento, singular herramienta que hace conciente lo prácticamente invisible. MEXICO

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Microcosmos II. Infografía y técnica mixta sobre lienzo 184 x 130 cm

Pero los animales son un pretexto para hablar de otras cosas. Las formas y los fragmentos, cualquier pequeño detalle que construya su obra, compone formas de vida en reflexiones suspendidas en la existencia de los trazos. Más allá de exponer su obra en México, Moro continúa en este país una búsqueda por otros paraísos, compromisos y libertades creativas. Por ejemplo, en Michoacán fue directamente al encuentro de las mariposas monarca, experiencia que se tradujo en el proyecto “Papaloapan”, singular exposición que ha comenzado a viajar por diferentes lugares de México al igual que otras de sus muestras. Como a un insecto, su camino le lleva ahora a transitar por todas las fronteras, artísticas y materiales, para moverse en un país sin límites, un cuarto sin paredes en el que ha entrado. Eliseo de Pablos (España) Curador, comisario y crítico de arte independiente. Reside y trabaja entre España y México. © del texto, el autor.

Artista representado en Guadalajara por: Vértice, galería de arte Lerdo de Tejada 2418 · Col. Lafayette · www.verticegaleria.com · www.luis-moro.com


Artista invitado

NACIONAL

MEXICO

Cartógrafopintorgrabadorconceptualfotógrafoinventorurbanista

Emilio

Said

Por / by Gerardo Traeger Crítico de arte y galerista

“La ciudad es el imaginario donde nuestras realidades suceden”

Cartógrafopintorgrabadorconceptualfotógrafoinventorurbanista” este término pareciera una de esas complejísimas palabras extraídas de la lengua alemana; sin embargo, se trata en este texto de una invención para intentar descifrar el trabajo de Emilio Said.

Múltiple. Transferencia sobre madera 24 cm. c/u.

Emilio Said

el amor” para luego enseñarnos como desensamblarla! En el caso de Said todo esto sucede en soportes de aluminio con pintura horneada, a veces sobre patrones de costura y en otras ocasiones en collages, fotografías, grabados y pintura encapsulada.

Siempre generando esta espacialidad “urbana” que nos es cómoda, propia y a la vez desconocida, en su obra sucede un laboratorio cartográfico y arquitectónico que percibimos como transitable, habitable, familiar: es una ciudad que podemos tomar y llevarla a cualquier parte, un recorrido que nos adentra a una zona inesperada.

urbano, en la arquitectura mental o psicogeografía que genera la ciudad. La arquitectura metafísica de Emilio Said permite transitar por todo lo que ahí sucede y descubrir cuanto se parece este espacio a nuestra realidad urbana cotidiana.

En este punto confluyen dos lecturas de la obra: el espacio transitable externo, por una parte y por otra, un espacio público aunado al campo de lo íntimo, un microambiente en el cual, la lectura sensorial de la ciudad portátil decodifica las sutilezas que suceden paralelamente en la obra y el individuo. Este espacio se centra en la percepción espacial del individuo, en su rol dentro del espacio

Francis Picabia decía: “Me gusta pasearme al azar y el nombre de las calles me importa un pepino”. Con esta estrategia iremos encontrando los objetos sin nombre que cohabitan en las calles, plazas y avenidas imaginarias que aparecen en la cosmo-cartografía de Emilio Said, la cual sólo en el mundo de lo tangible podríamos considerar bidimensional.

Su obra reciente parte de una cartografía en la que genera espacios que “recrean” mapas de ciudades imaginarias, redes de complejos industriales o simplemente planos “arquitectónicos”, los cuales soportarán una serie de elementos distribuidos a manera de un urbanismo en el que parecieran acomodarse solos y al azar; aunque esto en realidad sucede sólo a partir de la conciencia y los conceptos del artista.

Transit II. Ticket y patrón de costura sobre tela 150 x 150 cm.

En estos planos Said dibuja, pinta, diseña y reinventa una serie de objetos que surgen de nuestra memoria y de la cotidianeidad. Descompone igualmente una cafetera, una pistola o una motocicleta; y al desarmarlos, genera el instructivo de deconstrucción de un objeto que ha sido igualmente descontextualizado. ¡Pareciera que Francis Picabia hubiera decidido hacer su “Máquina para hacer

Bipolar. Pintura automotiba sobre bastidor de aluminio 200 x 200 cm.

Transit. Ticket y patrón de costura sobre tela 150 x 150 cm.

Gerardo Traeguer (México, 1965) Curador y galerista independiente. Reside y trabaja en la ciudad de México. © del texto, el autor.

Artista representado por: Traeger & Pinto arte contemporáneo Colima 179 · Col. Roma · www.traeger-pinto.com

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Año 8 · Nº 48 Noviembre - enero Dosmildiez / once

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Sección NACIONAL

Arte contemporáneo en México

Periodismo cultural e independiente

Crítica, opinión y ensayo Patrocinado por

Editor asociado: Iván Sanchezblas

Estética y Emancipación o ¿emancipación desde el arte?

L

a crítica postcolonial es uno de los pilares del pensamiento tercermundista y latinoamericano contemporáneos. Al igual que la propia condición periférica, esta perspectiva emancipatoria es todavía un proceso de interpretación intelectual en construcción; por lo tanto, lo que se pudo ver en el “Simposio Internacional en Estética y Emancipación: Fantasma, fetiche, fantasmagoría” fue el boceto de una serie de ideas, propuestas y teorías filosóficas y sociales entorno a la condición identitaria.

A manera de marco crítico en torno a las celebraciones de independencia en distintos países de Latinoamérica; en este simposio se ponderó una aproximación marxista sobre el fetiche y la fantasmagoría que buscó unificar a las ponencias de este evento dirigido por Mariana Botey, David Theo Goldberg, Cuauhtémoc Medina y José Luis Barrios. Llevado a cabo en el Teatro Juan Ruiz de Alarcón del Centro Cultural Universitario de la Ciudad de México del 28 al 30 de Octubre; por su perfil, este evento puede verse como complementario al SITAC VII del 2009 “Sur, sur, sur, sur...” dirigido por Medina. ¿Cómo opera el concepto de fantasmagoría? El término ubica en la teoría marxista a la mercancía como un fetiche e implica llanamente un proceso de sustitución de las personas y sus relaciones por los objetos que consumen. De tal modo, el objeto adquiere independencia respecto a la voluntad de sus productores en un proceso en el que éste deja de valer por su uso, adquiriendo un valor agregado que incentiva su consumo convirtiéndole así en mercancía. Este proceso, que implica la transformación del trabajo en capital; posteriormente se depura en la idea sobre la fantasmagoría desarrollada tanto por Theodor Adorno como por Walter Benjamin. Para Adorno la fantasmagoría es el ocultamiento de la producción por medio de la apariencia externa del producto (fantasma), “la realidad absoluta de lo irreal” o como Shuddhabrata Sengupta señaló en su ponencia en su alusión a este autor: la fantasmagoría implica “al fantasma de la mano de obra disecada”. Walter Benjamin complementa esta idea cuando dice: “mira todo no toques nada”; para este autor, la fantasmagoría es el fetiche seductor de la novedad, lo nuevo como espectáculo. El simposio fue dividido temáticamente para cada uno de los tres días. La siguiente es una división interpretativa posterior al mismo y trata de reflejar las constantes que pudieron verificarse durante su desarrollo: Antagonismo y resistencia

la realidad. También hizo referencia a la soledad del artista del medio oriente. Entre otros, mencionó a Shirin Neshat, Mona Hatoum, Nicky Nodjoumi y caricaturistas como el iraní Mana Neyestani o al legendario dibujante palestino Nayi al-Ali, (1936-87) famoso en el mundo árabe por ser pionero de la caricatura política y cuyo Por / by Eduardo Egea asesinato por motivos políticos quedó impune. Investigador en arte

Unidos es el país más antintelectual” e hizo referencia a la manera en que la globalización está privatizando las universidades, siendo que el modelo universitario tradicional está muerto por todo el mundo. Eduardo Subirats habló de la actual condición sitiada de la intelectualidad, donde en los Estados Unidos se quiere aniquilar el pensamiento crítico latinoamericano. Brian Holmes por su parte denunció que en los Estados Unidos existe una profunda corrupción y no se cuenta con verdaderos cambios estructurales en materia educativa, además de no existir un proyecto alternativo porque “la crisis de la izquierda es la crisis de la imaginación”. Lo anterior se explica debido a que la izquierda ha perdido su bastión en las universidades las cuales han sido tomadas por la derecha y cuentan con eficaces formas de organización y control. Algunas de las ponencias que analizaron aspectos de resistencia o antagonismo fueron: Ackbar Abbas describió de China un cruce de relaciones antagónicas simultáneas, ya que existen tanto modos de socialismo arcaico que conviven con los nuevos capitalismos como una abierta confrontación entre la China militar y la información globalizada ante la cual el estado ha perdido control. Den Xiaoping estableció entre 1978 y 1992 una serie de grandes reformas que transformaron totalmente el panorama económico, político y cultural de China. Estos cambios fueron tan profundos y avasalladores que Abbas lo describió como un estado de histeria y presentó como ejemplo histórico, el paralelo entre la aparición mediática global de China debido a la represión de la revuelta de la plaza de Tian’anmen en 1989 y la posterior difusión global de los XXIX Juegos Olímpicos de Pekín. La relación entre ambos “espectáculos” ilustra la noción de Fantasmagoría; Abbas además realizó una breve descripción de diversas obras de Ai Weiwei, uno de los más famosos artistas chinos (atacado brutalmente por la policía, su popular blog de denuncia ciudadana fue censurado) que se mueve histéricamente entre la integración y el rechazo, entre ser un provocador indeseable y un exitoso empresario, entre un paria que el gobierno reprime y un representante oficial en el contexto internacional del arte contemporáneo. David Theo Goldberg realizó una genealogía de los muros como barrera física, psicológica, social política y cultural. Los conceptualizó como “profilaxis en contra de uno mismo” y señaló el actual proceso de “privatización de la segregación” que implican los muros, circuitos cerrados y puntos de chequeo. Habló de su opacidad, pero también de cómo operan dualmente tanto como lienzos para la resistencia y la expresión, como de su banalización comercial. Hizo referencia a los muros de las prisiones en Johannesburgo y los muros en Palestina, Colombia, Irlanda, China, la frontera entre México y Estados Unidos y de cómo, desde la caída del muro de Berlín, éstos han proliferado.

Este simposio fue parcial y significativamente marcado por un espíritu antagonista a las políticas dominantes del primer mundo. O como recientemente se ha frecuentado decir: sobre el antagonismo entre el norte y el sur. Para ello se implementó una postura formal de raigambre marxista. Una frecuente serie de observaciones que revelaron el ambiente del evento fueron las declaradas, sobre todo, por parte de tres especialistas acerca de Hamid Dabashi habló de la soledad y su efecto la situación universitaria y académica en los Estados emancipador. Su interpretación fue más bien poética como cuando utilizó la figura del “embarazo como Unidos. momento supremo de soledad” y de cómo existe un aura Hablando desde su experiencia como académica, de soledad en el artista y su obra, ya que los creadores Gayatri Chakravorty Spivak declaró: “Los Estados van más allá de las circunscripciones políticas y de MEXICO

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Zita C. Nunes expuso cómo a través de los procesos de integración y formación de las identidades nacionales, suele haber también ejercicios de exclusión. Para ilustrar este fenómeno la autora habla del “canibalismo democrático” o de ¿quién se come a quién?; por medio del cual se detectan una serie de rasgos de lo que ha sido excluido. Mencionó, por ejemplo, cómo “el negro como negro” es considerado como una identidad remanente del “blanco como blanco”, cuestión que se conjuga con la sensación de sentirse extranjeros que tienen muchos afroamericanos, Puso en contexto histórico esta mecánica al analizar el mito en la creación de una identidad nacional en Brasil y cómo la “ideología del blanqueamiento”, finalmente implica una excluyente construcción de una nacionalidad brasileña blanca. Michael Hanchard dio una versión particularmente escéptica de la inserción de los afroamericanos a través de su cabal juego de las reglas del capitalismo. Este autor mencionó cómo en el marxismo el arte está vinculado a la cotidianidad y cómo para los afroamericanos la música es una liberación en común. Citó a Lukács y Althusser, para quienes el arte es imposible en el capitalismo; el punto central de ésta demostración fue la proyección de un fragmento de ocho minutos de la película de Milos Forman, “Ragtime” (1981). Ambientada en 1906, da cuenta de las vicisitudes del exitoso y pacífico pianista afroamericano Coalhouse Walker, quien es detenido por bomberos racistas los cuales quieren cobrarle una cuota por transitar con su lujoso Ford modelo T frente a la estación local. Walker se conforma, busca a un policía y cuando regresa con él, su auto tiene excremento en el asiento. El policía le pide que no le de importancia y se vaya con su auto, él se niega y exige que lo limpien sus agresores. Walker termina detenido y eventualmente es asesinado a tiros. El fragmento es una metáfora de la imposibilidad de emancipación de los marginados a través de jugar las reglas del capitalismo, concretamente, a partir de la fantasmagoría fetichista implícita en los objetos. Propuestas en la toma de acciones Las siguientes son algunas de las ponencias que de manera explícita o latente desarrollaron propuestas de toma de acción. Algunas conllevan desde el cambio de actitudes viciosas hasta propuestas metodológicas más formales. Ejemplo de ello fue la revisión que Suely Rolnik hizo sobre la antropofagia brasileña como una alternativa de resistencia en la que la experimentación, la ruptura de reglas y la incorporación del “otro” se funden en un caos creativo. Néstor García Canclini realizó una breve descripción de las relaciones de poder globales. El argumento dominante: las tensiones entre transparencia y opacidad en las relaciones de poder social. El estrecho vínculo entre consumo y cosificación; así como el fetichismo que genera el encubrimiento ideológico de las relaciones de poder, cuyo resultado es una gran incertidumbre social. Para responder a este contexto opresivo y sistemático, el individuo tiene que localizar los intersticios por medio de los cuales pueda insertarse. Para Canclini este proceso de emancipación no debe producirse sólo a través del antagonismo con el sistema, sino gracias a la localización de sus continuidades y contradicciones.


NACIONAL Brian Holmes habló sobre las Cartografías de la Emancipación y de su proyecto de la “Deriva continental“. El proyecto, lanzado en el 2005, se ilustra a través de una de sus versiones, un “mapa”, un diagrama que pretende una nueva cartografía política, una inversión del sentido de neoliberalismo que analiza la emergencia del mercado europeo bajo el siguiente esquema: el primer lado del impreso era un haz de relaciones de la remodelación entera de un continente y se refería a la descripción de entidades supra estatales que establecen normas técnicas, ideológicas y de conocimiento las cuales determinan la productividad y la tenencia de la tierra y los bienes. Del otro lado del papel se dispuso una imagen describiendo diversas fuerzas contestatarias.

Crítica, opinión y ensayo lo entendemos vinculado a un entorno específico como el de los museos, galerías o la historia del arte, tuvo un lugar complementario – o incluso secundario – respecto a lo propuesto en las ponencias. El siguiente recuento de los proyectos analizados, mas bien da cuenta de la desaparición de las fronteras entre la visualidad en el contexto socio-político y la visualidad especializada del arte contemporáneo; ruptura de fronteras que permite entender lo visual como un fenómeno cultural común a cualquier integrante de la sociedad.

Jesús Ruiz Durand es un artista que diseñó carteles durante la Reforma Agraria del Perú en los sesenta. Su obra buscaba enaltecer al indígena por medio de la mezcla de referencias al Pop Art, al Op Art y a las Lo interesante de esta propuesta es la manera en que estrategias de diseño soviéticas y cubanas. El logo del acerca a teóricos, artistas y activistas para describir la simposio es una adaptación de su trabajo. situación geopolítica de las regiones a partir, no de la unificación del mundo, que implica un caos financiero, Nelly Richard se centró en las obras “Estadio Chile I, laboral o ecológico; sino a partir de una visualización de II y III” de Lotty Rosenfeld, integrante del grupo CADA las fallas y las grietas. Según Holmes emanciparse es un y que buscó con estas obras revivir la memoria de los proceso de apropiación y conjunción de ideas y actos, desaparecidos por la dictadura de Pinochet a través de aunque paradójicamente, en su fugaz participación en diversos sonidos, la mayoría humanos, proyectados el simposio, Renato González Melo, a partir de una en lugares como el estadio Víctor Jara, escenario de serie de ejemplos históricos, planteó que la creación de múltiples ejecuciones. Con esta acción la artista crea generalidades como los diagramas de flujo (utilizados un profundo vinculo entre el inconsciente colectivo y la por Holmes) o las obras de arte son, en cuanto memoria histórica; de l mismo que la pieza “Cantuta” herramientas de interpretación científica de la historia, de Ricardo Wiesse, obra que implicó una intervenciónseñalamiento durante 1995 en las fosas de Cieneguilla, simplificaciones, manipulación o llana propaganda. sitio donde el gobierno pretendió ocultar los cadáveres Suddhabrata Sengupta se refirió a la fantasmagoría de de nueve estudiantes y un profesor de la universidad de los aspectos poéticos del arte manifiestada en la relación La Cantuta, en Lima, Perú. entre el efecto anestésico del tiempo y la influencia del arte en la memoria. Habló sobre las piezas objetuales Gustavo Buntix analizó esta pieza y planteó sobre esta del colectivo al que pertenece (Raqs Media Collective) acción el cómo los desaparecidos emergen a manera de las cuales ponderan el arte sobre el poder del tiempo. una categoría psico-cultural: el desaparecido se revela “Ser parte de lo frágil es nuestro contrapunto con el como un fetiche fuertemente cargado con el mito del retorno y la resurrección. Este autor también habló de la poder. Dudar es pensar sobre lo frágil”. pieza “Sarita Colina, 1980” del colectivo E.P.S. Huayco, Luis Camnitzer desarrolló una ponencia en donde importante obra sobre la migración que cooperó a sacar dominó la distinción entre geografía e infografía (muy el arte peruano de los museos y galerías. en el tono planteado por el sociólogo francés Pierre Bourdieu). Según Camnitzer, lo geografíco implica a Marcelo Expósito realizó una revisión rica en imágenes las cosas concretas con una relativa inmovilidad; por el del famoso “Siluetazo de septiembre de 1983”, acción contrario, lo infográfico es el flujo de información e ideas ideada por artistas formales y ejecutada por cientos que traspasan las fronteras y establecen dinámicas de de argentinos que plasmaron su silueta en papeles interacción y diseminación. Así, este autor y artista dispuestos en los muros de la Plaza de Mayo para señaló: “El arte puede hacer conexiones subversivas e recordar a los 30,000 desaparecidos por la dictadura militar. En el contexto de este simposio fue estrenado inesperadas”. su filme “143.353 (Los ojos no quieren estar siempre Eduardo Subirats, fiel a su espíritu desencantado, ejecutó cerrados)”, en el cual el artista busca establecer una una rápida revisión del estado actual de la relación entre genealogía de las imágenes manipuladas por el poder la censura del primer mundo y la condición sitiada de la en España para justificar su violencia y la subversión intelectualidad; empatando el actual colapso social con de esta lógica por medio de la memoria. Así, Expósito el intelectual, donde la sociedad del espectáculo encubre ejecutó un recorrido sobre la emergencia en el Barroco la violencia que recibe. Durante su ponencia se centró del Santo Patrón de España, Santiago Matamoros, en el concepto europeo de iluminación (iluminismo), pasando por el Guernica de Picasso y el Pabellón construcción histórica y cultural que fragmentó la Republicano en la Exposition Internationale des Arts et creación de conocimiento y se utilizó como herramienta Techniques dans la Vie Moderne de 1937 en París, hasta de colonización y dominio. Observando que no existe el actual Movimiento de la Recuperación de la Memoria un equivalente en español, opta por la voz portuguesa Histórica, que ha logrado la exhumación de miles de de “esclarecimento”, que implica la acción y efecto de cadáveres desaparecidos por la dictadura franquista. aclarar, explicar e informar. Concluyó su ponencia al dejar entrever que la posibilidad de una emancipación Conclusiones radica en enfrentar el esclarecimiento del conflicto entre Este simposio trae consigo una revisión de las teoría, reflexión y distribución del conocimiento. manifestaciones visuales entendidas no sólo como una rama especializada del arte contemporáneo; sino como La emancipación de los límites estéticos una construcción cultural e integral. Así, este evento Este fue un simposio donde hablar del arte, tal y como buscó dar al respecto un paso más en la elaboración

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de una filosofía y postura crítica desde Latinoamérica y la periféria. Sin embargo, esto genera una serie de consideraciones: En México tuvimos experiencias como el Muralismo y la Escuela Mexicana de Pintura que lograron responder a un entorno posrevolucionario, donde la necesidad de unidad geopolítica trató de materializarse visualmente a través de un incipiente nacionalismo cuyos resultados estéticos se incorporaron fuertemente al imaginario colectivo. En el momento actual la noción de Estado-Nación se ha pulverizado y ante la compleja diversidad cultural, política y económica del país, ¿qué pertinencia tiene un encuentro que pretende por medio de una decidida vocación critica plantear una serie de reflexiones sobre la estética y la emancipación? Las posibilidades del simposio pueden ubicarse en dos sentidos: · Es una manera de cooperar a establecer un dique contra la avasalladora presencia del mundo del arte del primer mundo el cual ha impuesto un tipo de visualidad global estandarizada. · Como ya se aludió anteriormente a través de las descripciones de las ponencias de Ruiz Durand, Buntix, Expósito o Richard, existe un tipo de visualidad que va más allá del mundo especializado del arte que busca convertirse en un fenómeno visual y cultural integral. Otros ejemplos en este sentido, son las prácticas visuales multidisciplinarias que han desarrollado algunos artistas donde se involucran otras áreas de conocimiento (ejemplo de ello son las propuestas de Minerva Cuevas, Tomás Saraceno, Liam Gillick, etc.). Incluso han llegado a verse ciertos rasgos formales atribuidos al arte actual en las calles como los involuntarios performances hechos por obreros o campesinos; tal es el caso de la organización de los 400 pueblos, cuyos integrantes han realizado marchas desnudos, así como manifestaciones donde la gente se crucifica en protesta o arroja su propia sangre a edificios gubernamentales. De tal modo, que este simposio es coherente con la actual explosión de artistas que buscan crear arte socialmente participativo que conlleve un acercamiento a la comunidad por medio de propuestas visuales que involucran tópicos sobre la vivienda, la ecología, las problemáticas políticas. Los jóvenes buscan así reencontrarse con un sólido rigor creativo e intelectual, proponiendo para ello rebasar o incluso desechar su filiación con el mundo del arte contemporáneo, efecto particularmente potenciado justo después de la caída del mercado del arte en octubre del 2008, y que reveló a gran parte del escenario del arte contemporáneo global como un mundo pletórico de banalidades y avaricia. Sin embargo el arte contemporáneo especializado como el que se ve en galerías o museos también forma parte de las experiencias visuales de la sociedad. Algo de lo que nunca se habló en este simposio fue de la necesidad actual de revisar, no la creación de conocimiento interpretativo como el que realizan los teóricos, curadores o historiadores, sino del conocimiento creativo que producen los propios artistas desde latinoamerica o la periferia ubicando así, cuales han sido sus alcances y repercusiones, no sólo en su entorno local, sino globalmente.

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Arte al dia Mexico Ed 48  

Arte al dia Mexico Ed 48

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