ÍNDICE CAPITULO 1: ........................................................................................................................................ 3 CAPITULO 2: ........................................................................................................................................ 6 CAPITULO 3 ...................................................................................................................................... 11 .......................................................................................................................................... 16 Los Artistas del Realismo:.............................................................................................................. 19 Gustave Courbet (1819-1877): .................................................................................................. 19 Jean-François Mollet (1814-1875): ........................................................................................... 19 Honoré Daumier (1808-1879): .................................................................................................. 19 ................................................................................... 20
CAPITULO 1:
VER LA OBRA DE ARTE ANTES DE MIRARLA El significado de la obra de arte Para comprender una obra de arte es necesario analizarla a partir de 3 niveles de significación ➢ ➢ ➢
La motivación que impulso a sus autores a crearla Las vigencias que conservan a través del tiempo a sus cualidades La visión del mundo particular del contexto histórico en el que se realiza
El valor de la obra en su época Las dos imágenes de esta página son representativas de su época. Es decir, el contexto histórico en el que se produjeron constituyen en primer nivel de significación para comprenderlas. La inmaculada concepción de María es ejemplo de un tema que se destaca de modo singular a partir del Concilio de Trento, echo histórico en el que subraya, de forma apasionada, las virtudes de la Virgen y, sobre todo, su maternidad virginal, lo cual se dio como respuesta a la postura protestantismo que no cree en su divinidad.
La obra de Kasimir Malevic, por su parte, se ubica en la etapa de experimentaciones en el campo de la pintura que desembocara en el desarrollo de la abstracción. Para esta corriente no fue suficiente con haber liberado el arte de toda referencia temática y objetiva; en su afán por convertirlo en lo más puro de los lenguajes, en pura pintura de manera progresiva restringió las formas a elementos geométricos cada vez más sencillo y en el menor número y el color a tonos básicos muy determinados, sin mezclar. Al final el proceso se convertirá en un ejercicio del misticismo pictórico en el que solo se requiere la pureza total, cuyo último escalón no podía ser otro que este cuadro blanco, es decir ¡La desnudez total, la esencia, la nada, el todo!
Motivación del creador: un tercer nivel de significación de la obra artística lo ofrece la identificación de las necesidades materiales, espirituales o de otra índole que en su momento llevaron a su creación La vigencia de la obra: un segundo nivel de significación para entender la obra arte se crea a lo largo del tiempo de ésta y los espectadores de las distintas épocas. Influye en primer término la propia calidad de la obra y la capacidad de la sociedad para valorarla y disfrutarla. El oficio histórico del arte: la tarea primordial del experto es valorar histórica y artísticamente la obra. Un trabajo de estudio lo cual constituye la esencia de su misión profesional. Aunque también figuran entre sus competencias difundir el valor de la obra y procurar su adecuada conservación.
Educando la sensibilidad
El arte como Símbolo El arte se aprecia como símbolo cuando la imagen tiene un segundo significado además de lo visual. Lo simbólico no solo representa un significado de algo, sino que al representarlo da la idea de tenerlo presente.
El arte y la historia Es el relato de la evolución del arte a través del tiempo, se pretende exaltar propagar o divulgar un hecho histórico o cualquier actividad realizado por el ser humano con finalidad estética o comunicativa a través de sus ideas de expresar sus ideas y emociones, o generan una visión del mundo, empleando diversos recursos.
Arte y sociedad Con frecuencia, el arte se asocia un sentido propagandístico de un determinado poder político, religioso y económico que influyen de manera visual en la sociedad. El arte se relaciona con la sociedad en cuando la observa, la analiza y construye para ella unos lenguajes que la muestran en sus aspectos constitutivos relevantes incorporando en esta que hacer necesidades funcionales. El arte y sociedad viene desde el principio de la vida, el arte contribuye al cambio social a través de diferentes expresiones artísticas.
Arte y religión La relación entre arte y religión es evidente. A través de las obras artísticas, los poderes religiosos buscan provocar al espectador un sentimiento de devoción y fervor místico en consonancias con las creencias concretas de una doctrina determinada, El arte ha estado ligado desde sus orígenes a la religión, tomando en consideración que el Arte Religioso. Este tiene sus origines desde la época pre-romántica hasta el neoclasicismo en el siglo XIX. Como podemos observar apreciar en las imágenes plasmadas en diferentes expresiones artísticas en el mundo, la religión ya está presente en todos los tiempos de la historia del arte siendo con fuente inspiración.
CAPITULO 2:
Se llama arte prehistórico a las distintas manifestaciones ornamentales, funerarias y religiosas elaboradas por el ser humano durante la prehistoria que han sobrevivido a los siglos para llegar hasta nosotros. En esta categoría entran tanto las pinturas rupestres del cuaternario, como el arte paleolítico o las construcciones megalíticas (también llamadas ciclópeas). Sus yacimientos se encuentran generalmente en cuevas de asentamientos primitivos. Estos en su mayoría, se han ido descubierto hasta ahora en el continente europeo, aunque también existen importantes yacimientos arqueológicos en África, Asia y América. El arte prehistórico en sus distintas acepciones fue consecuencia de la expansión y diversificación de la especie humana a lo largo del planeta, dando origen así a culturas y civilizaciones muy distintas. Cada una de ellas tenía una visión propia, aunque primitiva todavía del mundo y de sí mismas.
Todo tallado en madera, sílex, hueso o piedra, o pintado en esta última mediante polvo de hemetita y otros pigmentos similares. Presenta siempre un profundo significado religioso, ya que lo místico o mitológico era un componente fundamental de relación del ser humano con la realidad circundante. Características Tiende siempre a la abstracción, la estilización, el simbolismo y el esquematismo, alejándose de las pretensiones realistas. En el caso del arte rupestre, se hallaba en las paredes externas o superficiales de las cuevas y representa escenas de caza o símbolos indescifrables.
El arte prehistórico abarca tres grandes períodos cronológicos, los mismos en que se subdivide la Edad de Piedra: ➢ ➢ ➢
Paleolítico Mesolítico Neolítico
Arte paleolítico. El más antiguo y primitivo de todos, consiste en su mayoría en pinturas y relieves realizados con las manos o con instrumentos de piedra, mediante técnicas rudimentarias o empleando pigmentos extraídos de minerales molidos.
Pintura del paleolítico se le ha denominado pintura franco-cantábrica porque su radio de extensión abarca el sur de Francia, la pintura parietal (arte rupestre) o arte mural se desarrolló durante el largo periodo del paleolítico superior. Entre los principales yacimientos pictóricos pueden citarse las cuevas francesas de Lascaux, Niaux, Trois Freres y en especial las de Altamira en Santillana de Mar, España, junto con otro conjunto descubierto en este país, como El Castillo la Pasiega en Cantabria, Cándamo en Asturias.
Técnica de la pintura parietal
Técnica
Soporte Materiales
Soplado: pulverización de pigmentos mineral y soplado a través de un hueso roto Delineado con la yema de los dedos sobre la superficie Taponado se impregna una esponja vegetal con el aglutinante de pigmento vegetal o mineral y se tapona la superficie pictórica. Los soportes son puramente variando según su orografía de la zona: paredes o techos de cuervas y bloques de piedra Fueron pigmentos minerales como óxido de hierro, carbón, arcilla y pigmentos vegetales como la clorofila de diferentes plantas.
Algunas de las piezas más célebres de arte prehistórico descubiertas son:
• Las pinturas rupestres de la Cueva de Altamira. Ubicadas en España y provenientes de distintas ocupaciones humanas de las cuevas durante el Paleolítico Superior, muestran una serie de signos e ilustraciones de animales, como bueyes o antílopes, así como restos de piedras empleadas para moler el pigmento con que se trazaron en las paredes y los techos.
La cueva de Lacaux en Francia, fue descubierta el 12 de septiembre de 1940 por cuatro adolescentes, Jacques Marsal, Georges Agnel, Simon Coencas y Marcel Ravidat, que se encontraban buscando al perro de este último, de nombre Robot. El acceso a la cueva para el público se facilitó tras la Segunda Guerra Mundial. Sin embargo, hacia 1955, el dióxido de carbono producido por los 1200 visitantes que la cueva recibía al día dañó la misma visiblemente. Por este motivo la cueva fue cerrada al público en 1963 y así preservar el arte rupestre de sus paredes. Después del cierre, las pinturas fueron restauradas.
Tipologías de la figura parietal Las tipologías en sí, las podemos diferenciar según el avance del significante y significado de lo que se pretende representar. Lineal: Representa sesgadamente las formas del animal o ser humano Macroesquemática: Representa actividades cotidianas humanas, así como utensilios y herramientas de caza o ajuares. Antropomorfa: Representa por medio de signos, conceptos religiosos o códigos herméticos solo inteligibles por la elite de la comunidad. Las primeras esculturas Las más importante es La Venus de Willendorf. Fue tallada en piedra en algún momento del Paleolítico, entre el 28.000 a 25.000 a. C. Esta figurina de piedra hallada en 1908 en Willendorf, Austria, representa a una mujer desnuda, de senos y sexo notorios y abultados, tallada en piedra caliza y pintada con ocre rojo.
El arte del Mesolítico Existen muestra de pintura de este periodo en la franja del levante español, que va desde Cataluña hasta Valencia, sus principales características son: ➢ ➢ ➢ ➢ ➢ ➢
Se localizan en zonas consideradas abrigos naturales (barrancos) Tiene carácter descriptivo Presentan un estilo esquemático Estar realizadas en un solo color Muestran figuras humas con una clara diferenciación de sexo Se distingue también una jerarquización social entre los representados
El arte de Neolítico Grandes enterramientos colectivos que posee un sentido religioso, fueron elaborados a partir del tercer milenio A.C. Los principales tipos de construcciones megalíticas son:
Menhir contruido en una piedra en forma vertical
Cromiech consiste en menhires colocados de manera circular
Dolmen construido en dos megalitos verticales sobre los que se sitúa uno horizontal
Cuevas formadas por una sucesión de dólmenes
Arte de la Edad de Bronce (3000-1200 A.C.) El mejor ejemplo del arte de la edad de bronce apareció en la cuna de civilización, alrededor del Mediterráneo en el cercano Oriente, durante el surgimiento de Mesopotamia. La aparición de ciudades, el uso de idiomas escritos y el desarrollo de herramientas más sofisticadas condujeron a la creación de una gama más amplia de cerámica. Otro arte de la edad de bronce incluía estatuas, esculturas y pinturas de dioses. Durante este período el arte comenzó a asumir un papel importante en la reflexión de la comunidad, sus gobernantes y su relación con las deidades que adoraba.
CAPITULO 3
Renacimiento
El arte renacentista fue un movimiento artístico que surgió en Italia en el siglo XIV, durante la transición entre la Edad Media y la Edad Moderna, y se destacó por su interés en el saber de la razón y en los valores clásicos de la antigua Grecia. La colonización de América y el fin de la época medieval cambiaron la comprensión de la realidad. El hombre comenzó a creer en su propia individualidad, en su propia mente y en las ilimitadas posibilidades del conocimiento. El movimiento surgió en un contexto de prosperidad económica y de desarrollo de nuevas tecnologías como la imprenta, que impactó de manera directa en la difusión del conocimiento, las artes y la filosofía. Se destacaron artistas como Leonardo Da Vinci, Miguel Ángel y Rafael.
➢ ➢
➢
Recuperar aspectos de la cultura clásica greco-romana, como la armonía y la proporción como ideal de belleza, además de los temas mitológicos. Basarse en el concepto del ser humano como centro de todas las cosas, en lugar de considerar a Dios como centro del universo (si bien el arte renacentista tomó como figuras principales a los ángeles, a los apóstoles y a Dios). Debilitar a la Iglesia, que perdió poder social ante la nueva concepción de la razón como el centro de todo. Predominaba la idea de razón por sobre la fe.
➢
Considerar al sufrimiento humano como consecuencia de la ignorancia. Sostenía que el conocimiento conducía a la felicidad del hombre.
➢
Buscar la perfección, simetría y proporción en las líneas, tanto en la pintura como en la escultura, para representar el cuerpo humano. Considerar las artes plásticas como forma de expresar conocimientos de geometría, matemática, anatomía, botánica y filosofía. Abordar temas como la mitología, la historia, el cuerpo humano y la naturaleza. Emplear la técnica de la pintura al óleo en la pintura sobre lienzo. Crear el ensayo, un nuevo género en la literatura.
➢ ➢ ➢ ➢ ➢
Incorporar el mecenazgo, durante este período las figuras importantes y poderosas de la época (reyes, príncipes y nobles) realizaban encargos para la decoración de iglesias u otras construcciones de importancia.
La pintura renacentista se caracterizó por la perfecta representación de los detalles, en cuanto al balance, la armonía y la perspectiva, en base a la observación del artista. Surgió el concepto de perspectiva y punto de fuga para la concepción de los espacios. La nueva técnica al óleo sobre el lienzo, que predominó sobre la clásica pintura al temple o témpera de secado rápido, permitió perfeccionar el efecto de las luces y las sombras, permitiendo alcanzar mayor realismo en los retratos y cuerpos desnudos. Se destacaron artistas como Masaccio, Paolo Uccello, Fra Angélico, Piero Della Francesca y Sandro Botticelli, que emplearon diversas técnicas. A partir del siglo XVI se destacaron las obras de Leonardo Da Vinci, Rafael Sanzio y Miguel Ángel Buonarroti.
En este período se distingue por el estilo gótico se combina con elementos de mudéjares. Sus fachadas se dividen en tramos horizontales que se decoran con columnas, medallones y escudos heráldicos y decoración floral y animal. Los personajes destacados son los siguientes: ➢ ➢ ➢
Filippo Brunelleschi, Miguel Angel, Donato Bramonte.
La escultura y la arquitectura renacentistas se inspiraron en las antiguas culturas griega y romana, en especial, por el nivel de detalle y realismo. Buscaban romper con el estilo gótico y se basaron en la perfección de las representaciones, a través de cálculos matemáticos y geométricos para obtener proporciones reales. En la escultura se destacaron los detalles perfeccionistas y proporcionales del cuerpo humano debido a que los artistas adquirían, cada vez más, conocimientos sobre anatomía, física y matemáticas, además de la observación. Las obras solían ser plasmadas en mármol y bronce. Los más reconocidos escultores y arquitectos, entre otras especialidades, fueron Miguel Ángel y Donatello.
Principales artistas del renacimiento Artistas Miguel Ángel Arquitectura León Bautista Alberti
• • • •
Filippo Brunelleschi
• • •
Lorenzo Ghiberti
• •
Miguel ángel
• • • •
Escultura
Donatello
Alberto Durero Pintura Leonardo Da Vinci Sandro Boticelli
• • • • • •
Obras The pieta David (1504) Santa María Novella en Florencia San Andrés de Mantua en Florencia cúpula de la catedral de Florencia Hospital de los inocentes en Florencia Palacio Pitti en Florencia. Santo Stefano Tabernaculo de los lineros Tondo Doni (1506) Baco (1497) Gattamelata Profeta abacuc Libre Joven Gran mata de hierba Mona Lisa La ultima cena El Nacimiento de Venus La primavera
Principales artistas del barroco Artistas Carlo Maderno
• •
Arquitectura Francesco Borromini
• •
Giovanni Lorenzo Bermini
• •
Obras Palacio Barberini Iglesia de Santa Susana Palacio Spada Oratorio de Filipinni Fuente de los cuartos ríos Saint Peters Square
• • • • • •
La sexta angustina Santa Teresa de Jesus La crucifixion El Milagro del pozo Jesus de la pasion Santo niño cautivo
Rembrandt
• •
Caravaggio
•
Diego de Velásquez
• • •
La ronda de noche La tormenta en el mar de galileo La vocacion de san mateo Judit y Holofernes Las meninas Venus del espejo
Gregorio Fernández Escultura Alonzo Cano Juan Martínez Montañez
Pintura
A lo largo de los siglos XVII y XVIII, los artistas y arquitectos europeos adoptaron un estilo cada vez más ornamentado. Conocido como Barroco, este enfoque se caracterizó por una estética recargada que busca asombrar y despertar una sensación etérea. Hoy en día, el periodo barroco sigue siendo uno de los movimientos culturales más célebres de la historia del arte occidental. Aquí echaremos un vistazo a la historia y evolución de esta extravagante corriente artística y arquitectónica. El periodo barroco coincidió con el Renacimiento italiano, por lo que no es una sorpresa que los dos movimientos compartieran algunas similitudes estilísticas. Tanto los artistas del Renacimiento como los del Barroco emplearon el realismo, colores intensos y temas religiosos o mitológicos, mientras que los arquitectos que trabajaban en ambos estilos favorecían el equilibrio y la simetría. Sin embargo, lo que diferencia al estilo barroco de su contraparte renacentista es su extravagancia, una característica presente tanto en su arte como en su arquitectura.
➢ ➢ ➢ ➢
Entre las características artísticas de esta época se encuentra la abundancia de elementos decorativos, e imitación de la naturaleza. En este estilo se emplearon todo tipo de trucos para crear una ilusión visual de formas y movimientos. Prosperó desde 1600 hasta 1740 mitad del siglo XVII y XVIII. Durante esta época tuvo lugar la creación de nuevos géneros musicales como la ópera, oratorio, cantata, sonata, concierto y la comedia nacional.
Si bien los temas e incluso el estilo pueden variar entre las pinturas barrocas, la mayoría de las piezas de este periodo tienen un elemento en común: el dramatismo. En la obra de pintores famosos como Caravaggio y Rembrandt, su interés en la teatralidad se materializa en intensos contrastes entre la luz y la sombra. En la pintura se plasma la realidad tal y como se ve con limites imprecisos, se caracterizaron por su composición radical. El color se convierte en el principal protagonista de la pintura. Estética tenebrismo que consiste en el choque violento de la luz contra la sombra Estética eclecticismo que trata de salvar el gusto clásico dentro d la nueva norma, es estética decorativa efectiva a la vista y teatral. El dominio de la tercera dimensión, del volumen y la profundida, es absoluto.
Escultura Las esculturas figurativas de bronce y mármol producidas durante este periodo muestran un interés por el dinamismo. A través de siluetas torcidas y prendas que fluyen, escultores como Bernini pudieron evocar el movimiento. Otros elementos como fuentes de agua a menudo realzaron este enfoque teatral. Se caracteriza por su fuerza, monumentalidad y por su movimiento compositivo. Se impuso el realismo en las representaciones, todos los detalles del cuerpo humano se presentaron minuciosamente. Se dio mucha teatralidad a los gestos y hubo interés por plasmar la psicología de los personajes. La técnica en la escultura fue muy variada.
Al igual que el arte de esta época, los interiores barrocos transmitían un interés por una estética exagerada. Los muebles y otras piezas de arte decorativo frecuentemente presentaban diseños estampados que recuerdan al follaje en espiral, así como otros elementos inspirados en el mundo natural. De forma similar, los putti—motivos ornamentales en forma de Cupido—adornaban comúnmente tapices y pinturas en los techos. Se caracteriza por el uso de la curva, hace uso de columnas salomónicas que dan una sensación de movilidad. Existe abundancia de decoración y adornos en fachadas e interiores. Utiliza materiales ricos para dar la sensación de ostentación. Entra los conceptos de dinamismo y la teatralidad
El realismo es una tendencia artística europea que se enmarca, aproximadamente, en la segunda mitad del siglo XIX, y que aspira a reflejar la realidad cotidiana de modo objetivo. La burguesía revolucionaria el movimiento que impulso a lo romántico en la clase social dominadora, y tiene hacia postulados más conservadores imponiendo una nueva visión de la vida y del ser humano. El realismo surge después de la revolución francesa de 1848. El descanto por los fracasos revolucionarios, hace que el arte abandone los temas políticos y se concentre en temas sociales.
➢ ➢ ➢ ➢ ➢
Reproducción exacta y completa de la realidad social. Todos los temas pueden ser objetivo de atención por parte del escritor, desde lo más heroicos hasta los más humildes Las obras reparten su atención por igual a los personajes y a los ambientes sociales. Saca a la luz los pensamientos más íntimos de sus criaturas y no duda en dirigirse al lector por comentar sus comportamientos. El estilo sobrio, preciso y elaborado La meta del realismo no es la belleza, sino la verdad, y, por tanto, el conocimiento de la realidad.
El principal artífice del cambio fue Corot y tras él la escuela de Barbizón cuyos pintores intentan plasmar en la tela la realidad del paisaje francés. Corot no se deja llevar por la interpretación de la naturaleza propia románticos, sino que ve la naturaleza tal como es.
Se caracteriza por ser la más ajustada aproximación a lo natural, el principal representante de la corriente realista impresionista fue Auguste Rodin. (Imagen del pensador)
Los Artistas del Realismo: Gustave Courbet (1819-1877): es el pintor realista que mantiene un compromiso político personal más firme. Como Delacroix, cree que la pintura es un instrumento muy eficaz en la lucha para defender sus ideas.
Jean-François Mollet (1814-1875): es una de las figuras más discutidas del realismo francés. Su pintura tiene un atractivo indudable que le ha hecho ganar el favor del público.
Honoré Daumier (1808-1879): es otro de los grandes del arte realista. Era pintor, escultor y caricaturista; y en todas sus facetas se mostraba como un observador agudo de la realidad, dispuesto a criticarla con dureza, aunque también con un punto de ternura.
El romanticismo es un movimiento artístico y literario que surgió en la transición del siglo XVIII hacia el siglo XIX en Inglaterra, Alemania y Francia, y desde allí se extendió a todo el mundo occidental, incluido el continente americano. Sus obras expresan estados de ánimo, sentimientos y a la intensidad emocional. Descubre paisajes y disfruta en la exaltación del pueblo, de la libertad, del patriotismo y de la nacionalidad. El tema predilecto de los pintores románticos son los paisajes, en su aspecto más salvaje y misterioso, reflejan la lucha de la humanidad por la supervivencia frente a la naturaleza. También se pintan cuadros con temática exótica, dramática, melancólica y se hablan de os temas de política y revolución.
➢ ➢ ➢ ➢ ➢
Rechazo al neoclasicismo y a la ilustración Exaltación de los sentimientos y la subjetividad Rebeldía ante las reglas del arte de la literatura Culto del yo y el individualismo Valorización de la originalidad
➢
La literatura, al igual que la música, se percibía como un arte de interés público al colindar con los valores del creciente nacionalismo;
➢
Defensa de la supremacía cultural de la lengua vernácula a través de la literatura nacional;
➢
Incorporación de la herencia popular a los temas y estilos de la literatura como desafío frente a la cultura aristocrática y cosmopolita;
➢
Aparición y desarrollo de la ironía romántica;
➢
Valoración de la poesía lírica popular;
➢
Presencia del espíritu femenino;
➢
Liberación de la poesía respecto de los cánones neoclásicos;
➢
Aparición del artículo de costumbres;
➢
Aparición de la novela histórica y la novela gótica;
➢
Desarrollo de la novela por entregas (novela de folletín).
Actividad: En la siguiente actividad coloca dos artistas destacados en la pintura y dos artistas destacados en otra expresión artística del movimiento del Romanticismo. Agrega imágenes de las pinturas con una breve biografía del autor y en la parte de los dos artistas agrega una breve biografía y las imágenes de los autores
Artistas destacados de la pintura en la época del Romanticismo https://www.unprofesor.com/ciencias-sociales/pintores-mas-importantes-del-romanticismo-1917.html Artistas destacados de otros géneros artísticos de la época del Romanticismo https://psicologiaymente.com/cultura/autores-del-romanticismo
Es un movimiento en las diferentes artes que surge en Europa en la mitad del siglo XIX. Se caracterizó por tratar de plasmar la luz y el instante mismo, es decir la impresión visual. Las bases para esta corriente nacieron del Romanticismo, a los pintores impresionistas les caracteriza el gusto por la fugacidad, sus superficies borrosas y vaporosas y la mezcla de colores intensos. Este movimiento floreció a partir del año 1873 y se difundió por toda Europa, en la segunda mitad del siglo XIX las técnicas evolucionaron permitiendo crear nuevos pigmentos con productos no naturales. Surge la ley de colores complementarios, se rompió con la dinámica del claroscuro. Entre 1880 a 1905 surge en Francia el postimpresionismo, que abarca diferentes estilos pictóricos basados en el uso del color experimentado por los impresionistas. Reaccionan contra el deseo de reflejar fielmente la naturaleza, aquí se inventó una técnica denominada puntillismo o divisionismo, dicha técnica fue precursora del arte moderno. El neoimpresionismo surge en finales del siglo XIX (1886), se basa en la composición del cuadro y cuidado del dibujo.
➢ ➢
➢
➢
➢
Las pinceladas distintivas, rápidas, espontáneas, flojas y grandes. Las pinceladas visibles dan una textura a la pintura que atrapa o representa la esencia del tema. Las líneas del arte impresionista son a menudo borrosas, que no definen claramente un objeto de otro en un lienzo. Tales líneas crean un efecto de niebla, añadiendo una atmósfera de somnolencia y humor abstracto en la pintura. La iluminación era uno de los puntos centrales del movimiento impresionista. Pintores impresionistas como Monet mostraron la luz siempre cambiante sobre un tema a través de su obra. En cierto modo, los artistas impresionistas jugaron con luz en sus cuadros. Los colores en las pinturas reflejan diferentes tonos que se encuentran en el tema. Los colores utilizados por los pintores impresionistas se ven más vibrantes debido a la técnica de pintura rápida para coger una cualidad efímera del sujeto. En lugar de temas históricos, religiosos y clásicos, estos pintores pintaron obreros, mujeres paseando en el parque, picnics, etc. Estos temas son considerados como muy mundanos, y fueron inmortalizados en las pinturas impresionistas.
También llamado "Neo impresionismo" o "Post impresionismo" es un movimiento artístico que nace en Francia a finales del siglo XVIII, es representado como continuación y contraposición al Impresionismo, toma elementos de este, pero a la vez rechaza de las limitaciones que supone. Hoy en día, nuestros ojos están acostumbrados a ver colores puros, paisajes de la naturaleza, diferentes tipos de pinceladas, etc. Por ello para entender el postimpresionismo se debe saber que a éste se le debe la libertad artística en su conjunto. El postimpresionismo es la base de los estilos modernos y contemporáneos.
De un modo pragmático lo que caracteriza al postimpresionismo son las pinceladas cortas y precisas, reflejo de los cambios rápidos que se desarrollan en la época.Los colores puros evocan la radicalidad que se vive en la sociedad. La naturaleza ya no se ve de forma subjetiva, si no que se observa como un conjunto. El movimiento de las imágenes junto con la textura, reflejan el dinamismo cultural que se acelera gracias a los nuevos medios de transporte y la importación de objetos exóticos, especialmente de oriente. Por ello una de las ramas destacadas del postimpresionismo es el "japonismo", sub-estilo del cual Vincent van Gogh fue uno de los principales exponentes, por ejemplo con obras como: "Un cangrejo de espaldas".
Neoimpresionismo es el nombre que recibieron dos movimientos pictóricos franceses de fines del siglo XIX: el puntillismo y el divisionismo. Los artistas neoimpresionistas pretendían dar a la pintura un enfoque científico al aplicar teorías de la óptica y la matemática en la composición y realización de sus obras.
Las principales características del neoimpresionismo fueron las siguientes: Se dio el nombre de neoimpresionismo en términos generales a dos enfoques similares: el divisionismo, propuesto por Seurat, que ponía su eje sobre la división de los colores, y el puntillismo, utilizado por Paul Signac, el cual hacía énfasis en la técnica de la pintura mediante puntos. Un enfoque sistemático y científico de la pintura. De acuerdo con las teorías científicas vigentes en el momento, su fundador fue George Seurat, quien sostenía que colocando los colores primarios uno al lado del otro sobre la tela, se formaba en la retina del espectador el color secundario correspondiente. Por ejemplo, un punto azul colocado junto a uno amarillo, forma en la retina del espectador el color verde. Se consideraba que el artista debía usar solo puntos de colores primarios para conseguir plasmar en la tela toda la paleta de colores de la luz. Además, todos los puntos debían tener un tamaño uniforme y estar en relación con el tamaño final del cuadro. En algunos casos, la pintura continuaba por el marco.
Los artistas consideraban que se podía provocar estados ánimo y emociones mediante el uso de determinadas líneas y colores. El neoimpresionismo dejó de lado la construcción de volúmenes a través del claroscuro y el uso de la perspectiva tradicional para construir el espacio del cuadro. Como resultado, las obras neoimpresionistas tienen un aspecto algo plano y un poco artificiales. La duración de este movimiento fue muy breve, aunque su concepción del color tuvo influencia en movimientos posteriores, por ejemplo en el fauvismo.
• • •
Georges Seurat, Un baño en Asnières, óleo sobre tela, 200 x 300 cm, National Gallery de Londres. 1884. Paul Signac, Un domingo, óleo sobre tela, 150 x 150 cm, Colección privada. 1888-1889. Paul Signac, Retrato de M. Félix Fénéon en 1890, óleo sobre tela, 73,5 x 92,5 cm, Museo de Arte Moderno de Nueva York. 1890.
EXPRESIONISMO Inicia a principios del siglo XX en todas las expresiones artísticas (plásticas, música, fotografía, cine, teatro y danza). El arte que más lo manifestó fue la pintura, surge como una reacción al impresionismo, esta corriente se caracteriza por la formación de la realidad para expresar de forma subjetiva la naturaleza y al ser humano. Ellos pretendían reflejar el mundo interior como una expresión de sus sentimientos, supuso un nuevo concepto del arte. El paso del siglo XIX trabajo nuevos cambios en la política en la sociedad y la cultura, se dieron avance en la fotografía, en el cine que dieron lugar a movimientos de vanguardia (progreso, desarrollo y evolución). El impresionismo forma parte de las vanguardias históricas que incluye cubismo, futurismo, constructivismo, neoplasticismo, surrealismo etc.
Características
➢ El expresionismo es una deformación de la realidad expresándola de forma más subjetiva ➢ Los expresionistas creyeron que debían captar los sentimientos más íntimos del ser humano ➢ La angustia existencial es el principal motor de su estética ➢ Pretender potenciar las emociones del espectador distorsionando deliberadamente y exagerando los temas ➢ Se basa en la intuición, depura, intensifica e interpreta la realidad, pero nunca se aparta totalmente de ella ➢ Los expresionistas manifiestan sus emociones sin preocuparse de la realidad ➢ Utilizan colores fuertes y puros, formas retorcidas y una composición agresiva ➢ No importa ni la luz ni la perspectiva, alterada de manera intencional ➢ El arte expresionista presenta una escena dramática, una tragedia interior ➢ Podemos encontrar diversas tendencias impresionistas, desde lo exagerado colorido hasta las abstractas ➢ Se desarrolla en todas las artes como la poesía, teatro, música, artes gráficas
Es un movimiento de expresión artística que surgió por primera vez en Francia en el siglo XX, se fundamenta en la representación del mundo soñador y de las imaginaciones, las obras de arte son figuras sobredimensionadas, deformadas que representaban al hombre volando o caminando al revés, se deriva del francés surrealismo conocido como superrealismo. Inició entre los años 1916 y 1920, André Breton fue el autor inicial de la propuesta del surrealismo, en los años siguientes de una confusión entre el dadaísmo y la construcción romántica (surrealismo). En 1937 esta corriente se hizo internacional el surrealismo tomó del dadaísmo algunas técnicas de fotografía y cinematografía aparece el término collage. Entre los representantes del surrealismo se encuentra: Salvador Dalí y Pablo Picasso. En parís en el año 1938 antes de la guerra tuvo lugar la Exposición Internacional del Surrealismo, la segunda Guerra Mundial dio lugar a que los artistas se trasladan a los Estados Unidos en donde inician nuevos movimientos el de expresionismo abstracto y Arte Pop, en el área de la literatura el surrealismo hace uso de una técnica literaria llamada escritura automática. En 1946 el surrealismo era ya parte de la historia.
➢ El surrealismo se caracteriza por hacer representaciones del inconsciente, de fantasías y de sueños, así como de la irracionalidad ➢ Este movimiento adentrarse en más profundos del pensamiento ➢ Se apoya de una serie de técnicas que buscaban la libertad de creación y olvidando la razón. ➢ Se crean imágenes erróneas de forma que una cosa u objeto puede interpretarse de diversas maneras dejado al espectador un tanto desorientado ➢ La imaginación se utiliza como lógica. ➢ Dentro del surrealismo podemos se da la fabricación de objetos, el ensamble de objetos y los collages. ➢ El Forttage, que son dibujos creados con el roce de superficies rocosas ➢ Utilizaban la técnica de “Cadáver Exquisito”, en donde varios artistas dibujaban diversas partes de un texto o una figura. ➢ La inspiración se basaba en los pensamientos prohibidos y ocultos ➢ Los artistas inventan universos figurativos propios. ➢ El surrealismo abstracto enfatiza aspectos cromáticos, formales, estructurales de una obra, sin imitar modelos o formas naturales. ➢ Se divide en surrealismo figurativo y abstracto.
Actividad: En la siguiente actividad investiga y realiza un breve resumen de 3 artistas de la época artística del Surrealismo, agrega una imagen de una obra de arte de cada uno.
André Breton fue un escritor y poeta francés, considerado el padre del surrealismo gracias a su manifiesto surrealista de 1924, obra que apoyaba la libre expresión y la liberación del subconsciente. Algunas de sus obras muestran influencias del dadaísmo, movimiento que precedió el surrealismo, como Nadia de 1928, ¿Qué es el surrealismo? de 1934 y Antología del humor negro de 1940.
Salvador Dalí fue un pintor español es uno de los más reconocidos por sus obras irónicas y provocadoras. Admirador del estilo impresionista y de artistas como Pablo Picasso, saltó a la fama al exponer en la Galería Goemans sus cuadros que mostraban profundidades de la mente y el inconsciente como un lugar desértico y cruel.
Pablo Ruiz Picasso, arquetipo de «el artista», genio, vital, follador…, creador de estilos, una leyenda ya en vida (que él contribuyó a forjar) y sin duda alguna, uno de los más grandes artistas de la historia. Dejó huella en cada una de sus múltiples etapas de sus períodos azul, rosa o blanco y negro, al cubismo que inventó, después al surrealismo, a la abstracción… y por este inconmensurable talento junto a su ingente producción estamos ante el artista más famoso de la historia del arte.