Repertorios fotográficos autorreferenciales: Explorando el género del Autorretrato Experimental by Ángela Zuluaga

Repertorios fotográficos autorreferenciales Explorando el género del Autorretrato Experimental en tiempos de Covid-19 Resultados de la asignatura “Taller de Medios I” Pregrado en Comunicaciones (Período 2019-2) junio de 2020

Facultad de Comunicaciones

Obras fotográficas TALLER DE MEDIOS I (2019-2) Estos son los resultados de la experimentación fotográfica digital realizada por los estudiantes del Módulo 1 del Pregrado en Comunicaciones, a raíz de la actividad titulada “Repertorios fotográficos autorreferenciales: Explorando el género del autorretrato experimental”, durante el período de confinamiento a raíz de la pandemia del Covid -19 en el 2020. El ejercicio evidencia sus diversos estados de ánimo y sus múltiples exploraciones estéticas durante este período adverso. Estudiantes: ALEJANDRA VALENCIA VELÁSQUEZ CRISTIAN FERNANDO BETANCURT GAÑAN MARCO ALEJANDRO GÓMEZ ZAPATA MARIA ALEJANDRA ORTIZ RODRIGUEZ CRISTIAN DAVID RAMIREZ HERNANDEZ YULISA VELEZ CASTRO MARIA ALEJANDRA ARANGO CARVAJAL ISABEL CRISTINA BACCA CADAVID MIGUEL ANGEL CABALLERO MORALES ERIKA ALEXANDRA CERON RUEDA LUISA FERNANDA DE LA ESPRIELLA BLANDÓN ALISSON LISETH GARZON RIVERA ANGELA MARIA HENAO JIMÉNEZ MARIA CAMILA MIRA VILLA MIYEI VANESSA PARIAS GONZALEZ LAURA KATERIN AGUDELO ALVAREZ SOFIA BEDOYA MONTES JORGE DANILO BRAVO REINA NICOLE CARDENAS LOPERA MARIANA CARMONA GIRALDO SARA GONZALEZ ALVAREZ MALLERLY MONTOYA GIL LAURA CELENY PALACIO GIRON MARIANELLA SIERRA PALLARES

Docente orientadora: ÁNGELA MARÍA ZULUAGA VALENCIA

“But very often (too often, to my taste) I have been photographed and knew it. Now, once I feel myself observed by the lens, everything changes: I constitute myself in the process of “posing”. I instantaneously make another body for myself, I transform myself in advance into an image. This transformation is an active one: I feel that the Photograph creates my body or mortifies it, according to its caprice.” Roland Barthes, Camera Lucida

“Pero muy a menudo (con demasiada frecuencia, para mi gusto) me han fotografiado y lo sabía. Ahora, una vez que me siento observado por la lente, todo cambia: me constituyo en el proceso de “posar”. Instantáneamente hago otro cuerpo para mí, me transformo de antemano en una imagen. Esta transformación es activa: siento que la fotografía crea mi cuerpo, o lo mortifica, según su capricho.“ Roland Barthes, Cámara Lucida

EL SÍ MISMO Por Alejandra Valencia Los conceptos de “persona”, “yo” y “sombra” se fusionan en este autorretrato con el fin de dar una descripción de mí misma en las capas que me componen como individuo. El velo representa mi “persona”, usándose como una máscara que, por medio del encaje, deja ver lo que hay debajo. El rostro representa mi “yo”, aquello más distintivo y propio, que en este caso alberga la luz en el ojo derecho (entusiasmo, viveza, alegría), la intimidad en el ojo izquierdo (pulcritud, reflexión, moralidad), y los sentimientos fuertes en la boca (rabia, dolor, deseo), como las principales formas que distingo de mí misma en mi lado consciente. El fondo plano y oscuro representa la “sombra”, siendo aquello que, aunque desconocido, se mezcla con los demás elementos manteniéndose en armonía. Se usaron dos luces: principal y de relleno; la primera rebotando sobre una superficie para disminuir dureza, bajar sombras e iluminar el lado más brillante, y la otra para iluminar el lado contrario de forma tenue. Se eligieron tonos cian con el fin de brindar una atmósfera apacible pero mantuviera dinamismo y vida. Haciendo uso de la simetría, la información que más resalta de la fotografía encaja en los tercios verticales centrales. Fue tomada en formato raw para, posteriormente, ser editada con Photoshop, donde se usaron máscaras de capa para cambiar el brillo, los tonos y la exposición de los elementos de la fotografía.

FACE AND FLOWER Por: Cristian Fernando Betancurt Idea: En la fotografía se buscaba resaltar principalmente la cara del autor, Cristian Betancurt y la del objeto, una flor, por esta razón la obra se llama face and flower, en esta fotografía observa la ausencia de color ya que para lograr el resultado que quería fue necesario usar una imagen a blanco y negro, el objetivo principal era crear un efecto Glitch, y transmitir la sensación de una imagen en movimiento descontextualizando la fotografía. GLITCH significa falla o error que afecta negativamente la estabilidad de un programa o juego. Este fenómeno visual sucede debido a ficheros mal codificados o dañados, que al ser leídos forman figuras o imágenes erróneas. Sin duda alguna este error ha llamado la atención de los artistas gráficos para experimentar y crear increíbles imágenes. Lo que una vez fue molesto o causó tensión, ahora se ubica como una de las principales tendencias del diseño gráfico. Principalmente lo que me llamó la atención de este efecto es que no se busca una perfección en la imagen, pero sí transmitir una sensación al espectador. En la última clase de taller de medios este efecto fue el que más me llamó la atención y por esta razón quise arriesgarme y experimentar un poco, con expectativa de obtener un buen resultado. Técnica: Para llegar a este resultado, primero elegí una fotografía frontal, plano medio, con fondo negro, luego procedí a editarla para que quedara a blanco y negro, utilicé la herramienta de Photoshop para empezar a crear el efecto Glitch, primero creé dos capas de la imagen y en cada una creé el efecto rojo y azul y estos se combinan con cada capa, luego ambas capas se fusionan en una sola imagen y desplazamos la fotografía para el lado que se desee y se pueda observar los colores que se producen, dentro de la misma aplicación hice uso de la herramienta “seleccionar” y elegí una a una las partes de la imagen que quería desplazar hasta llegar al resultado final.

LA GOTA QUE DERRAMÓ EL VASO Por Marco Alejandro Gómez Un sujeto en cuarentena es una taza de café, claramente hay varios tipos de café, se evidencia que este tipo es café amargo y oscuro, por su vestimenta, su aspecto, su forma de agarrar la taza y sus facciones, el cabello del sujeto se mezcla con la barba como símbolo de la dejadez que puede llegar al hombre por algo como un confinamiento, un confinamiento para salvar su vida, claramente entendiéndose vida como respirar y bombear el corazón y no como vivir. El sujeto se muestra sereno con gran presencia en su mirada sin ser intimidante, se asume que toma café, pero la acción se centra en la mirada una mirada que te lee, aunque solo sea una fotografía. Ampliando la mirada y dejando de centrar la atención en la fotografía, podemos ver que el escenario externo a esta genera una dualidad en la composición pasamos de una persona serena a un ambiente totalmente caótico donde priman los restos de una taza que ha dejado de contener el café, ahora el café está libre recorriendo la escena sin ningún tipo de obstáculo y con la única meta de intentar nunca estancarse. También se ve como desde arriba fluye el café y seguirá fluyendo. ¡la taza que está rota! ¿Se debe dejar de proveer de esencia a algo que ya está libre? ¿se debe de proveer más de esencia a algo que ya no está atado? ¿Qué es mejor? ¿un café en cuarentena? o ¿un café libre, sin taza?

SER UN ADULTO EN EL SIGLO XXI Por: María Alejandra Ortiz. Comenzaré describiendo un poco sobre cuál fue el trabajo a desarrollar, como lo hice y como me sentí haciéndolo, luego haré una corta descripción de mí misma y terminaré explicando que quería transmitir como mi fotografía y qué métodos utilicé para ello. La idea del trabajo es hacer un autorretrato con intervención digital. Admito que al principio me asusté un poco con este trabajo, ya que no soy muy fan de tomarme fotografías. Lo primero que hice fue buscar referentes y para eso me ayudé con Pinterest e Instagram, luego de tener algunas ideas comencé a buscar aplicaciones buenas que me sirvieran para lograr mi objetivo y entre esas estaban: Snapseed, lightroom, Photoshop y picsart, la que en mi opinión se acomodaba más a lo que estaba buscando era Snapseed y esta fue la que utilicé. Luego procedí a organizar el espacio en el que quería tomar la foto y adecuar los materiales que necesitaba. Como lo dije antes fue un poco complicado para mí, pero vencí mi temor y tomé la fotografía. Mi nombre es María Alejandra Ortiz Rodríguez. Tengo 21 años y soy estudiante del Pregrado en Comunicaciones. Tengo muchos hobbies y pasiones en la vida, una de ella es viajar y compartir tiempo con mis amigos y familia, me gusta ser responsable y tratar de que las personas que me rodean se sientan bien, me considero una persona humilde y poco complicada. ¿Qué quería transmitir con mi fotografía? Esta fue mi pregunta base. Después de mucho pensar, me decidí a representar un sentimiento muy conocido, pero poco comentado. La angustia y la crisis personal, para hacer esto posible, me basé en las siguientes preguntas. ¿Has sentido alguna vez que tienes muchas cosas que cumplir y no crees ser capaz con todas tus responsabilidades? ¿has llegado a un momento de tu vida que te sientes en crisis o frustrado? ¿sientes que, aunque estas haciendo todo lo que debes hacer, no estás dando todo de sí? Creo que todos los seres humanos adultos o que están en proceso de crecimiento han vivido esto y se han sentido de ese modo. En este trabajo yo quería transmitir eso, quería lograr transmitir la crisis y la angustia que tenemos a lo largo de nuestra vida y que pueden ser muy importantes en ella. Pienso que no hay que esconderlas y que las debemos enfrentar con valentía y amor y pronto pasarán. Yo quería hablar de cosas que yo conociera quería dar mi punto de vistas frente un tema que todos conocemos y que todos hemos vivido, por eso me enfoque en este sentimiento tan importante en la vida de los seres humanos que se vive más potente en estas generaciones. La aplicación que utilice para lograr mi objetivo se llama Snapseed es una aplicación de Google. Utilice las herramientas de doble exposición, también el efecto de enfoque y desenfoque, agregue iluminación retro y jugué con el contraste tonal y contraste exterior, use la herramienta de perspectiva para darle una sensación de vacío a la fotografía, me ayude un poco con la aplicación de grano de película y use la opción de A01. Lo que hice básicamente fue descubrir, conocer y jugar con los distintos tonos y herramientas hasta lograr mi objetivo.

EL SONIDO DEL SILENCIO Por Cristian David Ramírez Tengo 20 años, estudio Comunicaciones en la Universidad de Antioquia y soy una persona común, y con este adjetivo me refiero a lo parecido que puedo llegar hacer a muchas otras personas en aspectos como las actitudes y emociones producidas por un gusto. Siendo un poco más claro, soy un joven que tiene entre muchos hobbies, la música, medio que permite a los seres humanos expresar lo que se siente sin necesidad de hablar. Esta composición la titulé como el Sonido del silencio, basada en dos imágenes, a primera impresión quiere expresar la tensión y el ruido que genera el silencio, el no saber qué expresar o un error presentado en una pieza musical. En una segunda impresión, saliéndonos del campo musical y haciendo una analogía con la vida, el silencio se compara con la soledad, la tristeza y las dudas, a veces necesarias, que vivimos los seres humanos en el transcurso de nuestros caminos. La idea de que gran parte de la composición sea a blanco y negro es una estrategia que nos permite analizar la foto, su contenido y significado y no sus colores como tal. El corbatín se acerca un poco al color rojo con la intención de reflejar el peligro que puede tener el silencio o un error en una pieza musical, al igual que la soledad y la tristeza en la vida. Plasmé el color en el corbatín, accesorio que por cultura refleja elegancia, así mismo el silencio, que es un sonido, en ocasiones hace parte fundamental de una estructura musical (lo que la hace elegante); y en la vida, la tristeza y las dudas nos pueden llevar a superaciones increíbles que hacen de todo algo elegante. Mientras que el color verde que se ve en las hojas de la planta representa para la música una pieza bien ejecutada y en armonía; para la vida, la calma y salida antes problemas cotidianos, teniendo en cuenta que el verde transmite tranquilidad, frescura y esperanza. Las técnicas utilizadas para lograr la composición fueron: Convertí la foto (en la que estoy tocando el piano) en blanco y negro, desde la opción imagen del menú maestro. Con la herramienta Pincel de historia le di color original a las hojas de la planta. Con la función Varita mágica seleccioné y posteriormente, creé una capa con la base para partitura en el piano. Desde otro documento PSD con la herramienta varita mágica seleccioné la parte del cuerpo deseada (donde tengo los oídos cubiertos) y la copié al documento base. Posterior a eso la convertí en blanco y negro y la ubiqué detrás de la capa de la partitura. Con la herramienta Varita mágica seleccioné los corbatines (desde sus respectivas capas) y les di el color deseado con la función Tono/Saturación que se encuentra en Capa de relleno o ajuste.

NEOGALÁCTICO Por: Yulisa Vélez El autorretrato final surgió de la idea de crear en mí una imagen opuesta a mi verdadero Yo, buscando desarrollar la sombra de mi persona, es decir, todo aquello que a veces no acepto de mi propia personalidad. Por ende quise usar tanto en mi ropa como en mi cuerpo colores fuertes y saturados, cosa que nunca hago normalmente, pues ese era el objetivo arriesgarse a lo desconocido por completo. El concepto que intenté transmitir con esta fotografía es el de “la búsqueda del riesgo” pues considero que todos en algún momento queremos dejar de ser nosotros y salirnos de nuestra zona de confort, por esto mismo, cuando observé bien la foto y me di cuenta de lo mucho que me gustó el resultado, me atreví a pensar que arriesgarse en colores, estilo de ropa, una pose e incluso una propuesta fotográfica es una buena opción para llegar a crear una obra genuina. La obra finalmente terminó siendo toda una explosión galáctica, con una protagonista con apariencia de Avatar un poco más atrevida. Para la realización del autorretrato, inicialmente usé lo que se conoce en el mundo de la fotografía como luz oscura, busqué un espacio con poca luz, y me apliqué pintura neón en el rostro y en el cuerpo. En la toma quise destacar el centro de interés mediante los colores saturados, utilicé poca profundidad de campo y trabajé con elementos repetidos para que causaran armonía visual. Consiguiente a esto, en la edición, primero que todo, utilicé la herramienta de lazo poligonal, acercando la foto lo más posible para obtener una mejor visión de lo que iba a recortar, después busqué una imagen negra para agregarla como capa y así arrastrarla hacia abajo, de modo que quedara como el fondo de la foto. Luego quise usar la herramienta de clonar, ya que había varios detalles que quería perfeccionar, con esta herramienta pude darle un aspecto agradable a la piel, e intensificar las marcas de color en mi rostro, incluso dibujé una que otra figura neón con el pincel. Por último con la técnica de doble exposición, pude desarrollar un fondo estrellado, usando así, la opción de superponer las estrellas en Png, aquellas que había descargado anteriormente. Y así surge la obra Neogaláctico.

AMBIVALENCIA Por Azuleja María Alejandra Arango En la creación integré conocimientos del primer semestre del Pregrado en Comunicaciones. Un referente es “La vida funciona en dicotomías” frase dicha por la profesora Ángela en una clase. El segundo referente es El Mapa del Alma según Jung en Ciencias y Humanidades representando una parte de Sombra y otra parte de Luz dentro de mí misma. Representé una división en mí puntualizando dos opuestos. A su izquierda, la ausencia de color, representa la falta de comprensión ante las angustias del día a día; mi boca está cerrada, hay silencio por los pensamientos que guardo y que expreso en palabras líquidas; a veces se nubla mi mente y no veo soluciones; los pájaros tienen capacidad de volar y yo capacidad de hablar pero no se toma el riesgo. A la derecha, hay color e iluminación, mi sonrisa expresa felicidad, mi ojo abierto dispuesto a conocer; las mariposas y las flores como resistencia para volar y florecer. El fondo permanece lleno de historias, un mismo trayecto de vida. En la mitad hay cintas, intentos y esfuerzos uniendo ambos lados, aceptando mis diferencias como parte una sola composición. Con mi cámara Canon 50D, con los parámetros de toma de 1/20 - ISO 250 - F4 enfoqué a mi hermana en un primer plano, con luz artificial dentro de casa; me paré donde ella estaba y ella disparó. La intervención digital fue en Pixlr, un editor en línea, por medio de capas, con las herramientas de recorte, clonar, reemplazar color y curar.

LAS VICISITUDES DE LA VIDA Por Isabel Cristina Bacca En esta fotografía con la intervención digital que le realicé, quiero reflejar los cambios o las transiciones que vivimos a lo largo de nuestra vida, el trabajo inicialmente lo había pensado con un toque un poco más nostálgico, pero a la hora de tomarme la fotografía me desvié un poco de lo que quería lograr, porque al momento de revisar las fotos me gustaba el cambio que se daba entre estar seria y terminarme riendo por los chistes o lo que sucedía a mi alrededor, y fue ahí donde le di el giro al proyecto que pensé inicialmente. La fotografía la escogí por la forma en la que se logró capturar mi risa, porque el significado que le doy es que ante cualquier situación siempre hace falta una sonrisa que nos alegre la vida, sea la nuestra o la de alguien más, pero nunca falta ese gesto que nos devuelve la fe en los momentos que necesitamos tenerla; los colores que se ven reflejados significan tranquilidad, serenidad, amor y pureza. Al replicar la foto quise darle un sentido a lo que sucede dentro de cada uno de nosotros, para mí, todos mis procesos son diferentes, y tienen varias etapas, de las cuales siempre encuentro un aprendizaje; el primero es reconocer la situación, el segundo afrontarla de la mejor manera, y el tercero es sentir que superé dicho obstáculo en mi camino, después de todo esto, darme cuenta del trabajo que logré. Y, a medida que esto sucede el problema se va desvaneciendo, por eso al final la foto es menos visible, para dar cuenta que, aunque a veces para uno resulte muy complicado afrontar lo que le pasa, siempre va a terminar consiguiendo salir adelante y entendiendo la fragilidad de la vida como tal. La técnica que utilicé fue capas, inicialmente ajusté la exposición de la foto, luego dupliqué la foto dos veces y distribuí las capas hacia un lado, seguidamente le baje la opacidad gradualmente a las copias, después a cada capa y con los canales de función avanzada elijo los colores que deseo.

EL ARTE DEL ALMA Por Miguel Ángel Caballero Siendo el color verde menta muy cercano a la naturaleza así como también al frío, representa mi parte externa: natural pero rígida paradójicamente, y dentro de esta gama de fríos se encuentra mi ser, cálido, familiar, pero también arrasador, como fuego. El alma ha tomado otro significado en mi vida en los últimos meses, va más allá del castigo o el perdón divino, más que algo que puedo manchar “pecando”, el alma, MI ALMA, se ha convertido en símbolo de paz, conexión con el uno, conexión con mi interior, infinidad de energía y descanso de mi cuerpo carnal, soy una armadura de piel llena de luz. Ejecución de la fotografía: Capturada con cámara principal de celular Huawei P10, luz natural cálida de tarde, ¾. Sobreexposición utilizando herramientas digitales. Vectorización y diseño, luego de la ejecución manual y luego agregada en capas.

Paralela Por: Erika Cerón En esta foto, demuestro mi relación con el universo. Soy fiel creyente de trascender y lo que hoy somos, es una construcción para lo que seremos al irnos de este plano. Voy por la vida, en busca de realidades de valor duraderas, de lo infinito. Brindo optimismo, bondad y amor. Aunque muchas veces viva en las nubes, soy consciente de tener los pies bien puestos en la tierra, y utilizo la mano como soporte para ello, por eso voy en busca de mis ideales, que son grandes como la galaxia; soy una mujer fuerte, no busco complicar mi vida, y aunque a veces se hace difícil vivir, en las estrellas está mi libertad. Veo la vida de muchos colores, aunque en mi exterior pretenda que todos me vean en blanco y negro, aun así, procuro entregarle una parte de mí a los demás, por eso doy la sensación de que me derrito, y me quedo con una parte de ellos, lo cual quiero representar en la composición con el extraterrestre. Utilicé una selección inteligente para eliminar el fondo e incluirme dentro del universo. Hice uso de dos imágenes más, para realizar la composición del universo, utilizándolas como el fondo de mi retrato. Al incluir los planetas, utilicé una opacidad baja para dar la sensación de estar dentro de la composición. A mi retrato le generé un corte en la parte inferior, para dar la sensación de que me estoy derritiendo. Finalmente subí la exposición y el contraste.

EMERSIÓN Por: Luisa Fernanda De La Espriella Blandón Como concepto metódico para la realización de mi autorretrato utilicé mi actual proyecto personal, en donde la intención es un encuentro con mi “sí mismo”. Mi objetivo es el destaparme los ojos ante una matriz que continuamente se repite, y que como sujeto carnal debo aprender a abrir la mente y corazón ante una realidad en donde es necesario ser totalmente consciente. Todo esto en base a unos ojos que estén fuera de esta ilusión material que presenciamos. Emerger de la dualidad impuesta es mi desafío, pues es la oportunidad que tenemos como humanidad para evolucionar en camino hacia el despertar de conciencia. Así pues, el blanco y el negro representan dualidad, y con ellos podemos sacar lo mejor de cada parte para nuestro progreso, esto en tanto a lo femenino y masculino, el bien y el mal, el tener y no tener, etc. Los pasos que seguí para la materialización de mi idea visual fue tomarme una fotografía con mi ropa habitual e intentar transmitir intencionalidad con la mirada. La puesta en escena fue con luz natural y temporizador a la hora de la toma. Una vez hecha la foto, edité el color a blanco y negro en la herramienta para móvil PicsArt con la intención de mostrar un cuerpo en la matriz, pero con el alma lúcida y consciente ante ella, tomando como símbolo mis ojos a color con intervención gracias al pincel de deformar. Luego busqué una imagen que tuviera un efecto tridimensional para la representación de la matriz, y se lo superpuse a lo que ya había logrado mezclando las capas con la opción luz suave, borrando luego la parte de mi cara para darle prioridad como foco de atención. Por último, quise mostrar simetría en la posición de mi cuerpo y la imagen que elegí para el fondo, generando así armonía en la composición y que estéticamente se viera uniforme.

FRAGMENTADA Por: Alisson Liseth Garzón En esta fotografía, reflejo mi dualidad como persona, por eso usé dos colores que se contrasta: el rojo es un color cálido, representa pasión y energía y el azul es un color frío, que representa inteligencia, esto es lo que soy, no hago nada si no siento que me apasiona y trato de ser objetiva con mis pensamientos y actos. Los árboles que aparecen de fondo me conectan con el cielo, al igual, que la luna que significa plenitud, fuerza y poder espiritual, la espiritualidad para mí es la relación de amor constante, es vibrar en el amor sincero a Dios, a los otros y a mí misma. En la pose invito al espectador a que me miren a mí y a mi mundo. La fotografía fue tomada con mi celular (Samsung J4 plus) para darle un toque diferente utilicé mis dedos para generar el efecto de enmarcacion. Para la edición, primero utilicé la aplicación Lumii, seleccioné la fotografía, agregué el fondo de árboles y con el borrador la perfeccioné. Luego, con la aplicación picsArt, use la opción de herramienta-curvas, combiné los colores azul-verde para obtener el color rojo y la guardé, volví la fotografía al estado original y repetí el mismo procedimiento pero ahora combiné los colores rojo-verde para obtener el azul, utilicé la fotografía original, entre a la opción de capas y abrí dos capas más, en una estaba la fotografía con el color azul y en la otra con el color rojo, apliqué un pincel para ir combinando los colores, por último agregué un sticker de la luna y así llegué al resultado final.

TRAZAR CON LOS PIES Por: Ángela María Henao Hay quienes afirman que solamente es posible trazar con las manos, supongo que es porque nunca han dejado que su cuerpo se mueva libremente mientras está envuelto por una melodía, soy bailarina de folclore hace 6 años y en todo este tiempo he aprendido que también es posible trazar con los pies. Mi autorretrato es el amor por la danza, esa parte de mi vida que me hace inmensamente feliz. La idea que plasmé muestra diferentes posturas utilizadas a la hora de danzar cumbia y bambuco, danzas que proyectan elegancia y que manifesté tanto en el color de las prendas empleadas como en la ausencia de color de la fotografía. Cuando se habla de danzar bambuco lo más importante es que la danza se vea tan limpia que pareciera que se está volando dando sentido al fondo de nubes que utilicé. Todas las fotografías fueron realizadas en plano general y en un estudio fotográfico donde utilicé un fondo de vinilo blanco y luz continua (led) en ángulo picado y situado en una posición de perfil lateral. Decidí romper la ley de las miradas para generar un patrón de movimiento o tipo de baile entre las miradas del espectador y la dirección de las mías, dando fuerza a la mirada que va directo al espectador generando una sensación de misterio, ya que la danza también está llena de improvistos que se deben resolver sobre la marcha. En el proceso técnico revelé con cámara raw Photoshop, suavizando las sombras y dando mayor contraste a los tonos, configuré la iluminación y las curvas, al terminar el revelado realicé un recorte de fondo y una múltiple exposición de fotos configurando su porcentaje de opacidad. Inserté el fondo, centré el encuadre y cambié el color a monocromo, degradé los bordes de cada foto para mejorar su combinación con el fondo y para generar una dinámica de movimiento inserté una plantilla de pétalos de rosa, logrando así el producto final.

DISPARIDAD Por: Maria Camila Mira Dos en uno: dos naturalezas, dos sustancias, dos emociones, dos realidades opuestas entre sí, así definiría el concepto de disparidad. Como todo ser humano, tengo días buenos y malos, subo y bajo constantemente de ánimo, humor y motivación para realizar algo, esto es lo que precisamente quise plasmar en mi autorretrato, las dos caras de la moneda: la armonía y el conflicto, no solo conmigo misma, sino con todo lo que me rodea pero que en el fondo hace parte de mi y que trato de mantenerlo en equilibrio constante, y es precisamente ese fondo el que plasmé en la imagen al contener la figura geométrica del triángulo, el cual simboliza el balance entre la perfección, sabiduría y consonancia que me permiten mantener bajo control tantas sensaciones que salen a flor de piel. El blanco y el negro, más que proporcionarle a la fotografía estética y uniformidad, dan cuenta de esa mezcla de emociones por las que paso diariamente, vinculando así al color negro con lo desconocido, aterrador, el miedo, pero a su vez con la fuerza y entereza, mientras que el blanco representa la paz, serenidad, discernimiento, por lo cual el rostro que refleja una sonrisa se percibe más opaco que el otro. Aparte de estas emociones, quise revelar un poco de mi intimidad corporal, dejando a un lado la inseguridad y el culto, arriesgándome a realizar una fotografía distinta a lo habitual. Para llegar al resultado final hice uso de la página web “Pixlr”, en donde de manera independiente hice un recorte de las 2 imágenes con el lazo poligonal y nivelé el grado de transparencia u opacidad que quería lograr, luego de “fusionarlas” para conseguir la doble exposición y reducir el contraste para el efecto B/N, en una nueva capa agregué el fondo y por último añadí el marco color vino tinto, que le da solidez a esta obra.

ME GUSTA EL VERDE PORQUE ARRULLA Por: Miyei Vanessa Parias Me gusta el verde porque arrulla, porque zumba, porque enciende. Me gusta el verde porque también es amarillo. Me gusta el verde porque simpatiza con el café de mis ojos. Me gusta el verde porque se involucra con mi piel oscura. Me gusta el verde porque está en el medio. El rojo seca, el azul moja, y verde modera. También me gusta el verde porque es todo lo que quisiera ser: vida. Explicación de la obra: La idea de mi autorretrato es resaltar el verde como un color lleno de vida, seguridad, tranquilidad y serenidad, por ello se efectúa tanto en la obra. Deseo que se perciba desnudez, complicidad y unión entre el verde y yo, por eso me veo involucrada entre las ramas. También resalto mucho mis lunares, pues los considero muy representativos en mí, además de naturales, algo que va muy ligado con el color verde. Por último, pero no menos importante, con mis ojos deseo reflejar la seguridad, firmeza y estabilidad que me genera estar cubierta y rodeada de la naturaleza misma. Técnica y procedimiento: Primero adecué un espacio en mi casa para la tomar la fotografía con 2 pliegos de cartulina verde y un poco de ramas del mismo color. Seguidamente, pegué en la pared con cinta los dos pliegos de cartulina, y encima de estas pegué las ramas, rellenando el espacio cubierto por las cartulinas. Cuando ya tenía el espacio organizado, procedí a tomarme la fotografía con la cámara puesta en un trípode y utilizando dos lámparas led caseras, cada una alumbrándome lateralmente. Los parámetros que utilicé para la toma fueron: ISO-400 · f/3.7 · 1/60s · 50mm. Después de tomar la fotografía procedí a editar algunos parámetros en Adobe Lightroom como: las sombras, las tonalidades de colores, la exposición y demás. Luego llevé la foto a Photoshop, y allí utilicé el tampón de clonar para rellenar algunas partes en las que la cartulina aún se veía, también utilicé la técnica de separación de frecuencias para retocar la piel, que consiste en separar en dos capas. Por un lado, la de textura y por el otro el color de la fotografía, con el objetivo de poder trabajar en ellas sin afectarse mutuamente. Y, por último, resalté los ojos utilizando la herramienta de pincel.

EL GERMINAR DEL ALMA Por: Laura Katerin Agudelo Álvarez ¿Qué sería del cuerpo sin el alma? Soy carne, soy huesos, soy materia en el espacio, simple y sin rumbo, pero cuando vienen a mí las vibraciones de las notas musicales soy vida, soy energía y florece mi alma. La bandola me ha acompañado desde hace un tiempo dándole a mi vida el sentido que algún día le busqué y se ha convertido en un pedacito de mi ser, lo hace nacer, germinar y finalmente florecer en lo que soy. Ella es vida y belleza como las flores, tranquilidad y delicadeza como el color rosa, y finalmente ella me hace ser yo. En la fotografía decidí hacer énfasis en el instrumento para representar la importancia que tiene para mí, por esto lo dejé a color y el resto de mi cuerpo a blanco y negro, también para equilibrar la foto y no saturarla de colores. El rosa fue el color predominante ya que este me inspira tranquilidad y delicadeza, dos cualidades que asocio también a lo que me hace sentir la bandola al tocarla. Las flores como símbolo de vida, de nacer y de todos esos sentimientos que ella hace germinar en mí y me llenan el alma. Por último, el uso de la doble exposición con las fotografías de atrás se enfocó en dar armonía a la imagen, dando peso en ambos lados y formar un grupo de tres sin robarle el protagonismo a la fotografía central y seguir representando esa esencia del alma, algo difusa pero aún así presente. Técnica: las tres fotografías se realizaron con un teléfono móvil de la marca Xiaomi Redmi note 8, estas se hicieron con un f/1.79, una velocidad de obturación de 1/15 segundos y un ISO de 2.000, también se utilizó la ayuda de una luz suavizada con un filtro casero ya que la fotografía se hizo de noche. En el proceso de edición se utilizaron las aplicaciones Snapseed, para corregir aspectos como el brillo y contraste, y PicsArt, en la que primero se procedió a borrar el fondo de las fotos, luego se aplicó un filtro a blanco y negro a la fotografía principal pero en la parte del instrumento (la bandola) se borró el filtro para dar énfasis en el color de esta y que resaltara más que el cuerpo. Se aplicó el fondo rosa con un círculo de color más fuerte para dar énfasis en la cabeza donde irían las flores, las cuales se aplicaron por medio de la opción “sticker”. Luego se añadieron las dos fotos de los lados y con la opción “mezcla” se realizó la doble exposición de estas y por último se aplicó el filtro “Noise” para suavizar los colores y darle un efecto vintage.

VENTANA AL ALMA Por: Sofía Bedoya Montes. Definición: Mi nombre es Sofía Bedoya Montes, tengo 18 años y soy estudiante del Pregrado en Comunicaciones de la Universidad de Antioquia. Desde pequeña he sido muy observadora y analítica, me gusta mirar a mi alrededor y pensar sobre todo lo que veo. Siempre me he interesado mucho por los ojos, porque pienso que de la misma manera en que podemos observar todo lo que sucede en nuestro entorno, a través de los ojos también se puede reflejar aquello que ocurre en nuestro interior. Por eso es que a pesar de que digamos mil palabras para ocultar lo que no queremos mostrar, basta solo una mirada para confesarlo todo. Con este autorretrato busco expresar todo lo que podemos encontrar a través de una mirada, pero no una mirada superficial sino una mirada profunda donde veamos tanto la luz como la oscuridad que hay dentro de la persona, logrando de esta manera ver dentro de sus ojos su verdadera cara, su verdadero ser: su esencia pura. En el autorretrato se observa un rostro colorido, el cual hace referencia a la cara que mostramos al mundo, nuestra luz y nuestras virtudes. En el lado derecho de la foto, observamos un reflejo del rostro en escala de grises, este hace referencia a la cara oculta, la que solo pocas personas han visto, nuestra oscuridad. Gracias a que estas dos partes de un mismo ser están unidas es que se puede ver, a través de la mirada, el “ojo del alma”. Técnica: Para llegar a el resultado final, utilicé tres capas de la misma foto, la primera como fondo conservó sus colores originales. En las otras dos capas jugué con la luz y los cambios de fusión, en la segunda capa utilicé el efecto: “Subexponer color” y en la tercera capa utilicé: “Color”. Luego, con la herramienta “Mover” desplacé la segunda capa hasta conseguir el reflejo que quería. Con las herramientas “Corrector puntual”, “Sobrexposición” y “Subexposición” mejoré algunos detalles en la foto, como mis ojos, mis labios y mis manos. Para finalizar uní estas tres capas en una sola, añadí una nueva en la que incrusté una imagen de mi ojo, cree una máscara en la capa inicial y comencé a pintar. Cuando ya logré ubicar bien donde quería el ojo, bajé la densidad de la máscara al 25% y terminé mi autorretrato experimental.

DETRÁS DE LA FACHADA ESTÁ EL JARDÍN Por: Jorge Danilo Bravo Reina Abandonaste la inocencia, pero por cobardía ya no puedes huir, No me digas que te importa, si no es cierto, solo intentas sobrevivir, Detrás del cielo es un misterio. Si abandono la Inocencia es solo que ya crecí, es natural. Me niego a creer lo que muestra esa fachada que traemos por escudo, no creo más en lo que muestra tu rostro, no creeré en el mío tampoco. Me cansé de esperar el tren que nunca llegará, donde mi sombra ya no está, se encuentra con mi otra mitad, siempre vagando hasta encontrar el día de la humanidad. Nuestra fachada, lo que decimos que somos, lo que aparentamos ser para no caer en el infortunio del rechazo social, está tan alejado de nosotros mismos, ¿sabemos realmente lo que somos?, ¿qué escondemos detrás de todo eso?, un legado de nuestras raíces que ha evolucionado hasta el día de hoy, ¿por qué no aceptarlo y acoplarlo?, eso es lo que somos. Hay luz, hay vida, hay verdad, allá en el fondo, en el corazón, en el alma, en lo más profundo del ser, eso que solo nosotros mismos sabemos que somos, esa es la respuesta, ese es el jardín, volvemos a los colores, podemos sentir una tranquilidad propia de un estado onírico. La luz que dejaste regar, la luz que quiere salir, las ventanas del alma, el cuerpo ya no es nada, se desarma y deja ver la naturaleza escondida que llevamos dentro, no es un misterio que debamos resolver, puesto que nosotros estamos concebidos para ser esa luz, en cambio si se la quiere ignorar toda la vida, nunca se encontrará esa unión con nosotros mismos, dejemos de buscar afuera, la respuesta está adentro. Una vez lo hagamos, ese estambre de luz se proyectará, dejando al descubierto todo ese “misterio”, los colores volverán a donde pertenecen. En definitiva, el retrato es una clara muestra de introspección, se aprecia una desconexión con la realidad aparente, esta se torna gris y carente de importancia, podemos admirar como el mundo físico se transforma poco a poco en ideas, se colorea en luz. Toma: Retrato con un 50mm, Plano medio, luces artificiales. Proceso: Tratamiento en Photoshop; desaturación de la imagen, recorte por medio de capas, relleno de espacios, adición de imágenes o elementos para dar fuerza al concepto, uso de pinceles de licuar, superposición de capas, corrección de luz en Lightroom, doble exposición de la misma imagen, pero en tono verde.

EL MISTERIO DETRÁS DE LA MIRADA Por: Nicole Cárdenas Lopera La idea de mi autorretrato es expresar misterio, libertad y fuerza. Por eso decidí autorretratarme cubriendo mi rostro con las manos y solo dejando a la vista los ojos, los cuales son el elemento fundamental de mi concepto fotográfico, gracias a que por medio de ellos podemos expresar y transmitir nuestras emociones, no tenemos control de ellos, son la parte más sincera de la cara, nos delatan ante cualquier situación. Por otra parte, decidí cubrir mi rostro con las manos, ya que con estas creamos, tenemos poder, acariciamos, bendecimos y hasta llegamos a golpear, son nuestro mecanismo de defensa y de construcción. En cuanto al uso del color morado se debe a que muestra poder, sobriedad, le da el toque de misterio deseado, es un color relacionado con la imaginación, y la originalidad. Yo Nicole Cárdenas Lopera, una mujer de 19 años que a lo largo de los años se ha ido construyendo como una mujer pasiva, callada, un poco encerrada solo en mi mundo en cuanto a mis sentimientos y pensamientos, también una persona perseverante y soñadora, que intenta lo que desea hasta conseguirlo, por esto artísticamente decidí tornar todo un poco misterioso, gracias a que a primera vista me considero así por lo callada que puedo llegar a ser. Escogí los pinos gracias a que son un símbolo de fuerza, resistencia, y energía vital, que al encontrarse en zonas montañosas van conformando pequeños bosques entre ellos, lo cual refleja a lo que me refiero con estar un poco encerrada en mi mundo. También, de la mano de los pinos puse unas pequeñas gaviotas que son símbolo de libertad, de tiempo libre, de que siempre hay oportunidades en todo lo que nos rodea, y por ello hay que confiar en nuestros instintos y seguir luchando en todo momento. La técnica utilizada para el resultado final fue: Tomar la fotografía. Iso 640, 35mm, F 5/6 , 1/60 segundos. Luego de tener la fotografía le arregle el brillo, color y saturación en Lightroom para obtener un mejor color. Luego en Photoshop utilice la técnica de doble exposición: Capa 1 con la fotografía de mi rostro, luego cree una nueva capa debajo de esta y la rellene de color blanco, luego en la Capa 1 seleccione toda la silueta de la fotografía y cree una máscara, lleve la foto del paisaje a la capa 1 ubicándola detrás de ella, luego transformarla (recortar, rotar, ampliar) y acomodarla de manera estratégica para lograr el efecto esperado, a la Capa 1 aclarar para fusionar ambas imágenes, ajustar valores de ambas capas para un buen contraste, Crear capa de niveles para capa de paisaje y ajustarlo, a la capa del paisaje se le arregló el color para tornarse de color morado (Tono/saturación, colorear).

REFLEJO Por: Mariana Carmona Paso mucho tiempo preguntándome porqué estar frente a un espejo y ver mi rostro es sinónimo de inconformidad. ¿Por qué se me ha vuelto común criticar mis grandes mejillas, mis labios desequilibrados, mi nariz o tal vez los mil lunares e imperfecciones que tengo? ¿Acaso lo único que busco son llenar estándares de belleza que ha impuesto la sociedad? Siento que con lo rápida que se ha vuelto la vida cada vez nos cuesta más entender el poder que tenemos con solo una mirada, con solo un reflejo; en medio de la fugacidad de nuestro diario vivir dejamos pasar de forma desapercibida lo que revelan nuestras expresiones, lo que dice nuestro rostro, lo que dice un reflejo del alma. Porque si somos humanos sabemos que al estar frente al espejo no sólo se puede contemplar una figura perfecta, o una piel de porcelana, al vernos al espejo nos damos cuenta que hay un mundo por descubrir, secretos por revelar, y miles de historias que contar. La próxima vez que me vea al espejo quiero abrir un libro y comenzar a leer la más fascinante de las historias en donde pueda viajar, reír, llorar, quiero descubrir cada detalle, quiero ver los árboles y agradecer por sus hojas, por sus matices, quiero vivir, y darle sentido y color a esa vida. Esto es reflejo. Técnica: Para lograr mi fotografía, primero busqué un lugar con buena iluminación y capturé las fotografías con mi celular. Tomé la foto de mi mano sosteniendo un espejo roto con un árbol de fondo y una foto de mi rostro. Luego pasé a editarlas en aplicaciones móviles como Bazaart la cual me permitió recortar únicamente la parte de mi rostro que deseaba y PicsArt con la que pude ajustar tonalidades y aplicar filtros, además logré la implementación de un fondo en papel periódico y la aplicación de un sticker de un libro abierto. Después de tener ambas fotografías editadas, pasé a trabajar con ellas en Photoshop en donde superpuse la capa de la foto de mi rostro encima de la capa del espejo y con ayuda de herramientas de selección como pluma pude eliminar el reflejo del espejo original e implementar la imagen de mi rostro y mediante el desenfoque gaussiano mejoré la naturalidad de la foto para obtener como resultado el producto deseado.

LO QUE EN REALIDAD SOY Por: Sara González Álvarez Descripción de la obra: Soy Sara González Álvarez, una mujer perseverante, idónea y sensible, esas cualidades que en su totalidad me representan, componen lo que soy y el honor que siento al serlo, pero también hay una parte de mí, esa que esconde mis inseguridades y mi miedo al fracaso, esa parte que alojo en mi inconsciente a propósito y que a veces sale como si tuviera vida propia, fue precisamente lo que me impulsó a realizar este autorretrato, mi rostro tal vez muestre un poco de inconformidad, por lo que quiero ser y no logo aún, ese fondo tenue, mi camisa negra, reúnen esa parte que aunque quiero controlar y albergar precisamente detrás de una máscara de persona me acompaña siempre. Ésta foto la tomé de un referente, es una página llamada área PSD, me gustó la propuesta y la apliqué, justamente porque no quería un autorretrato que sólo hablara de lo lindo, de lo que me gusta, de lo bueno que tengo, sino que de alguna manera representara esas cosas que son tiradas al inconsciente, pero que no son dominadas por la razón. Las flores que acompañan la máscara dan cuenta de los “adornos” que a veces le pongo a la personalidad cuando no quiero que temas como mi inseguridad sean perceptibles. Técnica utilizada: 1) creé un lienzo en Photoshop. 2) puse la imagen previamente tomada revisando encuadre y exposición (con un fondo blanco) 3) Con la herramienta pluma, realicé un trazado alrededor de mi rostro en forma de máscara. 4) copié en una nueva capa el trazado que había hecho previamente (ctrl + j) 5) inserté la textura, en mi caso escogí la más tenue posible. 6) puse la textura con la imagen inicial en un modo de fusión llamado luz intensa que se encuentra en el panel derecho. 7) en la capa de la textura, puse una nueva máscara de capa y la invertí (ctrl+ i) esto para crear el efecto deseado y el color de la textura. 8) Tomé un pincel de bordes suaves de la barra de herramientas, le puse una opacidad de 75% y color negro, con él empecé a pintar sobre la máscara de capa creada anteriormente para distinguir ésta capa. 9) puse la capa textura por encima de la capa inicial y por debajo de la capa con la cara duplicada o máscara. 10) con la herramienta mover, que se encuentra en la barra de herramientas, moví la capa de cara duplicada y ahí conseguí el efecto de máscara desplazada lo que da la ilusión de que me estoy quitando la máscara. 11) moví la máscara hacia arriba y hacia la derecha, para conseguir el efecto anterior. 12) puse las flores y pájaros que había descargado previamente de la página área PSD 12) ajusté dichas flores y pájaros en la capa inicial, para que me quedaran debajo de la cara duplicada, los moví hasta dejar la máscara lista y con el efecto deseado. 13) guardé la imagen en formato jpeg y listo.

LA MAGNITUD DEL SOÑAR Por: Mallerly Montoya Este autorretrato está inspirado en una portada de la famosa revista Vogue con toques arrugados para dar la impresión de vejez y una fotografía con tonos oscuros: en clave baja, que quiere transmitir elegancia, sensualidad, intrepidez, y ambición, una manera de expresar que los sueños nunca llegan a ser imposibles. Me llama mucho la atención el mundo del modelaje desde que tengo 13 años y aunque no pueda lograr ese sueño ahora, me gusta imaginarme triunfando en las pasarelas, por eso realicé la foto con un gabán y el pecho descubierto para lograr una imagen sensual y elegante de modelo. La foto fue tomada en un exterior con un ISO 100, un diafragma f/7.6, tiempo de exposición de 1/320 segundos y una apertura de 3.5. Posteriormente la edité en Adobe Photoshop y PicsArt: para darle el efecto de clave baja se recortó, se le aplicó una máscara de color uniforme y otra de niveles y se le aplicó oscuridad con el pincel por toda la persona (yo) ya que el negro es elegante y sensual. Para el efecto arrugado, se agregó como elemento incrustado una fotografía de un papel arrugado, opaqué la capa y la fusioné con la fotografía porque quería dar la impresión de que la revista es vieja y mi “éxito” será largo. El texto de la revista Vogue lo realicé en PicsArt con un sticker de la aplicación y procedí a recortarla para que no quedara muy larga. Para finalizar, en Photoshop le hice dos textos para darle más realismo a la revista.

SOBERANA Por: Laura Celeny Palacio Esta foto, refleja todo lo que soy y lo que quiero ser, mis luchas, el principio y el presente de mi vida. Soy única en todo el sentido de la palabra, amo tanto todo lo que soy y es porque me ha costado tanto ser, mi vida ha sido un sinfín de correr riesgo y que orgullosa me siento. Observo en la foto, a esa persona determinada, segura de sí, que no le da miedo afrontar la vida, racional, muy creativa y eficiente. Esa TERQUEDAD, eso de decir siempre lo que siento y pienso, ha hecho de mi lo que quiero ser. Estoy dispuesta a realizar las variaciones necesarias para seguir trazándome y marcar a todo el que me conoce, con la hoguera y el brillo de mi ser. Inicialmente destaqué el centro de interés, adicionando un Halo de luz alrededor de mi, además utilicé la regla de contraste de color,resaltando la disparidad del concepto. Los tonos en la foto, están en un enfoque contrastado, buscando la combinación en la imagen. Edité la foto con un filtro artístico, en modo de historieta y/o cómic, representándome como heroína y dibujante de mi destino; además sobre-expuse mi imagen al punto más alto, para resaltar mi expresión facial y corporal.El formato Polaroid, refleja mi inspiración al momento de tomar, obsequiar y observar una fotografía. Cada cuadro representa los píxeles distintos de mi vida, que conforman la imagen de lo que soy.

SALIR DE CASA Por: Marianella Sierra Pallares En esta foto quise capturar la idea de una lucha interna que hago conmigo misma cada vez que tengo que arreglarme para salir de la casa. Por un lado me encuentro yo envuelta en mi sábana, mirando con un poco de desprecio o tal vez temor a la yo que se encuentra del lado contrario, cambiada, maquillada y lista para salir. La razón por la que decidí hacer esta foto de esa manera y con esa idea fue porque para mi siempre ha sido un problema deshacerme de la “yo” que se encuentra envuelta en las sábanas y que no me deja hacer nada, ni salir a hacer ejercicio, ni levantarme a hacer mis trabajos, etc. Para lograrla, utilice primero mi celular (iPhone 8) y como deje mi trípode en Medellín me armé con un parlante cuadrado y una lata de ambientador para que fueran mi soporte. Utilice el temporizador y tome las fotos de ambos momentos sin mover el teléfono para que fuera más fácil poner ambas fotos juntas. Use la herramienta Photoshop en el computador para poner una imagen sobre otra y borrar la mayor parte del fondo de la de la sábana, también para borrar los bordes y para mover la imagen a mi acomodo. Luego, utilicé Lightroom y fui por un efecto un poco de “luz fría” y acomodé la exposición para que no fuera tan brillante, el contraste, las sombras y llevé el tono de la imagen a un color magenta para que se viera más con ese tono “frío” ya que la intención era dar una sensación o un ambiente así en la foto. Finalmente, use la aplicación FaceTune2 en mi celular, la herramienta “ tono” para corregir un poco el color de las paredes de fondo ya que se veían mal pintadas y la herramienta suavizar para los bordes y que se disimulara un poco el uso de la herramienta anterior.

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