Historia del arte y del diseño contemporáneo

Trabajo de Análisis: Concepto y significación del diseño contemporáneo desde la perspectiva histórica

Andrea Rodríguez Cámara 1º Grado Diseño de Moda Susana Rioseras y Bernardino Rodríguez Historia del Arte y del Diseño Contemporáneo 21/04/2015

1.

La nueva sociedad de consumo, diseĂąo, arte y revoluciĂłn industrial

Indice: 1. La nueva sociedad de consumo, diseño, arte y Revolución Industrial.

Revolución Industrial Arquitectura

La Escuela de Chicago 2. La llegada del diseño decorativo.

Prerrafaelismo

Arts & Crafts

Estilo Victoriano

Escuela de Glasgow 3. El movimiento modernista.

Modernismo

Primeras Vanguardias 4. Diseño y Art Decó

Art Decó 5. El diseño Industrial Styling

Contexto Histórico

Deutscher Werkbund 6. La escuela de la Bauhaus, pedagogía y aportaciones al diseño.

La Escuela: Bauhaus Fases 7. Arte y diseño tras la II Guerra

Segundas Vanguardias

Tendencias Informalistas 8. El diseño en las transvanguardias

Tendencias racionalistas 9. El diseño contemporáneo del siglo XXI

Tendencias Neorepresentativas 10. El diseño en el entorno español

Introduccion al Arte en España.

Arte contemporáneo en España

Feria ARCO

1.1. Revolución Industrial: Características e innovaciones:

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a revolución Industrial es un periodo histórico que se

desarrolla entre la segunda mitad del siglo XVIII y principios del siglo XIX. Este periodo fue dividido en dos etapas: la primera del año 1750 hasta 1840 y la segunda desde 1880 hasta 1914. Surgió inicialmente en Inglaterra y con el paso del tiempo se extendió a Europa.

La economía establecida en el trabajo manual fue reemplazada por otra dominada por la industria y la manufactura. La Revolución comenzó con la mecanización de las industrias textiles y el adelanto de los procesos del hierro. La expansión del comercio fue beneficiada por la mejora de las rutas de transportes y posteriormente por el nacimiento del ferrocarril.

A mediados del siglo XIX, en Inglaterra se realizaron una serie de transformaciones dentro de las cuales las más relevantes fueron: • La aplicación de la ciencia y tecnología permitió el invento de máquinas que mejoraban los procesos productivos.

• La despersonalización de las relaciones de trabajo: se pasa desde el taller familiar a la fábrica.

• El uso de nuevas fuentes energéticas, como el carbón y el vapor.

• La revolución en el transporte: ferrocarriles y barco de vapor.

• El surgimiento del proletariado urbano.

La iniciativa de la máquina de vapor fue una de las más importantes innovaciones de la Revolución industrial. Hizo posible mejoramientos en el trabajo del metal basado en el uso de coque en vez de carbón vegetal.

A) Innovaciones téncnicas.

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ueron aplicadas al sistema productivo, conduciendo a un colosal incremento de los bienes materiales.

El ejemplo paradigmático lo constituye la máquina a vapor de James Watt.

Una máquina de vapor es un motor de combustión externa que transforma la energía de una cantidad de vapor de agua en trabajo mecánico.

El ciclo de trabajo se realiza en dos etapas: se genera el vapor de agua en una caldera cerrada, por calentamiento directo mediante la quema de algún combustible carbón o madera en sus inicios, derivados del petróleo y gas natural con posterioridad el vapor a presión se introduce en el cilindro arrastrando el émbolo o pistón en su expansión; empleando un mecanismo de biela- manivela éste se puede transformar en un movimiento de rotación de, por ejemplo, el rotor de un generador eléctrico. Una vez alcanza-

B) La edad del vapor:

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a aparición de la máquina a vapor se ha considerado como el inicio de la revolución industrial.

La aplicación de esta fuente de energía realmente transformó el sistema de trabajo imperante en el siglo XVIII. Al comenzar el siglo XIX, tanto Inglaterra como Francia y Estados Unidos comenzaron a tener un acelerado desarrollo en su industria manufacturera y el aprovechamiento de esta nueva energía pronto se utilizó en los buques y ferrocarriles.

• La primera máquina a vapor fue ideada por James Watt el el año 1769.

• El primer ferrocarril fue construído por George Stephenson en el año 1814 Consecuencias Del Ferrocarril: • Estimuló la industria siderúrgica.

• Inglaterra exporta ferrocarriles a otros países.

• Creación de miles de puestos de trabajo.

Otros inventos fueron: • El primer submarino llamado “Nautilus” por Robert Fulton en el año 1801.

• El barco a vapor llamado “Clermont” por Robert Fulton en el año 1807.

C) Expansión comercial:

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e produjo en Inglaterra, posibilitada por dos factores: La ampliación de su mercado interno, gracias a: • El crecimiento de la población, que incrementa la demanda de bienes.

• La mejora del sistema de transportes y vías de comunicación (canales fluviales, carreteras y, más tarde, el ferrocarril).

La expansión del mercado exterior, posibilitada por: • La ampliación y diversificación del comercio externo, estimulado por la demanda de materias primas (algodón) y la exportación de productos industriales (tejidos).

• La ayuda de una potente marina, tanto mercante como militar.

• La posesión de un vasto imperio colonial.

D) El sector textil:

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ué impulsado por la industria algodonera, que desplazó al de la lana en importancia.

En él se producen las principales innovaciones técnicas: • Lanzadera volante de Kay (1773) • Spinning Jenny de Hargreaves (1765) • Water Frame de Arkwright (1767) • Mule Jenny de Crompton (1779).

E) El sector siderurgico:

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a industria del hierro estuvo muy vinculada a la minería del carbón. Fue este mineral (hulla, coque) el que sustituyó a la madera como combustible. Tuvo menor relevancia que el textil en esta primera fase de industrialización.

A su desarrollo contribuyó la incorporación de innovaciones técnicas, como el pudelaje del hierro.

1.2. Expansión comercial:

L

a evolución de la arquitectura viene marcada por la utilización de nuevos materiales y nuevas técnicas constructivas, adaptadas a las necesidades de la nueva sociedad industrial.

Durante los primeros años de este siglo las formas neoclásicas siguieron inundando las principales capitales europeas, en un afán burgués de rememorar las glorias y virtudes de la época clásica.

El movimiento romántico hizo que los arquitectos, animados por un espíritu que sentía nostalgia por el pasado, hicieron resurgir las formas góticas o islámicas. Esta corriente arquitectónica recibe el nombre de “Historicismo” y se caracteriza por el revival de distintos estilos históricos o de procedencia exótica.

Su desarrollo fue determinante para la evolución de la arquitectura y de las artes decorativas. Nació como oposición al arte oficial de las academias y bajo la influencia del romanticismo. Quería recuperar las raíces genuinas de los pueblos, presentes en la etapa medieval, y alejarse de la influencia italiana.

Este nuevo estilo estuvo de moda durante el período comprendido entre el final del Neoclasicismo y la llegada del Art Nouveau. Los arquitectos utilizaron las nuevas técnicas constructivas que permitían el empleo del hierro y otros materiales, para levantar los nuevos edificios.

Esta corriente impuso, para la construcción de grandes edificios públicos, el renacimiento de distintos estilos del pasado: griego, clásico, románico, gótico y el interés por estilos exóticos como el mudéjar, hindú, chino, etc., que se extendieron por toda Europa.

A) El historicismo:

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orriente arquitectónica que sucede al Neoclasicismo y que sienta las bases de lo que será la arquitectura durante siglo XX. Los artistas tienen serias dificultades de encontrar un lenguaje apropiado para responder a los c ambios sociales que se habían producido (revolución industrial, movimiento obrero...).

Al igual que el romanticismo busca nspiración en otros momentos históricos, la arquitectura mirará también hacia la Edad Media. A esto hay que sumarle la influencia que sufren con el fenómeno de la colonización.

Posteriormente a esta arquitectura se añadirá los nuevos materiales, especialmente en EE. UU.

Surgen los estilos revivals: Neogótico, Neorromano y Neomudéjar. Se produce una revalorización y un estudio en profundidad de estos estilos despreciados en siglos anteriores .Al mismo tiempo que se produce esta recuperación de estilos pasados, se produce otra corriente arquitectónica: EL ECLECTICISMO: mezclan en un mismo edificio diferentes estilos. Fusionan de cada estilo lo mejor, por lo que aparece una tipología de nuevos edificios que responden a las nuevas necesidades de la sociedad industrial: edificios que albergan exposiciones universales, estaciones de ferrocarril, puentes, fábricas, bibliotecas, mercados etc.

• Nuevos materiales constructivos: hierro colado, cemento armado , vidrio • Los muros tradicionales empiezan a ser sustituidos por vidrio, hierro.

• Se crean espacios más amplios, las luminosos, se adecuan mejor a la función que tienen etc.

DOS GRANDES GRUPOS:

1

. Los edificios historicistas: El historicismo es esa tendencia arquitectónica que aparece ya a finales del XVIII y que intenta recuperar formas arquitectónicas de otras civilizaciones o antiguas, creando nuevos estilos a los que se llamará “neos”. Entre estos nuevos estilos o “neos” están: El neogótico, que se dio sobre todo en la primera mitad del siglo XIX con el romanticismo.

Un ejemplo es el “Parlamento de Londres” de Charles Barry. En este edificio hay una mezcla de planteamientos clasicistas, por ejemplo, la simetría, la regularidad de la planta, junto con una decoración gótica, que fue realizada por Pugin.

Existe una tendencia a la horizontalidad, pero como contrapunto las torres, de formas y alturas diversas, y los pináculos o remates en forma de agujas, insisten en lo vertical. Se dice que estos elementos verticales lo que intentan es dar un toque más pintoresco y variado al edificio. Otros ejemplos de neogótico son: el Ayuntamiento de Munich, la Catedral de la Almudena de Madrid.

Palacio de Westminster - 1650

Catedral de la Almudena - (1879-1993)

E

l neoindio, que se dio sobre todo en Inglaterra, siendo uno de los edificios más representativos el Pabellón Real de Brighton, cuyo autor fue J. Nash, y en el que se pueden apreciar las cúpulas bulbosas típicamente orientales, los minaretes o torres circulares, columnas clásicas, etc. Se añaden tamBrighton Pavillion - 1823

E

l “neoárabe” y “neomudéjar”, que se dio sobre todo en España y que se manifestó en la utilización del ladrillo y la decoración con cerámica vidriada. Se aplicó mucho a plazas de toros o sinagogas.

El grupo más abundante de obras neomudéjares están en Madrid.

El estilo ofrecía la ventaja de que los materiales de partida resultaban más baratos (ladrillo). Se hicieron numerosas iglesias neomudéjares, como la Iglesia de San Fermín de los Navarros, la iglesia de la Paloma, la obra más importante de Lorenzo Álvarez (1848-1901), la iglesia de San Vicente de Paúl, construida a partir de 1901 por Juan Bautista Lorenzo. Como edificios no religiosos el neomudéjar se vio en edificios residenciales, hoteles, palacetes, etc., ejemplo de lo cual Iglesia de la Virgen de la Paloma y es el Hotel Laredo.

San Pedro el Real- 1912

B) La arquitectura de hierro y de cristal:

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a arquitectura contemporánea surge realmente de las necesidades planteadas por la creciente expansión de las ciudades que trajo consigo la Revolución Industrial. El ferrocarril, que había sido un factor decisivo en este crecimiento urbano, contribuyó a que la ciudad moderna se saliera de sus límites y se proyectara sobre el territorio circundante.

Contribuyó a cambiar el aspecto de las ciudades y del campo con sus estaciones, puentes y viaductos, que se acabaron convirtiendo en un elemento más del paisaje. Fueron este tipo de construcciones, esencialmente prácticas, las primeras que adoptaron los nuevos materiales, el hierro y el cristal que, son sus infinitas posibilidades, revolucionaron la arquitectura posterior. Ya a finales del s. XVIII se construyen las primeras obras con hierro colado o fundido, hecho que en buena parte supone que la labor del ingeniero desplace a la del arquitecto, fundamentalmente en la arquitectura inglesa.

La función de soporte que anteriormente desempeñaba el muro, pasó a ser ejercida por la estructura de hierro. El cristal, que se fabrica industrialmente, permite, a su vez, incrementar la luminosidad del edificio, dado que permite cubrir grandes espacios y eliminar los muros en las nuevas construcciones, resolviéndose así el problema de la adecuada iluminación de los interiores, al mismo tiempo que la electricidad permitía la construcción de edificios de gran altura dotados de ascensores y, paralelamente, solucionar los problemas de aireación. La comunicación interior y exterior del edificio se veía favorecida por estos nuevos materiales.

Las nuevas técnicas constructivas y los elementos prefabricados en serie permitirán la construcción masiva de edificios públicos: galerías, invernaderos estaciones de ferrocarril, bibliotecas, mercados, etc. y de edificios privados: almacenes, fábricas, etc. Se había roto el monopolio constructivo, en cuanto a clientela, de la Iglesia, la aristocracia y la Corona.

Los palacios y las iglesias dejaron de ser el prototipo arquitectónico dominante. El resultado fue la creación de espacios libres, luminosos y funcionales, perfectamente adaptados a las necesidades de la sociedad industrial.

TIPOLOGÍA DE EDIFICIOS: EDIFICIOS PARA LAS EXPOSICIONES UNIVERSALES:

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e trataba de exposiciones donde los países exponían los avances en diferentes campos.

Eran espacios de lucimiento del poder político, económico e industrial de los países y de los gobiernos Los pabellones se construirán con medios técnicos de acordes a su función: edificios que se construían rápidos y que se tenían que demoler una vez acabada la exposición. Los edificios debían ser novedosos respecto a otros edificios.

E

Crystal Palace - Joseph Paxton 1851

l Crystal Palace o Palacio de Cristal es una de las obras más emblemáticas de la arquitectura del siglo XIX; esta enorme construcción data de 1850 – 1851 y fue realizada para la Exposición Universalcelebrada en Londres en 1851. Si bien la historia de las exposiciones nacionales se remonta mucho más allá en el tiempo, la exposición de Londres fue la primera en tener un carácter universal.

Esta construcción arquitectónica ha reflejado perfectamente el espíritu de la sociedad inglesa del siglo XIX y en ella se plasman todos los ideales de progreso y desarrollo surgidos tras la Revolución Industrial.

El Crystal Palace supuso una verdadera revolución arquitectónica al combinar por primera vez y de una manera muy acertada la ingeniería con la arquitectura.

L

a Torre Eiffel es hoy el monumento más emblemático de la ciudad de Paris. Fue proyectado por el ingeniero francés Gustave Eiffel para la Exposición Universal de 1889 que se celebraría en Paris.

Edificada en hierro, es uno de los monumentos que reflejan el cambio que se produce en la construcción en el S.XIX utilizando nuevos materiales (hierro, hormigón…) y nuvevos sistemas de trabajo.

Torre Eiffel - Gustave Eiffel 1889

Si bien es cierto en un principio la torre fue duramente criticada durante la Exposición Universal fue uno de los espacios más visitado, no obstante al término de la misma las visitas caen drásticamente y la sociedad parisina no concibe que se mantenga el monumento de manera permanente. No fue hasta los años setenta cuando se convirtió en el emblema de la ciudad.

B

ibliotecas: Edificios funcionales y bellos. Las salas de lecturas dejan ver las columnas que soportan cúpulas y vidrieras.

Un ejemplo de estas será La Biblioteca Nacional de París construida por Henri Labrouste.

Biblioteca Nacional de Francia - 1792

M Mercado de San Miguel - 1916

E

staciones de ferrocarril: Serán armaduras metálicas de gran amplitud , eliminan los tirantes como novedad y crean espacios diáfanos y amplios. Ejemplos. Atocha, Principe Pío...

ercados: Serán realizados con hierro, cubiertos de cristal sin olvidarse a veces de los tradicionales sistemas de cierre: los muros. Los ejemplos de estos pueden ser: Les Halles de Paris o el Mercado de San Miguel de Madrid.

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alacios de Cristal: El ejemplo más significativo será el Palacio de cristal del Retiro de Velázquez Bosco; se diseñó como pabellón estufa de la exposición de Filipinas. Formado por una planta de tres cuerpos absidiales poligonales de ocho lados.

Tiene una cúpula de cuatro paños. Todo el palacio está realizado en hierro blanco y cristal.

Palacio de cristal del Retiro - 1887

Estación de Atocha - 1892

M

obiliario Urbano: Los nuevos materiales acabarán imponiéndose en la ciudad como farolas, bancos marquesinas, quioscos, templetes, Se realizan elementos pre fabricados de hierro colado para fachadas de edificios, marcos de cristal

Autores: Joseph Paxton: (Milton Bryant, 1801-Sydenham, 1865)

Arquitecto británico. Autodidacta, realizó, para la exposición universal de Londres en 1851, el célebre Crystal Palace, construido enteramente en vidrio y viguetas metálicas; con esta obra se constituyó en uno de los precursores de la arquitectura moderna. También practicó la arquitectura tradicional. Fue asimismo arquitecto-paisajista; obras suyas son varios jardines y parques privados y públicos.

Tatton Park, Cheshire | Italian Parterre Garden

Model of Crystal Palace London,1851.

The Crystal Palace, 1851

Gustave Eiffel (Alexandre Gustave Eiffel; Dijon, 1832 - París, 1923)

Ingeniero y arquitecto francés. Tras graduarse en la Escuela de Artes y Oficios de París 1855, se especializó en la construcción de puentes metálicos. Su primera obra de este tipo la realizó en Burdeos en 1858; en 1877 diseñó el impresionante arco de metal de 160 metros del puente sobre el Duero, cerca de Oporto. Poco más tarde superó su propia marca con el viaducto de Garabit, durante muchos años el tendido artificial más alto del mundo (120 metros).

Planos de la Torre Eiffel.

Viaduc de Garabit

Ricardo Velázquez Bosco (Burgos, 1843-Madrid, 1923)

Arquitecto español. Autor, entre otras obras, de los palacios de Velázquez y de Cristal del parque del Retiro, dirigió la restauración de la mezquita de Córdoba.

Palacio de Velázquez (Madrid), 1855

Palacio de Cristal, El retiro (Madrid), 1887

C) La escuela de Chicago:

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a ciudad de Chicago sufre un incendio conocido gran incendio que la deja en su gran mayoría destruida, lo que supondrá el tener que volver a levantarla de nuevo.

Esta necesidad de crear nuevos edificios, dará pie al surgimiento de la denominada Escuela de Chicago.

Junto a esta, aparecerá un nuevo concepto en la arquitectura de aquellos años; el rascacielos.

La solución que se adopta es la construcción en vertical: muchos pisos elevados sobre una planta reducida.

Al mismo tiempo aparecen los ascensores eléctricos. Esto posibilitará con el tiempo el crecimiento en altura.

Características:

Brooks Building Holabird & Roche, 1909-1910 a Escuela de Chicago está integrada por un conjunto de arquitectos que proponen soluciones similares entre ellos: estructuras metálicas revestidas según la función del edificio, ventanas que podían variar de tamaño cuando se deseara y la eliminación, en muchos casos, de los muros de carga.

L

• Dejan de llevarse edificios con muros que son sólo de piedra (y de gran grosor) y dominarán el panorama las estructuras de hierro recubiertas.

• Eliminan la madera para evitar incendios y la utilización de hierro colado para las columnas revestidas de cerámica .

• Ventanas corridas que ocuparán la mayor parte de las fachadas de los edificios esto dará lo que más adelante se llamará muro cortina.

• Estructuras metálicas (esqueletos o armazón ) que, entre otras cosas, permitirá realizar edificios con gran altura.

• Uso del pilares de hormigón como soporte o cimiento. Será la solución al desafío de construir sobre un suelo arenoso y fangoso.

• Uso de ventanas extendidas horizontalmente por toda la fachada (con las dimensiones que se desee, dado que ya no serán necesarios los llamados muros de carga) • En el exterior, se suprimen los elementos decorativos. Se apuesta por superficies lisas y acristaladas.

Predominan las líneas horizontales y verticales.

• En los nuevos edificios se va a emplear la llamada construcción celular: la repetición de un módulo, bien en anchura o en altura.

• Los eficios van a reflejar la función a la que están destinados. Son edificios muy racionales, simples, casi sin ornamentación. Rechazan conscientemente el historicismo. La belleza del edificio viene dada por las funciones del edificio.

Entrada del Fisher Building 343 South Dearborn Avenue

Reliance Building, Burnham & Root, 1895.

Las Chicago windows.

Arquitectos importantes de la escuela: William Le Baron Jenney (1832 - 1907);

El padre de la Escuela de Chicago proyectó El Home Insurance Company Building en 1884, siendo considerado el primer edificio construido con esqueleto de hierro, a pesar de que algunas de sus paredes tenían función sustentante.

The Leiter Building II

Manhattan Building, 1891

Wirgley Buildings

Louis Henry Sullivan (Boston, 1856 - Chicago, 1924)

Arquitecto y teórico estadounidense. Hijo de padre irlandés y de madre suiza, pero de origen francés, emigrados a Estados Unidos, Sullivan pasó su juventud con los abuelos en la campiña de Boston.

Estudió en el Instituto Tecnológico de Massachusetts, en Cambridge; asistió al estudio de Frank Furness Hewitt en Filadelfia, y fue alumno en Chicago del ingeniero William Le Baron Jenney.

Gage Building

Krause Music Store in Lincoln Square,1922.

Merchants National Bank. Grinnell, Iowa.

1914

2.

La llegada del diseĂąo decorativo

2.1. Prerrafaelismo:

M

ovimiento artístico que surge en Inglaterra a mediados del siglo XIX constituido principalmente por Millais, Hunt, Burne-Jones y Rossetti .

A) Objetivos: • Luchar contra el academicismo • Recuperar un arte más espontáneo, buscando la inspiración en la naturaleza y en los maestros antiguos del Renacimiento, anteriores a Rafael -de donde procede el nombre

B) Temática: • El intimismo burgués • Asuntos de la vida moderna, episodios inspirados en la literatura y escenas religiosas.

• Cierta influencia de los nazarenos alemanes, inspirándose también en ocasiones en la temática medieval.

• Poesía, anticipando movimientos de vanguardia, especialmente el modernismo y el simbolismo.

William Hunt

Edward Coley Burne-Jones

Edmund y Frederick Leighton

Dante Rossetti

John Everett Millais

Dante Gabriel Rossetti (Londres, 1828 - Birchington-on-Sea, Reino Unido, 1882)

Pintor británico. Hijo de un patriota y poeta italiano exiliado en Londres, creció en un ambiente modesto pero de gran nivel cultural. Dudó entre dedicarse a la poesía o a la pintura, optando por esta última, aconsejado por un crítico que le aseguró que llegaría a enriquecerse. En 1848 fundó la Hermandad Prerrafaelista junto con Hunt, Millais y otros pintores.

Proserpine , 1874

Flaming June, Fredrick Lord Leighton, 1830-1896

Dante’s Dream at the Time of the Death of Beatrice- (Detail), 1871

2.2. Movimiento Arts & Crafts:

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l movimiento de Artes y Oficios (Arts and Crafts) surgió como reacción ideológica a los efectos de la industrialización del siglo XIX, considerando que ésta había despojado al trabajador de la posibilidad de enorgullecerse de su oficio, provocando una degeneración del diseño y calidad de los artículos producidos.

El movimiento se inició en Gran Bretaña y dominó un importante sector de la actividad artística y del pensamiento socialista en la segunda mitad del siglo XIX. El estilo producido por el movimiento nació de una actitud ante el proceso artesanal y representaba la búsqueda de un modo de materializar la unidad natural de la forma, la función y la decoración.

Uno de los principios rectores era que un objeto debía adaptarse a la función para la que se había

A) El espíritu del movimiento:

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os miembros del movimiento tenían procedencias muy diversas: había arquitectos, artistas, escritores, pensadores, diseñadores y artesanos. Les unía su creencia en la supremacía del artesano y su modo de vida, y en la superioridad de los objetos hechos a mano sobre los que se hacían a máquina.

Los que se identificaban con las aspiraciones del movimiento se organizaban en pequeños grupos para discutir sus ideas y compartir sus experiencias. La fuente de inspiración de estos grupos eran los gremios profesionales medievales, que tuvieron una gran importancia social en la edad media. Igual que ellos, pretendían fomentar un alto nivel de calidad y diseño, además de educar a la gente para que adquiriera mas conciencia de las artes visuales, y en especial de las artes decorativas e industriales.

Consideraban que esta conciencia mejoraría la calidad de vida de todos, y que la interacción artística aportaría más dignidad al creador y al consumidor.

B) Inspiraciones:

E

n su búsqueda de soluciones, el estilo extraía su inspiración de muchas fuentes distintas, que variaban desde el historicismo gótico hasta las formas orgánicas abstractas, de fuerte tradición vernácula.

Las formas tendían a ser simples, utilizándose motivos lineales y orgánicos, derivados de las masivas formas de la arquitectura gótica.

Las formas naturales - plantas, aves y animales - fueron una importante fuente de inspiración. Se utilizaron en diseños planos bidimensionales y formalizados (tejidos, papeles de paredes) y en objetos tridimensionales (cerámica).

C) Tipografía:

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ipografía con puntas góticas y clara distinción entre trazos finos y gruesos. El estilo de pluma de ave adornaba muchos colgantes hechos por Willian Morris.

Bookman old style: Tipografía parecida al “TipoDorado” diseñado por William Morrisen Las iniciales ornamentales de los manuscritos medievales ofrecían un modelo para diseños decorativos planos, formalizados y sin sombras.

2.3. William Morris:

W

illiam Morris (1834-1896), socialista, poeta, diseñador, tipógrafo y maestro de varios oficios.

Las ideas de Morris acerca de la naturaleza y función del arte y el diseño en la sociedad han influido en el pensamiento del siglo XX. Estilísticamente gran parte de su obra se inspiró en su amor por el arte y la arquitectura medievales.

Sus diseños presentan un estilo plano y formal, que se anima m ediante el uso de colores brillantes y el cuidadoso control de complicados patrones repetitivos.

Morris fundó su propia empresa y en 1861 aparición la firma Morris , Marshall, Faulkner & Co., con el objetivo de producir artículos artísticos creados a mano individualmente y que estuvieran al alcance de cualquiera. También fundo la editorial Kelmscott Press, que publicó libros que seguían el estilo de los manuscritos medievales.

El grupo se consideraba a sí mismos como una nueva estirpe de artistas diseñadores, que podían aplicar su talento a toda clase de diseños domésticos.

En un principio la empresa se especializó en construir cosas estilo neogótico y medieval, pero posteriormente desarrolló un estilo mas orgánico y abstracto.

La bella Isolda - 1858

Detalle de The Worship of the Shepherds window - 1882

Strawberry Thief - 1883 The Wood Beyond the World - 1892

King Arthur and Sir Lancelot - 1862

DiseĂąo textil, Windrush - 1881-83

2.3. Estilo Victoriano: El estilo Victoriano se desarrolla principalmente en Inglaterra y en menor medida en Estados Unidos, durante el reinado de la reina Victoria, quien asumió el trono a los 18 años.

Este movimiento se dá durante el apogeo de la Revolución Industrial, creando un mayor número de productos, pero sin igualar el valor estético de lo artesanal.

2.4. La escuela de Glasgow:

E

n Glasgow, Escocia, surgió un grupo de arquitectos y diseñadores vanguardistas vinculados a la Escuela de Arte de Glasgow, quienes fueron fundamentales para el desarrollo del Art Nouveau en el Reino Unido. Este grupo denominado como “los cuatro”, estaba integrado por Charles Rennie Mackintosh, Herbert McNair (arquitectos) y las hermanas McDonald, Margaret y Frances ( diseñadoras gráficas).

Cuando en 1896 en el certamen de Arts & Crafts, dichos arquitectos y diseñadores exponen sus primeras obras, éstas fueron calificadas como la “Escuela del Espanto”.

Su mobiliario junto con las obras gráficas y los objetos decorativos eran considerados por el director la revista “The Studio” como “expresión de un paganismo casi maligno”.

Esta escuela, a diferencia de las demás, no muestra ninguna influencia historicista.

Esto es así ya que el principal objetivo del Art Nouveau es evitar el clasicismo, tradicionalismo e historicismo. Su distinción sería la sinceridad y la originalidad en sus obras. Aun así, había ciertas características que daban a pensar en la influencia de algunos artistas y culturas.

Las obras de los cuatro se caracterizaban por la simplicidad y la geometrización, alineación, paralelismo, repetición, ejes de simetría, franjas enfrentadas, etc.

Además, predominaban los planos, los volúmenes y las estructuras geométricas; el dominio de la línea, el color y las tramas cuadriculadas; los motivos floreados, principalmente las rosas; las líneas verticales elevadas con curvas sutiles en las puntas para unirlas con las horizontales; y los ángulos rectos y angostos, etc.

En el caso de las hermanas MacDonald, sus obras eran más referidas hacia la religión y con tendencias místicas y religiosas, pero conservando el estilo propio de la Escuela de Glasgow. Además, ellas se dedicaban a la pintura y a los objetos de decoración. 13 Mackintosh, por otro lado, por su condición de arquitecto, se dedicaba más al mobiliario, ya que en esa época era el arquitecto quien diseñaba los muebles para sus construcciones.

Mackintosh, quien fue el principal exponente de la corriente artística Art Nouveau en Escocia, hace uso de elementos abstractos y juega con ellos en el espacio tridimensional. Y a partir de la octava muestra de la Secesión vienesa, su eco será enorme en el continente y de gran influencia en toda Alemania.

Charles Rennie Mackintosh (Glasgow, Reino Unido, 1868-Londres, 1928)

Arquitecto y diseñador británico. Manifestó tempranamente su vocación de arquitecto, a la que se opuso su padre, motivo por el cual se vio obligado a estudiar en cursos nocturnos y compaginar los estudios con el trabajo profesional. Sin embargo, gracias a su talento pudo abrirse camino rápidamente a través de premios y becas, una de las cuales le permitió completar su formación en el continente.

Diseños vidrieras.

3.

El movimiento modernista

3.1. El modernismo / Art Nouveau:

A

l igual que el movimiento de Artes y Oficios, el Art Nouveau se proponía restaurar un equilibrio en las artes y oficios produciendo artículos utilitarios y de lujo con diseño artístico y creando nuevos conceptos arquitectónicos y de diseño interior.

Los diseñadores del Art Nouveau encontraron la fuerza determinante casi exclusivamente en el tratamiento de la decoración superficial.

El rico vocabulario lineal de este estilo, con sus múltiples ornamentos florales y abstractos y sus vigorosas curvas, se aplicó a una considerable gama de formas: desde diseños de cuberterías hasta estructuras de hierro o estaciones del Metro de Paris.

El Art Nouveau impregnó todo el ambiente urbano y traspasó las fronteras, convirtiéndose en la forma más enérgica de expresión artística de su época.

A) Inspiraciones:

L

as artes y objetos japoneses fueron una inspiración fundamental para el Art Nouveau. Los hedonistas del movimiento Estético, que profesaban el culto al arte, se rindieron inmediatamente ante las xilografías japonesas, con su sencilla paleta y sus contornos asimétricos, y del mismo modo se mostraron admirados por la distribución del espacio interior de las casas, el refinado detalle de la artesanía y los accesorios elegantes, como los abanicos y kimonos. el estilo japonés cumplía el precepto de “unidad entre las disciplinas” defendido por el movimiento de Artes y Oficios.

El movimiento floreció en la atmósfera de invernadero que dio lugar al Simbolismo, un movimiento artístico contemporáneo que aludía a las obsesiones freudianas por medio de imágenes vivas y sensuales.

Las rosas, girasoles, lirios y pavos reales tenían un peso iconográfico, mientras que los motivos caligráficos de tipo celta y árabe cumplían un cierto propósito místico. En un invernadero, son las criaturasexóticas -libélulas,escarabajos,saltamontes,lagartos- las que mejor sobreviven.

B) El espíritu del Art Nouveau:

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l Art Nouveau evoca un mundo distante y onírico, donde no existen las estridentes preocupaciones de la vida urbana.

La línea fluida y ondulante domina la forma de las cosas -desde los edificios y muebles hasta la cerámica, cristalería y joyería- y también su decoración superficial.

Los Colores son delicados, con sutiles Contrastes y combinaciones, y se buscan los efectos luminosos y resplandecientes, que se logran con materiales exóticos como el nácar, el cuerno traslúcido, el marfil, el cristal iridiscente.

Sin embargo, en las obras de algunos practicantes se mantienen a raya las curvas voluptuosas y encontramos severos patrones rectilíneos derivados de los interiores japoneses.

C) Escocia:

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HARLES RENNIE MACKINTOSH (1868-1928) Arquitecto y diseñador escocés, cuya obra de carácter sobrio y desnudo influyó en la evolución de la arquitectura y la decoración durante el siglo XX. Mackintosh nació en Glasgow el 7 de junio de 1868 y se formó en la escuela de arte de la misma ciudad. Pronto abandonó el rebuscado estilo victoriano para adoptar un estilo basado en una sencillez personal, caracterizada por las formas geométricas y las superficies despojadas. Sus muebles combinan la rudeza expresiva de la tradición medieval escocesa con la delicadeza de la nueva modernidad, definida por suaves curvaturas, motivos geométricos y el empleo frecuente de maderas lacadas y decoradas. Así, aunque se le considera adscrito al movimiento Art Nouveau, su obra no guarda demasiada relación con la riqueza ornamental de sus coetáneos franceses o catalanes, sin embargo, ejerció una profunda huella en los diseñadores de la secesión vienesa. Su obra ejerció una gran influencia en el desarrollo del movimiento moderno, sobre todo gracias a su poética sencilla y racionalista. A pesar de todo, y al parecer debido a sus excentricidades, el genial escocés abandonó la arquitectura y murió en Londres, olvidado, el 10 de diciembre de 1928. Más tarde se le ha reconocido como una de las figuras fundamentales del diseño y la arquitectura del siglo XX.

Argyle Chair

Willow Chair

Hill House Chair

D) Francia:

H

ÉCTOR GUIMARD (1867-1942): Como la mayoría de los grandes arquitectos del “art nouveau” fue un creador con un estilo propio y personal, incapaz de crear escuela o dejar discípulos, fruto de su propia imaginación y creatividad.

Definido en términos de estos tiempos, fue protagonista de una explosión tan mediática como el estilo que ensayó. Fue, como los arquitectos Antonio Gaudí o Víctor Horta, protagonista del primer intento del siglo XX por encontrar una nueva forma de expresión de la arquitectura, en un mundo donde sus arquitectos se aferraban a modelos del pasado para dar respuesta a una demanda edilicia cada vez más creciente. El art nouveau se desarrolló entre 1893 y 1914, dejando una huella que no se siguió demasiado tiempo, pero que obligó a todos a cambiar el paso, relacionando naturaleza y modernidad, ensayando una expresión novedosa para un mundo que avanzaba a una velocidad nunca antes vista, empujado por una revolución industrial aún en proceso de expansión.

R

ENÉ LALIQUE (1860-1945): Dseñador y decorador francés, nacido en Hay, en el departamento de Marne, en 1860 y muerto en París en 1945. Su formación se llevó a cabo en el taller de un joyero y luego en la Escuela de Artes de París y de Londres. En 1885, ya con su propia compañía, se consideró preparado para presentar sus creaciones al público, lo que tuvo lugar en 1900, cuando enseñó sus joyas, inspiradas en la poesía simbolista y en el arte de Japón, en la Exposición Internacional de París, en la que tuvieron una excelente acogida entre la crítica.

Características de su estilo, uno de los más típicos del gusto modernista, las joyas fabricadas generalmente en oro que no incorporan demasiadas gemas. A menudo representan una figura femenina, que puede aparecer desnuda o con una especie de velos flotantes, al igual que los cabellos, a veces con alas de mariposa o de hada, ya que también es característico de Lalique utilizar insectos y otras formas animales de parecida naturaleza.

Hacia 1914, comienza a experimentar con cristal, material al que también supo imprimir su personal estilo, definido por superficies moduladas y en relieve, que puso de moda durante la década de los veinte. Además de los numerosos artículos de lujo que realizó -sus esencieros y frascos para perfumes son fácilmente identificables-, empleó este material con fines arquitectónicos y de iluminación. Su trabajo fue continuado por su hijo Marc.

Joyería (1860 - 1945)

E) Bélgica:

V

ICTOR HORTA (1861-1947) Es el más importante exponente del Art Noveau en Bélgica, el movimiento artístico-arquitectónico que sucedió al Neoclasicismo y que se extendió por Europa a finales del siglo XIX y principios del XX. Entre sus obras, su casa-estudio destaca por la calidad de su concepción espacial y prolijidad de sus detalles. UNESCO, al declarar este edificio como Patrimonio de la Humanidad, subrayó que “la revolución estilística representada por estos trabajos se caracteriza por la difusión de la luz, y del empalme brillante de las líneas de la decoración con la estructura del edificio Casa Solvay

Casa Tassel, 1893

Maison Saint-Cyr

P

AUL HANKAR (1859-1901): Arquitecto y decorador belga. Fue alumno de H. Beyaert. Junto con H. van de Velde y V. Horta, es una de las máximas figuras del modernismo de su país. Su obra sintetiza el racionalismo constructivo y la tradición decorativa.

Stool, 1898

Hotel Ciamberlani Maison Niguet, 1896

F) Viena:

L

a Secesión es la Asociación de los artistas de las Bellas Artes en Austria. Los portavoces de este movimiento son: Gustav Klimt, Coloman Moser (arquitecto), Joseph Hoffman y Joseph Maria Olbrich (arquitecto) entre otros.

Aunque la Secesión presenta importantes diferencias con el coetáneo Art Nouveau y con otros estilos semejantes; en la Secesión, aunque se busca la elegancia, predomina la sobriedad formal, e incluso cierta severidad, en los casos en que se transgrede la sobriedad sale a la luz el expresionismo, en muchos aspectos por su rupturismo la secesión ya es incluible dentro de los movimientosde vanguardias..

Los carteles provienen del campo cultural, no comercial, como primaba hasta entonces. Los trabajos son muy estructurados, dándoles mucha importancia al orden, el equilibrio y la geometrización (el cuadrado y el cubo son repetidos continuamente).

Los artistas vieneses querían dar a su arte una expresión despojada de sus velos y nada envuelta en accesorios. Un arte propio, sin esclavitudes extranjeras. No quieren imitar al arte exterior, pero sí que les sirva de inspiración y análisis.

La decoración es modernista, ni orgánica, ni naturalista sino estilizada y abstracta. La tipografía es un elemento determinante, le dan gran importancia a la letra, esta tiene un valor formal, compositivo y comunicativo.

En 1903, se forma un nuevo agrupamiento de artistas: los llamados Wiener Werkstätten o Talleres Vieneses, formado por Klimt, Egon Schiele, Oskar Kokoschka, y otros.

Sobre la puerta de entrada del Edificio de Secesion, puede leerse A cada tiempo su arte, y a cada arte su libertad ("Der Zeit ihre Kunst, der Kunst ihre Freiheit").

Gustav Klimt (Viena, 1862 - id., 1918)

Pintor austriaco. Fue la figura más representativa del modernismo pictórico (Jugendstil) en el mundo de habla alemana. Se formó en la escuela de artes aplicadas de su ciudad natal y triunfó como autor de grandes pinturas decorativas en un estilo de corte academicista, del que constituyen un buen exponente las pinturas de la escalera del Museo de Historia del Arte de Viena.

The Kiss.1907

Adele Bloch-Bauer I Medicine & Hygeia, 1901

G) España:

A

NTONI GAUDÍ (Reus, España, 1852 - Barcelona, 1926) Arquitecto español. La obra de Antoni Gaudí se inscribe dentro del movimiento modernista, aunque lo supera ampliamente por la originalidad de sus concepciones y su capacidad para romper moldes y crear nuevas soluciones.

Casa Batlló 1904-06

Casa Milá (La pedrera) 1906–1912

Parque Güell 1900-14 Sagrada Familia, Barcelona.

3.2. Las primeras vanguardias: A) Impresionismo (1874), Neoimpresionismo (1884) y Postimpresionismo (1910):

A

unque algunos historiadores dejan fuera de la clasificación de vanguardias al Impresionismo, fue el primer movimiento que se rebeló contra los gustos que imperaban en la época.

En su caso, el Impresionismo no buscaba el rechazo del público, sino que se olvidaba de la acogida que pudiera tener su trabajo, en favor de una nueva manera de captar la realidad que tarde o temprano se acabaría reconociendo, como así fue. El precursor de este movimiento fue Eduard Manet.

Acabada la época del desarrollo del Impresionismo, y gracias a las nuevas tecnologías de impresión (especialmente influyente fue la fotografía y el descubrimiento de la cuatricromía, que conseguía infinidad de colores con la mezcla de los colores primarios), surge el Neoimpresionismo o puntillismo, llevado a cabo fundamentalmente por dos autores, Georges Seurat y Paul Signac.

Aprenden la lección impresionista y la aplican de un modo más científico, más controlado, mucho menos espontáneo y fresco. La pincelada se hace corta, racional y estudiada.

Fuera de estos dos movimientos quedan tres autores, de obligada mención, como son Vincent Van Gogh, Paul Gaugain y Henri de Toulouse-Lautrec. Se les dio el término histórico-artístico de Postimpresionistas en una exposición celebrada en Londres en 1910, pues, aunque su trabajo no es en absoluto semejante, les une el hecho de haber comenzado su trabajo con el Impresionismo ya afianzado y comienzan su andadura pictórica con un nuevo modo de hacer, en los tres casos de manera muy personal e innovadora y de con una visión más subjetiva y manipulada del mundo.

B) Fauvismo (1905 - 1907):

E

l Fauvismo cuestiona el Arte como representación de la realidad, abogando por un arte subjetivo que expresa sentimientos por medio del color. Término acuñado por el crítico de arte Louis Vauxcelles tras contemplar una exposición (fauve es el término francés para fiera), lo denomina así por su violencia cromática, por sus agresivos contrastes, tintas planas, simplicidad en el dibujo y su ausencia de claroscuro. Los historiadores lo consideran una reacción al Impresionismo. Si éste trataba de enfrentarse a la realidad por medio de la visión, el Fauvismo intenta pintar con la mente. Sus autores principales

C) Cubismo (1907 – 1914):

C

ubismo es el nombre que se le dio al movimiento desarrollado principalmente por el español Pablo Picasso y Braque. Curiosamente fue también L. Vauxcelles el encargado de denominar al movimiento.

Se caracteriza por destruir la óptica renacentista como único punto de vista. Es capaz de representar varios puntos de vista a la vez en una misma imagen, superando así a su rival representativo, la fotografía. Afirma la bidimensionalidad aunque sugiere cierta profundidad con un particular claroscuro.

Niega la luz impresionista y los modula en tonos neutros y pardos, mediante el uso de la faceta (pequeños planos de color superpuestos) y la introducción en el Arte con mayúsculas de técnicas como el collage. Es un movimiento que no trata de captar la realidad presente ante el artista, sino que crea, a partir de la realidad, una imagen propia,nueva. Se basa en la anterior pero que no intenta parecerse a ella, sino aportar más información, incluso, que la propia realidad.

D) Expresionismo (1905 – 1913):

E

stilo surgido en Alemania que trata de dar al espectador una visión de los sentimientos del artista.

Forma, color y textura están al servicio de esa transmisión de los estados de ánimo del autor. Supone el inicio de la pintura abstracta en sentido estricto ya que se desvincula por fin del referente. Es una pintura subjetiva que deforma y exagera. Sus grandes influencias fueron autores consagrados como Goya, el Greco, y otros más recientes como el belga James Ensor y el noruego Edvard Munch. Los dos grandes grupos de artistas del movimiento fueron los llamados “Die Brücke” (el puente) en Dresde formado principalmente por Ernst Kirchner y Emil Nolde y “Der blazer Reiter” (el jinete azul) compuesto por Vasily Kandinsky, Franz Marc, Paul Klee en Munich, ambos con objetivos y rasgos comunes aunque con alguna diferencia estilística que les dividía.

E) Futurismo (1909 – 1914):

E

l primer manifiesto futurista se publica el 20 de febrero 1909, en el periódico parisino “Le Figaro”, escrito por Filippo Marinetti, escritor italiano, que casi con un rigor dogmático no dudaba en afirmar que “un automóvil rugiente, es más bello que la Victoria de Samotracias”. Con ello se exaltaba la modernidad, lo tecnológico, lo mecánico y rompe una lanza a favor de sus cualidades estéticas de estos objetos industriales infravalorados según esta vanguardia. Aunque el movimiento acaba pronto, en 1914 y 16 , tras la I Guerra Mundial algunos de sus componentes radicalizan sus posiciones y se relacionan ideológicamente con el fascismo italiano en las elecciones de 1919. Sus mayores exponentes fueron Humberto Boccioni, Gino Severino y Giacomo Balla. Con el tiempo se produjo un redescubrimiento (cosa frecuente en la historia del arte), pues además de profundizar en las cuestiones ideológicas y políticas, ponía de relieve aquellos aspectos que hacían del futurismo un movimiento de vanguardia de extraordinaria resonancia en su momento, influyendo en movimientos como El Dadaísmo, el Constructivismo ruso, el Surrealismo y que, a largo plazo lo sitúan como punto de referencia, el arte de los años sesenta.

F) Dadaísmo (1915 – 1922):

E

l más radical y agresivo de los -istmos de principios de siglo nació en Zürich (Suiza) obra de Tristan Tzara. Fue una vanguardia anarquista que se mostró rotundamente en contra de cualquier norma social, moral o estética. Contundente, destructor y provocador, basado en lo absurdo, lo elemental, lo casual y lo azaroso (la misma palabra dadá que designó el movimiento se escogió de modo arbitrario en un diccionario). Su objetivo principal era cuestionar unos criterios artísticos fuertemente afianzados y aceptados en la época. El ejemplo máximo de Dadá fue el artista francés Marcel Duchamp que, a través de los denominados ready-mades (objetos industriales sin valor, elevados a la categoría de obra de arte por el simple hecho de exponerlos en un museo bajo una firma y una fecha) trató de ridiculizar la veneración pasiva y poco crítica del público burgués. Gracias al movimiento dadaísta, el Arte abrió sus fronteras y aceptó otros modos de expresión artística, lo que fue su mayor aportación. Era el nacimiento de lo que hoy denominamos arte conceptual. Además de Duchamp, los componentes de este grupo fueron Hans Arp, Francis Picabia, M. Ernst y el fotógrafo Man Ray.

G) Surrealismo (1924 – 1939):

C

omienza con un manifiesto escrito esta vez por el poeta André Breton. El término lo acuña el escritor G. Apollinaire. Se desarrolla, como se puede deducir por las fechas, en un periodo inestable de entreguerras en el que los intelectuales tratan de comprender la profundidad psíquica del hombre, los sueños, lo inconsciente. Los escritos y teorías del psicoanálisis de Sigmun Freud aportó base científica e ideológica, y las obras de Füsli y Blake la influencia artística. Podemos hablar de dos tipos de Surrealismo pictórico y dos grandes grupos de pintores surrealistas. Por un lado, los pertenecientes al Surrealismo figurativo, entre los que se encontraban Max Ernst, René Magritte, Dalí y Chagall, quienes exploraron el surrealismo desde una óptica de realismo formal, pues, a pesar de sus deformidades y transformaciones, nunca abandonaron la referencia real de los objetos. Por otro lado, el Surrealismo abstracto contaba con Yves Tanguy, Miró, Klee y Hans Arp. Parte fundamental esta tendencia fue la escultura. Giacometti, Henry Moore, Alex Calder, M. Ernst y Man Ray.

H) Suprematismo (1915 – 1919):

V

anguardia de origen ruso que comienza con el manifiesto de Casimir Malevitch. Busca la sensibilidad pura del arte a través de un lenguaje plástico nuevo, sin referencias figurativas ni influencias artísticas previas. Evita cualquier referencia de imitación a la naturaleza recurriendo a módulos geométricos de formas puras y perfectas de color austero, en especial el uso del blanco y el negro con algún color poco saturado. Al ser obras de pocos elementos, y además geométricos, tendrá mucha importancia la composición y distribución de éstos en las obras.

I) Constructivismo (1913 - 1920):

E

sta nueva vanguardia comparte origen y fechas con la anterior, por lo que su desarrollo es paralelo y ambas se vigilarán de reojo en su evolución. El constructivismo, con alta carga política e ideológica propia de la revolución rusa, pretende la unión entre las artes, pintura, escultura y arquitectura, por lo que comparte objetivo con una del las escuelas más famosas de la Historia del Arte, la Bauhaus. Este hecho no es casual, pues varios constructivistas fueron profesores o impartieron seminarios en algún momento en dicha escuela alemana. Sus autores principales fueron Vladimir Tatlin, El Lissitzky, Antón Pevsner y Naum Gabo. Prueba de lo completo de este movimiento es su manifestación cinéfila obra de Eisenstein, quien tiene en la cinta de “El acorazado Potemkin” un gran ejemplo.

J) Neoplasticismo

D

e origen holandés, el grupo que lo desarrolló recibió el nombre de “De Stijl” (el estilo) debido al nombre de la revista en la que trabajaban sus componentes y en la que publicaban sus escritos. Fue una prolongación de los valores estéticos el constructivismo, aunque sin su ideología y compromiso político. Demostraron su intento por aunar disciplinas en proyectos completos. Diseñaban el edificio y el interiorismo (muebles, colores de las paredes, colocación de los mismos…) en un mismo proyecto porque entendían que no eran conceptos distintos. Con ánimo de huir de las referencias naturales recurrieron a las formas geométricas puras y a los colores saturados, especialmente los primarios y el negro para dar contraste. Sus principales componentes fueron Theo van Doesburg, y Piet Mondrian.

Autores de las Vanguardias: Claude Manet (París, 1832 - id., 1883)

Pintor y grabador francés. Hijo de un importante funcionario del ministerio de Justicia, Édouard Manet fue un mediocre estudiante interesado únicamente en el dibujo. Ante la resistencia paterna a que iniciara una carrera artística, trató infructuosamente de ingresar en la Escuela Naval hasta que, tras un segundo intento fallido, su familia accedió a regañadientes a financiar sus estudios artísticos, que inició en 1850 en el taller del pintor clásico Thomas Couture.

Rendez vous des chats 1868 Flowers in a Crystal V, 1882

Laundry, 1875 Woman with a parasol, 1881

Georges Seurat (París, 1859-id., 1891)

Pintor francés. Ingresó muy joven en el taller de Lehmann, donde aprendió las teorías acerca de la luz y el color inspiradas en el clasicismo de Ingres. Más tarde participó en la fundación del Salón de Artistas Independientes, que agrupaba pintores de nuevas tendencias como el neoimpresionismo o puntillismo, corriente de la que fue el iniciador. Seurat llevó al límite la experiencia impresionista y, en lugar de reproducir los efectos de la luz, empezó a pintar mediante toques aislados y a plasmar las formas reducidas a sus características esenciales.

A Sunday Afternoon on the Île de la Grande Jatte, 1884 Self Portrait (Autorretrato) The Circus, 1891

Bathers at Asnieres, 1884

Vincent van Gogh

(Groot-Zundert, Países Bajos, 1853 - Auvers-sur-Oise, Francia, 1890) Pintor holandés. En las décadas finales del siglo XIX, el impresionismo marcó el inicio de una profunda renovación de las artes plásticas que tendría continuidad en la sucesión de ismos o corrientes del arte contemporáneo. Algunos de los mejores maestros de este periodo, sin embargo, no pueden encasillarse en ninguna escuela, y abrieron por sí solos nuevos caminos; entre ellos, el holandés Van Gogh ocupa una posición señera.

Le Moulin de al Galette, 1886

Grounds of the Asylum, 1889

Self Portrait (Autorretrato), 1887 Jardin De L’Hospice Saint-Paul, 1889

Henri Matisse

(Cateau Cambrésis, 1869 - Niza, 1954) Pintor francés, máximo representante del fauvismo. El 20 de marzo de 1906 se inauguraba en los grandes invernaderos de Cours-la-Reine, en París, una nueva edición del Salón de la Sociedad de Artistas Independientes. Aquella exposición supuso el primer gran éxito de Matisse y su consagración como pintor y como cabeza visible de un nuevo movimiento. Los lienzos del artista causaron sensación: de gesto espontáneo y color puro, su obra daba las pautas de un estilo nuevo, lleno de vigor expresivo y que se negaba a ser una mera imitación de la naturaleza

Saffron Roses in front of the Window-1925

The Goldfish, 1910

Lorette with Turban and Yellow Jacket, 1917

Meditation (Portrait of Laurette), 1916–17

Pablo Picasso (Pablo Ruiz Picasso; Málaga, 1881 - Moulins, Francia, 1973)

Pintor español. La trascendencia de Picasso no se agota en la fundación del cubismo, revolucionaria tendencia que rompió definitivamente con la representación tradicional al liquidar la perspectiva y el punto de vista único. A lo largo de su dilatada trayectoria, Pablo Picasso exploró incesantemente nuevos caminos e influyó en todas la facetas del arte del siglo XX, encarnando como ningún otro la inquietud y receptividad del artista contemporáneo. Su total entrega a la labor creadora y su personalidad vitalista, por otra parte, nunca lo alejarían de los problemas de su tiempo; una de sus obras maestras, el Guernica (1937), es la mejor ilustración de su condición de artista comprometido.

Blue nude, 1902 The girls of Avignon, 1907

Mother and child, 1901

The dream, 1932

Ernst Ludwig Kirchner (Aschaffenburg, 1880 - Frauenkirch, 1938)

Pintor expresionista alemán. Durante su infancia su familia se trasladó repetidas veces, instalándose finalmente en Chemnitz, donde acudió a la escuela elemental. En 1901 ingresó en la Facultad de Arquitectura del Colegio Técnico de Dresde. En el invierno de 1903 asiste en Munich al Taller Experimental para Artes Puras y Aplicadas; allí entra en contacto con el exotismo asociado al Jugendstil. Se interesa por el neoexpresionismo y por pintores como Toulouse-Lautrec, Vallotton y Van Gogh.

Emma with cigarrette, 1880

Self-Portrait (Autorretrato)

Eaters, 1930

Potsdamer Platz, 1914

Umberto Boccioni (Reggio de Calabria, Italia, 1882-Verona, id., 1916)

Pintor y escultor italiano. Figura clave del movimiento futurista italiano, fue también uno de sus más destacados teóricos.

Se inició en el divisionismo de la mano de Giacomo Balla. Después de pasar algún tiempo en París, Rusia, Padua y Venecia, se instaló definitivamente en Milán y se interesó por todo lo referente a la sociedad industrial moderna.

The Drinker. 1914 Materia, 1912

Elasticity, 1916 Riot in the Galleria, 1909

Salvador Dalí (Figueres, Gerona, 1904 - Púbol, 1989)

Salvador Felipe Jacinto Dalí nace en Figueras (España) en 1904. Entre 1921 y 1925 estudia en la Academia San Fernando de Madrid donde entabla amistad con el poeta Federico Garcia Lorca y el cineasta Buñuel. En 1925 la Galería Dalmau de Barcelona le organiza su primera exposición personal, exposición a partir de la cual Picasso y Miró empiezan a interesarse por sus trabajos.

Woman at the Window ,1925 The Burning Giraffe, 1937

The Eye of Surrealist Time - 1971 The Woman with a Head of Roses

Man Ray (Emmanuel Rudnitsky; Filadelfia, 1890-París, 1976)

Fotógrafo y pintor estadounidense. Cursó estudios de diseño industrial y de arquitectura. Su prolífica carrera comprendió actividades pictóricas, escultóricas y fotográficas. Tuvieron gran influencia sobre su obra la emblemática exposición del Armory Show (1913) y el contacto con artistas dadá afincados en Nueva York, como F. Picabia o M. Duchamp.

Hands Painted by Picasso, 1935

Object intended to be destroyed, 1923

Max Ernst by Man Ray, 1934

Le Violon d’Ingres, 1924

Kazimir Malevich (Kiev, actual Ucrania, 1878-Leningrado, actual San Petersburgo, 1935)

Pintor ruso. Después de estudiar arte en una academia privada de Moscú, pintó primero cuadros de tipo impresionista para evolucionar pronto hacia un primitivismo inspirado en los fauves y hacia un estilo tubular semejante al de Fernand Léger. Participó con obras de este tipo en varias exposiciones dentro y fuera de Rusia. En sus viajes, conoció el cubismo y el futurismo, que le inspiraron creaciones de fragmentación formal cubista combinada con multiplicación de la imagen futurista.

Suprematism, 1915 Suprematic painting, 1918

Black square and red square, 1915

Huile sur le toile, 1928 - 1932

Vladimir Tatlin (Vladimir Evgráfovich Tatlin; Moscú, 1885 - 1956)

Artista ruso, iniciador del constructivismo. Activo representante de la vanguardia soviética, defendió que el arte debía integrarse en el conjunto de la producción, disolverse en la vida cotidiana y renunciar a su actividad exclusivamente estética. Su maqueta para el Monumento a la III Internacional se convirtió en el paradigma del nuevo arte.

Complex Corner Relief, 1915

Chromed Steel and Leather ‘Tatlin’ Chair, 1927

Counter Relief, 1916

Kompozitsiia (Composition). 1916.

Piet Mondrian (Amesfoort, Países Bajos, 1872 - Nueva York, 1944)

Pintor holandés. Por educación y trayectoria vital, sus primeras obras participaron de la tradición paisajista holandesa y de su interés por los efectos lumínicos. En 1907, el conocimiento de la obra de los pintores postimpresionistas cambió por completo sus antiguas nociones sobre el color, cuyo tratamiento abordó a partir de entonces de manera mucho más audaz.

Composition with Yellow, 1936

Tableau No. 1, 1913

Composition (No. 1) Grey-Red, 1935

Amaryllis, 1910

4. Diseño y Art Decó

A) Introducción:

E

l término “Art Deco” se deriva de la Exposición de Artes decorativas que tuvo lugar en París en 1925 para celebrar la llegada de un nuevo estilo en las artes aplicadas y en la arquitectura. Esta frase abreviada se usa hoy día para describir una gama muy amplia de ornamentos y presentaciones: desde los profusos patrones “jazz” de brillantes colores de los años veinte al modernismo metálico aerodinámico de los treinta. La diversidad de interpretaciones refleja la multitud de influencias y tendencias que se produjeron en esta décadas

B) Inspiraciones:

L

as revolucionarias láminas de moda de Paul Poiret, de 1908 y 1911, no sólo despojaron del corsé a las mujeres sino a todo el conjunto del diseño. Con una imaginación inspirada en las exóticas vestimentas árabes y orientales, fué el perfecto traductor de los “Ballets Rusos” de Diaghilev a la alta costura, e inspiraron a artistas y artesanos, que adoptaron la vistosa paleta de los fauvistas, la asimetría angulosa de los cubistas y los motivos geométricos de C.R. Mackintosh, Coloman Moser y Josef Hoffmann. El descubrimiento de la tumba de Tutankamon y el empleo de motivos aztecas y de los indios pieles rojas acentuó el juego de elementos geométricos y contrastes de colores. Después de la Guerra Mundial, la sociedad quería mirar hacia el futuro, y los diseñadores captaron las preocupaciones urbanas contemporáneas: velocidad, viajes, placer y lujo.

C) Características:

S

urgieron una serie de características que buscaban la decoración por encima de la funcionalidad:

• Se basa en la geometría del cubo, la esfera y la línea recta, los zigzags; conjuntos horizontales y verticales de líneas rectas o perpendiculares combinadas con medias y enteras circunferencias, hexágonos y octógonos.

• La energía se convierte en el motivo principal por lo que soles con rayos luminosos radiantes, nubes trazadas rígidamente u ondulaciones que buscan representar fluidos acuáticos son muy característicos.

• El uso de animales como las gacelas, galgos, panteras, palomas o garzas es muy abundante debido a su enorme relación con la velocidad, logrando así esa sensación de dinamismo que buscaban.

• Dentro de la flora, las plantas más usadas son los cactus y las palmeras.

• Las imágenes de fuentes congeladas son empleadas en objetos decorativos y arquitectónicos.

• Como ya se dijo, predominan los materiales caros y extraños tales como cromo, baquelita, carey, plástico, maderas exóticas, ébano y palisandro.

• Las culturas antiguas sirven de inspiración a numerosos autores • La máquina simboliza la nueva era de la mecanización: automóviles, locomotoras, barcos, aviones; así como los electrodomésticos y la energía eléctrica.

• Finalmente, aparecen hombres (gimnastas, obreros o engominados) desnudos o en posturas circulares y vertiginosas sometidos al mundo mecanizado. Reflejan el ímpetu de la época. Además, se emparejan con mujeres que demuestran tanta fuerza que hace pensar sobre la emancipación de la mujer en el siglo XX.

D) El estilo de Hollywood:

E

n los años veinte y treinta, Hollywood proporcionó a millones de personas de América y Europa una oportunidad de escapar de las tensiones y monotonía de la vida cotidiana. Los actores y actrices se convirtieron en “estrellas” y en modelos para la adoración del público, distando los cambios de moda en belleza, estilo y comportamiento. Los interiores solían estar decorados de un modo impracticablemente lujoso y espectacular, pero precisamente por eso captaron las aspiraciones de un público cada vez mas materialista. Las películas se producían a miles y en todos los pueblos y ciudades se construyeron cines para proyectarlas, desarrollando una arquitectura estilo Hollywood, con fachadas llamativas e interiores de lujoso diseño, siguiendo los gustos exóticos del Art Deco.

George Barbier (Nantes 1882 - París 1932)

Fué un pintor francés, ilustrador de moda y uno de los más importantes ilustradores del Art Decó en Francia.

Eventails, 1924

L’Oiseau Volage, 1914

Des Roses Dans La Nuit 1921 Des Roses Dans La Nuit, 1921

Pierre Chareau (4 de agosto de 1883 – 24 de agosto de 1950) Fué un arquitecto y diseñador francés.

Maison de Verre, 1928

Eugène Grasset (Lausana, Suiza, 25 de mayo de 1845 - Sceaux, cerca de París, 23 de octubre de 1917) Fué un escultor, pintor e ilustrador franco-suizo de la Belle Époque y pionero del Modernismo.

Chromolitography, 1896

Suzi Deguez, 1905

5. El diseĂąo industrial

5.1. Styling:

S

urge a partir de la gran depresión del 29 de EEUU, este movimiento trata de que el producto sea superficialmente lo más novedoso y atrayente posible, sin dar valor a su funcionalidad. Se buscan valores estéticos en relación a su apariencia exterior, rediseñando productos en su superficie sin que su estructura fucional se altere. Se preocupa por el aerodinamismo, es decir, por la aplicación de formas redondeadas, a menudo en forma de lágrima, y acabados suaves. Uno de los máximos representantes fue Henry Dreyfuss. (Raymond loewy)

A) Contexto histórico:

C

ontexto histórico: • Influencia de los estudios de la aerodinámica para mejorar el rendimiento de los vehículos en alta velocidad.

• Crisis del modelo Ford (El Styling nació cuando el presidente de la General Motors , Alfred P. Sloan se decidió a arrebatarle el mercado a Ford, quien había tenido un enorme éxito económico con el automóvil Ford T (1908)(La producción en serie de un vehículo cuya forma no vario durante años.)Para lograrlo decidió impulsar el cambio, en vez de rebajar los precios y reducir los modelos, opto por la estrategia contraria: aumentar los precios y diferenciar las características formales de los nuevos modelos.)

• Cambio en el modelo económico.

• Necesidad de hacer productos atractivos para favorecer el consumo • Aparece el diseñador industrial como profesional

5.2. Deutscher Werkbund:

L

a Deutscher Werkbund (DWB) era una asociación mixta de arquitectos, artistas e industriales, fundada en 1907 en Múnich1 por Hermann Muthesius. Fue una organización importante en la historia de la Arquitectura moderna, del diseño moderno y precursora de la Bauhaus.

El Werkbund más que un movimiento artístico era una acción sufragada por el estado para integrar los oficios tradicionales con las técnicas industriales de producción en masa a fin de poner a Alemania en un lugar competitivo con otras potencias tales como Gran Bretaña o los Estados Unidos. Su lema era “Vom Sofakissen zum Städtebau” (desde los cojines de los sofás a la construcción de ciudades) indica su amplio abanico de intereses.

Buscaba una nueva expresión artística en la era de la máquina, con una componente importante de teoría, como todos los movimientos de principios del siglo XX. Entre estos, tres claves hacen destacar estéticamente a este movimiento: por un lado separar la estética de la calidad material, frente a las ideas anteriores que las vinculaban; por otro lado, imponer la normalización del formato DIN; y finalmente, la adopción de la forma abstracta como base estética del diseño industrial, sustituyendo al ornamento.

Lo que antes se veía como una restricción es ahora una virtud, especialmente a partir de 1914, cuando la necesidad militar hace que cada vez más la producción industrial siga estos estándares. La Bauhaus tomaría esta base, permitiendo el nacimiento de la fabricación modular. Se pensó en la posibilidad de fabricar edificios en serie.

Autores:

Walter Dorwin Teague (Pendleton, 1883 - 1960)

Fué un diseñador industrial relacionado con el estilo Art Decó, pero destaca sobre todo por su protagonismo durante el periodo de Streamlining en Estados Unidos tras la crisis del 29.

Kodak Bantam Special, 1930

Champagne glass,1934

Bluebird clock, 1934

Kodak Beau Brownie Camera, 1930

Raymond Loewy (París, 1893 - Montecarlo, Mónaco, 1986)

Diseñador estadounidense de origen francés. Cursó estudios en la Universidad de París y en la École de Lanneau, en la que se licenció en 1918 tras un paréntesis debido a su participación en la Primera Guerra Mundial.

Lucky Strike logo y packaging,

Pencil sharpener, 1934

Greyhound bus, 1979

Henry Dreyfuss (Nueva York, 2 de marzo de 1904 – Pasadena, California, 5 de octubre de 1972) Fué un destacado diseñador industrial estadounidense.

Tostadora para Birtman Electric Co., 1932

Thermos.,1935

Steam iron, 1948

Thermos bottle and cups,, 1933

6. La Bauhaus

6.1. Bauhaus:

6.2. Etapas:

F

1

. Weimar (1919-1924) undada en 1919 en Wiemar por Walter Gropius, surge de la unión de dos escuelas, la En este periodo es importante la influencia del Exde las bellas artes y la escuela artesanal, con un presionismo. El curso preliminar estaba a cargo de legado que quería mantener, sobre el Artista + Johannes Itten. Además, Kandisky y Klee. En 1923 Itten la persona = Bauhaus. El significado etimológico abandona la Bauhaus por un desacuerdo en cuanto de la palabra en alemán significa “Casa de la al manejo del curso preliminar, por lo que es reemplazado por Moholy Nagy (constructivista). Teo construcción” Van Doesburg (constructivista Holandés), a pesar de la Bauhaus pasó por 3 ciudades: Weimar (1919- no formar parte del plantel docente, ejerció gran influencia en los alumnos. La Bauhaus y De Stijl tenían 1925), Dessau (1925-1932) y Berlín (19321934). La escuela Bauhaus también pasó por 3 objetivos similares. En 1923 el gobierno exige a la etapas. En todas dio un aporta a la humanidad Bauhaus muestras de lo que estaban trabajando por muy amplio sobre el diseño, retícula, tipografía, lo que se realiza la Primera Exposición de la Bauhaus, a la que asistieron 15000 personas y do reconocipintura, materiales como madera, metal y la miento mundial a la Bauhaus. El lema de la escuela simplificación y funcionalidad. era “arte y tecnología, una unidad nueva” La estructura de enseñanza cambia de maestroenia como objetivos la estandarización y oficial-aprendiz a maestro-alumno. utilización de la maquina con fines de diseño y establecer una unidad entre el artista, el artesano y la industria buscando elevar la calidad funcional y estética de los objetos.

Racionalización y tipificación de los objetos producidos en serie, síntesis formal rechazando los ornamentos tendiendo a lo constructivo y formal del diseño. La Bauhaus Surge de la fusión de la Escuela de Bellas artes de Weimar con la Escuela de Artes y oficios de Weimar. Aparece en una época en que Alemania se encontraba en un estado de efervescencia, marcada por una violenta lucha económica, política y social, producto de la guerra. Así, es una fusión entre lo artístico y lo tecnológico, en el contexto del desarrollo industrial. Era la consecuencia lógica de la inquietud alemana por mejorar el diseño dentro de la sociedad industrial. Walter Gropius: se convierte en el primer director de la Buahauss. Sostenía que uniendo la enseñanza artesanal a la industrial y artística se puede lograr el artista completo , capaz de dominar todos los sectores de la producción. Manifiesto: - La Bauhaus Weimar poster construcción como totalidad era la principal mira de los artistas. - Plantean un sistema particular, organizado con una estructura medieval, ordenada alrededor de un artista y un artesano (maestro)-oficial-aprendiz.

T

2

. Dessau (1925-1932) Se construye un edificio para la escuela. En este periodo hay una gran influencia del Constructivismo y De Stijl. La identidad y la filosofia de la Bauhaus se desarrollan completamente. Los maestros cambiaron su nombre por e de profesores, y la organización medieval de enseñanza fue abandonada. En 1926 la escuela recibe el nombre de Escuela Superior de la forma. Se modifica el currículo. Surgen nuevos talleres: - Taller de tipografía: dirigido por Bayer (antiguo alumno de la Bauhaus). - Publicidad. - Creación de espacios: diseño gráfico 3D El curso preliminar era dirigido por Moholy Nagy y Josef Albers. Se comienza la publicación de la revista de la Bauhaus y se editan 13 libros que difundían las ideas de la escuela en relación al arte, el diseño y la arquitectura.

Se desarrolla la tipografía, fotografía, publicidad y comunicación impresa.

Diseño Gráfico: - Composiciones asimétricas.

- Tipografía con gruesos filetes.

- Uso solo de negro y rojo. - uso variado de material tipográfico convencional (utillería) - Impresión de programas, catálogos, invitaciones. - Uso de la tipografía con caracter experimental. 1928 fue un año duro para la Bauhaus porque muchos personajes significativos se alejan de la escuela. Se van Gropius, Moholy Nagy y Bayer. El nuevo director es Hanner Meyer, pero solo ejerece 2 años porque renunicia a en 1930. Meyer busca lo funcional de los diseños. Diseños productivos donde no interesa la estética sino la producción.

1930: lo sucede Mies Van der Rohe, arquitecto cuya afirmación “menos es mas” se constituyó en la actitud principal de la arquitectura del sglo XX. Buscaba la máxima expresión con economía de elementos. Al irse Bayer, el taller tipográfico es dirigido por Josst Schmidt.

Se trabaja un diseño variado de la tipografía. Sistema de organización por medio de retícula. Crea un diseño de alfabeto en plantillas.

1931: comienza la persecución nazi: se persigue a los estudiantes y en 1932 se cancelan los contratos a los profesores.

3

. Berlín (1932-1933) Intenta reunirse y seguir sus trabajos en una fábrica abandonada pero ante los inconvenientes deciden darle fin a la escuela. Muchos se trasladan a EEUU con la intención de continuar el movimiento. Aunque la escuela no pudo sobrevivir al nazismo, pudo proyectarse con el traslado de muchos a EEUU. Moholy-Nagy: (Húngaro) - Se inclina hacia el dibujo. - Se vio fuertemente influenciado por el constructivismo, mas que nada por Malevich. - en 1922 participa de la Primera exposición en Weimar. - en 1923 reemplaza a Itten en el curso preliminar. - Experimenta con las técnicas gráficas (tipografía, fotografía) - Principio: los textos, especialmente los de caja baja (minúscula) afirman el programa racional. - Cartel: elemento fundamental. En el, intenta fusiona la tipografía con la fotografía, dando inicio a la fototipografía. - Buscaba contrastes fuertes - Uso audaz del color. - Tipografía como instrumento de comunicación. Los tipos se podían utilizar en todas las direcciones y en todos los tamaños. - Edita “la Nueva visión”, una publicación en la cual sintetiza los principios básicos educativos de la Bauhaus, con el objetivo de educar al público para que comprenda la labor del diseñador. Herbert Bayer: (Austríaco) - En 1921 ingresa como alumno de la Buahaus. Fue alumno de Kandisky y Moholy-Nagy. - En 1923 realiza su primer diseño importante: papel moneda para el Estado de Turingia. - En 1925 es nombrado profesor de la Bauhaus del área de diseño. - Trata de llegar a un alfabeto universal basado en la caja baja, siguiendo las ideas de Moholy- Nagy. Alfabeto simple, sin serif, basado en formas curvas y en algunos casos rectas, construidas racionalmente. Decía que no eran necesarias las mayúsculas ya que en el lenguaje oral o se utilizan y que para lograr las jerarquías se debían usar los contrastes de variables tamaño y peso. - Para lograr jerarquias y llamados de atención en sus diseños utiliza la utellería gráfica. Trabaja con negro y blanco, ordenando sus composiciones de manera dinámica. - Tambien introduce en sus diseños el uso de fotografías. - en 1928 abandona la Bauhaus y se va a Berlín, luego se traslada a EEUU. Jan Tschichold (Alemán) - Trabaja de manera independiente a los diseñadores de la Bauhaus pero muy influenciado por el movimiento. - Aplica idea constructivistas al diseño grafico y tipografico. - En 1923 asiste a la Primera Exposicion de la Bauhaus y queda impresionado. - Trabaja con tipografia asimetrica.

- 1928: publica su primer libro: “La nueva tipografía”. Buscaba una tipografia nueva que exprese el espiritu, la vitalidad y la sensibilidad visual de su época. Rechaza cualquier tipo de decoración en favor de un diseño racional. Diseña Tipografías san serif. - Plantea un ordenamiento en el plano gráfico a basa de una red geométrica subyaciente. (Antecedente de la grilla) - Utiliza la utillería para dar contrastes y jerarquía. - también usa fotografía, pero sin manipularla. - En 1933 es arrestado por los nazis, acusado de crear una tipografía no alemana. Luego se traslada a Basilea, donde continúa su trabajo, peor volviendo a tipografías mas clásicas. Paul Renner (Alemán) Crea la tipografía Futura. Palo seco sin serif, con 15 versiones. Publica el libro “El arte de la tipografía”, donde puntualiza todos los detalles del diseño de la tipografía futura.

Ludwig Mies van der Rohe (Aquisgrán, Alemania, 1886 - Chicago, 1969)

Arquitecto alemán. En 1900 empezó a trabajar en el taller de su padre, que era cantero, y en 1905 se trasladó a Berlín para colaborar en el estudio de Bruno Paul y, de 1908 a 1911, en el de P. Behrens, donde conoció a Walter Gropius y Le Corbusier, que son, junto con él mismo y el estadounidense Frank Lloyd Wright, los mayores arquitectos del siglo XX.

Seagram Building, 1954-1958

Toronto-Dominion Center, 1886-1969

Pabellón Alemán de Barcelona

Le Corbusier (Charles-Édouard Jeanneret; La Chaux-de-Fonds, 1887 - Cap Martin, 1965)

Arquitecto francés de origen suizo que fue, junto a Walter Gropius, el principal protagonista del renacimiento arquitectónico internacional del siglo XX. Además de ser uno de los más grandes renovadores de la arquitectura moderna, fue un incansable agitador cultural, labor que ejerció con pasión a lo largo de toda su vida. Con sus escritos se ganó una merecida fama de polemista y aportó un verdadero caudal de ideas innovadoras que han hecho que su obra influya decisivamente en la arquitectura posterior.

L’ Unite d’ Habitation, 1952

Maison Guiette, Antwerp, Belgium, 1926

La Cité Radieuse de Marseille

Walter Gropius (Berlín, 1883 - Boston, 1969)

Arquitecto alemán, fundador y director de la Bauhaus de 1919 a 1928, figura clave en la renovación arquitectónica del siglo XX. Tenía veintitrés años cuando se le confió el primer encargo de arquitectura: la construcción de un grupo de casas rurales. A los veintiocho, daba a la arquitectura contemporánea una de sus obras fundamentales: el establecimiento Fagus.

Bauhaus Dessau, 1925-1926

Bauhaus School. Dessau 1925-1926

Walter Gropius, 1883-1969

7.

Arte y diseĂąo tras la II guerra

7.1. Segundas vanguardias:

L

as llamadas segundas vanguardias comienzan tras la Segunda Guerra Mundial. Debido a las consecuencias de tan destructor y lamentable acontecimiento, Europa entra en una crisis cultural y política que favorece la emergencia de un nuevo panorama artístico y permite que la capital mundial del arte pase de París a Nueva York.

Estas segundas tendencias se sucedieron muy rápidamente gracias a los nuevos medios de comunicación de masas, cada vez más efectivos por el alto desarrollo tecnológico, pero a la vez de un modo más natural, menos traumático.

La experiencia de las primeras vanguardias dio cierta tranquilidad y sosiego al espectador, que pudo asimilar mucho mejor esta segunda oleada. Esta vez, las vanguardias no eran fruto de artistas incomprendidos que quieren escandalizar al público, sino que se convierten en nuevas y atractivas tendencias. Adquieren un tinte más atractivo, moderno y exclusivo que favorecerá el mercado y la aproximación del público en general.

7.2. Tendencias Informalistas: A) Informalismo:

T

endencia pictórica, también denominada a veces, Tachismo o Abstracción Lírica, a pesar de su desarrollo independiente, compartió con el Expresionismo Abstracto el peso del surrealismo, del automatismo, de la improvisación psíquica como revelación del mundo subjetivo del artista. Se caracteriza por el uso de grandes empastes de pintura, en muchas ocasiones con aditivos (arena, polvo de mármol, yeso…). Su pincelada es impulsiva y da la máxima importancia al gesto. El artista más representativo del estilo fue Jean Dubuffet.

B) Expresionismo abstracto Americano:

T

endencia que muestra grandes e importantes influencias como son el surrealismo, el expresionismo y la abstracción. La referencia con la naturaleza y la figuración en este movimiento está más que superado.

Un importantísimo elenco de artistas compone el grupo que pertenece a esta tendencia. Un grupo, además, que se conocía personalmente, compartieron estudio y sala de exposiciones y reflexiones acerca del movimiento. Cada uno consiguió un estilo personal que les distinguía, pues, aunque pertenecían a la misma tendencia, cada uno optó por un camino distinto. Todos obtuvieron fama y reconocimiento.

C) Arte Póvera:

V

anguardia de procedencia italiana, su máximo representante fue Miguel Ángelo Pistoletto. Le interesa la reutilización de material tecnológicamente poco avanzado, tradicional, no industrial.

Tiene como influencia directa el dadaísmo, especialmente el trabajo de Duchamp. De alto componente conceptual, vuelve a cuestionar determinados criterios artísticos de aparente aceptación general. Entre los artista que cultivan el arte Póvera destacan Antonio Tápies y Govanni Anselmo.

Manuel Millares Sall

Nace en Las Palmas de Gran Canaria el 17 de enero de 1926. Se inició en la pintura de forma autodidacta, gracias a que en las islas se había desarrollado un importante foco surrealista con Oscar Domínguez y Eduardo Westerdahl.

En la obra de Millares pueden distinguirse dos grandes épocas: la primera abarca desde el comienzo de su trabajo hasta 1955 y la segunda, se inicia ese año y concluye con su muerte. El cambio fundamental se produce en torno a la utilización de la arpillera, en 1955.

Alonso Quesada, 1951

Cuadro 144’, 1961

Antropofauna, 1971 Homúnculo

Jackson Pollock (Cody, EE UU, 1912-Springs, id., 1956)

Pintor estadounidense. Durante su infancia y su adolescencia vivió en Arizona y California, y en 1929 se trasladó a Nueva York para estudiar pintura con Benton en el Art Students League. Durante su período de formación conoció la pintura de los muralistas mexicanos, que le impresionó hondamente.

Comenzó su carrera con obras figurativas, en las que presta ya particular atención a los valores matéricos y el cromatismo. Hacia 1938 empezó a interesarse por la pintura abstracta e irracional, y para las obras de este período buscó inspiración en el mundo de los indios americanos.

Number IIA, 1948

Cathedral, 1947

Antoni Tàpies i Puig (Barcelona, 13 de diciembre de 1923 - ibídem, 6 de febrero de

2012), 2fue un pintor, escultor y teórico del arte español. Uno de los principales exponentes a nivel mundial del informalismo, está considerado como uno de los más destacados artistas españoles del siglo XX. La obra del artista catalán goza de un centro de estudio y conservación en la Fundación Antoni Tàpies de Barcelona.

De formación autodidacta, Tàpies creó un estilo propio dentro del arte de vanguardia del siglo XX, en el que se combinaban la tradición y la innovación dentro de un estilo abstracto pero lleno de simbolismo, dando gran relevancia al sustrato material de la obra. Cabe destacar el marcado sentido espiritual dado por el artista a su obra, donde el soporte material trasciende su estado para significar un profundo análisis de la condición humana.

Negre amb linia vermella, 1963

Antoni Tapies, 1990

8.

El diseĂąo en las transvanguardias

8.1. Tendencias Racionalistas: A) Nueva abstracción Americana:

S

u principal componente fue el estadounidense Frank Stella. Es una vanguardia de grandes formatos que afirma la obra como estructura y materia. Destaca así, la composición más que los elementos anecdóticos presentes. Utiliza una paleta muy saturada son obras de clara bidimensionalidad y formas simples, con el objetivo de que éstas no tomen gran protagonismo y el conjunto sea, al fin y al cabo, lo principal.

B) Minimal Art:

E

l arte minimal comenzó siendo una vanguardia más, aunque su proyección e influencia ha sido enorme en el arte y el diseño de final del siglo XX y principios de XXI. Inspirada en el arte oriental, tiene como lema “menos es más”, de modo que, si una imagen, un interior, un objeto industrial, etc., se puede resolver con un mínimo de elementos no se le añadirá ni uno más. De este modo, produce imágenes limpias, aparentemente vacías y simples, aunque con gran carga estética más que funcional.

Uno de sus representantes fue Sol le Witt.

C) Arte Cinético:

T

iene como principio básico el movimiento, de manera que ha estado más presente en escultura que en pintura.

Las obras de arte cinético se pueden encuadrar en tres subcategorías: obras con movimiento propio, ya que se mueven por medio de un mecanismo (motores, ingenios eléctricos) o por acción de algún elemento independiente (música, viento, temperatura), obras de ilusión óptica en las que se encuadra la pintura cinética, y obras interactivas en las que el espectador debe accionar o ejecutar alguna acción.

Como representantes de cada uno de estos grupos podemos nombrar a Alexander Calder, con sus móviles, estructuras colgantes muy ligeras que se mueven con el viento, al español Eusebio Sempere, con sus serigrafías de líneas muy finas y geométricas que al entrecruzarse producen la sensación óptica de movimiento, y a Marcel Duchamp respectivamente.

D) Pop Art:

P

rimera vanguardia neo representativa de origen norteamericano inspirada en artes consideradas menores como son el cómic, la ilustración y el cartel. Trataban de impulsar esa estética de aspecto infantil y lenguaje bidimensional, mostrando en muy ocas ocasiones la pincelada. Utiliza la tinta plana y los colores muy saturados por lo que muchos de los artistas pop recurren al grabado que favorece ese efecto, en especial a la litografía y a la serigrafía. Sus principales componentes son Roy Linchestein, Andy Warhol, Jasper Jons y David Hockney.

E) Op Art:

E

s la abreviatura de “Optical-Art” es un movimiento pictórico nacido en los Estados Unidos en el año 1958, se empleó por primera vez en 1964 en la revista Times. Es una corriente artística abstracta, basada en la composición pictórica de fenómenos puramente ópticos, sensaciones de movimiento en una superficie bidimensional, engañando al ojo humano mediante ilusiones ópticas. Se utilizan estructuras de repetición con un orden claro. Frente a otras tendencias racionales, el Arte Óptico se basa en principios científicos rigurosos con el fin de producir efectos visuales inéditos. Se trata de un arte impersonal, técnico, en el que queda abierta, a veces, la posibilidad de que el espectador modifique la configuración que ofrece. Surge como una derivación de la abstracción geométrica.

Frank Stella (Malden, 1936)

Pintor estadounidense. Estudió historia en la Universidad de Princeton y se trasladó luego a la ciudad de Nueva York. A partir de un expresionismo abstracto, pasó a un estilo esencial, constituido por bandas monocromas o de colores planos, montadas sobre bastidores irregulares (cuadrados o en forma de H o X).

Black Series, Lithograph, 1967

Die Fahne Hoch!, 1959

Harran II’, 1967

Sol LeWitt (Hartford, 1928 - Nueva York, 2007) A

rtista estadounidense. Se graduó en 1949 en la Universidad de Syracusa, en la especialidad de Arte.

Mientras sirve al ejército americano en Japón y Corea en 1951 y 1952, visita y estudia lugares sagrados y jardines orientales. En 1953 hace un curso en la Escuela de Animadores e Ilustradores de Nueva York y se hace diseñador gráfico, trabajando durante algún tiempo (1955-1956) para la firma de arquitectos Pei y Asociados.

Black Loops & Curves No. 2, 1999 Double Negative Pyramid

13/3

Alexander Calder (Filadelfia, EE UU, 1898-Nueva York, 1976)

Escultor estadounidense. Nació en el seno de una familia de artistas, pero no se sintió inclinado inicialmente hacia el arte y cursó estudios de ingeniería mecánica, que más adelante le fueron de gran utilidad. Hasta 1923 no se matriculó en una escuela de arte, en la que comenzó haciendo esbozos rápidos de viandantes.

The Circle, 1934

Alexander Calder (1898-1976)

Large Spiny’, 1966

Andy Warhol (Andrew Warhola; Pittsburgh, EE UU, h. 1928-Nueva York, 1987)

Artista plástico estadounidense. Hijo de emigrantes eslovacos, inició sus estudios de arte en el Instituto Carnegie de Tecnología, entre 1945 y 1949. En este último año, ya establecido en Nueva York, comenzó su carrera como dibujante publicitario para diversas revistas como Vogue, Harper´s Bazaar, Seventeen y The New Yorker.

Mao, 1973

Marilyn Diptych, 1962

Latas de sopa campbell, 1962

National Velvet, 1963

Bridget Louise Riley (nacida en Norwood, Reino Unido, 1931- ), pintora inglesa, figura

destacada dentro del movimiento artístico del Op Art. Creó complejas configuraciones de formas abstractas diseñadas para producir efectos ópticos llamativos.

Riley nació el 25 de abril de 1931 en Norwood; allí estudió entre los años 1949 a 1952 en el colegio normal superior de Norwood, donde se especializó en dibujo, y más tarde en la Royal Academy. A finales de la década de 1950 le influyó el puntillismo de Georges Seurat, ya que el pintor Maurice de Sausmarez, gran admirador de la obra de Riley, a la que más tarde dedicaría un trabajo monográfico (1970), la persuadió para estudiarlo. Sin embargo, Riley alcanzó una gran reputación a través de las obras abstractas que ejecutó en la década de 1960, celebrándose más tarde diferentes exposiciones retrospectivas de sus trabajos, como la que organizó en 1971 la Galería Hayward.

Fission, 1963

Uneasy Centre, 1963

Londen, 1931

9. El diseĂąo contemporĂĄneo del siglo XXI

9.1. Tendencias Informalistas: A) Hiperrealismo:

S

e entiende como una prolongación o evolución natural del Pop Art. En particular, los retratos e imágenes Pop, poseen el atractivo de ser similares a la realidad debido a su origen (muchas de estas imágenes, como los retratos de Andy Warhol se obtuvieron directamente de fotografías) aunque con un lenguaje propio, la mayoría de las ocasiones reducciones de color, dos o tres tonos saturados con el retrato en negro. El grado de iconicidad de una obra, es decir, su parecido con la realidad comenzó a valorarse y eso produjo el nacimiento del Hiperrealismo, un movimiento cuyo objetivo era conseguir el mayor parecido posible con la realidad, hasta límites nunca alcanzados anteriormente. Es, por tanto, una vanguardia de alto poder técnico y de una meticulosidad exagerada en su ejecución. La fotografía fue su principal competencia, aunque siempre trató de distanciarse produciendo imágenes que no pudiesen ser fotografiadas, escenarios imposibles, ángulos forzados, etc. con lo que consiguió su propio terreno en el Arte.

B) Neosurrealismo:

E

s un movimiento artístico visualmente basado en el surrealismo de los 20, pues explora mucho el concepto de arte fantástica creada por este último. Aún la tecnología – con los programas de edición de imágenes y 3D, por ejemplo – ha ayudado mucho a los artistas a crear las visiones surreales de sus subconscientes de un modo que sería imposible hace algún tiempo atrás.

C) Arte Conceptual:

A

unque se puede considerar que el Arte Conceptual nació con el dadaísmo, no fue hasta algo más tarde que se desarrollara como una vanguardia independiente. Sin embargo, comparte muchas de las premisas dadaístas, sin cuya existencia el Arte Conceptual no tendría razón de ser. Es una vanguardia de denuncia hacia una sociedad poco concienciada y crítica con lo que ve en salas y museos, y trata de incitar a la reflexión y a cuestionar aspectos muy afianzados relativos al mundo artístico y a su mercado.

D) Happenings:

E

xpresión del Arte conceptual que se puede considerar independiente. Consiste en realizar una acción, un evento, una actividad que, en sí misma, como acto, se considera una obra de Arte.

Suele tener un guión, parecido a una obra de teatro aunque se da mucho la improvisación del artista.

Se puede dar en diferentes contextos, involucrando en muchas ocasiones al público. Allan Kaprow fue el primero en utilizar el término happening en 1957 en una convención artística para escribir algunas

E) Body Art:

E

l Body Art comparte ideas del Arte Conceptual y del Happening, aunque se centra en especial en el cuerpo humano. Reflexiona acerca de él y lleva a cabo sus manifestaciones mediante el propio cuerpo. Sus temas son eminentemente sociales, sexuales o de contraposición del cuerpo masculino y femenino. Uno de sus baluartes es Bruce Nauman.

F) Land Art:

C

orriente artística surgida a finales de los años sesenta en Estados Unidos que tiene como fin trasladar el trabajo artístico a los espacios naturales, los cuales son transformados por el pensamiento y acción del artista. Generalmente las piezas adquieren enormes dimensiones y su presentación en las galerías suele llevarse a cabo con una extensa documentación de fotografías, videos y textos. Una pareja artística que se encuadra en esta vanguardia son Christo y Jeanne-Claude.

Hugo Laurencena (Buenos Aires, Argentina, marzo de 1950)

Es un pintor argentino, naturalizado mexicano dedicado principalmente al hiperrealismo.

1950 - 2000

George Grie nació en Rusia el 14 de mayo 1962.

Es uno de los primeros artistas digitales surrealistas , Grie es conocido por numerosos 3D , 2D , y la pintura mate imágenes. Nacido en la URSS durante el régimen soviético ( también conocido como Rusia El estilo artístico de Grie ha sido fuertemente influenciado por los surrealistas famosos como René Magritte y Salvador Dalí , Zdzislaw Beksinski y Wojciech Siudmak y el artista surrealista photomanipulation Jerry Uelsmann . Su obra neo-surrealista es una combinación de simbolismo surrealista clásico con moderno fantasía , gótico y arte visionario tendencias.

The Nineth Wave

Ghost Ship Series

Arrested Expansion or Cardiac Arrest

Jasper Johns (Augusta, 1930)

Pintor y escultor estadounidense. Ha sido, junto con R. Rauschenberg, uno de los mรกximos representantes del new-dada y del pop-art. Imรกgenes triviales y objetos cotidianos son absorbidos por un contexto pictรณrico de gran cromatismo, en el que es patente la huella del expresionismo abstracto.

Colored Alphabet

Splish Splash Splatter

Grey Alphabet Flag and Map

Allan Kaprow (23 de agosto de 1927 - 5 de abril de 2006)

Fué un artista estadounidense pionero en el establecimiento de los conceptos de arte de performance.

Allan Kaprow ayudó a desarrollar las instalaciones artísticas y los happenings a fines de los años cincuenta y sesenta. Sus happenings, alrededor de doscientos, fueron evolucionando a lo largo de los años. Con el tiempo, Kaprow cambió su práctica en lo que él llamó «Actividades», relacionando íntimamente piezas para uno o varios jugadores y dedicadas al examen de los comportamientos y hábitos cotidianos de una manera casi indistinguible de la vida ordinaria. A su vez, su obra influye en Fluxus, el arte de performance y la instalación artística.

Calling, 1964 Yard, 1960

Fluids, 1967

Bruce Nauman (nacido el 6 de diciembre de 1941, en Fort Wayne, Indiana, EE. UU.)

Es un artista estadounidense. Su obra abarca una gran variedad de medios, como la escultura, fotografía, neón, video, dibujo y performance.

Nauman estudió matemáticas y física en la Universidad de Wisconsin-Madison y arte en la Universidad de California, Davis. En los años 1980 se trasladó a Nuevo México. Gran parte de su trabajo se caracteriza por un interés en el lenguaje y en la capacidad ambivalente de éste. En 1990 recibió el Premio Max Beckmann.En 2002 participó en la exposición Sunday Afternoon para la galería 303 en Nueva York, EUA 1 comisariada por Patricia Martín fue una selección de obras para destacar cómo la minimización de los medios y los gestos a través de la repetición puede producir obras de extrema densidad visual, física y conceptual.En 2004 expuso su obra Raw Materials en Tate Modern, Londres.

Ocupa el tercer puesto de los artistas más cotizados según Artfacts.

In-fi-nity Dream Passage

Green Light Corridor

Christo (n. Gabrovo, Bulgaria, 13 de junio de 1935) y Jeanne-Claude (Casablanca,

Marruecos, 13 de junio de 1935 - Nueva York, Estados Unidos, 18 de noviembre de 2009) Conformaban un matrimonio de artistas que realizaban instalaciones artísticas ambientales, similares al Land Art. Se caracterizan, principalmente, por utilizar tela para envolver gigantescos edificios o cubrir extensas áreas públicas.

10. El diseño en el entorno Español

10.1. Introducción

E

l arte en España se remonta a las primitivas aportaciones artísticas de los pueblos prehistóricos que poblaron la península hispánica (Altamira) además de sus restos arqueológicos en la protohistoria como ajuar funerario: vasijas, collares, diademas, etc. Y sus tumbas funerarias, como el tholos de la edad del bronce, como otro tipo de enterramientos en monumentos turriformes, en vasijas o esculturas de manos de los íberos. La influencia fenicio-púnica, griega, romana y finalmente la llegada de los pueblos germanos, fundamentalmente el visigodo y alguna influencia bizantina en Levante, determinaría, junto al cristianismo europeo, el arte español durante la Edad Media y hasta la actualidad.

En la España primigenia, es decir, Hispania, la riqueza cultural orientalizante (influenciando a los tartesos e íberos) y del norte (influenciando a la población celta del norte), fueron dos factores determinantes para el enriquecimiento del arte peninsular. El pueblo fenicio y púnico, con la llegada de los griegos más tarde dotaría de una influencia notable para el íbero más adelante.

Su riqueza cultural llegaría a su apogeo en el Siglo de Oro español (mediados del s. XVI hasta mediados del s. XVII), destacando figuras en la pintura como Diego Velázquez, El Greco, en la literatura; Francisco de Quevedo, Góngora, etc. Esta riqueza cultural que rebosa en sus pinturas, esculturas y edificios... además de plazas y calles de las ciudades españolas, es resultado sin duda de la simbiosis de la España cristiana (heredera de la visigoda) y de la islámica, que ha dotado de gran riqueza artística durante los siglos venideros.

10.2. Arte contemporáneo en España

A

pesar de la gran figura de Goya, la pintura española del siglo XIX se caracterizó por la continuidad del academicismo (Vicente López, los Madrazo), siendo la pintura de historia el género más reconocido institucionalmente, y su mayor premio, la estancia en la Academia de España en Roma.

En la segunda mitad del siglo XIX, los pintores Mariano Fortuny o Joaquín Sorolla se acercaron a la ruptura impresionista, mientras que en escultura, destaca Mariano Benlliure. En arquitectura, tras estilos historicistas como el neomudéjar, es el eclecticismo quien preside el cambio de siglo y el modernismo catalán quien realiza las aportaciones más avanzadas, especialmente a través de Gaudí. En el urbanismo, hay que mencionar el Plan Cerdá y la Ciudad Lineal.

El primer tercio del siglo XX ha sido denominado Edad de Plata de las letras y ciencias españolas, aunque los artistas más reconocidos, como Pablo Ruiz Picasso, Julio González, Juan Gris, Joan Miró y Salvador Dalí, produjeron su obra en el París de las vanguardias. En el propio país triunfaron Julio Romero de Torres o Ignacio Zuloaga y la arquitectura recibió el impacto del movimiento moderno a través del GATEPAC.

En la posguerra, los tebeos se convierten en el medio más popular del país.6 Un vena satírica puede rastrearse tanto en la Escuela Bruguera, como en las películas firmadas por Berlanga, mientras que otros cineastas como Buñuel trabajan en el exilio. En un terreno más vanguardista, hay que mencionar a los artistas Chillida, Pablo Serrano, Sáenz de Oíza o Tàpies, mientras que en el oficial triunfa una arquitectura neoherreriana (Valle de los Caídos) y películas históricas como las de CIFESA. Antonio Gades recupera el baile flamenco.

La muerte de Franco acabó con la censura, y dio lugar a un crecimiento cultural explosivo en algunas artes, especialmente en las audiovisuales y gráficas, como el cómic y el diseño, con fenómenos como el de Pedro Almodóvar y el destape. Por otra parte, etiquetas como arte conceptual, postmodernidad o deconstrucción se han extendido a todo tipo de medios: Instalaciones, videoarte, ciberarte e incluso la gastronomía (Ferran Adrià). Gozan, igual que el cine, de un gran apoyo, tanto público como privado (ARCO, Guggenheim Bilbao, Premios Goya, etc.). Arquitectos como Santiago Calatrava y bailarines como Nacho Duato alcanzan proyección internacional, y se imponen nuevas formas de ocio, como los videojuegos.

10.3. Feria ARCO:

A

RCO (Feria Internacional de Arte Contemporáneo | ARCOmadrid) es una de las principales ferias de arte contemporáneo del circuito internacional que, organizada por IFEMA, se celebra anualmente en la Feria de Madrid, España.

Su primera edición se celebró en 1982 bajo la dirección de la galerista Juana de Aizpuru, que dirigió la feria hasta 1986. Tras ella ocuparon el cargo de dirección Rosina Gómez-Baeza (1987-2006),1 Lourdes Fernández (2006-2010)2 y Carlos Urroz3 (2010-actualidad).

ARCOmadrid reúne una oferta artística que va desde las vanguardias históricas, hasta el arte emergente y actual, pasando por el arte moderno y arte contemporáneo. ARCO se ha caracterizado por apoyar el desarrollo de un mercado del arte en España e impulsar el coleccionismo tanto privado como institucional y corporativo

Autores:

Joan Miró (Barcelona, 1893-Palma de Mallorca, España, 1983)

Pintor, escultor, grabador y ceramista español. Estudió comercio y trabajó durante dos años como dependiente en una droguería, hasta que una enfermedad le obligó a retirarse durante un largo periodo en una casa familiar en el pequeño pueblo de Mont-roig del Camp.

Mujer botella situada en el Parque Cultural Viera y Clavijo de Santa Cruz de Tenerife

Mural de Miró en el Palacio de Congresos de Madrid 1980

Mujer y Pájaro, 1983

Jaume Plensa es un artista plástico español, escultor y grabador. Artista muy polifacético

que ha experimentado también con el dibujo, escenarios para ópera, videoproyecciones o instalaciones acústicas.1 Es conocido por sus grandes esculturas formadas por letras y números.2 Nacido en Barcelona en 1955, estudió en la Escuela Llotja y en la Escuela Superior de Bellas Artes de Sant Jordi.

Miquel Barceló (Felanitx, Mallorca, 1957)

Artista español que figura entre los más cotizados y unánimemente reconocidos del panorama actual.

Dotado de una formidable fuerza creativa, su obra abarca desde inmensas telas y murales hasta esculturas de terracota y cerámica. Su pintura, incorpora numerosos referentes culturales, entre los que cabe destacar en una primera etapa el trasfondo mediterráneo, y a raíz de su estancia en Mali, iniciada en 1988, el paisaje y la forma de vida africanos; más recientemente ha introducido en su obra complejas e intelectualizadas reflexiones sobre el entorno privado del artista, como su taller o su biblioteca. Otro ámbito destacado de su actividad artística es la ilustración de libros, capítulo en el cual ha ilustrado obras de Dante, Paul Bowles y Enrique Juncosa, entre otros.

Bibliografía: Google Imágenes y Pinterest pata las imágenes Apuntes personales de la alumna.

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