Block Magazine - Issue 24

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Creativity has its place Issue 24 La créativité a sa place Numéro 24 The Storyteller / Le conteur

Hoop dancer Nimkii Osawamick goes inside the drum circle Nimkii Osawamick, danseur de cerceau, entre dans le cercle des tambours

Digital investing has become a force in the marketplace, from robo advisors to DIY traders and meme stock speculators. But some investors are having second thoughts.

Sense?StillInvestingDigitalDoesMake

“We help entrepreneurs plan for business exits and succession. We help families address the issues around structuring vacation properties, setting up education funds, strategizing retirement income and their estate plans. There are many stages in your life when you want access to that sort of guidance and essential advice.”

“We believe in offering digital without sacrificing the underlying investment expertise that has guided our clients through decades of bubbles, recessions, wars and pandemics.”

“The world is an unpredictable place, and I feel better knowing there is an investment manager who has my back. I also like the fact that I can check my account any time online and speak to someone for advice when I need it.”

“Cumberland is one of the few high net worth boutiques that provides both their large and small investors with portfolio solutions, either digitally or through a more bespoke human advice model. You can subscribe for either proposition, or simply start with digital and let your utilization of services evolve,” she says.

It may sound like Ms. von Schroeter is not a fan of digital investing, but that isn’t true at all.

“With a passive approach, the hottest stocks automatically get added to your portfolio,” says Ms. von Schroeter. “Right now, you may be wishing you hadn’t bought so many high-growth tech stocks and shifted more to other areas of the market. The problem is there’s no one in the driver’s seat to make those critical calls for you.”

Other trade-offs go beyond investment management and include important financial, tax and estate planning as investors’ lives transpire and their wealth becomes more substantial.

Active investing not only means being selective about stocks, it also helps navigate a changing economy through exposure to the right geographic and sector allocations. “We’ve been positioning our clients for higher inflation and rising rates for several months now - I don’t think passive digital services can accomplish that very well,” she adds.

Justin of Toronto has been investing through Cumberland’s digital platform since 2017. His analysis is simple:

To learn more, scan this QR code or call 1-800-929-8296 Cumberland Private Wealth Management Inc.

Alex von Schroeter, Portfolio Manager at Cumberland Private Wealth, says the investors she is hearing from lately, “were attracted to online platforms earlier in the market cycle, and are now beginning to feel the various trade-offs of digital investing.”

The primary trade-off? Doing away with the active input of analysts and portfolio managers and replacing them with ETFs and algorithms that passively follow the market.

THE BUSINESS VizworX’s Jeff LaFrenz on translating big data and leading by example 16

ARTIST’S BLOCK Michelle Ashurov of Reverie Deli’s block is actually a slice 18

THE CONVERSATION On Ukraine: museums, monuments and art reflecting conflict 38

MADE A rose by any other name—but this one’s uniquely Canadian 42

RETHINK The challenge of museums’ artifactual displays 49 FILL IN THE BLANK Glenn Harvey’s orb-like urban infill 50

THE CREATOR On the cover: Hoop dancer, musician and storyteller Nimkii Osawamick honours his elders while dancing to the beat of his own powwow drum 26

ON THE COVER / EN COUVERTURE NIMKII OSAWAMICK

REPENSÉ Les effets personnels au musée 49 VEUILLEZ COMBLER L’ESPACE La dent creuse de Glenn Harvey 50

MAKE ROOM FOR THE ARTS Artist Sonny Assu is linking past and future in a changing city 45

Block de départ 7 Nos collaborateurs 9

LE MOMENT À Calgary, Reaching Families distribue des paniers de vivres 11 MON ESPACE L’atelier torontois de Dom Cheng, où l’intuition est reine 15 L’ENTREPRISE VizworX Inc., et son fondateur Jeff LaFrenz, entre traduction de données et exemples concrets 16 ART EN BLOCK Le gâteau cube fruité de Michelle Ashurov de Reverie Deli 18 L’INTÉRIEUR Othership : sauna collectif, bains glacés et changements d’état au programme 20

Contents / Table des matières BLOCK / 5

LE CHANTIER Studio botté surcycle les déchets montréalais 32 LA CONVERSATION Musées, statues et art ukrainiens à l’image du conflit 38 FABRIQUÉ Des roses 100 % canadiennes 42 PLACE À L’ART Sonny Assu conjugue le passé au futur dans une ville en mutation 45 GUIDE 1 KM  Plaisirs d’été à Vancouver, entre crème glacée minute et cinéma indé 46 D’HIER À AUJOURD’HUI Le complexe Boardwalk, ex-quincailler d’Edmonton 48

LA CRÉATEUR  En couverture : Nimkii Osawamick, danseur de cerceau, conteur et musicien, rend hommage à ses aînés en dansant au rythme de son tambour de pow-wow 26

PHOTO BY / PAR JOHN PAILLÉ

THE 1 KM GUIDE Made-to-order ice cream, indie films and other Vancouver summer delights 46

THE MOMENT Stocking up on staples with Reaching Families in Calgary 11 MY SPACE Ready-mades and an autographed basketball card in Dom Cheng’s studio 15

THE INTERIOR Toronto’s Othership’s sauna and ice-bath house are all about shifting states 20

NOW & THEN The Boardwalk Complex was once Edmonton’s hardware headquarters 48

The Starting Block 7 Contributors 9

WORK-IN-PROGRESS How studio botté is upcycling Montréal’s refuse—and history 32

P O W E R I N A C T I O N Your trusted real estate brokers in Montreal R O Y A L L E P A G E A L T I T U D E 8 Place Du Commerce Suite 104 514 765 0909

The Starting Block / Block de départ BLOCK / 7

Creatives are expert translators, churning ideas and events into artifacts and experiences that help us process all that’s going on around us. / Les créatifs sont des experts en traduction, qui transmutent idées et événements en objets et expériences, nous aidant à comprendre le monde qui nous entoure.

Cette année, le spectacle de clôture de la Biennale des arts de Toronto était signé Judy Chicago. La célèbre artiste féministe a enveloppé de fumée, tour à tour violette, bleue, verte et jaune, une péniche du lac Ontario : un bel exemple de ses « créations d’atmosphères ». Éphémères par nature et aux couleurs symbolisant les sentiments, ses sculptures de fumée enflent, tournoient, puis s’évanouissent dans les airs, ne laissant des traces que dans nos mémoires et nos téléphones. Inspiré par les volutes évanescentes de Judy Chicago, ce numéro de Block est consacré à la transformation d’une idée brute en message, imagé, agréable, voire spectaculaire, et percutant. Le superpouvoir de la créativité est bien la mutabilité qui impulse toutes sortes de changements d’état.

To conclude this year’s Toronto Biennial of Art, iconic feminist artist Judy Chicago enveloped a barge on Lake Ontario with purple, blue, green and yellow smoke—an instance within an extensive body of work creating atmospheres. Ephemeral in nature, and using colour as a metaphor for emotion, Chicago’s Atmospheres puff and swirl to life and then dissipate—an idea made manifest for a while and then gone, captured in memory and on film. The transformative quality of Chicago’s art was an inspiration for this issue of Block , which celebrates the creative’s ability to take raw ideas and turn them into different forms and media—to make ideas visual, palatable, even beautiful—and to impact us in turn. Truly, the creative mind’s superpower is mutability, summoning all kinds of changes of state.

So, in this issue, we step inside Othership, a one-of-a-kind sauna that was designed around water’s shifting states—from ice to steam—and is meant to transform the user’s mental state (The Interior, p. 20). We check in on studio botté’s progress with upcycling Montréal’s discarded street lamps into unique light fixtures that celebrate the city’s history (Work-inProgress, p. 32). We learn how Vineland Research and Innovation Centre is breeding roses, from seed to bloom, uniquely suited to the Canadian climate and inspired by its natural phenomena (Made, p. 42). And we speak to Ukrainian-Canadian artists (The Conversation, p. 38) about the forcible attempted change of state occurring in Ukraine and how art and artists are surviving and translating their experiences of war for those watching from a distance and to future generations.

Dans L’intérieur, p. 20, on découvre Othership, un sauna unique en son genre, qui transforme l’état mental de ses visiteurs en jouant avec les différents états de l’eau : liquide, vapeur ou glace. Dans Le chantier, p. 32, on rencontre le fondateur de studio botté, qui métamorphose les globes des lampadaires montréalais destinés au rebut en lampes originales célébrant l’histoire de la ville. Dans Fabriqué, p. 42, on s’intéresse à l’hybridation des roses : Vineland, en Ontario, crée des variétés inspirées du Canada et adaptées à son climat. Dans La conversation, p. 38, on discute avec deux artistes ukraino-canadiens des impacts de la guerre en Ukraine et de la manière dont les artistes sur place survivent et traduisent leur ressenti tant pour ceux qui sont loin que pour les générations futures.

Les créatifs sont des experts en traduction, qui transmutent idées et événements en objets et expériences, nous aidant à comprendre le monde qui nous entoure. Block témoigne des multiples formes que peut prendre la créativité, tout comme Allied s’est donné pour mission d’offrir des espaces adaptés à tous types d’activités créatives.

PiñeroMazaJesúspar/byPhoto

Creatives are expert translators, churning ideas and events into artifacts and experiences that help us process all that’s going on around us. Block is a testament to the many forms that creativity can take—just as Allied has always, as a matter of course, provided spaces suited to all types of creative endeavours.

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CREATIVE DIRECTORS / DIRECTRICES ARTISTIQUES

MANAGING EDITOR / DIRECTRICE DE LA RÉDACTION Claire Reis

Kristina Ljubanovic

Catherine Dean

134 Peter Street, Suite 1700 Toronto, Ontario M5V 2H2 Canada (416) alliedreit.cominfo@alliedreit.com977-9002

Nicholas Chen-Yin, Julie MacKinnon

Michael Nyarkoh

TRANSLATOR / TRADUCTRICE Catherine Connes

Contributors / Nos collaborateurs BLOCK / 9

Michelle Ashurov is a designer of food and space. She creates dream-like confections under the moniker Reverie Deli and contributed one of them to this issue’s Artist’s Block (p. 18). / Michelle Ashurov, architecte d’intérieur et de gâteaux, réalise des délices design sous le nom de Reverie Deli. Elle signe L’art en block (p. 18).

COPY EDITORS - PROOFREADERS / RÉVISEURES - CORRECTRICES Suzanne Aubin, Jane Fielding, Lesley Fraser

ALLIED

COMMISSIONING EDITOR / RESPONSABLE DES COMMANDES Mélanie Ritchot

WHITMAN EMORSON

ILLUSTRATIONS BY / PAR KAGAN MCLEOD

Yasemin Emory, Whitney Geller

EDITOR-IN-CHIEF / RÉDACTRICE EN CHEF

BLOCK IS PUBLISHED TWICE A YEAR. / BLOCK EST PUBLIÉ DEUX FOIS PAR AN.

Ossie Michelin (The Creator, p. 26) is an award-winning Inuk journalist and filmmaker from the community of North West River, Labrador. / Ossie Michelin, journaliste et cinéaste inuit de North West River, au Labrador, a rédigé Le créateur (p. 26).

A part-time freelance journalist and full-time public sector worker, Hunza Chaudhary (Rethink, p. 49) is passionate about social justice and the South Asian diaspora community. / Hunza Chaudhary, fonctionnaire à temps plein et journaliste pigiste à temps partiel, s’intéresse à la justice sociale ainsi qu’à la diaspora sud-asiatique dans Repensé (p. 49).

PHOTO & ILLUSTRATION EDITOR / ICONOGRAPHE

This issue’s The Creator (p. 26) and cover subject was shot by John Paillé, a Toronto-based Anishinaabe (Beausoleil First Nation) and French-Canadian portrait photographer./  John Paillé, photoportraitiste franco-canadien et anichinabé (Première Nation Beausoleil) signe la photo de couverture et celles du Créateur (p. 26).

ASSISTANT PHOTO & ILLUSTRATION EDITOR / ASSISTANT ICONOGRAPHE

213 Sterling Road, Studio 200B Toronto, Ontario M6R 2B2 Canada (416) whitmanemorson.cominquiry@whitmanemorson.com855-0550

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The Moment / Le moment BLOCK / 11 APRILFRI. 8 1:37 13H37AVRILVEN.P.M.08BY/PARXIMENAGONZÁLEZPHOTOSBY/PARCHELSEEIVAN

From the shelves of a warehouse to a soon-to-be family of eight’s cupboards. / Des étagères d’un entrepôt au garde-manger d’une famille de bientôt huit.

The fare stored in the 6,000-square-foot main floor of the building stretches beyond the hampers. A portion of the food the organization collects is donated to soup kitchens or taken directly to Calgary’s vulnerable populations. “This building is a huge asset to what we do,” Remington says. “Without the square footage, we couldn’t give out a quarter of the hampers that we do.”

Dans la pièce d’à côté, Rick Remington, président de R.E.A.C.H., examine avec soin 900 kilos de nourriture récupérés ce matin chez Costco.

Les denrées entreposées sur ces 560 m2 ne finiront pas toutes au fond d’un panier. Une partie sera donnée aux soupes populaires ou distribuée directement aux populations vulnérables de Calgary. « Ce bâtiment est un énorme avantage, explique Rick. Sans cette superficie à notre disposition, on ne pourrait pas sortir un quart de nos paniers. »

À 14 h 15 tapantes, Jen et Nathan se garent dans l’allée et cinq enfants bondissent hors de la camionnette familiale. Tous se précipitent sur leurs sept boîtes contenant fruits et légumes, poulet congelé, plats préparés, conserves et produits d’entretien.

As Nathan loads the boxes into the van, the kids gleefully play around and peek into the boxes—they’ll go to bed feeling full tonight.

Pendant que Nathan les dépose dans le coffre, les enfants tentent, en riant, de deviner ce qui s’y cache. Ils se coucheront le ventre plein ce soir.

The Moment / Le moment 12

“We don’t ask for [proof of] income; we don’t ask for anything.”/ « On ne demande pas de justificatif de revenus; on ne demande rien. »

En 2021, Reaching Families a distribué 20 201 kilos de nourriture aux Calgariens dans le besoin.

Meanwhile, Gagnier walks through a maze of shelves stacked to the ceiling with pantry staples, filling a hamper for a family of eight. “Two adults and six children, including one on the way,” she says.

In the back of the space, music blares from a smartphone while Calah, a bubbly volunteer who helps every Friday, inspects a load of non-perishable goods before they’re put on the shelves. Only damaged items go to waste.

Au fond, sur une trame sonore émanant d’un téléphone, Calah, une pétillante bénévole qui vient les vendredis, inspecte des produits non périssables. Seuls ceux abîmés seront jetés.

At 2:15 p.m. sharp, parents Nathan and Jen pull up in the alley and five children bounce out of the family van. They dart toward the seven boxes filled with fruits and vegetables, frozen chicken, pre-made meals, canned food and cleaning supplies they’ve come to pick up.

Par ce bel après-midi dans le quartier calgarien de Beltline, le rezde-chaussée du Ellison Block (ex-Ellison Milling et Elevator Co.), un entrepôt d’Allied datant de 1929, grouille d’activité. Des bénévoles de Reaching Families — un programme d’aide alimentaire géré par l’organisme caritatif local R.E.A.C.H. Ministries — s’affairent à remplir des paniers. Dans une demi-heure, des familles viendront les chercher, sans question aucune.

« On ne demande pas de justificatif de revenus; on ne demande rien », confirme Melissa Gagnier, responsable du bâtiment.

“We don’t ask for [proof of] income; we don’t ask for anything,” says Melissa Gagnier, the warehouse manager.

Melissa, elle, parcourt le labyrinthe d’étagères, où les vivres s’entassent jusqu’au plafond, à la recherche de quoi garnir un panier pour huit : « Deux adultes et six enfants, dont un en chemin. »

Not far behind her, Guy, a volunteer, pushes an already-half-full dolly—each hamper weighs between 150 and 250 pounds.

Non loin d’elle, Guy, bénévole, pousse un chariot à moitié plein : chaque panier qu’il contient pèse de 65 à 110 kilos.

It’s a balmy April afternoon in Calgary’s Beltline neighbourhood. The ground floor of Allied’s Ellison Block, (née Ellison Milling and Elevator Co.), a warehouse built in 1929, bustles with activity. Volunteers of Reaching Families—a food assistance program led by R.E.A.C.H. Ministries, a local charity—are hard at work assembling food hampers to be picked up by families within the next half-hour, no questions asked.

In the front room, Rick Remington, president of R.E.A.C.H., carefully examines 2,000 pounds of produce retrieved from Costco this morning.

In 2021, Reaching Families gave out 44,536 pounds of food to Calgarians in need.

The Moment / Le moment BLOCK / 13

Reaching Families warehouse manager Melissa Gagnier stands with Rick Remington, president of R.E.A.C.H. Ministries. Reaching Families gave out 44,536 pounds of food to Calgarians in 2021, which Remington says wouldn’t have been possible without their warehouse space at Ellison Block. / Melissa Gagnier, responsable de l’entrepôt de Reaching Families, et Rick Remington, président de R.E.A.C.H. Ministries. En 2021, l’organisme caritatif a distribué 20 201 kilos de nourriture aux Calgariens, ce qui n’aurait pas été possible sans l’entrepôt d’Ellison Block, selon Rick Remington.

“I always keep remnants of art installations I’ve worked on in the past. These 10 strips of newsprint were the first of 10,000 that were individually hand-stamped and numbered for a Come Up to My Room exhibit at the Gladstone Hotel. The theme of the installation was hoarding.” / « Je garde toujours un fragment des installations artistiques sur lesquelles je travaille. Ces 10 bandes de papier journal étaient les premières des 10 000 à être estampillées à la main et numérotées pour une expo Come Up to My Room à l’hôtel Gladstone. L’installation avait l’accumulation pour thème. »

2. 10,000 Untitleds (Series 1–10) / 10,000 Untitleds (série 1 à 10)

“On a whim, I wrote Celtics legend Bob Cousy to extol on his contributions to the game and asked if my son and I could visit him in person one day. He didn’t extend an invite, but we did receive an autographed card: ‘To Dom + Kobi—Peace, Bob Cousy.’” / « Sur un coup de tête, j’ai écrit à Bob Cousy, la légende des Celtics, pour le féliciter de son jeu et lui demander s’il accepterait de nous rencontrer, mon fils et moi. Il n’a pas lancé d’invitation mais on a reçu une carte dédicacée : “To Dom + Kobi—Peace, Bob Cousy.” »

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4. Artemide Tolomeo Table Lamp / Une lampe de bureau Tolomeo d’Artemide

“I spend a lot of time making things and thinking about how ordinary materials can be repurposed to serve different functions.” / « Je passe beaucoup de temps à fabriquer des choses et à réfléchir à comment détourner des matériaux ordinaires de leur fonction première. »

3. 1961 Fleer Bob Cousy (In Action) Basketball Card / Une carte de basketball Fleer de Bob Cousy, 1961, en action

5. Readymade (Study no. 2, masking tape) / Readymade (étude n° 2, ruban de masquage)

MadeReady-

1. Moleskine Pocket Sketchbook and Kaweco Supra Fountain Pen (Brass) / Un carnet de croquis Moleskine et un stylo plume Supra laiton de Kaweco “These two things follow me everywhere I go and allow me to put ideas to paper.” / « Ces deux-là me suivent partout et me permettent de coucher mes idées sur le papier. »

My Space / Mon espace BLOCK / 15

“I believe every designer has one of these.” / « Je crois que tous les designers en ont une. »

BY / PAR KRISTINA LJUBANOVIC PHOTO BY / PAR DOM CHENG

Based out of his home office in Toronto’s east end, architect Dom Cheng’s practice, Nonument, is a quintessential studio—a place to work, play, learn and grow. He creates buildings, spaces and objects, approaching each task intuitively: “I tend to fall in love with certain forms and shapes that inform my drawing work and vice versa.” / Aménagé chez lui à Toronto, le bureau de Dom Cheng, Nonument, est l’exemple parfait de l’atelier d’architecte : un endroit pour travailler, s’amuser, apprendre et évoluer. Un endroit où il conçoit des bâtiments et des objets en suivant son intuition : « J’ai tendance à tomber amoureux de certaines formes qui influencent mes dessins et vice versa. »

Un exemple? Dans le secteur de la construction, les retouches, à savoir ce qui ne sera visible qu’au fur et à mesure des travaux, représentent 5 % à 30 % du coût d’un projet. Si on fait le calcul à l’échelle mondiale, ce sont environ 3 000 milliards de dollars qui sont gaspillés. On a donc mis au point un jumeau numérique : une reproduction numérique à l’identique du projet réel dans laquelle on peut se promener avant de donner le premier coup de pelle.

AS TOLD TO / PROPOS RECUEILLIS PAR NAVNEET ALANG ILLUSTRATION BY / PAR GRACIA LAM

For example, if you look at the construction industry, five to 30 percent of the typical cost of a project is “rework”—redoing things that aren’t noticeable until you’re in construction. If you look at that on a global scale, there is somewhere around $3 trillion wasted on rework. So, what we’ve built is a way for people to do a walk-through of what we call a digital twin—a digital replica of a real-world thing—before a spade is put in the ground.

Je vois beaucoup de technologies utilisées à des fins qui, à mon avis, n’ont pas grande valeur. Elles ne servent pas à résoudre de vrais problèmes significatifs. Chez VizworX, on essaie par exemple de réduire la pêche illégale dans le monde : un problème de plusieurs milliards de dollars qui touche plusieurs millions de personnes. On s’attaque à des sujets qui ont une réelle importance.

What we do is twofold. One side is in the data visualization space, where we turn data into insights, knowledge and ultimately decisions. The other side of what we do involves an area that has blown up lately, and that’s the whole idea of building a metaverse. Not in the sense of a consumer metaverse, which seems to be so popular these days, but the practical, valuable use of this metaverse concept to solve real-world problems.

Et nous nous sentons souvent dépassés : ces données ne sont pas digestes ou alors trop nombreuses pour en dégager un schéma clair ou leur présentation ne nous paraît pas naturelle.

La transition techno

The Tech Transition

We spoke to Jeff LaFrenz, founder of VizworX Inc., about innovation, the tech ecosystem and translating big data into forms and information that’s usable. / On parle innovation, écosystème techno et traduction de données en informations utilisables avec Jeff LaFrenz, fondateur de VizworX Inc.

Notre activité est double. Le premier volet consiste à la visualisation des données : on transforme les données en idée, en savoir et, au final, en décision. Le second implique un domaine qui a explosé récemment: la construction d’un métavers. Pas dans le sens du métavers pour consommateur, qui a la cote ces jours-ci, mais plutôt de l’utilisation de ce concept à des fins pratiques, pour résoudre les problèmes du monde réel.

The Business / L’entreprise 16

But we are often overwhelmed. The data we see sometimes just isn’t digestible, or there is too much of it to pull patterns from the noise, or the way it’s presented just isn’t human—it’s not natural.

Un coup d’œil dans le rétroviseur nous rappelle que nous devions adapter notre comportement aux possibilités technologiques. Nous nous trouvons dans une période de transition, en route vers un avenir où données physiques et numériques se chevauchent.

A look at how we used technology in the past showed that we had to adapt our behaviour to what technology was capable of. Now we’re in a transition period, moving toward a future where digital and physical information overlap.

I see a lot of technology that’s used for purposes that, to me, don’t have high value. It’s not being used to solve real-world, meaningful problems. At VizworX, we’re doing things like trying to reduce illegal fishing in the world, which is a multibillion-dollar issue that affects a huge number of people. We’re trying to tackle things that have a real importance to people in the world.

“Leadership is not a title but an attitude. Lead by example. Anyone can be a leader, big or small, if they choose to be.” / « Le leadership est une attitude et non un titre. Menez par l’exemple. Quiconque le décide peut être leader, grand ou petit. »

The Business / L’entreprise BLOCK / 17

THE BEST ADVICE I’VE EVER RECEIVED / LE MEILLEUR CONSEIL QU’ON M’AIT DONNÉ

Michelle Ashurov’s fruit basket cake is made of olive oil chiffon sponge cake filled with orange blossom whipped cream, peeled green grape, kiwi, mango, strawberry and raspberry and enrobed in salted lavender Italian meringue buttercream. / Panier de fruits se compose d’une génoise à l’huile d’olive, garnie de crème fouettée à la fleur d’oranger, raisins blancs pelés, kiwi, mangue, fraises et framboises, enrobée d’une crème au beurre à la meringue italienne, parfumée à la lavande salée.

Artist’s Block / Art en Block 18

Cube Cake by Michelle Ashurov of Reverie Deli /Le gâteau cube de Michelle Ashurov de Reverie Deli

EACH ISSUE, WE ASK AN ARTIST TO CREATE A BLOCK USING THE MEDIUM AND APPROACH OF THEIR CHOICE. / DANS CHAQUE NUMÉRO, NOUS DEMANDONS À UN ARTISTE DE CRÉER EN TOUTE LIBERTÉ UNE ŒUVRE D’ART FAÇON BLOC.

Artist’s Block / Art en Block

BLOCK / 19

The Interior / L’intérieur 20

Cet endroit unique en son genre à Toronto, qui combine sauna collectif et bains de glace, affiche son originalité dès l’arrivée. Son enseigne, un caisson lumineux jaune accroché en surplomb, brille comme un phare tandis que la poignée de sa porte d’entrée, une version tactile du logo d’Othership, évoque tant une toupie qu’un vaisseau spatial.

L’autre zen

BY / PAR MARYAM SIDDIQI PHOTOS BY / PAR GRAYDON HERRIOT COURTESY OF / OFFERTES PAR OTHERSHIP

Zen Unalike

The Interior / L’intérieur BLOCK / 21

Othership is just one block away from Toronto’s King West party scene, but even in that short distance, there’s a noticeable vibe shift. It’s quieter, calmer and more relaxed—an ideal location for a wellness experience that’s intended to be social, shared with friends both old and new.

Ornate doors divide a Toronto street and Othership’s interior, where the spa experience unconventionally blends with the social and a changed mental state is on the menu. / Une porte ouvragée sépare une rue torontoise d’Othership, un spa mêlant bien-être, expérience sociale et changement d’état mental.

The unique sensibility of this one-of-a-kind place in the city—a communal sauna and ice-bath house—is felt before you take a step inside. Its signage, a yellow light box affixed to the overhang, calls like a beacon, and the door handles, a tactile version of Othership’s logo, were inspired by a spinning top (and resemble an alien vessel). / L’Othership n’est qu’à un pâté de maisons des rues animées de King West, mais ces quelques mètres suffisent à changer d’ambiance. C’est plus tranquille, plus silencieux, plus détendu : un lieu idéal pour vivre une expérience de bien-être qui se veut sociale, partagée entre amis de longue date ou que l’on vient tout juste de rencontrer.

ABOVE: Non-gendered change stalls are available for those venturing into one of Othership’s four ice baths or the dunk showers. / CI-DESSUS : Avant de s’aventurer dans les quatre bains d’eau pard’Othership,glacéeonpasselevestiaireuniversel.

The Interior / L’intérieur 22

RIGHT: Between cold dunks and hot sprees in the sauna, “Shipheads” can mingle over a beverage or around the communal fireplace in what’s been designed to be a shared, social experience. / À DROITE : Entre trempette glaciale et suée au sauna, les visiteurs peuvent socialiser autour d’un verre ou de la cheminée dans des espaces conçus pour une expérience partagée.

“The hot and the cold bring us into our bodies, bring us into a present state of awareness of ourselves and each other.”/ « Le chaud et le froid nous font prendre conscience de notre corps, du moment présent, du moi et de l’autre. »

For Othership’s clients, “Shipheads” as they’re called, there is surprise and delight at every turn. The space is a manifestation of what happens to bodies and minds journeying through hot, cold and then back again— within an hour’s visit.

The Interior / L’intérieur BLOCK / 23

Une fois à l’intérieur, les clients peuvent choisir de « suivre le flot », passant du chaud au froid comme bon leur semble, ou de participer à une séance guidée. Un guide, tel Harrison Taylor, leur proposera alors des exercices de respiration, de circulation et de méditation dans le sauna, puis les encouragera à se plonger dans un bain d’eau glacée.

While guests can partake in a “free flow” session, moving between the sauna and cold baths at their discretion, Othership’s mission comes alive with its guided classes. Guides like Taylor lead visitors through breathing, movement and meditation exercises while they’re enveloped in the heat of the sauna and then provide encouragement as they slip into bathtubs filled with icy water.

« Le chaud et le froid nous font prendre conscience de notre corps, du moment présent, du moi et de l’autre », précise-t-il.

Surprise»et plaisir y attendent les clients à chaque instant, le lieu ayant été imaginé comme une manifestation de ce qui arrive au corps et à l’esprit naviguant entre chaud et froid en l’espace d’une heure.

The connection between hot and cold was fundamental to the design of the floor plan as well as the material selection for the 3,000-square-foot space, says Ali McQuaid, creative director of design firm Futurestudio. “There’s a fluid motion that we kind of force on you as you go through the space between the hot and the cold,” she explains.

Cedar is used in the sauna but also on the walls, a choice McQuaid says was inspired by the heat, while brick, used on the walls of the plunge

“[We evoke a] sense of playfulness, of fun, of curiosity and of not really knowing where you’re going to end up,” says Harrison Taylor, one of Othership’s five founders.

Ce lien entre le chaud et le froid a également servi de fil conducteur à l’aménagement de cet espace de 280 m2 ainsi qu’au choix des matériaux qui le composent, explique Ali McQuaid, directrice de la création de l’agence de design Futurestudio.

“The hot and the cold bring us into our bodies, bring us into a present state of awareness of ourselves and each other,” Taylor says.

Toujours d’après Ali McQuaid, le bois de cèdre, qui habille le sauna et les murs, a été inspiré par le chaud et la brique, qui recouvre les murs des bains et la cheminée du salon de thé, par le froid.

« L’idée est de piquer la curiosité, de mêler le jeu et l’inconnu », explique Harrison Taylor, l’un des cinq fondateurs d’Othership.

« Il y a un mouvement fluide, qui s’impose à nous en quelque sorte, lorsqu’on se déplace de la partie chaude à la partie froide et vice-versa.

area and to house a fireplace in the tea room, was inspired by the cold.

“We need to make people feel good in their skin—they’re halfnaked. So how can we make them look good, feel good and not feel vulnerable?” he says. “You have a state shift within this space, and when you leave, you’re a different person.”

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Othership’s 50-person sauna is made of western red cedar (inspired by the heat) with bricks (inspired by the cold) incorporated into the design. / Le sauna, qui peut accueillir 50 personnes, est en thuya géant, inspiré par le chaud, et en brique, inspirée par le froid.

Le but, conclut Harrison Taylor, était de créer un espace sécuritaire et propice à la transition, d’accompagner le passage physique de la rue au sauna, du tailleur-pantalon au maillot de bain devant des inconnus, du chaud au froid.

« Les gens étant à moitié nus, on doit faire en sorte qu’ils se sentent bien dans leur peau, vulnérables et à l’aise en même temps. C’est un lieu où s’opère un changement d’état, on en sort différent. »

Light was integral to setting the mood and creating an environment where everyone can feel safe. Pendants and flush mounts deliver soft, dim lighting. Small candles placed in nooks create a glow. There’s an orb-like James Turrell–inspired light in the tea room that can be either energizing or calming, depending on how you adjust the colour value, saysTheMcQuaid.goal,says

Les différents sièges et le sol du salon de thé sont revêtus de tissus conçus pour les bateaux et donc capables de résister à l’humidité comme aux pieds mouillés. « Au lieu des spas, on a préféré regarder ce qui se faisait dans d’autres établissements où l’eau entre en jeu », ajoute-t-elle.L’éclairage aussi était important, tant pour définir l’ambiance que pour créer un sentiment de sécurité pour tous. Les suspensions et luminaires encastrés produisent une lumière douce et tamisée pendant que des bougies éclairent chaleureusement les coins. Dans le salon de thé, un globe diffuse une lumière à la James Turrell, énergisante ou apaisante selon sa couleur, poursuit la designer.

Taylor, was to create a space that is conducive to and safe for transitions: the physical transition of going from a downtown city street to a sauna, from fully clothed to being in a swimsuit in front of strangers, from hot to cold.

McQuaid had to find textiles that could withstand humidity and being trod on with wet feet. Multi-level seating and flooring in the tea room are covered in textiles used on boats. “Instead of looking at spas for inspiration, we looked at other water-based design inspirations,” she explains.

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At the age of three, Nimkii Osawamick danced at a powwow for the first time, dressed by his mother in toddler-sized grass dancing regalia. The Anishinaabe artist from Wikwemikong—or the so-called Manitoulin Island—has since become a renowned hoop dancer and educator and recently secured a Juno Award nomination for a more recent creative venture: singing.

Car c’est bien là que tout a commencé. Le tambour du pow-wow rythme sa vie depuis cette première danse tout petit. À 13 ans, il participe à des compétitions de danse libre, l’un des quatre fondements de la danse pow-wow. Deux ans plus tard, il trouve sa vocation.

Nimkii Osawamick avait trois ans lors de son premier pow-wow. Il portait la tenue traditionnelle des danseurs de l’herbe, préparée par sa mère. L’artiste anichinabé, originaire de Wikwemikong sur l’île Manitoulin, est depuis devenu un danseur de cerceau reconnu, discipline qu’il enseigne également, et vient d’être nommé aux prix Juno pour sa nouvelle activité créative : le chant.

« La danse du cerceau a changé ma vie, affirme-t-il un grand sourire aux lèvres. Elle m’a permis de voir le monde autrement : j’ai plus de respect aujourd’hui pour tout ce qui est vivant. »

Populaire dans la tradition autochtone, cette danse est un élément de base des pow-wow. Le danseur évolue avec plusieurs cerceaux,

« C’est tellement tripant pour moi, pour l’enfant qui a grandi dans les pow-wow », lance-t-il.

Hoop dancing is a popular form of Indigenous dance and a powwow staple. The dancer performs with multiple hoops—sometimes more than 20—swinging and spinning them to the rhythm of the drum.

Powwow Heartbeat Pulsations pow-wow

Osawamick says he is blown away that his group, Nimkii and the Niniis (“Nimkii and the guys”), is among the first-ever Juno nominees in the traditional category of the Canadian music awards show. “This is so exciting for me, as a kid who grew up in the powwows,” he says.

“Hoop dancing changed my life,” he says with a broad smile. “It has made me see the world in a different way, and I have more respect now for all living things.”

Il n’en revient pas que son groupe, Nimkii and the Niniis (ou « Nimkii et les gars »), fasse partie de la toute nouvelle catégorie « Artiste ou groupe autochtone traditionnel de l’année » de ce gala qui récompense le meilleur de la musique canadienne.

For as long as Nimkii Osawamick can remember, the powwow has been part of his life. Now, the recognized hoop dancer has more tools—drumming, music, mediation—in his quiver for telling stories. / D’aussi loin qu’il s’en souvienne, le pow-wow cadence la vie de Nimkii Osawamick. Tambour, chant, médiation… Le célèbre danseur de cerceau a depuis ajouté des cordes à son arc pour raconter ses histoires.

BY / PAR OSSIE MICHELIN PHOTOS BY / PAR JOHN PAILLÉ

For Osawamick, that’s where it all started. The powwow drumbeat has been part of his life since that first tiny-tots dance at the age of three. At 13, he began performing at competitive fancy dances, one of the four cornerstones of powwow dancing. But It wasn’t until a couple of years later, at 15, that he found his calling.

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“It’s one of the greatest forms of storytelling,” says Osawamick. Dancers can go from dancing and spinning the hoops into a tight formation—all in the blink of an eye. By interlocking the hoops, they can mimic animals like the snake, bear or thunderbird.

Hoop dancers are often clad in intricate regalia that identifies who they are and where they come from. Regalia is highly personal, bold and colourful. Sometimes it’s made of organic materials like bone, shell and natural pigments. Or it can be bright, neon and made of synthetic materials.When Osawamick was first learning to hoop dance, he used seven hoops and over time worked his way up to using 22. As he became more experienced, he realized the real challenge was doing more with

The Creator / Le créateur

« C’est le meilleur moyen de raconter une histoire », poursuit-il.

“That’s what hoop dancing talks about: the plant life, the animal life. It talks about how our body is a link in the chain, and without any of these great nations that you’re seeing honoured in this dance, we wouldn’t be here today,” says Osawamick.

Le danseur enchaîne les figures à une vitesse vertigineuse : les cerceaux tournoient dans les airs et, la seconde d’après, se retrouvent rassemblés. Leurs mouvements, leurs entrelacements, représentent tour à tour des plantes ou des animaux, comme le serpent, l’ours et l’oiseau-tonnerre.

Quant à la tenue du danseur de cerceau, elle est souvent très élaborée, chaque ornement ayant une signification particulière, servant de carte d’identité. Elle est intimement personnelle et confectionnée à partir d’éléments naturels, comme des os, coquillages et pigments, ou de matériaux synthétiques aux couleurs vives.

“There’sless. so much you can do with just three hoops and precise

parfois une vingtaine, les faisant tourner au rythme du tambour.

Nimkii Osawamick at McGinnis Lake in Petroglyphs Provincial Park. / Nimkii Osawamick au bord du lac McGinnis dans le parc Petroglyphs,provincialenOntario.

Nimkii Osawamick a commencé à danser avec sept cerceaux puis,

« La danse du cerceau raconte la vie végétale et animale. Elle raconte que notre corps est un maillon de la chaîne et que, sans toutes ces grandes nations auxquelles elle rend hommage, on ne serait pas là aujourd’hui. »

Throughout his career, Osawamick has shared the stage with iconic Indigenous artists like Buffy Sainte-Marie and DJ Shub (formerly of A Tribe Called Red). Last year, he collaborated with some of the country’s best choreographers and dancers in New Monuments , which showcased Toronto’s leading IBPOC (Indigenous, Black and people of colour) dancers and aimed to dismantle and heal Canada’s colonial history.

For Osawamick, it was seeing hoop dancers collaborating with contemporary musicians and artists that really grabbed his attention. He says he felt that this blend of the contemporary and the traditional reflected his personality and helped him connect with wider audiences.

Quand il ne danse pas, ne chante pas et ne bat pas le tambour, Nimkii Osawamick s’occupe de son entreprise de médiation

Les collaborations entre danseurs de cerceau et musiciens contemporains l’ont toujours intéressé. Ce mélange entre tradition et modernité correspond à sa personnalité et lui permet d’élargir son public.

« J’ai toujours été danseur, celui hors du cercle des joueurs de tambour. Maintenant, j’apprends les différents rythmes et les chants », explique-t-il, en précisant que ces apprentissages font de lui un meilleur danseur.

Grandir dans la communauté pow-wow lui a permis de comprendre sa culture et d’avoir un mode de vie sain en évitant la drogue et l’alcool. Aujourd’hui, après de longues années passées à danser, il a décidé d’essayer les autres disciplines que sont le chant et le tambour.

Il a partagé la scène avec des artistes autochtones de renom comme Buffy Sainte-Marie et DJ Shub (ancien membre du groupe A Tribe Called Red). L’année dernière, il a participé à New Monuments, une production éblouissante qui rassemblait des danseurs PANDC (personnes autochtones, noires et de couleur) de Toronto pour offrir un autre regard sur le colonialisme.

« On peut raconter tellement d’histoires rien qu’avec trois cerceaux et des figures précises. Quand on se déplace beaucoup, six cerceaux, c’est plus facile à transporter », blague-t-il.

The Creator / Le créateur

“I was always the dancer on the outside of the drum circle, and now I get to learn the beats and how all the songs are formulated,” he says, adding that learning to sing and drum has made him a better dancer.

à force d’entraînement, est arrivé à 22. Plus il se perfectionnait, plus il se rendait compte que le véritable défi était de faire plus avec moins justement.

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OsawamickNimkiiparoffertes/ofcourtesyPhotos

formations to tell a story,” he says. “As a performer who travels around, [I find it] a lot easier to carry six hoops,” he adds with a chuckle.

Osawamick says that growing up in the powwow community helped him connect with his culture, avoid drugs and alcohol and live a healthy life. After a lifetime of powwow dancing, he decided to try his hand on the other side of powwows, singing and drumming.

Aside from performing, Osawamick works on cultural mediation through his company Dedicated Native Awareness (DNA) Stage to help share Indigenous knowledge through dance and song. DNA Stage offers workshops on hoop dancing, powwow dancing, singing and more to give others the chance to learn about the Indigenous perspective through dance and song.

En ce Jour de la Terre, il en animait un à l’Ontario Science Centre. « Je me suis servi de la danse du cerceau pour rappeler aux enfants que tous les êtres vivants ont un esprit qui mérite le respect.

But his performances are more than mere entertainment, or even storytelling—they’re a demonstration. He believes it’s important to see Indigenous people proudly expressing their culture, considering that Indigenous drumming and powwows were banned in Canada for generations. It was only in the 1950s and early ‘60s that Indigenous culture was Osawamickdecriminalized.sayshesings to honour his elders, who fought to carry on their traditions and ways of life.

On Earth Day this year, Osawamick gave a workshop at the Ontario Science Centre. “I used hoop dancing to remind the kids that every living thing has a spirit that deserves respect,” he says, adding: “I especially love performing for kids. When I make a formation and their faces light up, I almost feel like a magician.”

Pourtant Nimkii Osawamick ne fait pas dans le divertissement. Toutes ses représentations sont des manifestations. Il croit qu’il est important de voir les Premières Nations exprimer fièrement leur culture, sachant que les pow-wow ont été interdits au Canada pendant des générations. La dépénalisation de la culture autochtone ne date que des années 1950 et du début des années 1960.

PREVIOUS PAGE (from left to right): Osawamick onstage in his fancy dance regalia with DJ Classic Roots at a 2018 festival in Thunder Bay, Ont.; and leading a hoop dancing workshop for youth as part of the First Fire dance program in Toronto. / PAGE PRÉCÉDENTE (de gauche à droite) : Nimkii Osawamick, dans sa tenue traditionnelle de danse libre, avec le DJ Classic Roots lors d’un festival en 2018 à Thunder Bay, en Ontario; en train d’animer un atelier de danse de cerceau pour des jeunes à Toronto.

RIGHT: Osawamick singing and drumming at a Water Walk—organized by his mother, Liz Osawamick, and held annually on Mother’s Day—as a way of sharing water teachings with the community. “We walk for the ultimate mother, Mother Earth,” he says.  / À DROITE : Nimkii Osawamick chante et joue du tambour lors d’une promenade de l’eau : organisée par sa mère Liz, cette marche, qui a lieu tous les ans à la fête des Mères, est un partage du savoir sur l’eau avec la communauté. « On marche pour la mère suprême : la Terre Mère », explique-t-il.

The Creator / Le créateur

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culturelle : DNA (Dedicated Native Awareness) Stage. Dans le cadre d’ateliers de danse et de chant notamment, il partage les richesses de la culture autochtone.

Quand Nimkii Osawamick danse et chante, c’est en l’honneur de ses aînés, qui se sont battus pour perpétuer leurs traditions et leur mode de vie.

J’aime beaucoup manier les cerceaux devant les enfants. Quand j’exécute une figure et que je vois leurs visages s’illuminer, j’ai l’impression d’être un magicien. »

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Philippe Charlebois Gomez, fondateur de studio botté, se souvient du jour où un ami lui a envoyé une photo de globes de verre empilés sur le trottoir. Une vraie aubaine pour ce récupérateur d’objets, qui a fait du surcyclage sa spécialité, transformant des grilles de ventilateurs (plus de 3 000 dans les cinq dernières années), lattes de stores vénitiens et manches à balai usagés en luminaires chics.

Originally slated for the landfill, street lamps that have illuminated Montréal’s streets since the ‘60’s are getting a second life. / Les lampadaires qui éclairent les rues montréalaises depuis les années 1960 ne seront pas jetés aux oubliettes.

Montréal’s classic street lamps are being modernized, replaced individually with LED bulbs, rendering the familiar glowing glass orbs obsolete. But with the help of a local artisan, who came across the discarded lamps, some will see a new life instead of going to the landfill.

« J’ai l’habitude de créer mes lampes tout seul, de A à Z », confirme-t-il.

He later learned that between 4,000 and 12,000 lamps would be thrown out in total, part of a larger city-wide effort to convert all street lamps to LED. “That’s when I went, ‘Oh my god, this is bigger than me,’” he

L’artisan attribue sa créativité, et son intérêt pour le surcyclage, en partie à sa mère : petit, il assistait aux ateliers de fabrication de jouets à

BY / PAR MÉLANIE RITCHOT PHOTOS COURTESY OF / OFFERTES PAR STUDIO BOTTÉ

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Grâce à un projet nommé Faro, ces vestiges de l’histoire locale redeviendront donc des luminaires, l’artisan ayant même l’idée d’y graver le nom de la rue où ils ont brillé pendant des années.

Il est parti les récupérer au pas de course. « Ce n’est que de retour à l’atelier que j’ai réalisé que ces globes provenaient des lampadaires de la ville de Montréal datant de l’Expo 67. Je n’en revenais pas! », explique-t-il.

Il doit pour l’instant s’occuper des 140 et quelques globes qu’il a déjà récupérés : les nettoyer, les sabler, puis les monter en lampe. Un projet ambitieux pour lequel il a d’ailleurs demandé de l’aide à un organisme de surcyclage local : une première pour lui.

La Ville, qui souhaite doter la totalité de ses lampadaires d’ampoules à DEL, devrait se départir de 4 000 à 12 000 globes de verre. Quand il l’a appris, Philippe a trouvé que c’était beaucoup trop pour lui.

A New Light Surcyclage lumineux

Philippe Charlebois Gomez, the founder of studio botté, remembers the day a friend sent him a quick photo of the globes on the side of the street. This is a typical process of material collection for Charlebois Gomez, who upcycles discarded items like fans (more than 3,000 in the past five years), blinds and broom poles found around Montréal into high-end light fixtures.

Throughout their decades of use, the lamps aged and discoloured differently, depending on their sun exposure. “Some of them were sprayed with black paint on half of the sphere because people didn’t like the light coming in through their bedroom window,” Charlebois Gomez says.

Au fil du temps et en fonction de leur exposition au soleil, ils ont pris des teintes différentes. « Certains sont même peints en noir, souvent sur une moitié, certainement par des résidents qui ne voulaient pas de cette lumière dans leur chambre. »

Charlebois Gomez hustled to pick up the spheres. “I realized when I had them here at the studio, that they were the street lamps from the City of Montréal, dating from [the time of] Expo 67, and I was in disbelief,” he says.

Now, the plan is to turn these artifacts of local history into light fixtures—potentially even engraving them with the names of streets they spent years shining light on—in a project called Faro.

Montréal modernise son éclairage de rue, en équipant les lampadaires d’ampoules à DEL. Les globes de verre qui les chapeautent, devenus obsolètes, ne finiront pourtant pas tous à la décharge : certains auront droit à une seconde vie grâce à un artisan local et à son brillant talent.

Thesays.more than 140 lamps he has collected so far (with the help of a local upcycling organization) will have to be cleaned out, sanded down and wired. The project will be the largest he has taken on so far and the first in which he will have others working on the light fixtures with him.

Then, while working in design, he started collecting fans and other discarded items around Montréal on his bike commutes, storing them under his desk without knowing how he would put them to use.

« Dès que quelque chose semble un peu cassé, les gens s’en débarrassent. Alors qu’il y a beaucoup d’éléments à exploiter. »

Petit à petit, ses trouvailles ont fini par envahir l’appartement de 165 m2 qu’il partageait avec trois colocataires. Cet espace est aujourd’hui le studio botté : un atelier, une salle d’exposition et une grande réserve.

“I’m used to tackling every one of my lamps myself from start to finish,” he Charleboissays.Gomez started studio botté about four years ago, after quitting his job in industrial design. The artist credits his creativity and interest in upcycling in part to his mother, who ran crafting workshops using recycled materials at orphanages and schools where he’d help out. “I think it really sharpened that muscle in the brain that tells you that any material can be malleable and transformed,” he says.

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Over time, Charlebois Gomez’s scavenged materials took over the

Philippe a fondé studio botté quatre ans après avoir quitté un poste en design industriel. C’est à cette époque, en se rendant au travail à vélo, qu’il s’est mis à récupérer les ventilateurs et autres objets abandonnés dans les rues montréalaises. Il les entreposait sous son bureau sans savoir s’ils lui seraient un jour d’une quelconque utilité.

partir de matériaux recyclés qu’elle organisait pour des orphelinats et des écoles. « Je crois que ça a vraiment stimulé un muscle dans mon cerveau, ça m’a montré que tout est malléable et peut être transformé. »

Sa compagne, Véronique Grenier, impliquée dès le début de

ABOVE AND RIGHT: Philippe Charlebois Gomez says fans are commonly discarded because they’re heavily used during Montréal’s summers, but aren’t worth fixing to most. / CI-DESSUS ET À DROITE : D’après Philippe Charlebois Gomez, la plupart des ventilateurs, surutilisés en été à Montréal, sont souvent jetés au lieu d’être réparés.

“People throw out anything that seems to be a little broken,” he says. “I realized there’s so much material that isn’t being tapped into.”

GuindonMarjoriepar/byPhoto

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En ne comptant que sur la récupération, en créant chaque

Charlebois Gomez says he doesn’t have much time to scavenge for materials by bike anymore, but he has about a dozen friends on the lookout for him, all across the city.

GuindonMarjoriepar/byPhoto

Véronique Grenier, Charlebois Gomez’s girlfriend, who has been involved with the studio since its inception, says she remembers how the collected materials gradually took over each room of the apartment. “When it came to the last room, which was my home office and a storage space at the time, that was when we decided it was time to move out and let the studio take over the whole space,” she says.

CLOCKWISE FROM TOP LEFT: Charlebois Gomez’s first upcycled lights were made from fans, with a coat of paint—one of the last steps in the process—bringing them back to life; the PDP series of lights, made from old blinds, is a top seller for the studio; scavenged fan guards are stored on rods in the studio until put to use; a carefully balanced prototype of the Faro lamps. / DANS LE SENS HORAIRE : Philippe Charlebois Gomez a réalisé ses premiers luminaires surcyclés à partir de grilles de ventilateurs et d’une simple couche de peinture; son meilleur vendeur? La série de suspensions pdp, confectionnée à partir de lattes de stores usagés; il se sert de tringles pour stocker les grilles de ventilateurs dans son atelier; un prototype de la lampe Faro, savamment équilibré.

1,800-square-foot studio he shared with three roommates, which is now studio botté’s showroom, workshop and stockroom.

l’aventure, se souvient des objets qui, pièce après pièce, gagnaient du terrain dans l’appartement. « Quand ils sont arrivés dans mon bureau, on a pris la décision d’aller vivre ailleurs et de laisser toute la place à l’atelier », Philippeexplique-t-elle.n’aplusvraiment

le temps de sillonner les rues à vélo à la recherche de récup’, mais une douzaine d’amis gardent l’œil ouvert pour lui aux quatre coins de la ville.

GrenierVéroniquepar/byPhoto

« Comme tous ceux qui connaissent l’activité de Philippe, je ne peux que m’arrêter et fouiller quand je croise un tas de déchets sur un trottoir, poursuit Véronique. Et si je vois un ventilateur, je saute de joie. »

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“I’ve been sort of phobic to growing my company, having seen what can become of a small artisanal place when it turns into a much bigger one,” he says. For Charlebois Gomez, small is sustainable.

« J’ai un peu la phobie de l’expansion, car j’ai vu ce que pouvait devenir une petite entreprise artisanale qui grossit trop. » Pour Philippe Charlebois Gomez, petit rime avec durable.

“Like everyone who knows Philippe and what he does, I can’t help but pick through trash on the streets while taking a walk or riding around on my bike,” Grenier says. “When I see a fan just lying there on the curb, I get this little jolt of excitement.”

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luminaire lui-même à la main et en ne les vendant, et livrant, que localement, Philippe sait qu’il freine la croissance de l’atelier, alors que ce dernier est en plein essor. Mais c’est sa volonté.

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Despite the studio’s growth, Charlebois Gomez says that relying on scavenged materials, crafting each piece by himself and only shipping the pieces locally has kept the operation on the smaller side—the way he wants it.

BELOW: Every fixture is one-of-a-kind and handmade, created from sourced discarded objects, thereby extending their life cycle, in a process the studio calls “urban mining.”

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RIGHT: Studio botté’s fixtures, like this one called Cilla, have a high-end look, which Charlebois Gomez says doesn’t fit what most people expect from upcycled items.

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CI-DESSOUS : Chaque œuvre lumineuse est fabriquée à la main à Montréal à partir d’objets récupérés, afin de prolonger le cycle de vie des matériaux : une véritable mine urbaine, selon studio botté.

PREVIOUS PAGE (clockwise from top left): Charlebois Gomez hypothesizes that each city has a different selection of commonly discarded items; Charlebois Gomez installing a light fixture made from discarded fans, some of which have been bent into new shapes; a bike, the original collection vehicle; old lamps and light fixtures are displayed on shelves in clear view, so Charlebois Gomez can keep them in mind as inspiration. / PAGE PRÉCÉDENTE (dans le sens horaire): Selon Philippe Charlebois Gomez, chaque ville se différencierait par les objets dont sa population se débarrasse; il installe une suspension réalisée à partir de grilles de ventilateurs récupérés, qu’il a modelées selon son imagination; le vélo, véhicule parfait pour la récup; bien en vue sur les étagères, ces lampes usagées lui servent de source d’inspiration.

/ À DROITE : Les luminaires signés studio botté, comme cette pièce unique nommée Cilla, se distinguent par leur allure chic, plutôt inattendue quand on parle d’objets recyclés d’après Philippe Charlebois Gomez.

In March, amid the Russian invasion of Ukraine, municipal employees in Kharkiv covered the city’s monuments with sandbags in an attempt to protect them from air strikes. / En mars, à la suite de l’invasion russe, les employés municipaux de Kharkiv recouvrent les statues de sacs de sable pour tenter de les protéger des frappes aériennes.

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Art and Its Survival

Christina Kudryk : Mes parents sont arrivés au Canada après la Première Guerre mondiale, mais je suis née en Ukraine. Je suis ukrainocanadienne et artiste visuelle : je peins. J’ai exposé en solo à plusieurs reprises et, d’ailleurs, ma rétrospective a eu lieu au musée national Andrey Sheptytsky à Lviv, situé dans l’ouest de l’Ukraine, aujourd’hui sous les bombes.

BY / PAR CHRISTINA KUDRYK AND OLEH LESIUK

Oleh Lesiuk : Quand la guerre a éclaté, on était tous en état de choc, les Ukrainiens comme le reste du monde. Je parle avec des artistes en Ukraine tous les jours. Jusqu’à la veille du 24 février, on pensait tous que Poutine bluffait. Je les ai vus se transformer au fur et à mesure des sirènes, des bombardements, des missiles

Oleh Lesiuk: When the war started, everybody was shocked by the horrific situation—not only Ukrainians but the whole world. I talk to artists in Ukraine on a daily basis. Up until February 24, everybody was thinking Putin was bluffing. I’ve seen how much their minds have changed with the everyday

Christina Kudryk: My parents came to Canada after the First World War but I was born in Ukraine. I’m Ukrainian-Canadian and a visual artist—I paint. I’ve had a number of solo shows, and as a matter of fact, I had my retrospective exhibition at the Andrey Sheptytsky National Museum in Lviv, which is in the western part of Ukraine, which has now been bombed.

Visual artist and archivist Christina Kudryk has used her art as a means of reacting to conflict in her home country of Ukraine before, notably during the 2014 Revolution of Dignity, the Maidan. Now, sculptor Oleh Lesiuk, president of the Ukrainian Association of Visual Artists of Canada, worries whether culturally important monuments—and the cities in which they’re situated—will survive the current conflict. About one month after Russia invaded Ukraine on February 24, the two Toronto-based Ukrainian-Canadian artists discussed with Block the impact of the ongoing war on the country’s art and on artists themselves. / Artiste visuelle et archiviste, Christina Kudryk a utilisé son talent en réaction aux conflits dans son pays d’origine, l’Ukraine, notamment pendant la révolution de Maïdan en 2014. Oleh Lesiuk, sculpteur et président de l’Association ukrainienne des artistes visuels du Canada, s’inquiète des conséquences des affrontements actuels sur les monuments d’importance culturelle ainsi que sur les villes où ils sont situés. Environ un mois après l’invasion de l’Ukraine par la Russie le 24 février, les deux artistes ukraino-canadiens, basés à Toronto, se sont entretenus avec Block des impacts de la guerre sur les œuvres d’art et les artistes.ressemblera (et quand) ainsi que des multiples possibilités qui découlent de la représentation, des échanges et de la pensée visionnaire.

L’art et sa survie

The Conversation / La conversation BLOCK / 39 ImagesGettyviaMessinis/AFPArispar/byPhoto

O.L.: The houses, the buildings and the museums will be rebuilt, but the art that is already gone is a loss not only for Ukraine but the whole world community.

C.K.: Art is an expression of a society at a given time. It is also a personal expression of the artist. Artists have expressed themselves differently in reaction to conflict. What comes to mind, for example, is Picasso’s Guernica . It shows the horror and the despicable actions of war. And the way he does this is through angular lines, distorted forms and the use of grey—no colour. Käthe Kollwitz, for example, was a German artist whose son died in the First World War. She spent over 10 years doing a monument to the dead to show the hopelessness of war.

news, sirens, bombing, missiles and many of them staying in bunkers. We know many artists who have traded their brushes for guns and given their valuable lives for Ukraine. It’s very difficult now for artists. I can say from my own experience that it’s difficult to focus on art.

O.L.: I’ve created several sculptures in the past that are relevant to the war in Ukraine now. One is called Confrontation, where I showed, in an abstract way, confrontation between two worlds, between two nations, between good and evil. The war did not just start a month ago; in some ways the war has been ongoing for more than 300 years, so this is what we’re responding to.

I want to paint something, but I think I’m going to show hope. I’m thinking of how Ukraine will be once we have won, how we will overcome this. And not only the hope but also the conviction that we will be a free and strong country again.

For more information on the Ukrainian Association of Visual Artists of Canada’s efforts to assist Ukraine, please visit KUMFGALLERY.COM

I painted a couple of pieces when we had the Maidan, the Revolution of Dignity, which started out very peacefully. There was a lot of art happening—installation pieces, performance art—and there was a pianist who painted his piano blue and yellow and played in front of the soldiers. Eventually it turned violent. People were dying; they were shooting; there were fires. I sat in front of the TV and cried, I really cried and then I painted.

C.K.: It’s not just paintings and sculptures; it’s also architecture. Some of the cities are rubble; all the architecture is gone. Hopefully there are plans and photographs that can be used to restore historical buildings. We will rebuild what we have lost, but some things will be lost forever.

O.L.: Yes, you can see what is happening with trying to protect the treasures and heritage of Ukrainian culture in western Ukraine, in places that haven’t been hit yet. Volunteers and artists in many cities are packing and crating sculptures that can’t be removed. A special monument in Kharkiv, you can see in the news, is packed with sandbags. It’s very sad to watch this. Before I left Ukraine, I had monuments installed there, and they are still standing in public places, so I’m worried as an artist. I’m looking at all the others already damaged, already destroyed, and I feel very sad for the artists and for those people who have to watch these monuments—these treasures—be destroyed.

“We will rebuild what we have lost, but some things will be lost forever.”

The Conversation / La conversation 40

After a few days of shock, I came up with the idea to hold the Artists Stand With Ukraine fundraising exhibition, with all proceeds going to the Ukrainian [armed] forces. We organized this exhibition at the KUMF Gallery in a very short time, but the number of artists who donated pieces and people who purchased artwork was more than we expected.

O.L.: This war is the culmination of conflict between Russia and Ukraine and us always defending our peace and showing to the world that our history and culture are very old and we deserve to be on the map.

C.K.: Yes, you can’t help but react to what is happening because artists express what is around them and how they feel. And we feel very strongly about what is happening. What we’re seeing in front of our eyes is unbelievable. It’s so difficult to show this evil and this horror, but I’m sure many artists will be able to do that. Some artists will do this symbolically.

C.K.: In Ukraine now, so much has been destroyed. Museums have been destroyed; the art will be gone forever. How this will affect art collections, I don’t know. I hope there will be a lot left. The museum in Lviv has the greatest collection of Ukrainian items in the world, and they’ve packed up all their art. It’s a gorgeous building, it’s a gorgeous collection, but everything is bare and packed away, hidden in places like basements and antiquated Second World War bomb shelters. I’m hoping a lot of it will survive.

The Conversation / La conversation BLOCK / 41

O. L. : J’ai réalisé plusieurs sculptures par le passé qui ont un rapport avec la guerre actuelle. L’une d’elles, intitulée Confrontation, montre de manière abstraite la confrontation entre deux mondes, entre deux nations, entre le bien et le mal. La guerre n’a pas commencé il y a un mois; elle est présente depuis plus de 300 ans, et c’est à cela qu’on répond.

C. K. : Oui, on ne peut s’empêcher de réagir à ce qui arrive, car les artistes expriment leurs sentiments sur ce qui les entoure. Et la situation actuelle nous bouleverse. Ce qui se déroule sous nos yeux est inimaginable. C’est si difficile de représenter ce mal, cette horreur, mais je suis sûre que beaucoup vont y parvenir. Certains utiliseront le symbolisme.

Je regarde toutes celles qui sont déjà abîmées, déjà détruites, et je suis triste, triste pour les artistes et pour tous ceux et celles forcés d’assister à la destruction de ces trésors.

Russie et l’Ukraine. Nous, on est toujours en train de défendre notre paix et de montrer au monde que notre histoire et notre culture sont très anciennes, et qu’on mérite de rester sur la carte.

et de leurs passages dans les bunkers. On en connaît beaucoup qui ont troqué leur pinceau contre un fusil et ont donné leur vie pour l’Ukraine. C’est très difficile aujourd’hui pour les artistes. Je parle par expérience : c’est compliqué de se concentrer sur son art.

« On reconstruira ce qu’on a perdu, mais certaines choses le sont à tout jamais. »

qui ont donné des œuvres et les ventes ont dépassé nos attentes. C. K. : L’art est une expression d’une société à un instant précis. C’est aussi une expression personnelle de l’artiste. Les artistes s’expriment différemment en réaction au conflit. Dans Guernica, par exemple, Picasso montre l’horreur de la guerre, et ses actes ignobles, par des lignes anguleuses, des visages déformés et du gris — aucune couleur. Autre exemple : l’artiste allemande Käthe Kollwitz, dont le fils a été tué au front pendant la Première Guerre mondiale. Elle a passé plus de dix ans sur une sculpture représentant la douleur et le désespoir engendrés par la guerre.

Quelques jours après, j’ai eu l’idée de monter l’exposition-bénéfice Artists Stand With Ukraine [Les artistes aux côtés de l’Ukraine], dont l’ensemble des recettes allait aux forces [armées] ukrainiennes. On l’a organisée très vite, à la KUMF Gallery, mais le nombre d’artistes

Pour en savoir plus sur l’aide apportée à l’Ukraine par l’Association ukrainienne des artistes visuels du Canada, rendez-vous à KUMFGALLERY.COM (en anglais).

J’ai peint quelques tableaux lors de Maïdan, la révolution de la dignité, qui a commencé de façon très pacifique. Il y a eu de nombreux happenings : installations, performances… Un pianiste, qui avait peint son piano en bleu et jaune, a joué devant les soldats. Ça a fini par devenir violent : il y avait des fusillades, des feux, les gens mourraient. Je me suis assise devant la télé et j’ai pleuré, j’ai vraiment pleuré, puis j’ai peint.

O. L. : Oui, on voit qu’ils essaient de protéger les trésors et l’héritage de la culture ukrainienne en Ukraine occidentale, dans des endroits qui n’ont pas encore été frappés. Dans de nombreuses villes, les bénévoles et les artistes mettent en caisse les sculptures qui ne peuvent être déplacées. On a vu aux actualités un monument de Kharkiv protégé par des sacs de sable. C’est très triste à regarder. Quand j’ai quitté l’Ukraine, j’ai laissé des sculptures dans l’espace public : elles y sont encore et je m’inquiète en tant qu’artiste.

O. L. : Les maisons, les bâtiments, les musées, on les reconstruira, mais les œuvres d’art sont une perte, et pas que pour l’Ukraine. C’est le monde tout entier qui est en train de perdre ses trésors.

C. K. : Il n’y a pas que les peintures et les sculptures, il y a aussi l’architecture. Certaines villes ne sont plus que des décombres. Il existe heureusement des plans et des photos, qui seront utiles pour restaurer les bâtiments historiques. On reconstruira ce qu’on a perdu, mais certaines choses le sont à tout jamais.

C. K. : Tant de choses ont été détruites en Ukraine. Les musées, toutes ces œuvres d’art disparues à jamais… Quel effet cela va-t-il avoir sur les collections, je n’en sais rien. J’espère qu’il en restera. Le musée de Lviv, qui possède la plus grande collection d’œuvres ukrainiennes au monde, a plié bagage. Le bâtiment est magnifique, comme les collections, mais aujourd’hui, les murs sont nus : tout est caché au sous-sol ou dans des abris antiaériens datant de la Seconde Guerre mondiale. J’espère qu’on en retrouvera le maximum intact.

O. L. : Cette guerre est le point culminant du conflit entre la

Je veux peindre et je crois que, pour ma part, je vais montrer l’espoir. Je réfléchis à ce que sera l’Ukraine une fois qu’on aura gagné, à la façon dont on va surmonter tout ça. Pas que l’espoir d’ailleurs, la conviction qu’on sera à nouveau un pays libre et fort.

Made / Fabriqué 42

For its rose-breeding program, Vineland works with the Canadian Nursery Landscape Association and nursery collaborators across Canada who plant and evaluate candidates. Added to the mix are an in-house breeder who identifies the “parents,” a pathologist who’s an expert on plant diseases, a genomics lab and a consumer insights group. “It really is a team effort,” says Banks. / Pour l’hybridation des roses, Vineland collabore avec la Canadian Nursery Landscape Association et des pépinières aux quatre coins du Canada, qui plantent et évaluent les candidates. S’ajoutent un sélectionneur maison qui choisit les « parents », un phytopathologiste (le spécialiste en maladies des plantes), un laboratoire de génomique et des études de consommation. « Tout un travail d’équipe », explique Travis Banks.

49e parallèle de Vineland

“Breeding isn’t for the impatient,” says Travis Banks, who oversees the development of new and enhanced plant varieties—apples, tomatoes and roses—at Vineland Research and Innovation Centre in Niagara, Ont. For more than a decade, Vineland has been creating new rose varieties that are cold and disease-resistant, designed to thrive above the 49th parallel and each named after a uniquely Canadian phenomenon. Their latest, Yukon Sun—about seven years in the making—is set to drop next year. / « L’hybridation n’est pas faite pour les impatients », lance Travis Banks, responsable du développement de variétés végétales nouvelles et améliorées (pommes, tomates et roses) au centre de recherche et d’innovation Vineland de Niagara, en Ontario. Depuis plus de dix ans, des roses antifroid et antimaladies, conçues pour s’épanouir au-dessus du 49e parallèle et portant un nom bien canadien, y fleurissent pour la toute première fois. La petite dernière, Yukon Sun, sera prête l’an prochain après sept ans d’effort.

Consumer research helps identify which characteristics are desirable

BY / PAR KRISTINA LJUBANOVIC PHOTO COURTESY OF / OFFERTE PAR VINELAND RESEARCH AND INNOVATION CENTRE

in a new variety. “Is it the shape of the flower?” asks Banks. “The colour of the petals? The fragrance? The glossiness of the leaves?” Vineland’s location, close to Toronto, gives it access to a diverse population for sampling opinions and understanding market segments across Canada. / Avant de créer une nouvelle variété, Vineland cherche à connaître les envies des amateurs de roses : « Est-ce la forme de la fleur, la couleur des pétales, le parfum ou la brillance des feuilles qui leur importe? » Étant proche de Toronto, le centre a accès à une population diversifiée, représentative du marché canadien.

Yukon Sun, 49th Parallel Collection by Vineland Yukon Sun, collection

Architecture is another important consideration. Vineland aims for a compact and upright shape versus a sprawling or climbing rose. “We look at these different characteristics of the plants, the breeder makes the crosses—lots and lots of crosses—and then we evaluate the

progeny,” says Banks. Cold hardiness and black-spot resistance are non-negotiables, built in to every rose in the program. / Bien droit, compact, grimpant ou couvre-sol, le port du rosier a également son importance. « On analyse les caractéristiques de plusieurs variétés, le sélectionneur procède aux innombrables croisements, puis on évalue le résultat. » La rusticité et la résistance aux taches noires sont, quant à elles, non négociables, intégrées dans toutes les roses signées Vineland.

Yukon Sun is the fourth rose in the 49th Parallel Collection, joining Canadian Shield, Chinook Sunrise and Aurora Borealis. Roses are named later in the development cycle, once their physical features have been determined. (In the case of Yukon Sun, Vineland knew that people wanted a yellow variety.) “The rose inspires the name, rather

Made / Fabriqué BLOCK / 43

than the name inspiring the rose,” says Banks. But each, in its own way, is a representation of Canada. “Hardy and beautiful.” / Yukon Sun est la quatrième rose de la collection 49e parallèle, après Canadian Shield, Chinook Sunrise et Aurora Borealis. Sa fleur est jaune, comme le souhaitaient les consommateurs, et son nom signifie soleil du Yukon. « C’est la rose qui inspire le nom, rarement l’inverse », conclut Travis Banks. Chacune, avec son style bien à elle, représente le Canada : « à la fois rustique et magnifique. »

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The Long View Vision à long terme

Though he’d done a great deal of site-specific work before, Assu was hesitant about the extra-large format when he was first approached by the Vancouver Mural Festival for this project. But working with a crew of experienced artists, he found the transition surprisingly easy. “I just had to scale it up and take into account the various features of the building,” he explains.

BY / PAR ERIKA THORKELSON

Sa création s’inspire d’une affiche se jouant des publicités touristiques des années 1950, qu’il a dessinée à partir des stéréotypes sur les peuples autochtones trouvés dans les magazines. L’inspiration a beau être générique, l’imagerie de cette murale est intimement liée à l’artiste et à sa communauté. La silhouette blanche stylisée représente un oiseau-tonnerre, blason de sa famille. Le paysage en dessous ainsi que les boutons sur la partie centrale de l’immeuble sont les montagnes près de sa maison de Campbell River, en ColombieBritannique. Pour alimenter le débat sur la richesse et la justice, il a intégré des pièces de monnaie, des formes ressemblant à des boucliers qui ont une grande signification dans les échanges de cadeaux pratiqués par le peuple Kwakwaka'wakw : « Elles symbolisent, entre autres, la fortune d’un chef. »

Vancouver has changed a lot over the past decade. Nowhere is this more visible than in the former warehousing district that is now Olympic Village, where a new tower seems to appear every day. Built in 2018, Allied’s 2233 Columbia Street may be part of that building boom, but thanks to a mural by Ligwiłda'xw of the Kwakwaka'wakw Nations interdisciplinary artist Sonny Assu titled Dance as Though the Ancestors Are Watching , it’s also a reminder to think about how we relate to both the future and the past.

Sonny Assu espère que la murale guidera les passants, les incitera à réfléchir aux choix que nous faisons aujourd’hui et à ce qu’en penseraient les autres générations. « C’est à chacun de peser le pour et le contre et d’observer une ligne de conduite qui fera la fierté de ses ancêtres. »

Make Room for the Arts / Faites place à l’art BLOCK / 45

The mural began as poster riffing on mid-century travel advertisements, drawn from Assu’s own collection of classic magazine ads featuring stereotypical depictions of Indigenous people and life. The mural’s inspiration may have been generic, but its imagery is deeply singular to the artist and his community. Its most prominent feature is a large white outline of a thunderbird—from Assu’s own family crest. The landscape at the bottom, as well as the buttons running up the centre of the building, represent the mountains near his home in Campbell River, B.C. To initiate a conversation on wealth and justice, he integrated symbols representing coppers, shield-like shapes that have a deep meaning within the potlatch culture of the Kwakwaka'wakw people, “They symbolize, amongst other things, the wealth of a Chief,” says Assu.

FestivalMuralVancouverparofferte/ofcourtesyPhoto

grand format. Le fait d’être épaulé par une équipe de muralistes expérimentés l’a convaincu et il a même trouvé la transition facile : « Je n’ai eu qu’à augmenter l’échelle et à tenir compte des caractéristiques du bâtiment », explique-t-il.

As the neighbourhood grows and changes, Assu hopes the mural will guide people to reflect on how other generations might view the choices we make today. “It’s really a check and balance for yourself,” he says, “to make sure you carry yourself in a way that will make your ancestors proud.” / Vancouver a beaucoup changé ces dix dernières années. Le quartier qui décroche la médaille d’or de la transformation est le village olympique, où une nouvelle tour semble sortir de terre chaque jour qui passe. Construit en 2018, l’immeuble d’Allied situé au 2233, rue Columbia fait partie du mouvement, à ceci près qu’il est orné d’une murale cherchant à nous relier tant au passé qu’à l’avenir. Intitulée Dance as Though the Ancestors are Watching, elle est signée Sonny Assu, artiste interdisciplinaire Ligwiłda'xw des nations Kwakwaka'wakw.

Bien qu’il ne soit pas novice en la matière, il a d’abord hésité à accepter la commande du Vancouver Mural Festival à cause du très

BY / PAR ERIKA THORKELSON ILLUSTRATION BY / PAR COURTNEY WOTHERSPOON

Homer Street Rue Homer

The 1 KM Guide / Guide 1 KM 46

2 3 6 SeymourStreet RichardsStreetHomerStreetHamiltonStreetMainlandStreetPacificBoulevardFalse Creek PacificStreet DrakeStreet DavieStreet HelmckenStreetNelsonStreet

4. CONTEMPORARY ART GALLERY

The historic neighbourhood of Yaletown, with its rows of warehouses converted into swanky boutiques and high-end restaurants, might be synonymous with luxury in the minds of Vancouverites, but there’s a surprising amount of variety within a short walk of Homer Street (home to multiple Allied buildings) if you know where to look. From arts institutions to local brews to chances to commune with nature, there’s fun to be had, for every taste and vibe. / Avec ses rangées d’entrepôts convertis en boutiques huppées et restaurants chics, le quartier historique de Yaletown rime avec luxe pour bon nombre de Vancouvérois. Pourtant, à quelques pas de la rue Homer, dont plusieurs immeubles appartiennent à Allied, la diversité est au rendez-vous pour qui sait où regarder. Musée, cinéma, brasseries locales ou communions avec la nature, il y a de quoi se faire plaisir, peu importe les envies.

555 Nelson St.

Yaletown location of MeeT (1165 Mainland St.). Then grab a beer at the Yaletown Brewing Company (1111 Mainland St.) or a cocktail at the Yaletown Distillery Bar + Kitchen (1131 Mainland St.). / Transformées en allées piétonnes ponctuées de grandes terrasses, les plateformes de brique des anciens entrepôts des rues Mainland et Hamilton s’animent dès la nuit tombée. Régalez vos papilles avec les élégants sushis de Minami (1118 Mainland St.) ou les plats végé décontractés de MeeT (1165 Mainland St.). Terminez par une bière à la Yaletown Brewing Company (1111 Mainland St.) ou un cocktail au Yaletown Distillery Bar + Kitchen (1131 Mainland St.).

Evenings are lively in Yaletown at the various spacious patios lining the historic brick walkways outside the converted warehouses of Mainland and Hamilton streets. Sate your hunger with upscale sushi at Minami (1118 Mainland St.) or casual vegan fare at the

Take your ice cream for a stroll along Vancouver’s famous seawall. Stop in David Lam Park (1300 Pacific Blvd.) for a picnic or impromptu game of tennis or basketball. Better yet, rent a bicycle and set off on an even bigger adventure. / Faites faire un tour à votre crème glacée sur la célèbre digue de Vancouver. Arrêtez-vous au parc David Lam (1300 Pacific Blvd.) pour pique-niquer ou faire une partie de tennis ou de basket. Encore mieux, louez un vélo et partez à l’aventure.

to some of the city’s best theatre and hosts the Vancouver Fringe Festival every fall. / Destination ultracourue, cette île n’est qu’à une dizaine de minutes du quai de Yaletown en traversier. Vous y trouverez un marché public aux étals débordant de produits frais, une myriade de boutiques artisanales ainsi que le meilleur théâtre de la ville et, à l’automne, le Vancouver Fringe Festival.

The CAG is tucked away, but it hosts an impressive variety of cutting-edge shows by local and international artists. You’ll know the space by its vibrant window displays. Check the website for curator talks, tours and site-specific exhibitions around the neighbourhood. / Ce musée a beau être bien caché, il organise tout un éventail d’événements sur des artistes locaux et internationaux. Vous le reconnaîtrez grâce à ses grandes vitres animées. Rendez-vous en ligne pour les expositions en cours et à venir, les causeries et autres visites artistiques dans le quartier.

6. VIFF CENTRE

Home of the Vancouver International Film Festival, the recently renovated VIFF Centre is the perfect place to catch indie gems and trawl the history of cinema. Enjoy a bottle of local beer with your popcorn in the lobby bar or sink into the theatre’s comfy couch-like seating. / Le centre VIFF, pour Vancouver International Film Festival, est l’endroit parfait pour regarder un petit bijou du ciné indé ou enrichir son histoire du septième art. Dégustez votre maïs soufflé accompagné d’une bière locale au bar ou dans le noir, au fond d’un fauteuil façon canapé.

The 1 KM Guide / Guide 1 KM BLOCK / 47

Probably Vancouver’s best-known destination, Granville Island is just a short ferry ride from the Yaletown dock. There you’ll find bustling public markets filled with fresh food and arts and crafts for sale. It’s also home

1. MISTER ARTISAN ICE CREAM

Vancouver has some great ice cream, but this one’s a standout: Each scoop is made to order and flash frozen using liquid nitrogen right before your eyes. Order it by the scoop, the pint or as a sandwich dipped in chocolate and rolled in your favourite crunchy coating. / Vancouver s’y connaît en crème glacée, mais celle-ci vous laissera bouche bée : chaque boule est confectionnée sous vos yeux, refroidie à la vitesse grand dans l’azote liquide. À tremper dans le chocolat et à parsemer de vos pépites gourmandes préférées.

2. FALSE CREEK SEAWALL / DIGUE DE FALSE CREEK

1141 Mainland St.

3. GRANVILLE ISLAND

1181 Seymour St.

5. PATIO NIGHTS / SOIRÉE EN TERRASSE

En 1883, les frères James et Frederick Ross quittent Toronto avec, dans leurs bagages, leur savoir-faire de ferblantiers. Direction Edmonton, ville en pleine expansion où ils proposeront pots, casseroles, pièges et baignoires galvanisées aux habitants et trappeurs du coin.

Il restera la quincaillerie locale de référence jusqu’en 1971. En 1986, une restauration primée l’a lié au bâtiment Revillon adjacent. En 2011, l’acquistiton par Allied a donné lieu à de nouvelles améliorations, faisant du complexe Boardwalk un monument à l’esprit d’entreprise avant-gardiste sur la base duquel il a été construit.

The Boardwalk remained the city’s hardware headquarters until 1971. In 1986, a prize-winning restoration linked it to the adjacent Revillon Building, and Allied’s acquisition in 2011 saw further enhancements, firmly cementing the Boardwalk Complex as a monument to the forward-thinking entrepreneurial spirit on which it was built.

BY / PAR SYDNEY LONEY

In 1883, brothers James and Frederick Ross brought their polished tinsmithing skills from Toronto to Edmonton, making pots, pans, traps and galvanized tubs for the inhabitants of the fast-growing city and the settlers on its outskirts.

How a long history in hardware shaped Edmonton’s Boardwalk Complex. / Le complexe Boardwalk d’Edmonton, façonné par son passé de quincailler.

Now & Then / D’hier à aujourd’hui 48 1911 2015 REITAlliedparofferte/ofcourtesyPhotoDroite:/RightEB-38;ArchivesEdmontonofCityGauche:/Left

From Tinsmithy Beginnings Une ferblanterie au succès retentissant

Although the Rosses only spent two years there, the building wasn’t immediately destined to leave the hardware business. The brothers sold it to their supplier, the Marshall-Wells Company, which then sold it to Ashdown Hardware (founder James Henry Ashdown also began his hardware empire as a humble tinsmith in the late 1800s) in 1921.

Flambant neuf, le Boardwalk commence sa longue carrière dans le monde du bricolage. Deux ans après, les frères Ross le vendent à leur fournisseur, la Marshall-Wells Company, qui le vendra à son tour en 1921 à Ashdown Hardware—son fondateur, James Henry Ashdown, ayant lui aussi débuté comme humble ferblantier à la fin des années 1800 avant de bâtir son empire.

Très vite, la petite ferblanterie devient l’une des plus grandes quincailleries de l’Ouest canadien. Ne reste aux frères Ross qu’à se trouver un toit digne de leur réussite. En 1910, grâce à l’architecte montréalais Edward C. Hopkins, le Boardwalk, situé au 10310, 102e Avenue, rejoint les rangs des bâtiments commerciaux, aujourd’hui historiques, du quartier des entrepôts. La construction de style néoroman est la plus connue d’Hopkins : 13 000 m2, habillés de pierre et de brique et dotés d’équipements ultramodernes pour l’époque.

What started as a small tinsmithy—a tinsmith’s workshop—soon became one of the largest wholesale and retail hardware businesses in western Canada. The brothers just needed a building worthy of their success in which to house it. In 1910, thanks to Montréal architect Edward C. Hopkins, the Boardwalk at 10310 102nd Avenue joined the ranks of the other hardworking (now-historic) buildings in Edmonton’s warehouse district. The Romanesque Revival warehouse was Hopkins’ best-known work: 139,000 square feet of the time’s most modern amenities clad in brick and stone.

J’ai longuement réfléchi à ce que j’ai ressenti ce jour-là, à l’ironie d’être en décalage total avec l’histoire de mon propre pays et de me la faire expliquer par mes colonisateurs.

To me, these personal items on display in such a public setting were an oxymoron. They sat in a fancy big room, locked away where no one could touch them. They told the story of the times, but they didn’t tell the story of their owners. Who were they? What were their lives like?

Exposés à la vue de tous, ils étaient pour moi des oxymores. Ils attendaient là, dans une grande pièce chic, sous leur cage de verre empêchant quiconque de les toucher. Ils racontaient l’histoire d’une époque, mais pas celle de leurs propriétaires. Qui étaient ces derniers? À quoi ressemblait leur vie?

J’avais très envie d’en savoir plus sur certains objets. Étaient-ils des biens de famille qu’une mère avait montrés à ses enfants en leur racontant son passé? L’un d’entre eux avait-il appartenu à mes ancêtres? Quel était l’intérêt de conserver ces artefacts culturels sans leur histoire?

I yearned to learn more about the owners of certain items. Were these heirlooms that their mothers had also showed them while telling stories of the past? Could any of these items have been owned by my ancestors? What was the point of preserving all these cultural artifacts without preserving their stories?

Being a part of the South Asian diaspora community means I’m paving my own way in discovering my identity but also that I’m living between a binary of cultures.

I walked aimlessly through the museum, staring at decor, rugs, jewellery and items of clothing dating from generations past, taken from those who survived the partition of India and Pakistan 75 years ago. It felt surreal; I was surrounded by history, with plaques on walls defining the contents of display cases, and yet I gained no real knowledge. I was surrounded by people’s personal belongings without even a glimpse of what their lives looked like.

J’étais entourée d’effets personnels sans rien savoir de la vie des gens auxquels ils avaient appartenu.

Rethink / Repensé BLOCK / 49

The practice of intergenerational storytelling is ingrained in my culture. To this day, my mother shows me personal belongings and tells me stories of her youth. When I physically hold pieces of her past, my imagination pays tribute to all the lives she has lived.

I thought one of the best ways to learn more about my ancestry would be to visit museums. So, why did I feel so disconnected from the abundant knowledge on display when I walked through the South Asian gallery at The British Museum in London, England?

Même si les musées sont des lieux formidables pour enrichir nos connaissances, je me suis rendu compte qu’ils contenaient plus de questions que de réponses, du moins pour moi. Peut-être que ce sentiment vient de ma crainte existentielle de la diaspora, due à mon identité conflictuelle.

Je suis sortie du musée en me demandant comment je souhaiterais qu’on se souvienne de moi dans 200 ans. Je n’ai pas la réponse, mais ce que je sais c’est que je préserverai ma tradition familiale du conte par tous les moyens pour qu’un jour, quand une jeune fille cherchera à connaître ses ancêtres pakistanocanadiens, elle trouve des réponses.

BY / PAR HUNZA CHAUDHARY ILLUSTRATION BY / PAR JASON LOGAN

Oxymorons Oxymores

J’ai déambulé dans le musée. J’ai regardé les tapis, les bijoux et les vêtements datant des générations passées, pris à celles et ceux qui avaient survécu à la partition de l’Inde et du Pakistan il y a 75 ans. C’était surréaliste : j’étais entourée d’histoire avec un grand H, de plaques explicatives sur les murs détaillant le contenu des vitrines, et pourtant je n’apprenais rien de concret.

I’ve thought long and hard about the way I felt that day late last year. The irony of being out of touch with my own country’s history and having my colonizers explain it to me was not lost on me.

I left that museum questioning how I would want to be remembered in 200 years. I might not have the answer, but I know I will continue to preserve my culture’s storytelling tradition in any way possible so that many years down the line, when there’s a young woman thinking about her Pakistani-Canadian ancestors, she will find the answers she seeks. / Le conte intergénérationnel est enraciné dans ma culture. Encore aujourd’hui, ma mère me raconte sa jeunesse à partir de ses effets personnels. En tenant ces morceaux de son passé entre mes mains, j’imagine toutes les vies qu’elle a J’appartiensvécues.àladiaspora sud-asiatique et découvre mon identité tout en vivant entre deuxLescultures.muséesm’ont semblé être un bon moyen d’en savoir plus sur mes ancêtres. Alors pourquoi, quand j’ai visité fin 2021, à Londres, la galerie du British Museum consacrée à l’art sud-asiatique, me suis-je sentie si déconnectée de tous ces objets?

Although museums can be a great place to learn, I’ve realized they carry a lot more questions than answers for me. Perhaps this feeling in my gut is rooted in the existential diaspora dread that I hold because of my conflicting identity.

BY / PAR GLENN HARVEY

EACH ISSUE, WE ASK AN ARTIST: WHAT WOULD YOU DO WITH YOUR OWN URBAN INFILL? /  DANS CHAQUE NUMÉRO, NOUS DEMANDONS À UN ARTISTE CE QU’IL FERAIT DE SA PROPRE DENT CREUSE

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NIMKII OSAWAMICK, BY JOHN PAILLÉ, MAY 8, PETROGLYPHS PROVINCIAL PARK / NIMKII OSAWAMICK, PAR JOHN PAILLÉ, 8 MAI, PARC PROVINCIAL PETROGLYPHS

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