Block Magazine - Fall/Winter 2021

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Creativity has its place Fall/Winter 2021-22 Issue 23 La créativité a sa place Automne-hiver 2021-22 Numéro 23

The Visionary / La visionnaire Cultural producer Umbereen Inayet looks back, goes forward La productrice artistique Umbereen Inayet avance, un œil dans le rétro


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create future success Recent events are shedding light on our relationships with space – practically, physically, and politically. Space is certainly one of the biggest business expenses, and one that is now being reevaluated: not simply in terms of ‘the bottom line’, but how businesses can use space to drive resilience, sustainability, diversity, and inclusion. An office is not just a room with desks. The shop on the corner? More than just shelves. For some they are places for production and connection; for others, they are unhealthy or unwelcoming. Context matters. With so much in flux these days, the current conditions are uniquely suited for businesses to make positive changes to create spaces that are more resilient and inclusive. Businesses have always been dynamic; adaptability is foundational for longterm success. At first glance, successful businesses seem to be in the right place at the right time. But their success is not merely the result of pure luck. These businesses are proactive. They are not waiting to see what the future will be — they are creating it. For example, organizations exploring digital solutions

before COVID-19 were set up for future success, without predicting a global pandemic specifically. What can you do to create spaces that are more resilient? Explore where positive change can grow your business and how to do it in the right way, which will resonate on a deeper, more meaningful, and most satisfying level. But remember, as the pace of social and technological change has sped up, merely reacting can be costly. Making decisions purely based on intuition or experience is also ill-advised — we all have unconscious biases that affect our decisions, from the trivial to the tactical, and may obscure our ability to see the ‘big picture’. Do your research, discover what you are missing, and challenge your assumptions. And then, strategize. Research findings might make you feel uncomfortable, but like exercise, it is essential for business health.


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K ILLER CREATIVE

TR G R . AGEN CY


Contents / Table des matières

The Starting Block Contributors

Block de départ Nos collaborateurs

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THE MOMENT Journey to space without leaving a Montreal gallery 11 MY SPACE Stuart Semple of Culture Hustle shows off his materials lab in living colour 15 THE BUSINESS Calgary consignment shop The Revente’s Lauryn Vaughn on vintage’s future 16 ARTIST’S BLOCK Shaheer Zazai’s coded forms 18 THE INTERIOR A zero waste office reno is both sophisticated and ‘granola’ 20

LE MOMENT Voyage dans l’espace sans quitter Montréal MON ESPACE Culture Hustle, le labo haut en couleur de Stuart Semple L’ENTREPRISE The Revente, un dépôt-vente chic de Calgary, et l’entreprenante Lauryn Vaughn ART EN BLOCK Les formes codées de Shaheer Zazai L’INTÉRIEUR Une construction zéro déchet pour des bureaux mi-chics, mi-granos

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THE CREATOR On the cover: Cultural producer Umbereen Inayet provides a new lens for looking at our past and imagining the future

LA CRÉATRICE En couverture : La productrice artistique Umbereen Inayet regarde le passé et imagine l’avenir sous un autre angle 26

WORK-IN-PROGRESS How a group of modern architecture enthusiasts are working to preserve a Toronto icon THE CONVERSATION On Black futures: representation, conversation and visionary thinking MADE Susan for Susan’s otherworldly furnishings (and weird science) MAKE ROOM FOR THE ARTS Muralist Lindsay Hill celebrates Toronto’s Queen West community THE 1 KM GUIDE Icy cocktails and more wintery fun in downtown Edmonton NOW & THEN How one man made groceries a growing concern in Vancouver’s historic Gastown RETHINK Fire and light warm bodies and hearts FILL IN THE BLANK Olia Mishchenko’s urban infill

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LE CHANTIER Des passionnés d’architecture moderne se regroupent pour préserver un emblème torontois 32 LA CONVERSATION À propos de l’afrofuturisme : représentation, discours et pensée visionnaire 38 FABRIQUÉ Des meubles (et une technique) qui sortent de l’ordinaire, signés Susan for Susan 42 PLACE À L’ART La muraliste Lindsay Hill met à l’honneur les habitants du quartier torontois de Queen West 45 DANS UN RAYON DE 1 KM Cocktails glacés et autres plaisirs d’hiver à Edmonton 46 D’HIER À AUJOURD’HUI La réussite d’un épicier dans le quartier historique de Gastown à Vancouver 48 REPENSÉ Feu et lumière réchauffent corps et cœurs 49 VEUILLEZ COMBLER L’ESPACE La dent creuse d’Olia Mishchenko 50

ON THE COVER / EN PAGE COUVERTURE UMBEREEN INAYET PHOTO BY / PAR JALANI MORGAN

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The Starting Block / Block de départ

Creatives look at our history afresh, thereby altering our present and future. Beyond that they offer wholly alternate worlds. / Les créatifs portent un regard neuf sur notre histoire, modifiant par là même notre présent et notre avenir. Ils nous offrent des mondes entièrement autres.

Photo by / par Duane Cole

Photographer Jalani Morgan shoots cover subject Umbereen Inayet. / Umbereen Inayet, photographiée par Jalani Morgan pour son portrait de couverture.

“Any sufficiently advanced technology is indistinguishable from magic,” said writer and futurist Arthur C. Clarke, revealing our innate limits when it comes to envisioning and interpreting the future. (He went on to predict the iPad, née “newspad,” in his 1968 book 2001: A Space Odyssey.) However, artists and designers—all creatives—seemingly have a knack for it. They are society’s story- and fortune-tellers. They transmute the zeitgeist, imagine alternate futures and then go about creating them. They show us different ways of seeing, living, working, eating, playing, interacting and being. They look at our history afresh, thereby altering our present and future. Beyond that, they offer wholly alternate worlds. “There’s nothing new under the sun,” said science fiction author Octavia E. Butler, “but there are new suns.” In this issue of Block, we speak with cultural producer and curator Umbereen Inayet, who’s providing an IBPOC lens on Toronto’s history and celebrating, through dance, a future where colonial monuments are toppled and racism is dismantled (The Creator, p. 26). We board a space station and glimpse life beyond Earth’s bounds without actually leaving a Montréal gallery dedicated to the “art of tomorrow” (The Moment, p. 11). We check in with the efforts of The Future of Ontario Place Project collective, who are working to preserve architect Eberhard Zeidler and landscape architect Michael Hough’s internationally renowned, distinctly utopian vision of the future on Toronto’s waterfront (Work-inProgress, p. 32). And we speak with members of the Black Speculative Arts Movement Canada on the connective thread that links past, present and future and how representation in the here and now can change lives (The Conversation, p. 38). During this unprecedented, tumultuous time, creatives can show us a path forward through reflection, reframing and revolution. This issue of Block is focused on creating the future, and it’s dedicated to them.

D’après l’écrivain et futurologue Arthur C. Clarke, « toute technologie suffisamment avancée est indiscernable de la magie », montrant ainsi nos limites naturelles à imaginer l’avenir (ce qui ne l’empêchait pas, en 1968, de prédire l’iPad, qu’il appelait « newspad » dans 2001 : l’odyssée de l’espace.) Pourtant, tous les créatifs semblent avoir ce don : ce sont des devins qui racontent la société de demain. Ils transmutent l’air du temps, imaginent d’autres futurs et s’emploient à les créer. Ils nous montrent différentes manières de voir, vivre, travailler, manger, jouer, interagir, être. Ils portent un regard nouveau sur notre histoire, modifiant par là même notre présent et notre avenir. Ils nous offrent des mondes entièrement autres. « Il n’y a rien de nouveau sous le soleil, disait l’auteure de science-fiction Octavia E. Butler, sauf de nouveaux soleils. » Dans ce numéro de Block, on rencontre la productrice artistique Umbereen Inayet, qui regarde l’histoire de Toronto à travers des lunettes PANDC et célèbre, par la danse, un avenir où les statues coloniales sont renversées et le racisme, démantelé (La créatrice, p. 26). On monte à bord de la station spatiale pour entrevoir la vie hors Terre sans quitter une salle d’exposition montréalaise consacrée à l’art de demain (Le moment, p. 11). On suit les actions d’un collectif torontois qui tente de préserver la Place de l’Ontario, un parc de loisirs visionnaire, et internationalement reconnu, signé Eberhard Zeidler et Michael Hough, respectivement architecte et architecte paysager (Le chantier, p. 32). Enfin, on discute avec les membres du Black Speculative Arts Movement du fil conducteur entre passé, présent et avenir et de la façon dont la représentation dans l’ici et maintenant peut changer des vies (La conversation, p. 38). En cette période tumultueuse et sans précédent, par la réflexion, le recadrage et la révolution, les créatifs deviennent des éclaireurs. Ce numéro consacré à la création de l’avenir leur est dédié. BLOCK / 7


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Contributors / Nos collaborateurs

Ximena González (The Interior, p. 20) is a freelance writer and editor who explores the intersections of people and place. She lives in Calgary. / Ximena González (L’intérieur, p. 20) s’intéresse à la croisée des chemins entre personnes et lieux. Rédactrice pigiste, elle vit à Calgary.

EDITOR-IN-CHIEF / RÉDACTRICE EN CHEF Kristina Ljubanovic CREATIVE DIRECTORS / DIRECTRICES ARTISTIQUES Yasemin Emory, Whitney Geller, Berkeley Poole MANAGING EDITOR / DIRECTRICE DE LA RÉDACTION Kristin Germain-O’Donnell PHOTO & ILLUSTRATION EDITOR / ICONOGRAPHE Catherine Dean

Artist and educator Olia Mishchenko (Fill in the Blank, p. 50) is known for her drawings of public spaces, built landscapes and architecture. / Artiste et enseignante, Olia Mishchenko (Veuillez combler l’espace, p. 50) est connue pour ses dessins de lieux publics, de paysages bâtis et d’architecture.

ASSISTANT PHOTO & ILLUSTRATION EDITOR / ASSISTANT ICONOGRAPHE Michael Nyarkoh DESIGNERS / GRAPHISTES Raj Grainger, Julie MacKinnon TRANSLATOR / TRADUCTRICE Catherine Connes

Shaheer Zazai is an Afghan-Canadian artist who works in paint and digital media. He contributed this issue’s Artist’s Block (p. 18). / Artiste afghano-canadien, Shaheer Zazai crée tant des œuvres peintes que numériques. Il signe Art en block (p. 18).

Linda Hoang is a blogger, vlogger, social media strategist and founder of the Edmonton International Cat Festival. She gave her local recos for 1 KM Guide (p. 46). / Linda Hoang est blogueuse, vlogueuse, stratège en réseaux sociaux et fondatrice du Festival international du chat d’Edmonton. Elle donne ses bonnes adresses Dans un rayon de 1 km (p. 46).

COPY EDITORS - PROOFREADERS / RÉVISEURES - CORRECTRICES Suzanne Aubin, Jane Fielding, Lesley Fraser ALLIED 134 Peter Street, Suite 1700 Toronto, Ontario M5V 2H2 Canada (416) 977-9002 info@alliedreit.com alliedreit.com WHITMAN EMORSON 213 Sterling Road, Studio 200B Toronto, Ontario M6R 2B2 Canada (416) 855-0550 inquiry@whitmanemorson.com whitmanemorson.com

ILLUSTRATIONS BY / PAR KAGAN MCLEOD BLOCK IS PUBLISHED TWICE A YEAR. / BLOCK EST PUBLIÉ DEUX FOIS PAR AN. BLOCK / 9


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The Moment / Le moment

THURS. 9 SEPTEMBER 3:35 P.M. JEUDI 9 SEPTEMBRE 15H35 Journey to space from Arsenal Contemporary Art in Montreal. / Direction l’espace à partir de l’Arsenal art contemporain à Montréal. BY / PAR SARA BARON-GOODMAN PHOTOS COURTESY OF / OFFERTES PAR PHI STUDIO BLOCK / 11


The Moment / Le moment

Photos by / par Studio L’Éloi; Courtesy of / offertes par PHI Studio

“I think this is a demonstration of what the future of art will be,” says Felix Lajeunesse, “full scale, experiential exhibitions that allow people to walk into entire worlds.” He conceived the project and worked with NASA to bring it to life. / « Je crois que c’est une démonstration de l’art de demain : des expositions expérientielles grandeur nature où le visiteur parcourt tout un univers », note Félix Lajeunesse. Un projet qu’il a imaginé, puis réalisé avec la collaboration de la NASA.

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The Moment / Le moment

Photo courtesy of / offerte par Felix & Paul Studios

“People are reacting and interacting in the space. Everybody has a different journey.” / « Les gens réagissent et interagissent dans la pièce. Le voyage est différent pour tous. »

The Infinite is billed as the most affordable trip you can take to space, and that’s not an exaggeration. I put on my headset and suddenly the room around me drops away, replaced by a shimmering cosmos sprawling out in 360 degrees. I’m immersed in a deep, dark, resplendent void. Felix & Paul Studios worked with NASA and five international space agencies to send virtual reality cameras to astronauts in space, a project that has been three years in the making. Their intent was to follow astronauts from the moment they arrive until their departure from space, documenting the transformation of a human being during this journey. “They have to learn how to walk again,” says Felix Lajeunesse from Felix & Paul Studios, whose artists developed The Infinite in association with the PHI Centre in Montréal. As I move through the exhibition, this feels true enough. Though my feet are planted firmly on the ground, I find myself unable to step forward, every response cell in my body screaming that to do so would mean falling through the velvety nothingness of space. As I reach the VR version of the International Space Station—likely only a few strides ahead but experientially light years away—golden orbs pop up and hover at eye level. As I grab at them, the scene changes to reveal a snippet of life aboard the ISS, narrated by the astronauts who were there. There aren’t many (if any) other art pieces that mix cinematic content and real-time VR. This is also the first project Lajeunesse has done that invites hundreds of people to have individual experiences of the art at the same time and in the same room. “People are reacting and interacting in the space. They are using their own bodies as part of the narrative and forging their own stories as they go. Everybody has a different journey,” he explains. “Of course, we did a lot of prototype sessions to see how people would react, but all of that was just in preparation for the big day, when you see the emotional impact that this has on audiences,” Lajeunesse adds. Evidently, the response has been out of this world.

L’infini se targue d’être le voyage dans l’espace le plus accessible qui soit, et ce n’est pas une exagération. Je mets mon casque et soudain, la pièce dans laquelle je me trouve s’éclipse, remplacée par un cosmos chatoyant qui se déploie sur 360 degrés. Je suis immergée dans le vide sidéral, noir, profond, sidérant. En collaboration avec la NASA, les studios Felix & Paul ont confié des caméras de réalité virtuelle (RV) aux astronautes à bord de la Station spatiale internationale (SSI) : un projet élaboré pendant trois ans. Leurr mission : filmer leur quotidien, documentant la transformation d’un être humain au cours d’un tel voyage. « À leur retour, ils doivent réapprendre à marcher », note Félix Lajeunesse, directeur de création de Felix & Paul, qui a réalisé L’infini en collaboration avec le Centre Phi à Montréal. Cette sensation est bien présente au fur et à mesure de ma visite : les deux pieds pourtant bien à plat sur la terre ferme, je n’arrive pas à faire un pas en avant, mon cerveau étant persuadé que cela nous conduirait à une chute dans le néant. Quand j’atteins enfin la version RV de la SSI, probablement à quelques mètres à peine mais à des années-lumière dans ma tête, des sphères dorées apparaissent devant mes yeux. En les touchant, je change de décor et découvre une partie de la vie à bord, racontée par les astronautes eux-mêmes. Rares sont les œuvres d’art qui combinent contenu cinématographique et réalité virtuelle en temps réel. Sans compter que c’est une première pour Félix Lajeunesse que d’inviter des centaines de personnes à vivre une expérience artistique individuelle en même temps et dans un même lieu. « Les gens réagissent et interagissent dans la pièce. Leur corps fait partie intégrante du récit et ils créent leur propre histoire en se déplaçant. Le voyage est différent pour tous », explique-t-il. « On a bien entendu fait des essais avant pour imaginer les réactions du public, mais on ne mesure vraiment l’impact émotionnel de cette exposition immersive que depuis son lancement », ajoute-t-il. Il va sans dire qu’il est astronomique.

The Infinite appeared at Arsenal Contemporary Art in Montreal until November 7, 2021. Additional tour dates are coming.

L’infini était présentée à l’Arsenal à Montréal jusqu’au 7 novembre 2021. Une tournée est prévue. BLOCK / 13


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My Space / Mon espace

Paint Job

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As someone who grew up in a house with “lots of love but not really much money,” UK multi-media artist Stuart Semple has always had to make his own paints. Now, in his materials lab at Culture Hustle, he and his team are making paints to share with other artists and “liberating” rightsprotected hues from “colour criminals” such as Tiffany & Co. with their eponymous trademarked blues. Ayant grandi dans une maison « remplie d’amour, mais pas vraiment d’argent », l’artiste multimédia britannique Stuart Semple fabrique sa peinture depuis toujours. Il a dorénavant son labo, Culture Hustle, où lui et son équipe créent mille et une nuances destinées au monde artistique et « libèrent » les teintes aux mains des « voleurs de couleurs », tels Tiffany ou Yves Klein et leur bleu du même nom. BY / PAR EMILY WAUGH PHOTO COURTESY OF / OFFERTE PAR CULTURE HUSTLE

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1. Pigment Collection / La collection de pigments “We collect pigments from all over the world and use them in our research. Our pigment collection is really, really important to us. This is only a fraction of it.” / « On collectionne des pigments du monde entier, dont on se sert dans nos recherches. C’est vraiment ce qu’on a de plus précieux. Là, il n’y en a qu’une partie. » 2. Unicorn / La licorne “These are objects we’ve painted with different effects and paints to see what they do. I don’t know why, but most of the time we’ll paint a unicorn with whatever we invent.” / « On teste nos peintures sur des objets, pour voir comment elles se comportent. J’ignore pourquoi, mais c’est souvent une licorne qui fait les frais de notre inventivité. » 3. Platonic Moon by Franz West / Platonic Moon de Franz West “I have a lot of other artists’ work in the studio that’s inspiring. My mum got [the Franz West] for me for my birthday when I was, I think, 25. It just sort of reminds me of her.” / « J’ai beaucoup d’œuvres d’autres artistes dans l’atelier : elles m’inspirent. Cette toile est un cadeau de ma mère pour mon 25e anniversaire, je crois. Elle me fait penser à elle. »

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4. Experimental Paint Swatches / Les échantillons expérimentaux “These are experiments of things we’ve made or that we’re testing. Sometimes I come up with an idea of something that I might need for a work, but we always try to investigate things for other artists as well.” / « Ce sont des essais de peintures qu’on a élaborés ou qui sont en cours de préparation. Les idées viennent d’une chose dont j’ai besoin pour mon travail ou de recherches pour d’autres artistes. » 5. Communal Table / La table commune “The table is used as a communal thing. Quite often if a new material has been developed, all my assistants will gather round and have a good old play with it and we’ll ask them what they think. Our husky [Luna] lives under there. She helps by boosting morale.” / « Elle sert à tout et à tous. Quand on crée une nouvelle nuance, tous mes assistants se réunissent autour de cette table pour jouer avec et nous donner leur avis. Ma husky [Luna] vit dessous : elle nous encourage. »

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The Business / L’entreprise

The Future of Vintage L’avenir de l’ancien

We spoke to Lauryn Vaughn, the force behind Calgary-based consignment store The Revente, about the reinvention of resale shopping, luxury online experiences and finding empowerment through fashion. / On parle réinvention du magasinage, service de luxe en ligne et mode qui donne confiance en soi avec Lauryn Vaughn de The Revente, un dépôt-vente chic à Calgary. AS TOLD TO / PROPOS RECUEILLIS PAR ELIZABETH CHORNEY-BOOTH ILLUSTRATION BY / PAR VANESSA MCKERNAN

While working in Paris in fashion, I fell in love with the quality designer goods but didn’t have the bank account to afford those items. When I returned to Calgary, I saw a need in the market for luxury goods at affordable prices that wasn’t being filled, so I started a business in my basement with some supportive partners. Over the next six years, we grew that business into what The Revente is today. Our aim was to completely redefine the experience of resale shopping, whether that’s in our beautiful Calgary gallery space or online. I knew there was nothing like our shop in Canada. From the beginning, I saw the need to be online as a top priority and wanted to be a leader in that space. We strive to make the online shopping experience on our website the best that it can be. This also really helped us stay ahead of the game when the pandemic hit, as we were able to stay in business. Calgary is where I was raised and where I’m currently raising my daughter. I have an amazing support network here, including a great group of entrepreneurial women that I lean on. Style and fashion are so important to help women feel empowered; I know they do that for me. Being able to provide quality goods at accessible prices means that more women can afford that special piece that can elevate their look and give them the boost they need. 16

Quand je travaillais dans la mode à Paris, les vêtements griffés me faisaient rêver, mais mon compte en banque ne me permettait pas de telles dépenses. De retour à Calgary, j’ai constaté qu’il y avait un besoin sur le marché des produits de luxe à prix abordables. J’ai donc décidé de bâtir mon entreprise dans mon sous-sol avec le soutien de quelques partenaires : The Revente est le fruit de notre labeur depuis six ans. Notre but était de redéfinir l’expérience de magasinage dans le secteur de la revente, que ce soit dans notre splendide boutique à Calgary ou en ligne. Je savais qu’il n’existait rien de semblable au Canada et que la présence en ligne était une priorité absolue : je voulais être un leader dans cet espace virtuel. On fait tout notre possible pour sublimer l’expérience magasinage sur notre site Web. Il nous a aussi permis de garder une longueur d’avance quand la pandémie a frappé. J’ai grandi à Calgary et j’y élève ma fille. J’ai un réseau formidable ici, dont un super groupe d’entrepreneures sur lequel je compte. La mode est très importante pour aider les femmes à se sentir fortes, indépendantes; je sais que c’est mon cas. Le fait de proposer des vêtements de qualité à un prix accessible permet à davantage de femmes de s’offrir cette robe ou ce haut qui va rehausser leur look et leur donner le petit coup de pouce dont elles ont besoin.


The Business / L’entreprise

THE BEST BEST ADVICE I’VE EVER RECEIVED / LE MEILLEUR CONSEIL QU’ON M’AIT DONNÉ When I was 15 and working in a restaurant, I was told that everyone is replaceable. I was offended at the time, but as I went through school and [progressed in] my career, I learned it was true. This led me to read Linchpin by Seth Godin, which is how I learned how to become that person who is really valuable to an organization and so is irreplaceable. / À 15 ans, on m’a dit que personne n’était irremplaçable. Je travaillais dans un restaurant à l’époque et ça m’a vexée. C’est en avançant dans mes études et dans ma vie professionnelle que je me suis rendu compte que c’était vrai. Et c’est en lisant Êtes-vous indispensable? de Seth Godin que j’ai appris à devenir celle dont l’entreprise ne peut se passer, et donc irremplaçable.

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Artist’s Block / Art en Block

BMC-FCG-1114 by Shaheer Zazai Shaheer Zazai’s block is part of an ongoing digital series of improvised designs guided by preset rules. The title is a cipher, says Zazai, “almost like a reminder to myself, highlighting the parameters of the work.” Here it is, decoded: BlockMagazineCommission-FirstColourGradient-11x14. / Ce cube signé Shaheer Zazai fait partie d’une série numérique en cours : des créations improvisées guidées par des règles prédéfinies. Le titre est un code, explique l’artiste, « une sorte de mémo personnel, correspondant aux paramètres de l’œuvre ». Le voici décodé : BlockMagazineCommission-FirstColourGradient-11x14.

EACH ISSUE, WE ASK AN ARTIST TO CREATE A BLOCK USING THE MEDIUM AND APPROACH OF THEIR CHOICE. / DANS CHAQUE NUMÉRO, NOUS DEMANDONS À UN ARTISTE DE CRÉER EN TOUTE LIBERTÉ UNE ŒUVRE D’ART FAÇON BLOC. 18


Artist’s Block / Art en Block

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The Interior / L’intérieur

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The Interior / L’intérieur

Zero Sum

Opération zéro Overlooking downtown Calgary, Integral Group’s office exemplifies sustainable workplace design in a city better known for its leadership in resource extraction. / Surplombant le centre-ville de Calgary, le bureau d’Integral Group est un exemple de conception durable dans une ville plus connue pour l’extraction des ressources. BY / PAR XIMENA GONZÁLEZ PHOTOS BY / PAR CHRIS AMAT COURTESY OF / OFFERTES PAR INTEGRAL GROUP

For an award-winning engineering firm of international renown, working in a space that reflects their commitment to sustainability is essential. Guided by the very same values that inform their work worldwide, Integral Group set out to design Calgary’s greenest office: LEED- and Fitwel-certified, with zerowaste construction. Although all of Integral Group’s offices have adopted Fitwel, a building certification system focused on improving occupants’ health and productivity, this was the first time the firm also aspired to minimize waste. It’s estimated that the zero-waste approach helped divert between six and seven tonnes from landfills.

Pour cette entreprise en ingénierie de renommée internationale, il était essentiel de travailler dans un lieu qui reflétait son engagement en faveur de la durabilité. Guidée par ses réalisations souvent récompensées, Integral Group a donc imaginé le bureau le plus écologique de Calgary : certifié LEED, certifié Fitwel et une construction zéro déchet. Bien que tous les bureaux du groupe aient adopté Fitwel, une certification des bâtiments visant à améliorer la santé et la productivité des occupants, c’était la première fois qu’il souhaitait minimiser ses déchets : six à sept tonnes de détritus n’ont pas pris le chemin de la décharge.

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The Interior / L’intérieur LEFT: The kitchen features reclaimed butcher block, and plywood from packing crates in place of gypsum. RIGHT: Discarded glass samples were fashioned into a faceted partition, reflecting views of the city. / À GAUCHE : Dans la cuisine, des blocs de boucher récupérés et des caisses en contreplaqué à la place du gypse. À DROITE : Reflets urbains dans une cloison à facettes, composées d’échantillons de verre destinés aux ordures.

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The Interior / L’intérieur

“It feels finished, it feels new, even though the majority of the materials were reused and recycled from other construction sites.” / « Ça paraît fini, ça paraît neuf, alors que la majorité des matériaux sont de la récupération ou du recyclage en provenance d’autres chantiers. »

Designed by LOLA Architecture in collaboration with Integral Group, the 6,800-square-foot space, situated on the 26th floor of Calgary’s iconic TELUS Sky building, brings to life the firm’s values in an inspiring environment that promotes trust and collaboration and can comfortably accommodate a multidisciplinary team of 35 people. “It was very important to them that they all be in one large place,” says Erica Lowe, founding principal of LOLA Architecture. “But they did want a few quieter spaces where they could go and have calls.” To meet this need, the team designed three different types of breakout rooms, including a private quiet space that also functions as a nursing room. While many architecture and engineering offices have been employing the open-office concept for decades, the configuration of Integral Group’s space is specific to the firm’s needs—and their identity. One key feature is the location of the kitchen near the entrance, replacing the typical reception area. “When people come in,” Lowe says, “they’ll walk by the kitchen, pick up a coffee and then move to the large meeting room,” which is strategically located at the back of the workspace to prompt casual encounters among visiting clients, collaborators and staff. “They really liked the idea that when people come to visit, they walk through, see the space and then see the people working there,” she notes. (This intent will be fully realized once the restrictions to prevent COVID-19 transmission have been lifted and all staff members have returned to the office.)

Conçu par LOLA Architecture en collaboration avec Integral Group, ce bureau de 630 m2, situé au 26e étage du gratte-ciel Telus Sky, est à l’image des valeurs de l’entreprise : un lieu de travail inspirant, qui favorise la confiance et la collaboration, et dans lequel chacun des 35 membres de l’équipe multidisciplinaire trouve sa place. « Il était important pour eux d’avoir un seul et même grand espace, explique Erika Lowe, fondatrice et associée de LOLA Architecture. Mais ils voulaient également des endroits calmes pour pouvoir s’isoler et passer un coup de fil. » Pour ce faire, elle a imaginé trois types de salles de réunion, dont une plus confidentielle, qui fait aussi office de salle d’allaitement. Si, depuis des années, de nombreux ingénieurs et architectes choisissent le concept à aire ouverte, Integral Group a adapté le sien à ses besoins et à son identité. L’emplacement de la cuisine, par exemple, qu’on trouve tout de suite en entrant, à la place de l’accueil. « Quand quelqu’un arrive, poursuit Erika Lowe, il passe par la cuisine, prend un café, puis se dirige vers la grande salle de réunion », stratégiquement située au fond pour favoriser les rencontres informelles entre clients de passage, collaborateurs et employés. « L’idée que les visiteurs traversent le bureau et voient les gens qui y travaillent leur plaît beaucoup », ajoute-t-elle. (Covid-19 oblige, cette intention ne sera pleinement réalisée que lorsque tout le monde sera de retour au bureau.) BLOCK / 23


The Interior / L’intérieur Integral Group’s visitors also get a new perspective on salvaged materials, which aren’t always perceived as a suitable choice for a professional space. By going zero-waste, the team not only avoided producing waste during the construction process (not even coffee cups) but also reused materials discarded from other sites or left over from previous projects. “We started looking at materials that would give a higher-end feel but still be a bit ‘granola,’” Lowe says. “It had to feel tailored, with nice detailing and really simple materials.” The design incorporates plywood cider crates as partition walls, salvaged solid-wood baseboards, leftover tiles for the kitchen’s backsplash and discarded glass samples (sourced from subcontractors and other architecture firms in Calgary) to create a bespoke wall reminiscent of the building’s articulated facade and unique twisting envelope. For Lowe, the team’s biggest accomplishment wasn’t that they diverted all waste or met their certification targets but that they did it all in a sophisticated way. “It feels finished, it feels new, even though the majority of the materials were reused and recycled from other construction sites,” she says. Cette traversée leur ouvre également de nouvelles perspectives sur les matériaux de récupération, qui ne sont pas toujours perçus comme appropriés dans un espace professionnel. En optant pour une construction zéro déchet, l’équipe calgarienne d’Integral Group a non seulement évité la production de détritus (même pas une tasse à café), mais elle a aussi réutilisé des matériaux destinés à être jetés, provenant d’autres chantiers ou de projets antérieurs. « On a récupéré tout ce qui était élégant et un peu “grano” en même temps, note l’architecte. Il fallait que ça ressemble à du sur-mesure, du très simple avec de beaux détails. » Les cloisons sont faites de palettes de bouteilles de cidre, les plinthes en bois massif sont du recyclage, tout comme le carrelage du dosseret de la cuisine, et des échantillons de verre (provenant de sous-traitants et de cabinets d’architectes locaux) personnalisent un mur rappelant la façade du gratte-ciel et sa courbe si singulière. Au final, la plus grande fierté d’Erika Lowe et de son équipe n’est pas le zéro déchet ou les certifications, c’est d’avoir réussi les deux avec élégance. « Ça paraît fini, ça paraît neuf, alors que la majorité des matériaux sont de la récupération ou du recyclage en provenance d’autres chantiers. »

Integral Group’s zero waste office renovation signals their commitment to enabling more “deep green” and net zero projects in Calgary and Alberta. / Integral Group s’est engagée à réaliser des projets plus verts à Calgary et en Alberta, ces travaux zéro déchet en témoignent.

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The Interior / L’intérieur

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The Creator / La créatrice

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The Creator / La créatrice

Umbereen Inayet is attempting to make sense of a world in flux—and make space for stories yet untold. / Umbereen Inayet tente de donner un sens à un monde en mutation et de faire entendre des histoires encore trop silencieuses.

Upending Narratives Des récits renversants BY / PAR SARAH LISS PHOTOS BY / PAR JALANI MORGAN

Midway through 2021, grappling with the claustrophobia and monotony of riding out COVID’s third wave, Umbereen Inayet escaped her hometown of Toronto and fled to Banff. For most of us, a mountain getaway holds a certain restorative appeal; for Inayet, the experience was a revelation. “As soon as I saw those mountains, I was humbled. It was a huge reminder that we haven’t seen it all. There’s so much more to do, so many mountains to climb. I’m a tiny speck in the wheel of existence,” she says. “I felt like it fed my soul in a way my soul hadn’t been fed for a while because I’d been focusing a lot on problem-solving. As I’ve filled my cup through culture, it’s been more about asking how we can hold space for pain. This was really about holding space for joy.” That’s not to say Inayet hasn’t found some measure of euphoria via her creative pursuits. Since 2008, when she joined Nuit Blanche as an artistic producer, the interdisciplinary visionary has been working to transform urban landscapes through public art. Inayet has made magic with festivals, independent plays and digital media. She’s been a spokesperson at conferences dedicated to change through innovation. She’s enacted multi-tentacled interventions in parks and public squares. And she’s collaborated with A-list creators to amplify voices outside the mainstream. But, as she notes, the work she does is not simple escapism.

Mi-2021, aux prises avec la troisième vague de Covid et les sentiments de claustrophobie et de monotonie qui l’accompagnent, Umbereen Inayet décide de fuir Toronto, direction Banff. Pour bon nombre d’entre nous, une escapade en montagne est synonyme d’apaisement, pour Umbereen, ça a été une révélation. « Dès que j’ai vu ces montagnes, je me suis sentie toute petite. Cela m’a rappelé qu’il y a plein d’endroits à découvrir, plein de choses à faire, plein de montagnes à gravir. Je ne suis qu’un grain de poussière dans cette vie, explique-t-elle. J’ai l’impression que ce voyage a nourri mon âme comme rarement auparavant. J’étais beaucoup en mode résolution de problème, je me ressourçais avec la culture, me demandais comment faire de la place à la peine. Cette fois, il était question de faire place à la joie. » Cela ne veut pas dire qu’Umbereen n’a pas trouvé un certain bonheur dans sa recherche créative. Depuis 2008, la productrice artistique de Nuit blanche se sert de l’art public pour transformer le paysage urbain. Cette visionnaire interdisciplinaire jongle à merveille avec les festivals, le théâtre indépendant et les médias numériques. Elle intervient dans des conférences sur le changement par l’innovation. Elle organise des représentations tentaculaires dans les parcs et sur les places publiques. Elle collabore avec des créateurs de renom pour faire entendre les voix à contre-courant. Mais son travail n’est pas une simple évasion, note-t-elle. BLOCK / 27


The Creator / La créatrice

Umbereen Inayet in Marie Curtis Park, Etobicoke, the location for New Monuments. / Umbereen Inayet dans le parc Marie Curtis à Etobicoke, où a eu lieu New Monuments.

Inayet approaches each project with a distinctive combination of empathy, insight and ambition informed as much by her academic background (she majored in anthropology and women’s studies and completed a master’s in social work) as by her personal and professional experiences: She’s a racialized female-identifying child of immigrants; she’s a social worker who’s spent no small amount of time engaging with people who’ve undergone profound trauma. Her Awakenings project, launched in early 2021 with Toronto History Museums, mobilized IBPOC creators to produce interactive work—from musical performances to short films—illuminating the vital narratives that remain untold while dominant histories are enshrined by institutional discourse. “Changing the gaze is really important for me,” she says. “I spent six months looking for these hidden truths—the stuff we don’t talk about: the corsets women were forced to wear, the queer people who weren’t allowed to love. I think it’s our responsibility to dig out those stories for the people in the museums and to give them something creative to respond to.” 28

Umbereen aborde tous ses projets en combinant empathie, perspicacité et ambition, en s’appuyant tant sur sa formation (elle est spécialisée en anthropologie et condition féminine et a une maîtrise en travail social) que sur ses expériences personnelles et professionnelles : fille d’immigrants, elle s’identifie comme femme racisée; travailleuse sociale, elle passe du temps auprès de personnes vivant de profonds traumatismes. Pour Awakenings, présentée en 2021 au collectif muséal Toronto History Museums, elle a mobilisé des artistes ANDC qui, au travers de la musique et du court-métrage, ont mis en lumière des histoires vitales qu’on tait alors que les récits dominants, eux, s’enchâssent dans le discours institutionnel. « Il est important pour moi de changer le regard, explique-t-elle. J’ai passé six mois à chercher des vérités cachées, les choses dont on ne parle pas : les corsets que les femmes étaient obligées de porter, les personnes queers qui n’avaient pas droit à l’amour. Je crois qu’il est de notre responsabilité de déterrer ces histoires, de les raconter au public et de façon créative dans les musées. »


The Creator / La créatrice

Cette même philosophie est au cœur de New Monuments, une production éblouissante en collaboration avec le réalisateur canadien de renommée internationale Director X, alias Julien Christian Lutz. Cette œuvre, selon Umbereen, révèle l’héritage du colonialisme et les dommages collatéraux d’une nation qui s’est construite en tissant des fils fragiles, souvent oubliés dans l’histoire du Canada, ou Île de la Tortue. Pour mettre en lumière les corps de couleur qui ont construit, littéralement parlant, ce pays, ou ont été sacrifiés au cours de sa construction, New Monuments se sert du mouvement, et plus particulièrement de celui des corps d’une trentaine de danseuses et danseurs, provenant d’une multitude de groupes torontois. C’est dans la plus longue rue canadienne, Yonge Street à Toronto, à l’été 2021 qu’aurait dû avoir lieu cette représentation qui se voulait interactive. Covid oblige, elle a été reportée. Entretemps, des statues ont été déboulonnées aux quatre coins du monde : ces figures historiques vacillantes incarnent la métaphore centrale d’Umbereen et de Director X, qui consiste à renverser le récit dominant. Après de nombreuses discussions sur les traités et les terres volées, les producteurs et leur équipe ont donné un sens nouveau à la notion de territoire et l’ont intégrée à leur représentation. En octobre 2021, c’est sur les rives du lac Ontario, dans le parc torontois Marie Curtis à Etobicoke, qu’ils ont réuni leurs danseurs dans une chorégraphie signée Tanisha Scott, mêlant hip-hop, ballet, claquettes et danse du cerceau, une danse narrative autochtone.

Photos by / par Jeremy Mimnagh

That ethos is also at the heart of New Monuments, a stunning performance-based collaboration between Inayet and Canadian-born, internationally renowned Director X (a.k.a., Julien Christian Lutz). Inayet explains that the work reveals the legacy of colonialism and the collateral damage of nation-building by weaving together the frayed threads that are often left out of the story of how Canada (or Turtle Island) came to be. Apropos for a piece that shines light on the Black, brown and Asian bodies that literally built (or were sacrificed in the project of building) this country, New Monuments tells its story through bodies in motion—specifically, the bodies of more than 30 dancers from a host of different groups in Toronto. The project was originally conceived as a kind of interactive intervention on Yonge Street (the longest street in Canada) and slated to take place in the summer of 2021, but COVID reconfigured the plan. Meanwhile, statues representing old-guard history’s victors were being overturned by activists around the world. The fallen icons were a literal representation of Inayet and X’s central metaphor of upending the dominant narrative. Immersed in discussions about treaties and stolen land, Inayet and her collaborators developed a new and profound sense of the role landscape plays in the ideas they were hoping to highlight. So, in October 2021, they brought together their performers—artists working in styles from hip hop to ballet to tap to Indigenous hoop dancing—overseen by noted choreographer Tanisha Scott, to carve out an overlapping narrative in motion set in Marie Curtis Park in Etobicoke, Toronto, on the shores of Lake Ontario.

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The Creator / La créatrice

RIGHT: A portrait of Mary Ann Shadd, the AmericanCanadian abolitionist and the first Black woman in North America to publish a newspaper, The Provincial Freeman, created by artist Yung Yemi as part of Inayet’s Awakenings project for Toronto History Museums. / CI-CONTRE : Dans le cadre d’Awakenings, le projet d’Umbereen Inayet pour le collectif muséal Toronto History Museums, l’artiste Yung Yemi a réalisé ce portrait de Mary Ann Shadd, abolitionniste américanocanadienne et première femme noire en Amérique du Nord à publier un journal, The Provincial Freeman.

Photo by / par Andrew Williamson, ‘Yung Yemi’

PREVIOUS PAGE: The New Monuments performance featured over 40 IBPOC dancers from ten dance companies, telling the stories of Turtle Island’s Indigenous peoples, Chinese railway workers, enslaved African Americans and more. / PAGE PRÉCÉDENTE : Plus de 40 danseuses et danseurs ANDC de 10 troupes différentes ont donné vie à New Monuments, racontant notamment les histoires des peuples autochtones de l’île de la Tortue, des travailleurs chinois du chemin de fer et des Afro-Américains réduits en esclavage.

“Movement represents freedom,” says Inayet. For her, that freedom is also about feeling empowered to not just exist but also be a dominant force in the world of contemporary art—an environment that she found deeply alienating when she first started doing this work. She says that as a kid, she didn’t really visit galleries or museums. “Honestly, I thought art was for rich white people. My dad would take photos and my parents sang songs with other people, but those were things you did at home when you came back from your factory job.” Even so, she always had a latent sense of the power art could hold as a therapeutic tool and a collective force. Her great-grandfather, Hafeez Jalandhari, wrote Pakistan’s national anthem. When Inayet reflects on that, she’s caught up in the idea of “something bigger than [her] that connects a country, that unifies people.” “That’s how I think about public art,” she says. “How can it serve? How can it hold a space for emotions? How can it bring people together who may not be coming together?” 30

Pour Umbereen, « le mouvement représente la liberté » et sa liberté s’apparente également à un sentiment de maîtrise : ne pas se contenter d’exister, mais être une force dominante dans l’art contemporain, un monde qu’elle a trouvé profondément aliénant à ses débuts. Enfant, elle n’allait pas au musée : « Je croyais que l’art était réservé aux riches blancs. Mon père prenait des photos, mes parents chantaient avec d’autres personnes, mais c’étaient des activités qu’on pratiquait à la maison, après une journée à l’usine. » Malgré cela, elle a toujours su au fond d’elle que l’art avait du pouvoir en tant qu’outil thérapeutique et force collective. Son arrière-grand-père, le poète Hafeez Jalandhari, est l’auteur de l’hymne national pakistanais. « Quand j’y réfléchis, je sais qu’il existe quelque chose de plus grand que moi, qui relie un pays, qui unifie les gens. » « C’est ma façon d’appréhender l’art public : comment peut-il servir? Comment peut-il faire place à l’émotion? Comment peut-il rassembler des gens venant d’horizons différents? »


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Photo courtesy of / offerte par PortsToronto Archives

Work-in-Progress / Le chantier

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Work-in-Progress / Le chantier

Shoring Up an Icon Accostage en cours

Ontario Place, a modern megastructure and vision for the future, is as rare and remarkable now as it was back in 1971. But will it last? / Mégastructure moderne et visionnaire, la Place de l’Ontario est aussi remarquable aujourd’hui qu’elle l’était en 1971. Le restera-t-elle? BY / PAR KRISTINA LJUBANOVIC

“There’s no other place anywhere like Ontario Place,” proclaimed an early publicity brochure from the Ontario Place Corporation. Hackneyed maybe­—but also the truth. Situated on Toronto’s waterfront, Ontario Place, with its artificial islands, 460-metre seawall created by sinking three lake freighters, triodetic dome structure (home to the world’s first IMAX cinema) and seemingly floating pavilions, is an original­—a modern icon that stands apart as a rare built example (and very likely the only one constructed on water) of a particularly utopian style of modern architecture and ecological landscape design. The park and attraction celebrated its 50th anniversary in 2021, but it’s currently under notice, subject to closed-door redevelopment moves by the provincial government that have been criticized by architectural aficionados, those with fond memories of what Ontario Place was in its heyday (and can still be) as well as proponents of transparency and due diligence of public officials and processes. Enter Aziza Chaouni, a Morocco- and Toronto-based architect and professor at the University of Toronto, and Bill Greaves of Architectural Conservancy Ontario (ACO). The duo registered Ontario Place for the World Monuments Fund’s 2020 World Monuments Watch, a biannual survey of endangered cultural sites around the world. (That same year, the listing included Notre-Dame of Paris, Easter Island in Chile and the Sacred Valley of the Incas at Machu Picchu.) With the WMF’s support, Chaouni and Greaves assembled an advisory board of design heavyweights, including Margie Zeidler, daughter of Eberhard Zeidler, Ontario Place’s visionary architect. Calling themselves The Future of Ontario Place Project, they published an open letter “denouncing the fact that the government’s process was opaque, [given that] any redevelopment would be paid for with public funds,” says Chaouni, and gathered hundreds of signatures of support.

« Aucun endroit au monde ne ressemble à la Place de l’Ontario », annonçait une de ses premières brochures publicitaires. Banal peut-être, mais vrai. Avec ses îles artificielles, sa digue de 460 mètres formée de trois cargos immergés, sa coupole géodésique abritant le premier cinéma IMAX au monde et ses pavillons qui semblent flotter, la Place de l’Ontario, située sur le front de mer torontois, est une originale : une construction rare, et probablement la seule sur l’eau, qui se démarque par son style utopique combinant architecture moderne et aménagement paysager écologique. Ce parc de loisirs, qui fêtait ses 50 ans en 2021, fait l’objet d’un plan de revitalisation de la part du gouvernement provincial, une démarche à huis clos critiquée par les passionnés d’architecture, par les nostalgiques de la Place de l’Ontario de la grande époque et par les partisans de la transparence dont doivent faire preuve les pouvoirs publics. Parmi eux, Aziza Chaouni, architecte au Maroc et au Canada et professeure à l’Université de Toronto, et Bill Greaves d’Architectural Conservancy Ontario (ACO). Tous deux obtiennent que le parc soit inscrit en 2020 sur la liste de l’Observatoire mondial des monuments (World Monuments Watch), qui a pour mission de recenser les sites culturels en danger. La cathédrale Notre-Dame de Paris, la vallée sacrée des Incas proche du Machu Picchu et le village d’Orongo sur l’île de Pâques en faisaient également partie cette année-là. Grâce au soutien de l’Observatoire, ils forment un comité consultatif composé de poids lourds de l’architecture, dont Margie Zeidler, fille d’Eb Zeidler, architecte visionnaire de la Place de l’Ontario. Sous le nom de The Future of Ontario Place Project, ils publient une lettre ouverte « dénonçant l’opacité du procédé gouvernemental, étant donné que la revitalisation sera financée par de l’argent public », explique Aziza Chaouni. Ils recueillent des centaines de signatures. BLOCK / 33


Work-in-Progress / Le chantier

RIGHT: Architect Eb Zeidler conceived of Ontario Place as an urban park for the city, readily accessible to the public (and giving said public access to the shoreline). ABOVE: Designer Eric McMillan, the “father of soft play” and inventor of the ball pit, designed the original Children’s Village play structures. / À DROITE : L’architecte Eb Zeidler a conçu la Place de l’Ontario comme un parc municipal, facilement accessible au public (et lui donnant accès aux berges). CI-DESSUS : Eric McMillan, concepteur d’aires de jeux et inventeur de la piscine à balles, a imaginé les premiers modules du Village des enfants.

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Le gouvernement leur répond qu’il préservera la Cinésphère et les pavillons, mais ce n’est pas suffisant pour l’architecte. « Quand on a étudié le parc et son architecture paysagère signée Michael Hough, un pionnier en écologie urbaine donc on parle ici d’un aménagement durable à préserver, on a découvert que c’était un complexe, constate-t-elle. Ou une gesamtkunstwerk, selon Bill Greaves, à savoir que « jardins, architecture, infrastructures et environnement sont totalement intégrés. Si on transige sur un de ces éléments, on perd l’âme du lieu », poursuit-elle. L’architecte n’est pourtant pas anti-développement. Elle travaille actuellement sur deux projets de conservation, celui de la station thermale de Sidi Harazem au Maroc et celui de la Foire internationale de Dakar au Sénégal : deux vastes complexes datant de la même époque.

Images courtesy of (left) Rose and Eric McMillan and (right) Margie Zeidler / offertes par (à gauche) Rose et (à droite) Eric McMillan et Margie Zeidler

In response, the government announced it would preserve the Cinesphere and the pavilions—but for Chaouni, this wasn’t enough. “Once we studied Ontario Place and the landscapes of Michael Hough—he was the father of modern landscape ecology, so even the landscape is heritage—we learned that it’s a ‘complex,’” says Chaouni, or gesamtkunstwerk, “a totally integrated landscape, architecture, infrastructure and environment,” as Greaves calls it. “If you compromise any of it, you’ve lost the soul of the place,” Chaouni explains. But Chaouni, who’s concurrently working on conservation projects at the Sidi Harazem thermal baths in Morocco and the international fairgrounds in Dakar, Senegal (both massive and modern complexes dating from a similar period), contends she is not anti-development.


CLOCKWISE FROM TOP LEFT: The exhibition pods (made from trusses hung from suspension cables), connecting bridges and fire stairs seemingly float above Lake Ontario; a view to an eating area from Marina Village; buildings were constructed of folded plywood to create complementary crystalline forms. / DANS LE SENS HORAIRE : Les pavillons d’exposition (des structures rigides suspendues par des câbles) et leur dédale de passerelles et d’escaliers semblent flotter sur le lac Ontario; une aire de restauration du Marina Village; les bâtiments ont été construits en contreplaqué cintré pour créer des formes cristallines complémentaires.

“That’s a very clichéd view of conservation. Now, conservation includes retrofitting and adaptive reuse and programming that works within an overall vision. It’s not this ad hoc thing,” Chaouni says, referring to the piecemeal proposals selected for Ontario Place. The Future of Ontario Place Project has created an online repository of user interviews and archival materials and has initiated a national ideas competition, garnering submissions from multidisciplinary teams of students from Canada’s schools of architecture. In late summer, the ACO held a public engagement event that asked people to imagine their future Ontario Place and capture those visions on postcards, which were then forwarded to the government.

« Il faut sortir des clichés. Aujourd’hui, la préservation du patrimoine bâti s’inscrit dans une vision globale, qui comprend la mise aux normes, la réutilisation adaptative et la programmation. Ce n’est pas une chose ad hoc », ajoute-t-elle au sujet de l’approche fragmentée du gouvernement. The Future of Ontario Place Project a ouvert un espace en ligne pour compiler témoignages de visiteurs et documents d’archives et a également lancé un appel à idées national auprès des étudiants en école d’architecture. À la fin de l’été 2021, l’ACO a demandé au public d’imaginer sa future Place de l’Ontario sous forme de carte postale. Ces dernières ont été envoyées au gouvernement. BLOCK / 35

Photos courtesy of (clockwise from top left) / offertes par (dans le sens horaire): City of Toronto Archives, Fonds 200, Series 1456, File 361, Item 3; File 360, Item 6; File 360, Item 10

Work-in-Progress / Le chantier


Photos by / par Andreea Muscurel

Work-in-Progress / Le chantier

While Greaves thinks the government’s scheme will ultimately “flop” without the appropriate buy-in, the group’s valiant efforts continue. Part of the challenge of the project is drumming up awareness of Ontario Place’s importance in the architectural canon. “Twentieth-century heritage, what I sometimes call the heritage of our recent past, faces a lack of appreciation because it’s too young for some people to understand its value,” says Javier Ors Ausín, a project lead at the WMF. And years of neglect take their toll. “If you don’t have a vision for a place, it’s going to fall apart,” Chaouni says. “But that’s not a justification to get rid of it.” “It’s actually hard to overstate how important [Ontario Place] is. It’s an idiosyncratic and iconic and rare example of late modern architecture,” says Greaves. And beyond that, “it’s a beloved place for many people locally,” says Ors Ausín. “Everyone, no matter where they come from, can have access to the waterfront through Ontario Place. That’s what’s really important to us.” 36

Le groupe poursuit son action avec enthousiasme, Bill Greaves estimant que sans l’adhésion appropriée, les plans du gouvernement finiront par échouer. Un de ses plus grands défis? Faire prendre conscience de l’importance architecturale de la Place de l’Ontario. « Le patrimoine du 20e siècle, que j’appelle le patrimoine de notre passé récent, souffre d’un manque d’appréciation du fait de son jeune âge : certains ne comprennent pas sa valeur », explique Javier Ors Ausín, chargé de projet à l’Observatoire. Et des années de négligence laissent des traces. « Sans vision, un endroit s’effondre, conclut Aziza Chaouni. Mais ce n’est pas une raison pour s’en débarrasser. » « Il est en fait difficile d’exagérer son importance. C’est un exemple rare, emblématique et singulier de l’architecture moderne tardive », conclut Bill Greaves. Et au tour de Javier Ors Ausín de conclure : « C’est un endroit apprécié par plusieurs localement. Sans compter que tout le monde peut accéder au front de mer par la Place de l’Ontario. C’est ce qui compte vraiment pour nous. »


Work-in-Progress / Le chantier LEFT: Drawings and documentation from the ACO’s Watch Day event. RIGHT: A proposal for Ontario Place’s pods that provides access and “free play” opportunities through the introduction of a wetland and boardwalk system, by University of British Columbia students Blaike Allen, Michael Monaghan and Kathryn Pierre. BELOW: The jury prize winning student proposal, titled Megalandscape Ontario, by University of Toronto graduates Catherine Howell, Ramsey Leung and Joseph Loreto, proposes a flexible, phased and longterm framework for development involving the Exhibition Place grounds to the north and inclusive community consultations. / À GAUCHE : Dessins et images de l’événement organisé par l’ACO. À DROITE : La proposition de trois étudiants de l’Université de la Colombie-Britannique, Blaike Allen, Michael Monaghan et Kathryn Pierre, pour les pavillons de la Place de l’Ontario : une zone humide et des trottoirs de bois qui offrent accès et possibilités de « jeu libre ». CI-DESSOUS : Intitulée Megalandscape Ontario, la proposition qui a remporté le prix du jury est signée Catherine Howell, Ramsey Leung et Joseph Loreto, étudiants à l’Université de Toronto : un cadre souple et progressif, s’étendant sur le long terme et impliquant les terrains de la Place des expositions au nord et des consultations publiques et inclusives.

Images courtesy of / offertes par The Future of Ontario Place Project

Rendering featuring the extensive new boardwalk system, which allows for occupation of the once empty canals

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The Conversation / La conversation

Olamina (2021) is a temporary public art piece that was installed at Aitken Place Park along the Toronto Waterfront from August to November 2021 that is part of BSAM Canada’s Earthseeds: Space of the Living Waterfront Artist Residency, supported by Waterfront Toronto and Waterfront BIA. / Olamina (2021) est une sculpture temporaire qui a été exposée d’août à novembre 2021 à Toronto, dans le parc Aitken Place, le long du front de mer. Elle fait partie d’Earthseeds: Space of the Living, un projet d’art public créé par BSAM Canada dans le cadre de la résidence d’artiste du front de mer, financée par Waterfront Toronto et Waterfront BIA.

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The Conversation / La conversation

On the Horizon À l’horizon

Queen Kukoyi, Nico Taylor and Quentin VerCetty are, individually, artists, academics and activists. Together, they helm the Black Speculative Arts Movement (BSAM) Canada, a non-profit collective practising in the Afrofuturist tradition, infusing fantasy with Black history, spiritualism and culture. In this conversation, they tell Block about their views of the future and how representation, conversation and visionary thinking shines a brilliant light of possibility on Black futures. / À la fois artistes, universitaires et activistes, Queen Kukoyi, Nico Taylor et Quentin VerCetty dirigent ensemble le Black Speculative Arts Movement (BSAM) Canada, un collectif sans but lucratif qui s’inscrit dans le courant afrofuturiste, infusant l’imaginaire de culture, spiritualité et histoire des Noirs. Pour Block, tous trois discutent de l’avenir : ce à quoi il ressemblera (et quand) ainsi que des multiples possibilités qui découlent de la représentation, des échanges et de la pensée visionnaire.

Photo by / par Eloya Williams (edited / édité)

BY / PAR QUEEN KUKOYI, NICO TAYLOR AND QUENTIN VERCETTY

QUENTIN VERCETTY: I describe myself as an interstellar tree. I focus on growing. I focus on telling stories about the future and on being a knowledge keeper. I’m an artist, researcher and teacher simultaneously, and my practice doesn’t separate one from the other. The Canadian chapter of BSAM came out of the work that I’d been doing, trying to find like-minded people to create a platform for artists because I recognize the healing and transformative aspects of it.

Q. V. : Je me définis comme un arbre interstellaire. Je me concentre sur l’évolution. Je m’attache à raconter des histoires sur l’avenir et à être un gardien du savoir. Je suis artiste, chercheur et enseignant, et porte ces trois casquettes dans toutes mes activités. Le chapitre canadien de BSAM s’est ouvert grâce à mon travail : j’étais à la recherche de personnes partageant les mêmes idées afin de créer une plateforme pour les artistes, car je crois en ses aspects curatifs et transformateurs.

QUEEN KUKOYI: All of it is decolonial work.

Q. K. : C’est un travail de décolonisation.

NICO TAYLOR: What we stress is sharing—sharing what we’ve discovered, our knowledge, experience, skill sets. When we create things, we incorporate several different perspectives because we’re creating them together. We are trying to abolish and dismantle a singular way of seeing the world, allowing people to see things from the lens of their environment and their cultural understanding.

N. T. : En mettant l’accent sur le partage : le partage de nos découvertes, des connaissances, de l’expérience, des compétences. Toutes nos créations intègrent différents points de vue car on crée ensemble. On tente d’abolir une façon unique de voir le monde, en permettant aux gens de l’appréhender en fonction de leur milieu et de leur compréhension culturelle. BLOCK / 39


The Conversation / La conversation QK: The overarching framework we work from is the Ubuntu framework: I am because we are; without each other, we can’t succeed. In the Eurocentric lens, you have this idea of individualism. In the Afrocentric lens, it’s collectivism. QV: But Afrofuturism from a Canadian standpoint is unique because we recognize and acknowledge that we are on unceded territories, and we honour those who are the original stewards of this land. So, coexistence is a big emphasis—and partnership.

“That’s where the visionaries come in, to etch out those pathways.” QK: Our fates are tied. Black liberation is tied to Indigenous sovereignty because we are stolen people on stolen land. We both have experienced similar traumas and displacement. And there are so many linkages that don’t even involve colonialism—like our rituals and practices—that intertwine and intersect the two cultures. For instance, we’re doing a film that will be coming out in November called Rahyne. It’s about an Afro-Indigenous young person who’s also non-binary. In both [Black and Indigenous] cultures, there’s the importance of water and land and our connection to it, to ritual and our ancestors. NT: I have a question. When we’re thinking about the future, is it the near future or 200 years down the road? What do we see as the future? QV: For me, when it comes to art, I’m thinking about permanence and [creating] things that will last after I’m no longer here. That’s why I focus a lot on monuments and public art. One of the biggest misconceptions of white supremacy is that monument-making is a Eurocentric practice, when the Nok people of [Nigeria and] Benin were making monuments out of terracotta around 2000 to 1500 BCE, thousands of years before the rise of Rome. I see a future that’s more inclusive in terms of representation and uplifting people of colour within the public sphere, with knowledge of the contributions of Black people to this country being readily accessible. For example, people continue to think that the first Black people who came to Canada were enslaved. Schools don’t teach you about Mathieu Da Costa. If you don’t know, Da Costa was a translator with Samuel de Champlain’s party, translating between the Indigenous groups of Nova Scotia and the French. He came here as a hired linguist with his own boat and crew of people. That’s circa 1605, 20 years prior to the first enslaved African coming to Canada. A lot of the research I do in my practice is around monuments in Canada. I’ve only been able to find 16 monuments of people of African descent (and there are all those generals, at least 20, lined up around Queen’s Park [in Toronto] alone). So, I made the 17th. The Joshua Glover bronze memorial is meant to last a thousand years before it needs mega maintenance. So, I’m looking at least a thousand years [into the future]. 40

QK: My main theory of existence is parallel universes. So, for me, the future is happening simultaneously with the past and the present. I have Bipolar II and am very open about my diagnosis. It informs my way of thinking and my practice as well. I met with a spiritual healer, and he talked about it as an experience of my selves on different planes. A way for me to centre and ground myself in this plane is through abundance work and grounding exercises. But Quentin and Nico can attest to my thought process, assessing all these different scenarios within seconds—if we do this, then that can happen—which can be frustrating for them at times but is mostly useful, I like to think. NT: I think it is useful! As for me, I don’t really think that far ahead— tomorrow is the future. So, when I create, I’m thinking about what the work could inspire today, maybe tomorrow, maybe the day after. I do things because they’re meaningful and because I see them contributing to a larger conversation. I imbue them with a hope that this conversation will end up being fruitful further down the line. I used to think I was an idealist, but being around Quentin and Queen, I’m beginning to learn I’m more of a realist. They’re the ones who dream big. But I appreciate that, because they’re the people we need to see beyond things like enslavement or bondage: for instance, to say, “This is not what life is—there’s more to what we are here.” That’s where the visionaries come in, to etch out those pathways. QK: This is a hard conversation to have, especially with people in our community who can’t see beyond what they’re experiencing in the present. As a mother, I teach my daughter that our existence is filled with all these disparities and challenges but, like many of our ancestors realized, this ain’t it—there’s gotta be something better on the horizon. There’s an idea in Afrofuturism, in Black speculation, that you have to tear shit down to rebuild it. NT: Or make it function differently by hacking it. I love this idea of hacking that comes from Afrofuturism. It’s taking the systems we know, going in there and tinkering. QK: It’s understandable that a lot of young people, even adults, remain stuck, because when you’re living in it every day, it’s hard to see beyond it. That’s how trauma works, right? And the system is one big prevalent trauma that we experience on many different levels, whether we understand it or not. For those of us who’ve been able to so-called make it out—I don’t really like that expression, if I’m being honest—or those of us who’ve been able to think beyond what we’re currently experiencing, it was because someone or something (a person we met, something we read) helped us think alternatively.

For more info on the Black Speculative Arts Movement, visit BSAMCANADA.CA and check out Cosmic Underground Northside: An Incantation of Black Canadian Speculative Discourse & Innerstandings, edited by Quentin VerCetty and Audrey Hudson.


The Conversation / La conversation Q. K. : Le cadre à partir duquel on travaille est le cadre ubuntu : je suis parce que nous sommes; sans l’autre, nous ne pouvons réussir. Dans l’optique eurocentrique, il y a cette idée d’individualisme. Dans l’optique afrocentrique, c’est le collectivisme. Q. V. : Mais l’afrofuturisme d’un point de vue canadien est unique, car on reconnaît vivre sur des territoires non cédés et on honore ceux qui sont les premiers gardiens de ces terres. La coexistence est donc un élément important, tout comme le partenariat.

« C’est là que les visionnaires entrent en jeu, pour tracer la voie. » Q. K. : Nos destins sont liés. La libération noire est liée à la souveraineté autochtone parce que nous sommes des personnes volées sur des terres volées. Nous avons vécu des traumatismes et des déplacements de population semblables. Sans compter les nombreux liens où le colonialisme n’est pas impliqué, comme nos rituels et nos pratiques, qui font que nos cultures s’entrecroisent. Par exemple, on vient de réaliser un film, Rahyne, à propos d’une jeune personne afroautochtone qui est aussi non-binaire. Dans les deux cultures [noire et autochtone], il y a cette importance de l’eau, de la terre, de notre lien avec elle, avec nos rituels et nos ancêtres. N. T. : J’ai une question : quand on réfléchit à l’avenir, est-ce le futur proche ou dans 200 ans? Et comment le voit-on, cet avenir? Q. V. : Personnellement, si on parle d’art, je pense permanence et œuvres qui me survivront. C’est pour ça que je m’intéresse tant aux monuments et à l’art public. Une des plus grandes erreurs sur la suprématie blanche est de croire que la construction de monuments est une pratique eurocentrique, alors que les Noks [du Nigéria et] du Bénin en construisaient en terre cuite vers 2 000-1 500 avant notre ère, soit des milliers d’années avant la naissance de Rome. Je vois un avenir plus inclusif quant à la représentation et la valorisation des personnes de couleur dans la sphère publique, et dans lequel les contributions des personnes noires à ce pays seront facilement accessibles. Par exemple, plusieurs continuent de croire que les premiers Noirs qui sont arrivés au Canada étaient des esclaves. On ne parle pas de Mathieu da Costa à l’école. Pour ceux qui l’ignorent, il était interprète auprès de Samuel de Champlain, traduisant entre les peuples autochtones de Nouvelle-Écosse et les Français. Il avait été engagé en tant que linguiste et a débarqué ici avec son bateau et son équipage. C’était vers 1605, soit 20 ans avant l’arrivée du premier Africain asservi au Canada. Lors de mes recherches sur les monuments canadiens, je n’ai trouvé que 16 statues de personnes d’origine africaine. Et dire que rien qu’à Queen’s Park [à Toronto], il y a tous ces généraux alignés, au moins 20! J’ai donc décidé de faire la 17e. Le buste en bronze de Joshua Glover est fait pour durer 1000 ans sans restauration. Je dirais donc que je réfléchis aux 1 000 ans à venir.

Q. K. : Ma principale théorie de l’existence est celle des univers parallèles. Donc, pour ma part, l’avenir se déroule, tout comme le passé et le présent, de façon simultanée. Je suis bipolaire de type 2, et je ne m’en cache pas. Cela influence mes réflexions et mes agissements. D’après un guérisseur spirituel, c’est comme vivre mes moi à différents niveaux. Un travail sur l’abondance et des exercices d’ancrage m’aident à me centrer et à m’ancrer à ce niveau-ci. Quentin et Nico peuvent confirmer mon mode de raisonnement. J’évalue une multitude de scénarios en quelques secondes : si on fait ceci, il va se passer cela, etc. Même si ça peut parfois être frustrant pour eux, j’espère que c’est surtout utile. N. T. : Je trouve ça utile! En ce qui me concerne, je ne réfléchis pas à aussi long terme. Pour moi, l’avenir, c’est demain. Quand je crée, je pense à ce que l’œuvre pourrait inspirer aujourd’hui, demain peut-être, après-demain à la rigueur. Je fais les choses parce qu’elles ont un sens et que je sens qu’elles pourraient élargir le débat. Je les emplis d’un espoir, que tous ces échanges soient fructueux au bout du compte. Je me croyais idéaliste, mais en fréquentant Quentin et Queen, je me rends compte que je suis plutôt du côté des réalistes. Les grands rêveurs, ce sont eux. Et c’est bien parce qu’on a besoin de gens comme eux pour voir au-delà de l’asservissement ou de la servitude, pour nous dire que ce n’est pas ça la vie, qu’il y a plus. C’est là que les visionnaires entrent en jeu, pour tracer la voie. Q. K. : Ces discussions sont difficiles à avoir, surtout avec les personnes de notre communauté qui ont du mal à voir plus loin que leur situation actuelle. En tant que mère, j’apprends à ma fille que la vie est remplie d’inégalités et de défis, mais que, comme bon nombre de nos ancêtres s’en sont rendu compte, ce n’est pas tout : il y a du meilleur à l’horizon. Il y a cette idée dans l’afrofuturisme, dans la spéculation noire, que pour reconstruire, on doit d’abord démolir. N. T. : Ou faire fonctionner les choses différemment en les piratant. J’aime beaucoup cette idée de piratage qu’on trouve dans l’afrofuturisme. On entre dans le système et on le bricole à sa sauce. Q. K. : Je comprends que beaucoup de jeunes, et même des adultes, restent bloqués : quand on vit là-dedans tous les jours, on a du mal à voir au-delà. C’est comme ça que fonctionne un traumatisme, n’est-ce pas? Et le système en est un grand, qu’on subit à plusieurs niveaux, qu’on le comprenne ou pas. Ceux d’entre nous qui ont réussi à soidisant s’en sortir… Je n’aime pas trop ce mot en fait… Ceux d’entre nous qui ont réussi à voir au-delà de leur vécu quotidien l’ont fait grâce à quelqu’un ou quelque chose (une rencontre, un livre) qui les ont aidés à penser autrement. Pour en savoir plus sur le Black Speculative Arts Movement : BSAMCANADA.CA (site en anglais) et Cosmic Underground Northside: An Incantation of Black Canadian Speculative Discourse & Innerstandings, édité par Quentin VerCetty et Audrey Hudson (livre en anglais). BLOCK / 41


Made / Fabriqué

AE Bench #3 by Susan for Susan Le banc AE #3 de Susan for Susan BY / PAR EVAN PAVKA

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Made / Fabriqué

Photo courtesy of / offerte par Susan for Susan

Working out of a barn in Markham, Ontario, just north of Toronto, siblings John and Kevin Watts craft experimental objects that seemingly teem with life. Since debuting at the 2018 Interior Design Show, their collaborative, multihyphenate practice Susan for Susan has patented their technique and use of workaday materials to produce a host of vibrant textured furnishings that trace the contours between function and ideation, otherworldly statement pieces and collectible design. / C’est dans une grange à Markham, au nord de Toronto, que les frères Watts, John et Kevin, façonnent à leur manière des objets sculpturaux signés Susan for Susan. Après avoir présenté leur première série en 2018 à l’Interior Design Show, ils ont fait breveter leur technique et utilisent depuis des matériaux de la vie quotidienne pour produire des meubles texturés alliant fantaisie et fonctionnalité, des œuvres qui semblent venir d’ailleurs et des pièces de collection. John and Kevin Watts’ early trials with acetone on polystyrene began while Kevin was in architecture school and John was studying advertising. “You drop the acetone onto the polystyrene and it becomes out of your control,” John explains of their (initially) intuitive approach. “We eventually learned to manipulate it to create the shapes we wanted.” When the volatile liquid meets the solid cube, a void is created from the reaction as the acetone eats away the polystyrene. A tinted sand and cement mixture is then poured into the negative space and left to cure, eventually forming the final sculptural item—a concrete side table, chair, light fixture or bench. A syringe is used to inject the acetone precisely for more calculated and bespoke effects. The result is a controlled patterning of burl-like forms that “look as natural as possible” and deliberately recall “fungi, stalactites and more,” says John. High-profile collaborations with the likes of American designer Kelly Wearstler and the Museum of Contemporary Art Toronto (where they’ll be showing in 2022) help to further push their technical and conceptual process, allowing the studio to “make things we normally wouldn’t be allowed to make,” says John.

Quand le liquide volatil entre en contact avec le cube de polystyrène, il le dissout et crée un vide. Ce dernier est alors rempli d’un mélange de ciment et de sable teinté, qui en durcissant formera l’objet désiré : une table d’appoint, une chaise, une lampe ou un banc. Les deux frères ont commencé à jouer avec l’acétone et le polystyrène pendant leurs études, Kevin en architecture et John en publicité. « Il suffit de verser un peu d’acétone sur du polystyrène, et on ne maîtrise plus rien, explique John en parlant de leurs premiers essais. On a appris à la manipuler pour créer les formes qu’on souhaitait. » L’acétone est injectée à l’aide d’une seringue pour un résultat sur mesure. On obtient une suite de bosses ou de protubérances « qui ont l’air aussi naturelles que possible » et qui évoquent « les champignons, les stalactites ou autre », note John. Des collaborations avec de grands noms, comme la designer américaine Kelly Wearstler et le Musée d’art contemporain de Toronto (où ils exposeront en 2022), leur ont permis de pousser plus loin tant leur démarche conceptuelle que leur technique : « On a pu faire des choses qui normalement ne sont pas autorisées. » BLOCK / 43


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Make Room for the Arts / Faites place à l’art

A Wide Canvas Une toile de taille

Photo by / par Mila Bright; Courtesy of / offerte par STEPS and Lindsay Hill

BY / PAR COURTNEY SHEA

For Lindsay Hill, it was rewarding to realize that all those years she spent having fun and hanging out with friends in Toronto’s Queen Street West neighbourhood qualified as research. Last year, the 27-year-old illustrator was commissioned to create a 45-metre mural to cover the hoarding at a new Allied retail and commercial development at the corner of Queen and Peter streets. “I called it Comm(UNITY),” she says, “because I knew that I wanted to capture the vibrancy and rhythm of this neighbourhood—what it was before the pandemic and what it will be again.” Hill connected with Allied through STEPS (Sustainable Thinking and Expression on Public Space), an award-winning social enterprise that pairs local artistic talent with property developers. The model is a winwin-win: For a developer like Allied, it’s a way to contribute positively to the public realm while fulfilling the municipal bylaw that requires 50 percent of hoarding space to feature community artwork; for artists like Hill, it’s a huge platform for their talent (both literally and figuratively); and for everyone else, it means that a downtown core overrun by construction sites can be eye-catching rather than an eyesore. Since launching in 2011, STEPS has produced approximately 300 public art installations. Its roster includes about 150 artists, with a focus on racialized and marginalized talent. “Our goal is to ensure that talented, creative people are connected with opportunities,” says Praneti Kulkarni, STEPS’ agency manager. Hill was one of three potential collaborators suggested to Allied. “I think they liked that my previous work has a very strong sense of place, which is a big part of their mission,” Hill says. Comm(UNITY) reflects Queen Street West’s artsy hodgepodge appeal, featuring kids, coffee sippers, commuters and, of course, construction workers. Hill also included a few of the neighbourhood’s four-legged residents. “If you know Queen West, you know that squirrels are celebrities here, so that’s kind of a wink and a way to bring a little levity when we need it.” / Quelle ne fut pas la joie de Lindsay Hill de s’apercevoir que toutes ces années passées à arpenter le quartier torontois de Queen Street West étaient en fait une étude de terrain! En effet, Allied a confié à cette illustratrice de 27 ans la réalisation d’une murale de 45 mètres sur la palissade du chantier de son nouveau complexe commercial à l’angle des rues Queen et Peter. « Je l’ai intitulée Comm(UNITY), explique-t-elle, en hommage à la vitalité de ce quartier, mise à mal par la pandémie. »

Lindsay Hill est entrée en contact avec Allied grâce à STEPS, une entreprise sociale axée sur la réflexion durable et l’expression dans l’espace public, qui met en lien des artistes locaux et des promoteurs immobiliers. Une formule gagnante pour tous : les promoteurs, comme Allied, contribuent positivement au domaine public tout en respectant le règlement municipal qui exige que 50 % des palissades de chantier affichent de l’art communautaire; les artistes disposent d’une immense plateforme (au sens propre comme au figuré) pour y exposer leur travail; le public, quant à lui, bénéficie d’un centre-ville certes en travaux, mais dont les multiples chantiers ont l’avantage d’être agréables à l’œil. Depuis son lancement en 2011, STEPS a produit environ 300 installations d’art public. Son carnet d’adresses compte 150 artistes et fait la part belle aux personnes racisées ou marginalisées. « Notre objectif est que des personnes douées aient l’occasion d’exprimer leur talent, explique Praneti Kulkarni, directrice d’agence chez STEPS, qui a proposé trois artistes à Allied, dont Lindsay Hill. Je crois que ce qui a plu [à Allied] dans mon portfolio, c’est la prise en compte de l’esprit du lieu, qui est aussi une de ses priorités », note la muraliste. Avec ses enfants, ses buveurs de café, ses navetteurs et ses ouvriers en construction, Comm(UNITY) est à l’image du fouillis boho-urbain qui règne dans ce quartier. L’artiste a même représenté quelques-uns de ses résidents à quatre pattes : « Quand on fréquente Queen West, on sait que les écureuils y sont les vedettes. C’est un clin d’œil, qui apporte aussi un peu de légèreté. »

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The 1 KM Guide / Dans un rayon de 1 km

10310 102 Ave. 13

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4

THE PEDWAY (UNDERGROUND)

12 11

10 3 WINTER PATIO TOUR / TOUR DES TERRASSES HIVERNALES

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BY / PAR LINDA HOANG ILLUSTRATION BY / PAR SAM ISLAND 46

1


The 1 KM Guide / Dans un rayon de 1 km

The historic Revillon Building in the heart of Edmonton is located just steps away from some of the city’s best restaurants, nightlife, public art and the ICE District—a mixed-use sports and entertainment area anchored by Rogers Place, home of the Edmonton Oilers. There’s always something happening downtown, and this neighbourhood is often at the centre of the action. / Situé au cœur d’Edmonton, l’édifice historique Revillon est à deux pas des meilleurs restaurants de la ville, de sa vie nocturne, de ses œuvres d’art public et du ICE District : un quartier à usage mixte articulé autour de la salle omnisport Rogers Place, domicile des Oilers d’Edmonton. Un secteur animé, où il y a toujours quelque chose à voir ou à faire.

1–3. WINTER PATIO TOUR / TOUR DES TERRASSES HIVERNALES Edmonton is a Winter City, which means Edmontonians are happy to dine outside even as temperatures drop. Start your winter patio tour at the Riverside Bistro’s igloos (1) overlooking the city’s beautiful river valley; then walk over for a drink at the Cask & Barrel (2), followed by a stop at the Rocky Mountain Icehouse (3)—the icier the drink the better. / Les Edmontoniennes et les Edmontoniens aiment leurs hivers et n’hésitent pas à manger en terrasse même par temps froid. Commencez par un bon plat chaud dans un des igloos du Riverside Bistro (1), qui offrent une vue splendide sur toute la vallée, puis finissez la soirée par un cocktail bien glacé au Cask & Barrel (2) ou au Rocky Mountain Icehouse (3). 4–7. INSTAGRAMMABLE WALL CRAWL / DES MURALES DIGNES D’INSTAGRAM Surrounding the Revillon Building, you’ll find some of the city’s biggest and most Instagrammable public art murals, from the mystical PichiAvo wall (4) to OG Slick’s Edmonton wall (5), plus Kris Kanaly’s colourful city wall (6) and local artist Giselle Denis’ tall Mother Nature floral forest piece (7). / L’édifice Revillon est entouré de murales parmi les plus grandes et les plus originales d’Edmonton. Jetez un œil au mur mystique peint par PichiAvo(4), à celui d’inspiration BD signé OG Slick (5), à la ville multicolore de Kris Kanaly (6) et à la forêt fleurie de l’artiste locale Giselle Denis, intitulée Mother Nature (7).

8. BAIJIU 10359 104 St. NW Grab a cocktail from Baijiu in the 1911-built Mercer Warehouse, where you can shop at an assortment of start-ups and small businesses in its Vacancy Hall basement. Plus, it’s located along one of Edmonton’s most popular shopping and restaurant districts, the 4th Street Promenade, teeming with historical brick buildings and mustvisit restos, bars and cafés. / Sirotez un cocktail chez Baijiu, situé dans le Mercer Warehouse, datant de 1911, et profitez-en pour découvrir les artisans, designers et jeunes entreprises qui ont élu domicile au sous-sol. En prime? Vous êtes sur la rue commerçante la plus populaire d’Edmonton : la 4th Street Promenade regorge de boutiques, de restos, de bars et de cafés nichés dans de beaux bâtiments de brique.

10. BEAVER HILLS HOUSE PARK (AMISKWASKAHEGAN)

9. NEON SIGN MUSEUM 104 St. and 104 Ave. Learn stories of Edmonton’s past, including businesses that were a big part of the city’s history, by way of more than 20 big, bright restored neon signs at this outdoor museum, a first of its kind in Canada. While free and open 24/7, it’s best experienced after the sun sets (which is when the signs shine the brightest). / Dans ce musée à ciel ouvert, une vingtaine d’enseignes lumineuses racontent l’histoire d’Edmonton : restaurées avec soin, elles sont toutes en parfait état de marche. Cette expo unique en son genre, gratuite et accessible en tout temps est à visiter plutôt le soir pour profiter de l’éclat des néons.

11–13. THE PEDWAY On a cold day, explore Edmonton’s downtown pedway system, which is climate-controlled and connects more than 40 buildings along its 13-kilometre length. Catch a flick at Landmark Cinemas (11), grab a bubble tea from Sharetea (12) and experience the Paint the Rails augmented-reality art project at select LRT stations (13). / Par temps glacial, explorez le Pedway : ce réseau piétonnier climatisé de 13 km relie plus de 40 bâtiments du centreville. Au programme : un film au cinéma Landmark (11), suivi d’un bubble tea chez Sharetea (12) et d’une expérience de réalité augmentée dans certaines stations de métro grâce au projet Paint the Rails (13).

Jasper Ave. and 105 St. NW Experience this little oasis—with the sounds of street traffic drowned out by water flowing from man-made falls and babbling over rocks—and forget you’re in the city (that is, until you glimpse skyscrapers peeking out from between and above the treetops). You can also see Indigenous art at several areas within the park. / Prenez une pause dans cette oasis de verdure où le bruit de la circulation est couvert par les chutes artificielles et le clapotis de l’eau sur les rochers. Vous oublierez que vous êtes en ville, jusqu’à ce qu’un gratte-ciel pointe son nez à travers les arbres. Admirez plutôt les œuvres d’art autochtones qui jalonnent le parc.

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Now & Then / D’hier à aujourd’hui

A Vancouver Staple

Une denrée non périssable Robert Kelly was born in Russell, Ontario, in 1861 and got his first glimpse of the grocery business as a 16-year-old errand boy in William Petrie’s general store. Over the years, he worked as a store clerk, a telegraph operator and a travelling salesman before building his own grocery empire in 1896. Kelly and his business partner, Frank Douglas, rented a warehouse on Vancouver’s Water Street, where proximity to both rail and sea helped them prosper despite an economic depression. In 1897, Kelly, Douglas and Co., wholesale grocers and tea importers, offered provisions for prospectors of the Klondike gold rush. In 1905, they launched Nabob—a high-end tea and coffee brand—and decided it was high time they had a warehouse of their own. That same year, they built a five-storey timber-frame brick-facing warehouse at 375 Water Street, designed by W. T. Whiteway of Woodward’s Department Store fame. Before long, the building at the western edge of Gastown expanded to seven storeys and became one of the largest warehouses in Canada. Business never waned, but after the First World War, Kelly’s health did, and he died in 1922. Still, 375 Water Street was known as “the Kelly building” until it was renovated in 1987 and renamed The Landing. In 2020, Allied purchased the historic warehouse from Greg Kerfoot, owner of the Vancouver Whitecaps FC. The Landing still houses the official Vancouver Whitecaps FC store and remains the single largest building in Gastown—a testament to the commercial success of its heyday and the humble beginnings of its original owner.

1905 48

C’est à 16 ans que Robert Kelly, né en 1861 à Russell en Ontario, découvre le métier d’épicier : il est alors commis chez William Petrie, un magasin d’alimentation générale. Après avoir été vendeur, télégraphiste et représentant de commerce, il fonde son empire alimentaire à Vancouver en 1896. Avec son associé Frank Douglas, ils louent un local dans la rue Water, où la proximité de la voie ferrée et du port leur permet de faire fructifier leurs affaires, malgré la crise économique. En 1897, Kelly, Douglas and Co., épiciers en gros et importateurs de thé, ravitaillent les chercheurs d’or du Klondike. En 1905, ils lancent Nabob, une marque de thé et de café haut de gamme, et décident d’avoir leur propre magasin. Ils font alors appel à W. T. Whiteway, architecte des grands magasins Woodward’s, pour construire un bâtiment de cinq étages, à ossature de bois et façade de brique, dans l’ouest du quartier Gastown, au 375, rue Water. Très vite, l’immeuble gagne de la hauteur : avec deux étages supplémentaires, il devient l’un des plus grands magasins du Canada. Les affaires n’ont jamais montré de signes de faiblesse, mais la santé de Robert Kelly, elle, s’est détériorée après la Première Guerre mondiale. Le « Kelly Building » a porté le nom de son propriétaire, mort en 1922, jusqu’à sa restauration en 1987, où il a été rebaptisé The Landing. Allied l’a acheté en 2020 à Greg Kerfoot, également propriétaire des Whitecaps de Vancouver. Il abrite toujours la boutique officielle du club de soccer et garde son titre de plus grand bâtiment … de Gastown : un hommage tant à ses années de gloire qu’aux modestes débuts de son premier propriétaire.

2021

Left / Gauche: Image courtesy of / offerte par City of Vancouver Archives; Right / Droite: Photo courtesy of / offerte par Allied REIT

BY / PAR SYDNEY LONEY


Rethink / Repensé

Nightlite Douce nuit

Toronto’s Jean Sibelius Square, a sylvan island surrounded by 100-year-old homes, is where I spend at least part of each clement day. As fall turns to winter, birthday parties and laptop work sessions yield to skating on the small flooded rink, the formerly leafy green space emptying earlier and earlier. This park, which was once a place for local teens to surreptitiously smoke pot, is now a thriving community hub where local teens and their dads openly smoke pot. But now, night is on us before we know it, and I don’t yet want to return to my little apartment with its chastening view of a brick wall. Waist-deep in COVID life, it seems that many of us with the mixed privilege of working from home have shifted to an al fresco existence, taking our work and leisure into the public square. But what happens when winter comes? Will we once again be relegated to the indoor spaces we know and vacuum? I’d like to believe that in our (mostly) post-vax communities, it is possible for us to continue to live outside, even as chill and darkness come. But how will our cities react to this demand? Leslie Morton, one of the principal partners at PMA—an award-winning Canadian landscape architectural firm with a focus on public spaces— thinks this moment marks the beginning of a new way of designing public life. In the public tenders her company bids on, she sees evidence that our future shared spaces will be even more accommodating, accessible and creatively multi-use/round-the-clock. In the next few years, we’ll see more collaboratively conceived spaces popping up, with widened paths, more permanent and movable seating, ramps and fewer pinch points (to allow for distancing). They will be better designed for people to spend full days there, with all the necessary amenities.

In winter, skating rinks and sledding may be a mainstay of Toronto’s parks, but these activities are not for all. One of the main changes that Morton predicts is the effort to make city parks usable—meaning simply occupiable—and safe at night, especially as the weather gets cold. The answer, she tells me, is firepits. “That was something we could never have put in a park before. I would propose them and the city would say: ‘That’s crazy. We’re not going to put fire in a park.’” Now, Morton is designing three of them. One project—St. James Park and Pavilion in downtown Toronto—has lighting designed by Marcel Dion. My constitution sends me home when darkness falls (or my butt gets cold), but I will admit that these measures, from baths of coloured light to the possibility of a warming community-gathering firepit, would make me feel more inclined to stay along with others. Light, fire. These things cause us to move toward one another, and after nearly two years of enforced distance, I am looking forward to not going home just yet. Dès qu’il fait beau, je passe mes journées au Jean Sibelius Square, un écrin de verdure torontois entouré de maisons centenaires. Ce petit parc, où les ados venaient autrefois fumer leur pot en cachette, est devenu le lieu de rassemblement du quartier : un endroit vivant, où les ados et leur papa fument leur joint. À l’approche de l’hiver, les séances de travail en plein air et les fêtes d’anniversaire céderont vite la place au patinage sur l’herbe inondée. La nuit tombe de plus en plus tôt et je ne veux pas retourner me cloîtrer dans mon minuscule appartement donnant sur un chaste mur de brique. Plongés jusqu’au cou dans la vie Covid, bon nombre d’entre nous, télétravailleurs prétendument privilégiés, avons pris l’habitude d’apporter nos dossiers et nos tapis de sport au parc. Mais quid de l’hiver? Va-t-on à nouveau être relégués à l’intérieur, sous ce toit qu’on connaît si bien puisqu’on le dépoussière? J’aimerais croire que dans nos collectivités (presque entièrement) vaccinées, la vie à ciel ouvert se poursuivra malgré la noirceur et le froid. Quelle peut être la réponse des villes à cette demande citoyenne? Leslie Morton, associée de PMA, un cabinet

d’architectes paysagistes canadien qui a fait de l’espace public sa spécialité, croit, quant à elle, qu’on est au tout début d’un grand renouveau : les appels d’offres publics auxquels son agence répond montrent que nos futurs espaces partagés seront plus flexibles, plus accessibles, multi-usages et ouverts 24 h sur 24. Dans les prochaines années, on verra apparaître des lieux conçus pour la collaboration : sentiers plus larges, sièges fixes et mobiles, moins d’endroits resserrés pour permettre la distanciation et toutes les commodités pour pouvoir y passer la journée. Un hiver torontois sans patinage et sans glissades au parc n’est pas un hiver, pourtant ces activités ne sont pas pratiquées par tous. Un des plus grands changements prédits par Leslie Morton est que les parcs urbains seront utilisables, à savoir fréquentables par le plus grand nombre, et sécuritaires le soir, notamment par temps froid. La solution selon elle? Des foyers. « C’est la chose qu’on n’aurait jamais pu mettre dans un parc avant : à la mairie, on nous aurait pris pour des fous, nous disant qu’on n’y fait pas de feu. » Elle est pourtant en train d’en concevoir trois. Un projet, St. James Park au centre-ville de Toronto, a un éclairage signé Marcel Dion. Ma constitution (ou mes fesses trop froides parfois) m’oblige à rentrer chez moi dès la nuit tombée. De telles mesures, des illuminations multicolores aux braseros conviviaux, me donneraient envie de m’attarder. La lumière et le feu ont toujours rassemblé les humains. Après presque deux ans de distance forcée, j’ai hâte de ne pas rentrer trop tôt à la maison.

BY / PAR NAOMI SKWARNA ILLUSTRATION BY / PAR JASON LOGAN BLOCK / 49


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EACH ISSUE, WE ASK AN ARTIST: WHAT WOULD YOU DO WITH YOUR OWN URBAN INFILL? / DANS CHAQUE NUMÉRO, NOUS DEMANDONS À UN ARTISTE CE QU’IL FERAIT DE SA PROPRE DENT CREUSE BY / PAR OLIA MISHCHENKO 50


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