Hecho el Depósito Legal en la Biblioteca Nacional del Perú N° 2024-08175
ISBN: …….
Foto de portada: Sebastian Rodríguez Larrain (@serlarrain)
Diseño y diagramación: Juan Carlos Villanueva Quevedo. (@ cuchara_ilustrada)
Quedan reservados todos los derechos. La reproducción total o parcial de esta obra o su transmisión sin autorización previa por escrito de los titulares del copyright puede constituir un delito contra la propiedad intelectual.
El arte es humano
Conocer los procesos creativos y la gestión de otros en el contexto cultural y social de una galería es muy estimulante y amplía nuestra sensibilidad. Chillida menciona las pautas que nos llevan al pensamiento reflexivo que John Dewey describe. Eso es lo que pasa cuando habitamos las imágenes e historias contadas por otros. Al examinarlas nos inscribimos en ellas y nos vemos confrontados con la invención de los creadores, con nosotros mismos y con lo que está ocurriendo a nuestro alrededor.
Cynthia Capriata @cynthiacapriata
Cynthia Capriata es pintora, ilustradora y calígrafa. Estudió en el Bard College, Annandale-on-Hudson en Nueva York (1976 –1978); y en School of Visual Arts de Nueva York (1981). Tiene dos maestrias en el Teachers College, Columbia University, Ha trabajado como artista en Nueva York. Ha presentado numerosas muestras individuales. Ha sido coordinadora del área curricular de arte en el Ministerio de Educación.
Este aprendizaje no se da de manera lineal y en orden solo a través del intelecto o de los sentidos. En ese aprehender multidimensional, la educación artística muchas veces nos permite replantear lo que conocemos y nos encamina a ser más honestos entre lo que pensamos, sentimos y hacemos. Se despierta el espíritu sensible en nosotros y aumenta nuestra capacidad de responder a la imaginación de los artistas al igual que al desarrollo de nuestras propias experiencias.
Por otro lado, es erróneo asumir que toda persona que visita un museo o galería va a evidenciar independencia de criterio, expresar opiniones sofisticadas, saber escucharse o respetar los puntos de vista de otros. El criterio y el sentido propio en relación al arte se cultiva gradualmente y en el tiempo con experiencias auténticas. Lo importante es reconocer que es una práctica abierta a todos y que la base de cada interacción es el diálogo. También, considerar que las historias se construyen en conjunto.
Cuando los visitantes tienen experiencias positivas, toman conciencia de quienes son en relación a otros. Analizan el impacto que tiene el arte que les gusta y también el que no les atrae tanto. Se vuelven más ágiles con sus ideas y perciben su entorno diferente, más grande. Descubren incluso que los espacios de incertidumbre y ambigüedad influencian su interacción con otros y por supuesto con el arte. De pronto se encuentran en la galería envueltos en un continuum creativo de experiencias nuevas, potencialmente divertidas o
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riesgosas que exigen su atención.
Debido a ello y desde la perspectiva de la educación artística, el esfuerzo mayor se pone en enmarcar el intercambio en estructuras abiertas y rizomáticas. Las dinámicas educativas que se realizan durante una exposición ayudan a que el público desarrolle sus gustos y forme nuevas opiniones, que despierte su curiosidad. Siempre se busca que las personas respondan de manera sincera a lo que tienen enfrente. Porque finalmente creamos y respondemos al arte con todo nuestro ser: mente, cuerpo y espíritu, y en un contexto determinado.
Más de 6,000 personas visitaron la exposición CONEXIONES, Mujeres en las Artes Visuales MAV a lo largo del mes que expusimos en la galería del Parque de la Amistad en Surco, Lima (25 de julio al 25 de agosto de 2024). A la derecha, la obra de Wilma Ehni Tiempo de la serie milagros con las notas adhesivas de la dinámica educativa ¿Qué es el Arte? Las palabras que utilizaron los participantes para definir el arte a partir de esta obra fueron las siguientes: [El arte es] imagen, tiempo, distorsión, decepción , dimensional, grande, éxito , impulso, tu corazón , entendimiento, infinito y un aspecto mágico.
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En este artículo compartiré la experiencia de utilizar un recurso didáctico en la galería que rindió resultados sorprendentes. No solo ayudó a faci-
Un participante quiso poner todas sus definiciones del arte en mi obra Shicras de mi corazón. Escribió: [El arte es] grandioso, vivir, sutil, atractivo, profundo, infinito, el arte es un placer, aparición, estético, común, amar e imaginación. Las respuestas de obras personas fueron: [El arte es] embrollo, sensibilidad, suave, enredados y tejidos, creatividad, tu mente, y tu mente creativa. El primer día comentaron: [El arte es] futuro, divertido, belleza, acción, tu visión y colorido.
litar de manera fluida la participación de los visitantes sino que contribuyó al desarrollo de pensamiento creativo y crítico en ellos. Al mismo tiempo, este artículo es etnográfico y me involucra de manera personal y directa al ser miembro de MAV, la Asociación de Mujeres en las Artes Visuales, artista expositora y la arte educadora que realizó las dinámicas que ahora narro. Cuando escribo entonces lo hago desde la voz creativa de mis identidades múltiples.
¿Qué es el Arte?
La exposición CONEXIONES, Mujeres en las artes visuales MAV puso en relevancia
las historias contadas por una multiplicidad de creadoras. Más de 30 mujeres integrantes de la asociación a la que pertenezco participaron en esta muestra intergeneracional y multidisciplinaria, llena de obras distintas que dialogaron entre sí, y con las más de 6,000 personas que visitaron la galería durante el mes que duró la exposición en el Parque de la Amistad de Surco en Lima. El pequeño texto curatorial al igual que la museografía de Maricel Delgado, y el poema inédito de Rosella Di Paolo ayudaron a contextualizar las obras y a presentarlas en su diversidad (incluidos abajo).
MAV se unió al MAC, Museo de Arte Contemporáneo, para crear dos dinámicas educativas en la galería. La única que sobrevivió la avalancha de público fue ¿Qué es el Arte? He utilizado este recurso didáctico muchas veces. En poco tiempo, pone el arte al alcance de todos. En escuelas esta ficha de trabajo impulsó el intercambio con niños y adolescentes; en museos, galerías o centros culturales con docentes y adultos (leer el origen de esta actividad en https://www.cynthiacapriata.com/blog/el-invisible-circuito- de-la-creatividad/).
Para los estudiantes de primaria es una actividad que mejora la fluidez y comprensión lectora y para los mayores, les permite percibir sus experiencias
con el arte desde una diversidad de perspectivas. En vez de preguntar al grupo entero, ¿qué les llama la atención de este cuadro? ¿Les es familiar esta escena?
¿Cómo son las formas, los colores?, entre otras preguntas, se les pide observar con atención y libremente las obras de la exposición. Luego se les da a leer una lista de asociaciones que modela posibles conexiones con el arte. Ellos tienen que escoger las alternativas que les hacen más sentido en base a su experiencia en la galería.
Por eso caminar y observar las obras directamente, percibir los colores, las formas, los temas y especular sobre las decisiones creativas de cada artista de forma independiente es fundamental. Preguntarse, ¿qué motivó la obra? ¿Cuál fue la intención creativa? los hace pen - sar que el arte se nutre de opciones personales. El siguiente paso es evaluar las otras alternativas: El arte es acción, tu elección, historia, el arte es un sentimiento, entre muchas otras. La ficha de trabajo los lleva a concebir su relación con las obras de manera más amplia.
Como dijimos anteriormente, el objetivo de esta actividad es internarse dentro del proceso creativo de los artistas y de paso, conocerse a sí mismos en
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el contexto de una actividad de apreciación. Sus respuestas estéticas reflejan lo que las obras evocan en ellos. Estas enmarcan su interacción. Así aprenden a identificar, nombrar, explicar, organizar, comparar/ contrastar su entendimiento del arte desde una perspectiva propia. Especialmente, empiezan a ver que el punto de vista de otros puede ser diferente al suyo. Dejábamos las notas adhesivas en las paredes para que otros pudieran leerlas (son los papelitos que se ven en las fotos).
Luz Letts nombró su obra como un lugar: Pongo di Mainique. Las asociaciones que utilizaron la primera vez para definir el arte son la siguientes: [El arte es} tranquilidad (varias veces), tranquilidad y bonito, calma (varias veces), hermoso, paz, tu interior, visión, real, infinito y la naturaleza es un arte. En la segunda dinámica educativa escribieron: utopía, erróneo, fluidez, colorido, reconstrucción, belleza, tranquilidad y paz mental, nuevamente calma, muy lindo lleno de colores, mente relajada, alma, feliz, armonía, relajación y paz, vivir, paz, corazón e ilusión.
Fue difícil presentar la propuesta educativa como una clase. Esto funcionó sólo en las mañanas con los niños. En las tardes, la cantidad de gente en la galería no lo permitía. Siguiendo la pauta de Mishelle
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Ramos artista, arte educadora y también miembro de MAV, lo que hicimos fue acercarnos a grupos chicos y pedirles enfocar su atención en un trabajo en particular. ¡Técnicamente era más como una intervención!
¿En qué consistió la actividad? En observar, reflexionar, identificar las palabras que les hacen más sentido, describir su relación con el arte, escribir en posts it o notas adhesivas los conceptos seleccionados, acercarse a las obras que mejor describen su sentir, y poner su respuesta junto a ella, ¡qué tales respuestas!!!!!!!
Lo significativo de esta experiencia artística y estética es que siempre multiplica, posibilita múltiples entradas y crea
En la primera dinámica educativa esta obra Las Hmnas Ñampa de Lucy Angulo recibió respuestas tales como placer, tranquilidad, lamento, imaginación (dos veces), suave, emoción, éxito, hermoso, calma y es valor. La segunda vez evocó asociaciones más contenciosas: [El arte es] furia, traición y dolor, venganza, cruel, imaginación, mentira, monótono, descontrol y en oposición me trae paz. La única explicación que me vino a mente fue que algunos conocían el mito de Las Hmnas Ñampa (el mito proviene de las historias de Huarochirí) y que habían más participantes adultos.
conexiones vivas con las obras. Potencia el aprendizaje activo y eso transforma la percepción de las personas. Y es que el arte siempre nos da las herramientas necesarias para seguir pensando y profundizar en nuestra experiencia con el arte.
Voz Propia
¿Qué significa explorar su propia voz? Buscar canales de acción para transformar la relación que establecemos con nuestro entorno a partir de nuestras ideas, sentimientos y experiencia. Descifrar las intenciones de los creadores y los contextos de las obras es una misión indispensable en una situación de aprendizaje en la galería, al igual que tratar de entender la influencia de los contextos de quienes observan e interactúan con las obras. Como dice Maxine Greene los artistas proponen un observar disruptivo del mundo. Y eso nos permite repensar la relación que tenemos con lo que nos rodea.
En una exposición colectiva, la galería está llena de obras distintas. Todas comunican las ideas de sus creadores. Cada una desde su perspectiva, por eso son diferentes. A quienes observan con detenimiento las obras les pasa lo mismo: interpretan y responden a los estímulos que tienen alrededor a partir de sus sentidos, vivencias
e imaginación. Las ideas que comunican tienen que ver con su manera de entender el mundo. Veamos algunos ejemplos:
El cuadro Sin Título de Patricia Eyzaguirre suscitó comentarios llenos de angustia de tres jóvenes mujeres: “Siento intriga, la chica ahogada en sus propias emociones y atada sobrepasando”; “Siento tristeza, la persona se ahoga en su dolor y aunque quiere salir hay cosas que la detienen”; “Está en la oscuridad y su yo trata de escapar del hoyo y volver a ella”.
Debajo, otros utilizaron las palabras que siguen para definir el arte a partir de esta obra: tres veces sentimiento, preguntas, sabiduría, estilo, correr, visión, sonrisa, el arte es real. En la segunda dinámica educativa profundizaron aún más sus respuestas: [El arte es] sensible, profundo, admiración, oscuridad, duda, venganza, miedo, desconocido, inusual y sagrado.
El título a veces ayuda como en el caso de la obra de Angie Bonino llamada Torbellino. Un participante dijo “Un torbellino representa problemas o circunstancias que golpean la vida”. Otras asociaciones fueron: pensamiento, arte es una característica, ruido, efímero, descontrol, [el arte] es poderoso, fuerte, un trazo, historia y problema.
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En otros casos, como con la obra de Roxana Artacho la descripción de los materiales propició el comentario: “Romperce o estar lastimado está bien y es necesario, para aprender a reconstruirnos aunque queden cicatrices en vez de ser feo, son hermosas porque significan tu proceso de curación. Y eso es valioso ***** (sic).” La ficha técnica decía: Sin Título, pieza única, placas de cerámica hechas a mano, esmalte de cobre con Kintsugi, 2024.
Las obras nos llevan a hacernos preguntas. Y cuando como público en una situación de aprendizaje, podemos expresarnos naturalmente, compartir nuestras interpretaciones y responder de forma auténtica y con honestidad a nuestras experiencias, el mundo nos sonríe. Unas señoras mayores, un poco reacias a participar, escribieron en el libro de visitantes de la galería “Felicitaciones por permitir diferentes interpretaciones del arte.”
Les dejo las asociaciones que evocaron nuestras obras en la exposición CONEXIONES:
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Alegría porque veo otra cosa, Hilda de 77 años. Cultura, natural, paz, cosmo, tranquilidad, melancolía, silencio, plural, pertenencia, caos, abismo, logro, violento, presente, reacción, sufrimiento de cada ser humano, vivir, alebrije, fuerza, ansiedad, estrés, dolor, enredado, confusión mental, identidad, traición y dolor, venganza, furia, cruel,
Las respuestas a la obra Zafra de Rocío Rodrigo resumen bien el espíritu de encuentro y “avance hacia adelante” de la dinámica educativa ¿Qué es el Arte?: [El arte es] autoconocimiento, complejidad, hermoso, mantenimiento espiritual y acción, tres veces acción.
da, reconstrucción, fluidez, paz mental, armonía, ilusión, relajación y paz, pasión, barato, tranquilidad, desidia, una mente inestable, el camino es el vacío, amor, maternidad, tradicional, misterio, útil, corazón, inteligencia, complejidad, autodescubrimiento, mantenimiento espiritual, acción , sutil, revolución, sabiduría , simple y bello, emoción, futuro, explotación, trazo, recreación y dolor, único, felicidad, historia, fuerte, problema, arrogancia , inusual, restricción , falta de creatividad, relevante, embrollo, sensibilidad, suave, enredados y tejidos, creatividad, tu mente, tu mente creativa, grandioso, vivir, sutil, atractivo, profundo, infinito, el arte es un placer, aparición, estético, común , amor, imaginación, unión, dualidad, humano, estético, expectativa, dolor resentimiento, valor, ilusión, tu intuición , decepción, insensibilidad, triste, pensando, pobreza de identidad, exterior, limitados, tu pensamiento, compañía, vanguardia, visión , relación, sagrado, desconocido, inefable, valentía, heroína, impulso, dimensional, éxito , tiempo, construcción , imagen, distorsión, deseo, reflexión, falta de comprensión , efímero, confianza, erótico, delicioso, modernidad, inocencia, colorido, bonito, carnaval, circense, autocontrol, grosero, percepción, sugestión, tabú, provocador.
Para concluir
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Si pudieras hacerle una pregunta a cualquiera de las artistas expositoras, ¿cuál sería? Pedirle al público una mayor participación fortalece en ellos la capacidad de aplicar el pensamiento creativo y crítico a través de su sentir y pensar. En el contexto de la exposición CONEXIONES cada persona desde su desarrollo artístico, aprendió a mirar con atención las obras y a descifrar lo qué otros percibían. En conjunto ayudaron a desarrollar una visión más creativa y crítica de la exposición.
Las dinámicas educativas facilitaron la inmersión total en el espacio metafórico de las artistas. Se crearon diálogos interesantes entre los participantes al igual que se propició nuevas relaciones y lazos afectivos para valor e interpretar las obras. El ejercicio de ubicar, evaluar, organizar, sintetizar y comunicar información pertinente a ellas y a la experiencia en la galería interactuando con las obras, aumentó exponencialmente la capacidad para generar nuevo conocimiento.
¿Qué es el Arte? es una actividad que dio visibilidad y acceso a personas que normalmente no tienen la costumbre de sentirse creativos o incluso de ir a museos o centros culturales. El Parque de la Amistad recibe a 15,000 personas los fines de semana y aproximadamente 2,000 entran a la galería. Estamos muy agradecidas de haber podido crear un ambiente de confianza para que el público percibiera el arte de manera mas amable y que les diera la posibilidad de ir más profundo, de conocerse a sí mismos y de humanizar su experiencia en la galería.
Texto Curatorial y poema inédito de Rosella Di Paolo para la exposición CONEXIONES. https://www.cynthiacapriata.com/blog/el-invisible-circuito-de-la-creatividad/
Ficha de trabajo
“La
luz antes del hombre”
Manuel Limay Incil @manuel_limay_incil_fotografia
Manuel Limay Incil, artista plástico egresado de la ESFAP MUA – Cajamarca, Actualmente afincado en zona de expansión urbana, lugar de donde se nutre sus creaciones plásticas, además comparte talleres de arte con los niños y jóvenes de la comunidad de Sta. Bárbara en el centro de Arte ACHIKWAYRA (Viento del amanecer. En el 2022 formó parte del festival de fotografía experimental Barcelona, en donde impartió talleres de fotografía verde. A sido finalista en el concurso de arte contemporáneo ICPNA 2023-2024 - BRC 2021, 2022 y 2023.
El día que Daguerre obtuvo su primera captura fija en 1835, perfeccionando los anteriores ensayos químicos de Niepce, un haz de luz fue atrapado para dar cuenta objetiva de la realidad —“la imagen”— todo ello de la mano de la caja oscura, más tarde cámara fotográfica.
Arte Achikwayra
La fotografía en tanto estudio académico y positivista, entiende la luz como aquel fenómeno físico y óptico que afecta determinadas superficies sensibles, haciendo que estas varíen sus estructuras químicas, que a su vez se traducen en variaciones de color dando paso a la formación de la imagen – la historia de la fotografía ha sido y sigue siendo esta búsqueda por descubrir recetas que en sus procesos utilizan la luz como láser gráfico, a ello se suman criterios divergentes que van modelando el concepto mismo de la fotografía.
La historia reconoce la técnica de Niépce como la primera en capturar la luz. Aquel proceso consistía en colocar una placa de peltre untada con betún de Judea en el interior de una cámara oscura, situó esta frente a una ventana, y al cabo de ocho horas enjuagó la placa con una solución de aceite de lavanda. Como resultado, se lograba apreciar una imagen del paisaje exterior en aquella superficie bidimensional.
Estos procesos y formas de razonar y ordenar el universo desde la imagen, entienden la luz como un fenómeno natural, piensa al hombre habitando en la naturaleza, es decir; nos separan de ella, de aquel único núcleo de vida, nos sitúa en un territorio, nos individua-
liza y aísla. En esta instancia, la luz fue separa del cuerpo, entendida como: luz, lejos de nuestro cuerpo se convirtió en una otredad, en un fenómeno de la naturaleza, la luz ya no es más nosotros – ya no es nuestra deidad, su presencia mítica fue reemplazada para ocuparse del tiempo mundano – territorio y hombre.
Limay Incil.
Cuando el universo estaba en tinieblas, una presencia divina abrió el obturador dejando pasar un haz de luz para crear la vida, la realidad, la historia.
El fotógrafo se ha convertido en un parásito de la luz, el instante decisivo de Cartier Bresson ha sido una jaula de oro por excelencia hasta ahora, la captura fotográfica se ha convertido en un acto egoísta que piensa solo en los vacíos del hombre y su historicidad.
Solo cuando el hombre fenece, la luz retornará al cuerpo.
Boletín Centro de
Manuel
“Rojo”, 2022. Clorotipia; 15 x 7 cm.
Manuel Limay Incil. “Luna roja”, 2020. Revelado a la clorofila + tinte rojo ; 15 x 8 cm.
Manuel Limay Incil. “Fiesta”, 2020. Revelado a la clorofila; 20 x 15 cm.
Manuel Limay Incil. “Peliuey”, 2020. Revelado a la clorofila + tintes; 20 x 10 cm.
Manuel Limay Incil. “Eunuco”, 2020. Revelado a la clorofila; 10 x 8 cm.
El Colectivo Maizal:
Una cosecha audiovisual de resistencia y creación
Rondero Definitivo @cuchara_ilustrada
Corresponsal del boletín Achikwayra, aficionado entusiasta del submundo de los fanzines, cómics y el espiritismo. Ha robado algunos libros, aunque él asegura que en realidad los “rescata del olvido y el abandono”. Su espíritu inquieto lo ha llevado a realizar algunas sesiones de ouija en el cementerio de Cajamarca, de las que, al parecer, ha salido bien librado.
En América Latina, donde las luchas por el agua, la tierra y la vida cada vez son más álgidas, surge Maizal, un colectivo itinerante y autogestivo que desde 2014 siembra semillas de cambio a través del audiovisual, la educación popular y el arte. Con raíces en México, Ecuador y Perú, este grupo ha tejido una red de colaboraciones que trasciende fronteras, uniendo voces y miradas en torno a la defensa de los territorios.
Los orígenes: Una amistad que germinó en la lucha
Maizal nació en Ecuador, donde Julio González, limeño de nacimiento, y Luz Estrello, de Oaxaca, México, se encontraron en 2013. Ambos compartían un interés por la experimentación audiovisual y una preocupación por los movimientos socioambientales que emergían en la región. Julio, con formación en comunicación, aportaba conocimientos técnicos, mientras que Luz traía consigo una perspectiva sociológica y un enfoque autodidacta.
Fue en el contexto de la Gran
Marcha de las Mujeres Amazónicas en 2013, un hito en la lucha contra la expansión petrolera en la Amazonía ecuatoriana, donde Maizal comenzó a tomar forma. Inicialmente, el proyecto surgió como un canal de YouTube para documentar movilizaciones y luchas territoriales. Sin embargo, pronto evolucionó hacia algo más profundo: un espacio para compartir herramientas audiovisuales con comunidades, especialmente con niños y jóvenes, en contextos de resistencia.
Cartel del primer corto documental del Maizal, realizado en Junín (Ecuador, 2014), comunidad que defiende su territorio de la minería a cielo abierto, en el marco de un taller de audiovisual compartido con la niñez.
Maizal: Una metáfora de crecimiento colectivo
El nombre Maizal no fue elegido al azar. Inspirado en el maíz, un alimento que une a toda América Latina, este colectivo se concibe como una milpa donde crecen juntas diversas plantas. Así, Maizal no solo representa la cosecha de ideas y proyectos, sino también la diversidad y la interdependencia que caracterizan a las luchas sociales.
El primer logo de Maizal, diseñado por el artista Óscar Salvatierra Bello (@oskarsalvatierrabello), mostraba dos mazorcas de maíz con la frase “La otra cosecha”, una referencia a la filosofía zapatista y a la idea de generar
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narrativas alternativas frente al extractivismo y el capitalismo. Esta metáfora sigue vigente en su revista “La Otra Cosecha”, que publican desde 2018, y en su enfoque de trabajo, que busca desmarcarse de las lógicas neoliberales de producción intelectual y audiovisual.
Proyectos que germinan: Del audiovisual a la
educación popular
Uno de los pilares de Maizal es su compromiso con la educación popular. Desde sus primeros talleres en Junín, Ecuador, donde trabajaron con niños y niñas en contextos de resistencia antiminera, hasta proyectos más recientes como “Aguas Internas”, un documental que retrata la lucha por el agua en Cajamarca, Perú, Maizal ha de -
Proyección de “Regresan, aguas internas” en la escuela primaria de Sucre (Celendín, Cajamarca, 2024), como parte de la “gira celendina” que mostró el documental en el territorio y con las personas que se realizó.
mostrado que el audiovisual puede ser una herramienta poderosa para visibilizar y acompañar las luchas sociales.
En 2022, el colectivo logró un hito importante con la producción de “Aguas Internas”, un documental que pone en primer plano las voces de mujeres cajamarquinas que han liderado la defensa del agua frente a proyectos mineros. Este proyecto no solo incluyó la creación audiovisual, sino también un proceso escénico en colaboración con el colectivo chileno Gallinazo, que permitió a las mujeres de Celendín expresar sus experiencias a través del teatro.
Miradas en Lucha: Un espacio para el encuentro
Otro proyecto destacado es “Miradas en Lucha”, un espacio de encuentro y reflexión sobre el audiovisual comprometido con la defensa del territorio. Desde su primera edición en 2018, este encuentro ha reunido a documentalistas, artistas y activistas de diversos países para pensar juntos cómo acompañar las luchas sociales desde la creación audiovisual.
La cosecha continúa
A lo largo de una década, Maizal ha demostrado que es posible crear colectivamente desde la autogestión, la amistad y el compromiso político. Con proyectos como “Cartografías Sonoras”, que explora la sonoridad de los páramos andinos, y su revista “La Otra Cosecha”, este colectivo sigue sembrando semillas de cambio en un mundo cada vez más individualista y violento.
Para conocer más sobre su trabajo, puedes visitar su página web maizal.org o seguirlos en Instagram como @maizalcolectivo. Maizal es, sin duda, una cosecha que sigue creciendo, demostrando que otro mundo no solo es posible, sino que ya está en construcción.
¿Te interesa sumarte a la siembra? Maizal siempre está abierto a nuevas colaboraciones y miradas. ¡La cosecha es de todxs!
Exposición de fotografías en Ñangalí (Huancabamba, Perú, 2019), comunidad que defiende su territorio de la minería a cielo abierto, como parte de las actividades de muestra y devolución de la primera edición del proyecto “Cartografías Sonoras”.
Daniel Gil Terrones, rondero defensor del territorio, cantando coplas y tocando el calero para Maizal (2022), durante el registro sonoro del proyecto “Cartografías Sonoras” y de grabación del documental “Regresan, aguas internas”.
Taller “Reconociendo el territorio” en El Lirio (Huasmín, Cajamarca, 2022), como parte de las actividades del proyecto “Cartografías Sonoras”, sobre paisaje sonoro y defensa del territorio.
Parte del equipo de realización/producción del documental “Regresan, aguas internas”, en El Lirio (Huasmín, Cajamarca, 2022), sobre la lucha celendina en defensa de las lagunas de Conga que dan vida a Cajamarca.
Encuentro Miradas en Lucha (MIEL), sobre documental y defensa del territorio, junto a colegas practicantes audiovisuales de Perú y Abya Yala.
Parte del equipo de talleristas y laboratoristas del primer Laboratorio Miradas en Lucha (MIEL-LAB), sobre archivo audiovisual y defensa del territorio, realizado en Cajamarca (Perú, 2024).
El arte cajamarquino: presencia y trascendencia en la escena nacional
En el panorama del arte contemporáneo peruano, Cajamarca emerge como un foco de creatividad y tradición, encarnado en la obra de dos destacados representantes: Manuel Limay Incil y Daniel Cotrina Rowe. Ambos artistas, egresados de la reconocida Escuela de Arte Mario Urteaga de Cajamarca y miembros activos del prestigioso Centro de Arte Achikwayra, han consolidado su presencia en la escena nacional a través de una trayectoria marcada por la constancia, la exploración creativa y un profundo compromiso con sus raíces culturales.
Aunque su trabajo se distingue por una discreción que evita los reflectores efímeros, su impacto ha sido nada menos que trascendente. Con una proyección que abarca desde eventos locales hasta plataformas internacionales, Limay Incil y Cotrina Rowe han logrado posicionar el arte cajamarquino en un lugar destacado dentro del circuito artístico contemporáneo. Este año, su participación en dos de las plataformas más importantes del país no solo reafirma su relevancia.
Manuel Limay Incil: del textil a la pintura en el
MUCEN
Manuel Limay Incil ha alcanzado un hito significativo en su carrera al ser seleccionado como finalista del XV Concurso Nacional de Pintura del Museo del Banco Central de Reserva del Perú (MUCEN), uno de los certámenes más prestigiosos del país. Su obra, profundamente arraigada en la tradición textil del pueblo de Jangalá, en San Miguel (Cajamarca), representa una reinterpretación audaz y sofisticada de la lógica geométrica y matemática inherente al tejido a cintura.
El proceso creativo detrás de un textil a cintura es, en sí mismo, una obra de arte. Antes de que la tejedora ejecute su labor,
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un dibujante transforma formas realistas en un sistema de cuadrículas que recuerda al plano cartesiano. Este patrón, que funciona como una suerte de código visual, es luego interpretado por la tejedora, quien da vida a la hillahua, una estructura textil que fusiona matemática, estética y tradición. Este proceso, que Limay Incil describe como un “sistema de programación visual”, se convierte en la base de su obra pictórica, donde lo ancestral y lo contemporáneo se entrelazan de manera magistral.
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Manuel Limay Incil. 2024. “El capador”. Grafito y lápices de colores sobre papel, 150 x 120 cm.
En su pieza presentada en el MUCEN, el artista documenta el proceso del “capar”, una técnica tradicional de extracción genital en cerdos utilizada para modificar el sabor de la carne. A través de esta representación, Limay Incil no solo rescata una práctica cultural que corre el riesgo de desaparecer, sino que también establece un diálogo profundo entre la memoria colectiva, la geometría andina y las narrativas contemporáneas. Su obra es, en esencia, un puente entre el pasado y el presente, una reflexión visual sobre la identidad y la transformación cultural.
Daniel Cotrina Rowe: la cosmovisión andina en la Bienal Internacional de Trujillo
Por su parte, Daniel Cotrina Rowe ha sido invitado a participar en la cuarta edición de la Bienal Internacional de Trujillo, un evento que marca un hito en la historia del arte peruano. Impulsada originalmente por el maestro Gerardo Chávez, esta bienal fue una de las primeras en su tipo en el país y se convirtió en un referente fundamental para el arte moderno y contemporáneo. Tras 37 años de pausa, regresa bajo el título “Raíces y frutos: conexiones culturales”, reuniendo a artistas de Perú, Ecuador, Cuba, Chile, Brasil, Colombia,
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Argentina y España en un diálogo transnacional que celebra la diversidad y la riqueza de las expresiones artísticas de la región.
En este prestigioso marco, Cotrina Rowe presenta su serie “Los dos lados del mundo y del tiempo”, una propuesta visual que profundiza en la cosmovisión andina desde una perspectiva única: la mirada infantil. A través de dos pinturas, el artista explora cómo los
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Daniel Cotrina Rowe. 2024. “Los dos lados del mundo y del tiempo I”. Óleo sobre lienzo, 140 x 100 cm.
niños de Cajamarca organizan conceptualmente la naturaleza y su relación con el universo, un enfoque que no solo revela la pureza y la creatividad de la infancia, sino que también rescata y reinterpreta las tradiciones y saberes ancestrales de su tierra.
El trabajo de Cotrina Rowe se nutre de los estudios pioneros de la destacada antropóloga Anita de la Torre, su mentora, quien dedicó gran parte
de su carrera a comprender y documentar las formas en que las comunidades andinas, y en particular los niños, perciben y se relacionan con su entorno. Inspirado por estas investigaciones, el artista logra capturar la esencia de una cosmovisión que integra lo terrenal y lo celestial, lo cotidiano y lo sagrado, en un equilibrio que refleja la armonía del universo andino.
El arte cajamarquino en diálogo con el mundo
La obra de Manuel Limay Incil y Daniel Cotrina Rowe no solo enriquece el panorama artístico peruano, sino que también reivindica el papel del arte como un vehículo para preservar y reinterpretar la memoria cultural. Desde Cajamarca, estos artistas están tejiendo narrativas que trascienden lo local para dialogar con lo universal, demostrando que el arte es, ante todo, un acto de resistencia y transformación. Su presencia en eventos de relevancia nacional e internacional no es solo un logro personal, sino un triunfo colectivo que celebra la vitalidad del arte cajamarquino y su capacidad para inspirar y conmover.
A través de sus obras, Limay Incil y Cotrina Rowe nos invitan a reflexionar sobre nuestras raíces, a redescubrir la magia de
Daniel Cotrina Rowe, 2024. “Los dos lados del mundo y del tiempo II”. Óleo sobre lienzo, 140 x 100 cm.
la cosmovisión andina y a celebrar las conexiones culturales que nos unen como sociedad. En un mundo cada vez más globalizado, su arte nos recuerda la importancia de mantener viva la memoria colectiva y de encontrar en ella inspiración
para construir un futuro más inclusivo y diverso. El arte cajamarquino, con su riqueza y profundidad, sigue escribiendo su historia en el escenario global, y estos dos artistas son sus más elocuentes narradores.
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danywaira@hotmail.com ACHIKWAYRA
Centro de Arte
Estudio de Diseño creativoscucharadepalo @gmail.com
