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The publishers reserve the right to alter titles and prices. Publication dates may be subject to change at short notice. All prices listed are international retail prices.
Printed in Germany, 05/2025
Dear reader,
We are a small, high-quality, yet internationally active publishing house which begins with collaborations with artists and authors from across the world and culminates with the global distribution of our books.
The USA in particular is one of our most salient points of orientation: numerous exceptional publications are testament to close exchanges with our American partners, which have led not least to many wonderful friendships. The American president’s assault on the freedom of science, art, and culture a ects us directly, and we feel a close connection to the artists in the USA who have to assert themselves in this anti-liberal environment.
I would therefore like to take this opportunity to express our solidarity with all those who are currently facing increasing restrictions. Our latest program once more reflects the diversity of cultural expression: from handmade textiles to global table culture, from the Magic of Glazes in ceramics to Stories in contemporary art jewelry. Culture is not a luxury; it is our life.
Sincerely yours,
Dirk Allgaier, Publisher
Liebe Leser:innen, wir sind ein kleiner, feiner und zugleich international agierender Verlag – das beginnt bei der Zusammenarbeit mit Künstler:innen und Autor:innen aus der ganzen Welt und erstreckt sich bis zum globalen Vertrieb unserer Bücher.
Dabei stellen nicht zuletzt die USA einen unserer wichtigsten Bezugspunkte dar: Zahlreiche außergewöhnliche Publikationen legen Zeugnis von unserem engen Austausch mit US-amerikanischen Partner:innen ab, der nicht zuletzt auch zu vielen wunderbaren Freundschaften geführt hat. Die Angri e des US-amerikanischen Präsidenten auf die Freiheit von Wissenschaft, Kunst und Kultur betre en uns damit unmittelbar und wir fühlen uns den Künstler:innen und Autor:innen in den USA eng verbunden, die sich in dieser anti-freiheitlichen Situation behaupten müssen.
Deswegen möchte ich die Gelegenheit ergreifen, unsere Solidarität mit all denjenigen zu bekunden, die in diesen Zeiten mit zunehmenden Restriktionen zu kämpfen haben. Mit unserem Programm reflektieren wir einmal mehr die Vielfalt kultureller Äußerungen: von handgearbeiteten Textilien bis zur weltweiten Tischkultur, von der Magie der Glasur in der Keramik bis zu den Stories in der zeitgenössischen Schmuck-Kunst. Kultur ist kein Luxus; sie ist unser Leben.
Ihr Dirk Allgaier, Verleger
arnoldsche team with Hugo, May 2025
01–03 Ceramic Brussels, January 2025:
01 With participating artists Johannes Nagel, Torbjørn Kvasbø, Gitte Jungersen, and Thomas Bohle (from left to right).
02 With Elisa Helland-Hansen.
03 The arnoldsche stand.
04 Linn Halvorsrød and Eva Rem Hansen with the first copies of Hannah Ryggen Triennale 2025: Mater, Trondheim, April 2025.
05–09 Schmuck Munich, March 2025:
05 Toni Greenbaum, Susan Beech, and Susan Cummins presenting Feast at Galerie Handwerk.
06 arnoldsche showcasing all 180 jewelry books published so far at the Internationale Handwerksmesse.
07 Sarah Underhill and Helen Drutt present William Underhill at Die Neue Sammlung – The Design Museum.
08 Claudia Quittenbaum, Dirk Allgaier, and Thereza, Bruno, and Elinor Pedrosa at the launch of Bruno Pedrosa at Quittenbaum Galerie.
09 Helen Drutt and Keith Lewis at Galerie Handwerk.
10 Dirk Allgaier presenting immer dabei: Die Tasche, Deutsches Ledermuseum, O enbach, February 2025.
11 Verena Schuster Beesley and Sonya Newell-Smith celebrate the launch of Brick Lane in London, London, April 2025.
Marianne Kemp, Electric Move, 2022
Stephanie Kahnau (ed.)
Textile Practices –a Women’s Realm
Textilgestalterinnen des 20. und 21. Jahrhunderts
With contributions by Catrin Lorch and Silke Birte Geppert
Graphic design: Daily Dialogue, Munich (DE)
240 pp., 22 × 28 cm, approx. 250 ills. Hardcover. English / German.
€ 38 [D] / US$ 65 / £ 42
ISBN 978-3-89790-742-3
November 2025
E ⁄ D
Textiles are an integral part of our daily lives, and designing them is still a typically female métier. In this illustrated publication, Stephanie Kahnau presents 40 female textile designers of the 20th and 21st centuries and their outstanding and individual approaches to their medium. The stances presented grant access to the concept, technique, and function of textiles from di erent positions. For textile practices can take many forms: from a single “line”— the thread structures ranging from flat to expansive emerge. Not only do they embrace our bodies, protect and clothe them; our bodies also embrace them: we become absorbed in their structured spaces and immerse ourselves in their visual appearance. This publication presents multiple perspectives on this fascinating medium at the interface between functionality and aesthetics.
Das Textil ist integraler Bestandteil unseres täglichen Lebens, und dessen Gestaltung steht immer noch exemplarisch für ein weibliches Metier. Stephanie Kahnau präsentiert in diesem Bildband 40 Textil-Gestalterinnen des 20. und 21. Jahrhunderts und deren herausragenden und individuellen Umgang mit dem Textil. Die vorgestellten Positionen machen den Begri , die Technik und die Funktion des Textils von verschiedenen Ebenen aus zugänglich. Denn textile Praktiken verfahren vielfältig: Sie entwickeln aus der „Linie“ – dem Faden – flächige bis raumgreifende Gebilde. Diese schmiegen sich nicht nur an unsere Körper an, schützen und kleiden diese. Die Körper schmiegen sich auch an sie: Wir tauchen in ihre strukturierten Räume ein und vertiefen uns in ihren bildlichen Erscheinungen. Diese Publikation bietet vielfältige Perspektiven auf dieses faszinierende Medium an der Schnittstelle zwischen Funktionalität und Ästhetik.
Julia Heuer, AW 2024
Lucienne Day, Lapis curtain fabric, 1953
14/2024//180, 118 × 24 × 32 cm, oak (left); 15/2024//180, 90 × 18 × 32 cm, oak (right)
Antonia Boström / Frank Matthias Kammel / Michele De Lucchi / Sarah Myerscough
Ernst Gamperl
Urkraft
Graphic design: Lara Gariboldi, Varese (IT)
272 pp., 26 × 32 cm, approx. 170 ills.
Hardcover. English / German / Italian.
€ 64 [D] / US$ 110 / £ 72
ISBN 978-3-89790-754-6
July 2025
E/D/I
Distribution in Germany, Switzerland, and Austria only.
The relationship that internationally renowned artist Ernst Gamperl has developed with wood as a living material, together with the knowledge of the inescapable nature of serendipity, is a source of creative inspiration as well as the driving force behind his work one revolving around the artist’s deep connection with nature and respect for his raw material. Trees are an integral part of creation, symbols of life and strength that Gamperl has studied for years in symbiosis with their essence and nature. His unconventional approach to the material, combined with a revolutionary technique and an original interpretation, results in works that are captivating in their elegance and charisma and stir the viewer, who discovers something never before encountered. The monograph provides a comprehensive analysis of the life and work of Ernst Gamperl, tracing his extraordinary career, which spans almost 40 years.
Die Beziehung, die der international renommierte Künstler Ernst Gamperl zum lebendigen Material Holz entwickelt hat, und das Wissen um die Unvermeidbarkeit des Zufalls sind Quellen kreativer Inspiration und treibende Kräfte in seinem Scha en. Dieses ist geprägt von einer tiefen Verbundenheit mit der Natur und dem Respekt vor dem Rohsto Holz. Bäume sind ein integraler Bestandteil der Schöpfung, Symbole des Lebens und der Kraft, die Gamperl seit Jahren in Symbiose mit ihrem Wesen und ihrer Natur studiert. Sein unkonventioneller Umgang mit dem Material in Verbindung mit einer revolutionären Technik und einer originellen Interpretation führen zu Werken, die durch ihre Eleganz und Ausstrahlung bestechen und den Betrachtenden etwas nie Dagewesenes zeigen.
Die Monografie bietet eine umfassende Analyse von Ernst Gamperls Leben und Werk und zeichnet seine außergewöhnliche, fast vierzigjährige Karriere nach.
If we understand “transcendence” as a multidimensional experience, can light as a medium grant us access to invisible realms?
The artist Fabian Gaterman uses light as the key material for his installations, objects, and multiples in order to investigate new dimensions. Over the course of his work, Gatermann disengages himself from the classic scientific engineering system of testing; instead his works can be seen as open-ended unconventional experiments.
During this creative process, light oscillates between amorphous and crystalline states, taking the viewer on a transcendental voyage of discovery. The central reference throughout remains the human being: the works provoke active participation and invite the viewer to become part of a multi-perspective game of light and space.
Fabian Gatermann
Transcendence: Light as a Medium
Transzendenz. Licht als Medium
With contributions by Raphael M. Bonelli, Fabrizio Carbone, Theres Rohde, Doris Myôen Zölls
Design: Jan Stöwe, Munich (DE)
120 pp., 23 × 23 cm, approx. 100 ills.
Softcover with open spine. English / German.
€ 28 [D] / US$ 50 / £ 32
ISBN 978-3-89790-747-8
August 2025
E ⁄ D
Wenn wir „Transzendenz“ als mehrdimensionale Erfahrung begreifen, kann uns Licht als Medium den Zugang zu unsichtbaren Sphären erö nen? Der Künstler Fabian Gatermann nutzt Licht als zentrale Materie für seine Installationen, Objekte und Multiples, um neue Dimensionen zu erforschen. Im Arbeitsprozess löst sich Gatermann von der klassisch ingenieurwissenschaftlichen Versuchsanordnung, stattdessen können seine Arbeiten als unkonventionelle Experimente mit o enem Ausgang gesehen werden.
Im Verlauf dieses Scha ensprozesses oszilliert das Licht zwischen amorphen und kristallinen Zuständen und nimmt die Betrachter:innen mit auf eine transzendente Entdeckungsreise. Dabei bleibt der Mensch stets der zentrale Bezugspunkt: Die Werke fordern zur aktiven Teilnahme heraus und laden die Betrachter:innen ein, Teil eines multiperspektivischen Spiels von Licht und Raum zu werden.
The international pioneer of media art Richard Kriesche is dedicated to visual, artistic research. He bases his work on the most diverse of mediums, from painting to video art, in order to explore the revolutions in media, information, and digitalization that have taken place over the last 50 years as well as their influences on our daily lives. He conceives of man, technology, the social, and the political together and in doing so develops an utterly individual perspective on our society.
Based on the artist’s works from the last six decades, the publication shows how human life can be permanently shaped and informed. The book focuses on art as an interface between man and a reality that is continually updating itself shift of time in present times.
Richard Kriesche, internationaler Pionier der Medienkunst, widmet sich der visuellen, künstlerischen Forschung.
Dabei stützt er seine Arbeit auf die verschiedensten Medien, von Malerei bis zu Videokunst, um die Medien-, Informations- und Digitalisierungsrevolutionen der letzten 50 Jahre und deren Einflüsse auf unseren Alltag zu erkunden. Er denkt den Menschen, die Technologie, das Soziale und Politische zusammen und entwickelt damit eine äußerst individuelle Perspektive auf unsere Gesellschaft.
Die Publikation zeigt anhand der Werke des Künstlers aus sechs Jahrzehnten, wie das menschliche Leben permanent gestaltet und beeinflusst werden kann. Im Fokus der Publikation steht die Kunst als Schnittstelle zwischen dem Menschen und einer sich stets aktualisierenden Wirklichkeit – Zeitenwende in Jetztzeit
Zwillinge (twins), documenta 6, Kassel, 1977
Genetisches Portrait (genetic portrait), traces of Richard Kriesche’s genes transformed into real data, 2001
Eine kulinarische Weltreise. Zur Kultur des Essens und Trinkens
With contributions by Martin Bartelheim, Isabell Immel, Schoole Mostafawy, Katja Poljanac, Paulus Rainer, Isabel Schmidt-Mappes, Harald Stahl, Daniel Suebsman, Andreas Volz, Heike Zech, and Friederike Zobel
Graphic design: Ina Bauer, Stuttgart (DE) 240 pp., 23 × 29 cm, approx. 200 ills. Hardcover. German.
€ 38 [D] / US$ 65 / £ 42 ISBN 978-3-89790-746-1
October 2025
D
The aristocratic families of Europe once used to indulge in luxurious banquets with exquisite table accessories to demonstrate their power and extravagantly while away the hours. Well into the 18th century, it was not unusual for people to bring their own cutlery quite often peculiar, valuable one-of-a-kind pieces. In the Baroque period, matching dinner services came into vogue and, in the wake of industrialization, became massproduced commodities. Trading with faraway countries, conquests, and migration augmented people’s menus with “exotic” fruit and spices and contributed to a change in customs and traditions. In an exceptional exhibition on the mores of dining, the Jewellery Museum in Pforzheim presents historical goldsmithing and contemporary design, jewelry “to eat,” and treasures from across the globe. In addition, the accompanying publication will entice you with its special aspects of food culture after all, the way to one’s cultural heart is also through the stomach.
Mit aufwendigen Banketten und exquisitem Tafelschmuck zelebrierten die Fürstenhäuser Europas ihre Macht und vertrieben sich luxuriös die Zeit. Bis ins 18.Jahrhundert hatte jedermann sein persönliches Besteck dabei, das waren nicht selten kuriose oder kostbare Unikate. Im Barock kamen schließlich einheitliche Tafelservice in Mode, die mit der Industrialisierung dann zur gehobenen Massenware wurden. Handel, Eroberungszüge und Migrationsprozesse erweiterten die Speisezettel mit „exotischen“ Früchten und Gewürzen sowie veränderten Sitten und Gebräuchen.
Das Schmuckmuseum Pforzheim zeigt in einer ungewöhnlichen Ausstellung zu den Tafelsitten erstmals historische Goldschmiedekunst und zeitgenössisches Design, Schmuck „zum Anbeißen“ sowie Kostbarkeiten aus aller Welt. Die begleitende Publikation verführt Sie zudem mit Besonderheiten der Esskultur – denn die geht schließlich auch durch den Magen.
Österreichische Bundes-
Dish in the form of a halibut by the Nuu-chah-nulth, Canada, 1996–2000, wood, carved and painted, GRASSI Museum für Völkerkunde zu Leipzig
Nils Thorsson for Royal Copenhagen, jade-like celadon glaze (on porcelain), 1956, H 23.5cm
Axel Salto for Royal Copenhagen, red copper reduction glaze (on porcelain), 1950/1952, H 23.5cm
Jörg Schwandt
The Magic of Ceramic Glazes
Nils Thorsson and the Artist Stoneware of Royal Copenhagen 1932–1975
Die Magie der Glasur
Nils Thorsson und das KünstlerSteinzeug von Kgl. Kopenhagen 1932–1975
Graphic design: kleines o, Münster (DE)
200 pp., 24.5 × 28.5 cm, 240 ills.
Hardcover English + German.
€ 48 [D] / US$ 85 / £ 54
E: ISBN 978-3-89790-748-5
D: ISBN 978-3-89790-749-2
July 2025
E + D
The deeply luminous, finely textured glazes of classic Chinese ceramics have long been fascinating to experts and collectors. At firing temperatures of 1300°C, the ceramic body and the glaze are fused together into a new materiality of great aesthetic and emotional power. Their extraordinary beauty is illustrated by way of the classically inspired works of the Royal Copenhagen stoneware studio, created between the 1930s and 1970s. For the first time, the range of the various glaze e ects is approached from the perspective of intensive, decades-long personal interaction with these objects. Chemical formulas and technical terms have been deliberately avoided. The catalogue section has been divided into 13 parts, each dealing with one particular kind of glaze, preceded by a short introductory description. The main section is dedicated to the magical aspects of glazes. It goes into the causes of the optical and haptic e ects, so too the significance of nature as a model. The decorative potential of technical deviations is also explored, as well as the formation of contrasts and, finally, the physical tension between the ceramic body and the glaze. Artists’ signatures and date codes are part of the addendum.
Jörg Schwandt is a collector, author, and former gallerist. He has published extensively on German applied arts, Danish silver, and Danish silver jewelry. Collecting and exploring Danish artist stoneware for well over 50 years, the author now reveals the exceptional, almost overwhelming aesthetic properties of ceramic glazes inspired by classic Chinese traditions.
Die aus der Tiefe leuchtenden, fein strukturierten Glasuren der klassisch chinesischen Keramik faszinieren Kenner und Sammler. Im Brand bei 1300 Grad verschmelzen keramischer Körper und Glasur zu einer neuen Sto ichkeit von großer ästhetischer und emotionaler Wirkkraft. Aufgezeigt wird das an den klassisch inspirierten Arbeiten der Steinzeug-Werkstatt von Kgl. Kopenhagen der 1930er- bis 1970er-Jahre.
Die Annäherung an die Vielfalt der Glasure ekte geschieht erstmals aus der Perspektive des intensiven, jahrzehntelangen persönlichen Umgangs mit den Objekten. Chemische Formeln und fachspezifische Begri e werden bewusst vermieden. Der Katalogteil ist gegliedert in 13 Abschnitte, die jeweils eine Glasur behandeln – mit vorangestellter Kurzbeschreibung. Der Hauptteil widmet sich den magischen Aspekten von Glasuren. Er beschreibt die Ursachen der optischen und haptischen E ekte, die Bedeutung der Natur als Vorbild. Erforscht wird das dekorative Potenzial von technischen Abweichungen, das Entstehen von Farbkontrasten, schließlich das Spannungsverhältnis zwischen keramischem Körper und Glasur. Im Anhang finden sich Künstlersignaturen und Datierungs-Chi ren.
Nils Thorsson for Royal Copenhagen, cristallization of manganese in a black tenmoku glaze (on stoneware), 1955/1960
The moving life of Jan Bontjes van Beek (1899–1969) is closely associated with 20th-century German history. A “strikingly blond sailor who could dance and play the violin,” he joined the Worpswede artist’s colony in 1919 and later found a home with the Breling family in Fischerhude, who introduced him to ceramics. With the support of his second wife, the architect Rahel Weißbach, he moved to Berlin in 1933, where his studio became a well-known meeting place for artists. Despite having been arrested by the National Socialists and his daughter Cato executed, he could not endure the GDR’s Socialist Unity Party regime either and stepped down from a teaching post at the East Berlin Weißensee art school in 1950. He broke into teaching in West Berlin and, finally, in Hamburg and continued his ceramic work, which provided the free thinker with a firm footing. Like no other, he emphasized materiality in form and dynamism in color. During tumultuous times, he sought out the perfect balance for his vessels, and ultimately for himself.
Das ergreifende Leben von Jan Bontjes van Beek (1899–1969) ist eng mit der deutschen Geschichte des 20. Jahrhunderts verbunden. Als „au allend schöner blonder Matrose, der tanzen und Geige spielen konnte“ traf er 1919 in der Worpsweder Künstlerkolonie ein und fand später ein Zuhause bei der Familie Breling in Fischerhude, die ihn mit der Keramik vertraut machte. Mit Unterstützung seiner zweiten Frau, der Architektin Rahel Weißbach, zog er 1933 nach Berlin, wo sein Atelier zu einem bekannten Tre punkt für Künstler:innen wurde. Er wurde von den Nationalsozialisten verhaftet, seine Tochter Cato hingerichtet, doch konnte er sich auch mit dem SED-Regime nicht arrangieren und legte eine Lehrtätigkeit in der Ost-Berliner Kunsthochschule Weißensee 1950 nieder. Er fasste dann zunächst in West-Berlin und schließlich in Hamburg mit der Lehre Fuß und führte seine keramischen Arbeiten fort, was dem Freigeist Halt bot. Wie kein anderer betonte er die Körperlichkeit in der Form und die Dynamik in der Farbe. In bewegten Zeiten suchte er nach dem Maß für seine Gefäße und letztlich für sich selbst.
Self-portrait as a dancer, ca.1925; Saskia Bontjes van Beek Collection
Footed dish, 1960–1966; Fritz Vehring Collection
Renate Luckner-Bien Gertraud Möhwald
Bildhauer will ich unbedingt werden
Texte und Werke
Graphic design: Friedrich Lux, Halle an der Saale (DE)
256 pp., 17 × 24 cm, approx. 150 ills.
Hardcover. German.
€ 34 [D] / US$ 60 / £ 39
ISBN 978-3-89790-751-5
October 2025
D
„Ich bin 1929 in Dresden geboren. Nach dem Abitur machte ich dort eine Handwerkslehre als Steinbildhauerin. Von 1950–54 studierte ich Bildhauerei, von 1959–64 Keramik an der Burg Giebichenstein in Halle. Von 1970–89 war ich dort als Lehrerin tätig. Ich bin mit einem Maler verheiratet und habe 4 Kinder.“
“I was born in Dresden in 1929. After leaving school I did an apprenticeship there as a stone sculptor. From 1950 to 1954 I studied sculpture, and 1959 to 1964 ceramics at Burg Giebichenstein in Halle. In 1979–89 I worked there as a teacher. I am married to a painter and have four children.”
The ceramicist and sculptor Gertraud Möhwald, who was renowned far beyond the borders of Germany, gave this personal statement two years before her death in December 2002. The emotional expression of her figurative works can be understood by people across the globe. But who is this sculptor with the impressive ability to critically observe herself and the world? Who is this woman who struggles to find space and time for her own artistic work while trying to fulfil her role as a wife and mother? Who is this ceramicist who knows how to draw positives even from adverse circumstances? This book provides the answers in images of selected works and numerous hitherto unpublished texts by the artist.
Zwei Jahre vor ihrem Tod im Dezember 2002 gibt die weit über die Grenzen Deutschlands hinaus bekannte Keramikerin und Bildhauerin, Gertraud Möhwald, diese Selbstauskunft. Überall auf der Welt vermögen Menschen den emotionalen Ausdruck ihrer figürlichen Plastiken zu deuten. Wer ist diese Bildhauerin mit der beeindruckenden Fähigkeit zu kritischer Selbst- und Weltbeobachtung? Wer ist diese Frau, die um Raum und Zeit für die eigene künstlerische Arbeit ringt und zugleich versucht, ihrer Rolle als Ehefrau und Mutter gerecht zu werden? Wer ist diese Keramikerin, die selbst widrigen Umständen Positives abzugewinnen weiß? Mit Abbildungen ausgewählter Werke und vielen erstmals publizierten Texten der Künstlerin gibt dieses Buch darauf Antwort.
Renate Luckner-Bien studied ceramic design at Burg Giebichenstein University of Art and Design in Halle and aesthetics at the Humboldt University in Berlin. She sat her state exam in art history at TU Dresden, where she was awarded her doctorate on contemporary arts and crafts. She was a press officer at Burg Giebichenstein until 2014. She conducts researches into and publishes on the subject of applied and fine art.
Kopf mit asymmetrischer Frisur V (Head with asymmetrical hairstyle V), 1995, H 51cm; whereabouts unknown
This publication showcases the oeuvre of Irene Nordli, one of the Nordic ceramics scene’s most renowned artists, and examines how her works have evolved over the past three decades. Known for her figurines and porcelain, and the interplay between body and material, her art is presented in a way that interweaves the personal, the artistic, and the historical “My Hands Keep Getting Bigger” invites readers to reflect deeply on her creative journey up to her largest solo exhibition at Kunsthall Grenland in 2024. The dialogue between Irene Nordli and Gjertrud Steinsvåg forms the core of the text, highlighting pivotal moments and reflections that have shaped her work. Photographer Thomas Ekström adds a compelling visual layer by capturing the extraordinary in the everyday, while designer Martin Egge Lundell fuses text and image with an experimental approach, challenging the conventional art monograph.
Gjertrud Steinsvåg (ed.)
Irene Nordli
“My Hands Keep Getting Bigger”
Written and edited by Gjertrud Steinsvåg, with an essay by Tyra Teodora Tronstad
Graphic design: Martin Egge Lundell, Oslo (NO) 176 pp., 17 × 24 cm, approx. 100 ills. Cloth-bound hardcover. English.
€ 34 [D] / US$ 60 / £ 39
ISBN 978-3-89790-745-4
September 2025
E
Diese Publikation stellt das Werk Irene Nordlis, einer der renommiertesten Künstlerinnen der nordischen Keramikszene, vor und untersucht, wie sich ihre Arbeiten über drei Jahrzehnte hinweg weiterentwickelt haben. Bekannt für ihre Skulpturen aus Porzellan, für das Zusammenspiel von Körper und Material, werden hier auch das Persönliche, das Künstlerische und das Historische ihres Scha ens miteinander verwoben. „My Hands Keep Getting Bigger“ lädt die Leser:innen ein, Nordlis schöpferische Reise bis zu ihrer größten Einzelausstellung in der Kunsthalle Grenland im Jahr 2024 zu begleiten.
Der Dialog zwischen Irene Nordli und Gjertrud Steinsvåg bildet den Kern des Textes und hebt die entscheidenden Momente und Gedanken hervor, die ihr Werk geprägt haben. Der Fotograf Thomas Ekström fügt eine beeindruckende visuelle Ebene hinzu, indem er das Außergewöhnliche im Alltäglichen einfängt, während der Designer Martin Egge Lundell Text und Bild mit einem experimentellen Ansatz verbindet und so die konventionelle Kunstmonografie erweitert.
Wall Connections, 2016, porcelain, National Museum, Oslo, Norway
Birdy, 2011, porcelain, National Museum, Oslo, Norway
Malte Guttek, Gesellschaft für Goldschmiedekunst e.V. (ed.)
21st Silver Triennial International 2025 21.Silbertriennale International 2025
With a foreword by Hartwig Rohde and a text by Malte Guttek
Graphic design: Ina Bauer, Stuttgart (DE) 208 pp., 16.4 × 24 cm, 169 ills. Swiss binding. English / German.
Die Publikation der 21.Silbertriennale International 2025 zeigt ausgefallene Silberobjekte, die ein anregendes Spannungsfeld zwischen Gebrauchsgegenständen und künstlerischen Arbeiten bieten. So steht hervorragend gestaltetes Gerät neben überraschenden, neugierig machenden Objekten, die die Vielfalt der Silberanwendung anschaulich machen. Allen gemeinsam ist das bewusste Zusammenkommen von Form, Oberflächengestaltung und Intention, wodurch Objekte mit starkem Charakter und hoher Qualität gescha en werden. Sowohl renommierte Gestalter:innen als auch Nachwuchskünstler:innen reichten ihre Arbeiten zum Wettbewerb ein. Vorgestellt werden 67 Arbeiten von 59 Silberschmied:innen aus 15 Ländern, darunter die Preisträger:innen Yeunhee Ryu, Yong-il Jeon, Jieun Park, Yegyu Shin, Siqiu Zhang, Jae Hui Jeong, Carl Kankowsky und Rebecca Bierbrodt. Ein außergewöhnlich gestaltetes Buchobjekt!
The 21st Silver Triennial International 2025 publication presents striking silver objects that create a stimulating contrast between utilitarian items and artistic works. Exceptionally designed utensils stand alongside surprising objects that arouse curiosity and illustrate the diversity to be had when working in silver. What they share is a deliberate integration of form, surface design, and intention, creating pieces of strong character and high quality. Renowned designers and up-and-coming artists submitted their works to the competition. The 67 exhibits by 59 silversmiths from 15 countries include the prize-winners Yeunhee Ryu, Yong-il Jeon, Jieun Park, Yegyu Shin, Siqiu Zhang, Jae Hui Jeong, Carl Kankowsky, and Rebecca Bierbrodt. A book object of extraordinary design!
Sungho Cho, Stacking of time 03, object, 2023, 925/00 silver, lost-wax casting, soldered
Sang Hoon Kim, Routine Vase, 2024, 999/000 silver, otchill, hammered, chased
Junkyard 2 , 2021, L 50 cm, silver, paint
Helen Britton
The Story so Far
Graphic design: Alexandra Rusitschka, Leipzig (DE)
320 pp., 22 x 28.7 cm, 360 ills.
Cloth-bound hardcover. English.
€ 48 [D] / US$ 85 / £ 54
ISBN 978-3-89790-743-0
July 2025 E
Australian Art Design Centre (AU), from 28. 8. 2025, and several more exhibitions in Australia
The Story So Far is the first comprehensive overview of Helen Britton’s work published to celebrate the Australian Design Centre’s Living Treasure: Masters of Australian Craft award. The book covers over 40 years of Britton’s multidisciplinary practice and presents her extraordinary, often colorful and playful works. They evoke childhood memories while also addressing darker aspects of life, leaving the viewer to ultimately find their own meaning within them.
Alongside large-format images of her works and the photographic essay “My Godmother’s House” are contributions by Lisa Cahill, Julie Ewington, Barbara Paris Gi ord, Katie Scott, and Toni Greenbaum, the artist’s own texts, and excerpts from the collected writings of Ted Snell and Robert Cook.
The Story So Far ist die erste umfassende Übersicht über das Werk von Helen Britton und erscheint anlässlich der Auszeichnung Living Treasure: Masters of Australian Craft des Australian Design Centre. Die Publikation umfasst über 40 Jahre von Brittons multidisziplinärem Scha en und präsentiert ihre außergewöhnlichen, häufig farbenfrohen und verspielten Arbeiten. Sie wecken Kindheitserinnerungen, thematisieren aber auch die dunkleren Seiten des Lebens und überlassen es dem Betrachter, seine eigene Bedeutung darin zu finden.
Neben großformatigen Abbildungen ihrer Werke und dem fotografischen Essay „My Godmother’s House“ finden sich Beiträge von Lisa Cahill, Julie Ewington, Barbara Paris Gi ord, Katie Scott und Toni Greenbaum sowie Texte der Künstlerin selbst und Auszüge aus den gesammelten Schriften von Ted Snell und Robert Cook.
Lisa Cahill / Julie Ewington / Barbara P. Gifford / Toni Greenbaum / Katie Scott
Petra Hesse / Lena Hoppe, Museum für Angewandte Kunst Köln (eds.)
From Louise Bourgeois to Yoko Ono
Jewellery by Female Artists
Von Louise Bourgeois bis Yoko
Ono
Schmuck von Künstlerinnen
With a contribution by Louisa Guinness
Graphic design: Silke Nalbach, Mannheim (DE)
144 pp., 22 × 28 cm, approx. 100 ills. Hardcover. English / German.
€ 34 [D] / US$ 60 / £ 39
ISBN 978-3-89790-750-8
November 2025
E ⁄ D
From Louise Bourgeois to Yoko Ono presents around 60 jewelry works by some 40 internationally renowned female visual artists from the 1920s to the present day. Their jewelry pieces open up new, often surprising perspectives on their artistic production. Some pieces captivate with minimalist elegance, others with their expressive, sculptural presence or playful humor, with each unique work consolidating an artistic vision into a small personal statement.
With its exhibition of the same name, the Museum für Angewandte Kunst Köln (MAKK; Museum of Applied Arts, Cologne) deliberately focuses on female standpoints, thus breaking with the male-dominated perception of avant-garde art jewelry.
Selection of artists: Louise Bourgeois, Sonia Delaunay, Aube Elléouët, Claire Falkenstein, Jenny Holzer, Rebecca Horn, Leiko Ikemura, Jacqueline de Jong, Yayoi Kusama, Alicja Kwade, Liliane Lijn, Rita McBride, E.R. Nele, Yoko Ono, Meret Oppenheim, Niki de Saint Phalle, Kiki Smith, Dorothea Tanning, Rosemarie Trockel, Joana Vasconcelos, Zhou Yiyan, and many more
Von Louise Bourgeois bis Yoko Ono präsentiert rund 60 Schmuckarbeiten von etwa 40 international bedeutenden bildenden Künstlerinnen seit den 1920er Jahren bis heute. Ihre Schmuckstücke erö nen eine neue, oft überraschende Perspektive auf ihr künstlerisches Scha en. So bestechen manche Stücke durch minimalistische Eleganz, andere durch expressive, skulpturale Präsenz oder spielerischen Humor. Jedes dieser einzigartigen Werke verdichtet eine künstlerische Vision zu einem kleinen, persönlichen Statement.
Das Museum für Angewandte Kunst Köln (MAKK) richtet mit der gleichnamigen Ausstellung bewusst einen Fokus auf weibliche Positionen und bricht mit der männlich dominierten Wahrnehmung des avantgardistischen Künstler:innenschmucks.
Exhibition: MAKK – Museum für Angewandte Kunst Köln (DE), 21.11.2025–26.4.2026
Yoko Ono, Imagine Peace, 2004, ring
Aube Elléouët, Schneckenhaus mit Frauenschenkel (Snail Shell with Female Limb), ca.2000, brooch
Vibeke P. Gether / Rasmus Koch (eds.) Boris Berlin
Dialogues on Form Dialoger om form
With contributions by D. Geckeler, F. Hufnagl, M.-L. Høstbo, M. Gelfer-Jørgensen, V. P. Gether, J. Morrison, C.H. Olesen, and D. Sudjic
This publication presents a round table discussion between authors within the field of design and art history. The Russian-Danish designer Boris Berlin is the catalyst behind the discussion on the thought processes that are productively, functionally, and aesthetically embedded in the relationship between art and design. Berlin’s practice is based on a deep understanding of art and craft, between the intellectual and the emotional.
Diese Publikation bildet eine Diskussion zwischen verschiedenen Autor:innen aus Design und Kunstgeschichte ab. Der russisch-dänische Designer Boris Berlin agiert dabei als Katalysator für Denkprozesse, die funktional und ästhetisch in die Beziehung zwischen Kunst und Design eingebettet sind. Berlins Praxis basiert auf einem tiefen Verständnis von Kunst und Handwerk, zwischen Intellekt und Emotion.
The Hannah Ryggen Triennale takes place in Trondheim, Norway, and is dedicated to the celebrated textile artist Hannah Ryggen (1894–1970). Each Triennale explores themes from Ryggen’s art through the lens of contemporary craft and visual art. The theme of the 4th edition is “Mater,” for which the exhibitions and the accompanying catalogue highlight Ryggen’s thematizing of motherhood as well as materiality.
Die Hannah Ryggen Triennale in Trondheim, Norwegen, würdigt die berühmte Textilkünstlerin Hannah Ryggen (1894–1970). Die Triennale beleuchtet zentrale Themen aus Ryggens Werk und präsentiert zeitgenössische Positionen aus den Bereichen Kunst und Kunsthandwerk. Diese vierte Ausgabe trägt den Titel „Mater“ und widmet sich Ryggens Auseinandersetzung mit Mutterschaft auf der einen und Materialität auf der anderen Seite.
Markus Winter / Don Freeman (eds.) Berlin Deko
Central European Furniture from 1910 to 1930
With contributions by A. Sildatke, E.-U. Leben, M. Palica, M. Mertens, P. Zucker, and M. Winter
Graphic design: Piotr Bondarczyk, New York (US)
160 pp., 21.6 × 28 cm, 236 ills. Hardcover. English.
€ 38 [D] / US$ 65 / £ 42
ISBN 978-3-89790-741-6 E
Inez Florschütz (ed.), in cooperation with Leonie Wiegand immer dabei:
240 pp., 22 × 28.5 cm, 290 ills. Hardcover. German.
€ 38 [D] / US$ 65 / £ 42
ISBN 978-3-89790-739-3
D
Berlin Deko is the first comprehensive survey of early 20th-century German and Central European furniture design to move beyond the notion of a linear development of styles between Jugendstil and Bauhaus. It explores the period between 1910 and 1930, revealing a diverse continuum of styles, including the overlooked “Expressionist Rococo” that flourished in Berlin.
Berlin Deko ist die erste umfassende Darstellung des deutschen und mitteleuropäischen Möbeldesigns des frühen 20. Jahrhunderts, die über die Vorstellung einer linearen Stilentwicklung zwischen Jugendstil und Bauhaus hinausgeht. Mit einem besonderen Fokus auf den Zeitraum zwischen 1910 und 1930 wird ein vielfältiges Kontinuum von Stilen gezeigt und beschrieben, darunter auch das bislang übersehene „expressionistische Rokoko“, das im Berlin der Zeit seine Blüte erlebte.
This multifaceted publication delves into the European cultural history of the bag as an everyday object, fashion item, and luxury good used across the globe. Over two hundred exhibits from three millennia—from ancient Egyptian leather pouches to elegant handbags and models by renowned designer labels such as Hermès, Louis Vuitton, and Gucci—tell of one of humankind’s oldest accessories.
Diese vielseitige Publikation taucht in die europäische Kulturgeschichte der Tasche als weltweit verwendetem Gebrauchsgegenstand, Modeartikel und Luxusgut ein. Über 200 Exponate aus drei Jahrtausenden – vom altägyptischen Lederbeutel bis zu eleganten Handtaschen und Modellen namhafter Designerlabels wie Hermès, Louis Vuitton und Gucci – erzählen von einem der ältesten Accessoires der Menschheit.
Gustav Adolf Wagner
Zum
Thomas Aydt
Gustav Adolf Wagner
Zum Gartenbau im 19. Jahrhundert: Stuttgart – Remseck –Süddeutschland
This publication depicts the life and work of the garden designer Gustav Adolf Wagner (1817–1893), who created romantic park landscapes in the second half of the 19th century. Numerous hitherto unpublished projects throw new light onto 19th-century garden landscape design and reintroduce the life and work of this unjustly forgotten garden designer.
Die Publikation schildert Leben und Werk des Gartenkünstlers Gustav Adolf Wagner (1817–1893), der in der zweiten Hälfte des 19.Jahrhunderts neue romantische Parklandschaften gescha en hat. Zahlreiche, bislang unpublizierte Pläne werfen ein neues Licht auf die Gartenbauarchitektur des 19.Jahrhunderts und bringen das Leben und Werk dieses zu Unrecht vergessenen Gartenkünstlers wieder in Erinnerung.
Graphic design: Silke Nalbach, Mannheim (DE) 2 vols. in slipcase with 1,112 pp., 22 x 28 cm, 1,257 ills.
Hardcover with dust jacket.
English / French / German.
€ 124 [D] / US$ 210 / £ 138
ISBN 978-3-89790-680-8 E ⁄ F ⁄ D
For almost 300 years, pocket-watch stands served the nobility and middle classes as a secure and stylish way to store pocket watches. This publication provides an overview of more than 800 objects from a private collection in southern Germany, documenting for the first time the wealth of designs in pocket-watch stands that reflects the history of European art and culture in Europe from the Baroque to the early 20th century.
Taschenuhrständer dienten dem Adel und der bürgerlichen Gesellschaft fast 300 Jahre zur sicheren und stilvollen Au ewahrung von Taschenuhren. Diese Publikation bietet einen Überblick über mehr als 800 Objekte einer süddeutschen Privatsammlung und dokumentiert damit erstmals den Gestaltungsreichtum der Taschenuhrständer, der die Kunstund Kulturgeschichte Europas vom Barock bis in das frühe 20. Jahrhundert widerspiegelt.
8389790734 8
Gun-Dagmar Helke / Hela Schandelmaier Courtly Pleasures
Table Decorations as a Reflection of Baroque Society
Höfische Vergn ü gen
Tischdekorationen als Spiegel barocker Gesellschaft
Graphic design: Silke Nalbach, Mannheim (DE)
240 pp., 22 × 28 cm, 215 ills.
Hardcover. English / German.
€ 48 [D] / US$ 85 / £ 54
ISBN 978-3-89790-734-8 E ⁄ D
Courtly Pleasures presents the most beautiful table decorations from the abundant treasures of a southwest German private collection. Scenes of gardens and of love, idyllic hunting parties, and lifelike animal figurines were popular motifs in porcelain from the Baroque to the beginning of the 19th century. They were intended to initiate conversation among the table guests—and of course attest to the discerning taste of the hosts.
Höfische Vergnügen präsentiert die schönsten Tischdekorationen aus dem reichen Schatz einer südwestdeutschen Privatsammlung. Garten- und Liebesszenen, idyllische Jagdgruppen oder lebensnahe Tierfiguren aus Porzellan waren zur Zeit des Barock bis in das beginnende 19.Jahrhundert hinein beliebte Motive der Tafeldekoration. Sie sollten die Tischgesellschaft zu Gesprächen anregen –und natürlich auch vom erlesenen Geschmack der Gastgeber:innen zeugen.
Deutsches Bergbau-Museum Bochum (ed.)
Gl
ück
auf!
Bergmännisches Porzellan des 18.Jahrhunderts
Die Sammlung Middelschulte im Deutschen Bergbau-Museum Bochum
Graphic design: Silke Nalbach, Mannheim (DE)
272 pp., 24 × 28 cm, approx. 250 ills. Hardcover with dust jacket. German.
€ 48 [D] / US$ 85 / £ 54
ISBN 978-3-89790-735-5
August 2025
From the mid-1740s, imaginative illustrations of mining scenes increasingly adorned vessels from the Meissen Royal Porcelain Manufactory. The unique combination of mining and porcelain also influenced and inspired other manufactories in German-speaking regions. This new publication presents the world’s most extensive collection of porcelain featuring mining motifs, compiled by Achim and Beate Middelschulte.
Fantasievolle Darstellungen von bergmännischen Szenen zieren ab Mitte der 1740er-Jahre vermehrt Gefäße der Königlichen Porzellanmanufaktur Meissen. Die einzigartige Verbindung von Bergbau und Porzellan prägte und inspirierte auch andere Manufakturen im deutschsprachigen Raum. Die vorliegende Publikation präsentiert die weltweit wohl umfangreichste Sammlung von Porzellanen bergmännischer Sujets, zusammengetragen von Achim und Beate Middelschulte.
1,056 pp., 23 × 30 cm, 1,205 ills. Hardcover with dust jacket. English.
€ 98 [D] / US$ 170 / £ 108
ISBN 978-3-89790-727-0
July 2025
Tibetan Women’s Jewelry is the definitive scholarly publication on traditional Central Tibetan jewelry from the 17th century to the 1959 exile of the 14th Dalai Lama. This art book features ten styles of women’s relic boxes (Gaus), as well as other adorning elements of traditional dress. Details from private interviews with the last nobles and goldsmiths from Lhasa reveal how these treasures were worn.
Tibetan Women’s Jewelry ist die maßgebliche wissenschaftliche Publikation über traditionellen tibetischen Schmuck vom 17.Jahrhundert bis zur Exilierung des 14. Dalai Lama im Jahr 1959. Diese Publikation präsentiert zehn Gestaltungsvarianten von Reliquienschatullen (Gau) sowie weitere Schmuckelemente der traditionellen Tracht. Einzigartige Interviews mit den letzten Adeligen und Goldschmieden aus Lhasa enthüllen, wie diese Kostbarkeiten getragen wurden.
Jennifer-Navva Milliken, Museum for Art in Wood (ed.)
The Mashrabiya Project
Ancient Architectures and Contemporary Ideas across the Islamic World
With contributions by Ahmed Abdelazim, Seif El Rashidi, Agnieszka Dobrowolska, and Jennifer-Navva Milliken
Graphic design: GDLOFT, Philadelphia (US)
248 pp., 22 × 32 cm, approx. 100 ills. Hardcover. English / Arabic.
€ 38 [D] / US$ 65 / £ 42
ISBN 978-3-89790-678-5 September 2025
This publication unites a culturally specific craft with contemporary artistic practice. As a scalable latticed window screen whose intricate geometries developed with the spread of Islam, the mashrabiya provided ventilation, shade, and privacy to buildings. Photographs of the mashrabiya as well as contemporary works by leading artists bring the complex beauty and meaning of the screens to life.
Die vorliegende Publikation verbindet ein kulturspezifisches Handwerk mit zeitgenössischer künstlerischer Praxis. Als skalierbare Fenstergitter, dessen komplizierte Geometrien sich mit der Ausbreitung des Islams entwickelten, dienten Maschrabiyya der Belüftung von Gebäuden und boten Schatten und Privatsphäre. In dieser Publikation wird die komplexe Schönheit und Bedeutung der Maschrabiyya zum Leben erweckt.
Bryn Campbell / Michael Lord Cashman / Beatriz Chadour-Sampson
Brick Lane in London
All the World’s a Stage:
Street Photography by David and Sonya Newell-Smith
240 pp., 28 × 24 cm, 191 ills. Hardcover. English.
€ 34 [D] / US$ 60 / £ 39
ISBN 978-3-89790-737-9
Situated near the docks on the River Thames, Brick Lane in London has been a hub for immigrant communities for centuries. Today it’s a favorite tourist destination, famous for its street art, theater, and colorful markets. Sonya and David Newell-Smith (1937–2017), whose careers began in professional news photojournalism, spent decades recording the changing streetscape and vibrant personalities of this East End district.
Jahrhundertelang war die nahe der Londoner ThemseDocks gelegene Brick Lane ein Knotenpunkt für Einwander:innen aus aller Welt. Heute ist sie ein beliebtes Touristenziel, berühmt für Straßenkunst, Theater und bunte Marktstände. Sonya und David Newell-Smith (1937–2017), ursprünglich professionelle Fotojournalisten, haben das sich verändernde Straßenbild und die lebhaften Persönlichkeiten dieses Viertels im Londoner East End über Jahrzehnte hinweg dokumentiert.
Iris Maria vom Hof (ed.)
Walpurgis Night’s Dream
Photographs by Joachim Baldauf
Walpurgisnachtstraum
Fotografien von Joachim Baldauf
Graphic design: Iris Maria vom Hof, Berlin (DE)
160 pp., 21.5 x 28.5 cm, 93 ills. Softcover with flaps. English / German.
€ 34 [D] / US$ 60 / £ 39
ISBN 978-3-89790-721-8
Joachim Baldauf, a prominent figure in international fashion photography, unveils a new side of his work inspired by Goethe’s “Walpurgis Night” in Faust I and II His portraits and studio subjects combine artistic freedom with thrilling, revealing, and erotic motifs, exploring various techniques from analog photography to artificial intelligence.
Joachim Baldauf, renommierter Vertreter der internationalen Modefotografie, präsentiert eine neue Seite seines Scha ens, inspiriert von Goethes „Walpurgisnacht“ in Faust I und II. Seine Porträts und Studioaufnahmen vereinen künstlerische Freiheit mit aufregenden, freizügigen und erotischen Motiven und erkunden verschiedene Techniken von Analogfotografie bis hin zu künstlicher Intelligenz.
Die Neue Sammlung – The Design Museum / Objectspace (eds.)
Warwick Freeman
Hook Hand Heart Star
With contributions by G. Chapple, K. Chitham, W. Freeman, P. Hölscher, B. Lloyd, and K. Paton, and a foreword by A. Nollert
Graphic design: Inhouse Design, Auckland (NZ) 304 pp., 20.5 × 27.5 cm, 200 ills. Cloth-bound hardcover. English / German.
€ 38 [D] / US$ 65 / £ 42
ISBN 978-3-89790-732-4
Warwick Freeman (b.1953) is regarded as one of the world’s most influential contemporary jewelry artists. His works tell of his life, culture, and history, as well as the history of Aotearoa/New Zealand and the country’s unique materials. A mediator between cultures, he discovers forms, symbols, and images that connect Māori, Polynesian, and European civilizations.
Warwick Freeman (geb.1953) gilt weltweit als einer der einflussreichsten Schmuckkünstler der Gegenwart. In seinen Arbeiten erzählt er von seinem Leben, seiner Kultur, seiner Geschichte wie auch von der Geschichte Aotearoa/Neuseelands und den einzigartigen Materialien dieses Landes. Er entdeckt Formen, Symbole und Bilder, die die Kulturen der Māori, Polynesiens und Europas verbinden.
Petra Hesse / Lena Hoppe, Museum für Angewandte Kunst Köln (eds.)
The Fascination of Jewellery
7000 Years of Jewellery at the MAKK
Faszination Schmuck
7000 Jahre Schmuckkunst im MAKK
With a contribution by B. Chadour-Sampson
Graphic design: Silke Nalbach, Mannheim (DE)
360 pp., 22 × 28 cm, 452 ills.
Hardcover. English / German.
€ 48 [D] / US$ 85 / £ 54
ISBN 978-3-89790-722-5
The Cologne Museum of Applied Arts (MAKK) showcases its outstanding jewelry collection, spanning 7,000 years, for the first time in a dedicated publication. Featuring around 370 objects, it highlights diverse approaches to the art of jewelry-making across cultures and epochs. An essay by Beatriz Chadour-Sampson discusses jewelry’s multifaceted social and symbolic aspects.
Das Museum für Angewandte Kunst Köln (MAKK) präsentiert seine herausragende Schmuckkollektion, die sich über 7.000 Jahre erstreckt, erstmals in einer eigenen Publikation. Mit rund 370 Objekten werden verschiedene Ansätze der Schmuckherstellung von unterschiedlichen Kulturen und Epochen beleuchtet. Ein Essay von Beatriz Chadour-Sampson behandelt die sozialen und symbolischen Aspekte von Schmuck.
Susan Cummins / Barbara P. Gifford / Toni Greenbaum / Damian Skinner Feast
Contemporary Jewelry from the Susan Beech Collection
224 pp., 21 × 29 cm, 340 ills. Hardcover. English.
€ 38 [D] / US$ 65 / £ 42
ISBN 978-3-89790-733-1
Since 1991, Susan Beech has been transforming her house in Tiburon, California, into an extraordinary environment, in which the themes of her extensive jewelry collection interact with craft and fine art, all against a backdrop of Art Deco glamour. The publication is accompanied by Susan Beech both as a model and in the form of statements, proving once more how life is enriched by art and jewelry.
Seit 1991 gestaltete Susan Beech ihr Haus in Tiburon, Kalifornien, zu einer außergewöhnlichen Bühne, auf der, inmitten von Art-déco-Glamour, ihre umfangreiche Schmucksammlung mit Kunsthandwerk und bildender Kunst in einen spannungsreichen Dialog treten. Susan Beech begleitet als Model und mit ihren Statements die Publikation und beweist einmal mehr, wie Kunst und Schmuck das Leben bereichern.
Sheila Barron Smithie / Beth Carver Wees
Marcus & Co.
Three Generations of New York
Graphic design: Silke Nalbach, Mannheim (DE)
320 pp., 24 × 30 cm, 560 ills.
Hardcover with dust jacket. English.
€ 48 [D] / US$ 85 / £ 54
ISBN 978-3-89790-717-1
The New York jewelry firm Marcus & Co. (1892–1942) crafted exquisite Art Nouveau and Art Deco jewelry for an elite clientele. Known for their artist collaborations, stunning displays, and bold advertisements, they captivated Gilded Age families like the Rockefellers. This volume traces their journey through jewelry masterpieces and archival design drawings from Dresden apprenticeships to Fifth Avenue.
Die New Yorker Juweliere Marcus & Co. (1892–1942) fertigten einmaligen Jugendstil- und Art-déco-Schmuck. Bekannt für ihre Zusammenarbeit mit Künstlern, atemberaubende Auslagen und plakative Werbung, zählten sie Familien wie die Rockefellers zu ihren Kunden. Anhand von zahlreichen Fotos und detaillierten Entwurfszeichnungen dokumentiert dieser Band den Weg von den Anfängen in Dresden bis zu den Geschäftsräumen in der Fifth Avenue, New York.
DESIGN & CRAFTS
A. Boström / F. M. Kammel / M. De Lucchi / S. Myerscough
Ernst Gamperl
Urkraft
272 pp., approx. 170 ills. Hardcover. English / German / Italian.
€ 64 [D] / US$ 110 / £ 72
ISBN 978-3-89790-754-6
July 2025
E /D /I
Distribution in Germany, Switzerland, and Austria only.
Martin Kargruber from the inside out … Holzskulpturen Sculptures in Wood Sculture in legno 2014–2024
With a contribution by Thomas Elsen 128 pp., 101 ills. Hardcover. English / German / Italian.
€ 28 [D] / US$ 50 / £ 32
ISBN 978-3-89790-726-3
E /D /I
Monika Sänger (ed.)
Paula Straus
Vom Kunsthandwerk zum Industriedesign
With contributions by Edith Neumann, Monika and Reinhard Sänger, Joachim W. Storck, Michal S. Friedlander, and Christoph Engel
200 pp., 210 ills. Hardcover. German.
€ 38 [D] / US$ 65 / £ 42
ISBN 978-3-89790-688-4
D
Vibeke P. Gether / Rasmus Koch (eds.)
Boris Berlin Dialogues on Form Dialoger om form
408 pp., approx. 760 ills. Cloth-bound hardcover. English + Danish.
€ 48 [D] / US$ 85 / £ 54
E: ISBN 978-3-89790-723-2
DK: ISBN 978-3-89790-729-4
E + DK
Olaf Thormann / Thomas Rudi, GRASSI Museum (eds.)
Deep-Seated
The Secret Art of Upholstery Besessen
Die geheime Kunst des Polsterns
392 pp., 390 ills. Softcover with flaps. English / German. 2nd edition.
€ 44 [D] / US$ 70 / £ 49
ISBN 978-3-89790-681-5
E /D
Fabian Gatermann
Transcendence: Light as a Medium Transzendenz. Licht als Medium
With contributions by R.M. Bonelli, F. Carbone, T. Rohde, D. Myôen Zölls
120 pp., approx. 100 ills. Softcover with open spine. English / German.
With contributions by H. Williams Drutt, P. Johanssen, W. Lösche, and M. Topp, and a foreword by M. Eder 352 pp., 188 ills. Hardcover. English / German.
€ 38 [D] / US$ 65 / £ 42
ISBN 978-3-89790-703-4
E /D
Sabine Runde / Matthias Wagner K (eds.) Arts and Crafts is Cactus Kunsthandwerk ist Kaktus
588 pp., 2,600 ills. Hardcover. English + German.
€ 48 [D] / US$ 85 / £ 54
E:
ISBN 978-3-89790-653-2
D: ISBN 978-3-89790-649-5
E +D
Eines der „Schönsten Deutschen Bücher 2022“
Eva Rem Hansen / Linn
Halvorsrød (eds.)
Hannah Ryggen Triennale: Mater
160 pp., 75 ills. Softcover. English / Norwegian incl. Sami.
€ 28 [D] / US$ 50 / £ 32
ISBN 978-3-89790-740-9
E / NOR
Markus Winter / Don Freeman (eds.)
Berlin Deko
Central European Furniture from 1910 to 1930
With contributions by A. Sildatke, E.-U. Leben, M. Palica, M. Mertens, P. Zucker, and M. Winter
160 pp., 236 ills. Hardcover. English.
€ 38 [D] / US$ 65 / £ 42
ISBN 978-3-89790-741-6
E
Jörg Hartmann / Anna GitelsonKahn Color in Knitting By Designers, for Designers With a foreword by Luca Missoni 208 pp., 285 ills. Hardcover. English.
€ 38 [D] / US$ 65 / £ 42
ISBN 978-3-89790-702-7
E
Torsten Bröhan / Christoph Janik / Susanne Engelhard, Bröhan Design Foundation (eds.) Stahlrohrrevolution!
Kálmán Lengyel, Marcel Breuer, Anton Lorenz und das Neue Möbel
With contributions by S. Engelhard, S. Graner, É. Horányi, R. Jaeger, and Ch. Janik
360 pp., 700 ills. Hardcover. German.
€ 48 [D] / US$ 85 / £ 54
ISBN 978-3-89790-683-9
D
Sabine Rommel / Mathias Zahn (eds.)
Max Schanz Spielzeug Gestalten im Erzgebirge
208 pp., 324 ills. Softcover. German.
€ 34 [D] / US$ 60 / £ 39
ISBN 978-3-89790-650-1
D
„Deutschlands schönstes Regionalbuch 2022“
Hendrik Bohle / Jan Dimog (eds.) Gesamtkunstwerke
Architecture by Arne Jacobsen and Otto Weitling in Germany
Architektur von Arne Jacobsen und Otto Weitling in Deutschland
248 pp., 170 ills. Softcover with flaps.
English / German.
€ 38 [D] / US$ 65 / £ 42
ISBN 978-3-89790-611-2
E /D
Randi Grov Berger / Tonje
Kjellevold (eds.)
Earth, Wind, Fire, Water
Nordic Contemporary Crafts
A Critical Craft Anthology
224 pp., 90 ills.
Softcover with dust jacket.
English and Swedish/Danish/ Norwegian/Finnish/Icelandic/ Northern Sámi.
€ 28 [D] / US$ 50 / £ 32
ISBN 978-3-89790-603-7
E / SWE / DK / NOR /
JEWELRY SCHMUCK
L. Cahill / J. Ewington / B.P. Gi ord / T. Greenbaum / K. Scott
Helen Britton
The Story so Far 320 pp., 360 ills. Cloth-bound hardcover. English.
€ 48 [D] / US$ 85 / £ 54
ISBN 978-3-89790-743-0
July 2025
E
Petra Hesse / Lena Hoppe, Museum für Angewandte Kunst Köln (eds.)
From Louise Bourgeois to Yoko Ono
Jewellery by Female Artists Von Louise Bourgeois bis Yoko Ono
Schmuck von Künstlerinnen
144 pp., approx. 100 ills. Hardcover. English / German.
€ 34 [D] / US$ 60 / £ 39
ISBN 978-3-89790-750-8
November 2025
E /D
Die Neue Sammlung – The Design Museum / Objectspace (eds.)
Warwick Freeman
Hook Hand Heart Star
With contributions by G.Chapple, K.Chitham, W.Freeman, P. Hölscher, B.Lloyd, and K.Paton, and a foreword by A.Nollert
304 pp., 200 ills. Cloth-bound hardcover.
English / German.
€ 38 [D] / US$ 65 / £ 42
ISBN 978-3-89790-732-4
E /D
Susan Cummins / Barbara P. Gi ord / Toni Greenbaum / Damian Skinner Feast
Contemporary Jewelry from the Susan Beech Collection
224 pp., 340 ills. Hardcover. English.
€ 38 [D] / US$ 65 / £ 42
ISBN 978-3-89790-733-1
E
Sheila Barron Smithie / Beth Carver Wees Marcus & Co. Three Generations of New York Jewelers
320 pp., 560 ills. Hardcover with dust jacket.
English.
€ 48 [D] / US$ 85 / £ 54
ISBN 978-3-89790-717-1
E
Friends
Cornelie Holzach (ed.)
Gabi Dziuba & Friends
With contributions by V. Gliem and S. Strsembski, S. Draxler, K. Kraus, Ch. Nagel, G. Nourbakhsch, H. Mayer, D. Rademacher, J. Rademacher, D. Topka, and an interview by Ch. Malycha with the artist
240 pp., 320 ills. Hardcover with dust jacket. English / German.
€ 38 [D] / US$ 65 / £ 42
ISBN 978-3-89790-714-0
E /D
Die Neue Sammlung –The Design Museum (ed.)
Sigurd Bronger Wearables Trag-Objekte
248 pp., 180 ills. Hardcover. English / German.
€ 38 [D] / US$ 65 / £ 42
ISBN 978-3-89790-713-3
E /D
Certificate of Typographic Excellence from the Type Directors Club New York, 2025
P. Hesse / L. Hoppe, Museum für Angewandte Kunst Köln (eds.) The Fascination of Jewellery 7000 Years of Jewellery at the MAKK
Faszination Schmuck
7000 Jahre Schmuckkunst im MAKK
360 pp., 452 ills. Hardcover. English / German.
€ 48 [D] / US$ 85 / £ 54
ISBN 978-3-89790-722-5
E /D
Beatrix Kramlovsky / Lydia Mischkulnig / Elisabeth von Samsonow
Gerti Machacek
Jewellery Sculpture Schmuckskulptur
With a foreword by Anne-Katrin Rossberg
280 pp., 467 ills. Hardcover. English / German.
€ 48 [D] / US$ 85 / £ 54
ISBN 978-3-89790-699-0
E /D
Carina Shoshtary (ed.) Attai Chen All the World’s a Stage With contributions by Glenn Adamson and Sool Park 104 pp., 81 ills. Cloth-bound hardcover.
Nele van Wieringen for the Westerwaldkreis (ed.) 15th Westerwald Prize 2024 Ceramics of Europe 15.Westerwaldpreis 2024 Keramik Europas
144 pp., 106 ills. Hardcover. English / German.
€ 38 [D] / US$ 65 / £ 42
ISBN 978-3-89790-731-7
E /D
Elisa Helland-Hansen Pleasure and Use
With contributions by Jorunn Veiteberg, Mary Barringer, Garth Clark, Nina Malterud, and Elisa Helland-Hansen
240 pp., 221 ills.
Cloth-bound hardcover with open spine. English.
€ 38 [D] / US$ 65 / £ 42
ISBN 978-3-89790-724-9
E
Maria Schüly
Tunnel
Johannes Nagel
Works in Porcelain Arbeiten aus Porzellan
2018–2023
160 pp., 144 ills. Hardcover. English / German.
€ 38 [D] / US$ 65 / £ 42
ISBN 978-3-89790-694-5
E /D
Julius Bissier und Richard Bampi
Das Freiburger Keramikbild
96 pp., 68 ills. Swiss binding. German.
€ 28 [D] / US$ 50 / £ 32
ISBN 978-3-89790-697-6
D
Muriel Champy (ed.)
Claude Champy
Stardust
Poussières d’étoiles
With contributions by Muriel Champy, Gabi Dewald, Tim Ingold, and Jean-Pierre Thibaudat
208 pp., 230 ills. Hardcover. English / French.
€ 44 [D] / US$ 70 / £ 49
ISBN 978-3-89790-696-9
E /F
KÖRPER | MASS | FARBE BODY | SCALE | COLOR arnoldsche
Nele van Wieringen for the Westerwaldkreis (ed.) Jan Bontjes van Beek
Body | Scale | Color Körper | Maß | Farbe
80 pp., approx. 50 ills. Softcover with dust jacket. English / German.
€ 28 [D] / US$ 50 / £ 32
ISBN 978-3-89790-752-2
July 2025
E /D
Ida Bringedal, Haugar Art Museum (ed.) Elisabeth von Krogh Retrospective / Prospective Ceramics 1972–2024
With contributions by Ida Bringedal and Kjersti Solbakken
248 pp., 112 ills. Hardcover. English / Norwegian.
€ 38 [D] / US$ 65 / £ 42
ISBN 978-3-89790-718-8
E / NOR
Alfred Weidinger / Christoph Thun-Hohenstein / Rainald Franz (eds.)
Franz Josef Altenburg
Clay and Form Ton und Form
184 pp., 221 ills. Softcover with flaps. English / German.
€ 38 [D] / US$ 65 / £ 42
ISBN 978-3-89790-646-4
E /D
Renate Luckner-Bien Gertraud Möhwald
Bildhauer will ich unbedingt werden
Texte und Werke
256 pp., approx. 150 ills. Hardcover. German.
€ 34 [D] / US$ 60 / £ 39
ISBN 978-3-89790-751-5
October 2025
D
David Whiting Seeing with Another Eye ceramics – sculpture – painting The Anthony Shaw Collection 208 pp., 220 ills. Hardcover with dust jacket. English.
€ 38 [D] / US$ 65 / £ 42
ISBN 978-3-89790-711-9
E
Wayne Higby (ed.)
Materiality: The Miller Ceramic Art Collection
304 pp., 243 ills. Hardcover with dust jacket. English.
€ 38 [D] / US$ 65 / £ 42
ISBN 978-3-89790-504-7
E
Jan Bontjes van Beek
Glenn Adamson / Esther Niebel / John White
Olaf Thormann, GRASSI Museum (ed.)
Vessel / Sculpture 3
German and International Ceramics since 1946
Gefäß / Skulptur 3
Deutsche und internationale Keramik seit 1946
544 pp., 594 ills. and 285 signatures. Hardcover. English/ German.
€ 58 [D] / US$ 95 / £ 64
ISBN 978-3-89790-543-6
E /D
Marc Heiremans AVEM
Arte Vetraria Muranese
Artistic Production 1932–1972
368 pp., over 1,500 ills. Hardcover. English.
€ 98 [D] / US$ 170 / £ 108
ISBN 978-3-89790-588-7
E
Angelika Nollert, Die Neue Sammlung – The Design Museum (ed.)
Beate Kuhn
Ceramic Works from the Freiberger Collection
Keramiken aus der Sammlung Freiberger
244 pp., 316 ills., 8 marks reproduced. Hardcover.
English / German.
€ 48 [D] / US$ 85 / £ 54
ISBN 978-3-89790-502-3
E /D
GLASS GLAS
Andrew Brewerton / Mikaël
Faujour / Michel Guérin / John Edgar Wideman
Antoine Leperlier
Shaping Time Donner forme au temps
200 pp., 185 ills. Hardcover with dust jacket.
English / French.
€ 48 [D] / US$ 85 / £ 54
ISBN 978-3-89790-704-1
E /F
METAL
METALL
Malte Guttek, Gesellschaft für Goldschmiedekunst e.V. (ed.) 21st Silver Triennial International 2025 21. Silbertriennale International 2025
With a foreword by Hartwig
Rohde and a text by Malte Guttek 208 pp., 169 ills. Swiss binding. English / German.
€ 78 [D] / US$ 135 / £ 85 ISBN 978-3-89790-453-8 D
Agus Aris Munandar
Majapahit
Sculptures from a Forgotten Kingdom
144 pp., 250 ills. Half-linen cover. English.
€ 38 [D] / US$ 65 / £ 42
ISBN 978-3-89790-701-0
E
Jennifer-Navva Milliken, Museum for Art in Wood (ed.)
The Mashrabiya Project Ancient Architectures and Contemporary Ideas across the Islamic World
248 pp., approx. 100 ills. Hardcover. English / Arabic.
€ 38 [D] / US$ 65 / £ 42
ISBN 978-3-89790-678-5
September 2025
E / AR
Michael Henss Buddhist Ritual Art of Tibet
A Handbook on Ceremonial Objects and Ritual Furnishings in the Tibetan Temple 456 pp., 630 ills. Hardcover. English.
€ 78 [D] / US$ 135 / £ 85 ISBN 978-3-89790-567-2
Anette Mertens, in collaboration with Mareile Flitsch Seladon im Augenmerk Jadegleiche Porzellane und ihre Meister in Longquan, VR China 240 pp., 381 ills. Hardcover. German.
€ 48 [D] / US$ 85 / £ 54
ISBN 978-3-89790-574-0
PHOTO GRAPHY
FOTOGRAFIE
Bryn Campbell / Michael Lord Cashman / Beatriz ChadourSampson Brick Lane in London
All the World’s a Stage: Street Photography by David and Sonya Newell-Smith 240 pp., 191 ills. Hardcover. English.
€ 34 [D] / US$ 60 / £ 39
ISBN 978-3-89790-737-9
E
Anahita Nasrin Mittertrainer, Museum Fünf Kontinente (ed.) In trockenen Tüchern Gewebtes und Besticktes aus dem Osmanischen Reich
With contributions by Hülya Bilgi, Beate Kränzle, and Ulla Ther, and a foreword by Uta Werlich 176 pp., 121 ills. Cloth-bound hardcover. German (incl. Turkish text version).
€ 38 [D] / US$ 65 / £ 42
ISBN 978-3-89790-676-1 D
Florian Langegger Netsuke in Comparison Motifs and Their Variations Netsuke im Vergleich Motive und ihre Variationen
224 pp., 843 ills. Hardcover. English / German.
€ 48 [D] / US$ 85 / £ 54
ISBN 978-3-89790-528-3
E /D
Iris Maria vom Hof (ed.) Walpurgis Night’s Dream
Photographs by Joachim Baldauf Walpurgisnachtstraum Fotografien von Joachim Baldauf
160 pp., 93 ills. Softcover with flaps. English / German.
€ 34 [D] / US$ 60 / £ 39
ISBN 978-3-89790-721-8
E /D
THE SCENE AND THE UNSEEN OPER IN BILDERN
Iris Maria vom Hof (ed.) The Scene and the Unseen Opera in Pictures. Photographs by Monika Rittershaus Oper in Bildern. Fotografien von Monika Rittershaus
224 pp., 108 ills. Softcover with flaps. English / German.
€ 38 [D] / US$ 65 / £ 42
ISBN 978-3-89790-669-3
E /D
Eyes as Big as Plates 2
Karoline Hjorth & Riitta Ikonen
With contributions by C. Darrason, J. Houdrouge, M. Lien, a rawlings, M. Riepenho , R. Scranton, and A. Zhe
