Revista 90+10 #46

+46 | Colección Botanica de Formafantasma. www.formafantasma.com

sumario +mundo creativo 010 diseño, art toys, destinos, publicaciones, música, lugares, green design, arquitectura, vehículos, discos, marketing, eventos, concursos, gadgets, branding y diseño, agenda

+personas creativas 042 046 066 050 054 058 062

diseño Nendo Poética de la flexibilidad Javier Iturrioz Caballero de fina estampa Formafantasma El concepto al frente

arte Enric Adrián Gener Sumergido en la fotografía subacuática

moda Juana de Arco Trazando cercanía

ilustración Nathan Fox Entre cómics e ilustración Irana Douer Una vida dibujada

+especial moda 070 072 074 075 076 079 080

Cómo se genera la moda Secretos del guardarropa Tendencias Información infecciosa De bocetos y moldes El proceso de armado de una colección Marketing de moda Objeto de deseo BAFWeek, Mapa de Diseño y Ciudad de Moda Espacios de visibilidad de la moda argentina Imágenes de moda Mirando un calidoscopio Pasarela Mapa de Diseño INTI Moda e identidad nacional

+ideas creativas 086 090 098 094 096 100

moda Levi’s Trip to the Modern Frontier

diseño Casa FOA 2013 El diseño de interiores hace escala en microcentro Salón Diario La Capital Lo mejor del diseño 2013

gadgets GoPro La memoria de la adrenalina

vehículos Fiesta KD, Focus y Kuga Los n uevos lanzamientos de Ford Salón del Automóvil de Frankfurt El reinado de los modelos eléctricos

+portfolio fotográfico 104

Eleonora Margiotta

+clásicos contemporáneos 110 + Colección Craftica de Formafantasma. www.formafantasma.com

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diseño IDI, Instituto de Diseño Industrial Trazados del diseño rosarino

+conexión

+46 | Foto: Eleonora Margiotta

staff Director / Publisher Gonzalo Joaquín Fargas gfargas@90mas10.com.ar @gonza9010 Editora Marcela Fibbiani marcela@90mas10.com.ar @marce9010

Diseño de Tapa Patricio Oliver www.patriciooliver.com.ar

Prensa y Comunicación

Dirección Comercial Daniel Urrestarazu daniel@90mas10.com.ar

Coordinación Editorial Celeste Nasimbera celeste@90mas10.com.ar @SrtaCele

Gestión Comercial Claudio Boleda claudio@90mas10.com.ar

Diseño Gráfico Hernán Patto Leandro Marenzi

Departamento Comercial publicidad@90mas10.com.ar

Producción Fátima Fargas fatima@90mas10.com.ar @fatimafargas

Colaboran en esta edición Adriana Godoy, Aldo Bressi, ArtsMoved, Carola Danza, Celeste Nasimbera, Diego Giaccone, Elvio Orellana, Fátima Fargas, Fernanda Cohen, Gabriela Rey, Germán Andrés, Hernán Rossi, Jorgelina Peciña, Maia Croizet, María Agustina Iscaro, María Paz Berri, Natalia Iscaro, Patricio Oliver, Ricardo Sametband, Sebastián Rodríguez y Wustavo Quiroga Nuestros colaboradores Sebastián Rodríguez Diseñador de indumentaria, desde 2009 es integrante del Observatorio de Tendencias, un servicio que brinda el Instituto Nacional de Tecnología Industrial, a través de su Centro Textil. Se especializó en el área de desarrollo y producción de indumentaria, coolhunting y análisis de tendencias para los Circuitos de Tendencias INTI (2009 hasta la actualidad). Es investigador del proyecto Mapa de Diseño Argentino, y coautor del libro Mapa de Diseño Argentino, 101 Diseñadores de Autor. + @sebyrodry

Hernán Rossi Nace y vive en Rosario. Se autodefine como amante del diseño y el arte, perfeccionista, obsesivo y devorador serial de imágenes. Es publicista, y pasó por la Universidad Nacional de Rosario para cursar la Licenciatura en Comunicación Social. Se desempeña como Prensa y Gestor de Contenidos Digitales en Fundación Diario La Capital. Colabora en el suplemento Señales de Diario La Capital con notas sobre arte y diseño. Actualmente, incursiona en el campo del estilismo y la decoración. + @herchurossi

Distribución en kioskos CABA y GBA Vaccaro, Sánchez y Cía. S.C. Av. Entre Ríos 919, 1º Piso Tel. (+5411) 4305-3908 / 3854 Distribución en el interior Distribuidora Interplazas S.A. Pte. Luis Sáenz Peña 1836 Tel. (+5411) 4305-0114

Impresión Help Group Colombres 1333, Piso 1°, Of. 6 Tel. (+54 11) 43973-0217 www.hgprint.com.ar info@hgprint.com.ar Asesoría Legal Dr. Mariano Javier Gattelli estudio_gattelli@hotmail.com

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Domicilio Legal: Av. Raúl Scalabrini Ortiz 2553 – Piso 13 “E” (C1425DBG) Ciudad Aut. de Buenos Aires, Argentina Domicilio Redacción: Cerviño 3814 – Piso 4 “A” (C1425AGU) Ciudad Aut. de Buenos Aires, Argentina info@90mas10.com.ar | 90mas10.com.ar Revista 90+10. Editor responsable y propietario: 90+10 SRL. Queda prohibida la reproducción total o parcial del contenido sin la previa autorización del editor. Las notas firmadas son responsabilidad de sus autores. Registro de la propiedad intelectual Nº 943748 | ISSN 1668-6403 Año 9 - Nº46 – Septiembre | Octubre 2013

+46 | Eleonora Margiotta

editorial Se acercaba la primavera y queríamos hablar de moda, pero de una manera distinta a la que siempre lo hacemos. Desde hace un tiempo, queríamos investigar sobre el detrás de escena de la moda, y contárselo a nuestros lectores. Hacer un recorrido desde la generación de una idea por parte de un diseñador, hasta la materialización de esos conceptos en prendas y accesorios que usamos todos los días, sin olvidar cuestiones como estrategias de venta y formas de comunicar la moda.

Por eso, nos pareció bueno también hablar de cómo se difunde el diseño de indumentaria local, a través de distintas plataformas de visibilidad de la moda, como son las pasarelas más importantes del país, y proyectos como el Mapa de Diseño INTI, que apunta al descubrimiento de la creatividad en cada rincón de la Argentina, no sólo en Buenos Aires.

Celebramos el talento y creatividad, y presentárselos a nuestros lectores es nuestra meta. Las páginas que siguen cuentan historias de talentosos personajes que especialmente elegimos poner ante sus ojos. ¡A disfrutarlas! + Marcela Fibbiani Editora

CONEXIÓN DIGITAL Con los links de 90+10 (9010.co), accedés directamente a la versión digital de la nota (disponible para las secciones: personas creativas, ideas creativas, clásicos contemporáneos, portfolio y especial), para poder compartirla, comentarla, ver más material de fotos y video, y entrar a los todos links vinculados.

Una nueva manera de conectar el medio en papel con el mundo digital. + 90mas10.com

+ Quier www.quier.com.ar Foto: Ani Sirabonian para Elephanto Studio

IMAGEN DE TAPA Para ilustrar la tapa de esta edición, pensamos en la artista argentina Irana Douer. Queríamos una imagen vinculada al especial de moda que contiene. Le explicamos el contenido, leyó los textos y nos hizo esta propuesta: “una chica que se viera hasta la cintura, rodeada de telas de distintos colores y estampas, como probando qué sería lo mejor para ella”.

Recibimos un primer boceto a mano alzada y, a partir de nuestra aprobación, le sumó color.

Es así que el inconfundible estilo de Irana se apoderó de nuestra portada y, de más está decir, que estamos felices con los resultados. Para conocer más sobre su obra, entrar a: www.keepinmind.com.ar | www.ruby-mag.com.ar +

010

+ mundo creativo

Texto: María Agustina Iscaro @iscarlina

diseño

+ Silla AB, 1943

+ Silla de madera M, Gerardo Clusellas, 1968

+ Silla clásica W, César Jannello, 1947

+ Silla desarmable K, César Jannello, 1955

+ Silla en anticorodal, 1957

+ Sillón Pampanini, 1955

+ Silla Solana del mar, Antonio Bonet, 1946

+ Sillón Bull, Jorge Parsons y Osvaldo Fauci, 1969

+ Banqueta alta, Jorge Parsons, 1936

Diseño argentino de autor: Íconos nacionales La historia del diseño argentino parece haber recobrado vida en la exposición “Diseño argentino de autor”, que Dos26 y Fundación Proa presentan en la recepción del Café Proa. La muestra, a cargo de los arquitectos Guillermo Ferrari y Pablo Diez, presenta dieciséis diseños de sillas realizados durante el período de sustitución de importaciones en la Argentina, y que se convirtieron en íconos del diseño industrial del país.

Trece modelos tienen la particularidad de ser reediciones netamente originales, surgidas de investigaciones realizadas con archivos originales, y supervisadas por los autores y descendientes, quienes proporcionaron todos los documentos necesarios para materializarlas.

Las tres restantes son piezas originales, cedidas por sus propietarios para la exposición, que fueron diseñadas en el país, entre 1930 y 1970. Todo esto fue el resultado de una larga tarea de selección e investigación a cargo de la arquitecta Martha Levisman, Directora

de ARCA (Archivos de Arquitectura Contemporánea Argentina).

La búsqueda también planteó hallazgos de piezas originales a través del mercado de pulgas o en sitios de Internet, en donde los vendedores no tenían idea del producto que estaban vendiendo. Tal fue el caso del sillón Bull de Jorge Parsons (1969), cuyas piezas fueron recuperadas de un galpón, en condiciones de abandono. La silla Balerina de Walter Loos (1940) se trajo desde El Bolsón, donde yacía en un corral al aire libre. De esta forma, es inevitable sentir cómo el olorcito a historia recorre la muestra y la diversidad de formas y materiales que en ella conviven.

Diseños para todos los gustos, que rememoran la historia de un país, y dejan al descubierto el ejercicio intelectual y expresivo que formó parte del desarrollo de cada una de las piezas. + www.proa.org | www.dos26.com

012

+ mundo creativo

Texto: Patricio Oliver (*) @patriciooliver

art toys

El Sr. Pumfrey y su asombroso cochecito mecanizado Un art toy conducido por otro art toy.

El británico Doktor A ha creado, a lo largo de los años, un universo “steampunk”, en donde sus vistosos Mechtorians habitan. De su mente, han nacido toda una serie de seres mecánicos victorianos que ha llevado a formatos muy variados: desde impresiones limitadas, pins metálicos y, claro, art toys. Como si uno no fuera suficiente, el Dr. nos trae dos figuras en una, con su nuevo lanzamiento basado en un personaje que ya tiene cinco años de haber sido creado: “El Sr. Pumpfrey, indecentemente, acecha las calles de la ciudad por la noche, en busca de una novia... Cualquier novia”.

Sr. Pumfrey y su asombroso cochecito de niño mecanizado comenzó su vida como un dibujo a tinta de pequeña edición y tirada, realizado para Dragon Con, en Atlanta, hace algunos años atrás. Munky King juguetes, en Los Ángeles, se puso en contacto con él para ver si estaba interesado en la producción de un art toy con ellos. Estaban particularmente focalizados en hacer algún tipo de robot, conducido por otro robot. Les mostró el dibujo y les encantó, así que elaboró algunos planos y vistas para que

sea posible el traslado a un objeto tridimensional.

El prototipo fue esculpido por el famoso David Pressler y por Julie B de “Pretty in Plastic”, quienes hicieron un trabajo espléndido.

Empujaron la complejidad de la pieza a zonas que no se suelen ver en juguetes de producción. Se destaca por poseer un piloto extraíble y lentes transparentes en los “ojos” del cochecito, detrás de los cuales pueden ser espiados algunos detalles internos de los engranajes.

La pieza se presentó en San Diego Comic Con de este año, con la edición Amable otoño (100 piezas), en los colores de la compañía Munky King, negro y oro (con unos detalles de rojo).

Hay cuatro combinaciones de colores diseñadas en base a las estaciones del año: Paseo de la primavera, Deambular de verano, Amable otoño e Invierno Wander-land. Las figuras aún están en fase de producción, y todo lo que se ha podido ver en las redes sociales y blogs especializados son los modelos de prueba y exhibición. + www.spookypop.com | www.munkyking.com

(*) Patricio Oliver es diseñador gráfico por la FADU/UBA, ilustrador y creador de numerosos vinyl toys para Red Magik, Kid Robot, Toy2R, UnboxIndustries y Mugo. www.patriciooliver.com.ar

014

+ mundo creativo

Texto y foto: Fátima Fargas para Travel Design (*)

destinos

Dublín El trébol de cuatro hojas De bares, entre celtas y vikingos.

Siendo la capital de la República de Irlanda, Dublín se sitúa aproximándose al centro de la costa oriental de la isla. Con una población de más de un millón de habitantes, es una de las ciudades más pobladas de toda Irlanda.

Cuenta con una historia muy particular. Si bien sus raíces son celtas, fue fundada por los vikingos alrededor del año 841, para pasar luego a manos de los normandos. En la década del 20, después de varias luchas por independizarse del Reino Unido, Irlanda se separa en dos.

Por un lado, queda Irlanda del Norte -que seguía formando parte del Reino Unido-, y por otro, el nuevo estado libre de Irlanda, que en 1949 pasó a ser la República de Irlanda. Hasta el día de la fecha, la situación sigue manteniéndose igual.

Esta ciudad ancestral deslumbra y es un lugar preferido por los más jóvenes. Parte de esto se debe a la prestigiosa y tradicional University of Dublin, Trinity College (fundada en 1592 y situada en el centro de Dublín), ya que recluta a estudiantes de distintos lugares del mundo, los que se ven deambular por las calles día y noche, y le dan al lugar una agenda cultural fresca y muy fluida. Por su crecimiento constante, Dublín es también elegida por importantes empresas a la hora de establecerse, lo que se evidencia en sus nuevas y modernas infraestructuras.

En cuanto al turismo, Dublín fusiona el turismo natural y el urbano.

Los turistas amantes de la naturaleza y del senderismo eligen a la ciudad, debido a que a tan sólo unos escasos kilómetros, es posible adentrarse en los famosos acantilados que bordean la costa. Y de esta forma, logran el contacto con lo verde, sin abandonar las comodidades de una capital europea.

Por su parte, los visitantes más urbanos se encuentran con una propuesta distinta, pero no menos interesante. A diferencia de otras ciudades del mundo, los principales puntos turísticos de Dublín no son sólo los museos tradicionales ni sus monumentos. Entre estos puntos de paso obligado, podemos nombrar al famosísimo bar irlandés “The Temple Bar” (http://www.thetemplebarpub.com/), ubicado en el barrio del mismo nombre, donde se concentran una gran cantidad de típicos bares irlandeses. Siguiendo en la misma línea, es infaltable la visita a la antigua fábrica de Guiness, totalmente reformada y adaptada, para que el visitante aprenda de una forma didáctica y divertida, los pasos para crear la tradicional cerveza.

No hay que olvidar que una de las mejores formas de recorrer Dublín es a pie. En pleno centro de la ciudad se encuentra la calle O´Conell, donde se puede apreciar el “Spire”, una estructura de unos 120 metros de altura. También se distingue la multitudinaria calle peatonal Grafton Street, que tiene como atracción principal a la estatua de Molly Malone (personaje protagónico de una popular leyenda irlandesa).

SAN PATRICIO Patrón de Irlanda -además de poseer una impactante Catedral en Dublín que lleva su nombre y gran parte de la historia de la ciudad-, San Patricio cuenta con un día en su honor, el 17 de marzo, fecha que conmemora su fallecimiento. Para los irlandeses, es un día de celebración, que con el tiempo se convirtió en Festival, trascendió las fronteras y ganó en popularidad. A tal punto, que hoy en día se festeja masivamente, en numerosas ciudades del mundo, sin importar si se es o no irlandés. + www.ireland.com

(*) Para dejar de ser turista y comenzar a ser viajero, visitar: www.traveldesign.com.ar | blog.traveldesign.com.ar

016

+ mundo creativo

Texto: María Agustina Iscaro @iscarlina

publicaciones

Relatos de moda Sofía Calvo, creadora del blog Quinta Trends -espacio para la moda de autor latinoamericana, nacido en la ciudad de Valparaíso, Chile, con un especial énfasis en la escena chilena-, entiende a la moda como una parte fundamental de la identidad e historia de una nación. Así, tras seis años de compromiso bloguero, la autora decidió compartir el conocimiento adquirido, a través del libro “Relatos de Moda”. El texto compila una serie de posts agrupados bajo cuatro temáticas: relato de moda de autor, el proceso creativo y el estreno en sociedad, el relato de la moda como negocio, y su propio relato de la moda. Cada uno de ellos es tratado con la mirada de quien intenta crear una masa crítica, y generar una conversación sobre la moda como un concepto complejo.

Calvo, además, destaca su intención de que todos pudieran acceder a su obra, y así lo resume: “la ´información con llave´ no permite este cometido, por tal razón, tuve la idea de dejar disponible una versión descargable, de tal manera que todos los que quisieran, tuvieran acceso a esta reflexión, sin importar dónde estuvieran”. El ejemplar puede descargarse en forma gratuita en formato pdf desde http://issuu.com/sofiacalvof/docs/relatos_de_moda/1 + www.quintatrends.com

Autor SOFíA CALVO Formato Libro y digital 130 páginas Español

Illustration Now! Fashion El diseñador gráfico Julius Wiedemann no tiene dudas de que la ilustración es el punto de partida de todo diseño. Así, y tras varias publicaciones digitales en su nombre, decidió celebrar el dibujo en el mundo de la moda con la reciente publicación, Illustration Now! Fashion de Taschen, donde traza un recorrido cronológico por este universo, mirando hacia atrás, desde el siglo XVII hasta hoy.

La introducción estuvo a cargo del experto en el tema, Steven Heller, mientras que la redacción lleva la firma del historiador de arte y moda, Adelheid Rasche, quien ofrece una exploración en profundidad del tema, y traza una línea de tiempo acompañada por imágenes de noventa artistas, entre los cuales se incluyen a Rubén Toledo, Aurore de La Morinerie, Bil Donovan, Tanya Ling y Jean-Philippe Delhomme. El libro, además, cuenta con citas de expertos del mundo de la moda: Valentino, Gladys Perint Palmer, Maison Martin Margiela, Christian Dior, Louis Vuitton y H&M son algunas de las voces influyentes que, sin duda, agregan valor a la lectura. + www.taschen.com

Editorial TASCHEN Editor JULIUS WIEDEMANN Formato 21.5 x 27.4 cm 400 páginas Inglés

018

+ mundo creativo

Texto: Germán Andrés @vermirando

música

Ariel Curtis Átomos de sonidos para compartir Les presentamos a este DJ y productor musical argentino que, desde los años 90, viene trabajando en el under de la electrónica, y construye su carrera con proyección internacional. Tras publicar un remix en colaboración con Thom Yorke y ganar relevancia mundial, prepara su nuevo disco, y lo adelanta con un single y video. El tema ya está a la venta para todo el mundo, e incluye una acción social directa de quienes lo compran. El mismo autor nos cuenta brevemente su historia y el valor agregado de su música. + ¿Cuál es tu experiencia con la música electrónica?

AC Creo que al haber crecido en los 80, con el auge de los sintetizadores y la masificación de bandas como Pet Shop Boys o Erasure, era inevitable que me sintiera atraído por estos nuevos sonidos. Y si bien mi formación musical, desde temprana edad, se basó en algo más clásico -ya que aprendí teoría tocando el piano-, creo que mi gran interés por la producción y el “hazlo tú mismo” fue lo que me llevó a determinar que no necesitaba de una banda ni ser un virtuoso pianista, para componer y ejecutar mis obras. + ¿Cómo sigue esta historia hasta hoy?

AC Así fui pasando por la experimentación con distintas formas de creación musical. En una época, me gustaba grabar en una porta estudio digital y el pilar de mi sonido era una Roland Groove Box. Por aquél entonces, comenzaban las primeras ideas de distribución de música digital y acá, en Argentina, me sumé a Charly Alberti y sus proyectos URL Records y yeyeye.com. Durante varios años, me negué a utilizar una PC como base de trabajo, pues tenía la idea de que me quitaba musicalidad. Los años pasaron, las tecnologías evolucionaron, y mi estudio se centró cada vez más en el minimalismo, aunque mi sonido, creo, se ha vuelto más rico y versátil, pudiendo incluir una línea de bajo totalmente secuenciada, guitarras acústicas, y hasta una cantante lírica. En todo lo que hagamos, no existen más limites que los auto-impuestos. + Por tu forma de trabajar, ¿te considerarías un diseñador con los sonidos?

AC Me considero más un alquimista. Trato de que los sonidos propongan una profundidad y un viaje al interior del ser. Puede que, muchas veces, la esencia del sonido no haya sido creada por mí; puede ser el caso de un piano que, acústicamente, siempre será un piano, pero en el proceso de mezcla y grabación trato de capturar

la verdadera esencia del sonido; algo así como plasmar el alma en la grabación. Para esto, es muy importante el especial cuidado que le doy a la conjunción de todos los elementos. Cada sonido es como si contara una historia. Si esa historia no está bien cuidada, el mensaje nunca llega claro… + ¿Cómo fue que salió tu remix del tema “Atoms for peace”?

AC Fue algo que se gestó poco después de que el tema apareciera en el primer álbum solista de Thom Yorke. Por contactos entre compañías, cuando buscaban productores para los remixes (transcurría el 2006), fui propuesto entre otros tantos artistas. Luego, la decisión final fue no hacer un single con ese tema. Entonces, mantuve mi remezcla oculta, hasta que se filtró y se popularizó en el under de los DJs internacionales. Si bien no trascendió mucho más, cuando cambié de compañía, vieron un potencial en ese proyecto, y decidieron retomar las negociaciones. Pasaron casi siete años del primer intento de oficializar mi versión y, coincidiendo en 2012 con el lanzamiento del grupo con ese nombre, se editó mundialmente la reversión, pero como una colaboración. Así llegó a los primeros puestos de venta en varias tiendas digitales, y contó con un video producido y dirigido por el argentino Marky Dee. + ¿Qué podés contarnos de tu próximo disco solista?

AC Me encuentro trabajando en él. Y lo que puedo adelantar es que lleva por nombre “Momentum”. Será fiel reflejo de un sonido atemporal, fusionado con tecnología de avanzada. Será un disco de canciones y contará con varios artistas invitados, que harán su colaboración vocal. Sé que queda mucho camino por recorrer, y que en tanto avance la tecnología, seguiré llevando las canciones a fusionarse con la esencia de lo nuevo, en una alquimia sonora que despierte el ser de quien quiera escuchar. + www.arielcurtis.com

“I LEARN FROM YOU”- ARIEL CURTIS. Single. Edición independiente, disponible en iTunes y demás tiendas online.

Se trata de una canción de sonido actual y perfil pop alternativo, de forma y concepto audaz. “I learn from you” representa la vuelta de Curtis a una faceta más orgánica e introspectiva, luego de trabajar mucho tiempo con el dance y la electrónica más bailable. “Quería un cambio, y hacer algo más duradero que poner un disco a la venta.

Sin meditarlo mucho, supe que tenía la necesidad de ayudar. La música, desde antaño, sirve para ayudar a otros.

Eso me llevó a tomar la decisión de donar las ganancias percibidas por las ventas mundiales del single a una causa que, creo, tiene mucho que ver, la de la organización Koyaktu, que se ocupa del bienestar del Pueblo Mapuche en el sur argentino y Chile”. El videoclip que acompaña muy bien a la canción es también una magnífica obra del director Marky Dee (argentino radicado en Islandia). “La idea de quienes nos involucramos en el proyecto fue la de dejar el ego de lado, para transmitir un mensaje de amor en sí mismo”. +

020

+ mundo creativo

Texto: Jorgelina Peciña @JorgelinaPecina

lugares

Simone Handbag Museum El paraíso de las carteras

Ubicado en la ciudad de Seúl, Corea del Sur, el Simone Handbag Museum sorprende tanto por el contenido de su colección como por su exterior: un edificio con forma de cartera. ¿Excentricidad? Lejos de eso, se trata de un proyecto en donde el arte, la historia y la moda se unen para contar el pasado y el presente de uno de los objetos de deseo más usados en el mundo, la cartera.

La empresa responsable detrás del proyecto se llama Simone Acc. Collection Ltd., una compañía que provee de materiales y carteras a las grandes marcas internacionales, como Michael Kors, DKNY, Polo Ralph Lauren y Marc Jacobs, entre otros. Con motivo de su aniversario número 25, su CEO, Kenny Park, decidió llevar más allá la trayectoria de Simone como empresa. Con el objetivo de inspirar y colaborar con el desarrollo de las nuevas generaciones de creativos y diseñadores coreanos, fundó el museo de las carteras Simone.

Bautizado Bagstage Building, el edificio con formato de cartera fue diseñado por UAD, una firma de arquitectos locales, quienes plasmaron la idea de un museo con diez niveles en total, la mitad subsuelos y la otra mitad pisos. El diseño del edificio, además de exquisito y perfecto, atrae no sólo por su arquitectura, sino también por las múltiples actividades y secciones que alberga en su interior, entre ellas, tiendas para jóvenes diseñadores, espacios para cursos de capacitación, las oficinas de la empresa Simone y, por supuesto, el museo de carteras, que abarca del tercero al quinto piso.

UN MUSEO DIFERENTE En el corazón del peculiar edificio, el Simone HandBag Museum

cobra vida. Se trata de un recorrido por la historia de las carteras, con un total de 350 piezas que atraviesan este arte, desde el siglo XVI al XXI. La curaduría de la colección permanente estuvo en manos de Judith Clark, ex curadora del Victoria & Albert Museum de Londres, Inglaterra, y actual profesora del prestigio London College of Fashion.

Clark, además de realizar la selección de carteras que se exhibe en el museo -tarea que le llevó cerca de dos años previos a la apertura del Bagstage Building en 2012-, también diseñó maniquíes especiales, cuyas siluetas fueran capaces de emular gestos y posturas que destaquen el objeto clave del proyecto, las carteras, capturando la magia del momento cuando fueron vestidas por alguien, en algún momento de la historia. “La historia de las carteras contiene la historia de las mujeres, de las artes decorativas, del diseño y del devenir de la silueta y sus poses, a través de los años”, asegura Clark, quien además, comenta: “Este proyecto ha sido la oportunidad de crear una instalación permanente y un archivo para que las próximas generaciones de diseñadores y comunidad creativa de Seúl se beneficie”. + www.simonehandbagmuseum.co.kr

022

+ mundo creativo

Texto: María Agustina Iscaro @iscarlina

green design

+ Procesando Arte by Dragon Lab - Guardianes de la Tierra

Dragon Lab: Fabricar a conciencia Perfectos Dragones, un destacado estudio de diseño local, cuenta con un área especialmente dedicada a la experimentación. Así, con una trayectoria basada en la autogestión, este equipo interdisciplinario utiliza a Dragon Lab para trabajar en la generación de proyectos y temáticas orientadas a la creación libre. En este esquema, la sustentabilidad es una de sus preocupaciones más afianzadas, la cual cobra vida en dos proyectos. Uno de ellos, Procesando Arte, consiste en una serie de productos conceptuales, creados a partir de los desechos de toda su producción. Para ello, el team de Dragones convocó al artista Edgardo Rodríguez, junto al cual crearon piezas únicas, como Los Guardianes del Espacio,

de la Tierra, Soles y Tronos.

En segundo lugar, AguaxAgua es un proyecto que busca promover un cambio en la industria del diseño, desarrollando un producto de consumo masivo para empresas. Éstas, a través de la compra de agua, buscan comunicar valores y ayudar a familias que hoy no cuentan con este bien natural y necesario. Matías Zuckermann y Gustavo Stekolschik, de Dragon Lab, demuestran así que es posible que el diseño y la producción nacional alcancen un nivel internacional y, además, con una mentalidad sustentable. + www.perfectosdragones.com

Kidsonroof: El mundo en cartón Romy Boesveldt, holandés, está casado con Ilya, rusa, y ambos tienen tres hijos. Con el objetivo de reconectarse con la naturaleza en estos tiempos modernos, este matrimonio generó un laboratorio de ideas. En este marco, a través del trabajo propio y colectivo con otros colegas, diseñaron piezas que pudieran proponer nuevas formas de juego a los más pequeños del hogar. Así nació, en 2005, Kidsonroof, una firma que ofrece una mirada sustentable sobre el espacio lúdico.

Entre sus piezas, se destaca la línea Casa Cabana, que consiste en casas de cartón portables –una mezcla de casa de muñecas con cajita feliz-, hornitos de cocina que se asemejan a los reales, y caballitos de diversos tamaño para pintar. Todo se realiza sobre la base del cartón.

“Nuestro estudio crea el terreno para una forma de vida básica y estética, con un toque nómade”, explica el matrimonio desde su Web. Y detallan: “Imagine la casa de campo ideal: nuestro estudio crea luz, frescura y mobiliario lúdico para transmitir una sensación de vida fácil”. Extremadamente atractivas, sus piezas invitan a jugar, también, a los más grandes. + www.kidsonroof.com

024

+ mundo creativo

Texto: María Agustina Iscaro @iscarlina Foto: Gentileza Harpa

arquitectura

Harpa Recompensa a la tradición El pasado 7 de junio, y en marco del 25 aniversario del Premio de Arquitectura Contemporánea de la Unión Europea - Premio Mies van der Rohe, se llevó a cabo la entrega del premio al ganador de la edición 2013. En esta ocasión, los galardonados fueron Henning Larsen Architects, Studio Olafur Eliasson y Batteríið Architects por su proyecto Harpa, Auditorio y sala de conferencias de Reykjavík, en Islandia.

El edificio, que forma parte de un plan de revitalización del puerto oriental, tiene una estructura cristalina que se inspiró en los paisajes islandeses y en sus tradiciones. Su diseño se basa en un principio geométrico, realizado en dos y tres dimensiones, con reminiscencias de las columnas de basalto cristalizado, que comúnmente se encuentran en Islandia.

La luz y la transparencia son los elementos clave de la construcción.

Esto se ve reflejado en los más de mil poliedros de doce caras de vidrio y acero que componen la fachada sur. Desde ahí se crean reflejos caleidoscópicos de la ciudad y el paisaje que lo rodea. El resto de las caras continúan con el sistema geométrico, representadas por estructuras bidimensionales de cinco y seis caras. Los rayos de sol que penetran por sus caras crean un juego de luces, sombras y colores vibrantes en el vestíbulo.

Sus cuatro salas principales, fuertemente influenciadas por la cultura de Islandia, llevan el nombre de los cuatro elementos clásicos: fuego, tierra, agua y aire. De esta forma, sus diseñadores lograron el objetivo de desmaterializar el edificio como entidad estática, permitiendo que responda a los estímulos de la ciudad que lo circunda. + www.en.harpa.is

026

+ mundo creativo

Texto: Elvio Orellana @emorellana33

vehículos

Mercedes-Benz SLK 55 AMG

Mercedes-Benz GL

Este renovado deportivo descapotable de techo rígido llega con el paquete AMG –lo más radical-, que incluye llantas de aleación AMG, kit estético específico AMG y dos salidas dobles cromadas de escape.

Posee un techo retráctil panorámico, fabricado en policarbonato, que se abre y se cierra en menos de 20 segundos, con sólo pulsar un botón.

La otra novedad de la marca de la estrella es el SUV más grande de sus filas: el Mercedes-Benz GL. Procedente de los Estados Unidos, este imponente vehículo familiar mide 5,12 m de largo,1,93 m de ancho y 1,85 m de alto, y cuenta con una generosa distancia entre ejes, de 3,07 m. Además, el baúl ofrece una capacidad de 680 dm3, y el habitáculo dispone de una tercera fila de asientos, a la cual se accede mediante un sistema de rebatido eléctrico.

La novedad destacada es la mecánica. Se trata del nuevo V8 de desarrollo AMG con 5,5 litros de cilindrada, que desarrolla 422 caballos de potencia. Con este propulsor (atmosférico), el SLK 55 AMG acelera de 0 a 100 km/h en 4,6 segundos, y alcanza una velocidad máxima (limitada electrónicamente) de 250 km/h. La evolución permite que desconecte 4 de los 8 cilindros para disminuir el consumo que, de acuerdo a los datos oficiales, es de 8,4 litros a los 100 km, en recorridos mixtos. Y además, la compañía sostiene que las emisiones de CO2 son un 30% menor que las de su predecesor.

El tipo de construcción, sus partes y los materiales utilizados, hacen un combo que redunda en un mejor rendimiento. La transmisión disponible es la automática AMG Speedshift Plus 7G-Tronic, que dosifica la potencia enviada a las ruedas traseras. Precio: U$S 188.000. + www.mercedes-benz.com.ar

Bajo el capó, se sirve de un propulsor V8 naftero de 4,7 litros de cilindrada y 435 caballos de potencia. Asimismo, cuenta con la transmisión automática de 7 marchas 7G-Tronic Plus con convertidor de par, que ofrece la posibilidad de pasar los cambios en forma manual, a través de las levas en el volante. En tanto, el sistema integral de tracción es el conocido 4Matic, con reparto automático a ambos ejes. Una de las novedades del lanzamiento es la incorporación de un paquete “On & Off Road”, que dispone de seis programas de conducción, caja reductora, bloqueo total de los diferenciales (delantero, central y trasero), protección para la zona baja del vehículo y, además, una configuración especial para el control de estabilidad, el sistema de tracción, la suspensión neumática y el ABS. Su valor es de U$S 169.900. + www.mercedes-benz.com.ar

Renault Sandero Tech Run La marca del rombo comenzó a vender una serie limitada del compacto que llega desde Brasil. Esta nueva versión, ofrece los siguientes elementos: llantas de aleación de 15 pulgadas en color gris inox, carcasas de espejos exteriores y manijas de puertas en color gris inox, además de isologo Tech Run en lateral y portón trasero.

Por dentro, se diferencia del Sandero de serie por los asientos delanteros bitono en negro y azul, cinturones de seguridad de color azul, manijas de sujeción interna de puertas de color negro brillante, y volante con animación Tech Run. El motor de esta versión es el naftero 1.6 de 105 caballos y la caja, manual de 5 marchas.

En materia de confort, cuenta con aire acondicionado, apertura interna de tapa de combustible, asiento del conductor regulable en altura, levantavidrios eléctricos delanteros, sistema de audio con radio, CD, MP3, entrada auxiliar, USB y comando satelital y manos libres Bluetooth, entre otros. En cuanto a seguridad, los elementos destacados son: doble airbag, frenos ABS y cierre automático de puerta en rodaje. El precio es de $ 98.400. + www.renault.com.ar

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mundo creativo 027 vehículos

Citroën C4 Lounge

Diseño y funcionalidad en armonía Después de los compactos medianos del segmento B, la categoría de los sedanes es la predilecta de los argentinos. Espaciosos y de buen porte, con grandes dimensiones y baúles que pueden cargar mucho equipaje. Así son, en general, los principales atributos de estos modelos que ganan cada vez más terreno en mercados emergentes como el nuestro. Uno de sus ejemplares siempre lo fue el Citroën C4.

Es por ello que la marca decidió actualizar a esta versión y rebautizarlo con el seudónimo “Lounge”. Uno de los cambios más notables se produjo en su estética. Si bien sigue siendo elegante, sus líneas más fluidas y musculosas lo convierten en un auto que, además de tener grandes proporciones, luce mucho más deportivo.

Un claro ejemplo es su frontal, donde se evidencia la influencia de los modelos DS de la marca. Así, su parrilla y las luces de posición con LEDs en forma de “L”, lo aproximan al DS4. También sus ópticas de bixenón derivan de este último.

Pero es su parte trasera lo más original. En esta nueva edición, se ha resuelto muy bien la integración del volumen posterior con respecto al cuerpo del auto. Para ello, se acudió a un voladizo trasero más corto, que si bien reduce la longitud del auto en 15 cm y la capacidad del baúl (ahora es de 450 litros), ubica a su formato entre los más atractivos dentro de los sedanes actuales. De esta forma, diseño y funcionalidad conviven en perfecta armonía.

AMPLIO Y FUNCIONAL El espacio interior del Citroën 4 Lounge sigue siendo un punto

fuerte del modelo. Esta versión mantiene la misma distancia entre ejes (2,71 metros) que su antecesor, pero ganó en comodidad para los pasajeros. Esto se logró con nuevas butacas que contienen a la perfección a todos los ocupantes. Es destacable el generoso espacio para las rodillas de quienes se sitúen en las plazas traseras. Y, si bien su techo desciende en la parte posterior, una persona de talla grande (1,80 metros de altura), no rozará su cabeza contra él.

MOTORES CONOCIDOS Tres motores son los ofrecidos para esta nueva etapa de vida del C4. El más novedoso de ellos es el naftero 1.6 THP de 163 caballos (equipa al Citroën DS4). Se presenta con caja automática Tiptronic de 6 marchas. La otra opción naftera es una de 2.0 litros y 143 caballos. Completa la saga un motor diésel 1.6 de 115 caballos, que equipa a otro modelo del grupo (Citroën C4 Hatch), y se caracteriza por su gran elasticidad, de modo que hace muy buen trabajo en maniobras de recuperación. Este motor gasolero trabaja con una caja manual de 5 velocidades. Precio: desde $146.700. + www.citroen.com.ar

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+ mundo creativo

Texto: Elvio Orellana @emorellana33

vehículos

Ferrari 458 Speciale La marca italiana del cavallino presentó este nuevo especimen, que en realidad, es una versión especial (de ahí su nombre, Speciale) del 458 Italia. Esta variante es más liviana (90 kg menos) y mediante una serie de modificaciones aerodinámicas y mecánicas logra mejorar las prestaciones. De este modo, su motor atmosférico de 8 cilindros y 4,5 litros rinde 27 caballos más, llegando a una potencia

Hyundai i30 y Elantra Hyundai Motor Argentina presentó los nuevos i30 y Elantra. Se trata de las dos nuevas apuestas de la marca coreana para el segmento argentino de los autos compactos. El Hyundai new i30 es la segunda generación del auto mediano de cinco puertas, concebido en el centro de investigación y desarrollo europeo, en Rüsselsheim, Alemania. Fue recientemente elegido uno de los modelos finalistas para el premio Auto Europeo del año 2013, el galardón más prestigioso del Viejo Continente. Llega a nuestro país con el motor 1.8 de 150 CV, con versiones manual o automática, ambas de 6 velocidades, y con una amplia dotación en materia de confort y seguridad, donde se destacan 7 airbags, frenos a disco en las cuatro ruedas con ABS, control de tracción y control de estabilidad (ESP) con VSM (vehicle stability management). El nuevo i30 obtuvo la puntuación máxima de 5 estrellas de Euro Ncap.

Con respecto al Elantra, cabe decir que se trata del sedán mediano de la marca, y se constituye en el modelo más vendido por Hyundai a nivel mundial. El modelo marcó un hito, al conseguir el premio más importante del mercado norteamericano: auto del año 2012 para USA y Canadá. Al igual que el i30, llega a nuestro país con un equipamiento notable en materia de confort y seguridad, que incluye 6 airbags, frenos a disco en las cuatro ruedas con ABS, control de tracción y control de estabilidad (ESP). El Elantra obtuvo la máxima puntuación de 5 estrellas y fue catalogado como “Top Safety Pick”, máxima calificación del IIHS norteamericano. + www.hyundai.com.ar

total de 605 CV. El 458 Speciale puede acelerar de 0 a 100 km/h en 3,0 segundos y de 0 a 200 km/h, en 9,1 segundos. Desde la marca señalan que, a pesar de mejorar la performance, consume menos combustible que el 458 Italia (11,8 l/100 km frente a 13,3 l/100 km). + www.ferrari.com

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mundo creativo 029 vehículos

Dodge Ram

Citroën DS3

Las Ram regresaron a la Argentina. La pick-up de Chrysler para el segmento grande se comercializó en nuestro país entre 2004 y 2010. Con un largo total de 5,87 metros, la Ram -fabricada en México- se posicionará en esta nueva etapa como la única pick-up de gran tamaño de nuestro mercado.

La francesa Citroën incorporó una versión de entrada de gama DS, denominada DS3 1.6 VTi 120 So Chic, a un precio de $174.100 ($30 mil menos que la versión 1.6i Turbo Sport Chic). Algunas de las modificaciones de esta nueva versión tienen que ver con la motorización, la caja manual de 5 velocidades, las dimensiones del rodado, las llantas de aleación de 16” y el tapizado de tela.

La Ram (ya no se llama Dodge, desde que Chrysler decidió que la división de los “cuernos” tenga su propia identidad) se comercializará en una primera etapa en la Argentina, sólo en una versión: 1500, con motor Hemi V8 de 5.7 litros, con 395 CV. Habrá una sola transmisión disponible: automática de 6 velocidades, con tracción integral. Más adelante podrá llegar una versión turbo diésel. ¿Su precio? U$S 4 mil. + www.ramtrucks.com

Este nuevo motor entrega 120 CV y un meritorio torque de 160 Nm a 4.200 rpm, pero sin resignar eficiencia, ya que apenas consume 5,9 litros cada 100 km recorridos en tránsito mixto. En lo que a seguridad respecta, mantiene los mismos estándares que la versión tope de gama, para así lograr una óptima relación precio– producto. + www.citroen.com.ar

Chevrolet Tracker Tener presencia en todos los flancos y en cada uno de ellos presentar productos que atraigan cada vez a más clientes: ésa es la consigna que Chevrolet viene aplicando desde hace un par de años atrás. Se podría decir que esa misma estrategia también se aplicó en la Tracker. Con jugadores de peso ya en escena (EcoSport y Renault Duster, entre los principales), el SUV de Chevrolet irrumpe, proveniente desde México.

Lo hace utilizando una plataforma global, de modo que el aspecto del SUV pequeño del moño dorado se alínea con los últimos modelos de la marca. Donde más se percibe esto es en la trompa: allí, su gran parrilla tiene el mayor protagonismo. Del resto de su carrocería destacamos su estampa sólida, la cual es generada por sus anchos

pasa ruedas y su elevada línea de cintura lateral. Todo ello sucede en un poco más de 4 metros, con lo cual, la sensación de vehículo “fortachón”, se encuentra latente.

Se ofrece un único motor naftero de 1.8 litros de 140 caballos de fuerza. Sí hay variantes de cajas: se puede elegir entre una manual de 5 marchas (se ofrece en la versión de tracción delantera), y una caja automática de 6 (disponible en dos versiones con tracción integral). Además de una caja automática, las versiones 4x4 suman control de estabilidad y tracción, y sistema de asistencia en ascenso de pendientes. Precio, desde $139.900. + www.chevrolet.com.ar

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+ mundo creativo

Texto: Germán Andrés @vermirando

discos

ridad propia. No se lo puede categorizar ni comparar con otra propuesta. La música del trío es original por donde se la tome.

Una retroalimentación de instrumentos autóctonos, con un cuidado procesamiento digital, melodía, voces y ritmos ancestrales, con audio del futuro. Puede ser bailable o reflexiva, siempre introspectiva y moderna.

“Proa” salió en simultáneo en septiembre para Argentina (vía Club del Disco), Europa y USA por el sello norteamericano Wonderwheel, y está siendo muy bienvenido en el ámbito de la electrónica alternativa, con un alcance que lo distingue del resto de la producción local. Así es que estamos ante uno de los mejores exponentes de la música argentina actual, por la calidad, la seriedad con que está todo concretado, además del valor agregado que tiene este álbum desde su conceptualización con la literatura.

Tremor: Punta de lanza Esta cuarta obra de Tremor, titulada “Proa”, lo posiciona como el único grupo de avanzada en Argentina, y de nivel internacional. El trío alcanza un nivel superlativo de mix entre electrónica de vanguardia, electro-rock y rítmica folklórica. Pero trasciende todo eso, y crece hacia lo orgánico, en el desarrollo de una sono-

Tiene sonoridades del altiplano o aires de la Patagonia, algunas influencias del dance y de la música contemporánea. Usan elementos tradicionales y los procesan digitalmente con elegancia; todo amalgamado perfectamente con un audio de súper producción internacional. En lo rítmico, tienen matrices de malambo y chacarera, o de dubstep y break beat, pero ninguna es pura, o no se mantiene un solo patrón todo un tema. Los temas mismos son cambiantes, y tienen todos un manejo de los lenguajes de la música pop y la electrónica, con una lectura audaz. A su vez, es la obra más melódica del grupo, y la que denota más la tracción a sangre, los instrumentos tocados. En el total, se hace más universal, humana y atractiva. + www.tremormusic.com

lo que está plasmado como disco. Tanto lo que se escucha, como el título y su tapa, nos adentran en la idea del impresionismo. Todo tiene que ver con el tono con que se sienta o se toque, con la luz o las sombras en la bruma silenciosa que parece envolverlo, con los movimientos de las luces en la madrugada, al tiempo de la música.

No son la forma ni las estructuras concretas lo importante acá.

Adrián Iaies: Impresionismo nocturno

Por ende (y aclaramos), no se trata de la jazzística más cerrada en el género -si es que hubiera una-. Aquí, hay encantamiento melódico, canción y sobresaltos intrincados, pausas, sobriedad y también solos de varios instrumentos. Pero se nota que todo está escrito y pasa por el autor. Aún cuando interpretan piezas de otros (en 2 tracks de los 9), está la visión aguda del pianista en su manera de tocar y de escuchar estas músicas. A su vez, Iaies no duda en darle protagonismo a sus músicos; en distintos pasajes van apareciendo, con justeza, el trompetista Mariano Loiácono, el contrabajo de Ezequiel Dutil o la batería de Pepi Taveira. Así es cómo, por momentos, suenan en trío o cuarteto. Están, además, los aportes de una guitarra eléctrica y la inquietante voz de la joven Barbie Martínez. Obvio, hay pistas en las que el compositor se luce solo. Con todo lo dicho, queda claro que se trata de un álbum con amplio espectro de timbres y arreglos, ritmos y estrellas. Bien vale agregar que son todos excelentes instrumentistas y con tan buen gusto, que nos embelesa escucharlos.

El nuevo disco del prestigioso pianista argentino es un registro en vivo con su grupo. “Small hours, late at night” contiene un muestreo impresionante e impresionista del jazz en diferentes enfoques.

Fue grabado con la banda tocando en directo un par de noches en Café Vinilo (un sitio palermitano muy acogedor), los temas fueron extraídos de esos diferentes conciertos, para luego imprimirse en

Adrián Iaies (quien es también el flamante director del Festival Internacional de Jazz de Bs. As.), sabe que no hay un jazz para hacer, sino muchos por hacerse. El disco empieza y termina con aplausos. Se los merece. + www.adrianiaies.com

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mundo creativo 031 marketing

Texto: Jorgelina Peciña @JorgelinaPecina

+ Sala de Lectura. Espacio 25 - Arq. Angélica Campi. Producto aplicado: Roble Natural Touch en biblioteca, mesada y revestimiento.

Mix de texturas, la propuesta de Masisa en Casa FOA La empresa productora de tableros de madera para muebles y arquitectura de interiores es parte de Casa FOA 2013, la exposición de arquitectura, diseño, paisajismo y decoración más importante de la Argentina, abierta del 4 de octubre al 10 de noviembre en el edificio Tornquist, CABA. Varios de los espacios utilizaron los nuevos diseños melamínicos de la línea Premium Touch de Masisa para llevar a cabo sus creaciones. Lo nuevo de la empresa es el Tweed, un textil en tono visón, que se postula como la tendencia del año en distintas áreas del diseño. Se inspira en los tejidos de lana inglés con apariencia irregular, suave al tacto y con textura abierta, ideal para crear un ambiente elegante y cálido. Por otra parte, el Lino, el primer textil desarrollado por Masisa, se suma a la línea Touch. Se trata de un diseño blanco, ideal para interiores de placares y ambientes discretos, pero con mucha personalidad, algo que sólo un clásico puede lograr.

cera, es una madera marrón oscura con vetas y marcas de sierra, que le otorgan mayor realismo, obteniendo un tablero con un estilo muy natural, que realza la distinción de los ambientes.

Luego, se encuentran Siberia, Kenia y Toledo. La primera es una madera blanca con vetas claras; una propuesta original para quienes buscan un diseño claro, sin perder la calidez de la veta de la madera. La segunda es una melamina de madera negra con vetas claras. Los bosques y las montañas del este africano dan origen a este diseño versátil, que combina elegancia y sobriedad. Y la ter-

En línea con el compromiso de Masisa de contribuir con la construcción sustentable, las nuevas incorporaciones de la compañía, al igual que el resto de los productos, poseen el certificado SCS que garantiza que, como mínimo, 80% de la materia prima utilizada es reciclada o recuperada de otros procesos productivos. + www.masisa.com.ar

Asimismo, Masisa también presenta CoberCor, un revestimiento creado especialmente para llevar textura a diversos ambientes del hogar. Se trata de un tablero de Fibro Melamina de 9mm de espesor, con cantos laterales machihembrados, que brinda una solución al momento de elegir revestimientos y ambientación de interiores.

Es de muy fácil instalación, y no requiere la aplicación de productos para su terminación superficial.

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+ mundo creativo

eventos

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1. Andrea Frigerio y Karina Rabolini en la Gala de ALPI, a beneficio del Centro de Internación y Rehabilitación Pediátrico 2. Anita Pauls en el desfile de Zitta verano 2014, con el apoyo de HSBC Premier 3. Catherine Roemmers, Martín Churba y Valeria Mazza en la presentación de Tramando by Sole, invitados por HSBC Premier 4. Celina Saubidet y Marina Molinelli en su presentación de Cabinet Oseo en Tienda Malba 5. Delia Cancela, Jessica Trosman y Javier Arroyuelo en la presentación de JT en Designers Look BA 6. Gabriel Oliveri (Director de Marketing), Rebeca Selley (Gerenta General), Gloria César, Fabián Medina Flores y Wally Diamante en el lanzamiento de los nuevos salones de Four Seasons Hotel 7. Humberto Tortonese, Julieta Cardinali y Leo Balcarce invitados por HSBC Premier en la presentación de Gorsh 8. Leandro Erlich, Antonio Birabent y Wally Diamante en el pre-opening de El Aleph en Faena Arts Center, que contó con el apoyo de HSBC Premier 9. Rochas París agasajó a sus invitados Rosella Della Giovampaolla, Lucila Sperber, Daniil Simkin, Ileana González y Juan Cruz Bordeu en la 3 Gala de Ballet en Buenos Aires 10. Nico Francella invitado por Cunnington a patinar sobre hielo +

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mundo creativo 033 concursos

+ Obra ganadora de Martín Azambuja (Estudio Mundial).

Mirando al público Las alcachofas ganadoras del concurso Del público al papel. El concurso de TRImarchiDG y Cynar ya tiene sus ganadores.

El concurso “Mirando al público”, que invitó a enviar una obra bidimensional de técnica libre, en donde la imagen clave debía ser un alcaucil o alcachofa, ya tiene sus ganadores. TRImarchiDG junto a Cynar, seleccionó doce alcachofas. Martín Azambuja (Estudio Mundial) se consagró acreedor de un premio de U$D 1200, además de ser parte del libro que lleva el mismo nombre que la convocatoria, editado por TMDG, y donde se publicaron las doce obras seleccionadas y, a su vez, diez obras más de cada artista.

Los once restantes seleccionados son: Martín Vinograd (Salta, Argentina), Patricio Pascale (Buenos Aires, Argentina), José Luis Ferrando (Zaragoza, España), Taquitojocoque (Nueva Laredo, México), Lules Soy (Buenos Aires, Argentina), Paul loubet (Beziers, Francia), Sr. Estampador (Montevideo, Uruguay), Sol Marinucci (Buenos Ai-

res, Argentina), Santiago Medina Neves (Buenos Aires, Argentina), Celeste Aires (San Juan, Argentina) y Javier González Burgos (Rosario, Argentina).

Por otra parte, Tavo Garavato (Colombia), Mariana Vetere (Mar del Plata), Florencia Petra - Nicolás Santiñaque (Buenos Aires), Redak (Perú), Juan Molinet (Buenos Aires), Kaeru (Mar del Plata), Santi Pozzi (Buenos Aires), Katterina Kleimans (Moscú, Rusia), Ema Pidre (Berlín, Alemania), Juicio final (Mar del Plata), Alejandro Sordi (Buenos Aires) y Sebastián J. Gómez Biggeri (Buenos Aires) recibieron menciones especiales. Asimismo, todos los trabajos presentados tuvieron la posibilidad de ser exhibidos durante el congreso internacional de diseño gráfico, del 4 al 6 de octubre, en Mar del Plata. + www.facebook.com/CynarArg | www.trimarchidg.net

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+ mundo creativo

Texto: Ricardo Sametband @rsametband

gadgets

Samsung Galaxy Gear La carrera por plantar una bandera digital en la muñeca de los usuarios ya está en marcha, y Samsung es otra de las compañías que decidió participar en el segmento, con su reloj inteligente Galaxy Gear.

Además de mostrar en su pequeña pantalla táctil, las notificaciones

de un smartphone vía Bluetooth, permite atender una llamada y usar el reloj como manos libres. Incluso, tiene una cámara propia. Precio en Estados Unidos: U$S 300, desde mediados de octubre. + www.samsung.com/ar/

Apple iPhone 5C

BlackBerry Z30

Entramos en esa época del año en la que hay un nuevo iPhone. Sólo que en este caso, hay dos: el 5S (tope de línea, con sensor biométrico y un procesador más veloz) y el 5C, que es el reemplazo directo del 5 anterior. Tiene la misma pantalla, procesador y cámara, pero aumenta levemente el tamaño de la batería y, más importante, cambia la carcasa de metal y vidrio por una de plástico de varios colores. Y, por supuesto, viene con iOS7, una enorme lavada de cara al sistema operativo para móviles de Apple. Precio desbloqueado en Estados Unidos: U$S 549 para la versión de 16 GB, U$S 649 para la de 32 GB. + www.apple.com

La compañía sigue apostando por su propia plataforma móvil, y ahora lo hace con el Z30: pantalla Súper Amoled de 5 pulgadas, chip Snapdragon S4 de doble núcleo a 1,7 GHz y una batería de 2880 mAh. Tiene, además, parlantes estéreo, una nueva antena interna para mejorar la recepción del equipo y la versión 10.2 del sistema operativo, que suma inteligencia al teléfono: detecta qué interlocutores son más frecuentes o importantes, y les da prioridad de vista en la bandeja unificada de mensajes, además de ofrecer notificaciones más sofisticadas en la pantalla de bloqueo, entre otros cambios. Disponible en el hemisferio norte desde la primera mitad de octubre. + www.ar.blackberry.com

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mundo creativo 035 gadgets

Philips Mira

Adobe Mighty y Napoleon

Le pone onda al teléfono fijo. Ni más, ni menos. Es un inalámbrico convencional, con pantalla de dos líneas y agenda de teléfono para 100 contactos, además de un manos libres incorporado.

Adobe hace software, pero ahora, está probando con el hardware: específicamente, un par de accesorios para quienes dibujan con un iPad: Mighty es un lápiz de aluminio para pantallas capacitivas, con sensor de presión y varias puntas, conexión Bluetooth; Napoleon es una regla con dos elementos capacitivos para servir de guía, y que se puede enganchar a la pantalla a ángulos específicos, para poder dibujar paralelas en pantalla a mano alzada, entre otras cosas. La compañía espera tener ambos dispositivos a la venta para mediados del año próximo. + www.adobe.com

Pero lo que distingue a este equipo es, sin dudas, el estilo. Tiene un precio de $ 499. + www.philips.com.ar

Sony PS Vita TV No es un televisor, sino una mini consola que se conecta a tu TV. Disponible desde noviembre en Asia, a U$S 100 en el hemisferio norte, permite correr casi todos los juegos de la PS Vita y la PSP, admite gamepads de PlayStation, acceso a los servicios de streaming de contenido de Sony (música, video) y a títulos viejos de la PS 1. + www.sony.com.ar

Banghó Aero x2

Verbatim Elements

Un dispositivo híbrido, 100% Tablet y 100% notebook, que destaca lo mejor de cada uno, ya que posee un teclado desmontable, que puede vincularse a la pantalla de 11.6” de alta resolución de manera fácil y sin cables. Cuenta con Windows 8, 4GB de memoria RAM y pesa tan sólo 1,080 Kg. El usuario puede optar entre sus distintas configuraciones y elegir un almacenamiento de estado sólido mSATA de 64 GB ó 128 GB. Además, posee múltiples puertos USB, mini USB, micro SD y Micro HDMI. + www.bangho.com.ar

Agua, tierra, aire y fuego: son los cuatro elementos básicos de varias religiones y filosofías, y también se pueden llevar en el bolsillo o la mochila en forma de pendrive USB de 8 gigabytes de capacidad.

Precio: $ 139. + www.verbatim.com

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+ mundo creativo

Texto: Diego Giaccone @diegogiaccone (*) Foto: Adri Godis Photography @adrigodis

branding y diseño

+ Una manera de conocer qué piensan sobre el diseño y los diseñadores los responsables de marketing de empresas exitosas, quienes deciden y compran diseño, buscando sumar valor a sus marcas y productos. La mirada del otro lado del mostrador.

Carolina Gadano | Levi´s “Hoy las tendencias las vivo en forma experiencial en los viajes” Carolina es diseñadora gráfica de las primeras promociones de la UBA. Seguramente, nos habremos cruzado por los pasillos o los bares de la FADU… Estuvo trabajando sólo un año en un estudio de diseño, y desde allí fue forjando su destino. Trabajó siete años en Grimoldi, siendo la primera diseñadora de la marca, trabajando codo a codo junto a los dueños en todas las colecciones. A los 24 años, tuvo su propio emprendimiento, y como buena amante de

los zapatos, fundó “Zapatos Latinos”, pero duró sólo un año, y la cerró por decisión propia. “En su momento, no había muchos diseñadores de autor en zapatos”, dice Carolina.

Su ingreso a Levi´s fue una manera de entrar en el mundo de la indumentaria más amplia, más allá de su amor por los zapatos.

Entró como diseñadora de línea, vidrieras, reformas de locales, etc. En el 2000 renunció, y se fue a vivir a Playa del Carmen, México, en un plan de año sabático. “Me fui, y al mes me llamaron de Levi’s New York, para ayudarlos a hacer el start up de los locales en Latinoamérica”. Y viajó desde la playa durante casi un año, hasta que se fue a vivir a Canadá. Estuvo por comenzar a trabajar para Levi´s en ese país, y se encontraba justo en las oficinas de San Francisco el 11 de septiembre, por lo que se frustró su ingreso. A fines de 2002 pegó la vuelta, y la volvieron a tomar en Levi’s como freelance en PR y eventos. Ya en 2004, la nombran Gerente de Marketing para Argentina, Paraguay y Uruguay, su cargo actual.

Si bien desde hace dos años se globalizó la comunicación de la marca, ella tiene a su cargo muchas acciones y activaciones, como ser la recreación local de Station to Station, o esponsoreando la conferencia de diseño gráfico TRImarchiDG de Mar del Plata. Station to Station es un proyecto del artista Doug Aitken que Levi´s hace posible, y consiste en un tren que atraviesa todo EE.UU. (desde New York a San Francisco), haciendo nueve paradas. Está lleno de músicos, artistas, escritores, ilustradores, que van generando contenidos, y el público va experimentando, al poder interactuar con ellos, subiendo sus trabajos al site especial para esa acción, http://makeourmark.levi.com/. En cada parada, se realiza un happening, con muestras, festivales, música, performans. En la versión local, y a escala chiquita, el tren viaja con cinco artistas desde Buenos Aires a Mar del Plata, con desfile a la salida y muestra de arte e intervenciones en TRImarchiDG. Apasionada por el diseño, me comenta que antes estaba muy pendiente de las tendencias, pero hoy las vive desde lo experiencial en los viajes, las muestras o visitas a museos, o desde el momento diario de tomar un Tea Forté traído de afuera, del que disfruta el sabor, pero sobre todo, su exquisito diseño piramidal. Designer, Grimoldi, marca propia, año sabático en Playa del Carmen, New York, Canadá, freelance, PR, eventos, Gerente de Marketing… Todo esto es Carolina Gadano. + www.levi.com.ar

MUNDO CAROLINA Un libro. Cómo ser buenos (Nick Hornby, 2001) Una serie. Breaking Bad (Vince Gilligan, 2008-2013) Un lugar para vivir. El campo Una ciudad para ir de vacaciones. Playas remotas Uh hobby. Cocinar y tejer (lo manual) Un producto de tu empresa. Trucker Kimono, “por lograr reinventar un ícono de manera tan interesante”

(*) Diego Giaccone es diseñador gráfico, director de SURe Brandesign. www.surebrandesign.com

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mundo creativo 037 eventos

+ Chino Darín

+ Eva Quatrocci

+ Flavia Palmiero

+ Guadalupe Juárez

+ Julieta Camaño y Agustina Kampfer

+ Laurencio Adot

+ Manu Desrets

+ Micaela Breque

+ Silvina Luna

Skyy Vodka Night Bajo el concepto “Blue is the new black”, Skyy Vodka celebró su exitosa y tan esperada Skyy Vodka Night, el pasado 13 de septiembre, en Madero Walk, el salón flotante de Puerto Madero.

Participaron de esta fiesta reconocidas personalidades, como Chino Darín, Micaela Breque, Flavia Palmiero, Silvina Luna y su novio

Manu Desrets, Laurencio Adot, Julieta Camaño, Agustina Kampfer y Tomy Dunster, entre otros. La musicalización estuvo a cargo de los increíbles DJs Damián Schwartz, Deep Mariano y Santiago Martínez.

Una noche inolvidable, en la que abundaron el glamour y los cocktails elaborados con Skyy Vodka. + www.facebook.com/SKYYVODKAARGENTINA

038

+ mundo creativo

Texto: Gabriela Rey @GabyRey9010 Foto: Blue Vertigo

diseño

Una docena de TRImarchis Este año, Mar del Plata celebró la docena de uno de los festivales de diseño gráfico más importantes de la región, con tres jornadas que, a pesar del frío y la llovizna, colapsaron de entendidos y curiosos.

Entre el viernes 4 y el domingo 6 de octubre, el estadio Polideportivo Islas Malvinas fue epicentro del diseño y la innovación, con sus clásicas conferencias especializadas, a cargo de diseñadores locales e internacionales, workshops, intervenciones y música en vivo.

Dentro del estadio, el área de exposiciones de 360º denominado “círculo de fuego”, sirvió de plataforma para diversas muestras de artistas independientes, colectivos de expositores, galerías de arte y estudios de diseño.

HIGHLIGHTS El primer día del ecuentro tuvo su atractivo con la presentación de Ricardo Leite, director creativo de Crama, la agencia brasileña que desarrolla estrategia de marca para las mayores empresas de Brasil. Al grito de “You want some rock and roll?” (¿Quieren un poco de rock?), Crama soltó una tesis acerca de la mediocridad gráfica y la repetición de fórmulas. Little Nando, uno de los tres proyectos seleccionados de este año, sorprendió con “Tough Coded”, un videojuego musicalizado en vivo, que transportó a los años 80, con su explosión de píxeles y color. El ilustrador francés Mc Bess describió su proceso de creación basado en tres intereses: música, chicas y comida; abordó la creación de videoclips para su banda The Dead Pirates, y contó acerca de su incursión en el auto tatuaje.

Por su parte, Levi’s dijo presente con la primera de sus cuatro video entrevistas a los artistas que arribaron en su tren, intervenidas por visuales en vivo. El cierre estuvo a cargo de la diseñadora neoyorkina Ellen Lupton que, con una buena dosis de humor, propuso explicar a la tercerda edad qué significa ser diseñador, a través del uso de señales urbanas y cotidianas, como aquéllas que indican dónde hay un hospital o una escuela. Luego se preguntó y respondió: “Abuela, ¿cuál es la diferencia entre una Coca-Cola y una Pepsi? El logo, claramente. Y el logo lo hicimos nosotros”, concluyó.

El sábado, el australiano Nathan Jurevicius nos sumergió en su universo Scarygirl, plagado de psicodelia y composiciones oníricas que recuerdan a las fábulas de nuestra infancia; presentó un corto de animación 3D y, en una suerte de mob que captó con su celular, incitó a los presentes a hacer “la posición de búho” sobre las sillas, confirmando su obsesión por este pájaro, presente en la mayoría de sus ilustraciones. Por la tarde -cual estrella de rock-, hizo su ponencia el ilustrador portorriqueño Izzy “Mr. Salsa” Sanabria, fundador de la revista Latin NY y autor de numerosas tapas de discos y afiches surrealistas que describieron la cultura latina de los años 70 en Nueva York. “Bienvenidos a mi vida de locura”, dijo, mientras movía las caderas al ritmo de la salsa.

Al caer la tarde de lo que fue la segunda jornada del festival, el diseñador Ronald Shakespear, creador de algunas de las señales urbanas más cotidianas de Buenos Aires y padrino del TRImarchiDG, dio la última charla de su carrera profesional, entre consejos, citas y anécdotas. “El diseño sirve para que la gente viva mejor, o no sirve para un carajo”, sentenció, y se despidió con lágrimas en los ojos y una ovación de pie.

El último día, el ojo estuvo puesto en la conferencia del holandés Niels Shoe Meulman, alias Calligrafitti, que recorrió la historia de la fusión que hizo entre el graffiti y la caligrafía, y puso de manifiesto el expresionismo abstracto con un balde de agua y una escoba.

Afuera, y cuando el sol lo permitía, la explanada del estadio concentró las siestas, los picnics y los skates, al ritmo de un amplio line up de DJs y bandas que también participaron de los festejos nocturnos, titulados Buenas Noches TRImarchi, en Sobremonte. Coronando esta 12va edición, el festival lanzó un vinilo de 12 pulgadas, compilando el trabajo de varios artistas que nos dejarán bailando hasta el próximo año. + www.trimarchidg.net

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+ mundo creativo

eventos

+Banghó presentó su nueva Aero x2 con teclado desmontable y Windows 8, que se destaca por ofrecer la potencia de una notebook, con la versatilidad y portabilidad de una tablet. Cuenta con una pantalla de 11.6” de alta resolución, 4GB de memoria RAM y pesa tan sólo 1,080 Kg. Acompañaron a la marca en el evento de lanzamiento, Candela Vetrano y Gastón Soffritti, Silvina Luna y Luli Fernández. www.bangho.com.ar

+Estuvieron presentes: el jurado del certamen, compuesto por Milo Locket, Gastón Caba y Daniel Roldán, junto a Jorge Grondona (General Manager South Region BIC), Gisela Carricaburu (South Region Product Manager – Stationery BIC), Carolina Brunoldi (Marketing Manager - Argentina, Uruguay & Paraguay BIC). www.facebook.com/mundobic.regionsur

+Como parte del proyecto Trip to the Modern Frontier, Levi´s invitó a un grupo de artistas que generaron obra durante un viaje en tren de Constitución a Mar del Plata. Y en los andenes de la estación, aprovechó para presentar su colección verano, con un desfile al que asistieron Belén Chavanne, Nazareno Casero, Rosario Ortega y Martina Soto Pose. www.levi.com.ar

+Ford presentó en Mendoza el nuevo Focus. En el evento de lanzamiento, Bernard Fowler (cantante, productor e instrumentista que comparte páginas en la historia de los Rolling Stone) brindó un recital a los invitados por la automotriz. www.ford.com.ar

mundo creativo

+ 041

agenda + Muestras/eXPosiCiones/Ferias Hasta 10/11 Casa Foa La muestra de decoración, arquitectura y diseño festeja sus 30 casas.

Edificio Tornquist, Bartolomé Mitre 559/31, CABA www.casafoa.com 21/10 al 3/11 designaBroad PalerMo Diseño argentino en Italia, 2da edición. Muestra de perfiles y portfolios de diseño gráfico, organizada por Creatividad Ética.

RISO, Museo d´arte contemporanea della Sicilia Corso Vittorio Emanuele 365, Palermo www.creatividadetica.org 1 al 4/11 Buenos aires PHoto 2013 Centro Cultural Recoleta, Junín 1930, CABA www.buenosairesphoto.com

+Congresos/enCuentros/seMinarios 5 al 7/11 el ojo de iBeroMériCa 2013 16º edición del festival internacional de la publicidad latina. www.elojodeiberoamerica.com

7 al 9/11 artFutura Buenos aires Sexta edición del festival de cultura y creatividad digital, que explora los proyectos y las ideas más importantes surgidas en el panorama internacional del new media, el diseño de interacción, los videojuegos y la animación digital. Conferencias, programa audiovisual y un segmento local.

Malba, Av. Figueroa Alcorta 3415, CABA www.artfutura.com.ar

+ConCursos/ConVoCatorias Hasta 6/12 sony World PHotograPHy aWards 2014 Fotógrafos de las ocho regiones de América Latina pueden inscribirse gratuitamente, y subir su material a la Web del concurso, en las categorías: abierta (para fotógrafos amateur de todas las edades) y student focus (para estudiantes avanzados de fotografía, de 18 a 30 años). Los tres ganadores de cada región recibirán equipos Sony α. Además, un ganador general de cada una de las ocho competencias viajará a la Ceremonia de Gala de los premios en Londres, en abril de 2014. www.worldphoto.org

+ Intervenciones de Milo Locket, Pum Pum, Laura Varsky y Martín Di Girolamo

Hasta 8/11 tenés iMaginaCión, tenés BiC Sólo necesitás un objeto, marcadores BIC Marking y mucha creatividad, para participar de este concurso. Una vez intervenido el objeto, tenés que subir la foto de la obra a www.facebook.com/Mundobic.regionsur, completar datos y ya estás participando. El jurado -integrado por los artistas Milo Lockett, Gastón Caba y Daniel Roldán- seleccionará a los ganadores de dos pasajes a Nueva York (1º premio), un iPad (2º premio) y un iPod (3º premio). Además, la foto que más “Me Gusta” acumule en la Fan Page de BIC, recibirá un premio especial. www.facebook.com/Mundobic.regionsur

+ Oki Sato, Nendo Chief Designer.

personas creativas

+ 043 diseño

Nendo

Poética de la flexibilidad Fundador del estudio Nendo, Oki Sato es en uno de los diseñadores estrella del momento. Nacido en Toronto, este arquitecto de raíces japonesas se dedica a redefinir la experiencia de los usuarios con los objetos de todos los días. ¿Su meta? Crear piezas que cuenten una historia. | Texto: Natalia Iscaro @natusfila

Nendo es una palabra japonesa que, en nuestro idioma, significa arcilla; un material que se destaca, ante todo, por su flexibilidad. Fue por eso que Oki Sato utilizó este vocablo nipón para bautizar a su estudio de diseño, que nació en 2002 en Tokio, y que en 2005, sumó una segunda oficina en Milán.

Sato es, además, su Chief Designer, y un personaje curioso que encarna a rajatabla los principios orientales de esta usina creativa.

Nacido en Toronto en 1977, y recibido de arquitecto en la Universidad Waseda de Tokio, este profesional se decidió por el diseño industrial tras visitar el Salón Internacional del Mueble de Milán, el mismo año que -más tarde- abriría las puertas de Nendo. Ya en 2006, tras cuatro años de arduo trabajo, Sato fue considerado uno de los cien japoneses más respetados por la revista Newsweek. La cosa no paró ahí: en 2012 fue distinguido como el Diseñador del Año según la revista Wallpaper, y en la última edición de la Feria Internacional del Mueble de Milán fue declarado “Invitado de Honor”. Hoy, sus piezas forman parte de colecciones de museos como el de Arte Moderno de Nueva York, el Pompidou de París y el Victoria & Albert de Londres.

Sin embargo, Sato descree de los premios y de las distinciones y, más bien, se dedica a mantenerse ocupado y activo, con cada uno de los pedidos que, desde los más diversos rincones del globo, llegan hasta su puerta. El espectro de su actividad es amplio: sus creaciones alcanzan los terrenos de la arquitectura, la ambientación, el diseño industrial, el arte gráfico y las instalaciones artísticas. En todos ellos, su preocupación no es la función de cada pieza, sino la manera en que, a sus ojos, cobra forma de relato. Sato se explaya: “No nos especializamos en nada, lo que importa son las historias detrás de los objetos”.

Su estética es limpia y minimalista, con un toque de humor para escaparle a la frialdad. Cubiertos, bowls, sillas, lámparas, zapatos, sofás, oficinas y locales comerciales salen de sus bocetos para firmas que van de Armani y Kenzo, a Cappellini y Baccarat, pasando por Coca-Cola, Hansgrohe y Swarovski. Nadie puede resistirse al sutil magnetismo de Nendo.

RESOLVER PROBLEMAS “Buscamos transformar la interacción de las personas con los ob-

+ Las colecciones Ume-play y Karakusa-play han sido creadas para Gen-Emon, uno de los hornos de porcelana de Arita-yaki más reconocidos en Japón. Fotos: Akihiro Yoshida

044

+

+ Lanzado en el mes de octubre, el proyecto oke copa / oke jarra / cubo desigual - oke consiste en una serie de artículos para beber (vaso, taza para sake y jarra), en colaboración con la tradicional firma japonesa Nakagawa Mokkougei, cuyos productos en madera son los preferidos en hoteles y restaurantes exclusivos de Kyoto.

Fotos: Akihiro Yoshida

jetos de todos los días”, afirma Sato. “Nuestro objetivo es darle a las personas un pequeño momento ‘!’, de manera intuitiva. Eso es lo que hace a cada día interesante y rico; y en eso consiste nuestra tarea”. Para la última edición de la Feria Internacional del Mueble de Milán, Sato encaró esta tarea, reuniendo su talento con el diseñador italiano Luca Nichetto, en una colaboración inesperada, aunque ciertamente fructífera. Juntos dieron vida a una colección de siete objetos. La labor fue posible, según Sato, gracias a imitar la forma de proceso creativo propia de la cultura japonesa, el de los poemas cortos conocidos como tanka: un creador escribe las tres primeras líneas, y el segundo las dos finales.

Así viajaron sus diseños de una nación a otra, hasta dar vida al proyecto Nichetto = Nendo, que incluyó pequeños estantes de vidrio sobre fondos circulares del mismo material satinado; un candelabro concebido como una caja de mármol de acabado mate, que se abre para acomodar velas de diversos tamaños; como los más destacados. Luego, unas lamparitas de suelo o mesa, una mampara divisoria, un sofá dividido en pequeñas partes, una alfombra de tamaños y formas móviles, y un taburete portable o mesita auxiliar. Ellos resultaron de esta fusión creativa, que se mantuvo fiel al estilo de Sato. Esquivo y sencillo, él explica a su modo su tarea diaria.

OS Siempre empezamos con un boceto. + ¿Qué es lo más importante que necesitan saber de un cliente antes de comenzar a trabajar?

OS Necesitamos saber cuál es el problema que debe ser resuelto. + ¿Cuál es la etapa que más disfrutan cuando trabajan en un proyecto en particular?

OS Disfrutamos todo el proceso de diseño, pero revisar el primer prototipo es siempre un momento muy excitante.

DISEÑADOR DEL AÑO En 2012, la revista Wallpaper nombró a Oki Sato Diseñador del Año. Según la prestigiosa publicación, su estudio fue considerado el más excitante y experimental del momento, y además, agregaba: “A primera vista, los diseños de Nendo son cautivadoramente simples.

Pero en una inspección más cercana, se revelan como inteligentes e innovadores en construcción, concepto, o ambos”.

+ ¿Cómo definirías a tu trabajo?

OS Simple, funcional, amigable.

Esto se aplica a su Cabbage Chair, creada para la exposición XXIst Century Man, una silla realizada de papel plegado que el usuario debe terminar, pelando las capas hasta formar el asiento. Sin estructura interna, sus costos de producción y fabricación son mínimas: durante su producción se agregan resinas al papel, sumando así fuerza y elasticidad.

+ ¿Cómo comienza un proyecto?

La Diamond Chair, por su parte, fue inspirada en la estructura ató-

+ 045

+ Sekki es un conjunto de cuchara, tenedor y cuchillo, diseñado para Seibu Department Stores, en colaboración con Kobayashi Kogyo, famoso por su técnica de pulido.

Foto: Hiroshi Iwasaki.

mica del diamante, fuerte y flexible. Así, responde a la presión, amoldándose al cuerpo humano de manera inmediata. Y también está su estantería Dancing Squares, formada por cubos ensamblados de forma dinámica, que se destaca por uno superior congelado como si cayera, en un juego visual que aporta variedad, también, al contenido en el interior del mobiliario.

Este año, el estudio presentó la lámpara Nendo W132, para el fabricante sueco Wästberg; un homenaje a sus principios en términos de versatilidad y simpleza. Se trata de una luz formada por la unión de la pantalla, poste y soporte. La altura y forma se modifican fácilmente, gracias a la adición y el reordenado de cada una de sus partes, dando vida a una pieza flexible y de luz adaptable. De una lámpara colgante a una de escritorio, y finalmente, a una luminaria de pie. Además, la pantalla está disponible en tres formas: cono, esfera y cilindro. Una aventura estética irresistiblemente simple, y ciertamente lúdica.

Tan prolífico como escueto, Sato no busca laureles, sino herramientas para seguir con su tarea de cada día, lo mismo que lo inspira a seguir. + ¿Qué te inspira a la hora de trabajar?

OS Mi inspiración siempre viene de la vida normal y cotidiana. + ¿Tenés un material favorito?

OS No, la historia detrás del diseño es más importante. Elegimos el

Link a la nota: http://9010.co/notanendo

material después de crear una historia. + ¿El estudio tiene un estilo o identidad propia? ¿Cómo lo definirías?

OS Tratamos de ser lo más flexibles que sea posible. + ¿Cómo definirías al diseño japonés? ¿Cómo lo compararías con otros?

OS Dependiendo de la forma, la gente siempre dice “simple” y “funcional”. Con respecto al color, los japoneses suelen ser buenos en utilizar luces y sombras. + ¿Qué pensás del rol del diseño hoy en día?

OS Sólo nos concentramos en los proyectos a los cuales nos enfrentamos. + ¿Cuál es el próximo desafío de tu profesión?

OS No tengo idea, pero me siento cómodo con la forma en la que trabajamos hoy. + ¿Hay algún trabajo de Nendo que te haga sentir especialmente orgulloso?

OS Todos los proyectos son iguales para nosotros. + ¿Un premio que hayan recibido?

OS Es un honor recibir premios, pero honestamente, no estoy interesado en ellos. + www.nendo.jp/en

| Foto: Maia Croizet @MaiaWATIO

personas creativas

+ 047 diseño

Javier Iturrioz

Caballero de fina estampa Arquitecto, escenógrafo e interiorista son facetas que confluyen con éxito en la vida de Javier Iturrioz. Un sello de sofisticación y un auténtico dandy de Buenos Aires. | Texto: Gabriela Rey @GabyRey9010

Imposible no percatarse de su presencia. Atravesando las galerías de un hotel suntuoso o hurgando en un pequeño puesto del mercado de pulgas, la figura de Javier Iturrioz se recorta del paisaje, para construir una escena en sí misma, a la que todos asisten volviéndose para mirar. Es que este hombre de cuarenta y tantos, transita el mundo contemporáneo, con una sofisticación propia de aquellos dandys valentinos del cine mudo, de gustos refinados y sastrería impecable, pero con una alquimia pop y rebelde del color, que lo atrapa y lo trae de regreso al presente.

Hijo de un diplomático, Iturrioz cursó su infancia entre geografías y culturas disímiles, estimulando su afinidad por la moda, el arte, el diseño y la historia. Asentado en Buenos Aires, canalizó esos saberes en la carrera de arquitectura, y el destino se ocupó de dar forma al resto. Hoy, Javier Iturrioz es el paradigma de estilo en la vida social porteña, y su impronta y sus ideas son tan requeridas como su estampa corpórea. Desde marcas de lujo que le confían la ambientación de sus locales y vidrieras, hasta particulares que desean remodelar sus casas o planear la fiesta más extravagante de la ciudad.

En su oficina ubicada en un recoleto edificio de corte francés, el entorno plagado de cuadros, libros y esculturas antiguas ayuda a reconstruir la personalidad de un hombre que se nutre del pasado, para inspirar el presente.

elección fue ser diseñador de moda, pero en mi entorno, sentí que eso era un quemo. Más tarde, cuando dije que quería ser decorador, la respuesta familiar fue que ser decorador era lo mismo que querer ser médico y terminar siendo enfermero, y que lo que yo tenía que estudiar era arquitectura. Así que pesó mucho ese mandato. + Sin embargo, tus conocimientos de arquitectura hoy deben de ser clave en muchos de tus proyectos…

JI Sí, porque si decido tirar abajo un baño mientras remodelo una casa, sé perfectamente lo que estoy haciendo, porque estudié acerca de instalaciones sanitarias. A la hora de cambiar estructuras, la arquitectura es mi aliada. De todas formas, mi trabajo de hoy fusiona todo eso que me gusta y que quise ser. Me gusta la moda, y me dedico a diseñar las tiendas de diseñadores; me gusta la decoración, y remodelo casas; me gusta la juerga, y armo conceptos para fiestas y discotecas nuevas. ¿Qué más quiero? + ¿Cuáles son tus aliados a la hora de organizar un evento?

JI Organizo alrededor de ochenta eventos por año, y la clave está en no repetirse, porque a veces, quienes asisten son las mismas personas, y hay que sorprenderlos. Así que mis aliados son la inspiración y la búsqueda constante. Si el evento es para una marca de perfume,

+ ¿Cuál fue tu primer trabajo?

JI A principios de los años 90, ni bien me recibí, empecé a tirar curriculums en estudios de arquitectura, y un día, mi hermano me comentó que en Ralph Lauren parecía que estaban regalando algo, porque el local estaba lleno de gente. Me acerqué por curiosidad, y me enteré de que estaban buscando a alguien para que decorara la tienda. Me encantaba la marca, así que me postulé y me tomaron.

Trabajé durante dos años, y fue una gran escuela. + ¿Cuál es tu carta de presentación?

JI Mi tarjeta personal dice “arquitecto”, porque esa fue la carrera que terminé y el título que obtuve en Buenos Aires, pero también estudié decoración en Madrid y escenografía en el Colón. Cualquiera de esos títulos me viene bien, menos ambientador, una palabra que se puso de moda y no me gusta nada. + ¿Por qué elegiste esa carrera?

JI Porque era la que convalidaba todo lo que me gustaba: el arte, el diseño, la historia. Todos los gustos que me inculcaron de chico. Mi padre era diplomático y nos la pasábamos viajando. Cuando tenía un año, me metieron en un barco, y me llevaron a Holanda, luego a Asunción, Madrid y París, entre otras ciudades. Las vacaciones eran siempre en lugares remotos, con lo cual, crecí rodeado de estímulos culturales muy diferentes. Por otro lado, mi madre era amante de las antigüedades, me llevaba siempre a los remates. Mi primera

+ Vidriera para Hermès, primavera 2013.

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+

+ Tienda Bouqueterie, en Recoleta, Buenos Aires.

+ Fueguía. Laboratorio de perfumes en Recoleta, Buenos Aires.

pido ver el frasco, sentirlo, miro las fotos y en base a eso, veo por dónde va. Mi creatividad está en sugerir desde el lugar donde se hará, hasta todo lo que puede ocurrir.

gancia no pierde el buen gusto que me define.

+ ¿Cómo pensás las temáticas?

JI Me gusta mucho recrear climas de películas, como las de Kubrick o fiestas palaciegas estilo María Antonieta o Luis XIV. Las películas de cine negro me encantan… No sé, honestamente, no tengo un método. Me inspiran mi vida diaria, la calle, los sueños, las revistas, la música, la gente que conozco. Y todos los años, trato de hacer un viaje a algún lugar remoto que me sorprenda. + Imagino que la ambientación debe de tener sus dificultades para conseguir ciertas cosas, ¿o siempre conseguís todo?

JI No siempre salen las cosas como uno espera, pero siempre encuentro la forma de adaptarme a las circunstancias. No me altero en lo más mínimo. Si organizo una fiesta toda amarilla, y por error llegan flores violetas, logro amoldar todo y encontrarle el toque a esas flores. Todos los años hago la fiesta de Chandon en Punta del Este, y me inspiro en un lugar del mundo: la fiesta marroquí, la fiesta africana, cada cual con elementos que evocan esa geografía y su cultura. Cuando hice la fiesta tailandesa, quería un elefante que no pude conseguir, y cambié por una boa. El evento arrancó, y la boa no llegaba. Llamé al tipo que la traía y lo habían bajado del colectivo que se había tomado, y estaba varado en el medio de la ruta, con la víbora encima. Me divierte mucho la cosa cuasi ridícula. Ahora, estoy armando un evento para una empresa súper seria, donde voy a meter jaulas con chicas pintadas de animales.

Terminan comprando la idea porque, en algún punto, mi extrava-

+ ¿Qué diferencia a este tipo de eventos para marcas de un evento particular?

JI Que si bien me llaman porque confían en mi gusto, tengo que lidiar con pedidos que no siempre me parecen efectivos. + ¿Por ejemplo?

JI ¡Bueno, por ejemplo, una decoración extrema para un cumple de un chiquito de tres años, que se pone a llorar de la impresión que le da! Se trata de dar el gusto a quien te contrata… Aunque, si no tengo un buen feeling de entrada, no lo hago y punto. Siempre trato de hacer lo que me divierte, pero sí me pasa que, a veces, me duele el dinero que gastan. He hecho cosas como poner una cancha de fútbol o de tenis adentro de un hotel, o recrear un Sacoa lleno de máquinas y juegos. + ¿Cuáles son las marcas que más te identifican?

JI Mis marcas son Ralph Lauren y Hermès; ése es mi estilo. Pero puedo adaptarme a todo tipo de marca. Si me toca Diesel, hago el evento más Diesel posible. Es gracioso que a veces, en un mismo día, paso de un tipo de actividad a la otra, sin problemas. Ahora empecé a hacer cosas para el canal HBO, que lanza programas cada mes y medio, armando decorados de cárceles con colchones sucios y quizás, la misma tarde que hago eso, termino y me voy al Alvear, a una gala para los clientes del hotel Le Bristol de París. + ¿Tu estilo personal es parte de tu trabajo o es algo que siempre te acompañó?

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JI Toda mi vida fui así, ocupado por estar impecable. Cuando era adolescente era punk, pero el punk más prolijo y detallista que podía ser, con los zapatos de terciopelo y la tintura azul importada. Con el tiempo, me sedujo el estilo de los años 20, los trajes, el peinado.

Soy barroco, cero minimalista, y a veces muy pop, cuando se trata de color. Si pudiera, me gustaría vivir en otra época, en tiempos de los zares de Rusia. Soy como el protagonista de Medianoche en París de Woody Allen, siempre añorando el pasado. + ¿Cómo te organizás para estar siempre impecable con tantas cosas?

JI Siendo metódico. No tengo asistente, atiendo mi propio teléfono (que no para de sonar), pero siempre atiendo. Hago listados a mano, que voy tachando con resaltadores de colores, y mi día sólo termina cuando en esa lista está todo tachado. Voy a todos los eventos que puedo, a todas las vernissages, y si aún me queda trabajo, vuelvo a la oficina y sigo trabajando. Es cierto que no paro, que jamás puedo acostarme antes de las 2 AM, y que no hago más que ésto. Pero soy tan feliz haciéndolo, que no puedo separar vida y trabajo; mi trabajo es como un juego.

+ Decoración interior de una casa en Martínez, provincia de Buenos Aires.

Link a la nota: http://9010.co/javieriturrioz

+ Acompañás a Casa FOA desde hace varios años. ¿Qué vas a presentar en ésta edición?

JI El living de un dandy, con inspiración art déco, años 50, mezcla de cuadros picassianos de mujeres, con un Warhol de Brigitte Bardot que mandé a hacer. Mucha geometría, colores gris, dorado y verde, y cortinas que traje de París. Todo con la vuelta de tuerca de un espacio contemporáneo. + www.studiobam.com.ar/javier

personas creativas

+ 051 arte

Enric Adrián Gener

Sumergido en la fotografía subacuática 27mm es el nombre del proyecto con el que este joven diseñador menorquín de 31 años ha conseguido reunir dos de sus pasiones: la fotografía y el buceo. El resultado, un universo asombroso retratado delicadamente, capaz de mostrarnos cuán inmenso es el mar. Hablar con Enric es hablar con un creativo que ve cosas que los terrestres normalmente no vemos; es descender a un lugar en el que apetece escuchar, ver y leer. | Texto: ArtsMoved (*)

+ ¿Nos cuentas cómo fue el camino hasta sumergirte en el mundo de la fotografía acuática?

EAG En realidad, no fue un camino, sino dos, que de repente y sin pretenderlo demasiado, se encontraron. Supongo que todo empezó en mi infancia, por haber nacido y crecido en la isla de Menorca, una pequeña roca rodeada de mar Mediterráneo. El otro camino lo empezaría al dejar la isla, e irme a estudiar arte y diseño en Barcelona, donde también me introduje en la fotografía por medio de una asignatura. Varios años más tarde, estos dos caminos se unirían, de una forma bastante natural y casi casual: mi pasión por el mar y las ganas de hacer cosas con las manos.

+ Podrías explicarnos qué cámara utilizas y un poco más acerca de cómo consigues el color de tus imágenes?

EAG Desde hace unos cuatro años estoy utilizando el mismo equipo. Básicamente, es una cámara réflex normal, como las que se utilizan en seco. En mi caso, llevo una Canon 5D MarkII, a la que casi siempre acompaño con una óptica 16-35mm. Lo que lo con-

+ ¿Qué es lo que ves en el mar que tanto te apasiona y que no hay fuera del agua?

EAG Más que ver, es sentir, de forma global. Estar ahí abajo es mucho más que algo puramente visual y estético. Y justo esto es lo que me gusta que transmita mi trabajo. Y sin hablar de fotografía, esa sensación de grandeza que te transmite el mar, es lo que me remueve las tripas. En el Renacimiento lo etiquetaron como “lo sublime”.

Y pocos sitios te transmiten eso ahí afuera; al menos, a mí. Quizá, se podría comparar a lo que siente un escalador cuando se da la vuelta y contempla la inmensidad bajo sus pies. No lo sé, no soy muy de montaña... Además, estar bajo el agua es un pequeño reto para cualquiera de nosotros. Es un lugar donde no somos bienvenidos.

Hace frío, hay presión, no vemos bien, no podemos respirar… + Fotografías más personas que paisajes. ¿Qué es lo que quieres retratar exactamente?

EAG Querer, querer, no mucho. Es decir, no ando buscando nada de forma consciente. Mis fotografías son más el resultado de mi experiencia en el agua, de lo que me gusta hacer. Si no tuviera la cámara, igualmente, iría al agua casi cada día. Lo que pasa, es que estas imágenes se quedarían en mi retina y me las guardaría para mí. Pero es cierto que la cámara también tira de mí; me sirve de reclamo y motivación. Somos un pequeño equipo: a veces la odio, a veces la amo. Volviendo a la pregunta, lo que me gusta es capturar la inmensidad del mar y confrontarlo con la figura humana. Por eso, me gusta utilizar el cuerpo femenino, porque es más suave y delicado, en contraste con la fuerza del mar y las texturas de sus rocas. (*) ArtsMoved es un proyecto dirigido por la asociación Movimiento Artes (formada en Barcelona), dedicado a la difusión y promoción de la cultura, a través del arte realizado por jóvenes artistas. www.artsmoved.cat

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+

vierte en algo un poco más extraño (para la gente que no es tanto de mar), es la carcasa. Yo gasto una SeaCam. Básicamente, es una caja estanca de aluminio, con una cúpula frontal de cristal. Esta carcasa te permite acceder, de forma mecánica, a todos los controles del cuerpo de la cámara. De vez en cuando, me llevo un flash, cuando su peso no es un inconveniente de camino a la playa, o cuando no lo tengo roto. + Estamos acostumbrados a ver el fondo marino a través de fotografías de tipo documental como las que hace, por ejemplo, National Geographic. ¿Cómo explicarías la diferencia que hay en tu trabajo?

EAG La primera gran diferencia es que las fotos de National son técnicamente perfectas, o casi. A mí me importa mucho menos que la foto reúna todos los elementos para la foto técnicamente perfecta. Ante eso, prefiero elegir que la imagen te haga sentir algo, a que

sea bella. Otra gran diferencia es que la foto documental de las que hablas se ha tirado a enseñar las grades y únicas cosas del mundo.

Ponen el foco en exclusivos y remotos puntos del globo. Mi trabajo es algo mucho más cotidiano. Yo soy más fan de trabajos como los de la Agencia Magnum o Cartier Bresson. Me he cruzado con mucha gente cercana al mar, que me ha dicho que ver una de mis fotos les provoca compartir o recordar su infancia. La última diferencia es que los de National Geographic son ¡jodidamente buenos! + Ahora que en este hemisferio el verano está a punto de acabar, seguro que hay mucha porquería bajo el mar. ¿Crees que tus imágenes –y las de la fotografía subacuática en general– pueden ayudar a concienciarnos acerca de la necesidad de cuidar el medio ambiente?

EAG Yo creo que la clave está en educar a los niños. Los adultos estamos demasiado ocupados con nuestros problemas sociales,

+ 053 nuestros trabajos y nuestros hobbys. Concienciar implica un trabajo mucho más costoso que directamente educar. Echar a los curas de las escuelas e implementar talleres dentro del plan educativo. Algo así como ética, ecología, agricultura, etc., que es claramente lo que nos hace falta a la sociedad. Mis fotos pueden ser un pequeño grano de arena, pero se necesita mucho más. De mis fotos, sólo espero que trascienda mi admiración y respeto por el mar. + Si pudieras encontrar un tesoro escondido entre rocas y corales, ¿cuál sería?

EAG Encontrar un agujero que te llevara a otra parte. Una cosa que me encanta hacer cuando voy en apnea, sin la cámara, es asomarme a los agujeros que veo en las rocas, en aquellos que intuyes que se hunden en la dura roca, y que son más anchos que tu cintura. Esto es algo que en la isla de Menorca abunda notablemente. La mayoría de estas pequeñas cuevas sólo te permiten entrar y salir, casi sin espacio para girar sobre ti mismo. Pero de vez en cuando, una vez que tus ojos se han acostumbrado a la oscuridad, descubres que ese pequeño agujero que se veía desde el exterior, se hunde más y más en la roca, y en ocasiones, hasta te permite salir otra vez a la oscura superficie del interior de la roca. Descubrir playas, cuevas, estalagmitas y cascadas, que nunca han visto la luz del día. Esto es lo que más emociona encontrar entre las rocas: pequeños pasadizos que siempre te gusta pensar que nunca antes han sido descubiertos por otros ojos. + Confiesa: ¿existen las sirenas?

EAG Claro que sí. Pero las hay en cuenta gotas. Es más difícil de lo que parece encontrarse con ellas. Nuestro medio natural está claro que no es el agua. Fuera de ella, a diario, nos cruzamos con mujeres bellísimas, con una buena figura y una forma de andar muy elegante.

Pero todas estas cosas, en el agua, no sirven demasiado. El mar es otro mundo, con otras reglas, y sólo las sirenas se adaptan a él. Las imitadoras pierden su maquillaje, vestidos y elegancia, derretidos en el agua, y luego deben enfrentarse a otra realidad. Desde pequeños, nos han enseñado a nadar, que es una constante lucha en superficie, un constante derroche de energía. Pero sólo las sirenas saben sumergirse con la suavidad que el mar te pide. + ¿Es posible vivir de esto sin ahogarse?

EAG Yo no vivo de esto, ni mucho menos. Pero elegí hacer lo que me la da gana en mis fotos, y para ganarme el pan, ya tengo mi trabajo de animador gráfico. Hay otra gente que vive de hacer fotos subacuáticas, pero no siempre hacen lo que les da la gana, no eligen lo que van a hacer, ni dónde. Trabajan para clientes y se deben a proyectos. A mí me da miedo tomar ese camino, para que el dinero no haga aborrecer lo que ahora es mi pasión, pero no estoy seguro de si estoy eligiendo bien. Y, por último, hay cuatro elegidos en el mundo, que hacen lo que les da la gana y les pagan por ello. Estos son a los que realmente envidio. + ¿Alguna pregunta que no te hayamos hecho y que te gustaría contestar?

EAG Sí, claro: ¿qué opinas del trato que los humanos les estamos dando a las especies marinas? La verdad es que creo que lo estamos haciendo remotamente mal. Fatal. Es el mayor espacio del planeta y el más olvidado. Nos preocupamos demasiado por nuestro bienestar, y casi nada de la salud del mar. Este mundo puede vivir sin humanos, somos totalmente prescindibles. Pero este mundo no puede vivir sin mar, igual que no puede vivir sin bosques, ni sin la gran mayoría de animales que hacen que todo esté en armonía. Pero nosotros sobramos totalmente. La desventaja con la que contamos para su protección es que es muy inabarcable y es demasiado fácil esconder contaminación, barcos de pesca ilegal, redes kilométricas, pescas furtivas, etc. Ya hace un tiempo que yo decidí no comer pescado. En mi opinión, uno de los mayores problemas que tiene este plantea, se llama pesca industrial. + www.27mm.net

Link a la nota: http://9010.co/enricgener

+ Mariana CortĂŠs, al frente de Juana de Arco.

personas creativas

+ 055 moda

Juana de Arco Trazando cercanía

Mariana Cortés es una diseñadora argentina formada en la Universidad de Buenos Aires. A través de su marca Juana de Arco despliega un universo creativo de fuentes latinoamericanas, que resuelve con lo dado, genera sus propios textiles y diseña en infinidad de colores. | Texto: Celeste Nasimbera @SrtaCele

“Todos somos Juana”, explica Mariana, y expresa una idea de trabajo compartido, de oficio, de comunidad. Tiene a su cargo la dirección de diseño y de arte de la empresa, donde se producen prendas que conocen el oficio de más de siete manos. + ¿Cuál fue tu primer acercamiento a la moda?

MC Recuerdo mi niñez, de coser con papel, armaba. Si me gustaba algo, buscaba la manera de hacerlo. Además, en Arribeños (su ciudad de origen, en Provincia de Buenos Aires), los padres de una amiga tenían una fábrica de jean. Ahí me encontré con los recortes. Resolvíamos con lo que había, con la idea de patchwork.

+ Entonces siempre estuvo presente la voluntad de trabajar con lo dado.

MC Sí, siempre fue resolver con lo que había. + Estudiaste en la Universidad de Buenos Aires. ¿Cómo fue el proceso de profesionalizarse?

MC Fue complejo adaptarse a la ciudad; me costó casi dos años.

Estudié diseño de indumentaria. Al finalizar, intenté buscar trabajo, pero no conseguía. No era fácil. Entonces, decidí seguir en el Instituto de moda CETIC con moldería. Quería hacer ropa. Aprendí a realizar bikinis, ropa interior. Allí inició Juana. Comenzamos trabajando con telas no convencionales.

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+ Colección “Juana Piscis”, presentada en el marco de Ciudad de Moda, en el hall del Teatro General San Martín. Fotos: Carola Danza

INSPIRACIÓN LATINOAMERICANA Mariana une. Como en los nudos de sus prendas, aprieta con fuerza lo que encuentra. Hace, soluciona, investiga y absorbe su entorno para diseñar. Los extensos y prolíferos territorios latinoamericanos alimentan no sólo su paleta de colores, sino sus saberes. El uso de la superposición como el recurso del patchwork son las manifestaciones materiales de una intención de suma. Hacia 1998, surge Juana de Arco, un emprendimiento que supo contener en el tiempo una marca de indumentaria, un taller de experimentación textil y una galería de arte. + ¿Cómo es tu proceso de diseño?

MC Comenzamos a trabajar con un año y medio de anticipación.

Elijo un tema, analizo los recursos, los textiles disponibles. Me vinculo mucho con la fotografía; allí encuentro un espacio de búsqueda.

Al madurar la idea, la pongo en común con mis asistentes y arrancamos a trabajar. Creo en la prenda con afecto, en diseñar un objeto cálido, pensado para sentirse mejor.

Mariana elabora prendas holgadas, que envuelven el cuerpo, lo acompañan en el movimiento de manera orgánica. Hay superposición, se acumulan las piezas, frecuentemente, con distintos largos modulares. En la suma no hay peso, pero al contrario, sobrevuela una sensación de posibilidad.

El pulso urbano inspiró “Juana aerosol” (colección primavera – verano 2012). En las fotografías de graffitis, que funcionaron a modo de investigación, descubrió el disparador para su siguiente colección: “Los árboles” (colección otoño – invierno 2013). El proceso crea-

tivo encontró una línea de continuidad: la calle y la naturaleza, se unieron en color. La soltura y la paleta explosiva son las constantes invariables en su diseño.

La última colección, “Juana Piscis” -presentada en el marco de Ciudad de Moda-, recurrió a la astrología. Logró hacerla convivir con el universo marino, cruzando información y acentuando en colores cítricos. Los detalles, un gesto de su diseño, aportaron humor. Porque Mariana crea para una mujer segura, con una actitud despreocupada, con una mirada creativa sobre sus días. + Juana de Arco tiene locales recientes en los shoppings Paseo Alcorta y Recoleta Mall. ¿Qué implica para la marca?

MC El shopping te permite llegar a un público más amplio. Te exige más productos, prendas que cierren, muy bien construidas. + Tenés un local en Japón. Contanos de esa experiencia.

MC Con Japón encontré un cliente grande, con quien tenemos una permanente devolución. Los japoneses son navegantes, apoyan permanentemente mi creatividad. Apoyan la búsqueda.

El nombre de la marca, Juana de Arco, disparó asociaciones al pensarlo. Francia decantó en moda; Juana, en las mujeres de su propia familia. Para evadir las distancias, basta un trazo. Mariana Cortés une vocaciones en el diseño y genera espacios de creatividad colectiva. Una moda que da cuenta de los saberes, los colores de nuestra tierra y del trabajo en comunidad. + www.juanadearco.net

COMPROMISO SOCIAL Mariana recicla (oficios y materiales), y genera espacios de compromiso social. “Proyecto Nido” nace luego de la crisis del 2001. En Bahía, Brasil, aprendió la técnica de unir retazos, y ante la falta de trabajo a su alrededor, decidió capacitar. Allí surgió la idea de atar trapos recurriendo a los desechos. Una propuesta social que brinda un oficio, una posibilidad, acerca. La producción generada se incorpora a las distintas colecciones de Juana de Arco, incluyendo la línea para el hogar. Nos cuenta la diseñadora: “Encontré en los talleres el desempleo, y Proyecto Nido surgió de modo espontáneo. Reutilizar materiales, capacitar, brindar un refugio. Funciona del mismo modo cada vez que me convocan a dar una charlar, transmito mi experiencia para inspirar a seguir adelante. Como en un juego de niños, con trazos de colores, los puntos se conectan”. + www.juanadearco.net

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Nathan Fox

Entre cómics e ilustración Con un comienzo sin éxito en el campo de la ilustración, una familia en camino y muchas ganas, pero sin un rumbo definido, gracias a la ayuda de un posgrado en la School of Visual Arts, Nathan Fox logró convertirse en uno de los ilustradores más reconocidos de la escena neoyorquina. Hoy es el jefe de cátedra del nuevo posgrado Visual Narrative Program en la universidad en donde se graduó, y es un protagonista tanto de la escena de los cómics como de la ilustración. | Texto: Fernanda Cohen (*) @fernandacohen

UN COMIENZO LENTO Nathan se destaca por su bajo perfil, opuesto a lo que uno podría suponer al ver su trabajo desbordante de colores pop y el tipo de acción que pareciera salpicarnos la cara desde la página. Calculo que su personalidad siempre fue la misma, con una crianza más bien tranquila en el sur de Estados Unidos. Lo que cambió -radicalmentefue su actitud, su determinación, la forma de canalizar sus ideas, la definición de su estilo y tan sólo una decisión que le cambió el rumbo para siempre: mudarse a Nueva York, invertir un pequeño fangote de plata, y aplicar al programa de posgrado de ilustración en la School of Visual Arts, para darle una última oportunidad a esa sensación de que podía ganarse la vida con algo que durante los últimos dos años no le había resultado, a pesar de tener un título.

“Mudarme a NYC me dió acceso a contactos, relaciones y demás;

SVA y todo lo que te ofrece la ciudad tuvieron un profundo efecto en mí. Por otro lado, crecer en Texas me formó con carácter y personalidad, y motivó mi determinación para salir a ver el mundo. Así fue que estudié ilustración primero en el Kansas City Art Institute, lo cual me abrió los ojos a un mundo que desconocía, el de la animación, los cómics, la historia de la ilustración y el arte japonés. Yo era como una esponja, y ése era el lugar ideal en el momento perfecto”.

Nathan se enfocó en materias electivas dentro del departamento de Bellas Artes, a pesar de estudiar la carrera de ilustración. Quería entender con más profundidad la pintura, la serigrafía, la fotografía y la edición de video, con el objetivo de absorber esa calidad de riqueza de algún modo en su trabajo (vale aclarar que, generalmente, suele ser al revés, los estudiantes de Bellas Artes toman materias de ilustración para acceder a la parte más técnica, y menos de pura expresión personal).

(*) Fernanda Cohen es ilustradora, graduada en la School of Visual Arts de New York. www.fernandacohen.com

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En su incesante búsqueda, Nathan se graduó y se mudó a Milwaukee, donde recorrió galerías de arte que pudieran representar su trabajo, y se unió a un grupo de artistas llamado “Machismo”, una estrategía que nunca le brindó un resultado realmente lucrativo. Cuando le pregunto acerca de sus primeras experiencias editoriales, me cuenta: “Conseguí algunos trabajos para revistas locales, pero mi portfolio era tan diverso, que nadie sabía bien qué hacer conmigo. Tenía de todo ahí, desde pinturas hasta impresiones, dibujos e ilustraciones.

Tenía contenido, pero sin una voz propia en la que alguien, además de mí mismo, pudiera apoyarse”.

A nadie le gusta vivir del rechazo, y con algo tenía que pagar las cuentas, por lo cual, Nathan cambió de plan, y se embarcó en una dirección alternativa. “Empecé a estudiar impresión offset. Fui aprendiz durante un tiempo para, eventualmente, convertirme en un operador de tiempo completo de impresoras AB Dick and Heidelberg de 4 y 8 colores. La ilustración no me estaba resultando, y esa era una opción decente para ganarme la vida. Pero de pronto gané un premio por un mural que había hecho a pedido y todo cambió.

Fue el empujón que necesitaba para darle una última chance a la ilustración como medio de comunicación para contar historias y vivir de eso. Funcionó”.

UN AVANCE RÁPIDO Finalmente, había encontrado lo que no había sabido buscar hasta entonces. Un rumbo sólido para tomarse su trabajo aún más en serio. Aprovechó esos dos años de posgrado para buscar clientes potenciales, lo que hoy, reconoce, perjudicó en parte su tesis final.

Esperó a graduarse para dedicarse de lleno a la auto-promoción y desde ahí, la cadena de clientes que le permitieron no volverse a preocupar por estar ocupado, no paró. “Encontré la forma de ser profesional y consistente a la hora de conseguir trabajo y hacer marketing de mis ilustraciones a través de postales y libritos hechos a mano, que mandaba por correo a las revistas que me interesaban. Cinco años más tarde, ya empezaba a vivir exclusivamente del freelance, y me tomó tres años más poder vivir mejor, ya habiendo incorporado los cómics a mi portfolio”.

Esto me conduce a parte del eje de esta nota: cómics versus ilustración. El cómic, por definición, es una publicación que contiene historietas, cuya acción se encuentra en viñetas sucesivas, mientras que la ilustración se define meramente como un dibujo que acompaña a un texto. Con sólo leer esta comparación, se podría decir que es obvio que el cómic tiene –inherentemente- más relevancia visual y conceptual. Ni hablar del fanatismo al que conduce a sus fieles seguidores, lo cual no suele ser el caso con los ilustradores…

“Son dos bestias muy diferentes, por más que influencian mi arte en partes iguales. Profesional y monetariamente, todavía no logro entender la inmensa dicotomía que existe entre la compensación y la inversión de tiempo que requiere cada tipo de arte. En lo que son los números, puedo entender porqué es así. Pero al evaluar por la cantidad de trabajo y cariño que uno le dedica a cada uno, todavía me vuela la cabeza el hecho de que no podría vivir de los cómics si así lo quisiera. A medida que pasa el tiempo, los cómics se tornaron en el trabajo que hago para mí mismo, y la ilustración es mi profesión. No

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le doy prioridad a ninguno sino que, más bien, hoy me defino como alguien que cuenta historias visuales, barajando ambas opciones, y estoy empezándolas a entrelazar con motion graphics, storyboard, diseño de personajes, libros y demás”.

Son tiempos difíciles de definir para la ilustración, que vivió sus tiempos de gloria en los setentas, gracias al boom editorial de The New York Times, y que en la última década, se diversificó en pos de la animación, el diseño de moda, los videojuegos y tantas otras direcciones más. Actualmente, muchos diseñadores gráficos eligen ser ilustradores -sobre todo, en Argentina-, y casi todo ilustrador tiene una galería de arte que exhiba sus trabajos. Como consecuencia, los límites que solían marcar la separación entre la diversidad de artes visuales, cada vez pierden más sentido, permitiéndonos expandirnos a sectores que antes nos eran inaccesibles y, a su vez, compartiendo –inevitablemente- nuestro pequeño nicho con otros participantes.

UN FINAL FELIZ Nathan es fanático de la investigación, se sumerge por completo en sus personajes o historias, porque considera que la empatía es una fuente de ayuda invaluable al interpretar lo que está ilustrando. Así que siempre que puede ir, hacer o ser lo que le toca dibujar, bienvenido sea. “La mayoría de la referencia fotográfica que uso es de mí mismo posando; me gusta entender cómo funcionan las imágenes desde adentro, para poder afianzar mis dibujos en el mundo real, y así involucrar al expectador desde lo emocional. Después hago los bocetos, que son horrendos; son más bien bosquejos con palitos y

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globitos, que no tienen nada que ver con lo que va a ser la composición final, pero igual me permiten terminar los dibujos sin pulirlos demasiado, antes de llegar al final. Luego paso al lápiz sobre papel Bristol -lo que llamamos bluelines-, o lo entinto digitalmente. Si no, del lápiz paso a la tinta tradicional. Todo lo que son texturas, capas y efectos especiales los hago en papel Vellum y lo escaneo, para después alinearlo y colorearlo en Photoshop lo que, muchas veces, me lleva tanto tiempo como producir los dibujos y las tintas”.

Como casi todo freelancer, Nathan se siente halagado por la cantidad de trabajado que ha tenido desde que empezó su carrera, pero no puede asegurarse de que dure eternamente. Es un mercado cada vez más competitivo, en el que tuvo el privilegio de hacer desde campañas publicitarias deportivas, hasta contenido para videojuegos, murales, vidrieras, packaging, logos, estampas, cómics, tapas para libros, pósters teatrales e ilustraciones editoriales para clientes como The New York Times, Interview, The New Yorker, Rolling Stone, Wired, Mad Magazine, MTV, DC Comics, Vertigo y Marvel, entre otros.

Por el momento, sin embargo, ya tiene el 2013 cubierto: su nuevo libro “Dogs of War” será editado en noviembre de este año por Scholastic Graphix, más su puesto como director de la única carrera de posgrado que combina la literatura creativa con la expresión visual sin importar el medio, y algunas ideas propias que está elaborando a modo de autogestión. Un padre de familia que todo lo puede; más que un superhéroe. + www.foxnathan.com

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+ Irana Douer frente a su galerĂ­a de arte Ruby, en Colegiales, CABA. Foto: Carola Danza

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Irana Douer

Una vida dibujada Irana Douer es de estas artistas que no se guarda nada. Con cada trazo que realiza, pone el alma completa en el papel, y deja su impronta bien marcada. Sus trabajos son mucho más que un simple dibujo: son artículos de su diario íntimo, que la exponen por completo, y le permiten canalizar lo que le pasa y lo que siente. Y, por qué no, vivir más feliz. | Texto: María Paz Berri

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Ilustra, pero no se considera ilustradora. Hizo la licenciatura en Artes Visuales en el IUNA (Instituto Nacional del Arte), con orientación en pintura, pero tampoco se define como pintora. Ama las posibilidades que da el mundo digital, pero sus trabajos están muy alejados del espacio virtual. Así es la argentina Irana Douer. Una gran mezcla de muchas cosas.

Su obra es fuerte. Muy fuerte. Y tiene tanta carga emocional, que a cualquiera le atraviesa el cuerpo y el corazón. Habla de ella, de sus amores, de sus tristezas, de sus días o momentos felices, de sus dudas, sus preguntas, y de cada partícula de vida que transita. Trabaja freelance, tiene 29 años, y ya participó de varias muestras internacionales. Además, trabajó para la revista australiana Frankie, y las editoriales Victionary y Gestalten, entre otras.

Uno de sus proyectos personales es Ruby Mag, una revista de arte online, que reúne el trabajo de diferentes artistas de todo el mundo en publicaciones mensuales, y que derivó en un libro editado por Gestalten, y luego en una galería de arte. Y como si todo esto fuera poco, hace trabajos para diferentes marcas textiles y de diseño.

PROCESO CREATIVO Su trabajo es a mano alzada, en lápiz o pintura. Y sin dudas, ésta es su marca registrada. A veces, no le queda otra y debe hacer algunos retoques en la computadora, pero en general, trata sólo de trabajar las composiciones en Photoshop, para que sus dibujos sean lo menos digitalizados posible: “En mis ilustraciones se nota el trazo. Y esto es muy interesante, porque es como una vuelta al oficio. Me interesa

todo lo que sea manual. Ojo, me encanta lo digital. Pero me gusta mucho esto de poder borrar y redibujar, y que cada trabajo tenga mi sello”.

Para Irana, sus dibujos son su diario íntimo ilustrado; un trabajo completamente auto-referencial. Ella está ahí en cada uno de sus trazos: “Dibujar me sirve para desahogarme. En general, trabajo cuando no estoy bien. Porque en la calma no pasa nada”.

Está convencida de que los dibujos no vienen desde la tranquilidad.

Y eso no significa que siempre esté depresiva para trabajar. Sino que debe estar atravesando momentos en donde hay más inquietudes, o ganas de que algo cambie, o situaciones bien emocionales. Cuando está mal, es cuando hay más cosas adentro para sacar. Y las ilustraciones son la excusa perfecta para canalizar lo que le pasa.

Sabe perfectamente que su obra no es fácil. Que sus trabajos son emocionalmente muy cargados, y que al público le generan cosas diferentes: “Dentro de lo estéticamente lindo, tienen un cuento más denso. Y yo lo sé. Hay como una mezcla de lo naif y lo violento. Por eso, hay gente a la que le gustan y gente que no. Me expongo bastante con mis dibujos”.

Sin dudas, como pasa con todos los artistas, su obra fue cambiando.

Así como sus inquietudes ya no son las de los veinte años, la forma de comunicarlas tampoco. El modo en que fue aprendiendo a decir las cosas es distinto: “Antes, quizá, iba más al choque. Ahora trato los mismos temas, pero a veces, más sutilmente”.

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UN POCO DE TODO El convertirse en “ilustradora” no es algo que decidió, sino que se dio. Siempre hizo ilustraciones para ella, hasta que le pidieron hacer un trabajo para afuera y, a partir de ahí –con la sensación tan placentera de sentir que podía vivir de lo que amaba-, comenzó un largo recorrido. Así es como hoy, es la mano (y el corazón) que está detrás de marcas textiles, revistas y otro tipo de soportes.

En 2011, participó en el diseño de una edición limitada de remeras para la marca de indumentaria femenina VER. También hizo skins, prendedores y cuadernos serigrafiados para Monoblock (productos de diseño con ilustraciones de artistas jóvenes de nuestro país y el mundo). Y además, ilustró notas de las revistas Gataflora y Entre Casa, y colaboró con varias revistas de afuera.

Pero sin dudas, se le nota en la voz su amor por el mercado textil. Y esto lo descubrió bastante, trabajando para KOM, una marca infantil ecológica y de diseño, que también tiene accesorios para mamás y adultos. Ella realiza las estampas por metro, y después ve el producto terminado: “Ver mis ilustraciones en prendas y objetos, me encanta.

Me apasiona todo lo que es utilitario. Porque tiene que ver mucho con la calidad de vida que elegimos tener. Está bueno tener cosas lindas.

Tiene que ver con personalizar tu casa, tu ropa, tu vida”.

RUBY X 3 (REVISTA + LIBRO + GALERÍA) En 2005, Irana creó Ruby Mag, una revista de arte online, en la que cumple el rol de curadora y editora (hace su propia selección de cosas que quiere mostrar). Cada mes sale un nuevo número, con artistas

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de distintos países, que varían entre pintura, ilustración, fotografía, diseño, instalación, etc. La elección de estos artistas no sigue ninguna línea conceptual, sino más bien de estética e interés personal.

Pero Ruby no es sólo eso. Después, sacó una serie de libritos autogestionados (y auto-bancados), con todo lo que había hecho con Ruby Mag, y los comenzó a vender por su cuenta. Y al tiempo, le presentó el proyecto a Gestalten, y le dieron tres meses para armar un libro: “Tuve que hacer una selección de 65 artistas de unos 500, que habían pasado en esos cinco años. Cuando tuve el libro en mis manos, no lo podía creer. Inexplicable la sensación”. En 2011 lo presentó en Tienda Malba. Y hoy, el libro se consigue en todos los museos del mundo.

Después del libro, se presentó en arteBA con el proyecto Ruby Mag, y quedó seleccionada para estar en el Barrio Joven de la Feria en 2012. Y a la par surgió la idea de inaugurar su propia galería de arte: “Nunca había pensado en la idea de una galería. Sí en un lugar donde ‘pasaran cosas’, pero se dio esto, y en marzo de este año arranqué”.

La galería queda en el barrio porteño de Colegiales (Céspedes 3065), posee una sala de exhibiciones con una hermosa selección de obras, y una tienda de objetos de artistas y publicaciones independientes. Mensualmente, va renovando las muestras y proyectos.

Y en noviembre, se viene con todo. Habrá talleres y seminarios de grabado, dibujo y otros oficios. La mejor manera de terminar el año.

A pura creación. + www.keepinmind.com.ar | www.ruby-mag.com.ar

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+ Simone Farresin y Andrea Trimarchi, al frente de Formafantasma.

Formafantasma El concepto al frente

El estudio de dise帽o Formafantasma encuentra en los materiales ex贸ticos un modo de concebir y cuestionar la cultura y la tradici贸n. | Texto: Gabriela Rey @GabyRey9010

personas creativas

+ 067 diseño

Con sede en la ciudad de Eindhoven, Holanda, el estudio Formafantasma se perfila como una de las promesas de la escena del diseño internacional. Ya en 2011, Paola Antonelli -curadora de diseño del MoMA de Nueva York- y Alicia Rawsthorn -crítica de diseño del International Herald Tribune y el New York Times- los ubicaron entre los veinte mejores estudios del mundo.

Andrea Trimarchi y Simone Farresin crean colecciones de objetos que, a primera vista, destacan por su enfoque alquímico y el uso de materiales vivos, como esponjas de mar y resinas naturales. Pero, al mismo tiempo, sus piezas proponen un diálogo crítico, abordando conceptos que sutilmente se acercan a temáticas de actualidad: el papel del diseño en la artesanía y en las tradiciones locales, la identidad cultural, los flujos migratorios, la sustentabilidad, los objetos como conductores culturales y la producción propia. Sus trabajos fueron exhibidos en semanas del diseño, tanto de Alemania como de Milán, en Abu Dhabi Art, en la ICFF de Nueva York, y en la prestigiosa casa de subastas Sotheby’s de Londres, entre otras ferias internacionales. + ¿Cómo surgió la dupla?

F Nos conocimos en ISIA, en Florencia, una escuela con un alto nivel académico, pero que al mismo tiempo, carece de laboratorios de experimentación. Fue por eso que decidimos seguir estudiando juntos en otro país. Aplicamos en el Royal College de Londres y en la Academia de Diseño de Eindhoven, y a pesar a haber sido aceptados en ambas, preferimos venir a Holanda, donde nos graduamos con una tesis basada en la artesanía tradicional siciliana. Decidimos estudiar acá porque nos pareció que, desde los años 90, con Droog, la escena del diseño en los Países Bajos es más emocionante que en

+ Colección Craftica

Italia. Acá sentimos que nuestra generación de diseñadores puede crear libre de los dogmas del glorioso diseño italiano. + ¿Cómo es su metodología de trabajo?

F Cada nuevo proyecto supone una experiencia de trabajo distinta.

El punto de partida puede ser un concepto o una muestra material, pero no somos del tipo de diseñadores que hacen cientos de bocetos, dibujan y dibujan, hasta dar con una forma. En nuestro caso, eso viene al final, por eso decimos que es una “forma fantasma”. Partimos de un concepto, y en función a él, almacenamos imágenes y textos que expresan el punto de vista de cada uno. Después las ponemos en común, armando un mapa visual que colgamos en la pared.

Recién ahí llega la maqueta. Es un proceso de mucho intercambio visual y verbal. + ¿Es decir, que trabajan conceptos en lugar de funciones?

F Diseñamos objetos que funcionan de acuerdo a nuestro deseo.

Desde el proyecto “Botanica”, nos interesa desarrollar materiales que reflexionen críticamente sobre la sustentabilidad. Nos dimos cuenta de que nuestro interés por el diseño como disciplina no está basado en el fetichismo de los objetos o las ideas. Nuestra fascinación por los objetos recae en su capacidad de representar historias humanas o futuros posibles. Entendemos el diseño como una disciplina que cuestiona y concibe cambios socioculturales y políticos. + ¿Qué cuestionó ese proyecto?

F Fue comisionado por Plart -una fundación italiana dedicada a la investigación científica y la innovación tecnológica para la conservación de obras de arte y diseño realizadas con plástico-, que nos propuso crear nuestra interpretación personal sobre los materiales

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+ Serie de frascos y filtros para la exposición “Confrontations” en el Vitra Design Museum Gallery, 2012.

poliméricos. La percepción de los materiales plásticos cambió drásticamente con el paso del tiempo. Inicialmente considerado el material del futuro, hoy, el plástico es símbolo de una era del petróleo que ya perdió su brillo. La investigación científica se orienta cada vez más a la búsqueda de alternativas sostenibles o maneras de hacer plástico biodegradable. En oposición a esto, la Fundación Plart se dedica a preservar obras de arte y diseño hechas con plástico. Esa tensión entre la necesidad de encontrarle alternativas a un material y de preservar las obras de arte del siglo pasado, pone de relieve hasta qué punto las cualidades y desventajas del plástico penetraron en nuestra cultura. Los objetos que aparecen en la colección Botanica están diseñados como si la era del petróleo, en la que aún estamos viviendo, nunca hubiese ocurrido. Los detalles orgánicos y las formas de las piezas similares a las plantas denotan los orígenes vegetales y animales de las resinas, mientras que la paleta de colores se basa en tonos naturales de color ámbar, en combinación con materiales tradicionales como la madera, la cerámica y el metal.

Usamos el plástico como detalle precioso, en un intento por desarrollar una nueva estética post-industrial. + ¿Podrían decir que su inspiración tiene un anclaje en los métodos tradicionales?

F Sí, pero no volviendo a ellos de manera concreta o positiva, sino que esa influencia de lo tradicional es un rescate para pensar, evolucionar, e ir hacia adelante. Esto se ve muy claro en nuestro proyecto “Migration”, realizado para Nodus Rug, que produce alfombras seleccionando a los mejores artesanos del mundo. Para ellos diseñamos una serie de tres alfombras rescatando una de las técnicas más antiguas que aún se utiliza en Europa, la de encaje de aguja. Fueron realizadas enteramente a mano en Portugal, y cada una tiene el dibujo de un pájaro, que simboliza la migración hacia lo nuevo y desconocido. En el proyecto “Moulding Tradition”, por otro lado, también reflexionamos sobre el concepto tradicional de los objetos, y si es su función mantener vivo el pasado. Creamos copias de una de las más famosas artesanías tradicionales de Sicilia, el Teste di Moro, unos jarrones de mayólica típicos del siglo XVII que refieren al período en que los árabes conquistaron Sicilia, introduciendo su cultura y este material en la región. En la actualidad, mientras los artesanos sicilianos fabrican estos jarrones, los árabes llegan no como conquistadores, sino como inmigrantes. Un gran porcentaje de

+ Colección Botanica

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+ Colección Craftica

la población italiana considera a los inmigrantes un peligro para la cultura y la religión del país. Con una actitud similar frente al cambio, la artesanía mantiene su constante repetición de objetos que pertenecen al pasado. Moulding Tradition fue una provocación, una declaración de principios sobre el concepto efímero de la tradición y muestra las contradicciones de una cultura decadente: si como italianos (y europeos) somos capaces de representar a nuestra cultura con un Teste di Moro, al mismo tiempo, debemos de ser capaces de ir más allá de los prejuicios y el miedo, y permitir que nuestra cultura cambie con el transcurso del tiempo. + ¿Qué otro material explorado los transportó al pasado?

F Sin dudas, el cuero. Es un material que representa la compleja relación entre el hombre y la naturaleza. El cuero tiene la capacidad de evocar recuerdos casi ancestrales, como cuando el hombre cazaba para obtener comida, herramientas y vestimenta. Con este material realizamos “Craftica”, un proyecto muy importante para nosotros. Fuimos convocados por la marca Fendi -que últimamente colabora con Design Miami Basel y con diseñadores experimentales- para diseñar una colección con cuero desechado por su proceso de fabricación. A ese material sumamos cuero de corcho extraído del árbol de alcornoque, cuero obtenido de la piel del pescado desechada por la industria de alimentos, cuero procesado de manera vegetal por medio de sustancias de la corteza de los árboles, y una serie de vejigas de animales examinadas por su capacidad para contener líquidos. En conjunto, la pieza ofrece una perspectiva holística del cuero. + ¿Qué material se avecina?

F Lava volcánica. Durante unas vacaciones en el Etna, descubrimos que estaban vendiendo artesanías realizadas con lava fundida, y ver eso nos hizo un click: el volcán como una gran caldera que escupe minerales y rocas, la máxima explosión de la Tierra que nos aporta su material. Empezamos a experimentar, fundiendo lava en hornos a 2012 grados Farenheit, y descubrimos que en la primera fundición se convierte en sílice, pero en la segunda, puede ser soplada como el vidrio común. Así que estamos trabajando en la recuperación directa de lava del volcán para moldear, aunque recién es la fase inicial. + www.formafantasma.com

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| Ilustración: Irana Douer

Cómo se genera la moda Los secretos del guardarropa

El proceso de creación de la moda: desde la generación de tendencias e ideas del diseñador, hasta su llegada al guardarropa en forma de prendas y accesorios, pasando por estrategias de marketing y promoción. | Texto: Cele Nasimbera @SrtaCele

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especial

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El vestir es una acción diaria que encierra necesidad, tiempo y potencialidad. Detrás de cada prenda existe una industria, una multiplicidad de lenguajes creativos y una decisión personal de cómo llevarla. Combinamos, mezclamos, nos volvemos a probar.

El vestir es un acto personal de identidad, en el cual confluyen miles de acciones ajenas.

entre ellas: diseñadores, fotógrafos, productores de moda, maquilladores y hasta gerentes de marketing de marcas de indumentaria. A su vez, conversamos con los responsables de algunos de los principales espacios de visibilidad del diseño de moda local, como son BAFWeek, Pasarela Mapa de Diseño INTI BAFWeek y Ciudad de Moda.

Quisimos acercarnos, entender el proceso detrás de las puertas de nuestro ropero. ¿Qué queremos saber? Conocer un poco más sobre la industria, las tendencias, su incorporación al mercado local, los diseñadores frente a los recursos disponibles y las cuestiones comerciales. Quiénes generan, imponen, piensan, diseñan, muestran la moda.

Para finalizar, un análisis de la moda e identidad nacional, a través de la investigación que desde 2007 lleva a cabo el Observatorio de Tendencias INTI, y proponemos una producción de fotos que da cuenta del gran talento del diseño argentino, que involucra a diseñadores de autor de todo el país, incluidos en el libro “Mapa de Diseño Argentino, 101 Diseñadores de Autor”. ¿Alguna vez pensaste cuántas personas están involucradas en las prendas que llevás puestas? La moda pasa, pero en ella encierra el encanto de lo efímero. +

Entrevistamos a diferentes profesionales para intentar conocer los procesos, las diferentes áreas involucradas y las conexiones

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+ Santana Textiles hace un relevamiento de las tendencias en denim en las principales capitales europeas de la moda.

Tendencias

Información infecciosa Qué son las tendencias. Para qué sirven. Cómo se trasladan. Qué uso le dan (o no) los diseñadores y las marcas de indumentaria. | Texto: Cele Nasimbera @SrtaCele

La moda construye signos, y su realización material una industria, con un andamiaje calculado. Se va detrás de un delicado equilibrio entre la novedad estética (la suficiente para captar la atención, sin alejar a las menos osadas) y la seguridad de inversión exitosa que exige cualquier mercado.

Aún cuando se trate de un proceso en permanente movimiento, retroalimentación y funcionamiento, podemos arriesgarnos a realizar un corte, y marcar como un punto de inicio la emergencia de la diferencia. Culturalmente, generamos signos de novedad, de emergencia; es allí donde se cultivan las tendencias. En las calles, en la Web, en infinidad de recónditos espacios, comienza a usarse la excepción.

Aquello contrario, esa pieza que no encaja, es exactamente un signo de novedad, de lo que vendrá.

La moda captura nuestro tiempo, la información viaja, y nosotros la

vestimos. Es por eso que consultamos a diferentes profesionales para acercarnos a una definición del concepto “tendencias”, entender sus procesos de formación y cómo se introducen en el mercado local. Alejandro Ogando es diseñador de indumentaria y jefe de producto en Santana Textiles, mientras que Juan Martín Salazar dirige 9F, una empresa dedicada a la predicción de tendencias. Andrea Borda es parte del equipo de Visiones, mientras que Laureano Mon integra el Observatorio de Tendencias del INTI. Todos ellos se encuentran dedicados a organizar la información, establecer conexiones, vincularla y establecer escenarios posibles. ¿QUÉ ES UNA TENDENCIA? “Una tendencia es una incongruencia, algo que toma otra dirección, y que empieza a sumar adeptos a medida que va avanzando”, marca Juan Martín Salazar. “Una necesidad social que el inconsciente colectivo toma en el momento que le hace falta y la convierte en

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especial

+ 073 moda

moda”, completa Alejandro Ogando. En un lenguaje establecido, surgen signos de novedad. Pero las tendencias no se reducen a cambios estéticos, por el contrario, como nos cuenta Andrea Borda, “una tendencia es una futura conducta de consumo masivo”. Las tendencias dan cuenta de modos, hábitos, son paquetes de información social, las cuales, como señala Laureano Mon, “invitan a reordenar lo que conocemos y repensar las estrategias de producción, comunicación y comercialización”.

La importancia, entonces, recae en contar con anticipación de información que permita tener una noción más concreta a lo que sucederá mañana. Información que la industria necesita, para medir cada uno de sus pasos. New York procesa tendencias de revistas y renueva el sportwear, mientras Londres se divide entre tradición y vanguardia.

Milán, textiles y deseos burgueses.

Y por supuesto, siempre nos quedará París. Cada semana de la moda cumple con los requisitos previstos, y durante un mes, toma estado público un proceso que lleva meses –incluso, años- de producción, y genera una difusión de información que recaerá por un tiempo hasta nosotros. Las tendencias estéticas ponen en evidencia ciertas tipologías, paletas de colores, siluetas, referencias. Ninguna de ellas se encuentra desconectada del resto de los ámbitos de diseño, creatividad, de la cultura misma.

Viviendo atravesados por la comunicación 2.0 y las redes sociales como medios de difusión, vale arriesgar la idea de las tendencias como información infecciosa. Una novedad sólo necesita tiempo para vestirse de moda. Quien la toma primero, gana. Como nos explica Andrea, “el análisis de tendencias va a permitir proyectar la producción que va a comercializar”. Información que la industria dispone, y toma según las necesidades que tenga, su identidad, su consumidor. Como enfatiza Juan Martín, “el diseñador debe entender qué pasa con los consumidores”.

Una conciencia colectiva se expresa. En ella, es esencial detectar la información necesaria para proyectar escenarios futuros. Se trata de construir una línea imaginaria anclada en investigación, análisis y conexión. Una búsqueda que excede las pasarelas o los looks de calle, y que transita diferentes universos creativos, estéticos y sociales. Establece vinculaciones. Andrea nos explica: “vivimos en un sistema interdisciplinario, en donde todas las esferas están relacionadas e influyen unas con otras. Nada existe por sí solo; los diversos sectores, tales como arquitectura, moda, diseño gráfico, arte, etc., están interconectados. No se puede analizar una esfera, sin analizar el contexto en la que surge, o lo que está pasando en otra. Una tendencia surgida en

una esfera, puede ir contaminando a otras; puede surgir en el área del arte, pasar a una pieza de mobiliario y culminar en un objeto. O puede moverse dentro de una sola área: del fashion show internacional a la marca de moda y de ahí al producto masivo”.

LA INCORPORACIÓN DE LAS TENDENCIAS AL MERCADO LOCAL La información puede transformarse en una oportunidad de negocios, la realización de un nuevo producto, innovación, etc. Por eso, indagamos en el proceso de absorción por parte del mercado argentino. Andrea aconseja: “cada marca o diseñador debería incorporar las tendencias de acuerdo a su propia identidad, al idiolecto de la empresa. Así, la adecuada asimilación de las tendencias comprendería el desarrollo de un concepto para trabajar en la temporada, el cual, atravesando el universo de la marca o empresa, permitiría planear efectivas estrategias de comunicación coherente, publicidad, Web, visual merchandising, producto y promoción, con el objetivo de optimizar productividad”. Los orígenes corales de las tendencias generan igual de diversidad en su aplicación.

Ogando señala la importancia para “el negocio de la moda de conocer los pronósticos de tendencias a futuro, porque te garantiza venta; como así también para los diseñadores de autor. Yo ya no creo que haya diseño de autor y marcas que venden moda. Creo que hoy, ambos deben ir de la mano”. La potencialidad de las tendencias radica entonces en detectar qué y cómo incorporarlas. Juan concluye: “el diseñador debe entender lo que pasa con los consumidores; si están sensibles o si se sienten de tal forma. Esto ayuda en el sentido de que, si se tiene conocimiento de lo que pasa, se pueden ofrecer productos en el momento indicado, o realizar campañas de marketing enfocadas en esa forma de estar del consumidor”.

En un mundo globalizado, parece acotado considerar las tendencias de norte a sur, desconociendo la velocidad del viaje de la información y la creatividad por estas latitudes. “Considero que las tendencias sí pueden viajar de sur a norte. No en grandes cantidades como suele suceder de norte a sur, pero sí con productos específicos, con comportamientos y con eventos”, nos explica Juan.

Escondida en las calles, dispersa en la Web, fraccionada en la prensa, analizada en informes de tendencias, se encuentra la información. Una vez que el mercado internacional define algunas líneas, los diseñadores eligen cuánto, qué y por qué incorporar esas novedades. Es uno de los elementos que componen el armado de una colección. + www.santanatextiles.com | www.visiones-tendencias.com.ar www.novenoefe.blogspot.com.ar | www.inti.gob.ar/textiles/

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De bocetos y moldes

El proceso de armado de una colección Con un tiempo previsto como necesario para la realización (de seis meses a un año y medio) se comienza a hilvanar una colección. Es un tiempo de creatividad, reflexión y desarrollo. Se superpone la información que circula en el entorno, las ideas pendientes, las búsquedas personales y la identidad de la marca. Consultamos entonces a distintos diseñadores, para conocer sus diferentes modos de realización. | Texto: Cele Nasimbera @SrtaCele

EN AUSENCIA DE LAS MUSAS, TRABAJO Florencia Hofer, diseñadora de la marca María Vázquez, nos comenta que ellos comienzan “por la elección de una temática como punto de partida”, y con ese disparador, realizan una exploración que inicia en lo conceptual, para decantar en producto. La inspiración, para el diseñador de Maximilian y Malissia Rivero, Gonzalo Villamax, proviene de la ilustración de moda. En sus modos, cada trazo del dibujo tiene su consecuencia, ya que “se construye a partir de una mordería compleja, determinando formas puras y líneas concretas, pinzas, plisados, entalles”. Las musas son reemplazadas por una exploración permanente. Emiliano Blanco, de Kostüme, marca un constante salir al encuentro: “En realidad, nosotros todo el tiempo estamos desarrollando y trabajando con ideas; la inspiración nace de ese buscar y experimentar. No creemos en la inspiración divina”.

que el usuario se encuentra “incorporado todo el tiempo, trabajamos mucho en la sensación y comodidad a la hora de tener un Kostüme”.

Existe una diversidad de maneras de crear, que resultan de la experiencia, los modos, el oficio, los estudios, la improvisación. Cada diseñador construye una propuesta, mientras que el usuario tomará de ella a su antojo lo que necesita y desea para transformarla. Nuestra identidad, la combinación que realicemos de las prendas, el estilo personal y la expresión corporal finalizarán el proceso de creación.

Justo allí donde se encuentra con la mirada, propia y ajena. + www.mvzmariavazquez.com.ar | www.facebook.com/malissiarivero. maximilan | www.kostumeweb.net | www.sudesteba.com

LA MATERIALIZACIÓN DE UNA IDEA Ante un horizonte creativo, comienzan a transformarse las ideas.

Aquello que se quiere hacer, el diseño que se proyectó, inicia su recorrido a la realización. Blanco nos explica el proceso en Kostüme: “Es un todo, trabajamos con la mordería, los recursos, las sensaciones, la búsqueda de materiales y referencias, decantando en ese proceso. Ahí comenzamos con el desarrollo y pruebas de calce, hasta que queda el producto como lo pensamos. Se parte entonces de un boceto rector, que después encuentra diversas aplicaciones en el desarrollo de la colección, acompañado de la matriz comercial. Editamos mucho, nos gustan las ideas concretas, algunas se retoman en colecciones posteriores, otras de desechan”, finaliza.

Por otro lado, Hofer nos cuenta que “las ideas se bajan a bocetos, intervenciones textiles, telas quemadas, cortadas”; mientras que Matías Carbone (diseñador de Sudeste) nos marca que, ante la idea general de una colección, persigue “la búsqueda de materiales para darle cuerpo”. Gonzalo, en cambio, baja a ilustraciones. Comenta, incluso, que “muchas veces, esas bajadas terminan siendo cuadros”.

EL CONSUMIDOR DETRÁS DEL DISEÑO Los bocetos que se dibujan en la mente y en el papel, comienzan a tomar materialidad. En su realización, se encuentra latente una potencialidad: su uso. Esas prendas finalmente serán adquiridas, combinadas, se incorporan a un ropero y serán parte de la cotidianidad de alguien. Un cuerpo dará cuenta si finalmente el diseño fue pensado para resolver.

Hofer apunta que “más allá de la inspiración, se analizan las tendencias, el usuario y la realidad social del momento. Los fenómenos sociales y los cambios en el estilo de vida se tienen en cuenta para poder acompañar a la mujer en el día a día, y permitirle estar a la moda, enfrentando los requerimientos diarios”. Por eso, cada prenda es “debatida y se plantea la situación de uso”. Blanco sostiene

+ Campaña gráfica e inspiraciones colección Kostüme #16

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especial

+ 075 moda

+ Campañas gráficas Cardón y Desiderata verano 2014

Marketing de moda Objeto de deseo

Cada prenda se compone de una materialidad necesaria para resolver, del mismo modo que encierra una significación.

La moda constituye un lenguaje, como una industria, la cual, evidentemente, requiere de estrategias comerciales para sostenerse en el tiempo. | Texto: Cele Nasimbera @SrtaCele

Es por eso que entrevistamos a Álvaro Pérez Esquivel (Gerente de marketing de Mazalosa, propietarios de las marcas Desiderata, Portsaid y System), José Mutti (Director creativo de Cardón), y Rubén Troilo y Constanza von Niederhäusern de Garza Lobos, para acercarnos al marketing de moda. Una herramienta de vital importancia en la construcción de una marca, su identidad estética, su diferenciación y éxito en el mercado.

Pérez Esquivel asegura: “La indumentaria constituye un lenguaje, un modo de comunicar algo de quien lo viste; por lo tanto, su campo de acción está en el terreno de lo simbólico, y tiene una enorme importancia, pues la mirada del otro, constituye el sustrato de la propia identidad, e impacta directamente sobre la autorrealización y el reconocimiento”.

La indumentaria se transforma, entonces, en un recurso de construcción de identidad, y la industria realiza el producto que significa.

No existe un tiempo de creación desligado de la visión comercial, sino que dialogan, se retroalimentan y se sincronizan. José explica la relación entre creatividad y actividad comercial, en términos de complementariedad: “No se trata de áreas independientes. La mirada comercial es la que nos permite llegar a los consumidores de la forma más eficiente posible”.

Por su parte, Rubén y Constanza, además de diseñar, se encargan del área comercial de Garza Lobos. Descartan “una disyuntiva entre ambas”; mientras que Pérez Esquivel sostiene la existencia de una única acción conjunta: “En el ámbito empresario y/o comercial, los

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productos cumplirán un objetivo, la creatividad será aplicada para que el mismo tenga los diferenciales de tendencia y moda, como los específicos de la marca en cuestión. Sería licito decir que el producto es la interpretación, adaptación y aplicación concreta del proceso creativo”. Y José Mutti concluye: “El marketing atraviesa todas las etapas que componen la creación de cada colección”. Y queda en evidencia la permeabilidad entre los procesos, fundiéndose en un diseño pensado para ser utilizado.

ESCUCHAR AL USUARIO Como enfatizan los diseñadores de Garza Lobos: “El usuario es todo. No hay nada más allá de él. No hay diseño, ni moda, ni marketing sin usuario. Entenderlo y tener un diálogo intuitivo es la virtud principal de un diseñador. De alguna forma, es un ejercicio que es cercano a las teorías del marketing”.

Peréz Esquivel le otorga un lugar privilegiado: “El consumidor es uno de los ejes centrales en el armado de nuestra estrategia de múltiples canales. Esto quiere decir que, para nosotros, es central definir el valor que podemos aportarles, según la especificidad de cada canal. Las estrategias de marketing se diversifican y se transforman en conceptos vectores. El desafío constante de la marca es identificar el valor agregado que podemos proveer en cada canal, manteniendo una comunicación coherente y complementaria, entre el mundo offline y online”. El diseño puede encontrar en la visión comercial un ordenador que le permite producir resolución. De eso se trata. + www.mazalosa.com.ar | www.cardon.com.ar | www.garzalobos.com

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+ Desfile Kostüme en BAFWeek

+ Desfile Mapa de Diseño INTI en BAFWeek

BAFWeek, Mapa de Diseño y Ciudad de Moda

Espacios de visibilidad de la moda argentina La industria nacional posee diversos espacios que se conforman como plataformas de visibilidad para la moda argentina.

Eventos públicos y privados que convocan, comunican y difunden. Entrevistamos a Kika Tarelli (BAFWeek), Laureano Mon (Mapa de Diseño – INTI) y Julieta Spina (Ciudad de Moda), para conocer algunas de las diferentes pasarelas. | Texto: Cele Nasimbera @SrtaCele Fotos: Maia Croizet @MaiaWATIO

BAFWEEK: VIDRIERA DEL QUEHACER ARGENTINO Para Kika Tarelli, directora de contenidos de BAFWeek, Buenos Aires Fashion Week es “una gran plataforma generadora de contenidos y una vidriera de excelencia del quehacer argentino. Está instalado en el mercado interno y, a nivel internacional, ha logrado posicionar a la Ciudad de Buenos Aires como capital de la moda”. + ¿Cómo se arma la grilla?

KT La idea es mostrar lo más destacado del diseño de indumentaria de nuestro país. El número y tipo de diseñadores varía año a año, en función de las presentaciones de nuevas colecciones que hayan preparado y del espacio disponible. + ¿Qué significa para las marcas y diseñadores ser parte de BAFWeek?

KT Estar presente en el evento, ya sea como sponsor, en el showroom, con un desfile o instalación, genera una increíble amplificación. Ayuda a generar contactos y a hacer negocios. + ¿Cómo se piensa BAFWeek a futuro?

KT Se piensa, principalmente, con dos objetivos: posicionar la semana de la moda en la región y en el mundo, y establecer la marca BAFWeek, para que el evento siga creciendo. Además, que continúe siendo la plataforma generadora de negocios y de intercambio para la industria de la moda. + www.bafweek.com.ar

MAPA DE DISEÑO INTI: HETEROGÉNEA IDENTIDAD NACIONAL Laureano Mon es integrante del equipo del Observatorio de Tendencias (OdT) del Instituto Nacional de Tecnología Industrial (INTI).

El Mapa de Diseño (MdD) es un proyecto federal de apoyo a empresas de diseño de indumentaria de autor, que incluye diferentes líneas de trabajo, como investigación, capacitación y difusión del trabajo realizado por los diseñadores argentinos.

Tiene el objetivo de detectar a aquellos diseñadores de indumentaria que generan propuestas innovadoras, analizando sus lenguajes expresivos, y dilucidando los elementos que conforman la identidad creativa del país. Del mismo modo, se plantea la necesidad de difundir el diseño en mercados nacionales e internacionales, dando cuenta de la diversidad y riqueza de los trabajos, como así también, trazando líneas estéticas, constructivas y simbólicas, que faciliten la lectura de la producción local. + ¿Cómo seleccionan a los diseñadores?

LM Inicialmente, el MdD comienza con un exhaustivo relevamiento territorial y mapeo de empresas de diseño de indumentaria y textil, por lo que llevamos recorridas 19 provincias. Hoy en día, también se suma el relevamiento online, a través de una red de instituciones y socios locales. Una vez contactados, se entrevista a los diseñadores responsables de las empresas, indagando sobre aspectos constructivos y estéticos de las colecciones, familia de productos, innovación en desarrollos textiles, tecnologías aplicadas al proceso productivo,

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+ Desfile Garza Lobos en BAFWeek

proveedores textiles y mercados donde tienen presencia. Ya se han entrevistado más de 250 diseñadores. Se realiza una documentación fotográfica de los productos y de los procesos de trabajo. Luego, se analizan las entrevistas y el material fotográfico, para proceder a la elaboración del perfil creativo de cada diseñador, dando cuenta de las inspiraciones, materiales y técnicas trabajadas. + ¿Qué características particulares debe tener un diseñador para ser parte de MdD? LM Hay un análisis de los lenguajes de diseño en relación al acervo cultural y productivo de las regiones y el país. Ello incluye la identificación de técnicas, oficios y saberes, que se reactualizan en el ejercicio del diseño; así también, las principales tecnologías utilizadas por las empresas, dilucidando los vínculos entre las lógicas artesanal, preindustrial e industrial. Es condición para ser incluido dentro del MdD que el diseñador tenga un lenguaje innovador y original, con un discurso personal, que se sostenga en el tiempo. + Una vez seleccionados, ¿cómo es el proceso de acompañamiento?

LM Los diseñadores seleccionados pasan a formar parte de la base de datos del OdT, para ser convocados a diferentes actividades que se desarrollan, ya sea en las provincias, como a nivel nacional. Esas acciones pueden ser capacitaciones en gestión, calidad o innovación, encuestas productivas para monitorear su evolución, instancias de difusión como muestras, libros y desfiles. También los ponemos en contacto con otras instituciones que puedan ser de ayuda para su desarrollo. De todos modos, nuestras acciones también son abiertas a otros emprendedores de indumentaria que no realicen necesariamente diseño de autor. + ¿Qué rol creés que juega MdD para la industria de la indumentaria argentina?

LM El MdD concibe al diseño de autor desde dos aspectos: un as-

pecto cultural, a partir del cual es necesario valorizar la diversidad de lenguajes creativos y la construcción de una cultura común de trabajo, así como la reactualización del patrimonio material e inmaterial de nuestro país. En este sentido, es importante el aporte que hace el diseño contemporáneo a la construcción de una identidad nacional. Por otro lado, es clave la dimensión productiva que conlleva la actividad del diseño –empleo, facturación, etc.-, que hace imprescindible asistir a las MiPYMES de indumentaria, colaborando en su sustentabilidad económica. De este modo, garantizamos la diversidad de la trama productiva. Y, fundamentalmente, ayudamos a consolidar un segmento innovador dentro de la industria, que aporta a la cadena de valor nuevas ideas y horizontes. + Como política pública, ¿qué desean aportar que el sector privado no cubre?

LM La industria de la moda masiva suele no ser tan innovadora – más allá de los aspectos estéticos- a nivel de productos, por lo que es necesario ayudar a un sector que sí hace uso de la creatividad como herramienta estratégica de diferenciación. Por ello, las empresas de diseño de autor cumplen un rol clave en el entramado productivo pero, por su naturaleza y escala, requieren de la ayuda inicial de políticas públicas para consolidarse en un mercado altamente competitivo. Hoy en día, notamos que cada vez más diseñadores de autor conviven con marcas masivas, y hasta entablan diálogos creativos entre sí, desarrollando líneas innovadoras de productos, en una dinámica que abre nuevas perspectivas a futuro. Eso es positivo, porque impulsa la innovación en toda la industria. + ¿Cómo se piensa el MdD a futuro?

LM Una de las mayores apuestas es la consolidación de nuestra línea de capacitaciones, en un trabajo conjunto entre el OdT INTI y las universidades nacionales y que implica que, a largo plazo, habrá instancias de formación pública en diseño de indumentaria en tres

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+ Backstage BAFWeek. Fotos: Maia Croizet @MaiaWATIO

regiones de nuestro país: Noroeste, Noreste y Centro. Ello posibilitará desarrollar un paradigma de formación que integre al diseño, la innovación, producción y gestión de empresas, en diálogo con las identidades y cadenas de valor locales. + www.inti.gob.ar/textiles/ CIUDAD DE MODA: DESFILE PORTEÑO Julieta Spina es directora de contenidos de Ciudad de Moda, una acción que tiene como principal objetivo otorgarles una vidriera a los diseñadores de la Ciudad de Buenos Aires, tanto consagrados como emergentes, que aspira a ser un punto de encuentro entre todos los eslabones de la industria indumentaria, y un espacio de unión entre el diseño y el negocio, desde una perspectiva cultural. + ¿Cómo es el proceso de selección de los diseñadores?

JS Realizamos una convocatoria abierta. Un jurado de especialistas elige los diseñadores que finalmente participarán en la pasarela, los que deberán presentar una colección de 20 conjuntos de indumentaria en formato de lookbook o campaña publicitaria; puede ser femenina o masculina. La colección deberá contar con una fuerte innovación en alguno o todos de los siguientes puntos: desarrollo morfológico, desarrollo tipológico, materiales alternativos; como así también, deberá proponer el armado de conjuntos. Se busca dar espacio a propuestas con claro sentido comercial e integridad en su imagen de marca. + ¿Qué significa para los diseñadores ser parte de la Ciudad de Moda?

JS Significa tener la oportunidad de participar de un evento que tiene muy alta visibilidad, no sólo en los medios, sino también en el ambiente de la moda. Como ejemplo, sirve mencionar el caso de

Marcelo Giacobbe, que hace dos años se presentó a la convocatoria de diseñadores emergentes, y este año participó del New York Fashion Week. + ¿Qué rol creés que juega Ciudad de Moda para la industria de la indumentaria argentina?

JS Es una medida de gobierno que implementa políticas de apoyo y fomento para jóvenes diseñadores. Se les da un espacio para mostrar sus trabajos y, además, se los capacita para poder desarrollar un plan de negocios que les permita tener previsibilidad en su proyecto. + Como política pública, ¿qué desean aportar que el sector privado no cubre?

JS En todas las grandes ciudades del mundo, el sector publico crea el ámbito para poder promocionar a la industria de moda en el exterior. También crear herramientas financieras, como créditos, subsidios o diferimientos impositivos, que permitan llevar adelante distintos emprendimientos del sector. Y crear ámbitos de capacitación para todos los niveles de la cadena industrial. + Ciudad de Moda presenta a diseñadores emergentes. ¿Qué herramientas se les brinda para su desarrollo creativo y económico?

JS La oficina de moda del CMD trabaja durante todo el año junto al diseñador, brindándole herramientas para el desarrollo de su negocio, como el diseño a medida de un plan de negocios, estrategia de comunicación que les sirva para posicionar marca y producto, manejo de herramientas de marketing para la moda, canales de comercialización, gestión de negocios, visión de negocios y manejo de estrategias de exportación. + www.cmd.gob.ar

especial

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+ Backstage BAFWeek. Fotos: Maia Croizet @MaiaWATIO

Imágenes de moda Mirando un calidoscopio

Productores, fotógrafos, maquilladores y estilistas corren. La moda proyecta imágenes veloces, variadas, hipnóticas, que embellecen nuestros días. Campañas, desfiles y editoriales componen un inevitable calidoscopio. | Texto: Cele Nasimbera @SrtaCele

Emilio Lacroze, estilista y productor de moda, define su trabajo desde la realización: “Se piensa y desarrolla una imagen en base a un concepto. Nos dedicamos a generar todo lo que transcurre en la cabeza de los demás. Sea una marca, un diseñador, una revista, desarrollamos todo aquello que el cliente nos pide”.

Nos define la producción de moda como el área que ejecuta el plan estético. El objetivo a alcanzar es el de generar una imagen de marca, buscando la manera de desarrollar y cumplir con el pedido. La producción de moda es entonces organización, coordinación y coherencia. Es un paso clave, que no se ve. Lacroze nos dice que “el productor une los eslabones, genera la unidad”.

Un desfile, una campaña, una producción de moda para una revista construyen imágenes. A través de ellas, se persigue generar sensaciones. El ADN de marca, un estilo, una tendencia, se construyen visualmente. Cada pieza arma el rompecabezas. Verónica Mendoza, maquilladora de Natura en BAFWeek, nos explica que “make up y pelo complementan de modo conjunto un mensaje”.

El maquillaje cumple una función de acompañamiento, se adapta a la imagen de moda que se desea construir. Mendoza asegura que “hay que saber interpretar lo que transmite la prenda, la textura, los colores. Interpretar, sin ser literal. Con sutilezas, aportar diferencia; no hace falta sobrecargar, sino encontrar el detalle”. Para ella, luego de varios años acompañando a los diseñadores en BAFWeek, hay una identidad de marca ligada a un determinado maquillaje: “Aún distanciado de las prendas, ves de qué va”.

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Mientras el productor ordena y proyecta una imagen, el maquillaje y el pelo acompañan el cuerpo. Detrás de ellos, el fotógrafo congela los instantes y serializa la historia a contar. Responsable de la imagen de importantes campañas publicitarias para marcas de indumentaria, Rafael Delceggio define a la fotografía de moda como “una forma creativa de sugerir o vender. El objetivo es lograr esa imagen bella y aspiracional. Cuando logramos una imagen bella y aspiracional, queda oculto el verdadero fin: consumir el producto de temporada”.

Quien ordena, se encuentra con aquél que capta la imagen construida, porque “la fotografía de moda juega un rol fundamental.

Saber representar al consumidor de cada marca es nuestro objetivo.

Con bellas y artísticas imágenes, nuestros consumidores retendrán la campaña en sus retinas, y la marca dará que hablar”, sentencia Delceggio. El diseño encuentra su fin: resolver y comercializar. Las imágenes proyectadas son llamadores para ambos fines.

Finalmente, nos preguntamos si la excesiva modificación de la imagen de moda se debe a la necesidad de retratar a una mujer ideal.

“Estamos necesitando volver a creer en la belleza natural y ponerle una cuota de realidad a la imagen. Ya no está bien visto una imagen dibujada y retocada con Photoshop al extremo. La mujer ideal es la mujer más bella, y el éxito de la campaña publicitaria será el fiel reflejo de esta idea. Piezas de colores se mueven. Giramos el calidoscopio de la moda y encontramos imágenes que nos interpelan. Miramos a través de él y decidimos qué queremos proyectar nosotros mismos. + www.emiliolacroze.com | www.veromendoza.com.ar | www.rafaeldelceggio.com

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Pasarela Mapa de Diseño INTI Moda e identidad nacional

La pasarela Mapa de Diseño INTI BAFWeek se ha cons tituido como una ins tancia de difusión, surgida de la investigación que emprendemos desde año 2007, y que al día de hoy, lleva relevadas 20 provincias y más de 200 diseñadores. | Texto: Sebastián Rodríguez @sebyrodry

Con el horizonte puesto en visibilizar nuevos emprendimientos consolidados desde una mirada federal, focalizamos en aquellos que entablan diálogos con el medio geográfico, cultural y simbólico, poseedores de un lenguaje innovador, sostenido en el tiempo. Las alusiones al entorno –sigilosos gestos tangibles e intangibles- trascienden de manera natural una y otra vez, y reflejan la trazabilidad heterogénea de las piezas, a la vez que enriquecen su narrativa estética y simbólica. Gracias a la extensa superficie y las divergencias geográficas que el país ofrece, las cuatro ediciones de Mapa de Diseño nos permitieron abordar una lectura aguda sobre las formas, texturas, colores, aromas y sonidos de cada territorio productivo, e intentar reconocer algunos rasgos regionales en común.

Las prendas que son pensadas y concebidas en el Noreste argentino, evidencian la belleza de lo simple y lo rústico como valor sustancial. El método proyectual que ejercen creativos como María Emilia Velasco, Kalu Gryb, Lucía Beláustegui y Anabella Oviedo (Fluxus), entabla un diálogo fructífero con la poesía visual del monte y con el viento incansable que talla las formas. Ellas perciben la sutil metáfora nacida del contraste entre las delicadas flores de la vegetación y sus agresivas espinas, y observan con atención las tramas de las grietas originadas por la sequía y las marcas que imprime el sol sobre la tierra quebrada y en la piel de los que la trabajan, para interpretarlas en pos de que sus piezas sepan comunicar la esencia que las define.

Bajo esta perspectiva, sus colecciones refieren a morfologías fragmentadas, derramadas, de líneas simples y confortables, concibiendo una imagen visual depurada. Son propias las mezclas de materiales en una misma pieza, donde yuxtaponen tejidos de algodón o lino, con cuero intervenido artesanalmente y textiles industriales amigables con el medio ambiente, como el tencel y el jersey de bambú.

La paleta de color que eligen recorre los tonos crudos, verdes y las tonalidades tierra.

También es posible explorar los hábitos que aún se atesoran en los pueblos y las ciudades de la zona, a través de la colección “Siesta” de Agustín Bossini Pithod. El sutil despertar y ese blanco cegador de la luz que se percibe al abrir los ojos y encandila los sentidos, se vio reflejado en tipologías clásicas, siluetas geométricas y holgadas, materializadas en textiles planos, livianos para soportar el calor abrumador.

La vida que transcurre en el Litoral, el misticismo de su gente y el paisaje dominado por el correr del río Paraná, las islas y humedales que yacen sobre su lecho, determinan el pensamiento de firmas como Quier y HUE, aquellas que crean imbuidas en ese entorno creativo.

Su flora y fauna se encuentran representados por trazos orgánicos y siluetas envolventes, donde la caída del tejido, su aspecto y funcionalidad dominan la estética de los diseños, aportando sentido a las terminaciones a mano. Sobre la superficie de los textiles, emergen estampas de gran complejidad visual, nacidas de composiciones que resignifican la piel de los animales y la exuberante vegetación. La paleta donde predominan los colores neutros y cálidos, con acentos en amarillo, rojo, naranja y fucsia y magenta, define su perfil cromático.

Las imágenes que se desprenden de los paisajes de la extensa tierra sembrada por esos lares también son una fuente inagotable de referencias estéticas. Tomando como eje principal las líneas entrelazadas y superpuestas de los mantos campestres y las estructuras arquitectónicas del trigo, junto con las inflorescencias del maíz, Lucrecia Sonnet resuelve las formas a través de siluetas que encuentran su origen en pliegues espigados, superposiciones de telas y terminaciones envolventes.

En cambio, la firma PQTZ, de la diseñadora Débora Orellana, describe el universo portuario y el entramado urbano sobre cada prenda, estableciendo un vínculo entre la historia local y la investigación textil, al rescatar imágenes con una carga simbólica profunda. Allí, los juegos de escalas y relieves toman protagonismo, respondiendo al concepto de plasmar la ciudad sobre el cuerpo.

La Patagonia y su profuso follaje se expresan en el trazo de Uchi Bolcich, y descubre su correlato en la superposición de capas etéreas de géneros como gasas, sedas, tafetas y texturas, que sintetizan tramas florales y hojas típicas del lugar. La paleta de color aborda matices añejados de celeste, verde, rosa y azul, en combinación con tonos pasteles.

El lenguaje expresivo de Fabiola Brandán, Gonzalo Villamax y Lorena Sosa, diseñadores oriundos del Noroeste argentino, da testimonio del ritmo propio de la ciudad, asume el presente -cargando los ecos de una elegancia de antaño- y pondera los contrastes que se suceden entre la vida urbana y un escenario natural próximo. La compleja moldería y la reinterpretación de la sastrería son el eje principal, para reformular tipologías clásicas, que evolucionan en formas actuales. Las líneas devienen en recortes, tablas y alforzas, construyendo un relato visual de estructuras complejas. Las texturas y la paleta de color celebran el aroma de la tierra, la montaña, la selva, la humedad y el sol. La fuerza, el desenfado y la atemporalidad, conviven en armonía con la simpleza y el minimalismo.

Un poco más al norte, las prendas de Santos Liendro nos permiten reflexionar sobre las raíces culturales locales, al evocar los caminos trazados por los Incas, aquéllos que unían a los pueblos del norte argentino con otros países latinoamericanos, y que recorrían en busca de fibras vegetales y animales para crear sus tejidos. Así, se destacan las texturas netamente andinas, los accesorios hechos en metales semipreciosos como alpaca, piedras del norte salteño y ónix, y el coexistir de tejidos de manufactura artesanal con otros industriales. De esta manera, Liendro conquista un perfecto equilibrio entre los saberes y oficios ancestrales, con procesos creativos contemporáneos.

La capacidad para interpretar y comunicar la riqueza del medio que nos rodea, respondiendo a criterios de identidad, se ha constituido como un rasgo innato de los diseñadores de autor. En cada pieza irrumpe un genuino relato que, en su devenir, manifiesta una clara territorialidad. + www.inti.gob.ar/textiles

Link a la nota: http://9010.co/mapadisenointi

+ Quier www.quier.com.ar Foto: Ani Sirabonian para Elephanto Studio

+ Santos Liendro www.santosliendro.com Foto: Ani Sirabonian para Elephanto Studio

+ Lucrecia Sonnet www.lucrecia-sonnet.com Foto: Ani Sirabonian para Elephanto Studio

+ MarĂ­a Emilia Velasco www.velascoindumentaria.blogspot.com.ar Foto: Ani Sirabonian para Elephanto Studio

+ Gonzalo Villamax www.gonzalovillamax.com.ar Foto: Ani Sirabonian para Elephanto Studio

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+ Tren creativo. Un grupo de artistas generaron obra desde Constitución a Mar del Plata.

Levi’s

Trip to the Modern Frontier Con el mismo espíritu pionero con que Levi Strauss creó su línea de ropa, allá por 1873, la marca continúa abriendo caminos de expresión que conecten las fronteras de distintas disciplinas artísticas. | Texto: Gabriela Rey @GabyRey9010

El pasado mes de septiembre, Levi’s lanzó su campaña global Modern Frontier, que con su acción Station to Station, conectó las costas este y oeste de Estados Unidos, por medio de un tren cargado de artistas. Músicos, escritores, cineastas, chefs y fotógrafos viajaron de Nueva York a California durante tres semanas, haciendo un alto en cada una de las nueve estaciones, en donde se desarrollaron diferentes happenings.

En su versión local, la marca sorprendió con el proyecto Trip to the Modern Frontier, una propuesta que logró replicar el espíritu en un viaje en tren con destino TRImarchiDG, uno de los festivales de

diseño gráfico más importantes de la región, que se realiza desde hace doce años en la ciudad de Mar del Plata.

Fue así que el viernes 4 de octubre al mediodía, la estación de trenes de Constitución cambió su rutina habitual y se vistió de arte, para celebrar la partida del tren, con proyecciones audiovisuales de Nuna Mangiante, muestras de pintura de la artista Mercedes Pérez San Martín, pintura en vivo de los artistas Jaz y Valdo Torres, y una instalación textil a cargo de Marina Btesh. Al mismo tiempo, el reconocido músico Nicolás Melmann amenizó la puesta, que finalizó

ideas creativas

+ 087 moda

+ Creando a bordo del tren Levi’s: Axel Krygier, Jaz y Valdo Torres, Mateo Amaral y Lobo Velar.

con un desfile sobre el andén, cuando pudo verse la nueva colección de verano de la marca.

Afuera, el paisaje cambiante, postales rurales secundadas por la puesta del sol, devolvían el estímulo inicial de conectar fronteras.

El tren, intervenido por Levi’s, partió junto a un grupo de artistas que realizaron obra durante el viaje: Axel Krygier inundó los vagones con su creación musical, y mientras Jaz y Valdo Torres -artista de Paraguay- hacían graffitis, Lobo Velar ponía manos a un collage fotográfico y Mateo Amaral proyectaba sus visuales. A bordo también, un séquito de periodistas y un gran equipo de producción fueron testigos de una celebración que fundió arte y movimiento.

Al llegar a Mar del Plata, las obras fueron expuestas en el espacio que Levi’s montó en TRImarchiDG. Al mismo tiempo, la marca invitó a distintos artistas digitales a intervenir estas obras, y el resultado fue proyectado en el salón de conferencias del festival, junto a video-entrevistas en las que Krygier, Velar, Jaz y Amaral hablaron de su trabajo. Las duplas fueron: Valdo Torres + Flúo, Lobo + R3nder + Valerialaura, Axel Krygier + Ailaviu, Jaz + Dante Zaballa y Mateo Amaral + Gualicho.

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UNA COLECCIÓN PARA ANDAR Antes de la partida del viaje-happening, hombres y mujeres recorrieron el andén de la estación de trenes de Constitución, con un estilo urbano. La nueva colección de verano de Levi’s mantiene al jean como solución, el estilo norteamericano como inspiración, y la

practicidad como insignia. Con aires retro y algunas notas de rock, una colección fresca, con el jean presente en camisas, pantalones y vestidos. Un look despreocupado, para jóvenes que están en tránsito, en movimiento, en viaje. + www.levi.com.ar

Link a la nota: http://9010.co/levistrip

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+ Wine Bar Trapiche. Espacio 43 de Julio Oropel.

Casa FOA 2013

El diseño de interiores hace escala en microcentro El lugar elegido para emplazar la edición 2013 de Casa FOA fue el microcentro porteño. Así, el legendario edificio Tornquist, ubicado sobre Bartolomé Mitre al 600, alberga los 30 espacios que marcarán tendencia, mostrando qué está de moda hoy en diseño de interiores, desde el 4 de octubre hasta el 10 de noviembre. | Texto: Jorgelina Peciña @JorgelinaPecina

A pasitos de Florida, unas de las peatonales más famosas de la Ciudad de Buenos Aires, y en un edificio tan emblemático como es el Tornquist, se celebra la edición número 29 de Casa FOA, la exposición de arquitectura, diseño, paisajismo y decoración más importante del país. El edificio Tornquist, diseñado por el célebre arquitecto Alejandro Bustillo, fue construido en 1926, y es hoy uno de los máximos representantes del historicismo neoclásico que posee la ciudad. Allí, en su interior, se abren paso las tendencias en diseño y arquitectura, dándole nueva vida a un rincón histórico de la ciudad.

RECORRIDO VERSIÓN 2013 Un clásico de Casa FOA es el trabajo de Alfred Fellinger y su equipo. Este año, el espacio 6 -titulado Ecléctico-, muestra una estancia en donde la sustentabilidad y la preservación del espacio son protagonistas. Se buscó mantener un diálogo con la arquitectura existente, sobre lo que fue y lo que será. Así, se eligieron materiales para realzar los existentes desde sus propias potencialidades, y cuadros presentes en cada rincón del campo visual del visitante. El objetivo fue darle sentido a un patrimonio que vuelve a brillar, y a ser ocupado por personas.

ideas creativas

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+ Jardín de invierno para Bomanite. Espacio 34 de Silvina Descole.

Siguiendo con el recorrido, se llega al espacio 13, que refleja juventud y femineidad. Se trata de El atellier de las flores, de Sofía Willemoes, una estancia de medidas reducidas, donde los papeles tapiz, diseñados a mano alzada y digitalizados por la misma Willemoes; se hacen notar, dominando el cuarto desde su pared central, con flores y pájaros multicolores. Acompañan un sillón con almohadones de colores que contrastan con los de las paredes, un pequeño escritorio de madera añeja recuperada y una suerte de biblioteca que, además de libros, alberga papeles y blocks que invitan a crear. Completan la estancia, un pequeño y romántico toilet, donde nuevamente es el papel tapiz en tonos rosas y naranjas el que marca la diferencia.

Para tomar distancia y escaparse un poquito del encierro, aparece el espacio 18, Terraza verde en realidad virtual, obra de Matilde Oyharzábal y Florencia Valloud, una instalación que combina ilusión y naturaleza, en un juego de sensaciones reales y virtuales. Se trata de una pequeña terraza en donde, mediante una ilusión óptica lograda con un espejo de amplias dimensiones, se duplica el ambiente, para sumergir al visitante en un campo. Así, el espacio real y el virtual se mezclan en una ilusión óptica y sensorial. Mediante el uso del espejo, imágenes gigantes de un campo agreste y perspectivas simuladas con árboles reales, el espacio de la terraza y las dimensiones se desdibujan. Una

iluminación con variaciones a lo largo del día, genera diferentes efectos cromáticos.

Volviendo al recorrido bajo techo, cobra vida el espacio 20, Living íntimo, de la arquitecta Judith Babour. Pensado y diseñado para una pareja de mediana edad, este living invita a relejarse, leer, ver películas, escuchar música y, también, a trabajar placenteramente. Se trata de una tendencia del diseño interior, de incluir espacios para el relax y el reencuentro en un solo ambiente. La mezcla de texturas, materiales y el clima fueron las claves que inspiraron el proyecto. El lugar de relax está dado por un sillón en L, tapizado en gris y con almohadones en diferentes géneros y texturas. Una mesa baja circular de diseño contemporáneo y una carpeta natural tramada en colores tierra, ayudan a demarcar el espacio. Además, se diseñó una biblioteca en melamina Siberia (Masisa), combinada con metal, con pátina artesanal e iluminada. Los dos ventanales de vidrio repartido le dan elegancia al espacio, vestidos con cortinas rollers. Para el cielorraso, se diseñó una bandeja suspendida iluminada, que ayuda a generar el efecto de luz y el clima deseado.

Siguiendo con el recorrido, el aroma a rosas de la estancia 22 -titulado Ay Rosa, dame tus sueños-, de Ernestina Anchorena, Carola Pirovano y Gabriel del Campo, atrapa. Se trata de un jardín de

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+ Lobby. Espacio 26 de Eliana Elesgaray y Jorge Muradas.

+ Ay Rosa, dame tus sueños. Espacio 22 de Ernestina Anchorena, Carola Pirovano y Gabriel del Campo.

invierno atemporal, de espíritu muy femenino. Las cortinas largas con aire bucólico acarician el piso de madera y las paredes claras.

En el centro de la estancia, se despliega una biblioteca circular en metal, especie de torre de Babel, con rosas y libros, construyendo un jardín interior, acompañado de una pequeña mesa y un sillón. Se trata de un espacio o microcosmos tan romántico como femenino.

de tablero. El proyecto interviene el espacio, manteniendo intacta su arquitectura original, restaurándola y resaltándola, mediante la inclusión de nuevos elementos, que ponen en valor la esencia de la obra y su esplendor original.

Algo así como un alto en el recorrido, aparece el espacio 26, Lobby, de Eliana Elesgaray y Jorge Muradas, cuya propuesta respeta la arquitectura ecléctica del lugar, y la destaca mediante la utilización de elementos contemporáneos, en claro contraste con la ornamentación existente de los muros, las puertas y el cielorraso del edificio.

Los elementos que actúan en el espacio buscan imprimir carácter al lugar. Cada uno de ellos se equilibra entre sí, creando una atmósfera de calma, en un espacio simétrico. Pórticos metálicos que enmarcan las aberturas, obras del prestigioso artista plástico Pablo Siquier, un sofá DS 600 -un clásico del diseño europeo de los años 70- y, por último, una araña de techo, compuesta por una serie de lámparas

Jardín de invierno, de la arquitecta Silvina Descole, ocupa el espacio 34. Desde allí, un jardín de invierno de neto corte parisino se convierte en la estancia alternativa dentro de una casa: no es un living ni tampoco un patio, sino la fusión de ambos, generando una sensación diferente. Las bondades del microcemento Bomanite invitaron a imaginar un espacio de patio interior semiabierto, donde se funde la naturaleza con el interiorismo. Es un lugar de lectura, descanso y relax, en medio de la naturaleza. El piso en tres dimensiones es el leit motiv y espíritu de este espacio, que se remonta a un lugar lejos de Buenos Aires.

BAÑOS PÚBLICOS Y EL BAR Este año, la responsabilidad del diseño de los Baños Públicos estuvo

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+ Living íntimo. Espacio 20 de Judith Babour.

+ Ecléctico. Espacio 6 de Alfred Fellinger y equipo.

en manos de María Inés Penas. Así, en el espacio 40, se desarrolló una estancia que acompaña el estilo del edificio Tornquist desde una mirada más depurada, pero igualmente clásica, conservando la caja existente y agregando la funcionalidad necesaria para su destino, baños públicos.

Uno de los espacios más buscados, quizá, sea el 43, que alberga el bar. Este año, fue bautizado Wine Bar Trapiche, y realizado por el arquitecto Julio Oropel. Se trata de un homenaje a la tierra, que combina metal con madera, un espacio donde la vida se expresa a través de los hongos que delicadamente crecen en los centros de las mesas y la vid, que simboliza el origen del vino. El metal es el protagonista de la propuesta, cuyo objetivo fue generar un ambiente singular, aprovechando la baja altura y la presencia de cuatro columnas centrales como elemento protagonista, ubicando el área de asientos alrededor de las mismas, en una densa masa central que se toma de estas columnas. La idea fue generar un clima intimista, que remita a elementos de la naturaleza utilizados para cocinar, como hongos de distintas especies, en un entorno metálico y oscuro, en contraposición con elementos claros, como son los asientos, las mesas y las lámparas. Los asientos se resuelven con banquitos bisonte, realizados al igual que los mesones, en melamina Touch Lino de Masisa. + www.casafoa.com

El espacio se dividió en tres áreas bien definidas: ante-baño hombre y mujer, sector retretes y sector mingitorios. Las paredes rayadas del ante-baño indican cuál es el sector para mujeres y cuál para hombres. En el baño para discapacitados, el color rayado es violáceo y el piso es de porcelanato Madera Fresno, que continúa en las paredes, simulando un entablonado de madera. Éste se integra al pasillo, que es un área común de circulación general, que congrega la paleta de colores completa con los neutros, el azulino, el verde y el frutilla. El piso es de porcelanato Madera Fresno. Asimismo, las puertas de los retretes existentes en el baño principal fueron restauradas y reubicadas, copiando la posición de medio octógono existente.

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+ GoPro Hero 3

GoPro

La memoria de la adrenalina Los orígenes de una cámara digital pensada para surfistas, que derivó en una auténtica comunicad de fieles seguidores. | Texto: Ricardo Sametband @rsametband

La historia dice que en 2007, Nicholas Woodman quería una cámara para grabar sus proezas surfeando las olas californianas. Usaba una Kodak descartable y algunas cintas para atarla a su brazo. Tenía 27 años, y algo de dinero que había guardado de la venta de una aventura anterior, un sitio para gamers: Fun Bug. Sin saber qué hacer de su futuro, decidió invertir sus ahorros en un viaje surfer de varios meses por Australia e Indonesia. No le fue mal: volvió del viaje con una idea que lo llevó a comandar una compañía valuada en 2250 millones de dólares, con 500 empleados, llamada GoPro. La idea, cortesía de otro surfer y uno de los ejecutivos actuales de la compañía, Brad Schmidt: usar una cámara digital, que soporte los golpes y el agua. Woodman volvió a su casa y se encerró -según le relató a la revista Forbes-, para trabajar 18 horas diarias en su proyecto.

Le costó: apostó parte de su presupuesto en un fabricante ignoto de cámaras digitales de China, y pasó incontables horas tratando de vender su cámara (artesanal) en ferias y reuniones, pero finalmente, logró que su visión se hiciera realidad. El foco eran las cámaras para surfistas (la herramienta para mostrarle a todos cómo era por dentro esa ola magnífica), pero un día, se subió a un auto de carrera, vio que podía montar la cámara en el tablero para grabar cómo conducía, y todo cambió. Comprendió que la cámara, con el accesorio adecuado, era universal.

Hoy es el multimillonario detrás de una compañía dedicada a registrar momentos de gran adrenalina, y una comunidad que (por ahora) le es fiel hasta la última gota de sudor. ¿Qué es una cámara GoPro? Un pequeño cubo resistente a golpes, que graba video de alta resolución. En rigor, la cámara en sí no es gran cosa: la gracia

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ideas creativas 095 gadgets

+ Sony HDR-AS30, Toshiba Camileo X-Sports y JVC GC-XA2

está en los múltiples accesorios que permiten protegerla del agua o el polvo y montarla en un casco, en la muñeca, en el manubrio de una bicicleta o una moto, en la punta de una tabla de surf, la esquina de un ala delta, en un remo, una espada, un esquí, un autito a control remoto, una mascota, etcétera.

Nació para dar testimonio de lo que hacemos al aire libre, de las acrobacias, las bajadas en bici, las pistas de esquí, la pasada por caminos o las piruetas del perro que luego, con palabras, nos sería muy difícil describir. Por eso, además, los videos son tan populares en YouTube (el lugar predilecto para compartir este tipo de grabaciones; según la compañía, alguien sube un video etiquetado como GoPro por minuto): allí se muestra lo que uno pudo hacer (y lo que no), el lugar mágico en el que estuvo, lo bien que lo pasó.

En Facebook, la página de GoPro suma 6,2 millones de “Me Gusta”; la del representante argentino, algo menos de 2 mil. En ambos perfiles, se pueden ver videos de profesionales como Camila Harambour (la chica chilena devenida argentina, que hace acrobacias en BMX), del Bomb Squad (un grupo que hace paracaidismo, usa trajes aéreos -también llamados “wingsuit”, es decir, permiten hacer un ala con el cuerpo- y los registra para que otro lo vea como si lo hiciera en primera persona) y una gran masa de personas, algunas con gran habilidad, otros con magnífica torpeza, que quieren mostrarle a los demás cómo se divierten a costa de su cuerpo y en paisajes que suelen ser espectaculares. Eso es lo que logra este tipo de cámaras: a diferencia de una de mano, hace su tarea con disimulo, sin ser parte de la operación. Testifica, pero no interfiere.

LA GOPRO NO ES LA ÚNICA El modelo más avanzado de GoPro es la Hero 3, un cubo de 60 x 42 x 30 mm: tiene un precio de U$S 330 en Estados Unidos, y es una cámara de 12 megapíxeles, con un lente de gran angular que

Link a la nota: http://9010.co/notagopro

graba video en Full HD a 60 cuadros o en 4K (es decir, Ultra Alta Definición), aunque a 12 cuadros. O 120 cuadros en 720p, ideal para grabar en cámara lenta. Graba audio, tiene una antena de WiFi interna, y se puede controlar por control remoto (con un control físico o una aplicación para smartphones). Los accesorios tienen un precio promedio de entre U$S 15 a 30.

No es la única: han surgido varios competidores, como Sony, con su Action Cam HDR-AS30V: un sensor de 12 megapíxeles y lente Carl Zeiss gran angular, graba audio en estéreo y tiene entrada adicional, estabilización de imagen, GPS, Wi-Fi, NFC, graba video en Full HD y en cámara lenta a 720p. Y se ofrece con una gran cantidad de accesorios para ubicarla donde sea necesario. Precio: U$S 300 en Europa (existe una versión más económica).

La JVC GC-XA2 tiene un sensor de 8 megapíxeles para grabar video en Full HD, con un lente gran angular, sumergible 5 metros, tiene una pantalla de 1,5 pulgadas para monitorear las tomas, giróscopo para estabilizarlas, Wi-Fi, aplicaciones para control remoto y más. Precio: U$S 300 en Estados Unidos. La Toshiba Camileo X-Sports, por su parte, presentada en septiembre en la feria IFA de Berlín, tiene un sensor de 12 megapíxeles, graba video en Full HD a 60 cuadros por segundo, resiste caídas de hasta 1,5 metros de altura, es sumergible 60 metros, tiene una pantalla de 2 pulgadas, conexión Wi-Fi, salida HDMI y diversos accesorios.

Estará disponible a fin de año en Europa, aunque la compañía no difundió todavía el precio.

El desafío a futuro para GoPro es sobrevivir al embate de los smartphones, más frágiles y voluminosos, pero más dúctiles a la hora de registrar y compartir el material; ya hay monturas para cascos y manubrios para los modelos más populares. + www.gopro.com

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+ Test drive del nuevo Ford Focus en Mendoza.

Fiesta KD, Focus y Kuga Los nuevos lanzamientos de Ford

En apenas tres meses, la marca del óvalo fue noticia en casi todos los flancos en donde participa, gracias a los lanzamientos del nuevo Fiesta KD -con el que compite en el segmento B Premium-, la nueva Kuga -exponente de los SUV pequeños- y, por último (y el más esperado de todos), el nuevo Focus, lanzamiento regional que se realizó en Mendoza, y al cual asistimos, para poner a prueba a este renovado referente del segmento C. A continuación, un repaso por las tres últimas incorporaciones de la firma americana. | Texto: Elvio Orellana @emorellana33

NUEVO FIESTA KD Fue el modelo que revolucionó el segmento de los compactos pequeños en el 2010. Y lo hizo sobre la base de un diseño impactante, y un inédito nivel de seguridad y tecnología. Con estos antecedentes, su nueva edición no podía ser menos que aquélla. Es por ello que la marca acentuó aún más la corriente de diseño que denominó Kinetic Design. ¿Cómo lo hizo? Recurrió a una trompa más afilada, faros rasgados, un parabrisas más inclinado, un capot torneado con relieves, y una protuberante parrilla hexagonal.

Su interior, el cual fue también uno de los pilares de la edición anterior, también evolucionó: se perciben ahora materiales de muy buena calidad (plásticos blandos). Su dotación de soluciones tecnológicas también ganó. Ahora, el sistema Sync (con el que se pueden realizar llamadas telefónicas, leer y enviar mensajes de texto, etc., con

apenas una orden de voz) permite manipular el climatizador y al navegador. Otras novedades incluyen la cámara de estacionamiento trasera, y el sistema de apertura y arranque sin llave, entre los principales. Debajo del capot, sigue estando el conocido naftero 1.6L Sigma II con doble variador de válvulas, de 120 caballos. Donde sí hubo novedades es en la caja de velocidad: desde ahora, se podrá elegir -además de la manual de 5 marchas- una caja Powershift de doble embrague y 6 velocidades.

FORD KUGA La segunda novedad de Ford fue la segunda generación de su SUV, Kuga. Importada desde España, llegó a nuestro mercado con un rediseño más moderno que su anterior generación, que se presentó a fines del 2010. Entre sus cambios más importantes, se incluye su motor, el cual ahora es un Ecoboost 1.6 litros, turbo, Intercooler

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ideas creativas 097 vehículos

+ Nuevo Ford Kuga

e inyección directa. Su potencia varía según la versión, siendo de 150 CV (versión SEL FWD) y de 182 CV (versiones SEL AWD y Titanium). Atrás quedó entonces su potente motor 2.5 turbo de 200 CV. La versión SEL FWD tiene tracción delantera y caja manual de 6 velocidades. Las dos más equipadas vienen sólo con caja automática Powershift de doble embrague, de 6 velocidades y tracción integral “inteligente”.

Otro aspecto mejorado fue el de la seguridad. De este modo, ahora viene de serie con 7 airbags (incluyendo de rodillas para el conductor), control de estabilidad, control de tracción, frenos ABS, asistencia al arranque en pendiente, sistema de estacionamiento automático y central multimedia Sync, con navegador satelital en pantalla de 5 pulgadas. La versión Titanium agrega sistema de atenuación de riesgo de vuelco.

NUEVO FORD FOCUS Hasta Mendoza llegamos con una gran comitiva de colegas especialistas para presenciar el lanzamiento más importante de Ford: el Nuevo Focus. Se trata de la tercera generación y es, sin dudas, la más lograda de todas las conocidas hasta aquí. Su estilo ganó en agresividad. La toma de aire en forma de trapecio invertido y las ópticas filosas, le dan un aspecto más deportivo. En los laterales, se destacan las llantas de aluminio de nuevo diseño. En la cola, las luces rasgadas le dan mucha personalidad; bastante más jugadas en el bicuerpo.

Su habitabilidad también se modificó, ya que ganó algo de lugar en las plazas traseras. Esto gracias a que creció de largo y ancho, aunque su altura ahora es menor. En su interior, también percibimos una mejora en toda su plancha central, la cual ganó sofisticación gracias al sistema Sync en todas las versiones (Bluetooth comandado por voz, con volante multifunción). No obstante, es su versión Titanium -la más equipada-, la que suma una pantalla táctil de 8 pulgadas, con GPS y cámara de retroceso, asociada a un equipo de audio Sony, con nueve parlantes Hi-Fi.

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El gran salto, si se compara con la edición anterior, lo dio en el apartado de seguridad. Desde su versión más básica (S), el nuevo Focus III viene con doble airbag frontal, frenos ABS, 5 apoyacabezas, 5 cinturones de seguridad inerciales, alarma de olvido de cinturón de seguridad, anclajes Isofix y encendido automático de luces. A partir de la versión SE, agrega los frenos a disco en las cuatro ruedas, y los airbags laterales delanteros. Las variantes SE Plus y Titanium vienen con la dotación completa de 6 airbags (añaden dos de cortina), control de estabilidad, control de tracción, asistencia al arranque en pendiente y alerta de pérdida de presión en los neumáticos.

Es para destacar de la versión Titanium su sistema de estacionamiento automático, convirtiéndose así, en el primer auto fabricado en la Argentina en disponerlo. La oferta mecánica cuenta con dos opciones, ambas nafteras. El primero es un 1.6 de 16 válvulas con inyección indirecta que entrega 125 caballos. El otro es el 2.0 16v, que sumó inyección directa para pasar de 145 a 170 caballos de potencia. Éste se puede combinar con la caja manual de 5 o una automática Powershift de doble embrague y 6 relaciones. + www.ford.com.ar

+ Nuevo Ford Fiesta KD

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Salón Diario La Capital Lo mejor del diseño 2013

“Cuando el río suena, agua lleva” reza el dicho popular. Rosario no deja de hacer ruido, y nuevamente nos sorprende con lo mejor del diseño en la edición 2013 del Salón Diario La Capital. La ciudad santafecina conocida ya por ser usina de grandes creativos, no deja de hacerle honor a su fama, y reúne diseñadores locales y de todas partes del país, en un evento que ya es un clásico en la agenda nacional. | Texto: Hernán Rossi @herchurossi

+ Casita plegable colgante de Leticia Paschetta de Paisajes Lúdicos. Premio adquisición categoría Infantil y/o lúdico.

ideas creativas

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El Salón Diario La Capital -organizado por Fundación La Capital y el Museo Castagnino+Macro- va por su doceava edición. Si se recorren los nombres de seleccionados y ganadores de ediciones anteriores, se puede ver que muchos de ellos son hoy reconocidos en el medio, y sus productos ocupan un lugar relevante en el mercado.

El Salón se ha transformando en un semillero de diseñadores, que encuentran aquí la oportunidad no sólo para mostrarse, sino también para recibir asesoramiento, tanto en la producción como en la inserción de sus productos en el mercado.

LOS GANADORES En esta oportunidad, las salas del Museo Municipal de Bellas Artes Juan B. Castagnino muestran una treintena de objetos que se distribuyen en las categorías accesorios, joyería contemporánea, infantil y/o lúdico, equipamiento (mobiliario), equipamiento (hogar y escritorio). Dentro de esta selección, el jurado de premiación compuesto por Marcela Römer (Directora del Museo Castagnino+macro), Mauro Guzmán (Cordinador Área Diseño Secretaría de Cultura Municipalidad de Rosario), Gerardo Glusman (Talleres Chicago e Interio), Anabella Rondina (Directora Operativa Centro Metropolitano de Diseño) y Juan Ignacio Forcem (Nosten) eligieron a la luminaria Ishi de Martín Peralta, que concursó dentro de la categoría Equipamiento, como primer premio adquisición.

Ishi es una luminaria de cristal soplado, pensada para utilizarse en escritorios, muebles bajos o piso. Encuentra inspiración en las piedras de estilo japonés, realzando la belleza de lo natural en su forma, dureza y perdurabilidad. Para su realización, se emplea la técnica milenaria de cristal soplado a boca en forma libre.

Dentro de los premios adquisición, se suma Natalia Hojman de estudio Liten por su producto Café y Café II, en la categoría Accesorios.

Se trata de unas monopiezas miniaturas realizadas en resina, que copian la forma de tasas y cafeteras. Además, dentro de Joyería, está Lorena Sosa, con su Colección 13, donde mixtura textiles, metales y cristales, buscando que las joyas sean prendas. El estudio BDR con Ctrl (Ctrl C y Ctrl V) en Mobiliario también recibió su mención. Se trata de una línea de muebles pensados para pequeños espacios, que se destacan por la simplicidad y practicidad. Leticia Paschetta de Paisajes Lúdicos cierra los premiados con su casita plegable colgante, en la categoría Lúdico y/o Infantil. La diseñadora propone una nueva mirada para la casa del árbol, con una estructura tensada que puede colgarse a las ramas y plegarse para su fácil traslado.

Pup Cerámica, de Darío Polaco de Coconut Studio, de Gabriela Miguel y Marina Baima y Luciana Dittamo de Estudio Ohmos.

ROSARIO HACE RUIDO Y TRAE DISEÑO Año a año, el Salón se consolida en la escena del diseño, mostrando productos cada vez más cuidados y específicos. En esta edición, el mobiliario se destacó por su presencia, que sorprendió no sólo por sus líneas, sino también por los criterios de sustentabilidad utilizados por sus creadores. Así, el sillón Basural de Mauricio Millikonsky es construido con maderas de descarte, y tiene el objetivo de reducir la cantidad de desechos generados por la construcción de viviendas en el Claltén. Por su parte, Juan Medardo Paredes -a través de su sillón Tansec II- propone una mirada valorativa hacia los propios recursos naturales y culturales, incluyendo a los pueblos originarios, respetando sus técnicas, su mirada artística y el vínculo que tienen con la naturaleza, teniéndolos en cuenta en los esquemas productivos.

El evento de diseño cuenta también con tres muestras anexas.

BID12 Bienal Iberoamericana de Diseño, Itinerancia Rosario_Argentina. Es otro de los espacios a recorrer, donde se presentan los diseños más destacados de estos dos últimos años, seleccionados por un comité asesor compuesto por profesionales de los países intervinientes. En total, 404 proyectos de los 23 países iberoamericanos, conforman la selección BID12.

Diseño Sustentable, en otra de las salas, muestra objetos de diseño curados por Girasol: energía para el cambio, una consultora y productora de contenidos dirigida por las periodistas Yanina Tendlaz y Jimena Laclau, abocada a la sustentabilidad, abordándola desde la metodología del green hunting, con el propósito de acercar las nuevas propuestas y los caminos superadores que impulsa esta tendencia.

Finalmente, IDI, punto de partida (curada por Wustavo Quiroga y Marina Baima) hace un recorrido por los orígenes del Instituto de Diseño Industrial fundado en 1962, y con fecha de cierre en 2003. Ésta fue una experiencia piloto que sentó las bases del diseño rosarino. Se creó como un ente dentro de la Facultad de Ciencias Exactas, Ingeniería y Arquitectura de la Universidad Nacional de Rosario, que articulaba con dichas carreras.

Dentro de las menciones especiales, el jurado destacó los productos de Constanza Caterina, Mariana Lezcano y Jimena Rodríguez de

El Salón Diario La Capital pudo visitarse hasta el 14 de octubre en el Museo Municipal de Bellas Artes Juan B. Castagnino, en Av. Pellegrini 2202, Rosario, Argentina. + www.fundacionlacapital.org.ar

+ Ctrl de Azul Bloch, Agostina Dagotto y Ana Clara Ribas. Premio adquisición categoría Equipamiento Mobiliario.

+ Luminaria Ishi de Martín Peralta. Primer Premio Adquisición en la categoría Equipamiento Hogar y Escritorio.

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+ Audi Nanku

Salón del Automóvil de Frankfurt El reinado de los modelos eléctricos

Entre autos que pronto circularán por nuestro país, deportivos para soñar y concept cars que adelantan cómo será el futuro no muy lejano, se presentaron 159 estrenos mundiales en la última edición de la feria alemana del automóvil.

Un repaso por los principales modelos. | Texto y fotos: Elvio Orellana @emorellana33

El Salón Internacional del Automóvil de Frankfurt es considerado -junto al de Detroit (Estados Unidos) y París (Francia)- uno de los más importantes del mundo. Es por ello que, cada dos años, la ciudad alemana, además de transformarse en la capital mundial del automóvil, se convierte en el epicentro de cientos de medios de comunicación de todo el mundo. Hasta allí llegamos, con el fin de descubrir los próximos estrenos mundiales, y avizorar cuáles son las tendencias que cada marca dejó entrever, a través de sus modelos más futuristas.

DOMINIO ALEMÁN Ser local juega siempre a favor, y se podría decir que los alemanes saben mucho sobre este tema. Entre mega stands, pistas de prueba

bajo techo, montajes escénicos dignos de una producción de Hollywood y, por supuesto, modelos que dejaron boquiabiertos a la mayoría de los presentes, las constructoras alemanas hicieron sentir el rigor de su localía.

Entre sus excentricidades, Audi encabezó con el concept Nanku Quattro. Un cupé híbrido enchufable de tracción 4x4, que se gestó sobre la base del Audi RS5, pero con giros de diseño del Italdesign Giugaro. El modelo es capaz de acelerar de 0 a 100 km/h en 3,7 segundos, y su velocidad máxima es de 305 km/h. Todo ello, gracias a la combinación de un motor 4.0 V8 TFSI de 560 CV y uno eléctrico de 140 CV, que apenas consume 2,5 litros cada 100 kilómetros. Lo más llamativo de este Audi, que rinde tributo a los treinta años que

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ideas creativas 101 vehículos

+ BMW i8

+ Mercedes-Benz Clase S

+ Chevrolet Camaro

+ Volkswagen Golf R

cumplió la marca en su desempeño en el mundo del rally, son sus enormes llantas de 22 pulgadas.

del auto referente en cuanto a modelo eléctrico se refiere, y nos dejó muy sorprendidos por su gran respuesta por las calles de Frankfurt.

Mucho más terrenal que aquél -por lo menos, para el mercado europeo-, fue el Audi A3 e-tron. Su apelativo e-tron hace referencia a su motor híbrido, que combina un naftero con otro eléctrico, y que puede conectarse a la red eléctrica. Juntos, impulsan al A3 híbrido hasta los 222 km/h.

El otro modelo que fue de la partida y que también puede enchufarse a un toma corriente convencional, fue el e-Golf, que dispone de una autonomía de 190 kilómetros de distancia. En contracara a esta versión, el Golf R de alto rendimiento fue uno de los más fotografiados y, según la marca, posee uno de los más potentes motores de 4 cilindros del mundo, produciendo 296 caballos de fuerza (hasta 30 CV más que el modelo anterior).

Por su parte, BMW dejó bien en claro su apuesta por la movilidad eléctrica, y para ello, presentó oficialmente a la submarca denominada: “i”, de la cual ya forman parte los modelos i8 e i3. El más pequeño de ellos, el i3, pasó a convertirse en el primer modelo eléctrico de serie de la marca. Dueño de un diseño un tanto futurista, se comercializará desde noviembre en Europa. Por su parte, el i8 también dejó su fase experimental, para convertirse en un auto de serie. La fibra de carbono y el aluminio predominan en este deportivo híbrido enchufable, que cuenta con un motor eléctrico y un motor naftero de tres cilindros, de una potencia total de 362 CV. A pesar de ello, tiene un consumo medio de 2,5 l/100. La marca ve a los Estados Unidos como el mayor mercado de ventas para este modelo, que sale a la venta a mediados de 2014.

Otra que dejó en claro su tendencia hacia los modelos eléctricos fue Volkswagen. El principal referente –al que pudimos manejar por las calles de Frankfurt-, fue el e-Up. Este pequeño modelo de cuatro puertas, cuya versión naftera llegará el año que viene a nuestro país, puede viajar 160 km, con una carga completa de su batería. Se trata

La otra anfitriona que dispuso de varias primicias en su gigantesco edificio, fue Mercedes-Benz. Después de presentarlo como concept car, la marca aprovechó esta edición del Salón para lanzar la versión definitiva del GLA. Se trata del primer SUV de la marca, que competirá con BMW X1 y Audi Q3, cuando se ponga a la venta durante el último trimestre del año que viene en nuestro país. Está concebido sobre la plataforma del Clase A, y llegará con la misma motorización de los Clase A y Clase B: 1.6 turbo de 156 CV y 2.0 turbo de 211 CV. Pero la mayor apuesta de Mercedes-Benz la representó el Clase S, un sedán que, según los responsables de la marca, tiene todo para ser “el mejor auto del mundo”. A esta versión se sumó el concept Clase S Coupé, un dos puertas más radical que el resto de la gama.

Y eso no fue todo, ya que también exhibió al S 500 Plug-in, una versión híbrida que combina un motor de naftero de 3.0 litros V-6 con otro de eléctrico de 80 kW.

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+ Alfa Romeo 4C

+ Citroën Cactus

+ Renault Mégane

+ Fiat 500L Living

Finalmente, no queríamos dejar afuera de este grupo a la firma de los modelos pequeños, smart. En esta oportunidad, la marca presentó un modelo pensado para cuatro personas. Bautizado como el smart Fourjoy, no tiene puertas ni ventanas, y el techo está abierto. Es un auto que quiere mostrar al mundo que se trata de un smart más grande de lo normal. Tiene una longitud de 3.494 mm, 1.978 mm de ancho y una altura de 1.494. Además, promete tener un diámetro de giro de tan sólo 9,1 metros, gracias a que el motor (eléctrico), va situado en la parte trasera, y las ruedas pueden inclinarse más.

Del lado de Peugeot, la otra francesa que forma parte junto a Citroën del Grupo PSA, la novedad que más nos interesó fue la nueva edición del 308, modelo que podremos ver en nuestro país el año que viene. Se trata de una gran evolución que se alista tras los genes estilísticos de que hermano menor, el 208. Esto se puede apreciar tanto en su estética como en el interior donde, por ejemplo, se reproduce el formato elevado del tablero que la marca estrenó con el 208.

LAS FRANCESAS E ITALIANAS Dentro de las marcas generalistas, aquellas de origen francés e italiano, fueron las que dieron pelea a la gran abatida de las firmas alemanas “Premium”. Imposible fue no detenerse en el stand de la francesa Citroën para apreciar sus novedades. De todas ellas, hubo una de la que nadie quiso quedarse sin fotografiar. Se trataba del Cactus, un prototipo de suma importancia para la marca, ya que representa el adelanto de las líneas de diseño que pronto se podrán apreciar en futuros modelos. De hecho, ya se habla de un nuevo o modelo semi low cost (bajo costo), que se sumará a la saga de C4, y que debutará entre febrero y marzo de 2014.

El otro modelo al que pudimos, además de ver en persona, subirnos como copilotos, fue el nuevo C4 Picasso. Su frontal marcado por líneas rectas, grupos ópticos afilados con luces LED de día, y un lateral que se distingue por tener el pilar A dividido, le otorgan un aspecto muy moderno. Puertas adentro, deslumbra por todos los avances que ofrece lo cual, sumado a su confort, tiene ya asegurado su éxito de venta cuando llegue en el 2014 a nuestro país.

El otro modelo que fue también de la partida del stand, fue el RCZ R, que vendría a ser algo así como la versión más rabiosa de esta cupé. De hecho, el RCZ R pasa a ser el auto de serie más potente que ha producido Peugeot hasta la fecha: 270 CV, con un 0 a 100 km/h en torno a los 6 segundos y una velocidad máxima auto limitada a 250 km/h. Se comenzará a vender en Europa en 2014, y luego podría llegar a la Argentina.

Otra automotriz que no quiso pasar desapercibida fue Renault. De todos sus modelos expuestos, destacamos el renovado Mégane, que cambió sutilmente el diseño y agregó equipamiento. Éste llegará a la Argentina el año próximo, sólo en versión bicuerpo. Asimismo, se exhibió la renovada Duster, pero con el logo de Dacia. Sus mayores novedades se encuentran en la trompa y la renovación parcial del interior, además del agregado de sistema multimedia. Después de ello, un arsenal de prototipos (el Initiale París, el DeZir, el Captur, el R-Space, el Frendzy y el Twin’Z), hicieron de este stand, uno de los más visitados.

En el caso de la italiana Fiat, la primicia mundial fue el monovolumen 500L Living. Es decir, una versión aún más grande que el

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ideas creativas 103 vehículos

+ Ford Vignale

500L, que llegará antes de fin de año a nuestro mercado. En sus 4,35 metros de largo, pueden viajar hasta 7 ocupantes. Al lado del stand de Fiat, se encontraba el de Alfa Romeo, firma que pertenece al grupo. Allí se exhibió el 4C, modelo que pronto empezará a venderse en Argentina. Pero la principal primicia fue el renovado Giulietta. Esta nueva versión estrena un nuevo motor diésel 2.0 JTDM 2, que garantiza una reducción de ruido y combustible. En cuestiones estéticas, su parrilla delantera se ha puesto al día con ligeras pinceladas en cromo. Los faros incorporan tecnología LED para la luz diurna y las traseras también recurren a esta fórmula.

Las renovadas llantas de aluminio en 16, 17 y 18 pulgadas, le terminan por conceder una mayor deportividad. Pero si de carácter deportivo se trata, fue la Ferrari 458 Speciale, marca que también pertenece al grupo italiano, la que mayor suspiros generó, de sólo verla exhibida. Detrás de ella, una enorme pantalla de LED reproducía a su desaforado andar en un circuito. Esto daba una idea a los presentes de lo que su motor V8 atmosférico de 605 CV -el más potente desarrollado por la marca hasta el momento- era capaz de hacer.

es en el habitáculo, ya que cuenta con un equipamiento más rico que incluye, entre otros elementos, arranque remoto, un proyector de información sobre el parabrisas a color y una pantalla táctil de 7 pulgadas, con el sistema multimedia Chevrolet MyLink, entre los más destacados.

EL SUEÑO AMERICANO Aunque lejos de su país de origen, las firmas de origen norteamericano se sumaron a las generalistas, que sorprendieron por el nivel de productos que presentaron. Chevrolet, la marca del moño dorado, apostó en Alemania por su muscle car, el Camaro. La novedad sobre este clásico, se basó en que se exhibió en su versión descapotable. Se trata de una carrocería más aerodinámica que antes, que le permite refrigerar mejor la mecánica y aumentar la estabilidad a altas velocidades. Otra de las diferencias con respecto a su versión con techo,

El otro prototipo adelanta lo que será la próxima generación de su monovolumen: S-Max. Se caracteriza por su diseño más afilado y deportivo, aunque mantiene la habitabilidad y señas de identidad del modelo actual. Sus dimensiones son también muy parecidas, aunque la carrocería rebaja su altura unos 2 centímetros. Otros aspectos destacados son un mejor nivel de acabados, un interior más versátil y un equipamiento tecnológico más completo, que presume de un asiento que mide el ritmo cardíaco del conductor. + www.iaa.de

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Por otro lado, la americana Ford se lanzó con dos concept cars que adelantán la nueva cara de dos modelos que son conocidos por estas latitudes; de allí la importancia de los mismos. El primero de ellos es el Vignale, un modelo que marca el camino de cómo será el nuevo Mondeo. El apelativo Vignale, es en honor a Alfredo Vignale, un famoso carrocero italiano que alcanzó su cénit entre mediados de la década del 50 y hasta los años 70. En este Ford – que pudimos ver en versiones sedán y station wagon (rural)- prevalecen los materiales como el aluminio, cuero y una gran presencia de cromados en su exterior. Con todo ello, Ford quiere crear una oferta “pre Premium” de su nuevo modelo, con el objetivo de recuperar las ventas que en los últimos quince años le han arrebatado marcas Premium.

+ Eleonora Margiotta

portfolio fotográfico

Eleonora Margiotta | Curador: Aldo Bressi

Eleonora Margiotta (1971-2009) fue fotógrafa, escenógrafa y directora de arte. Estudió publicidad y fue discípula del fotógrafo Aldo Bressi y del escenógrafo y arquitecto Gastón Breyer. Su obra fue expuesta en distintas galerías y participó en las ediciones de arteBA en los años 2003, 2004, 2005 y 2007. Todos sus trabajos están realizados con cámaras analógicas de medio y gran formado. +

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+ Eleonora Margiotta

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+ Eleonora Margiotta

+ Eleonora Margiotta

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+ Generador para laboratorio de electrónica de la Universidad de Rosario, década del 60.

IDI, Instituto de Diseño Industrial Trazados del diseño rosarino Durante la década del 50, el movimiento moderno llegó a Rosario, y propuso cambios de renovación en el área arquitectónica. La reformulación de planes de estudio logró actualizar el pensamiento proyectual, hasta generar la necesidad de incluir al diseño como un área exclusiva de investigación y desarrollo. Así, dentro del ámbito de la Facultad de Ciencias Exactas, Ingeniería y Arquitectura de la Universidad del Litoral –posteriormente, Universidad de Rosario-, nació en 1960 el Instituto de Diseño, reformulado en 1962 como Instituto de Diseño Industrial: IDI.

| Texto: Wustavo Quiroga

clásicos contemporáneos

+ 111 diseño

+ Modelo de tractor realizado para la firma John Deere Argentina, con rediseño de carrocería, ajustes ergonómicos de puesto de manejo y comando (1964-65).

PUNTO DE PARTIDA El primer Instituto, ID, fue formado por Walter Moore, con la finalidad de reflexionar sobre la “forma funcional”, sin necesidad de hacer énfasis en la etapa productiva. En 1962, se planteó un cambio refundacional, necesario para justificar la existencia de un Instituto de Diseño dentro del ámbito académico, y conseguir apoyo para fomentar su crecimiento. Con la dirección de Jorge Vila Ortíz, un artista científico de gran impronta intelectual, se creó el IDI, Instituto de Diseño Industrial, con la estrategia de acercar el diseño al ámbito industrial.

El carácter técnico del Instituto le permitió avanzar en investigaciones de impronta social, vincularse con empresas locales para ejercitar

casos reales, aplicar nuevos diseños en la comunidad y, principalmente, crear profesionales en una disciplina inédita para asegurar el futuro de la profesión. Por aquél entonces, el concepto “diseño” era algo nuevo. El IDI lo entendía así: “Es el acto de proyectar los objetos fabricados por medios industriales, tratando de conciliar las exigencias -a menudo conflictivas-, que inciden sobre la forma final del producto, exigencias o requisitos que provienen de áreas tan diversas como la función, la manipulación, la venta, la fabricación, la economía, el mantenimiento, etc., cumpliendo así una función coordinadora en la gestión del producto, pero poniendo especial énfasis y esfuerzo en la optimización de todos los requisitos provenientes del área del uso, es decir, de aquellos requisitos emanados más directamente del ser humano que ha de usar finalmente el objeto diseñado”.

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+ Exposición de los trabajos del Instituto durante la década del 60.

+ Juegos para estimulación psicomotriz, utilizados por niños con capacidades diferentes, década del 80.

Los campos de incidencia del IDI fueron múltiples e interdisciplinarios: morfología, ingeniería, ergonomía, comunicación y psicología, entre otros. Sus proyectos dieron respuestas en ámbitos como hogar, salud, trabajo y educación. Su influencia en el medio industrial santafesino fue clave para valorizar y mejorar la calidad de los productos centrados en los usuarios, al mismo tiempo que aportó con profesionales formados en el hacer intrínseco del diseño industrial.

LOS PIONEROS Y EL DEVENIR DE LA HISTORIA ARGENTINA El equipo inicial estuvo conformado por un reducido grupo de expertos y alumnado de avanzada, entre ellos: Enzo Grivarello como coordinador de diseño, Carlos Kohler como coordinador de docencia, Ricardo Detarsio como coordinador de investigación, Miguel Pampaluna como asesor técnico, José Rodríguez como modelista y Luis Alberto Jaime como dibujante. Entre los proyectos, se destacaron herramientas de trabajo e instrumental para el hogar, mobiliario escolar, juegos públicos y transporte automotriz, por nombrar sólo algunos.

Algunas mujeres también formaron parte de esta experiencia.

Ana María Aguiar y Mónica Garate estuvieron a cargo del área de diseño gráfico, en donde desarrollaron marcas para las empresas Bianchi Legítima (de balanzas) y Tauro (de herramientas de electromecánica); además de la comunicación externa del IDI, como

exposiciones y papelería. Mónica Garate fundó, 25 años después, el ISCV - Instituto Superior de Comunicación Visual, a la vez que organizó la carrera de diseño industrial, junto a los compañeros del IDI: Enzo Grivarello, Ricardo Detarsio y Miguel Pampaluna.

También se incorporó el psicólogo José Alberto Stefan, con las primeras investigaciones sobre el gusto de grupos sociales, los niveles de aceptación social de la innovación, la necesidad de diseño o los factores de decisión de compra.

Otro aporte fundacional fue la creación del LEA, Laboratorio de Ergonomía Aplicada, a cargo de Juan Carlos Hiba, quien coordinó una serie de investigaciones sobre percentiles antropométricos de la población local y posturas de uso o trabajo. En una segunda etapa del IDI, el área de ergonomía estuvo a cargo de Rosana Carpman, quien participó y coordinó las últimas investigaciones.

La dictadura del 70 debilitó los programas educativos y descontinuó la producción industrial, lo que afectó de manera incisiva al proyecto del IDI. Con la falta de presupuesto oficial y el desinterés del empresariado, se hizo imposible continuar con los objetivos iniciales del Instituto, que viró a un modelo educativo reducido de experiencias prácticas. En 1989, Enzo Grivarello asumió como director, y le imprimió al Instituto una gestión internacional, vinculada a la formación teórica del diseño. El pa-

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+ Mediciones en el LEA: Laboratorio de Ergonomía Aplicada. El instrumental de medición fue realizado por el personal del IDI.

norama se vio agravado por la política de los 90 en Argentina y por la separación de las Facultades de Ingeniería y Arquitectura, ámbitos en que dialogaba el IDI hasta su cierre, en 2003. Actualmente, hay otro instituto dentro del ámbito de la Facultad de Ciencias Exactas, Ingeniería y Agrimensura, UNR, que de alguna manera, subsiste la vinculación al diseño que promovía el IDI: el ITDI Instituto Tecnológico en Diseño e Investigación, dirigido por Enrique Dreifuss.

EL DESTINO MAPEADO Desde la clausura, la documentación y ciertas piezas que testimonian la relevancia del IDI, se encontraban dispersas, descuidadas e, incluso, algunas fuentes de información en riesgo. Dada la importancia patrimonial que tiene este capítulo rosarino para la historia del diseño argentino, se inició la investigación “IDI. Punto de Partida”. La tarea a cargo de CAPA - Colección y Archivo Proyectual Argentino (junto a Marina Baima, ex miembros y familiares del IDI, y Fundación La Capital) derivó en una muestra del primer avance en el marco del Salón Diario La Capital, en el Museo Castagnino.

La exposición abordó de manera genérica algunos aspectos que permiten reflexionar sobre la labor grupal del IDI: promoción institucional, formación, investigación, proceso de diseño y casos aplicados. En la sección de promoción institucional, se agruparon

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los materiales de difusión que el IDI utilizó para divulgar su misión y sus objetivos, como los Cuadernillos del IDI, realizados entre 1972 y 1977. Dentro de formación, se abordó el material referencial de estudio interno, que posibilita trazar vínculos nacionales e internacionales, además del material creado por ellos, para la capacitación externa y eventual como cursos. Por investigación, se mostraron algunas ediciones con los temas que fueron profundizados interdisciplinarmente; mientras que por casos aplicados, se vieron los diseños implementados y en proceso de diseño: aquellos ejercicios de aprendizaje materializados en planos, maquetas, ilustraciones y fotografías.

Este proyecto permitió digitalizar cientos de imágenes inéditas, reunir textos teóricos e informes de trabajo, restaurar piezas claves como el “mobiliario económico” -realizado en multilaminado con remaches-, piezas únicas -como un escritorio y una mesita de líneas concretas-, instrumental de trabajo y luminarias utilizados para equipar sus oficinas.

Sumada a las buenas noticias de rescate y puesta en valor del IDI, en el Salón se apreció otra novedad para Santa Fe: la creación de una carrera de diseño de grado, en la Facultad de Arquitectura, Planeamiento y Diseño de la Universidad de Rosario, donde se espera que regrese el espíritu científico innovador nacido en los 60. +

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