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+55 + “Julia es colqueña. Juntas bajamos al cañón de Canocota, donde nos sentamos sobre un campo de cebada, y ella

sumario +mundo creativo 012

cantó una canción”. De la serie fotográfica Historias breves por Gabriela Rey.

054 062

moda, música, cómic, diseño, art toys, publicaciones, gadgets, green design, ciudades creativas, discos, vehículos,

058

Yolanda Domínguez Arte visual y activismo Fio Silva El arte de la naturaleza

arquitectura Carlos Zapata Arquitectura con movimiento

#ObjetodelDía, marketing

+personas creativas 040 044 048

ilustración Alberto Montt La ley del menor esfuerzo

moda Vicki Otero Manual de estilo

arte Sael En equilibrio entre los universos del arte y el diseño

+serie fotográfica 067

Historias Breves por Gabriela Rey

+ideas creativas moda

074 086

Con adidas Ultra Boost, la energía se impone

078

Salón Internacional del Automóvil de Frankfurt

082 090 088

adidas Supershell Un lienzo en tus pies

vehículos diseño Con el Sello de Buen Diseño argentino TRImarchiDG La fiesta del hacer

tecnología Todo a un botón de distancia

+clásicos contemporáneos 092

diseño Edgardo Giménez Sale con fritas

+conexión + Banco Ocaña de Estudio Brana. http://estudiobrana.com.ar


+55 + Mural de Fio Silva en Hurlingham, Buenos Aires, Argentina. http://yenvosconfio.tumblr.com/

staff Director / Publisher Gonzalo Joaquín Fargas gfargas@90mas10.com.ar @gonza9010 Editora Marcela Fibbiani marcela@90mas10.com.ar @marce9010

Diseño Gráfico Hernán Patto Leandro Marenzi

Gestión Comercial Claudio Boleda claudio@90mas10.com.ar

Dirección Comercial Daniel Urrestarazu daniel@90mas10.com.ar

Departamento Comercial publicidad@90mas10.com.ar Prensa y Comunicación

Colaboran en esta edición Adri Godis, Agustina D´Elia, ArtsMoved, Diego Giaccone, Celeste Nasimbera, Elvio Orellana, Enrique Avogadro, Fernanda Cohen, Gala Décima Kozameh, Germán Andrés, Leila Mesyngier, Maia Croizet, Micaela Colace, Patricio Oliver, Ricardo Sametband y Wustavo Quiroga Nuestros colaboradores Agustina D´Elia @agusdelia Locutora integral de radio y televisión graduada en ISER, a fin de año se recibirá de periodista en TEA. Escribió en diario Publicable, participó en un programa radial del Club Atlético Huracán y fue asistente de producción de un economista para un programa en A24. Le fascinan los deportes, la playa, tomar sol y los perros. Para esta edición, entrevistó a la muralista Fio Silva, en la apertura de la tienda Nike en Alto Palermo Shopping. +

Germán Andrés @vermirando Asesor, selector y productor musical, periodista y gestor cultural. Especialista en nueva música argentina. Responsable de relaciones institucionales y de contenidos del Club Del Disco, coordinador del área de música y cultura para la casa de Entre Ríos en Buenos Aires. Docente en la UNTREF en la materia producción y gestión en la música. Escribe poesía, musicaliza espacios de arte y bares temáticos. Viaja por el país compartiendo experiencias de capacitación y trabajo en red. +

Distribución en kioskos CABA y GBA Vaccaro Hnos. S.A. Av. Entre Ríos 919, 1º Piso Tel. (+5411) 4305-3908 / 3854

Producción gráfica e impresión Help Group S.R.L. Colombres 1333 Of.5, CABA Tel. (+5411) 3973-0217 www.hgprint.com.ar

Distribución en el interior Distribuidora Interplazas S.A. Pte. Luis Sáenz Peña 1836 Tel. (+5411) 4305-0114

Asesoría Legal Dr. Mariano Javier Gattelli estudio_gattelli@hotmail.com

Suscripciones suscripcion@90mas10.com.ar Librería Concentra Montevideo 938 Tel./Fax (+5411) 4814-2479 libreria@concentra.com.ar

Librería técnica CP67 Florida 683 - Local 18 Tel. (+5411) 4314-6303 cp67@cp67.com

Domicilio Legal: Av. Raúl Scalabrini Ortiz 2553 – Piso 11 “A” (C1425DBG) Ciudad Aut. de Buenos Aires, Argentina Domicilio Redacción: Cerviño 3814 – Piso 4 “A” (C1425AGU) Ciudad Aut. de Buenos Aires, Argentina info@90mas10.com.ar | 90mas10.com.ar Revista 90+10. Editor responsable y propietario: 90+10 SRL. Queda prohibida la reproducción total o parcial del contenido sin la previa autorización del editor. Las notas firmadas son responsabilidad de sus autores. Registro de la propiedad intelectual Nº 5178640 | ISSN 1668-6403 Año 12 - Nº55 –Noviembre 2015


+55 + Fruto 2, una instalación site specific, gracias a la cual el público pudo llevarse piezas tridimensionales o frutos, que contenían obras de arte creadas en conjunto por Tristan Bates, Sael y Parbo. En Honeycomb Gallery. www.eluniversosael.com

editorial Con esta edición, iniciamos el año 12 de 90+10. ¿Cuándo y cómo pasaron una docena de años? Hace unos días atrás, recordábamos los primeros tiempos, las primeras entrevistas, y no es casualidad que José Alfonso “Sael” sea quien ilustre este número 55, a quien conocimos en Mar del Plata, en TRImarchiDG, cuando montamos uno de los primeros stands y presentamos el #5 de la revista. Allá por el 2004, cuando no existían los blogs ni las redes sociales, había unas pocas publicaciones independientes. Para cubrir un evento o lograr una entrevista, había que dar “examen”. Conocer en persona al otro, reunirse, explicarle quiénes éramos, qué hacíamos, y por qué nos interesaba difundir su trabajo en las páginas de la revista. Con la mayoría de las personas que conocimos de esa forma, el vínculo aún hoy continúa. Crecimos juntos. En mi último viaje de prensa a Carmelo, Uruguay -al que fui invitada por Ford Argentina-, Rosario Ariganello me recordó que formé parte del primer viaje que su compañía organizó con representantes de publicaciones de lifestyle. Que nos sigan invitando a estos eventos, habla de un reconocimiento a nuestro trabajo por parte de una gran empresa (y de muchas otras que nos vienen acompañando, como es el caso de adidas, que siempre nos consideró para hacer experimentos innovadores, de impacto y fuera de lo común, como las solapas metalizadas de este número), lo que nos llena de orgullo. También creo que es un signo de

+ ¡Viva el negro! Celebrando los 15 años de Kostüme, con tres diseñadores que admiro muchísimo, y con quienes nos conocemos desde los primeros tiempos: Camila Milessi, Marcelo Ortega y Emiliano Blanco.

coherencia, de un camino recorrido, de nuestra capacidad de adaptación y de cierta perseverancia en el hacer, de una red de relaciones y conocimientos que fuimos tejiendo con los años. ¿Cómo seguir evolucionando y hacia dónde vamos? Seguramente, hacia donde nuestra habilidad para reinventarnos y nuestra creatividad nos lleven, para seguir aprendiendo y divirtiéndonos con lo que hacemos. + Marcela Fibbiani Editora y Co-fundadora

CONEXIÓN DIGITAL Con los links de 90+10 (9010.co), accedés directamente a la versión digital de la nota (disponible para las secciones: personas creativas, ideas creativas, clásicos contemporáneos, serie fotográfica y especial), para poder compartirla, comentarla, ver más material de fotos y video, y entrar a los todos links vinculados. Una nueva manera de conectar el medio en papel con el mundo digital. + 90mas10.com

FOTO DE TAPA Para ilustrar nuestra tapa, convocamos a un amigo, un artista que conocimos en 2005, cuando tanto él como 90+10 daban sus primeros pasos. Sabíamos que sus líneas eran las indicadas para esta edición, y los resultados lo comprueban. Así nos explicó Sael su imagen: “Es un camino recorrido, y un punto de celebración de muchas cosas. Una alineación de planetas, de líneas, de planos y de nuevos caminos, que hacen que estés donde estés. Que tiene que ser de esta manera y no de otra. Un equilibrio de muchas cosas, y también una nueva ruta, una nueva expansión hacia nuevos mundos. Quise transmitir un equilibrio, una alineación, una llegada y una nueva partida. Se unen varios caminos: el de 90+10, el mío, y el de muchas personas. Muchos sentimientos. También se desprenden cosas en este camino que sigue. No sabemos adónde vamos, pero sí sabemos que siempre vamos a cruzarnos”. ¡Infinitas gracias Sael! + www.eluniversosael.com


012

+ mundo creativo

Texto: Celeste Nasimbera @CeleNasimbera

moda

La superposición por NÓD Del taller al local, el estudiante comienza a comprender de qué va el oficio de diseñador. La teoría (o incluso, la práctica) se vuelve tangible: alguien va a probarse la prenda, y si se decide, va a vestirla. María Monsalvo y Catalina Arévalo estudiaron en la Universidad Argentina de la Empresa, probaron con una colección de invierno que no llegó a comercializarse y, luego de esos prototipos, proponen Forluí. NÓD (nodo en irlandés) es un proyecto en gestión; una propuesta moderna para vestir sumando piezas. Ambas jóvenes diseñadoras crean para mujeres que, incluso, pueden ser sus pares: unas y otras buscan un estilo que las distinga. No quieren uniformarse, por eso toman tipologías clásicas (chalecos, camisas, bermudas y vestidos) y varían. Modifican la línea, la caída, y apuestan a cómo lucen las prendas una sobre otra. Hasta algunas piezas están conformadas por más de, lo que ellas denominan, un fragmento. Entonces, eso posibilita sumar, desarmar y volver a combinar. El modo que proponen se expone con más claridad cuando observamos un conjunto completo.

El planteo invernal se transformó en una instancia de ensayo; ni trabajo práctico ni colección. Prueba y error que resultó. En la comparación, la novedad luce menos estructurada y más cercana al producto. Forluí (precisamente, superposición en irlandés) propone frescura, en una paleta acotada a blanco, crema, gris, negro puntual y acentos en verde lima. Largos chalecos, camisas y blusas con recortes, bermudas cancheras y algunos vestidos conforman la variedad que se encuentra a la venta a través de underboutique.com. Mientras tanto, siguen el proceso hacia el local, abriendo próximamente un showroom. + www.facebook.com/espacio.nod


014

+ mundo creativo

Texto: Germán Andrés @vermirando

música

Hernán Jacinto En su propio camino de excelencia Es el pianista más reconocido de la nueva generación en el ámbito del jazz y el rock. Desde Pedro Aznar y Fito Páez hasta Javier Malosetti -pasando por Rubén Rada, Gillespi y otros artistas-, lo eligieron para tocar con ellos. A su vez, tiene dos grupos, lo editan en Japón, y su talento como tecladista está consolidado por la versatilidad. Tras casi cuatro años, creó su segundo disco de música propia: una obra orquestal y de muy alto nivel. Allí, Jacinto propone un hermoso viaje que va de lo sinfónico a lo popular, con el jazz como puente. + ¿Cómo nació tu relación formal con el piano o los teclados? HJ La entrada de la música en mi vida ha sido completamente natural. En casa se respiraba arte, ya que mis padres son artistas plásticos, y mi infancia estuvo rodeada de inspiración. El primer teclado que tuve de niño era un Lowrey hogareño, pero me seducía más la guitarra en ese momento. Años después, tuve la suerte y el apoyo importante de mi familia: recibí como regalo un piano vertical de estudio, que aún conservo. Enseguida, me mandaron a estudiar con profesores particulares del barrio. Ahora he cumplido un sueño: tener un piano de media cola, nuevo y hermoso, en el medio de mi living. Con los teclados tuve grandes amores, como el Minimoog, el Rhodes y el Nord Stage, al cual denomino el “nuevo instrumento”. + ¿Qué instrumento o soft usás habitualmente para componer

música? HJ Para componer, utilizo el Sibelius 7 conectado a un controlador midi. En algunas ocasiones, compuse solamente con el mouse, es decir, directo en el programa, y sin pasar por el piano o el teclado. También uso iPad o algún telefonito que tenga a mano. Y dedico un tiempo a grabar improvisaciones en piano; cosas muy libres que luego voy filtrando. Esos juegos, digamos, sin estructura (o la “no mente”), suelen dar lugar a la verdad y al corazón, permitiendo al artista un encuentro sincero con sí mismo. + ¿Cuáles son tus tres pianistas argentinos preferidos? HJ Me es realmente difícil tener que elegir sólo tres, pues son muchos los que siento que de alguna manera marcaron mi camino. Algunos de ellos podrían ser Guillermo Romero, Diego Schissi y Andrés Beeuwsaert.


mundo creativo

+ 015

música + ¿Qué es lo que más aprendiste en los años de tocar con artistas reconocidos del rock y otros músicos populares? HJ De ellos aprendí muchas cosas, sobre todo, lo relacionado a lo profesional y a la proyección como artista. El músico de rock posee un cierto nivel de exigencia, mayor que un músico de jazz, ya que tiene más exposición y masividad. Entonces, eso lo lleva (no en todos los casos) a desarrollarse de un modo más global, con sus shows, su imagen y cuidado estético general. Piensan de forma más homogénea, creo. Artistas como Pedro Aznar, Rubén Rada, Fito Páez (algunos con los que me tocó compartir mucha música), son grandes músicos, pero además, quieren disfrutar de dar un buen show, de saber cómo conectar con el público, de manejar la energía de un recital, mostrar un mensaje preciso al momento de defender su arte. Aparte, la energía del rock es muy intensa, y también es un buen elemento para destacar y aplicar en otros aspectos. + De tu nuevo disco “Camino”, ¿qué destacás y cómo recomendás escucharlo a quien no te conoce? HJ De mi nuevo disco, destaco el esfuerzo de un año entero de arduo trabajo. Y que elegí trabajar sobre mis composiciones más “puras” y concretas. Siento que “Camino” es un punto alto de mi carrera, y estoy realmente contento con la obra realizada. Tal vez, haya que escucharlo unas cuantas veces, ya que hay mucho detalle y foco en sutilezas que pueden pasarse por alto, si no se le da buena atención. +

CAMINO Podemos resumir diciendo que se trata de música instrumental para orquesta y quinteto de jazz. Con un pianista muy elocuente, y una cantidad de instrumentistas, entre los que están los mejores del nuevo jazz. Pues casi cualquier músico dice que sí a tocar una obra de Jacinto. Este segundo disco es un álbum conceptual muy ambicioso desde lo compositivo, con un alto nivel de arreglos, de despliegue y de encantamiento. Es, a la vez, cercano a la música clásica por momentos y un jazz muy fi no en otros, sin perder dulzura ni atractivo. Atento a la raíz, Jacinto también deja ver en algunos pasajes la impronta folklórica o alusiones al rock, pero todo bien tamizado, y con la idea sinfónica general de la obra. Una atmósfera onírica y dulce llena el espacio mientras suena el disco. +

www.facebook.com/hernanjacinto


016

+ mundo creativo

Texto: Patricio Oliver (*) @patriciooliver

cómic

Academia supermutante de magia Si algo quedó súper evidenciado en “Aquel verano”, es el talento y la belleza narrativa de la ilustración de la canadiense Jillian Tamaki. Ya más involucrada en su rol de guionista y con un trabajo de ilustración más simple -pero no así menos narrativo-, es que crea en su Web el cómic “Supermutant Magic Academy”. Un universo donde la angustia adolescente y lo sobrenatural se solapan de manera cómica y muy inteligente. Películas y libros como Harry Potter con su colegio de magia y hechicería Hogwarts, o los X-men con su escuela Xavier para jóvenes superdotados de la mega editorial Marvel, han demostrado que no hay combo más interesante que los dramas y vivencias de los jóvenes en la pubertad. Mejor todavía cuando, en la mezcla, sumamos superpoderes y magia. La ilustradora del New York Times y el New Yorker nos transporta a esta preparatoria de mutantes y hechiceros, donde sus habilidades paranormales son el menor de sus problemas, cuando los temas cotidianos de cualquier estudiante joven cobran protagonismo, y ser popular o luchar por la identidad es aquello que moviliza sus vidas. Desde estudiantes que son simplemente gatos con uniforme, a una aspirante a supermodelo con cabeza de iguana, pasando por los existencialismo de Evan “el chico que dura para siempre”, cuyo súper-poder de no poder morir lo pone frente a reflexiones sobre el porqué de la vida y el universo (en serio). Pero como en todo cómic, existen personajes principales, y la pareja compuesta por Wendy (la muchacha con orejas de zorro que cambia de forma) y su mejor amiga Marsha (la telekinética o he-

chicera, o algo parecido, que secretamente está súper enamorada de ella), crean la química perfecta, donde el amor no correspondido y las situaciones embarazosas son moneda corriente. Si bien el tono sitcom cómico de la serie es claro, no faltan momentos donde la búsqueda de la identidad o la presencia de padres y familias conflictivas afectan las vidas de los súper estudiantes: Trevor es el clásico busca problemas, al que le encanta llenar de graffitis el colegio, mientras dispara rayos láser de sus ojos, y desagrada a todos sus compañeros con su actitud agresiva, aunque en su hogar es víctima de un padre maltratador que potencia esta conducta. O Belinda, que es una prodigio de los patines, pero que claramente, es el producto de una madre controladora que la sobre exigió desde muy pequeña para destacar en todo, en detrimento de su infancia. Supermutant Magic Academy es una clara crítica al sistema educativo y a la sociedad en que los jóvenes se ven sumergidos actualmente, y pone en la lupa lo complejo de las relaciones y la importancia de potenciar aquello que los hace singulares y especiales. Luego de cinco años de existir como un Web cómic, la editorial Drawn and Quarterly ha compilado su mejor material en un libro de tapa blanda junto con nuevas páginas, que concluyen la historia de estos estudiantes tan particular e irónicamente familiares. + http://jilliantamaki.com/

(*) Patricio Oliver es diseñador gráfico por la FADU/UBA, ilustrador y creador de numerosos vinyl toys para Red Magik, Kid Robot, Toy2R, UnboxIndustries y Mugo. www.patriciooliver.com.ar


Origen: Suiza. Importador y distribuidor exclusivo Southamerican Trendy, Corrientes 1189 5ยบ. CUIT 30-71006050-5


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+ mundo creativo

diseño

+ Silla Loop de Marcus Johansson

Talento joven a la venta en La Rinascente Los productos de seis jóvenes diseñadores que expusieron en el último SaloneSatellite pueden conseguirse en el Design Supermarket de la tienda por departamentos insignia de Milán. De acuerdo a una nueva alianza entre el salón dedicado a los jóvenes talentos de hasta 35 años y la tienda ubicada en el primer subsuelo de la Rinascente de Milán, una selección de objetos de seis diseñadores ya está a la venta, con el objetivo de acercarlos al consumidor final. Las sillas, lámparas, jarrones, sillas y hasta una colección de telas y almohadas creadas por el ganador del Salone Satellite Award 2015 Xuberance Studio (China), Kimu Lab (Taiwán), Robert Van Embricqs (Países Bajos), AMWA Designs (Gran Bretaña), Francesco Fusillo (Italia) y Markus Johansson (Suecia), poseen un estilo minimalista y son testimonio de la experimentación con materiales y técnicas innovadoras. Evocan sensaciones positivas, en un intento de mejorar nuestra vida cotidiana. La Rinascente posee una larga historia de relación con el diseño, ya que desde 1954 entrega el prestigioso premio Compasso d´Oro, y siempre se mantuvo cerca de los jóvenes talentos de la moda y el diseño italiano e internacional, promoviendo la creación en todas sus formas. En el 2014, el mismo SaloneSatellite fue distinguido con este importante galardón. + http://salonemilano.it/ www.rinascente.it

+ Cafetera Lunika 360 2.0 de Francesco Fusillo


mundo creativo

+ 019

El mural de Elian en Milán La galería de arte Question Mark de Milán, Italia, le propuso a Elian el desafío de expresar su arte sobre una pared de 70 metros de largo. Tras algunos días de lluvia, el mural está finalmente terminado. “Curvas / Superficie / Pausa” es la obra del artista cordobés sobre la fachada del Instituto Paganelli en Cinisello Balsamo, al norte de Italia. Esta vez, las pinceladas de acrílico de Elian se expanden sobre una superficie texturada de ladrillos. “Esta instalación mural se basa en el contraste entre la rigidez de la construcción y los elementos morfológicos de la obra. Con una gran curva invadiendo toda la superficie, trato de romper con las líneas verticales y horizontales de la fachada. Podemos ver también que cada blanco se respetó para generar tensión en el

centro, lo que permite dar un descanso visual a la pieza”, explica el artista. La paleta de colores utilizada es un poco más suave que la que habitualmente emplea Elian, quien ha optado por no incorporar figuras geométricas esta vez, para respetar así el flujo de las formas orgánicas. + www.facebook.com/questionmark12 #DeCordobaAlMundo www.90mas10.com/decordobaalmundo

*Beber con moderación. Prohibida su venta a menores de 18 años.*


020

+ mundo creativo

Texto: Patricio Oliver (*) @patriciooliver

art toys

El rompecabezas de Artion La historia del diseño de juguetes en Asia, representado en una colección de art toys. Sin dudas, Hong Kong fue la fuente que generó el movimiento de art toys a mediados de los 90. Desde sus inicios, su bomba expansiva alcanzó a gran cantidad de diseñadores y países, armando colectivos en todo el mundo de creadores y seguidores coleccionistas. Tal fenómeno no sólo cambió la percepción del mundo de los juguetes, sino que también ofreció una nueva oportunidad para las multitudes, de tener contacto con una pieza de arte lúdica. Todos los comentarios y críticas respecto a la creación de juguetes de diseño de Hong Kong son de sobra favorables y reconocidos, tanto por los líderes artísticos, como por la industria. Esto ha atraído grandes cruces y colaboraciones entre los mejores diseñadores y marcas internacionales, que buscan constantemente su talento, lo cual trae como resultado una mejora y desarrollo aún mayor del estándar de su producción. No resulta extraño que los coleccionistas del mundo elijan a los juguetes de diseñador en esta ciudad como sus preferidos.

Lee (con su girasol aeróbico Rumbell), y finalmente, la empresa productora de juguetes Unbox Industries también realizó su propio personaje. ¿Pero qué hace que esta serie de seis figuras a un sólo color sea tan particular? Por empezar, el hecho de que -siguiendo lo que ya han declarado como un sello propio de la empresa Unbox- cada pieza puede separarse en tres, para combinarse con las otras cinco. De esa manera, se puede crear una versión más pequeña o hasta un monstruo, sumando varias partes. Las posibilidades son infinitas. A esto se suma que existen tres variantes de color de cada una, lo cual agrega el factor cromático a la diversión.

Es así como nace Artion Association, en un intento de generar un catálogo online completo de todas las piezas que existen de este universo, y así poder documentar de manera exhaustiva este movimiento que Michael Lau y Eric So iniciaran hace veinte años atrás.

Tal vez, lo que termina de cerrar aún más el concepto de colectivo artístico, es el lema que acompaña al proyecto: “Real Artion Puzzle, Let’s think big” (¡pensemos en grande!). Y fue así que se sumó una séptima pieza color rojo a las azules, amarillas y transparentes de cada diseñador. Este séptimo elemento funciona como cuerpo conector, para crear una súper bestia que une a todos de múltiples formas, de acuerdo el gusto de cada coleccionista, y emulando un ya clásico de la animación, donde varios robots se unen para formar uno más grande y poderoso.

En el marco de este colectivo, es que surge Real Artion Puzzle. Se trata de una serie de seis figuras monocromáticas diseñadas por representantes del pasado, presente y futuro del diseño de juguetes en Asia: Eric So (uno de los grandes padres fundadores), Kenny Wong (conocido por su personaje, la muñeca Molly, y un claro exponente de la segunda camada de artistas), Ben Lam (representando la sangre más joven), William Tsang (con su ya icónico Leo), Ryan

Real Artion Puzzle fue presentado en el Taipei Toy Festival 2015 y, posiblemente, cuente con más opciones de color en un futuro y, con seguridad con más artistas, para seguir sumándole piezas a su gran proyecto. + www.taipei-toyfestival.com www.artionassociation.com www.facebook.com/artionassociation

(*) Patricio Oliver es diseñador gráfico por la FADU/UBA, ilustrador y creador de numerosos vinyl toys para Red Magik, Kid Robot, Toy2R, UnboxIndustries y Mugo. www.patriciooliver.com.ar


CUMPLIMOS 400 AÑOS. SÉ PARTE DEL FESTEJO.

#Grolsch400Años UNCONVENTIONAL BY TRADITION BEBER CON MODERACIÓN. PROHIBIDA SU VENTA A MENORES DE 18 AÑOS.


022

+ mundo creativo

publicaciones Los deliciosos Cuentos del Conde Una breve historia, una ilustración, una receta, un personaje. Un impecable libro negro indicado para la barra de cualquier sibarita. Dicen que Buenos Aires nunca duerme. ¿Y qué ocurre en sus madrugadas, entonces? Muchas de las historias que se cuentan son acompañadas por un cocktail clásico: el Negroni. Con esa certeza, Campari realizó diversas acciones durante el año, bautizadas #CuentosDelConde. Se realizaron distintas versiones del trago, a cargo de Tato Giovannoni, Inés de los Santos, Mona Gallosi y Sebastián García. Los relatos se transformaron en videos dirigidos por (nada más, ni nada menos) Juan José Campanella. ¡Incluso, él se animó a crear su propia receta! Todas esas instancias alrededor del Negroni se plasmaron en una versión impresa de Cuentos del Conde. El título se debe a que, según se dice, el Conde Camillo Negroni en 1909 pidió al barman Fosco Scarselli un modificación en el cocktail americano: no quería soda sin un toque de gin, e incluyó una rodaja de naranja. Bastó que se mostrara, para que todos pidieran “el aperitivo de Negroni”. O al menos, eso dice la leyenda… CUENTOS DEL CONDE Idea y realización CAMPARI ARGENTINA S.A. Formato 82 páginas 27 x 32 cm

Tal vez sea momento de probar una nueva receta y escribir otra historia. Mientras tanto, la versión clásica del Negroni se construye colocando hielo en un vaso, e incorporando un parte de gin, una de Campari y una de Cinzano Rosso, a las que luego de revolver, se le agrega una rodaja de naranja. + #CuentosDelConde http://cuentosdelconde.com/ www.campari.com/ar

Artichoke. Colisiones artísticas A través del concurso “Colisiones Artísticas”, el congreso de diseño de Mar del Plata convocó a crear en equipo. Diez parejas que, sin tener por qué haber trabajado en conjunto antes, generaron trabajos en duplas. Y eso se plasmó en la edición de un libro, realizado en conjunto con Cynar. Alcachofa (ingrediente imprescindible de Cynar) en inglés es artichoke, y ahí encontraron los chicos de TRImarchi una colisión: arte, choque. Con ese espíritu que los distingue, comenzaron a editar su libro, la publicación 011 de TRImarchi Ediciones. Uno más uno: dos, y multiplicados, un buen resultado creativo. Las reglas del concurso eran sencillas, cada participante debía enviar un ejemplo de trabajo y, si resultaban ganadores, se les solicitaría un diseño conjunto. Así llegaron a 20 obras y 10 colisiones al papel.

ARTICHOKE Editorial TRIMARCHI EDICIONES Formato 97 páginas 14 x 25.5 cm

La dupla ganadora (Joaquín Burgariotti y Julián Bigiatti) y todos los finalistas se encuentran en un libro pocket, al cual no le falta color, y le sobra creatividad. Para hojear hay un prólogo, perfiles varios para conocer nombres nuevos, y las colisiones en páginas desplegables. Casi 100 páginas para alimentar las miradas curiosas. En paralelo al lanzamiento editorial, una selección de las obras se expuso durante la última edición de TRImarchi15, en el espacio Cynar. + www.trimarchidg.net www.facebook.com/CynarArg


mundo creativo

Texto: Celeste Nasimbera @CeleNasimbera

+ 023 moda

+ Pulsera de Luis Acosta (detalle)

Beyond Textile, joyería contemporánea para observar A través de la muestra Beyond Textile, es posible observar cuáles son algunas de las instancias de la joyería contemporánea argentina. Bajo la dirección de Luis Acosta, se presenta en el Museo de Arte Popular José Hernández hasta el 8 de diciembre. Difícil captar nuestra propia temporalidad, pero ahí van muchísimas manifestaciones. La joyería contemporánea es una de ellas, y encuentra en el desprejuicio del uso de materiales un modo de distinguirse.

se graduó en disciplina textil. Completó años después su formación en el instituto Polimoda, en Prato, Italia. Convencido de la validez de la joyería contemporánea nacional, encaró hace dos años la formación de la muestra.

Beyond Textile es una muestra compuesta por diferentes diseñadores: cada cual aporta su individualidad y, en la suma, un cuadro de situación. “Abarca una serie de obras que, si bien tienen como referente el género de la joyería contemporánea, permanece como criterio unificador la relación –a veces discordante- entre esa disciplina y una diversidad de técnicas provenientes del diseño textil”, explica Luis Acosta, responsable de llevar la exhibición por Europa (Holanda, Alemania y España) durante un año y medio.

Tras mostrarse en el exterior, el trabajo de diseñadores y diseñadoras argentinas llega al Museo de Arte Popular José Hernández de la Ciudad de Buenos Aires (Av. del Libertador 2373). ¡Y cuán apropiado! Porque a la dificultad de admirar la belleza que contiene nuestro tiempo, se suma reconocerla en nuestra alrededor.

Luis Acosta es cordobés y se formó en Buenos Aires en técnicas de tejido como cestería, con Luis Negrotti e Irene de Croce. En 1982, planeó un viaje por tres meses a Holanda y se quedó allí. Estudió Bellas Artes en la academia Gerrit Rietveld en Ámsterdam, donde

Ana Arlía, Gabriela Bonelli, Lilia Breyter, Fabiana Gadano, Ansiosa Hormona (Jessica Morillo), María Alejandra Koreck, Graciela Lescano, María Rosa Mongelli, Bárbara Paz, Mabel Pena, Paola Victoria Saavedra, Mai Solorzano, Sabina Tiemroth. Patricia Trigub y Fabiana Vodanovich Casañas componen Beyond Textile, además de Luis Acosta. + www.issuu.com/beyondtextile


024

+ mundo creativo

Texto: Ricardo Sametband @rsametband

gadgets

Microsoft Surface Book La Microsoft Surface Book es la más nueva de las Surface, y la primera laptop de la compañía.Tiene una pantalla de 13,5 pulgadas (3000 x 2000 píxeles) y procesadores Intel Core de sexta generación; admite hasta 16 GB de RAM. El teclado, unido a la pantalla por una bisagra

especial que le da estabilidad al equipo, es demontable. Dentro lleva un chip de video Nvidia GeForce. La batería tiene una duración de hasta 12 horas. También podés escribir en pantalla con el lápiz especial. + www.microsoft.com

Apple TV

Huawei Mate 7

Apple renovó su Apple TV: le sumó un chip más poderoso para aprovechar el nuevo sistema operativo, que ahora admite aplicaciones extra (sobre todo, videojuegos) y una integración con Siri, para hacer búsquedas contextuales mientras estamos viendo una películas. Suma, a su vez, un control remoto con una zona sensible al tacto, que también es un gamepad. Tiene un puerto USB-C (el de nuevo tipo, reversible), un puerto HDMI y Bluetooth 4.0. En los videojuegos, el control remoto funciona como el de la Wii (detecta el movimiento). + www.apple.com

Las dos características principales de este equipo son su pantalla de 6 pulgadas Full HD y su sensor biométrico por contacto, en el dorso del telefóno. Adentro tiene un chip Huawei Kirin 925 de 8 núcleos, 2 GB de RAM y 16 GB de almacenamiento interno (11 GB disponibles, ampliables con una memoria microSD). Su cámara principal tiene 13 megapíxeles y sensor Sony, mientras que la frontal ofrece 5 megapíxeles. Su doble antena LTE mejora la conectividad en redes 4G.También viene con 3G, Wi-Fi, GPS y Bluetooth. La batería es fija de 4100 mAh y la carcasa es de aluminio (y de sólo 7,9 mm de grosor). Usa Android KitKat. + www.huawei.com


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mundo creativo 025 gadgets

Brother DCP-T500W

Sony MHC-V7D

Sexy no es, pero sí muy útil: la nueva impresora multifunción de la japonesa Brother incorpora el sistema de carga de tinta continuo, que permite recargar de forma externa la tinta, lo que abarata los costos, ya que le baja el precio a la botella de tinta para recargar, porque aumenta el volumen. Este modelo, que también tiene Wi-Fi (por lo que puede recibir órdenes de impresión de una notebook o celular en la misma red, o conectado desde el exterior), tiene un rendimiento de 12 mil páginas en negro y 5 mil en color con una carga completa, y está pensado para el mercado hogareño. Imprime 27 páginas por minuto en negro, o 10 en color. El scanner es de 1200 x 6000 dpi. + www.brother.com.ar

El V7 es un minicomponente anunciado por Sony dentro de su nueva línea de audio. Es vertical, su tamaño es reducido, pero tiene gran potencia y buen balance con sus 1550 W. Tiene control por gestos, lo que permite usar los diferentes efectos y modos como DJ, Karaoke, reproducción del DVD integrado y luces LED en los parlantes. Además, se conecta por Bluetooth y NFC para levantar música de otros dispositivos. Y por medio de la aplicación “Fiestable”, puede controlarse desde un smartphone. Esta aplicación también permite agregar efectos de DJ a la música, y controlar las luces del equipo moviendo la mano sobre una zona sensible (pero no es necesario tocar el equipo). + www.sony.com.ar

LG V10

Amazon Fire

Es el nuevo teléfono estrella de la firma surcoreana, y es raro: a la pantalla convencional de 5,7 pulgadas le suma otra, una cinta que aparece en la parte superior del teléfono y que muestra notificaciones mientras la otra pantalla (la grande) está apagada.

Es una tableta muy barata: 50 dólares. Tan barata, que Amazon te la vende en pack: comprás seis, pagás cinco. Comprensiblemente, el hardware es modesto: una carcasa de plástico, una pantalla IPS de 7 pulgadas, un procesador quad-core a 1,3 GHz, 1 GB de RAM y 8 GB de almacenamiento, ampliable con tarjetas microSD de hasta 128 GB. Cuenta con Fire OS 5 ‘Bellini’ como las otras tabletas de la marca, que usa una versión modificada de Android, y suma el acceso a la tienda de aplicaciones de Amazon y, claro, a sus servicios de venta de películas, música, etc. + www.amazon.com

Además, tiene dos cámaras al frente con diferente campo visual (80 o 120 grados), que se pueden combinar para tomar selfies de muy buena calidad. Completa con un procesador Snapdragon 808, 3GB de RAM y una cámara con 16 megapíxeles que graba video en 4K. + www.lg.com/ar


026

+ mundo creativo

marketing

La fiesta de Swatch en BAFWeek La semana de la moda argentina cerró con una espectacular fiesta para dos mil personas: #SwatchUpYourNight se llamó el encuentro que revolucionó BAFWeek. Invitados especiales, celebridades, influencers, empresarios, ejecutivos y referentes de la moda fueron protagonistas de la deslumbrante fiesta que cerró la edición primavera-verano 2016 de BAFWeek. Organizada por Swatch, contó con la presencia de Dolores Fonzi, Celeste Cid, Pampita, Nicole Neumann y Fabián Cubero, Julieta Cardinali, Mónica Antonópulos, Lucía Celasco y Agustina Cherri, entre muchos otros amigos de la marca. Un show con más de 30 bailarines en escena con juegos de visuales en inmensas pantallas LED y efectos especiales dio inicio a la fiesta, que continuó con la musicalización de SRZ, con un set muy original. El fin de la reunión estuvo a cargo de Maxi Trusso, el cantante “it” del momento, que con sus hits hizo vibrar a todos los invitados. A su vez, Swatch también dijo presente en BAFWeek con un mega stand vanguardista e impactante. De forma circular, expuso su

“Rainbow shower”, una intervención artística de lluvia de cables de colores, donde los visitantes podían tomarse fotos y compartirlas en sus redes sociales, utilizando el hashtag #SwatchHappenings, que se transformó rápidamente en trending topic. Allí también se expusieron las nuevas colecciones de la marca de relojería suiza: Tech-Mode (moderna y con un sentido minimalista, renueva por completo el concepto de sencillo, gracias a sus toques texturizados y contemporáneos) y Picnic Chic (que ofrece un reloj donde las rosas simbolizan el amor por el aire libre, los recitales, la naturaleza y el free style en su máxima expresión). De esta forma, Swatch sorprendió una vez más con su carácter creativo y divertido, con una propuesta interactiva, artística y a la moda. + www.facebook.com/SwatchAR

1. Mónica Antonópulos 2. Martín Churba 3. Santiago Artemis 4. Celeste Cid 5. Carolina “Pampita” Ardohain 6. Lucía Celasco


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mundo creativo 027 marketing

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+ mundo creativo

Texto: Marcela Fibbiani @marce9010

green design

Brana La importancia del hecho a mano Desarrollados de manera sustentable, y manteniendo altas normas de diseño y calidad, los muebles de Brana poseen identidad propia. La arquitecta Agostina Branchi dirige este proyecto que sabe combinar lo hecho a mano con sistemas industrializados, al mismo tiempo que utiliza materia prima correntina. Tras recibirse de arquitecta en la Universidad Nacional del Nordeste, Agostina Branchi se trasladó de su Corrientes natal a Buenos Aires, donde supo ganar experiencia en estudios de arquitectura y diseño sustentable. Es así que a principios de 2013 creó su propio estudio Brana, desde donde comenzó a desarrollar proyectos de restauración, oficinas y viviendas, además de producir muebles que conjugan funcionalidad, estética, tendencias y sustentabilidad. La primera aparición pública de Brana fue en la feria PuroDiseño en 2014, mientras que en 2015 fue seleccionada por el Ministerio de Relaciones Exteriores y Culto y la Fundación Exportar, para formar parte de los pabellones argentinos en dos de los eventos internacionales más importantes del mundo del diseño: el Salone del Mobile de Milán y el Wanted Design de Nueva York. Allí presentó los bancos Estel y Ocaña, en sus dos tamaños. “La participación en ambas ferias fue enriquecedora, y cumplió ampliamente con mis expectativas. Fue sumamente nutritivo estudiar las tendencias, nuevos materiales, el feedback del público, de los diseñadores y arquitectos”, explica Agostina.

Realizada a mano con fieltro de lana de oveja natural, la hamaca Merin es uno de los más recientes productos de Brana, junto a la mesa Palma, que posee una base metálica y una bandeja extraíble de palma de caranday, también de factura manual. “A la hora de diseñar, tengo dos rutas posibles: o arranco por una tipología de producto (por ejemplo, un banco), y después veo de qué hacerlo; o bien inicio por el material, estudio sus características, cómo reacciona, cómo puedo manipularlo, y luego pienso qué producto diseñar”. En general, se basa en el estilo nórdico, siguiendo siempre la misma línea de maderas claras, colores neutros y una pizca de color vibrante. En estos momentos, Agostina está presentando la hamaca Lenn, también hecha a mano, y “llena de flecos por donde la mires, con más de 300 metros de cordón de polipropileno”. Y se encuentra en pleno desarrollo de nuevos productos exclusivos de Brana, al mismo tiempo que diseña una línea de mobiliario para una empresa multinacional. Y por supuesto, ya está pensando en participar de las ferias del 2016: Milán, Nueva York, Londres o París. + www.estudiobrana.com.ar


artfutura.com.ar

Seed - Manuel Casasola Merkle

Inteligencia colectiva El programa audiovisual analiza el estado actual de la creatividad digital presentando las últimas novedades en animación, 3D, virales, motiongraphics y todo lo relacionado con los nuevos canales y las nuevas estéticas. Inteligencia Colectiva Un programa especial sobre el tema del año. Computación, Social, Smart Mobs, Crowdwisdom, Wikinomics...

Futura Graphics Animaciones digitales y más allá: Cortos, virales, videoclips y otras obras en la búsqueda de nuevas estéticas y lenguajes.

Artworks Una nueva sección dedicada a instalaciones y obras multimedia producidas directamente en formato de video.

Feeding the Web Obras que encuentran su razón de ser en Internet. Una reflexión sobre la dicotomía entre libertad y control en la Red de Redes.

3D Futura Show Anualmente, el 3DFutura Show incluye los trabajos de animación más destacados. Desde las piezas más espectaculares producidas por los grandes estudios a las pequeñas maravillas creadas por artistas independientes.

Segmento local Una selección de los trabajos audiovisuales más destacados de los realizadores independientes y de las compañías argentinas y latinoamericanas del último año. Cortos, ads, 3D, stopmotion, experimentales, videoclips.

Seguinos para saber cuándo y dónde:

Invita

Produce

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Media partners

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030

+ mundo creativo

vehículos

DS4 y DS4 Crossback Ya como marca independiente, la firma DS tuvo su propio stand en el Salón del Automóvil de Frankfurt. Allí, una de sus principales estrellas fue la nueva edición del DS4, modelo que estrena la nueva identidad de la marca. Y que llegará el año que viene a nuestro país. Lo más llamativo del nuevo DS4 es su traje exterior, en el que se combinan líneas fluidas y elegantes, con sutiles elementos cromados en varios puntos de la carrocería, como el nuevo frontal, los paragolpes delantero y trasero, las molduras laterales y el contorno de las ventanillas. También se exhibió al DS4 Crossback, una versión aventurera, con una distancia al suelo 30mm más alta, llantas negras, embellecedores de los pasos de rueda frontal, retrovisores exteriores y alerón negros, barras de techo grises y ruedas más grandes que en el DS4. Esta variante dispone de un control de tracción inteligente, y no fue confirmada para nuestro país. + www.citroen.com.ar

Texto: Elvio Orellana @emorellana33


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mundo creativo 031 vehículos

Mercedes-Benz Vito

VW Amarok Ultimate

El Mercedes-Benz Vito comenzó a ser fabricado recientemente en el Centro Industrial Juan Manuel Fangio de Virrey del Pino, y ya está a la venta en nuestro mercado. Está disponible en sus versiones Furgón y Furgón Mixto, con motorización diésel y tracción delantera. Las versiones Combi y Tourer, están pensadas inicialmente para el mercado brasilero.

Este es el nombre de la segunda serie especial de la pick alemana (la primera se llama “Dark Label”, y estará a la venta hasta fin de año), que se diferencia por su estética y equipamiento exclusivo. Estamos hablando de una parrilla cromada de dos líneas dobles, spoiler delantero, barras en la caja de acero inoxidable, estribos laterales de aluminio y vidrios traseros oscurecidos. Entre los más funcionales, destacamos sus nuevas ópticas delanteras con faros bixenón y luz diurna de LED incorporada, espejos exteriores plegables electrónicamente y llantas de 19 pulgadas (eran de 18’’).

Denominadas 111 CDI, las primeras dos versiones utilizan el motor turbodiésel OM 622 con bloque de cuatro cilindros y 1,6 litros, el cual entrega 114 CV. Se combina con la caja manual de sexta y con la tracción delantera. La Vito dispone de una sola configuración de tamaño, que incluye una longitud total de 5.140 milímetros y una distancia entre ejes de 3.200. El Furgón posee un volumen de carga de 6 mil litros y una capacidad para soportar 1.225 kilos. Por otro lado, el Furgón Mixto tiene lugar para el conductor y cuatro pasajeros, junto con un volumen de 3.600 litros y una capacidad de 1.010 kilos. + www.mercedes-benz.com.ar

Puertas adentro, se diferencia por el tapizado tipo gamuzado (Alcántara), la pedalera de aluminio y la inscripción “Ultimate” en alfombras. Después, volvemos a encontrarnos con su volante multifunción revestido en cuero, al igual que su palanca de cambios. En el medio de la consola central se ubica su pantalla táctil, que ahora sumó la cámara de retroceso. La motorización es la misma que la Highline, con un 2 litros de 180 CV. Se ofrece con caja manual o automática. + www.volkswagen.com.ar

Ford Shelby GT 350R Ya arrancó la producción de la última generación del Shelby GT350R, el cual está cerca de ser un auto de carrera por las modificaciones que recibió en la ingeniería de chasis, en la mecánica, en la aerodinámica de la carrocería y en la reducción de peso (unos 60 kilos). Exteriormente, se destaca de otros Mustang por los spoilers y el alerón posterior realizados en fibra de carbono, además de utilizar llantas especiales de competición de 19 pulgadas y cuatro importantes salidas de escape. Y como era de esperar, en su parrilla no luce el característico potro, sino la cobra de Shelby. Con 5,2 litros y cuatro árboles de levas a la cabeza, el motor que utiliza el GT350R es el V8 de aspiración normal (sin turbo o compresor) más potente jamás hecho por Ford de 526, con una caja manual (de 6 marchas) como en los viejos tiempos. Ford modificó en este GT350R la amortiguación, bajó el centro de gravedad y realizó otros ajustes, para que el desempeño dinámico sea tan bueno en la ruta como en la pista. Con el mismo fin, aplicó un diferencial trasero Torsen, más efectivo a la hora de repartir la fuerza en las ruedas motrices, especialmente en las curvas. + www.ford.com.ar


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+ mundo creativo

Texto: Elvio Orellana @emorellana33

vehículos

Peugeot 408 y 308 Después de haberse exhibido en la última edición del Salón del Automóvil de Buenos Aires, la marca del león realizó el lanzamiento conjunto en Mendoza del 308 y 408. En términos de estilo, ambos se encuentran alineados con la nueva identidad estilística de la marca que se plasma en el frente, con el emblema del león en el centro de la parrilla cromada, líneas frontales que dejan de apuntar al piso y una unidad horizontal entre faros y parrilla. Los faros delanteros y

la tecnología LED de sus luces diurnas son elementos característicos en los nuevos modelos Peugeot, así como los faros traseros LED con la huella de garras. La gama de los nuevos 308 y 408 está integrada por cuatro niveles de equipamiento: Active, Allure, Allure+ y Feline, cada una de ellas con diferentes opciones de motorización y transmisión, 7 en el caso del 308 y 6 en el 408. + www.peugeot.com.ar

Renault Alaskan

MiTo Quadrifoglio edición limitada

El camino de la marca del rombo hacia el segmento de las pick-ups medianas, fue exhibido en París a principios de septiembre. El modelo se producirá en Santa Isabel (Córdoba) a mediados de 2017, para ser lanzado comercialmente a principios de 2018. También se fabricará en México y España, para ser comercializado en Europa a comienzos de 2016. La camioneta de Renault partirá de la base de la Nissan NP300 Frontier, que se lanzará a la venta en noviembre en la Argentina. También compartirá plataforma con la Clase GLT, la pick-up mediana de Mercedes-Benz. Con respecto a la mecánica, sólo se informó sobre un motor bi-turbo diesel. Se espera que sea el mismo 2.3 de 190 cv y 450 Nm de la NP300 Frontier. + www.renault.com.ar

El blanco y el negro son los colores más frecuentes de nuestro parque automotor, mientras que los grises plata y perla son considerados los más clásicos. Para romper con estas estructuras y dar un paso más allá, Grigio Racer es el exótico color con acabado mate que ostenta la edición limitada del joven vehículo de Alfa Romeo, el MiTo Quadrifoglio. El éxito de esta pintura desarrollada por BASF es la aplicación minuciosa y precisa de sucesivas capas de pigmento de una décima de milímetro de espesor en las condiciones correctas, logrando así que el MiTo se diferencie de la mayoría de los vehículos que circulan por las rutas y calles urbanas. + www.alfaromeo.com.ar


mundo creativo

+ 033 moda

Topper + Pesqueira

Estampas coloridas para madres e hijas Junto con el calor, el verano trae una nueva y colorida propuesta de calzado e indumentaria para madres e hijas, de la mano de Topper y la diseñadora Valeria Pesqueira. Una vez más, Topper y Valeria Pesqueira deciden unirse para crear una colección que habla de la relación madre-hija. Y lo hacen a través de un cuento mágico, que se expresa en colores, rayas y flores, con la recurrente figura del oso como elemento de unión.

Además, el color flúo sigue presente junto a los pasteles y la infaltable combinación blanco-negro. De esta forma, los clásicos modelos de Topper (panchas, zapas y botitas acordonadas) se ofrecen para las niñas a partir del número 18 y del 35 para las mamás.

“Nos inspiramos en la historia de un lugar mágico al que sólo una mamá y su hija pueden llegar. Allí no existe el silencio, porque el vacío se llena con juegos. Creamos prendas y calzado a partir de un mix de texturas y colores, logrando una colección divertida para compartir entre grandes y nenas”, señaló la diseñadora argentina Valeria Pesqueira, especialista en recrear mundos de fantasía.

Valeria Pesqueira, conocida por su espíritu lúdico y atracción por las estampas, interviene los clásicos modelos de Topper en una colección que cuenta un cuento. Allí, personajes nacidos a partir de esta unión, como el oso, cobran personalidad y pasan de una silueta a otra transmitiendo distintas historias.

Para los distintos diseños se emplearon nuevos materiales, rayas pintadas, estampas full y siluetas bien femeninas. Los parques, bosques y la naturaleza se ven reflejados en estampas liberty y animales.

La nueva colección está disponible en los locales exclusivos de Topper, en la tienda online, en el local de Pesqueira (Gurruchaga 1750, CABA) y en la mejores casas deportivas del país. + www.pesqueira.topper.com.ar


034

+ mundo creativo

diseño

Tramas Urbanas Gráfica colaborativa bajo la autopista El Distrito de Diseño, en el barrio porteño de Barracas, continúa con su proceso de revitalización. En esta oportunidad, gracias a un proyecto de la cátedra Longinotti de Morfología I de la carrera de diseño gráfico de la FADU/UBA, trabajado en conjunto con la Dirección General de Industrias Creativas del Distrito y Centro Metropolitano de Diseño, se realizó una intervención gráfica en el bajo autopista de Herrera y Benito Quinquela Martín. Tomando en cuenta las características visuales, espaciales y materiales del espacio, la propuesta trabajada entre alumnos y docentes, se centra en el uso creativo de las tramas y las geometrías, y su capacidad de variación casi infinita. Es así que, a través de la técnica de pintura mural, se pintaron en grupo nueve columnas, cinco estructuras y parte del adoquinado, acompañando el lugar, sin invadirlo ni vandalizarlo. Las tareas desarrolladas incluyeron la idea del proyecto general y sus elementos particulares, el desarrollo gráfico del mismo, la planificación del trabajo in situ, y su ejecución material.

Desde la cátedra Longinotti, señalan que “El objetivo es calificar y re significar el sitio a través de la gráfica, para convertirlo en un `lugar´, con todas las cualidades de identidad, referencia y memorabilidad que hacen de un espacio urbano una realidad significativa para el habitante como zona de encuentro, disfrute y uso social”. De esta forma, la intervención gráfica colaborativa Tramas Urbanas contribuye a potenciar la identidad del barrio y a llenarlo de vida. + facebook/morfologialonginotti www.buenosaires.gob.ar/distrito-de-diseno


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+ mundo creativo

Texto: Germán Andrés @vermirando

discos

llamada Stephanie Dosen, todas en plan dream-pop, con sonido acústico, principalmente guiadas por él al piano. La formación en dúo debutó con un disco llamado “Moon”, bajo el pseudónimo Snowbird. La grabación cuenta con la participación de dos integrantes de Radiohead (Ed O’Brien y Phil Selway), más otros músicos ingleses legendarios. Le ha ido muy bien en el mundo, y este año en Argentina, el sello Casa del Puente decidió editar ese disco, que viene en formato doble. Además de las once nuevas composiciones de Raymonde y Dosen, el lanzamiento incluye un segundo CD con remixes de los once temas por RxGibbs, un productor de electrónica de Michigan (USA).

Snowbird De Cocteau Twins a la Luna, remixados Con un disco doble e invitados especiales, volvió al ruedo el que fuera líder y creador de la mítica banda inglesa Cocteau Twins. El multi instrumentista Simon Raymonde, durante el año pasado, compuso varias canciones con una chica americana de voz dulce

Se trata entonces del regreso de un autor emblemático de la canción melancólica; aquí, con una propuesta menos oscura, sin perder lo onírico, actualizado, y con la ayuda de algunos amigos. El disco “Moon” (1) tiene fuerte presencia de climas etéreos, mucha melodía y la encantadora voz de Stephanie Dosen en ritmos pausados y languidez ensoñada. Por su parte, el disco “Luna” (que en español titularon la entrega 2, es una apuesta más ecléctica y eléctrica, pues el trabajo de RxGibbs hace mutar las canciones originales, pasando por momentos muy diversos, sin dejar el atractivo de la voz cantante. Unas van por el house hipnótico; otras más espaciales, algo de trip hop, dub y algunas muy sutiles en downtempo preciso y precioso. Toda la obra completa refleja una búsqueda cuidada en el universo de la canción, con noches alucinadas. + www.casadelpuentediscos.com/cd/049/

Animales Superforros. Segundo disco de la banda que no tiene más de cuatro años en la escena porteña, y que se las arregla para parecer de otro lugar. Combinando bien instrumentos como el charango, los vientos andinos, el bombo legüero, los teclados, sintetizadores y bases electrónicas, crean interesantes canciones pop, un tanto alocadas. Hay sanas influencias que van desde Los Beatles hasta el folklore argentino, en las composiciones o la forma. Y en el audio o el resultado estético, se emparentan con artistas como Animal Collective o Café Tacuba (en referencia al sonido). A su vez, el grupo pone su propia visión en cómo encara las piezas, lo que tiene mucho que ver con el imaginario popular argentino (ya sea por la ironía de los titulos o las temáticas de las letras, hasta en su espíritu innegablemente nacional).

Los Animales Superforros Locales en cualquier parte “Córdoba es mi Europa” se titulada -con desfachatez- la nueva producción autogestionada de este grupo que se hace llamar Los

El resultado es atractivo y jugoso con cierto riesgo, que hace tomarlos en serio. Incluso, da la sensación de que algunas canciones son el resultado de zapadas o “cuelgues” tocando; cierta improvisación que luego, bien amalgamada, quedó en el disco. Esto significa, entre otras cosas, que es una banda fluida y de creación colectiva. No se trata de un producto que va todo cocinado al estudio, digitado por una sola persona. Son once temas propios, con una gráfica acorde al concepto de cruce, entre lo “moderno” y digital, con la imponencia del paisaje, la tradición y una poética local. + www.facebook.com/superforros


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mundo creativo 037 ciudades creativas

Texto: Enrique Avogadro (*) @eavogadro

+ Instalación “Mise-en-abyme” de Matteo Fogale y Laetitia De Allegri en el V&A Museum. Uno de los highlights del London Design Festival 2015 (19 al 27/09/14). Foto: Gentileza London Design Festival

El diseño, una herramienta para definir la ciudad 9 días, casi 400 eventos y exhibiciones, 7 distritos urbanos de alta concentración de actividades, diseñadores de todo el mundo, y múltiples ramas y disciplinas del diseño que se encontraron e interactuaron entre sí. ¿Dónde? En las calles de Londres, sede desde hace 12 años de uno de los festivales de diseño más importantes del mundo y, sin lugar a dudas, uno de los mejores escenarios para detenerse a pensar en cómo el diseño tiene la capacidad de hacer del mundo un lugar mejor. Y no sólo pensar sino también, y sobre todo, generar una gran conversación al respecto. Inútil entrar en el detalle de cada una de las charlas, clases magistrales, talleres, performances y foros que tuvieron lugar, pero sí vale la pena destacar que cada disciplina -desde la moda hasta la arquitectura, pasando por el diseño gráfico y el digital-, tuvo la posibilidad de ser analizada, pensada y debatida en profundidad por grandes expertos del sector, profesionales, estudiantes y público en general. Tal vez esto último, acaso, sea una de las características más interesantes del festival, o al menos una de las tantas en las que resulte interesante detenerse unos momentos: que este evento gigantesco tiene la capacidad de acercar el diseño a la gente y a la gente al diseño, y este es un punto en el que el trabajo es constante, permanente y satisfactorio. Porque es allí, en la vida de todas las personas, donde se mide su verdadero impacto. En ese sentido, vale como claro ejemplo el archiconocido sistema de transporte subterráneo de Londres, el Tube, que al margen de haber contado con sus muestras, charlas e intervenciones de rigor,

representa por sí mismo un caso de éxito de cómo el diseño bien pensado y aplicado, puede hacer magia con la cotidianeidad: sus dos marcas registradas -el mapa pensado por Harry Beck y la arandela y tipografía de las estaciones diseñadas por Frank Pick, ambas nacidas en la primera mitad del siglo XX-, son íconos que trascienden fronteras, idiomas y épocas, y representan a la ciudad tanto como la silueta de sus más famosos edificios. Volviendo a nuestra Buenos Aires, está casi de más señalar como reflexión final que tenemos todo lo que hace falta para generar nuevos íconos urbanos y potenciar aún más los que ya tenemos, generando a la vez espacios públicos que sean terreno fértil para la construcción de una ciudadanía más poderosa y empoderada. Contamos con diseñadores de primera línea, un talento creativo sin límites y una ciudad que es un enorme e inspirador canvas por aprovechar: las oportunidades están, literalmente, a la vuelta de cada esquina, y a veces, para encontrarlas, alcanza algo tan simple como salir a caminar. No dejemos nunca de hacerlo. + www.londondesignfestival.com

(*) Enrique Avogadro es Subsecretario de Economía Creativa del Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires. Es especialista en economía creativa, con experiencia en el desarrollo de políticas de promoción a las industrias creativas, al diseño y a la internacionalización.


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+ mundo creativo

marketing

+ Atardecer en Puerto Camacho

Kinetic Design Experience Carmelo

Tecnologías semiautónomas al servicio del volante Cruzamos el río y llegamos a la costa uruguaya, para formar parte de una exclusiva Kinetic Design Experience, organizada por el equipo de Ford Argentina.

El objetivo de la travesía fue probar los nuevos Focus y Mondeo, a través de la ruta que une la antigua ciudad de Colonia del Sacramento con Carmelo. Bajo un intenso cielo sin nubes, una cómoda y apacible hora y media de caravana nos llevó arribar a nuestro destino (el Carmelo Resort & Spa Hyatt Hotel), al volante de un Ford Focus color azul Aurora. El programa de actividades prometía una sofisticada experiencia, que incluía masajes descontracturantes, piscina climatizada, sauna, caminatas y paseos en bicicleta por el bosque, vistas panorámicas, cocina gourmet y hasta clases de yoga, para finalmente dejarse invadir por el atardecer oriental en Puerto Camacho, y disfrutar de una degustación de vinos y quesos en la cava del Narbona Wine Lodge, guiados por una sommelier. Al cabo de dos días, giramos la llave de un Nuevo Mondeo, y emprendimos el viaje de regreso hacia Colonia. En su versión blanco Oxford, este auto es ideal para manejar en ruta: seguro, compacto, y con un amplio y cómodo habitáculo para el conductor y cuatro acompañantes. La lluvia y la neblina que nos acompañaron, nos permitieron comprobar un manejo estable, así como poner en práctica dos importantes tecnologías semiautónomas de las que dispone la nueva unidad de Ford: el sistema de mantenimiento de carril y el detector de fatiga.

La primera de ellas, detecta las líneas marcadas en la ruta, y ayuda al conductor a mantenerse en el centro del carril. Lo hace valiéndose de una cámara frontal para monitorear la posición del vehículo, para así advertir cuando éste tiende a desviarse involuntariamente.


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mundo creativo 039 marketing

+ Narbona Wine Lodge

El sistema puede desactivarse o configurarse en estado de alerta (ante un cambio de carril sin activación de la luz de giro, produce una vibración en el volante y una señal luminosa en el panel de instrumentos), estado de asistencia (automáticamente provee asistencia en la dirección para volver el vehículo a su curso normal), o bien estado de alerta + asistencia (provee asistencia, y luego activa la alerta si continúa la desviación del carril). Al activar la segunda tecnología, el detector de fatiga, el vehículo comienza a monitorear el patrón de manejo, comparándolo constantemente con la performance de los últimos 6 minutos. Si detecta un comportamiento que pueda indicar fatiga, activa alertas visuales y sonoras, de intensidad creciente, sugiriendo al conductor que tome un descanso, para evitar accidentes. La humedad de la mañana intensificaba los verdes y grises del paisaje, y desprendía un agradable olor a eucaliptus. Casi sin darnos cuenta, llegamos al final de nuestro viaje, concluyendo que el motor de 2.0 GTDI Ecoboost optimizó considerablemente nuestro consumo de combustible y, con la ayuda del sistema de estacionamiento asistido, el vehículo realizó los cálculos necesarios para dejarnos estacionar en el lugar detectado por el Nuevo Ford Mondeo. + www.ford.com.ar


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personas creativas 041 ilustración

Alberto Montt

La ley del menor esfuerzo Mitad ecuatoriano, mitad chileno, Alberto Montt relata su propia visión del universo a través del humor en sus viñetas cómicas donde juega, hace terapia y se gana la vida de un solo tiro. Formado y curtido en diseño gráfico, la ilustración cambió la dirección de su existencia hacia una voz popular y trascendente que nació de su necesidad de divertirse, en un Chile donde esta disciplina se ha vuelto un símbolo de calidad en los últimos años. | Texto: Fernanda Cohen (*) @fernandacohen

EL HARTAZGO Su camino creativo empezó en Ecuador, con una carrera de técnico en diseño gráfico, durante la cual se las ingenió con algunos compañeros para abrir un pequeño estudio, al que resultó irle mejor que a la carrera misma. “En Ecuador todos conocen a todos, por lo que nunca buscas trabajo, sólo te llega. En Chile, en cambio, tienes que esforzarte para encontrar clientes”. Con 26 años, y algo de trayectoria, decidió mudarse a Santiago, para probar suerte y darse algunos porrazos, claro. Empujado de algún modo por una cierta inercia que siempre lo había desviado hacia la ilustración, Alberto estaba harto de su trabajo y optó por darle protagonismo a esa herramienta a la que tantas veces había recurrido dentro del diseño editorial. Quería dibujar. “Salí y compré cuanta revista encontré. Llamé a los directores de arte uno por uno, pero en esa época, no había nada de ilustración. Entonces, la respuesta era que no me necesitaban”. Persevera y triunfarás, eventualmente, el diario chileno El Mercurio le prestó atención, y así empezó a trabajar para diarios y revistas locales. A su éxito inicial, le siguieron unos treinta libros infantiles que sentencia, sin lástima alguna, como “malos”, aunque teniendo bien claro que su concepción fue una parte fundamental e inevitable de su crecimiento como ilustrador. “Estaba en una gran búsqueda; al fin y al cabo, era algo que quería hacer, no algo que hacía todavía”. Así es como con la práctica se fue formando su estilo, al cual describe incesablemente como una mezcla de incapacidades que se fueron escurriendo en un inconsciente (tanto propio como comunal), para establecerse por repetición, y con la sabia ayuda del tiempo, en el (*) Fernanda Cohen es ilustradora, graduada en la School of Visual Arts de New York. www.fernandacohen.com


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reconocimiento público. “Siento que mi vida siempre fue la ley del menor esfuerzo. Descifrando qué fórmulas de las que resultaban salían bien… con el menor esfuerzo. ¿Se entiende?”. No puedo evitar reírme frente a semejante y cruda verdad, sobre todo porque tendemos a querer mostrar justamente lo opuesto, como si el que nos costara, nos diera validez. “Hay una búsqueda consciente de mi parte del camino más corto, no del perfeccionamiento estilístico. Siempre intento, en la vida, ver la manera más fácil de resolver el problema”. LA DOSIS POPULAR “Dosis Diarias fue una respuesta al hastío de los trabajos para otros. Pero poco a poco, se volvió mi rutina. Entonces, por supuesto, ahora quiero romperla”. Es muy común entre artistas freelance este tipo de ejercicio, de establecer un ritmo de trabajo que nos obligue a generar piezas más allá del pedido de un cliente. ¿Por qué? Porque es una buena forma de disciplinarte, lejos de la presión de un director de arte, aprovechando a su vez para testear cosas nuevas, con un público activo, a través de las redes sociales. En su caso, primero fueron los amigos, después los conocidos, y casi en un abrir y cerrar de ojos, Alberto había generado una comunidad entera de consumidores de sus recreos diarios. El sueño del pibe, por así decirlo. Estas viñetas que comenzaron en el 2006 y combinan observaciones cotidianas y personales, con un análisis más bien liviano -y definiti-

vamente, cómico- del sexo, la religión, las instituciones, la política y las relaciones humanas, le dieron a Alberto la credibilidad necesaria para transformarse en una marca. “En Chile, si tienes un poco de notoriedad, sirves para la maquinaria, y así te comienzan a llamar los clientes. Ilustré etiquetas para la cerveza Kross, skates, botellas de vino, un manual de la amistad para Chivas Regal y hasta una edición limitada de remeras y zapatillas para Puma, que se terminó vendiendo por todo el mundo. Mucho de lo que hago, gira en función de la percepción que tenemos de lo que está bien y de lo que está mal, y hoy me llaman por esa mirada, no tanto por la gráfica”. No sé si seré la única que se pregunta cómo hacen los historietistas, sobre todo los que tienen tiras diarias, para no repetirse, quedarse sin ideas, copiarse (aunque no se den cuenta) y, lo más difícil de todo, sentirse orgullosos de lo que exponen a un público crítico todos-los-santos-días. Alberto me iluminó un poco al respecto: “Es como la criptomnesia: No siempre la copia es consciente, tienes que ser muy tonto para ponerte a copiar. Además, hay que ser muy egocéntrico, para creer que cada idea es única. Lo que sí me preocupa, es llegar a la misma resolución de mí mismo; ahí es cuando cambio de tecla. Por otro lado, entiendo a mis viñetas como algo integral, no individual. Si una no me gusta, sé que eventualmente vendrá una buena, y tampoco está mal que una de cada veinte funcione. No soy perfeccionista, pero sí soy competitivo conmigo mismo”. El estilo comercial de Alberto es exclusivamente digital, a pesar de


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que en su futuro más cercano, aspira a volver por completo al lápiz sobre papel, como cuando era chico. Dibuja con la Wacom, bocetando en Photoshop y retocando en Illustrator, buscando siempre esa solución rápida que rige su filosofía de vida. En 45 minutos termina una viñeta, mientras que cuando se deja llevar por el papel, le tarda 8 veces más cerrar un dibujo. “A mano juego, como si tuviera un cajoncito de arena donde mezclo todos los materiales y me divierto”. TODO EL RESTO Padre de Laura de 4 añitos, Alberto recién ahora empezó a explotar esta experiencia mágica que proveen los niños. Laura protagoniza sus Dosis Diarias desde hace unos meses junto a su muñeco preferido, un dinosaurio. “Su máximo acto de amor es prestármelo. Siempre quise dibujarlo, pero me preguntaba quién querría ver uno más de éstos; no quería caer en el cliché. Llegó un punto en que no pude más, no podía perderme de todo esto que estoy viviendo con esta enana. Liniers me envalentonó a hacerlo, sin que me importara nada. El resultado fue impresionante: 30 mil likes al instante, y como un millón de visitas”. Además de sus chistes y viñetas, Alberto es convocado tanto por clientes publicitarios para dejar su sello de autor, como por compañías que buscan la asesoría en su opinión, como la revista chilena Qué pasa. “Estoy en un lugar muy cómodo en la ilustración, y puedo hacer lo que se me da la gana. Hoy por hoy, acepto sólo aquellos proyectos que me dan carta blanca para su desarrollo”. Pero lo que

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más le apasiona actualmente a Alberto no es tanto lo que lo hizo conocido, sino sus “Libretas de Viaje”, donde plasma esa misma línea de sus personajes gráficos, pero en todo tipo de medios manuales. “Ahí me permito tener errores, porque no siento ninguna presión. A mí me gusta más, y me siento más orgulloso cuando edito estos dibujos”. Eso no es todo. Lo que se viene es también una gira en Chile en noviembre de este año, donde estará pintando en vivo junto al historietista Liniers y el músico Kevin Johansen. Luego, en diciembre, estará presente en la Feria Internacional del Libro de Guadalajara, nuevamente de la mano de Liniers, con quien incursionará en un híbrido que combina el stand up con dos dibujantes que humorizarán sus vidas a través del dibujo y el monólogo. O algo así; todavía lo están armando. Habrá que esperar que les vaya bien, para ir a verlos al Luna Park. +

DOSIS DIARIAS Se puede encontrar en 5 libros editados en Argentina y 5 en Chile (Ediciones de la Flor, Común y Sexto Piso). Su último libro, “Libreta de Viaje”, fue editado en el 2015 por Catalonia (Chile). + www.dosisdiarias.com


personas creativas

+ 045 moda

Vicki Otero Manual de estilo

Libros heredados, trabajos prácticos universitarios, experiencia en el taller y algunas reflexiones propias. Entrevistamos a la diseñadora argentina para apuntar sus modos. | Texto: Celeste Nasimbera @CeleNasimbera Foto: Micaela Colace @mica_colace

Están aquellos que con suma facilidad se desprenden de los objetos. No conservan, no acumulan, no atesoran. Descartan, vuelven a comprar, y así. Pero no, éste no es un relato de aquel frenesí, porque las puntadas que da la diseñadora son del revés. La moda como sistema produce novedad, y eso sí que no es nada nuevo. Cada temporada se renuevan los percheros; allá y acá, cada seis meses, se presentan las colecciones. Ritmo que se aceleró con las tiendas denominadas fast fashion, y generó la sensación de que “ya fue, esto ya pasó. ¿Y ahora qué me compro?”. Consumismo, digámoslo. En la Argentina se replicó, se replica y se replicarán las fórmulas extranjeras. Pero hace tiempo que también se instaló un modo alternativo, más propio. La apertura de la carrera de diseño de indumentaria en la Universidad de Buenos Aires hacia fines de la década del 80, decanta hoy en una extensa lista de diseñadores de “autor”. Vicki Otero está entre ellos, y tiene, ciertamente, un método propio. En su showroom de Belgrano, Vicki se acomoda sobre la extensa mesa de trabajo. Mobiliario de madera noble que da cuenta del tiempo en las marcas del uso. No, no es nueva. Es herencia. Y no es siquiera el único objeto que conserva: sobre los estantes están acomodados dos tomos del manual de costura método De Santis. Al abrirlo, uno

encuentra ilustraciones, y las más precisas indicaciones para realizar moldería (entre otras cosas). Ahí se encierra algo: el gusto por otro tiempo, cierta nostalgia y estilo. No hay prisa, sino precisión. Hija de padres españoles, ambos se dedicaron al oficio de hacer prendas. Su madre se inició como modista hasta tener (actualmente) una tienda. Su padre, indumentaria masculina. Vicki estudió diseño de indumentaria, luego de un breve paso por la carrera de medicina. ¿Qué iba a aprender? Se la pasó en un taller. APRENDER EL OFICIO “Cuando empecé a vincularme con las prendas, tuve un período de feria americana. Incluso, mi primera colección tuvo que ver con eso. A mí me gustaba la sastrería que encontraba en las ferias. Yo usaba los sacos del lado del revés, porque me gustaba el interior, los detalles”, relata, mientras recuerda sus primeros años en las aulas de la FADU/UBA. Otero sabe de resolver. Al verbalizar, da cuenta de conceptos, pero ella realiza. Sin urgencia, buscando equilibrar entre lo que se supone debe ser (correr) y lo que quiere (hacer). Algo del aprendizaje de observar a sus padres, lo académico en el ámbito universitario, y luego el paso por una marca importante, le permitieron un manejo amplio del arco de posiblibiles. “Apenas terminé la carrera, empecé


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+ Primavera - verano 2015/16

a trabajar en John L Cook. Conocía muy bien la marca, porque mi hermana la vendía. Me entrevistó Flavia Martini; yo iba vestida de feria americana y quedé. Empecé de asistente, y después a diseñar. Era una fábrica con un departamento de diseño, cosa que casi no había en ese momento. Trabajé hasta el 2001”. De esta forma, aprendió de la industria, hasta que llegó la crisis. Se fue, viajó y volvió, pero sin pretensiones de tener marca propia. Eran tiempos complejos, y había que resolver con lo que se tenía a mano. “Al volver, me llamó nuevamente Flavia Martini: estaba arrancando con BAFWeek, y quería que hiciera una colección. Primero compré telas; cuatro rollos sin saber qué iba a hacer. Desarrollé un molde probando un saco del revés, proyectando el interior”, relata. “Pará, lo tengo acá”. Vicki se para, revuelve algunos archivos, y extrae la prolija prenda entallada, en un tono rojo intenso. “Éste es el primer saco que hice en mi vida” -me dice, mientras me enseña los detalles. Esa primera colección, un tanto inspirada en la figura de “El Principito”, constó de pocas piezas: chalecos, sacos, tapados, faldas y pantalones. Las suficientes para dar cuenta de una insistencia: la

sastrería. “Con esto me mandé. Llamé, fui sola, e hice showroom. A la siguiente edición, ya hice desfile. ¡Y vendí re bien!”, comenta sobre el año 2002, en plena ebullición de nuestro diseño. Otero siempre realizó, en paralelo, producto terminado para otros proyectos, lo cual le permitió llevar adelante su proyecto personal. Una mujer (en sus palabras, sería “mina”) independiente, que sabe lo que quiere y resuelve. Tiempos modernos. AQUELLAS TRABAJADORAS “La imagen de mujer que tengo es bastante austera; eso tiene mucho que ver con mi mamá. Tengo fotos de cuando llegó de España, de negro, y me viene esa noción de mujeres trabajadoras elegantes. Tengo esa cosa del arremangarse: esa idea la trabajo en las mangas. Me gusta trabajar con sensaciones; a veces, con música. No hago carta de tendencias con imágenes”. Otero entiende, y entre las opciones, elige. Igual que quien la viste. El estilo es una construcción en el tiempo. Las modas pasan, pero quien sabe qué quiere, lo encuentra. Vintage, moda, innovación.


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Un ropero acumula temporadas, y el modo decanta en la mezcla. “Mis clientas son minas independientes, no consumen tendencias de moda”, aclara, pero no hace falta. Ella propone, y se encuentra con la respuesta de una igual. Vicki Otero no tiene local a la calle, sino que posee un showroom, y organiza diferentes eventos donde poder acercarse. Realiza a medida, por encargo, con un tiempo que se coordina entre quien hace y quien lleva. Incluso, realiza trajes de novia. No, no es el típico vestido blanco. “El último que entregué es rojo. Sastrero, años 50”. Y me quedo pensando en esa imagen... En la última edición de BAFWeek, presentó su más reciente colección. Un verano inspirado en las mujeres de campo. No hay moda; hay afirmación. Vicki Otero manifiesta un interés por la sastrería y cómo puede variar sobre ella, una paleta clásica y tipologías que resultan prácticas al andar. Actualmente, se encuentra realizando la temporada, porque ya no corta en cantidad. ¿Para qué desperdiciar? Si se busca, se encuentran otras maneras de hacer. + Facebook/vickiotero

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personas creativas

+ 049 arte

Sael

En equilibrio entre los universos del arte y el diseño El responsable de la ilustración de tapa de este número de 90+10, nos sube a la nave espacial de su creatividad, en un viaje por su historia, sus ideas y sus proyectos que mezclan el trabajo artístico y el diseño para marcas, trascendiendo lo físico, tocando lo digital, en una experimentación que parece de otro universo. | Texto: Gala Décima Kozameh @GalaDK Foto: Adri Godis @adrigodis

No es arbitrario que Sael sea sinónimo de Universo Sael. Como diseñador y artista visual autodidacta, se define por trabajar desde la virtualidad a lo físico, mezclando el juego del arte digital y el diseño palpable, llevando su imaginación a los confines de las posibilidades, creando un mundo paralelo en el cual es su creador y su propio usuario. Sael se supera en cada uno de sus proyectos, rompiendo las barreras de lo imposible, y generando nuevas perspectivas, tanto en su visión artística como comercial, en su trabajo con marcas. Un inquieto en un universo sin límites. De chiquito, antes de tener su propio universo, sólo era José Alfonso, un nene inquieto que recorría Mar del Plata de punta a punta, para hacer todas las actividades vinculadas a lo artístico que le llamaban la atención: iba a clases de piano, trompeta, dibujo e incluso, danza. El pequeño José quería ser astronauta y miraba las estrellas juntarse con la espuma del mar, creando una bruma que parecía el humo que sale de una nave espacial antes de despegar. Fascinado con la ciencia ficción, se maravillaba con las galaxias, buscando una conexión con el más allá. La idea de que somos infinitos, siempre lo volvió loco. De ahí sacó que el ser humano está en constante expansión. Se aferró tanto a ese pensamiento,

que nunca aceptó un límite en su propia creatividad, buscando la inspiración en la misma humanidad porque, según dice, lo que crea está destinado a las personas, para que reciban sus ideas, se las apropien y le den una devolución. Autodidacta motivado por su inquietud, Sael comenzó su educación tanto técnica como artística en una academia de dibujo de su ciudad natal. Fue tal su éxito en la escuela, que al poco tiempo lo habían sumado a las clases de adultos donde, a la corta de edad de 11 años, ya trabajaba tipografías, volúmenes, planos, logos y maquetas en 3D. En sus ratos libres, construía sus propios juguetes, los transformaba, y hasta vestía a sus muñecos. Con los años, su gusto por jugar con la confección, lo llevó a trabajar en depósitos de marcas de ropa, e incluso en una fábrica de sweaters marplatenses, donde empezó a crear sus propias prendas. La crisis del 2001 lo obligó a reinventarse, y a tomar un nuevo camino. Dejó la ropa, se colgó una mochila al hombro, y se fue a recorrer la costa con sus dibujos y grandes ideas. Empezó vendiendo postales en Villa Gesell, hasta un punto en el que su estilo se volvió tan reconocido, que los comerciantes de las ciudades costeras lo empezaron a buscar para que interviniera sus logos, productos e imagen.


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1. Intervención de fachada del Museo de Arquitectura de Buenos Aires. 2. El Guardián de la eternidad, instalación de 12 metros en el Museo de La Plata, durante el Festival Arte Joven 2014.

+ Te fuiste volcando lentamente hacia el diseño gráfico… S La base de diseño siempre la tuve, desde mi experiencia con la ilustración. Cuando empecé a mostrar mis trabajos por la costa, me empezaron a pedir cuadernos y agendas. Yo no sabía hacerlo, pero me ponía a probar y las cosas iban saliendo. Este micro emprendimiento activó mucho mi lado de diseñador, y se me ocurrió darle una forma más industrial. A los dos años de este viaje, creé mi propia línea de productos gráficos, que incluía desde tazas, pósters, hasta cuadernos y agendas con un estilo muy gestual y no tan electrónico, si bien ya estaba empezando a pulir mi lado digital, y jugando con programas de diseño. + ¿Cómo continuó tu trabajo entonces? S Siguiendo mi trabajo en dibujo seriado, en el 2004, abrí mi propio local en una galería de Mar del Plata. Ahí empecé también a ofrecer servicios de diseño integrales a clientes que venían a buscarme porque se sentían identificados con mis diseños, y querían piezas más específicas, que iban desde la imagen completa de un café, hasta el logo para una marca. En ese momento, sentí la necesidad de instruirme aún más en diseño gráfico, para poder responder mejor a las necesidades de mis clientes. Hice cursos, leí mucho, y aprendí también solo, probando. Este trabajo se convirtió en un estudio de experimentación constante que iba cambiando, en el que iba conociendo nuevos horizontes, viendo qué me gustaba. + Venías del arte y de golpe estabas en el diseño, tratando con clientes. ¿Cómo encontraste ese equilibrio entre ambas cosas? S Cuando empecé a trabajar con la gente del TRImarchi. Nos conocimos, hubo buena onda, y les hice el merchandising del evento en el año 2004. Ellos estaban creciendo como yo; recién se trasladaban al estadio. Cuando fui a mi primer TRImarchi, me cambió


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3. Como parte de la instalación artística Fruto 2 en Honeycomb Gallery, el público pudo llevarse piezas tridimensionales (o frutos), que contenían una obra de arte realizada en conjunto por Tristan Bates, Sael y Parbo. 4. Diseño de identidad para el Parque Tecnológico Tecnopólis. Agencia Ferrari-Chiappa.

todo, descubrí un mundo. Descubrí que no había un límite en el diseño, y mi local se convirtió en un estudio en el que empecé a probar todo lo que se me ocurría. En ese momento, me conecté con mi niño interior, volví a esa naturaleza de expresión total. + ¿Cómo es tu proceso creativo? ¿Desde dónde empezás a trabajar la idea? S Creo que vivimos avasallados de información, así que cuando empiezo un nuevo proyecto, intento alejarme de todo eso, conectar con lo que tengo ganas de hacer, y ser más experimental. Mi lado artístico suele coincidir con el lado comercial. Soy muy visual y gráfico, así que me tengo que crear una imagen general, y a partir de una base de ideas, voy haciendo bocetos, veo adónde me llevan, si se transforman en una instalación, una escultura o un póster. Lo voy armando a medida que voy estudiando las ideas. Me gusta eso: siento que el proyecto tiene vida propia, que las cosas no se hacen de una sola manera. Siempre pensando en la comunicación misma: ¿qué quiero decir con esto que estoy haciendo? + Trabajás mucho con marcas. ¿Cómo enmarcás estas ideas creativas en los pedidos de los clientes? S Siempre estoy buscando mi veta, mi equilibrio entre lo que me gusta de ser diseñador como artista, creando mi Universo Sael, y eso lo llevo a mi trabajo con clientes. Una cosa confluye con la otra. En cada proyecto, me corro del lado del artista, y lo miro como espectador; me vuelvo mi propio cliente, para verlo desde otra perspectiva. Siempre hay bajadas de línea del cliente, y hago un mix entre el arte y el diseño. Creo que si es diseño, tiene que tener arte, tiene que ser experimental. Y si es arte, siempre tiene que comunicar algo. El arte ya no es colgar un cuadro o hacer un dibujo; intervienen muchos factores que hay que tener en cuenta, para llegar a una pieza que genere una respuesta del receptor.


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Trabajar con una marca es una oportunidad de mezclar el arte y el diseño para que funcione, se disfrute y se genere algo en el espectador. No hay un solo camino, se puede hacer todo junto. + Tenés trabajos como el “Guardián de la eternidad”, una instalación de 12 metros de altura, jugás con los vinilos, intervenís ropa, pensás en robots y disfraces para la gente. Generás acciones de todo tipo. Hay un trabajo dedicado en los espacios y materiales. ¿Cómo te creás esos desafíos? S Considero que, al ser digital, llevo la virtualidad a lo físico. Me gusta ese juego de lo virtual y lo físico, como el del diseño y el arte. Intento unirlos, creando un nuevo camino por explorar. Cuando trato de llevar mis ilustraciones a un mural, pienso en cómo puedo hacer de ese dibujo un show en un lugar físico. Estamos en una época en la que queremos todo ya, y eso es convertir la virtualidad en realidad. La gente tiene que ser parte de la obra. Creé un proyecto llamado “DreamOnLine”, que tiene que ver justamente con la obra en conjunto. Es un momento que comparto con las personas. Les dibujo la espalda, la ropa, los toco, les hablo, y esa obra va más allá de una intervención. También es la charla, la energía, el dibujo. Es un símbolo que surge a partir de ese momento, un conjunto de cosas que se suman. Si le intervengo la espalda a alguien, la obra ya no es el dibujo, sino la persona misma. + Hace poco fuiste parte de la inauguración de Honeycomb Gallery. ¿Cómo llegaste a esa exposición, y qué trabajos llevaste? S Me invitó Tristan Bales, que es una persona maravillosa, con la que creo que somos “power unit” (unidades de potencia). Siempre estoy haciendo proyectos con él, y cuando me invitó, me propuso la idea de trabajar la identidad y el alter ego. Eso me disparó a jugar con los relieves, la identidad interior y exterior, a través de las huellas digitales. La identidad se transforma desde el exterior,

desde lo que escuchás y ves. Eso te transforma, y con esos factores generás tu propia identidad. + ¿En qué estás trabajando ahora? S Estoy preparando un tour a Japón que durará 25 días, y al que voy con varias cosas: una muestra propia, otra colectiva con argentinos (porque quiero llevar a gente creativa argentina para que juntos invirtamos en esto), una conferencia, y además, un proyecto interviniendo a las personas, en el que se genere una situación de sorpresa, interacción y un sentido. Lo estoy trabajando con Tristan; tengo mucho apoyo de su parte. Quiero ir un poco más allá, también, armando un personaje que va a ser virtual y físico. Una especie de robot que va a estar aprendiendo a través de su experiencia conmigo, comunicando todo lo que aprenda en el tour. Suena loco, pero de eso se trata. Va a tener redes sociales propias y a contar lo que aprende, y sacará conclusiones; será muy educativo. Por último, estoy trabajando colaboraciones para una línea de zapatillas, muebles, varias cosas que tienen que ver con productos, además de estar haciendo unas portadas de revistas, y preparando un libro de Sael para el año próximo. + ¿Qué nos podés contar sobre la tapa de este número de 90+10 que ilustraste? S He visto crecer a 90+10, siento que la acompañé en este proceso. La revista siempre me apoyó, y me dio una mano. La tapa transmite mi cariño hacia 90+10. Es una demostración de aprecio a través de un juego con líneas, y el concepto del camino recorrido. Nunca sabés adónde vas a parar, pero todo tiene un inicio y un recorrido. Quiero transmitir mi agradecimiento y mis ganas de continuar este camino juntos. Creo que vivimos en un caos que tiene cierta armonía, y el equilibrio entre estos dos componentes siempre son los amigos. + http://eluniversosael.com/

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personas creativas

+ 055 arte

Yolanda Domínguez Arte visual y activismo

Para Yolanda Domínguez (Madrid, 1977), el arte es motor de cambio, y el cambio pasa por la participación, y la participación genera comunidad. La comunidad somos nosotros, tú y yo. Y tú y yo podemos cambiar el mundo. He ahí por qué nos parece una de las artistas más interesantes del panorama actual. Imprescindible, vaya. | Texto: ArtsMoved (*)

+ Nos gusta dar la palabra a quienes entrevistamos para que presenten su obra. Adelante, Yolanda. YD ¡Hola! ¿Qué tal? Soy una artista activista que desarrolla acciones participativas sobre conflictos sociales, en las que el público es el protagonista. Mi trabajo consiste en crear experiencias que se insertan en la vida diaria, con el objetivo de despertar la conciencia social y empoderar a las personas a través del arte. + ¿De cuál de tus proyectos estás más orgullosa? ¿Por qué? YD La acción que más trascendencia social ha tenido fue “Registro” (2014), surgida a raíz del anteproyecto de la ley del aborto. Una vez más, otros querían decidir sobre el cuerpo de las mujeres. Se me ocurrió la idea de una acción simbólica, para reclamar nuestro derecho a decidir sobre nuestro cuerpo: si nos tratan como objetos, vamos a acudir al registro de la propiedad de bienes muebles, a solicitar que somos nuestras propietarias, y que nos lo certifiquen mediante un impreso. Lancé una llamada en mis redes sociales, y envié indicaciones a unas 200 mujeres que me contactaron en distintas ciudades. El día 5 de febrero acudimos a los registros con esta propuesta, pensando que nos echarían de allí a los dos minutos. Los registradores admitieron nuestros impresos apoyando nuestra reclamación, y al día siguiente, apareció en todos los medios de prensa nacional. Lo que en principio era una acción artística simbólica de un grupo de mujeres, terminó convirtiéndose en un movimiento de protesta social a nivel nacional: durante todos los días del mes de febrero, cientos de mujeres acudieron en sus ciudades a solicitar la propiedad de su cuerpo. Al principio, me escribían para pedirme consejo, pero luego ya me enteraba por la prensa de nuevos grupos auto organizados que acudían a los registros, sin saber ni siquiera de dónde provenía la iniciativa. Esto me parece más maravilloso todavía. La acción también trascendió a la prensa internacional, y se realizó en otros países con el mismo conflicto, como en México.

+ La ironía y la descontextualización son tus estrategias principales para generar una reacción. ¿Nos explicas cómo las aplicaste en alguno de tus proyectos y qué surgió a partir de ello? YD Creo que una de las claves de mi trabajo es el humor. La risa es un código que une a las personas: si dos personas se ríen de lo mismo, entonces están en el mismo lado. Además, es muy liberadora. El concepto de feminismo a veces es percibido de una manera negativa, y hay personas que no quieren saber nada de él. La desigualdad de género es uno de los mayores conflictos sociales de nuestro tiempo, y es necesario combatirlo. Mis herramientas son el humor y la acción subversiva. Normalmente, utilizo los mismos formatos que aquello que quiero criticar, pero cambiando el contenido: una técnica muy asociada al “culture jamming”. Por ejemplo, en “I’m not just a body” utilizo el mismo soporte que utilizan los mass media:

+ Registro (2014)

(*) ArtsMoved es un proyecto dirigido por la asociación Movimiento Artes (formada en Barcelona), dedicado a la difusión y promoción de la cultura, a través del arte realizado por jóvenes artistas. www.artsmoved.cat


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+ Pido para un Chanel (2013)

el cuerpo de las mujeres, pero para lanzar el mensaje contrario, “No soy sólo un cuerpo”. + En “Niños vs. Moda” (2015), pides a niños y niñas que describan lo que ven en las imágenes de algunas campañas de publicidad. Mientras que las modelos les parecen enfermas, “tienen hambre”, “se sienten solas”. Los modelos hombres son descritos como felices y poderosos. Su mirada hace evidente la violencia y desigualdad de género que hay en el mundo (de la moda). Niños vs. Moda tuvo mucho impacto internacional. ¿Qué te parece que “la revista de moda y belleza más vendida en el mundo”, Elle, se hiciera también eco del proyecto? ¿Era uno de tus objetivos? YD No era el objetivo principal, pero es un triunfo estar allí. Creo que mi discurso es más eficiente si se difunde dentro de los canales que critica. Los mass media no son perjudiciales en sí mismos, son los contenidos los que afianzan estereotipos y perpetúan desigualdades. Pero esto puede cambiar. Podemos generar otro tipo de imaginario, empezar a tratar al espectador como un ser inteligente, y valorar el aporte social y cultural de los programas, en lugar de buscar sólo el beneficio económico. La herramienta nunca es nociva, es el uso que se hace de ella lo que tiene consecuencias hacia un lado o hacia otro. El objetivo de mis acciones también es despertar a los consumidores, hacerles ver la otra cara de los mensajes con los que convivimos.

+ El proyecto “Poses” (2011) cuenta con más de 1 millón de reproducciones en YouTube y, de hecho, hemos leído que tuvo consecuencias y resonancias posteriores en las que la idea de comunidad con la que trabajas aparece claramente. ¿Nos las cuentas? YD “Poses” es el proyecto que más satisfacciones me ha dado, por lo que he aprendido de él y todo lo que ha generado posteriormente (y sigue generando). Tras publicar el vídeo que se hizo viral en YouTube y fue difundido por medios de todo el mundo, empecé a recibir versiones de mujeres anónimas imitando las poses que encontraban en las revistas, y pensé que ahí existía un potencial enorme: trabajar con la energía y la creatividad de otras personas. En 2012, lancé una convocatoria pública para reproducir una de las poses de la campaña de Chanel, y recibí videos de mujeres de todo el mundo. Con ellos realicé “Pose Nº 5”. + ¿Y cómo siguió el proyecto? YD En 2013, creé la Web www.strikethepose.org, una plataforma online para que mujeres y hombres pudieran subir poses que les parecieran absurdas y humillantes, y parodiarlas con sus propias versiones. Una de las mejores cosas que me han sucedido con este trabajo es que las mismas plataformas que publican habitualmente esas imágenes (revistas, televisión) también comparten el vídeo, y creo que es ahí donde realmente es efectivo mi mensaje (el vídeo de


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+ No soy sólo un cuerpo (2014)

“Poses” estuvo 10 semanas en el top ten de los mejores vídeos de moda del mundo, al lado de marcas como Dior y Lanvin). Todos los días recibo e-mails de hombres y mujeres que quieren formar parte activa en mis acciones, e incluso me envían temas o noticias que ven, y cuestiones que desean plantear. Definitivamente, el público es protagonista de mi trabajo durante todo el proceso; yo soy una simple mediadora entre la idea y su ejecución. + ¿Se puede vivir hoy en día del arte, y específicamente del tipo de arte que haces, basado en la crítica y la performance? YD Se puede vivir de todo lo que genera valor. Mis ingresos no provienen de la venta de objetos, sino en forma de talleres, conferencias (uno de los cursos que imparto actualmente es una masterclass sobre ética de la imagen en centros educativos y agencias de publicidad). También colaboro escribiendo artículos con diversos medios y realizo trabajos específicos para organismos de carácter social, como Greenpeace o Médicos del Mundo. Algunos de mis vídeos están formando parte de programas educativos, que es algo que también está remunerado. Creo que la clave está en diversificar, en pensar cómo puedes adaptar tu trabajo a distintos formatos. Hoy ya no creo que haya ningún artista joven que pueda vivir sólo de estar en una galería.+ www.yolandadominguez.com

Link a la nota: http://9010.co/yolandadominguez

+ Poses (2011)


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Carlos Zapata

Arquitectura con movimiento Enseguida supo que quería ser arquitecto. Aprendió de arte en la galería que tenía su familia en Quito, y cuando terminó la escuela, se mudó a Estados Unidos. Allí estudió, se recibió y desde entonces no paró de construir casas, rascacielos, aeropuertos y hasta estadios en diferentes países. Hoy vive en Nueva York, donde está su estudio, y viaja al sudeste asiático para ajustar detalles sobre sus proyectos. Carlos Zapata define su estilo como moderno, y por lo tanto cambiante: sus edificios tienen movimiento y personalidad. | Texto: Leila Mesyngier @Leimesyn Imágenes: ArX Solutions

El arquitecto venezolano vino a Buenos Aires para presentar el Turnberry Ocean Club, un edificio de apartamentos de ultra lujo que construirá en Sunny Isles, Florida. El megaproyecto tendrá 54 pisos en una de las localidades mejor rankeadas de Estados Unidos en TripAdvisor. Desde los balcones, los residentes tendrán vistas al océano Atlántico y al canal Intracoastal. La mejor panorámica se verá desde la mitad superior del edificio, en los pisos 30, 31 y 32.

Allí, sorprenderá lo que el arquitecto llamó una “intervención dramática”: el Sky Club ofrecerá una visión de 360 grados de la playa de North Miami Beach, una zona común exterior con dos piscinas, para sentir la experiencia de nadar en el cielo. Habrá un bar, un teatro, spa, gimnasio, salón social, comedor privado y jardín de mascotas domésticas. “Es una experiencia única, adecuada a la naturaleza tropical de Miami. El Sky Club es una pieza muy identificable,


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personas creativas 059 arquitectura

+ Hight Tech Tower en Angola.

escultural, de vidrio dentro del edificio, y está concebido así porque tiene una función diferente del resto de las plantas”, describe el arquitecto. INNOVACIÓN Y VERSATILIDAD Nació en Rubio, Venezuela, y pasó la infancia en Quito, Ecuador, rodeado de los grandes pintores en la galería de arte de su familia. Le apasionaba todo objeto que tuviera un motor y, un poco jugando y otro poco en serio, había aprendido sobre el diseño, la composi-

ción de elementos y la funcionalidad. Cuando estaba por terminar la escuela secundaria, puso todos esos conocimientos e intereses en juego, y la arquitectura fue la “elección natural”. Se recibió de licenciado en el Instituto Pratt -en Brooklyn, Nueva York- y después hizo una maestría en arquitectura en la Universidad de Columbia, en Manhattan. Nunca paró de trabajar. Hoy, su día laboral empieza temprano con una caminata hasta la oficina, ubicada en el Soho neoyorkino. Su perro lo acompaña todos los días, y lo espera hasta la hora de volver. En el estudio se mueve como en casa, revisa el estado de cada proyecto, y se concentra en aquellos que requieren de su atención y sus opiniones. Es un hombre que toma muchas decisiones cada día, pero no se pierde los detalles. El equipo del estudio desarrolla varios emprendimientos al mismo tiempo. “Es un espacio abierto, en el que trabaja un grupo de arquitectos talentosos. No es raro ver un edificio de gran altura en un escritorio, y al lado un proyecto comercial horizontal. Nos desplazamos sin problemas entre varios tipos; no nos especializamos en uno solo. Nos especializamos en el diseño”, cuenta Zapata.

+ Soldier Field en Chicago, Illinois.

Por eso, la rutina es ajetreada. Al mediodía almuerza con clientes y vuelve a la oficina hasta que anochece. Entonces, camina de regreso a casa con su perro, descansa, y se prepara para los eventos sociales de la noche en Manhattan.


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+ Turnberry Ocean Club en Sunny Isles, Florida.

En general, diseña varios proyectos a la vez, por eso le cuesta elegir el favorito. “Trabajamos en diferentes ciudades con distintas expectativas y normas culturales, que contribuyen a darles forma”, reconoce. Pero no puede evitar nombrar a algunos de los que más le gustan: el estadio para los Chicago Bears, la Bitexco Financial Tower en Ho Chi Minh, Vietnam, y Sculptura, una torre de condominios de súper lujo, que pronto estará terminada en Singapur. “Todos ellos son innovadores, y nos han dado una gran satisfacción por la forma en que han sido recibidos”, explica. + ¿Cómo define el estilo de diseño de su estudio? CZ Nuestro trabajo es decididamente moderno. Como tal, está siempre en evolución, pero con una dirección definida. Lo que hace que se pueda identificar fácilmente es el uso de elementos estructurales que evocan expresión en la arquitectura. Nuestros edificios están fragmentados, con el fin de separar e identificar diferentes elementos por su función. Hay movimiento dentro de nuestras composiciones de diseño. Es un movimiento implícito, ya que los elementos están organizados de manera gestual; implican movimiento.

Así son los proyectos que hace: la terminal J del aeropuerto de Miami (2006), el hotel Cooper Square en Nueva York (2008) y la Casa de Quito. El Studio Carlos Zapata trabajó en varios países. Cada uno con diferentes climas, culturas, economías, normas de zonificación y códigos. Todos estos elementos juegan un papel en el diseño del edificio. “Sin embargo, nuestra identidad no se pierde en estas complejidades: todos nuestros edificios tienen una ‘personalidad’ fuerte, por eso nos contratan nuestros clientes. El resultado de nuestro trabajo son edificios modernos que resuelven situaciones programáticas complejas de una manera elegante”, relata. + ¿Qué impresiones le generó la concreción de proyectos en el sudeste de Asia? CZ El sudeste de Asia es un lugar fascinante y muy diverso culturalmente. No se puede comparar un país como Vietnam con otro como Singapur. Hemos construido importantes edificios en ambos y hemos aprendido de cada una de las experiencias. En Vietnam, construyeron el primer edificio de gran altura, cuando allí


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+ Turnberry Ocean Club en Sunny Isles, Florida.

+ Bitexco Finantial Tower en Ho Chi Minh City, Vietnam.

todavía no habían identificado los códigos apropiados de construcción. El equipo de Zapata se reunió con el gobierno, y acordó los detalles para aquél y futuros proyectos como el Bitexco, un inmueble de 68 pisos de oficinas, 6 niveles de estacionamiento bajo tierra, un helipuerto y un sky lounge en el piso 55, con vista de 360 grados en Ho Chi Min.

Lleva el arte en el ADN. Siente admiración por dos figuras fundamentales de la pintura y escultura: el suizo Alberto Giacometti y el italiano Amadeo Modigliani. “Uno es muy abstracto, el otro figurativo, pero los dos trabajan con el alargamiento de la figura, que es un elemento común en mi trabajo”, explica. De las corrientes más contemporáneas, elige al japonés Yoshitomo Nara -le atrae su sentido del humor-, y al arquitecto al que considera un artista, Carlo Scarpa. “Me ha enseñado un sinfín de lecciones acerca de los detalles y la articulación de los elementos en el diseño”, dice.

Singapur, por otro lado, le resultó un país muy sofisticado, con una cultura de edificios de gran altura. “Sus códigos son muy avanzados, pero tuvimos que negociar ciertas partes de ellos para construir nuestro último edificio, Sculptura Ardmore. Al trabajar en el sudeste asiático, hemos aprendido la importancia de mantener la flexibilidad y de interpretar normas estrictas en formas artísticas”, dice el arquitecto. Los viajes lo inspiran. Cualquier objeto bello, también. Desde un león hasta un automóvil. “Siempre hay un pequeño giro a una de las partes, que hacen que un diseño o artículo, o un ser vivo, se conviertan en algo extraordinario. Esta noción la utilizamos en nuestro diseño; otorgamos atención especial a varios elementos dentro de la composición, para crear un impacto y destacar nuestros edificios del resto”, detalla.

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A lo largo de su trayectoria, Zapata ganó múltiples premios, como el International Work Award en la XII Bienal de Arquitectura de Buenos Aires por el Chicago Bears Stadium (2009), Best Construction Project de la New York Construction Magazine por el Cooper Square Hotel (2008), el American Institute of Architects Design Award por el Concourse J (2008), y el Soldier Field fue elegido entre los diez mejores edificios por New York Times (2003), entre otros. + www.cz-studio.com


personas creativas

+ 063 arte

Fio Silva

El arte de la naturaleza Tiene 24 años y hace 4 se dedica a dibujar y pintar paredes. En la facultad leyó un apunte que, durante un proceso de búsqueda interior por la pérdida de su amor, fue el disparador de su trabajo. Así empezó a darle vida a las paredes de su barrio, en Villa Tesei, donde encontró “una seguridad que antes no existía”. | Texto: Agustina D’Elia @agusdelia

A Fiorela Silva le gusta lo instintivo. Dibuja y pinta animales porque siente que expresan mejor las ideas. “Me gusta representar cosas orgánicas. En lo que haga, tiene que haber movimiento y dinamismo”. Las plantas son su otra atracción; especialmente los árboles, ya que “son la analogía del funcionamiento de casi todas las cosas”. INSPIRACIÓN E IDEOLOGÍA Se apoda “Fio” y se considera sensible, pero no sentimental. Le gusta pensar acerca de la vida, del tiempo y de las relaciones humanas. A través de sus representaciones libera y muestra sus emociones, con el objetivo de intervenir en las paredes de la calle porque, para ella, “todo es vida”. El arte le otorgó un “sentido y seguridad que antes no tenía”. Sin dudas, sabe que es su camino a seguir. Según la filosofía de esta artista urbana, se trata de una actividad social, de experiencias que la ayudan a crecer; motivo por el cual le gusta viajar sola cuando participa de algún festival fuera del país. “Al estar sola, pienso que estoy en ese lugar por algún motivo, y tengo que tratar de vivir el día a día de la mejor manera que me salga”.

mueva algo dentro suyo”. Con un estilo de vida agitado, “sin fines de semana y esas cosas”, pinta y viaja todo el tiempo. No se imagina ejerciendo otra profesión que no sea vinculada a la creatividad. AZUL No todo fue pinceles y colores en la vida de Fio. Terminó la secundaria y se anotó en el CBC para estudiar diseño de imagen y sonido, en Ciudad Universitaria. Si bien considera que era “bastante nerd”, abandonó la carrera faltándole un año, y algunas materias de segundo para recibirse. Tenía dos horas de viaje y aparte, era camarera en un catering para eventos, donde conoció a Ramiro Ferreri, quien le enseñó cocktelería. Su trabajo de barwoman se superpuso con el interés que le había surgido por la pintura y prefirió esta última, debido a la libertad que tiene de expresarse, de manejar sus tiempos y recorrer el mundo.

Elige intervenir en las calles porque es un desafío. “Tal vez la pintura desaparezca en algunos años, y lo acepto”. Además, le gusta que haya libertad absoluta. Un episodio que representa el concepto fue la crítica de una señora mayor hace un tiempo. -¿Ese mural lo pintaste vos? –preguntó la mujer. -Sí –respondió Fio. -Está lindo, pero tiene colores que te ponen triste. Y si vos estás triste, ves ese mural y te ponés peor. Automáticamente, pensó cómo se sentía el día que hizo el mural. Sabe que estaba en otro momento de su vida, y que tenía dudas. Con el tiempo, se amigó con el color y entendió que podía ser un elemento más en sus ideas. En sus pocas horas libres, visita amigos o mira películas y documentales que le dejen una idea. Este es su objetivo en las paredes o murales que pinta. “Me gusta que la persona pase por el lugar y se

+ Barcelona, España.


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+ Selci, Italia.

En un principio, la familia estaba en desacuerdo en la decisión de Fio. Sus padres (un ingeniero en sistemas y una maestra) les decían que sería difícil vivir del arte, y que lo mejor era estudiar una profesión como sus hermanos (profesorado de historia, ingeniería en sistemas y diseño de indumentaria). Sin embargo, Fio dejó de lado la recomendación, apostó a su interés por comunicar vida a través de la naturaleza, y a la frase de un apunte sobre técnica e historia del dibujo: “Hacer presente lo ausente”. La consigna que leyó fue el “leimotiv” que adoptó, y así convirtió su vida en azul, el color que le gusta. “Me hace acordar al cielo, a lo inmenso”. Con su habilidad, Fio había descubierto su vocación y la manera de transmitir vida. Lo más fascinante para ella es crear, ya que implica poner algo en un lugar donde no estaba. Y, de esta forma, es como entiende el arte urbano, “Cuando ponés un mural en una pared vacía, le agregás contenido, color”. LOS PASOS Por más que opina que fue “horrible”, jamás se olvidará de su primer dibujo, en una plaza de Flores, “Hice un árbol con tres aerosoles que una amiga me había regalado para mi cumpleaños”. Con la práctica, perfeccionó su estilo y aprendió a mezclar los colores. Al principio, tenía dos pinceles, uno un poco más grande y el otro más chico para delinear. Usaba látex blanco o negro, y compraba entonadores para revolver con el blanco. Recuerda que “gastaba la menos posible; no entendía que no iba a alcanzar un rojo a menos que lo comprara en una pinturería”.

+ Morón, Buenos Aires, Argentina.

Los días pasaron y su método cambió: ahora va a la pinturería de su tía, en Morón, con un listado de colores, y agarra lo que necesita. Su técnica es la percepción, y se basa en los tonos primarios. A veces, debe blanquear la pared o hacer un trabajo de albañilería, para después concentrarse en el dibujo. La perturban las fotos para


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+ Victoria, Entre Ríos, Argentina.

titular sus trabajos, solamente se acuerda de “Libertad”, el mural que pintó en la Isla Kalamata, en Grecia, gracias a que la invitaron a dar una charla TED, en la que habló acerca de su historia personal, su experiencia y su arte. Fio Silva es un sello internacional. Ganó el concurso The Next Big Thing, un festival que reunió a 107 mujeres del graffiti y arte urbano de 40 países para encontrar a la prometedora y promoverla. En marzo viajó a Europa y, en el día internacional de la mujer, pintó en el túnel londinense Leake Street, en compañía de más de 150 artistas.

+ Costa Argentina.

copiar, y rara vez tiene una imagen a modo de guía, en su celular. “Me cuesta pre visualizar el mural; termina de una manera que ni yo sé. Me gusta resolver una pared sin depender de una imagen, y crear un estilo con sentido”. Opta por la imaginación, y por hacer lo que tenga ganas en el momento, que salga de lo común. Tampoco suele

Las horas de producción de la obra son indefinidas, y nada deja para el día después. Cuando empieza a recrear se esmera por terminar, a excepción de que la pintura requiera de varios días de desarrollo. Primero, prepara la pared y marca el dibujo con un aerosol. Después, usa uno de los diez pinceles que siempre lleva para pintar con látex o hidroesmalte con color. Con el aerosol también da sombras, luces u efectos; éstos conforman la terminación, junto con una línea en negro, azul oscuro o bordó. El propósito es el de emparejar el trabajo y que se vea integrado. POR EL MUNDO Fio admite que se cultiva pintando con sus pares, ya que le resulta interesante relacionarse y conocer distintas técnicas. Es un método de capacitación alternativo. Por ende, otras formas de componer, ideas


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+ El mural de Fio en la tienda Nike Buenos Aires en Alto Palermo Shopping.

nuevas que se complementan. Si tiene que compartir murales, pretende que se note la fusión entre ambos artistas, que generen un producto sólido para obtener un resultado novedoso. Su lugar preferido para pintar es en su barrio, con su vestimenta y calzado cargados de pintura. “Soy bastante despreocupada con la ropa, me ocupo de lo que estoy haciendo, porque después es eso y nada más”, reconoce.

escuelas y casas de cultura, en diferentes partes del mundo. Entonces, la invitó a coordinar un proyecto con ella, y pintará en la casa de la cultura junto con los chicos del lugar. + http://yenvosconfio.tumblr.com/

De igual manera se inspira cuando pinta en el exterior, y se involucra en su trabajo escuchando música. “Por lo general, arranco un mural con un tema que me active, bien arriba” (su lista de reproducción incluye Damas Gratis, Chancha vía Circuito, bandas de Zona Oeste y canciones que le recomendaron de alguna banda de afuera).

MOVIMIENTO Como de costumbre, el “boca en boca” funciona. En el sector de diseño industrial de Nike buscaban gente que pintara en la calle. De casualidad, uno de los encargados en el armado de un nuevo local de la marca, le preguntó a un amigo si conocía a alguien, y fue así como ese chico de Hurlingham le pasó los datos de Fio Silva.

Su condición de artista la traslada a su cuerpo. Y, aunque ella misma no se tatuó, seleccionó minuciosamente los diseños que llevará por el resto de su vida. El primero que se hizo fue un árbol en la espalda. A continuación, señala el lado izquierdo de su cintura y nombra a “los pájaros”. Sigue por la pantorrilla, donde tiene el tercer tatuaje, y nombra a “Seher”, el grafitero mexicano creador de la pintura que un tatuador le improvisó en el cuerpo.

El proceso de creación fue paulatino. Fio recibió un brief de la marca con los conceptos que querían en el mural, y ella armó tres bocetos. El elegido fue modificándose, hasta lograr el que está en mega tienda Nike Buenos Aires, recientemente inaugurada en Alto Palermo Shopping.

Por el momento, solamente se dedica a pintar y no tiene planes de enseñar, pero es una posibilidad para cuando sea más grande. Igualmente, esta joven artista argentina tiene la agenda completa hasta febrero del 2016. En noviembre, participará de un festival de mujeres latinoamericanas en Quito, Ecuador. Desde ahí viajará a Miami por el Art Basel Miami Beach. Luego seguirá trabajando en Argentina, y en febrero partirá a La Habana, Cuba, a encontrarse con una chica que la contactó desde Ámsterdam porque trabaja con

Inspirado en el movimiento y en el deporte, la intención de la inventora fue crear una imagen abstracta y figurativa sobre un soporte de madera que represente a un atleta, o a cualquier persona, con la intención de llegar a un determinado lugar y cumplir su objetivo. Con dos días de trabajo, la artista se limitó a pintar en escala de grises debido a la estética del local, y con una paleta de azules porque representa a la Ciudad. + www.nike.com/ar

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adidas Supershell Un lienzo en tus pies

Utilizando la puntera de las zapatillas como un lienzo en blanco para reconocidos artistas de distintas partes del mundo, adidas acerca su nueva propuesta Supershell. Un lanzamiento de edición limitada, que trae música y arte a tus pies. Cuando pensamos en un lienzo, nos imaginamos una tela blanca apoyada sobre el atril de algún pintor. No se nos ocurriría que unas zapatillas, en especial su puntera, podrían ser, también, el lienzo de un artista. Es así como adidas nos sorprende una vez más con su nueva propuesta Supershell, junto a Pharrell Williams. Luego de deslumbrar al mundo con adidas Supercolor, en esta oportunidad, Pharrell Williams se une a amigos y artistas del mundo, para reinventar y darle un camino innovador a la shelltoe (la puntera de la zapatilla) de la colección Originals Superstar. La propuesta de lanzamiento limitado, dividida en la Artwork Co-

llection y la Sculpted Collection, llevan el arte y la creatividad de la colección Originals Superstar a un nuevo nivel, innovando con diseños exclusivos en la shelltoe de las zapatillas. Cada una de ellas, tanto la izquierda como la derecha, tienen un tratamiento gráfico novedoso, permitiendo que la colección se combine interminablemente, y dándole una oportunidad de expresión creativa a quienes las usan. Con trabajos artísticos de insignia y diseños del artista contemporáneo de Nueva York Todd James, de la fotógrafa y directora Cass Bird, y del artista contemporáneo japonés Mr., Pharrell Williams hace su aporte y acompaña la colección con seis obras artísticas,


ideas creativas

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+ adidas Supershell por Todd James.

en las que se explora la fuerza y la energía de la vida, así como su relación con el color. Todo esto sucediendo en la puntera de las adidas Original Superstar. Sculpted Collection se presenta, esta temporada, de la mano del artista neoyorkino contemporáneo Todd James, junto a la aclamada arquitecta iraquí-británica Zaha Hadid y Mr., el artista japonés. Los tres le aplican su visión creativa y única a la puntera de los modelos blancos y negros de Superstar. Sculpted Collection ve a los artistas canalizar sus obras de arte en diseños 3D, especialmente modelados en la puntera de las zapatillas Superstar. La serie, que se completa junto a la Artwork Collection, presenta dos diseños exclusivos de Pharrell Williams, que refieren a su interés por el concepto de la relatividad: desde un zapato que abarca la cultura y el arte, hasta una plataforma de expresión en sí misma, lleva a la Superstar a su máxima expresión artística.


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+ adidas Supershell por Cass Bird.

+ adidas Supershell por Zaha Hadid.

+ adidas Supershell por Mr.

LOS ELEGIDOS DE PHARRELL WILLIAMS Con Pharrell Williams como su embajador, las punteras de las zapatillas transmiten toda la cultura contemporánea en tan sólo un puñado de diseños. Pharrell, como buen observador que es, supo identificar a los líderes del estilo y los convocó para que fueran parte de este proyecto, encontrando en distintas partes del planeta a aquellos que, a través de su arte, han sabido mostrar la liberación y la explosión de colores que adidas quiere representar en sus modelos.

Los Beastie Boys han ilustrado tapas de sus discos con sus trabajos. Urbanos como pocos, encontraron en James la representación de ese estilo callejero que está en todo su sonido. Eminem y Kid Rock también lo han convocado por su estilo de pinturas de personajes, tan influenciado por la cultura pop americana.

La atención de Pharrell se posó, primero, en el artista Todd James de Nueva York. James comenzó su carrera como artista callejero de subtes, bajo el seudónimo REAS. Su estilo fue copando, uno a uno, los vagones de los trenes, dejando su impronta en cada puerta y ventana, y superando el desafío diario de pintar un poco más, sin ser descubierto. Pronto, sus dibujos invadieron la urbe neoyorkina: se volvieron tan distintivos, que dejó de ser tan sólo “street art”, para pasar a identificarse como un trabajo de su

De Nueva York sale otra de las punteras Supershell, y es la que diseñó la artista, fotógrafa de moda y directora Cass Bird. Los trabajos de Bird han sido parte de publicaciones como The New York Times Magazine, Rolling Stone, GQ, Nylon y Paper Magazine. Además de que ha llevado adelante importantes campañas publicitarias. Con un estilo muy propio, en el que predominan las figuras, los tonos pasteles, los blancos y negros, Bird ha dejado su huella tanto en la fotografía artística como comercial. Con una

autoría, el cual no era necesario ir a ver a un museo, ya que estaba en todas partes.


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+ adidas Supershell por Pharrell Williams.

gran capacidad para los retratos, los más grandes de la música como Jay-Z, M.I.A. y Lily Allen han posado para ella. Las shelltoe de las Artwork Collection y Sculpted Collection también unen continentes. Otro de los artistas que participan en estas colecciones se suma desde el otro lado del mundo. Hace su aporte contemporáneo desde el Oriente, más puntualmente, desde Japón. Mr. (quien en realidad se llama Masakatsu Iwamoto) es un artista que trabaja en una amplia gama de medios -desde la pintura y escultura, hasta el video-, representando el animé desde una visión cuidada y estrechamente ligada con la estética. Mr. intenta, y logra, transmitir la fuerza que tiene este estilo de caricaturas, tan característica por sus colores y personajes descriptivos, llenos de una personalidad que se representa con tan sólo unos cuantos trazos. La curiosidad de Pharrell y adidas por encontrar manifestaciones artísticas de todo tipo en cada rincón del mundo, los llevó a su

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vez a poner el ojo en el medio Oriente, y convocar para intervenir las shelltoe a la arquitecta angloiraquí Zaha Hadid. De corriente deconstructivista muy marcada, Hadid ha dejado su marca en las principales ciudades de Europa con sus diseños no lineales, plagados de fragmentaciones, y con una especial atención en las capacidades de las estructuras. Hadid juega tanto con las superficies, la geometría y las apariencias de los edificios, como con las shelltoe de las Supershell, cuyo modelo -por ahora- no llegará a nuestras latitudes. adidas Supershell nos muestra que la creatividad, expresada en sus distintos formatos, no tiene límites. Desde la puntera de las zapatillas hasta el último pelo de la cabeza, el arte invade nuestros cuerpos, nos invita a jugar, a romper las barreras, y volvernos aún más expresivos y libres. Con adidas Supershell, nos volvemos únicos en cada paso. + www.facebook.com/adidasoriginals


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Salón Internacional del Automóvil de Frankfurt La feria alemana mostró las últimas tendencias de la industria, y una avalancha de novedades de eléctricos, SUVs, deportivos y desarrollos para aumentar la conectividad. | Texto: Elvio Orellana @emorellana33

La expectativa que genera la llegada de un nuevo salón del automóvil es, por lo general, mucha. Pero lo es aún más, cuando se trata de las ediciones en las capitales más importantes y grandes del mundo. Una de ellas es, sin dudas, Frankfurt (Alemania) y 90+10 estuvo presente durante las dos jornadas reservadas para la prensa. ELÉCTRICOS PARA TODOS LOS GUSTOS Si tuviéramos que elegir entre varios rótulos para etiquetar a esta 66 edición del motor show alemán que pasó, uno de ellos diría: propulsión eléctrica. Y en esta categoría, lógicamente, incluiríamos a todos aquellos modelos que proponen soluciones amigables con el medio ambiente.

+ Lamborghini Huracan LP 610-4

Uno de los modelos más populares en esto de no utilizar combustible 100% para moverse –combina un motor eléctrico con otro naftero- es el Toyota Prius, y de hecho, su última generación estuvo presente. Se trataba de la cuarta edición, que en comparación con el anterior modelo híbrido, es 20% más liviano (tiene una batería más pequeña) y, según la marca, tendrá un consumo medio aún menor que los 3,9 litros cada 100 Km del anterior. Tras el mismo camino se ubicó Volkswagen con su Passat GTE, el cual -inclusive- pudimos conducir por las inmediaciones de la ciudad, y probar así su motor eléctrico de 115 CV, el cual utiliza hasta los 50 Km/h. Pasada dicha velocidad, se activa un motor 1.4 TSI de


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ideas creativas 079 vehículos 156 CV, con el cual pudimos alcanzar los 210 Km/h en las autopistas sin límites de velocidad. Pero lo más novedoso en esto de proponer modelos con motores eléctricos, se está gestando en el segmento de los deportivos. Una fusión que hasta no mucho tiempo atrás parecía incompatible. Uno de los ejemplos más claros de que esto es posible, la dio la alemana Porsche con el Mission, un prototipo 100% eléctrico de 600 CV, que se planea poner a la venta dentro de cinco años. Según explicaron durante su presentación, puede recorrer 500 kilómetros de distancia (con una recarga rápida de 15 minutos tiene 400 Km de autonomía), y es capaz de alcanzar los 100 Km/h en sólo 3,5 segundos. Sin embargo, no fue el único que prometió un comportamiento salvaje con un motor ecológico. El VW Golf GTE Sport Concept es un híbrido enchufable (tiene un motor naftero 1.6 TSI y dos motores eléctricos que, conjuntamente, desarrollan 396 CV) capaz de llevar su velocímetro casi hasta los 300 Km/h. TODAS QUIEREN SU SUV La categoría de los SUVs o utilitarios deportivos fue otra de las que tuvo mucho protagonismo en esta edición del salón alemán. Podríamos decir que hoy, no hay marca que quiera quedarse sin su SUV. Un claro ejemplo de ello, lo dieron las lujosas Bentley y Jaguar quienes debutaron en el segmento con la Bentayga y el F-Pace, respectivamente. El primero de ellos tiene una longitud de 5.141 me-

tros, está equipado con un V12 de 608 CV que lo puede llevar hasta los 301 Km/h, y acelera de 0 a 100 Km/h en escasos 4.1 segundos. Al F-Pace, por su parte, podemos definirlo como a un deportivo con mezcla de SUV, algo que ya propuso Porsche con el Macan. Se destaca por el uso del aluminio en la carrocería y chasis, y por su motor V6 sobrealimentado de 3.0 L, con potencias de 340 y 380 CV. En el grupo de los que anticipan lo que se viene dentro del segmento, se destaca Toyota de la mano del Concept CH-R Hybrid, el cual tiene un diseño basado en la apariencia de un diamante. Nissan hizo lo propio con el prototipo Gripz, un crossover híbrido de silueta deportiva de elevada altura, que se destaca por sus puertas delanteras de apertura tipo “alas de gaviota”. Pero el más prometedor de todos fue el Audi e-tron quattro concept, un todo camino movido por tres motores eléctricos capaces de generar una potencia máxima de 503 CV, además de que dispone de una autonomía cercana a los 500 kilómetros. Entre los modelos más terrenales, tenemos que mencionar a la nueva generación del BMW X1, la Mercedes-Benz GLC (que sustituirá a la GLK), la nueva Kia Sportage y la VW Tiguan (la cual está concebida sobre la plataforma del Golf VII, y se destaca ahora por ser 60 mm más larga, 30 más ancha y 33 más baja, además de que ofrecerá por primera vez una versión con tres filas de asientos). MUESTRA DE PODERÍO Por más que los modelos impulsados con energía alternativa están en

+ Audi e-tron quattro concept

+ Mercedes-Benz IAA

+ Alfa Romeo Giulia Quadrifoglio

+ Toyota Concept CH-R Hybrid


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+ Bentley Bentiaga

+ BMW X1

+ Bugatti Vision Gran Turismo

+ Ferrari Spyder

franco crecimiento y, justamente, este salón fue una muestra de ello, siempre seguirá habiendo lugar para modelos que se engalanan con sus colosales motores y sus impresionantes cifras de aceleración. Uno de los más atractivos de este selecto grupo fue la Ferrari 488 Spider, con techo rígido retráctil que se abre en 14 segundos. Mejora el chasis en 23% y lo equipa un V8 biturbo de 3.900cc de 670 CV, lo que lo sitúa como al descapotable más potente fabricado por la marca.

3,4 segundos, antes de llegar a una velocidad tope de 324 Km/h. La capota es de lona, con apertura eléctrica en 17 segundos con el auto en movimiento. El chasis es más liviano, por el mayor uso de fibra de carbono y aluminio. En tanto, el Porsche 911 se presentó en variantes Carrera (370 CV) y Carrera S (420 CV), con carrocerías coupé y cabrio. La principal novedad es que los motores son biturbo.

En esta línea compite el Lamborghini Huracan LP 610-4, con un motor 5,2 litros V10 de 610 CV, que acelera de 0 a 100 Km/h en

+ Toyota Prius

Catalogado como uno de los más bonitos de toda la feria automovilística, debemos mencionar en este grupo al Alfa Romeo Giulia Quadrifoglio, resultado del desarrollo conjunto entre Alfa y Ferrari. Se equipa con un motor V6 de 510 CV, que le permite acelerar de 0 a 100 Km/h en 3,9 segundos, y alcanzar los 307 km/h de velocidad final. Un poco más asociado con la ciencia ficción -pero no por ello menos deportivo- es el Bugatti Vision Gran Turismo, un ejercicio de diseño inspirado en el popular videojuego, y concebido para llevarlo al mundo real. LOS EXCÉNTRICOS DEL GRUPO Como en todo salón, siempre uno se encuentra con modelos que sobresalen del resto, ya sea por su diseño, o porque patean el tablero desde algún otro ámbito. El que para nosotros encabeza esta categoría, es el concept de Mercedes-Benz llamado IAA. Se trata de un híbrido enchufable de 279 CV, que puede llegar hasta los 250 Km/h. Lo novedoso de este particular modelo es su diseño aerodinámico, que cuenta con una carrocería que modifica sus formas a partir de 80 Km/h (se estira la parte posterior, alargándose un 290 mm para reducir turbulencias), para reducir el rozamiento del aire.


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+ Jaguar F-Pace

+ Kia Sportage

+ Nissan Gpriz

+ Porsche Carrera S

Otro que sorprende no sólo por su particular diseño, sino por lo que propone a la vista y tacto del conductor, es el Peugeot Fractal. Se trata de un concept car que utiliza un sistema acústico cuyo subwoofer permite al conductor experimentar las sensaciones de conducción por pura vibración en su organismo. También utiliza el sonido para alertar a los peatones y ciclistas de la presencia del vehículo.

interconexión de vehículos para dar alertas de tráfico en tiempo real, geolocalización en pantalla de personas conocidas, o recomendación de restaurantes cercanos en el mismo sistema multimedia. Mercedes-Benz llevó a su concept completamente autónomo F 015, y también exhibió sus nuevas tecnologías. Además, autos más racionales empiezan a abandonar las pantallas multimedia tal como las conocemos hasta ahora, para incorporar formatos de tablets integradas al habitáculo, con funcionalidad ad hoc. + www.iaa.de

Con una propuesta menos alocada que las anteriores, Citroën hizo lo propio con el C4 Cactus Mehari. Un modelo que le hace guiños al popular Mehari, a través de dos grandes puertas, y una capota de lona que se oculta en el baúl y que, inclusive, puede usarse para montar una carpa, utilizando un sistema de inflado automático. Estaría impulsado por un motor naftero PureTech de 110 caballos, con sistema Start&Stop. CONECTADOS Cada vez son más los avances de las terminales hacia la conectividad y las soluciones móviles. Uno de los proyectos más ambiciosos apunta a la conducción autónoma y servicios online. Volkswagen adelantó desarrollos que hasta hace poco eran ciencia ficción. Por ejemplo, una aplicación de celular que con sólo dejar el auto en un garage, el vehículo avanza solo, sube rampas, busca lugar y estaciona. Al regreso del propietario, se invierte la maniobra, y es el auto el que va en busca del dueño a través del teléfono. En esa línea, BMW también exhibió sus nuevas soluciones de

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+ Porsche Mission


ideas creativas

+ 083 diseño

Con el Sello de Buen Diseño argentino Más de 350 productos de diseño argentino fueron distinguidos con el Sello de Buen Diseño, y expuestos en el Centro Cultural Kirchner, del 24 al 27 de septiembre. Elegimos cinco de ellos, para conocerlos en profundidad. | Texto: Marcela Fibbiani @marce9010

Impulsada por el Plan Nacional de Diseño, el Sello de Buen Diseño es una distinción que se le otorga a productos específicos desarrollados por empresas nacionales (sobre todo, Pymes) que poseen la característica de ser diseños propios, alineados con una estrategia comercial. Las empresas que tienen productos seleccionados con el Sello han logrado, entre otras cosas, nuevas oportunidades comerciales, participación en ferias internacionales y nacionales (como la Feria del Juguete, MICA, PuroDiseño, Presentes, Fedema, Fitecma, Efica, Caipic), y nuevos vínculos a partir de tener publicados sus productos en el catálogo de la herramienta. En cinco años, se han otorgado 515 distinciones de más de 20 provincias del país. Las categorías que participan son: productos de consumo masivo para todo tipo de contexto (línea blanca, electrodomésticos, electrónica, bazar, etc.), equipamiento y mobiliario, productos de fabricación industrial (tales como máquinas y herramientas, maquinaría agrícola, electro-medicina, etc.), envases, calzado y marroquinería, indumentaria y textil, marcas y sistemas de identidad, y sistemas de comunicación de productos y servicios. El proceso de evaluación y selección es realizado por un comité evaluador, cuyos miembros son representantes de entidades públicas y privadas, relacionadas con diferentes ámbitos del diseño y la empresa.

El diseño estuvo a cargo del estudio Ustatic, dirigido por Juan María Serrano. La concepción entera de la línea se basó en las premisas de diseño honesto, donde nada sobra, y cada intervención tiene una rigurosa justificación para lograr un producto perfecto. El proceso de diseño se inició con una importante capacitación en electroacústica, y educando el oído de los diseñadores con sesiones de experiencia en sala acústica. Luego de un tiempo, lograron compartir criterios de perfección acústica y sensorial, y se iniciaron los primeros diseños de la línea de productos. “Como resultado, logramos una impronta única, con un sistema de chasis y piel completamente nuevo para el sector, en el cual el producto es ensamblado artesanalmente y testeado desnudo, para luego colocar la piel de aluminio compuesto al entregarlo”, explican desde Ustatic. www.holimar.com.ar | www.ustatic.com.ar SILLÓN ÑARÈ Desde la ciudad de Tandil, y abocada al diseño de muebles y objetos, Pampas Design elige utilizar materiales naturales, con una visión ecológica basada en el ciclo de vida del producto, y en el diseño

En la quinta edición del Sello, decidimos elegir a cinco de los productos seleccionados, y adentrarnos en sus características y quiénes estuvieron detrás de su diseño, desarrollo y producción. SISTEMA DE AUDIO HOLIMAR Con más de 60 años dedicada al diseño y fabricación de sistemas de audio, Holimar es una de las empresas pioneras en el desarrollo de tecnología electroacústica de muy alta fidelidad. Las líneas H1 y H2 de Holimar son el último desarrollo de sistemas acústicos hogareños High End. Cuentan con amplificación integrada de 100 watts para la línea H1, y pre amplificación valvular y biamplificación en 150 y 240 watts para la línea H2. Están diseñados y fabricados con los componentes electrónicos más exclusivos a nivel mundial, y son envueltos en una delicada piel de aluminio compuesto color plata. Los bafles con terminación en lenga fueguina y piano black son acondicionados individualmente, hasta lograr el sonido deseado.

+ Sistema de audio Holimar


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+ Baranda de seguridad Aguará Guazú de Intorno.

+ Bowl con tapa y cuchara Tatoon.

como concepto estructural. “Para diseñar el sillón, se tuvieron en cuenta la vida útil del producto, mejora de la función, selección de materiales, producción más limpia, transporte, utilización y gestión final de sus residuos. Todo inserto en nuestro medio ambiente productivo y social. Está destinado a quien desee adquirir un mueble definitivo de buena calidad, confortable y durable en el tiempo”, explica el diseñador industrial Fabio Santamaría, responsable tanto de la empresa como del diseño de Ñarè.

lización de productos infantiles enfocados en el crecimiento motivado y seguro de los niños. Ubicada en Coghlan, Ciudad de Buenos Aires, su propuesta se basa en tres pilares: educación, cuidado del medio ambiente y funcionalidad. Dirigida por el diseñador industrial y máster en administración de empresas Gabriel Minnicelli, los productos surgen de sus ideas, las que desarrolla en conjunto con un equipo liderado por la diseñadora industrial Agustina Ruiz.

El asiento y el respaldo son regulables en profundidades y alturas distintas. El ángulo entre las dos es el óptimo para una posición de reposo. Se vende en caja de cartón corrugado de 60 X 68 x 15 cm, junto con una herramienta e instrucciones para su armado. El cuero vacuno del asiento es curtido con extractos vegetales característicos de la zona de producción. Se utiliza madera nativa lenga, con veta vistosa y de un color rosa claro, resistente a la flexión y terminada con laca de base acuosa, hidrolaca. facebook/PampasDesign LÁMPARAS JACARANDÁ El diseño es la principal identidad de Fábrica de luz, empresa que diseña y produce sus propias luminarias desde el barrio porteño de Palermo. En versión colgante, las lámparas Jacarandá son de resina y fibra de vidrio, y su característica principal es la versatilidad, ya que es posible obtener una luz más directa o indirecta, de acuerdo a la terminación de la resina (pintura o translúcida) y a los bordes de la lámpara, que pueden ser rectos o en ángulos. Los socios de la empresa, los arquitectos Darío D´Imperio, Leticia Gemelli y Celia Pasqualetti son sus mismos creadores. Llegar al producto final, “fue un proceso en el cual nos propusimos diseñar un módulo que se pudiera repetir y formar distintos conjuntos, dependiendo de la forma en la que se coloque dicho módulo, para tener una infinita cantidad de armados, jugando con la posición, el tamaño, la cantidad y la terminación”, señalan. http://fabricadeluz.com.ar/ BARANDA DE SEGURIDAD AGUARÁ GUAZÚ La empresa Intorno Argentina se ocupa del diseño, desarrollo y rea-

La baranda de seguridad para camas infantiles Aguará Guazú cumple la función de ayudar a los niños en el aprendizaje que para ellos significa el pasaje de la cuna a la cama, evitando las caídas. Está realizada con una estructura metálica y piezas de inyección de plástico de uso médico y alimenticio; todos ellos, materiales reciclables. La parte textil se desarrolló con proveedores estratégicos, utilizando materiales apropiados e innovadores. La funda es desmontable, reemplazable y lavable en lavarropas. www.tiendaintorno.com.ar BOWL CON TAPA Y CUCHARA TATOON Este producto distinguido con el Sello de Buen Diseño es un bowl 100% silicona, con tapa hermética y porta cuchara para poder transportar fácilmente la comida del bebé cuando se sale de paseo, o para los bebés que van al jardín. Totalmente atóxicos y antibacteriales, son aptos para freezer, microondas y horno. La cuchara es flexible y suave, especialmente diseñada para las delicadas encías del bebé. Tiene un suave relieve con la figura de un pajarito, que la hace atractiva para los más chicos y estimula sus sentidos. El objetivo de Tatoon es crear productos innovadores, funcionales y prácticos, que simplifiquen todas esas pequeñas tareas de la vida cotidiana con un bebé y que, a la vez, sean seguros y divertidos para ellos. La empresa está dirigida por la ex directora de arte publicitaria Denise Rodman, y opera en Colegiales, Ciudad de Buenos Aires. Ella se encargó del diseño básico del bowl y la cuchara, con la colaboración técnica en diseño industrial de Pablo Groglopo. La marca también ofrece baberos con bolsillo desmontable y mordillos colgantes de silicona. + www.tatoon.com.ar www.industria.gob.ar/diseno/


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Con adidas Ultra Boost, la energía se impone Una buena noticia para los corredores. adidas presentó Ultra Boost, la más reciente evolución de su calzado de running, que promete liviandad, confort y la más alta amortiguación de retorno de energía. “Ultra Boost es el calzado más revolucionario a nivel tecnología, diseño e innovación de la industria del running”, anuncia adidas. Y pudimos comprobarlo. Luego del evento de presentación -conducido por “Chino” Leunis e Ivana Nadal en Bubble Studios-, calzamos nuestras Ultra Boost y participamos de algunas pruebas en vivo, como generar la propia energía por medio de una plataforma; testeamos la marcha y pisada en tiempo real y en slow motion, comparando la pisada de la zapatilla con las diferentes tecnologías del mercado. Un mimo adicional fue llevarnos unas coloridas Ultra Boost en miniatura, impresas en 3D. ¿Cuáles son las novedades de Ultra Boost? Este nuevo modelo incorpora un 20% más de material de amortiguación Boost, que brinda mayor retorno de energía que cualquier otro material de suela en la industria del running. A diferencia de su versión anterior (Boost), ha eliminado la tradicional suela eva para un contacto más directo,

+ Presentación de Ultra Boost en Bubble Studios.

Link a la nota: http://9010.co/notaultraboost

con el fin de lograr la máxima eficiencia de esta tecnología. Si de confort se trata, Ultra Boost propone un nuevo nivel de confort, soporte y estilo, gracias al innovador tejido Primeknit, que actúa en áreas menos propensas a expandirse del pie, brindando un estiramiento adaptable donde se necesite. A su vez, la suela Stretch Web se adapta y estira según el impacto y movimiento del pie. El diseño de elástico perforado engancha y maximiza la energía de Ultra Boost, sin restringir ninguna de sus cualidades. También presenta una construcción de talón totalmente nueva, que libera el movimiento natural del tendón de Aquiles. Para finalizar, su nuevo Torsion System de densidad dual está integrado a la base de la zapatilla, lo que permite mayor movimiento independiente entre el talón y el antepié, para una estabilidad superior y una corrida más suave y controlada. + www.adidas.com.ar

+ La Leona Noel Barrionuevo, los tenistas Paula Ormaechea y Pico Mónaco, la actual Boost girl de adidas Cony Roncati y Delfi Chaves.


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+ Flic Smart Button

Todo a un botón de distancia Una de las promesas de Internet (largamente cumplida) es que todo el contenido virtual está a un clic de distancia. Todo enlazado, todo vinculado, (casi) todo listado en un buscador. Pero en los últimos años, gracias a la popularidad de una plataforma que permite la automatización cotidiana, y al abaratamiento de sensores, controladores y microprocesadores, está surgiendo otra cosa: el botón conectado. | Texto: Ricardo Sametband @rsametband

Se trata del botón programable. El botón que, acá, puede disparar una catarata de acciones, sin importar su ubicación física o virtual, y sin más complejidad que requerir una conexión a Internet (y poder pulsar un botón). Ya existe en su versión comercial. Telefónica tiene, en España, uno de los más sencillos y fáciles de comprender: cuando apretás un botón (físico, grandote, con imán para la heladera y con antena Wi-Fi para tener acceso a Internet) provisto por Telepizza -un servicio de delivery-, te manda una pizza a tu casa. Antes tuviste que registrarte y elegir qué pedido se dispara con ese botón, pero da igual: un botonazo y ya sentís cómo, a unas cuadras de distancia, acelera la motito. Otro: Amazon tiene algo similar, pero para otros productos, llamado Dash Button. ¿Te estás quedando sin jabón en polvo para la ropa? Presionás el botón correspondiente (que tenés, por ejemplo, pegado al lavarropas), y lo agrega a tu lista de compras de Amazon (y hace un pedido automático). ¿Necesitás otro producto? Otro botón. Cada uno tiene un precio de 5 dólares.

Parece opuesto a todo lo cómodo que aporta el mundo digital, a la flexibilidad de lo virtual. Pero también simplifica, justamente, la interacción con eso que no está, con lo incorpóreo del mundo conectado: comprar por Internet, aunque conveniente, requiere una serie de pasos, una interacción, que es más compleja que apretar un simple botón. Amazon no es la única, y son varias las compañías que están experimentando con los botones conectados. Netflix, por ejemplo, tiene el Switch, un botón que se programa y permite activar varias acciones con una presión: prender la tele, cargar Netflix, atenuar las luces del cuarto. Claro, necesitás que las luces también estén conectadas a Internet, porque éste es un concepto muy emparentado con la Internet de las cosas. De hecho, el botón sirve para cualquier cosa: tanto para funciones digitales como para -vía Internet- activar un mecanismo físico, si éste tiene conexión a Internet. De eso se trata la Internet de las cosas. Conectar todo lo que sea conectable a Internet; tanto para controlarlo a distancia (prendé el aire acondicionado cuando salís


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ideas creativas 089 tecnología

+ Flic Smart Button

+ Dash Button de Amazon

de la oficina, así la casa está fría cuando llegás), como para recibir información (la heladera que te avisa que queda poca leche; la maceta que recomienda que riegues las begonias; el tacho de basura que admite que ya no le queda mucho espacio). En ese mundo de cosas físicas conectadas a un entorno virtual, el botón con Wi-Fi es el compañero ideal. Ejemplos: un botón de pánico que active una alarma, o que envíe un mensaje a uno o más contactos (por SMS, Whatsapp, etc.; eso es una cuestión de programación) con un alerta. O con un aviso: “estoy saliendo del trabajo”. Un botón que prenda las luces de casa, o que apague todo y baje las persianas y active la alarma, que haga que una cámara tome una fotografía y la envíe por mail, que prenda o apague la música; que dispare un cronómetro, que active una función o mil (al mismo tiempo o en secuencia). O, contrariamente, que active una función (una alarma), si no se presiona cada tanto tiempo. Si se puede automatizar, vale.

¿No puede hacerse todo eso, ya, con la pulsión de un botón virtual? ¿Un dedo en una pantalla, un clic del mouse o el touchpad? Sí, pero a veces, eso requiere de un mínimo de habilidad con las interfaces digitales (activar el dispositivo que corre la aplicación que simula el botón, encontrarla, cargarla, tocar la tecla virtual), o un control motriz fino que -por la razón que sea- no está disponible. Apretar un botón es más fácil, es natural, es analógico -como nosotros-. Es grande, nos ofrece una retroalimentación, sabemos que lo apretamos. Perfecto, pero ¿y si queremos ir más allá de Amazon y Netflix? Hay cada vez más alternativas. Una es Particle, un botón programable: por 50 dólares tenés una tecla con Wi-Fi que incorpora luces para avisarte que sí, una de las varias tareas que le encomendaste está en proceso. Otro se llama Bt.tn (69 euros); un tercero, Flic, incluso distingue entre un toque, un doble toque o un toque largo. Todos se conectan al Wi-Fi hogareño y tienen una batería interna que se mide en años (porque no hacen nada más que esperar a que los aprieten). Todos ellos hacen algo más: vincularse con IFTTT, una plataforma para automatizar una cadena de procesos digitales. IFTTT son las siglas de “If This, Then That”: si esto, entonces aquello, refiriéndose justamente a que si pasa algo, debe hacerse otra cosa (si llega un mail con tal asunto, se debe enviar un SMS a tal persona; si un equipo de fútbol hace un gol, se debe publicar un texto predefinido en Facebook, etc.).

+ Bt.tn

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Las combinaciones no son infinitas, y todavía no podemos ser un hacker al estilo de Carlín Calvo en la serie de TV homónima. Pero sí podemos hacer que al apretar el botón se envíe un mail, y se tome una foto, y se registre la hora en una planilla, etc. Si se puede controlar a distancia por Internet, si ya está a un clic, ahora también estará a un botón de distancia. +


+ Lance Wyman

TRImarchiDG La fiesta del hacer

El congreso de diseño más grande de Latinoamérica cumplió 15 años, y lo celebró en su habitual sede del Polideportivo de Mar del Plata. Hasta allí llegó el diseñador Diego Giaccone para seleccionar los cinco mejores momentos de TRImarchiDG. | Texto: Diego Giaccone (*) @diegogiaccone Fotos: Gentileza TRImarchi

1.LAS BASES: LANCE WYMAN Si tenías ganas de volver a las bases del diseño -y seguís la obra de los popes internacionales-, pudiste escuchar al gran Lance Wyman (un ícono del diseño ambiental), y encontrarte con lo más auténtico y puro de nuestra profesión. Habiéndose especializado durante cinco décadas en sistemas de ciudades y transporte, su obra cumbre fue la imagen de los Juegos Olímpicos de México 68. En su conferencia, compartió la cocina de ese gran proyecto inspirado en el arte maya, con excelentes ambientaciones que podrían ser contemporáneas, así como la imagen del metro de México city, el subway de Toronto, el aeropuerto de Arabia Saudita o el zoo de Minnesota. Una rica obra, y de una vigencia envidiable.

2.HISTORIETAS: LINIERS Si sos un apasionado de las historietas, pudiste disfrutar de la excelente presentación de Liniers, quien mostró el origen y las bases de sus creaciones, haciéndolas en vivo. Una charla de café muy íntima, a pesar de las 4 mil personas que integraban el público, en la que su relato era independiente de la proyección de las imágenes. Esto generó un ambiente distendido y cercano. Su relax le permitió reflexionar sobre la gente que está muy pendiente de la crítica en Twitter, buscando referencias o similitudes. Y explicaba que era muy común tomar referencias de colegas, como las manos de Fontanarrosa o las orejas de Matt Groening de Los Simpsons. Una gran conferencia de este talentoso artista.

(*) Diego Giaccone es diseñador gráfico, director de SURe Brandesign. www.surebrandesign.com


ideas creativas

+ 091 diseño

+ Jean Jullien, Rocambole, Xavier Gallego y Carl Sprague.

3. TECNOLOGÍA: KATE STONE Y XAVIER GALLEGO Si sos un amante de la tecnología y las aplicaciones, estuviste en el paraíso. Primero con la inglesa Kate Stone (Novalia) que, a través de la ciencia, transforma impresos en transmisores de sonidos sin cables. Tanto sus posters como su gorra, podían convertirse en vinilos, pianos o efectos sonoros. Fue también excelente la presentación de Xavier Gallego (R/GA), que lidera la cuenta Nike en New York, que mostró en forma completa el desarrollo de una aplicación para Nike Skateboarding: desde el brief y la propuesta, hasta la impecable producción. Todo esto bajo la atenta mirada del drone que pasaba por sobre las cabezas filmando. 4. ILUSTRACIÓN: JEAN JULLIEN Y CARL SPRAGUE Si te considerás un amante de la ilustración, siempre TRImarchi te sorprende. El reconocido artista francés Jean Jullien deleitó con un estilo simple y de humor inteligente. También pudimos disfrutar las excelentes 500 imágenes del gran director de arte Carl Sprague, mostrando los bocetos, procesos y ambientaciones de grandes películas como “The Grand Budapest Hotel” o “The Royal Tenenbaums”, y contando secretos de sus días de filmación junto a Steven Spielberg o Woody Allen. Todo un dandy el gran Carl, con su pintoresco moño. 5. MÚSICA: ROCAMBOLE Y FRED DEAKIN Si sos un fanático de la música, pudiste ver a Rocambole y sus míticas obras para Los Redondos, y escuchar en el cierre de su charla a Sergio Poli, que supo grabar junto a su violín con Los Redonditos de Ricota. Otro deleite fue escuchar a Fred Deakin, que supo ser productor del recordado grupo Lemon Jelly (famoso en los años

Link a la nota: http://9010.co/trimarchidg15

90), que arrancó cantando un frenético rap ante el público. Pero Fred también mostró su rica obra como socio del estudio Airside y sus reflexiones como profesor de artes digitales en la Universidad de Artes de Londres. A su vez, pudiste encontrarte en los pasillos con Charly Alberti, escuchar grupos en los breaks, o bien disfrutar de un cierre estelar junto a Daniel Melero. Si te gusta todo eso, estuviste en el lugar correcto: en TRImarchi, ¡la fiesta del sentir!+ www.trimarchidg.net

BONUS TRACK: ESPACIO CYNAR En el espacio de Cynar en TRimarchiDG, se expusieron las obras finalistas del concurso Artichoke. Colisiones Artísticas, en donde se invitó a duplas de artistas a generar una obra en conjunto. Los ganadores de este certamen fueron Joaquín Burgariotti y Julián Bigiatti. + www.facebook.com/CynarArg


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+ Moria Casán junto a Edgardo Giménez en la escenografía de “Psexoanálisis”, reeditada para arteBA 2010. Una auténtica noche de gala.

Edgardo Giménez Sale con fritas

Para encontrar un millonario sensible, o un pobre con recursos que financie “Carne Valiente” (el último libro de Edgardo), el autor pone la carne al asador, y nos cuenta los pormenores de su vida íntima, el varieté plástico que realiza, y la ensalada visual que lo rodea. En esta entrevista candente, organizada a base de un recetario, se condimenta la biografía artística, junto a consejos útiles de mentes brillantes. | Texto: Wustavo Quiroga


clásicos contemporáneos

+ 093 diseño

+ La casa azul, proyectada y ambientada por Giménez en City Bell, entre 1970-72. Siendo su primera arquitectura, al año siguiente se expuso en el MoMA de New York.

PASO 1 Nacer con buena estrella, o dar vuelta la tortilla Edgardo Giménez nació en Santa Fe, en 1942, momento justo para que los planetas le entreguen a su vida una diversa fauna astral: libra, piscis, caballo y mono. Obsesionado por los dibujos de Disney y las grandes producciones de Hollywood, desde chico supo que su destino era convertirse en una estrella del universo pop. Aunque para ser estrella, es necesario brillar en la oscuridad...

y me lo devolvió hecho un desastre. Entonces, aprendí que no hay edad para hacer las cosas bien, que ser mayor no te hace más sabio, sólo te hace más viejo”. PASO 2 Pelar y sacarse la piel: publicidad y afiches en la calle Entre los 60 y 70, Edgardo transitó por cinco agencias de publicidad. Las más importantes fueron Ricardo De Luca y Yuste Publicidad. En ellas, comenzó a realizar su aporte creativo al mundo gráfico, que luego sazonó con trabajo independiente y para instituciones.

“En mi familia se desataban peleas horribles, pero a los 20 minutos, estábamos todos a las carcajadas por eso que había ocurrido, que era dramático y tremendo. Eso me sirvió para darme cuenta de que nada era demasiado terrible. El drama es drama, porque lo ves desde ese punto de vista. Si no, con eso mismo, podés llorar de risa. La gente piensa que yo tengo humor porque la vida me fue fácil; están totalmente equivocados. Tengo energía positiva, porque no soy un tipo que se queda con el odio. Como dice una amiga: `Hay días que me levanto contenta, pero hay otros que me levanto muy contenta´”.

“En las agencias de publicidad pasaba de todo. Nunca provoqué indiferencia con lo que hacía; había una banda que me amaba y otra que no. Aunque he fastidiado, me mantuve en el equilibrio justo entre odio y amor. En la vida me sucedieron cosas fantásticas. En Yuste, me pidieron que realizara algo como relleno para una propuesta que enviarían a la firma Pirelli de Milán. En Italia, lo único que se aprobó fue lo mío.

Me ayudó mucho que mi familia no tuviera ningún plan para mí. No querían que fuera ingeniero o abogado; que hiciera algo era la única cuestión. Eso me permitió elegir con libertad y formular mis propias opiniones. Yo pensaba que los grandes siempre sabían más. A los cinco años, mi madre me ayudó a terminar un dibujo,

Como me aburría haciendo originales chicos, los hacía de 1,5 x 1 m. Los contactos de la cuentas me odiaban, porque tenían que llevarlos en fletes. Sin embargo, los clientes estaban encantados, porque se les armaba un show brutal de presentación. No tenían más remedio que bancar mis disparates.


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+ Habitación para el film “Los neuróticos”, donde se aprecia el exotismo fantástico y la cama suspendida para la actriz Malvina Pastorino.

+ Arte 67. Afiche para exposición colectiva en Galería Nordiska, 1968.

Realicé el catálogo de los 25 aniversarios de Yuste. Mis compañeros decían que el dueño iba a zapatear con mi propuesta, porque les parecería tremenda. Aún así, decidieron imprimirla. Total, luego no habría remedio. Por un golpe de suerte, el catálogo salió mencionado en Primera Plana, como una obra de arte. Y cuando a algo se lo nombra `arte´, los tipos comienzan a respetarlo. ¡Me amaron!

El público selecto no está en Barrio Norte, está en cualquier lado, por eso existe Violeta Parra”.

Las confirmaciones las tuve de gente especial, nunca de mis colegas. El primero que me encargó un afiche fue Antonio Seguí en 1962. Jorge Romero Brest me distinguió con su amistad y el trabajo conjunto. Sigwart Blum reconoció mi obra gráfica, la envió a Alemania y a Suiza. Ernesto Schoo fue el primero que me entrevistó para Primera Plana. A partir de una publicación, el MoMA pidió que mis afiches ingresaran a su colección. En la Biblioteca del Congreso de Washington tienen una colección completa que le solicitaron a la galería Lirolay. En los 2000, trabajé para el Gobierno de la Ciudad. Mi primer afiche fue `El Gordo y el Flaco´. Cuando estaba en la calle, salí a ver qué pasaba. Un tipo que iba en un triciclo llevando cosas, se paró y volvió a mirarlo. Entonces, afirmé que estaba bien hecho. Siete villeros de la 31 fueron a mi casa, atraídos por estas imágenes gráficas que eran sumamente sofisticadas. Cualquiera diría que no estaba al alcance de esa gente, que era para un público refinado.

PASO 3 Picado fino, los objetos que cambian la vida Tempranamente, Edgardo incursionó en la creación de objetos útiles y desopilantes. Se vendían en sus tiendas, para aquellas personas especiales que se atrevían a vivir con algo de magia o, mejor aún, que eran parte de ella. “Primero hice `La Oveja Boba´, que quedaba en Rodríguez Peña. Desde 1960 hacía ropa, tapicería, muebles como la gata secréteire o artefactos como la radio que tiene una Venus con una gallina en la cabeza. Eran cosas invendibles, engendros. ¿Quién iba a comprar cosas de semejante exotismo? En 1970, siguió `Fuera de caja - Centro de Arte para Consumir´, un local que armamos con Jorge y Marta Romero Brest, y Raquel Edelman. Era un lugar con muchos objetos fantásticos, que escapaban a la realidad. El mundo real que yo conocía era muy vulgar, y teníamos que remontarlo. Siempre traté que mi fantasía y la de los demás estuviera presente”. Con sus diseños y arquitecturas, Edgardo se anticipó al movimiento posmoderno surgido en Italia con el grupo Memphis. También, con sus objetos utilitarios, se adelantó a lo que en los años noventa se denominó diseño emocional: productos gadgets, lúdicos, pop,


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+ En este afiche realizado para el Gobierno de Buenos Aires, Giménez acerca el Teatro Colón al público popular.

+ Afiche institucional para el Teatro General San Martín, realizado en 1980. Esta serie de afiches se tornó masiva y popular, convirtiéndose en récord de ventas.

+ Edgardo junto a compañeros de la agencia De Luca, en 1963.

encabezados comercialmente por la firma italiana Alessi.

arquitecto nato. Un año más tarde, esta construcción integró la muestra del MoMA, “Transformations in Modern Architecture”. El éxito internacional provocó que arquitectos locales le dieran literalmente la espalda; la envidia los carcomía. Pero como cita Edgardo a Napoleón: “La envidia es una declaración de inferioridad”.

La recepción de estas obras por el público tiene para Edgardo un valor particular: “Me gusta lo que desencadenan mis creaciones, porque me sorprende a mí mismo. Cuando hice mi primera retrospectiva en el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, un chico, refiriéndose al `Mueble de la piedra de 1967´, le dijo a la maestra: -Si yo tuviera que hacerle un regalo a Dios, le regalaría esto. Ese es uno de mis éxitos”. PASO 4 Tirar los moldes para realizar arquitectura Si nos posicionamos en el discurso funcionalista que establece una manera de hacer y vivir los espacios correctamente, las arquitecturas de Edgardo son transformaciones de ese dictamen, en una experiencia única y transgresora. Su primera casa fue realizada entre 1970 y 1972 en City Bell, provincia de Buenos Aires, para la pareja Romero Brest. “Romero vivía en un lugar acorde a su pensamiento, siempre decía que “Con lo que más se puede mentir es con la palabra; los hechos son la única verdad”. “La primera casa la hice sin plano, imaginando y construyendo sobre la marcha. Nunca tuve dificultades para crear algo bidimensional o en volumen. Primero la dibujé por afuera y luego me metí, a la inversa del proceso proyectual”. Al conocerla y enterarse del perfil del autor, Amancio Williams lo calificó de

Después siguieron “La casa colorada” en 1976, “La casa amarilla” en 1982, y “La casa blanca” en 1983, ubicada en Punta Indio -provincia de Buenos Aires-, donde también se encuentran su colorido taller y la capilla fantástica-celestial. En 1987, realizó “La casa de las columnas doradas”, cuyo comitente fue una arquitecta. PASO 5 Decorar tortas, escenografías para la fantasía cinematográfica Sus escenografías llegaron al cine junto al director Héctor Olivera, con quien realizó “Psexoanálisis” en 1968 y “Los neuróticos” en 1971. Dos de los espacios volvieron a editarse: la tienda con cuatro monos de Psexoanálisis reapareció en arteBA 2010 junto a la vedette Moria Casán; mientras que “Súper pop”, el chill out de olas marinas de Los Neuróticos, estuvo presente en la inauguración del MAR -Museo de Mar del Plata- y ahora, en su última exposición, por ser la obra más valorada por el público. Las escenografías para teatro también están presentes. En el


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+ Jorge Romero Brest y Martita Bontempi en el living del departamento de la calle Parera, ambientado por Giménez a finales de los 60.

+ Afiche para Metamorfosis de doña Felisitas Naonn, de Antonio Seguí, ilustrado con collage de Giménez en 1962.

+ Sirena cajonera, 1964. El cuerpo de pez contiene el aparato de audio y el pecho, los parlantes. Creado para la psicoanalista Silvana Puzzovio.

Instituto Torcuato Di Tella realizó, en 1969, “Orquídeas para Tina muerta”, y en 1975, “Dale nomás” con Susana Rinaldi y dirección de María Herminia Avellaneda, en el Teatro Embassy de Buenos Aires.

de cumpleaños, dijo: `Ella no quiere juguete, quiere billete´. Esas cosas simples me encantan, con lo mínimo, logra una detonación grandiosa. Siento que la ignorancia está más cerca de la verdad que el prejuicio. Me gusta eso, y también las mentes privilegiadas.

PASO 6 Mandar fruta o ser un académico de orden Recientemente nombrado miembro de la Academia Nacional de Bellas Artes, las declaraciones de Edgardo sorprenden en su forma y contenido. “Las cosas me han pasado por destino. Si no, no se explica nada... Todo lo que hago, lo aprendí haciendo. No fui a escuelas, ni creo en las escuelas. Las ideas las tenés que tener vos en la cabeza… Yo soy como Romero, odio a la gente que hace cursos. Tampoco conozco a nadie que haya mejorado con sólo escuchar a Mozart.

La frase de Olinda Bozán: `¿¡Qué me podés enseñar vos con la plata que yo tengo!?´ es completamente actual. La gente te estima según tus cuentas bancarias, no por tu talento. Eso es totalmente secundario. Por lo general, las personas se acercan a la cultura porque ya han hecho una diferencia económica importante, quieren que se las considere importantes a nivel sensible, y en todas las manifestaciones artísticas. Algunas de ellas, van al Teatro Colón y se duermen como animales”.

Cualquier persona en mi vida, por más simple que sea, me ha enseñado algo. Todo me parece creación. Una paraguaya maravillosa en respuesta a un osito que le daban como regalo

Si en algo de todo esto tratamos de entender a Edgardo Giménez, la frase de Mae West podría darnos otra pista: “En mi larga y colorida carrera, una cosa sobresale claramente: me han interpretado mal”. + www.edgardogimenez.com.ar

Link a la nota: http://9010.co/edgardogimenez


ULTRABOOST



Revista 90+10 #55