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+37 + Desfile Grupo 134 en BAFWeek. Foto: Adrien de Bontin

sumario +mundo creativo 016 diseño, art toys, arquitectura, arte, branding&diseño, green design, publicaciones, moda,fragancias, música, eventos, marketing, destinos, lugares, agenda, Premium, gadgets, vehículos

+especial 052 BAFWeek Otoño - Invierno 2012 Diseño y diversidad 057 Concurso Santana Textiles Incentivando la creatividad 058 Pasarela “Mapa de Diseño” La mirada interior 060 Nuevas mentes creativas

078 070

Oscar H Grand Al hilo de la tradición y la vanguardia

ilustración Jorge Colombo Ilustraciones iPhone del siglo XIX

+ideas creativas 080 090 096 098 100 104 110

moda Back Street No todos los pájaros pueden volar

diseño IMM Cologne El origen de la diversidad

lugares Urban Station Un espacio para trabajadores nómades

vehículos Salón de Ginebra Una ventana hacia el futuro

arte Puma Urban Art El arte que brota en las calles

gadgets Congreso Mundial de Móviles Los monstruos de Barcelona

+clásicos contemporáneos 112 114

diseño Bombay Sapphire Vapour Infusion Experiencia multisensorial y única Diseño y producción de mobiliario argentino El pasado, un futuro memorable

+ Backstage desfile Cora Groppo en BAFWeek. Foto: Adrien de Bontin.

+personas creativas 062 074 066

diseño Martí Guixé La emoción del diseño Diego Giaccone Alimentar la frescura

moda Romina Cardillo El otro mensaje del diseño

+portfolio fotográfico 118

Mariano Botas

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+english summary

130

+conexión


+37 + Serie Noche, 2009-2010, de Mariano Botas. www.marianobotas.com

staff

Director / Publisher Gonzalo Joaquín Fargas gfargas@90mas10.com.ar @gonza9010

Asistente Editorial Laura Piasek laura@90mas10.com.ar @laurapiasek

Editora Marcela Fibbiani marcela@90mas10.com.ar @marce9010

Diseño Gráfico Hernán Patto Leandro Marenzi Diseño de Tapa Patricio Oliver www.patriciooliver.com.ar

Dirección Comercial Daniel Urrestarazu daniel@90mas10.com.ar Gestión Comercial Claudio Boleda claudio@90mas10.com.ar Departamento Comercial publicidad@90mas10.com.ar

Colaboran en esta edición Adriana Godoy, Adrien de Bontin, Aldo Bressi, ArtsMoved, Carola Danza, Carolina Prioglio, Diego Giaccone, Elvio Orellana, Fátima Fargas, Fernanda Cohen, Flora Grzetic, Germán Andrés, gt2P, Javi Obando, Javier Villa, Jorgelina Peciña, Leila Mesyngier, Lucrecia Bertani, Natalia Iscaro, Patricio Oliver, Ricardo Sametband, Romina Ressia y Wustavo Quiroga Nuestros colaboradores Aldo Bressi Fotógrafo italiano de gran prestigio internacional, reconocido por su fotografía antropológica, al igual que sus trabajos de moda y producto. Desembarcó en Argentina en 1989, donde abrió su propia escuela de fotografía publicitaria, Fotodesign. Su obra fue exhibida en Alemania, Suecia, Argentina e Italia. Su serie sobre las fiestas religiosas es parte de la colección permanente del Museo del Folklore y las Tradiciones Populares de la comuna de Rende (Italia). Desde 2008 es curador de la sección “Portfolio Fotográfico” en 90+10. Junto con el fotógrafo colombiano Ricardo Colonia, acaba de abrir una nueva escuela en Bogotá. + fotodesign@aldobressi.com Germán Andrés Selector, consultor, periodista musical y productor artístico. Es coordinador de contenidos y comunicación del Club del Disco, manager de Doña María, fundador de Club Litoral, y hace producción artística para La Bomba de Tiempo. Escribe sobre música en 90+10 desde 2007, y colabora, además, en las revistas Ñ y Hecho en Bs. As. Es asesor de contenidos musicales para Eter (escuela de radio), el Centro Cultural de la Cooperación, la red Idea.me y otras empresas e instituciones. Musicaliza espacios y eventos de arte. Además, escribe poesía. + @vermirando

Distribución en kioskos CABA y GBA Vaccaro, Sánchez y Cía. S.C. Moreno 794, Piso 9º Tel. (+5411) 4342-4031/32 Distribución en el interior Distribuidora Interplazas S.A. Pte. Luis Sáenz Peña 1836 Tel. (+5411) 4305-0114

Producción Gráfica Help Group www.hgprint.com.ar info@hgprint.com.ar

Suscripciones Librería técnica CP67 Florida 683 - Local 18 Tel. (+5411) 4314-6303 Fax (+5411) 4314-7135 cp67@cp67.com

Asesoría Legal Dr. Mariano Javier Gattelli estudio_gattelli@hotmail.com

Librería Concentra Montevideo 938Tel./Fax (+5411) 4814-2479 libreria@concentra.com.ar

Domicilio Legal: Av. Raúl Scalabrini Ortiz 2553 – Piso 13 “E” (C1425DBG) Ciudad Aut. de Buenos Aires, Argentina Domicilio Redacción: Cerviño 3814 – Piso 4 “A” (C1425AGU) Ciudad Aut. de Buenos Aires, Argentina info@90mas10.com.ar | 90mas10.com.ar Revista 90+10. Editor responsable y propietario: 90+10 SRL. Queda prohibida la reproducción total o parcial del contenido sin la previa autorización del editor. Las notas firmadas son responsabilidad de sus autores. Registro de la propiedad intelectual Nº 943748 | ISSN 1668-6403 Año 8 - Nº37 – Marzo / Abril 2012


+37 + Proceso de armado del banco Suple de la Digital Crafting Collection de gt2P www.gt2p.com. Imagen: Gabriel Scholnick

editorial Desde hace más de un año que venimos trabajando en el proyecto online de 90+10. Es que la edición bimestral en papel nos estaba quedando chica, y necesitábamos más espacio para volcar la cantidad y valiosísima información de todo el mundo a la que tenemos acceso, y que tanto nos entusiasma compartir con ustedes. Nuestra intensión es que la plataforma digital 90mas10.com sea un medio de comunicación innovador, integrado totalmente a revista 90+10, y al social media (Facebook, Twitter y Google+). Conservando la calidad de los contenidos a la que los tenemos acostumbrados, y que a nosotros nos gusta ofrecerles, apuntamos a que tengan la posibilidad de acceder a éstos, desde distintas plataformas digitales, dispositivos y aplicaciones, en cualquier momento y lugar. Siempre tratando de encontrar la mejor manera de afianzar la relación con ustedes, queridos lectores, de hacer crecer y volver más participativa esa relación. Para los que como yo, disfrutan de leer en papel y de pasar las páginas con cuidado, atentos a la textura de las hojas y al olor de la tinta, y que aprecian la revista como objeto de diseño. Para que puedan conocernos desde otras partes del mundo, o para los que viajan y quieran llevarse su 90+10 sin que les pese en la valija, y para los que quieren seguir informándose diariamente.

¡Todas estas posibilidades de comunicación les ofrecemos! Como leerán en el aviso ilustrado por Patricio Oliver unas páginas más adelante, con 90+10 los invitamos a que descubramos juntos el mundo creativo en que vivimos, ya sea en formato papel o en digital. + Marcela Fibbiani Editora

CONEXIÓN DIGITAL Con los links de 90+10 (9010.co), accedés directamente a la versión digital de la nota (disponible para las secciones: personas creativas, ideas creativas, clásicos contemporáneos, portfolio y especial), para poder compartirla, comentarla, ver más material de fotos y video, y acceder a los todos links vinculados. Una nueva manera de conectar el medio en papel con el mundo digital. + 90mas10.com

FOTO DE TAPA Fotografía y dirección de arte Javi Obando para onthecorner onthecornerstreetstyle.blogspot.com Producción General Crudo Management www.hellocrudo.com Estilismo Flora Grzetic para onthecorner Modelos Liz y Leandro para Crudo Management Pelo Juan Beltrán para Jazmín Calcarami Estudio www.jazmincalcarami.com.ar Maquillaje Joy Blanco con productos Mac www.maccosmetics.com.ar para Jazmín Calcarami Estudio Asistentes de fotografía Mariano Vega y Fernando Arditi Asistente estilismo Belén García Raso Agradecimientos Espacio H www.espacioh.com.ar + Liz. Buzo y pollera. Grupo 134 | Collar: Lonval + Leandro. Buzo y pantalón: Grupo 134


016

+ mundo creativo

Fotos: Gentileza UADE

diseño

+ Porta objetos Canguro de Vacavaliente, 2005.

+ Posa fuente Up de Cristián Mohaded, 2009.

Diseño Argentino Contemporáneo La cultura objetual del país

Desde el 2 de marzo y hasta el 20 de abril. Centro Cultural de la Universidad UADE, Lima 775, CABA. Una selección de piezas que recapitula el estado del diseño actual. Esa podría ser una breve definición de la muestra “Diseño Argentino Contemporáneo”, orquestada por el arquitecto Ricardo Blanco, que incluye 150 piezas vinculadas a la cultura objetual del país. La exhibición –que es una reposición de la muestra con la que el país participó en la Feria del Libro de Frankfurt 2010- traza un recorrido sobre los alcances del diseño industrial argentino y se propone, a partir de piezas de uso cotidiano, confirmar la importancia de los objetos en la vida de todos los días. Entre las obras presentadas, hay un recorrido por diferentes símbolos locales como el mate, pasando por lámparas, asientos y di-

ferentes objetos de uso diario. En cuanto al símbolo argentino por excelencia, diseños como “Mateo”-el mate de siliconas creado por los diseñadores Laura Cherny y Nicolás De Marco-, y el mate en acero inoxidable con manija de cuero y bombilla ergonométrica, de Pedro Reissig, son algunos de los ejemplares que demuestran cómo la creatividad sigue alimentando la costumbre. Además, hay objetos como la posa fuente “Up”, del diseñador Cristián Mohamed, la frutera “Tilcara”, de Facundo Spataro para Zumdisegno, y el exprimidor de resina “Piccolo”, de Gianpiero Bosi. El uso y las costumbres sociales, evidentemente, hacen a los objetos. + www.uade.edu.ar


018

+ mundo creativo

Texto y foto: Wustavo Quiroga

diseño

Tocomadera

Geometría en proceso Tocomadera es un taller muy peculiar en su concepto, y versátil en sus posibilidades, dirigido por Miguel Gandolfo y conformado por un equipo de artistas, diseñadores y artesanos. Tiene una sensibilidad que abarca desde la producción del objeto artístico hasta el utilitario. Su reciente colección de mesas “esculturas para guardar debajo” manifiesta una mirada diferente sobre el arte aplicado. Gandolfo es escultor y carpintero de oficio familiar, y con sus producciones, advierte la mixtura de sus profesiones y sus inquietudes constructivas relacionadas con el arte geométrico y las derivaciones en el arte contemporáneo. Los objetos y mobiliarios que diseña y materializa, derivan de sus búsquedas formales en escultura. Así, objetos artísticos como los “laberintos” o los “nudos”, mutan a mesas con superficies de compleja textura o estructuras sinuosas para soportes vidriados. Sus piezas utilitarias son el resultado de forzar a un objeto artístico a cumplir una función, y viceversa. El arte, el oficio y el diseño se retroalimentan y se contaminan, permitiéndole distorsionar las lecturas tradicionales hacia un objeto. Las mesas anudadas prestan utilidad a una escultura que, de otra manera, dificulta su presencia en viviendas de mediana dimensión; el juego con su nombre viene de allí. Otra característica es el virtuosismo técnico-formal que adquieren, al romper con el ángulo de 90º dominante en carpintería; presenta en las uniones complejos encastres mecánicos, que le permiten retorcer la madera en un sinfín, gracias al complejo estudio matemático. El vidrio que apoya en la estructura, funciona como un plano semivirtual, permite apreciar las patas, y demuestra que el producto es completamente visual, distinto al mobiliario típico que tiene lados no perceptibles.

MADERA Y MATEMÁTICA GRUPAL Para Miguel, su principal recurso es la madera, material que manipula de manera tradicional, o altamente experimental. Acude a terminaciones lisas, pulidas, carentes de vetas, casi impersonales, que lo distancian del trabajo artesanal con tallas y maderas rústicas. Su ortodoxia técnica es el recurso poético. También emplea superficies de MDF policromado, acero inoxidable, aluminio y acrílicos para producir lámparas, asientos, mesas y packaging para vinos especiales, entre otros objetos de alta gama. Su taller goza del caos creativo, del intercambio de conocimientos, y de una fuerza particular que se crea en el ir y venir de sus miembros. Se ubica en El Bermejo, una zona de Mendoza planificada por Luis Quesada como polo para hacedores culturales. Quesada es uno de los tantos artistas que producen sus obras en Tocomadera; también, arquitectos como el estudio Bormida-Yanzón, confían la factura de carpinterías especiales para bodegas o muebles protagonistas. Las obras de Gandolfo se encuentran en importantes colecciones privadas y oficiales como Macro en Santa Fe, Recolección Malba en Buenos Aires y C/TEMP en Mendoza y, actualmente, se comercializan en forma online para el común de los mortales. + www.tocomadera.com


020

+ mundo creativo

Texto y foto: Marcela Fibbiani @marce9010

diseño

hacían en Milán, fuera de la feria, pero los productores no iban a verlos. Entonces les comenté esto a los organizadores del Salón. Llevó un tiempo, pero finalmente, el director general me dijo “Hay un espacio, mira lo que puedes hacer para traer a los jóvenes”, y así fue como nació el SaloneSatellite. Habiendo ya visitado el Salone en varias oportunidades, la escena siempre se repite: Marva camina lentamente por los pasillos del Salón –entre disfrutando y supervisando la muestra que organiza-. De repente, alguien se anima, y la saluda. Y en seguida, se forma una fila de diseñadores que esperan ansiosos por intercambiar al menos unas palabras con ella. La pregunta es inevitable, ¿qué es lo que les da Marva? “Los diseñadores son miles, pero me acuerdo de todos ellos, y eso les hace mucho placer. Los ayudo, los aconsejo (dentro de lo que puedo), pero les aclaro que no soy ninguna maga... Siempre les digo que tienen que tener mucha humildad”. La “mamma” es como la bautizaron sus “protegidos”, título que ella asume con responsabilidad y alegría. “Primero, mi trabajo me gusta, me divierte mucho, y trabajar con los jóvenes es divino. Yo les doy, pero ellos me dan mucho más. Entonces, what else?”, asegura esta descubridora de talentos que habla “cuatro idiomas y medio” (español, inglés, francés, italiano y portugués). Las empresas productoras la consultan constantemente, y hasta ella misma las llama para recomendarles a sus jóvenes promesas: “Una vez, el dueño de la empresa de iluminación Flos me dijo: `Mira Marva, si ves algún producto que pudiera entrar en nuestra colección, por favor dímelo´. Entonces, yo le señalé a un niño –hoy un diseñador muy conocido, el inglés Sebastian Wrong- y su lámpara se transformó en un best-seller”. + ¿Con qué nos sorprenderá este año el SaloneSatellite? MG El Salone sigue evolucionando; cumple 15 años, “It has became a teenager”. Voy a celebrar presentando un diseñador por cada año, cada uno tendrá un espacio y montará una instalación. También se armó un video con la vida de cada uno a partir de su participación en el Salone. Paola Novelli, la italiana curadora de diseño del MoMA, vendrá a dar una charla sobre una de sus muestras, “Talk to me”, sobre diseño y comunicación. ¡El Moma dentro del Salone!

Marva Griffin Wilshire La “mamma” del diseño

El SaloneSatellite es la exposición dedicada a los jóvenes talentos, que desde 1998 se desarrolla dentro del Salón del Mueble de Milán. Con el objetivo de brindar un espacio de exposición para los diseñadores menores de 35 años, es el lugar donde las más importantes empresas productoras de mobiliario y objetos acuden en busca de ideas frescas. Su curadora y organizadora desde el comienzo es la periodista venezolana Marva Griffin Wilshire, con quien mantuvimos una encantadora charla. + ¿Cómo surgió el SaloneSatellite? MG Hace 15 años atrás, yo era asesora del Salón del Mueble. Los jóvenes que me conocían, querían presentar dentro del Salón sus prototipos, para ser vistos por los productores. Los que podían, lo

+ Cuáles son tus planes para el futuro? MG Sigo trabajando con las empresas, quiero que tomen a los jóvenes para hacer “stages” (períodos de entrenamiento). Tengo un proyecto para trabajar en América Latina. Creo que América Latina tiene una creatividad maravillosa que duerme, y dentro de lo que pueda, quiero ayudar a despertarla. Estoy en contacto con los Hermanos Campana –ya los he llevado a hacer talleres a Venezuela-, y este año voy a llevar a Patricia Urquiola. Ya hemos organizado conferencias en Brasil y Santiago. + ¿Tenés algún diseñador preferido? MG Sí, tengo muchos, pero a la prensa no se lo digo. No sería leal hacia ellos que yo lo diga. Todos son buenos y a todos les deseo maravillas. + www.cosmit.it

PRESENCIA ARGENTINA EN EL SALONESATELLITE El reglamento de participación en el SaloneSatellite prevé hasta un máximo de tres veces para los diseñadores, y hasta los 35 años. Por ambos motivos, el diseñador argentino Federico Churba estará mostrando allí este año (del 17 al 22 de abril) sus productos por última vez. Planea llevar ocho en total, y gracias a sus dos presentaciones anteriores, obtuvo licencias en el exterior para sus lámparas “Hanoi”, “Cronos” y “Faroles”, la silla “Horqueta”, el sillón “Banquina”, los contenedores “Tony” y la biblioteca “Cerco”, que acaba de ser lanzada por la empresa Karl Anderson durante la feria de Estocolmo y espera también deslumbrar en Milán. + www.federicochurba.com.ar


022

+ mundo creativo

Texto: Patricio Oliver @patriciooliver

art toys

Wolyner Forest

Guerrero de edición limitada Hablar de Gary Baseman y su relación con el mundo del art toy, sería una obviedad para aquellos que aman de coleccionar estos seres de vinilo. Pero aún con más de cien figuras realizadas y producidas por las compañías más importantes de este mundo articulado, el Sr. Baseman nos sigue sorprendiendo con sus nuevos personajes y la calidad de su propuesta. De la mano de The Loyal Subjects, una de las empresas que más fuertemente está pisando en la actualidad por el nivel de sus artistas convocados y los toys que ha lanzado hasta la fecha, nos llega El Guerrero de Buckingham en su edición limitada, llamada Wolyner Forest. El Buckingham Warrior cuenta con una historia que nos narra y explica un poco más en detalle, el origen de esta criatura tan especial: “La historia de este venado legendario comienza en el bosque Woylner, donde su vida idílica con sus semejantes se ve violentamente afectada por el tiránico magnate de la tierra, y los esfuerzos de sus hombres por ocupar y someter al bosque. En un acto de resistencia final, el venado vuelve a hacer crecer su cabeza y varias otras,

después de haber sido decapitado en plena batalla. Y al hacerlo, se convierte en el guerrero de Buckingham. Inspirado en parte por la experiencia del padre de Baseman como sobreviviente del Holocausto, el guerrero de Buckingham defiende no sólo el bosque y el mundo natural, sino en un contexto más amplio, la cultura, la tradición y los modos de vida de las fuerzas del mal y la intolerancia. Él representa y defiende los ideales, tales como el respeto, la dignidad y la libertad en varios niveles”. Contando con una impresionante altura de 12 pulgadas (¡si, mide casi 32 cm de alto!), cuenta con múltiples puntos de articulación y dos accesorios: la cabeza decapitada, y una espada para cumplir su misión. Esta figura, sin dudas, será reconocida como una de las piezas más complejas y detalladas del artista hasta la fecha. Con una producción limitada a 400 unidades y el sello indiscutible -tanto de su creador como de la empresa que lo produce-, es muy factible que este guerrero se extinga rápidamente de las tiendas especializadas. + www.theloyalsubjects.com | www.garybaseman.com


024

+ mundo creativo

Texto: Natalia Iscaro @Natusfila Foto: Gentileza Design Museum

arquitectura

Velódromo Olímpico de Londres Maravilla deportiva

Con los Juegos Olímpicos de Londres pisándonos los talones, este espectáculo deportivo de relevancia internacional sigue dando que hablar, también, en términos de arquitectura. Recientemente distinguido como el mejor edificio del año en el Reino Unido por los premios AJ 100, de entre una selecta lista de ocho proyectos, el Velódromo Olímpico de Londres fue diseñado por Hopkins Arquitects (del arquitecto Michael Hopkins), quienes también diseñaron el ganador del 2011. Se trata de una de las cuatro sedes permanentes del Parque Olímpico, y fue diseñado para acoger las pruebas de ciclismo en pista cubierta para los Juegos Olímpicos y Paralímpicos. Según el jurado de los AJ 100, la construcción mereció la distinción por unanimidad, debido a su “síntesis casi perfecta de forma y función”, explicó uno de sus miembros, Patrik Schumacher, de la firma de Zaha Hadid. Entre sus gestos más destacables, se cuentan su cerramiento de cedro, su ingeniosa cubierta de doble entrecruzado de cables, el magistral dominio de la luz natural, y la ineludible belleza de la sección del Velódromo. A la distancia, su techo se hunde como si fuera un plato para beber la sopa, cuyo exterior está recubierto en madera: un hallazgo sustentable que, además, le confiere una

elegancia suprema. Según sus creadores, su forma está inspirada en el diseño de la bicicleta, su forma ergonómica, y su simpleza ingeniosa. Con una superficie de 21.700 m² y capacidad para 6 mil personas, su diseño es ligero y utiliza materiales sencillos de una manera eficiente. Como una respuesta en tres dimensiones a las necesidades funcionales de la sede, las gradas de asientos superior e inferior están divididas por la explanada de circulación general, la cual forma el principal punto de entrada a la arena, y permite a los espectadores mantener contacto con la acción de la pista, a medida que circulan alrededor del edificio. La concurrencia se encuentra totalmente acristalada, para permitir una visión del edificio desde afuera y desde adentro, y ayuda a separar el rojo del cedro superior del recipiente revestido de la planta baja posterior, de la casa parcialmente oculta tras los muros de contención de tierra con jardín, que forman un zócalo visual al este y oeste, de un edificio que ya es un clásico. + www.hopkins.co.uk | www.london2012.com


026

+ mundo creativo

Texto: Natalia Iscaro @Natusfila

arquitectura

Vitra Design Museum Una joyita berlinesa

El arte se configura como una de las nuevas tendencias a la hora de los viajes. Ferias, bienales, muestras y demás posibilidades se cuelan en las agendas de los viajantes, ávidos de conocimientos y de piezas, a cual más sofisticada y, también, más costosa. Una nueva posibilidad ha desembarcado entre estas alternativas, de la mano de Vitra, una de las firmas que más piezas notables han presentado al público, de la mano de su trouppe de diseñadores notables. Curvas y rectas, las líneas del Vitra Design Museum, en Berlín, se integran al entorno que les da cabida, pero a la vez lo cuestionan. Se trata de una construcción que lleva la firma del arquitecto californiano Frank Gehry. Amplios espacios deparan sorpresas a cada paso, espacios y contraespacios que, una vez afuera, ostentan una blancura que eleva por sobre el verde del pasto brillante. De las más importantes instituciones de divulgación de diseño industrial y arquitectura del mundo, aloja entre dos o tres exposiciones al año. Su amplia colección de muebles, lámparas y piezas de diseño industrial –de las más notables de su tiempo- están a la altura de su contenedor. Sus objetos de fabricación industrial datan de 1850 en adelante, a lo cual se suman escenificaciones y trasfondos que completan una idea de la variedad e importancia del diseño en cada época histórica y en cada escenario.

Además, casi todas las exposiciones son concebidas como itinerantes, de modo tal que puedan mostrarse también en otros museos de importancia internacional. Sumado a las muestras, el Campus Vitra ofrece talleres, actos y visitas para que los espectadores puedan completar la experiencia del museo. En este sentido, visitas guiadas diarias introducen a las obras de diversos arquitectos mundialmente conocidos. No falta tampoco la tienda del Vitra Design Museum, en la parte inferior del VitraHaus, donde además de comparar miniaturas de clásicos del mueble, los usuarios pueden encontrar reediciones de clásicos del diseño famosos, así como otros productos de diseño. Una experiencia valorable, donde arte y viajes se dan la mano. + www.design-museum.de


028 arte

+ mundo creativo

Texto: Javier Villa

+ French Chris at the Drive-in, New Jersey, 1979, de Nan Goldin. Gentileza: Matthew Marks Gallery, New York.

Bye Bye American Pie Pastel de americanos

Del 30 de marzo al 4 de junio. Sala 5, Malba Fundación Costantini, Av. Figueroa Alcorta 3415, CABA. Si bien presentado previamente al público de arte local a partir de las muestras de Andy Warhol y Louise Bourgeois, el canadiense Philip Larratt Smith abre el año en Malba, estrenando su flamante posición como curador del programa internacional del museo. Lo hará con Bye Bye American Pie, exposición colectiva que reúne a seis artistas norteamericanos: Jean-Michel Basquiat, Larry Clark, Nan Goldin, Jenny Holzer, Barbara Kruger y Paul McCarthy. Aunque el line-up parezca predestinado a la producción de un blockbuster, que surge gracias a la conjunción de esos híbridos tan exitosos como el artista que es, a un tiempo, marginal y mainstream, irreverente y reflexivo, irónico, poético y político, no hay dudas de que Larratt Smith inaugura su puesto, con una propuesta atractiva. Por un lado, lo primero que se esperaría de un curador de un programa internacional, parece cumplido: traerá frente al público porteño a un grupo de artistas fundamentales y, acostumbrado el circuito a vivir en un páramo artístico con respecto a lo global,

eso podría percibirse como suficiente. Pero no lo es y, por suerte, si bien este comienzo parece bastante seguro por la jerarquía de los nombres, no llega a ser para nada tímido. Larratt Smith busca con sólo seis artistas, pintar una época sin dudas compleja en los Estados Unidos: era post-warholiana, donde a aquél Golden Age de un capitalismo supuestamente paradisíaco empieza a caérsele el revestimiento, para mostrar las paredes podridas que lo sostenían. Entre otras cosas: protestas sociales por los derechos civiles de las minorías -homosexuales, comunidades negras, movimiento feminista y etcéteras-, el Sida, Ronald Reagan y el comienzo de un neoliberalismo financiero y salvaje, que tendrá sus consecuencias en estos últimos años, la caída del bloque soviético y la pérdida, temporaria, del enemigo necesario. Todo esto y más, abarcan las décadas que toma esta muestra, y el curador las cubre con un encuentro de artistas mainstream, pero original. Un cruce que entusiasma, porque no es lo que uno probablemente hubiese hecho. + www.malba.org.ar


030 arte

+ mundo creativo

Texto: Javier Villa

+ Sin título. Instalación realizada en poliestireno expandido.

Pablo Siquier

Murales e instalaciones Del 23 de febrero al 4 de abril. Sala Cronopios, Centro Cultural Recoleta, Junín 1930, CABA. Sólo cinco obras dentro de uno de los espacios más grandes y complejos dedicados al arte contemporáneo: la Sala Cronopios del Centro Cultural Recoleta, donde generalmente se suelen celebrar carreras artísticas locales ya consagradas, en tono retrospectivo, y abarcando antológicamente a un gran cuerpo de obra. Hay poco de esto último, pero mucho de otra cosa, en la muestra Murales e instalaciones de Pablo Siquier, que permanecerá abierta hasta el 4 de abril. Y como el título indica, la gran ausente es la pintura, aquella amiga del mercado, que tantas veces vimos en muestras y colecciones de todo rango. El núcleo de la exposición son tres piezas. Un mural en la primera pared, a espaldas de un espectador recién ingresado, que provoca un extraño eco dialéctico con un segundo mural en la pared del fondo. Los murales, si bien alineados, no se enfrentan directamente, sino que están separados por una gran instalación de barras de acero, conformada por la repetición de un módulo rectangular simple que, mientras se multiplica en el espacio, varía levemente, como si fuese una composición en clave de fuga, creando en su totalidad, un tejido denso y de percepción enmarañada. Sin que el artista lo quisiese, esta instalación podría ser una metáfora 3D de su práctica. A su vez, ambos murales representan dos metodologías e iconografías distintas dentro de su producción: la obra de estructuras arquitectónicas lógicas, pero complejas, con un trabajo del espacio, y la figura con referencias visuales a algo

real (aunque, de existir, sería delirante y sin función arquitectónica alguna), realizada con grafito a mano alzada; y la obra de diseño realizada en computadora y ploteada, mucho más caótica y libre, formal y expresivamente. Paradójicamente, es la técnica manual que busca cierta perfección estructural (marcando tanto su propia obsolescencia, como una utopía poética), y la realizada con la máquina, que alcanza mayor grado de libertad y caos. Por último, en las dos salas adyacentes al corredor central, dos instalaciones de 1987 y 1995 fueron reconstruidas para la muestra. Ahí aparece el componente retrospectivo, pero más bien en tono de flashback, mostrando el génesis de lo actual como, a su vez, la diferencia, como si se tratase de dos Siquieres (claramente los dos modelos espaciales surgen de la misma cabeza), sin que uno sea mejor que otro, sino distintos. Una de ellas es la realizada en 1995 con polietileno expandido en Ruth Benzacar, pero adaptada a este nuevo contexto; una especie de elemento arquitectónico estirado y en loop. La otra, proyectada en 1987, pero que nunca llegó a realizarse: una infinidad de maderitas con una infinidad de puntitos, creando una construcción simple, con pequeñas variaciones –como si se tratara de torrecitas de fósforos o cartas que, en cierto momento, cambian de esquema de superposición. Para gente de generaciones más jóvenes que no vieron estas etapas, son dos perlas sin desperdicio. + www.flickr.com/photos/pablosiquier/ www.centroculturalrecoleta.org


mundo creativo

Texto: Javier Villa

+ 031 arte

Papeles previos

Bocetos y dibujos de Feliciano Centurión Del 22 de marzo al 27 de abril. Galería Alberto Sendrós, Pasaje Tres Sargentos 359, CABA. La galería Alberto Sendrós abre el año con una exposición individual de Feliciano Centurión, curada por Eva Grinstein. Las muestras dedicadas a la producción del artista paraguayo son siempre una buena noticia: uno nunca se cansa de ver sus obras, aún si se repitieran de una muestra a otra, porque irradian una belleza emocional siempre certera en el vivo. Pero en este caso, la expectativa es otra, y el incentivo doble, ya que la curadora mostrará un grupo de dibujos previos a las pinturas en frazadas y los bordados en telas y almohadillas, que conforman el corpus más reconocido de su práctica. No sólo es inédito el conjunto de dibujos, sino que presenta a un Centurión que tampoco ha sido visto y que, si bien el público del arte podría haber imaginado, nunca lo vio materializado. Centurión murió víctima del Sida en 1996 en Buenos Aires, ciudad donde desarrolló su carrera. Su obra se transformó en una de las voces más sensibles e íntimas alrededor de la enfermedad, convirtiéndose en una de las producciones más importantes de los 90, concentradas en torno al Centro Cultural Ricardo Rojas.

Mezcló las características reconocibles de este grupo -una estética objetual doméstica de una belleza tan inocente como profunda-, con una imaginería que vuelve al entorno cultural y natural del Paraguay, su flora y su fauna muchas veces en extinción, y una infancia junto a una madre bordadora. Una iconografía que, muchas veces, provino de sus sueños y de la necesidad de construir mundos maravillosos. Su obra es una celebración estremecedora de la vida, el amor y la belleza, en torno al acecho de su propia muerte. Los dibujos, en cambio, retratan con la sinceridad e intimidad del bocetado rápido, a un Centurión hedonista, que se regodea explícita y sexualmente con las formas del cuerpo masculino. El conjunto que se expondrá fue conservado por Ana López, su amiga y compañera de taller, y la selección que hizo la curadora está dividida en cuatro ejes temáticos: un extenso conjunto alrededor de la figura masculina en clave erótica; una serie de estudios sobre seres mitológicos; una breve suite de figuras atravesadas por espadas y flechas; y una colección de dibujos de bichos y animales, en la que se destaca un políptico de retratos de un perro, bautizado “El bueno”. + www.albertosendros.com


032

+ mundo creativo

Texto: Laura Piasek @laurapiasek

arte

+ Second from End I y V

Guggi

New Works Del 16 de marzo al 28 de abril. Be Palermitano, Uriarte 1664, CABA. Obras que parecen invadidas por un alfabeto crítpico, pero que, en realidad, no son más que la instauración de una poética visual, que explora en las posibilidades de sus formas. Esa podría ser una breve descripción del trabajo del artista irlandés Guggi, que por primera vez desembarca con su trabajo en Latinoamérica.

Antes de posicionarse como un artista reconocido, Guggi hizo un recorrido en la música, de la mano de Virgin Prunes, una banda de culto del underground europeo, con un gran sentido estético. Fue recién a mediados de la década de los 80, cuando el artista volcó toda su energía creativa al arte.

La combinación de su fascinación personal por las letras y la numerología, desembocaron en un arte donde los alfabetos –sobre todo, el ruso- se imprimen sobre la tela, y se mezclan con fragmentos de textos como “Guerra y Paz”, de Tolstoi. También los objetos cotidianos, como jarras y tazas, funcionan como su sello distintivo y pueblan las pinturas.

Algunas de las importantes exhibiciones incluyen su presencia en la David Hendricks Gallery (Dublín) -con sus compañeros de Virgin Prunes, Gavin Friday y Bono-, además de la National Gallery de Irlanda (2008), y el Castle of Good Hope en Ciudad del Cabo, Sudáfrica (2004). Además, el artista tiene instalaciones permanentes en el complejo de Beacon Court en Londres, y sus cuadros y esculturas forman parte de importantes colecciones de arte privadas y públicas, incluyendo el Château La Coste en Francia y el Museo Irlandés de Arte Moderno en Irlanda. + www.guggi.com www.bepalermitano.com.ar

Sus líneas hablan de un artista afianzado en su práctica, que detrás de una creación aparentemente minimalista y simple, atravesada por un uso moderado del color, logra obras que dan lugar a la meditación.


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mundo creativo 033 branding y diseño

Foto: Adriana Godoy

+ Una manera de conocer qué piensan sobre el diseño y los diseñadores los responsables de marketing de empresas exitosas, quienes deciden y compran diseño, buscando sumar valor a sus marcas y productos. La mirada del otro lado del mostrador.

Gerardo Garcea Breme | MIMO & Co por Diego Giaccone (*) El diseño dentro de una empresa de moda es algo que siempre me produjo curiosidad y muchas ganas de conocer. ¿Cómo se hace para desarrollar nuevas colecciones que representen la esencia de la marca y, a la vez, que puedan sorprender acorde a las tendencias? Y más aún en una gran marca de indumentaria para niños como es Mimo, que cuenta con más de 300 puntos de venta (más de 100 en la Ciudad de Buenos Aires), y está presente en más de 20 países. Gerardo Garcea Breme es la esencia del buen gusto, con una mirada atenta a las tendencias y la inquietud creativa constante. Es el director de imagen y producto de Mimo, y maneja los equipos de diseño gráfico y de producto, que entre diseñadores e ingeniería de producto suman cerca de 40 personas. Gerado respira diseño todo el tiempo, y vivió la evolución de la marca, desde que hacían 7 mil prendas hasta hoy, que desarrollan más de 10 millones de unidades. “Gracias a eso, puedo entender y valorar el trabajo de cada persona y el proceso, la importancia de cada labor, ya que es una cadena”, comenta. Antes participaba en todo el proceso: el diseño, el corte, la estampa, pero cuando la empresa crece, tenés que aprender a delegar, dirigir y generar ideas en la etapa conceptual. Lo satisfactorio de

esta evolución, es ver cómo la marca crece y se hace exitosa. “Mi responsabilidad es ponerle personalidad a la marca, su ADN, que es distinto de la tendencia. Hay cosas que no son del mundo Mimo, y otras que sí (géneros, colores)”. Estudió psicología y programación neurolinguística. Sobre esta última carrera, Gerardo dice que “me ayudó mucho para trabajar en equipo, para transmitir lo que quiero decir”. Y con relación a los manejos de equipos, sostiene que no se considera jefe, sino que entusiasma a la gente con su forma de ser y motivación constante. La clave –dice-, es que cada uno dé su punto de vista, en los viajes, en las reuniones de directorio, o en las reuniones comerciales. A los diseñadores nos preparan para poder trabajar en una gran empresa, ¿o no? Según Gerardo, “se los prepara técnicamente, pero no tanto para trabajar en empresas, para marcas. Saber para quién estás trabajando, para qué gente”. Siempre me pregunto cómo se hace para dirigir y mantenerse fresco con las ideas, las tendencias y el manejos de equipos de trabajo, y creo que esto Gerardo lo conoce a la perfección. Viaja mucho, hace meditación y no ve noticieros (“levantarte o acostarte con un noticiero es lo más contaminante”), disfruta del campo y la naturaleza, no mira la competencia y, lo más envidiable, no maneja agenda. “Prefiero no tenerla; mi asistente me pasa todas las mañanas el plan del día”. Sin dudas, lo que más lo motiva son los viajes, según él, son un cepillo por la cabeza, que limpia las energías negativas. En 2011, estuvo 11 veces en el exterior. Los viajes que más lo nutren son los que no son ni de vacaciones, ni de trabajo, ni de tendencias, ni de diseño, sino cuando fluyen con la situación no programada, sin excursiones, y con el sólo objetivo de pasarla bien. Ahí es donde ve cosas que antes no veía, y fluyen las ideas. Compra toda su ropa en los viajes, y en su vestidor tiene 250 pantalones ordenados por color, y más de 7 perfumes de la misma marca. “Si me compro un pantalón escocés, no me lo pongo más de una o dos veces. Me gustan las remeras Polo, y las compro en todos los colores y variantes”, remata Gerardo. + www.mimo.com.ar

MUNDO GARCEA BREME Una ciudad para estar. Londres Una ciudad para vivir. Buenos Aires Una marca de tecnología. Apple Una película. Cinema Paradiso (Giuseppe Tornatore, 1988) Un auto. BMW Una marca de ropa. All Saints, Scotch & Soda Un libro. Los cuatro acuerdos (Miguel Ruiz)

(*) Diego Giaccone es diseñador gráfico, director de SURe Brandesign. www.surebrandesign.com


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+ mundo creativo

Texto: Natalia Iscaro @Natusfila Fotos: Luisa Zanzani

green design

Botánica

Nueva vida al plástico Primero fue una maravilla. Desembarcó en la industria con fuerza en el siglo XX, momento a partir del cual se convirtió en un material popular, y comenzó a sustituir a otros, tanto en el ámbito doméstico, como en el comercial y fabril. Hoy, sin embargo, el plástico pareciera no gozar de muchos amigos. La percepción de este material, antaño novedoso, multifacético e innovador, está hoy teñida bajo la sombra de su sustentabilidad nula. O eso parece. Porque los científicos no tiran la toalla. Trabajan, fervientemente, en posibilidades para encontrar alternativas sustentables y formas de volver al plástico más biodegradable. Sumado a esto, se abre otra búsqueda: preservar el plástico existente en forma de nuevas piezas. Fiel a este espíritu, Botánica es el último proyecto del estudio Formafantasma, con el sponsoreo de Plart (una fundación italiana dedicada a la investigación e innovación

tecnológica para la restauración y preservación de piezas de arte y diseño producidas en plástico), y con la curaduría de Marco Petroni. Actualmente, el Design Museum de Londres exhibe los proyectos nominados de los Design Awards 2012, que entregará esta institución en abril. Y Botánica es uno de estos proyectos, que reinterpreta al plástico para crear objetos de arte y diseño, elaborados sobre la base de piezas de plástico existentes, junto con otras de botánica. Así, los objetos en cuestión, fueron concebidos como si la era del plástico nunca hubiera existido. Resinas, madera, cerámica y metal se combinan en piezas que así parecen arcaicas, pero a la vez, claramente contemporáneas. Alguna vez considerado el material del futuro y más tarde denostado, el plástico vuelve a la carga. + www.formafantasma.com | www.plart.it www.designmuseum.org


Texto: Natalia Iscaro @Natusfila

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mundo creativo 035 green design

smart ebike

Dos ruedas motorizadas El sello smart renueva la confianza de sus más profusos seguidores, con una nueva muestra de movilidad con estilo. Esta vez, con propulsión eléctrica, libre de emisiones. Se trata de la ebike, cuyo lanzamiento está previsto para estos meses. Fiel a la filosofía de la marca, su diseño poco convencional no le resta aptitud para circular por la ciudad, a lo cual se suman el concepto de implementar dos materiales y dos colores. La batería, explican los especialistas, va insertada en una carcasa de plástico, que marca un contraste con el cuadro de aluminio. De 26 pulgadas, las ruedas completan su imagen dinámica, con faros y pilotos traseros de diodos luminosos. Considerada un Pedelec

(Pedal Electric Cycle), esta es una bicicleta híbrida, con un motor BionX exento de mantenimiento, integrado en el cubo de la rueda trasera, que se conecta en cuanto el ciclista acciona los pedales. Con tres velocidades de marcha, su rueda trasera se acciona gracias a una correa silenciosa. Annete Winkler, responsable de la marca, afirmó: “No se trata solamente de una bicicleta cuyo diseño bello atrae las miradas, sino que también resulta enormemente práctica”. La propia Winkler, que estuvo en el país en 2011, se mostró orgullosa de la inserción de la marca en el país, una tendencia que seguramente irá en alza. + www.smart.com.ar

+ Banquitos Willy y Uno.

Gruba: Living sustentable Instalados definitivamente entre los diseñadores sustentables más destacables del diseño local, el team de Gruba renueva su oferta con una nueva línea. Entre ellos, el banquito “Willy” está realizado con piezas que se unen sin necesidad de pegamento, y más bien bajo un sistema de encastres sobre la base del material: madera reconstituida. Su base está conformada por pelotitas de tenis reutilizadas, que le brindan una personalidad propia a la pieza y que, además, reafirma su propia ideología: una vez finalizada la vida útil del producto,

éste puede desarmarse fácilmente, para su posterior reciclado. Para acompañarlo, el banquito “Uno” está realizado en una sola pieza, pero esta vez, el material de partida es el cartón. En este caso, el peso de la persona se resiste sin problemas, gracias a una forma lograda mediante un plegado eficiente. También, claro, puede reciclarse tras el uso. + www.gruba.com.ar


036

+ mundo creativo

Texto: Laura Piasek @laurapiasek

publicaciones Diseño Industrial Argentino Curador RICARDO BLANCO Editorial FRANZ VIEGENER Formato 24 x 29,50 cm 260 páginas

Si las obras son hijas de su época, este libro curado por el arquitecto Ricardo Blanco, no podría haber elegido un mejor momento para ver la luz. Y es que este libro de la editorial Franz Viegener –de las firmas FV y Ferrum-, es producto de la intensa actividad que está atravesando el diseño industrial del país. La publicación hace un recorrido por la historia de la disciplina en cuestión, y por los más de cien diseñadores que, con su aporte creativo, han contribuido a mejorar y embellecer la vida cotidiana de los argentinos. Entre algunas de las obras destacas, está el sillón BFK –paradigma de la modernidad-, concebida por el Grupo Austral (integrado por los arquitectos Antonio Bonet, Juan Kurchan y Jorge Ferrari-Hardoy), que funciona como símbolo del diseño nacional en el mundo: clásico, innovador y, sobre todo, atemporal. Este primer proyecto de la editorial Franz Viegener volcado al universo del diseño, resulta una retrospectiva, pero anclada en la convicción del importante acervo profesional que permanece en el país. + www.fv.com.ar

Ruby. Otherworldliness

Editora IRANA DOUER Editorial GESTALTEN Formato 21 x 26 cm 240 páginas

Allá por el 2005, una joven ilustradora argentina impulsaba Ruby: una revista de arte online, que nacía con el propósito de acercar al mundo la obra de diferentes artistas. Hoy, la esencia de esa publicación mensual, curada por Irana Douer, queda plasmada en este compendio de la editorial alemana Gestalten. Se trata de una selección de 65 artistas –con los que la curadora de este libro ha trabajado en los últimos años- que, sirviéndose de técnicas y estilos diversos, materializan en sus obras la preocupación por indagar en nuevas formas posibles de expresión visual. Así es como fotografías hiperrealistas se mezclan con ilustraciones fantásticas, pinturas o esculturas, y devuelven un mundo que nada se parece al que conocemos. Más cerca de universos surrealistas, el arte se vuelve un espacio para reflexionar sobre el estado de la cultura visual contemporánea. Y es que para este proyecto, Irana Douer sigue haciendo pie en la lógica que guía el proceso curatorial de su revista: sólo trabajos inspiradores y conmovedores, que puedan funcionar como documentos de ese momento en el que el arte se cruza con la cultura, y arroja como resultado interesantes productos visuales, cargados de significados. + www.gestalten.com

Fuse 1–20

Autor NEVILLE BRODY Editorial TASCHEN Formato 17.1 x 21.9 cm 416 páginas

Si hay ideas que marcan un antes y después, podría pensarse a Fuse -la influyente publicación tipográfica lanzada por Neville Brody y Jon Wozencroft a principios de la década de los 90como una de ellas. Comandada por dos referentes del diseño, la mítica revista planteó una manera innovadora y futurista de aproximarse al lenguaje visual. Tomando el alfabeto como base, se convirtió en un espacio habilitado para volcar ideas nuevas, enfrentar riesgos, y darle cabida a las propuestas más experimentales. Muchos de los más reconocidos creativos contemporáneos -como Erik Spiekermann, Stefan Sagmeister, Peter Saville y Jonathan Barnbrook, entre otros- han volcado, través de los distintos fascículos, su aporte al mundo del diseño. Para conmemorar el lanzamiento del número 20, esta publicación presenta una retrospectiva que incluye cada uno de los números publicados -y agotados-, además de Fuse19 y Fuse20, dos ejemplares inéditos encargados recientemente, 10 afiches y 24 fuentes descargables. + www.taschen.com


Texto: Laura Piasek @laurapiasek

mundo creativo

+ 037 moda

Kontracorriente

El impacto de los colores Una propuesta despojada de convencionalismos que, a través de sus prendas exhibe, sin vueltas, la filosofía de la marca: divertirse trabajando. “Algunas personas van hacia donde van las cosas. Esperan que otros les dicten para dónde tienen que caminar”, reza el comienzo de lo que vendría a ser la declaración de intereses de Kontracorriente (KTCT), esta joven marca de ropa en manos de Giselle Montoro, diseñadora de indumentaria, y Tino Gallardo, diseñador gráfico, que se consolida justamente en la vereda opuesta: diseños dirigidos a un público audaz, que se anima a combinar formas, texturas y colores. + ¿Cuándo y cómo empezaron a hacer ropa? KTCT Siempre tuvimos el interés de generar productos propios. Desde chicos, buscábamos diferentes alternativas: primero para divertirnos, y después como aprendizaje. Ya de adultos, tuvimos la necesidad de darle un cauce para gestionar lo que nos llevó tantos años de estudio. Después de haber pasado por diferentes proyectos, en el 2008 explota la idea de KTCT, la propuesta que nos identifica, y reúne todos los deseos que generamos durante tanto tiempo. + ¿Cómo definen a la marca? KTCT La idea es mostrar el cruce de dos energías opuestas. Con KTCT, podés ser desenfrenadamente tranquilo. El espíritu de la marca: el color descarado. + ¿Qué los inspira? KTCT No tenemos algo delimitado. Nos puede inspirar tanto el amor como el odio, lo bueno o lo malo. Trabajamos con lo cotidiano y las tendencias, pero las procesamos y las hacemos a nuestros gustos. + ¿Cuál es la mayor influencia que reconocen en sus diseños?

KTCT Venimos de la escena de fines de la década de los 90; del hardcore/punk, que hacía bandera con el tema de la independencia y la autogestión. Íbamos mucho a Cemento, y estábamos en contacto con fanzines y canales de comunicación que te permitían decir lo que pensabas. Por eso, hoy buscamos salir de la monotonía de un clásico estudio de diseño, y romper las estructuras. + ¿Cuál es su prenda preferida entre las colecciones? KTCT Todas, porque cada una de ellas es irrepetible y limitada. EMPUJANDO LOS LÍMITES Lo que podría haber quedado acotado a un emprendimiento pasajero, fue tomando otra forma cuando, cada vez más, los diseños de Kontracorriente empezaron a pisar fuerte en distintas tiendas de diseño de autor, dispersas en distintos puntos del país, e incluso fuera de él, traspasando la frontera, en Chile. ¿Cómo se explica esta difusión en ascenso? Las redes sociales, como Facebook, conjugado con el boca a boca, jugaron a favor en esta cruzada. “Cuando el proyecto empezó a gestarse, no imaginamos que, en tan poco tiempo, podíamos generar esto que está pasando”, confiesan los diseñadores a cargo de la marca. Arriesgadas, alegres, y fabricadas por sus propios dueños bajo el lema “hazlo tú mismo”, las prendas son el reflejo de un estilo fresco y genuino, que bien podría pensarse van en el mismo sentido del objetivo que persiguen sus mentores: romper fronteras, físicas y mentales. + www.kontracorriente.com.ar


038

+ mundo creativo

moda / fragancias

Infinit Living Colours

Omnia Coral by Bvlgari

Se trata de la nueva colección, a puro color, de marcos de lectura diseñada por la marca. Los modelos de acetato italiano rescatan las formas de ojo vintage y la visten con materiales translúcidos, en tonalidades vibrantes y alegres. Los modelos de gafas, para hombre y mujer, incluyen detalles que dan el toque. Para ellas, apliques de piedras que aportan brillo, y para ellos, tachitas metálicas que iluminan el rostro. + www.infinit.la

Un nuevo aroma de la casa italiana Bvlgari rescata la esencia de los días soleados del verano. Se trata de Omnia Coral, un Eau de Toilette floral-frutal, que se suma a la “Colección Omnia”: una creativa línea de fragancias inspiradas en las piedras preciosas de la firma. Desde el brillo de la bergamota y la bayas de Goji –un aroma único-, los acordes de Omnia Coral culminan en suaves matices de pétalos de hibiscus. Este corazón florido y sofisticado, se completa con la frescura del agua azucena. Las últimas notas frutales están dadas por la granada, el cedro y el almizcle. La fragancia -que viene en presentaciones de 25ml, 40ml y 65ml- se puede encontrar en dos envases, que llevan el sello del perfumista Alberto Morillas, y resultan un homenaje a la naturaleza, tan naturales y atractivos, como los acordes florales más exclusivos de los que está hecho el aroma. + www.bulgari.com

Juanita Jo Carteras

Calixto de Absurda

Carteras que se lucen por dentro y por fuera. De eso se trata la propuesta de la marca de carteras Juanita Jo para esta temporada, y la que sigue, y que sigue apostando por la exploración de los materiales. Una colección arriesgada, que presenta modelos que mezclan elementos de los años 70, con el street style, pieles y prints. La paleta de colores utilizada abarca el dorado y azul, y se propone combinaciones elegantes. Con distinguidos herrajes y forrería exclusiva, los diseños condensan las últimas tendencias, y lo más importante, son fáciles de combinar. + www.juanitajo.com

Para los amantes de las gafas de sol, este modelo hecho a base de acetato, ofrece un diseño diferente, que desafía las medidas tradicionales, y apunta a lentes más altos, que se ajusten a todas las formas de rostros. Con un estilo moderno, Calixto incluye lentes espejados, en un amplio abanico de colores. El nombre de la línea está inspirado en una plaza de la ciudad de San Pablo, sede de una importante feria cultural, que lleva el nombre de un polifacético artista brasileño del siglo pasado, Benedito Calixto. + www.absurda.com


mundo creativo

+ 039 moda

adidas Originals Colección Blue 2012 Cuatro décadas de creaciones icónicas son reactualizadas en la nueva Colección Blue, la línea más sofisticada de adidas Originals. El resultado: prendas urbanas y elegantes, dirigidas a los seguidores de tendencias. La línea abarca el estilo preppy americano y el senderismo, y presenta siluetas de los archivos de adidas reversionados, además de audaces variaciones de la línea Originals Denim que aporta, con diferentes variedades de lavados, una dosis de modernidad a la propuesta. Esta colección de moda urbana creativa para hombres y mujeres, apuesta por los colores vibrantes, algunos brillos y estampas digitales, que configuran un estilo perfecto para cualquier momento del día o de la noche: deportivo y elegante a la vez. Para ellas, las prendas son versátiles, y pueden adoptar un estilo clásico o rocker, dependiendo de la ocasión. Como siempre, los buzos se imponen, además de las camperas, faldas cortas y jeans. Lo más novedoso es Originals ZX Heel: un elegante zapato de taco, que adopta el diseño de las clásicas zapatillas ZX 800. Para ellos, remeras y camisas, leggins y jeans, atravesados por una paleta de colores frescos y plagados de detalles. El logo característico de la marca se incluye en las prendas de forma discreta, aportando un toque distinguido y clásico. + www.adidas.com/originals/ar/


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+ mundo creativo

Texto: Germán Andrés @vermirando

música

Emilio Haro

Contemplación del sonido Estrambótico es la segunda obra del músico y productor argentino Emilio Haro. Una nueva y bella exposición de buen gusto, con el diseño sonoro como herramienta principal. Un disco hecho con precisión exquisita, de sonido orgánico y bien relajado, ideal para los oídos sutiles. Haro ahonda en la idea de crear músicas instrumentales y de ambiente, con pocos elementos e, incluso, modos no convencionales, pero actuales. Construye su música en capas de sonidos que vienen de distintas fuentes y procesos; en algunos casos: el tratamiento digital o filtros de audio y, en otros, desde instrumentos acústicos. Esas capas van dando en la totalidad una amalgama delicada, como piezas artesanales, con variedad de timbres y textura. Así, los ocho temas del disco se van mostrando encantadores, con duraciones y climas bien diversos. El despliegue de entretejidos melódicos nos van guiando, tranquilos, por su mundo bien temperado, con cierto misterio. El ritmo es pausado, y hay influencias africanas, centroamericanas y brasileñas, como así también condimentos de la música electrónica o la contemporánea, pero todas apenas perceptibles. Esa temporalidad lenta o media, es como un latir frágil; todo está como suspendido en un aire fresco, y suena naturalista, orgánico y etéreo a la vez. Llevadero y accesible, Estrambótico fue tocado, grabado, diseñado y producido por el mismo autor, más un sinfín de invitados, que aportaron distintos instrumentos. Editado de forma independiente por el propio Haro, al igual que su antecesor, “Panorámico” (2007), también muy recomendable. + www.soundcloud.com/emilioharo

Nacho y Los Caracoles Canta, compilado

Nacho Rodríguez es, quizás, desde hace unos años, el compositor de canciones más pegadizas, por su frescura y poesía cotidianamente dulce. Es el autor -además de integrante- de la mayoría de las composiciones de Onda Vaga. Tiene también el trío homenaje a The Magnetic Fields: Los campos Magnéticos (Alvy, Nacho y Rubín), y su proyecto alterno llamado Nacho y los Caracoles. Con esta formación de trío acústico: contrabajo (Jano Seitún), percusión (Facundo Flores), más la guitarra y la voz de Rodríguez, crean algo más relajado y sencillamente atrapante. Hacen temas mínimos de Nacho, como pequeñas piezas artesanales, en donde no hay gran despliegue de producción en arreglos, ni sobregrabaciones de estudio. Con pocos elementos (en algunos casos suman xilófono, violonchelo o armónica), pero sobre canciones simples que se vuelven grandes, crean su universo en tiempos de milonga, vals y chanson francesa, con claras influencias del folk y la bossa nova. Nacho y los Caracoles editaron en forma muy independiente dos EP bajo el mismo título de la banda: el primero en 2008, y el segundo en 2010, los cuales agotaron rápidamente sus tiradas iniciales. Y así llegaron el año pasado a un acuerdo con el sello argentino Random Records, para editar un CD compilatorio que reúne lo mejor de sus dos obras, en una sola entrega llamada Canta. Publicada en diciembre de 2011, con nueva gráfica y un total de 11 canciones, este disco expone claramente el presente vivo de la canción de autor, en la figura de trovador urbano; el talento de Nacho Rodríguez que se abre, siempre buscando aire libre. + www.nachoyloscaracoles.com


Texto: Germán Andrés @vermirando

mundo creativo

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música

Hoppo!

Vecinos cantores y viajeros Podríamos decir que Hoppo! es un proyecto en constante movimiento, que busca en la tradición latinoamericana la fuente para proyectarse hacia el futuro. Se mueve y cambia, vivazmente. Así lo demuestran sus decisiones y accionar, poco comunes para el circuito comercial, con una formación atípica y acústica, siempre de gira, e intentando no caer en los lugares comunes del revisionismo pop. Se trata del grupo paralelo de Rubén Albarrán (cantante de Café Tacuba), junto a los músicos chilenos Juan Pablo Villanueva y Rodrigo chino Aros. Debutaron en vivo en 2010, y con una primera producción homónima e independiente, con versiones de clásicos del folklore latinoamericano. En marzo, visitan por segunda vez la Argentina, para el festival “El Vecinal”, y ya presentando material nuevo de lo que sería su segundo EP, basado en temas originales, en un estilo que han llamado “psyfolkrock”, con influencias de rock, la psicodelia melódica y el folklore latino. Desde algún lugar remoto de Sudamérica, Rubén Albarán nos respondió unas preguntas sobre Hoppo! + ¿Cuál es la forma de trabajo con el grupo, y cómo es la elección de repertorio? RA La forma es muy libre, no hay nada escrito, y puede tomar cualquier rumbo. Sobre la elección del repertorio, puedo asegurar

que está basada en el gusto, el disfrute, el gozo. + ¿Hay planes de editar un nuevo disco en estudio con Hoppo!? RA Ya tenemos una grabación casi lista de música original, que prontamente compartiremos. Es para nosotros la fotografía de un momento y sólo eso… Y no pretendemos firmar con ninguna compañía para su publicación. ¡Música libre! + ¿Creen que pertenecen a alguna tradición común en Latinoamérica? RA Si es que pertenecemos a alguna tradición, sería a la de agradecer a la vida, respetarla y gozarla lo más posible. + ¿Consideran la renovación del folklore como algo actual y necesario? RA Desde lo más popular a lo folklórico de cada lugar, todo tiene su actualidad y siempre ha sido así. Es muy difícil decir algo más sobre un universo de músicas, tan inmenso y hermoso. + www.myspace.com/bandahoppo

EL VECINAL (Pequeño festival musical. 2° edición: 27 y 28/03) El Vecinal es un encuentro y cruce de música latinoamericana, ideado y curado por Kevin Johansen, para presentar a los artistas que están haciendo bailar, sentir y compartir cierta renovación de la música del continente. Esta será la segunda presentación del festival, y también el segundo show de Hoppo! en Buenos Aires. Kevin Johansen & The Nada, más el dibujante Liniers -todos en vivo-, son los anfitriones de cada encuentro, en el que van pasando grupos de distintos países. En la primera edición, en 2011, participó la banda chilena Chico Trujillo. La continuación es el 27 y 28 de marzo en Niceto Club (Av. Cnel. Niceto Vega 55, CABA), a las 21hs.


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+ mundo creativo

eventos

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1. Mike Amigorena hizo una parada en el local de Converse en Punta del Este para renovar su calzado 2. Jimena Butilengo saludó a Inés Azumendi, PR de Converse, en el local de La Barra 3. Sabrina Garciarena se deleitó con las camionetas Kia intervenidas por Rogelio Polesello en Punta del Este 4 y 5. Marina Marré y Humberto Tortonese, habituales compradores del supermercado Ta-ta de Maldonado, en Punta del Este 6. Nazareno Marcollese se encontró con Alice Fernández y Julieta Novarro en la fiesta esteña de Chandon 7. Andrea Frigerio en la tienda de decoración Wilson Tobal, durante el lanzamiento de Isabel, proyecto de construcción de exclusivas residencias en La Mansa 8. Eduardo Costantini, Delfina Braun y Manuel Antelo en la muestra “Bosque encantado” de la artista Vicky Aguirre en Las Cárcavas 9. Mili Schmoll dio el presente en la Copa de Tenis sobre césped organizada por Las Cárcavas, el primer emprendimiento de chacras sobre el mar del Uruguay


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mundo creativo 043 eventos lugares

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Puma Urban Art. La 5º edición del festival de arte urbano tuvo lugar en el Centro Cultural Recoleta, el 3 y 4 de marzo. www.pumaurbanart.com 1. Los invitados internacionales Ron English y Jeremy Fish, junto a Bárbara Bertani (lifestyle marketing de Puma), Peta Rivero y Hornos, y Berty Giménez Brotons de la agencia Human, encargada de la organización del evento 2. Anita Pauls tocó con la banda Kimonos de la Geisha 3. Pablo Franco, uno de los fotógrafos responsables del Lomo Wall de 300 fotos del Puma Urban Art

Chadon Délice. Chandon presentó su nueva variedad Délice, con un exclusivo evento sobre una isla flotante, ambientada especialmente por Javier Iturrioz, frente al Yacht Club de Puerto Madero. Entre los invitados se encontraban: Benito Fernández, Bernardita Barreiro, Dolores Barreiro, Concepción Cochrane Blaquier, Calu Rivero, Leo Sbaraglia y Chino Darín. www.chandon.com.ar

Grupo 134 en BAFWeek. Atentos en primera fila, Diego Scott y Sergio Elguezábal, ex protagonistas de campañas publicitarias de la marca, disfrutaron del desfile de 134 en la semana de la moda de Buenos Aires. www.grupo134.com

MVZ en BAFWeek. Mariana Arias, Esmeralda Mitre, Julieta Ortega y Claudia Fontán acompañaron a María Vázquez en la presentación de su colección otoño-invierno 2012 en la pasarela de BAFWeek. www.mvzmariavazquez.com.ar


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+ mundo creativo

marketing

+ El espacio minimalista de Ford en Cariló.

Ford Kinetic Summer Attraction Combinación de diseño y tecnología

Una vez más, Ford estuvo presente en distintos puntos turísticos durante el verano: Punta del Este, Pinamar y, por primera vez, Cariló, recibieron la propuesta de la marca, que combinó el diseño con la tecnología.

En los stands de la marca del óvalo, promotoras equipadas con tablets brindaron información sobre los distintos modelos, disponible para ser enviada automáticamente vía correo electrónico. Junto a cada vehículo expuesto, se ubicaron unos códigos QR que les permitieron a los poseedores de smartphones acceder a contenido exclusivo. También pudieron experimentar la Realidad Aumentada, gracias a una postal entregada por las promotoras con códigos QR que, al ser reconocidos por una cámara de video, dejaban explorar los atributos de diseño, seguridad y tecnología que distinguen a la marca. En Cariló, en un espacio de 800m², ubicado en la esquina de Cerezo y Divisadero, Ford presentó sus vehículos más exclusivos, como el Mondeo, Kuga, S-Max, Focus, Fiesta Kinetic Design y el EcoSport, además de la nueva generación de la pick up Ranger. También fue

posible realizar pruebas de manejo, así como travesías off road. El espacio se caracterizó por su diseño moderno y funcional, que incluyó un área especialmente concebida para atender consultas posventa. Fue justamente en este espacio en Cariló, desde donde más de 20 modelos Kuga iniciaron una travesía nocturna. Pasando por los médanos de Pinamar, los cien participantes arribaron a un lugar exclusivo, en donde estaba emplazado el campamento de Ford. Allí pudieron disfrutar del espectáculo de DJ Buey, y del inédito show acústico de Débora de Corral. Además, en el stand de Pinamar (en la intersección de las calles Bunge y Libertador) estuvieron disponibles todos los vehículos de la marca, para realizar test drives e inscribirse en las travesías 4x4.


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mundo creativo 045 marketing 1|

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1. El campamento de Ford, al que llegaron más de 20 Kugas transportando invitados 2. Analía Maiorana, junto a la nueva Ford Ranger global 3. Guillermo López y Bebe Contemponi 4. Déborah de Corral realizó una presentación unplugged en el campamento de la travesía nocturna por los médanos de Pinamar

Como en el stand de Cariló, Pinamar también contó con un área especialmente dedicada a la posventa, donde los clientes de Ford pudieron obtener información relacionada al servicio, e interactuar con una pantalla touchscreen, para personalizar un Fiesta Kinetic Design o participar de una trivia sobre seguridad vial. FORD EN EL ESTE En Punta del Este, Ford dijo presente, por sexto año consecutivo, en La Barra. Hasta allí llevó los más distinguidos modelos de su portfolio: el crossover Kuga y el Nuevo Mondeo con motor Eco-boost, ambos embajadores de lujo que caracteriza al Kinetic Design. Partiendo del stand, pudieron realizarse test drives de los modelos exhibidos, del Fiesta Kinetic Design cinco puertas y del S-Max. + www.ford.com.ar/verano2012

+ Dolores Trull y Andrea Burstein visitaron el espacio de Ford en Punta del Este.


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+ mundo creativo

marketing

Chandon Délice El envase de Chandon Délice, el nuevo sparkling wine de Chandon, viene acompañado por un diseño innovador, en tonos celestes y naranjas, que refleja la frescura de esta nueva variedad, pensada para acompañar situaciones casuales. Su equilibrada acidez y dulzura natural, hacen de Chandon Délice una creación armónica, en donde ingredientes como la piel de pomelo, las hojas de albahaca y rodajas de pepino, exaltan sus aromas y sabores de una manera intensa. Elaborado con las variedades tradicionales de Chandon y de la región de la Champagne francés -el Chardonnay y Pinot Noir, sumando al corte Semillón tardío y una variedad muy antigua del sur de Francia, llamada Petit Manseng- Délice combina aromas intensos y suaves, percibiéndose en boca sedoso y refrescante. Se puede tomar solo o con hielo, y por su versatilidad, es el acompañante ideal para situaciones descontracturadas y espontáneas: como trago durante el día, o como aperitivo antes de las comidas. + www.chandon.com.ar

Colección + Herman Miller: 50 años de diseño Desde hace 50 años, la casa mobiliario Herman Miller Inc. se encuentra en la Argentina, de la mano de Colección S.A., su licenciatario y distribuidor exclusivo en el país. Herman Miller es en una compañía global, que con sus diseños de muebles innovadores para la oficina y para el hogar, se ha convertido en sinónimo de modernidad. Desde la década del 30, la filosofía que ha acompañado a esta firma es la de hacer productos fieles a los materiales que han sido utilizados en su fabricación, y que respondan sólo a las necesidades reales. Como consecuencia de su larga tradición en diseños vanguardistas, sus creaciones se pueden encontrar, además de en hogares y oficinas de todo el mundo, en colecciones permanentes de museos como el MoMA de Nueva York. Por su parte, Colección S.A. también comercializa los productos de los diseñadores industriales locales Federico Churba, Anabella Brandan y Gustavo Maggio, al mismo tiempo que produce piezas originales de nivel internacional, con certificado de autentificación, firmadas por Eames y Nelson, entre otros. También importa asientos y sistemas diseñados para Herman Miller, como la “Sayl Chair” de Yves Béhar, la “Embody Chair” de Jeff Weber y Bill Stumpf o la “Aeron Chair” de Bill Stumpf y Don Chadwick. Todo esto puede descubrirse en el showroom de Colección, Paraguay 1180, CABA. + www.coleccion.com + Silla Sayl, diseño de Yves Béhar para Herman Miller.


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mundo creativo 047 destinos

Texto: Fátima Fargas para Travel Design (*) Foto: Santiago Legón

Tailandia

El paraíso ancestral Con un recorrido por sus playas y sus antiguas ciudades, sólo basta para darse cuenta de que es un lugar entrañable. Tailanda, ubicada en el sudeste asiático, es un país en el que sus maravillosas y extensas playas, junto con sus islas paradisíacas, juegan un papel principal a la hora de elegirlo como destino de unas inolvidables vacaciones. Sus islas se separan en dos zonas: la primera, en la parte oeste, donde se encuentran las islas que tocan el mar Andamán, junto al océano Índico; y la segunda, en el lado este, son las islas que se sitúan en el Golfo de Tailandia. Muchas de estas islas se encuentran aún deshabitadas. Entre las más conocidas, cabe destacar a la Isla Phi Phi en el mar de Andamán (donde se rodó la película “The Beach”), con sus montañas de un verde intenso y sus amplias playas de arena fina. Tampoco podemos pasar por alto a la famosa Isla de Pucket, que nos ofrece de día sus hermosas playas, y de noche, se convierte en una de las ciudades con la más variada vida nocturna del sudeste asiático. Infaltable es, sin duda, la Isla de Ko Pha Ngan, donde se celebra la Full Moon Party (o Fiesta de Luna Llena). A LA LUZ DE LA LUNA La Full Moon Party es una multitudinaria fiesta playera que se lleva a cabo todas las noches de Luna Llena, en la zona de Haad Rin Beach. La primera fiesta fue en la década de los 80; su origen desconocido y las distintas versiones sobre éste, la vuelven aún más atractiva e interesante. Hoy en día, pueden llegar a juntarse en una de estas fiestas, en temporada alta, unas 30.000 personas de todo el mundo (un número muy alto, si consideramos que sólo se celebra, aproximadamente, unas 14 veces cada año). La edad promedio de los participantes es de 20 a 35 años. En página Web de la fiesta, pueden consultarse las fechas exactas para este 2012 y el 2013. Se inicia al atardecer, y la gente se va sumando de a poco, mientras suele finalizar pasado el amanecer.

Uno de sus puntos fuertes es la variedad musical, ya que en los distintos paradores (en los cuales se pueden comprar comida y bebida) suenan diferentes estilos musicales, desde reggae hasta electrónica. También podremos encontrar malabaristas, tragafuegos y acróbatas, quienes animan la fiesta, además de fuegos artificiales. En pocas palabras, la Full Moon Party es una experiencia inolvidable, donde la gente va exclusivamente a pasarla bien. LAS RUINAS Pero Tailandia no sólo nos ofrece esta fiesta y sus espléndidos paisajes; en ellos, también se mezcla su milenaria historia -a través de los templos, palacios, monumentos y ciudades, de los que hoy en día sólo quedan ruinas (algunas, bastante conservadas)-, que nos permiten observar la majestuosidad que tenían sus infraestructuras hace miles de años, y transportan al visitante a épocas inimaginables. Entre ellas, se encuentran las ruinas de Ayutthaya (del siglo XVI al XVII), a tan sólo 86 km río abajo de Bangkok, la actual capital de Tailandia. Ayutthaya fue fundada en 1350 y proclamada capital. Por aquí pasaron 33 reyes de distintas monarquías, que fueron construyendo templos e imágenes de Buda sin parar. En su época de máximo esplendor, esta ciudad contaba con más de 400 templos y tres palacios. Otra de las ciudades ancestrales más importantes de Tailandia se ubica entre Bangkok y Chiang Mai, son las ruinas de Sukhothai, que fue capital del reino homónimo entre los años 1238 y 1438, y que han sido declaradas en 1991 como Patrimonio Mundial por la Unesco. Están compuesta por museos, mercados tradicionales y mucha naturaleza a su alrededor, por lo cual, es un lugar ideal para recorrer en bicicleta. + www.turismotailandes.com | www.fullmoonpartykohphangan.com

(*) Para dejar de ser turista y comenzar a ser viajero, visitar: www.traveldesign.com.ar | blog.traveldesign.com.ar


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+ mundo creativo

Texto: Carolina Prioglio @caroprioglio

lugares

Opening Ceremony

La tienda más cosmopolita Opening Ceremony, templo estadounidense de la originalidad en materia de moda, arte, cine y música, eligió a Argentina para dedicarle un espacio de privilegio en su tienda al diseño local. Multifacética como pocas, la boutique neoyorkina que cuenta con dos hermanas gemelas en Tokio y Los Ángeles ofrece, desde el 2002, una de las selecciones más variadas de piezas y ediciones limitadas de diseñadores y marcas de todas partes del mundo. En Opening Ceremony hay moda, música, arte y cine a granel, que se renueva constantemente. Sus creadores, Carol Lim y Humberto Leon, son responsables de editar cada producto y detalle disponible en los percheros y estantes. Para ellos, OC es casi la excusa para recorrer el mundo rastreando lo original, dándoles la posibilidad a los consumidores de estar en línea con lo más típico y también lo novedoso de cualquier procedencia. Así llegaron a Buenos Aires -el país invitado que tiene su propio rincón en la boutique desde septiembre pasado y por un año-, y recorrieron los circuitos usuales y los alternativos para llevarse las valijas llenas. + ¿Cómo definís a Opening Ceremony? CL Creo que lo genial acerca de OC es que no es fácil de definir. Pero, sin dudas, se trata de un espacio en donde podés experimentar un sentido de comunidad y cultura muy marcado, así como descubrir nuevos productos de todas partes del mundo. + ¿En qué contexto surge? CL Abrimos las puertas en 2002, inspirados en un viaje a Hong Kong. Allí tuvimos una experiencia cultural y de compras increíble: visitamos ferias y mercados, nos encontramos con muchos diseñadores emergentes, fuimos a marcas consagradas, y mientras lo hacíamos, sentimos ganas de traernos con nosotros algo de todo eso y

poder mostrarlo en New York. + ¿Qué es lo que la diferencia de otras tiendas? CL Me parece que se trata de nuestra habilidad de trabajar en todo tipo de proyectos, distintos unos de los otros, relacionados con la moda, el cine, el arte y la música. Es lo que mantiene el dinamismo y la espontaneidad. + ¿Por qué eligieron a Argentina como el país invitado durante un año? CL Siempre nos atrajo su cultura, su comida, su música y sus artesanías. Por eso, decidimos visitarla. Sabíamos que con tal creatividad en el ambiente, tenía que existir una escena de la moda que también se destacara. Y así fue. + ¿Cómo fue el proceso de selección de los productos que ahora se exhiben en OC? CL Como sucede en cada país que seleccionamos para mostrar en la tienda, siempre tenemos un embajador (en este caso, se trató María Lee, directora gráfica de la agencia digital Convoy), que nos ayuda a conocer y encontrar diseñadores, marcas y creadores, más allá de lo popular. Así tenemos la chance de hallar a muchos que no venden en el exterior, ni tampoco son tan conocidos en su tierra. Adoramos esa sensación de descubrimiento. + ¿Qué piensan del diseño en Argentina? CL Es tan internacional como argentino. Hay muchos creadores que incorporan algo artesanal y típico a sus diseños. + www.openingceremony.us

EL MERCADITO En el rincón argentino, hay de todo un poco, y para todos los gustos. Carteras, billeteras de cuero hechas a mano, llaveros y cinturones bordados, mantones de lana y muchos accesorios, con un dejo muy artesanal, que viajaron a OC, directo desde las ferias de San Telmo, Mataderos y más. “En Buenos Aires, descubrimos también a muchos diseñadores jóvenes y talentosos, y nos llevamos algo de sus colecciones: House of Matching Colours, Bandoleiro, Jungle VI.AI.PI., son algunos”, cuenta Lim. También fueron por el diseño consagrado a nivel local, y quedaron encantados con María Pryor, Félix y Mishka. Infaltable en El Mercadito es la colaboración que realizaron con la firma Alpargatas. De ella surgieron las clásicas alpargatas en una variedad de colores que OC seleccionó especialmente. +


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mundo creativo 049 lugares

Bodega Trapiche

Testigo de la historia En la provincia de Mendoza, se encuentra la bodega insignia de Trapiche: un tesoro arquitectónico de estilo florentino que, además, es la cuna de los mejores vinos de alta gama, desarrollados bajo el criterio de la agricultura biodinámica. Para los amantes de la cultura vinícola, este predio de diez hectáreas, rodeado de olivares y viñedos, es un lugar digno de ser visitado. Con una construcción de ladrillos a la vista que ostenta una fachada monumental, este edificio antiguo se posiciona como uno de los más altos exponentes de su estilo en el país.

viñedos pregona por el equilibrio del ecosistema. Con tal fin, es que prohíbe la utilización de compuestos químicos, herbicidas y fungicidas, y considera los ciclos de la luna, las mareas y movimientos estelares, como determinantes sobre el desarrollo de la vid.

Y no es para menos. La edificación fue construida en 1912 por los más hábiles artesanos, que llegaban a Mendoza, desde el norte de Italia. En la época de su inauguración, la bodega se destacaba por su capacidad de elaboración, su alta tecnología, y por su revolucionario diseño.

Quienes se acerquen a la bodega, podrán conocer el proceso de elaboración de una extensa líneas de creaciones de la casa, como el Fond de Cave, la Colección Roble y el Ciento Veinte Años, entre otras. Además, podrán recorrer un museo con elementos y maquinarias originales de comienzo de siglo XX, que dan cuenta de la historia de la vitivinicultura argentina. Durante la época de vendimia, podrán disfrutar de actividades especiales, como la cosecha de uvas del viñedo biodinámico, catas especiales de vinos en proceso, y cursos de introducción al mundo del vino. + www.trapiche.com.ar

Después de casi de 40 años sin actividad, en el 2006, Trapiche adquirió el edificio e inició un intenso proceso de restauración. Hoy, siguiendo los lineamientos de la biodinámica -la más extrema de las prácticas de agricultura ecológica-, el trabajo en los


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+ mundo creativo

agenda

+ mUesTras/exposIcIones/ferIas 11 al 15/04 pIcToplasma conference and fesTIVal 2012 En su octava edición, este festival sobre personajes contemporáneos y arte incluirá exhibiciones distribuidas a los largo de la ciudad, workshops, animaciones, performances y fiestas Babylon, .Hbc, y en 20 galerías de Berlín, Alemania www.pictoplasma.com 17 al 22/04 I salonI Salón internacional del mueble, del baño, del artículo complementario de la decoración, Eurocucina y SaloneSatellite Fiera Milano, Rho, Italia www.cosmit.it

2/05 al 2/06 arTe y dIseño argenTIno en ITalIa A través de su programa DesignAbroad, Creatividad Ética organiza acciones de promoción comercial y cultural del diseño argentino, incluyendo una muestra de portfolios de diseño argentino y un ciclo de ronda de negocios internacionales www.creatividadetica.org

18/05 al 22/05 arTeBa 2012 Feria de Arte Contemporáneo Argentino y Latinoamericano La Rural, Pabellones Azul y Verde, Av. Sarmiento 2704, CABA www.arteba.org

14 al 20/06 ferIa pUrodIseño La edición número 11 de la exposición de diseño latinoamericano La Rural, Sarmiento 2704, CABA www.feriapurodiseno.com.ar 15/09 al 23/09 london desIgn fesTIVal Festival anual de diseño Londres, Inglaterra www.londondesignfestival.com 27 al 30/10 BUenos aIres pHoTo

conferencias y mesas redondas) dictadas por profesionales del diseño y la comunicación de América Latina http://fido.palermo.edu/servicios_dyc/encuentro2010/

15/10 al 21/10 Icograda desIgn Week saraWak 2012 Una plataforma para compartir e inspirarse, entre diseñadores locales e internacionales. El tema de esta edición es “Rediscovery”, y apunta a reconocer las prácticas de la población local www.icograda.org

+ concUrsos/conVocaTorIas Hasta 15/04 concUrso sanTana TexTIles Profesionales y estudiantes avanzados de las carreras de diseño de indumentaria del país pueden participar, de manera individual o grupal, con sus diseños en denim. El objetivo del concurso es afianzar el vínculo entre la industria, la universidad y el diseño argentino www.santanatextiles.com

Hasta 2/05 concUrso de remera a dos TInTas La tienda virtual Argentinería convoca a diseñadores, ilustradores y artistas de cualquier nacionalidad, para que participen con sus diseños de imágenes, composiciones o ilustraciones. Además de un premio en efectivo, el ganador podrá ver su diseño estampado en remeras que estarán en venta en Internet www.argentineria.com

Hasta 31/05 xII BIenal InTernacIonal del carTel en méxIco Se convoca a estudiantes de diseño, artistas plásticos, fotógrafos y productores gráficos en general, de todas las nacionalidades, a presentar sus carteles -con técnica y formato libres- impresos entre mayo de 2010 y mayo de 2012 www.bienalcartel.org.mx Hasta 22/06 adoBe desIgn acHIeVemenT aWards 2012

+ congresos/encUenTros/semInarIos

El concurso, organizado por Adobe, reconoce la innovación de estudiantes y miembros de facultades de todo el mundo, y premia sus logros a la hora de combinar, de forma original y dinámica, el uso de la tecnología con las artes creativas www.adobeawards.com

17 al 28/04 cenTral saInT marTIns y

Hasta 27/06 red doT aWard desIgn concepT 2012

Exposición de fotografía Palais de Glace, Posadas 1725, CABA www.buenosairesphoto.com

london college of fasHIon en BUenos aIres Estas dos instituciones británicas ofrecen un programa de cursos cortos, dictado por los tutores de sus sedes originales, que incluye: Retail Innovation Conference, Fashion Design, Creativity in Fashion Branding & Marketing, Visual Merchandising Strategies, Research Skills of Fashion Design, Fashion Media Workshop, Art Direction for Fashion y Fashion Buying, entre otros. Esta actividad se realiza con el auspicio de La Embajada Británica en Buenos Aires info@arts.com.ar

31/07 al 3/08 encUenTro laTInoamerIcano

de dIseño 2012 Actividades de capacitación gratuitas (talleres, laboratorios,

Un concurso para profesionales del diseño, que pueden participar con sus conceptos, ideas y prototipos, de manera individual o en equipo. Las categorías para inscribirse son 21, y abarcan distintas ramas del diseño www.red-dot.sg

Hasta 31/08 HIII IllUsTraTIon

InTernaTIonal compeTITIon La plataforma online Hiii convoca a ilustradores, creativos profesionales, publicistas, agencias, estudiantes y profesores de todo el mundo a participar con sus ilustraciones en dos categorías: “The Published” y “The Unpublished” www.hiiibrand.com


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+ Cierre del desfile de Grupo 134

BAFWeek Otoño – Invierno 2012 Diseño y diversidad

Highlights y balance de una edición de la semana de la moda local muy auspiciosa. | Texto: Carolina Prioglio @caroprioglio Fotos: Adrien de Bontin @adriendebontin


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especial 053 BAFWeek

+ Bacstage desfile María Vázquez

El invierno 2012 trajo una de las ediciones más ricas en cuanto a diseño y diversidad que ha tenido BAFWeek en muchas estaciones. Sin dudas, un crecimiento en muchos aspectos, que posiciona con fuerza a la moda argentina dentro del contexto sudamericano. Y no es poco. Gracias a una interesante alianza entre organizadores, sponsors y el Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires, el calendario se amplió, se potenció y reunió a más de 40 mil personas: fueron 36 desfiles entre diseño de autor y marcas, que tuvieron lugar uno detrás del otro, en las dos pasarelas de La Rural y espacios alternativos, como el shopping Paseo Alcorta (Vitamina, Mishka, Huija y Las Oreiro) y el Teatro Colón, en el caso del diseñador Pablo Ramírez. Pero, más interesante aún, fue que la grilla se amplió, en este caso, para incluir nueva creatividad. Existe una nueva generación de diseñadores de autor, que se presentó gracias al Semillero UBA y a la pasarela BA, que convocó a Marcelo Giacobbe, Bandoleiro, Paula Ledesma, Cosecha Vintage y Cuadrilla. Sin dejar de lado tampoco al diseño que proviene del resto de las provincias del país al que, desde la primera fila del desfile del Mapa de Diseño generado por el Observatorio de Tendencias INTI, quedó claro que hay que mirar con mayor profundidad y detenimiento.

En esta temporada, la semana de la moda acaparó literalmente una semana: del 27 de febrero al 2 de marzo. Así, como pocas veces, el inicio de la grilla coincidió con el de la semana, un día feriado. El lunes 27 de febrero, inauguró la marca Vitamina en el shopping Paseo Alcorta, con un desfile bajo la lluvia, pero muy aplaudido. Al otro día, el Semillero UBA dio comienzo, a las 14 hs., a una maratón que se repetiría el resto de las jornadas, hasta que el reloj marcará las diez de la noche como mínimo. Esta vez, el concurso propuesto por la Universidad de Buenos Aires, tuvo ganadoras mujeres: Vanesa Miño, que incorporó geometría y arquitectura en la construcción de sus prendas, y “Perfecta Imperfección” de Julieta Lombar y Lucía Carrasco Ferragut, que crearon nuevas siluetas a partir de la sastrería y el uso del color. Fue la primera la que más llamó la atención. La tarde continuó con los desfiles de 12-NA, la etiqueta de Mercedes Martínez y Mariano Breccia, con una fuerte impronta en el tratamiento de las prendas, las texturas y el reciclaje; y Paula Ledesma, y una colección clásica, que tuvo al tejido como denominador común. Luego fue el turno de Muaa by Mariano Toledo, seguido por Varanasi. Para este invierno, Mario Buraglio y Víctor Delgrosso tomaron al vestido como prenda fetiche, y enfatizaron la figura femenina desde la línea y el trabajo a nivel de las texturas: crepe de


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+ Backstage desfile Tramando

lana, jersey tramado, poplín de algodón, gabardina y organza, en una paleta de colores primarios con acentos en tonos plenos.

muy fuerte: Santos Liendro, de Salta, y Quier, de Santa Fe, Fabiola Brandán, de Tucumán, y Leo Peralta, de Mendoza.

Evangelina Bomparola y su segunda colección en el marco de BAFWeek tuvo como punto de partida al espacio y la música de David Bowie, sobre vestidos y sastrería que recordaban a los años 70. Blanco y negro fueron los tonos base que se combinaron con detalles en verde y azul Klein. Más tarde, Vicki Otero reformuló nuevamente la tipología sastrera, inspirándose en la música, y combinando bloques de colores en negro, azul, verde y bordó, en cada prenda o atuendo. El cierre estuvo a cargo de Wanama y Cheeky, la firma de indumentaria para chicos.

Un rato más tarde, las creaciones etéreas de Marcelo Giacobbe pasaron sobre la pasarela (un nuevo talento al que no hay que perder de vista); al igual que las de la marca Desiderata, que tuvo a la española Gala González, una de las bloggeras más conocidas a nivel mundial, como invitada en primera fila; y las de Fabián Zitta. El diseñador debutó en la semana de la moda, con una colección inspirada en los movimientos del oleaje, que utilizó como disparador para continuar con el detallado trabajo que imprime sobre sus vestidos. La jornada terminó con las presentaciones de Prüne, Amores Trash Couture y Chocolate.

El miércoles 29, Mishka estuvo a cargo de inaugurar la grilla durante la mañana, desde Paseo Alcorta. Fue seguida en La Rural por Bandoleiro, la marca de diseño experimental de Gerardo Dubois, y el desfile del Mapa de Diseño del Observatorio de Tendencias INTI que, luego de varios años de relevamiento a lo largo y a lo ancho del país, presentó a cuatro creadores pertenecientes a provincias que están construyendo una identidad propia de diseño

El cuarto día de desfiles comenzó temprano con Huija, y siguió con el Concurso Inspiration Award de Triumph, que renueva las propuestas de ropa interior. Cosecha Vintage, la marca de Alejandra Gougy, actualizó la estética años 20 desde el plano tejido que caracteriza a la marca, con vestidos, monos, suéteres y abrigos de corte relajado, en texturas naturales que rescatan el gesto sustentable


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+ Backstage desfile HE

que tiene la marca desde los inicios. Luego llegaron Rapsodia, Juana de Arco y Uma, para darle paso a Cora Groppo, y una colección que integró figuras de universo geométrico de la manera menos obvia dentro de las prendas: en los volúmenes y en la construcción. Garza Lobos, la etiqueta de Rubén Troilo y Constanza von Niederhäusern, solidificó su propuesta fluida y desestructurada, agregándole, para este invierno, algunos conjuntos de sastrería (blusa, saco y pantalón) trabajados como si fueran vestidos. Les tocó cerrar a los Hermanos Estebecorena. Alejo y Javier se lucieron con una propuesta en la que primó, como siempre, la funcionalidad y la nobleza de los materiales. Más modernos que de costumbre y sin perder el clasicismo, incorporaron algunos toques de color estridente sobre una base de negro, gris, bordó y marrón, en prendas que favorecen siempre a la figura masculina. Se destacaron los abrigos: trench coats y cazadoras de paño y lana, y capas y ponchos impermeables. FINAL DE FIESTA La última jornada de BAFWeek se correspondió con el último día

de esa semana llena de moda. Las Oreiro iniciaron por la mañana en el Paseo Alcorta, si bien ese día todas las expectativas estaban concentradas en el show, al nivel de las exigencias de la moda internacional, que dio Pablo Ramírez en el Salón Dorado del Teatro Colón. Acorde al contexto, presentó “Carmen”, una colección que revisitó la historia de la ópera de Georges Bizet, y trajo al 2012 la estética sevillana propia del siglo XIX. Una puesta en escena emocionante y una selección de prendas, en su mayoría vestidos, que esculpieron el cuerpo de la mujer. Algo que Ramírez maneja a la perfección. De vuelta en La Rural, se sucedieron los desfiles de Cuadrilla, la marca Como quieres que te quiera y Mariana Dappiano. La diseñadora actualizó el espíritu setentero a través de las estampas, su sello, y la estructura de las prendas. Y, más tarde, fue el turno de Holi by Sedal. La alianza entre la marca de Dolores Barreiro y la firma de productos para el pelo mostró a sala llena un mix de prendas con mucho color y una clara reminiscencia a Oriente. Pero el ambiente cambió por completo con la llegada de Grupo


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+ Backstage desfile Cora Groppo

+ Backstage desfile Grupo 134

134, y una pasarela que mostró, además del invierno 2012 según la mirada de Romina Cardillo, que ese mismo espacio puede servir para reflexionar, en este caso, sobre las 51 vidas que se llevó el accidente del tren de la línea Sarmiento. El final del show con música en vivo, y los modelos sosteniendo carteles alusivos a la tragedia, se llevó el protagonismo. Minutos antes, ellos desfilaron dos colecciones de invierno, versión femenina y masculina, llenas de prendas casuales, fáciles de llevar, pero con algún recurso o detalle que las vuelve distintas. Abundaron los tejidos con foil, las transparencias, las asimetrías, las siluetas maxi y mini, y las camisas para ellas y para ellos, el look total en negro, las capuchas, y los diseños conformables. ¿La paleta? Negro, blanco, azul, rojo, marrón y mucho metalizado. Acto seguido, María Vázquez propuso un intercambio entre naturaleza y tecnología: una selección bien editada de ropa, en tonalidades de marrón, rojo, maíz, azul, negro, cobre y dorado, tratada

+ Backstage desfile Garza Lobos

con varias técnicas como el láser, el engomado y el laminado sobre cuero, gamuza, gasa, lúrex y lamé. La firma desarrolló sus propios payettes, que cosió a faldas, vestidos y blusas; y empleó la geometría a la hora de construir las prendas. Así, el final quedó en manos de Tramando y Martín Churba. Y el diseñador no defraudó ni con la colección que presentó, ni con la fiesta que organizó en la pasarela para la prensa y el público. Musicalizado por DJ Diamante, el desfile no tuvo nada de convencional. La gente bailó mientras las modelos desfilaron sus prendas invernales sobre las gradas. En cuanto a la ropa, el diseñador continuó experimentando con los materiales para generar las texturas ya clásicas de la firma y otras nuevas. Con una marcada impronta años 60, hubo variedad de vestidos bien cortos, tops y maxi camisas, camperas de cuero, impermeables y tapados en colores grises, azul, rojo, nude y champagne. + www.bafweek.com.ar

Link a la nota: http://9010.co/BAFinvierno2012


Concurso Santana Textiles Incentivando la creatividad

Con el objetivo de afianzar el vínculo entre la industria, la universidad y el diseño argentino, la empresa líder en producción de tejidos denim, Santana Textiles, presenta esta convocatoria, que apunta a brindar a los diseñadores emergentes una posibilidad para dar a conocer sus creaciones. Hasta el 15 de abril, los profesionales recibidos y los estudiantes avanzados de las carreras de diseño de indumentaria del país pueden participar, de manera individual o grupal, con sus diseños en denim. Un jurado integrado por referentes del diseño como Susana Saulquin, Ana Torrejón, Victoria Lescano, Martín Churba, Kika Tarelli y Alejandro Ogando, será el encargado de seleccionar los doce modelos semifinalistas, a quienes se les brindará la tela necesaria para materializar sus tipologías, además de un asesoramiento a cargo de Procesadora Centro, un importante lavadero industrial especializado en denim. Por último, tendrán la posibilidad de mostrar sus piezas en la pasarela BAFWeek Primavera/ Verano 2012-2013, en donde se realizará la selección final.

AO Sí, para nosotros es fundamental estar cerca de las propuestas de los jóvenes creativos, que aportan al mercado una visión fresca y desprejuiciada sobre las posibilidades del material y sus respectivas tipologías.

Los ganadores del primero y segundo premio, podrán viajar a la planta de la empresa, ubicada en la provincia de Chaco, donde recibirán una capacitación sobre el proceso productivo del denim. Además, el ganador del premio mayor, se hará acreedor de una suma de $7000 en efectivo, y tela del tejido en cuestión, para iniciar su proyecto de colección.

+ ¿Qué otras acciones realizan para promover la educación en el diseño? AO Tenemos varias. Entre ellas, la primera cátedra de diseño especializada en el tejido denim en la Universidad de Palermo. Además, en el 2009, creamos el primer Taller de Prototipos de la carrera de Diseño de Indumentaria y textil de la Universidad de Buenos Aires. Santana Textiles también otorga tejido denim a las universidades antes mencionadas, así como a la Universidad Nacional del Noroeste de la Provincia de Buenos Aires (UNNOBA), situada en la ciudad de Pergamino, polo textil de confección por excelencia de este tejido a nivel nacional. Para reforzar estas acciones, brindamos charlas sobre el proceso productivo, el proceso de lavandería y tendencias. + www.santanatextiles.com

90+10 dialogó con Alejandro Ogando, Coordinador del Departamento de Producto de Santana Textiles, acerca de la importancia de que los nuevos diseñadores estén en contacto con el denim, un elemento fundamental en las colecciones de las marcas. + ¿Santana Textiles planea transformarse en una plataforma de lanzamiento de nuevos diseñadores para la industria?

Link a la nota: http://9010.co/ConcursoSantana

+ ¿De qué manera definirías la propuesta de los diseñadores emergentes en la escena local? AO Me parece que es una muy buena propuesta creativa. Hoy los diseñadores son profesionales que pasan por una carrera universitaria, y eso se ve reflejado en sus trabajos y propuestas. Creo que aún debemos trabajar en un producto de diseño con una visión más comercial.


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Pasarela “Mapa de Diseño”

+ Desfile Quier

La mirada interior

Para esta edición Otoño - Invierno 2012 de BAFWeek, el Observatorio de Tendencias INTI (Instituto Nacional de Tecnología Industrial) se encargó de la curaduría de la Pasarela “Mapa de Diseño”, donde cuatro firmas del interior de Argentina presentaron sus propuestas: Santos Liendro, Fabiola Brandán, Quier y Leo Peralta. | Texto: Natalia Nupieri @natinupieri, investigadora del Observatorio de Tendencias INTI

Es la primera vez que la semana de la moda más importante de Argentina incluye en su programación diseñadores del interior de nuestro país. Podemos decir que algo está cambiando, cuando vemos que el diseño de indumentaria de autor se consolida a paso firme, conformando nuevos centros de producción, en regiones que siempre tuvieron un gran protagonismo creativo. Encontramos un mapa de diseño con múltiples talentos, imaginarios propios que se conectan mágicamente con el entorno, recursos muchas veces impensados desde la metrópolis capitalina, que aparecen como una manera lógica de resolver las necesidades funcionales y simbólicas de los productos. Y casi sin darnos cuenta, estos diseñadores han crecido, tan profundos y tan fortalecidos de sus propios contextos, como ávidos de información global, de herramientas de diseño que los ayuden a mejorar y, por qué no, ávidos también de ese reconocimiento que todo diseñador anhela. Con este nuevo panorama, entendimos que esos nuevos protagonistas de la escena del diseño contemporáneo necesitaban una mayor plataforma de arranque. Y siempre con la idea de que puedan proyectarse, tanto a nivel nacional e internacional, es que comenzamos a organizar con BAFWeek esta pasarela llamada “Mapa de Diseño”, en la que se despliega el concepto creativo y productivo de las colecciones de cuatro firmas de autor, que nos

representan en una diversidad de escenarios geográficos, acervos simbólicos y lenguajes creativos, que caracterizan a las regiones de donde son oriundos. Los universos que visitamos al transitar por cada una de las colecciones, no salen de una carta de tendencias previamente dada, no nacen como una excusa estética, que respeta los mandatos de la temporada, para poder renovarse cíclicamente; sino que tienen origen en la historia de cada diseñador, y son una marca a fuego en sus productos. ¡Estos imaginarios surgen siempre del interior! LOS PROTAGONISTAS Entonces, podemos deleitarnos con la mezcla de materiales que la diseñadora salteña, Roxana Liendro, plasma en la colección de Santos Liendro, bañada en colores y texturas netamente andinas, con accesorios de metales semipreciosos, como alpaca, piedras del norte salteño y ónix, que representa los cerros nevados. Porque Roxana se formó jugando en el taller de su padre, artesano orfebre, y creció con un lenguaje atemporal y ancestral. En sus diseños confluyen técnicas, herencias y materialidades, a través de inusuales combinaciones de elementos autóctonos, donde mezcla, fusiona y dialoga, creando la verdadera alquimia del norte. La colección de Santos Liendro se llama “Camino Real”, y está inspirada en el Capac Ñan, la principal vía de comunicación del Imperio Incaico, que


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especial 059 BAFWeek

+ Desfiles de Leo Peralta, Santos Liendro y Fabiola Brandán

nacía en Quito, pasaba por Cuzco, Arica y Atacama, atravesaba Salta y finalizaba en Tucumán. Por medio de este camino real, el incanato conseguía todo tipo de insumos, desde fibras vegetales y animales para textiles, hasta metales y piedras preciosas. Desde Mendoza, Leo Peralta está ligado, desde sus orígenes, a la exploración morfológica. Planteos y quiebres estructurales generan diferentes posibilidades constructivas, que buscan reflexionar sobre la proporción. Visualmente, impacta la combinación de géneros, estampas y recursos de costura. En su colección “Bestiario”, nos sumerge en un mundo fantástico, como es costumbre en sus imaginarios. En esta ocasión, Leo parte de una investigación sobre las estéticas de lo feo, lo grotesco y lo kitsch, consideradas ajenas a los cánones de belleza establecidos. Con especial interés en formas híbridas y monstruosas, vemos emerger imágenes de bestiarios medievales, que nos sorprenden al encontrar lo bello en lo feo. Podemos apreciar múltiples texturas: suaves, brillantes, rugosas e invernales, con toques acrílicos y metálicos, siempre con esa sensación de estar en un cuento, o en un sueño. Fabiola Brandán es de San Miguel de Tucumán, y su proceso se basa en una redefinición de la anatomía del cuerpo. Crea formas complejas a través de líneas y planos, y utiliza el juego entre materiales rígidos y su combinación con tejidos con rebote. Módulos y elementos mínimos se repiten con un ritmo preciso, haciendo foco en ejes y articulaciones, a partir de recursos como alforzas, pespuntes y sustracciones. Las prendas son versátiles e interactivas, y posibilitan cambios de tipologías. Su colección “Contrastes” está inspirada en las observaciones cotidianas de los contrastes de la vida en la ciudad. Las prendas con delicados movimientos y formas nacidas de sutiles curvas, chocan con líneas puras y rectas. En sus texturas, que juegan entre lo suave y lo rugoso, en su opacidad y en sus transparencias, en lo rígido y en lo elástico, las combinaciones suceden dentro de una paleta de color que tiene como protagonista el negro, con acentos naturales. Por su parte, las rosarinas de Quier apuestan a la innovación que

Link a la nota: http://9010.co/MapaDiseno

se opone a la uniformidad, esgrimiendo siluetas y alianzas de texturas diferentes, que desafían cualquier mandato tradicional. Silvia Querede y Noelí Gómez son las diseñadoras cuya propuesta gira sobre tres ejes: diseños funcionales, búsqueda de materiales diferenciados, e intervención del espacio en torno al cuerpo. De allí nacen prendas que se transforman como un mecano: reversibles, versátiles, de estructuras, volúmenes y largos modulares regulables, que conviven con formas envolventes de inspiración étnica, que remiten a tribus nómades y morfologías del folklore argentino. El concepto de sustentabilidad se hace presente en telas antiguas recicladas, terminaciones a mano y tradicionales técnicas de costura, que preservan los oficios olvidados. La colección “Typha”, se inspiró en un viaje por los humedales de Santa Fe, con las totoras, protagonistas de flora típica de las islas, como puntapié para investigar formas, texturas y combinaciones de prendas. Estampas con dibujos de ramas sobre tejidos de punto se complementan con piezas compuestas por rompecabezas de géneros planos, bajo una paleta de colores tierra, con acentos de naranjas, blancos y verdes. Detalles en cuero, metal y lana, rematan tipologías urbanas en equipos en donde predomina la superposición. TALENTO FEDERAL Así como muchísimos otros, estos cuatro diseñadores muestran su talento a partir de una combinación de elementos culturales y productivos. Cuando realizamos la selección desde el Observatorio de Tendencias INTI, priorizamos tanto la originalidad, la innovación y la creatividad, como las posibilidades de producción y comercialización de los proyectos. Como el cupo era reducido, optamos por seleccionar referentes de cuatro de las ciudades donde el nivel creativo asociado al diseño es realmente alto. Sin embargo, tenemos planes de continuar con esta pasarela federal en las sucesivas ediciones de BAFWeek, porque queremos que este segmento crezca, que se muestre a Argentina y al mundo, y que haya cada vez más proyectos que apuesten a un diseño auténtico y nuestro. + www.inti.gob.ar/textiles | www.fabiolabrandan.com www.quier.com.ar | www.santosliendro.com


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+ Nuevas mentes creativas. Seleccionamos a dos diseñadores que presentaron sus colecciones en BAFWeek, pertenecientes a una nueva generación de creadores de moda en Argentina.

+ Marcelo Giacobbe y su desfile en BAFWeek

Marcelo Giacobbe Hace diez años que el diseñador Marcelo Giacobbe orbita dentro del universo de la moda local. Durante algún tiempo, trabajó bajo el ala de varias marcas y diseñadores hasta que, en el 2008, empezó a construir su propia firma. Un poco estimulado por el encargo de un vestido de novia familiar, el camino lo fue llevando a involucrarse, primero, en el diseño de bridal de la mano de su marca Vernissage By Marcelo Giacobbe. “Luego, la firma tuvo un relanzamiento con diseños que ya llevaban mi nombre, sin más. Antes, hubo una etapa en la cual me asustaba que estuviera mi apellido al frente de mis prendas, pero ya no”, confiesa. ¿Qué sucedió entremedio? El concurso Semillero UBA primaveraverano 2011, del cual resultó uno de los dos ganadores (presentando por primera vez una colección en BAFWeek) y tres meses de introspección durante un viaje a Europa. “Ese viaje subió mi canon de exigencia en cuanto al diseño”, cuenta Giacobbe, que se involucra en todos los pasos de la creación. Hoy no sólo diseña vestidos de novia, sino también prêt-à-couture y sastrería, que fusiona un corte masculino con detalles femenino. + ¿Cómo es el estilo de Marcelo Giacobbe? MG Es un cruce entre diferentes situaciones y sentimientos: lo romántico e idealista de la costura por un lado, y la exactitud y la racionalidad de la sastrería por otro. Mi intención a nivel estético es transportar al usuario a otra época, sin generar un diseño vintage. En la última colección, se trató de la década de los 40 en Berlín y París, con una figura de mujer parecida a la de Marlene Dietrich. Trabajo siempre con una paleta de naturales (del color piel al beige), porque me gusta el plano íntimo y lo que alude a él. También con el contraste entre blanco y negro y acentos de dorado. Los brillos y los adornos. + ¿Prendas representativas de la última colección? MG Sacos de corte masculino, corsés y vestidos.

+ ¿Te vestís acorde a lo que diseñás para tu marca? MG De alguna manera, y no es intencional. Soy muy simple y, generalmente, elijo prendas de vestir de líneas modernas, en blanco y negro, que combino con zapatos, más que con zapatillas. No tengo fascinación por seguir la moda al pie de la letra. Me gusta, pero intento ser clásico. + ¿Lugar favorito en busca de inspiración? MG Cambia según el momento. En esta última colección de invierno, podría decir que fue Berlín. Tiendo a trabajar de noche, pero a veces me inspira el día. También me nutro del cine (Lars von Trier, Ingmar Bergman y Alfred Hitchcock) y la naturaleza y, sobre todo, de cómo incide el factor humano en ambas. + ¿Qué diseñadores te atraen? MG Durante mucho tiempo, seguí a Helmut Lang, por su compaginación entre hombre y mujer, sastrería y estética deportiva. + ¿Una reflexión sobre la moda argentina? MG Creo que la moda en el país representa a los argentinos: es más clásica y atemporal que en otras partes. Si bien existe una idea de que seguimos la moda, yo creo que ésta es un poco más estática acá, y me parece que está bien, porque es acorde a la manera de consumir que tenemos, y a la forma de producción de la moda local. También, es muy marcada la diferencia entre diseñadores y marcas, y sería interesante que hubiera más fusión entre ambas; no creo que el diseño de autor tenga que mantenerse lejos de la calle. Igualmente, la moda está creciendo, y le está dando más oportunidades a gente que recién empieza, como yo. + www.marcelogiacobbe.com

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especial 061 BAFWeek

+ Gerardo Dubois y su desfile en BAFWeek

Bandoleiro Gerardo Dubois es Bandoleiro, y Bandoleiro es Gerardo Dubois. El diseñador comenzó con su firma de indumentaria masculina a finales del 2008, luego de haber pasado varios años aprendiendo el oficio en el ámbito de otras marcas de ropa, y habiendo dejado la carrera académica por detrás. “Mi proceso de diseño es muy autodidacta, me formé al trabajar y experimentar sobre la tela”, explica desde su estudio, Bungalow Room, en Villa Crespo. Dubois trabaja solo. Él mismo generó cada una de las prendas de su colección “Príncipe y Mendigo”, que presentó recientemente en el marco de la semana de la moda de Buenos Aires. Además de en su showroom, Bandoleiro se encuentra colgada en los percheros del local Fire Walk With Me, en Las Cañitas, y en las tiendas Opening Ceremony, de Nueva York, y Aires!, en Tokio. “Trabajo la ropa con un acercamiento muy ligado al arte -continúa. Primero junto los materiales y luego, alrededor de ellos, le doy forma a las prendas. Por eso, la idea de Bandoleiro es indumentaria coleccionable, única y unisex”. + ¿Por qué Bandoleiro? GD Surgió de pura casualidad, de una anécdota con un amigo. La palabra significa “ladrón” en portugués y nos gustó. Además, tiene que ver con el comienzo de la marca: yo utilizaba dentro de mis prendas pequeños detalles “robados” o tomados como souvenirs. Fue como un gesto al estilo Peter Pan o de performance. + ¿Cómo es el estilo de la marca? GB Avant-garde y artesanal, muy visual y conceptual al mismo tiempo, narrativo y fantasioso, fetichista y eco. La mayoría de los materiales que uso para mis colecciones son reciclados: remanentes textiles o intervención de telas de cortinas, toallas, sillones y colchones. + ¿Prendas representativas de la última colección? GB Las mono-prendas y los abrigos estilo capa y poncho: módulos

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grandes, súper trabajados en texturas. + ¿Te vestís acorde a lo que diseñás para Bandoleiro? GB A veces, uso alguna de mis prendas… me divierte que llamen la atención. La idea es que la gente se acostumbre a ver este tipo de ropa por la calle. Y si me preguntan a quién me gustaría vestir, no lo dudo: a la gente común, no a los famosos. + ¿Lugar favorito en busca de inspiración? GB La casa de mi mamá. Soy de la Zona Oeste, y me inspira mi barrio a la hora de crear. Si hubiera nacido en otra parte, tal vez mi ropa sería distinta. + ¿Qué diseñadores te atraen? GB Siempre me gustaron Alexander McQueen, Jean Paul Gaultier y John Galliano. Ahora me atraen Jeremy Scott, Bernhard Willhelm y Walter Van Beirendonck, pero le estoy prestando menos atención a la moda: me aburre casi todo lo que veo, y prefiero que el diseño de otro no me quede grabado en la cabeza, para poder crear libre de influencias. Sinceramente, encuentro en la pornografía una fuente de inspiración recurrente para diseñar. + ¿Una reflexión sobre la moda argentina? GB Creo que se pusieron las pilas este año. En la última BAFWeek hubo más propuestas y contenidos, me parece muy bueno que se haya ampliado la grilla para agregar diseño. Al mismo tiempo, pienso que, hoy en día, la ropa en el país está carísima, y el precio no siempre se refleja en la calidad: hay mucha gente que lo paga y, también, hay mucha que, si puede irse de viaje, elige comprar en cadenas masivas como H&M. Y en este contexto, a los diseñadores locales les cuenta mantenerse. + www.bandoleiro.com.ar


+ Martí Guixé junto al Menú Food Design Nº5. Foto: Imagekontainer/Knölke


personas creativas

+ 063 diseño

Martí Guixé

La emoción del diseño Simple, original y con una visión rupturista, el creativo español Martí Guixé se dedica a solucionar problemas de la vida moderna, dando forma y estilo a los objetos cotidianos. | Texto: Leila Mesyngier

Martí Guixé no cree en la inspiración. Trabaja, en cambio, con parámetros, información y conocimiento a nivel abstracto, que luego le sirven para bajar las ideas al papel. No tiene una rutina de tareas. Parte de bocetos, y continúa con los detalles, aunque es una dinámica “antirutina”, en la que “las cosas se van haciendo a medida que van saliendo”, y con un equipo integrado por cinco personas. Se define como un ex-diseñador, porque esa categoría no es “lo suficientemente abierta” para explicar lo que hace: una combinación creativa de imaginación y eficiencia, expresada en materiales de uso cotidiano, y con una funcionalidad a prueba de fetichismo. Allá por 1997, revolucionó el ambiente artístico, cuando incursionó en el “food design”, y montó una muestra de comida para representar situaciones extraordinarias de la vida moderna. Desde entonces, su nombre es sinónimo de ruptura, de estructuras que se desarman, y de un diseño que facilita la vida. Así, se convirtió en un “solucionador de problemas” y un “estilista de objetos”. Tiene un lifestyle muy poco convencional. Viaja por el continente europeo ida y vuelta, entre Barcelona y Berlín. Las dos ciudades, íconos actuales del arte, la creatividad y la diversión, le ofrecen un universo de símbolos culturales y gastronómicos que él absorbe y transforma en productos. “Mis diseños tienen mucho que ver con mi percepción de la realidad y de la vida cotidiana, aunque a veces están lejos de lo que es normal”, reflexiona el artista español sobre su “antirutina”. Pequeños señaladores que anuncian ingredientes de una picada o mensajes de bienvenida para los invitados; muñecos con ojos de semillas listas para plantar; relojes de pared que señalan el tiempo

+ Xarxa es un sistema dinámico para sentarse, formado por varios almohadones de diferentes texturas y densidades. Partiendo de la configuración más clásica de un sillón de uno, dos y tres cuerpos, propone una multiplicidad de configuraciones. www.danesemilano.com


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+ Modular Free Port para BD. Las caras exteriores están laqueadas en blanco brillante, y las caras interiores y cantos aplacados con diferentes tipos de papel fenólico símil madera. www.bdbarcelona.com

del amor, los sueños, los deseos y el arte; sillones desmontables con almohadones de colores para intercambiar; alcancías para semillas. Mesas, camas, alfombras, azucareras, juguetes, lámparas, cintas adhesivas, estanterías y una variedad de libros. Una inigualable colección de objetos marca registrada de Guixé, que se consiguen en las casas internacionales más conocidas, como Magis, Alessi, BD, Danese y Nanimarquina. Un conjunto de formas y colores que lo define como uno de los más originales y pragmáticos artistas contemporáneos. “De forma muy básica, un diseñador es alguien que soluciona problemas, estilizando la forma de los objetos, pero es mucho más complejo, pues los problemas actuales ya no son puramente funcionales, sino también emocionales, sociales y políticos”, explica Guixé.

Se trata de un proceso estético, con un resultado real y auténtico, contemporáneo y funcional. Y también de elementos elegidos por el diseñador, que buscan promover “actitudes nuevas o más actuales”. Todo lo que crea, lo hace pensando en consumidores “atentos y cultivados, con más exigencias”, que entienden de diseño y que tienen una cultura de los objetos. Aquellos que saben que las cosas poseen una función, y que la relación con ellas debería ser “material y no tan espiritual como las de algunos fetichistas”. Sin embargo, a veces, él mismo trata a los objetos como sujetos, “pero eso es algo más personal”, comenta, y refuerza su pasión no convencional por las cosas. + www.guixe.com

tra conjunta que presentaron en el museo de diseño de la Triennale de Milán, desde abril de 2011 hasta marzo de 2012, a propósito de los 50 años del Salón del Mueble, dedicada a las empresas y proyectos que contribuyeron a crear el sistema del diseño italiano de posguerra. La dupla perfecta: Alessi concibió la idea, Guixé le dio forma, y el resultado dejó boquiabiertos a quienes visitaron la instalación.

FÁBRICA DE SUEÑOS Una combinación de fábulas infantiles, desde “Alicia en el País de las Maravillas” hasta “El Principito”, un lugar al que se entra por un agujero o una cueva, el universo de los sueños. Un mundo ideal y divertido, de fantasías y percepciones. Ése fue el concepto que le propuso el arquitecto italiano Alberto Alessi, para diseñar la mues-

+ ¿Cómo encaraste la ambientación de la muestra “Le Fabbriche dei Sogni”? ¿Con qué conceptos trabajaste? MG Fue un proyecto muy difícil, pero muy agradable de hacer. La información era muy técnica y con muchos datos, y estaban todas las teorías de Alberto Alessi. Primero, digitalizamos su caligrafía, de manera que todo lo que él dice y está escrito, está con su letra y lo hace más personal y más auténtico. Luego, se organizaron los objetos en una secuencia lineal, aunque no temporal, donde habían dos rutas: una que proponía la visión de objetos que no tenían un éxito comercial, y otra de objetos “best seller” agrupados, a su vez, en unos tótems de tamaño real, que impresionaban mucho a los visitantes. Detrás de esta figura, estaban los datos técnicos de la empresa. Finalmente, y de acuerdo con las teorías de Alessi, se agrupaban los objetos en grandes grupos temáticos. Creo que el resultado ha sido muy positivo, y he recibido muy buenas críticas. + www.triennale.it

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| Foto: Carola Danza


personas creativas

+ 067 moda

Romina Cardillo

El otro mensaje del diseño Charla íntima con Romina Cardillo, diseñadora de Grupo 134. | Texto: Carolina Prioglio @caroprioglio

A Romina le gusta tocar la guitarra. Así se la ve en una foto que atesora en su oficina y la retrata a los quince, cuando agarraba por primera vez el instrumento. La música siempre fue un aspecto importante de su vida, así como la moda: de adolescente, tuvo banda propia, y aprendió el oficio de la creación de ropa, gracias a una madre diseñadora. Pero el día de su desfile otoño - invierno 2012 en BAFWeek, Romina tocó el bajo en vez de la guitarra y la música fue, esta vez, una manera de expresar un sentimiento de descontento. Luego de tocar “Anarchy in the U.K.” de los Sex Pistols, dedicó el final del desfile a recordar a un colaborador de la marca, fallecido en el reciente accidente del tren de la línea Sarmiento, en la Ciudad de Buenos Aires.

Un rato antes, sobre la pasarela, un conjunto de modelos mostró la segunda colección de Romina como solista para Grupo 134 (el año pasado, su socia Diana Muia, dejó la firma que juntas crearon hace cuatro). “Una colección introspectiva, llena de prendas que a mí me gustan”, describe, mientras reacomoda la foto favorita de la adolescencia, y abre una agenda llena de tarjetas, imágenes, postales y souvenirs de viajes, que sirven de inspiración ocasional. “A través de la ropa, tratamos de aportar sustentabilidad, funcionalidad, detalles, y no tanta tendencia”, explica. Ella es de las diseñadoras que cree que la creatividad no debería valorarse solamente en la cantidad de recursos que pueda tener una prenda. También, al

+ Campaña otoño – invierno 2012, realizada en el barrio neoyorquino de Willamburg, cuna de la cultura hipster.


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+ Colección “Faible Le Traitement”.

hablar en plural, deja en claro que dentro de la marca, el ejercicio del diseño se desarrolla en equipo.

RC Porque me gusta. Siempre me dijeron que diseño siluetas bastante andróginas y unisex.

De la agenda se desliza la tarjeta de bienvenida de un hotel neoyorkino que, a su vez, desprende una de las anécdotas más preciadas de la diseñadora: “Con mi mamá viajamos siempre a la semana de la moda de Nueva York. Hace algunas temporadas, en el lobby del hotel donde nos estábamos hospedando, me crucé con Yohji Yamamoto, mi diseñador favorito. Me acerqué y le conté sobre 134, le regalé una prenda, y me invitó a su desfile -cuenta con fascinación. Volví a cruzarlo en el hotel unos días después, me dijo que le había gustado mucho el regalo, y lo vi meterse en su limusina, con la bolsa de 134 que yo le había dado. Tengo esa imagen grabada”.

+ ¿Cuánto hay de vos en Grupo 134? RC La mayoría. Todo lo relacionado con mi filosofía de vida: lo que me define y me interesa. 134 fue la primera firma de indumentaria masculina que se autodenominó “eco-brand”. Y al ser una marca para hombre, fue más difícil aún, porque las posibilidades en cuanto a telas siempre fueron más acotadas, bastante relacionadas a las texturas lujosas. Los primeros pasos fueron vincularnos a empresas proveedoras que fueran ecológicamente responsables, y reemplazar pieles y cueros de animales por materiales sustentables. Comenzamos haciendo accesorios, y después lo trasladamos a la ropa. Hoy en día, estamos cerca de ofrecer un producto eco en un ochenta por ciento.

Grupo 134 le trajo muchas satisfacciones. También la llevó a vestir a algunos de sus músicos predilectos: REM y Chris Cornell. “Todavía está pendiente hacer lo mismo con Radiohead y Pearl Jam”. Sobre todo, porque le gusta vestir a los hombres y, más que nada, porque de esa forma, logra sincronizar sus dos pasiones -moda y música- en un mismo lugar y en un mismo momento. + ¿Cómo surgió la marca? RC Surgió porque necesitaba expresar mis ideas. Me interesa mucho el lado comunicacional que tiene la moda; un diseñador es un comunicador. Y me parece que durante mucho tiempo, el diseño estuvo ligado a lo frívolo, quiero decir, sólo al producto, y pocos sabían qué le pasaba al diseñador por la mente al diseñarlo, ni tampoco acerca de los materiales con los que estaba hecho. + ¿Por qué ropa para hombre?

+ ¿Cómo es tener una marca sustentable en Argentina? RC Tener un producto totalmente ecológico es muy difícil. La trazabilidad lo vuelve complejo. + En el contexto actual se escucha hablar cada vez más sobre el tema de lo ecológico y de lo orgánico, también. Parece haberse puesto “de moda”… RC Sí, y está bueno que se “ponga de moda” lo sustentable, porque en algo ayuda. Pero cuando una marca lo utiliza sólo como una forma de marketing, se nota. + ¿De qué se trata la última colección? RC Tiene como base muchas experiencias que viví en este último tiempo. Quise diseñar una colección sincera, que no fuera ni para un hombre ni para una mujer utópicos, sino bien reales. Para vestirlos en


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+ Romina Cardillo en su taller. Foto: Carola Danza

el día a día, con ropa fácil de combinar. Por eso, jugué mucho con los armados de conjuntos (en realidad, es algo que siempre hago), que es de la manera en que mi ropa resalta más. En la colección femenina, hay muchos enteritos, una prenda recurrente en mis colecciones; y en la masculina, abundan las camperas con muchos cierres. + ¿Tu proceso de diseño es siempre el mismo? RC Viajo mucho antes de ponerme a diseñar y reconozco que, a veces, me inspiro en otros diseñadores que me gustan, y no me molesta decirlo. Hay otra cosa muy importante para mí en el armado de cada colección, y es el trabajo en equipo. + Y cuando viajas, ¿qué diseñadores consumís? RC Me encantan Comme des Garçons y Martin Margiela por su anti moda, y cómo lograron hacer de eso grandes marcas. Otros dos favoritos son Hussein Chalayan, Yohji Yamamoto y Stella McCartney. Ella es un buen ejemplo de que, al elegir el camino sustentable, no se acotan las posibilidades de generar un buen producto. No trabaja con pieles ni con cueros de animales. De entre los diseñadores más nuevos, les estoy prestando atención a Isabel Marant y a Alexander Wang. Me fascina la manera de comunicar que tienen. Cuando puedo, también visito casas de ropa usada y tiendas más comerciales como Topshop. + ¿Una prenda favorita comprada en un viaje? RC Soy adicta a Muji. Me compro todo ahí: ropa, medias, cartucheras, lápices, objetos. + ¿Tu ambiente ideal de trabajo? RC Un espacio en donde todos aportan. Yo creo mucho en las em-

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FAIBLE LE TRAITEMENT Es el nombre de la nueva colección de invierno de Grupo 134. Inspirada en las épocas de cambios y en el movimiento hipster, surgió una selección de prendas para hombres y mujeres, en las que resalta la funcionalidad y la comodidad. Un conjunto bien editado de ropa casual, muy fácil de combinar entre sí, y siempre con algún recurso o detalle. Para ellas, abundan los tejidos con un tratamiento de foil, las transparencias y las asimetrías, los enteritos y las maxi camisas; y para ellos, el look total en un solo color, las camperas con cierres y capucha, en una paleta llena de blanco y negro, con acentos en azul, rojo, marrón y mucho metalizado. +

presas inteligentes, no en las piramidales. + ¿Películas que te gusta volver a ver? RC “Last Days” de Gus Van Sant y “De Fem Benspaend” de Lars Von Trier. + ¿Cómo te imaginás a Grupo 134 dentro de diez años? RC Como una marca que pudo mostrar que hay otra manera de hacer moda. La moda puede ser frívola, pero las personas que trabajamos en ese ambiente podemos no serlo. + ¿Qué sería novedoso hoy en la moda? RC Que las personas compren sabiendo qué es lo que consumen. + www.grupo134.com


+ Ilustraci贸n para aviso publicitario de Dasani, 2001. Pluma y acuarela. Agencia: BCP. AD: Julio Pardo.


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personas creativas 071 ilustración

Jorge Colombo

Ilustraciones iPhone del siglo XIX El ilustrador portugués Jorge Colombo es un fiel protagonista del uso del iPhone para crear sus pinturas acuareladas y responde, sin pelos en la lengua, el cómo y el porqué del siguiente dilema: ¿Por qué complicar la ejecución de un medio tradicional a través del uso de un medio digital, con el objetivo de verse como algo que en verdad no es? | Texto: Fernanda Cohen @fernandacohen Imágenes: Gentileza JC

Está claro que toda estética está marcada por una naturaleza cíclica que se somete inherentemente a una evolución -o involuciónconstante para, tarde o temprano, volver a un mismo lugar. En ilustración, este fenómeno se hace tangible hoy a través de la era digital, que gobierna muchas de las tendencias de estilo de la última década, las cuales, a su vez, parecen procurar simular el resultado estético de las herramientas tradicionales… y acústicas. PRIMER CICLO Colombo está radicado en Nueva York hace ya más de una década, pero sus raíces siguen tan presentes en su esencia, como en su instinto visceral de nunca dejar de necesitar explorar, descubrir, aprender y cambiar. Como consecuencia, se considera 100% autodidacta: “No tengo ningún título, sólo tomé unas clases de pintura en la Escola Superior de Belas-Artes de Lisboa, pero no me gustó y me fui enseguida. Ser autodidacta me obligó a descubrir todo solo, por más de que soy consciente del valor agregado que puede aportar una buena educación. Por suerte, el mercado de ilustración en Portugal era bastante chico en los 80, y conocía suficiente gente como para conseguir trabajo, y rápido”. Así pasó los primeros seis años de su carrera haciendo ilustración editorial, tapas de discos para bandas locales que admiraba, un poco de diseño gráfico y algo de fotografía, sin jamás cuestionar su formación como artista, pero sí deseando haber tenido, al menos, un mentor que le ahorrara los golpes de aprender las reglas del mundo profesional. Antes de empezar a crear acuarelas digitales con su dedo índice sobre la pantalla de un iPhone, Colombo se identificaba más con la

técnica de tinta en seco sobre papel, sin la intervención del lápiz ni la goma. “Hacía hasta los bocetos en tinta, y los re-dibujaba sobre pilas de papel de calcar, hasta pulir bien todos los detalles. Después, transfería el dibujo a un papel grueso, y pintaba el final en acuarela o con tinta de color”. Sus fuentes de inspiración son un factor clave para entender mejor el hilo conector entre el pasado y el presente de su arte. Incluyen desde novelas gráficas francesas de los 70, autores como Loustal, Tardi y J.C. Denis, las pinturas del reconocido artista experimental David Hockney, los fotógrafos Raymond Depardon, Todd Hido y Pennie Smith, hasta una infinita lista de películas que admira, tanto por su calidad cinematográfica, como por su “visión correcta del mundo”. SEGUNDO CICLO En 1989, Estados Unidos se impuso en el mapa de Colombo, gracias al amor de la mano de la artista Amy Yoes. La siguió hasta Chicago, pensando que serían sólo unos meses, que se convirtieron en veintitrés años; nunca más volvió. De golpe, se convirtió en un inmigrante, que tenía que aprender no sólo los códigos de una cultura diferente, sino, además, la dinámica de un campo laboral absolutamente desconocido para él. “A pesar de que Chicago no era la mejor ciudad para trabajar de ilustrador, me las arreglé para salir a flote. Mi primer trabajo fue para Playboy, y todavía seguía ahí cuando hice mi primera acuarela para la revista New Yorker, en 1994”. Después de siete años en Chicago, los Colombo se mudaron a San Francisco, y finalmente terminaron en Nueva York, donde viven hasta el día de hoy. A pesar de haber elegido como destino lo que aún se


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+ Cranberry & Henry, Brooklyn Heights. 2010. Pintado digitalmente con los dedos. Impreso en edición limitada, 20x200.com

+ Spring & Mercer, 2011. Pintado digitalmente con los dedos, trabajo personal.

considera la meca de la ilustración, cuando le pregunto a Colombo si tenía un plan en mente en su momento, me responde sorprendido: “Ah, eso es lo que tiene la gente, ¿un plan? ¡Ya me parecía que me faltaba algo!”.

extenso trabajo para The New Yorker, Colombo logró, en una década, establecerse como ilustrador en las ligas mayores.

Casi sin darse cuenta, aunque incentivado por una gran admiración por la trayectoria de la multifacética Françoise Mouly (junto a su pareja Art Spiegelman, co-creadores de la legendaria revista de comics Raw), Colombo entabló una sólida relación profesional con Françoise, responsable de la dirección de arte de las tapas de la revista neoyorquina más icónica del último siglo: The New Yorker. Él, que ni plan tenía, guiado por instinto y necesidad, penetró en un pequeño nicho de artistas al que tantos de nosotros aspiramos a pertenecer algún día. “The New Yorker es el tipo de revista a la que todo autor o artista, en algún momento, envía propuestas de su trabajo, por lo que tienen demasiado para elegir. Muchas veces, nos piden a varios ilustradores imágenes sobre un tema en particular, y Françoise siempre sabe exactamente lo que quiere, con una dirección de arte muy precisa. Sin embargo, mis pinturas de Nueva York son momentos que colecciono de mi vida diaria, así que no tiene mucho sentido modificarlas, siguiendo las sugerencias de nadie. Les mando una o dos docenas de imágenes de un tiro, e imprimen lo que les gusta, tal cual está. Todo lo que no usan, lo reciclo, así de simple”. TERCER CICLO Entre ilustraciones editoriales, acuarelas personales, retratos callejeros, exhibiciones de arte, proyectos de fotografía, tres libros de sus trabajos editados en Portugal -titulados “Fullerton”, “Of Big and of Small Love” y “Lisboa Revisitada”-, y el reconocimiento de su

Hasta que en el 2009, dio una vuelta de timón bastante radical, y se volvió una fiel víctima de la era digital, donde la satisfacción inmediata es el motor más popular del día a día. De la noche a la mañana, Colombo se volcó de lleno a ilustrar con “brushes” en su iPhone. “No soportaba más esperar. La ejecución tiene que ser rápida, la vida es demasiado corta. Es un tema pura y exclusivamente personal, ya lo sé. Admiro a la gente que tiene procesos lentos, pero para mí, es importante terminar lo que hago, lo más rápido posible. Sólo es cuestión de asegurarse que la velocidad de la ejecución tenga sentido en el contexto del resultado final. Por eso, disfruto el trabajo en locación; es como ser un corresponsal fotográfico, pero pintando, en vez de sacando fotos”. Inspirado por las calles de Nueva York, su moda urbana ecléctica, la diversidad cosmopolita que caracteriza a la Gran Manzana, y su propia experiencia paralela como fotógrafo, Colombo comenzó a pararse en las esquinas de Brooklyn y Manhattan, a sentarse en los bancos del Central Park, y a merodear por las estaciones de subte, documentando en su iPhone todo tipo de detalles en forma y color, completamente inmerso en su contexto, tanto arquitectónico como social. “La gente hoy usa la tecnología a modo de proceso, más que por razones conceptuales o estéticas. Los artistas han mejorado mucho la técnica, para lograr resultados más orgánicos, usando herramientas digitales. Me pasa muy seguido de pensar que una serigrafía está hecha en Photoshop y viceversa. Hasta mis pinturas de iPhone parecen pertenecer al siglo XIX; no hay nada en mi trabajo digital que no pueda hacerse con témpera. Uso un medio electrónico por el simple


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+ Tapa para The New Yorker, 2012. Pintado digitalmente con los dedos.

+ Chicago, 1994. Pluma y acuarela, trabajo personal.

hecho de que me es más rápido y porque, además, así no tengo que cargar con pinturas y pinceles”.

Pero su horizonte apunta al bosque más que al árbol: la visión de su rol como ilustrador es la de tan sólo un eslabón relativamente chico en la inmensa responsabilidad inherente a la cadena de toda comunicación. Su misión como comunicador supera al decorado que, muchas veces, representa la ilustración -nos guste o no admitirlo-, y su meta parece ser más abarcativa, desde la creación del envase hasta la concepción de la esencia de su contenido. “A veces, uno quiere ser el compositor, en vez del instrumento, y que se escuche nuestra voz. Por eso, es importante generar proyectos propios, es fundamental pensarnos como nuestro propio editor, nuestro propio autor”. + www.jorgecolombo.com

Para Colombo, el medio parece ser irrelevante, poniendo todo el énfasis en el resultado estético de una obra comercial y, por qué no, plástica también, entre la élite de coleccionistas que aprecian el valor potencial de una edición limitada de impresiones digitales. Colombo afirma que el artista es el único que debería experimentar la diferencia a la hora de encontrar un equilibrio ideal en la ejecución de su obra, dejando de lado el cómo y enfocándose sólo en el qué. Gran parte de esta percepción tan moderna, sobre todo para un artista llegando a sus 50 años, está sin duda influenciada por cómo nos comunicamos hoy en día y, en consecuencia, cuánto esperamos a cambio y cuán pronto. Facebook, Twitter y Google representan un puñado de ejemplos cruciales, que reflejan nítidamente el molde que le da forma a nuestro comportamiento actual, en nuestro trato personal y laboral. ENTRE IDAS Y VUELTAS “Hace tres años, no podía trabajar en “brushes” con la exactitud del trazo de un medio tradicional, y opté por un estilo más pictórico, con una pincelada ancha y suelta. Ahora ya puedo trabajar en la pantalla de un iPhone, con casi la misma precisión de un pincel fino”, asegura Colombo con entusiasmo, sin dar lugar (al menos por un tiempo) a un interés tangible en los medios acústicos. El libro “New York: Finger Paintings by Jorge Colombo”, editado por Chronicle Books, en colaboración con la galerista neoyorquina Jen Bekman en el 2011, contiene más de cien paisajes creados en un iPhone, que ilustran perfectamente dónde está parado hoy Colombo.

Link a la nota: http://9010.co/JorgeColombo

+ Libro “New York: Finger Paintings by Jorge Colombo” (con ensayos de Christoph Niemann y Jen Bekman), Chronicle Books en asociación con 20x200.com, 2011.


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| Foto: Adrien de Bontin @adriendebontin

Diego Giaccone Alimentar la frescura

Nos adentramos en la trastienda de un diseñador con agencia propia. Diego Giaccone es director de SURe, fundador del evento Reality Design, integrante de un grupo creador de tipografías, socio de una iniciativa de vinos para empresarios y un gran etcétera, que muta con el correr de los segundos y las páginas: porque, además, es columnista de la casa. Descreído del exceso de profesionalismo, los límites y las fórmulas preconcebidas, promueve el contacto con el corazón de las marcas y alimenta su imaginación –y la de su equipo- con clases de teatro, stand-up y guitarra eléctrica. Con 20 años de carrera y amplia trayectoria en branding, es un ejemplo de cómo es el nuevo modelo de creativo empresario. | Texto: Natalia Iscaro @Natusfila


personas creativas

+ 075 diseño

+ Diseño industrial, gráfico y caja contenedora de Chandon O2.

+ Packaging para Cepita.

Diego Giaccone ríe como un chico. Cuando aparece en la charla una frase o idea ocurrente –sea propia o ajena-, lanza una carcajada que se va de lo más sonoro a lo más silencioso, se encoje levemente en su silla, arruga los ojos y mira a su alrededor, en busca de una complicidad que siempre llega. Diego Giaccone es contagioso. Le imprime a su charla un tono que oscila entre una serenidad reflexiva y un entusiasmo explorador, el mismo con el cual se referirá a sus sueños, que son muchos, y que aumentan a medida que los va cumpliendo.

ca terminás de conocer a la gente. Cuando te dicen “el consumidor quiere que los packs de maní con chocolate sean amarillos”, se trata de una marca que no tiene ganas de invertir, o que no tiene presupuesto y va a lo seguro: a los códigos del líder (M&M, Rocklets). ¡Vamos al amarillo! Ahora, vos como diseñador, no tenés límites. Como decía Steve Jobs: “Yo no testeaba productos, porque la gente no sabe lo que quiere”. O sea, nadie te va a decir “yo quiero una tableta”. Vos tenés que pensar en el consumidor, ir a recorrer, vivir, viajar. Tenés que proponer, no esperar que la gente te diga qué tenés que proponer. Y del gerente, vas a entender dónde hay que posicionar la marca, con quién hay que competir, y vas a tratar de que sea un éxito. No equivocarte, pero de ahí en más, empieza un mundo inagotable.

Diego Giaccone tiene el don de la empatía. Acaso sin saberlo, pone a la práctica ese olfato de quienes se dedican diariamente a sondear los hábitos de las personas, pero sin críticas ni preconceptos. Pero todo esto él no lo piensa, porque Giaccone, a esta altura, ya armó su brief para esta charla. Por fortuna, estamos frente a un hombre flexible. Director de SURe Brand Design, empresa creada por él mismo hace siete años, convocante orador de conferencias internacionales, autor del libro Québranding!, y ahora también colaborador de 90+10. En sus columnas, se dedica a entrevistar a gerentes de marketing de diversas empresas argentinas. “Me parecía aburrido que un diseñador hable de diseño para diseñadores, y entonces pensé en hacer una nota a los gerentes de marketing, para que ellos hablen de diseño”, cuenta. “Y te juro que me sorprende, porque empecé con gerentes conocidos, y salieron cosas que yo no sabía de ellos”. ¿Su objetivo? Desmitificar la idea de que estos empresarios sólo trabajan con números, mostrar sus costados ocultos, sus vetas artísticas y coleccionistas, y entender cómo piensan y viven su trabajo con las agencias. + ¿Cuáles son los límites del diseño? ¿Hasta qué punto puede transformar a una marca? DG Pensar que el diseño es fundamental para nuestra vida es un error. Hablando del marketing y de marcas, el diseño es fundamental. Hablando de la vida, no somos ingenieros, no somos médicos, pero a su vez, lo tenemos que aprovechar, para tomar riesgos que en otras posiciones no se puede. La experiencia te sirve para entender que los riesgos tienen que ser siempre pensando en la marca, no en el capricho de un diseñador. + Además de la marca, el diseñador tiene que mirar a la gente… DG Es una profesión que está muy linkeada al mercado. Ahora, nun-

+ Hablando de proponer cosas distintas, de sorprender, ¿cómo se hace para no caer en el delirio? DG Yo venía de trabajar ocho años como director de diseño en dos consultoras de branding internacionales, que compraban a estudios de acá y que traían todo su know how. Entonces, el estudio de acá se transformaba en un estudio de branding. Pero desde hace siete años que decidí armar el estudio de cero, sin traerme gente de otros lados, y hace dos el estudio se profesionalizó. Hicimos un click. Dije “no quiero sufrir de exceso de profesionalismo”. Desde entonces, hasta cambiamos la forma de presentar. No está mal ser profesional, yo digo que el exceso de profesionalismo es aburrimiento, es hacer siempre lo mismo, es saber qué funciona, qué es lo que sabés que el cliente espera de vos y hacerlo, y cobrar. + ¿Qué idea tenías cuando abriste el estudio? ¿Cómo nace? DG Me independicé por un proyecto, porque trabajé seis años en Arcos, en el departamento de packs, y estaban por lanzar su línea de helados. No había marca, no había logo. Era un trabajo muy confidencial, yo era de confianza, buen profesional, y decidí independizarme. Arranqué con un loguito y terminé haciendo toda la línea de helados. Fue el proyecto más grande que tuve que hacer en mis 20 años de carrera en estructuras grandes, y lo hice solo; recién a los seis meses contraté a una asistente. Los primeros cuatro meses fue todo en mi casa, después en Puerto Madero, en un lugar chiquito, después Nuñez, Saavedra. Y nació así, con la idea de hacer algo que me divierta, porque venía de muchos años de consultoras internacionales, y me había ido alejando de los proyectos.


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+ Diseño integral de la comunicación de Havanna (packagings, promociones, gráficas, locales, etc.).

+ Hoy, como director, ¿seguís vinculado al diseño? DG Hay una confusión que arrastramos desde la facultad. En las charlas, cuando contamos que somos doce personas y que tenemos marcas grandes, lo primero que me preguntan es “¿vos no diseñás más, ¿no?”. Diseñar no es arrastrar el mouse y estar en tu computadora solo. Martín Mercado es el director creativo de Young & Rubicam, el más exitoso de la Argentina, y yo no lo veo en su computadora todo el tiempo solo. Lo veo más que nada con los equipos, tirando ideas. El diseño es eso también: generar ideas, juntarnos, pensar, ir al supermercado, probemos esto, probemos lo otro. También tengo mis proyectos que hago solo, para sacarme el gusto, pero como líder de negocios; soy más útil siendo director que siendo diseñador. LA COCINA CREATIVA Estamos sentados en el living de un espacio abierto. La Web de SURe no mintió: esperábamos la casona antigua con techos altos, apliques de madera y con detalles en hierro. Todo eso está. Pero también está cierta juventud: las fotos y afiches en la pared, el sofá con tapizado turquesa combinado con otro de robots, el patio con la mesa donde todos se juntan a almorzar. Sobre un largo estante se suceden packagins, botellas y productos de algunos de sus clientes: Molinos, Coca-Cola, Havanna, Nieto Senetiner, Exquisita, Arcor… y la lista sigue. El nombre dice mucho SURe el “sur”, porque éste es un estudio argentino, pero además, el “sure” por la seguridad que aporta una experiencia con clientes + ¿Cuáles son los clientes que más te gustan? DG Decir que elijo los clientes suena muy… Pero sí puedo decir que logramos algo: hoy no tengo un cliente con el que no pueda almorzar, que no pueda tomar un café. Tengo clientes muy distintos. Los mundos del estudio son dos: el mundo del vino, que es el mundo del detalle, de la estética; y el mundo masivo, que son tres segundos en un kiosco, donde tienen que elegir tu golosina, o nueve segundos para elegir una pasta en el súper. Me encanta que tengamos la parte de jugos de Coca-Cola, y es siempre nuevas ideas, innovación. Además, a Coca-Cola, ¿qué le vas a vender de estudios, de posicionamiento? Trabajás con ideas porque el cliente, el producto, está recontra cerrado, testeado, estudiado. Te dedicás a pensar. Havanna también es una marca que me encanta. Y em-

pezamos creando packs secundarios, y hoy estamos haciendo toda la comunicación. Estamos todo el año trabajando para Pascuas, los packs, las promociones, la vía pública, los locales, de toda la línea de chocolates, hasta la gráfica de revistas. Estamos justo cambiando el logo y la Web. + O sea, hacen diseño y publicidad. DG No creo que hoy haya una frontera entre diseño, publicidad, Web. La ventaja que tenemos, es que estamos en el corazón de la marca. Si pensamos en la marca, sabemos quién es el target, adónde va, cuál es su personalidad, cuál es la competencia, adónde quiere llegar. Todo eso que vas charlando todo el tiempo con ellos, y estudiando, entonces ese corazón de la marca se puede traducir en una página Web, en una gráfica, en el diseño de una botella… + Y para llegar a este corazón de la marca, ¿vos simplemente hacés un input de toda la información que te trae la marca, o ustedes también hacen investigación? DG Investigás. Pero hablamos mucho con el cliente, somos muy atentos. Si voy a un local de Havanna, lo miro de arriba a abajo. Voy a mirar cómo la gente actúa, qué hace, qué edad tiene la gente que va, qué música se escucha. ¿Por qué? Porque un cliente dice “tengo que hacer la página Web”, y busca estudios que hagan páginas Web. O “voy a hacer un desarrollo digital”, y entonces llaman a alguien que haga QR. Y es un error, porque el QR va a hablar perfecto, ahora ¿qué le pongo adentro del QR? La Web va a andar perfecto, pero ¿qué le voy a comunicar a la marca? Ahí es donde digo que todo nace del corazón de la marca. + ¿Y trabajan en renovar una marca o colocarla en un lugar más innovador, o cambiar el perfil del consumidor? DG Todo el tiempo. Bueno, con Havanna lo estamos haciendo. Hicimos todo el desarrollo de Havanna para llevar. Es todo un concepto atrás, que tiene que ver con cómo llegar a gente más joven, y cómo incorporar este concepto. Desarrollamos cuatro diseños de vasos muy lindos, con distintos conceptos: tecnología, música, literatura y amor. Son conceptos que se linkean, y pensamos en hacer cosas más allá del vaso, porque ése es un concepto de gráfica del local: está en el servilletero, en el menú, en la bandeja, en el sobrecito de azúcar, en el set básico. Hay un concepto detrás de eso, que queremos que


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+ Diseño integral para los vinos Don David de El Esteco y Ruca Malen Kinien Don Raúl.

salga más allá, que esté en las vidrieras, en el espacio digital. También trabajamos mucho para vinos: Chandon, bodegas clientas como Concha y Toro (la segunda en volumen de ventas en América), Ruca Malen, Nieto Senetiner. + ¿Y cómo hacés para estimular la creatividad? DG Llegué a la conclusión, desde hace varios años, que yo tengo que estar fresco. Y hago mil cosas para estar fresco. + ¿Por ejemplo? DG Hice un libro de fotos que se llama Québranding!, hace cinco años. Me encantaba sacar fotos a las marcas en situaciones no deseadas: un auto viejo, una Quilmes destrozada. Cosas que no atentaban contra la marca, al contrario, eran parte del paisaje urbano. También tengo un grupo de diseño de tipografías, agarro el lápiz y la pluma, y dibujo a mano. Me encanta sacar fotos en los viajes, y desde hace un año y medio, todas las semanas sale una foto mía de viajes en Carta de Publicidad, que llega a las agencias. Estoy en un proyecto de vinos que se llama Hilera de sueños, con Cristian Forconesi (un amigo bodeguero), Marina Beltrame (sommelier) y Carmelo Patti (enólogo). Hacemos vinos para empresarios. Y ahora saqué una línea propia de vinos de alta gama, y todavía lo tengo que diseñar. En casa de palo… (risas). LOS TIEMPOS CREATIVOS “Si pienso bien de entrada, el diseño sale casi como lo presentamos la primera vez. Tengo millones de casos en los que lo de la primera presentación, es lo que sale”. Con esta filosofía, este diseñador y empresario exitoso, concede al diseño su dosis emocional, y por tanto, invita a exigir el tiempo necesario para toda reflexión. Pero eso no es todo. Orador profeso, Giaccone contará que para animarse a dar las primeras charlas, tomó clases de actuación porque, en rigor, era un tímido empedernido. “Me comprometí en marzo a dar una charla para la conferencia Tipográfica, en el Sheraton, ante 800 personas. Y entonces empezó mi otra vida: empecé teatro, oratoria, agarré todas las charlas a las que me invitaban e iba de caradura, generaba eventos y conferencias, di como 20 charlas ese año”. Y todo finalmente decantó en un gran evento para diseñadores en abril pasado: Reality Design.

Link a la nota: http://9010.co/DiegoGiaccone

+ ¿Qué es el branding? DG El branding no es trabajar para marcas, si no, todos haríamos marcas. Antes, una empresa que tenía un director de ventas, hacía productos, y después veía qué marca les ponía. Hoy, con el branding, es al revés: tengo una marca, y veo, según su posicionamiento, alcance y personalidad, qué productos puede hacer esa marca. Hay marcas que no pueden hacer cualquier cosa. Cuando Bon o Bon quiso hacer chocolate en barra no le fue bien, porque su esencia es la pasta. Desde una marca, estás pensando todo el tiempo cómo podés inaugurar categorías. + ¿En tus charlas qué tratás de transmitir? DG Motivar. Yo no voy a buscar clientes a una charla. Ese es el error: hay gente que se va a vender. + Contame del proyecto Reality Design. DG Fue una locura. Quería tener mi evento porque sentía que faltaba. Hay una generación que yo quería valorar, y ponerla en el frente. Esta generación que hace 20 años que tiene un estudio. Ese diseñador generador de negocios, y no el teórico. Los convoqué y les pedí que abrieran las puertas de su estudio, que contaran cómo los abrieron, qué problemas tuvieron… Les decís “no sos un secreto, sos 20 años de laburo”. Y fue buenísimo, y me di el gusto de traer a David Butler, el número uno de diseño de Coca-Cola, que era como traer a Dios. + Si mañana te encontrás con un amigo que no ves hace un montón y te pregunta “Diego, ¿qué estás haciendo de tu vida?”, ¿qué le decís? DG Me fui a estudiar a Buenos Aires (yo soy de Santa Fe), me fui quedando, me fue yendo bien, logré trabajar para las marcas que siempre soñé trabajar, y hoy lo disfruto. Tuve suerte, la aproveché, me maté laburando, y no perdí la esencia: ese espíritu de seguir haciendo cosas nuevas. Estoy todo el tiempo pensando. Tengo un estudio propio, una casa de campo y me voy, me olvido de la vida, y esas cosas me dan satisfacción. + ¿Un sueño que tengas? DG Me gustaría tener un colegio de innovación en donde pasen cosas, no que sólo vengan alumnos a escuchar al profesor. + www.surebrandesign.com | www.hileradesuenos.com.ar


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+ Foto: Isolda Delgado Mora

Oscar H Grand

Al hilo de la tradición y la vanguardia Queremos presentaros a Oscar H Grand, sastre de profesión y dueño de una recóndita tienda en el barrio del Borne de Barcelona, donde uno puede esconderse del ruido de la urbe, elegir hasta el último detalle del traje o prenda que desee, y darse el goce de que Oscar se lo confeccione a medida, paso a paso, con el tiempo estrictamente necesario. Y salir luego con el deleite de llevar esa prenda sabiendo que sí, que te sienta como un guante. | Texto: ArtsMoved www.artsmoved.cat

En un momento en el que el mundo se ha vuelto frenéticamente loco, y parece que cada día más todo se enfoca hacia la cultura de los centros comerciales, las megatiendas multimarca o las grandes corporaciones, hay quienes reivindican su trabajo de autor y logran saciar las necesidades de aquellos que añoramos el trabajo hecho de cerca, con dedicación y cariño. + Cuéntanos: ¿sastre a secas? Por el estilo de tus prendas, tiene que haber algo más… OHG Creo que la adaptación a la demanda a través de la experiencia y el gusto por hacer prendas artesanales, me ha hecho darle otro sentido a lo que se acostumbra a encontrar en un diseñador. En este

punto, me he acercado a lo que se conoce como el oficio de sastre, aunque no soy un sastre puro. Realizo más bien un trabajo híbrido entre la ropa de diseño o de tendencia y la confección a medida, más especial, adaptada a cada cliente, sin importar edad o estilo. + ¿Qué buscan tus clientes al entrar en tu taller? OHG Los clientes buscan, en unos casos, trajes adaptados a sus exigencias que, por la razón que sea, no encuentran hechos industrialmente. También se pueden dejar llevar por el placer de comprar algo rápido, impulsivamente, algo con lo que se han sentido bien y piensan que es lo suficientemente diferente como para comprarlo. Otros entran en el rol de creadores de sus propias piezas: piden


personas creativas

+ 079 moda

+ Los clientes de Oscar H Grand, vistiendo su ropa. Fotos: Oscar H Grand

la elaboración de las prendas con sus propios detalles, para llevar así la ropa que más se acerca a su personalidad. Por supuesto, hay muchos más casos en los que el cliente piensa a la hora de comprar, pero sería bastante largo de completar la respuesta. + ¿Cómo son tus clientes? ¿Suelen seguir un patrón o es un público de lo más variado? ¿Has notado cambios en los últimos años? OHG Respecto a la edad, por supuesto hay una franja de edad común en mis clientes: de 35 a 45 años, pero tengo de los 20 hasta los 75. Suelen ser clientes bastante sobrios, unos pueden ser más modernos y en consonancia con las tendencias, y otros más clásicos… + ¿Qué cuenta la ropa acerca de la personalidad de cada uno? Y, más personalmente, ¿cómo vas vestido hoy y qué crees que tu ropa dice de ti? OHG Creo que la ropa, más que contar algo sobre una sola persona, habla sobre una época y unas tendencias, si lo miramos de manera general. Todos estamos influenciados por lo que vemos a nuestro alrededor, y vestimos respecto a este sentido de contemporaneidad. Es difícil realmente saber si nuestra ropa habla plenamente sobre nuestro carácter: hay demasiados filtros sociales por los que pasamos todos. En mi caso, visto con mi propia ropa, la que hago para la tienda, para los demás, y me siento a gusto. Esto es suficiente para mí, ya que la idea de sobriedad y estética masculina la puedo reflejar en lo que hago, y además vivirlo, vistiéndola. + ¿Qué es lo que te resulta más gratificante de tu trabajo? OHG La absoluta libertad para trabajar con mis propias ideas y ritmos. + A pesar de que tienes ropa que muchas mujeres desearían poder llevar, no confeccionas para ellas, ¿por qué? OHG No tiene sentido crear para mujer, cuando en el sector masculino hay tanto por hacer. + Una de las cualidades de tus prendas son los detalles, ¿nos puedes explicar cuál es el proceso de creación de una prenda desde que llega el cliente hasta que se la entregas? OHG En mi caso, controlo todo el proceso: desde la elección de los tejidos hasta el pago de los impuestos en el banco. Todo, todo pasa por mis manos. Tengo varios cosedores, eso sí, pero estoy en sus talleres, hablamos sobre cómo realizar una prenda de la mejor manera posible, y acaba siendo un producto muy artesanal. Los trajes

Link a la nota: http://9010.co/OscarGrand

están hechos totalmente a mano y son de calidad, lo cual hoy en día es realmente difícil de encontrar. Se elige el tejido, se toman las medidas al cliente, se seleccionan los detalles, se corta la prenda, se prueba, se desmonta, se realizan las correcciones, se entrega al piecero, se monta, se vuelve a probar al cliente y, si está todo correcto, se entrega. Éste es el proceso con una sola prueba. + En tiempos en que los viejos artesanos desaparecen, una generación de jóvenes artesanos va en aumento, ¿a qué crees que se debe? OHG Pues me imagino que surge de manera natural; nacen pequeñas empresas con gente joven ilusionada, que realiza un producto basado en una manera de trabajar artesana e independiente y que, sobre todo, permite tener un control absoluto en el proceso y en el producto final, siendo muy personal y exclusivo. Es algo que hoy en día, si se tiene la suerte de que se valore por una cantidad importante de público, puede funcionar perfectamente. + ¿No crees que la gente anda necesitada de un poco de individualidad? ¿Nos hemos hartado de seguir un mismo patrón, o es que añoramos las cosas hechas con mimo? OHG Siempre hay un sector de personas que buscan y se pueden permitir ese producto joven, artesano, personal, exclusivo, que marca la diferencia de todo lo industrial y masivo. Claro que necesitamos cosas hechas de esta manera, es más humano, creo. Se trata a la gente de manera más personal y hay un contacto amigable con el cliente, que éste valora mucho en estos tiempos. + ¿Sientes que las grandes marcas que tienen ropa a precios muy bajos son una competencia? ¿Cómo te posicionas ante esto? OHG Indudablemente, desde hace unos años, la producción masiva en países extranjeros ha hecho que el coste baje mucho para las grandes marcas, que pueden ofrecer precios muy bajos. Eso hace, por supuesto, que el consumo mayoritario se centre en este sector y, en cierta medida, afecta a todos los pequeños creadores, porque encuentran costes muy elevados para realizar sus pequeñas colecciones. Ahora bien, si se logra un equilibrio entre la calidad, la originalidad, el precio, etc., es posible desmarcarse, y que ese mundo de la confección industrial no afecte tanto, y se pueda vivir de ello, como es mi caso. Por otro lado, mi posición ante este fenómeno es imparcial, lo mismo que para la existencia de marcas de lujo: hay mercado para todos, me imagino. Que cada cual elija lo que prefiera y se pueda permitir. + www.oscarhgrand.es


Back Street Fotografía y dirección de arte Javi Obando para onthecorner onthecornerstreetstyle.blogspot.com Producción General Crudo Management www.hellocrudo.com Estilismo Flora Grzetic para Crudo Management Modelos Liz, Diego, Choi, Jesse, Josefina, María, Leandro y Nata para Crudo Management Pelo Juan Beltrán para Jazmín Calcarami Estudio www.jazmincalcarami.com.ar Maquillaje Joy Blanco con productos Mac www.maccosmetics.com.ar para Jazmín Calcarami Estudio

+ Nata | Buzo: Puma

Asistentes de fotografía Mariano Vega y Fernando Arditi Asistente estilismo Belén García Raso Agradecimientos Espacio H www.espacioh.com.ar

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+ Diego | Jean: A.Y. Not Dead | Poncho: 12-na


+ Diego | Jean: A.Y. Not Dead | Poncho: 12-na


+ Leandro | Pantal贸n: adidas Originals | Collar: Lonval | Sombrero: 12-na


+ Jesse | Buzo: Kost端me


+ Choi Leandro | Tapado | Jogging: y camisa: adidas Grupo Originals 134 | |Calzas: Collar:Somos Lonval la | Sombrero: Noche | Cuello: 12-naCherie Lee | Zapatillas: Puma


+ Choi | Tapado y camisa: Grupo 134 | Calzas: Somos la Noche | Cuello: Cherie Lee | Zapatillas: Puma


+ María | Mono: Grupo 134 | Campera: Kostüme | Collar: Julia de la Rosa para Kostüme | Anteojos: Infinit | Calzado: 12-na para Sr. Amor


+ María | Mono: Grupo 134 | Campera: Kostüme | Collar: Julia de la Rosa para Kostüme | Anteojos: Infinit | Calzado: 12-na para Sr. Amor


+ Josefina | Camisa: Grupo 134 | Mono: 12-na | Anteojos: Infinit

DIRECCIONARIO | adidas Originals www.adidas.com/originals/ar | A.Y. Not Dead www.aynotdead.com.ar | Cherie Lee mycherielee.tumblr.com | 12-na www.12-na.com.ar | Grupo 134 www.grupo134.com | Han&Hol www.hanandhol.com | Infinit www.infinit.la | Kost端me www.kostumeweb.net | Lonval www.lonval.com | Puma www.puma.com | Somos la Noche www.facebook.com/somoslanoche


NO todos los pájaros pueden volar Fotografía Romina Ressia www.rominaressia.com Producción Paula Huergo www.pauhuergo.com.ar Modelo Florencia Macchiarola para K-Management www.k-mgmt.net Pelo y Maquillaje Jimena Lemck jimenalemck.com.ar Alas de plumas y accesorios Romina Ressia Agradecemos a Clara Álzaga

+ Vestido: María Pryor www.mariapryor.com

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+ Vestido: MarĂ­a Pryor www.mariapryor.com


+ Vestido: MarĂ­a Pryor www.mariapryor.com


+ Vestido: MarĂ­a Pryor www.mariapryor.com


+ Vestido: Natacha Morales www.natachamorales.com.ar | Zapatos: Ana Magliano www.pmmagliano.com


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+ Sillón Stacked de Stefan Krivokapić (Skrivo Design www.skrivo.com). Imagen: Gabriele Lemanski.

IMM Cologne

El originen de la diversidad Origen, formación y tradición en la búsqueda de un estilo propio. Estos son elementos distintivos en las plataformas para diseñadores emergentes de los grandes salones del mueble. Así lo comprueba la reciente feria internacional de Colonia, Alemania. | Texto: gt2P www.gt2p.com

IMM Cologne es la cuarta feria europea a la que asistimos y, quizás, la de mayores dimensiones. Este año, entre el 16 y el 22 de enero, reunió en 240.000 m², a más 115.000 visitantes y 1.157 expositores de todo el mundo, alrededor de las últimas tendencias en mobiliario e interiores. Aunque entre los expositores predominaron las empresas orientadas a la producción masiva de mobiliario y reconocidas marcas distribuidoras de productos de autor, en IMM hay un espacio destinado a que jóvenes diseñadores presenten sus nuevas propuestas. [D³] Design talents destaca la exposición de productos originales, con diseños experimentales e innovaciones en la fabricación.

Con la experiencia de haber participado en eventos similares anteriormente, este año nos interesamos más en dilucidar los elementos que determinan los rasgos característicos de los estudios con los compartimos el escenario, en especial, el acento particular que le dan el origen, la formación, el trasfondo cultural y el contexto en el que desarrollan su trabajo. Es posible que usemos las mismas herramientas de diseño y fabricación, o estemos bajo las mismas influencias, pero el acervo cultural y el rescate de elementos formales y técnicas tradicionales es determinante en la búsqueda de una estética propia. Estos factores ha-


ideas creativas

+ 097 diseño

+ Mesa Plug & Play de Studiokepenic. www.studiokepenic.com

+ Lámpara Easy de Giorgio Bonaguro www.bonagurogiorgio.com Foto: Andrea Basile.

cen posible establecer diferencias en la producción de cada estudio, dándole un tono particular, en medio de la diversidad de muestras reunidas en un gran salón del mueble.

Alineados a esta idea, el estudio alemán BYRK Möbel ha desarrollado una técnica enraizada en lo más fundamental de la cultura artesanal alemana, logrando productos de alta complejidad y gran detalle, que emplean el menor número de piezas, y sofisticados ensambles y uniones de madera para resolver una forma, evidentes en su colección “Open Byrk”.

Nosotros mismos hemos estado en esta búsqueda. Una vez que entendimos que el valor de la obra de gt2p está en el uso de tecnologías de vanguardia en el contexto de un país no industrializado, con nuestra colección “Digital Crafting” logramos dar cuenta de un deseo, y de los recursos materiales y humanos involucrados para concretarlo. De los estudios con los que compartimos en [D³], cuatro de ellos resultaron especialmente atractivos, por la manera en que su origen se manifiesta a través de sus productos. Conversando con Giorgio Bonaguro, conocimos elementos esenciales para entender el diseño italiano y la manera en que los refleja en su trabajo. Dos en especial llaman la atención. El ímpetu del término “arredo”, en el que una idea excede al objeto y se manifiesta en el espacio que ocupa. El otro, lo esencial de la dimensión artística, en una comunión entre la estética, el significado del objeto y su producción. Su colección “Nothing more than designing objects” hace manifiesta esta actitud, con la exploración de nuevas necesidades y la respuesta que da, funcional y poética al mismo tiempo. La tradición alemana en el diseño se inclina a enfatizar en las técnicas y procesos de producción manual. Esto se demostró con la gran afluencia de visitantes dedicados a la carpintería y la producción de mobiliario en distintas escalas. Ellos, en general, asisten con la intención de conocer las técnicas de producción de los expositores.

Link a la nota: http://9010.co/IMM-Cologne

Skrivo Design nos dejó con la sensación de basarse en una metodología de diseño fundamentada en la observación de objetos cotidianos y la tradición del diseño europeo. Este croata establecido en Milán, presentó la colección “Fringe”, compuesta por “Market”, una caja plástica transparente multifuncional inspirada en las cajas para almacenar frutas y verduras en los mercados, y la silla “Stack”, basada en la idea de cojines apilados aleatoriamente. En ambos objetos se aprecia el gusto y atracción por las piezas y componentes que al final arman un objeto, desde su concepto a la fabricación. Finalmente, Studiokepenic, establecido en Zurich, crea nuevos productos a partir de referentes de lo que consideran obsoleto, aportando a la continua renovación y recreación de lo existente desde el diseño. A través de “Plug & Play” responde a su tradición formal, agregando la posibilidad de jugar, para crear una mesa personalizada que integra el trabajo manual de la madera con nuevas formas y funciones. Este es un sistema que combina libremente patas y cubiertas, para obtener un comedor o una mesa de café, simplemente insertando y girando los elementos que la componen. + www.imm-cologne.com


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+ Urban Station Palermo

Urban Station

Un espacio para trabajadores nómades En un mundo donde la movilidad laboral está a la orden del día, los trabajadores nómades ahora tienen un formato que contempla sus necesidades. Y es que hace ya dos años, un grupo de cuatro emprendedores provenientes del ámbito corporativo, concebían este proyecto como lugar de encuentro para aquellos que, sin oficina propia, buscaban apropiarse, temporalmente, de un escritorio. | Texto: Laura Piasek @laurapiasek Fotos: Gentileza US


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ideas creativas 099 lugares Disfrutar de trabajar distinto. Ese es el lema unívoco sobre el cual se concibe Urban Station. ¿Cómo lograr que estos términos antagónicos se reconcilien? Sus mentores resolvieron la dicotomía a partir de la creación de un espacio híbrido, que rescata las comodidades de los espacios de trabajo tradicionales, pero atravesado por una estética moderna y encantadora que, además, propicia la interacción entre sus clientes. El primer local de Urban Station fue emplazado en Palermo. “Elegimos especialmente el barrio, porque es el lugar donde las tendencias se instalan, y después empiezan a expandirse”, explican Florencia Faivich, junto con Juan Pablo Russo, dos de sus socios fundadores. “Además de que desde hace tiempo era el meeting point por excelencia de la Ciudad de Buenos Aires”, agregan los creadores del emprendimiento, que ahora cuenta con cuatro locales más, dos de ellos en el país (uno en el centro y otro en Mendoza), dos en el exterior (Chile y Colombia), además de uno próximo a inaugurarse en el barrio de San Telmo. Muebles vintage –adquiridos en distintos mercados de pulgas de la zona- y sillones retapizados forman parte de los livings con estilos americano, escandinavo y Luis XVI, que componen el espacio en la calle El Salvador, en Palermo, en el que también hay mesas individuales y comunitarias, además de salas de reuniones. Si bien el diseño, a cargo del estudio Total Tools, tiene la funcionalidad como consigna –cada mesa cuenta con conexión eléctrica individual y lámparas- , la estética cumple un rol fundamental. “Tratamos de generar un clima que fuera un mix entre el hogar y la oficina, y construir así un espacio alejado del lugar de trabajo gris al que estamos acostumbrados. Para eso, incorporamos mucho color y generamos un espacio lúdico, en donde den más ganas de generar cosas”. Y si de generar cosas se trata, esta estación urbana de trabajo facilita una serie de comodidades para el despliegue de las tareas de sus clientes: acceso a Wi-Fi con banda ancha, café libre, impresora, scanner y fax, además de la posibilidad de realizar presentaciones, conference calls, comprar artículos de librería, y hasta usar las bicicletas que están a disposición. Todo incluido en el mismo precio.

+ Urban Station Bogotá

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TRABAJAR EN COMUNIDAD Urban Station acoge todos los días a un perfil de trabajador muy diverso, que incluye gente local y extranjeros, de distintas áreas: desde diseñadores, fotógrafos y publicistas, pasando por wedding planners, hasta abogados, programadores digitales y profesionales del marketing. Pablo Benavídez es un consultor dedicado a la asesoría en comunicación sustentable, pero prefiere el término de “thinking partner” para describir sus habilidades. Llegó a Urban Station a través de un amigo director de cine que, como él, trabaja de forma independiente. “Un espacio como éste fomenta que las personas que trabajamos solas podamos sentir, día a día, que tenemos compañeros de trabajo”, asegura este integrante confeso a la red de trabajadores móviles. Escapando del frío de Canadá, su país de origen, Chad Turner pasa temporadas enteras en Buenos Aires. Se dedica al marketing, y también adoptó a Urban Station como lugar de trabajo. “La atmósfera del lugar responde a lo que está demandando la gente de todo el mundo: un ambiente relajado, y al mismo tiempo, moderno, para desarrollarse de un modo diferente”, comenta. El procedimiento es simple, y no contempla demasiadas reglas. Los clientes –asesorados por un host, que remplaza a la tradicional figura del mozo- pueden elegir entre distintas opciones: por hora, por día, o por mes. También existe la posibilidad de obtener una tarjeta prepaga transferible, que no tiene vencimiento, y que puede ser usada en cualquier sucursal de la firma. “Seguramente porque venimos del mundo de las corporaciones, es que tratamos de que sea un sistema realmente flexible”, aseguran los socios. De esta manera, la energía creativa fluye –en un espacio de ambientes abiertos y luminosos, directamente planteados para fomentar el intercambio laboral-, y se potencia. Será por eso, que el concepto visual que decora las paredes de todas los locales, y que mejor ilustra el espíritu de Urban Station, es un pájaro fuera de la jaula, posado sobre unas ramas: libre, y preparado para entablar lazos. + www.enjoyurbanstation.com


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Salón de Ginebra

Una ventana hacia el futuro Cerca de 200 expositores se dieron cita del 8 al 18 de marzo, para desplegar sus novedades en una nueva edición del Salón del Automóvil de Ginebra. | Texto: Elvio Orellana @emorellana33

+ Alfa Romeo GiuliettaTCT

Nos encontramos transitando por el mes marzo y el calendario automovilístico nos obliga a no perder pisada a todo lo que acontece en el viejo continente. Es que por 82ª vez, la ciudad de Ginebra se convirtió en sede de una nueva edición del Salón Internacional del Automóvil. Allí, se pudieron contemplar las últimas novedades de las marcas, que pronto desembarcarán por esos territorios. También hubo lugar para apreciar diferentes prototipos, que sirven para apreciar las nuevas tendencias en cuanto a diseño y tecnología. A continuación, los autos más trascendentales e innovadores que harán furor en la feria automovilística. LOS DEPORTIVOS DEL FUTURO Dentro de los modelos que vieron la luz en Ginebra, existe un grupo selecto de marcas que decidieron apostar por el segmento de los autos deportivos. Algunas, como la alemana Audi, de vasta trayectoria en esta categoría, presentó una nueva versión del TT, denominada RS Plus, que ofrece mejoras mecánicas y de diseño. Este nuevo modelo estará disponible en carrocerías Coupé y Roadster. Ambas, capaces de alcanzar los 360 caballos; 20 más que la versión anterior. El nuevo TT está equipado con un motor 2.5 L turbocargado de 5 cilindros, pudiendo alcanzar, tanto el Audi TT RS Plus Coupé como el Roadster, los 100 km/h en sólo 4.2 segundos. La velocidad máxima de ambos es de 280 km/h. La otra alemana presente fue BMW, quien exhibió el M135i, un

modelo que devela la nueva carrocería 3 puertas del Serie 1. Con chasis rebajado, llantas de 18 pulgadas de aleación ligera, dos tubos de escape en la parte trasera, iluminación LED y un motor de 6 cilindros en línea de 300 caballos, el M135i tiene planes de empezar a fabricarse pronto, para ingresar al mercado el año que viene. Otras novedades que la firma bávara tiene para este segmento es el Serie 6 Gran Coupé, el primer coupé de la marca con 4 puertas, dotado de un motor de 6 cilindros de 320 caballos, o de 8 cilindros de 450 caballos, y su hermano: el M6 Coupé. Éste se mostró por primera vez al público, con una imagen rabiosa, y un propulsor V8 Turbo, que desarrolla una potencia de 560 CV. Otra de las automotrices que dio un batacazo en este segmento es Citroën, quien exhibió una edición deportiva de su auto de lujo, el DS4. Con atributos totalmente deportivos, el DS4 Racing, todavía en fase experimental, cuenta con un chasis rebajado (35mm en comparación con el modelo de serie), faldones laterales, un spoiler delantero, y unos pasa ruedas pronunciados, que albergan a unas colosales llantas de 19 pulgadas. Esto, en cuanto a estética. Debajo de su capó se alberga un motor turbo de 1,6 litros, de 256 caballos. En una etapa mucho más palpable, ya que se presentará en breve en Europa, se encuentra Mercedes-Benz, con su deportivo de lujo, el SL 63 AMG; una nueva generación, con un motor 5,5 litros V8 biturbo, de 537 caballos. Esta nueva versión se caracteriza


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ideas creativas 101 vehículos

+ Mercedes-Benz SL 63 AMG

+ Ford B-Max

+ Volkswagen Golf GTI Cabriolet

por pesar 125 kilos menos que su generación anterior, rebajó el consumo un 30%, y pasa de 0 a 100, en poco más de 4 segundos. Además de ello, el nuevo SL tarda menos de 20 segundos en descapotarse.

(FCV, Fuell Cell Vehicle) de tipo sedán, para el año 2015.

LA ONDA VERDE Con la vista puesta en un futuro no muy lejano, el otro gran grupo de autos que se exhibieron son los que presentan tecnologías amigables con el medio ambiente. En este nicho, no podía estar ausente la japonesa Toyota, quien presentó en Ginebra, además del Yaris Híbrido, un nuevo prototipo denominado FT-Bh, un modelo con carrocería de 3 puertas, con un espacio similar a un vehículo del segmento B. Toyota ha definido al FT-Bh como urbano, compacto, asequible, y de bajas emisiones. Este prototipo que se presentó en este Salón, tendrá una motorización híbrida y, en palabras de la propia marca, será un “deportivo ultraligero”. A éste se le sumarán dos prototipos más, que se estrenarán sólo a nivel europeo: el NS4 y el FCV-R. El primero es un vehículo híbrido enchufable, concebido sobre la plataforma de un sedán deportivo de 4 puertas. Se encuentra propulsado por un motor de 2.0 litros, y posee un diseño aerodinámico y una silueta triangular. El prototipo FVC-R por su parte, es un vehículo propulsado por hidrógeno, que preparará el camino para el lanzamiento de un automóvil de pila de combustible

La otra marca nipona, Honda, también mostró en su stand a varios modelos impulsados con energías alternativas. Así, se vió el debut del NSX Concept, un deportivo con un sistema de tracción híbrido, compuesto por un motor V6 –de unos 400 CV- que impulsa al eje trasero, mientras que las ruedas delanteras estarán impulsadas por motores eléctricos. También estuvo el Ev-Ster, un biplaza eléctrico que, según la marca, será capaz de generar las mismas sensaciones al volante, que cualquier deportivo convencional. La marca del león, por su parte, tampoco quiso quedarse fuera de esta partida, y presentó su segundo modelo híbrido diesel, el Peugeot 508 RXH. Disponible únicamente con la mecánica HYbrid4 (primera motorización full hybrid diesel del mundo), con una potencia máxima de 200 caballos, 4 ruedas motrices, y un par máximo de 450 Nm, el 508 RXH se ha desarrollado para responder a cualquier tipo de uso, y en todas las condiciones. Para la firma francesa Renault, esta nueva edición del Salón del Automóvil de Ginebra resulta un verdadero quiebre. Es que luego de exhibir durante tres años a su modelo eléctrico Zoe en etapa experimental, mostró la versión definitiva que será comercializada durante este año en Europa. Definido por la marca como el modelo que simboliza la entrada a la era de la movilidad eléctrica para


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+ Toyota FCV-R

+ Toyota NS4

+ Audi RS 4 Avant

+ Fiat 500L

todos, el Zoe es el primer auto eléctrico que puede alcanzar los 200 kilómetros de autonomía, tras una recarga rápida de sus baterías, de entre 30 y 90 minutos, según la toma de electricidad. Este modelo no emite ni CO2, ni Nox, ni tampoco CO, partículas finas, olores o ruidos del motor al circular.

1.8 de 150 caballos), el nuevo Aircross se meterá en un segmento inédito para la marca.

La otra gran novedad de la marca es el Twizy, el primer auto eléctrico fabricado a gran escala en España (Valladolid). Las dimensiones de Twizy apenas son superiores a las de un scooter de tres ruedas. En la ciudad, supone un ahorro del 25% de tiempo circulando con respecto a un pequeño urbano, sobre todo teniendo en cuenta que es el único cuatro ruedas que puede estacionarse perpendicularmente a la vereda. Al Twizy basta con enchufarlo en cualquier toma de 220 V 3h30, para que su batería quede cargada, y recorrer así 100 km de distancia. CONOCIDOS RENOVADOS Algunos de los modelos que también dijeron presente en la feria automovilística, fueron ediciones ya conocidas por estas latitudes, aunque con configuraciones y carrocerías diferentes. Así, por ejemplo, Citroën presentó el C4 Aircross, un auto con aires de off-road, de contextura musculosa y buen despeje del suelo, concebido para la aventura, gracias a su doble tracción y sus llantas de aleación de 18 pulgadas. Con tres diferentes opciones de motorización (una naftera 1.6 litros, de 115 caballos, y dos diesel de 1.6, con 110 caballos y

Fiat, por su parte, sorprendió con una inédita versión del ya mítico 500, denominada 500 L. Se trata de una nueva carrocería que aumenta su talla: 4,14 metros de largo, 1,78 de ancho y 1,66 de alto, ganando más espacio y funcionalidad. El mismo iniciará su comercialización en Europa durante el último trimestre de 2012, con una gama de motores que comprenderá, en principio, dos nafteras (TwinAir y 1,4 litros) y un turbodiesel (1.3 Multijet II). La firma del óvalo también marcó asistencia, con el Ford B-Max, una versión ya definitiva, que se estará presentando en los mercados europeos a fines del 2012. Este monovolumen compacto, destaca por su diseño innovador y su tecnología. En cuanto a los motores del B-Max, propone un EcoBoost 1.0 litros de gasolina y, entre los diesel, los conocidos Duratorq TDCi. Casi con toda seguridad, incluirá Start-Stop. Dentro de este grupo, no podíamos dejar afuera a dos modelos que decidieron volarse el techo. El primero es el VW Golf Cabrio III, el cual se presentó en versión descapotable, con techo de lona. Emplea un mecanismo electro hidráulico, que le permite bajarse o subirse en apenas 9,5 segundos, y en movimiento, siempre y cuando no se superen los 30 km/h. El otro es el Ranger River Evoque Cabrio, un concept basado en la versión coupé del modelo que, con una capota blanda totalmente re-


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+ Peugeot 508 RXH

+ Honda Ev-Stern

+ Citroën C4 Aircross

+ Citroën DS4

tráctil, la marca asegura que presenta muy pocas variaciones de peso y rigidez torsional, con respecto a su versión con techo. Alfa Romeo volvió al Salón de Ginebra con sus modelos Giulietta y MiTo. Las novedades en el primero van más allá de lo estético, donde la dupla de su caja automática TCT y su propulsor MultiAir, hacen que este modelo registre consumos y emisiones extraordinariamente bajos y, al mismo tiempo, prestaciones excelentes, dignas de un Alfa Romeo: velocidad máxima de 218 km/h y 7,7 segundos de 0 a 100 Km/h. También con el motor diesel 2.0 de 170 caballos, los valores registrados están en el vértice de su categoría. Con respecto a la misma versión con cambio manual, la aceleración de 0 a 100 km/h pasa a 7.9 segundos, el consumo (ciclo combinado) pasa a 4.5 l/100 Km, mientras que las emisiones de CO2 a 119 g/Km, óptimos niveles para un motor de esta categoría. También vimos desfilar en la pasarela suiza a la nueva versión del MiTo denominada Turbo TwinAir, equipada con el innovador bicilindro 0.9 Turbo TwinAir, que garantiza respuesta veloz y agilidad, gracias a una potencia de 85 CV a 5.500 Rpm. Representando al alma más dinámica del modelo, el potente MiTo Quadrifoglio Verde 1.4 MultiAir Turbo de 170 CV, que se presenta ahora renovado con elementos estéticos originales y distinguidos, también fue de la partida de Alfa. + www.salon-auto.ch

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+ BMW 6 Serie Gran Coupé y M6 Coupé


| Muestra de Ron English

Puma Urban Art

El arte que brota en las calles Quizá, como inaugurando un año lleno de novedades y eventos artísticos, la 5º edición del Puma Urban Art se celebró del 2 al 4 de marzo. Más de 20 mil personas se dieron una vuelta por el Centro Cultural Recoleta, para disfrutar de un encuentro con interesantes propuestas y artistas internacionales de alto nivel. | Texto: Jorgelina Peciña @JorgelinaPecina

El street art, nacido de la marginalidad urbana, y que ya cuenta con más de cuarenta años de existencia, ha recorrido un largo camino. De las calles saltó a los museos, con obras que alcanzaron cotizaciones en miles de dólares. En la actualidad, es celebrado en eventos artísticos, además de contar con un espacio de privilegio en el mundo del diseño y la decoración. Y si bien referentes destacados hay muchos, el éxito del Puma Urban Art se sostiene sobre la base de la elección de sus invitados internacionales. Este año, eligió dos artistas de peso, cuyos trabajos cosechan seguidores en todo el planeta. Ellos fueron Jeremy Fish y Ron English.

El trabajo de Jeremy Fish se caracteriza por narrar historias que combinan humor, acontecimientos sociales y experiencias personales, a través de la ilustración, la pintura, la serigrafía, los murales y la escultura, y brindó una conferencia con el auditorio completo. Por su parte, Ron English -considerado como uno de los pioneros en hacer arte moderno en la calle-, ofreció una charla titulada “Arte urbano al ataque”. Ambas actividades fueron el foco del festival, representando una oportunidad única para conocer a los artistas, ya sea trabajando o compartiendo su arte en vivo.


ideas creativas

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PARA ELEGIR QUÉ VER La agenda de la quinta edición del Puma Urban Art contó con la presencia de referentes del arte urbano nacional e internacional, recitales, exhibiciones, conferencias y la proyección de documentales, entre otras actividades. La sección música arrancó con la presentación del francés Vicarious Bliss y de los chilenos New Kids on the Noise, quienes deleitaron a los invitados durante el exclusivo opening del festival. El primero, experimentó con mash-up, electro-psicodelia, armonías femeninas y el sonido sucio del moog y el fuzz. Por su parte, la banda chilena, demostró por qué es sinónimo de sonido, imagen y actitud. También, fue parte del escenario del Puma Urban Art Rosario Bléfari, cantante, actriz y escritora argentina, considerada un emblema del rock independiente desde la década del noventa, cuando lideraba el grupo de rock alternativo y pop experimental Suárez, hasta nuestros días como artista solista. Otras bandas locales que participaron con recitales a lo largo del fin de semana fueron Liers, Amor Elefante, Ríspico, Kimonos de la Geisha y Thes Siniestros, entre otros. La sección arte convocó a una larga e interesante lista de exponentes nacionales, como el artista Sael, que brindó la charla títulada “Power Unit”, y los trabajos de Neurorama, el colectivo de artistas Lagansedo, Falu, Francisco Miranda, Gallo y Martín Diez, por nombrar sólo algunos. Así, la galería de trabajos nacionales estuvo representada por distintas disciplinas convergentes, como la ilustración, el mural, la fotografía y más. SUSTENTABILIDAD BAJO EL SELLO PUMA Al igual que en años anteriores, hubo proyecciones, entre ellas, el documental “Vigilante: The Battle For Expression”, realizado por Max Good y Nathan Wollman. También, “Born under a bad sign”, una película de acción y terror, sobre un soldado solitario de Satanás en la Tierra, de Neck Face, reconocido por su particular estilo, el cual combina dibujo y escritos humorísticos.

+ La banda de Rosario Bléfari se subió al escenario del Puma Urban Art.

Además, en esta quinta edición del Puma Urban Art se destacó un espacio VIP, llamado The Suede Area, cuyo protagonista fue el mítico calzado Suede, que nació en 1968, para tiempo después, convertirse en el favorito de los Bboys o bailarines de breakdance de Nueva York. Frank Kozik fue el responsable del diseño de las últimas Puma Suede by Kozik, en Argentina. Por último, siguiendo la política sustentable de Puma a nivel mundial, este año se trabajó en un espacio dedicado a la temática, donde se proyectó un video de movilidad sustentable, realizado por Martín Mauri, también conocido por el nombre de su página Web: Ciervo con Monóculo. Además, se exhibió un mural pintado por Gabby Satailo, donde el eje disparador fue el cuidado del medio ambiente. En otro sector de la sala, se ubicó un ícono de la sustentabilidad: la bicicleta monocromática con piñón fijo de 1989, símbolo de la cultura japonesa. Otra de las novedades de la última edición del Puma Urban Art fue la muestra de fotografía Lomo. El objetivo de cada trabajo fue otorgar a las fotografías características muy especiales, basadas en el objetivo y la distancia focal, dando como resultado imágenes fuertemente saturadas, creando un efecto túnel. Coni Dietrich, Matías Altbach y Pablo Franco fueron los fotógrafos convocados para crear las 300 imágenes de esta muestra, en la que las expresiones urbanas hablan por sí solas. EN VIVO Y EN DIRECTO Acorde a los tiempos que corren y la tecnología disponible, la última edición del Puma Urban Art tuvo su Live Streaming. Esta transmisión contó con una cámara itinerante, que entrevistó a los artistas y bandas invitadas y, también, al público. Además, se pudieron ver las conferencias completas de Ron English y Jeremy Fish, y hasta hubo una recorrida por las salas de exposiciones. Asimismo, el Puma Urban Art tuvo su presencia en las redes sociales, a través de sus perfiles en Facebook www.facebook.com/pumaargentina y Twitter @Puma_Arg, bajo el hashtag #PumaUrbanArt. + www.pumaurbanart.com | www.puma.com


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+ Ron English. Foto: Adriana Godoy

La voz de los referentes Además de cubrir el festival, 90+10 tuvo acceso a los invitados internacionales, no sólo para conocer, de primera mano, sus trayectorias y trabajos, sino también su particular visión del arte urbano actual. RON ENGLISH AGITANDO EL ESPACIO PÚBLICO Es el creador del término POPaganda, un neologismo que define su particular forma de hacer arte. La materia prima de sus trabajos son la publicidad y las marcas, a las cuales interviene y crítica de manera cómica, aunque también mordaz. Prolífico como pocos, Ron English es autor de trabajos que han llegado a museos, películas, libros y hasta la televisión. Este agitador cultural juega con las imágenes y personalidades de la actualidad, para crear su propio arsenal de personajes, que va desde lo raro a lo sumamente original. Es considerado uno de los padres del arte urbano, y un pionero en la intervención de publicidad en la vía pública en la década del ochenta. Cuenta en su haber con trabajos en conjunto con Banksy, otro grafitero controversial y famoso en todo el mundo. No es difícil adivinar cuáles son los referentes de English a la hora de trabajar. Sin duda, Andy Warhol ocupa un lugar de preferencia, pero no es el único. La banda de rock Kiss y los dibujos animados también están en la lista. + ¿Cuándo descubriste que querías ser artista? RE Cuando me di cuenta de que sería una buena forma de hacer lío. De chico, no me podían dejar solo, porque escribía todas las paredes, para luego, culpar a mi hermana. + ¿A qué recurrís para inspirarte? RE Realmente, no necesito inspiración. Lo que necesito es pintura, mucha pintura. + Tu forma de trabajar se define en una palabra, creación tuya,

POPaganda. ¿Qué significa? RE Necesitaba mi propia palabra para describir mi arte, así que acuñé este término, que va perfecto para mi trabajo. + ¿Qué conocés de la escena artística argentina? RE Escuché que hay una escena de street art muy grande. Soy fan de Dan1, Emy Mariani, Run Don’t Walk y Doma. Todo el mundo me dice que Argentina es genial, así que estoy muy entusiasmado con la visita. + www.popaganda.com JEREMY FISH EL ARTE DE COMBINAR LOS EXTREMOS Artista y grafitero norteamericano, Jeremy Fish visitó por primera vez Argentina como invitado especial del Puma Urban Art. Con una formación tradicional en arte, tomó un camino menos tradicional, para convertirse en un referente del arte urbano actual. Un artista entre los pinceles y el skate. Arrancó como empleado de un negocio relacionado con el mundo del skate, y fue ahí que se dio cuenta de que lo suyo era el arte en las calles, disciplina más conocida como street art. Nació en la Gran Manzana, Nueva York, pero eligió mudarse del otro lado del mapa, la ciudad de San Francisco, para estudiar arte y darle rienda suelta a su amor por el skateboarding. Fish nació en Nueva York, Estados Unidos, en 1975. Es un narrador de historias, un artista completo, que combina en sus trabajos el humor, las circunstancias sociales y su experiencia personal, que plasma a través de la ilustración, la pintura, los murales y la escultura. Su obra recorrió buena parte del mundo, desde Japón hasta Taiwán y, ahora, Argentina.


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+ Jeremy Fish. Foto: Adriana Godoy

Ya con su título en pintura bajo el brazo, comenzó como ilustrador. Sin embargo, lo que verdaderamente quería hacer era arte urbano, necesidad que hoy satisface a través de la realización de murales y el diseño de tablas de skate, camisetas, vinyl toys, tapas de discos y ediciones limitadas de zapatillas. Sus obras cuentan historias repletas de personajes y símbolos, que buscan lograr el balance entre los extremos. + ¿Qué esperabas encontrar en San Francisco que no viste en Nueva York? JF Me mudé a San Francisco por dos cosas. La primera fue la escuela de arte, y la segunda, para hacer skateboarding. Llegué a los 19 años, y primero me enamoré del skate. El arte fue una cosa secundaria en mi vida. + ¿En qué te inspirás para trabajar? JF Me inspiro en mis amigos, en mis experiencias de vida. También en San Francisco y viajando. Depende del año y del tipo de trabajo que me toque hacer en ese momento. + En cuanto a tus ilustraciones, ¿qué trabajos importantes podés describir? JF Todos mis trabajos de ilustración son importantes. Me ayuda a balancear mi entrada de dinero, pero lo más importante, es que me empuja a dibujar cosas diferentes. Muchos de estos trabajos luego los uso como conceptos, otras veces como técnicas y contenidos. + Según la bio de tu página Web, tu trabajo busca el balance entre lo lindo y lo escalofriante. ¿Qué significa esta frase? JF Me gusta la tensión que se genera cuando se combinan cosas como lo bueno y lo malo, lo feliz y lo triste. + www.sillypinkbunnies.com

VICARIOUS BLISS SIN PELOS EN LA LENGUA No quiere que lo llamen DJ. Es, simplemente, Vicarious Bliss y visitó Argentina para ser parte del opening del Puma Urban Art, donde compartió su música con los exclusivos invitados. Los entendidos en el tema, lo tienen como uno de los referentes en la música electrónica. Según explica su biografía, Vacarious Bliss lanzó el track “Theme From…”, con remixes de Busy P, Justice y Lifelike, fue remixado por Dave Clarke y produjo el resonado “I Love UFO’s”, álbum debut en Recordmakers. Escueto para responder preguntas, nos cuenta en qué está trabajando actualmente, además de brindar su particular visión sobre el arte. + Contanos cómo empezaste en el mundo de la música. VB Crecí con un hermano fanático de Genesis y Pink Floyd, así que tuve que tomar medidas… Crecer en una atmosfera así, hizo que tenga que agarrar una guitarra o matar a mi familia… + ¿Qué influencias nutren tu trabajo? VB Básicamente, tres cosas: buena comida y en grandes cantidades, buen vino y una DJ llamada Nikki… + ¿En qué estás trabajando actualmente? VB Estoy terminando un álbum donde hago un remix de quién sabe qué cosas. + ¿Qué conocés de la escena artística y musical argentina? VB Es mi tercera visita. Dos de mis mejores amigos viven ahí. Es como si fuera un segundo hogar. ¿Qué conozco de la escena artística local? ¡Vamos! El arte es una mentira…y bastante cara. + www.myspace.com/myvicariousbliss


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+ Vicarious Bliss y DJ Sien. Fotos: Adriana Godo

NEW KIDS ON THE NOISE MÚSICA EN TIEMPO REAL | Texto: Laura Piasek @laurapiasek

Desde Chile, y con una interesante propuesta basada el arte del tornamesismo, la dupla de DJ Sien y VJ Tigga Lab, desembarcó en Buenos Aires, para presentarse, el pasado 2 de marzo, en el opening para invitados y prensa del Puma Urban Art, en el Centro Cultural Recoleta. Si hubiese que marcar un punto de inflexión en las andanzas musicales de DJ Sien, seguramente sería el 2001, momento en que con el premio mayor de la versión chilena del DMC (World DJ Championship) -uno de los certámenes más importantes del universo de los DJs- a cuestas, este productor musical obtuvo el pasaporte para llegar a Londres, y empaparse con las últimas tendencias. Así, sus años de estudio riguroso en el Conservatorio de la Universidad Católica de Chile, empezaron a tomar otro cauce: la disciplina aplicada a la búsqueda de un nuevo concepto musical vanguardista, haciendo uso de su habilidad con las bandejas, y pasando por distintos géneros como el club, por el hip hop, la electrónica y el house. Dialogamos con él en su visita al Puma Urban Art. + ¿Cómo surge New Kids on The Noise? DJS Surge de la necesidad de masificar y educar a través del tornamesismo, un arte que tiene más de 30 años, pero que para mu-

chos sigue siendo totalmente desconocido. En mi caso, estudié en un conservatorio desde los 10 años, y llegué a las tornas a través de la batería y la percusión. Después estudié ingeniería en sonido, porque se fusionaba perfecto con mis estudios anteriores de música. Fue la parte tech de mi formación, que me ayudó a comprender mejor lo que estaba haciendo. Mi compañero, además de ser también baterista, es diseñador gráfico y animador digital. Posicionado como referente indiscutido de la escena musical de su país, DJ Sien –que llegó a compartir el escenario con artistas de la talla de Massive Attack, Justice y DJ Enferno-, demostró que su arte puede tener un alcance todavía más amplio que el de ser una música exclusivamente para consumirse en fiestas. Bajo la premisa de acercar su producto a la gente, New Kids on The Noise ofrece un espectáculo audiovisual dinámico, y sumamente atractivo. + ¿Qué papel juega l o performático en s us pr esentaciones? DJS Siempre el tornamesismo me ha llegado como un arte visual. Cuando tocaba solo, sentía que gran parte de la gente no lograba recibir lo que estaba haciendo, porque la gran gracia que tiene el tornamesismo es que es en tiempo real. Entonces, tuve la idea de llevar lo que hacía a nivel musical, a nivel visual, con un VJ. Mi compañero tiene una propuesta gráfica muy interesante. Incluso, hay partes que se pueden ver desde afuera, como si te estuviera contando una historia. Se arma algo muy entretenido para la gente que no está muy al tanto de la disciplina. + www.newkidsonthenoise.com

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Congreso Mundial de Móviles Los monstruos de Barcelona

Cómo son los más nuevos celulares inteligentes que se presentaron en el último Congreso Mundial de Móviles. | Texto: Ricardo Sametband @rsametband

+ Asus Padfone y Samsung Galaxy Note 10.1

El 1º de marzo pasado terminó la edición 2012 del Congreso Mundial de Móviles, que se celebra todos los años en Barcelona. Si algo marcó esta edición, es la huelga general de transportes que amenazó con paralizar el traslado de los más de 70.000 visitantes que trae la muestra, sumando ejecutivos de fabricantes de móviles de todo el planeta, desarrolladores de software, servicios y equipamiento para infraestructura de redes, representantes de todas las operadoras de telefonía móvil del planeta, analistas de la industria y, por supuesto, la prensa especializada, ávida de conocer cuáles son los equipos con los que las empresas buscan sorprender y atraer al mercado.

mayor cantidad de información, crear una imagen con mucho menos ruido digital. Esto permite, por ejemplo, aumentar tres veces la vista de la fotografía, sin perder calidad, o hacer zoom incluso en un video –que el móvil de Nokia es capaz de registrar en calidad Full HD-. Cinco años le tomó a la compañía desarrollar este concepto junto al fabricante de lentes Carl Zeiss, y es por eso que el teléfono usa sistema operativo Symbian Belle y un chip a 1,3 GHz, además de usar una pantalla de 4 pulgadas.

Como en otras ocasiones, este año, sorprendieron los que no se esperaban y faltaron a su cita algunos números puestos, mientras que otros llegaron al inicio de la exposición el lunes, con todas sus cartas sobre la mesa. Todos los años, parece que nada nuevo puede llegar –nada que no sea, simplemente, una iteración menor de lo ya conocido- y todos los años, algún equipo se destaca por ofrecer algo un poco distinto.

Si el Nokia se destaca por esto, un gran número de equipos, como el HTC One X, el LG Optimus 4X HD, el ZTE Era, el K-Touch Treasure V8 y un modelo de Fujitsu que todavía no tiene nombre, son notorios por incluir, todos ellos, un chip de cuatro núcleos fabricado por Nvidia y llamado Tegra 3. En rigor, son cinco núcleos: uno de reloj muy modesto, que lleva las tareas sencillas del móvil, y otros cuatro que entran en funcionamiento para las tareas más exigentes, como la reproducción de video de alta definición o los videojuegos realistas.

El ejemplo más notable es, quizá, el Nokia 808 PureView, que tiene en su interior un sensor de imágenes para su cámara fotográfica de 41 megapíxeles. No, no es un error de tipeo: registra 41 millones de píxeles, lo que le permite esquivar algunos de los problemas intrínsecos a una cámara de fotos de móvil, y que tiene que ver con la limitación del lente. Al tener semejante tamaño, el equipo puede tomar varios píxeles del sensor, para crear un píxel de la imagen y, con esa

Todos ellos, además, corren Android 4, lejos, el sistema operativo más popular entre los dispositivos presentados en el Congreso Mundial de Móviles. Esto incluye, entre otros, al Galaxy Beam, un móvil con picoproyector incorporado: permite crear una sala de cine en cualquier lugar en el que se tenga el teléfono, y una pared o una pantalla de cine. Según su fabricante, este equipo es capaz de proyectar imágenes de hasta 50 pulgadas (medidas en su diagonal).


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ideas creativas 111 gadgets

+ Nokia 808 PureView, LG Optimus 3D Max y HTC One X

Otra tendencia notable en varios móviles con Android fue la llegada de más equipos con pantalla de 4,7 ó 5 pulgadas, incluyendo el LG Optimus Vu, similar al Galaxy Note de Samsung que se vende en la Argentina; es decir, un equipo que está a mitad de camino entre un celular y una tableta, e incluye un lápiz capacitivo para escribir en pantalla. Y dos estilos de construcción que hicieron populares Apple y Nokia, tuvieron un notorio éxito: fueron al menos dos los smartphones que debutaron con carcasas fabricadas en una sola pieza de policarbonato (al estilo del Nokia N9), como el HTC One X o recortadas de un único bloque de aluminio (como la MacBook Air); el HTC One S, en este caso. A propósito, Samsung redobló la apuesta, y presentó su tableta Galaxy Note 10.1; como el móvil que lleva el mismo nombre, incluye un lápiz para dibujar en pantalla, además de sumar un par de aplicaciones de Adobe para editar imágenes en la misma tableta, propulsada por un chip de doble núcleo y Android 4, que ya es el estándar entre los móviles de alta gama. Si había un celular con lápiz, o con chip de cuádruple núcleo, o con un picoproyector, no podía faltar un equipo que intentara combinar varios formatos en uno: el Asus Padfone, que ya había tenido un par de apariciones en otras ferias, aquí se hizo realidad, con un anuncio concreto sobre este equipo que, como móvil, tiene una pantalla de 4,3”, un chip de doble núcleo y Android 4; pero que si se inserta en una carcasa con pantalla propia, se transforma, como por arte de

Link a la nota: http://9010.co/CongresoMoviles2012

magia, en una tableta de 10”; y que si encima se une a una base especial que vende la compañía, puede hacer las veces de equipo de escritorio, si se conecta a un teclado, un mouse y una pantalla más espaciosa. Un buen ejemplo de un equipo que implicó el año pasado una revolución, y que en este Congreso se mostró como una evolución, es el LG Optimus 3D Max, que al igual que su predecesor, que se vende en la Argentina, permite capturar imágenes y videos en 3D, gracias a su doble cámara digital y, además, permite mostrar ese contenido tridimensional en su pantalla especial, que no requiere de anteojos especiales para disfrutar del efecto de tridimensión. La nueva versión del Optimus 3D tiene una pantalla de 4,3” y chip de doble núcleo a 1,2 GHz, además de ser más delgado que el anterior, con 9,6 mm de grosor. En lo que refiere a otros sistemas operativos, Microsoft estuvo presente por partida doble: primero, cuando Nokia anunció un nuevo modelo, el Lumia 610, de hardware algo más modesto a los anteriores, pero que extiende la presencia de Windows Phone 7; segundo, cuando puso a disposición de los usuarios la versión beta de su próximo sistema operativo para PC y tabletas, Windows 8, que toma buena parte de la interfaz de Windows Phone 7, para ofrecer un entorno unificado, amigable al uso de las computadoras con los dedos en pantalla, y no con la histórica combinación de teclado y mouse. + www.mobileworldcongress.com


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+ clásicos contemporáneos

Texto: Laura Piasek @laurapiasek

diseño

Bombay Sapphire Vapour Infusion Experiencia multisensorial y única Esta vez, es el artista alemán de vanguardia Moritz Waldemeyer quien se suma a la larga lista de creadores que han colaborado con Bombay Sapphire. Lo hace para poner su sello en una pieza que ofrece una experiencia multisensorial que, haciendo un uso creativo de la tecnología, ilustra el especial proceso de destilación que se utiliza para fabricar este gin.

+ Al finalizar el proceso de destilación que emula la escultura, se libera un aroma embriagador.

+ En el anillo de cobre se sitúan los diez componentes botánicos del gin.


clásicos contemporáneos

+ 113 diseño

Se trata de la pieza Bombay Sapphire Vapour Infusion, una escultura de 2,4 metros de alto, que simboliza la emblemática botella azul de Bombay Sapphire, y está compuesta por una pantalla curva de más de 2 mil LEDs, atravesada por un anillo de cobre con diez compartimentos, en donde se alojan cada uno de los ingredientes botánicos que intervienen en la elaboración de la bebida. Sirviéndose de un intricado sistema técnico, el artista –quien también ostenta un título de ingeniero- ha programado las luces que componen la pieza para simular, con diferentes tonos de azul, el recorrido del vapor a través de la escultura. Para dar por terminada la experiencia, un aroma embriagador se libera desde la parte superior de la pieza y llena el aire… El arte, la tecnología, la moda y la electrónica se amalgaman en los trabajos de este artista, que ha colaborado con firmas de la talla de Swarovski –para quien diseñó una lámpara con LEDs computarizados, en donde se proyectaban mensajes de texto-, y trabajado, mano a mano, con diseñadores como Philippe Starck, además de crear vestuarios futuristas, concebidos a base de láseres, para Bono, Kylie Minogue y Rihanna. Referente de la poco explorada disciplina mecatrónica –una combinación entre mecánica y electrónica-, el creador de la Bombay Sapphire Vapour Infusion pone el énfasis en encontrar distintos usos de la tecnología y, en este caso, la aplica para exponer, de una manera original y sumamente atractiva, el proceso de destilación único y característico de Bombay Sapphire. Y es que Mortiz Waldemeyer siguió los lineamientos de la receta original de 1967 del gin, para desarrollar, tanto creativa como técnicamente, esta escultura que fusiona varias disciplinas, y termina por constituir una estética contradictoria –por la convivencia de elementos tecnológicos, con otros producidos a mano-, pero absolutamente contemporánea. Una vez más, Bombay Sapphire, quien se ha vinculado con reconocidas figuras del diseño como Tom Dixon, Marcel Wanders y Karim Rashid (por sólo mencionar algunas), sigue apostando por las propuestas innovadoras, que corren los límites prestablecidos. + www.bombaysapphire.com

+ La escultura Bombay Sapphire Vapour Infusion de Moritz Waldemeyer.

COCKTAIL AVIATION En este trago de gin clásico, las notas florales de Bombay Sapphire complementan a la crème de violette y la frutosidad del marrasquino. Poner en una cubetera con hielo 60ml de Bombay Sapphire. Agregar 15 ml de licor de marraschino, 7.5 ml de crème de violette, 15 ml de jugo de limón recién exprimido y agitar. Pasar el líquido a un vaso a baja temperatura, y luego exprimir una cáscara de limón sobre la superficie del cocktail, para liberar los aceites. Para terminar, adornar el trago con una cereza al marraschino. +

Enjoy BOMBAY SAPPHIRE Responsibly. Bombay Sapphire, su botella y logos son marcas registradas. w w w.bombaysapphire.com

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+ Casa Curutchet, proyectada por Le Corbusier en La Plata, y construida bajo la dirección de Amancio Williams (1949 y 1953). En la habitación, se puede apreciar la silla W de César Jannello.

Diseño y producción de mobiliario argentino El pasado, un futuro memorable Martha Levisman, una de las principales investigadoras sobre el desarrollo proyectual en Argentina, encara su nueva publicación histórica, acerca de los comienzos del diseño nacional: “Diseño y producción de mobiliario argentino, 1930 – 1970”. La investigación aporta una mirada renovada sobre el tenue relato conocido, como un juego de relaciones que nos permite leer entre líneas los vaivenes de la profesión y destacar su fuerza creativa. | Texto: Wustavo Quiroga. Fotos: Gentileza ML


clásicos contemporáneos

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+ Hall del hotel Llao Llao de Bariloche. Diseño de muebles de Jean Michel Frank para Comte, 1934.

El panorama incluye una visión aguda sobre las causas y consecuencias que le permitieron a la disciplina su nacimiento y evolución; otras que procuraron su extinción, hasta coincidir con un testimonio actual donde el diseño se encontró vitalizado. El optimismo creador es un factor común en esta historia, la fuerza del hacer una sociedad mejor que se manifiesta en un país, contradictoriamente apasionante.

mencionar algunas obras: la creación y posterior ampliación de la sede de Fundación Antorchas, en el viejo barrio de San Telmo; el proyecto y desarrollo del taller para restauración de pintura colonial argentina “Tarea”; asesoramiento de refuncionalización y puesta en marcha de la Biblioteca Nacional; o bien, la realización de obra para el edificio del Museo de Ciencias de Buenos Aires, creado por Horacio Baliero.

ARQUITECTURA DE LA INFORMACiÓN Durante su formación, Martha Levisman comparte escenario académico con profesores de arquitectura clásica, y con los jóvenes que introdujeron la visión moderna en las instituciones educativas. Juan Manuel Borthagaray, Francisco Bullrich, Alicia Cazzaniga, César Jannello, Gastón Breyer y Horacio Baliero fueron algunos de los que representan la vanguardia arquitectónica. Posteriormente, inició su desarrollo profesional, junto a quien fuera su marido, Gerardo Clusellas, arquitecto y diseñador, pionero en los estudios de ergonomía, mobiliario sistémico, realización de viviendas unifamiliares y oficinas comerciales modernas.

Para hallar respuestas a la problemática de la protección de archivos y obras, indagó en varios puntos del globo, requisitos técnicos pertinentes a su línea de investigación, y se adscribió como miembro del ICAM (Confederación Internacional de Museos de Arquitectura), institución donde se actualizan y mejoran las normativas de patrimonio. Actualmente, junto a un equipo especializado, emprende la fabricación de diseños vigentes de nuestro pasado reciente, modelos que sorprenden por su belleza, funcionalidad y vigencia.

Desde su estudio particular, realizó algunas de sus obras más representativas, donde integró su experiencia en planificación, con la labor de investigación y conservación de patrimonio. Por

CONTENEDOR DE HISTORIAS Levisman funda ARCA (Archivo de Arquitectura Contemporánea Argentina), y decide registrar, a través de ediciones especiales, ideas y obras realizadas en períodos acotados. También publica documentación del arquitecto Alejandro Bustillo en dos privile-


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+ Los tres arquitectos que diseñaron el BKF: Bonet, Kurchan y Ferrari-Hardoy.

giadas ediciones, que plasman arquitectura y diseño nacional. Hoy, reconstruye las memorias materiales de Argentina, bajo el título de “Diseño y producción de mobiliario argentino, 1930 – 1970” que, en su germinación, promete ser el complemento indispensable para las bases de nuestra cultura. + ¿Cómo abordás tu nueva publicación? ML Los temas a los que me refiero en mi nuevo libro, están organizados en dos partes diferentes. La primera, se encabeza con una crónica socioeconómica escrita por un economista de nombre, sobre la sustitución de importaciones en la Argentina, fundamento esencial de la aparición del diseño de mobiliario. En esta nueva estructura de alrededores de 1930, se instalan las primeras industrias automotrices, aeronáuticas, petroleras y metalúrgicas, laboratorios y cristalerías. También se crea la Comisión Nacional de Energía Atómica para producción de energía. Algunas de ellas, no sobreviven a los años 70. Los talleres numerosos de artesanos de mobiliario del siglo XIX, y la importación de muebles clásicos europeos y americanos, serán sustituidos por nuevas empresas europeas que instalan en Buenos Aires sus primeras filiales, con fábricas para mobiliario en serie: es la primera industria del mueble realizado sobre modelos o patentes internacionales, y el nexo con los primeros diseños nacionales. + ¿Qué relación se establece con la formación proyectual? ML La primera parte menciona la atmósfera cultural que nos trae la influencia de la Escuela del Bauhaus, de ULM, y allí nace en la modernidad de los comienzos del siglo XX en Argentina, un espacio para la vanguardia local referida al “Arte Concreto Invención”, que es la unión entre arte y vida, y abarca la pintura,

+ Silla anticoroidal de Gerardo Clusellas, 1952. Realizada en aluminio, forma parte de una propuesta sistémica de asientos.

escultura y arquitectura, música y diseño. Además en los 50, surgen los primeros institutos de diseño en Mendoza, La Plata y Rosario; este último, IDI, acompaña la desaparición en la década de los 70. + ¿De qué trata la segunda parte de la edición? ML Está dedicada a los grupos de diseño, sus historias y producción. Se inicia con una introducción escrita por un profesor de filosofía del arte, que desarrolla los principios del movimiento del arte concreto sobre el diseño de mobiliario. + ¿Por qué elegiste los años 30-70 para tu investigación? ML Mi libro se refiere exclusivamente al período 30-70 del siglo XX, porque fue a principios de este siglo que, por la crisis económica y las dificultades para importar, se habían terminado, en parte, las importaciones de muebles clásicos, cerrado algunos de los pequeños talleres que copiaban los muebles o fabricaban con patentes importadas, y se habían instalado las primeras filiales de empresas europeas con sus fábricas -Nordiska Kompaniet y la inglesa Maple-, con planes de industria masiva, que no tuvo continuidad. En esta Argentina, se inicia el moderno diseño de mobiliario, muy vinculado al arte concreto de vanguardia, impulsado también por figuras de inmigrantes provenientes de Austria, como Martín Eisler, los hermanos Walter y Herman Loos, quienes eligieron este país al comienzo de la Guerra, para desarrollar sus oficios. Estudio las características de los diseños mencionados, para encontrar en cada grupo investigado (planos, fotos y prototipos) las identidades. + ¿Cuál fue el destino de estos diseños? ML Son prototipos, y pocos de ellos tienen la suerte como el BKF


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+ Sillón Safari de Amancio Williams.

(diseño de Bonet, Kurchan y Ferrari-Hardoy) de ser incorporados a los modelos fabricados por Knoll International, a través de Interieur Forma, cuando en los 70, al final de mi libro, se liberan las importaciones, sin que se hubiera logrado seguridad jurídica para el patentamiento o la autoría de los profesionales del diseño. No existió un desarrollo industrial que consolidara su producción. + ¿Cuál es el desenlace del libro? ML Finaliza con una mirada sobre la actualidad por Diana Cabezas. No incorporo información sobre la industria nacional actual, y le dejo a Cabezas –a quien considero la diseñadora más representativa del panorama de hoy-, el honor de hacer un co-

+ Boceto del sillón Subgerentes para el Banco de la Nación Argentina, de Alejandro Bustillo.

mentario sobre el particular. UNA HISTORIA ESTIMULANTE De alguna manera, navegar por la memoria resguardada en ARCA, nos permite conocer nuestro pasado, pero también solidificar bases para analizar el presente, e imaginar un futuro integrador. Hablar en la actualidad de diseño argentino, implica tener una concepción abarcativa, que nos permite conocer desde la concepción personal de los grandes creadores, hasta los casos exitosos de vinculación con empresas, tanto instancias formativas, como ejemplos de autodidactas emprendedores. La concepción de una historia estimulante, es un legado que pondera y fortifica el quehacer del diseño nacional. +

NÚCLEOS TEMÁTICOS DEL LIBRO Diseño paradigmático. El BKF diseñado por Antonio Bonet (arquitecto catalán), Juan Kurchan (urbanista argentino, miembro de Harpa, de Six) y Jorge Ferrari-Hardoy (arquitecto argentino), todos integrantes del equipo de Le Corbusier para el Plan de Buenos Aires de 1929. Piezas únicas. “Safari” de Amancio Williams. El diseño de muebles económicos, ready made y la firma Eugenio Diez. Comte. Primera fábrica de muebles modernos y el trabajo de Jean Michel Frank. Interieur-Forma y una trayectoria desde Europa a América del Sud. César Jannello y la Feria de Mendoza. OAM con su grupo de diez arquitectos. La ergonomía a cargo de Gerardo Clusellas y los estudios estroboscópicos con Horacio Cóppola. Liévore y Pensi. Dos diseñadores que triunfaron en Barcelona. Diseñadores con locales comerciales. Harpa, Six, Stilka, Buró, Herman y Walter Loos, Atelier, Churba.

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+ mundo creativo

Texto: Natalia Iscaro @Natusfila

premium

LV & Marc Jacobs

Alianza creativa, de festejo Si una personalidad creativa es una fuente inagotable de energía explosiva, no es necesario imaginar lo que dos personalidades creativas pueden aportarle, en este caso, a una marca. Por eso, cuando en 1997, Marc Jacobs -para ese entonces, ya una promesa consagrada de la moda- se sumó a la dirección artística de Louis Vuitton (fundado por el homónimo revolucionador de la industria de los baúles), el resultado fue una sucesión de éxitos comerciales, pero, por sobre todo, el triunfo de una visión de la moda que aún hoy sorprende, y desvela a consumidores de todo el mundo. Para rendir un merecido homenaje a esta fusión, el Museo de Arte Decorativo de París presenta, desde marzo y hasta el 16 de septiembre, la muestra Louis Vuitton – Marc Jacobs. Dos innovadores, cada uno en su siglo, que han sabido motorizar a la industria y también, cada uno en su propio lenguaje, han adecuado los códigos y tendencias, para marcar hitos en la historia de la moda contemporánea. Con un espacio de exhibición diseñado por Gainsbury y Bennet, la muestra se explaya a lo largo de dos pisos, uno por cada creador, con baúles, moda y las colecciones más emblemáticas de la maison. La exposición se suma a la edición limitada de un libro: “Louis Vuitton – Marc Jacobs”, con la edición de Pamela Golbin

(curadora de moda y textiles del Museo de Arte Decorativo de París). En él, la historia es la protagonista. La moda y época parisina se recorre en sus páginas, y bajo un crisol de su era, se detecta donde yace la genialidad de aquél Louis que se inició como productor de “cajones paquetes” exclusivos, y que ascendió hasta convertirse en proveedor, asesor y amigo de princesas y estrellas. Por su parte, a su camarada y sucesor, Marc Jacobs, se lo descubre como un revolucionario, quien supo captar de su tiempo un criterio eficiente en términos de marketing, y a la vez, llegó a comprender al glamour y sofisticación de una casa que no es una compañía de moda, sino la productora de una idea de moda, “que cambia de acuerdo al estado de ánimo de la época, los íconos de la cultura popular. Pero el corazón de la marca permanece inalterable”, según afirma el propio Jacobs. Así, para recorrer y para leer, 15 años de fusión creativa que aún da sus frutos. “La mujer Louis Vuitton está reflejada en la calidad. La calidad que está dentro de muchas mujeres y que necesita aflorar, ser notada y reconocida”, reafirma el continuador del legado. Larga vida a Vuitton. + www.louisvuitton.com


+ Serie Noche, 2009-2010.

portfolio fotográfico

Mariano Botas | Curador: Aldo Bressi Mariano Botas nació en Buenos Aires, en 1969. Es artista plástico, y trabaja como fotógrafo en forma independiente, desde hace quince años. Utiliza cámaras de medio formato analógicas y 35 milímetros digital. Su búsqueda personal está orientada hacia la perfección de la luz, y sus imágenes se desprenden de su formación pictórica. + www.marianobotas.com

Link a la nota: http://9010.co/MarianoBotas


+ Serie Noche, 2009-2010.


+ Serie Noche, 2009-2010.


+ Serie Noche, 2009-2010.


+ Serie Noche, 2009-2010.


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+ mundo creativo

Texto: Ricardo Sametband @rsametband

gadgets

Para recargar baterías: Sony CP-A2LS y PowerTrekk Dos opciones para recargar la batería de nuestro dispositivo portátil. La primera es la batería portátil de 4000 mAh de capacidad que vende Sony, que tiene dos puertos USB para dar energía a otros dispositivos, y que tiene un precio en la Argentina de $ 270. La segunda alternativa para darle energía a un móvil o dispositivo similar, viene de la mano de una compañía sueca que vende un generador de bolsillo alimentado de agua y unas pastillas especiales que tienen un polvo no tóxico que, en contacto con el agua, se volatilizada y funciona de combustible para el generador. Sale a la venta en mayo próximo, y cada pastilla -útil para una recarga de un móviltiene un precio de € 3. + www.sony.com.ar | www.powertrekk.com

Nike+ FuelBand El fabricante de indumentaria deportiva presentó un dispositivo electrónico: se trata de una pulsera que mide los movimientos del usuario durante el día (pasos y otros movimientos de los brazos, tiempo de actividad, calorías que en teoría se gastaron por estas acciones). Permite, luego, subir esa información al sitio de Nike y comprobar nuestro rendimiento, además de tener una aplicación para iPhone o PC, que termine determinar qué tanta actividad física estamos haciendo. El precio en los Estados Unidos es de U$S 149. + www.nike.com


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mundo creativo 125 gadgets

Nikon D800

RIM BlackBerry 9860

A unas pocas páginas de este texto, se puede encontrar un móvil con un chip de 41 píxeles. Increíble, pero aún así, no llega a compararse con el sensor de 36 píxeles y los lentes que puede usar la nueva D800 (€ 3000) que, además, graba video en Full HD con foco continuo, usa tarjetas SDXC y Compact Flash y puede capturar hasta 4 imágenes por segundo. + www.nikon.com.ar

El atribulado fabricante de móviles está renovando toda su línea de equipos, y trajo a la Argentina el Torch 9860. Como el Storm de hace unos años, es un BlackBerry sin teclado, pero con una pantalla sensible al tacto de 3,7”, chip a 1,2 GHz, 768 MB de RAM, una cámara digital de 5 megaíixeles capaz de grabar video en alta definición y sistema operativo BlackBerry 7, con más funciones adaptadas al uso de los dedos en pantalla y nuevos gráficos. Está a la venta en Movistar por $ 2299. + www.ar.blackberry.com | www.movistar.com.ar

Skunk Juice

Pivot Head Durango

Los nuevos auriculares Skunk Juice tienen una particularidad: se pueden enganchar a otros, para compartir el audio del dispositivo al que está conectado el primero, y llevarlo hasta a cuatro pares de auriculares, sin pérdida de calidad de audio ni conectores complicados. El set básico de dos pares de auriculares intraurales tiene un precio en la Argentina de $ 219. + www.skunkjuiceearbuds.com

Parecen salidos de una película de James Bond, pero no son más que un par anteojos deportivos con una cámara disimulada en el marco, capaz de registrar video en calidad Full HD o tomar fotos de hasta 8 megapíxeles, y almacenar todo ese registro en su memoria interna de 8 gigabytes. Tiene estabilización de imagen, y su precio en los Estados Unidos es de U$S 350. + www.pivothead.com


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+ mundo creativo

vehículos

Texto: Elvio Orellana @emorellana33 Estos autos y más encontralos en Deautos.com

+ Peugeot 5008

Peugeot 308 y 5008 Luego de que en diciembre se realizara su lanzamiento industrial en la planta del Palomar, la firma francesa concretó el lanzamiento formal del 308. Lo hizo en la ciudad de Mendoza, lugar donde pudimos tomar contacto con él. El 308, reemplazante del 307, se ofrece con dos motorizaciones nafteras (1.6 16v con 115 caballos y 2.0 16v con 143 caballos), y una turbodiesel (1.6 HDi de 115 caballos, con caja manual de 5 velocidades). El valor de inicio del 308 es de $ 104 mil, ascendiendo hasta los $ 144 mil de las versiones más equipadas. La otra novedad de la marca está en torno al monovolumen 5008 de 7 plazas. Importada desde Francia, se encuentra equipada con un motor naftero de 1.6 litros de 16v de 156 caballos, asociada a una caja manual de 6 velocidades. Su disponibilidad es inmediata, y se comercializa en dos versiones, según nivel de equipamiento: Allure, a $164.000 y Allure Plus, a $185.000. + www.peugeot.com.ar

+ Peugeot 308

Chevrolet Cruze SW El Cruze llegó a la Argentina a fines de 2010, en su carrocería de 4 puertas con baúl. Durante el transcurso de 2011, apareció su versión de 5 puertas tipo hatchback, que fue lanzada en diciembre pasado en nuestro país, y ya es un insipiente éxito de ventas. Ahora, la marca dio a conocer la rural, una nueva versión que debutó en el Salón del Automóvil de Ginebra. Chevrolet informó que la capacidad de su baúl oscila entre los 500 y 1.500 litros, buenas cifras dada su longitud total de 4,67 metros, más largo que cualquier otro Cruze, pues el sedán mide 4,59 y el hatchback 4,51. + www.chevrolet.com.ar


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Estos autos y más encontralos en Deautos.com

Chevrolet S10 Después de vender durante 16 años el mismo modelo, Chevrolet finalmente exhibió su renovada pick up, en la ciudad de Campinias, Brasil. Hasta allí fuimos para conducirla sobre las pistas de asfalto, tierra y barro, del campo de pruebas de General Motors en Cruz Alta.

mundo creativo 127 vehículos

Diseñada por el Centro de Desarrollo de GM Sudamérica en Brasil, la nueva S10 exhibe claros rasgos del nuevo ADN global de GM, el cual se refleja en la parrilla biseccionada y el moño Chevrolet por delante. Algunas de sus nuevas características, tales como líneas modernas y aspecto robusto, portaequipajes, estribos, llantas de aleación de 17” y su nuevo motor turbodiesel CTDI de 2.8 litros de 180 caballos, son argumentos por los que la marca confía en ganar el 15% del segmento en este 2012. Su lanzamiento en nuestro mercado será de manera paulatina, con la versión tope de gama (LTZ), con doble cabina, tracción integral y caja automática. El resto de la gama: cabina simple o doble, tracción 4x2 ó 4x4, y tres diferentes niveles de equipamiento (LS, LT y LTZ), se irá sumando en el transcurso de los meses siguientes, y se completará a finales del año 2013. Aún no se informaron los valores de venta. + www.chevrolet.com.ar

smart Fortwo

Citroën C1

Luego de su segundo restyling en el 2007, el smart luce una nueva imagen, que fue develada en reciente Salón del Automóvil de Ginebra. Entre sus cambios más relevantes, se destacan su paragolpes delantero más agresivo, nuevas llantas de aleación, y luces de LED diurnas, que van de manera horizontal en el paragolpes, y nuevos colores para paneles de la carrocería y de techo, para la variante cabrio. Permanecen intactas las opciones de motorización, es decir, un motor naftero de 1.0 litros, de 84 caballos. Con este último, logra un consumo de 5 litros de nafta cada 100 km, y alcanza los 145 km/h. + www.smart.com

En un segmento donde el Smart Fortwo es el máximo referente, el grupo PSA presentó un importante lavado de cara del C1, un modelo urbano que transita por las calles del viejo continente hace más de siete años.

Toyota Prado

Mitsubishi Outlander

Toyota Argentina lanzó una nueva versión 4x4 a su modelo Land Cruiser Prado. La nueva oferta, ubicada como entrada de gama, se denomina TXL. Esta versión, al igual que el resto de la gama, ofrece un motor V6 4.0 de 275 CV y torque de 381 Nm a 4.400 rpm. En cuanto a la transmisión, cuenta con una caja automática de 5 marchas, con comando secuencial. No obstante, al ser la versión más accesible del Land Cruiser Prado, no fue excusa para escapar de la modificación de los impuestos internos a los bienes de lujo, con la cual varios modelos de Toyota fueron afectados. Por esta razón, su valor es de U$S 77.600. + www.toyota.com.ar

La firma japonesa presentó en nuestro mercado al Outlander Sport, un SUV que, como parte de un acuerdo global, comparte plataforma y buena parte de su diseño con el Peugeot 4008 y el Citroën C4 Aircross. Su llegada es por demás prometedora, ya que apuesta a diferenciarse, con un sistema de tracción integral más refinado y robusto, y con diferencial delantero autoblocante (además del trasero), lo que la hace ubicarse un peldaño más arriba de sus competidores. Viene con motor naftero de 150 CVT y caja manual de 5 marchas, o automática CVT de 6. + www.mitsubishi.com www.alfacar.com

Esta nueva versión, trae paragolpes delanteros rediseñados, luces diurnas de LED y faros delanteros más redondeados. Bajo su capó esconde un motor de 1.0 litros, de 68 caballos, con caja manual o automática. Su llegada a la Argentina aún no está prevista. + www.citroen.com.ar


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+ english summary BAFWeek Special Fall-Winter 2012 Design and Diversity

Translated by: Lucrecia Bertani

Pages 052-061

For four intense days, the most important brands and emerging designers took the stage to present the latest local fashion trends for the Fall-Winter season. With about eight fashion shows per day, the proposal of María Vázquez, Tramando, Garza Lobos, HE, Grupo 134, Vicki Otero, and Amores Trash Couture, among others could be seen. Besides, Pablo Ramírez had his ‘gala’ moment, in the Golden Room of the Colón Theatre. Furthermore, one of the biggest innovations in this edition was the presence of the Buenos Aires City Government in the BAFWeek, with the ‘Buenos Aires Runway’: a space for emerging designers and local talents. There, the shows of brands such as Cosecha Prendas Vintage, Mariana Dappiano, Varanasi and Bandoleiro were shown. As emerging designers, Paula Ledesma, Marcelo Giacobbe and the Proyecto Cuadrilla were part of the show. Once again, a more experimental design was propelled by means of the Semillero UBA, which seeks to stimulate the work of young talents, bringing creative contents into the Argentine textile and apparel industry. Thus, the three students who showed their productions on the runway were chosen: Vanesa Miño and the duo Lucía Carrasco Ferragut and Julieta Lombar. The ‘Design Map’ Runway The Inner Look

This is the first time that the most important week in Argentine fashion includes designers from the interior of the country in its schedule. They were part of a runway curated by the INTI’s Trends Observatory, called ‘Design Map’ in which the creative and productive concepts of the collections of four designer brands were displayed. Representing a diversity of geographic scenarios, symbolic heritage, and creative languages, they depicted the regions where they come from. These designers were: Santos Liendro (Salta), Fabiola Brandán (Tucumán), Quier (Rosario, Santa Fe), and Leo Peralta (Mendoza). Marcelo Giacobbe

For the last ten years, Marcelo Giacobbe orbits the local fashion universe. During some time, he worked for many brands and designers until 2008, when he started to create his own firm. Today, he not only designs wedding dresses, but he also creates prêt-à-couture and tailor-made garments, which combine a male cut style with female details. His style is a mix among different situations and feelings: the romantic and idealist of dressmaking on one side, and the accuracy and rationality of tailoring on the other. “Aesthetically speaking, I intend to transport the user to another time, while avoiding the creation of vintage design”. Bandoleiro

Gerardo Dubois is Bandoleiro, and Bandoleiro is Gerardo Dubois. This designer started his own menswear firm by the end of 2008, after having spent several years learning the craft when working for other apparel brands, and having left behind an academic career. His style is avant-garde and crafty, very visual and conceptual at the same time, narrative and imaginative, fetish and echo. “Most of the materials I use for my collections are recycled: textile surplus or intervention of curtains fabrics, towels, sofas and mattresses”. Martí Guixé Design Excitement

Pages 062-064

Simple, original and with a groundbreaking view, the Span-

ish creative Martí Guixé devotes himself to solving modern life problems, giving shape and style to everyday objects. He does not believe in inspiration. He works, however, with parameters, information, and abstract knowledge, which later enable him to translate his ideas and write them down in paper. He does not have a work routine. He begins with sketches and then continues with the details, although this is an “antiroutine” dynamic, in which “things get done while they come out” with a team conformed by five people. Tables, beds, rugs, sugar bowls, toys, lamps, adhesive tape, shelves and a variety of books. These compose an unbeatable and unique Guixé collection of objects that can be obtained in the most well-known international stores, such as Magis, Alessi, BD, Danese, and Nanimarquina. A group of shapes and colours that define him as one of the most original and pragmatic contemporary artists. Romina Cardillo The Other Message of Design

Pages 066-069

The Fall-Winter 2012 fashion show in BAFWeek showed the second collection of Romina Cardillo as a solo artist for Grupo 134 -last year, her partner Diana Muia left the firm they both created four years ago-. “An introspective collection, full of clothes that I personally like,” she describes. “Through clothes, we focused in providing sustainability, functionality, detail, rather than trends,” Romina explains. She is one of the many designers who believe that creativity shouldn’t be valued just in the amount of resources shown in one piece of clothing. Besides, when she speaks in the plural she clearly shows that within her brand, the designing process is all about team work. + How do you imagine Grupo 134 in ten years time? RC As a brand that was able to show that there is another way of doing fashion. Fashion can be frivolous, but the people who work within this world can be otherwise. Jorge Colombo 19th Century iPhone Illustrations

Pages 070-073

The Portuguese illustrator Jorge Colombo is a faithful protagonist in the use of the iPhone to create his watercolours paintings. He has been living in New York for over a decade. Amongst editorial illustrations, personal watercolours, street portraits, art exhibitions, photography projects, three books of his works published in Portugal, and the recognition of his extensive work for The New Yorker, Colombo was able to establish himself as one of the most important illustrators in just a decade. Overnight, he threw himself fully into illustrating with his iPhone “brushes”. “I couldn’t deal anymore with waiting. Execution needs to be fast, life is too short”. Diego Giaccone Feeding Freshness

Pages 074-077

He is the Director of SURe, the founder of the Reality Design event, a member of a group that creates fonts, a partner of a wine initiative for entrepreneurs and a long list of things that changes over time and pages: as he is also a columnist for this magazine. Skeptical about the excess of professionalism, boundaries and preconceived formulas, he promotes the contact with the brands’ hearts and feeds his own imagination –and his team’s- with theatre, stand-up, and electric guitar classes. After twenty years of career and an extensive experience in branding, he is an example of what the new model of a creative entrepreneur is today.


english summary

+ What are the boundaries in design? DG To think that design is essential in our lives is a mistake. When thinking about marketing and brands, design is crucial. However, when thinking about life in general, we are not engineers or doctors; but at the same time, we have to seize design, to take chances that can not be taken in other positions. Experience allows you to understand that all risks should be taken for the brand’s sake, not for the whim of a designer. Oscar H Grand Sewed with Tradition and Innovation

Pages 078-079

He is a tailor who owns a shop hidden in the neighbourhood of Borne in Barcelona, where one can hide from the noise of the city, choose every detail of the dress or garment you want, and have the pleasure of having Oscar making it, step by step, with just the necessary time. Finally, go out in the delight of having this piece knowing that it fits you like a glove. “There is always a group of people who seek and can afford this young, craft-like, personal, exclusive product, which is different from all the industrial and massive ones”. IMM Cologne The Origin of Diversity

Pages 096-097

Origin, training, and tradition in the search of a unique style. These are the distinctive elements in the manifestos for emerging designers in the great furniture exhibitions. This is proved by the recent international fair in Cologne, Germany, which took place between January 16th and 22nd that gathered exhibitors from all over the world, to review the latest trends in furniture and interiors. Urban Station A Space for Nomadic Workers

Pages 098-099

In a world where job mobility is the order of the day, nomadic workers now have a format that provides for their needs. For the past two years, a group of four entrepreneurs from the corporate world conceived Urban Station as a meeting place for those without an office of their own, who seek to temporary get hold of a desk. This urban working station has a number of amenities: broadband Wi-Fi access, free coffee, printer, scanner and fax, besides the possibility to make presentations, conference calls, buy stationery products and also use available bicycles. All included in the same price. Geneva Motor Show A Window to the Future

Pages 100-103

For the 82nd time, the city of Geneva became the venue of the new edition of the International Motor Show. Every brand’s latest concepts, which will later land in those territories, could be seen. There was also a place to appreciate different prototypes, used to assess new trends regarding design and technology. A select group of brands decided to go for the sports cars segment, such as Audi, Citroën, and Mercedes-Benz. With views upon a not so distant future, other brands exhibited cars that present environmentally friendly technologies, such as Toyota, Honda, Peugeot, and Renault. Some models were also present, editions already known in these latitudes but with different configurations and bodyworks. This was the case of Citroën, Fiat, Ford, VW and Alfa Romeo. Puma Urban Art Art that Sprouts in the Streets

Pages 104-108

The fifth edition of the Puma Urban Art agenda had the pres-

+ 129

ence of local and international urban art referents, concerts, exhibitions, lectures, and screenings of documentaries, among other activities. Two important artists were invited; whose works gather fans around the world: Jeremy Fish and Ron English. The music section began with the presentation of the French Vicarious Bliss and the Chileans New Kids on the Noise, who delighted all the attendants during the exclusive opening of the festival. The art section gathered a large and interesting list of national exponents, practitioners of different disciplines such as illustration, murals, photography and more. Mobile World Congress Barcelona Monsters

Pages 110-111

Which are the newest smart phones presented at the last Mobile Congress in Barcelona? Every year, it seems that nothing new could come up –anything that isn’t just simply a smaller iteration of the already known–. However, every year some equipment stands out for offering something a little different. The most outstanding example of this could be the Nokia 808 PureView, which has an image sensor for its 41 megapixels photo camera. Another novelty is the Galaxy Beam, a mobile with a built-in projector: it allows you to create a movie theatre anywhere you are, as long as you have this phone and a wall or a movie screen. Samsung presented its tablet Galaxy Note 10.1: after the mobile phone with the same name, it includes a pencil to write on the screen, while adding a couple of Adobe applications for image editing within the tablet. Regarding other operating systems, Microsoft enabled the beta version of its next OS for PCs and tablets, the Windows 8. Bombay Sapphire Vapour Infusion Unique Multisensory Experience

Pages 112-113

This time, the German avant-garde artist Moritz Waldemeyer joins the long list of names that have collaborated with Bombay Sapphire. He has done it to put his personal style in a piece that offers a multisensory experience. Using technology in a creative way, he illustrates the special distillation process that is used to make this gin. Argentine Design and Production of Furniture Pages 114-117 The Past, a Memorable Future

Martha Levisman, a leading researcher on project development in Argentina, faces a new historical publication about the beginning of national design. This study provides a fresh look upon the faint known story, as a set of relations that allows us to read between lines the swinging of this profession and to highlight it creative force. The outlook included a sharp vision on the causes and consequences that enabled the creation and evolution of this discipline, others that sought its extinction, and to match a current testimony in which design is vitalized. The creative optimism is a common factor in this story, the driving force that makes a society better, shown in a contradictory and fascinating country. Photography Portfolio Mariano Botas

Pages 119-123

He is a visual artist and has been working as an independent photographer for the last fifteen years. He uses medium format analogue cameras and a 35 mm digital one. His personal search is focused towards the perfection of light, and his images emerge from his pictorial training. +


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Leonardo Castro es quien está al frente de Awax Textiles, que desde hace diez años crea tejidos a mano desde El Palomar (Buenos Aires), utilizando fibras naturales y sin proceso industrial en su elaboración. Desarrollando una técnica propia de tejido, y en la búsqueda de distintos complementos, encontraron en las cámaras neumáticas, el cuero y las mangueras para incendio un material para expresar su arte. Así crearon Fire-hose, un bolso resultado de la reutilización de mangueras para incendio que han cumplido su ciclo de vida útil. Mide 30x32x10cm, está forrado por dentro y trae una correa del mismo material. Es resistente, impermeable y seguro. Los bolsos de Awax (que en quechua significa “tejedor”) se consiguen en Tienda Konex (Buenos Aires), Alma Pampa (Aeropuerto Internacional de Ezeiza) y hasta en Japón, (Tokyo y Osaka) y el Reino Unido (Londres). + www.awax.com.ar


Revista 90+10 #37  

Marzo - Abril 2012. Especial BAFWeek, la semana de la moda argentina, con las propuestas otoño-invierno 2012. Con entrevistas a los jóvenes...

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